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Gottfried

Helnwein NADA HUMANO ME ES AJENO

Planeta


Título original: Gottfried Helnwein, “Nada humano me es ajeno”. Este libro no podrá ser reproducido, total ni parcialmente, sin el previo permiso escrito del editor. Todos los derechos reservados. Edición general: Jimmy Carrasco Rojas. Redacción de textos: Jimmy Carrasco Rojas. Editorial Planeta S.A. 2010 Av. 11 de Sept. Providencia, Santiago - Chile Teléfono: 652 2900 / Fax: 652 2912 E-mail: info@planeta.cl Primera edición: diciembre de 2010 Printed in Chile / Impreso en Chile ISBN: 978-956-258-307-7 Impresión y encuadernación: Iplot, Palencia Diseño de tapa: Jimmy Carrasco Rojas


Gottfried Helnwein NADA HUMANO ME ES AJENO

Planeta


AGREDE SI MIENTO. Después de haber investigado, leído, recopilado y editado cada palabra e imágen que se encuentran en este libro, agradezco cada día más por las oportunidades que he tenido, por tener una vida llena de felicidad y de tranquilidad. Siento que el trabajo de Gottfried Helnwein puede tener una intención de incitar al morbo, pero lo único que él espera, es que se conozan las terribles realidades que viven muchas personas y muchos niños, como en las guerras, como el deseo de poder, la ironía con la que describe a personajes populares como Mickey Mouse o el Pato Donald, y a la televisión. Agradezco a mi familia, por siempre apoyarme incondicionalmente en todo, en especial a mi madre por ser como ha sido conmigo, por retarme, por escucharme, por alentarme, y sobre todo amarme. Agradezco a la gente que que me ayudó con esto, a la Cami, al Martín por hacerme tan felíz y volver a hacer que me sorprenda con cosas tan básicas y cotidianas como ver un perro o que me ría de sus gracias al bailar y de su eterna sonrisa, le agradezco también al Tata, a la Vale, al Pato, a la Coty, a la Jana, al Joaquín, al Marco, al Camilo, y por su puesto a los amigos. Le agradezco a las veces que hice mal las cosas, por que gracias a ellas pude volver a hacerlas de una mejor forma.


PRÓLOGO. Era como ver la luz del día una vez más para alguien que había sido atrapados bajo tierra por una mina al desastre por muchos días. Me miró de soslayo, porque mis ojos no se había acostumbrado al sol deslumbrante brillo de Patolandia, sin embargo, y me chupaba con avidez la brisa fresca en mis pulmones de polvo que llegó a la deriva más de la bandeja de dinero el tío Scrooge. Estaba de vuelta a casa otra vez, en un mundo decente donde se podía obtener aplastado por los rodillos de vapor y perforados por las balas, sin daños graves. Un mundo en el que la gente todavía se veía decente, con el pico amarillo o negro en lugar de perillas de las narices. Y allí conocí al hombre que cambiaría mi vida. “Nada humano me es ajeno”, quiero dar ese enfoque a este proyecto, ya que Helnwein plantea una profunda reflexión hacia el dolor humano, tanto del cuerpo como del alma, en especial con los niños, los que siempre terminan siendo las víctimas más dañadas. El poder reflejar a través del arte el alma dañada de un ser humano, es muy difícil de reflejar y de abordar, las miradas y expresiones de cada una de estas criaturas, el lenguaje corporal de sus fotografías, reflejan heridas que pueden percibirse desde lejos, no solo en sus expresiones sino en sus acciones. Cabe destacar que su obra puede ser bastante censurada e incluso repudiada, pero nada de lo que se diga no ha ocurrido, todo se basa en una inspiración real y existente, mas bien, es el espectador quien muchas veces se autocensura, quizás por que nunca se ha detenido ha mirar y reflexionar lo que realmente ocurre.


“Yo sé que existen ojos melancólicos, fríos. Que no guardaron nunca ni secretos ni anhelos; como estuches sin joyas, relicarios vacíos, ¡vacíos y profundos como los mismos cielos! Mas ¿no basta que sea tan sólo la apariencia Para este corazón que huye de la verdad? Tu estupidez, ¿que importa? Y ¿qué tu indiferencia? Máscara o decorado ¡yo adoro tu beldad!”. Charles Baudulaire.


CONTENIDOS. REBELDE PROTESTA

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NADA HUMANO ME ES AJENO

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THE GOLDEN AGE OF GROTESQUE

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EL NUEVO ARTE DEL DOLOR

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HERRAMIENTA DOCUMENTAL

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NIÑOS EN SU OBRA

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COMO VÍCTIMA, COMO MÁRTIR

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ÁNGELES CAÍDOS

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REBELDE PROTESTA


Self Portrait, 1991 10


Nació en Viena, Alemania, en el año 1948. Su infancia la vive bajo las transformaciones sociales de Alemania dividida en Oriente y Occidente, viviendo los cambios ideológicos y restricciones en la comunicación, debido a las políticas de gobierno instauradas después de la segunda guerra mundial. Estudió artes plásticas en la universidad de Viena. En sus épocas de estudiante fué un alumno rebelde, que practicaba rituales al estilo performance o body art con la intención de utilizar la sangre y la violencia no sólo como protesta, sino con el intento de crear arte de vanguardia muy de moda en esos tiempos. Realiza su primer Happening con pequeñas audiencias en las que se corta las manos y la cara con una navaja de rasurar. Participa en el incendio de la academia junto con dos compañeros, causando severos daños, por lo que es detenido y llevado por las autoridades a investigación creyendo que el incidente tenía influencias políticas y sociales. En 1972 recibe el premio Kardinal Köing por las primeras apariciones de Aktions en Viena, en todo tipo de lugares públicos. En la exhibición de Viena Künsterlhaus varias personas ponen un manifiesto por fuera con la palabra “Entartete Kunst” (término del nazismo que significa arte degenerado) en estampas por toda la obra de Helnwein. En la apertura de la galería D in Mödling, el alcalde confisca su obra. Siempre ha mantenido un profundo interés por el cine, la literatura, la música y el teatro, encontrando en todas estas ramas de la estética herramientas de sustento para su proceso creativo, siendo para él la pintura y la fotografía el medio donde mejor se desenvuelve para dar a conocer su brillante obra. Imágenes de una lúgubre atmósfera.

REBELDE PROTESTA

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Black Mirror V, 1987

Capaz de abatirnos por mostrar la demencia de lo que puede llegar a hacer el hombre con su prójimo cuando es por el afán de destruir, gobernar o conquistar. A cambio nos devuelve lo que pulveriza, para hacernos imaginables un mundo relativo a la historia de comunidad. En toda la obra de este fotográfo abunda la mirada social, una crítica al hombre que se puede llegar a comprender en la intención de uso de la luz para crear drama e ironía, en una imagen predeterminada donde combina el sadimso con el erotismo. Dentro de su trayectoria es un artista con una obra que se ha exhibido en importantes museos y galerías alrededor del mundo. Ha tenido la oportunidad de trabajar con importantes directores, cineastas, músicos, actores; gente importante a nivel político, intelectual y artístico.

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REBELDE PROTESTA

Self Portrait, 1984

En su vida privada es una persona casada y con dos hijos; su familia es una parte elemental en su vida y esto se ve reflejado en su obra en su obra, ya que en algunas de sus obras, ya sea fotografía o pintura, aparecen como modelos. Actualmente reside en un castillo en las afueras de Irlanda con su familia, en donde está su taller. Este artista alemán utiliza el dolor como una forma directa de manifestar nuevas sensaciones, logrando manipular las escenas, siendo el mimso objeto para describir sus sentimientos en una gran obra de arte. En cada pieza están contenidas las sensaciones del der humano; tratando de hacer visible el dolor del hombre y al mimso tiempo reflejar qué ese dolor es provocado por él mismo.


NADA HUMANO ME ES AJENO 13


A lo largo del siglo XX y lo que llevamos de este, el arte se ha visto envuelto en una serie de transiciones cambiando ideales y revolucionando su propia definición, creo que su función se ha modificado después del siglo XX. Al vivir atrocidades históricas, él hombre terminó siendo un ser miserable pero con posibles que permiten traerle un poco de felicidad, que convierten lagrimas en risas pues al final, el llorar como el reír vienen de lo mismo. Utilizando el dolor como una posible forma de manifestar algo, los artistas lograron transformar ese sentimiento en grandes obra de arte. Para ellos el proceso de creación terminó siendo: “Elaborar como materia propia la irremediable miseria de la materia humana, evitando la ofuscación producida por un sistema de prejuicios y reconduciendo al hombre a la expresión de lo vital y lo verdadero. (…) convirtiendo en ilusoria cualquier otra posibilidad. Solo de esta forma el hombre puede expresar, y por lo tanto retener y hacer propias, sensaciones inasibles y determinantes de la vida, como el deseo, la piedad, la desesperación y el terror”. 14

NADA HUMANO ME ES AJENO

Esta frase descifra un poco la temática que abordan las obras de Helnwein, donde en cada pieza están contenidas las sensaciones del ser humano; tratar de hacer visible el dolor del hombre y al mismo tiempo reflejar qué ese dolor es provocado por él mismo. La idea de transmitir a través del arte el dolor provoca una serie de experiencias catárticas que permiten hacer de ese dolor universal una traducción hacia uno más personal, que provoque en el espectador una sensación que muchas veces deberá ser traducida como reflexión, universal para que sea identificado por cualquier hombre que contemple sus obras.


El Murmullo de los Inocentes, 2009 15


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Novena Noche de noviembre, 2010 Instalaci贸n Tel Aviv, Israel 17


“¡Nada humano me es ajeno!”. A pesar de vivir en una era que se describe sin alma, siempre hay una energía que proviene de algún lugar extraño, una simple manifestación artística que permite hacer de una sola imagen algo que sea comprendido por la mayoría. El llanto de un niño es un símbolo universal en el que su comprensión no necesita de idiomas ni idiosincrasias, es por eso que el arte de Helnwein legitima esta experiencia, porque de entrada, el centrarse en el ser humano mantiene una sola lectura; la del ser humano; cualquier dolor y sensación me es conocida sin tenerla que haber vivido, ya que puedo y sé como comprenderla. Lo interesante de los personajes de Helnwein es que aborda toda toda la psicología del hombre del siglo XX que se ve afectado de manera interna y externa, es decir, refleja lo susceptible y frágil del ser. Lo que hace original su obra es la manera en cómo decide llegar al espectador, llevándolo hacia puntos clave donde pueda verlo; las vías públicas, iglesias , salidas de metro, centros de reunión en ciudades importantes; logrando que sus imágenes le lleguen al espectador a la manera de un anuncio comercial, o un cartel puramente publicitario,

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NADA HUMANO ME ES AJENO

pero él sí entrega un mensaje a la gente, a diferencia de cualquier producto que es únicamente propaganda, el contenido que aborda su obra hace cuestionarse al espectador sobre los valores que se han instaurado a lo largo de la historia; intenta su reflexión; decide manipularlo y provocarlo. El espectador, al sentirse horrorizado e insultado, termina por aborrecer las imágenes. Debido a esto, en varias ocasiones su obra se ha visto prohibida y agredida por el público, pués lo que continuamente está plantendo Helnwein es una desmitificación hacia todo lo establecido por el “establishment”, por eso trabaja con fotografías y pinturas de personajes del siglo XX que generalmente están presentes en los círculos intelectuales (cineastas, filósofos, escritores, pintores) y figuras públicas (pop stars, productores, políticos rebeldes, activistas, comunicólogos) que han sido precursores de su época y tiempo.


Rules of Attraction, 2002

El espectador, a través de los modelos de Helnwein, se pregunta sobre su propia vida, sobre la sociedad a la que pertenece y sobre el bien y el mal; además de esto logra con sus accesorios (símbolos religiosos), que en su mayoría mantienen múltiples lecturas; pone en duda lo que es el racismo exaltando el movimiento nazi que es parte de la propia tradición alemana, la religión católica y los valores que instauran la iglesia, la ciencia, la ficción, el capitalismo y sobre todo, lo que somos como mundo manipulado por los medios de comunicación, el impacto de la mercadotecnica y de la economía global...

”El mundo, como dice Heidegger, es el mundo para la muerte. El mundo donde la comunicación se ha convertido en el estatuto mismo del anonimato. Hoy, más que nunca somos cultura de la imagen. Nominalismo tecnológico donde, entre lo representado y la realidad, el hombre prefiere lo representado como el único consuelo factible a su esquizofrenia. Al fin y al cabo, es mejor mirar un noticiero donde se habla de la muerte de nadie que oír de la injusticia cometida con el que está a mi lado”.

NADA HUMANO ME ES AJENO

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Helnwein crea imágenes alucinatorias de la ensoñación, y es con gestos de gran alcance de la luz y la sombra que seduce al espectador, así es como él describe las secuelas de la violencia, la brutalidad y el sufrimiento. Sus pinturas representan a menudo los niños como víctimas de la violencia inexplicable, en representación de ellos como personajes arquetípicos en un teatro de la crueldad perpetrados por fuerzas invisibles. Igualmente de fascinante son personificados por el artista, Mickey Mouse y figuras de anime, lanzando en su exploración en curso la ansiedad psicológica y sociológica y demostrando los más oscuros impulsos de aquella sociedad. El trabajo de Helnwein visualmente recuerda tanto a la pintura de viejo maestro y la cinematografía contemporánea. Su uso de la iluminación y el mal en escena, a menudo crea una atmósfera de angustia. Es un tratamiento pictórico del artista de actos incalificables que ofrece al espectador sólo la comodidad suficiente para contemplar los horrores que él representa y es su manejo magistral de las imágenes pintadas que refuerce la tranquila belleza, intrínseca de sus súbditos.

The Disaster of the Wars, 2010 óleo y acrílico sobre lienzo.


THE GOLDEN AGE OF GROTESQUE 21


Narcoticos, degradación y decadencia de la Alemania Weimer. “The Golden Age of Grotesque” salió a recapturar los elementos de exitación, decadencia y el espiritu descontrolado del “vive hoy porque no hay mañana” de la post guerra (primera guerra mundial) en la Alemania Weimar y de la vida nocturna infundida en absenta en Paris de finales del siglo XIX. Un Aspecto de la interpretacion de Manson en la gira Grotesk Burlesk, asi como tambien de la imaginería en The Golden Age of Grotesque era la vida nocturna Parisina cargada de absenta en la Francia de fines del siglo XIX. La vida nocturna era a veces descrita por el artista de fines del siglo XIX Henri de Toulouse-Lautrec, quien se ganó su fama diseñando posters para el Moulin Rouge y sus populares intérpretes femeninas del club durante esa era, tales como Jane Avril, Yvette Guilbert y May Belfort, a quien Manson adoptó como parte de su actuación. Fascinado con la vida nocturna, decadencia y lesbianismo, él abandonó su estilo de vida burgués para introducirse de lleno en la vida nocturna Parisina, en un punto llegando a vivir en un burdel, usándolo para su inspiración artística. Toulouse-Lautrec era deforme y enano, y cuando se le indagaba respecto a la grotesca y poco favorecedora forma en que retrataba a sus modelos, respondia que tal representación era un reflejo de la disposición a la que estaba mas familiarizado, la suya. 22

THE GOLDEN AGE


“Creo que la cura para la depresión es cualquier expresión del corazón y Gottfried Helnwein fué uno de los que mas apoyo me dió. Él fué quien me dió ese consejo, y correctamente así es como sucedió”.


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The Golden Age I (Marilyn Manson) 2003


The golden age of grotesque está formado por quince temas de rock oscuro y letras hirientes, inspirado en los ambientes decadentes del cabaret berlinés y el esplendor del Hollywood más sobresaliente, muy años 30. Un disco de rock rotundo, con referencias a Oscar Wilde, sonido cercano al Alice Cooper con la clásica estampa Manson. Producido por el propio Marilyn Manson junto a Tim Skold. mOBSCENE es el single adelanto al disco. Manson ha participado en la realización del diseño de la portada y del libreto del CD, con la colaboración de Gottfried Helnwein.

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THE GOLDEN AGE


The Golden Age I, 2003

Violines sonidos graves en virtud de la antigua comparecencia de los dos grandes MM-runas, la derecha y la izquierda detrás del velo de la luz. Los casi 10.000 visitantes dieron rienda suelta a sus emociones. Me dejo llevar en vez de atacar y reseñar lo que hago y en lo que no creo. Creo que he llegado a un punto en mi vida que reflejo básicamente lo que creo, que el arte es la religión, y también la política. La inspiración para este disco viene de la época expresionista, un momento en el que los artistas empezaron a pintar guiados más por la imaginación que por lo que tenían a su alrededor. En vez de hacer paisajes creaban lo que les mandaba su mente. Cuando eso se empezó a hacer la gente lo vio como un acto degenerado y erróneo o simplemente como un acto contranatural, esos críticos no tenían razón. La edad dorada de lo grotesco quiso ser lo que dice la propia frase, una edad, una era que recuperaba la apreciación por el arte degenerado y peligroso. He llegado a un punto, después de todo lo que he hecho en los tres últimos discos (religión y política) en el que me he dado cuenta que la música era en estos momentos lo que antes la religión y la política. He querido dejar a la gente que me viera un perfil personal en este álbum aunque no lo parezca. THE GOLDEN AGE

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Marilyn Manson y Gottfried, desde hace bastante tiempo cultivan una gran amistad, lo que los ha llevado a trabajar juntos en innumerables ocasiones.


Actualmente la gente está desengañada de Dios y esto sólo necesita ser fomentado. No estoy en contra de Dios. Estoy en contra de su mal uso, y del victimismo de la gente a través de la culpa y la idea del pecado. Porque la cristiandad es responsable del consumismo. La idea de la fe ciega, en cierta forma, ha arruinado a América, porque por debajo está el fascismo que nadie quiere aceptar. Estamos siendo controlados por nuestra propia estupidez y debilidad. Cuando enciendes la TV te das cuenta de ello: si no compras tal champú, no vas a poder tener sexo, o si no tienes tal coche, tus amigos no te van a aceptar, y en tus espaldas todos se ríen de ti porque tienes acné. Simplemente te devora el alma. Te hace tan dependiente que tienes miedo de tomar tus propias decisiones. “Cuando todo el mundo quiere destruirte, todos los días son tu último día y cada actuación puede ser la última. El Anticristo no soy sólo yo. Es un estado mental colectivo del que Estados Unidos necesita que le despierten. Ese es el propósito de esta gira, quizás de mi vida: hacer que los estadounidenses se den cuenta que no tienen que creer en algo sólo porque se lo han estado inculcando toda la vida. No se puede oír a alguien que nunca tuvo sexo o tomó drogas, diciéndote que están mal. Sólo a través de la experiencia cada uno puede determinar su moralidad. Ser humano no es tener que estar buscando constantemente perdón por serlo, sino llevar, como individuo, una existencia libre de culpa. Es lo que siempre ha temido la iglesia, si olvidas la idea de Dios y crees en ti mismo, el mundo se acaba”. Marilyn Manson

The Golden Age II, 2003


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THE GOLDEN AGE


The Golden Age, trabajo en conjunto a Marilyn Manson, para su disco, el cual lleva el mismo nombre. THE GOLDEN AGE

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“¿Por qué la gente desea ser hermosa? Para ser amados, aceptados, terminar con su miedo a ser excluidos. Después de años de no ser aceptado me di cuenta, ¿por qué no crear tu propio standard y dejar que sean otros los aceptados o rechazados por ti?. Nosotros hemos revertido toda la idea del fascismo de la belleza y la hemos reemplazado por nuestro propio standard. La destruimos para crear un nuevo camino”. Marilyn Manson.

The Golden Age, 2003 34


EL NUEVO ARTE DEL DOLOR 35


El nuevo arte del dolor, con esta pretensión provoca una serie de experiencias catárticas que permiten hacer una traducción personal de lo que quiere decir, por que a partir de esta provoca en el espectador una sensación que muchas veces es identificada por cualquier hombre que tenga la posibilidad de contemplar su obra. La obra de este artista mantiene siempre la intención de provocar miedos, deseos, dolor y felicidad con la finalidad de nunca revelar respuestas, sino que siempre formulará preguntas que hagan al ser humano detenerse y observar para entender: ¿Cómo hemos llegado a esto?, ¿Por qué lo seguimos permitiendo?. Trabaja en series de grandes formatos, autorretratos metafóricos que tienen sus orígenes en autorretratos donde Helnwein aparece gritando y cegado por tenedores, inspirando el terror y el agobio. Su obra está inspirada en Francisco de Goya por ser una de las más desgarradoras e impresionantes del período neoclásico con intentos claros de cubrir la pobreza y el sufrimiento que se vivía en la España del siglo XVIII. Un acercamiento a Eduard Munch, pués fué su pasado tormentoso lo que llevó a reflejar en su arte un poco de esa vida enferma.

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EL NUEVO ARTE DEL DOLOR


Alba y Croi, Tarde de domingo en el estudio, 2010 37


The Last Child, 2008 38


Esas angustias y sufrimientos se ven plasmados en sus obras en las que generalmente recurre a temas de niños enfermos y de muertes. Siendo este el pintor moderno que abrió la ventana a la locura o de la aparición del reflejo humano, como un ser autodestructivo. Egon Schiele, este artista alemán tiene fuertes influencias por parte de su maestro y amigo Gustav Klimt. El erotismo y la desesperación son características estilísticas de la secesión vienesa, movimiento artístico que buscó expresar las preocupaciones y las emociones por medio de un gran dominio de la acuarela, Schiele logra captar a la figura humana en estado de tensión, como si pintara con un pincel nervioso. Pero su obra es destacada especialmente por la fuerte revelación erótica con la que siempre construyó su obra. Otto Dix; En su obra intenta una recuperación de las tradiciones alemanas del medioevo. Manejando un realismo técnico que logra reflejar la destrucción del ser humano en la cual se ve reflejada la herencia de la primera guerra mundial, donde el mundo se encontraba bajo una tensión desgarradora. Horrorizado por la brutalidad de la guerra de trincheras y la utilización de armas de gas, reflejó dichos temas con una claridad sin concesiones en su obra Guerra (1924), serie de 50 aguafuertes.

EL NUEVO ARTE DEL DOLOR

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El Murmullo de los Inocentes, 2009 40


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Logrando vincular, al pintar prostitutas, la decadencia del erotismo y de lo sacro en el cuerpo humano, su obra fué quemada por los nazis. Con signos de Realismo Mágico se podría identificar que esta tendencia pictórica se considera una reacción contra el Expresionismo, ya que cree que éste falsea la realidad; intentando captar una realidad naturalista o fotográfica pero creando cierta tensión emocional. La obra de Helnwein tiene pretensiones explícitas, no cabe duda de que es un gran director fusionando todo un siglo de arte, en una obra acabada que logra generar nuevas bisectrices para entender el camino que debe o sigue la post modernidad. No con un estilo que se vanagloria de lo bello, sino que refleja la otra cara de la verdad, la eminente auto destrucción del ser humano, siendo su obra mas un mero grito desgarrador de los males y vicios sociales. En sus transformaciones y autorretratos podríamos decir que Helnwein se ve a sí mismo como víctima y como mártir. Utiliza instrumentos quirúrgicos y vendajes para transformar su rostro y su imágen en la de alguien que se encuentra sufriendo y que está siendo víctima de violencia y maltrato. Estas transformaciones, o bien dicho deformaciones, son parte de las características de su misma obra no solo por el hecho de reflejar cómo este se pueda ver a sí mimso, sino por el hecho de ser la víctima que logra reflejar. 42

EL NUEVO ARTE DEL DOLOR


Self Portrait, 1988

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“La función del artista es evocar la experiencia del reconociemiento sorpresivo: mostrarle al espectador lo que él sabe pero no sabe que sabe. Y Helnwein es un maestro del reconocimineto sorpresivo. William Burroughs.

The Disaster of the Wars, 2010 óleo y acrílico sobre lienzo. 44


HERRAMIENTA DOCUMENTAL

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La intención que revelan las fotografías de Helnwein es utilizar la cámara como una herramienta documental. Sus fotografías siempre se han visto como algo experimental en su obra, pués ha hecho estudios de personas en las que él dice encontrar, en el mismo rostro, varios rostros, y en ese rostro varias expresiones. La cámara para él es un instrumento con el que puede transformar y captar la esencia de las cosas y sobre todo de las personas. Se ayuda de ésta para generar impacto en el espectador ya que hace fotos como puestas en escena donde se refleja el movimiento, es decir, aparecen secuencias de niños golpeados o rostros desfigurados registrando en los negativos cada movimiento como la secuencia de una película. Otro método que utiliza como fuente de creación, son los estudios fotográficos de rostros al estilo retrato; trabaja con todo tipo de ídolos y figuras importantes del siglo XX.

Self-portrait, 1973. Fotografía.

En ellos experimenta con diversas técnicas creando muchos efectos, como son los oscuros (negro sobre negro), o blanco y negro con veladuras de pintura, otras veces se vale de computadora para manipular, corregir y transformar, según estime conveniente. Algunas veces utiliza la cámara al estilo tradicional; otras veces juega con aplicaciones de pintura en óleo y acrílico en las que pinta encima haciendo una foto pintura. Una de sus más importantes creaciones es la de tomar fotografías en las que pinta con negro dejando ver de primera impresión solamente oscuridad; pero al acercarnos nos encontramos con una luminosidad tenue revelando la fotografía de algún personaje; esto tiene la intención de que el espectador se acerque y descubra la imagen.

HERRAMIENTA DOCUMENTAL

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Projecto Wien-Mitte, 2009 48


Este efecto de “misterio revelado” recrea la impresión de ser una pintura construida en base a finas capas. Todos sus efectos siempre están basados en la realidad, es decir, que nunca se ven sus imágenes sacadas del contexto de la realidad como hacen la mayoría de los fotógrafos actuales. Al trabajar con la cámara, la intención de Helnwein es usarla como una herrramienta más para crear como son para él el lápiz o el pincel. No es un artista que se dedique al revelado en el cuarto oscuro, simplemente utiliza la cámara como un soporte más para crear y transformar sus ideas en obras de arte. Para él, la lente es como un ojo humano por medio del cual se observa el mundo, la historia; un ojo que es testigo de lo que sucede en el tiempo y lo atrapa y lo captura. Logrando vinuclar la pintura con la fotografía o simplemente comparar y diferenciar los resultados logrados entre dos técnicas, con cada personaje o celebridad que trabaja intenta crear atmósferas que revelan la personalidad del fotografiado, cuando se fotografía a sí mismo intenta ser el modelo y transformar su personalidad para convertirse en una intención.

HERRAMIENTA DOCUMENTAL

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Novena Noche de noviembre, 1988 Instalación, Museo Ludwig de Colonia.

Otras veces trabaja con niños, sus modelos preferidos son sus propios hijos; los disfraza y transforma para crear ambientes que hablan sobre maltrato y el sufrimiento de los niños en el mundo real; los resalta como las víctimas del futuro logrando que sus forografías parezcan, más que una obra artística, una obra de denuncia que revele los terribles los terribles abusos dentro de las sociedades, haciendo creer al espectador que las fotos son reales como si las extrajera de un periódico actual y no creaciones artísticas que muchas veces pueden perder impacto o más bien credibilidad.

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HERRAMIENTA DOCUMENTAL


Por eso la intención última de Helnwein es la de abarcar el arte en los escenarios políticos-sociales llevando mensajes que vayan más allá de lo amarillista, dejando a un lado las emociones internas y personales de sí mismo, intentando abarcar cosas que sean universales y que no queden atrapadas en museos y galerías sino que sean llevados al exterior, al mundo real donde todo tipo de gente pueda interactuar con su obra y lograr una reflexión sobre el mundo y así crear un impacto social que refleje nuestro tiempo y espacio. Por eso su arte es tan controvertido, pues está convencido de que los valores que planteamos y los que ejercemos como sociedad son distintos. HERRAMIENTA DOCUMENTAL

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The Last Child, 2008

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NIテ前S EN SU OBRA 53


La mayoría de la obra de Helnwein es representada con niños; utilizados como una especie de denuncia a las generaciones pasadas para lograr un cuestionamiento sobre el mundo del mañana. Por medio de los niños mantiene un vínculo con lo histórico, ya que considera la historia como una ciencia capaz de explicar los hechos pasados que servirán como instrumento para entender los hechos futuros. La inocencia de un niño puede ser la herramienta más próxima para hacer visible la crueldad del mundo construido por adultos; en ellos se puede apreciar el mundo de una manera más sensible y “humana”, o bien puede entenderse, “si ese niño maltratado soy yo”.

La idea de Helnwein al utilizar niños en su discurso artístico tiene que ver con un entorno social e histórico que él mismo presenció en su infancia. Helnwein nace en Viena en 1948, en un mundo destruido y dividido por la guerra; le tocó descubrir los horrores que se generaron por parte del nazismo en Alemania y el maltrato humano en los campos de concentración. Su primera manifestación en contra de este movimiento nazi fue cuando decide pintar un cuadro donde una niña sentada comiendo cereal está muerta en la mesa y por abajo aparece un mensaje que fue publicado por una revista europea dirigida al Dr. Gross 9 en él que dice:


“Querido Dr Gross: Cuando estaba viendo el “Holocausto” (programa de televisión) pensé de nuevo en su actitud como fue reportada por el Kurier. Y como este es el Año del Niño quiero aprovechar esta oportunidad para agradecerle en nombre de los niños que se fueron al cielo bajo su cuidado. Agradecerle de que no fueron” inyectados a la muerte” como lo llamo usted, sino que simplemente se murieron por ingerir alimentos envenenados. ¡saludos alemanes! “. Atte: Gottfried Helnwein.

Novena Noche de Noviembre, Childs, 1988

Esta carta, fué la excusa directa para que el Dr Gross; al subir al poder como jefe de estado en 1979, decidiera renunciar, este hecho hizo que Helnwein se diera cuenta del impacto social y denunciante que puede llegar a lograr a través de su arte. Pero no toda su obra está relacionada con el holocausto, sino que también está centrada en los abusos cometidos por la humanidad, especialmente a los niños. Aparecen muertos, golpeados, violados, ensangrentados entre otras cosas terribles; todo el dolor está depositado en el cuerpo, como si en el coser el cuerpo se cerrara la herida y se encerrara también el dolor. Muestra cómo el mismo hombre es capaz de destruir en el otro la materia de lo que él mismo está hecho. Otra serie importante que desarrolló Helnwein, es la de una obra a gran escala, titulada: Ángeles Dórmidos en la que aparecen fotografías con los rostros de unos fetos a partir de los siete meses, ya completamente formados. Este concepto es muy confuso porque las obras no revelan si los fetos están vivos o muertos, el título de la obra nos remite hacia dos polos; por un lado puede ser que estas criaturas están vivas y morirán al nacer; otra posibilidad es suponer que ya están muertos ya que las fotos de fetos estáticos no revelan nada.

NIÑOS EN SU OBRA

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Aktion Sorgenkind 1972

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Esta serie realmente contiene una fuerte impresión a nivel psicológico para el espectador, pues el discurso que provocan estas obras son realmente tristes; lo que resulta impresionante es que ninguna de estas obras tiene visualmente un contenido de horror o violencia, no aparecen deformes, ahogados, ni ensangrentados, pero al contemplarlos provocan una nostalgia y un sufrimiento quizá mayor que algunas otras obras que él mismo ha creado. Poder jugar con las emociones y sensaciones del espectador es una virtud muy valiosa en cualquier artista. En esta serie, la reacción del espectador es emotiva, se ponen en juego muchos factores. Por otro lado si estos seres (fetos) están en proceso de llegar a la vida, vivos, se está planteando un discurso que crítica la impotencia y la injusticia de nacer víctima. Estéticamente, estas fotos no son una creación del artista ya que son una serie de imágenes sacadas de la vida real, todos los seres representados son diferentes; si se observa con detalle uno nota que contienen rasgos físicos distintos. Pero Helnwein esta modificando la mirada y la intención de la imagen haciendo de una foto científica una artística, cambiando el concepto y vinculándolo con una serie de conceptos en los cuales exalta la situación vital del ser humano, la no posibilidad de elección en cuanto al tiempo que nos toca vivir, ni quienes serán nuestros padres, etc. La intención de provocar conciencia y dolor al contemplar obras donde se ven niños abusados no es más que la intención de despertar en los adultos, y hasta en los mismos niños; lo que el abuso significa; y para esto pone ejemplos, como el del holocausto, el fascismo, las guerras sociales, políticas y religiosas, para señalar hasta dónde el ser humano puede llegar a destruir.

NIÑOS EN SU OBRA

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Caída de los Ángeles, 2005 Exposición “Alma”, Seminario Episcopal.


Al ver su obra podemos llegar a creer que él mismo fue torturado y golpeado de niño; pero él argumenta que, al estudiar de niño en una escuela católica, fue como si hubiese sido torturado en cuanto a sus ideas ya que siempre vivió reprimido en un sistema de educación radical. Critica profundamente este sistema educativo, y lo considera como la ventana directa al fascismo; Para él, estos sistemas de gobierno totalitarios son el producto de muertes y violencia, y el ha decidido representarlos y denunciarlos a través de los niños. Es lógico entender que la mayoría de los problemas humanos nacen de la educación temprana que se da en las escuelas y en casa que dan esquemas que se repiten de generación en generación. La obra de Helnwein transforma el concepto idealizado del niño visto a lo largo de la historia como divinidad o como “putti”, con sus valores como inocencia, belleza angelical y ternura; Fue hasta el romanticismo donde artistas como William Blake y Leopold Boilly, empiezan a cuestionar el concepto de la niñez poniendo a los niños como seres individuales y no como dependientes, ya que estos niños estaban encasillados en toda una serie de símbolos. Al darse cuenta de esto, Helnwein, intenta darle una nueva dimensión al concepto de la niñez centrada principalmente en la fragilidad

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NIÑOS EN SU OBRA

y el sufrimiento; pone a los niños como víctimas directas del mundo caótico al que vienen a enfrentarse. El hecho de que su propia infancia fuera aburrida, y como él lo dice “sin color”, donde la gente mayor era fea, ya que nunca se reía ni le interesaba divertirse; lo lleva a considerarla un lugar parecido al limbo, es como él describe la Viena destrozada y gris que le tocó vivir. Al nacer un niño siempre se oye un llanto; Helnwein denuncia la vida de seres que desde el nacimiento hasta la muerte habitan un llanto constante, hombres dolorosos que en sus miradas y en sus almas ve el constante sufrimiento. Por eso, se da cuenta que representar niños puede ser un arma para manifestar toda una serie de diferentes críticas sociales y políticas que enfrenten y desmitifiquen el valor que nos atribuimos como sociedad civilizada. Elegir niños, representa la posible identificación con generaciones anteriores, y la identificación con la propia niñez. Los niños son una mirada directa hacia el futuro.


I Walk Alone, 2003

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Las obras generalmente nunca nos muestran la escena de la violencia en sí, sino que nos muestra escenas en las que él aparece como resultado de la violencia; ya sea golpe, violación, maltrato o malformación etc. O bien, a veces nos encontramos con representaciones que nos sugieren la violencia como un antecedente; esto es algo que Helnwein hace a propósito, ya que se da cuenta de que es mucho más fuerte el poder que tiene la mente del espectador para viajar e imaginarse cosas peores de las que se ven. Ese poder de la mente para construir y estimular es algo que el cine de Alfred Hitchcok ya nos había enseñado: lo presentido (oculto) es mucho peor que el terror en sí. “La genialidad hithcockiana reside en saber mantener siempre un plano superficial aparente en que se juega la intriga a una primera visión de la película y un complejo compacto mundo de referencias simbólicas que, sin embargo tienen todas ellas rendimiento dramático en la acción”. Esas criaturas que vemos representadas como víctimas en la obra de Helnwein no son sólo representaciones pues parte de su discurso es enseñar que a lo largo de la historia los niños han sido victimas, pues en las guerras y las masacres nunca han quedado exentos. Basta ver los sucesos de la segunda guerra mundial donde las peores torturas fueron hechas a niños en los campos de concentración y cámaras.

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The Last Child, 2008


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“He aprendido más del Pato Donald que de todas las escuelas a las que he asistido”. Gottfried Helnwein.

Projecto Wien-Mitte, 2009 64


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En sus transformaciones y autorretratos podríamos decir que Helnwein se ve a sí mismo como víctima y como mártir. Utiliza instrumentos quirúrgicos y vendajes para transformar su rostro y su imagen en la de alguien que se encuentra sufriendo y que está siendo victima de violencia y maltrato. Estas transformaciones, o bien dicho deformaciones, son parte de las características de su misma obra no solo por el hecho de reflejar cómo se ve a sí mismo, sino por el hecho de ser la víctima que refleja: cómo el hombre se ve a sí mismo; es decir, su intención no es enseñar partes autobiográficas, sino la de reflejar las partes esenciales de la humanidad, la del hombre que se encuentra en un constante grito de desesperación, revelando el dolor del ser humano en el cuerpo para hacerlo visible. Así, vemos a Helnwein vendado y con instrumentos quirúrgicos por todo su rostro y con tenedores picándole los ojos para no ver. Todas estas representaciones van directamente hacia el campo de lo simbólico y de lo subjetivo en el que se coloca la verdadera esencia del ser humano desmitificando la idealización misma que hemos construido erradamente por muchos años sobre el hombre.

Self Portrait, 1975 - 1993 66

COMO VÍCTIMA, COMO MÁRTIR


Black Mirror V, 1987

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Black Mirror I, 1987

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Self Portrait, 1984

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Debemos entender que Helnwein entiende muy bien lo que es la iconografía y que el hecho de elegirse a sí mismo como modelo para crear y convertirse él mismo un nuevo icono; no sólo por sus fotografías en la que se pinta y se disfraza, sino en lo que se impone en su vida diaria, hasta en su manera de vestir. La gente que va en contra de lo establecido o que busca salirse de los parámetros normales, es gente que, en cierta manera, está buscando atención y al ponerse en una obra a sí mismo desfigurado refleja, la autocomplacencia que nuestra sociedad habita. Todo el tiempo está jugando con una metamorfosis de lo que puede llegar a ser: por eso se disfraza de mártir, de oficial nazi, de golpeador, de soldado, etc. Y todo esto de manera muy exagerada nos remite a que en realidad somos seres que nos disfrazamos con máscaras todo el tiempo porque nos da miedo mostrarnos tal y como realmente somos. La sociedad nos enseña a mantener nuestro estado de pureza aparente y a cambiar solo si es para ser aceptados o para ser igual a los demás. Nunca somos como realmente somos.

Aunque la gran mayoría de su obra esta compuesta de series de autorretratos, ya sea en pinturas o fotografías, Helnwein dice que la intención de su obra no es la de ser autobiográfica ni de proyectar sus propios deseos, miedos o frustraciones, ni que su proceso de creación tenga la intención de ser terapia para él mismo. Ante estas posturas siempre habla de él mismo como modelo para transmitir y reflejar los valores y los temas universales, ya que su arte pretende dirigirse al mundo cuestionando la historia, el tiempo y el espacio. Él mismo se utiliza como una herramienta más para preocupar al hombre por el hombre que es el tema central desu obra.

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“Alma triste que antaño tanto amabas la lucha, la Esperanza que un tiempo espoleaba tu ardor ya no quiere montarte. Sin pudores, ve y túmbate como un viejo caballo que tropieza en (El sabor de la nada)”. Charles Baudaliere.

Gott der Untermenschen, Aktion (Performance), 1987 72


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El multidisciplinar artista austríaco a logrado conformar una obra mayor, en donde la ética y la estética no apelan únicamente a una conciencia histórica sino que también ha logrado superar sus propias fronteras discursivas para alcanzar valores permanentes; temas universales reiterados en una constante pregunta lanzada hacia el futuro a través de los innumerables rostros de los ángeles caídos en desgracia, símbolos del porvenir de la humanidad; los últimos bastiones de esperanza cifrada en los rostros de las eternas víctimas… los niños. Ante eso, la propuesta de Helnwein, de pretensiones altamente explícitas, irrumpen en espacios inesperados como verdaderos espasmos lacerantes para sus espectadores. La versatilidad de sus recursos expresivos (fotografía, técnica mixta sobre lienzo, autoretratos, acuarelas, instalaciones, performance, teatro, cine, etc.), lo ha hecho notoriamente visible a los ojos de la censura de los sectores más conservadores. Sin embargo, Helnwein constantemente apela a aquellas imágenes que no hay que olvidar; las imágenes de un imaginario alimentado por su paisaje de infancia, que fue el paisaje apocalíptico del sombrío y triste proceso de restauración, un mundo sin sonrisas poderosamente enraizado en el afán de olvido de todo aquello que se soslaya, por pudor, culpa y miedo al reconocimiento sorpresivo de las verdades de las cuales el hombre sabe que esta infectado; la manifestación interna de la corrupción, el bullir sin límites del odio. “Nos comportábamos como los malogrados hijos de la restauración” Günter Grass

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The Child Dreams, Instalaci贸n, The Israeli Opera, Tel Aviv, 1987 75


La reciente polémica desatada en el estado de Baviera por la circulación de los llamados Zeitungszeugen o “Diarios Testimoniales”, pone de manifiesto el peso y los cuestionamientos que aún persiguen y causan escozor entre las consciencias alemanas. La iniciativa de poner en circulación los antiguos periódicos del período nazi tenía como objetivo educar y concientizar con documentos históricos directos –fuentes duramente fidedignas–, prácticamente desconocidos para las generaciones más actuales. Volcar la mirada al pasado con la verdad palpable del sentir de la época sin darle la espalda, eran las máximas de la aparición del oscuro legado. El “modo” incluso el “gesto” es cuestionable, sin embargo, la prohibición y censura que el estado bávaro impuso al proyecto históricomasivo, nuevamente parecen forzar a una represiva dirección de pensamiento, cuartando desde ya la opción del libre pensar en Alemania. Desde los gérmenes de la culpa y la vergüenza el gobierno alemán, acusados por los fantasmas del pasado y el trauma, han optado por educar a las nuevas generaciones, desde la dura posguerra hasta nuestros días, con una política de censura y rechazo, donde cada tibio intento por asumir o abordar la historia y los ecos humanos de un fondo atemporal, son reprimidos y lanzados bajo la alfombra. Más aún, las intervenciones del Consejo Judío Central de Alemania hacen su parte presionando irreflexivamente contra todo medio de autoreconocimiento del pasado, en una actitud sesgada completamente por el miedo. No obstante, poco extrañan estas dinámicas de acción tipo control de plagas, incluso comprensibles más no admisibles a estas alturas en la Alemania democrática actual.

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Piezas relevantes de su trabajo han sido, por ejemplo, la serie de “Epifanías” (I, II, III), que completan un tríptico estremecedor donde el nacimiento de Jesús y la adoración hacia él por parte de los “reyes magos” y sus “pastores”, que inician las dos primeras etapas, están trastocadas por las particulares presencias y fisonomías de los adoradores, así como también su sentido. La evocación no remite a la biblia o a la celebración de la vida, más bien, representa la exaltación ideológica del odio y la adoración insuficiente, equivocada, de un ideal racial que en el nacimiento de los “aptos” y las miradas extasiadas y conformes de sus adoradores, reflejan el más elocuente prólogo del Horror . La atmósfera cromática de la serie esta concatenada por los colores oscuros, fríos azules, intensos blancos de luz (especialmente en los rostros), y la envolvente y característica propensión de Helnwein por una siniestra opacidad, de la cual sólo se puede leer la irreversible sensación de las consecuencias. La serie culmina con la tercera “Epifanía” titulada “Presentation at the temple”, que trae a la memoria a “La clase de anatomía” de Rembrandt, sin embargo, no son estos estudiantes o médicos interesados en el ser humano y la vida, desconocemos todo sobre sus personas, pero misteriosos y grotescos, son precisamente sus rostros los que hablan por ellos en la más completa deformidad.

Sleep 15 - 26 - 27, 2009 ÁNGELES CAÍDOS

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The Disasters of Wars II, 2007

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Los rostros deformes, aberrantes y serios, entorno a la ambigua serenidad de una niña que descansa inerte sobre una mesa, pone de manifiesto la faz más cruda e intrínseca de la humanidad. Los rostros para H., expresan y poseen las huellas de nuestros deseos más oscuros, la deformación responde a esa máxima connatural y nefasta, a la progresiva corrupción. No es por tanto, una casualidad que haya una particular fijación e interés por los rostros y su devenir. Un ejemplo drástico de esto fue la exposición de su trabajo “Angels sleeping” (1999), donde una amplia y nítida serie de cuadros muestra a distintos fetos en un estado de suspensión impactante, nuevamente instalando la ambigüedad de la muerte y la placidez del sueño de un niño. Las grandes dimensiones de estos cuadros, buscan remecer a sus espectadores, obligar al cuestionamiento moral y ético contrarrestando a través del rostro más puro del shock la indiferencia y el silencio de la sociedad ante los crímenes, no sólo del pasado, sino también los que tienen lugar día a día bajo la sombra del anonimato. La utilización de niños como modelos para este propósito es significativa como articulación de su propuesta, denuncia y desmitificación de los órdenes dictados por el establishment . No sin remecimiento, es posible apreciar que los niños de Helnwein carecen de las condiciones propias de su edad; parecen dispuestos en un arrasamiento, completamente despojados de su inocencia, con las miradas siempre pérdidas y serias, a la vez que suplicantes sin propósito, desgarradoramente resignados a los errores de la historia. Estas figuras de la niñez y sus modelos fotográficos, están constantemente sometidos a una violencia de la cual sólo se conocen sus trágicos resultados. Niños heridos, ensangrentados y poderosamente anhelantes de un sueño profundo. ÁNGELES CAÍDOS

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Gottfried Helnwein, “Nada humano me es ajeno”. Tipografías: Myriad Pro (versiones) Helvetica regular Sustrato: Expression Candlelight 130g. Couché Brillante 170g. Programas: Adobe Photosop CS3 Adobe InDesign CS3 Bibliografía: gottfriedhelnwein.com artistahelnwein.com hispano.helnwein.com


Gottfried Helnwein, nada humano me es ajeno