Page 1

EDICIÓN Curso de

Et volupis et que conseque dolore autes eius aut aut

facient ea simagnamusa quatem nulpa quam, nim int qui inis dolori incid quiatasitem qui qui asimpori rempore pratur, nosaped ullabo. Itatur, nis ex et as audi-

aepudam laut pa quuntio renihit atiunt ullorrum derio dolor acea quia quame aut es debitiunt volores tiberch

Análisis de película

ictotat et harum nestiore volenis ditatiu resectenisti

imporecullit vendur? Uptissitiam et quististis doluptur? Ipsus quae. Loribusapit, sed evel ium vendita esciminus a necus comnis magnatus. Cabo. Lique pro deriores et asitaeprest, ime dis ex eribustrum reperrum reprovi taquiati natemporum, sint ipsam, tendam, omnisto tatectus il est dolo tem volenam sa ad et experae voluptium lam volor aut facerfe rchicit ut d ne comni serupta volorro et ma quatecto eos esequidunt fuga. Itas quatisc iatenienihic te dissimus aut lant faceptat. Molectas dit hillori busanducim ut mo ist moloris inveriaeptia de nobit et occum etur? Qui occatum ut lam ipitame nitate pelibusam re, consequis aut reiumenet plit faccum vollorepudi seque sam dem estrum quuntisqui venitempos simolorit peliquid que labo. Am illamen ditiusa ntionse quaspie ndelesc ipsuntus quam cus et placerit undaecuptae estiaspel molorerferis solorum fugias maxim faciis et fugia adiscim olorrovidus inctae milit, sitatur ati dolore expelluptam es nihil maximilisim non rem non et quam doluptatem reribus anderum ipsandel modicia voles eum abor aut volest latiis a cuptiat etusam vollabor maiorat volenis asitaquia non con pro quisi accupta tatquias doluptis rat. quae

Ivón Carballo

por Daniel Sánchez Arévalo

1


GORDOS,

una edición para llamar la atención ‘Gordos’ es una comedia dramática. Cinco historias que giran en torno a la obesidad, con un entorno común: un grupo de terapia. Un sitio donde los protagonistas no van a adelga-

zar, sino a encontrar los motivos por los cuales tienen sobrepeso, a averiguar las causas por las cuales están a disgusto con su cuerpo. El peso es lo de menos, su cuerpo es lo de menos. La obesidad es sólo una metáfora para hablar de esas cosas que nos tragamos día tras día, que van creciendo en nuestro interior, y que tanto nos cuesta expresar, atender o incluso asumir. Si bien España hoy en día tiene una pequeña lista de directores destacados y asentados en su medio cinematográfico, el joven director, Daniel Sánchez Arévalo, busca abrirse paso con películas propositivas, complejas e inteligentes. En el cine actual cada vez es más común escuchar críticas sobre la construcción del

INTRO

relato, sobre la falta de pulso, se critica la poca fuerza de los guiones de hoy en día y de la pobre traslación de lo escrito a lo visual. En el caso de Gordos se da todo lo contrario. El director y también escritor presenta un guión rico y complejo que, a través de 5 historias algo extremas, toca muchísimos aspectos de la vida cotidiana, unos desarrollados más profundo que otros. Ensamblar un rompecabezas tan rico y variado, con personajes construídos con tanto cuidado y profundidad, es todo un reto. Un reto muy bien logrado en esta ocasión. El director lleva la complejidad de su guión a las imágenes manteniendo un ritmo y tono coherentes, un desarrollo uniforme. Tras un análisis general de la realización del filme en sus diferentes aspectos, este trabajo se ocupará del análisis de las técnicas de montaje innovadoras que utiliza para generar y resaltar emociones en momentos reveladores del desarrollo de las

2

historias. Pretende esbozar cómo la edición desencadena y resalta sentimientos al


salirse del montaje tradicional. Se analizarán ejemplos de dicha ruptura de las reglas de edición presentes en la película y de la fuerza e importancia que dichas secuencias tienen en la estructura dramática de esta. La película, en efecto, se resiente, tiene altibajos, pero la historia de este grupo de personas maltratadas por la vida resulta intensa, inteligente, engancha y, a ratos, no sólo deslumbra sino que hace reír y llorar. Este filme, su dirección, su fotografía, su arte, su montaje, su realización en general, están pensados para cargarnos de sentimientos y emociones a lo largo de la película, de modo que también nos sentimos gordos por dentro.

3


ESTRUCTURA

Historia en 4 partes

Desde el primer momento la película capta la atención del espectador. Inicia con una estética común de comercial de ventas por televisión. Muestra el típico antes y después de un ex-gordito feliz. Un presentador, un público presente, un producto y un modo de vida en venta. Desde este momento se nos trata de persuadir vendiendo un producto que cambiará la vida de todo el que no se sienta conforme con su peso. Esta estética de comercial va a ser importante a lo largo de todo el desarrollo del filme. Se presenta en repetidas ocasiones para resaltar recordar al espectador precisamente eso, que es un espectador y que se le está vendiendo un mensaje.Al espectador, representado en el público presente en el estudio se le presentan un método de 4 pasos:

1.Sinceridad. Mírate bien y pregúntate. ¿Me gusto?

2.Acción. ¿Qué puedo hacer para cambiar las cosas que no me gustan?

3.Perseverancia. ¿Quién dijo que iba a ser fácil?

4.El triunfo. ¿Te vas a conformar solo con llegar a la meta?

Estos 4 pasos definen la estructura de la película. La primera parte se dedica a contar las historias de los 5 personajes principales (los gordos y el terapeuta). Profundiza en el pasado de cada uno y de cómo llegaron a la obesidad en la que se encuentran. Se presentan algunos datos reveladores sobre sus personalidades y sobre qué carga emocional tratan de alivianar al engordar. La segunda parte pasa a mostrar las acciones que cada uno a tomado para mejorar, o no, su estado anímico al igual que su gordura. Se vinculan los estados anímicos y su concepción personal con la cantidad de peso. En la tercera parte, la perseverancia, vemos como cada personaje lucha con las circunstancia para seguir con su proceso de aceptación y mejora. El estado anímico de unos personajes va mejorando mientras el de los otros empeora. En este punto las

4

situaciones se empiezan a invertir, quienes se encontraban mejor en un inicio empie-


zan a enfrentarse con un panorama más duro; quienes estaban peor empiezan a mejorar su situación. Sin embargo, la condición de todos los personajes se debe a mentiras que se plantean a ellos mismo y los conflictos internos continúan. Los objetivos y obstáculos son sumamente relevantes en la narrativa, crean oportunidades muy marcadas para momentos que son significativos tanto narrativamente como emocionalmente. Casi cada momento narrativamente significativo tiene el potencial para proporcionar algún remate emocional, pero no cada remate emocional es narrativamente significante. (Smith, 2003) Al final de esta tercera parte se da el climax en las historias de los personajes y se puede ver a los 5 con sus vidas “destruídas” por las acciones que han realizado. Las consecuencias de sus acciones, ya no exclusivamente las referentes a la perdida de peso, se están manifestando y transformando sus vidas. Los climax de cada historia son destacados con una edición salida del montaje tradicional, pero esto ya se analizará más adelante. Por último, el triunfo. Se vienen los desenlaces de cada historia y de la película como un todo. Los personajes claramente han sufrido una evolución y ahora tratan de enmendar sus errores. Intentan asumir una nueva vida en la que ya su peso pasó a otro plano, tanto así que incluso todos han vuelto a su peso inicial. Todos siguen gordos, algunos por fuera otros no; pero definitivamente sí todos por dentro, pues siguen con muchísimas cargas emocionales.

5


Representación de las personalidades en el arte Me traicionaría a mi misma si no comento sobre la dirección de arte de esta película. Tengo ya tiempo interesada en esta parte de la producción audiovisual y siempre presto muchísima atención a los detalles de arte que resaltan y aportan a la obra. En este caso particular, el arte me llamó mucho la atención en algunos aspectos, no en todos. Principalmente porque considero que la construcción de los espacio físicos está muy bien lograda de acuerdo con la personalidad de los protagonistas. Los espacios están muy bien distinguidos. Primero, tenemos una sala de sesiones de terapia con elementos muy inusuales pero característicos como los espejos. Estos considero que tienen cierto protagonismo porque es através de ellos que el director logra revelar reacciones y posturas de los personajes que dicen algo sobre ellos. Además son muy bien utilizados en la composición del encuadre, nos permiten ver más de lo que tenemos frente a cámara. Es casi como estar mirando con el rabillo del ojo. Luego tenemos la casa de Abel, el terapeuta, que parece ser una casa muy moderna,

ARTE

liberal. Sin muchas paredes, muchos espacios abiertos. De hecho cuando la vemos por primera vez su esposa está botando una pared. La casa de la pareja cristiana, Sofía y Alis, es un espacio muy conservador, lleno de retratos familiares, estampados y patrones antiguos, un estilo muy barroco. Siempre están presentes los motivos religiosos, principalmente representados en el cristo crucificado que cuelga de la pared y que hace de “vigilante”. Los tonos amarillos y cafés definen muy bien el lugar de modo que se identifica fácilmente de que espacio se trata cuando hay planos cerrados. Por otro lado está el cuarto de Leonor. Ella es una empresaria exitosa, mujer sola, que trabaja desde casa y es bastante sofisticada. Su cuarto y la mayoría de su util-

6

ería va en una gama entre blanco, negro y turquesa, muy acorde con su aspecto.


La ambientación del gay e smuy cliché pero muy buena. Es un cliché con el que se nota el personaje no está cómodo. Con la evolución del personaje pasamos de verlo en bares y rodeado de iluminacion colorida y música, a verlo en un ambiente serio de matrimonio, el closet formal, el baño y la habitación matrimonial. Si bien existen otros espacios, considero que estos sobresalen por su coherencia con los personajes que representan. En toda la película vestuario y utilería están muy bien amalgamados para reproducir la personalidad de sus personajes y aportar a la construcción que se hace el espectador de cada uno de ellos.

7


Aspectos generales

Antes de profundizar en la forma en cómo la edición resalta momentos dramáticos y emocionales de la historia que se cuenta, vamos a conocer algunos aspectos generales del montaje de este film. Esta es una película lanzada al público en el 2009, dirigida por un director sumamente joven con influencias muy modernas por la época en la que se ha desarrollado.Todo esto se refleja en el ritmo de edición, ya que es muy dinámico: va, viene, vuelve a ir, salta, corta. Pese a ese dinamismo cuenta con algunos planos secuencias muy bien logrados que si bien son hermosos considero no dan un gran aporte a la escena. Talvez el aporte de estos esté en el mostrar los espacios construídos en cada locación. El arte como

EDICIÓN

mencioné es muy bueno y los planos secuencia y los travelling permiten apreciarlo. Contrario a lo que suele verse en el cine y televisión comercial, hay mucho uso de encadenados. En algunos casos son encadenados muy prolongados. “Si en el punto central de la mezcla, las imagenes se prolongan demasiado tiempo, estas imágenes ya no parecen encadenadas, sino “sobreimpuestas” (Thompson, 2001, pp. 55). Esto es lo que se da en la película pero se hace justificadamente, estos están muy bien utilizados, y dan un aporte muy rico que se mencionará más adelante con un par de ejemplos. Se presentan algunas secuencias con cortes entre planos muy similares. Tal es el caso de la escena en que Abel y su esposa discuten porque ella se siente gorda y fea por estar embarazada. Los saltos con evidentes y son entre planos muy similares. A mi parecer funciona bien porque son pequeñas elipsis, brincos en el tiempo que muetrasn cómo avanza la discusión. “Idealmente, cada plano debería ser un desafío visual. En el proceso de selección se debe tener en cuenta que, por muy bello que sea el plano, debe contener una información visual diferente anterior” (Thompson, 2001, pp. 44). Sin embargo ene ste caso el salto entre planos con información similar no es chocante y no genera rechazo por parte del espectador, sino interés. Se demuestra así

8

como los usos no tradicionales de los recursos de edición captan al atención.


El sonido resalta positivamente, se juega con éste para ocupar la atención del espectador. “También puede captarse la atención del público mediante un sonido adelantado o cabalgado. Por ejemplo, montar el sonido cuatro fotogramas antes de la imagen” (Thompson, 2001, pp. 47). En algunas ocasiones vemos al personaje callado, es decir sin mover los labios, mientras igual lo escuchamos hablando. En otros casos escuchamos el pensamiento de éste. Respecto a los 4 tipos de raccord o continuidad que menciona Thompson en su Manual de Montaje Cinematográfico, en el caso de Gordos se cumplen los 4 de ellos. Algunos serán mencionados en los siguientes análisis específicos.

Ejemplo de encadenado prolongado donde en un punto vemos al personaje en ambos planos.

Para mencionar brevemente la colorización, ndudablemente la colorizción da un aporte muy grande a la parte estética de la obra. Los escenarios están muy bien corregidos de color, resaltando los colores más característicos de cada personaje en los espacios en que estos son representados. La sala de sesiones por ejemplo tiene una tonalidad azulgrisácea que definie muy bien ese espacio y lo hace facilmente reconocible. Es un poco desaturado, lo que me parece correcto por que la terápia es el hilo condutor de la película. Cuando los personajes se desenvuelven en “el mundo real” los colores son mucho más saturados. Montaje “por corte” entre planos muy similares. Funciona a modo de elipsis pues indica un brinco en el tiempo.

9


Juegos de edición como indicadores de emoción “El cine de Hollywood clásico con frecuencia usa lo que llamo “ marcadores de emoción”, las configuraciones de señales son sumamente visibles y textuales para obtener los breves momentos de emoción¨. Estos marcadores señalan a la audiencia, que está pendiente de los objetivos que plantea la narativa, el instante en el que deber ligarse con un breve momento emocional. Es decir estos marcadores de los que habla Smith guían al espectador y le facilitan la identificación de los momentos más emotivos. En el caso de la película en cuestión la edición no tradicional viene siendo un marcador emocional ya que cuando ésta está presente se indican fuertes momentos

EDICIÓN

emocionales que además son importantes narrativamente. Si bien dichos marcadores no son tan evidentes como los hollywoodenses, son reconocibles por romper con el método y ritmo de edición que trae la película. Por ejemplo, cuando Abel, el terapeuta, se encuentra copulando con una de sus pacientes mientras su esposa está dando a luz. El juego de cortes de edición obliga al espectador a fijar su atención, genera tensión y es un indicador de que se está en un momento muy emotivo y a la vez importante narrativamente de la película. Ya que me encuentro analizando este plano, doy paso a un análisis más enfocado en el porqué de la fuerza de estas imágenes. Si se revisan las teorías del montaje clásico, en el Manual de Montaje Cinematográfico de Roy Thompson podemos encontrar que uno de los principios básicos dice que si tenemos dos personajes interactuando la composición de los planos debe ser coherente con el eje de acción para simular la interacción entre ellos. Así, siempre se procura que el eje de acción no se rompa para dar a entender que uno está frente a otro. Esto se logra dando aire al lado correcto.

10

En este caso, se nos presenta un primer plano de Abel, seguido por un primer plano


de su esposa. Abel está teniendo relaciones sexuales con su paciente, mientras ella da a luz. Ambos tienen gestos en su rostro muy expresivos, propios de la actividad que se encuentran realizando. Se interponen los primeros planos de ambos, Abel a la izquierda y su esposa a la derecha como se muestra en las imágenes. Algunos detalles corporales son interpuestos también.

Ejemplificación de uso de eje de acción en Manual de Montaje Cinematográfico de Roy Thompson

Podemos observar que la composición de estos planos está pensada para simular una interacción entre ellos que no existe. Ninguno de los dos sabe lo que está haciendo el otro pero la sucesión de planos, y el eje de acción que nunca se rompe según la teoría, parecieran dar a creer que se encuentran de frente en el mismo espacio físico. Sumado a esto, el sonido juega un papel muy importante ya que se mantiene siempre presente el de ambos, , lo que facilita la percepción de interacción al simular un raccord de sonido. Además es gracias al sonido que se clarifica la secuencia cuando suena el llanto del bebé al nacer. Esta secuencia de planos es emocionalmente muy fuerte puesto que para el espectador es sabido de antemano que esa interacción que se simula no existe y que es metafórica. Abel y su esposa se encuentran alejados íntimamente y todos los aspectos de su relación. El uso innovador del eje de acción es, como se mencionó anteriormente, un indicador emocional y a la vez es metáfora de la relación de pareja.

11


Marcadores de momentos dramáticos Como se trató anteriormente los juegos de edición pueden resultar una marcación de emoción interesante. Los puntos de marcación se utilizan comúnmente en el cine y televisión comercial, principalmente estadounidense, para resaltar momentos dramáticos importantes como puntos de giro o revelaciones al protagonista. Estos realcen se dan mediante recursos ya muy explotados, como el incremento en la intensidad del sonido, dolly in o zoom in (como en el caso de las telenovelas), primerísimos primeros planos con expresiones muy marcadas en el rostro, etc. A continuación se analizará una técnica de edición utilizada en Gordos como marcador de un momento dramático.

EDICIÓN

Es el caso de la revelación de Enrique sobre cuál es realmente la razón de su gordura, cuál es su conflicto interno y cómo está esto relacionado con su pasado. Él se encuentra en terapia y cuenta sobre sus días de niño cuando se sentía diferente y todos se burlaban de él. Es gay y se siente una mala persona por no cumplir con el estereotipo de homosexual que le ha presentado la sociedad. Se dice no ser sensible, ni alegre, ni vitalista, ni tolerante como se supone que son los gays. Es “el peor maricón de la historia”. Claramente es un momento crucial de su evolución como personaje y por lo tanto de su historia. La atención del espectador es captada mediante un juego de edición muy interesante donde vemos las 3 caras de Enrique: su perfil derecho, su posición frontal y su perfil izquierdo. Cada cara está contando una parte de la historia aún más reveladora que la anterior. El personaje va apareciendo y disolviéndose en el transcurso del monólogo y esto evidentemente llama la atención del espectador, quien tiene que mantenerse muy atento para no perder detalle. Toda la composición de esta secuencia en la terapia está armada en tercios, es por esto que la iluminación aporta también a la composición. A la izquierda del encuadre el fondo está iluminado amarillo, al centro una penumbra y a la derecha iluminado azul.

12


A mitad del monólogo el personaje se da cuenta que se está enfrentando con él mismo y la transición utilizada entre planos es una disolvencia larga donde en un punto alcanzamos a ver la cara del personaje doble en el encuadre. Definitivamente es una contradicción visual, pero está bien justificada al ser una confrontación con el mismo. Seguido de esto él toma una decisión, realiza una acción (en este momento la película se encuentra en su segunda parte) que determinará su relación con Pilar, su amante heterosexual. Cuando la revelación es completa vemos las 3 caras en el mismo encuadre, incluso algo superpuestas. Continúa a confrontación consigo mismo y ahora sus otras dos caras escuchan todas las cosas malas que la otra cara tiene que decir. Entonces aparece el terapeuta, Abel, como quien viene a salvarlo, y con sus palabras de aliento va desapareciendo cada una de las caras de Enrique. Curiosamente, esta intervención de Abel, da paso a otra transición interesante donde inicia la confrontación de Abel consigo mismo. Estas transiciones , si bien rompen en cierta medida con el raccor de movimiento y de posición, resultan muy interesantes para el espectador pues son llamativas y son marcadores de emociones que indican inconscientemente que se debe poner a estas imágenes para comprender el mensaje de la película así como su trama.

13


Referencias Cruceta, I. (2010). GORDOS, de Daniel Sánchez Arévalo. Cajón de Historias, viernes 5 de febrero de 2010. Disponible en: http://cajondehistorias.blogspot.com/2010/02/gordos-de-daniel-sanchez-arevalo.html

García, A. (2009). Daniel Sánchez Arévalo: “’Gordos’ no es un filme sobre gordos, sino sobre conflictos. Hoy Cinema. . 06/09/2009. Disponible en: http://www.hoycinema.com/actualidad/noticias/Entrevista-Sanchez-Arevalo-Gordosfilme-sobre-gordos-sino-sobre-conflictos.htm

Thompson, R. (2001). Manual de montaje: Gramática del montaje cinematográfico. Ediciones Plot, Madrid. 1era edición, diciembre de 2001.

Smith, G. (2003). Film structure and the emotion system . Cambridge University Press, New York.

14

Analisis de la pelicula GORDOS  

Analisis principalmente del motaje de la pelicula GORDOS de Daniel Sánchez Arévalo, España, 2008.