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Diseño Gráfico en Brasil


Diseño Gráfico en Brasil Personajes

Melyssa Castañeda Gabrielle Leguizamón


Publicado y distribuido por:

Concepto y dirección de arte : Gabrielle Leguizamón y Melyssa Castañeda Diseño y diagramci{on: Gabrielle Leguizamón y Melyssa Castañeda © 2017 Corporación universitaria unitec El Copyright de los textos y los diseños perteneren a los respectivos diseñadores y participantes. Todos los derechos reservados. Quedan rigurosamente prohibidas, sin la autorización escrita de los titulares del copyright, bajo las sanciones establecidas en las leyes, la reproducción total o parcial de esta obra por cualquier medio o procedimiento, comprendidos la reprografía y el tratamiento informático, y la distribución de ejemplares de ella mediante alquiler o préstamo públicos. ISBN: 84-96309-03-6 Impreso y encuadernado en Colombia


Este trabajo estĂĄ dedicado a los curiosos e interesados en el trabajo del diseĂąo Brasilero y quienes lo hacen posible.


“Toda escuela superior debería ofrecer clases de filosofía e historia. Así huiríamos de la figura del especialista y ganaríamos profesionales capacitados en conversar sobre la vida.” Oscar Niemayer


Introducción

El diseño brasileño, nació junto a la cultura nacional. Actividades ligadas al diseño aparecieron nítidamente en el siglo XIX, aunque sin una estructura de enseñanza regular e incluso sin su reconocimiento como actividad distinta de la arquitectura, del arte y de la industria de objetos utilitarios. Pero el área solo comenzó a ser tratada como especialidad artística diferenciada a partir de la creación del primer estudio de diseño del país, el FormInform, por Alexandre Wollner, Geraldo de Barros, Rubem Martins y Walter Macedo, tras la vuelta de Wollner de Europaen 1958. Su actividad llevó después a la fundación de la primera escuela superior de diseño, la ESDI1 en Río de Janeiro, en 1963, siendo el marco inicial de la profesionalización del diseño de Brasil En términos culturales, Brasil cuenta con un museo dedicado a la preservación de la memoria del diseño brasileño, que mantiene el premio más importante del sector en el ámbito nacional, el Premio Diseño del Museo de la Casa Brasileña. Brasil el enorme país sudamericano hace unos años no era muy reconocido por sus cualidades creativas, ni el desempeño gráfico, era reconocido por su alta tasa de violencia y delincuencia y su poca estabilidad económica pero eso ha cambiado drásticamente gracias a varios representantes. Se ha convertido en uno de los referentes más característicos en cuanto diseño en general. Dentro de los cambios que ha sufrió el país cabe resaltar la creación de la Asociación de Diseñadores Gráficos de Brasil (ADG Brasil) en 1989 que no fue reconocida ni tenía la importancia que tiene en la actualidad; es una asociación sin fines de lucro de ámbito nacional con el objetivo de representar, registrar, diseminar la actuación del diseñador gráfico brasileño, además de congregar a los profesionales y estudiantes para el fortalecimiento del diseño Gráfico nacional y el perfeccionamiento ético de la práctica profesional y el desarrollo de sus asociados, contribuyendo de forma única a la estructuración, promoción y valorización del diseño y su ejercicio profesional en Brasil por medio de la promoción de exposiciones, conferencias, libros, compartir datos e información relevante a el área, retroalimentación y el empuje a el avance.

1 Escuela Superior de Diseño Industrial


FELIPE TABORDA

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FABIO SASSO

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RICO LINS


FELIPE


BIOGRAFÍA

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Diseñador gráfico nacido en Río de Janeiro, Brasil, en 1975. Se formó en la Pontificia Universidad Católica de Río de Janeiro y estudió cine y fotografía en London International Film School, de Reino Unido, Artes de la Comunicación en el New York Institute of Technology y Diseño Gráfico en la School of Visuals Arts., también en Estados Unidos. Es catedrático de la Pontificia Universidad Católica y de la Universidad, ambos centros de Rio de Janeiro. Además, desde 1990 tiene su propio estudio y trabaja principalmente en el área cultural, editorial y fotográfica. Ha tenido a su cargo proyectos como coordinación y edición de Brasil Designs, un número especial de la revista norteamericana Print, y la proyección y curaduría del evento 30 carteles para el Medio Ambiente y

GalerÍa chile el Desarrollo, durante la Cumbre de la Tierra de Río de Janeiro de 1992.

2 (el griego clásico ἱστοριογράφος (historiográphos),”el que escribe la historia”) y el sufijo flexivo -a para el femenino. 3 Instrumento que inscribe las vibraciones de la voz humana o de cualquier otro sonido, y la reproduce.


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“Ha tenido a su cargo proyectos como coordinación y edición de Brasil Designs” Por otro lado, ha desarrollo la conceptualización y curaduría de A Imagem do Som, un proyecto que rinde homenaje a los principales compositores brasileños, a través de la creación visual de artistas contemporáneos. En este sentido, es el único diseñador latinoamericano invitado por la editorial Taschen, una de la más prestigiosas del mundo, a participar en la publicación Graphic Design for the 21 st Century - 100 of the World’s Best Graphic Designers (Diseño Gráfico para el siglo XXI -100 de los mejores Diseñadores Gráficos del Mundo) y también en World Graphic Design, editado por Merrel Publishers (Inglaterra). The Anatomy of

Design (Rockport Publishers – EEUU), Logo Design 1 y 2 y Contemporary Graphic Design (Taschen – Alemania). En 2008 publicó el libro Latin American Graphic Design con la editorial Taschen (Alemania). Por otro lado, posteriormente, se ha ocupado con Julius Wiedemann de la elaboración del primer volumen de Taschen sobre el ‘Diseño Gráfico de Latinoamérica’ (2008) de difusión global (reportaje en Diseño Iberoamericano).

4 técnica del tratamiento del mineral de hierro para obtener diferentes tipos de éste o de sus aleaciones.


Globalll mix

“Podemos definir el diseño gráfico como el proceso de programar, proyectar, coordinar, seleccionar y organizar una serie de elementos para producir objetos visuales destinados a comunicar mensajes específicos a grupos determinados.”


GRÁFICA CHILENA

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En el libro, Taborda seleccionó los trabajos de los diseñadores chilenos Vicente Larrea, Leonardo Ahumada, Cristián González Saiz, Dany Berczeller, Julián Naranjo, Juan Pablo Rioseco y Constanza Gaggero. Además, incorporó en la selección a la oficina Tesis DG, el grupo Oxígeno y Pozo Marcic Ensemble. La publicación, lanzada al mercado a principios de este mes, pretende demostrar que en Latinoamérica existe un muy buen nivel de diseño y que las empresas no tienen ni deben pretender buscar soluciones gráficas en Estados Unidos o

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Europa. Este argumento, junto a otras opiniones sobre las tendencias y el estado actual del diseño gráfico mundial fueron parte de la charla durante su visita. El diseñador brasileño Felipe Taborda ha destacado por ha-


TIPOGRAFĂ?AS

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Antonia


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Olivia Light


DISEÑOS

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cer afiches con diseños sociales, como es el caso de aquel sobre la lucha contra el aborto, el que le valió ser el único latinoamericano incluido en los libros “Graphic Design for the 21st Century” y “World Graphic Design”, estos algunos Carteles para la concienciación social. Se dedica también a proyectos personales tales como la coordinación y edición de Brazil Designs, un número especial de la revista americana Print (1988); la creación y curadoria del evento 30 Carteles Para el Medio Ambiente y Desarrollo, durante la Eco’92 en Rio de Janeiro (1992); la dirección de arte y creación del libro y exposición Paisagens Particulares (2001); la curadoria y montaje de la exposición Brazil AdDesign, en el Art Directors Club de Nueva York (2007); y la concepción y curadoria de A Imagem do Som, un proyecto con ocho ediciones que homenajea a los


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principales compositores brasileños a través de la creación visual de artistas contemporáneos (1998 – 2007). Se dedica también a proyectos personales tales como la coordinación y edición de Bra-

zil Designs, un número especial de la revista americana Print (1988); la creación y curadoria del evento 30 Carteles Para el Medio Ambiente y Desarollo, durante la Eco’92 en Río de Janeiro (1992); la dirección de arte y creación del libro y exposición Paisagens Particulares (2001); la curadoria y montaje de la exposición Brazil AdDesign, en el Art Directors Club de Nueva York (2007); y la concepción y curadoria de A Imagem do Som, un proyecto con ocho ediciones que homenajea a los

“Un diseñador se debe nutrir de cultura, la cultura general es importante para percibir todas las cosas. No hay nada más aburrido que un diseñador que sólo habla de diseño”


principales compositores brasileños a través de la creación visual de artistas contemporáneos (1998 – 2007). Taborda visitó Concepción fruto de una amistad fraguada entre la institución y el diseñador durante su primera visita a la ciudad en 2006, cuando participó como jurado en un concurso de diseño organizado en la época para los alumnos de la sede. Desde entonces los vínculos se mantienen intactos. Frase de Felipe: “Un diseñador se debe nutrir de cultura, la cultura general es importante para percibir todas las cosas. No hay nada más aburrido que un diseñador que sólo habla de diseño”.

Diseños: El diseñador brasileño Felipe Taborda ha destacado por hacer afiches con diseños sociales, como es el caso de aquel sobre la lucha contra el aborto, el que le valió ser el único latinoamericano incluido en los libros “Graphic Design for the 21st Century” y “World Graphic Design”. Algunos Carteles para la concienciación social. Que es diseño: Podemos definir el diseño gráfico como el proceso de programar, proyectar, coordinar, seleccionar y organizar una serie de elementos para producir objetos visuales destinados a comunicar mensajes específicos a grupos determinados. La función principal del diseño gráfico será entonces transmitir una información determinada por medio de composiciones gráficas, que se hacen llegar al público destinatario a través de diferentes soportes, como folletos, carteles, trípticos, etc. Felipe Taborda es uno de los diseñadores más importantes

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PROYECTO & DISEÑO MAGAZINE 57 (Bogotá Colombia) septiembre 2008

de Brasil. Pocos son los diseñadores que pueden presumir de que dos grandes de la profesión, como Neville Brody y Milton Glasser, los cuales le escribieron sendos prólogos para un libro. Menos aún pueden presumir de contar con ambos como amigos. De sólida formación en diseño y campos afines como la fotografía y el cine, desde 1990 Taborda tiene

su propio estudio de diseño en el que desarrolla principalmente trabajos relacionados con el mundo de la cultura, el editorial y la música.


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LIBROS

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Diccionario futbol


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Ă lbum fotografos brasileros

Libro fotogrĂĄfico de Ana Marinbo


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Brasil aventuras brasileras


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Otro punto de vista de Felipe Taborda

Se define a sí mismo como un curioso sin remedio, y es precisamente este voraz apetito el que le impulsa a trabajar y disfrutar a partes iguales. El diseñador carioca aborda la riqueza y explosión creativa que vive Latinoamérica, así como la especial situación de crecimiento y energía de Brasil.

Gloria Inglis: Es el único representante latinoamericano incluido en la recopilación publicada por Taschen, Graphic Design for the 21st Century. 100 of the World’s Best Graphic Designers.


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La vida en Movimiento JoaquĂ­n Andrade


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DAMM Flavio

Luiz Braga


CD’S

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Amazonas Band


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Brazooka

Victor Hamil


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Noite Luzidia Maria Bethana

Amazonas Band


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Gilberto Gil


EVENTOS

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Seminario Valparaiso Chile 2015

6TH FADJR INTERNATIONAL FESTIVAL


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TRANSFORM 2012

(conferencia) 16 a 18 de noviembre 2012


RICO


BIOGRAFÍA

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Diseño gráfico y cruce de culturas Rico Lins (nacido el 19 de septiembre de 1955 en Río de Janeiro) es un diseñador gráfico brasileño, director de arte, ilustrador y profesor. Es uno de los diseñadores gráficos más influyentes de Brasil. Ha protagonizado y comisariado diversas exposiciones como la que ha recogido recientemente sus magníficos trabajos para la Orquestra Jazz Sinfônica do Estado de São Paulo en el Museu da Imagem e do Som, también en São Paulo. La suya es una gráfica caracterizada por la gran variedad, vitalidad y riqueza de significantes y significados, sumando retazos europeos junto a otros eminentemente brasileños en una conjunción de mundos unidos en un mismo collage visual.


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Cartel para la Orquestra Jazz Sinfônica do Estado de São Paulo


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“Observar cosas que otros no ven y convertirlas en evidentes. Es decir, dar forma a un «sentimiento» no expresado, a unos comportamientos todavía no evidentes, a sensibilidades que flotan en el aire.” Educación Se graduó en diseño industrial en la ESDI en 1976 y recibió su Diplome d’Études Approfondies in the Arts de la Université de Paris viii, en 1981. En 1987, obtuvo el título de Master of Arts en el Royal College of Art de Londres. es miembro de AGI - Alliance Graphique Internationalle, con una larga carrera internacional que combina actividades profesionales y educativas. Diseñador, director de arte, ilustrador, educador y curador, actuó en las últimas tres décadas entre

París, Londres, Nueva York, Río y São Paulo para CBS Records, NY Times, Newsweek, Time, MTV, TV Globo, Grupo Abril, Natura, SESC, Museu da Língua portuguesa, además de numerosos editores. Como educador, imparte conferencias y talleres de creación en Brasil y en el extranjero, fue profesor en la Escuela de Artes Visuales de Nueva York y coordinó el Máster en Diseño Gráfico en el Instituto europeo de Design SP. Publicada internacionalmente en las principales revistas y libros especializados, recibió entre otros premios las meda-


llas de oro del NY Art Directors Club y la Society of Publication Designers. Fue uno de los organizadores de la conferencia AGI Open en el Auditorio Ibirapuera en SĂŁo Paulo, en 2014.

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Promoviendo el turismo en Brasil


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Carrera Ex profesor de la Escuela de Artes Visuales de Nueva York, coordinó y actualmente imparte el curso de Máster en Diseño Gráfico en el Instituto europeo di Design, en São Paulo. Ha impartido conferencias y talleres en Brasil y en el extranjero en eventos que incluyen el Festival de Chaumont, el Festival de la Creatividad Firenze, IED Barcelona, SENAC y SENAI, la Escuela Panamericana de Artes, la Universidade do Livro, Revela Design Recife, así como un programa de gira de tan -llamados talleres de diseño analógico en su propio estudio y en numerosas instituciones. Ha realizado exposiciones individuales de su obra en París, São Paulo, Río de Janeiro, Caracas y Chaumont, y también ha participado activamente como expositor, comisario y jurado en los principales congresos, bienales y exposiciones colectivas de diseño en numerosos países. Sus artículos y su cartera han sido publicados en las principales revistas y libros especializados internacionales y su obra figura en las colecciones permanentes de instituciones importantes, como el Museo

de Historia Contemporánea, el Museo del Libro y de la Publicidad y la Biblioteca Nacional Francesa. , en París, el Pôle Graphique de Chaumont, el Sttatliches Museum für Angewandte Kunst, en Munich, y el Museu de Arte Contemporânea de São Paulo.

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Poster-for-Human-Rights-1989


Reconocimientos Entre sus diversos premios se encuentran las medallas de oro del NY Art Directors Club y la Society of Publication Designers, el Prêmio Abril, Design by Designers 2001 y el Type Directors Club Merit Award en 2007. Es miembro del Comitê de Notáveis da Escola Panamericana de Artes (Junta de Notables de la Escuela Panamericana de Artes), São Paulo y ha sido miembro de la AGI - Alliance Graphique Internationalle desde 1997. [1] [2] 1. Jump up^ “Computer Arts 59”. Issuu.com. 2012-07-04. Retrieved 2012-09-20. 2. Jump up^ “Veja 21/07/99”. Veja.abril.com.br. Retrieved 201209-20.


EXPPOSICIONES

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Grรกfica de la frontera


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Expo Manifiesto grรกfico


CARTELISMO

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De esta manera, es parte de la cultura del diseño el materializarse en una práctica (que no puede ser una estrategia) compartida con la vida cotidiana de la persona a la que, después, irán dirigidos los mensajes. Una práctica de observación (y de abducción, que los británicos llaman serendipity), que difícilmente puede formalizarse porque se aplica en el «aquí y ahora» para solucionar un problema concreto, pero que representa el alma de la profesión del diseñador. También por este motivo, el diseñador no tiene un estilo, si con este término se entiende la simple presencia de coeficientes visuales codificados, sino que tiene, quizás, un «modo» de situarse ante los problemas, que se materializa en las diversas aplicaciones, evolucionando al ritmo de su experiencia profesional.

Esto es, en el fondo, lo que llamamos cultura: la cultura del diseñador, quizás difícil de expresar con diagramas y fórmulas al comienzo de cualquier presentación de un proyecto (cuando tan cómodo resultaría para destacar su valor), pero que, en su ductilidad, es decir, en su capacidad de ser, a la vez, estratégica y táctica, encuentra la solución específica para ese problema concreto. Así, según va aumentando esa formación, aumentan también las posibilidades de elaborar lenguajes diferenciados y estrategias también diferentes (con sus aplicaciones tácticas) con una libertad cada vez mayor de los elementos de una posible «gramática» de la visión, la creación de mestizajes con soluciones pertenecientes a contextos distintos, o incluso «con el cruce» de esos mismos contextos, tradiciones, legados culturales.


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The Real Thing, afiche para conmemorar los 25 aĂąos de Coca-Cola Art Project, 1992.


En la práctica, huyendo de los estereotipos y buscando la lengua (la langue de Ferdinand de Saussure) con todas sus encarnaciones reales (la parole, ¿siempre citando a de Saussure?). Pues bien, esto es lo que hace Rico Lins. Y lo hace porque tiene detrás de sí una formación compleja desde muchos puntos de vista. Lins es un emigrante: Brasil, Francia, Gran Bretaña, Estados Unidos y vuelta a Brasil. En los primeros tres países, además, compaginó la formación con la profesión. También es un diseñador que ha tocado todo lo que normalmente cae bajo la definición de diseño gráfico: edición, edición discográfica, televisión, identidad corporativa, comunicación cultural, etc. Lo demuestran no sólo su currículum, sino también su seguridad y capacidad de síntesis (a todas luces espectacular) a la hora de explicar el trabajo de su estudio en su página web. Es miembro de la AGI, por lo que, lógicamente, forma parte de una red privilegiada de diseñadores; y, finalmente, es comisario de concursos y promotor cultural (véase la exposición sobre diseño gráfico brasileño organizada el año pasado en Chaumont, Francia).

Si podemos considerar los carteles un lugar privilegiado a la hora de expresar cuestiones lingüísticas (simplificando mucho, bien por las características físicas del medio, o bien porque a menudo hay sensibilidad por parte del cliente), encontraremos expresados con absoluta evidencia los resultados de esa complejidad profesional y cultural. Hayaremos, en primer lugar, unos lenguajes, plasmados en las series dedicadas a ocasiones concretas, por ejemplo, Jaz Sinfónica y Brazil em Cartaz. Hay un signo estable –la marca– con su semántica rigurosa, y otros que se citan entre sí, siguiendo una lógica de asonancias que pertenecen más a la retórica que a la semiótica. Se trata exactamente de una langue encarnada en distintas parole, hablada en el «aquí y ahora» de cada póster concreto (todos ellos, por otra parte, extraordinarios).

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Cartel para Oleanna, obra teatral de David Mamet, 1991.


Y después, si ampliamos nuestra mirada más allá de estos dos ejemplos y analizamos las diversas series, es decir, los diversos clientes, la polifonía de los referentes culturales aparece evidente y casi desagradable de recorrer, porque no resulta muy interesante perseguir una matriz francesa en un signo o en un registro gráfico, sino que lo divertido es intentar comprender por qué esa referencia era necesaria en ese momento y de qué manera se volvió eficaz. Pero ello requeriría mucho tiempo, ya que lo que Rico Lins despliega es una Capilla Sixtina del diseño gráfico. No por su coherencia estilística, lógicamente, sino precisamente, por lo contrario, es decir, por la diversidad y la amplitud de los significados aludidos.

Cartel alusivo a Frida

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Rico Lins. Diseño gráfico sin bossa nova Si hasta este artículo no hubieras tenido la oportunidad de ver ninguno de los trabajos del diseñador gráfico Rico Lins, y nosotros solo dijéramos que nació en Río de Janeiro en el año 1955, tal vez harías una asociación natural de ideas entre su estilo creativo y la bossa nova. Pero no, nada que ver. Probablemente la única analogía posible entre los diseños de Lins y algún tipo de música sería, si cabe, el rock energético de los primeros Stones; en ningún caso la sutileza compositiva de sus compatriotas Antônio Carlos Jobim o Caetano Veloso, por poner dos ejemplos. Para entender en esencia su obra, tenemos que subrayar que su formación académica se desarrolla en Europa, entre los años setenta y ochenta, y que, posteriormente, él mismo será profesor en la School of Visual Arts en Nueva York, e impartirá clases magistrales y ponencias en multitud de países de todo el mundo. Es decir, aunque Rico Lins tiene su estudio en São Paulo, estamos ante un tipo que vive de aeropuerto en aeropuerto desde hace más

de treinta años, lo que sin duda es un rasgo muy relevante de su discurso. Observando los proyectos desarrollados por Lins, rápidamente captamos que su brutal expresividad prevalece ante cualquier resquicio de equilibrio. Sus ideas se originan en la mezcla, para desembocar en una expresividad desmesurada y luminosa, que se sirve indiscriminadamente de potentes tonos cromáticos y de todo tipo de elementos visuales: fotografías, trazos, tipografías, ilustraciones, collage. Desde luego, estamos ante uno de esos creativos que impregnan con su “firma estilística” todos sus trabajos, trascendiendo la esencia del encargo en cuestión, y llevándolo a su propio y característico terreno. Caso similar al de otro de los grandes de su misma generación: el indomable David Carson (California, 1954), con el que, por cierto, podemos encontrar ciertas similitudes creativas, ya que ambos han transitado esa corriente rupturista, ilimitada y extraordinariamente fértil, denominada posmodernismo.


En cualquier caso, como decíamos, las composiciones de Rico Lins llaman fuertemente la atención con sus innumerables golpes visuales. Nadie queda intacto. Es lo que siempre sucede con los creadores que trascienden los estándares: no obtienen espacio en el terreno de la indiferencia. Pero, eso sí, sin bossa nova.

Mapa metro Shangai 2010

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FABIO


BIOGRAFÍA

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Fundador De Abduzeedo Es un diseñador de productos brasileño con sede en Oakland, California, actualmente trabaja para Google como diseñador de personal. También es el fundador de Abduzeedo, una publicación digital (blog) premiada sobre diseño y un proyecto personal que se ha convertido en la fuente de inspiración para millones de diseñadores y entusiastas. Desde que se unio a Google en 2011, tuvo la oportunidad de trabajar en proyectos increíbles, grandes y pequeños. Desde diseñar y ayudar al equipo de Google Doodles, Google Ventures, Shopping Express Mobile, así como a los principales productos líderes y la visión de Google Search y Android Pay.

Designer In The Spotlight (DITS) es una función semanal que ejecuta todos los domingos (o más) para ayudar a determinadas personas de la comunidad de diseño a poner su nombre ‘por ahí’ y a educar a la comunidad en general. Es una serie de preguntas que le preguntan al diseñador sobre ellos mismos y su trabajo como diseñador. Fabio Sasso es el dueño del muy popular blog de diseño, Abduzeedo. Se graduó en Diseño Gráfico en 2003, pero ha trabajado en proyectos de diseño web desde 1999. Hoy en día ha estado trabajando más en proyectos de diseño gráfico debido a al blog. Cuando era pequeño dibujaba, aunque no era capaz de dibujar realmente bien, siempre le gustó eso. Luego, en 1992, su hermano y el obtuvieron su


primera computadora. Solían jugar videojuegos y tenían el conocido Atari, Genesis y otras consolas, pero esas cosas eran diferentes. Un año después ya estaba jugando con Corel Draw y eso realmente me impresionó. No pude parar desde entonces. Al principio solía no hacer nada, tenía algunos amigos a los que les hacía algunos trabajos y lo recomendaban a algunos de sus amigos. Luego, después de 2006, cuando robaron su oficina y necesitaba dinero para reiniciar todo, decidió que debería comenzar a promocionarse un poco mejor. Así que comenzó a unirse a todas las comunidades y foros y comenzó su blog para ayudar, eso le funcionó muy bien. Trabajo mucho tiempo desde casa, se levantaba temprano a trabajar en sus blogs y de más proyectos, hasta llegada la noche. Poniéndole mucho empeño a su trabajo independiente. “Creo que lo más importante es amar todo el proceso de diseño, desde el principio hasta el final. Eso realmente ayuda cuando tienes que comenzar algo desde cero o revisar al-

gunos pasos. También practica y comparte tu experiencia con los demás, es una buena manera de reciclar tus pensamientos y obtener más puntos de vista.”

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Experiencia: Trabaja en Google desde el 2011, empezó como diseñador senior desde febrero de ese año y duro en esto 6 años, en la Bahia de San francisco y alrededores en Estados Unidos. Despues de esto, en el 2016 trabajo como Diseñador encargado en Google, dirijo el equipo de diseño responsable de Google Play Games. Desempeño otros cargos y realizo trabajos importantes para la empresa como: Diseñador Visual y prototipo de Plomo en Android Pay, Google Knowledge UX (Búsqueda y mapas - Diseñador visual principal), Cartera de Google (Diseñador principal, aplicación de Android), Google Shopping Express, (Diseñador principal de la aplicación de Android), Ofertas de Google (Diseñador principal móvil y de escritorio), Google Currents (Diseñador Visual Senior) Google Ventures (Diseñador Visual Senior), Google Doodles. Aparte de esto realizo algunas obras editoriales como autor del libro Abduzeedo Inspiration Guide for Designers (Voces que importan) como dise-

Logo ABDUZEEDO

ñador Visual Senior en el 2010 “Abduzeedo es un blog sobre diseño que comencé en 2006 mientras trabajaba en ZEE. Hoy atrae a millones de visitantes cada mes y ahora es uno de los blogs más buscados del mundo del diseño en busca de inspiración y tutoriales.” Educación Universidad de Luterana do Brasil Bachelor Disciplina académica Diseño industrial. 20 de abril de 2012 - Comentarios desactivados en Fabio Sasso: The Score


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Pรกgina inicial sitio


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Trabajo inspiracional publicado en el sitio


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Entrevista: Nos hemos dirigido directamente a una de las mejores fuentes de inspiración en la web, Fabio Sasso, del blog Abduzeedo y diseñador senior de Google en Mountain View. Nos ha dejado entrar en su mundo y darnos algunas palabras de sabiduría. Hemos seguido a Fabio y su trabajo durante varios años, así que fue un placer tener la oportunidad de elegir su cerebro. ¿Cómo comenzó Abduzeedo y qué significa ese nombre?

Libro Guía inspiracional para diseñadores

Abduzeedo significa secuestrado en portugués. Cambié un poco la ortografía para tener mi apodo y también el nombre de mi estudio de diseño “Zee”. El blog comenzó a finales de 2006. Mi estudio de diseño fue robado y perdí mi computadora portátil y todos mis discos de respaldo. Me encontré completamente perdido y decidí comenzar un blog para hacer copias de seguridad de mis cosas en la nube. Abduzeedo ha crecido en los últimos años hasta convertirse


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Trabajo inspiracional publicado en el sitio


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en una gran comunidad con una cantidad de colaboradores habituales, muy lejos de donde comenzó con solo que usted contribuya, ¿está sorprendido de la forma en que creció? Sí, después de casi 6 años todavía no puedo creer lo que fue especialmente porque nunca planeé nada. Empecé a publicar semanalmente y después de un año decidí comenzar a publicar todos los días. Invité a un amigo a ayudarme y una vez que empezamos a publicar todos los días, el blog simplemente despegó. Después de eso, personas de todas partes comenzaron a enviar correos electrónicos preguntándoles si podían contribuir con el blog. La gente increíble comenzó a crear publicaciones para nosotros y les gustó mucho, y terminaron convirtiéndose en parte del equipo de Abduzeedo. ‘The World Collabs’ es una de nuestras características favoritas y más originales que ha ejecutado en su sitio. ¿Ha tratado de utilizar este enfoque en su propio trabajo?

La colaboración es realmente importante para los diseñadores. Creo que nuestro trabajo se trata de colaborar con otros diseñadores, PM y público. Al final, nuestro trabajo es simplemente organizar toda esta información y presentarla de la mejor manera posible. Para World Collabs, a uno de nuestros primeros escritores se le ocurrió la idea de invitar a diseñadores famosos a compartir un proyecto inicial con nosotros y luego le daríamos la oportunidad a nuestra audiencia de colaborar con ellos. Fue realmente agradable porque hicimos posible que todos trabajáramos juntos de una manera con diseñadores como James White, Justin Maller, Nik Ainley y muchos otros diseñadores famosos que solíamos ver en las revistas. Una de las entradas para el primer segmento ‘World Collabs’ de ‘Animatronic’ ¿Qué es lo más importante para hacerlo bien cuando colaboramos con otros? Creo que el respeto es lo más importante. No hay correcto


o incorrecto, sino una colaboración en la que una idea se suma a la otra. Al final, se trata de aprender con la otra persona para mejorar su trabajo, en mi opinión personal. La mudanza de Porto Alegre a Mountain View debe haber sido emocionante, ¿cómo te enfrentas al cambio de los gráficos vibrantes, coloridos y con influencias de los 80 que te caracterizan por el famoso blanco limpio de Google? Sí, fue un gran cambio en términos de cultura y estilo de vida. Por supuesto, un idioma diferente también! Todavía estoy luchando con Inglés heh. En términos de estilo de diseño, amo los 80 porque crecí en esa época. Eso realmente influenció mi gusto por las cosas. Sin embargo, creo que un diseñador debería ser capaz de trabajar en todo tipo de estilos, eso es lo que nos diferencia de los artistas. Al final estamos diseñando para una audiencia y llegar a ellos es más importante que expresar nuestra influencia desde los 80 a menos que también sean de los 80;).

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APÉNDICE 7 creativos que redefinen el arte y diseño brasileños Pocos países serían tan audaces como para ser anfitriones de la Copa Mundial de Fútbol y de los Juegos Olímpicos en un período de dos años. Pero además, pocos países pueden afirmar una pasión honesta y sin barreras por la vida, como Brasil. La historia de la exprovincia portuguesa es compleja. A menudo violenta, desigual y plagada con una economía inactiva, hasta hace unos cuantos años, cualquier titular internacional relacionado con Brasil tendía a enfocarse en el Carnaval o en la violencia descontrolada relativa a las drogas dentro de las conocidas favelas del país. El enorme país sudamericano —el “gigante dormido” como fue apodado— era de bajo rendimiento. Pero el mundo ahora está presenciando un despertar sísmico. La próspera clase creativa de Brasil está escribiendo una historia diferente... y el escenario cultural a nivel mundial es aún más rico por ello. Desde la elogiadísima arquitectura de Isay Weinfeld hasta el internacionalmente aclamado trabajo de los hermanos Campana(cuya presencia puede sentirse en cada exposición importante de diseño alrededor del mundo), Brasil está avanzando rápidamente más allá de los viejos estereotipos. Como el escritor brasileño Alcino Leite Neto lo dice, en su ensayo introductorio para la nueva enciclopedia de tapa dura de Phaidon celebra la escena cultural del país, “en Brasil, el futuro acaba de comenzar”.


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El arquitecto: Isay Weinfeld Isay Weinfeld es uno de los arquitectos contemporáneos más fascinantes de Brasil y el responsable de los elegantes diseños minimalistas de numerosos edificios a lo largo de São Paulo y Río de Janeiro, incluyendo un número de sitios de la cadena de hoteles de lujo Fasano. Los logros arquitectónicos de Weinfeld han sido reconocidos en numerosas ocasiones por el Instituto de Arquitectos de Brasil. Su librería Livraria da Vila ganó el Premio Yellow Pencil en los premios D&AD; en Londres en 2008 y el Premio Spark Award en San Francisco el mismo año. Weinfeld trabaja principalmente en su país de origen... su carrera como arquitecto, profesor y director de cine está muy relacionada con la ciudad de São Paulo. La mayoría de sus proyectos se realizan allí y ha llevado a cabo numerosas exposiciones y conferencias centradas en los problemas arquitectónicos y urbanísticos de la ciudad. Los proyectos recientes incluyen el galardonado Edificio 360°, el Fasano Porto Feliz, ganador del premio de Diseño de Interiores para el mejor hotel vacacional, numerosos espacios de venta a lo largo de la calle Oscar Freire y espectaculares proyectos residenciales que exhiben el arte contemporáneo. La variada naturaleza de su trabajo es algo que él fomenta, diciendo: ‘Soy curioso con las cosas... me gusta diseñar cosas que no he hecho antes... Me encantaría diseñar un burdel o una gasolinera’. – Ana Vaz Milheiro El fotógrafo: João Castilho João Castilho es uno de los fotógrafos brasileños más aclamados que ha surgido durante la última década. Con una licenciatura en Literatura y una Maestría en Artes Visuales, él a menudo utiliza obras de la literatura fuente de inspiración su fotografía.


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Tal es el caso de la serie Whirlwind (2006), en la que busca metáforas fotográficas para representar la manifestación del diablo en la naturaleza, según la novela de 1956 “Grande Sertão: Veredas” (Gran Sertón: Veredas) de Guimarães Rosa, una de las piezas más importantes de la literatura brasileña. Otra característica importante del trabajo de Castilho es su particular uso del color. Vacant Plot es una serie de fotografías que representan a hombres desempleados en un espacio abandonado en las afueras de Bamako, Malí. Los sujetos son fotografiados como siluetas delante de paredes pintadas de colores vivos y son deliberadamente anónimos: son retratados sin identidad y, por lo tanto, sin una historia. Más recientemente, Castilho ha pedido prestados conceptos de la tradición del arte de la tierra. Su serie “Spices” presenta varias composiciones de especias de colores vivos (pimentón y azafrán) dispuestas sobre el desnudo color blanco del Salar de Uyuni en Bolivia. El trabajo de Castilho está presente en varias colecciones públicas incluyendo el Museo de Arte Moderno de São Paulo y el Museo de Arte de São Paulo, así como el Museo de Arte Moderno y de Arte Contemporáneo de Lieja en Bélgica y la Galería Noorderlicht en los Países Bajos. – Eder Chiodetto El diseñador de moda: Pedro Lourenço Pedro Lourenço, el más joven y se puede decir que el más respetado de los diseñadores de moda internacionales de Brasil, es el único hijo del dúo de la moda compuesto por Gloria Coelho y Reinaldo Lourenço, quienes reinaron en la escena del diseño de São Paulo en la década de 1990. Es evidente que ha heredado el gusto de sus padres por la alta costura, su buen ojo para la confección y su agudo estilo arquitectónico, mientras que a eso le añade su propia pasión por trabajar con la tecnología de punta y el cuero.


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Lourenço comenzó siendo joven: sus años de formación los pasó aprendiendo técnicas de diseño y de patrones en los estudios de sus padres. Él mostró su primera colección a la temprana edad de siete años y se hizo cargo de Carlota Joakina, la segunda marca de su madre, a los doce. En el 2005, presentó su propia colección en la Semana de la moda de São Paulo, y cinco años más tarde vio el debut de su primera colección ‘lista para llevar’ en la Semana de la Moda de París, sellando su reputación como uno de los jóvenes creadores más talentosos de la moda. Al recibir elogios inmediatos de parte de los críticos por su estética contemporánea en el diseño y su fuerte identidad creativa, la colección de Lourenço resultó ser un éxito entre los expertos de la industria y suscitó las primeras comparaciones con Nicolas Ghesquière por su estilo limpio y minimalista. Él colaboró con la diseñadora brasileña de zapatos, Melissa, en una colección de zapatos condensada en 2012, y en una gama de accesorios para Swarovski, y cita sus principales fuentes de inspiración como la Diana Cazadora y el arquitecto Oscar Niemeyer. – Simone Esmanhotto La artista callejera: Ananda Nahu Originalmente provenientes de Juazeiro, en la frontera entre los estados de Bahía y Pernambuco, las piezas vibrantes de Ananda son diseños cuidadosamente trabajados que reflejan los colores y el ritmo de la vida en el noreste de Brasil. Nahu se mudó a Salvador para estudiar diseño gráfico y artes visuales, y su investigación sobre el ‘placard’ y la historia del diseño del cartel, asociado con sus experimentos en la litografía, el grabado y la serigrafía, la inspiró para realizar una aplicación práctica de sus estudios en las calles de Salvador. Empezó con carteles sencillos pegados en paredes vacías, pero pronto volcó su atención a la propia pared. Mientras se familiarizaba con el lenguaje de la pintura callejera, ella comenzó a pintar


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murales cada vez más elaborados y desarrolló su distintiva técnica de la plantilla. Su inspiración proviene de una amplia gama de fuentes, incluyendo las portadas psicodélicas de álbumes y telas tradicionales: “Mis pinturas son el resultado de la mezcla de mis influencias... todo desde portadas de discos, carteles y pancartas hasta manifestaciones religiosas en la pintura y textiles africanos y asiáticos”, explica. Sus vibrantes murales a menudo parecen enormes franjas de tela brillantemente modelada envuelta alrededor de las paredes y los edificios de la ciudad. – Marcelo Rezende Los diseñadores: los hermanos Campana Humberto (izquierda), abogado de profesión, y su hermano Fernando, arquitecto, producen piezas que se definen por las texturas y formas obtenidas a través de métodos artesanales, a menudo utilizando materiales naturales o industrializados retirados de su contexto habitual. Todo, desde hebras de alambre, cordel, bandas de caucho, espejos rotos, ladrillos y tejas, cuero sintético, piezas de madera, ratán, muñecas de trapo hasta peluches, se ha convertido en materias primas transformadas por los Campana en sillas, lámparas, sofás, bancos, utensilios y mesas. En la década de 1990, su trabajo ganó la atención internacional con un espectáculo en el Museo de Arte Moderno en Nueva York. Más recientemente, los Campana también han trabajado con escultura, cerámicas, instalaciones e interiores. Estuvieron a cargo del diseño de cafeterías, tanto en el Teatro Municipal de São Paulo como en el Museo de Orsay en París, y tienen trabajos en las colecciones permanentes del Museo de Arte Moderno en Nueva York, el Centro Pompidou en París y el Museo Vitra Design en Weil am Rhein. A pesar de su extensa agenda internacional, todavía trabajan desde su taller en el centro de São Paulo, el cual se encuentra entre


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las tiendas baratas y talleres de reparación... es aquí donde investigan materiales y técnicas y construyen prototipos de los objetos que han cambiado la imagen de diseño brasileño en los últimos 15 años. – Mara Gama El artista: Paulo Nazareth Los trabajos de Paulo Nazareth recuperan el conceptualismo experimental de la década de 1970 con el fin de investigar las condiciones culturales, económicas y sociales detrás de la marginalización de las personas negras e indígenas en los países latinoamericanos. Como una figura carismática, el artista recurre a su propia herencia mixta en sus acciones, representaciones, fotografías y textos producidos durante sus peregrinaciones constantes a través de todo el mundo. Nazaret saltó a la fama en la escena internacional con el proyecto “Notícia de América” (Noticias de América, 201112), donde se embarcó en un viaje, principalmente a pie, a través de más de quince países de América Latina antes de llegar a Estados Unidos. Entre los diversos trabajos producidos durante esta peregrinación se encuentra una serie de fotografías titulada “Cara de Índio” (Rostros Indígenas), en las cuales se fotografió a sí mismo al lado de personas provenientes de diferentes orígenes indígenas, destacando la vasta selección de características físicas heterogéneas que son abarcadas por el término “indígena”. Jugando con las nociones preconcebidas de la identidad de una manera humorística, Nazareth es una de las pocas voces que aborda los temas raciales dentro del arte contemporáneo brasileño. –Kiki Mazzucchelli


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La diseñadora gráfica: Elaine Ramos La historia de Elaine Ramos se entrelaza con la de la editorial Cosac Naify, para quien trabaja como directora de arte. Ella ha ayudado a coordinar su influyente serie de libros sobre diseño gráfico, transformando a la editorial en uno de los principales centros de producción y reflexión sobre el tema en Brasil; su estilo y visión ha hecho de su identidad gráfica una de las más coherentes y refrescantes en el mercado editorial brasileño. Perteneciente a la generación que creció durante la renovación cultural y política tras el fin de la dictadura de Brasil, ella asimiló en su trabajo tanto las influencias tropicalistas como ciertos principios modernistas, los cuales habían sido previamente reducidos a dogmas viciados. El resultado es una serie de proyectos con una rara mezcla de sobriedad y experimentación. Su generación es una de las primeras en trabajar enteramente en la era digital, pero la cual también se dedica a la investigación de materiales y formas, así como técnicas anticuadas de impresión. Como miembro del equipo brasileño en la Alliance Graphique Internationale (AGI), Ramos ha ganado numerosos premios internacionales, como el de “50 Books/50 Covers” de AIGA, por “O Livro Amarelo do Terminal”.


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GLOSARIO Diseño gráfico: El diseño gráfico es una disciplina y profesión que tiene el fin de idear y proyectar mensajes a través de la imagen. Al diseño gráfico se lo llama también “de la comunicación visual” y esto es así puesto que entraña una íntima relación con la comunicación como ciencia teórica y disciplina gráfica. New York Institute of Technology: El Instituto de Tecnología de Nueva York (también conocido como NYIT ) es una universidad privada , independiente , sin fines de lucro , no sectaria, de investigación mixta fundada en 1910. Brasil Designs: Realizado por ABEDESINGN y por APEX- brasil, Brasil Desing es un proyecto de difusión del diseño brasileño en el exterior y en brasil. Creación visual: El diseño visual o diseño en comunicación visual es una disciplina profesional que estudia los sistemas de información, con el objeto de convertir los datos en formas visuales, teniendo en cuenta los procesos perceptivos. Tate Modern: Es el nombre por el que se conoce el Museo Nacional Británico de Arte Moderno. Se encuentra ubicado en el centro de Londres y forma parte del grupo de museos Tate junto con Tate Britain, Tate Liverpool y Tate St Ives, estos dos últimos situados fuera de Londres. Graffiti: Se llama pintada, grafito​o grafiti​a una modalidad de pintura libre, destacada por su ilegalidad, generalmente realizada en espacios urbanos.


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Diseño gráfico: El diseño gráfico es una disciplina y profesión que tiene el fin de idear y proyectar mensajes a través de la imagen. Al diseño gráfico se lo llama también “de la comunicación visual” y esto es así puesto que entraña una íntima relación con la comunicación como ciencia teórica y disciplina gráfica. New York Institute of Technology: El Instituto de Tecnología de Nueva York (también conocido como NYIT ) es una universidad privada , independiente , sin fines de lucro , no sectaria, de investigación mixta fundada en 1910. Brasil Designs: Realizado por ABEDESINGN y por APEX- brasil, Brasil Desing es un proyecto de difusión del diseño brasileño en el exterior y en brasil. Tate Modern: Es el nombre por el que se conoce el Museo Nacional Británico de Arte Moderno. Se encuentra ubicado en el centro de Londres y forma parte del grupo de museos Tate junto con Tate Britain, Tate Liverpool y Tate St Ives, estos dos últimos situados fuera de Londres. Graffiti: Se llama pintada, grafito o grafiti a una modalidad de pintura libre, destacada por su ilegalidad, generalmente realizada en espacios urbanos. Arte: Es el concepto que engloba todas las características realizadas, por el ser humano para expresar una visión sensible acerca del mundo, ya sea real o imaginario. Analogía: Relación de semejanza entre cosas distintas. Logotipo: Aunque este es el término comúnmente utilizado para referirse al símbolo que identifica la imagen corporativa y valores de marca, en realidad el logotipo es únicamente la construcción de palabras que conforman el nombre de ésta. Portafolio: Traducido del francés “portefeuille”, hace referencia a un tipo de cartera de mano para transportar documentos y otros materiales de trabajo. Diseño editorial: Rama del diseño dedicada a la maquetación, edición y estructuración de publicaciones como revistas o libros.


CIBERGRAFĂ?A Fabio Sasso https://www.linkedin.com/ http://justcreative.com/ http://fabiosasso.com/ https://www.behance.net/abduzeedo http://thebig.co/fabio-sasso/ https://platt.edu/ http://youngcreativecouncil.com/ http://gomedia.com/ http://abduzeedo.com/ Felipe Taborda https://www.experimenta.es/ https://jocelynxcid20.files.wordpress.com/


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https://issuu.com/ http://notisurdemorelos.com.mx/ http://www.muniguate.info/ http://perfilurbano.com.mx/ https://www.roomdiseno.com/ http://www.felipetaborda.com.br/es/ Rico Lins https://www.clarin.com/ http://unmundofeliz2.blogspot.com.co/ https://disregional.files.wordpress.com/ http://www.ricolins.com/


Este libro fue impreso en Bogotรก-Colombia el 10 de Noviembre


Libro 2  
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