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La Revista El Musicógrafo

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Nº 3 | Marzo de 2014 Director Julio Caminero Producción Julio Caminero

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Las tres “Es”

Producción ejecutiva Manel Sánchez Julio Caminero

Sumario

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Muñeco

12 14

Colaboradores Sue Gere Salva Herrándiz David Patricio Isa take a bow

Namina

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Correción de estilo Gemma Andújar

Krakatanga Blackway

Edición Gemma Andújar Julio Caminero Fotografías Julio Caminero

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Maquetación Julio Caminero Sugerencias sugerencias@jcpro.es Revista revista@jcpro.es

Donuts Hole

Des Âmes Libres

24 El acorde perdido

COLABORA CON NOSOTROS Si quieres colaborar aportando algo que creas que falta a esta revista, estaremos encantados de que colabores con nosotros. Tenemos un buzón de sugerencias para que hagas tus comentarios y aportaciones. Pero si crees que puedes aportar crónicas de conciertos, entrevistas o críticas de discos y quieres ser un colaborador asiduo de nuestra revista. Estaremos encantados de que entres a formar parte de este proyecto y, entre todos, elaborar una revista abierta y plural que contenga todo tipo de opiniones y aportaciones. Escríbenos a: colaborar@jcpro.es 2 | El Musicógrafo | Marzo 2014


Editorial

N

umero 3 – Marzo 2014. ¿Resistir? No entra en mi vocabulario dejar las cosas a medias y no aguantar cuando las cosas empiezan a ir mal. Es la base para que mis proyectos lleguen, hasta por lo menos donde yo he creído que deben llegar antes de tirar la toalla. Una revista como esta es un proyecto ambicioso. No es fácil querer dar salida a bandas que ni siquiera ellas mismas creen en lo que hacen y simplemente se limitan a ensayar una vez por semana y esperar a hacer algún concierto algún día. Tampoco es fácil escuchar voces tan críticas con nuestro proyecto, señalándonos con el dedo como si lo que hiciéramos fuera algo ilícito o ilegal. Luego están los envidiosos. Sí, pero los de envidia corroída y malvada, que despotrican a sus anchas sin saber y sin querer saber nada, solo por el simple hecho de criticar sin argumentar el porqué de esas críticas. Cuando ves todo eso piensas que a lo mejor esa gente está donde quiere estar y no quiere aportar nada, pero nosotros sí. Yo, sí. Quiero ayudar a esas bandas que se esfuerzan, dedican horas de ensayo, se pagan sus grabaciones y sus envoltorios, pagan su distribución y pasan horas en las redes distribuyendo su música sin esperar más que un “Me gusta” de algún nuevo “fan” de la banda. A esa gente, a esos músicos, a todos ellos, quiero ayudarles. Yo quiero ayudarte. No será una ayuda interesada, será algo altruista. Trabajaré por intentar que la publicación llegue a más sitios, la lea más gente y si en un futuro no muy lejano te sirviera para algo, con eso, ya habrá merecido la pena. No somos una empresa, no ganamos dinero con esto, somos músicos que queremos ayudar a otros músicos a distribuir su música. Si quieres ayudar tú también a que se difunda el trabajo de las bandas emergentes, a tu banda y a otras bandas, esta revista te dará el apoyo necesario para crecer juntos. Estamos empezando, pero muy pronto veréis que no hemos perdido el tiempo y nos vamos expandiendo. ¿Nos sigues? Pues difúndelo. Julio Caminero Director de El Musicógrafo

¿Dónde nos puedes encontrar?

www.elmusicografo.es

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LAS TRES “Es” by Sue Gere

LAS TRES “Es”

Emotion, Energy, Entertainment

S

by Sue Gere www.produccionesmacarras.com

oy músico, ingeniero de sonido y productor. Me centraré en esto último y en esta columna de El Musicógrafo voy a intentar tratar en profundidad el tema de los productores y las producciones musicales. Algunos os preguntareis si es necesario ahondar en un tema que a priori se antoja bastante técnico y, por ende, aburrido para el profano; de hecho, quizás tengáis razón y yo no sea más que un geek enamorado de las ondas sonoras, pero voy a intentar como mínimo que os pique la curiosidad al respecto. Hace unos días leía en un blog unas declaraciones de Mikael Eldridge “Count”, productor ligado a nombres como Radiohead, The Rolling Stones, Frank Sinatra, New Order o No Doubt, en las que pedía reconocimiento para la figura del productor, en forma de créditos, a las plataformas digitales. Según Count, en iTunes, Pandora, Spotify, Soundcloud, y la práctica totalidad de plataformas de distribución musical se menosprecia la labor

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de los gremios involucrados en la creación de los discos, hasta el punto de afirmar que, si Led Zeppelin sólo hubieran editado sus álbumes digitalmente en sus inicios, es muy probable que poca gente supiera quiénes son Jimmy Page o Robert Plant. No seré yo quien le quite razón. Deberíamos tener en cuenta siempre los méritos de quienes son capaces de llegarnos con su arte y muchos discos suenan como suenan gracias al productor que ha trabajado en ellos con la banda; eso es un hecho. Hay productores más “intrusivos” creativamente y otros menos, pero todos influyen en el resultado final. ¿Alguien puede pensar que el Black Album, de Metallica, sería lo que es sin el trabajo de Bob Rock a los controles? ¿En serio creéis que Rick Rubin se limitó a mover los botones de la mesa de mezclas en el Blood Sugar Sex Magic, de Red Hot Chili Peppers? Gente como Chris Lord Alge, Eddie Kramer, Bob Ezrin, Chris Tsangarides, Michael Wagener y unas cuantas docenas más de ilustres han

Bob Rock dejado su sello personal en cientos de trabajos que han enganchado a generaciones de seguidores. Hay un ejercicio que os aconsejo encarecidamente para ver la importancia y el alcance de la influencia de un productor sobre la música de cualquier banda: buscad en la Red ejemplos de canciones que han pasado por las manos de varios productores

y comparad. Podéis encontrar fácilmente el Nevermind, de Nirvana, mezclado por Butch Vig y compararlo con el que mezcló Andy Wallace, o buscar las demos del Electric, de The Cult, y compararlas con el resultado al pasar esos temas por las manos de Rick Rubin. Mientras hacéis los deberes, prepararé la siguiente columna y os prometo entrar en materia a cuchillo.


Muñeco

a punto de lanzar su primer álbum: Ocurre por Isa take a bow

C

uando descubrí la existencia de Muñeco, hacia finales de 2012, gracias al lanzamiento de su Muñeco EP, con seis canciones y, meses después en el Make Noise pude verlos en directo, estaba convencida de que la aportación de esta banda al panorama musical actual tendría que ser reconocida de una u otra manera. El año pasado fue un año mágico para este grupo, al poco tiempo de actuar en el Make Noise Festival, el sello El Genio Equivocado se interesa por ellos, los ficha e inmediatamente se ponen a trabajar en su primer álbum. Ocurre, que es como se titula, ha sido grabado en los estudios Micromaltese de Barcelona, masterizado por Yves Roussel y se va a publicar esta primavera.

Para los que no los conozcáis

todavía, la banda está compuesta por Albert (guitarra), Raül (guitarra/bajo), Raúl (bajo/ guitarra), Manel (guitarra, vocoder, teclados, theremin) y Xoán (batería). Muñeco, en un primer momento, en 2010, lo forman los tres primeros, pero en 2012 acaba de completarse con Manel y Xoán. Hay que

advertir que Muñeco suena a psicodelia, de esa por la que te dejas llevar; pero también

suena a post-punk, de ese que te envuelve entre tinieblas, pero en dosis muy medidas para no acabar perdido; y también suena a post-rock electrónico. La combinación de estos estilos en dosis adecuadas y bien coordinadas, estructuras en constante cambio, da como resultado un sonido del que es muy difícil escapar, tipo espiral de la que no puedes salir. Esta fórmula les funciona y, escuchando su música, no hay que ser un gran entendido en la materia para intuir que detrás de ella hay horas y horas de trabajo, precisión y creatividad. El primer single de su primer LP lleva el título de Triscaidecafobia, complejo y surrealista, pero que encaja perfectamente con la fuerza del sonido electrónico y psicodélico del propio tema. Apunto también, que incluso invita a ser bailado.

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Photo by SiezeUno

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Namina Con una voz susurrante y llena de matices nos llega Namina. Una compositora de origen barcelonés que mezcla diversos estilos y que se mueve en todos ellos como pez en el agua. Domina el jazz, el soul y la bosanova con su preciosa voz y su guitarra. La podemos encontrar interpretando piezas de casi cualquier estilo, pero aportando esos detalles que diferencian a una artista de una cantante cualquiera. Siente lo que canta, y se nota en sus interpretaciones, pero lo mejor es que trasmite ese sentimiento en cada nota, y eso ya no es tan fácil de encontrar. Este mes tenemos el placer de estar con esta artista llamada Namina. E.M - Para los que no te conozcan, ¿quién es Namina? Namina - Namina es un alter ego musical. Namina hace canciones y las interpreta.

Bethánea como una loca. Me di cuenta que tenía interiorizadas un montón de canciones de música brasileña de todos los estilos. Y me gustó.

E.M - Empezaste pronto con esto de la música, ¿cómo fue y cuándo? Namina - Bueno, la primera canción la hice con trece años. Y después vino la segunda y la tercera, etc. Yo siempre había escrito, desde que tengo uso de memoria así lo recuerdo. Lo que hice fue poner música a mis letras y, luego, hacer letras para que fueran música. Mi hermano tenía un grupo, él era el guitarrista y yo iba a todos los bolos. De ahí aprendí mucho, aunque mis canciones fueran radicalmente diferentes.

E.M - Eres de Barcelona, pero tu madre es brasileña y tu padre, catalán. ¿Como influye este mestizaje en tus canciones? Namina - Pues es un mestizaje natural e inevitable. Como te he dicho, escuché de todo cuando era pequeña. Y en casa la música y cantar era el pan de cada día. No tengo que forzar ninguna mezcla, porque yo me considero una mezcla.

E.M - He leído en tu biografía sobre la musicalidad de tu madre. ¿Qué importancia tuvo la influencia de tu madre para empezar a tocar? Namina - En realidad tardé mucho tiempo en darme cuenta de esta influencia. Primero fue el rock, el blues, etc. ¡Empecé imitando a Janis Joplin y Aretha Franklin! No fue hasta hacer un curso intensivo de canto en el Taller de Músics cuando una profesora me habló entusiasmada de una canción de Elis Regina que yo había oído mil veces. A partir de ahí me puse a cantar Elis Regina y Maria

E.M - ¿Namina es tu proyecto principal o colaboras en algún otro? Namina - Namina es mi proyecto

principal, pero tengo otro proyecto con un trío de música brasileña: Namina Trío. Hacemos versiones y me lo paso muy bien. Lástima que los circuitos sean tan cerrados y no salgan más bolos... E.M - En tu biografía se puede leer que has participado en otros proyectos como cantante y compositora. ¿Cuáles consideras más importantes? Namina - En los que me lo he pasado mejor y he aprendido más han sido en las canciones que hice para tres cortos de I+G Stop Motion y, más recientemente, en la interpretación de dos canciones compuestas por Alejandro Parra para la obra de teatro Refugi a les Rocoses, de Laura Freijo. ¡Participar en proyectos audiovisuales es fantástico! Photo by Xavier Minguella

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Photo by Xavier Minguella

E.M Tienes formación tanto como músico como de técnico, aunque dices que eres principalmente autodidacta. ¿Eres muy exigente contigo misma a la hora de grabar tus temas? Namina - Sí, soy exigente. Pero no soporto la perfección en el sonido final, que todo suene bonito y limpio. ¡Al fin y al cabo soy de la generación de la doble pletina! E.M - Hablemos de tus influencias. ¿Quién es la luz que ilumina tu camino? Namina - ¡Buf, mi camino está lleno de luces! Prince, Vinicius de Moraes, Soundgarden, Chico Buarque, Clara Nunes, Henry Rollins, Pj Harvey, Bjork, Neneh Cherry, Seu Jorge, Tom Waits, Patty Smith, Edith Piaf, Morphine, Elis Regina, Robert Johnson, Ovidi Montllor, Bauhause, Marisa Monte, Amy Winehouse, Jeff Buckley, Erykah Badu, Nina Simone, Hendrix, Nirvana... ¡Hasta el infinito! 10 | El Musicógrafo | Marzo 2014

E.M - He leído que se compara tu voz con la de Tracy Chapman. ¿Cómo te hace sentir esa comparación? Namina - Bueno, para mí es un honor, ¡claro! Pero a pesar de haberla escuchado durante un tiempo, no la considero una de mis influencias principales. Aunque después de haber dicho la lista de luces que iluminan mi camino está claro que mis influencias son infinitas... E.M - Yo, personalmente, he visto similitud en tu voz con la de Sade. ¿Igual desvarío un poco? Namina - ¡Gracias! No sé, supongo que es inevitable que una voz nos recuerde a otra. Esto de Sade ya me lo habían dicho. Me imagino que debe ser por el hecho de casi susurrar en alguna canción, por timbre... ¡no lo sé! Intento sonar como Namina.

punto estás implicada en este terreno? Namina - La verdad es que en esta cuestión mi actitud se podría resumir en la frase: piensa globalmente, actúa localmente. Creo firmemente que los pequeños cambios individuales sumados pueden transformar el mundo. Es un hecho, no tiene nada de utopía. Aunque los tiempos que nos están tocando vivir... sí, también requieren acciones más visibles e inmediatas. Pero no sirve de nada protestar si luego haces lo contrario. Si estamos en contra de los transgénicos, pues no compramos transgénicos. Si predicamos la solidaridad y la igualdad, pues ayudamos a los otros y los tratamos con respeto. Si valoramos la educación, intentamos educar bien a nuestros hijos y nos implicamos en las escuelas. Se entiende, ¿no?

E.M - En varias entrevistas comentan que tienes un gran compromiso social. ¿Hasta qué

E.M - Háblanos de tu música. Mezclas un poquito de todo pero siempre con tu firma, ¿en qué


estilo te mueves mejor? Namina - No lo sé. Esto de los estilos no deja de ser una palabra y la música es intangible. A mí lo que más me preocupa es la coherencia musical, creo que es lo más difícil de conseguir. Coherencia en varios sentidos. Uno podría ser el “hacerlo a tu manera” o, como tú has dicho (y gracias) tener tu propia firma. Otro, la coherencia con la propia canción. Supongo que el hecho de cantar en más de una lengua todavía hace que esto me preocupe más. Es decir, la canción en sí es más importante que yo. La canción necesitará

una lengua, un estilo o estilos y una interpretación concretas. De todos modos, sueño con el día en que pueda tener una banda y hacer canciones más cañeras. E.M - ¿En cuántos idiomas compones tus canciones? Namina - Compongo sobre todo en portugués e inglés, pero también tengo una en catalán y otras con poesía recitada en catalán. E.M - ¿Qué estás preparando ahora mismo? Namina - Pues ahora mismo Photo by Xavier Minguella

estoy preparando un verkami para poder sacar mi primer disco. Dentro de poco va a empezar la campaña para que los micromecenas puedan aportar. Me haría muy feliz poder llevar a cabo la grabación, edición y masterización del disco, pero para ello necesitaré la ayuda de los mecenas. Cruzo los dedos. E.M - ¿Cuándo te podemos ver en tu hábitat natural? Creo que tienes varios conciertos inminentes. Namina - De momento tengo algunas fechas confirmadas y otras por confirmar. Las confirmadas son: el 21 de marzo en el Monocicle de Sant Pere de Ribes, a las 22.30h, compartiendo cartel con Ferran Palau; el 11 de abril en Cal Magre, a las 22.30h en Callús, un lugar precioso; y el 8 junio en la Gran Bodega Saltó de Barcelona, a las 12.30h. E.M - Hemos de agradecerte que hayas querido colaborar con nosotros y darte las gracias por habernos concedido esta entrevista. Esperamos verte muy pronto en directo y disfrutar de tu música. Muchas gracias. Namina - ¡Muchísimas gracias a vosotros y suerte con la revista!

¿Quieres ser entrevistado por la revista de

El Musicógrafo?

Hemos abierto la inscripción para todos aquellos que quieran salir en la revista de El Musicógrafo. Si estáis interesados en salir en nuestra revista debéis entrar en la sección ¿Quieres salir en nuestra revista? y rellenar un sencillo formulario de contacto para que sepamos qué presentáis y cuándo.

¿A qué esperais? ¡Entrad ya! Marzo 2014 | El Musicógrafo | 11


Krakatanga

Venancio y los Jóvenes de Antaño Vida en martes por Salva Herrándiz Romero

V

enancio y los Jóvenes de Antaño es una atípica banda de Barcelona, por su buen hacer, unas letras ingeniosas con mucho humor y sensibilidad, arregladas con gusto añejo. Nos presentan su primer disco Vida en Martes. En él, se enfrentan al mundo con Camisas de colores, al ritmo de un son montuno que bien podría cantar Faustino Oramas “El guayabero”; en Braille se arrancan con una

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rumba q u e si me dices q u e es del G a t o Pérez me lo creo; con El jersei le dedican u n a elegante bossa a ese jersey que le hizo la abuela a su padre; sin olvidar el bolero Como abrigo, Toda esa luz, del poeta cubano Raúl Rivero, o Cuando se pierde un amor (yo, por amor, perdí una casa, siete euros, una bufanda de colores, las llaves de un Ford fiesta, una querida y una barriga mullida donde echarse la siesta). Tocan el blues con Quan un home perd son fru, el jazz con Corprès, corfós i esmaperdut. El

disco encierra más sorpresas como Aire, con la colaboración de Aleix Tobias, un punto y aparte en este gran disco de debut. La banda está formada por Dani Álvarez a la voz, Bernard Torras a las percusiones, Gerard Cantero al bajo, la guitarra de Joan Gil y la trompeta de Leonardo Torres. Canciones para escuchar sentado o para bailar como antaño con una sonrisa cómplice.


Krakatanga

Mediterrànima

E

ste mes no os presento una banda o artista como habitualmente, sino el lanzamiento de un nuevo sello discográfico: Mediterrànima. Se trata de un sello badalonés dedicado a las músicas afroamericanas (soul, funk, r&b, blues), pero creadas aquí, es decir con alma y sentir mediterráneo. La filosofía de trabajo de este equipo dirigido por el guitarrista y productor Màrius Alfambra se plantea al estilo de los sellos clásicos de estos géneros (Motown, Stax Records, Chess Records), no apuesta por banda sino por artistas y trabaja con músicos de sesión que graban y después acompañan en directo a todos esos artistas cuando suben a escena. Su primera producción es

Nuevo sello discográfico por Salva Herrándiz Romero

una colección de seis singles (en principio, digitales) con seis cantantes llamada Strictly Soul 45’s. Los singles verán la luz periódicamente desde el mes de marzo hasta junio de 2014. Esta primera colección es fruto del contacto con los cantantes en Jam Hits The Town, un ciclo de jam sessions organizado por el colectivo Generació del Ritme, de Badalona. Todos los cantantes fueron artistas invitados en la Strictly Soul Jam (la jam dedicada a la música negra) del 2013. El 3 de marzo se publicó la primera referencia Hard Soul, con Esmeralda Colette, que se puede escuchar en http:// mediterranimarecords. bandcamp.com/. Una tremenda balada soul con mucha garra. El 24 de marzo publican el próximo single

Miel para mi corazón, de Chen. Una interesante iniciativa que puede dar a conocer a jóvenes artistas amantes de la música negra. ¡Larga vida a Mediterrànima!

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Photo by Julio Caminero 14 | El Music贸grafo | Marzo 2014


Blackway

B

lackway es una de esas bandas que jamás te deja indiferente. Aun teniendo muy pocos años de vida, desde 2012, han invertido miles de horas de ensayo y se superan así mismos técnicamente de un mes a otro. Han rodado bastante estos dos últimos años, subiéndose a escenarios importantes con grandes bandas donde van aprendiendo las buenas maneras de afrontar los directos. Son disciplinados, correctos, amables, simpáticos, amantes de la música y alejados de todos los estereotipos que rodean el rock and roll. Se toman muy en serio la música y a sus fans, entregándolo todo en cada directo para satisfacer a la concurrencia. Del año pasado a este les hemos visto crecer y creemos que ahora están en su mejor momento, por eso nos hemos sentado con ellos a charlar de sus nuevos proyectos. Están grabando nuevos temas en un estudio donde el regusto a los setenta se palpa por todas partes y con muchas ganas de presentar sus nuevos temas. Ya estamos deseando escuchar cómo ha salido el nuevo trabajo de esta brutal banda y tenemos muchas ganas de ver cómo lo presentan en directo. Pero empecemos por el principio...

E.M - ¿Por qué Blackway? ¿Qué significado tiene o queréis darle? Fran: Cuando se me ocurrió este nombre pensé en lo difícil que veía yo este mundo del rock and roll. Viene a significar que el camino del rock & roll es una camino negro y muy jodido, pero muy satisfactorio al mismo tiempo. E.M - Sois una banda muy joven, pero con mucha experiencia en los escenarios. ¿Cuánto tiempo lleváis tocando? Fran: Yo, desde los trece años toco la batería y en los escenarios, unos cinco o seis. Ricard: Yo llevo unos cuatro años tocando y unos tres en los escenarios. Arnau: Yo llevo desde los quince años de guitarrista y cantando unos

cuatro. Àlex: Yo he tocado la guitarra clásica toda mi vida. La eléctrica desde los quince años. E.M - Contadme el origen de la banda. Arnau: Repetí segundo de bachillerato y conocí a Álex, aunque nos teníamos vistos ya desde P4. Le comenté que habían abierto el Rock & Apples otra vez y estaban haciendo jam sessions

conocía de la ESO, y concidimos y Fran me dijo: “Quiero a ese tío”, refiriéndose a Àlex. Fran ya sabía que yo cantaba, así que empezamos los tres. Buscamos bajista y entre varios candidatos entró en la banda Ricard.

E.M - ¿Cómo definirías el sonido de la banda? Àlex: Nosotros intentamos conseguir ese sonido de los años setenta, que en aquel momento fue tan fresco. A u n q u e t a m b i é n buscamos pegada y un sonido contundente. F r a n : Contundencia actual con sonido añejo. A r n a u : Nosotros t a m b i é n Photo by Julio Caminero queremos innovar, para ver si se animaba a venir. basados en el sonido clásico, pero Fuimos una noche, a Fran ya lo intentamos buscar algo que nos Marzo 2014 | El Musicógrafo | 15


distinga. E.M - Lo que más sorprende al veros es la actitud que tenéis en el escenario. ¿A qué se debe esa energía que trasmitís cuando tocáis? Àlex: Yo, como más disfruto de la música, a parte de tocando, es bailándola. Yo me dejo llevar por lo que me trasmite la música. Arnau: Cuando tú te mueves, trasmites a la gente esa energía. Además, es un toque distintivo que queremos tener, trasmitir esa energía. Queremos que le guste a la gente tanto como nos gusta a nosotros. E.M - Las influencias setenteras son notables en vuestro sonido. ¿Habéis bebido de donde nace el hard rock con bandas clásicas como Led Zeppelin, Black

Sabbath o Deep Purple? Àlex: No podríamos decirte ningún grupo concreto. Fran: A nivel de directo, sí que hay algunos grupos que nos han influenciado cuando los hemos visto. Para mí 77, que hace muy poco estuvimos abriendo para ellos. Es una banda que en directo ofrece pura energía encima del escenario, además de ser gente cojonuda. E.M - Ya me habéis dicho alguna vez que no buscáis un patrón a seguir, pero las comparaciones son inevitables, ¿con qué banda os suelen comparar? Todos: Led Zeppelin. EM: Pero yo no creo que os parezcáis... Arnau: Yo creo que nuestra banda de tributo, The Band Remains the

Same, influye mucho a la gente a la hora de compararnos con Led Zeppelin. Fran: Pero ya mucho antes lo hacían, siempre nos han comparado. Àlex: Yo estoy contigo, no hay ningún tema nuestro que se parezca a Led Zeppelin. Ricard: Con AC/DC también alguna vez. E.M - ¿Os gusta que os comparen con Led Zeppelin? Ricard: Cojonudo, que nos comparen con un grupo tan grande es increíble. Fran: Si nos comparan con bandas tan grandes, es que algo bien estaremos haciendo. E.M - Hemos hablado del pasado, pero hablemos del presente. Os habéis tomado unos meses de

Photo by Julio Caminero 16 | El Musicógrafo | Marzo 2014


Photo by Julio Caminero

descanso con la banda, ¿cuál ha sido la razón de ese parón? Fran: Llevábamos un año y medio, con cuarenta y siete fechas a la espalda presentando nuestra maqueta de tres temas ya obsoletos. Vamos a parar, vamos a componer cosas nuevas y que la gente vuelva a tener ganas de venir a vernos. Vamos a parar, vamos a grabar algo nuevo y seguimos. E.M - Por las redes sociales he visto que estabais grabando. Contadme cómo va la grabación. ¿Habéis terminado? Fran: Todavía no. Estamos acabando de perfilar nuestro nuevo EP de cinco o seis temas. E.M - ¿Con quien habéis grabado y donde? Fran: José Climent, de Sound of the Kings Studios. Se volcó con

nosotros y el resultado yo creo que es bastante bueno. E.M - Ya tuve el placer de escuchar vuestra primera maqueta y tengo ganas de escuchar lo nuevo. ¿Cuándo sale el nuevo trabajo? Fran: El EP saldrá en junio, o por lo menos esa es nuestra intención. E.M - ¿Cómo se va a llamar? Arnau: It’s what we’ve got (Es lo que tenemos). E.M - ¿Cuántos temas tiene? Ricard: Serán cinco temas, aunque al final pueden ser seis. E.M - ¿Habrá fiesta presentación? Fran: Casi seguro que sí. E.M - ¿En el Rock & Appels? Fran: Por supuesto, intentaremos hacer una buena promo para que todo el mundo sepa que vamos a

presentar nuevo trabajo. E.M - Nos invitareis, ¿no? Todos: Sí. E.M - ¿Tenéis fechas ya para tocar este año? ¿Tal vez una gira veraniega? Fran: Tenemos contactos aquí y allá, estamos montando algo para patearnos Spain. E.M - ¿Qué le diríais a quien os está leyendo? Fran: Qué nos sigan en Facebook. Arnau: Qué Ricard está soltero. (risas) E.M - Muchas gracias, chicos, por concedernos esta entrevista y esperamos que muy pronto podamos volver a disfrutar de vuestro directo.

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This Charming Manchester

Des Âmes Libres

o la reinvención del postpunk electrónico por Isa take a bow

Photo by Marc Guillon Han pasado pocos días desde el debut en Barcelona de Des Âmes Libres, concierto en el que presentaron su primer álbum, bautizado con el mismo nombre y que fue publicado hace pocos meses. Se trata de un disco autofinanciado y sellado por DAL Recordings, y que supone la entrada en el panorama musical de un producto muy trabajado, sobre todo dentro del sonido electrónico. La distinción, tomando el significado más literal de la palabra, es uno de los motivos principales por los que veo interesante describir quiénes son y cómo suenan Des Âmes Libres. Partiendo de sus orígenes, encontramos dos ciudades y tres hombres, David Law (guitarra y voz) y David Jornet (programaciones y teclados) desde París, y Germán Sánchez (bajo y programaciones) desde Barcelona. Más datos: el destino desencadena 18 | El Musicógrafo | Marzo 2014

una serie de coincidencias entre ellos que serán el detonante para su unión. En este sentido, para Des Âmes Libres, conceptos como el tiempo, el espacio y la muerte son básicos para su formación. Des Âmes Libres, como álbum de diez pistas, podría compararse a una ciudad con diez rascacielos que sobresalen de manera espectacular, un poco a lo torre Agbar en Barcelona, y con un diseño arquitectónico específico para cada uno. Y es que la principal ambición de la banda ha sido dotar a cada sonido de una personalidad propia, algo así como un intento de humanizar el material electrónico. Obviamente, conseguir esto sólo es posible si se tiene un conocimiento amplio y preciso de los instrumentos con los que se trabaja, y si se tiene un nivel de creatividad que le conduzca a uno a este tipo de replanteamientos. La música de la banda tiene, claramente, una

base electrónica que recurre a los sintetizadores analógicos de los setenta y también a lo más nuevo en instrumentos virtuales. A esta base se van sumando otros más convencionales como la guitarra y el bajo eléctrico, que confieren a los temas un tinte oscuro, decadente, algo darkwave, que inevitablemente te lleva a recordar a Bauhaus, The Cure o Sisters of Mercy. Pero con independencia de estos grupos que engloban parte de sus influencias, el resultado final es que Des Âmes Libres suena a un postpunk electrónico reinventado/ reinterpretado, experimental, muy preciso y contundente. Que Joy División, The Jesus and Mary Chain, Velvet Underground, Cabaret Voltaire, Front 242, Soft Moon o Cold Cave, entre otros, figuren en su bagaje de influencias provoca que se abran puertas para que, además, en sus temas tengan cabida el shoegaze, la psicodelia o una vertiente de música más


This Charming Manchester industrial. Estamos ante unos temas que, si los escuchas varias veces, descubres sonidos que antes se te habían escapado, es como si entrases en un laberinto con varios caminos, todos te llevan al mismo destino pero sonando de manera diferente. Podéis imaginar que la temática de las letras también van en la línea más oscura: sentimientos de soledad, autodestrucción, decepción ante la crueldad de las sociedades modernas, en definitiva, cómo sobrevive el ser humano en un mundo hostil y mirando hacia un futuro incierto. Concretando algo más sobre el contenido del álbum, considero de obligada escucha el sublime Temple one, un tema instrumental que, desde el inicio te deja admirado. Es como si de repente pasase ante ti una gigantesca locomotora de vapor a baja velocidad y a la que no puedes dejar de mirar, intentando Photo by Marc Guillon

Photo by Arnel Dela Gente adivinar cómo funcionan sus engranajes o preguntándote cuántas toneladas debe pesar. Pero tampoco podría prescindir de la acertada combinación de vozsintetizadores en Twenty thousand miles from you, que crea una sensación muy intensa de vacío y de aislamiento. En una línea de sonido parecida al anterior tema podríamos ubicar Let them all go die in hell. Puedo seguir con Car crash a toda velocidad, pensando que ha sido tocada con una varita mágica por el mismísimo Ian Curtis a ritmo de espasmos nerviosos. Algo similar ocurre con el enérgico Drag on the wind o Today not tomorrow, en el sentido de que, quieras o no, te llevan a

moverte. Inacheve es otra de las grandes piezas, un tema que va in crescendo y en el que, a medida que avanza, van quedando en primer plano la guitarra, el bajo y la voz de David Law, que parece arrastrarte hacia algún lugar desconocido. En la misma línea podría clasificarse también Nothing means nothing. Y por último, vais a descubrir la electricidad musicalizada en Electricity y percibir cómo suena la claustrofobia en One day. Des Âmes Libres: seguramente no os conformaréis con escucharlos sólo una vez. Al menos es lo que suele pasar cuando uno encuentra algo diferente y que suena tan bien.

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La banda acaba de sacar su primer álbum y hace muy poco ha estado tocando en Madrid y Murcia. Su álbum Parodia de un silencio lo podemos disfrutar desde Spotify y os aseguramos que suena muy bien. Mezclan muy bien varios estilos buscando un sonido potente, pero limpio a la vez. Sus temas nos suelen sorprender con melodías pegadizas, pero con una base rítmica brutal. Recién llegados de su viaje a la capital, nos hablan de todo un poco para que les conozcamos mejor. Ellos son Donuts Hole. E.M - ¿Por qué Donuts Hole? ¿Por qué ese nombre? D.H - ¿Por qué Donuts Hole?, ¿y por qué no? El nombre surge en una conversación de coche volviendo del local a las mil y una de la mañana. Era una tarea muy difícil definir cómo nos íbamos a llamar, entonces nos planteamos varias cosas, entre ellas qué bandas escuchábamos. Pensamos en Limp Bizkit, Korn, Red Hot Chili Peppers, entre otras y pensamos: ¿por qué un nombre serio? Sobra seriedad, no somos un grupo de cachondeo ni mucho menos, pero la consigna desde el inicio fue decir que nos apetece un nombre chorra y no vamos a limitarnos. DH es una banda sin limitaciones de ningún tipo. Por otro lado, también pensamos que sería todo un reto lograr que la gente olvide el nombre y lo asocie a la banda, y no a su traducción. E.M - Habéis sufrido varios cambios en la banda hasta la formación actual. ¿Como está la formación ahora mismo? D.H - Sí, hemos sufrido muchos cambios, han pasado por la banda diferentes músicos. Empezamos retomando un proyecto anterior y, hasta lograr ese grupo sólido que

somos ahora, hemos ido pasando varios por el proyecto. En la actualidad, el grupo es más estable que nunca; tanto movimiento logró que nos juntáramos cinco tíos con un fin en común muy arraigado. E.M - Acabáis de presentar en octubre de 2013 vuestro primer disco llamado Parodia de un silencio, ¿qué podemos encontrar en él? D.H - Este primer disco es, sin

duda, un resumen de todo ese inicio y toda esa variedad de personas que han pasado por la banda desde su comienzo. No es un disco que nos hayamos encerrado a componer, sino que es la realidad de todo lo que fue saliendo desde que empezamos

como grupo. Tienes desde influencias grooveras hasta partes un poco más técnicas y chilladas, melódicos con caña, incluso alguna parte roza el rap metal, es un disco bastante amplio. E.M - Unos estribillos muy abiertos y comerciales, mezclados con un sonido más contundente y ritmos frenéticos. ¿Es esta la base de Donuts Hole? D.H - Sin duda, buscamos los extremos, pero no tenemos una “ f ó r m u l a ”, v a m o s haciendo lo que nos gusta. Claro que es cierto que tenemos una base, pero no es un dogma; hoy salió así esta tirada de temas mañana quizás la composición sea más bruta, o quién sabe quizás hagamos funk, no buscamos algo concreto. E.M - Os definís como metal progresivo pero, ¿cuál sería la etiqueta que mejor definiría a la banda? D.H - Realmente no tenemos ni idea de etiquetas, crecimos escuchando rock, heavy metal, punk, funk, y eso es lo que Marzo 2014 | El Musicógrafo | 21


define realmente el grupo. A la que llega una etiqueta y se nos pega, pues bueno, pero no creemos en ninguna. Definirse sería como aceptar un límite que no queremos. Nosotros vamos escuchando bandas, dejamos que nos influencie lo que nos parece efectivo para trasmitir lo que sentimos y que suene a lo que suene.

D.H - Estamos trabajando para que esté en todas las posibles, pero de momento lo encuentras en la mencionada Spotify, iTunes y en nuestro Bandcamp Oficial.

E.M - ¿Marcáis una ruta en lo referente al sonido o dais rienda suelta a vuestra imaginación? D.H - Rienda suelta, totalmente. No seríamos sinceros con nuestra música si buscásemos un resultado concreto. E.M - ¿Cuáles son las influencias de la banda que se puedan percibir en vuestra música? D.H - Son muchísimas las que dejamos que nos influencien, nos gusta mucha música. Pero quizás las que influencian al grupo, o que se ven según lo que la gente nos ha dicho, son Deftones, Faith No More, Pantera, Incubus, Soulfly, Textures, Carajo… No sé, no sabríamos hacer una selección de bandas. E.M - Es todo un lujo poder escuchar a Donuts Hole en Spotify. ¿En qué más plataformas tenéis el disco colgado para poder escucharlo gratuitamente? 22 | El Musicógrafo | Marzo 2014

un poco de lo que buscábamos y él consiguió cumplir de sobra con lo que esperábamos. E.M - ¿Quién es el encargado de escribir las canciones? ¿O es algo que hacéis entre todos? D.H - Es algo entre todos. Obviamente, va a rachas; hay quien es más activo en la composición pero al final todo se termina puliendo y montando en el local, hasta conseguir lo que esperamos todos.

E.M - Hablamos del sonido del disco. A mí me suena muy bien, ¿quién ha sido el responsable? D.H - El responsable es, sin duda, Marco A. Papiz, guitarrista de la banda. Se le metió en la cabeza producir y la verdad es que se le da

E.M - Viendo el panorama en nuestro país, ¿por qué escogisteis el castellano para la banda si tenéis un nombre en inglés? D.H - Siendo sincero el panorama de nuestro país no nos importa en lo más mínimo. O sea, nos importa estar ahí, tocar, apoyar bandas, pero no evaluamos jamás el panorama, nosotros pensamos en castellano, nos parecía interesante hacer algo lo más directo posible.

muy bien. Digamos que hablamos

E.M - ¿Y el idioma no os cierra puertas de cara a Europa? ¿O vuestra banda se centra en nuestro territorio solamente? D.H - Nos cierra puertas y nos abre otras. Cantar en inglés es hacer lo mismo que todas las bandas, que está bien si así quieren hacerlo, pero no es una obligación. Tenemos muy asimilado que la música no tiene idiomas,


escuchamos bandas como Ebola de Tailandia, o bandas de Argentina, Chile o México que cantan en su idioma. Nos pareció bien hacerlo así, sea acertado o un error. E.M - Habéis estado en Madrid hace poco presentando el disco. ¿Qué sensaciones os habéis llevado? ¿Que tal el público? D.H - Estuvimos ya dos veces en Madrid este año, con sensaciones positivas las dos veces. La primera fuimos con Hidra, y la fecha fue genial. Esta segunda vez fuimos a un festival apoyando la gira de More Than A Thousand. Claro que cuando la gente está esperando al cabeza, suele ser un poco más difícil, pero la respuesta fue muy positiva. E.M - Tenéis la agenda apretada, ¿cuáles son los conciertos más inminentes? ¿Dónde podemos veros? D.H - Inminente es este 22 de marzo en Barcelona, junto a Nodriza de Valencia, Morphium de Girona, y Devouring Doom y The Rise Of Brutality de Barcelona, en el marco del Rising Festival. Es una fecha que no debería perderse nadie, porque promete ser una noche muy especial. Y el fin de semana siguiente estaremos haciéndole el soporte a los franceses Hacride, que vienen al país y estaremos con ellos en Valencia y Barcelona.

E.M - ¿Estáis preparando alguna gira veraniega por otras zonas? D.H - Somos adictos al directo,

con lo cual sí estamos mirando algo de cara al verano, ya que la primera parte de esta gira termina hacia mayo, y no creo que descansemos mucho. E.M - ¿Y algo por Europa en un futuro próximo? D.H - Tenemos entre manos algunas cositas, pero no hemos definido nada. Nos van invitando a algunas ciudades, pero se nos escapa de presupuesto para hacer algunas fechas y tenemos que escoger muy bien dónde vamos y dónde no. Es una lástima. E.M - ¿Tenéis alguna novedad inminente? Algún videoclip, por ejemplo... D.H - ¿Verdad que tienes alguien que te chiva las cosas? Ja, ja, ja… Estamos produciendo nuestro primer videoclip, que si todo sale bien rodaremos este mes y saldrá

a la luz de cara a abril. Cruzaremos los dedos para tenerlo, nos hace mucha ilusión realmente. E.M - ¿Qué dirías a toda la gente que nos lee? D.H - Nos gustaría decir a la gente que vaya a conciertos, no sólo a los nuestros exclusivamente (si quieren venir, van a encontrar un grupo a flor de piel dando todo lo que siente y os aseguramos que os lo pasaréis bien), pero por encima de eso, ir a conciertos. Si podéis, comprad algo de merchandising, las bandas os estarán muy agradecidas. Os aseguramos que hay un nivel de bandas cojonudísimas tocando por pocas monedas al lado de vuestras casas. E.M - Muchas gracias chicos por concedernos esta entrevista. Estaremos muy atentos a las novedades de la banda y os deseamos la mayor de las suertes. Muchas gracias. D.H - ¡Gracias a vosotros! Realmente hacen falta medios como este que estáis sacando adelante, ¡y no dudéis en contar con nosotros para lo que haga falta! ¡Un abrazo muy fuerte!

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El acorde perdido

EL ACORDE PERDIDO COMPONIENDO CON LA GUITARRA (III) por David Patricio

www.facebook.com/david.patricio.50 “Unitar”: componiendo melodías En el libro Advanced Guitar, Mick Goodrich comenta que todo guitarrista, antes de tocar la guitarra, debería aprender un instrumento que él llama “unitar”; es decir, una guitarra con una sola cuerda o lo que es lo mismo: tocar melodías o solos utilizando únicamente una sola cuerda. Este tratamiento nos hace tocar de forma mucho más natural e intuitiva que si seguimos los pasos de una escala. He observado que, cuando un músico no guitarrista toca la guitarra, se mueve sobre una sola cuerda para encontrar las melodías que tiene en mente. Se utiliza la guitarra como si fuera un piano: hacia la izquierda bajamos y hacia la derecha subimos... Este sistema tiene muchas ventajas. Por un lado, nos permite tocar pensando únicamente en dos parámetros: arriba o abajo, lo que simplifica bastante un 24 | El Musicógrafo | Marzo 2014

instrumento complejo como la guitarra. Además, con este sistema no necesitas ningún conocimiento previo del instrumento para componer una melodía, así que no importa si nunca has tocado una guitarra, puedes coger una y poner en práctica este sistema, aunque sea con un solo dedo. Por otro lado, si eres un estudioso de la guitarra y eres capaz de tocar escalas a velocidad vertiginosa,

te darás cuenta de que si compones melodías a tresillos de semicorchea, será difícil hacérselas cantar al cantante de tu grupo. Con ello, crear una melodía en una sola cuerda te aportará simplicidad y, al no seguir ninguna escala o patrón, sonará más fresco y natural.

Si establecemos un paralelismo entre un fragmento musical y una charla o conferencia hablada, la melodía sería el tema en el que se centra el discurso. Veamos qué características tiene que tener un buen discurso para luego poderlas aplicar a nuestra melodía: 1. Tiene que emocionar. Esto tiene que ver con la sensibilidad y dinámica que imprimamos a la melodía en cuestión. Si pensamos en los grandes actores de teatro, son capaces de emocionar aun cuando el guión no sea una obra maestra. Los gestos, las pausas, la intensidad de la voz y la emoción que imprimen es lo que nos hace sentir. 2. Debe estar enfocado en tema central. Tiene que tener una dirección clara y volver repetidas veces al motivo principal explicándolo desde distintas perspectivas. Pensemos en ello: una conferencia se anuncia con una sola frase y se argumenta


El acorde perdido durante una hora. En ocasiones, durante la exposición se repite una y otra vez el motivo del discurso (I have a dream; Yes, we can). En una sinfonía, por ejemplo, se utiliza un motivo o melodía como tema principal, que se desarrolla infinitamente utilizando distintas dinámicas, armonía y los múltiples timbres y texturas de una orquesta sinfónica. 3. Tiene que tener un ritmo claro e ir desvelando las claves progresivamente. Ha de generar interés y tensión, y liberarla en el final a modo de conclusión o mensaje. Ha de explotar todo el registro dinámico: puede ser fuerte, suave, pausado o rápido. El control de estos recursos acentúan la emoción y evitan que resulte lineal o monótono. Veamos un sencillo ejercicio que podemos hacer para componer con el sistema “unitar”: 1. Tocamos la sexta cuerda al aire (nota mi)

2. Mientras oímos sonar la sexta cuerda, tocamos una nota en la primera cuerda que nos guste como suena en relación a la nota grave. 3. Utilizando únicamente la primera cuerda, decidimos si la

siguiente nota debe ser más aguda o más grave que la primera: esto imprimirá dirección. Imaginemos que tenemos un globo, cuando nos movemos a una nota más alta es como si añadiéramos aire al globo, generamos tensión. En cambio, cuando nos movemos a una nota más grave, es como si dejamos salir aire del globo,

liberamos tensión. 4. A partir de ahí, vamos añadiendo otras notas que nos gusten, intentando crear patrones con ellas. Podemos usar una nota larga, una corta, una larga, para luego cambiar el patrón. Más adelante, podemos usar ese mismo patrón con notas distintas para una nueva parte. Nos será útil que la duración total de la melodía nos cuadre en ciclos de cuatro u ocho compases. Al componer una melodía, es importante plantearse cómo seía esa melodía cantada. Ajustarse a las características de la voz cantada nos ayudará a que la melodía resulte más intuitiva y familiar. Pensar en los lugares que respiraremos nos dará una idea de dónde colocar pausas. ¡Que la inspiración te acompañe siempre!

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Nº3 | El Musicógrafo – La revista | Marzo 2014