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N.27 Noviembre.Diciem

www.inzona.es


electro,funk,indie,club

Plaza de los Olivos nÂş2, 29601 Marbella +info: http://premiereclub.es/ FotografĂ­a: Alberto Zaldivar

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SUMARIO 10 Tote 12 Zuri 14 LaPulquería 16 Mürfila 18 Zeropositivo 20 L´Avalanche 22 Carmine 23 Abxenta 24 HiroshimaPro 28 Sidonie INZONA Magazine no se hace responsable de las opiniones de sus colaboradores. Está prohibida la reproducción total o parcial del material que aparece en la revista sin autorización expresa de INZONA Magazine. INZONA Magazine es un producto de DESIGN FOR YOU. D.L. MA-986-2006

EDITA DSGN4U (DesignForYou)

30 SantosDeGoma 36 Ranaman 38 DialogosElectrónica 40 PicadurasMusicales 42 CookIN 43 INgenio 44 INtheCampito 46 INvisible 48 INcultura 50 INanArt

DIRECCIÓN Y COORDINACIÓN J.A.ALARCÓN VÍCTORMARTÍN RAFAELNIETO DIRECCIÓN EDICIÓN BARCELONA RAULALVAREZDESOTOMAYOR DIRECCIÓN EDICIÓN MADRID ROBERTOMARTÍN DIRECCIÓN COMERCIAL Y PUBLICIDAD DSGN4U (DesignForYou) 655 173 230 / 657 028 428 COLABORADORES CALDE SLV SOIYON. ULES JESUSLANZAT ROBER SCHEMM DAVIDELSHINO DIEGOLARA FRANCISCOFLORES RAFAELRODRIGO MOVIDITA&KRON DISEÑO GRÁFICO Y MAQUETACIÓN DSGN4U (DesignForYou) IMPRIME TIPOGRAFÍACATÓLICA AGRADECIMIENTOS DANIELMORENO / ROBERTOBOUHYANE / BOA / GRUPOARTE / THEBORDERLINEMUSIC / EMANACOMUNICACION / ANTENAMUSIC

DESIGN FOR YOU / T. 951 24 52 34 M. 655 173 230 - 622 665 150 / www.dsgn4u.com / info@dsgn4u.com/ info@inzona.es www.inzona.es 004. INZONA


Very Cocktail´s Bar Exposiciones Zona Dj.... Abierto todos los días desde las 17:00 Dos plantas c/Peral - Marbella

bar fusion


editorial Seamos solidarios

Quería compartir con vosotros una historia que me tiene un poco confuso, LOS PROYECTOS SOLIDARIOS DE LOS FAMOSOS. Bien, el tema viene a raíz de ver muchos anuncios de deportistas de élite invitándonos a colaborar en cientos y cientos de causas solidarias por poco más de un euro. Voy a poner como ejemplo uno que he visto recientemente con Pau Gasol, un tío al que admiro y sigo en muchas madrugadas de NBA. Aporto el siguiente detalle para que podáis entender mi duda. (El contrato de Gasol con los Lakers estará vigente durante tres años más y, según informaciones de Efe, el catalán cobrará a cambio cerca de 64,7 millones). Pau Gasol, embajador de Unicef desde 2003 y uno de los mejores deportistas de la historia del deporte español, se ha comprometido con esta organización para intentar paliar situaciones como éstas. “Me gustaría dejar este mundo mejor de como me lo encontré”, afirma en El proyecto de Pau. Con el fin de apoyar el proyecto, laSexta ha puesto en marcha www.lasexta.com/elproyectodepau, una web que se suma a esta iniciativa solidaria para que los internautas hagan llegar su ayuda a Etiopía. Ahora viene mi pregunta, un tío que va a ganar 64,7 millones tiene que venir a pedirnos a todos un poquito de solidaridad?? Acaso... y perdonadme si peco de ingenuo... ¿con cuanto colaboran económicamente este tipo de personajes mediáticos? Si a Pau, por seguir con el ejemplo, le diera por poner no se, pongamos un par de millones así como el que no quiere la cosa... ¿Seguiría haciendo falta nuestro euro? Es decir, en este mundo parece que a los únicos que nos tiene que doler la conciencia es a gente que también soporta una lucha constante por salir adelante y llegar a fin de mes. Evidentemente no estoy comparando situaciones, no estoy loco, sólo digo que si todos los personajes que se dedican a ablandarnos el corazón con imágenes de corte lacrimal pusieran un par de milloncitos igual la cosa cambiaba un poco más. A lo mejor soy un chalao por pensar que personajes que cobran cifras tan astronómicas, igual podrían vivir también con 62,7 millones en vez de 64,7. Imaginaos Cristiano Ronaldo, Fernando Alonso, Rafa Nadal, Tiger, Michael Jordan, Lebron o cualquier actor de Hollywood soltando algún millón que otro. En fin ahí os lo dejo. Quizás nos estamos volviendo todos un poco locos. 006. INZONA


c/Lope de Mena • San Pedro de Alcántara T- 952 799 007 • burbuganja@hotmaIl.com c/Maspalomas nº3 Complejo Islas Canarias Avenida Andalucia • Estepona T- 952 928 316 140m2 de tienda, primeras marcas y todos los bancos de semillas


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Zona Grรกfica Rober

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Texto. Inzona Magazine Fotografía. EmanaComunicación

Inzona Magazine.- Cuarto disco y cambio de discográfica a Sony ¿Era un paso necesario? Tote King.- Sí, ha sido una buena elección, curran muy bien I.- Habrá gente que te critique por fichar por Sony, pero cuando escuchen el disco verán que no te han coartado nada en absoluto. ¿Has tenido problemas con los ejecutivos? TK.- Jamás, de hecho es mi disco más explícito y duro, ellos lo han apoyado a muerte.


I.- El lado oscuro de Gandhi ¿Por qué este título? TK.- Porque no se me ocurría nada mejor, nos gustó esa frase, la dijo un amigo mío y me dije “ya tengo título pal lp” I.- Continuas cuidando mucho los beats con Dj Randy y su hermano Dani’s Beats. Son tan importantes como la letra. ¿Participas también en la producción? ¿O los dejas a ellos libremente? TK.- Los dejo libres y alguna que otra vez comento alguna cosilla, pero normalmente ellos van a su bola, no sé alguna vez aporto un sampler o les llevo algun cd para que se inspiren I.- Te has vuelto a rodear de mucha gente para la producción, tanto nacionales con internacionales. ¿Qué te impulsa a elegirlos? TK.- El dinamismo que le da a un lp tener muchos productores, a mi me gusta que un lp sea un conjunto de canciones, no me importa que no siga una línea, prefiero disfrutar de muchos sonidos. I.- El primer single del disco es Redes Sociales. Entiendo que criticas el mal uso de ellas ¿no? Porque tu pagina de facebook tiene mas de 25.000 personas. Bien usadas son muy necesarias TK.- Critico el mal uso, pero de todas formas yo no tengo Facebook, son fans los que hacen facebooks míos y mi sello discográfico, yo nunca he necesitado esa promo, lo mío por suerte siempre se ha vendido solo. I.- Has incluido cortes hardcore, guitarras, funky y hasta un sampler de Crash Test Dummies ¿te has dejado algún ritmo con el que te hubiera gustado experimentar?

TK.- Pues no, estoy bastante orgulloso con este lp, aunque aprovecho para desde aquí hacer un llamamiento: Si algún productor es capaz de hacerme un ritmo con el tema “Riff Raff ” de AC /DC estaré superagradecido I.- En el tema Crisis, ¿entiendo que hay mas interés en que estemos en crisis que lo que en verdad hay? ¿siempre vamos a estar manipulados? Al final siempre estamos en crisis los mismos TK.- Sin duda, la crisis no es económica es de valores, es de educación, todo lo demás deriva de ahí de lo animalitos que somos. I.- Siempre hay espacio en tus discos para una mención al basket, en NBA hablas de los 80. ¿Era mejor baloncesto que ahora? ¿De qué equipo eres? TK.- No, era distinto, para mi tenía más magia porque también es mi época pero vamos hoy día es igual. Siempre he sido de jugadores no de equipos, me gustaban Drexler, Julius Erving, Jordan, Bird, Magic, Thomas, etc... I.- Hecho de menos un tema sobre la iglesia y sus casos de pederastia, se merecen que se les meta mucha caña ¿Cómo lo ves? TK.- Tienes razón, si algún día me pilla inspirado lo mismo me hago uno dándole caña a los curitas salidos. I.- Ahora tocan bolos y más bolos ¿Por donde te vamos a poder ver? TK.- Pues tenemos una gira lista y colgada de mi web: toterreno.com. Iremos por toda España como siempre y por Sudamérica, intentaremos estar por todas partes...

www.myspace.com/toteking1 www.toterreno.com 011. INZONA


ZURI sacó a la venta su nuevo trabajo titulado CANDELA el pasado 4 de octubre de 2010. CANDELA es un álbum donde podemos encontrar todos los subgéneros de la música jamaicana... eso si, con el flow aflamencado de Zuri que hace que este disco suene y sea diferente. Inzona Magazine.- ¿Qué nos vamos a encontrar en tu nuevo álbum Candela? Zuri.- Candela es un disco de reggae con la peculiaridad de una voz aflamencada sobre lo diferentes estilos de la citada música jamaicana. Ahonda en sus raíces pero además llega a lo más actual del género. Hay muchas, y muy buenas, colaboraciones y ha habido una dedicación extrema en cuidar cada detalle de la producción. Hay letras para todos los gustos, comprometidas, sentimentales, banales e irreverentes... 15 temas dan para mucho. I.- ¿Qué diferencias hay con tus dos trabajos anteriores Sale el Sol y Reziclando? Z.- La diferencia básica es que los anteriores trabajos eran más mestizos, coqueteaba con muchos más estilos de música, siempre andaba en tierra de nadie... Candela es mucho más claro para el oyente, es sencillo de encuadrar en un género, como el reggae en este caso. Aún así, quien escuche este disco conociendo mi anterior trabajo va a encontrar bastantes nexos, no es una revolución total ni un giro de 180 grados en mi carrera, pero si es una nueva etapa. I.- Te has decantado por los sonidos reggaes, roots, dub... ¿Qué te atrae de esta música? Z.- Me atrae la complejidad de su sencillez y la facilidad con que se presta a fusionarse. Me seduce su carácter tribal y folclórico pero a la vez me atrae la unión que está experimentando con géneros tan urbanos como el hip-hop o la música electrónica. I.- Has contado con muchas colaboraciones, Mr. Rango & La Cheque, Hermano L, Benjammin, Sugar Roy & Conrad Crystal y Shabu One Shant & Little Pepe ¿Qué tal ha sido trabajar con ellos? Z.- Eso en cuanto al panorama reggae pero también han participado Ramón Giménez de “Ojos de Brujo” y Roberto Cantero de “Chambao”. Exceptuando a los Jamaicanos que se encargó de grabar Payo Directo en la propia isla, los demás son amigos y en la mayoría de los casos había trabajado con ellos anteriormente. Algunos han grabado en Barcelona, otros en Madrid, otros en Marbella, la verdad es que ha ido todo rodado y se nota que han puesto 012. INZONA

toda la ilusión del mundo, no hay nada de postín. I.- ¿Cómo trasladas el disco al directo? ¿Llevas una banda? ¿Puedes tocar en solitario? Z.- Va a haber varios formatos. Mi intención será ir siempre acompañado de los barceloneses “Ranking Soldiers”, cuatro músicos de mucha experiencia que acompañan en la actualidad a gente como Morodo y que han ejercido de backing band de muchos grandes del reggae. Por otro lado tendré un formato acústico, en el que me acompañaré solamente con la guitarra y en tercer lugar, dentro del ambiente reggae y dancehall, ofertaré el formato Sound System. I.- Te has encargado de la producción musical, grabación, mezcla y mastering ¿Es un paso necesario hoy en día encargarse de todo? ¿Te ha resultado complicado? Z.- Yo lo hago porque dispongo de los medios, los conocimientos, y además es la parte que más me apasiona de la música. Pero a la vez es una necesidad porque ningún sello se decide a poner la pasta que hace falta para ello. Es un caso que se está dando mucho en la actualidad, los propios grupos o solistas producen sus trabajos e incluso los editan. Es costoso y muy entretenido, también es más gratificante, pero es la única alternativa que queda si quieres sacar disco hoy en día, salvo contadas excepciones. I.- El primer video del disco es Tesoro ¿Cómo fue su realización? Z.- Ha sido un trabajo lento y complicado del que estoy profundamente orgulloso. Los artífices son Jesús Chacón y Ana Ortiz y está hecho fotografía a fotografía, unas 2000 en total. Llevó muchas horas de preparación, escenografía, rodaje y sobre todo montaje. Es un tema que habla de mi familia, razón por la que son ellos los protagonistas del videoclip, y que me ha sorprendido por la tremenda acogida que ha tenido con más de 100.000 visitas en poco meses y una avalancha de comentarios positivos que me han dado mucha moral. Ahora acabo de estrenar el segundo, “Detrás de ti”, y espero que vaya por el mismo camino. I.- Algo que te gustaría añadir Z.- Solo animar a los lectores a que vean los Videoclips y decirles que pueden escuchar el disco íntegramente y consultar las fechas de conciertos en MySpace y en la web oficial. Candela se puede comprar en formato físico desde la web, en las tiendas de discos habituales y en las plataformas digitales, salud!!


ZURI Texto. Inzona Magazine Fotografía. Jesús Chacón

www.myspace.com/zurireggaemusic www.zuri.es


Inzona Magazine.- Fast Cuisine está autogestionado y grabado en Buenos Aires ¿Por qué? La Pulquería.- Las circunstancias lo han propiciado así. La crisis ha creado mucha apatía en las grandes discográficas. No contemplan desarrollar bandas, sino potenciar a tiro hecho otros registros rentables a la corta. La nuestra de entonces estaba dentro de ese saco y dicidimos salir de su amparo para renovarnos de buenas energías y no hacer más mala sangre. Argentina era estímulo, nuevos olores y sabores, productores de buena referencia como Pepe y Osky de la Bersuit, y todo a un precio que nos pudimos permitir. I.- El disco ha salido por fascículos en tres entregas ¿A qué ha venido hacerlo de esta forma? ¿Cómo ha funcionado la historia? LP.- Cuatro temas cada mes podían ser devorados con más ganas que el atiborre de catorce de una sentada. Así fue. La gente esperaba ansiosa. Las entregas sabían a mucho y a poco a la vez pues se quedaban con ganas de más. La distribución digital nos permitió abaratar por todos lados e ir directamente a lo verdaderamente importante; las canciones. Estuvimos en el Top cuatro en ventas en iTunes para nuestro asombro. I.- Cada vez aparecen mas grupos con una forma original y normalmente barata de distribuir sus discos ¿Cual es el futuro de la distribución? LP.- Este es ahora el resultado de un pasado muy manipulado por las grandes compañías. Podríamos decir que esto es el presente y futuro de un pasado resobado. Lo malo de esta situación es el poco apoyo y dedicación de las discográficas, pero la parte buena es que la red es de todos y muchas bandas están demostrando que se bastan solas. Bandas que a priori, antes sin internet, no hubieran tenido una oportunidad. Hay un aliciente de búsqueda del consumidor de música incluso atractivo, pues nadie les vende nada, sino que lo descubren por sí solos y lo prefieren.

La Pulquería Texto. Inzona Magazine Fotografía. La Pulquería

www.lapulqueria.info

I.- ¿Qué nos vamos a encontrar diferente en Fast Cuisine del resto de vuestros discos? LP.- La diferencia la encontrará cada cual. Nosotros creemos haber hecho el disco más fresco y maduro que ninguno. Tal cual. La frescura de un primero es imposible, pero frescura mas evolución y madurez aquí queda demostrado que posible sí es. I.- Algo que echaba de menos en vuestros discos era la energía y contundencia que mostrais en directo. A mi entender con Fast Cuisine si habéis conseguido plasmar esa fuerza. ¿Pensáis igual? ¿A que creeis que era debido? LP.- Teníamos ganas de eso. Un grupo funciona de esa manera. Con estímulos que te llevan de un lado a otro. Ahora nos apetecía esa especie de reafirmación. Algo que además lo potencia es el


sonido. Es lo que más claro teníamos. Sonar como nunca. I.- A todo el mundo que le pongo el disco y no os conoce es incapaz de adivinar que seais españoles y mucho menos valencianos. ¿Al otro lado del charco de donde se creen que sois? LP.- Para bien o para mal La Pulquería tiene su propio sonido y nosotros ya no percibimos tanto que sea como dices. En los comienzos si fue así, pero la gente de México nos escribe sabiendo lo que hay, sobretodo porque el guiño a ellos es un pequeño porcentaje dentro de un montón de influencias y estilos. Ahora bien, si aquí escuchan el primero por primera vez aun entendemos que eso ocurra, pero no tanto con los siguientes.

pero muchas amistades gastadas. Hay una verdadera involucración de la gente que nos rodea. Marc, nuestro batería se ha estrenado ahora como realizador para el siguiente “ Cabeza Hueka”. Vamos a tope!! I.- Empezais la gira en Sevilla en la Sala Malandar, no es una sala muy grande. ¿Sois conscientes que la vais a poner boca abajo? LP.- El sur es un tema delicado para las bandas de rock, pero en Sevilla tenemos algo pendiente pues el último hubo que suspender. Cierto. Boca abajo, de lao, boca arriba por detrás y por delante. Vamos, un polvo como se merecen.

I.- ¿Cómo os acogen en sudamerica? LP.- Nos escriben de varios países, pero desde luego que México, o sea más Centroamérica, se lleva la palma. Nos acogen muy bien, nos animan y dan mucha fuerza por seguir visitándoles. Nos reclaman. Son un estímulo casi vital para nosotros pues no estaríamos tan motivados con único panorama como el de aquí.

I.- La gira presentación son cinco conciertos, terminando en vuestra tierra ¿Después que? LP.- Sevilla, Zaragoza, Toledo, Barcelona, Madrid, Murcia y Valencia. La gente puede informarse de horarios y lugar en nuestra web, www.lapulqueria.info. Valencia va a ser doblemente explosiva pues presentamos el disco y nos despedimos ya que nos vamos todo el mes de noviembre a presentarlo en varias ciudades mexicanas. Algo que por fin hemos podido tramitar por primera vez y sin los impedimentos de nadie. La autogestión tiene estas cosas.

I.- Vais a hacer un videoclip de cada uno de las 14 temas del disco ¿Vais a tope? LP.- Eso es. Llevamos cuatro. Poco dinero invertido

I.- Algo que añadir LP.- Muchas gracias por la atención prestada y larga vida al RnR


www.murfila.com www.myspace.com/murfila


MÜRFILA

Texto. Inzona Magazine Fotografía. GrupoArte

Nazco en Barcelona de la mano de un actor y una escenógrafa. Fan de Madonna, empiezo a tocar la guitarra eléctrica a los 14 años. Un amigo me enseña canciones de Nirvana. A los 19 entro en una banda a tocar la guitarra y de rebote me pongo a cantar. Hacemos versiones de Pixies, Nirvana, Weezer y temas míos cantados en inglés. A los 21 entro en la formación ÖRN en la que estoy 7 años. Sacamos un Maxi, tocamos por toda Cataluña, ganamos concursos. Despues abandono el proyecto y me úno al productor Aureli Morata en un proyecto más personal, Mürfila. Tenemos suerte y Sony nos edita el primer álbum, Vamos a hacer pupita. Toco por toda España, en salas y festivales, y teloneo a Fito & Fitipaldis en diez ciudades en su gira Lo más lejos a tu lado. Me gradúo en Dirección de Cine en la escuela de Barcelona ESCAC. Dirijo varios cortos en 16 mm y uno en 35mm, “Postales desde el mar”, premiado Mejor Corto por el Colegi de Directors de Cataluña, en 2003. Dirijo varios videoclips (Esther Formosa, Rebeldes, Nube...) y produzco los míos. Actualmente preparo el segundo disco, del que se puede escuchar el tema Caliente. Me chifla la ensalada de queso de cabra, los spaqguettis al limón y el chocolate. Me hubiera gustado dirigir Moulin Rouge e interpretado el personaje de Patricia Arquette en Amor a quemarropa. Quiero dar la vuelta al mundo tocando. No soy rubia y mido poco. Fuente: www.lastfm.es Inzona Magazine.- ¿Cómo te definirías? Mürfila.- Un marsupial que baila entre las rocas I.- Tu último disco es de 2007, ¿habrá en breve disco nuevo? M.- Si, en octubre. I.- Tu música es mezcla de rock y electrónica ¿cómo la trasladas al directo? M.- Es rock con sintetizadores, no hay apenas bases electrónicas. Vamos con una formación básica de rock (batería, bajo, guitarras) y samplers y sintes tirados por la misma persona. I.- Realizas tus propios videoclips y también para otras bandas, pintura, danza, y hasta una web serie en internet

¿Te queda tiempo para aburrirte? M.- A veces me aburro!! Entonces hago recortables... I.- Explícanos que es “I love Ü” M.- I LOVE Ü es una webserie que trata con ironía el complicado mundo de la industria musical en este país... Aparte es un modo diferente de promocionar un disco, ya que en cada capítulo se presenta un tema del nuevo disco. Es una serie dirigida por Marc Lozano con un sello clipera muy contundente. I.- Atacas a las discográficas, ¿crees que ya no son necesarias? M.- De momento sí lo son... pero cada vez pesan menos... son necesarias para editar un disco, para luego poderlo distribuir, aunque sea en los conciertos... Aquí al menos estar en una multinacional o no ya no es importante... en USA hasta hace poco sólo te miraban a la cara si decías que estabas en una multi... De todas maneras en la serie no ataco directamente a las discográficas sinó a los señores con traje que evitan en ellas... I.- ¿Sigue siendo este mundo más dificil para una mujer? ¿O ya es sólo un tópico? M.- Son tópicos. Lo que sí cuesta es rockear en este país... se ve que se estilan más las mujeres indies del pop. A mi sinceramente, me ponen más las chicas guerreras. I.- ¿Con quién te sentirías más identificada, Nina Hagen, Vanexxa, Vinila Von Bismark o Madonna? M.- Me identifico con una mezcla de los más perturbador de Nina con la parte más show de Madonna. El rock es perfecto para dar un buen show. I.- ¿Qué ha cambiado en ti desde que empezastes en esto? M.- Muy poco... Tengo la misma ilusión en hacer las cosas, continúo igual de desastre a la hora de componer, continúo siendo la Miss Recursos, yo me lo guiso-yo me lo como. Aquí nadie te salva el culo, así que si no lo haces tú mismo... I.- Algo que te gustaría añadir M.- Presento el disco en Barcelona y Madrid en noviembre, para los interesados. Es un show que llevo tiempo ensayando y tengo ganas de presentar ya. Plantea un directo cañero con elementos de show, con bailarinas, ect. 017. INZONA


Zeropositivo

www.myspace.com/zeropositivosevilla Texto. Inzona Magazine Fotografía. BOA

ZEROPOSITIVO está de vuelta. Tras la buena acogida obtenida en 2009 con su anterior lanzamiento, El Antidoto Ep, el grupo sevillano formado por Senepe, Ego y Dj Wilor regresa al panorama musical el próximo 14 de Septiembre con un prometedor disco titulado SOUL. Inzona Magazine.- El Antídoto Ep tuvo muy buena acogida. Hace poco del lanzamiento de vuestro nuevo trabajo Soul ¿Sabéis algo de cómo está funcionando? Zeropositivo.- Todavía es pronto y no tenemos cifras de ventas o similares, pero lo que realmente nos importa es que están llegando muchos comentarios de gente que lo está escuchando y le gusta. Ese es el auténtico indicador hoy, que la gente lo escuche y que vayan a tus conciertos a disfrutar de tu directo, más que las cifras de ventas. I.- Soul está grabado por Zeropositivo Records y distribuido por BOA. ¿Es necesario tener una discográfica


propia hoy en día? Z.- No es necesario, pero que te fichen es algo complicado a día de hoy con la crisis, y con la industria musical como esta hoy en día. Ya no se arriesgan como antes. Nosotros tenemos nuestro sello simplemente porque queremos la libertad de hacer lo que queramos y como queramos musicalmente, pero eso también lleva otros contras como gastos o preocupaciones que no son propias de un artista, si no de un manager o empresario. Por ejemplo, SOUL está completamente financiado y hecho de nuestros bolsillos, todo, desde la música, hasta el video o el mastering.

nosotros.

I.- Ha habido problemas de distribución del disco ¿Está solucionado? Z.- Nosotros hemos hecho nuestro trabajo, pusimos el disco y todos los requisitos a tiempo para que el día 14 de septiembre estuviera el disco en las tiendas, el resto es cosa de Boa. A día de hoy ya sabemos que está al menos en las tiendas grandes y en itunes para todo el que lo quiera pillar. Es un poco molesto que tú acabes tu trabajo y cumplas con las fechas establecidas y que luego lo más fácil de coordinar no lo hagan bien, pero bueno sí, ya está solucionado.

I.- ¿La vida día a día es la mejor musa para escribir vuestras canciones? Z.- Si, entre otras. Nosotros intentamos escribir de las experiencias que tenemos cada día, de cada momento, porque casi cualquier cosa puede acabar inspirándote para escribir un tema nuevo, y nunca sabes cuándo y de donde puede venir.

I.- Habéis contado con productores de lujo para Soul. ¿Qué parte es de ellos y cual vuestra? ¿Quién tiene la última palabra? Z.- Depende del productor. Normalmente conseguimos la música y trabajamos sobre ella con nuestra ideas, con lo que esa música nos sugiere. Luego, y dependiendo del productor como te decimos, se la podemos devolver para que termine de arreglar y lo compacte todo. Con C´mon es con el productor que más hemos trabajado a la hora de arreglar canciones hay muchas ideas suyas. I.- En vuestro primer videoclip “De clase al micro” volvéis al cole. Alguna anécdota de la grabación Z.- Hay muchas, fueron dos días con Ernesto Cabeza (el director) y todo el equipo de trabajo, intenso pero muy divertido. Una cosa curiosa fue que para rodar la parte del concierto tuvimos que tirar de agenda, y llamar a todos los contactos cada uno de nosotros, porque no queríamos que llegara el momento y no hubiera nadie en la sala, y cuando llegó el día, nos encontramos allí un montón de gente que hacía mucho tiempo que no veíamos y al final se convirtió más en una quedada de viejos amigos que en un rodaje. Tuvimos que ir corriendo al Carrefour a comprar cerveza para todos. También decir que los niños son mejores actores que

I.- En El Show contáis todo lo que ocurre antes, durante y después de un concierto. Imagino que basado en hechos reales ¿no? Z.- Por supuesto, como todas las letras, menos “El atraco” claro, que es una historia inventada. “El Show” cuenta un poco la rutina de salir a tocar, ya que nos hemos recorrido el país varias veces cada uno, y seguramente que muchos músicos se sienten identificados con algunas líneas.

I.- De todos vuestros bolos, ¿con cuál os quedáis que se os haya quedado grabado? Z.- El primer concierto, sin duda, en la sala FunClub en Sevilla, nos lanzamos a hacer un concierto con nuestra primera maqueta y nuestra sorpresa fue que se llenó la sala. Recordamos ese concierto con mucho cariño. A parte, son muchos bolos ya los que hemos dado, y las experiencias se repiten mucho, furgo, pruebas, show, hotel... tenemos muchas anécdotas. I.- ¿Por qué salen tantos buenos grupos de hip hop de Sevilla y en menor medida del resto de Andalucía? Z.- Salen grupos en todos lados en realidad. Aquí en Sevilla, son muchos los mcs que han llegado alto y eso influye en que más chavales quieran rapear. También la competencia es mayor y eso te hace ponerte la pilas aún mas y tener que mejorar para destacar entre todos. En Málaga también pasa algo parecido. I.- Algo que aconsejarle a los chavales que estén empezando ahora Z.- Que nunca se lo tomen demasiado en serio. Una cosa es esforzarse y trabajar constantemente, con ilusión y ganas por mejorar y otra es hacer las cosas forzadas. Es música, hay que disfrutar! I.- Muchas gracias Z.- Gracias a vosotros! SOUL! 019. INZONA


L´Avalanche Texto. Diego Lara Fotografía. L´Avalanche

Navegar a contracorriente puede ser duro, pero hace que cuando por fin el viento comienza a soplar a tu favor, vueles. La nave de L’Avalanche lleva más de ocho años de dura travesía, sorteando los fríos icebergs de la incomprensión mientras rescata náufragos para que les acompañe en un viaje cuyo destino solo es compartirlo. Tres componentes, dos guitarras eléctricas, un violín y una voz que a veces susurra y otras truena. Comenzaron con actuaciones por nuestra costa y actualmente se les puede ver en las mejores salas del país, traspasando fronteras, han llegado a Francia y Portugal. Ganadores de varios concursos a nivel nacional y alabados en Radio 3, tienen editados dos discos y tocan junto a gente como Dominique A o Françoiz Breut. Este otoño comienza una nueva temporada para L’Avalanche repleta de bolos y, como siempre, novedades que van agrandando la hazaña. Hablamos con Alejandro, su voz y guitarra rítmica. Inzona Magazine.- Un grupo eléctrico, sin bajo ni batería y además, cantando en francés ¿cómo fueron los comienzos de L’Avalanche siendo tan diferentes? ¿qué creéis que ha cambiado? L’Avalanche.- Los comienzos fueron ilusionantes, mágicos y a la vez duros, es difícil creer en ti cuando no tienes modos de hacerte llegar. Nosotros nos caracterizamos por la búsqueda de una salida a nuestra creación desde el principio, inconformistas, voluntariosos, nos plantábamos ante las salas llevando maquetas que nadie escuchaba, hablando con indeseables dueños de bares, y presentándonos a concursos sin porvenir, pero un día todo cambia...

www.myspace.com/lavalanche www.l-avalanche.com

I.- Tenéis más citas en ciudades como Madrid, Barcelona incluso Marsella que en nuestra provincia, sin embargo nunca habéis renunciado a presentaros como una banda de Marbella ¿nadie es profeta en su tierra? L’Avalanche.- Somos de Málaga pero tal vez, en un empeño personal mío, en nuestro carné de identidad pone Marbella, porque fue el lugar


donde nació el proyecto, donde trabajamos, donde fuimos acogidos y valorados, y donde yo conservo, tal vez, más amigos. Así que nuestro nombre ha ido asociado en España y Francia a esta ciudad. I.- Se nota que vuestras canciones están muy pulidas, los arreglos son casi de relojería ¿cuánto tiempo os podéis tomar para finalizar un tema? L’Avalanche.- Años, años. Realmente el nivel de exigencia es muy alto. Sobre todo, el de Enrique. Yo compongo las letras y las melodías, él se encarga de ordenarlas y hacerlas brillar con sus arreglos, descartar cosas, pulirlas, y desde que nace una canción hasta que realmente sale a la luz, va por un proceso de perfeccionamiento de años, de hecho, las canciones siguen vivas y se transforman. I.- Las letras de L’Avalanche son prácticamente poemas, ¿de dónde surgen? ¿hasta dónde están unidas letra y música? L’Avalanche.- La letra es indispensable para mí. He leído y no me avergüenza decir que vengo más de la literatura que de la música. Siempre busco una temática para la canción, una vuelta de tuerca, una inspiración literaria, una metáfora... la música va de la mano. Un proyecto es visualizar traducciones de las letras mientras cantamos en video. I.- A veces se ha definido vuestro sonido como “música de cine” ¿qué vinculaciones habéis tenido con el séptimo arte? L’Avalanche.- El cine es otra de mis grandes pasiones desde pequeño. El cine clásico, el blanco y negro, me fascinó. Actualmente, preparo una tesis sobre las escaleras en el cine, y un sinfín de cosas hacen que la inspiración sea continua. Por otra parte, las melodías de nuestras canciones bien pudieran ser parte de cualquier film. Unos de nuestras señas de identidad empezaron a ser los flyers de nuestros conciertos a través de affiches de la nouvelle vague y se convirtió ya en toda una seña de identidad, reconocible de nosotros en internet. I.- Leonard Cohen, Jeff Buckley, Joni Mitchell...El universo de L’Avalnche es limitado en cuanto a influencias y estilo. Ser siempre fiel a uno mismo te puede dejar fuera de tendencia. ¿os veis cambiando en algún momento? L’Avalanche.- Siempre hemos ido fuera de la corriente de las modas, qué eramos, ¿pop? no...qué hacíamos, ¿rock? tampoco...música de autor...no lo creo ¿y folk?......si nosotros apenas usamos las acústicas en directo...ir fuera de todo

te da desventajas, nunca estás de moda, y solo los muy valientes pueden apostar por ti...la ventaja, enorme, es que nunca envejeces, y ganas con los años. I.- En cada gira no paráis de hacer kilómetros, desde Vigo a Cádiz y desde Lisboa a París. ¿qué es lo mejor y lo peor de tanto viaje? L’Avalanche.- Los mejor, las experiencias, la gente que conoces, las aventuras. Lo peor es el vacío que traen las vueltas, la gente que a veces desmerece, o los problemas para hacer de equilibrista con tu vida real y tu familia. I.- Sabemos que acabáis de grabar en Marsella. Cuéntanos algo del frente abierto en Francia. L’Avalanche.- En Francia nos ha fichado Medusa Producciones, de Marsella, con el objetivo de grabar disco, distribuirlo allí y hacer gira .Ojalá pudiéramos hacer más cosas de las que el tiempo que tenemos nos permite. De momento, nuestra independencia sobre nosotros mismos es nuestro mejor aliado. I.- ¿Qué ha supuesto vuestra presencia en Radio 3? L’Avalanche.- Radio 3 nos dio el reconocimiento nacional. Llegamos a estar dentro de parrilla en 5 programas distintos a la semana, cuando hubo conciertos importantes y, claro está, eso te da una categoría distinta. I.- Enrique (guitarra solista y arreglos) y tú ya erais amigos, incluso compa��eros de estudios, antes de compartir proyecto musical. ¿crees qué este hecho ha sido importante para el desarrollo y pervivencia del grupo? L’Avalanche.- La amistad es la primera piedra. A veces han funcionado otras cosas relativas al éxito en L,avalanche, pero la amistad se ha visto mermada, y es algo de lo que queremos huir, ante todo, para seguir siendo nosotros y para que fluya la magia. No tiene sentido llegar a nada sin amistad. I.- Podemos decir que vuestro timón ha encontrado rumbo ¿Hacia donde se dirige la nave?¿qué ambiciona L’Avalanche? L’Avalanche.- L´Avalanche ambiciona la capacidad de ser independiente con sus proyectos y sus canciones, con el objetivo de llegar al máximo público posible, en buenas condiciones. Por otra parte, el reconocimiento de la crítica y de esa minoría que nos incluye en sus gustos exquisitos ya nos basta, ya lo sentimos como una meta. El éxito sigue siendo el seguir despiertos, siendo nosotros mismos, sin perder la amistad, ni a la gente que queremos al lado. 021. INZONA


Carmine

Texto. Inzona Magazine Fotografía. Carmine

Según el diccionario, “materia de color rojo encendido”. Creemos que esta es la frase que mejor puede definir a esta banda. Formada en 2009, este trío amante del rock en todas sus vertientes, ha vuelto a encender con su rojo pasión el fuego del rock and roll. Coincidieron los tres en un concierto en el que compartían escenario la antigua banda a la que pertenecían Denyse y Eloy, con el grupo en el que tocaba Sergio. Aquella noche surgió el flechazo. Charlando tras el concierto y después de unas cervezas y no menos whisky, los tres lo presentían: el destino los volvería a unir. Inzona Magazine.- Materia de color rojo encendido, esta es la frase que según vosotros mejor os define. Trasladado a la música, ¿Cómo se entiende esta frase? Carmine.- Esta definición la cogimos directamente del diccionario, y cualquier persona que nos vea en conciertos o escuche nuestra música, sentirá en el momento ese fuego interior que le moverá a bailar, cantar, gritar las canciones... Para comprender esa definición lo mejor es vernos en directo para sentir su significado, aunque ponerte el disco y escucharlo a todo volumen en tu casa o en un bar, con una cerveza en la mano, seguro que también te acercará a esta sensación. I.- Grabasteis vuestro EP en cuatro días, todo un record ¿Cómo ha sido el resultado? C.- Perfecto. Realmente nosotros estuvimos trabajando durante un mes a saco con los temas en nuestro local de ensayo, e íbamos con las ideas muy claras al estudio. Juan Soto (técnico de sonido), supo captar al momento la esencia y la idea que teníamos de Carmine. Como lo llevábamos tan bien preparado, en una mañana programamos baterías, y por la tarde Sergio grabó todas las líneas de bajo. Al día siguiente Eloy grabó todas las guitarras, y entre el tercer y cuarto día Denyse grabó voces. Los días restantes, los dedicamos a mezclas, arreglos y masterización. Queríamos

un resultado óptimo y por eso no escatimamos en dedicarle todo nuestro tiempo. I.- ¿Cómo es el proceso de composición? ¿Quién tiene la última palabra? C.- Normalmente las composiciones son de Denyse Sánchez. En cuanto a arreglos se refiere, la banda en conjunto tiene la última palabra. Como dijimos una vez, Denyse trae un boceto muy trabajado y el resto de la banda lo colorea. I.- Voz, guitarra y bajo. ¿Qué pasa con el batería? C.- Tuvimos la suerte de coincidir nosotros tres, y de tener una idea fija y muy clara de lo que era el proyecto Carmine. Ante esto decidimos formarnos como trío, y contratar un batería que nos cubriera ensayos y directos. La única condición que le pusimos es que fuera serio, formal y respetara nuestro estilo musical. Tuvimos la suerte de dar con Antonio, que cumple perfectamente con los requisitos acordados. I.- ¿De donde os viene la afición por un estilo de música que tuvo su auge antes de vuestra generación? C.- No nos viene de ningún sitio en particular, sin más es la música que nos gusta, y que hemos escuchado toda la vida. Además, la mayoría de los grupos que nos gustan, siguen hoy día sobre los escenarios, mejor y más maduros. I.- ¿Qué tal fue el concierto en el Festival Marbella Latino? No teníais nada que ver con el resto de bandas. ¿Cómo reaccionaron al veros? C.- Muy satisfactorio. Fue toda una sorpresa ver que aparte de nuestros fans, hubo toda una marea de chicos y chicas que habiendo venido a ver a sus grupos favoritos vibraron y se volcaron también con nuestro show. I.- Algo que os gustaría añadir C.- Agradecer a toda la gente que nos está apoyando y ayudando a salir adelante, e invitarlos a todos a nuestros próximos conciertos y a saber más sobre nosotros a través de

www.carminerock.es www.myspace.com/carmineglam


Abxenta

Texto. Inzona Magazine Fotografía. Abxenta

Inzona Magazine.- Os definís como grupo de Heavy Rock, ¿con qué grupos os sentís más identificados? Abxenta.- Aunque los cuatro componentes provenimos de distintos estilos, tratamos de aunar en el sonido del grupo la onda en la que coincidimos todos... que podrían ser The Cult, Barón Rojo, Paul Gillman, Iron Maiden, Tako... etc. Lo cual no quiere decir que sonemos a ellos, que nos gustan y de alguna forma suponemos que nos han influido en algo. I.- El grupo ha tenido varias formaciones ¿es esta la definitiva? A.- Pues queremos pensar que si, que es lo que siempre deseas y crees. Pero lo que si es verdad es que esta vez los cuatro miembros del grupo compartimos el mismo proyecto con la misma ilusión y creemos en ello. I.- ¿Quién se encarga de las letras y quién de la parte musical en la banda? ¿Cómo es la forma de trabajar? A.- Trabajamos normalmente la música a partir de un riff básico que trae habitualmente el guitarrista, pero finalmente se le da forma tras muchas horas de trabajo en el local entre todos. Y como la mayoría de los temas tienen un tiempo, distinta gente que pasó por el grupo también dejo su aportación. Respecto a las letras, la mayoría son de Miguel, el cantante. Aunque al igual que la música

hay cosas de otros miembros anteriores. I.- Vuestra principal prioridad ahora mismo es tocar en directo, ¿qué nos podemos encontrar en un directo de Abxenta? A.- El objetivo de esta banda es transmitir la energía de cuatro tíos que se lo pasan de puta madre con su música y que si se puede compartir con el publico, pues mejor. La clave es que en directo ofrecemos mucha variedad dentro de lo que es el heavy rock. Nuestras canciones tienen fuerza y son muy pegadizas huyendo de complicaciones innecesarias. I.- ¿Cómo veis la situación para tocar en directo ahora mismo? A.- Si te mueves en un ámbito provincial, estupendo... el problema es que a nivel local, aunque hay un publico genial muy fiel, si tocas dos semanas seguidas acabas repitiéndote. I.- ¿Tenéis en mente la grabación de un disco? A.- Ahora mismo, nuestra prioridad es tocar en directo lo antes posible, porque es donde esta banda encuentra su razón de ser. Tras esto, tenemos en mente hacer una grabación mas seria para un posible disco. I.- En Marbella hubo una época cultural muy buena hace ya unos años. ¿Pensáis que se ha perdido? ¿Volverá a existir algo igual? A.- Para ser una ciudad de un cuarto de millón de habitantes, la actividad cultural es intensísima. Otra cosa es que eso tenga un apoyo a nivel oficial, pero todos conocemos a gente que hace cine, teatro, musica, pintura, etc... I.- Muchas gracias A.- Muchas a gracias a vosotros por hacernos un hueco en Inzona y un saludo de Justicia (voz), Baron (guitarra), Paco (bajo) y Moi (bateria). Recordar que quien quiera escucharnos aparte de nuestro myspace www.myspace.com/abxentametal, pueden pasar por el estudio de tatuajes Santa Sangre Tattoo en calle Virgen del Pilar no11, a recoger una maketa del grupo totalmente gratuita.


Hiroshima Pro

Texto. SLV Fotografía. Ángel Sánchez

Inzona Magazine.- Para empezar, me gustaría que explicarais qué es Hiroshima Pro a nuestros lectores. ¿Cómo os presentáis? ¿Qué os distingue del resto de la escena nacional? Skill Joseph.- Hiroshima Pro son tres tipos que hacen música y que pelean por ello 24/7. No hay mas. Lo que mas nos distingue del resto de la escena es un sonido realmente propio. Es algo que se pude chequear en todas las canciones, tienen un sonido peculiar que solo se hace en Hiroshima. I.- Baile, melodía, elegancia, vocoder y sintetizador son palabras que se me vienen a la cabeza en una primera escucha de vuestro más reciente disco. ¿Estáis de acuerdo? Skill Joseph.- La verdad es que bastante de acuerdo. Personalmente me siento bastante representado con los calificativos que utilizas ya que estos forman parte de los valores de Smoking Kills. Me alegro de que se hayan transmitido de una manera tan clara. El Pájaro.- Te ha faltado decir RAP I.- Hiroshima es una ciudad japonesa, la primera en el mundo destrozada por una bomba atómica. ¿Por qué habéis elegido este nombre, no creéis que puede tener cierta connotación negativa? Clap One.- No creo que le de una connotación negativa y la elección del nombre fue simple.... Skill lo decía en la letra de una canción de nuestras primeras maquetas y nos gusto y así se quedo. Ahora es Hiroshima Pro porque nuestro trabajo ya esta muy definido, ya no somos ningún proyecto sino algo profesional. I.- De Granada a Japón hay un salto. ¿De qué forma se refleja vuestro origen andaluz en lo que hacéis? Skill Joseph.- En todo, Andalucía es la culpa del sonido que hacemos. En el sur se respira algo en el aire que inyecta a cualquier música un cierto punto en común.

Aquí el solecito manda y eso se nota en la forma de vivir y en la de crear. El sur es fresco por naturaleza. El Pájaro.- En como decimos y sentimos las cosas, como intentamos plasmar en la música los sentimientos... llevamos Andalucía en la sangre... creo que los andaluces somos especiales para la música... yo por mi parte me siento 100% andaluz y 100% granadino I.- ¿Qué opináis del rap español? ¿Cuál es su estado de salud? Skill Joseph.- Pues discográficamente está mal, por todo el tema de internet y todos esos rollos que yo personalmente contribuyo y favorezco. A nivel de sonido se ve mucha evolución y aunque algunos se empeñen en ir para atrás tarde o temprano se darán cuenta. Creo que aunque ahora haya un periodo de recesión y de crisis en unos años habrá un boom todavía más fuerte que el que hay en la actualidad. Solo hace falta que las infraestructuras y las cabezas se actualicen del todo para que esto empiece a funcionar al 100% I.- ¿Qué tres álbumes diríais que os han marcado indeleblemente, os llevaron a pensar que podíais dedicaros a esto? Skill Joseph.- Jay dee aka j dilla – Welcome to Detroit / Cannibal ox – The cold vein / The Roots – Things fall apart. Estos tres discos me hicieron darme cuenta de una serie de cosas que me hicieron pensar que podría estar donde estoy hoy. El Pájaro.- Yo creo que nadie desde un principio espera llegar a un nivel tan alto como para que te escuchen en todos lados... cosa que se desea desde que empiezas, quizás los Cypress Hill, Snoop Dogg y un par de grupos españoles me dieron un pequeño empujón a intentarlo por lo menos... veía que escribir era lo mío aunque rapear... al principio nadie rapea bien.. Clap One.- Para mi... el Welcome to Detroit de J Dilla,

www.myspace.com/elproyectohiroshima 024. INZONA


Black Star de Talib Kweli y Mos Def y el Quimera de Solo los Solos. I.- Hay algunas canciones, como ‘Fresco del año’ o ‘Skisa woman’, cuyo ritmo me recuerda a las bases de Timbaland. ¿Lo consideráis un modelo? ¿Qué otros productores destacaríais? Skill Joseph.- Aunque las comparaciones no molan, he de reconocer que siempre he seguido los trabajos de Timbaland desde sus principios. Supongo que lo decís tal vez por las líneas de timbales y percusión de estas canciones. Si tuviera que elegir 5 productores de los EEUU el estaría en la lista. La influencia es algo que siempre está ahí, no lo voy a negar, pero realmente me peleo todos los días conmigo mismo para ser mi único modelo y dejarme influir lo menos posible. I.- En ‘Music is my love’ es difícil no ver trazos a lo Daft Punk o incluso el último Jamiroquai. ¿Estáis dispuestos a ir más allá de los límites del rap como género, es algo premeditado o involuntario? Skill Joseph.- Ya que sacas el tema, Music is my love, es una canción pensada premeditadamente para anticipar lo que puede ser un nuevo sonido de Hpro. Es como “Ey tranqui que esta mierda también la controlamos”. En referente a la pregunta sobre los límites del rap solo puedo decir que me da igual. No se si hay un limite del rap por ahí, o si lo estamos pasando o no. Lo que es seguro es que nosotros hacemos música y la seguiremos haciendo. Clap One.- Cuales son los limites del Rap..??? Nosotros no los vemos y no creo que de momento los tenga y si los tiene hay que saltárselos, seguro... Para nosotros la música electrónica es algo de lo que bebemos


desde nuestro comienzos, no es un rasgo nuevo que se encuentre en Smoking Kills, puede que aquí este mas marcado, sobre todo, por los instrumentos y sintes que tenemos a nuestro alcance a la hora de producir. I.- Sin embargo, y a pesar de que nombráis a Ray Charles, veo que, al acercaros a un entorno más dance y electrónico, os alejáis del soul orgánico tipo The Roots, aunque el comienzo de ‘Outro’ es Isaac Hayes total. ¿Es el precio que hay que pagar? Clap One.- Se puede dar rasgos soul con un sinte... no creo que el toque a algo se lo de un instrumento a una canción, mas bien como se toca este y el alma que se le pone al hacerlo y ya te digo no pagamos ningún precio ni nos queremos parecer a nadie, solo hacemos lo que nos sale, siempre.... I.- En el tema ‘Vistiendo caro vacilando barato’ confesáis sin tapujos que “quiero fama, quiero fans, quiero cash, money”. ¿Hacéis esto por dinero o es una necesidad artística? ¿Cuánto hay de pose y de verdad en vuestra propuesta? Skill Joseph.- Vivimos con la necesidad de hacer música todos los días. Por lo que es prácticamente lo único que no nos cuesta hacer. Si una gran realización personal es que te paguen por hacer lo que te gusta. Cuanto más nos paguen por hacer la música que queremos hacer mejor. Cuanto más fama, más fans, y cuantos más fans, mas cash Money. El Pájaro.- Yo por mi parte necesito pasta aunque sea para pagarme los viajes.. y porque no para vivir medianamente bien... es como una carrera universitaria.. te pegas toda tu vida estudiando para al final trabajar de lo tuyo no?? pues lo mismo... después de mucho tiempo y cada vez mas viejos es necesaria la pasta para todo.. pagar viajes, estancias, dietas y si algún día me puedo pagar el piso pues mejor que mejor... el dinero esta claro que corrompe el alma y es el principal problema de la raza humana pero por desgracia es necesario.. Nos referimos a que queremos vivir para y por la música con todo lo que conlleva I.- Como oyente, estoy cansado de la egolatría en el rap y más cerca de discursos con mayor tinte social y una actitud tan concienciada como positiva ante el entorno más inmediato. ¿Qué me decís de gente como De La Soul, A Tribe Called Quest, Arrested Development y el movimiento Native Tongues? Clap One.- Hay rap para todos los gustos y de todas las 026. INZONA

temáticas, nosotros no queremos imponerle nuestro camino a nadie. Este es nuestro rollo y esta es nuestra oferta a quien le guste que la coja y a quien no, pues nada... Que opino sobre estos grupos... pues que hace 12 años me flipaban, hoy el rap es algo con mucha mas oferta y que hoy sigo escuchando a De La, que nuestra temática no tenga nada que ver con ellos no quiere decir que no nos gusten y creemos que es necesario que haya grupos como ellos. I.- ¿Cómo surgieron las colaboraciones con las que contáis en ‘Smoking Kills’ (Wild Child, DXL...)? Puestos a soñar, ¿a quién os gustaría tener en próximos cedés? Skill Joseph.- A la hora de las colaboraciones nos centramos en la idea de que cuando un tema nos pide otra voz empezamos a mirar quien podría cubrir ese espacio y empezamos a movernos. No solemos partir de la idea de que queremos colaborar con alguien en concreto y hacemos un tema para el. Es mas bien el proceso contrario. Cuando estemos haciendo el próximo disco te podremos decir a quien nos gustaría tener. I.- ¿Qué grupos escucháis fuera del hip-hop? Skill Joseph.- Últimamente he estado escuchando mucho el ultimo de Gorillaz y Justice. Me quedo también con Daft Punk y N.A.S.A. y como siempre mucho Soul de la Motown. El Pájaro.- Escucho Extremoduro, Camarón, Kortatu, Muse... hay millones de grupos y de estilos musicales... me gusta todo Clap One.- Escuchamos de todo yo sobre todo gente como Pata Negra, el Cigala, el ultimo disco de Slash, Black Crows, Danny Bird, Ez Rollers, Ltj Buken and Mc Conrad, Manzanita, etc... I.- ¿Cuáles son vuestros objetivos ahora tras este lanzamiento? Clap One.- Pues dar el paso que nos hace falta para meternos por fin de cabeza en la 1 división del Rap en español ya esta bien de aguantar a las estrellas en el banquillo... Skill Joseph.- Dar mogollón de bolos con Smoking kills. El Pájaro.- Intentar que ala gente le llegue nuestra música y que vayan a los conciertos que es donde pueden ver a hiroshima en su estado mas puro... por mi parte preparando mi primer lp BAD TRIp I.- Muchas gracias y suerte. H. Pro.- A vosotros, LNAI siempre...


SIDONIE

Texto. Diego Lara FotografĂ­a. GrupoArte

www.sidonie.net www.myspace.com/sidoniespace


Inzona Magazine.- Una vez más, fin de gira ¿qué ha aportado esta vez a Sidonie haber pisado más de 70 escenarios? ¿con qué os quedáis de este año largo de periplo? Sidonie.- Personalmente, me quedo con la sensación de crecimiento del grupo, de que nuestra inquietud por no dejar de evolucionar ha sido recompensada con una gira cálida y exitosa. Miramos hacia delante porque el pasado y el presente nos lo permiten motivándonos. I.- Sois todo un clásico de las citas indies, se dice que el Contempopránea ya no se concibe sin una actuación de Sidonie. ¿Qué ha cambiado durante todo este tiempo dentro de la escena indie? ¿os veis en este momento más fuera que dentro de ella? S.- Sinceramente, no nos sentimos cómodos encasillados en una escena o etiquetados. Le tenemos fobia a eso y sólo nos preocupa demostrar que somos un grupo que hace canciones. Pensamos así desde nuestros inicios, cuando en las entrevistas, para huir de las terribles etiquetas, ya afirmábamos que éramos una banda de Psicodelia Aboveground Paranoicocrítica con dosis de Hiperrealismo Metafísico. De este modo, intentábamos jugar al despiste, aunque no funcionó, porque una y otra vez fuimos y somos objeto de un encasillamiento. I.- ¿Toca descanso? no se os imagina quietos ni por un momento... S.- Toca descanso, un suspiro, un viaje enriquecedor, sacudir las angustias y volver a sentir la ilusión alucinante que uno tiene cuando compone o ensaya una nueva canción. I.- Siempre habéis hecho gala de vuestras influencias de los sesenta y setenta, pero ¿tomáis también nota de lo que

hacen las nuevas bandas? ¿Por qué no os mojáis y nos contáis cuáles son los últimos discos que os han sorprendido y cuáles decepcionado? S.- En cuanto a nuevas bandas, entre muchas otras, me interesa Vampire Weekend, M. Ward, Band Of Horses, Fleet Foxes, Felice Brothers y The Duckworth Lewis Method. I.- “Costa Azul”, vuestro anterior trabajo, tenía múltiples referencias literarias y cinematográficas, ¿Cuál ha sido la máxima inspiración para “El Incendio”? S.- El desamor... I.- La promoción y presencia en los medios de este disco no ha tenido precedentes para Sidonie ¿Habéis cumplido con él las expectativas? S.- La de este disco ha sido la gira más completa, intensa, larga y exitosa del grupo hasta la fecha y El Incendio el disco que más hemos vendido. Eso nos hace pensar que el grupo, siempre poco a poco y de una forma creemos que muy coherente, no deja de crecer. I.- Este disco destila romanticismo en cada segundo, con canciones como “Viva el loco que inventó el amor” o “Por ti” ¿no os ruboriza un poco tanta declaración de amor? S.- Nos encanta cantar, chillar, susurrar TE QUIERO con la seguridad y convicción artística con la que lo hacemos. Eso provoca que no nos podamos ruborizar nunca por ello. Tan solo tienes que creértelo para poder defenderlo. Esa es la clave. I.- No os dan miedo los cambios, fuisteis de los primeros en dar el salto al castellano, habéis partido del rock psicodélico para llegar al pop transparente, en este disco dejáis a un lado un el riff guitarrero par incluir secciones de

viento ¿qué queda de los Sidonie de Dragonfly? S.- Los Sidonie de “Dragonfly” estan en “Dragonfly”. Lo que nos interesa de verdad es que hay ahora de los Sidonie en las canciones que todavía se tienen que componer, ensayar o grabar. I.- ¿Os veíais hace diez años en un recopilatorio como “Carácter Latino”, junto a Shakira o Pereza? ¿Es bueno, malo o indiferente? S.- Vaya... Por lo visto no estás al corriente de la selección de artistas que ocupan la última edición de “Carácter Latino”. Promocionarse es bueno siempre y cuando no ataques tu integridad. Que alguien, al escuchar un disco recopilatorio como este, descubra a un grupo como el nuestro, es bueno, porque te aseguro que no tenemos demasiadas oportunidades de dar a conocer nuestras canciones, más allá del circuito en el que llevamos tantos años tocando. I.- Carlos Cros os presentaba como “los tres flacuchos”. Sin duda, hacéis gala de una cuidada estética ¿qué importancia tiene la imagen para vosotros? ¿en qué os inspiráis y qué queréis transmitir con ello? S.- Nos interesa la imagen. Mucho. Te define y demuestra tu interés por rubricar un concierto de rock. Somos presumidos y nos encanta vernos bellos como banda antes de subir a un escenario. Nosotros lo vivimos así, porque así lo percibimos de los grupos y artistas a los que admiramos, por su aportación y leyenda más allá de lo estrictamente musical. “Hay que ser sublime sin interrupción. El dandy debe vivir y morir ante el espejo” (Charles Baudelaire)

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Santos Goma de Texto. Inzona Magazine FotografĂ­a. Santos de Goma

www.myspace.com/santosdegoma


Inzona Magazine.- ¿Quienes son Santos de Goma? Santos de Goma.- Bueno, Santos de Goma somos un colectivo de músicos que disfrutamos tocando juntos, todos tenemos otros proyectos paralelos y nos enriquecemos musicalmente con el contacto con otros músicos. Conde es el compositor, además de ser el cantante, tocar la guitarra acústica, los teclados y manejar un poco todo el aspecto tecnológico, Israel Calvo es guitarrista y corista, Tristán Ulla es guitarrista y corista, Álvaro Gastmans es el bajista, Claudio Tamer es batería y corista y la última incorporación es José Gálvez a los teclados. I.- ¿Cómo está funcionando Canciones de Niebla? SG.- El disco está funcionando muy bien, estamos muy contentos con el resultado, a nivel de críticas todas son estupendas, estamos tocando sin parar, el disco está sonando todo el día en radio y el vídeo de “En el parque” está en todas las televisiones y arrasando en los blogs. Sinceramente tocamos madera. I.- ¿Qué tal estar con una discográfica independiente como Antena Music? SG.- Para nosotros es lo ideal, basándonos en experiencias anteriores no tenemos demasiado interés por estar en una gran discográfica, además las grandes discográficas van a desaparecer en pocos años, su tiempo se ha acabado. En Antena Music estamos como en casa, se nos trata con cariño y además Cristina y Ricardo son dos personas muy trabajadoras y fans del grupo, a pesar de los supuestos handicaps que puede tener una empresa tan pequeña (como puede ser la cuestión económica) su tamaño hace que sea más flexible y adaptable a los cambios, creo que el futuro de la industria musical pasa por empresas tipo Antena Music. I.- Canciones de Niebla es vuestro primer disco, pero lleváis muchos años en esto ¿Qué cambios habéis notado? SG.- Sí, es cierto que no somos unos principiantes y hemos visto muchas cosas buenas y malas, ha habido un montón de cambios, el primero afecta a los músicos, hoy en día son mucho mejores músicos y pueden acceder a mucha más música que hace unos años, también hay más salas donde tocar y la infraestructura para, por

ejemplo organizar una gira, es mucho mejor, en general todo es mejor, aunque ya no hay acceso a las televisiones como antes, tampoco las necesitamos tanto, ahora tenemos internet, hasta la prensa musical vive un renacimiento gracias a la red. I.- Internet es una buena herramienta para que los grupos se den a conocer ¿Qué pennsáis de la piratería? SG.- Bueno la piratería es un acto delictivo y como tal debe ser tratado, es una cuestión que debería estar en boca de los legisladores, los jueces y la policía, yo opino que un artista debería ser libre de regalar su obra si así lo quiere, pero nadie tiene derecho a disfrutarla y no pagar por ella si el artista no está dispuesto a regalarla, yo me gano la vida con mi trabajo como todos los demás y deben pagarme por hacerlo, lo contrario se llama esclavitud. I.- ¿Cómo veis el panorama aquí en el sur para que los grupos puedan tocar? SG.- El panorama en el sur es bastante mejor que hace unos pocos años, pero aún así tiene muchos agujeros, en general el norte está mejor organizado, pero esto ocurre porque también el público es más exigente y sinceramente (aunque me pese) es más culto a nivel musical y hay muchas más personas que van a conciertos, con lo cual hay más sitios donde tocar y estos locales por regla general están mejor acondicionados. I.- Soñar es gratis ¿Cuales son los vuestros? SG.- Bueno, nuestros sueños son muy de andar por casa, soñamos con seguir tocando, grabando discos, haciendo giras, componiendo y en definitiva poder seguir haciendo nuestro trabajo sin demasiadas presiones económicas, en fin, ganarnos la vida decentemente con nuestro trabajo como el resto de la humanidad, es un poco frustrante que haya que tener otro trabajo además de ser músico para poder comer, yo soy afortunado y vivo de esto, pero soy de los pocos. I.- Algo que añadir SG.- Simplemente dar las gracias por vuestra atención y mandar un fuerte abrazo a todos los lectores de Inzona Magazine.

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Musisol fue fundado en el año 1.992, con el principal objetivo que Estepona una pequeña localidad Costa Soleña de Málaga tuviera una tienda de instrumentos musicales orientada tanto al profesional como al aficionado. Tras empezar desde abajo con mucho, mucho trabajo y tesón se fue consolidando como una tienda de Elite donde su buen servicio y asesoramiento ha sido el principal arma para poder competir con otras empresas del sector, y tener una cartera de clientes por toda la geografía Española. Después de los duros comienzos debido a que Estepona no se caracteriza por ser una localidad con solera musical ya que no tiene conservatorio pese a tener más de 65.000 habitantes, Musisol ha sabido ofrecer sus servicios para conseguir afianzarse entre las tiendas más importantes de Andalucía y con la expansión de su catalogo de venta en Internet (www.musisol.com) ha conseguido ser una de las paginas más competitivas en toda España. Los servicios que Musisol ofrece son: Venta de Instrumentos musicales y todo tipo de accesorios. Reparación de Instrumentos. Venta de Sonido e Iluminación profesional para discotecas, pubs y grupos. Instalación de equipos musicales. Material Dj’s, Informática Musical, Pianos y Partituras. Academia propia.


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Ranaman

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Texto. Inzona Magazine Fotografía. Ranaman

Inzona Magazine.- Antes que nada una curiosidad nominativa ¿Por qué Ranaman? Ranaman.- Pues esto viene de mucho tiempo atrás, desde el colegio en salto de longitud y luego el break dance, asi que es mi mote de toda la vida, casi nadie me llama por mi nombre (ROBERTO) I.- ¿Cómo comenzaste en el mundo del hip hop? R.- También con corta edad desde los trece años llevo en esto, (TOCATA MTV YO RAPS) me alimenté en mis comienzos de esta cultura tan grande.Lo empecé a oir con mi primo y con los colegas, nos flipaba escuchar PUBLIC ENEMY, SLICK RICK, LEADERS OF THE NEW SCHOOL de donde salió BUSTA RHYMES y bailar con los cartones al son de KURTYS BLOW, SALT N PEPA, ETC. Eramos los amos. I.- ¿Piensas que la escena nacional está saturada? ¿Qué crees que te separa de otras propuestas? R.- Pues pienso que hay mucha gente buena, que no puede flotar por que la hunde la industria que sólo apuesta por los de siempre y poco mas. Saturada no, es bueno que haya tanta cantera hoy en día a mucho de todo y en esto no va ser menos.

Pues no es que me separe de otras propuestas, por que no voy a caer en el tópico de que lo mio es fresco es diferente etc, es rap puro y duro sin mas “es nuestra droga sin cortar”. I.- En Pinto, de donde eres volvieron a reunirse CPV ¿Estuviste en ese evento? R.- Pues llegé tarde por que tenía un bolo en no se donde ahora mismo, pero llegué al final, era frío, se veía que había mucho dinero de por medio y poco amiguismo ya no era lo mismo. A pesar de eso gracias a Jhony que fue el que hizo posible que el primer reencuentro fuese en Pinto. I.- Hay visos de girar para presentar los temas ¿Por dónde te podremos ver? R.- Pues supongo que si o eso espero jajaja. Las fechas y demás se están confirmando. I.- Finalmente te cedemos la palabras para que comentes lo que quieras a nuestros lectores R.- Pues gracias lo primero, espero que guste mucho este disco y que el rap poco a poco siga demostrando lo que vale. Un saludo a los lectores y pazzzzzzz.

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Texto. Calde

www.dialogosconlaelectronica.com

Música y pensamiento en las redes virtuales Facebook, Twitter, Myspace, Youtube, Soundcloud... Las redes virtuales han dado el salto a la música electrónica y los profesionales no lo han dudado y han comenzado a aprovechar todas sus posibilidades. Un claro exponente lo encontramos en John Shelvin, gallego de nacimiento pero madrileño de adopción, que promociona su música y sus actuaciones por la red de redes. Con las redes sociales “estoy mucho más cerca de la gente. Puedo hacerles llegar la música y lo que pienso directamente y ellos tienen la posibilidad de contestar y opinar; es genial, están ahí mismo y la verdad es que en eso mis redes han crecido muchísimo este año”. Deejay y productor, la carrera de Shelvin lo ha llevado a consagrarse entre las primeras espadas de la escena electrónica nacional. Los inicios fueron “muy difíciles. La gente piensa a veces que es fácil pero vengas de donde vengas, será siempre difícil. Creo que hay que trabajar duro, y eso poco a poco funciona”. Su pasión por la música, despierta a los 15 años, cuando John decide acompañar a un amigo a comprar música, en ese momento John decide que la música electrónica será su vida y provoca que no mucho tiempo después los sonidos de John Shelvin recorran millones de altavoces por todo el mundo. “La música me ha enseñado a tener pasión por lo que hago, a creer en lo que hago, y sobre todo a disfrutarlo, a conocer gente y disfrutar con ella. La música es lo mejor”, asegura. Influenciado por los sonidos y artistas como Erick Morillo, Daft Punk, Danny Tenaglia o Laurent Garnier, ha sido el creador de temas como ‘Just Like You Said’ y ‘Petite Comité’, además de ‘Temptation’ “con el que pude divertirme muchísimo. Hicimos un videoclip con un montón de personas y lo pasé genial. Pero últimamente trato de divertirme con todos, ¿si no... para qué trabajar en ellos?”. Después de haber publicado durante esos años en algunos de los más reconocidos sellos como Spinnin, Pink Star... John, vuelve firmando trabajos con sellos como el holandés “Armada”, propiedad de Armin Van Buuren y uno de los más prestigiosos sellos de música electrónica del mundo, siendo el autor de la primera referencia del nuevo sello Botaira Records, sello musical con base en el Reino Unido, o con el clásico Nervous, trabajos a través de los cuales ha obtenido enormes apoyos de artistas cómo Roger Sanchez, Paul Oakenfold, Axwell, Sasha o Sander Kleinnenberg. “Acabo de tener la enorme suerte de ganar el concurso de producción de Space Miami para producir el track “Take me to space”, que además ha salido en Stereo Productions. En breve sacamos en Nervous (Nueva York), dos nuevos releases un E.P y un vocal que tenemos con Katherine Ellis impresionante. Y hay dos nuevos originales y un remix en los que estoy trabajando”, confiesa. El verano que ha acabado “ha sido el mejor de mi vida, he tenido muchas actuaciones pero sobre todo la oportunidad de estar en Space en seis ocasiones, cuatro en Mondays Calling y dos en Café Olé, además de hacer una buena promo allí, y ha dado resultados, porque ahora en invierno podré tocar en el Ultra Music Festival de Brasil, en Moscú y en Tel Aviv, entre otros sitios”. Por último, Shelvin se moja al asegurar que la electrónica en España “pasa desde hace años por un momento difícil pero también es verdad que hay más oportunidades para la gente que hace diez años. Nuestro país tiene hoy artistas consagrados y triunfando fuera de España, y creo que eso quiere decir que estamos cada día un poco mejor, espero que dentro de unos años, haya muchos más triunfando fuera”. 038. INZONA


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Books Eventos Interiorismo Editorial 039. INZONA


Como cualquier expresión artística, el Jazz puede resultar abrumador para el neófito; además, hay hoy creo unos cuantos prejuicios erróneos (es una propuesta culta de y para una élite, sin arraigo popular; hay que entenderla para disfrutarla, no es divertida...) que alejan al oyente medio de lo que algunos conocen como 'música clásica estadounidense'. Como amante de este sonido, he escrito este artículo con la intención de resumir brevemente su historia, marcada por la sucesión de estilos revolucionarios, señalando algunos de sus principales protagonistas, en forma de músicos y álbumes. De esta forma, despojándolo de malentendidos y reduciéndolo a su versión más sencilla, espero humildemente transmitir la pasión, la belleza y el interés con los que el Jazz me contagia y hacerlo tan atractivo, tan irresistible como es en realidad. Podemos empezar definiendo Jazz, palabra que apareció a comienzos del siglo XX como parte de alguna jerga en la costa oeste norteamericana y empezó a utilizarse en Chicago hacia 1915 para referirse a un sonido que había nacido en Nueva Orleans antes, a finales del siglo anterior. Tenemos claro que es una música, una música que, básicamente (para dar cabida a todas sus diferentes, tan confluyentes como divergentes, vertientes), está caracterizada por su origen Thelonious Monk, creando el Bebop en el Minton's Playhouse (1947) más esponta040. INZONA

neidad, energía, expresividad y vitalidad sin parangón gracias al papel fundamental de la improvisación, individual y colectiva (con lo que el peso de compositores e intérpretes es similar porque éstos hacen suyas, mediante ejecuciones únicas e irrepetibles, las piezas de aquéllos). El origen del Jazz tuvo lugar en la despedida del siglo XIX, cuando de la confrontación entre la música clásica europea (llevada a Estados Unidos por los colonos ingleses, irlandeses, alemanes, holandeses...) y la tradición sónica de los esclavos negros surgió una expresión sonora cuya primera forma fue el New Orleans Jazz. Este estilo nació de las bandas musicales que desfilaban en Nueva Orleans durante eventos religiosos o fiestas, utilizando instrumentos que forman parte de la música clásica y hoy distinguimos como jazzísticos (trompetas, trombones, saxofones...); el New Orleans Jazz, precedido por el Ragtime, tomó del oeste de África el ritmo incesante y la urgencia emocional, añadiéndole la armonía y la melodía del Viejo Continente. La Original Dixieland Jazz Band, un quintento blanco, grabó la primera canción de la historia del Jazz en 1917, 'Livery Stable Blues', aunque Charles 'Buddy' Bolden (1877-1931 corneta), al que siguieron Edward 'Kid' Ory (1886-1973 trombón) o Jelly Roll Morton (1885-1941 piano), ya tocaba y escribía esta música desde al menos 1895; de hecho, 'Jelly Roll Blues', obra de Morton, es la primera composición de la historia del Jazz publicada, en 1915. El New Orleans Jazz se basaba en un conjunto de músicos anclado en una sección rítmica desarrollada sobre batería, banyo, piano y tuba o contrabajo; el protagonismo recaía sobre la trompeta o la corneta, a las que se contraponían el trombón y el clarinete. Louis Armstrong (1901-71 trompeta, corneta y voz) realizó su primera grabación como líder en 1925 pero, cuando cambió su Nueva Orleans natal por Chicago (la migración negra de los estados sureños a las ciudades industriales del norte, en busca de oportunidades, ha sido una constante en la historia norteamericana del siglo pasado) a principios de los años 20, el Jazz comenzó a extenderse realmente por Estados Unidos. Durante esta


década, el New Orleans Jazz (que de interminables sesiones de seguiría vivo en el Dixieland, un improvisación en el club Minton's movimiento que recuperó esta Playhouse del barrio neoyorquino tradición a partir de los años 40 Harlem, forjaron y pulieron un y perdura hasta hoy gracias a nuevo estilo, el Bebop, que sucesivas generaciones de cambiaría de tal forma el Jazz músicos) fue cediendo terreno al que, aunque no seamos consBig Band Swing. Éste fue el cientes de esto, la concepción primero de los muchos relevos común que se tiene de él hoy que se han dado en la historia del parte directamente de lo que estos Jazz, un arte que ha crecido a rebeldes parieron unos 70 años base de cambios propulsados por atrás. jóvenes cansados de las corrientes Su intención era crear algo nuevo, dominantes y decididos a buscar excitante, descarado y provocador, su propia voz. un reto tanto para los músicos Duke Ellington (1899-1974 como para el público. Un reto piano) y William 'Count' Basie para los músicos porque el Bebop (1904-84 piano y órgano) fueron exigía virtuosidad instrumental, dos de los líderes y compositores un sofisticado conocimiento de la El "inventor" del saxo tenor en el Jazz que, dirigiendo formaciones de armonía y una creatividad exColeman Hawkins (1946) entre 10 y 20 miembros, alcanplosiva, y un reto para el público zaron su pico de popularidad porque era música para escuchar, durante los años 30, cuando el sonido de estas grandes ya no era para bailar (que también se puede, ojo), era un bandas era casi lo único que se escuchaba y bailaba en estímulo para el intelecto, alimento para los sentidos: era todo el país; porque el Jazz nació para ser bailado, para arte. Monk, Parker y otros gigantes escribieron melodías ser disfrutado a través de la radio y en lo que hoy conocemos que zigzagueaban entre acordes a una velocidad y una como discotecas. El Big complejidad tan crecientes como desconocidas; estos solistas Band Swing era una incorporaron la disonancia a su repertorio, afilando sus Max Roach, tocando enorme y rutilante pro- propuestas corrosivas mientras responsables de la percusión en Holanda (1979) puesta, de cuidados arre- como Art Blakey (1919-90 batería) y Max Roach (1924glos y meticulosa orques- 2007 batería y percusión) apostaban por los ritmos sincotación, en la que todo pados, otorgando a la batería un protagonismo sin preceestaba memorizado ex- dentes gracias a inesperados y veloces acentos. cepto los solos, reservados Grupos reducidos como tríos, cuartetos o quintetos (batería, para unos pocos talentos. contrabajo, piano, trompeta y saxo es la formación típica) Sin embargo, fue durante se convirtieron en la norma habitual para un estilo que la primera mitad de los abandonó las grandes salas de baile para llevar el Jazz a años 40 cuando el Jazz pequeños clubes, donde la audiencia se preparaba para la experimentó su más im- especial atención que esta nueva música demandaba, un portante y dramática pequeño esfuerzo que, como el tiempo ha demostrado, transformación. Influidos conduce a valiosas y placenteras recompensas sensoriales. por precursores como Ellington o Coleman Picaduras Musicales cobra vida con DJ SLV Hawkins (1904-69 saxo tenor), quien prácticamente LOLITA (calle Peral, Marbella, 22'30-02'30 horas) inventó el papel solista del saxo tenor en el Jazz, Thelosábados 6 y 20 de noviembre, 4 y 18 de diciembre nious Monk (1917-82 piano), Charlie Parker (1920EL CATALONIA (puerto deportivo, Marbella, 23-03 horas) 55 saxos alto y tenor), 'Dizzy' Gillespie (1917-93 tromsábados 13 y 27 de noviembre, 11 y 25 de diciembre peta, percusión y piano) o Kenny Clarke (1914-85 batería y xilófono) fueron algunos de los valientes que, a lo largo 041. INZONA


cookIN Texto. Ules

Conservas de abuela

“Ved, pues, si la familia que ha cogido trigo en el verano; que en el otoño se provee de vino, aceite y frutas exquisitas, que guarda para el invierno colgándolas del techo con fuertes clavos o colocándolas en el suelo sobre una gruesa alfombra de paja, que las preserva de la humedad; que ha recolectado, además, raíces como patatas y cebollas, y legumbres como judías, habas y lentejas; si por añadidura ha engordado un cerdo y lo mata al sentirse los primeros fríos, salando su carne y guardándola después de haber hecho salchichas, longanizas y toda case de embutidos: ved, repito, si puede decir que ha llenado su casa como las abejitas su colmena y dar gracias a Dios por tales beneficios, mientras el cielo se cubre de nubes y el vendaval azota las ramas de los árboles, despojándolas de sus hojas” Escenas de familia, por Pilar Pascual de Sanjuán El otoño es una estación ideal para la cocina, la naturaleza nos obsequia con alimentos que requieren temperaturas suaves y que nos proporcionan una increíble gama de sabores y colores. Productos como setas, caza y pescados entran en su mejor temporada, momento ideal también para hacer conservas para consumir durante el invierno. Tradicionalmente y en muchas casas se sigue haciendo, nuestras abuelas hacían ricas mermeladas caseras, conservas de tomate, de pescado, etc. Hoy yo explicaría una receta que lo resume todo: conserva de abuela, y con esto me refiero a la receta de cómo conservar a una abuela, que sería la solución a todos nuestros problemas en cocina, pero para no liarnos demasiado nos vamos a conformar en dar algunas nociones generales para conseguir grandes conservas de frutas. Receta general para mermeladas de fruta: • Por cada 1 kg de fruta sin hueso 1/2 - 3/4 de kg de azúcar a gusto. • Elegir fruta homogéneamente madura de calidad. • Dejar la fruta macerando con el azúcar no menos de 12 horas. • Cocer la fruta y el azúcar moviéndose frecuentemente (unos tres cuatros de hora). • Sabemos que la cocción está en su punto cuando la mermelada está “pegajosa”. menos de un par de días. sitios frescos y oscuros. • Lo ideal es hacer grandes cantidades y luego mediante vacío al baño maría conservar. Como ejemplo y saliendo de lo tradicional, la mermelada de tomate proporciona un toque de calidad en nuestros platos salados como foie, atún, quesos, en general alimentos salados. A las nociones generales hemos de añadir a esta receta una ramita de canela que dará punto bastante personal. Igualmente la mermelada de cebolla da un toque bastante original en platos salados, en este caso ha de rehogarse un poco primero antes de pasar a su cocción para conserva sus aromas. Buen provecho. Ules. ulescook@gmail.com 042. INZONA


INgenio

Telefonía móvil 4G

Texto.Movidita & Kron

El mundo de la telefonía móvil acaba de nacer y el auge actual que tiene este medio de comunicación es impresionante lo cual resulta que la tecnología actualmente utilizada está empezando a quedarse un poco corta, ya no es que usemos el móvil y mandemos fotos o videos o realicemos una videollamada, ya nos conectamos a internet, compartimos esta conexión con el portátil, contratamos ADSL móvil en vez de fija... para suplir esta caída en la calidad del servicio surge la red móvil 4G. No es que se haya empezado de cero creando todo un nuevo diccionario de palabras raras, sino que lo que han hecho es aprovechar las tecnologías ya existentes y hacerlas cooperar todas al unísono para así aprovechar las ventajas que estas tienen. es la “norma”, nosotros seremos de los últimos en probar esta nueva forma de comunicación ya que las primeras pruebas se están realizando en Japón, EEUU y Centroeuropa consiguiendo superar con creces la actual 3G y consiguiendo anchos de banda de hasta 100Mbps en movimiento con un coche o 1Gbps quietos. A priori no parece que vaya a ser una cuestión de un día para otro (aunque no me gusta hablar muy alto, hoy en día ya se sabe, lo que hoy esta en papel, mañana un loco lo hace real...), se prevé que para 2013 esté estandarizada en Europa, mientras que en España, las frecuencias usadas para la 4G están actualmente siendo utilizadas por la TDT hasta 2015, momento que quedarán libres tras el denominado “dividendo digital” (tema que se abordará en su momento). Aparte también de que las operadoras lo consideren beneficioso o no para sus arcas, ya que como toda nueva tecnología, requiere adecuación y actualización de sus infraestructuras. Para los que seas un poco mas entendidos, os comentamos que está basada totalmente en IP siendo un sistema de sistemas y una red de redes, con lo que no existirá diferencia alguna entre los diferentes dispositivos, van a poder coexistir sin problemas aparentes, teléfonos móviles, fijos, pc’s, incluso aparatos domésticos como un frigorífico. Cuando estos servicios sean una realidad, a no ser que aparezca otro que lo sustituya antes de emerger, vamos a poder disfrutar de toda una gama de servicios a una calidad bastante buena, por no decir igual que en casa con nuestra ADSL 10Mb, pero en un dispositivo móvil como por ejemplo un teléfono. Ver nuestra serie favorita en HD proyectada desde nuestro portatil, incluso la video vigilancia a tiempo real y no a “saltitos”... 043. INZONA


Refugio De Juanar Pico De Juanar

Texto y Fotos. Jesús Lanzat

Continuando en Sierra Blanca, en este número nos centraremos en el Juanar un enclave de gran belleza, desconocido por mucha gente. Desde Marbella tomamos dirección Ojen, dejamos atrás el pueblo y a unos kilómetros tomamos el desvío Refugio de Juanar. A 780 m de altitud sobre el nivel del mar se encuentra El Refugio de Juanar, fue construido sobre los cimientos del antiguo Palacio de Juanar propiedad de los Marqueses de Larios, desde principios de siglo, como refugio de cacería donde invitaron a cazar al Rey Alfonso XIII en una ocasión. Han sido muchos los visitantes ilustres que han viajado al Refugio de Juanar en busca de la tranquilidad de este privilegiado entorno entre ellos el General Charles de Gaulle quien terminó de escribir aquí sus memorias en 1970. Podemos dejar el coche cerca del refugio y empezamos a andar por una pista forestal rodeada de castaños, cerezos y pinos resineros. Al cabo de unos minutos de una leve subida y pasando por una verja que prohíbe el paso al trafico rodado, seguimos unos cien metros entre mas pinos y se llega al comienzo del olivar de Juanar donde se ven unas flechas de dirección que nos señalan diferentes rutas como la de Ojén y el mirador de el Corzo con vistas al pueblo de Ojen. Seguimos adelante y cruzamos totalmente este olivar hasta llegar a un desvío donde se ven otras flechas de dirección que nos señalan más rutas. A la izquierda nos lleva al sendero de Marbella unas 2 horas de camino y al mirador de la cabra con 044. INZONA

vistas al pueblo. A la derecha nos lleva a la Concha 3 horas de camino y a Istán 2 horas y media aproximadamente (estos tiempos son estimativos.) Detrás de estas flechas se encuentra una casa ahora vallada que es el Centro de Recuperación e investigación cinegética de la Cabra Montesa. Es la primera estación de referencia que gestiona la Consejeria de Medio Ambiente. Cuenta con 60 ejemplares correspondientes al morfotipo rondeño. En estas instalaciones se recuperan ejemplares de diversas enfermedades se lleva a cabo un control sanitario anual de todos los ejemplares lo cual incluye analíticas y tratamientos veterinarios preventivos. Pero además de recuperar especies enfermas en este centro también se crían ejemplares en cautividad para luego reintroducirlos. Para estas


dos tipos de acciones el centro cuenta con uno o dos cercados de doble valla para que los ejemplares del interior no se mezclen con los del exterior. A estos cercados se encuentran adosadas otra serie de infraestructuras como cercados de cuarentena, zonas de aislamiento, zonas de tratamiento, mangas de captura y laboratorios. Ahí se gira a la derecha siguiendo las señalizaciones de La Concha. La senda se introduce en un pinar de Pinos de Monterrey o Insigne procedentes del Estado Americano de California. Al no ser unos pinos característicos del bosque mediterráneo el paisaje es bastante atípico pero no por ello falto de belleza. Al estar estos pinos enclavado en un tipo de bosque mediterráneo hay que resaltar el cambio de paisaje tan brusco que representa este tipo de pinar americano. En medio de este pinar se ve otra bifurcación, a la derecha se va a Istán y a la izquierda a La Concha y a la cruz del Juanar. Además de estos pinos hay otras curiosidades en esta sierra. Ya hemos comentado en el número anterior que Sierra Blanca esta compuesta en casi su totalidad de Mármoles. Nosotros nos vamos a centrar en el Mármol Sacaroideo, rico en calcita de color blanco o negro, en nuestro caso casi esencialmente blanco. En la roca bruta se pueden ver como granitos de azúcar que por la erosión de lluvia, viento o el transito de las personas se disgregan y llenan una zona de alta montaña de franjas arenosas dándonos la impresión de estar en la playa. Desde el Refugio del Juanar se pueden subir hasta los dos picos más emblemáticos de Sierra Blanca, que son La Concha y el Pico de Juanar. En el Pico de Juanar nos encontramos con una cruz de hierro negra, emblema de este pico.

Se prometieron a sí mismos que si lograban depositar su vida al refugio de buen puerto subirían hasta aquel lugar y con los hierros de la propia embarcación construirían una cruz para rendir pleitesía a la montaña salvadora. Así se hizo. Con parte del armazón construyeron una cruz y la subieron, 1178 metros de altura. Desde entonces allí está, siempre encerada y acompañada de flores, otero, vigía, faro natural de navegantes. Inmensa se ve y observa desde el mar, característica de Marbella, refugio de tormentas para Ojén, condensador de nubes, atrapador de nieblas y brumas. La Cruz de Juanar, que ahora está acompañada de una pálida estatua de la Virgen del Carmen. Ambas dos miran el Mediterráneo y velan por los marinos que salen a faenar. (Hay que comentar que esto es una historia no documentada, recogida por el boca a boca de los marineros y los rumores de las personas oriundas de marbella). Dejando la cruz y su historia hay que destacar las maravillosas vistas del mar y de su costa, pero cuando miramos a nuestra espalda, al norte, vemos la Serranía de Ronda con el Torrecilla (1919 metros), coronándola. Al este la Sierra de Mijas y en días claros se puede ver muy al fondo Sierra nevada. Y por ultimo al oeste vemos el Peñón de Gibraltar y en días claros el estrecho y África.

La cruz de hierro negro que corona el pico de 1178 metros de Juanar tiene historia: Un día negro de presagios y tormentas un grupo de marineros de la vecina Marbella, tras faenar, deseaba regresar a puerto. Lluvia, truenos, acero en el cielo, aguacero de proporciones bíblicas el que se cernía sobre su embarcación. Las olas les llevaban de acá para allá, la brújula estaba inutilizada a causa de la tormenta eléctrica. Desorientados, con la proa perdida. Se santiguaban y pedían milagros a la Virgen del Carmen, patrona de los marineros. Necesitaban atisbar una referencia en el horizonte que les permitiera orientarse y poner pies en suelo marbellero, a salvo de las furias neptúnicas. Allí apareció aquel pico, a levante de la Concha visto desde el mar. Súplicas atendidas, plegarias contestadas. Con la vista fija en la montaña fijaron rumbo. 045. INZONA


Texto.Soiyo N.

visible

Una de las muchas extrañas paradojas editoriales del cómic es que por lo general el mercado no está dominado por grandes bestsellers. El tebeo es un mercado reducido y está bastante fragmentado. Es bastante difícil encontrar obras que atraigan a lectores de todas las edades y que gusten tanto a los aficionados a los superhéroes como a los del manga, los que leen cómic europeo o novelas gráficas. En los últimos años un autor que ha conseguido atraer muchos lectores de todo tipo y equipararse a los superventas literarios es el mangaka Naoki Urasawa. Urasawa es una estrella en Japón donde sus obras se venden en cantidades astronómicas, y se adaptan como series de animación, películas y videojuegos. Normalmente en Japón, y lo que ocurre en Japón por lo general se repite hasta cierto punto en las ventas europeas y americanas, las series más vendidas son shonen mangas, es decir mangas de chicos, destinados a un público masculino infantil-juvenil. Estos son además los mangas más conocidos por el público general fuera de Japón: One piece, Dragon Ball, Bleach, Naruto... La mayoría de la obra de Urasawa por el contrario es maga seinen, manga destinado a un público masculino más adulto. En ese campo hay pocos autores contemporáneos con el reconocimiento y ventas, tanto a nivel nacional como internacional, de Urasawa, quizás Takehiko Inoue (Slam Dunk, Vagabond, Real) o Masamune Shirow (Ghost in the Shell, Dominion, Appleseed). En España Planeta-DeAgostini ha publicado las tres series más conocidas de Urasawa: Monster, 20th Century boys y Pluto que son grades obras para iniciarse a los tebeos en general o al manga en particular. Todas ellas son historias de suspense, como la mayoría de los superventas mediáticos, auténticos thrillers bien escritos llenos de quiebros argumentales que responden a la necesidad repetitiva de momentos de máximo suspense que tiene la publicación original en Japón serializada en revistas. Su estilo de dibujo es efectivo y bastante realista, haciéndole atractivo para el lector que generalmente no lee manga. Lo que diferencia a Urasawa de otros autores que producen misterio tras misterio, es la increíble capacidad de conservar el ritmo narrativo y los estupendos personajes tanto principales como secundarios. Quizás la debilidad de Urasawa es la misma que encontramos en otros magakas y que responde a las condiciones de publicación folletinescas; las historias se alargan demasiado y los finales no responden a las expectativas creadas por la multitud de sorprendentes cambios en la trama. Monster es la obra maestra de Urasawa por el momento y está considerada como una de las mejores series mangas jamás publicadas. La trama en pocas líneas y sin revelar mucho: Un neurocirujano se enfrenta a un tremendo 046. INZONA


conflicto moral y decide dar prioridad a la vida de un niño herido de bala, que opera y salva, sobre la del alcalde de la ciudad. La acción pronto se traslada unos cuantos años en el futuro y el niño ha crecido para ser un horrible psicópata, un autentico monstruo, y el doctor se ha visto muy afectado en su carrera y su vida privada por la decisión que costó la vida al alcalde y salvó al niño. Desde este punto de partida Monster progresa, giro dramático tras giro dramático, mientras el doctor trata de encontrar al psicópata que una vez salvó y confrontar sus propios principios morales. Monster es un gran tebeo de suspense, Urasawa mantiene perfectamente la tensión durante una historia larga, complicada y con multitud de personajes. 20th Century boys comienza con un grupo de amigos descubriendo que uno de los miembros del grupo, que se conocen desde la infancia, se ha suicidado. En cuando indagan un poco se van dando cuenta que hay una secta llamada los Amigos, que esta detrás no sólo del aparente suicidio de su amigo sino de un plan para destruir el mundo en el año nuevo del 2000. La historia se vuelve aún más sorprendente cuando empiezan a notar que los planes de la secta están muy relacionados con un juego que ellos jugaban de pequeños. 20th Century Boys es una historia que te atrapa desde las primeras páginas y las sorpresas en la trama son magnéticas. El problema de la serie es el final confuso, aunque se resuelve un tanto con los tomos que la continúan 21st Century boys. Su siguiente serie, Pluto, es una clara muestra de la fama

de Urasawa ya que es el remake de un episodio de Astro Boy el personaje mas querido en Japón del reverenciado padre del manga Osamu Tezuka. La historia de ciencia ficción gira entorno al asesinato de científicos relacionados con la robótica y la destrucción de los robots más avanzados del mundo, todos ellos en conexión con una terrible guerra

reciente que destruyó el nuevo Imperio Persa. El investigador es un robot y el presunto culpable es otro, pero las leyes de la robótica, a la Asimov, prohíben a los robots matar a humanos. Urasawa en Pluto hace un gran trabajo reinterpretando el tebeo de Tezuka, las ideas básicas se mantienen pero ambos autores usan diferentes recursos y técnicas narrativas. De nuevo la exploración de cuestiones morales añade densidad a las historias de Urasawa. El éxito de ventas de estas series ha motivado que Planeta reedite Monster con más cuidado que en su primera edición, que era criminal, y que Glénat empezase a sacar el año pasado la edición en catalán de Cinturó Negre (Cinturón Negro), titulada originalmente Yawara! El animé de Cinturó Negre se pudo ver en los 90 en Cataluña y alguna otra autonomía. De entre sus otras primeras obras hay varias que merecen la pena y no se han publicado: Master Keaton, de la que sólo era dibujante, o la entretenida Pinneaple Army de la que Planeta sacó un tomo hace muchísimo y desde entonces no ha vuelto a saberse nada. Urasawa está serializando ahora en Japón Billy Bat, otro thriller, en este caso relacionado con un autor de tebeos, y que esperemos que pronto comience a publicarse aquí. 047. INZONA


INCULTURA Texto.Francisco Flores

Escritos de un artesano del cine David Mamet ha publicado recientemente en España ‘Bambi contra Godzilla. Finalidad, práctica y naturaleza de la industria del cine’ (editorial Alba), un cajón de sastre en el que caben desde la crítica más virulenta hacia los que manejan los hilos en Hollywood, hasta consejos para todos aquellos ilusos que osen adentrarse en ese proceloso mar llamado ‘Séptimo Arte’. Mamet es uno de esos cineastas discretos y poco conocidos por el gran público, aunque estoy seguro de que, sin saberlo, la gran mayoría de espectadores ha visto una e incluso varias de sus películas. ‘El cartero siempre llama dos veces’, ‘Los intocables de Elliot Ness’ o ‘Cortina de humo’ tuvieron sus guiones como génesis, mientras que como director ha firmado ‘Casa de juegos’, ‘State and main’, ‘El caso Winslow’ o ‘Spartan’. Además, como dramaturgo ganó en el año 1994 el premio Pulitzer por su obra ‘Glengarry Glenn Ross’, que con posterioridad llevó también a la gran pantalla. Mamet podría asociarse sin dificultad al papel que interpreta Gene Hackman en ‘El último golpe’: Un artesano (en este caso del robo) no exento de brillantez, que antepone el pragmatismo y el plan marcado a cualquier otra cuestión, lo cual no le impide seguir unos preceptos morales y profesionales para con el trabajo y con los suyos. “No iría ni a la vuelta de la esquina sin un buen plan”, comenta el curtido Hackman al final del metraje, una frase antológica que supone la guinda de una película más que recomendable y que define con precisión la forma de trabajar de su director. “Estos hombres, y sus interpretaciones, se caracterizan por la falta de deseo de complacer. En la pantalla, no tienen nada que demostrar, y por tanto nos atraen de manera extraordinaria”, comenta en el libro sobre el modelo masculino representado por Hackman y por otros actores de la talla de Lee Marvin o Sterling Hayden y, de forma tácita, por él mismo. “No son ‘sensibles’; no son antihéroes; son, empleando un término histórico, ‘supermachos’. ¡Qué refrescante¡”. En el cine de David Mamet no hay trucos, las cartas

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están siempre boca arriba. Trata al espectador como un ser maduro y por tanto ávido de distracciones adultas, al que guía a través de una trama movida por la acción y la verosimilitud, hasta desembocar en el “goce” que en su opinión debe proporcionar una auténtica “experiencia dramática”. Por ello, prefiere el cine negro a las películas de policías, a la que vez que desprecia cualquier espectáculo pseudodramático (desde el drama lacrimógeno, pasando por las secuelas hasta llegar a las comedias de cinco gags), que emparenta con “el circo y la pornografía”. “El sentimiento barato sin duda es duradero. También lo es el perfume barato”, escribe con sorna. La narración para Mamet es como el ajedrez, tiene unas reglas muy claras que son iguales para todos, aunque algunos traten de hacer trampas. En una encomiable labor de síntesis, reduce a tan sólo tres las preguntas “mágicas” que debería hacerse cualquier guionista a la hora de abordar un guión: ¿Quién quiere qué de quien? ¿Qué pasa si no lo consigue? ¿Por qué ahora? Los interesados en estas lides encontrarán un auténtico filón en el apéndice de películas citadas que cierra el libro, pues en cada entrada, junto a la ficha artística, hay un pequeño resumen elaborado por el cineasta partiendo de estas tres cuestiones básicas. Otro esquema que aplica a la narración de cuentos es: “Érase una vez, y de pronto un día, y justo cuando todo iba bien, y justo en el último momento, y después todos vivieron felices y comieron perdices. Y punto final”. Éste es el paradigma en el que se resume el drama, según Mamet, aunque pese a su sencillez no es nada fácil llevarlo a la práctica. “Todo el mundo puede lanzar una pelota, pero no todo el mundo puede lanzarla como Sandy Koufax”, señala el director y guionista utilizando un símil sacado del béisbol. Oficio. Ésa es la palabra que andaba buscando. Sí, oficio. Porque David Mamet tiene parecidas cualidades a las de un orfebre o uno de aquellos hombres encargados de diseñar las antiguas pirámides. Sus obras son límpidas, hermosas y colosales, casi perfectas. Están cargadas de trascendencia, aunque los nombres de quienes las orquestaron ejecutaron fueron escritos sobre la arena y por tanto borrados de la historia. cine más allá del mero hecho de pagar un dineral por una entrada para atiborrarse de palomitas mientras le soba el culo a su novia le sacará buen provecho a este libro. Ya sea como cinéfilo, crítico, profesional o simple curioso, este ‘Bambi contra Godzilla’ le deparará muchas perlas dignas de ser encontradas y degustadas, al igual que la filmografía de su autor. Póngalo en su lista de prioridades y dedíquenle un momento. Como un buen solomillo, no tiene desperdicio. 049. INZONA


INanART ALICIA ROY Artista que se encuentra entre la pintura, la escultura y la fotografía, con una gran influencia de la artesanía, en especial de la costura. Tras haber finalizado el bachillerato y selectividad española y alemana en el Colegío Alemán Juan Hoffmann de Málaga, cursó en el IED de Madrid la Diplomatura de Diseño de Moda (2004/ 2007). Los siguientes años trabajó intensivamente en la creación artística de vestuario y comenzó su carrera pictórica en Berlín donde tuvo lugar su primera exposición individual(2009). Desde entonces ha expuesto su trabajo en galerias en Madrid, Orense o Barcelona, en la facultad Complutense de Bellas Artes de Madrid en la exposición “Distorsión, equívocos y ambigüedades. Las ilusiones ópticas en el arte” (mayo 2010), además ha sido seleccionada en el Certamen de Pintura Joven “Cromática” de la Fundación Cum Laude 2010, como finalista en el certamen “Jóvenes Creadores 2008” de la Comunidad de Madrid y por Biónica Group para las proyecciones de arte “My Work My eyes” presentado en Suite Festival 2010 en Madrid. Su trabajo ha sido editado en el libro “Técnicas de diseño de moda por ordenador” de la editorial Anaya.

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