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8 de agosto 2017 Colabora en el Fanzine. Escríbenos al correo medios@isc.gob.mx

Por Carlos Sánchez

C

ut López es prolífico. Piensa el teatro y lo ejerce. Dirige. En esta edición de la Muestra Estatal de Teatro 2017 presentará dos obras bajo su dirección: Jauría y R&J.

Su mirada jovial asume el riesgo. Actúa, convoca, expone en el espacio donde habita desde siempre: el escenario. La genética como una dulce condena: hijo de padre dramaturgo, mimo, gestor cultural; hijo de madre actriz, directora. Cut López aquí. Conversamos: —Cut, ¿cuáles son los objetivos que te planteas cuando decides trabajar en un montaje escénico? —Primero es pensar estéticamente en algo que me guste, que me llene, que se acerque a los referentes de lo que es mi lenguaje del teatro. El primer objetivo es eso, incluso ser fiel a un lenguaje y ser fiel a un discurso que trato de buscar con el grupo de teatro que formé en Ciudad de México y con el grupo de teatro que formé en Hermosillo. El segundo objetivo va más sobre una gestión cultural, gestión de proyecto que es tener un alcance económico, un alcance de público para poder sustentar mi producción en ese objetivo, y para eso, el tercer objetivo es el público al que voy dirigido y cómo redondear todo ante los referentes estéticos de la obra, del sonido, incluso de la gestión de cómo vamos a mover la obra: ya sea en redes sociales, a manera de prensa impresa y demás, para llegar justo a los jóvenes que es el campo al que queremos atraer. Incluso podemos involucrar a más. Hay personas mayores que disfrutan mis puestas en escena o que entienden el lenguaje, pero sí mi lenguaje es ser fiel a mis puestas en escenas y a lo que voy a seguir haciendo: gestionar la obra para que tenga buenos recursos y poderle pagar a los actores y llegar al público: las tres (premisas) van juntas, no pongo a una encima de la otra. —¿Cómo surge el proyecto de la obra de teatro R&J y qué es lo que quieres decir? —R&J, es curioso porque para empezar es mi obra favorita, Romeo y Julieta, de Shakespeare, sobre todo por la interrelación de dos jóvenes, como soy una persona enamoradiza, coqueto con las mujeres, me gusta mucho el perfil del personaje de Romeo, lo identifico mucho conmigo, entonces el proceso de R&J, digamos la adaptación vino a partir de Mónica Perea, dramaturga y compañera de Ciudad de México, que hablando con ella y buscando la manera de poder adaptar la obra a algo más actual, nos dimos a la tarea de hacerlo más urbano, como si fuera una junta entre pandillas en una cancha de básquet y que de ahí parte esta historia y este discurso. Esto lo hicimos con una sola idea, porque queremos hacer énfasis, a algo que no se ve mucho en la obra, pero que está, que es el tema del suicidio en los jóvenes, que tiene que ver con el acto trágico de dos jóvenes que pierden la vida por encontrarse en el amor eterno, digamos. Y parte de una nota de prensa que busqué durante la investigación, de dos chavos de un pueblo de Veracruz donde sus familias no los dejaban estar juntos por no tener el nivel económico deseado uno del otro, y la historia es trágica porque ambos chavos terminan ahorcándose, primero la chava y luego el chavo. A partir de eso, del suicidio, quise meter en tela de juicio al público para que a nivel de espectáculo se diviertan, pero también que se vayan pensando en el suicidio que se da en los jóvenes. —Háblame sobre la otra obra que también diriges: Jauría. —Jauría es una obra escrita por Mónica Perea que habla de perros: el perro fresa, de casita, muy particular,

Cut López

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Edición: Alejandra Olay Coedición: Marreyna Arias Información: Carlos Sánchez, Samantha Leyva Corrección: Rosy Orozco, Óscar Grajeda Diseño: Argelia Juárez Fotografía: Juan Casanova

Fiel a su lenguaje escénico

y está el perro viejo, de perrera, que está a punto de ser sacrificado y varios cuadros que hablan de diferentes tipos de perros y de sus relaciones con los seres humanos. Jauría es una obra que habla sobre perros y la necesidad de hablar sobre los perros tiene que ver con una idea que tengo de cómo se ha ido involucrando al teatro contemporáneo con discursos sociales nuevos, de poder hace conciencia social ante estas problemáticas que tenemos, una de ellas es hacer cuidado de los perros, el abuso contra los perros que viven en la calle, que puede haberlo, pero luego los tratamos mal. La idea de Jauría es hablar de la violencia contra los perros, aunque se fue por otro lado. —¿Qué significa participar en esta Muestra Estatal de Teatro 2017? —Es la primera Muestra Estatal de Teatro en la que participo, en mi vida, ya había estado en un festival en Tijuana donde me invitaron con R&J, digamos que ese fue mi primer festival profesional, otros he tenido por ahí la fortuna de estar, pero en esta ocasión es la primera muestra estatal en la que participo y con dos obras, estoy muy emocionado porque creo que el poder de convocatoria que tiene una muestra estatal, con el tipo de público que tiene, que viene de diferentes municipios, de otros estados y también del estado de Sonora, me parece que es muy enriquecedor para los artistas y para mí que voy empezando en esta onda, que me pueden dar retroalimentación, que el jurado se pueda acercar a mí y yo a él y poder tener intercambios y diálogos sobre mi lenguaje de teatro.

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E

Inauguran la Muestra Estatal de Teatro 2017

l telón se abrió y dio inicio a la Muestra Estatal de Teatro 2017, que se desarrolla desde el lunes 7 y hasta el próximo domingo 13 de agosto, en la Casa de la Cultura de Sonora.

La ceremonia inaugural estuvo presidida por Mario Welfo Álvarez Beltrán, director general del Instituto Sonorense de Cultura; Mariana González Gastelum, coordinadora general de Artes del ISC; Osvaldo Sánchez Valenzuela, coordinador de Artes Escénicas del ISC; Alicia Laguna, productora de la compañía de Teatro Línea de Sombra; así como los integrantes del jurado: Fernando Verita, Antonio Peñúñuri y Arturo Díaz. El titular del ISC dijo que “La Muestra Estatal de Teatro es un foro que

nos permite la profesionalización de los artistas, alcanzar una mayor vinculación entre el gremio regional y nacional y enriquecer la nutrida agenda cultural que cada día tiene más adeptos, además de que es el espacio idóneo para el diálogo reflexivo entre el público, las instituciones y el artista”. Aseguró que es importante y necesario generar estas reflexiones sobre el teatro regional, la pedagogía y la investigación escénica; así como participar en talleres especializados y apreciar el trabajo artístico de la comunidad sonorense, que también contribuye de manera muy relevante en el desarrollo general de la comunidad artística y del estado de Sonora. Sobre el reconocimiento Desierto Ícaro, lo describió como “un perso-

naje que ha tenido impacto en la vida teatral de nuestro estado, así que el próximo domingo también lo esperaremos para presenciar este caluroso homenaje”, concluyó. El ganador de esta Muestra representará a Sonora en la Muestra Regional, zona noroeste los días 28 y 29 de septiembre, que para este año la Secretaría de Cultura ha designado a nuestro estado como lugar sede, de donde a su vez se seleccionará al ganador que irá a la Muestra Nacional en León, Guanajuato, del 23 de noviembre al 2 de diciembre de este año.

En México hacemos mal el trabajo de producción: Mario Eduardo D´León

Lo malo del poder es después no poder

El coordinador general Técnico y de Producción de la Muestra Nacional de Teatro, Mario Eduardo D´León, imparte en la Muestra Estatal el taller de Introducción a la Producción Ejecutiva, donde comparte su experiencia que ha adquirido durante más de dos años como director técnico de la Compañía Nacional de Teatro y por su participación como actor, iluminador, productor o jurado en festivales y convocatorias nacionales, así como en festivales internacionales en Estados Unidos, Cuba, Colombia, Brasil, Costa Rica, Japón, España, Alemania y Venezuela.

Por Óscar Grajeda

¿Cuál es objetivo del curso? El objetivo es dar una introducción a la metodología y a distintos procesos que forman parte de la producción. El propósito es dar a conocer la metodología a los interesados y romper ciertos esquemas que nosotros asumimos con respecto a los tiempos y procesos de producción, además de involucrar a las personas en trabajo colectivo en todos los puestos y actividades que funcionan en torno a la creación artística. El certamen para elegir quién habrá de representar a Sonora en la Muestra Regional de Teatro fijó la expectativa alta al comenzar con la presentación de No ser sino parecer, primera parte de la última trilogía del dramaturgo Sergio Galindo, una institución del teatro sonorense que goza de reconocimiento nacional por obras como Güevos rancheros y La siembra del muerto. La puesta en escena fue montada por la compañía Juílas Teatro, otrora conocida como la Compañía Teatral Norte y dirigida por Paulo Sergio Galindo, heredero de la sensibilidad artística de su padre. No ser sino parecer es una comedia de enredos situada en la alta sierra sonorense, en una localidad ficticia llamada Pueblo Siguiente. En esta, el candidato a la presidencia municipal (Francisco Verú), amedrentado por el narco, invita con engaños a un grupo de actores itinerantes a participar en una suplantación a causa de la gran semejanza que existe entre el Actor (Sergio Galindo) y el candidato Pancho Peña. Después de las elecciones, el Actor y su secuaz Augusto (Paulo Galindo) pronto descubren la forma de sacar provecho de la situación, corrompiéndose por los venenosos embelesos del poder y, también, quizás, por empezarse a parecer demasiado al candidato. El texto dramático está escrito en verso, pero –como es característico del teatro de Galindo– también rescata el habla coloquial de la sierra sonorense. La amalgama entre estas dos formas de expresión, más que desencajar, dota de cierto encanto lírico a la representación. Y es este contraste un motivo en sí mismo, que queda establecido entre este choque de mundos: el habla culta, personificada por los actores, y el habla vulgar, propia de los habitantes del poblado. No ser sino parecer está nutrida por múltiples referencias literarias y remite a la comedia clásica de Plauto, Anfitrión, pero extrapolada al contexto sonorense, donde no solo nos permite reconocer una estampa de la identidad cultural del estado, la actual, sino que filtra numerosos

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elementos que dan cuenta de la realidad política y social de Sonora y de todo México. La dirección de Paulo Sergio Galindo ofrece una visión revitalizada del teatro de su padre. La propuesta escenográfica remite a la de la puesta en escena de Cananeas (Sergio Galindo), donde los elementos que la componen son transformados para aprovechar todas las posibilidades del espacio. La plasticidad del escenario se complementa con el trabajo de iluminación, que sin duda dotan de una cara más moderna a la nueva producción de Juílas Teatro. El reparto y su apropiación del texto serán, sin duda, un elemento duro de vencer en la Muestra. La actuación de Francisco Verú (Pancho Peña - Valentina) reflejó toda su versatilidad, así como su gran talento para representar los gestos y hábitos que caracterizan a los sonorenses. La participación del autor (Sergio Galindo - Actor) y director (Sergio Paulo Galindo), justamente en los papeles de los actores, ofreció un cariz único a la puesta en escena por posibilitar un divertido guiño con el púbico, sobre todo al inicio, cuando los personajes reflexionan críticamente sobre el quehacer escénico. La actuación de Saúl Barrios (Rafai) completó el cuarteto estelar con un personaje difícil y secundario, pero valioso e imprescindible en el juego de tensiones y dualidades quijotescas de la obra. No ser sino parecer es una obra inteligente que oculta su virulencia en la comedia; una obra mordaz que aborda con humor muchos vicios culturales de la realidad sonorense y nacional, donde la política y la corrupción forman parte de la idiosincrasia del mexicano, donde el chingas o te chingan es casi un instinto natural o un mal hábito que se nos enseña con el fin de ostentar un poderío momentaneo, una ventaja pasajera. Aunque, como cierra la obra, “lo malo del poder es después no poder”.

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¿Cuáles serían puntos a recalcar? En México hacemos mal el trabajo de producción: no estamos acostumbrados a ello, tendemos a hacer las cosas de manera muy improvisada, casi sin ninguna planificación, lo que genera que los trabajos salgan mal, sean costosos y con muchas limitaciones. En ese sentido, muestro cómo debería ser idealmente el orden y desarrollo de un proceso de producción. ¿Se involucra la situación económica con la que dispone cada compañía? No necesariamente. La metodología en esos procesos de producción no tiene que ser muy distinta si es una compañía grande, pequeña, con recursos o sin recursos. Todos los trabajos escénicos deberían estar involucrando una gran cantidad de procedimientos previos a los ensayos, a tomar las decisiones creativas, que son independientes de la cantidad de recursos, estilos estéticos, objetivos. ¿Cuál es el proceso de trabajo? La planeación es en lo que más se trabaja. El taller va desde el momento de la concepción, desde que una persona tiene ganas de hacer una puesta en escena hasta que el proyecto se termina y la producción se tiene que almacenar, regalar, etcétera. Nuestro trabajo es muy teórico, lo que se hace durante el taller es una producción virtual con un mini texto de micro teatro que hurgamos en él, lo analizamos, lo evaluamos y lo cotizamos en nuestro imaginario, para darnos cuenta de que el proceso de producción ejecutiva conlleva muchas cosas más que ir resolviendo problemas al aire. Hacemos una serie de levantamiento de producción, cotizaciones virtuales, bocetos, ejercicio presupuestal, con el fin de crear un ejercicio imaginario de producir un miniespectáculo. Buscamos en tanto se pueda prevenir, planificar y dar el valor al trabajo de todo el equipo.

Fanzine met # 2  
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