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ISCsonora

abril 2017

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Edición: Alejandra Olay, Marreyna Arias, Rosy Orozco / Captura: Samantha Leyva / Diseño: Argelia Juárez / Fotografía: Juan Casanova

EL CUERPO COMO ARCHIVO Por Hayde Lachino

¿E

n dónde se guarda lo bailado? ¿Qué archivo es capaz de contener la energía, la emoción, las preguntas, lo no dicho, que recorre ese encuentro entre quien baila y quien observa? ¿Qué archivo de danza puede contener el misterio del cuerpo que danza, el carácter irreductible de la misma? ¿Acaso podemos simplificar el proceso de la memoria a un hecho entre neuronas, pulsos eléctricos y sustancias químicas? ¿Quién no se ha sorprendido al descubrir que sabe cosas que nadie le ha enseñado? Pareciera que el cuerpo es capaz de una memoria sobre cosas y hechos que nos anteceden, que nos rebasan en el tiempo. Sin poder enunciarlo con claridad, nuestro cuerpo parece recordar la historia toda: desde la estupefacción del mono hasta nuestra primera caminata por la luna. El que hace danza lo sabe con total precisión. Bailar es recordar. En su carácter de efímera, la danza siempre es un ejercicio de la memoria. El bailarín siempre es un recuerdo, un archivo de movimientos. Esta idea del cuerpo como archivo ha detonado una importante investigación en el terreno de la danza. Porque si bien es cierto que las cámaras de cine y video registran y ayudan a conformar importantes conjuntos de documentos a los cuales acudir para consultar cómo fue la danza, lo que no se puede apresar es el hecho vivo, el encuentro vital entre performers y espectadores. Después de bailar ¿qué se queda en el cuerpo? Después de ver una danza que nos conmueve ¿qué continúa vivo en nuestro cuerpo? ¿Qué memoria es la del cuerpo? El cuerpo como archivo apela a la idea de que la danza puede ser revivida, habitada, encarnada. Aquella danza que implica ponerse otra piel y preguntarnos qué hay ahí. El cuerpo como contenedor de historia. Por ello el cuerpo siempre es denso. Un lugar en donde cruzan todos los tiempos: presente, pasado y futuro. Takao Kawaguchi, revive las obras de Kazuo Ohno, nunca lo vio bailar pero se lanzó a la tarea de habitar su piel y ver qué hay en común entre aquel cuerpo viejo que poseía la cualidad de hablarnos con profundidad con gestos sutiles y el de un artista de nuestros días. El cuerpo archivo se combina con la estrategia de la copia, esta última no es nueva en las artes, aunque sí en la danza. Varios pintores han hecho de la copia una vía para indagar en los procesos de creación de otros. Un Mario Bellatín confidente cuenta que a Mario Bellatín escritor le gustaba transcribir textos por el hecho de transcribir y en ese ejercicio de escribir sin escribir aprendió el poder de la palabra. Pero el recurso viene de mucho más atrás, casi podemos decir que el aprendizaje de cualquier técnica artística se basa, en primerísimo lugar, en un constante copiar para comprender al arte. About Kazuo Ohno, es una pieza que motiva múltiples reflexiones. A partir de videos y registros de obras claves de Ohno, Takao copia y habita aquellas danzas en donde la improvisación era el núcleo de la danza solo que Takao no improvisa, nos presenta una recuperación fiel de la danza de Kazuo que quedó en videos. La música de la presentación es directamente la que quedó registrada de aquellas funciones. Lo que se ve en escena es un cruce de pasado y presente. En Sudamérica tienen un verbo que describe perfectamente la operación. Cuando alguien hace la transcripción de algo que está grabado en un audio, dicen que está desgrabando. El audio almacenado en un casete, en una grabación, se desgraba, se extrae de donde está contenido. Es como meter la mano en el archivo para regresarlo al presente. Takao desgraba, extrae de los video la danza de Kazuo Ohno, lo saca de una realidad bidimensional y lo regresa a este mundo tridimensional. Pero en esta operación se rebela contra la lógica del museo. Su desgrabación de la danza de Kazuo Ohno no es una operación en donde lo que regresa es algo muerto, no nos presenta una cosa, sino una entidad viva, palpitante.

About Kazuo Ohno es una pieza trasgresora en muchos sentidos. En primer lugar porque Takao no hace Butoh, con lo cual plantea muchos problemas con relación a la técnica y a quién le pertenece la danza. Otro asunto es el de la copia y el original. Las vanguardias en el arte colocaron la idea de la originalidad como algo sustantivo en el trabajo de los artistas, ¿pero realmente es esto posible? Todos estamos cruzados por múltiples influencias. Recuerdo aquí un video que se puede ver en youtube: Everything is a remix (Todo es un remix), no hay nada absolutamente original, todo es una mezcla, para que la creación sea posible copiamos y mezclamos. Si lo pensamos con cuidado, hay una línea curatorial que cruza esta emisión de UDPD: problematizar la idea del autor y la idea de la originalidad. Ambos conceptos caros al arte. Y es que en About Kazuo Ohno ¿quién es el autor? ¿A quién le corresponde la autoría de lo que vimos? Incluso el acto performativo que antecedió a la obra dentro del teatro, aunque parezca todo lleno de acci-

dentes sin sentido, parte de una rigurosa conceptualización. Aquí hay un cuerpo en acción abierto precisamente al accidente que rompe con la escena que instauró la modernidad que busca controlar todo. El performance es la antítesis de todo lo que le resulta caro al teatro, a ciertas ideas establecidas sobre la representación, porque aquí no se representa nada, aquí hay un experiencia real, por ello el cuerpo del performer está siempre en peligro. El performance afuera del teatro tiene como punto de referencia El retrato de Mr. O (Portrait of Mr. O. Japón, 1969), película experimental del cineasta Chiaki Nagano. Durante su retiro de los escenarios, Kazuo hizo esta película, junto con otras dos. Hacer el performance afuera del teatro no es una mera ocurrencia, se refiere a la vida de Ohno durante su breve retiro. Y el regreso de Ohno a la escena es precisamente con las obras que presentó Takao. En About Kazuo Ohno. Reviviendo las obras maestras de la diva del Butoh, todo es de una gran coherencia conceptual: archivo, memoria, copia.


Bleu: el significado de una tristecita

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Un Desierto Para la Danza ISC

DAVID

Por Carlos Sánchez

L

a mirada no miente. El tono y ritmo de las palabras son también la sugerencia de lo que dentro de David Barrón habita. Afable inquieto constante. Pone énfasis en lo que le obsesiona-apasiona: la danza. La ejerce. Desde la investidura gremial de Margarita Danza Aquí, hoy se apersona en el programa de Un Desierto para la Danza, edición 25. Bailará esta noche la coreografía que se titula Bleu nostalgia heredada. Antes de que David se trepe al escenario, esta conversación: --David, cuéntanos sobre los puntos de partida para Bleu. --Esto originalmente era un proyecto que se inició con Alberto Cruz Prieto, un pianista muy famoso, de los mejores que tenemos en México. Él tiene una producción discográfica en la que me tocó conocerlo, me encantaron las piezas. Un día lo conocí en persona y hablamos de por qué no hacíamos algo juntos, él tenía la inquietud de trabajar con otros géneros artísticos y se empezó allí a cocinar algo. Eso por un lado; la otra es que me toca ir a Otawa, Canadá, con Danza Lab, a un laboratorio de danza donde tomé unas piezas del maestro Cruz Prieto para trabajarlas con este grupo y así investigar qué generaba. Al mismo tiempo que me estaba

BARRÓN yendo platicaba con una amiga y le decía que yo me sentía como tristón, que soy tristón. Sin embargo me pongo a pensar qué sucede en mi vida y concluyo que todo ha ido muy bien, con el apoyo de mi familia, apapachado, hago lo que me gusta, dentro de lo que me gusta creo que me divierto y no lo hago tan mal. Me siento afortunado, pero me digo ¿y esta sensación de tristeza, qué? Pues mi amiga que conoce un poco mi historia me dice ‘pues por tu abuela’. Y yo digo, ‘mi abuela era muy alegre’. Ella dice: ‘No, la otra abuela’. La otra abuela, mamá de mi papá que justo cuando él tenía dieciocho años, decide (ella vivía en Estados Unidos, mi papá vivía en México) para que mi papá no viaje a Estados Unidos porque estaban mandando gente a la guerra, dijo mi abuela ‘yo te voy a visitar’ y nunca llegó y nunca supieron dónde quedó, nunca apareció. Esto mi papá no nos lo contó luego, luego, fue algo que supimos con el tiempo. Mi amiga me dijo ‘creo que por ahí va’. Empecé a investigar y de ahí parten los detonadores: desde una música que me genera cosas, que tiene que ver con la melancolía y esta sensación de melancolía que me cargaba, que me cargo todavía y hasta gozo de cargarla, y esta cosa de herencia de emociones que de alguna manera siento que mi papá me heredó.

--A partir de esta historia que me cuentas, ¿de qué te ha servido Bleu?, ¿hay indicios de sanación? --Me ha servido de conciencia. No sé si sea sanación, porque al final creo que es algo más bien de saber quién soy y de valorar eso que soy, de sentirme orgulloso y de poder compartir. Bleu es mucho hablar de mí. Siempre que bailas te involucras con lo que haces y aquí es una manera de compartirme. He disfrutado mucho de bailar para compartirme, más allá del movimiento y de mi cuerpo, de lo que hay un poco en mí. --¿Qué es Bleu? --Es el título de uno de los discos de Alberto Cruz Prieto, que bueno, originalmente él tocaba el piano, las piezas que yo bailo y yo participaba con él, en un concierto acompañado por un bailarín. Después yo decido que es muy complicado invitar al maestro para que esto pudiera seguirse dando, entonces organicé el programa como está ahora, que es un bailarín y en lugar de tener al pianista participan conmigo dos chicos; de alguna manera manteniendo la idea original. Bleu es una palabra francesa que es azul pero también se maneja como una tristeza, pero tristecita, eso es lo que entiendo, en el francés es una tristecita. Me gustó el nombre de lo que me generaba al escuchar las piezas y decidí tomarlo para la obra.

LAS FRASES DE LA PIZARRA Hermosillo, Son., 19 de abril, 2010 (apro).- Resulta inverosímil que en el medio de un paisaje agreste y tan difícil de sobrellevar exista el principal semillero dancístico del país. Así es, sorteando temperaturas insoportables y un sol que parece quemar hasta los huesos, decenas de jóvenes han decidido dedicarse a la danza como actividad profesional y abarrotan diariamente el Teatro de la Ciudad para ver lo mejor de la danza internacional y nacional durante el festival dancístico “Un desierto para la danza”, que se inició el viernes 16 con la presencia del grupo Antares Danza Contemporánea, dirigido por Miguel Mancillas. Actualmente cinco coreógrafos sonorenses han ganado el preciado premio INBA-UAM; y las escuelas dancísticas se multiplican por montones en Sonora; en medio del desierto los fanáticos de la danza han encontrado su vergel. http://www.proceso.com.mx/107552/sonora-el-semillero-de-la-danza

5 fanzine udpd2017  
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