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ISSN: 2007-6495

REVISTA

San Diego, joya del Pacífico

#151

JUNIO 2019


Con Interjet y PAYBACK®,

TÚ eliges CÓMO, CUÁNDO y CUÁNTOS Puntos usar.

SAN DIEGO

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1. Al momento de la compra en línea del boleto de avión, los Puntos PAYBACK se podrán aplicar para pagar el total o una parte de la tarifa área e impuestos, selección de asiento y servicios especiales. Una vez seleccionado tu vuelo en el sitio de interjet.com para pagar con Puntos ingresa tu(s) Nombre(s) y Apellido(s) tal como aparecen en tu Identificación Oficial, captura tu Número PAYBACK®, que se encuentra al reverso de tu Monedero así como tu Número de Identificación Personal (NIP) debiendo indicar el total de Puntos a utilizar. En caso de que los Puntos se hayan aplicado a una parte del costo, la diferencia podrá cubrirse con cualquier forma de pago aceptada por Interjet. Para pagar con Puntos PAYBACK, deberás hacerlo con un mismo Monedero PAYBACK, el Monedero PAYBACK debe estar activado, registrado y no haber sido bloqueado. Los Puntos PAYBACK no pueden canjearse por dinero. Para más información consulta https://www.interjet.com/formas-de-pago.aspx


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2. Las rutas y/o destinos participantes, así como el porcentaje a bonificar en Puntos PAYBACK, serán definidos y otorgados por Interjet, de acuerdo a sus políticas, tipo de tarifa seleccionada y beneficios vigentes. El porcentaje a bonificar en Puntos PAYBACK se calculará sobre el valor de la tarifa aérea del boleto adquirido antes de impuestos. No acumulan Puntos las compras de Interjet Vacations. Sólo acumulan Puntos los boletos de avión que se adquieran a nombre del titular del Monedero PAYBACK® y que deberán coincidir con el de su Identificación Oficial. Los Puntos PAYBACK se bonificarán dentro de los 5 días hábiles siguientes de concluido el viaje; en viajes redondos la bonificación se hará dentro de los 5 días siguientes de concluido el vuelo de regreso. ABC Aerolíneas S.A. de C.V. (Interjet) es responsable frente a los Clientes de los beneficios y/o servicios que ofrece. Cualquier reclamación derivada de los beneficios y/o servicios ofrecidos por Interjet deberá realizarse directamente ante este en Atención a Clientes llamando desde la Ciudad de México y área metropolitana al 1102 5511 y del interior de la república mexicana al 01 800 322 5050, en un horario de 9:00 a 18:00h de lunes a viernes. PAYBACK MÉXICO es únicamente el administrador del Programa de Lealtad, por lo que no asume responsabilidad respecto de los mismos. Consulta Términos y Condiciones de los beneficios en interjet.com


Junio 2019

June 2019

¡Bienvenidos a bordo!

Welcome aboard!

Interjet ha volado alto y sin escalas desde

Interjet has flown high and non-stop since

que fue concebida el 5 de diciembre de 2005,

it began operations on December 5, 2005

hasta transformarse en lo que es hoy: una

to become what it is now: one of the fas-

de las aerolíneas de más rápido crecimiento

test growing and most prestigious airlines

y de mayor prestigio en México y América.

in Mexico and the Americas. Undoubtedly,

Sin duda, detrás de esta consolidación está

behind this success is the commitment and

el empeño y entrega de muchas personas,

dedication of many people, but above all of

pero sobre todo de sus fundadores quienes siempre se han caracterizado por una clara

its founders, who have always been known

vocación y pasión en todo lo que emprenden.

to have a clear understanding and passion

Visionarios que creyeron en este proyecto,

in everything they undertake. Visionaries

pero que ante todo supieron construir sobre

who believed in this project, but who above

las estrategias y los logros del pasado.

all knew how to build on the strategies and

Hoy cosechamos los frutos de su esfuerzo, prueba de ello son los resultados del periodo vacacional de las semanas Santa y de Pascua que confirman la solidez de la empresa, a

achievements of the past. William Shaw Director General Interjet CEO Interjet

pesar de los diversos desafíos por los que atraviesa la industria de la aviación comercial en México y el mundo. Durante estas dos semanas, Interjet transportó a 613,748 pasajeros en rutas domésticas e internacionales, registrando un 9% de incremento en relación con el mismo periodo de 2018. Tan solo a nivel internacional el repunte en la movilización de pasajeros alcanzó el 23%, con

Today we reap the fruits of their efforts, proof of this is the results of the Easter and Spring Break Holidays that confirm the strengths of the company, despite the various challenges facing the commercial aviation industry in Mexico and around the world.

During these two weeks, Interjet carried 613,748 passengers on domestic and international routes, reaching an increase of 9% compared to the same period last year. The growth of international passengers reached 23%, with 182,839 travelers.

182,839 viajeros. Durante todo abril, estimamos que cerca de 1.3 millones de pasajeros mojaron sus pies en el mar, descubrieron una ciudad nueva o visitaron a su familia viajando con nosotros. De ellos, cerca de 400 mil volaron desde y hacia nuestros destinos fuera de México. Asimismo, siguiendo con nuestra estrategia de crecimiento internacional, en junio iniciamos operaciones a Medellín, un lugar especial en mi corazón. Con vuelos diarios desde la Ciudad de México y Cancún, celebramos la integración de esta vibrante ciudad a nuestra red de rutas, el primer destino de este año como parte de nuestra expansión en

sengers dipped their feet in the ocean, discovered a new city or visited their family traveling with us. About 400 thousand flew to and from our destinations outside of Mexico. Also, following our international growth strategy, we started operations in Medellin, a city with a special place in my heart. With daily flights from Mexico City and Cancun, we celebrate the integration of this vibrant city to our route network, the first new destination of this year and part of our expansion in South America. We will continue in

Sudamérica. Continuaremos en próximos días con nuestra ruta Lima-

the next few days with our Lima-Cancun route and with the new des-

Cancún y Guayaquil como nuevo destino, capital económica de Ecuador

tination of Guayaquil, Ecuador’s economic capital and gateway to the

y puerta de entrada al santuario natural de las Islas Galápagos.

natural sanctuary of the Galapagos Islands.

En junio, dedicamos la portada de nuestra revista a San Diego, una ciu-

In June, we dedicate the cover of our magazine to San Diego, an incre-

dad increíble y una parada obligada en cualquier viaje a California que

dible city and a must-stop on any trip to California that is now much

ahora es mucho más accesible desde México gracias al servicio de Cross

more accessible from Mexico thanks to the Cross Border Xpress (CBX),

Border Xpress (CBX) que ofrece Interjet. Este paso elevado que conecta directamente al Aeropuerto Internacional de Tijuana con San Diego (Estados Unidos) es la forma más rápida y segura para que nuestros pasa-

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Throughout the month of April, we estimate that about 1.3 million pas-

service offered by Interjet. This overpass that connects the Tijuana International Airport directly with San Diego (United States) is the

jeros lleguen a su destino en nuestro país vecino del norte.

fastest and safest way for our passengers to reach their destination.

¡Que tengan un excelente viaje!

Have an excellent flight!


LA TRES

T Imagen: cortesía

aylor Swift regresa a la escena musical con “Me!”, un nuevo sencillo de pop que anuncia su séptimo material discográfico. El tema está acompañado de un video musical con una paleta de colores renovada, más cercana a la variedad de una canasta de huevos de Pascua que a la oscuridad de su última etapa creativa. Cuenta, además, con la colaboración del vocalista Brendon Urie, de la banda Panic! at the Disco. La canción, producida por Joel Little y la propia Swift, supone un cambio dramático de estilo. Si el contenido visual de “Look What You Made Me Do” −su anterior single, lanzado hace un par de años− era en gran parte en blanco y negro y se recurría frecuentemente a la imagen de la serpiente, ahora reaparece la culebra, pero de ella emanan mariposas que revolotean por la pantalla. También

se advierten guiños a musicales como Mary Poppins o Cantando bajo la lluvia. Con “Me!”, la rubia de 29 años entierra toda relación con sus raíces en Nashville, que ya había cortado con su sexto álbum de estudio, y se acerca de nuevo al colorido de su quinto trabajo, 1989. La crítica la ha definido como “una especie de explosión de brillantina, corazones, arcoíris, gatos y unicornios”, en la que tanto Taylor Swift como Brendon Urie le aseguran a sus parejas (tema recurrente en su carrera) que no encontrarán a nadie como ellos, que los quiera de la misma manera. En unas breves declaraciones para la cadena ABC, Taylor explicó que “Me!” es “una canción sobre abrazar tu individualidad y realmente celebrarla y poseerla”, y prosiguió: “Con una canción pop, tenemos la posibilidad de que una melodía se quede en la cabeza de la gente. Sólo quiero que los haga sentir mejor con ellos mismos”.

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En este número... Junio 2019

año 13/junio 2019/número 151 Director General José Luis Ramírez Cota jlr@interjet.com.mx Editor Marco Antonio Cuevas Campuzano marcoantonio.cuevas@interjet.com.mx marcocuevas76@hotmail.com Arte editorial Maribel Canales Berenguer Coordinación editorial J.J. Hernández Publicidad ventas@interjetrevista.com Consejo editorial Miguel Alemán Velasco Diana Ramírez Magnani Revista de publicación mensual Editada y distribuida por: Editorial Galem S.A.P.I. de C.V. Domicilio de la publicación: Monte Líbano 235-302, col. Lomas de Chapultepec, C.P. 11000, Miguel Hidalgo, México, D.F. Teléfonos: 5520-7712 y 5520-6803. www.interjet.com.mx Editor responsable: Marco Antonio Cuevas Número de reserva otorgado por el Instituto Nacional de Derechos de Autor: 04-2007-011915304300-102 Número de certificado de licitud de título: 13653 ISSN: 2007-6495 Certificado de licitud de contenido: 11226 Publicación inscrita en el Padrón Nacional de Medios Impresos Compañía Editorial Ultra, S.A. de C.V. Centeno 195, Valle del Sur, C.P. 09819 Iztapalapa, CDMX www.grupoespinosa.com

INTRO 6 AGENDA 8 THE PLACE TO BE

El hotel anti lujo en Japón

Portada: San Diego, California Foto: Getty

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Michael Jackson: el inextinguible sospechoso

60 CINE

10 FASHIONISTAS

El poder curativo de los tatuajes

La década más oscura de Keanu Reeves

12 MODA

64 CURIOSIDADES

El muestrario

14 GENTE

Kate Moss: la chica más perfectamente imperfecta

18 GASTRONOMÍA

La mejor cocinera del mundo es mexicana

22 ARTE

Cuando Carlos Fuentes confesaba a Luis Buñuel

68 CENTENARIOS

Amado Nervo: un poeta de los de antes

BACK 74 COACHING

El misterio del tapiz de la Bauhaus en México

Haz de tu hijo el nuevo Platón

26 LIBROS

El viaje en el tiempo de Joyce Carol Oates

#MeToo: que la vergüenza cambie de lado

32 ESTE SOY YO

82 MISCELÁNEA

Sabina Berman

34 DE VIVA VOZ

La afilada lengua de Keira Knightley

78 BIENESTAR

83 OREJA DE PERRO 84 AQUEL AYER

38 PANTALLA

Por Ramón de Flórez

42 CIENCIA

Por Luis Lago

La manzana a tu servicio

El científico que ocupa el despacho de Einstein

Este ejemplar se teminó de imprimir el 28/5/2019 Revista Interjet no se hace responsable de los contenidos de la publicidad revelada por sus anunciantes; dado el caso investigará la seriedad de los mismos. Las opiniones expresadas por los autores de los textos no representan la postura de Revista Interjet ni de Interjet. Prohibida su reproducción total o parcial.

56 MITOLOGÍAS

46 ESTE SOY YO

86 DE LO PERDIDO 88 COLUMNA INVITADA Por Carlos Velázquez

Cassandra Ciangherotti

90 MÁQUINAS

PORTADA

92 QUÉ HAY DE NUEVO

48 DE CERCA

San Diego en 13 pasos

94 NUBECITA 96 INTERJET INFORMA


Imágenes: cortesía

H ww w

o, a ic la s , l éx e a d m ab M or te y yL de ct án ur no l se ar de les ux u o a ord les cia , L ero nt ab rfi so ón m ti e pe s ci ú is s s de jo di n e d ue vo , re lu a e lujo qu a q nue Z el en e nfo , y s, ión s. e ov a d e mo da ac tro at n m un is e er o nio D n su afor dar l tur mon gen ntre de ju E at a e to s, , e 10 pl usc a y rip ore ad X, b od o c id lid DM m om um tabi is, C .com c ns n eg ab co ste St. R uryl su otel .lux

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C o lle aif de lu va an je co ego su es, s q “L n a e la u “D os la i Su spe ba e... n d Pl et io t da ctá nd Ar aza rás se erp m cu a li en de d s o re ér lo d e e a, t i en Toro ti” cul aci ca, a la rad Bo s M , “N to ón pa fr a s r o p go o tá nu ub ”, “V de a d nt or , 1 m es e S s i u 2 y en ” en s ele ra aú 15 tal y m to m itar no l H de de T u ”, “ ás a rt e ju iju ch No gr su e d rná ni o ana os s v and s s e M nd , 7 m am e eg éx ez s é ui i , de ás ju . os xi do co t r y ni j u o; nt os: es M os ov ”, ist a

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A p pa Ko ara rie E l n so n e ons elis cia br st , d m de e l a f os o sn os as d en u ob cin e lo tre da je an s a la es to te r s o la s, m tis b e la u ta ra xp sm e s s o m d s er stra ás e M ició Fr M ca se i a n e us nc a nfl rc q nt eo Ju ía bo uy el ue e m s y rd e D e a ex ,C la an nte uch stab fre DM re co s d am le n la n el p ce te X, ci ce s h u ww asta con ón pt igl y J n de os o X eff w. el l a fu 29 l c X nd d so ar lav . ac e s cie tis e ion ep d ta ju tiem ad m e br .

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re ie qu ía ao av ui tod ón a cq d pe ntr Pa eda am co ith a ny de e c en Ke se a. h an os o d ba se de pin nc r M añ ítul rue den que fili pu eado s 40 su t ra p uni n–, nda ho ox su ar du ado ve eye uc o b e a lid na st s jo a l m n qu va u r e á a l lio n tera rar e re drá ado s m pe de ju Co ve ost z d Ten ele año gol , 20 El em pa al. o p 10 lo egas d ca di ict – so V es un nv an un Las m el i rm de , en d u r nd Th tira Gra re GM

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THE PLACE TO BE

Muji, la marca japonesa más internacional que ha construido su historia sobre la protesta del no logo, acaba de abrir en Tokio su mayor local: un edificio de 10 pisos, que además de una tienda comprende una biblioteca, una

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ocas cosas debe haber más cercanas al sueño de Marie Kondo –la celebérrima gurú japonesa de la organización doméstica– que una tienda Muji. Famosa por las cajas para ordenar, los recipientes transparentes, las discretas maletas, la papelería funcional, los sobrios muebles de madera maciza y la ropa sin ornamentos, esta empresa nació en Japón hace casi 40 años como alternativa al consumismo “marquista”. Hoy, con 44 tiendas en Europa y comercios en 29 países, Mujirushi Ryohin (el nombre completo de la compañía, que significa “productos de calidad sin logo”) se ha convertido una de las marcas de éxito: es el retailer nipón con más presencia internacional.

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Estrictos defensores de la simplicidad, en Muji han contado con diseñadores “anónimos” ilustres, como el japonés Naoto Fukasawa o el inglés Jasper Morrison, grandes abogados no del minimalismo, sino de lo básico de alta calidad. Es decir: que no sobre nada, pero de que tampoco falte nada: un cesto de basura funcional, un oportuno almohadón. Muji tiene esa idea serena, cómoda y funcional del confort.

Imágenes: cortesía

galería de arte y su primer hotel.


El riesgo de la saturación Uno puede comer, dormir, leer y comprar, es decir, casi vivir, sin salir del gran flag ship de Muji en Ginza (un distrito de abolengo en la capital Tokio). Sin embargo, una de las fotografías promocionales retrata el peligro: en la cálida estancia forrada de roble y arropada con algodón 100% orgánico, el único libro sobre la mesa es sobre –¿lo adivinan?– Muji.

¿Estamos ante una previsible muerte de éxito o ante una expansión lógica? Hace años que las marcas aprovecharon la confianza que en ellas depositan los consumidores para asociar un perfume a la ropa que venden –como si fueran asuntos parecidos–. Ikea –el fabricante de muebles sueco que pronto estará en México– llegó a idear viviendas desmontables “amueblables” con sus propios productos. O con otros. Y Camper, que nunca ha tenido perfumes, optó por lanzar una línea de hoteles para los consumidores que participaban de su cómoda manera de “caminar por la vida”. Desde que abriera un primer comercio en Londres, en 1991, sus tiendas han ido incorporando todo tipo de productos: de maletas a relojes pasando por humidificadores o cualquier enser que haga la vida más fácil. Su nuevo flag ship incorpora ahora comida, una biblioteca y una galería de arte. Y, finalmente, permite acceder a la vida Muji durmiendo en el primer hotel de la marca: Muji Hotel Ginza, que, además de anunciarse como “anti lujo y a la vez anti low cost”, permite sumergirse por completo en Mujilandia, un universo de comodidad, sencillez, reciclaje y conciencia ordenado en 79 habitaciones. Tan Mujilandia es el edificio que, si algo echara de menos el viajero, hay room service directamente desde la tienda.

Como lo que producen tiene una marcada y anunciada ideología, seguramente tiene todo el sentido que Muji aproveche su conocimiento y sus productos para amueblar su primer hotel. La duda que plantea esa decisión es si multiplicará sus ventas o resultará contraproducente. Por un simple detalle: los consumidores de Muji no utilizan sólo esta marca para sostener su vida. Y, como ocurre con Marie Kondo, la uniformidad termina por ahogar. Al final, es también nuestro desorden, o nuestras curvas u ornamentos, lo que acaba de ponernos en nuestro sitio.

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FASHIONISTAS

Texto: CARLOTA OTERO

Mientras “Take five” de Dave Brubeck Quartet suena de fondo, el zumbido de las agujas de tatuar llega alto y claro. También se escuchan risas femeninas. A Btoski Studio llegan mujeres para hacerse un tatuaje terapéutico de pezones o areolas; es el final de un viaje que comienza con el

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legó bastante nerviosa y hemos estado hablando, riendo... “Se ha pasado rápido gracias a la paz que transmite Brenda”, dice una de las clientas tras tatuarse los dos pezones. La cita la cerró después de someterse a una mastectomía preventiva; es decir, le amputaron los dos pechos sanos por el alto riesgo que tenía de sufrir un cáncer genético. Y los pezones, que contienen glándulas susceptibles de desarrollar la enfermedad, también se quedaron en el quirófano. Mucho más que la decoración del cuerpo y su boom dentro de la moda, el significado espiritual, social, personal y político de ser tatuado es un aspecto indeleble

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del arte corporal, y la mayoría de las personas que se han sometido a este procedimiento incómodo y doloroso dan fe de su experiencia espiritual intrínseca. Pero, ¿qué pasa con los tatuajes como una forma de curación? Un procedimiento de reconstrucción que devuelve la autoestima para poder recuperar lo que por destino nos fue arrebatado. Es un proceso de esperanza para todas aquellas personas que han tenido experiencias que cambiaron su imagen. Los tatuajes reconstructivos o paramédicos implican una técnica diferente porque el área a trabajar generalmente son cicatrices, piel dañada, quemaduras y piel procesada con radiación.

Imágenes: cortesía

diagnóstico de cáncer de pecho o una mastectomía preventiva.


Elige el tuyo La lista de servicios que ofrece Btoski Studio incluye tricopigmentación del cuero cabelludo, tatuaje restaurador de areola y Fluffy brows (microblading). Aquí el significado de cada una de estas técnicas:

La piel sana es fácil de tatuar porque la tinta y la aguja se manejan mejor. La piel dañada no se puede seguir lastimando. Finalmente, el tatuaje es un procedimiento que causa una herida y hace una cicatriz, y este tipo de piel es muy delgada, hay que tener cuidado de no lesionarla porque no hay más oportunidad de regeneración. Btoski Studio es un estudio de micropigmentación cosmética y tatuajes paramédicos, especializado en el arte del tatuaje hiperrealista. Para la fundadora, Brenda Toski, el objetivo es separar el tatuaje cosmético de la industria de la belleza y el tatuaje paramédico, estar un paso delante de la experiencia básica y aburrida de “salón” o de “clínica” con la que todos estamos familiarizados. El termino “tatuaje cosmético” tiende a asustar a muchas personas, pero de forma contraria a la creencia popular, los tatuajes cosméticos han evolucionado más allá de las cejas y los labios que vimos en épocas anteriores.

Tricopigmentación capilar Es la mejor manera de lidiar con la pérdida de cabello tanto para hombres y mujeres. Ya sea al agregar densidad al cabello delgado, restaurar una línea del cabello o cubrir una cicatriz, ofrece resultados indetectables casi al instante (con un cuidado posterior mínimo). El impacto total se ve completamente después de sólo tres sesiones hechas aproximadamente con 10 a 14 días de diferencia. Diseño y restauración de areola El tatuaje se usa para reconstruir, restaurar o alterar el área del pezón. Estos tatuajes también se conocen como tatuajes de cicatriz de areola, tatuajes de pezón, tatuajes de pezón en 3D o tatuajes de mastectomía. Son ideales para cualquier mujer y hombre que se haya sometido a una mastectomía u otro tipo de cirugía de senos.

Fluffy brows Y ya que estamos en manos de una artista, no podía faltar el famoso lift instantáneo o Fluffy brows (que es como Brenda Toski bautizó su estilo). Se obtiene siguiendo el crecimiento natural de la ceja y de allí los trazos se despeinan, usando microblading, un proceso en el que se implanta pigmento de color debajo de la superficie de la piel por medio de una aguja pequeña, logrando cejas frondosas, tupidas, despeinadas y sin perder la forma. Un look muy natural a la Brooke Shields.

Brenda, ¿cuál es la frase que más escuchas en tu estudio? “Me devolviste la seguridad” y “Adiós a la calvicie”. Aunque te hayas sometido a un proceso de trasplante de pelo, sabes que las cicatrices delatan el procedimiento. Mi técnica es un complemento que se hace sobre las cicatrices de trasplante capilar y no queda ni rastro. ¿Cuánto dura el tatuaje? Aproximadamente cinco años. ¿Cuál es tu procedimiento favorito? La reconstrucción de areola porque es más artístico y puedo sacar mi lado creativo. Aparte, me encanta el cambio en las personas que generalmente han pasado momentos tan difíciles. Aunque suene fuerte: de sentir un cuerpo mutilado a la felicidad de ver su cuerpo como era antes.

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MODA

Un vistazo a las novedades de la industria de la moda, la belleza y estilo de vida.

El mes pasado se llevó a cabo en el hotel Grand Velas Riviera Nayarit el evento Wellnessing Getaway, el cual contó con la participación de líderes en la industria del bienestar (nacionales e internacionales). Hubo sesiones de lectura de cristales, rituales chamánicos, yoga frente al mar y otras deliciosas actividades al aire libre, todas incluidas en la tarifa de hospedaje. Revista Interjet fue testigo de este evento, que se convirtió en un viaje para restaurar nuestra parte física y espiritual. Disfrutamos desde menús veganos personalizados en ambientes que resaltan la belleza natural de México y un atelier aromático de intenciones, hasta sesiones de meditación de kundalini yoga con la maestra Ana Paula Domínguez, circuitos de cardio con la coach Rebecca Sutton y una clase de stretch and flow con la health expert Sherri Baptiste. El cupo es limitado, así que te recomendamos apartar desde hoy tu lugar para el próximo Wellnessing Getaway en este paradisiaco escenario (vallarta.grandvelas.com.mx).

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Texto: Nohemí González Monzalvo / Imágenes: cortesía

Mente sana en cuerpo sano


Gigi Hadid ama a Burberry El diseñador italiano Riccardo Tisci, al frente de la casa Burberry desde marzo de 2018, lanzó su primera colección Monogram, es decir, en la que el emblema con la gran letra B de la firma británica es la protagonista. Para su campaña el modisto contó con una de sus musas, la modelo californiana Gigi Hadid, que actúa en cuatro roles diferentes vestida por completo con las prendas más icónicas de la casa, como la gabardina, el paraguas o la bufanda de cuadros.

Lacoste por los animales Si el año pasado te quedaste con las ganas de hacerte con una de las polos Lacoste que sustituyeron el icónico cocodrilo por animales en peligro de extinción estás de suerte, porque tienes una segunda oportunidad. Con motivo del Día Internacional de la Diversidad Biológica, la marca puso a la venta la colección Save Our Species. Una iniciativa que busca generar conciencia especialmente en 10 especies en grave riesgo de desaparecer, entre ellas: la foca fraile hawaiana, el lince ibérico, el addax y el murciélago cola de ratón.

Messi fashionista Además de anotar muchos goles, el delantero del F.C. Barcelona también vence en el campo de la moda. Se acaba de anunciar su colaboración con la compañía MGO (cuya directora creativa es Ginny Hilfiger, hermana de Tommy), con el objetivo de lanzar su propia línea ready-to-wear, cuyas primeras colecciones de ropa salen a la venta este verano en una plataforma llamada The Messi Store.

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GENTE

Texto: MARÍA CONTRERAS

Con su flamante agencia de modelos y su hija Lila a punto de tomar el relevo, la top model británica celebró su cumpleaños número 45 sin bajarse del pedestal y saltándose todas las reglas.

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uando en 2007 el Victoria & Albert Museum le dedicó una muestra a la edad dorada de la alta costura, Kate Moss acudió a la inauguración con un vestido vintage de Christian Dior de satén color champán. Hasta ahí, nada reseñable. Sin embargo, apenas entrar en el museo londinense, la cantante Courtney Love pisó por accidente la cola del vestido, provocando un pequeño rasgón que en las horas siguientes acabó convertido en un enorme agujero. Cualquiera se habría marchado a casa o, al menos, habría intentado cambiarse de ropa. Pero Moss prefirió cortar la parte de abajo de la prenda, se ató un nudo a la altura de la cintura con lo que quedaba de ella y, con el vestido transformado en minifalda, hizo honor a su fama de party animal hasta las tantas de la madrugada. La anécdota podría leerse como una metáfora de la forma en la que la supermodelo, que este 2019 cumplió 45 años, conduce siempre su vida: ni en sus horas más bajas (cuando apareció inhalando cocaína en la portada del diario Daily Mirror en 2005) se ha mostrado dispuesta a abandonar la fiesta.

Imágenes: cortesía

Tras conseguirlo todo como modelo, la que fuera el símbolo de la estética noventera heroin chic no baja la guardia. Ya no desfila (la última vez que apareció sobre una pasarela fue para arropar a su amigo Kim Jones en su despedida de Louis Vuitton en enero de 2018), pero sigue poniendo rostro a campañas de perfil alto como la de la reciente colaboración de Burberry con la septuagenaria Vivienne Westwood o la de la colección primavera/verano 2019 de Stella McCartney, que comparte con Kaia Gerber, la hija de la también modelo Cindy Crawford. Es imagen y directora creativa de la firma de cosmética japonesa Decorté. A sus más de 300 portadas, hace unos meses añadió la del nuevo número de Love. Y, según se publicó en octubre pasado, ya desplazó a Cara Delevingne como la modelo británica mejor pagada. En septiembre de 2016, además, Kate lanzó su propia agencia de talentos, en la que representa a figuras tan versátiles como la cantante Rita Ora o la actriz Gwendoline Christie (Game of Thrones), así como a su propia hija, Lila, de 16 años. Sería difícil para una joven aspirante a modelo encontrar en la industria a alguien de quien recibir mejores consejos. Moss, que fue descubierta en el aeropuerto JFK de Nueva York con 14 años y saltó a la fama a los 16 en un editorial de moda de Corinne Day para la revista The Face, se ha propuesto velar por el bienestar de sus representados para evitarles las malas experiencias por las que ella pasó. En 2012, en una entrevista con Vanity Fair, recordaba así sus fotos en topless con Corinne Day: “Ahora veo a una chica de 16 años, y pedirle que se quite la ropa sería muy raro. Pero me dijeron: ‘Si no lo haces no te volveremos a llamar’. Así que me encerré en el baño a llorar y luego salí y lo hice”.

Su currículo sentimental, ampliamente documentado, también es abultado (en una entrevista con i-D en 1998, la joven Kate confesó que estar soltera le resultaba “trágico”). Su pareja actual parece ser el fotógrafo Nikolai Von Bismarck, 14 años más joven que ella. Y entre sus exnovios se cuentan el también fotógrafo Mario Sorrenti –que la retrató en la icónica campaña del perfume Obsession de Calvin Klein–, el editor Jefferson Hack –padre de su hija Lila–, el músico Jamie Hince –con quien se casó en 2011 ante 300 invitados (la unión duró apenas cinco años)– y, por supuesto, el actor Johnny Depp. Juntos, además de bañarse en champaña, según cuenta la leyenda, formaron una de las parejas más inolvidables de los 90.

La modelo en los años 90.

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“Ahora veo a una chica de 16 años, y pedirle que se quite la ropa sería muy raro. Pero me dijeron: ‘Si no lo haces no te volveremos a llamar’. Así que me encerré en el baño a llorar y luego salí y lo hice” Pero fue su relación con el músico Pete Doherty –hoy de 40 años– la que logró obsesionar a los tabloides, que dedicaron páginas y más páginas a sus juergas, a sus excesos y a sus borracheras; una época que culminaría con la mencionada portada del Mirror donde la llamaron Cocaine Kate, con la que Moss tocó fondo y perdió algunos contratos de trabajo. Sin embargo, quienes vaticinaron entonces que su carrera estaba acabada erraron el tiro. De hecho, cuando la top reapareció tras su paso por rehabilitación, su caché se había incrementado. La chica que el periódico The Guardian definió una vez como “el vórtice alrededor del que giran todas las fiestas de Londres” aún no estaba dispuesta a salir de escena.

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¿Quién es esa chica? Con un voluminoso minivestido de lunares y tocado velado a juego, pertenecientes a la muy controvertida colección de debut de Hedi Slimane para Celine, Lila Moss saludó al mundo desde su primera portada como modelo a finales del año pasado. Fue su segundo y precoz hito –en octubre de 2018 se destapó como nuevo rostro de la campaña de la línea cosmética de Marc Jacobs– apenas dos meses después de cumplir los 16 (nació el 29 de septiembre de 2002). Nada que temer, sin embargo: en una industria –la de la moda– cada vez más preocupada por la edad a la que debutan sus modelos, la carrera de la jovencísima Lila parece perfectamente calculada en tiempos y férreamente controlada por sus padres. “¿Quién es esa chica?”, inquiere el titular con el que la presentó Dazed & Confused, una de las pocas publicaciones británicas supervivientes de la era dorada de las biblias de la modernidad de los 80 y 90. La respuesta, en realidad, no tiene mucha pérdida, porque la vida de Lila Grace Moss Hack ha estado bajo el escrutinio público desde el minuto uno de su nacimiento. A la única hija de Lila Moss. la supermodelo Kate Moss, fruto de su relación con el periodista y editor Jefferson Hack, la hemos visto crecer y desarrollarse como estrella al calor de las mismas cámaras que su celebérrima progenitora. De hecho, su primera imagen “oficial” la protagonizaron juntas ante el objetivo de Mario Testino, en 2011, cuando Lila apenas tenía nueve. “Mantener tu vida privada un poco al margen de la laboral es importante... No es que me lo haya dicho directamente, pero es algo que creo que he aprendido de mi madre”, concedía la adolescente en una entrevista con la revista Allure.

Durante muchos años, una Moss siempre a la defensiva se autoimpuso la ley del silencio, pero últimamente habla con la prensa más a menudo. Como peaje por su relación profesional con la firma nipona Decorté, muchas entrevistas se centran en su rutina de belleza, pero a veces deja entrever, con cuentagotas, algo más de sí misma. Por ejemplo, que se sigue poniendo nerviosa cuando llega a un set (leído en Love). O que odia hacer ejercicio (Vogue). O que se arrepiente de su viejo mantra nothing tastes as good as skinny feels –algo así como: “nada sabe mejor que estar delgada”– (NBC). O que jamás publicará algo personal en redes sociales. “Nunca me ha gustado todo eso de ‘¡mírenme!”, dijo a The Guardian. Y, aun así, a sus 45 años “la chica más perfectamente imperfecta” (Marc Jacobs dixit), no ha perdido ese algo que hace que el mundo no se canse de mirarla.


GASTRONOMÍA

Texto: D. M. PÉREZ

La prestigiosa revista Restaurant reconoce a Daniela Soto-Innes, chef del restaurante Cosme, el local neoyorkino del famoso cocinero Enrique Olvera.

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“La entusiasta chef ha dado la vuelta al recetario tradicional, transformando la cocina mexicana”, dice de ella la autoproclamada academia de los 50 mejores restaurantes del mundo, auspiciada por la influyente revista británica Restaurant y un puñado de marcas de lujo.

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Fotos:cortesía

aniela Soto-Innes, chef del neoyorkino restaurante Cosme, es la primera mexicana en ser designada mejor cocinera del mundo por la prestigiosa lista 50 Best. A sus 28 años, es la ganadora más joven del galardón en las cuatro ediciones que ha celebrado.


“La entusiasta chef ha dado la vuelta al recetario tradicional, transformando la cocina mexicana”, dice de ella la autoproclamada academia de los 50 mejores restaurantes del mundo

Nacida en la Ciudad de México, pero criada en Texas desde los 12 años, Soto-Innes es la capitana general de los dos proyectos estadounidenses de Enrique Olvera, el factótum de la cocina mexicana. Tras un breve periodo en Pujol, la nave nodriza de Olvera en la capital mexicana, donde elevó a las alturas su particular merengue con caparazón de maíz, fue la elegida en 2014 para dirigir el desembarco del chef en Manhattan. Tras dos años, y con la ayuda del expresidente estadounidense Barack Obama, que tuiteó con deleite su experiencia con las carnitas de pato y el mole rojo, Cosme se coló entre en las listas de la élite mundial, en las que ocupa este año el número 25. La trayectoria de Daniela Soto-Innes ha ido depurándose –en la misma línea que su maestro Enrique Olvera, de 43 años– hacia la simpleza de conceptos y los sabores cada vez más limpios. “Se trata de lo contrario al TexMex”, sintetiza el perfil de la cocinera en la página de 50 Best.

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En sus propias palabras “¿La fórmula secreta para triunfar como cocinero en la Gran Manzana? Necesitas la bendición del New York Times, que es quien te hace o te deshace. Si te gastas unos millones de dólares para abrir un restaurante necesitas esa crítica. Es vital que a ese periódico le guste lo que estás haciendo. A nosotros en Cosme eso nos ocurrió y nos ayudó muchísimo. Después de nuestra crítica doblamos el número de comensales. Que a un restaurante mexicano que acaba de abrir le den tres estrellas en el New York Times es un sueño”

Tostada de abulón, tlayudas de maíz dulce con cheddar o filete con cereales nixtamalizados son algunas de las estrellas de un menú que cambia según la temporada, pero en el que siempre permanece su famoso merengue. “La cocina mexicana tiene que tener felicidad, especias y diversión. No te puedes poner muy serio con la cocina mexicana”, dijo la chef en un video con motivo del premio, donde recordó también a su equipo, en su gran mayoría migrantes –mexicanos, venezolanos y hasta rusos– sin experiencia previa en la cocina. Hija de abogados, Daniela suele citar a su madre, abuela y tías como inspiración: “Mi mamá es abogada, pero siempre quiso ser cocinera porque mi abuela tuvo una panadería y mi bisabuela fue a una escuela de cocina en París. En casa había competencias sobre quién hacia el mejor pastel, el mejor ceviche, el mejor mole”.

“Si no eres un cocinero divertido es mejor que cambies de profesión porque la cocina es fiesta. La mayoría de los cocineros son las personas más locas y divertidas que he conocido. Y a mí siempre me gustó la fiesta. Mi padre de joven fue muy rebelde y solía llegar a casa con amigos del basquetbol y nos despertaba a las 4 de la mañana con la música de los Rolling Stones, Led Zeppellin y Pink Floyd”

“Si Enrique Olvera no fuera tan alegre y tan chistoso yo no seguiría trabajando con él. Cuando nos encontramos y vi que era alguien tan divertido supe que tenía que conocer el mundo de ese señor porque sentía que era mi alma gemela, pero con más años y experiencia. Y viendo que se trataba de un cocinero al que le ha ido tan bien y que sigue siendo él mismo, me dije: ‘Yo quiero ser igual’”

“Si me preguntas sobre los chefs que conozco, te diré que los que de verdad son mis amigos y me parecen las mejores personas son siempre divertidos y nobles. Gente que tiene un equipo de cocina que sonríe al que han convertido de verdad en su familia. Eso es lo que yo busco en mis cocineros y en mi cocina, y por eso voy a trabajar todos los días. Me encanta cocinar, amo mi oficio, pero creo que lo mío de verdad es entender a las personas a través de la cocina”

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La chef premiada con Enrique Olvera.

Aficionada a la natación, la joven empezó su carrera limpiando fresas y lechugas a los 15 años en un hotel Marriott de Houston, luego estudió algo de cocina en Austin y después en Londres. Hoy dirige dos de las pasarelas más prestigiosas para la cocina mexicana. Además de Cosme, está al frente de Atla, una casa de comidas informal donde prepara huevos rancheros y quesadillas, también en la Gran Manzana y de la mano de Olvera. Y a finales de este año abrirá en Los Ángeles otros dos nuevos restaurantes con el respetado chef mexicano: Damian –cocina mexicana con influencias japonesas– y Detroit –una taquería–. Daniela Soto-Innes toma el relevo de la chef peruana del restaurante limeño Central, Pía León, la ganadora del premio en 2018. Se prolonga así el idilio de la lista de listas de la gastronomía de élite con la cocina latinoamericana.


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ARTE

Texto: JORGE VÁZQUEZ ÁNGELES

Una pieza única, creada por Anni Albers, una de las diseñadoras textiles más importantes del siglo XX, desapareció del Hotel Camino Real de Polanco hace más de 30 años. Una fotografía de Armando Salas Portugal fue decisiva para encontrarlo.

A pesar del escenario, en 1922 un folleto le devolvió la alegría. Era la publicidad de una nueva escuela de arte y diseño llamada Bauhaus, ubicada en Weimar

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(Alemania). Además del plan de estudios que combinaba la actividad del artesano con la mirada del artista, el documento destacaba el ambiente de igualdad y equidad entre hombres y mujeres. Para Anni, esas palabras fueron música para sus oídos. Ya en Weimar se inscribió en la escuela para descubrir que las palabras del folleto eran buenas intenciones. Walter Gropius, el primer director de la Bauhaus y uno de sus fundadores, no ocultaba su machismo al expresar barbaridades como que las mujeres no podían estudiar arquitectura porque eran incapaces de pensar en tres dimensiones, o que había que limitar las inscripciones femeninas para evitar que la Bauhaus terminara convertida en una academia del “bello sexo”. Los profesores, casi todos, se encargaban de “sugerir” o “guiar” a las pupilas para que estudiaran cosas acordes a su género. Anni quería estudiar pintura en vidrio pero los dirigentes de la Bauhaus lo impidieron. “El destino puso en mis manos hilos flojos”, dijo años después, al recordar su iniciación en el mundo del tejido. Inspirada por el artista Paul Klee, quien afirmaba que el resultado final no era tan importante como el proceso para llegar a él, Anni empezó a experimentar en el telar, como una niña que juega, sin importar si el resultado sería útil, mezclando hilos de colores para crear superficies contrastantes, “una sensualidad táctil”, como ella misma lo expresó en Handweaving Today: Textile Work in Black Mountain College, un texto de 1941.

Imágenes: cortesía

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rente al telar, Annelise Else Frieda Fleischmann sintió la puñalada del destino. De qué sirvió ser rebelde si al final la vida le tenía reservado un lugar en “la clase de mujeres”, el taller de textiles, una actividad semejante a la que realizan las señoras casadas cuando se sientan a tejer. De qué sirvió convencer a su padre en 1919, un exitoso fabricante de muebles berlinés, de dejarla ir a Hamburgo a estudiar arte a la Kunstgewerbeschule, si la aventura sólo duró dos meses. La pregunta que le hiciera el pintor austriaco Oskar Kokoschka, luego de mirar sus primeros cuadros, aún rondaba su cabeza: “¿Por qué pintas?”.


Anni Albers trabajando en el telar. Abajo: boceto del tapiz intitulado Camino Real.

Pronto descubrió que podía pintar a través del tejido, creando patrones geométricos o abstractos como sus maestros, entre ellos Josef Albers, profesor de pintura sobre vidrio, con quien se casó en 1925. Entonces cambió su nombre por el de Anni Albers, lo que eclipsó parcialmente su carrera.

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a “clase de mujeres” se convirtió en uno de los cursos más importantes de la Bauhaus. Luego de graduarse en 1928, Anni se convirtió en la maestra del taller, pero con la llegada de los nazis al poder en 1933, los Albers se marcharon a Estados Unidos, decisión que muy probablemente les salvó la vida.

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Ya como maestros en el Black Mountain College en Carolina del Norte, los Albers comenzaron a viajar. Perú se convirtió en uno de sus lugares predilectos y México también, pues 14 veces hicieron el viaje desde Estados Unidos en coche, un road trip que los llevó a lugares como Uxmal, Mitla o Monte Albán, ruinas arqueológicas que inspiraron sus trabajos. Para los Albers, nuestro país representó un giro en su carrera, un lugar donde hallaron nuevos modelos en las antiguas glorias zapotecas y mayas. En una carta dirigida al pintor de origen ruso Wassily Kandinsky, Josef lo expresó así: “México es verdaderamente la tierra prometida del arte abstracto”.

El textil de Anni Albers en una pared del lobby bar del hotel Camino Real, en los años 70.

Sabías que... Titulada como el hotel, Camino real, y fechada en 1968, la colgadura mide casi tres por tres metros y está considerada punto de inflexión en la trayectoria de Anni Albers. A diferencia de la mayoría de sus obras, producidas en su estudio por medio de un telar a pedales, en este caso se trata de una estructura industrial de fieltro de lana y reverso de algodón, que la artista mandó confeccionar en una empresa de banderas y pancartas de Nueva York. Una técnica insólita para la creadora alemana, pero muy utilizada en la época por otros artistas como Roy Lichtenstein y Tom Wesselmann. Sobre el panel de fieltro, Albers cosió a mano pequeños triángulos de diferentes tonalidades de rojo, en uno de los característicos juegos geométricos con los que continuaría experimentando de manera casi científica pero cada vez menos ya sobre un soporte textil. El proceso de restauración (tras encontrar la pieza en el sótano del Camino Real, en enero de 2018) duró cuatro meses. “Se colocó un bastidor de madera de cedro contra el ataque de los insectos, se llevó a cabo un proceso de microaspirado entre el tejido. Después se lavó con gasolina blanca, se rehízo el 5% de fieltro perdido con lana natural y se remataron las costuras en zigzag de los triángulos con hilo de poliéster”, explicó Renato Camarillo, restaurador del taller de textiles Cencropam, adscrito a la Secretaría de Cultura mexicana.

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n 1968, durante la fiebre de los Juegos Olímpicos en México, Ricardo Legorreta diseñaba el Hotel Camino Real (en Polanco) e invitó a un grupo de artistas para crear un proyecto único que conjuntara arte y vitalidad espacial. Inspirado en proyectos como la Ruta de la Amistad, el arquitecto mexicano dispuso de extensas áreas para que los artistas Mathias Goeritz, Rufino Tamayo y Alexander Calder plasmaran obras que hoy en día permanecen en el hotel que buscaba crear una “arquitectura emocional” a imagen y semejanza del propio Goeritz y el arquitecto Luis Barragán.

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De acuerdo con el periódico El País, Legorreta, acompañado de Barragán y Goeritz, viajó hasta la Universidad de Yale, último sitio donde los Albers impartieron clases, para encargarle a Anni, de 69 años, un textil para el proyecto. La pieza, conocida como Camino Real, está hecha de fieltro de lana y algodón, con triángulos de diferentes tonos de rojo cosidos por la propia artista alemana para crear uno de sus juegos geométricos. Durante la primera remodelación del hotel, en la década de los 80, el tapete fue guardado sin que se registrara el hecho... y permaneció oculto por más de 30 años. Gracias a una fotografía de Armando Salas Portugal en la que aparece la obra en el lobby bar del Camino Real, en enero de 2018 un empleado recordó que detrás de una estantería reposaba la única obra de Anni Albers en México, uno de sus últimas textiles, antes de dedicarse de lleno al grabado. En 1985, Albers dijo en una entrevista: “Veo que cuando la obra se hace con hilos, se considera un oficio; cuando se hace en papel, se considera arte”. La sensación de impotencia que sintió la primera vez que se sentó frente al telar aún le escocía. Como otras mujeres de la Bauhaus, Annelise Else Frieda Fleischmann luchó toda la vida para que su trabajo se considerara arte, como el de sus colegas y maestros.


SHOW • DINNER • EXPERIENCE

VÍVELO EN

RIVIERA MAYA

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LIBROS

Texto: LAURA FERNÁNDEZ

La última novela publicada en español de la veterana y prolífica escritora estadounidense, nominada al Nobel de Literatura, es una distopía feminista... y no es la única, ¿estará convirtiéndose

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on motivo de la publicación de su novela número 72 (¡72! La número 73, My Life as A Rat, aparecerá en unos pocos días), Riesgos de los viajes en el tiempo, la revista Interview pidió a un grupo de escritores que entrevistara a Joyce Carol Oates. Les pidió, en realidad, que le hicieran una pregunta cada uno. Una pregunta dice tanto o más de esos escritores, de lo que la respuesta dice de la propia Oates. Por ejemplo, Stephen King quiso saber cuál era su cuento de terror favorito.

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La escritora nacida en Lockport, Nueva York, respondió que el capítulo final de A través del espejo y lo que Alicia encontró allí, de Lewis Carroll, novela que leyó a los ocho años y con la que todavía tiene pesadillas. A. M. Homes le preguntó qué era un día bueno para ella. Oates dijo que un día tranquilo, en el que pudiese contemplar el jardín desde su despacho, sabiendo que todo estaba en marcha, porque “nunca está mejor un escritor que cuando todo está en marcha, empezar cualquier cosa es siempre difícil”.

Imágenes: cortesía

éste en un subgénero a explotar?


Lena Dunham le preguntó por lo que sentía cuando escribía escenas violentas. En concreto, le preguntó si su cuerpo reaccionaba de alguna manera especial. Oates dijo que no. Gillian Flynn quiso saber si el hecho de conocer la verdadera historia de ciertos iconos femeninos –víctimas– como Mary Jo Kopechne o Elizabeth Short, mejor conocida como La Dalia Negra, habría hecho que no escribiera sobre ellas, o si hubiera necesitado igual hacerlas formar parte de su universo a su manera. Oates respondió que la escritura es siempre un intento de explorar una realidad alternativa. Y Jeffrey Eugenides, tan, casi siempre, a vueltas con la muerte, le preguntó por el Más Allá. En realidad, le preguntó por las experiencias cercanas a la muerte. Si creía en todo ese asunto de la luz al final del túnel y ella dice que el cerebro es un mentiroso y que nunca hay que fiarse de él, pero también que lo que más le interesa del asunto es hasta qué punto es humano creer en algo así.

De haber podido formularle una pregunta del estilo – la pregunta que no le formulé la vez que estuve con ella en la terraza de un hotel barcelonés, cuya prueba es mi ejemplar firmado de Zombi–, supongo que, teniendo en cuenta que Riesgos de los viajes en el tiempo es una distopía, le habría preguntado qué le atrae de lo fantástico. Y probablemente la respuesta hubiera sido muy parecida a la que le dio a Flynn cuando Flynn le preguntó por La Dalia Negra (recordemos: una mujer estadounidense, víctima de un muy publicitado asesinato en los años 40). Que la literatura está ahí para explorar una realidad alternativa, ¿y qué mejor manera de explorar esa realidad alternativa que viajando en el tiempo? Sí, Riesgos de los viajes en el tiempo es El cuento de la criada (una narración de ciencia ficción distópica y una de las obras más importantes de la escritora canadiense Margaret Atwood, publicada en 1985) de Joyce Carol Oates: una novela política en la que lo que está en juego es la libertad de expresión, en un mundo totalitario. La protagonista es una chica, Adriane Strohl, que habla más de la cuenta y acaba exiliada no lejos de Estados Unidos sino en el Estados Unidos de 1959.

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La crítica ha dicho...

«Esta historia parece estar cargada de los horrores de nuestra época orwelliana» Independent «La escritura de Oates siempre ha parecido sencilla: urgente, temeraria, torrencial. Escribe como una mujer que se adentra en una región salvaje sin mirar atrás» The New York Times Book Review «Si sientes que perteneces a otra época, plantéate la posibilidad de que vienes del futuro y de que has sido enviado al pasado a modo de castigo [...]. Esta es una novela extraña y desgarradora» Los Angeles Review of Books «Oates sigue cautivando con su terrible magia oscura» The Washington Post «La violencia del mundo de Oates es excesiva porque se parece mucho a la nuestra» The New York Times

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Así, su apuesta no es, diríamos, claramente fantástica, como tampoco lo es la de Atwood, cuyos pasos no sólo Oates parece estar siguiendo estos días. El viaje en el tiempo para la autora estadounidense sólo es una manera de volver a un pasado que ella misma habitó, y hacerlo con la visión del presente. Es Oates preguntándose qué hubiera pensado de sí misma y de la gente que la rodeaba en 1959, es decir, cuando tenía 21 años –nació el 16 de junio La escritora en los años 60. de 1938– y, a la vez, qué piensa del mundo de hoy –el presidente que aparece no se llama Donald Trump pero es claramente Donald Trump–, de su aparente absolutismo, comparado con aquel. Es, pues, una lección de Historia, con mayúscula, disfrazada de distopía en la que el elemento fantástico es la excusa que pone en marcha la reflexión. Lo curioso es que, como decíamos, no es la única que está tratando de emular el éxito de Margaret Atwood. Nora Roberts, sin ir más lejos, acaba de dar comienzo, con Year One, a una trilogía apocalíptica, de punto de partida similar, sino idéntico, a La danza de la muerte de Stephen King. Pero el caso de Roberts es distinto. Roberts, autora de 215 novelas y 68 años de edad, ha sido siempre una escritora de ciencia ficción, aunque no lo parezca. Porque los libros que publica como Nora Roberts –un seudónimo, su nombre real es Eleanor Marie Robertson y nació, por cierto, en Maryland, Estados Unidos– no son los únicos que publica. Nora Roberts también publica literatura fantástica con el seudónimo de J. D. Robb. Como J. D. Robb tiene hasta novelas negras ambientadas en el futuro (en concreto, en la Nueva York de 2058), como Desnuda ante la muerte. Pero el hecho de que esta trilogía la publique como Nora Roberts está diciéndole al mercado –del que Roberts es parte sustanciosa: se venden 27 libros suyos al minuto en todo el mundo– lo mismo que le dice Riesgos de los viajes en el tiempo, de la octogenaria Joyce Carol Oates: que la literatura distópica escrita por respetadas damas de las letras, o en su defecto, superventas, es, –¡ya!– un hype.


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ESTE SOY YO

Para mí el lenguaje ha sido, desde niña, el juguete más maravilloso. Y al mismo tiempo, un tormento. Se me volvió una adicción incontrolable que me hacía soñar despierta y en desorden. En la adolescencia decidí dedicarme a entender qué era y cómo podía gobernarse el lenguaje. De ahí que soy escritora por necesidad. Una de mis pasiones es leer, me interesa lo que escriben las mujeres y los hombres homosexuales porque se desmarca de lo patriarcal, es decir, de un mundo que está crujiendo y está por caer. Cambiar es riesgoso, las cosas pueden salir mal o regular, pero bien también. En México estamos viviendo un movimiento de todas las estructuras preexistentes y corrompidas. Pero, a la par, ha aumentado la esperanza de un cambio hacia lo mejor, porque el combate a la corrupción camina y la desestructuración de las élites también. Vivo de contar historias. Unas verídicas que narro detalle por detalle, y entonces llamo al resultado periodismo. Otras donde a los detalles sucedidos agrego unos que merecieran suceder; entonces llamo al resultado ficción. Si quieres ser feliz la única manera de lograrlo es relacionándote con la realidad a través de los sentidos de tu cuerpo y no del pensamiento. Lo otro es política.

Técnicamente alguien de derechas tiene fe en verdades absolutas, que no existen, y tiene prohibida la discusión porque cree en lo que no es verdad, y lo que se ajusta a la realidad es destruido e ignorado. La mente de izquierdas es una mente científica, la verdad se indaga, se cifra, se comprueba y recomprueba, las soluciones que derivan de ella son complejas. Es un pensamiento mucho más lento y generoso. El feminismo me formó. Sería otra persona sin el feminismo. Ha sido la alternativa a ser masoquista. Hoy ser mujer significa vivir el cambio hacia un empoderamiento, volverse algo nuevo; mujeres sin miedo de ser. Me inspira escribir entre colores verdes y bajo un cielo de pájaros. La creatividad exuberante de la naturaleza me da permiso de volverme un instrumento de pura energía natural. Su imperfección me da sosiego para atreverme a fallar.

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Entrevista: Alba Damián / Foto: cortesía

A mí me gustaría ver que la política tiene sus raíces en otros intereses, por ejemplo en la verdad. Soy una persona radicalmente de izquierdas, pero a lo que dedico mi vida no es a eso. Quiero defender a las minorías, dime el nombre de una y estaré ahí.


Sabina Berman Goldberg (Ciudad de México, 1955) es escritora, dramaturga y periodista. El mes pasado estrenó en televisión, al lado del analista John Ackerman, el programa John y Sabina, “donde es cool hablar de política”, a través de Canal Once.

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DE VIVA VOZ

Texto: IRENE CRESPO

La actriz británica ha interpretado a muchas delicadas mujeres de época en sus películas, pero en la vida real es aguda, irónica y ha superado sus inseguridades. Charlamos con ella a propósito de su nuevo filme.

Knightley (Teddington, Inglaterra, 26 de marzo de 1985) interpreta en esta película a la mujer de un coronel encargado de esa reconstrucción, una pareja rota por la muerte de su hijo en la guerra. “Desde que soy madre, como todas las madres y padres, no puedo soportar ver historias de niños muertos, pero como actriz jamás echo mano de mis propias experiencias, simplemente busco sentir empatía por mi personaje, así que no me pongo en su cabeza. Por

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eso no la pasé mal”, cuenta. En vez de llevarse el trabajo a casa, lo que le pasó durante el rodaje de Viviendo con el enemigo es que se llevaba su casa al trabajo. Viajó a Hamburgo con su hija, que entonces tenía 18 meses y “que estaba en una etapa de no dormir nada”. “Como actriz lo que buscas es tener tus emociones a flor de piel y nada te hace sentirlas más a flor de piel que no dormir ni una noche de tirón. Sí, en este caso, ser madre me ayudó a interpretar mi papel”, bromea la actriz de 34 años. En pantalla es conocida por esas mujeres de época, elegantes y finas, pero en persona Keira, siempre vestida de Chanel –marca de la que es imagen–, tiene una lengua aguda y muy irónica. Si se descuida suelta un “tallón” al final de cada frase. No se esconde y desafía al periodista que tiene delante. Ha sido así siempre, incluso antes de que el movimiento #MeToo diera libertad al discurso feminista en Hollywood. Decir lo que pensaba le supuso muchas críticas. “El principio de mi carrera fue una experiencia dura en todos los sentidos. No sé si lo fue más porque dijera lo que pensaba. No creo que la gente me hubiera criticado menos si hubiera permanecido callada. Al final, aprendes que no puedes gustarle a todo el mundo, que tú no tienes el control y aprendes, sobre todo, a decir mucho: ‘¡Que se pudran!’”, exclama.

Imágenes: cortesía

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tra película de época. Otra película justo después de la Segunda Guerra Mundial. Otro papel perfecto para Keira Knightley. Algo así deben de pensar muchos directores y responsables de casting cuando llega un guion dramático y romántico situado en los años 30 o 40 del siglo pasado. A la actriz británica también le cansa aunque reconoce que le gusta interpretar mujeres de épocas pasadas porque es una feminidad de quita y pon que viene dada por el vestuario. Cuando le llegó el guion de Viviendo con el enemigo (The Aftermath es su título original en inglés), basado en una historia real de la inmediata posguerra en Alemania, tuvo sus dudas. Aunque asegura que las despejó pronto. “No sabía nada de ese periodo concreto, de lo que sufrió la ciudad de Hamburgo, de lo que supuso la reconstrucción”, cuenta.


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Menos neorrealismo y más drama Como bien dice Martin Scorsese en Il mio viaggio in Italia, documental sobre la historia del cine transalpino, cuando Roberto Rossellini compuso Alemania, año cero (1947), el director romano estaba poco menos que pidiendo a las potencias aliadas cierta piedad con el país derrotado y con sus supervivientes; clemencia para intentar seguir avanzando codo con codo, a partir de una película eminentemente “compasiva”. Viviendo con el enemigo, producción británica de lujo dirigida por el novel James Kent, hasta ahora realizador de miniseries y documentales televisivos, se adentra en el mismo tiempo que la mítica película de Rossellini: los meses posteriores al fin de la Segunda Guerra Mundial. Las derruidas calles de Berlín, entonces escenario real sin necesidad de afeites, son aquí las aún más destruidas de Hamburgo, la ciudad que sufrió en julio de 1943 el mayor bombardeo urbano hasta entonces, con 40 mil víctimas civiles, recreada a la perfección gracias a las más modernas técnicas digitales. Sin embargo, a Kent no le interesa el neorrealismo y sí el melodrama. Basada en una novela del galés Rhidian Brook, Viviendo con el enemigo se adentra, en principio, en semejantes subtextos que la obra de Rossellini, pero pronto vira hacia el romance (un triángulo sentimental formado por un oficial inglés y su esposa, y el rico viudo alemán que los aloja en su casa), hasta la encrucijada personal, hasta las pasiones más allá de lo razonable. Pero ¿qué es lo razonable en tiempos de guerra y posguerra, cuando por un lado se ha perdido a una esposa en el inclemente bombardeo de Hamburgo, cuando por el otro se ha perdido a un hijo durante la batalla de Londres, cuando los ideales son superados por los padecimientos físicos y sentimentales, y cuando todo ello acaba chocando con las certezas morales hasta resquebrajarlas?

¿Por fin lo está disfrutando, la fama y su trabajo? “Mucho más, sin duda. Tengo 34 y ya no me siento insegura por no haber tomado nunca clases de actuación”, confiesa. “Ahora también creo que si cuando empecé hubiera ido a clases o a una buena universidad, me habrían tratado ligeramente mejor”. Por eso, hoy se cerciora de que las actrices jóvenes en sus rodajes “sean escuchadas y tratadas con respeto”. “Cuando empecé, nadie me hablaba en los rodajes, nadie me preguntaba nada”. ¿Es algo que le pasó en Star Wars: Episodio I – La amenaza fantasma? Su primera gran película, hace ya más de 20 años, cuando ella tenía sólo 12 y ejercía de doble de Natalie Portman. “Sinceramente, no recuerdo nada de aquel rodaje. No entendí nada de lo que hacía allí, sólo recuerdo que me caí de un carrito de golf cuando iba con Ewan McGregor”, vuelve a reírse. Se ríe mucho de sí misma.

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l pasado otoño, Knightley confesó que sufrió estrés postraumático debido a la fama cuando era joven. A los 22 años de edad tuvo que parar cuando se pasó tres meses sin poder salir de casa, por las críticas, por la persecución de los paparazzi. “Todo el mundo estaba esperando que me cayera o que saliera a la calle vestida horrible”, recuerda. “Es un periodo complicado para cualquier mujer y en mi caso estaba amplificado por la fama. Pero, bueno, he sobrevivido, así que tan mal no lo hice”, se ríe ahora recordando aquella época.

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Después llegaron Jugando con el destino, Piratas del Caribe, una buena lista de películas de época (El rey Arturo, Orgullo y prejuicio, La duquesa, Anna Karenina) y la fama incontrolable. Un tiempo en el que únicamente tuvo control sobre algo: su cuerpo. “En el pasado hice escenas de desnudo, siempre tomando yo las decisiones. Ahora mi decisión es que no enseño más mi cuerpo”. En las escenas de sexo de Viviendo con el enemigo usó un doble de cuerpo. “Era una chica maravillosa, con un cuerpo precioso. Ella rodaba y yo estaba tomándome un té”, dice. “No tengo problemas en hacer escenas de sexo en pantalla, siempre que no sea mi cuerpo. Me siento perfectamente feliz y cómoda, mi cuerpo ha dado a luz a mi hija, la ha alimentado, estoy 100% agradecida con él, pero ya no tengo necesidad de desnudarme en una habitación llena de hombres, no lo necesito”.


PANTALLA

La compañía fundada por Steve Jobs evidencia que su futuro son los contenidos (y no las computadoras o los teléfonos) en un evento inédito en su historia con una gran apuesta audiovisual para competir contra Netflix.

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uando convences al director Steven Spielberg de que presente tu producto, has llegado a la cima. El gigante informático Apple presentó su nuevo servicio de televisión, Apple TV+, en el que por primera vez va a ofrecer contenido propio de alta calidad, lo que le sitúa directamente en el campo de batalla de los servicios de streaming, donde ya están Netflix y Amazon. Apple llega al último, lo hace con una oferta muy limitada, pero tiene una billetera infinita y, sobre todo, es el dueño de las pantallas móviles. La marca de la manzana lleva dos años preparando este momento. Un tiempo en el que Hollywood ha visto un goteo de noticias que apuntaban todas en la misma dirección. En la primavera de 2017 contrató a dos importantes ejecutivos de Sony Pictures TV (Jamie Erlicht y Zack van Amburg), cuyo único posible encaje en la empresa era empezar a pensar en contenido de


Apple llega tarde a la competencia por el contenido exclusivo de

Imágenes: cortesía

televisión de calidad. Pequeños programas propios empezaron a llegar a Apple TV. Durante los últimos meses, la industria ha ido viendo noticias de Apple como si fuera un estudio más, a pesar del legendario hermetismo de la marca fundada en 1976. Todo se hizo público recientemente, con estrellas de Hollywood (Steve Carell, Reese Whiterspoon, Ron Howard, M. Night Shyamalan, Jennifer Aniston, J. J. Abrams... todos con participación en alguna cinta o serie de la nueva plataforma) sobre el escenario del Steve Jobs Auditorium en Cupertino (California). Se llama Apple TV+. Lo que se pudo ver en la presentación indica que Apple por ahora necesita mucho contenido externo para ser un servicio valioso. Integrará todos los canales de los proveedores de televisión tradicionales, más canales de pago como HBO, Showtime y Starz. Tanto la oferta como el interfaz se parecen mucho al Fire Stick de Amazon. Curiosamente, integrará también la oferta de Amazon Video. En la presentación quedó clara cuál era la gran ausencia de la oferta de Apple: Netflix.

televisión. Pero llega con una billetera como no se ha visto nunca

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Noble serie

En seis años haciendo contenido propio, Netflix se ha convertido en un servicio imprescindible en muchos hogares. Netflix preveía gastar en 2018 cerca de 8 mil millones de dólares en contenido propio que se traducían en alrededor de 700 series propias nuevas y 80 películas. Sirve a 139 millones de clientes en todo el mundo el mundo. Este año compitió por el Oscar a la mejor película (con Roma del mexicano Alfonso Cuarón) y fue aceptado como uno más de los grandes estudios en el lobby Motion Pictures Association of America. Apple anunció cinco series propias en un servicio que está disponible en 10 países y, en fecha indeterminada, llegará a 100 países. En cuanto a contenido propio y alcance, ahora mismo Apple TV+ es Netflix hace seis años.

Steven Spielberg en la presentación de Apple TV+.

Pero mientras el negocio de Netflix aún no está claro que vaya a ser rentable a largo plazo, Apple es la compañía más grande del mundo por capitalización bursátil. Tiene 245 mil millones de dólares para gastar. Y, sobre todo, es el fabricante de 1,400 millones de aparatos activos en el mundo ahora mismo. De ellos, 900 millones son iPhones. Como dijo acertadamente Oprah Winfrey en la presentación, “Apple está en los bolsillos de todo el mundo”. Quedan muchas preguntas en el aire sobre la capacidad de Apple de ser un proveedor de televisión. No se sabe el precio del servicio, por ejemplo. En la distribución, aparte de sus aparatos será una aplicación en televisores inteligentes de Sony y Samsung y se integrará en los reproductores Roku. Mientras, Netflix está en todos los aparatos y servicios desde hace años.

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El príncipe Enrique de Inglaterra y su esposa, Meghan Markle (recién estrenados como padres), trabajan junto a la presentadora estadounidense Oprah Winfrey en la creación de una serie documental sobre la salud mental que será emitida por Apple TV+. La serie busca compartir “historias de personalidades fuera de lo común que resistieron a las situaciones más difíciles, para permitir entendernos mejor a nosotros mismos y a nuestro entorno”, afirmó el príncipe Enrique en un comunicado, declarándose “increíblemente orgulloso” de trabajar con Oprah. “Creo que la salud mental es la llave para un liderazgo poderoso, para tener comunidades productivas y para un yo impulsado por un propósito”, dijo el nieto de la reina Isabel II de Inglaterra.

Como en casi todo, Apple se ha tomado su tiempo. La marca no inventó el primer reproductor de música digital. Hizo el iPod. Tampoco inventó el primer teléfono inteligente. Pero el suyo fue el iPhone. Ahora, llega tarde a la competencia por el contenido exclusivo de televisión. Pero llega con una billetera como no se ha visto nunca, con el respaldo de toda su gama de productos detrás y con una de las marcas más reconocibles del mundo. Como en los otros hitos de su historia, su aspiración no es hacerlo primero, sino hacerlo mejor. De las otras tecnológicas que se han metido a competir en Hollywood, sólo Amazon y Netflix han conseguido ser relevantes. Acaba de inaugurarse una nueva era en Apple. No está tan claro, por ahora, que sea un gran cambio en la industria de la televisión.


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Diseñada en torno de hermosas vistas de la marina y el mar, SLS Marina Beach es una torre residencial de lujo en Novo Cancún, resultado de la exitosa visión y sinergia de Inmobilia, Related Group y U-Calli.

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CIENCIA

Texto: MANUEL ANSEDE

El canadiense Robert Langlands recibió el Premio Abel –el llamado Nobel de las Matemáticas– por unas ideas que ofreció tirar a la basura hace más de medio siglo.

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U

na carta cambió para siempre el rumbo de las matemáticas y, por lo tanto, el de la humanidad entera. Su historia empieza el 6 de enero de 1967. El grupo The Doors, con Jim Morrison al frente, acababa de lanzar su primer disco y un actor llamado Ronald Reagan tomaba posesión como gobernador del estado de California. Aquel día, en un pasillo antes de una conferencia, dos profesores del Instituto de Estudios Avanzados de Princeton (Estados Unidos) coincidieron y se pusieron a hablar. Apenas se conocían. Uno era el francés André Weil, que a sus 60 años era el mejor matemático del planeta. Y el otro era Robert Langlands, un desconocido canadiense de 30. Nervioso ante una leyenda viva, Langlands intentó aprovechar la casualidad para contarle atropelladamente las ideas que había tenido en los últimos días. “Mejor envíame una carta”, le dijo Weil para quitárselo de encima educadamente. Otras personas hubieran desistido, pero el rechazo no desanimó a Langlands, que escribió a mano 17 páginas de carta, con una letra ilegible por momentos y llena de tachones. “Si está dispuesto a leerla como pura especulación, se lo agradecería. De lo contrario, estoy seguro de que tendrá un bote de basura a la mano”, escribió el joven. Más de medio siglo después, el octogenario Langlands se sienta en el despacho que ocupó Albert Einstein en Princeton. Y las ideas que plasmó en aquella misiva –embriones de una gran teoría de unificación de las matemáticas– lo hicieron ganar el Premio Abel, dotado con 623 mil euros, que es considerado el Premio Nobel de las Matemáticas. La Academia de Ciencias y Letras de Noruega, que concede el galardón, aplaude el “programa visionario” del investigador canadiense, nacido en New Westminster, cerca de Vancouver (Columbia Británica), el 6 de octubre de 1936. Aquellas 17 páginas, que podían haber terminado en la basura en 1967, parieron una nueva forma de entender las matemáticas a la que se sumaron investigadores de todo el mundo, dando lugar al llamado Programa Langlands. En su libro Amor y matemáticas, el rusoestadounidense Edward Frenkel describe el programa como “una teoría fascinante que teje una telaraña de sensacionales conexiones entre campos matemáticos que a primera vista parecen encontrarse a años luz de distancia: álgebra, geometría, teoría de números, análisis y física cuántica”. Para Frenkel, “si vemos estos campos como continentes en el mundo oculto de las matemáticas, el Programa Langlands constituiría el dispositivo definitivo de teletransporte, capaz de llevarnos instantáneamente de uno a otro, de ida y de vuelta”.

“Si está dispuesto a leer esta carta como pura especulación, se lo agradecería. De lo contrario, estoy seguro de que tendrá un bote de basura a la mano”

En 1967, André Weil no recibió la carta con mucho entusiasmo, pero la hizo pasar a máquina y rápidamente se difundió entre la comunidad matemática mundial. El propio Weil había escrito casi tres décadas antes otra misiva que también forma parte de la historia de las matemáticas. Se la envió a su hermana el 26 de marzo de 1940 desde la prisión de Bonne-Nouvelle, en la ciudad francesa de Ruan, donde había sido encarcelado por desertar en plena Segunda Guerra Mundial. Como soldado, argumentaba, él era “completamente inútil”, pero como matemático podría ser “de alguna utilidad”. Su hermana era la filósofa Simone Weil, amiga del escritor Albert Camus y que murió con apenas 34 años.

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Robert Langlands es profesor universitario en Princeton.

A propósito de Amor y matemáticas, el famoso estadístico y financiero de origen libanés Nassim Nicholas Taleb dijo: “Si no eres matemático, este libro te hará desear serlo”.

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En su carta a Simone, André expresaba su deseo de unificar campos distintos de las matemáticas con una especie de “piedra de Rosetta”, el monumento cuyas inscripciones en diferentes idiomas permitieron en el siglo XIX descifrar los jeroglíficos egipcios. “Langlands participó de este sueño de André Weil, al explorar la existencia de estas conexiones”, opina Oscar García Prada, del Instituto de Ciencias Matemáticas en Madrid. “El Programa Langlands es como una máquina de sueños, muy realizables, aunque muchas de sus conjeturas todavía están por demostrar”, explica el investigador español. En un mundo en el que las matemáticas son imprescindibles para buscar algo en Internet, hacer transacciones de dinero o enviar un mensaje de texto, las ideas de Langlands han abierto nuevos caminos todavía inexplorados. El veredicto de la Academia de Ciencias y Letras de Noruega da una idea de su complejidad: “El reconocimiento realizado por Langlands de la conexión entre las representaciones de los grupos de Galois y las representaciones automorfas implica una perspectiva inesperada y fundamental, actualmente denominada functorialidad de Langlands. El postulado básico de la functorialidad de Langlands es que las representaciones automorfas de un grupo reductivo estarían relacionadas con las representaciones de Galois de un grupo dual por medio de las funciones L”. Para los inexpertos, parece otro idioma. Pero es la piedra de Rosetta.

Imágenes: cortesía

En esta fascinante obra, uno de los matemáticos más brillantes de nuestra época nos revela el lado de las matemáticas que jamás hemos visto, barnizadas con toda la belleza y elegancia de una pieza de arte.


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ESTE SOY YO

Desde chiquitas mis amigas y yo pensábamos que no queríamos casarnos porque eso nos restaba libertad. Ya veníamos con esos conceptos, pero a raíz de la historia de Solteras me di cuenta que todavía hay una infinidad de mujeres jóvenes que necesitan esta validación, para estar bien con sus familias y hasta con sus parejas. Para ellas el hecho de que alguien les dé un anillo de compromiso conlleva la idea de que “valen”. Para definir el feminismo o para entenderlo hay que entendernos primero como mujeres, con los ojos bien abiertos, sabiendo cuáles son nuestros defectos y cualidades. Trabajar en nuestro ser. Soy ese tipo de feminista que ve a las mujeres con autoridad para definir sus propias vidas. No me gusta visualizar a la mujer como una víctima de nada. Mi papá [el primer actor Fernando Luján] me enseñó que actuar es un trabajo donde hay mucho glamour y parece que haces algo muy especial, pero siempre me recordaba: “Sólo es un oficio como cualquier otro y no hay que preocuparse mucho por el qué dirán. Tú estás haciendo tu trabajo y nada más”. Veo la vida con muchísimo humor, pero sólo comparto esa parte con un círculo muy íntimo, donde sé que no me van a juzgar por haber dicho una barbaridad. Tomarse la vida muy en serio está bien y a veces es necesario, pero la realidad es que, muy dentro de mí, sé que no soy así; no me la tomo tan enserio, nunca lo he hecho.

Si alguien visita México no debe perderse el Museo de Antropología. Hasta hace poco no conocía Xilitla y no lo podía creer. Me falta ir al desierto de Durango o al de Sonora. Sueño con subirme a un coche y recorrer más Baja California. El lugar del mundo al que regresaría una y otra vez es Estambul. Me gusta mucho ir al bosque y a la playa, depende del humor en el que esté. Visito con frecuencia el estado de Morelos, tiene cosas muy lindas, y a Oaxaca voy cada vez que puedo. Prefiero los alojamientos de Airbnb. Me gusta la experiencia de hospedarme como en mi propia casa. Sin embargo por el trabajo termino en muchos hoteles, que entre más pequeños y personales mejor.

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Entrevista: Clara Sánchez / Foto: cortesía

Cuando viajo en avión me visto lo más cómoda posible, porque los mejores viajes son aquellos en los que viajas ligera. Generalmente leo y veo una película, tiendo a buscar aquella que me perdí y que me dijeron que está buenísima.


Cassandra Ciangherotti (Ciudad de México, 1987) protagoniza la película Solteras, que cuenta la historia de Ana, una mujer de casi 30 años que sueña con casarse pero no encuentra el hombre ideal. La comedia, que se estrena este mes, es dirigida por Luis Javier Henaine y en ella también actúan Gabriela de la Garza e Irán Castillo.

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DE CERCA

Tiene tantos matices que puedes crear el viaje a la medida de tus gustos. Sea cual sea el plan que decidas llevar a cabo, una cosa es segura: el día que partas de esta ciudad californiana lo harás convencido de querer regresar cuanto antes.

E

s la octava ciudad más grande de Estados Unidos. Se ubica al sur de California, en la dorada costa del océano Pacífico, y a sólo unos pasos de México, vía Tijuana. Con playas espectaculares y un sinfín de atracciones para todo tipo de viajeros –además de una robusta oferta gastronómica–, San Diego es un destino que debes tener en mente para visitar, ya sea con la familia, en pareja o con amigos. Esta vez, te compartimos una guía de 13 puntos que debes tomar en cuenta si piensas viajar próximamente.

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Shutterstock

Texto: RODRIGO PÉREZ REMBAO


Balboa Park Sus 500 hectáreas de extensión lo convierten en el parque urbano más grande del país. Además de alojar al zoológico, este parque cultural acoge una inmensa variedad de atractivos: un total de 16 museos (de arte, ciencia, historia y antropología, entre otros), exuberantes paisajes y jardines, tiendas, restaurantes, así como distintos foros en los que puedes disfrutar todo tipo de espectáculos de música, teatro, danza, exposiciones de arte, entre muchas más. También cuenta con espacios para la práctica deportiva y para el juego en familia. Por todo esto y más, el Parque Balboa es visita obligada en San Diego. Fotos: cortesía

1549 El Prado Tel. (619) 239 0512 www.balboapark.org

Herringbone Estar en la playa y no ir a un restaurante especializado en pescado y frutos del mar resulta imperdonable para quien aprecia el buen comer. Ubicado en La Jolla, Herringbone puede presumir no sólo la frescura de sus productos y la calidad de sus preparaciones, sino el hecho de contar con una atmósfera espectacular –gracias al talento del famoso interiorista de origen alemán Thomas Schoos– para hacer de tu paso por este sitio uno de los mejores momentos de tu viaje. 7837 Herschel Avenue, La Jolla Tel. (858) 459 0221 herringboneeats.com

La Jolla A 20 minutos del centro de San Diego, junto al Pacífico, se encuentra el barrio La Jolla, considerado un destino en sí mismo por los atractivos que ofrece. Destacan sus magníficas playas, en las que se puede surfear, bucear, practicar snorkel y contemplar las focas y lobos marinos que acostumbran tomar el sol a la vista de los paseantes. Ya sea que quieras un plan tranquilo, como hacer una caminata por las blancas arenas de estas playas o algo más intrépido como tomar la tabla de surf y desafiar las olas, es imperdonable visitar San Diego y no destinar al menos un día a La Jolla.

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Surf Diva Uno de los atractivos que tienen las playas de La Jolla es que son aptas para surfear, así que aprovecha la oportunidad, ya sea para aprender o para perfeccionar la técnica, tomando clases en Surf Diva, que ofrece servicios tanto para principiantes como para expertos (incluso para niños, así que puedes ir con tus pequeños). Se pueden tomar clases en grupo o individuales, y no sólo de surf sino de stand up paddle board.

¿Dónde dormir?

2160 Avenida de la Playa Tel. (858) 454 8273 www.surfdiva.com

Cada una de las 400 habitaciones del hotel InterContinental cuenta con ventanas de piso a techo, para que el huésped pueda disfrutar de maravillosas postales de la bahía de San Diego. Además, su inmejorable ubicación permite llegar en sólo unos minutos a varias de las zonas más atractivas, incluyendo el centro de la ciudad. intercontinentalsandiego.com

Born & Raised Bien se dice que no todo lo que brilla es oro, pero este es uno de esos casos en los que la realidad es como se ve. Fastuoso como solía ser la decoración en los lugares de lujo en la década de los 20 –al estilo de El Gran Gatsby–, Born & Raised es garantía cuando se trata de disfrutar de un buen corte de carne. El wagyu de tres onzas, por ejemplo, es para darse un verdadero festín. Sus eficientísimos meseros, vestidos de traje y moño, pero con tenis blancos, le dan toque cool bastante particular. 1909 India St Tel. (619) 202 4577 bornandraisedsteak.com

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The Cave Store Se estima que tiene alrededor de 200 mil años de antigüedad y ha sido una atracción para los visitantes desde 1902, cuando se construyó un túnel para poder acceder a esta formación natural. Se trata de una cueva marina conocida como Sunny Jim, como la nombró el escritor estadounidense de libros para niños L. Frank Baum, autor de El maravilloso Mago de Oz. El recorrido inicia en The Cave Store, donde está la entrada del túnel y el primero de los 144 escalones que conducen hasta un mirador que ofrece espectaculares vistas de la ensenada de La Jolla. 1325 Coast Blvd, La Jolla Tel. (858) 459 0746 www.cavestore.com

Llega vía Tijuana con nosotros

En diciembre de 2015 inició operaciones Cross Border Xpress (CBX), un puente que conecta el aeropuerto de Tijuana con una terminal en San Diego, que hace muy fácil y cómodo cruzar la frontera.

Corporate Helicopters No importa si tu viaje es familiar, con amigos, en pareja o de negocios, ya que esta empresa ofrece paseos por los cielos de San Diego para toda ocasión. Si se trata de crear un momento romántico fuera de lo común, por ejemplo, la opción sería el tour “Romance in the Air”, que incluye champaña. Otras son más completas e incluyen un paseo en crucero por la bahía, además de cena o brunch, como es el caso de “Fly, Float Feast Tour”; lo mejor para quien desee consentirse en serio. 3753 John J. Montgomery Drive, Suite 1 Tel. (858) 505 5650 www.corporatehelicopters.com

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Little Italy Food Hall En el corazón de Little Italy, un barrio ubicado en el centro de la ciudad, que se caracteriza por la abundancia de restaurantes, cafeterías, tiendas y galerías de arte, tiene lugar este interesante centro de reunión, esparcimiento y deleite gastronómico, llamado Little Italy Food Hall. Junto a Piazza della Famiglia, una plaza al aire libre, de casi mil metros cuadrados, destaca como una excelente opción para pasar la tardenoche con amigos, disfrutando de un ambiente relajado, con seis distintas opciones de comida, así como cervezas y cocteles artesanales. 550 W. Date St., Suite B Tel. (619) 269 7187 littleitalyfoodhall.com

AquaVie Spa & Wellness Club Justo en el centro de la ciudad está ubicado este oasis de serenidad, como ellos mismos se describen. Además de contar con una amplia variedad de aparatos para ejercicio cardiovascular, así como un vasto arsenal de pesas, este club de cuatro pisos cuenta con un spa que ofrece masajes y diversos tratamientos para tu bienestar, todo con un nivel de calidad insuperable. La azotea en el cuarto piso, donde están la alberca y la pista para correr, ofrece vistas espectaculares. 234 Broadway Tel. (619) 557 3663 www.aquaviewellness.com

San Diego Zoo Dentro del Parque Balboa, en una superficie que se aproxima a las 40 hectáreas, el zoológico de la ciudad destaca entre los más grandes del mundo, además de ser uno de los primeros en recrear hábitats naturales. Con más de 4 mil animales y más de 800 especies, genera una afluencia de millones de visitantes por año. Es de los pocos zoológicos que cuenta con pandas gigantes, fuera de China. Revisa en su página las distintas exposiciones que ofrece. 2920 Zoo Dr Tel. (619) 231 1515 zoo.sandiegozoo.org

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Cucina Urbana Bien dicen que de la vista nace el amor, y es muy claro que en este restaurante entienden este concepto a la perfección, pues cada plato que llega a la mesa parece una oda a la estética. Cucina Urbana se especializa en comida italiana, con un enfoque en la abundancia de las granjas locales y la estacionalidad de California. Se utilizan productos orgánicos y producen un vino que ahí mismo puedes encontrar a la venta. 505 Laurel St., San Diego Tel. (619) 239 2222 www.urbankitchengroup.com

San Diego Champagne Brunch Cruise Porque la vida –en sí misma– es razón de sobra para celebrar, ¿qué mejor manera de hacerlo que a bordo de un lujoso y confortable crucero, disfrutando de un exquisito brunch con una copa de champaña y de las maravillosas vistas que ofrece la bahía de San Diego? El San Diego Champagne Brunch Cruise, que ofrece la empresa Hornblower, es para enamorarse de esta ciudad y empezar a planear la próxima visita en ese mismo momento. Tel. (619) 686 8700 www.hornblower.com

Cloak & Petal Los grandes cerezos que están detrás de la barra de sake le dan a Cloak & Petal ese toque de misticismo que el visitante desea encontrar en un restaurante que presume de ofrecer auténtico sushi japonés y, hay que decirlo, cumple cabalmente con ello. A la tradicional –y en este caso vasta– oferta de platos fríos, se suman delicias como el pato glaseado, el filete koji añejo o el Houba-yaki de wagyu, un plato preparado a base de miso asado en una hoja de la magnolia japonesa a la que se le añade el filete de wagyu. 1953 India St. Little Italy Tel. (619) 501 5505 cloakandpetal.com

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MITOLOGÍAS

Texto: RICARDO SEVILLA

A una década de su partida, arrojamos luz sobre la figura del cantante de “Thriller”, un artista de (después), que sumergió a los años 80 y 90 del siglo pasado en una fiesta de baile sin fin.

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Ilustración: Rodolfo Pizano

claroscuros, sin duda, admirado (primero) y repudiado


M

ichael Joseph Jackson (1958-2009) tuvo una turbulenta relación con su padre. El hombre que a punta de golpes y cintarazos se las arregló para imponerse como mánager del talento de sus hijos –algunos de sus biógrafos lo describen como un vil acaparador y usurero– fue un sujeto violento e irascible. Joe Jackson, cuyo resentimiento estaba cubierto por una risa sarcástica que jamás abandonaba su rostro, trabajó y se desempeñó, entre muchas otras cosas, como un boxeador mediocre, operador de grúas –despedido por haberle propinado una paliza a uno de sus compañeros– e incluso como un anodino guitarrista que, al llegar a casa, dejaba emerger su volcánica frustración golpeando a su esposa e hijos. “El devorador de niños”, como apodaron a papá Jackson, debido a que impuso a sus 10 hijos la ley del garrote para alejarlos de los vicios y someterlos a una disciplina espartana que tenía el fin de convertirlos en estrellas del espectáculo, dejó una profunda huella en todos sus descendientes, pero especialmente en el pequeño Michael. De hecho, cuando el Rey del Pop estaba en la cúspide de su carrera y le preguntaban sobre su padre, sus ojos se inundaban de llanto. Joe Jackson –que murió recién en 2018, a los 89 años de edad– quedaría en la memoria del bailarían como el patriarca duro y violento que marcó su vida. “Mi padre me usaba como ejemplo. Les decía a los demás: ‘¡Hazlo como Michael!’. Nos hacía practicar con un cinturón en su mano. Si no lo hacías bien, te hacía pedazos con el látigo”, confesaría el 1993 el propio cantante en el programa televisivo de su amiga Oprah Winfrey. Conrad Murray, el médico y amigo de Michael que en 2011 fue sentenciado por haber cometido “homicidio involuntario” contra el cantante, aseveró que papá Jackson, en un esfuerzo por curar el acné y evitar que la voz del muchacho se volviera grave, había castrado químicamente a su hijo inyectándole hormonas, cuando éste tenía apenas 12 años. Pero lo más grave: había abusado sexualmente del chico. Hay quien sostiene que los abusos de su padre, poco a poco, fueron orillando a Michael a convertirse en “un monstruo semejante a él”.

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La reina sale en defensa del rey Luego de que la familia Jackson respondiera a Leaving Neverland con su propio documental, Neverland Firsthand (que significa: “Neverland de primera mano”), puesto en YouTube recientemente, es Madonna quien sale a la defensa de su viejo amigo.

L

o cierto es que a la par de su aciaga biografía, la extraordinaria carrera de Michael Jackson –comprobada en el talento que derrochaba en todos sus espectáculos, videos y presentaciones–creció exponencialmente y siempre estuvo acompañada de récords y logros impresionantes.

“Las personas son inocentes hasta que se demuestre su culpabilidad”, declaró la Reina del Pop en una entrevista con la edición británica de la revista Vogue, y asegura que no ha visto ningún documental. “No tengo una mentalidad de linchadora. Así que cuando me lo preguntan, reacciono: ‘¿Puedes probarlo?’”. La cantante también añade: “¿Qué quiere la gente de este caso? ¿Alguna persona está pidiendo dinero? ¿Es una cuestión de extorsión? Considérenlo”.

Además de su música electrizante, sus espectaculares videos y sus alucinantes pasos de baile que daban cuenta de que también se trataba de un coreógrafo inigualable, Michael comenzó a padecer acusaciones sobre abuso de menores. En 2005 enfrentó un juicio por cuatro delitos de pederastia. Acosado por la prensa internacional, la imagen de Jackson era deprimente. El cantante se presentó ante un tribunal californiano con 65 minutos de retraso, y después de que el juez amenazara con hacer cumplir una orden de arresto. El acusado llegó poco antes de haberse cumplido el plazo, vestido con una especie de pijama azul, despeinado y socorrido por varios asistentes. Jackson, que entonces tenía 46 años, fue absuelto de todos los cargos. Pese a ser declarado inocente por falta de pruebas concluyentes, el estigma abrazó la vida del también compositor estadounidense. Las demandas, las acusaciones y los señalamientos mediáticos lo acompañaron hasta el día de su muerte. El semanario The Sunday People, yendo más lejos que todos en sus pesquisas, aseguró haber tenido acceso a archivos secretos del FBI en los que se comprobaba que el Rey del Pop, en un periodo de 15 años, había gastado 26 millones de dólares para silenciar a niños de los que supuestamente había abusado.

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H

oy, a una década de su partida, aparece Leaving Neverland, un documental dirigido y producido por el cineasta británico Dan Reed, en el que se exponen dos testimonios donde se evidencia nuevamente al intérprete de “Billie Jean” como un depredador sexual.

La pieza, presentada en formato de reportaje y narrado en secuencias cronológicas que incluye videos, fotografías y testimonios, está protagonizado por el bailarín y coreógrafo Wade Robson, y por James Safechuck, quienes declaran que fueron abusados sexualmente por el cantante cuando eran niños en el rancho Neverland. Además del escándalo, el documental ha propiciado un nuevo examen sobre el legado y la figura de Michael. Algunos de los críticos de cine más influyentes han dicho al respecto que la película muestra al personaje como “un demonio, un depredador y un monstruo”, y que el trabajo es “absolutamente devastador”, e incluso que “independientemente de lo que pensabas que sabías, el contenido de esto es más perturbador de lo que puedes imaginar”. A consecuencia del documental, estrenado en el último Festival de Sundance, decenas de estaciones de radio en todo el mundo dijeron sentirse decepcionadas e incluso dejaron de reproducir canciones de Jackson en sus listas. Más allá de los eternos señalamientos contra el cantante, una cosa es irrefutable: aun después de muerto, Michael Jackson sigue generando ganancias millonarias y, debido a eso, no debe asombrar que la explotación de su imagen continúe siendo utilizada para crear nuevos contenidos que van de los libros a las exposiciones y de las subastas a las películas.


CINE

El actor cuenta cómo fue vetado por la productora Fox durante 14 años tras negarse a hacer la segunda entrega de una película, por interpretar a Hamlet en teatro. Ahora estrena la tercera parte de la saga John Wick.

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E

s poco habitual encontrar entrevistas en profundidad con Keanu Charles Reeves en los medios de comunicación. La estrella del cine, embarcada ahora en proyectos de corte más independiente y personal, se sentó a hablar con la edición estadounidense de la revista GQ sobre su vida y su carrera y reveló datos poco conocidos de su ya de por sí opaca figura.

A sus 54 años (nació el 2 de septiembre de 1964) Reeves es todo lo que es Hollywood... y todo lo que Hollywood odia. Concede la entrevista en el icónico Chateau Marmont de Beverly Hills, pero fumando un cigarrillo tras otro, en ese gesto tan denostado por la industria. Fue Neo en Matrix hace justo dos décadas, pero su gran papel sólo tuvo continuación en una serie de personajes relativamente discretos en películas –especialmente– de acción. Es una estrella pero también un hombre de carácter comedido del que apenas se sabe qué hace o con quién sale. Su estilo de vida ha dejado de tener interés para los paparazzi, pero sigue despertando interés personal y profesional entre fans y curiosos. De ahí que haya llamado especialmente la atención su revelación sobre que estuvo vetado en la industria durante más de una década. Vivió en “la cárcel de películas”, le llama él. La productora Fox, una de las más poderosas del cine estadounidense, decidió no llamarlo más cuando le pidió protagonizar Speed 2 –había estrenado la primera parte en 1994– y se negó porque prefirió hacer Hamlet en un teatro de Winnipeg (Canadá).

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Quién le iba a decir a Keanu Reeves que aquella pequeña película de acción que estrenó en 2014, John Wick (Otro día para matar), toda tiros y acción, iba a convertirse en una saga. El filme tuvo gran repercusión mundial gracias –principalmente– a su eco en Netflix, y en 2017 se estrenó su continuación, John Wick 2: Un nuevo día para matar, todo un taquillazo. Ahora, sin volverse locos y manteniéndose en un presupuesto ajustado, llega la tercera, John Wick 3: Parabellum, que se refiere tanto al famoso tipo de cartucho como al dicho latino, Si vis pacen, para bellum (Si quieres la paz, prepárate para la guerra).

Para sustituirlo al lado de Sandra Bullock en el gran éxito de taquilla optaron por el poco conocido Jason Patric. Si la primera entrega de la saga superó los 350 millones de dólares de recaudación (y había costado apenas 30), la segunda apenas llegó a los 115 (cuando su coste se había disparado hasta los 160 millones de dólares). “No volví a trabajar con Fox hasta El día que la Tierra se detuvo”, confiesa Reeves. Eso fue en 2008. Habían pasado 14 años. Sin embargo, no se niega a estelarizar otro tipo de películas de acción y con secuelas, como la saga John Wick, cuya tercera parte fue estrenada recientemente. “Mientras mis piernas me lo permitan. Mientras la audiencia lo quiera”, afirma el actor refiriéndose a que seguirá con este tipo de filmes. Y eso que, cuando tenía 22 años, no se imaginaba a sí mismo con más de 50 y protagonizando títulos de esa carga física. “Nunca he pensado demasiado sobre mi carrera futura, o sobre qué iba a pasar, hasta hace muy poco, hasta que llegué a la mitad de la cuarentena”, reflexiona. Cuando piensa en ese futuro echa mano del humor negro y dice que la primera palabra que se le viene a la mente es “muerte”. Lo tiene muy presente desde hace años. “Soy de esos que, sabiendo que el final está cada vez más cerca, empieza a enumerar las cosas que tiene que hacer antes de morir”. Reeves suele donar parte de sus ganancias a iniciativas solidarias y contra el cáncer. Nacido en Beirut (Líbano) de madre británica, su padre, alcohólico, abandonó a su familia cuando él era pequeño. Su mamá –que tuvo que trabajar incluso como stripper para sacar a sus hijos adelante– decidió criarlos a él y a su hermana Kim en Canadá, donde más tarde se nacionalizaron. Mantiene una unión muy estrecha con su hermana, y entre los trances más duros de su vida sitúa las dos ocasiones en las que ella ha sufrido leucemia. No ha sido su único revés en la vida: el actor River Phoenix fue uno de sus grandes amigos y falleció muy joven tras una noche de juerga en pleno Hollywood, algo que destrozó a Keanu. Pero aún quedaba otra gran tragedia: a finales de los 90 nació muerta la que iba a ser su primera hija junto a su novia, Jennifer Syme. Año y medio después fue Syme, que tenía una profunda depresión, quien murió en un accidente de tránsito. Por todos estos acontecimientos Reeves no duda en desprenderse de parte de su fortuna para tratar de ayudar en asociaciones e iniciativas que tratan de evitar las tragedias que han azotado a quienes más quiere. “El dinero no significa nada para mí. Podría vivir los próximos siglos con lo que ya he ganado”, suele contar. “Mi idea de la felicidad está relacionada con acostarme en la cama con la persona que amo, compartir una cena con amigos o ir en moto. No tiene nada que ver con una cuenta bancaria de varios dígitos”.

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Dirigida, como las dos anteriores, por el estadounidense Chad Stahelski, que fue el doble de acción de Reeves en la trilogía Matrix, esta tercera parte –que por declaraciones del protagonista parece que no será la última– se estrenó en días recientes, arranca una hora después de que acabara la acción de la anterior, y cuenta con Halle Berry, Ian McShane, Laurence Fishburne y Anjelica Huston en el reparto.


CURIOSIDADES

Texto: JESÚS RUIZ MANTILLA

Javier Herrera, experto en la obra del cineasta

mexicano, que fue íntimo amigo del director de Los olvidados y Un perro andaluz.

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Imágenes: cortesía

español, recupera un texto inédito del escritor


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sí se leía en su ficha policial durante el franquismo: “Buñuel, Luis. Nativo de Calanda, Aragón. Anarquista, pervertidor, hereje y blasfemo, autor de dos películas que denigran a la nacionalidad española: Tierra sin pan y Un perro andaluz”. Por más que lo marcaran las autoridades del régimen de esa manera, o precisamente por eso, Carlos Fuentes (1928-2012) tenía otra opinión de su amigo exiliado en México: “Es el cineasta más honesto que existe en el mundo”. Lo escribió en un trabajo hasta ahora inédito e inconcluso donde trató de desentrañar su cine bajo el título de La balsa de la Medusa. Descansaba en el archivo personal que el autor legó a la Universidad de Princeton (Estados Unidos) y lo acaba de recuperar Javier Herrera, experto en el director español, para la Colección Obra Fundamental (Fundación Banco Santander). Es, sencillamente, una joya. No sólo desgrana y agiganta su dimensión artística. Da testimonio de uno de los nexos, aún no suficientemente explorados, que ha definido la cultura hispánica a nivel global en el siglo XX: aquel que une la vanguardia europea de principios de siglo con un líder destacado del surrealismo entre sus filas y los jóvenes escritores latinoamericanos que lo consideraban un faro de leyenda para toda su corriente. No únicamente lo trató Fuentes. Quizás fue quien lo hizo de manera más íntima y continuada, con México como epicentro de la relación. También lo veneraban Gabriel García Márquez, Mario Vargas Llosa, Julio Cortázar y José Donoso. Los fogonazos de su cine se advierten en varias de la novelas y cuentos de estos autores. Existe una complicidad mutua a la hora de entender el mundo. Por eso Buñuel (1900-1983), un puro cineasta literario, quiso adaptar a Juan Rulfo, igual que lo intentó

con Aura, de Fuentes, cuentos de Cortázar como “Las ménades”, novelas de Donoso (El lugar sin límites), además de La ciudad y los perros, de Vargas Llosa. O, a la inversa también, García Márquez lo tentó para que transformara en imágenes algunos de sus guiones antes de la explosión atómica que supuso para su carrera –y para la literatura universal– Cien años de soledad. De ese rico parentesco nace La mirada de la Medusa. Ninguno de aquellos autores pudo cumplir su sueño de verse trasladados en imágenes por el maestro. “Tengo una tumba llena de proyectos muertos”, le confiesa el director de El discreto encanto de la burguesía a Fuentes. Pero cerca anduvieron. Si algo tenía Buñuel era buen olfato para según qué talentos. Lo mismo que Fuentes para elegir mentor. Y el cineasta lo fue. Así se desprende de sus cartas también y del estudio. “Entérese: estoy escribiendo un larguísimo ensayo sobre usted”, escribe el autor de La región más transparente a su amigo el 1 de noviembre de 1967. Según Fuentes, el sello Gallimard pretendía publicarlo en Francia con fotos del catalán Antonio Gálvez. Pensaba en 100 cuartillas. Más o menos es la extensión hallada por Javier Herrera. Ha querido respetar la estructura de encuentros que conforma el libro: “Desde el punto de vista creativo, en este ensayo, Fuentes se muestra innovador y perfectamente coherente con el objeto de estudio. Lo conoce desde todos los ángulos posibles debido a su gran mutua complicidad y conocimiento. El primer elemento original es su estructuración en torno al concepto encuentro y su relación con cuatro lugares: París, dos en México y Venecia. También podría incluirse Madrid, aunque de modo más indirecto”.

Buñuel en medio de Carlos Fuentes y la esposa de éste, Silvia Lemus.

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A la capital española acude Fuentes de manera sistemática en el texto. Su itinerario queda marcado por una brújula de sortilegios en los que se mezclan Velázquez con el Quijote, Don Juan con Galdós y Valle-Inclán: “Vuelve a poner en circulación a las figuras del panteón español”, describe Herrera.

“Entérese: estoy escribiendo un larguísimo ensayo sobre usted”, escribe el autor de La región más transparente a su amigo el 1 de noviembre de 1967. Según Fuentes, el sello Buñuel vivió exiliado en nuestro país casi 40 años.

Fascinación buñueliana

Luis Buñuel o la mirada de la Medusa, ensayo inconcluso e inédito de Carlos Fuentes sobre el autor de El ángel exterminador, hasta ahora oculto en la Universidad de Princeton, llega a los lectores aderezado con cartas inéditas cruzadas entre los dos artistas que ilustran el proceso y contexto de esta obra, dándonos fe de sus relaciones y personalidad, con el telón de fondo de la revolución de Mayo del 68. La capacidad visionaria del gran cineasta español, el legado de realismo y surrealismo, Sade y la religión o la presencia de la trinidad hispánica –Don Quijote, Don Juan, La Celestina– enhebran esta obra, más allá de etiquetas y rebosante de humanismo.

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Gallimard pretendía publicarlo en Francia De ese magma surge en gran parte el mundo buñueliano: como una vigorosa, radical y rabiosa puesta al día de su herencia cultural. Ultra moderno y decididamente tradicional. Salvaje y riguroso. Bestia sin amo, animal clarividente. Un visionario que descubrió el reverso de la España mojigata en la que creció a medio camino entre los mundos opuestos del Marqués de Sade, Freud y Darwin. Un tipo que prefería sus pistolas a sus cuadros. “Almuerza y cena temprano. Se levanta a las 5 de la mañana y se acuesta a las 9 de la noche. No habla mientras come. Bebe todo el día, desde las 11 de la mañana”. A base de una rigurosa dieta de buñuelonis –medio de ginebra, un cuarto de Carpano Rosso, lo mismo de Martini blanco–, fueron conversando y asentando su amistad aunque jamás dejaran de tratarse de usted. Fuentes buscaba la manera de penetrar su rostro rudo pero escurridizo, con ojo torcido. “Es el toro y el picador, un burgués con cuerpo de campesino y máscara de intelectual”. Lo consigue. Aunque en medio, ningún misterio quede sobradamente clarificado. Imposible, junto a alguien que adoraba al Quijote y a Don Juan como ejemplos modernos, precisamente por su genio para la ambigüedad. Y es que Buñuel, por ejemplo, reivindicaba el erotismo casto de sus películas: “Esa tensión secreta entre pecado y placer”, en palabras de Fuentes. Un elemento que fascinó a autores como Henry Miller, pero que probaba también su medida y desesperada obsesión de no renunciar al exceso de sus propios deseos. Es algo que persigue desde sus inicios en las irredentas Un perro andaluz y La edad de oro. Sin olvidarse del principiante que pegó la espantada de Hollywood, fue reconocido al final de su carrera en Europa, metió un corte de mangas al franquismo con la cara inmaculada de Viridiana y antes se asentó en México para esculpir un monumento a la libertad con genialidades y hachazos como Él, Los olvidados, El bruto, Simón en el desierto, El ángel exterminador, Nazarín y La vía láctea... Con todos ellos marcó el camino de sus herederos. Con todo ello sigue vigente como el más grande cineasta que ha dado España al mundo.


CANCĂšN

sunsets & drinks

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CENTENARIOS

Texto: LUIS ERNESTO GONZÁLEZ

Muchas de las ideas que se tienen acerca de los poetas encarnan (o “animan”) en el bardo nayarita que, este año, cumple el primer fue tempranamente arrebatada por la muerte y a la que dedicó parte de su obra. Nervo es el poeta por antonomasia. Su fama en México sólo es igualada por la de Ramón López Velarde, Octavio Paz y Jaime Sabines. 68

Ilustraciones: Daniel Terán

centenario de haberse reunido con su Amada Inmóvil, la mujer que le


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iempos de posverdad (esa urgencia de confirmar, como sea, que nosotros tenemos razón; esa asustada evasión de cualquier señal que ponga en duda nuestra verdad), tiempos de un ya muy cansado nihilismo (ese sentir que es inútil perseguir la certeza, esa pérdida del valor de la vida, ese fincar en la nada las raíces de todo); tiempos que ven a la melancolía y a la intuición de lo sagrado como una debilidad de temperamento; tiempos que exaltan la evasión, la diversión, la competencia material… No parecen buenos tiempos para Amado Nervo, alguna vez el más amado poeta de México.

¿Será que, pese a todo, el siglo XXI no ha dejado morir la sed indefinible que la poesía de Nervo, si no sacia, al menos sí acompaña y serena? ¿Que lo vuelve inmortal, a pesar del ambiente adverso

Hoy, a Amado Ruiz de Nervo Ordaz, nacido en Tepic, Nayarit, el 27 de agosto de 1870, se le considera cursi, inocente, autoindulgente… Y, sin embargo, quien aún lo lee (tal vez en secreto), lo hace desde un nicho del corazón que resiste esas críticas, ese espacio donde van las tristezas de sentir que algo falta en la vida, de saberse un tanto al margen del ritmo de vértigo y descortesía que nos irrita en la cotidianidad. La sed de ser amado es el gran tema del bardo Amado Nervo. Este hombre extraño a nuestros ojos cumple 100 años de fallecido. “Quintañona, mi muerte”, tal vez diría él mismo, usando sonoras, deliciosas palabras ya tan empolvadas. Lo sorprendente es que… sí, a 100 años de su muerte por una uremia que acabó con él (tenía 48 años) mientras cumplía labores de embajador plenipotenciario en Argentina y Uruguay, se le recuerda con un afecto y una admiración que parecen desdecir que ya no es tan amado. ¿Será que, pese a todo, el siglo XXI no ha dejado morir la sed indefinible que la poesía de Nervo, si no sacia, al menos sí acompaña y serena? ¿Que lo vuelve inmortal, a pesar del ambiente adverso para su poesía, que es más frágil que las alas de las mariposas y las luciérnagas que tanto adoraba, o que un suspiro de mujer enamorada (¿cuántas mujeres aún se enamoran y suspiran?), o que un rubor casi imperceptible por el recuerdo de un perfume de primavera antigua?

para su poesía, que es más frágil que las alas de las mariposas y las luciérnagas que tanto adoraba, o que un suspiro de mujer enamorada?

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ervo creció en el México de Porfirio Díaz. Vivió bajo ese régimen casi toda su vida, salvo su infancia (la última etapa del gobierno de Juárez y todo el de Lerdo) y su última década (la Revolución). Pertenecía a una clase media inestable; su padre murió cuando él vislumbraba la adolescencia. Ocho hermanos (dos por adopción) quedaron a cargo del muy joven Amado. De Tepic, los Nervo se mudaron a Michoacán. Su hermano Luis murió apenas de 16 años. Más tarde, se establecieron en Mazatlán (Sinaloa), donde Nervo comenzó a escribir poemas y artículos periodísticos. En 1894, la familia llegó a la Ciudad de México. Aquí, Amado colaboró en la Revista Azul, la más importante de entonces, donde convergían los escritores modernistas, bajo la dirección del poeta y cronista Manuel Gutiérrez Nájera. Ahí se relacionó con los famosos, como Luis G. Urbina y José Juan Tablada. Al mismo tiempo, para redondear la economía familiar, abrió una tienda de abarrotes. Trágicamente, en ese local murió otro de los hermanos (el más cercano de Amado, poeta en ciernes él mismo), Luis Enrique, quien se suicidó apenas a los 20 años de edad.

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Cortesía El poeta y su hija adoptiva, Margarita Dailliez.

Nervo se volvió más sombrío, aunque quienes lo conocieron destacaron siempre su cordialidad, su finura de trato, incluso su alegría en círculos sociales. Gracias a la publicación de su primera noveleta, El bachiller, de 1895, las buenas conciencias se escandalizaron (sería un terrible acto de “spoileo” decir el porqué; digamos sólo que tiene que ver con… No, mejor no decimos). Amado Nervo platicaba que ese sobresalto en los lectores fue lo que le dio fama. En efecto, a los 25 años, Nervo comenzó a ser una figura en la cultura. Otras obras en prosa siguieron a ésta y acrecentaron su popularidad. Y, en 1898, aparece su primer poemario, Perlas negras, que, por fecha, temática y estilo, lo emparenta con la Generación del 98, de España (Antonio Machado, Azorín y Miguel de Unamuno, entre otros), y con el modernismo latinoamericano, encabezado por el nicaragüense Rubén Darío, quien llegó a ser gran amigo de Nervo durante su estancia española, que comenzó en 1900. Darío escribió un soneto a Nervo, dos de cuyos versos dicen: “Lanzó sin pensar su frase de cristal / […] / Hazme escuchar el eco de tu alma sideral”.

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quí se inicia su fama internacional. Llegó a Europa como enviado del diario más importante del porfiriato, El Imparcial, para cubrir la Exposición Universal de París. Poco después, se estableció en España y su poesía fluyó cuando conoció a la compañera de su vida: Ana Cecilia Luisa Dailliez. Una década perduró su amor, aunque nunca se casaron ni vivieron juntos. Cuando ella murió (por tifoidea), Nervo escribió muchos de sus mejores poemas, hoy agrupados bajo el título de La Amada Inmóvil. Su tristeza se fue volviendo serena y, al cabo, plena. La mayoría de sus poemarios se publicaron en España y llegaron, con buena distribución y tiraje, a toda Latinoamérica. Era habitual que las damas de sociedad ansiaran conocer a un autor que tanto enamoraba y conmovía. Algunas de sus novelas breves fueron traducidas al francés (tenía el mismo editor que el poeta Paul Verlaine). Además de El bachiller, destaca El donador de almas (1899). De vuelta en su país, ejerció como profesor, editor y periodista, y, en 1918, volvió a ser nombrado embajador (ahora del gobierno constitucionalista) en Argentina y Uruguay. En Montevideo, la muerte lo halló y lo llevó al lado de su Amada Inmóvil y de sus queridos hermanos, el 24 de mayo de 1919.


Sabías que... I. Nervo no sólo nos legó su propia obra: fue él quien sacó del injusto olvido de los siglos a sor Juana Inés de la Cruz (1648-1695), gracias a un magnífico ensayo publicado en 1910. Aunque sólo fuera por este hecho, el poeta nayarita tendría un lugar en la gratitud de nuestro idioma. Y sus propias gratitudes vibran aún en estos versos célebres: “Amé, fui amado, el sol acarició mi faz. / Vida, nada me debes. Vida, estamos en paz”. II. El Aeropuerto Internacional de Tepic (Nayarit) lleva el nombre de Amado Nervo. Es la única terminal aérea internacional mexicana con nombre de poeta. En otros países hay más casos, como el del aeropuerto de Granada (España), que se llama Federico García Lorca.

Nervo gustaba de decir que a él “nunca le había sucedido nada”. Su deseo era que la atención recayera en su obra, no en él. Sin embargo, cuando su cuerpo regresó a México para los funerales, multitudes se volcaron a recibirlo y acompañarlo a la entonces llamada Rotonda de los Hombres Ilustres. Varios libros se dieron a conocer en ediciones póstumas, y hasta los años 40, aún aparecían poemas inéditos (como La última luna). Sus poemarios fundamentales son Los jardines interiores (1905), Serenidad (1912) y Plenitud (1918). Hoy, a un siglo de ausencia, y ante la merma de lectores de poesía en nuestro país, ver la cantidad de programas, homenajes, lecturas y exposiciones que se están realizando este año, es un aliciente. Que el lector se sacuda los prejuicios que tantos críticos actuales quieren inducir, y llegue con ojos nuevos a su poesía y a su prosa. Antes de decir “es cursi”, leamos líneas como ésta: “Una mujer no ama sino en tanto que es dueña de sí misma, que puede no amar, no entregarse”. O como ésta: “¿Por qué agoniza el amor en el matrimonio? Porque poseemos el objeto amado”. ¿No suena actual?

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COACHING

Texto: CARLES GELI

El investigador español Jordi Nomen plantea aprovechar aquello que los niños tienen en común con los grandes filósofos –capacidad de asombro y admiración– para

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e trataba de dibujar el silencio. Y plasmó un pájaro. “Cuando voy al bosque, todo es silencio: sólo está su canto y nada más”, explicó. El silencio, por exclusión. Podría haberlo planteado un filósofo, pero fue un alumno del profesor de Filosofía y Ciencias Sociales Jordi Nomen (54 años), un niño, porque estos tienen curiosidad y admiración, las mismas cualidades de todo gran pensador: ambos miran igual el mundo. Por ello cree Nomen, cual particular Prometeo, que hay que dar el fuego de la filosofía cuanto antes a los infantes, para que así “aprendan a pensar por ellos mismos, para convertirlos en ciudadanos críticos, creativos, para que lleven una vida menos impulsiva y más autónoma”, sostiene. Y tiene un método, a partir de una supuesta sacrílega trinidad antipedagógica, cuentos-juego-arte, que desarrolla en el libro El niño filósofo.

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Imágenes: Shutterstock

fomentar su espíritu crítico.


La premisa de Nomen es que tenemos una inteligencia filosófica. “Huyo de las inteligencias múltiples de Howard Gardner, que dice que te dediques a lo que sirves; yo creo que la inteligencia se puede trabajar, estimular, es una capacidad que puede ser entrenada”, afirma. Con eso, y pertrechado con las ideas del filósofo y educador estadounidense Matthew Lipman (creador del programa Filosofía para niños a partir de novelas filosóficas, que les permiten abordar temas de la vida cotidiana), el autor ha escogido a 12 filósofos que ha asociado a 12 preguntas frecuentes que se plantean los niños sobre la vida. Así, Platón responde a si debemos actuar con la cabeza o el corazón; Séneca, a si hay que tener miedo a la muerte; Montaigne, a si es importante tener buenos amigos, o Arendt a qué es la maldad, por ejemplo. A una breve introducción del personaje y su pensamiento le sigue un relato y una propuesta de juego (un baile de minué para testar a Spinoza sobre cómo se puede conseguir la alegría; escoger una pareja independientemente de que en la frente tenga pegado un atributo moral sin que él lo sepa para decidir, vía Kant, qué debemos hacer en cada momento; continuar un dibujo iniciado por otro, pero del que apenas divisamos un centímetro, para responder a Nietzsche si es necesario ser creativo para vivir…). Cierra cada capítulo una oferta plástica y el análisis de una obra artística (unas creativas imágenes del fotógrafo español Chema Madoz para el Rousseau que inquiere para qué sirve la educación...). Las reflexiones están enfocadas para niños de entre nueve y 12 años, y siempre bajo el formato de diálogos socráticos en clase. “No son debates, donde hay una posición A contra B, sino diálogos, que implica no posiciones fijas sino dar razones y argumentar”, insiste

Los niños tienen una extraordinaria capacidad de asombro y una curiosidad prácticamente ilimitada, dos cualidades que los convierten en pequeños grandes filósofos. El niño filósofo es una herramienta clave, tanto en casa como en la escuela, para potenciar esta inteligencia filosófica que les permitirá desenvolverse como ciudadanos activos y comprometidos. Este libro está organizado en dos partes: la primera, nos invita a considerar los beneficios que la educación filosófica puede conllevar en el desarrollo intelectual, personal y social de los niños. La segunda, plantea 12 grandes preguntas, legado de 12 importantes pensadores de la tradición occidental, y propone ejercicios prácticos para que familias y profesores puedan abordarlas con los niños desde la crítica, el diálogo, el juego y la creatividad.

Nomen, que justifica que las historias sean de naturaleza muy distinta (fábulas tradicionales, un Chéjov, un Jorge Bucay…) y no de los filósofos en cuestión: “Se trata de que sus ideas se puedan utilizar más allá de sus libros; además, sus textos no siempre son de la comprensión de los niños; por eso utilizo lo que tienen más cerca, lo que hacen todo el día: el cuento, el juego, el arte; lo importante es que lleven a aprender a pensar”. También es consciente el autor catalán, en un descanso entre dos clases en la Escuela Sadako de Barcelona donde imparte (“es un colegio inclusivo: aquí el niño es el centro de la educación”), de que son tiempos que “caminan hacia una menor curiosidad intelectual” y de que, si se les enseña a pensar, los niños son más conscientes, pero, en consecuencia, menos felices, algo que parece sacrílego. “La felicidad está sobrevalorada y mal explicada: la felicidad entendida como plenitud total, completa y continuada, es un engaño, no existe, y darse cuenta de eso es ser lúcido; hay que revindicar la alegría, que es concreta y de hoy”. Además, hay que luchar contra el concepto de inutilidad práctica de la Filosofía en una sociedad cada vez más mercantilista. “No hay que practicarla tanto por utilitaria por razón laboral como porque sin ella es difícil lograr un poco de plenitud; o, al menos, para ser conscientes de que la plenitud tiende a desestabilizarse fácilmente, que no es permanente”.

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“Ser ciudadano es participar en la vida de la ciudad porque no todo acaba en el voto, como nos quieren hacer creer… Pero si no se trabaja en la familia y en la escuela, no salen ciudadanos críticos. Hay que educar en la razonabilidad, el sentimiento –que no en el impulso– y en la acción”

Los griegos llamaban idiotés a aquellos faltados de juicio crítico y que no participaban en política. “La filosofía ha de ser un tábano, ha de obligar a los otros a dar explicaciones, ha de interrogar a nuestra sociedad, como hace hoy el coreano Byung-Chul Han”, dice Nomen. El pensar, sostiene, ayuda a frenar la aceleración loca de la vida digital y “a crear una ciudadanía crítica que evitará que la democracia caiga pervertida por intereses económicos, como vemos”. Tiene claro el también profesor de Ciudadanía de la Universidad Autónoma de Barcelona quién no quiere ese ciudadano crítico: “Ese poder que se plantea no dar explicaciones de nada, por ejemplo; toda la sociedad debería estar interesada en crear niños así si no queremos que la democracia se pierda”. “Una vida vivida sin reflexión no vale la pena”, defendía Sócrates, como recuerda Nomen, quien atribuye a todo pensador crítico una postura humilde, pero de carácter, alguien que es sincero y “abocado a la acción: ser ciudadano es eso, participar en la vida de la ciudad porque no todo acaba en el voto, como nos quieren hacer creer… Pero si no se trabaja en la familia y en la escuela, no salen ciudadanos críticos. Hay que educar en la razonabilidad, el sentimiento –que no en el impulso– y en la acción”. Y ahí asoma Pitágoras: “Educad a los niños y no será necesario castigar a los hombres”. Pero para todo eso no queda, alerta Nomen, mucho tiempo más: “Es el momento para que no se pierda del todo; si no se hace ahora, se acabará el espíritu crítico”.

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BIENESTAR

Texto: KARLA MICHEEL SALAS RAMÍREZ*

El #MeToo es un movimiento generado a través de las redes sociales que ha permitido evidenciar las agresiones de índole sexual como una de las principales violencias que sufren las mujeres a lo largo de su vida. Pero también ha revelado cómo la estigmatización social de las víctimas y la impunidad en la mayoría de casos es un mensaje de permisividad y tolerancia para los propios agresores. 78

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a frase “Me too” fue acuñada por Tarana Burke, una afroamericana del Bronx (hoy de 45 años) que, inspirada en su propia historia de vida al haber sido víctima en tres ocasiones de violencia sexual y tras conocer las historias de otras sobrevivientes, creó en 2006 Just Be Inc., una organización que apoya a las víctimas de la violencia sexual bajo el lema: Me Too. Burke –hoy convertida en una activista por los derechos civiles–, en una entrevista concedida a eldiario.es, dijo que la intención de Me Too era crear una comunidad y fomentar la sororidad (hermandad entre mujeres): del “a mí también me ha pasado” al “no estás sola”, principalmente entre mujeres empobrecidas y negras.


El Me Too se viralizó como hashtag en octubre de 2017, cuando a través de redes sociales actrices de Hollywood denunciaron la violencia sexual que habían sufrido por parte de hombres poderosos y conocidos en el medio (el caso más sonado fue el del productor Harvey Weinstein). Súbitamente, las redes sociales se llenaron de mujeres exitosas, con privilegios, con poder en la sociedad y eco internacional denunciando la violencia machista sufrida y señalando a sus agresores, replicando en todo el mundo “a mí también”. El gran impulso del movimiento respondió al uso de las redes sociales, lo que permitió generar información de manera inmediata susceptible a difusión viral, pero, sobre todo, a que quienes denunciaban eran mujeres a las que parecía imposible considerarlas víctimas, dada su visibilidad y éxito.

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l movimiento #MeToo permitió identificar que la violencia sexual es generalizada, que no importa que tan famosa o poderosa se es, si se tiene dinero o no, o cuál es tu apellido o nacionalidad. Nos hizo recordar que cualquier mujer puede ser víctima de esa violencia machista. Además, mostró que la violencia sexual es una forma de agresión donde las víctimas generalmente no denuncian por vergüenza o temor a que “no les crean”, a que las responsabilicen de lo ocurrido. O, bien, temen a su agresor y no hay un espacio seguro para denunciarlo. O, sencillamente, eligen el silencio porque el dolor les impide decirlo en voz alta.

· Según ONU Mujeres, a nivel global, una de cada tres mujeres ha sufrido violencia física y/o sexual a lo largo de su vida, y en algunos países esta proporción aumenta a siete de cada 10. · En México, al menos seis de cada 10 mujeres ha enfrentado un incidente de violencia; 41.3% de ellas ha sido víctima de violencia sexual, y en su forma más extrema, nueve mujeres son asesinadas al día.

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El #MeToo permitió identificar que la violencia sexual

El #MeToo también evidenció el perfil de los agresores: la mayoría hombres conocidos por las víctimas que aprovecharon su posición de cercanía para violentarlas, considerados “normales” por la sociedad, y con los que se convive cotidianamente, o incluso que gozan de amplia aceptación y prestigo social. El movimiento #MeToo se ha convertido, gracias a la masividad y anónimato de las redes sociales, en el espacio seguro donde muchas víctimas pueden empezar a contar su historia, donde identifican que no han sido las únicas, que hay temor y dolor compartido, pero que no están solas. Esto, en sí mismo, ha generado un proceso de fortaleza y empatía, ya que permite ponerle nombre a conductas que han generado daño y, en consecuencia, nos hace dejar de considerar como normal o natural esos tipos de violencia.

Alza la voz

es generalizada,

En esta obra la autora –escritora y activista premiada cuyo trabajo se centra en el papel que desempeña el género en la cultura, la política, la religión y los medios– sostiene que el enojo de las mujeres no sólo está justificado, sino que es parte fundamental de la solución: cuando somos conscientes de él, se convierte en un instrumento vital, un radar para señalar la injusticia y un catalizador para el cambio.

que no importa que tan famosa o poderosa se es,

Construido con las mejores herramientas del periodismo de investigación, el testimonio personal y el manifiesto feminista, Rabia somos todas es una obra indispensable que da voz a las causas, expresiones y posibilidades de la ira femenina.

si se tiene dinero o no, o cuál es tu apellido o nacionalidad. Nos hizo recordar que cualquier mujer puede ser víctima de esa violencia machista

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in embargo, hay un movimiento de reacción contra del #MeToo que cuestiona algunas de las acusaciones realizadas a través de las redes sociales, como la falta de denuncias formales ante las autoridades correspondientes, el anonimato de algunas denuncias que vulnera la presunción de inocencia de los señalados, o bien, que ha transcurrido bastante tiempo desde el momento de la agresión hasta el momento en que decidieron contarlo. Si bien no se puede negar que las denuncias a través de las redes sociales conllevan muchos problemas y la pertinencia de algunos cuestionamientos, movimientos como el #MeToo se seguirán presentando, ya que en pleno 2019 las víctimas de violencia sexual siguen enfrentándose a grandes complicaciones jurídicas y sociales para denunciar las agresiones que han sufrido. Incluso, sólo en este tipo de delitos –podría afirmar sin temor a equivocarme– se sigue considerando a la víctima como la principal sospechosa. Por lo tanto, y mientras no exista una tranformación institucional, cultural y social en la forma de abordar la violencia de género y de trato a las víctimas, las redes sociales son un espacio ideal para la denuncia y difusión de las historias de violencia y del abuso de poder, para la exposición de los perpetradores, y, sobre todo, un espacio para que la vergüenza cambie de lado.

*Abogada mexicana feminista y defensora de los derechos humanos. También es directora del Grupo de Acción por los Derechos Humanos y la Justicia Social.

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MISCELÁNEA

Espías en la habitación Casi 2 mil huéspedes de hoteles de Corea del Sur fueron víctimas del último escándalo de la llamada “epidemia de cámaras ocultas” en el país asiático. La Agencia de Policía Metropolitana de Seúl informó que se encontraron minicámaras escondidas en las habitaciones de 30 hoteles y que el material videograbado se publicó en una página web. Las autoridades detuvieron a los responsables de vender los videos obtenidos de forma ilegal y si son declarados culpables podrían alcanzar una pena de hasta 10 años de cárcel. Gigante de la prehistoria En 1991 se encontró en Canadá el fósil de un Tiranosaurio Rex que fue bautizado como Scotty. Tuvieron que pasar tres décadas de arduo trabajo para que los paleontólogos ensamblaran el esqueleto y se dieran cuenta de las proporciones del hallazgo. Scott Persons, el responsable del estudio, definió a Scotty como el “rex de los rexes”. Con 12 metros de largo y un peso aproximado de 9.7 toneladas, no sólo es el depredador terrestre más grande conocido por la ciencia, sino también el Tiranosaurio más viejo jamás hallado. El impresionante fósil se exhibirá en el Museo Real de Saskatchewan. Tras la pista de un Picasso El detective de arte Arthur Brand recuperó en Ámsterdam (Holanda) un cuadro de Picasso robado hace 20 años del yate del jeque saudí Abdul Mohsen Abdulmalik. La obra Busto de mujer, pintada en 1938 por el artista español, es un retrato de Dora Maar, quien fuera su pareja en los años 30 y 40. El lienzo nunca ha estado en exposición y Picasso lo conservó en su casa hasta el día en que murió. El jeque saudí, su propietario original, podrá recuperar la obra valuada en 25 millones de euros si devuelve los 4 millones que recibió por parte de la aseguradora.

Más vale tarde... La bibliotecaria de una escuela en Nueva Jersey (Estados Unidos) se llevó una sorpresa cuando un exalumno devolvió un libro que había sacado 53 años atrás. Harry Krame limpiaba el sótano de su casa cuando encontró el ejemplar y decidió entregarlo a la escuela con 19,345 días de retraso. El subdirector de la Memorial Middle School, Dominick Tarquinio, informó que Krame tendría que pagar una multa de 10 centavos por día –lo que equivale a casi 2 mil dólares–, pero no le será cobrada. El libro será exhibido para que los alumnos comprendan la importancia de devolver a tiempo los libros a la biblioteca escolar.

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Imágenes: cortesía

Justicia futurista El Ministerio de Justicia de Estonia trabaja en crear un juez robot que se encargue, gracias a la inteligencia artificial, de resolver los casos legales más sencillos en las cortes del país. El director de datos de la república báltica, Ott Velsberg, espera que la aplicación de esta tecnología ayude a analizar miles de documentos legales para expeditar las resoluciones judiciales, aunque por lo pronto la decisión final la tomará siempre un juez humano. El pequeño país europeo, de apenas 1.4 millones de habitantes, ha logrado grandes avances en la digitalización de los servicios gubernamentales.


OREJA DE PERRO

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opos de nieve envueltos en algodón.” Así definió el exjefe de la Asociación Alemana de Profesores, Josef Kraus, a miles de estudiantes alemanes que protestaron el mes pasado contra la prueba de matemáticas del examen de admisión a nivel superior (Abitur), por considerarla demasiado difícil. La indignación de los bachilleres los llevó a recurrir a la plataforma Change.org, en la que –en apenas una semana– recabaron más de 70 mil firmas para que el Ministerio de Educación y Cultura de Baviera con_ siderara ajustar la escala de calificación del Abitur de matemáticas. Esto con el fin de que los malos resultados obtenidos en la prueba no comprometieran su ingreso a las mejores universidades de Europa.

estudiantes no atentar contra su vida por una calificación. Según sus palabras, “fallar en un examen no significa fallar en la vida”.

Mientras eso sucedía en Alemania, 20 estudiantes originarios del estado de Telangana, ubicado en el centro de India, se quitaron la vida tras saber que habían reprobado el examen de acceso a la universidad. Días después de la ola de suicidios se dio a conocer que las bajas calificaciones no se debieron a un desempeño académico deficiente, sino a fallas en el sistema informático utilizado para evaluar las pruebas. El primer ministro de Telangana, K. Chandrashekar Rao, ordenó revisar los resultados y sancionar a la empresa Globarena Technologies, encargada de desarrollar el software que procesó los resultados. En su mensaje a medios, Chandrashekar Rao suplicó a los

El excéntrico millonario neoyorkino James Altucher, quien se hizo famoso en 2016 por regalar todo lo que poseía salvo 15 pertenencias, escribió sobre el escándalo de admisiones y su impacto social: “La desigualdad de ingresos se incrementa. Las personas tontas y ricas se hacen más ricas. Las personas inteligentes y pobres (o inteligentes, honestas y ricas) se vuelven más pobres”. Es una manera un tanto peculiar de decirlo, pero retrata a la perfección la forma en la que la educación superior en Estados Unidos acentúa las diferencias en vez de cerrar la brecha socioeconómica.

El comentario del primer ministro de Telangana es, sin duda, bienintencionado, pero fallar en ese examen o en sus equivalentes a nivel internacional –como el Abitur alemán o el temido gaokao chino, considerado el más difícil del mundo– sí resulta desventajoso. Así que ni copos de nieve ni mártires de la educación. Guardadas las debidas proporciones, tanto la protesta de los estudiantes alemanes como el trágico e innecesario desenlace de los jóvenes de Telangana, obedecen a la ansiedad que provoca el perder la oportunidad de pertenecer al universo de la educación superior y sus beneficios inherentes. Esos beneficios no sólo seducen a la clase media. El pasado 12 de marzo, el FBI destapó una red de sobornos que ayudaba a los hijos de ricos y famosos a ingresar a las universidades más prestigiosas de Estados Unidos. La denominada Operación Varsity Blues puso en evidencia el mito de la meritocracia, la farsa del “sueño americano”. El mayor fraude educativo en la historia del país demostró que en vez de méritos se necesita riqueza –y poca vergüenza– para matricularse en una universidad de élite, donde con quién se estudia resulta igual o más importante que lo que se aprende.

La atención mediática se enfoca hoy por hoy en los famosos protagonistas de la Operación Varsity Blues, pero no hay que perder de vista al enorme elefante blanco en el aula: 44 millones de estadounidenses no han terminado de pagar sus préstamos estudiantiles y la deuda universitaria supera los 1.5 billones de dólares. Esta situación, que expertos comparan con la burbuja hipotecaria de 2008, debe ser prioridad en las agendas de los candidatos rumbo a las elecciones presidenciales de 2020.

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AQUEL AYER

Cortesía

RAMÓN DE FLÓREZ*

Una historia escandalosa y confusa

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esde los años 40 –y por las siguientes tres décadas– Acapulco era uno de los destinos turísticos del mundo donde el jet set internacional y su glamour indiscutible se desenvolvían maravillosamente. Las mansiones de los poderosos líderes de la sociedad y la burguesía mexicana seguían bordeando una bahía donde el metro cuadrado era el más caro de México. Asimismo se desarrollaban los fraccionamientos residenciales y los hoteles más elegantes desde donde se contemplaba un mar azul envidiable y la arena de las playas era la mas fina del universo. Abundaban restaurantes de comida exquisita y marco lujoso y empezaban a destacarse deslumbrantes discotecas para que entrara en el desenfreno la ostentosa juventud dorada de la época. Pero en ese entorno mágico, un día sucedió uno de los hechos dramáticos más escandalosos y de enorme repercusión en el país de mis casi 40 años. En una preciosa mansión del elegante fraccionamiento Las Brisas, epicentro del glamour y belleza del paradisiaco puerto, propiedad de la socialité y excelente pintora mexicana Sofía Bassi, se escucharon unos disparos que atrajeron a la servidumbre, los vecinos y a la policía. A un lado de la piscina yacía el cuerpo sin vida del aristócrata italiano Cesare D’Acquarone, esposo de Claire Diericx, una de las jóvenes señoras más atractivas de nuestra sociedad e hija del primer matrimonio de la también bellísima y distinguida señora Bassi. Los primeros comentarios indicaban que todo había sido un accidente ya que el conde D’Acquarone, aficionado a las armas, estaba limpiando la pistola que se encontró al lado de su cuerpo sin vida, cuando ésta se disparó causando la tragedia. Mientras la confusión se hacía cada vez mayor, Franco Bassi, marido de Sofía, llamaba desde un cuarto de la casa al abogado más famoso de Acapulco, Roberto Palazuelos, explicándole la situación y pidiéndole se apersonara enseguida. Palazuelos hizo que la policía se marchara para dar aviso a sus superiores. Así, el abogado logró posponer la investigación en una primera instancia. Durante unas horas que parecieron siglos se empezaron a mover los hilos judiciales de una trama que se veía venir complicada y escabrosa. De la Ciudad de México se trasladaron inmediatamente a Acapulco para apoyar a Palazuelos los famosos letrados Andrés Iglesias Baillet y Adolfo Aguilar y Quevedo. Por otra parte, el abogado de la embajada de Italia en México y catedrático en derecho penal, el doctor Ricardo Franco Guzmán, recibía una llamada de Italia de parte de la destacada familia D’Acquarone, pidiéndole que interviniera como representante de su familia, porque temían que el caso quedara impune.

La labor de Franco Guzmán llegando a Acapulco consistió en desbaratar la estrategia que habían elaborado los abogados de la familia Bassi. Como consecuencia de eso la señora Sofia Bassi fue detenida como presunta responsable del asesinato de su aristócrata yerno. Para sorpresa de todos, ella asumió la responsabilidad de este delito asegurando que fue por accidente. En ese momento ingresó en la cárcel de Acapulco y fue recluida sin miramiento alguno en un tenebroso pabellón donde purgaban sentencia las criminales más peligrosas de la zona. A los pocos días, gracias a la intervención de notables personajes de la sociedad y del mundo de las artes (como José Luis Cuevas, Alberto Gironella y Rafael Coronel), se logró que el director de la prisión, por razones de seguridad, trasladara a Bassi a una modesta celda individual situada en otro rincón del centro penitenciario. Sofía Celorio Mendoza de Bassi fue declarada formalmente presa y condenada a 11 años de prisión por el asesinato de Cesare D’Acquarone a comienzos del mes de enero de 1968. Pero gracias a una defensa que actuó inteligentemente, logró su libertad cinco años después.

E

n uno de los muchos viajes que Sofía Bassi hizo a Europa en compañía de su esposo Franco Bassi y de su hija Claire Diericx, conocieron en Venecia a la relevante

*Su experiencia en medios electrónicos e impresos incluye apariciones como analista político en Televisa y TV Azteca, y artículos de opinión en el diario Ovaciones. Pero nada se compara con su conocimiento de la sociedad mexicana e internacional, de la cual formó parte y vio de cerca en su restaurante Villa Fontana, famoso entre los famosos a mediados del siglo XX en la capital de nuestro país.

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y aristocrática familia D’Acquarone, haciéndose amigo de ellos y pasando unos días estupendos en que frecuentaron las más importantes familias de la nobleza italiana. Claire, con 20 años, conoció entonces al conde Cesare D’Acquarone, hombre atractivo que le doblaba la edad y que la empezó a cortejar. Se casaron y el conde se vino a México para vivir aquí con su amada. El matrimonio Diericx-D’Acquarone fue festejado, cortejado y envidiado por la crema y nata de la sociedad mexicana, en donde estaba integrada y se desenvolvía estupendamente Sofia Bassi. Aparte de ser de la nobleza italiana, los D’Acquarone eran poseedores de una importante fortuna. Pero no todo era miel sobre hojuelas y en privado el atractivo matrimonio se llevaba muy mal. Al grado de que él no perdía ocasión para insultar y menospreciar tanto a su esposa como a su suegra y en la intimidad se sabía que en muchas ocasiones maltrataba y golpeaba a Claire. Durante el tiempo que estuvo presa, Sofía Bassi no dejó ni un momento de pintar en su minúscula celda. 70 de sus mejores obras realizadas allí se incluyeron en el libro Los continentes del sueño, escrito por Salvador Elizondo y publicado en cinco idiomas. También realizó en la cárcel de Acapulco un magnifico mural, el cual con el tiempo se trasladó al palacio municipal del puerto para su preservación. Cuando salió de su encierro, Bassi volvió a su casa de la capital mexicana, en las Lomas de Chapultepec, y continuó pintando, esculpiendo y escribiendo hasta sus últimos días. Como artista plástica, consideró el huevo como una señal de fertilidad y renacimiento. Uno de esos temas se encuentra muy destacadamente pintado en las instalaciones de la NASA en Estados Unidos. Sus obras más importantes se hallan también en museos de México, Bélgica y Francia. Su estilo es considerado surrealista y sus cuadros se cotizan bien entre los coleccionistas. Para terminar este relato diré que al margen de los alegatos y de las tímidas investigaciones oficiales nadie se creyó a pie juntillas cómo fue que murió el Conde D’Acquarone. Sofía Bassi falleció de un infarto el 11 de septiembre de 1998, a los 85 años de edad. Su hija Claire, en diciembre de 2005, teniendo 67. Ninguna reveló lo que en verdad había pasado. Feliz viaje, amigos de Interjet.

ramondeflorez@yahoo.com.mx 85


DE LO PERDIDO

Cortesía

LUIS LAGO*

Poesía y pellejos

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ace 30 años, el escritor Ricardo Garibay le preguntó a un amigo mío, poeta en ciernes: “¿Cuántos libros de poesía lee al año?”. Como 40, le contestó, orgulloso. “¡Lea 300!”. Hace poco me encontré a mi amigo. ¿Ya lees 300 libros al año?, inquirí. “Imposible e indeseable. Leo 40. Y releo. En especial, a los clásicos. Así que muy poco sé de lo que se hace hoy”. Le pregunté si no era una falta de profesionalismo no estar al día con las cosas de su gremio. “Es que yo no tengo oficio de poeta; ni siquiera puedo decir que soy poeta. Escribo poemas cuando éstos quieren que mi ser sea su odre”. —Payasón, eso de ser un odre, ¿no?—, pregunta Bienes Raíces, uno de los amigos con los que me reúno en el bar nuestro de cada jueves. —O parodiador de sí mismo—, acota Sharpei Planchado, el más leído de los cuates. —Si no entiendes la palabra, búscala en tu celular: todos traemos a la mano el diccionario. Ya no hay pretexto. —Ahórrame el trauma, Planchas. —Un odre es un recipiente en el que echas vino u otros líquidos. Pero digo que este poeta se parodia porque el tal odre suele estar hecho de pellejos. Es una confesión interesante: el poeta es la piel animal del poema, en tanto que el poema en sí es el líquido que toma la forma que lo contiene. —Bueno, bueno, ya entendí. ¿Y ahora qué, Lago? ¿Por qué nos cuentas esto? —Es que pienso en el México de hoy y su falta de poesía. La gente está estresada, angustiada, enojada, deprimida... Hay poco espacio para estar tranquilos, a solas con nosotros mismos o con quienes amamos. Hasta los valores humanos ya desterraron la Verdad y la Belleza, y endiosaron la mera Productividad. Creo que nunca, como hoy, México es mal terreno para la poesía. —Pero mira, Lago: en la época más decadente de España, antes de la de ahora… hablo de tiempos de los felipes… se dieron los Siglos de Oro de la literatura: Quevedo, Góngora, Lope… y no

digo Cervantes ni otros porque son, sobre todo, narradores o dramaturgos. Pero estos poetas llevaron la poesía a lo más alto cuando más decadente andaba su entorno—, dice Sharpei. —Los pellejos del odre sufren, pero el vino de la poesía se mantiene fresco y espirituoso—, comenta Mutis, el callado del grupo. —¿Y no prefieren leer 300 poemarios, que 40?—, pregunta Cruz, el amigo al que le gustan los juegos. —Apuesto que, por lo menos a ustedes dos—, y nos señala a Sharpei y a mí, —sí les gustaría leer 300. —Sería maravilloso, pero tendríamos poco tiempo para digerirlos. Y, si entiendo tu punto, Lago, lo que dices es que la vida actual nos quita tiempo, energía y hasta espíritu para vérnoslas de frente con la poesía. 10 libros, pero bien leídos, bien sentidos… —Exacto, Sharpei. —El tema es complejo—, dice Cruz. —No es sólo la situación política o económica lo que nos quita tiempo o interés. —Es que no queremos saber nada de nosotros—, murmura Mutis. —La poesía es la voz de lo más humano y de lo que es mejor que lo humano. Si la acallamos, nos quedamos en un presente donde lo que importa es el dios Dinero, el culto al ego, el pleito político, el amor apurado… hasta el sexo mal hecho. —¡Ah, jijos!—, ríe Bienes Raíces, —¿no lo estás llevando demasiado lejos? Acuérdate que el poeta sólo es un montón de pellejos envinados. No le pidas proezas sexuales. —¡Cómo eres vulgar, Mala Raíz!—, truena Sharpei. —Algo de poética tendrá esta discusión—, pienso en voz alta, mientras recuerdo que este año cumple 100 de muerto ese poeta que encontró la honda serenidad y se la contagió a la lengua española por un tiempo: Amado Nervo.

quepena@hotmail.com *Luis Lago nació en una tormenta, durante una tertulia literaria. Desde entonces se alimenta de libros, letras y lluvia. Hace periodismo cultural y de viajes en algunos medios nacionales y siempre está dispuesto a colgarse la mochila al hombro.

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COLUMNA INVITADA Texto: CARLOS VELÁZQUEZ*

Se va, se va... se fue

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omo decía el Piporro, “la gente de la historia es muy parecida a nosotros”, así que no se sabe si el norte inventó el beisbol o el beisbol inventó al norte. Lo que sí es bien sabido es que una parte importante de la cultura norteña es la práctica del Rey de los Deportes. El beis, como le decimos de cariño, tiene su museo en Monterrey, casa de los Sultanes, equipo de la Liga Mexicana. Ubicado dentro del Parque Fundidora, en Poncho King (Alfonso Reyes) esquina con Luis Mora, es una catedral dedicada a un arte en el que México ha destacado internacionalmente. El costo de entrada cubre el ingreso a las exposiciones permanentes más el uso de cabinas de bateo, de picheo y de un mini diamante para niños que imita un estadio, gradas incluidas. Además de una tienda de souvenirs, en el que hay artículos de equipos de la Liga Mexicana, la Liga del Pacífico y las Grandes Ligas. El hostess es nada menos que Héctor Espino, el máximo bateador histórico, obvio es una imagen en una pantalla. El video te invita a tomarte una selfi con el personaje. A partir de allí comienza el recorrido. Una vitrina exhibe el proceso mediante el cual se fabrica un bat. El madero tiene que pasar por siete fases para convertirse en un bat. También hay muestras de cómo se confeccionan los guantes y las pelotas. El trío de estrellas que le dan vida al beisbol. En seguida hay una pared enorme con la explicación de en qué consiste el juego. Las reglas, jugadas y posiciones que ocupa cada jugador. La primera sala da cuenta de la historia del deporte, desde su nacimiento, revisando década por década. Con menciones a sus principales protagonistas. De origen, en 1902 Genaro Casas fue el primer mexicano en jugar en Estados Unidos de manera profesional. Ojo,

no en las Ligas Mayores, el primero en formar parte de la liga más importante del mundo fue el sonorense Baldomero Melo Almada, que en 1933 debutó en los Boston Red Sox. Conforme avanzas saltan los grandes nombres: Babe Ruth, Willie Mays, Joe DiMaggio, pero uno como mexicano cuando más se emociona es en la parte del recorrido de los años 80. Subtitulados como la Fernandomanía. En una vitrina destinada sólo a su figura hay un uniforme completo de Fernando Valenzuela cuando jugaba para los L. A. Dodgers, la chamarra y la gorra incluida. Todos los que nacimos antes de aquella década tenemos una historia personal con El Toro. Yo recordé con cariño aquella tarde que tuve la fortuna de verlo en persona (me saqué una foto) a los ocho o nueve años en el Estadio Revolución, en una visita que hizo a Torreón. No jugó, pero hizo unas pichadas de exhibición. Vitrinas llenas de objetos que contiene más historia que los libros de textos te salen al paso. Gorras, guantes, camisolas, estampitas. Una memorabilia que le estrujó el corazón a nuestros padres y a nuestros abuelos... y a algunos de nosotros. Los artículos corresponden tanto a las dos ligas nacionales como a las Grandes Ligas. Y, cómo no, también se rinde tributo a las voces que narraron esos momentos inmortales. La foto de Jorge Sonny Alarcón ocupa un lugar especial dentro de la colección. La segunda sala corresponde a las dos ligas que se disputan en el país. La Mexicana y la del Pacífico. La muestra consiste en dos trajes, el de local y el de visitante, de cada uno de los equipos que la conforman. Como lagunero ahí estaba yo representado por los Algodoneros del Unión Laguna. Al fondo, en una pared azul, hay varios retratos pintados a mano de peloteros que marcaron época, como Memo Garibay, que está coloreado de morado, quien jugara en 1950 con el equipo de Torreón.

*Carlos Velázquez (Torreón, 1978) es cronista y narrador. A ratos habita el desierto y en ocasiones la Ciudad de México. Su libro más reciente es Aprende a amar el plástico (Cal y Arena). Nadador, amante del vinyl y seguidor del Santos Laguna. Es también fan from hell del chicharrón prensado.

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Hay una zona que está dedicada al arte. Sí, subiendo una escalera hay un espacio ocupado por algunas piezas de artistas mexicanos en honor al beis. Hay una vitrina con una pelota intervenida por el ilustrador Alejandro Magallanes y unos biombos sensacionales pintados por Dr. Lakra. También –no podían faltar– existe una reproducción de los vestidores que se encuentran en los estadios. Esas cajoneras con un tubo para colgar el traje y debajo unos recuadros para colocar el casco.

primera sala. Es como entrar a un álbum de estampitas si no viviente, sí de piedra. La cúpula hace eco al centro, justo donde está en el piso inscrita la leyenda de que el beisbol es para el aficionado como el agua para el sediento.

Y la tercera sala es en sí el Salón de la Fama. Una especie de bóveda que tiene unas esculturas de bronce en sus extremos y en sus paredes cientos de placas con todas las figuras que han ingresado en la historia del béisbol mexicano. Por supuesto no podía faltar la del gran Vinny Castilla, quien también tiene su vitrina en la

Si un día estás de visita por Monterrey y eres de los aficionados que viven la intensidad del beisbol puedes invertir una tarde admirando a esos héroes que nos dieron patria beisbolera. Te va a dar hambre. Pero no te preocupes. Puedes cerrar con broche de oro con una comilona en El Rey del Cabrito (ejemplo de la sazón norteña), al fin que estás en la mera mata.

El Salón de la Fama nació por iniciativa del cronista Fray Nano. Y en 1973 abrió sus puertas. El museo cuenta con una biblioteca, que no es expresamente sobre el deporte. Hay libros de beis, por supuesto, pero está consagrada mayormente a la literatura. Además hay una enorme terraza desde donde se puede apreciar una parte del Paseo Santa Lucía.

Twitter: @charfornication Instagram: @charlyfornication

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MÁQUINAS

completo y sofisticado. La segunda generación de este vehículo mantiene una imagen continuista, aunque evoluciona lo demás y ofrece un interior más elaborado, mecánicas híbridas más eficientes y un comportamiento muy cómodo y eficaz, que mejora mucho al anterior.

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l Range Rover Evoque salió en 2011 y es uno de esos coches que llegan muy de vez en cuando y rompen moldes para situarse por encima de sus competidores. Su gran argumento es un diseño poderoso que actualiza el carisma de Range Rover en un formato más pequeño y asequible. Y con 772 mil unidades vendidas, se sitúa como el modelo más exitoso del fabricante británico. La segunda entrega mantiene las medidas (4.37 metros de largo) y actualiza la receta ganadora minimizando riesgos. Así, refresca su imagen con un frontal más alto y moderniza los elementos –parrilla, faros y tomas de aire– para integrarlos con suavidad y armonía. En el lateral, el Range Rover Evoque adopta una línea de cintura más ascendente que acentúa su línea cupé. Y por detrás mantiene la solidez con unas formas más redondeadas que integran la cajuela y camuflan los escapes.

Imágenes: cortesía de la marca

Igual de atractivo, pero más


Todo (¡todo!) terreno El Range Rover Evoque mantiene el ADN de Land Rover y es el SUV de su tamaño mejor dotado para salir del asfalto. Aparte de tener 21 centímetros de altura libre al suelo y poder vadear 60 centímetros de agua, incluye el sistema Terrain Response 2, con cinco programas: Confort, Auto, Arena, Hierba-grava y nieve, y Barro-roderas. Y se eligen en la pantalla situada delante del cambio. Aunque toda la gama equipa el sistema microhíbrido y tiene etiqueta ECO, en marzo de 2020 llegará una versión enchufable (PHEV) con dos motores, un 1.5 turbo tricilíndrico (200 CV) y otro eléctrico (108 CV) con 275 CV en total. Y añade unas baterías que permiten hacer 70 kilómetros en modo eléctrico gastando menos de dos litros (primeros 100 kilómetros).

El resultado es un coche muy parecido, aunque más elegante y aplomado que recuerda mucho al Range Rover Velar. En el interior sucede igual, porque adopta un tablero como el de su hermano mayor, con la doble pantalla de cristal. Pero aparte de ser más atractivo y sofisticado, con materiales y ajustes de mayor calidad, gana algo de espacio para las piernas atrás y se ha ampliado también un 10% el maletero. El Range Rover Evoque se ofrece con seis motores: tres 2.0 turbodiésel de 150, 180 y 240 CV y otros tres 2.0 de gasolina con 200, 249 y 300 CV. Todos están disponibles con cambio automático de nueve marchas y tracción 4×4, y el primero también con un manual de seis y tracción 4×2. Además, equipan un sistema microhíbrido formado por un pequeño motor eléctrico y una batería suplementaria que ayudan en la arrancada hasta llegar a 17 km/h y reducen un 6% el consumo. Y en marzo de 2020 llegará una versión enchufable PHEV de unos 275 CV y 70 kilómetros de autonomía.

En el aspecto dinámico, el Range Rover Evoque estrena suspensiones y un chasis un 17% más rígido y 40 kilos más ligero, aunque la dieta se pierde por su mayor equipamiento. Los motores y el cambio de nueve marchas mueven bien el peso y ofrecen una respuesta más refinada, buenas prestaciones y emisiones ajustadas, con etiqueta ECO en toda la gama (salvo la versión manual). Todas estas mejoras se traducen en un tacto muy suave y preciso, y sobre todo en un confort de marcha sobresaliente, dos detalles que se disfrutan mucho al volante. Además, lo logra sin sacrificar sus recursos en conducción 4×4, que siguen marcando la diferencia con sus rivales. Incluso puede añadir como opción un equipo de cámaras 360 grados, y otra denominada Ground View, que permite ver incluso lo que hay debajo del tren delantero al circular en el campo.

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QUÉ HAY DE NUEVO

Los Bose Sleepbuds son unos audífonos inalámbricos que no sirven para escuchar música sino para utilizarlos cuando llega la hora de dormir, ya que su fin es ayudar a conciliar el sueño. ¿Cómo? Aquí te decimos.

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o primero que hacen estos auriculares es bloquear los sonidos del entorno, para lo que apuestan por un diseño intraaural que sella el conducto auditivo –como si se tratara de unos tapones comunes y corrientes–. Y es curioso que empleen este sistema para aislar y no la tecnología de cancelación de ruido propia de la marca, aunque Bose tiene sus razones: este tipo de sistemas funcionan muy bien con ruidos constantes (el motor de un avión…), pero no tanto cuando no son predecibles, como los ronquidos.

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Es inevitable que pensemos en las posibles consecuencias de dormir todas las noches con un dispositivo en los oídos. ¿Es perjudicial para la salud? Desde la propia marca nos tranquilizan: en absoluto, porque los Bose Sleepbuds emplean Bluetooth de baja latencia que sólo está activo en el momento de la conexión con el teléfono. Una vez sincronizados los ajustes, se desconectan. De hecho, los sonidos están incorporados en los audífonos y no en el celular.

Con un diseño muy parecido a los audífonos deportivos, los Bose Sleepbuds incorporan unas almohadillas que se adaptan a la forma de la oreja y hacen que no se caigan por muchas vueltas que se den durante la noche. Y eso a pesar de que tienen un exterior mucho más pequeño; al sacarlos de su estuche de almacenamiento y carga por primera vez, sorprende lo diminutos que son –más pequeños que un chícharo–.

Imagen: cortesía de la marca

En segundo lugar, ayudan a enmascarar los que sí se perciben reproduciendo sonidos relajantes. Las opciones son variadas, aunque podrían ampliarse, sobre todo si se tiene en cuenta su precio (alrededor de 5,500 pesos mexicanos en Amazon). En concreto, traen 10 precargados: el viento agitando las hojas, una cascada, la lluvia, el motor de un avión, las olas o una fogata, entre otros.


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