Catálogo 12+1 L'Hospitalet de Llobregat 1ª Edición by info-contornourbano

SEGUNDA EDICIÃ&#x201C;N 2017

12+1

Interacciones con el espacio público

Proyecto expositivo en el Espacio público

Exposición colectiva en sala de exposiciones

La Torrassa, L’Hospitalet del Llobregat:

Centre d’Art Tecla Sala, l ‘Hospitalet:

Enero 2017 - Diciembre 2017

Enero - Mayo 2018

03 Articulos

Catálogo Diseño y maquetación Esteban Marín, Desiree Arco Textos Esteban Marín Fotografías Clara Antón, Alex Miró

Proyecto 12+1

Dirección y comisariado Esteban Marín Coordinación Fundación Contorno Urbano Fotografías Clara Antón , Alex Miró Video Edgar Lledó y David Villafanez

Exposición 12+1 2ª EDICIÓN

Organización Centre d’Art Tecla Sala (Ajuntament de L’Hospitalet) y Fundación Contorno Urbano Proyecto Esteban Marín, Ninoska Juan Comisariado Esteban Marín Fotografías Clara Antón Audiovisuales Edgar Lledó y David Villafanez

Agradecimientos

Josep París , Jaume Perez y Fernanda Sanchez ( Grupo Mémora) Jordi Rubio , Albert Pons, Ferran Manalbens (Montana Colors) David Sanchez , Rafael Sanchez ( Pinturas Sanfer) Ayuntamiento de L’Hospitalet de Llobregat , especialmente: David Quirós , Ramón Oriola , Ricardo Castro y Blanca Atienza. A todo el equipo de Contorno Urbano: Audrey García, Anna Gonzalez, Ninoska Juan, Miriam Mariné y Clara Antón. A Carol Puentes por su incansable trabajo asistiendo a los artistas. Asociación de arte urbano Kaligrafics. A todos los artistas participantes en la segunda edición: Irene López, Roc Blackblock, Elbi Elem, Edjinn, Byg, Laura Llaneli, Miedo12, Fernando León, Mur0ne, Miquel Wert, Hosh, Pati Baztán.

Introducción El proyecto 12+1 nace con la vocación de establecer un diálogo con la ciudadanía de L’Hospitalet. Este intercambio empieza rompiendo una de las leyes inamovibles de cualquier ciudad: El espacio público es inalterable y cualquier gran cambio conlleva tiempo. Si hay una cosa que el vecindario de un barrio conocen a la perfección son sus calles: cada rincón y edificio son los escenarios cotidianos en los que transcurre su vida. Pero , ¿Que pasa cuando este escenario se transforma? Y no sólo una vez , ¿ sino mensualmente? ¿ Puede el arte tener un papel transformador en un espacio que considerábamos fijo e imperturbable? La experiencia de esta primera edición ha demostrado que sí. Para el ciudadano el proyecto ha funcionado como una ventana abierta al muralismo contemporáneo y como espacio de creatividad y transformación en el corazón de la ciudad de L’Hospitalet. Para el artista como una puerta a la ciudad y un espacio donde exponer su obra.

12+1 es un proyecto que pretende llevar el concepto de galería a otro nivel, a una escala y un lenguaje diferente también a los murales de gran formato , creando un espacio expositivo a pie de calle, más próximo a la ciudadanía y ubicado estratégicamente. Cada edición de este proyecto tendrá una duración de 12 meses , 1 por cada artista participante.

Esteban Marín ( Barcelona , 1986) estudió diseño gráfico en la Escola Llotja e Ilustración en la Escola Massana de Barcelona. Activo socialmente desde los 16 años donde se integra en el tejido asociativo de la ciudad y desarrolla funciones primero de voluntariado , para pasar a la dirección de entidades sin ánimo de lucro vinculadas al graffiti y al arte urbano.

Los artistas pintarán siempre sobre el mismo espacio y su obra permanecerá expuesta 30 días hasta la realización de un nuevo mural por el siguiente participante. Al finalizar los 12 meses los artistas expondrán su obra de estudio (cuadros , ilustraciones , escultura , etc. ).

Desarrolla su carrera profesional como muralista y gestor cultural , trabajando principalmente con asociaciones y entidades públicas.

El proyecto

El comisariado

falta

Enero

Irene López

Spogo destaca en la escena del muralismo contemporáneo de Barcelona como uno de los grandes exponentes de la abstracción geométrica. Para analizar una obra de Spogo hace falta ver su contexto: Observar las diferentes formas geométricas de la arquitectura que rodea sus piezas así como los colores que envuelven el espacio que interviene.

Este análisis y utilización del entorno hace que cada uno de sus murales se prolongue fuera de los límites del mural y se relacione con los elementos que lo enmarcan.

Febrero

Titulo obra: “Libera el niño que llevas dentro” RocBlackblock es un reconocido artista catalán especialista de la técnica del esténcil (del inglés “stencil”, acción de pintar con la ayuda de plantillas que presentan un diseño ya recortado a través del cual se pinta). Artista multidisciplinar RocBlackblock trabaja tanto en muros como en papel, lienzo, formatos digitales, o pieles ya que es igualmente ilustrador y tatuador.

Roc Blacblock Se desmarca de muchos otros artistas por su fuerte compromiso social, utilizando el arte como modo de expresión y de reivindicación para luchas sociales, memoria histórica y dignidad de los pueblos. En la intervención artística que realizó para el 12+1, quiso transmitir un mensaje hacía todos nosotros, una propuesta para liberar el niño que llevamos dentro y reconectar con las calidades que la vida adulta y los rigores de la sociedad van sepultando y amordazando: espontaneidad, creatividad, fantasía, ilusión…El personaje está inspirado de una fotografía de un famoso payaso.

Marzo

Titulo obra: “The Ring” ElbiElem, anteriormente conocida como “labuenaylamala” vive y trabaja en Barcelona. Comenzó haciendo escultura cinética en 2012 y combina el trabajo de estudio con intervenciones de arte urbano. Su obra de carácter abstracto, con un claro interés por el movimiento y la composición de las formas en el espacio está marcada por la importancia del volumen.

Elbi Elem La composición está dirigida desde un punto de vista donde utilizando la perspectiva, las líneas de los edificios y paredes colindantes, de la barandilla, los cables de las vías y del suelo, entran en el muro prolongándose, formando un circuito visual a través del movimiento de éstas que a la vez lo recorren y te llevan hacia el tren que pasa constantemente. Una pieza importante en la intervención és la continuación de la linea, extruida fuera del mural ya que simboliza el viajar, avanzar, y el movimiento.

Abril

Titulo de la obra: “Dislike” EDJINN (Barcelona, 1987), vive y trabaja en Barcelona. Estudió diseño en la Escuela de Arte de Winchester (universidad de Southamton) y el diseño gráfico en la escuela Elisava. Ilustrador y diseñador gráfico, está conocido por su estilo a la vez “naive” y satírico, así que por su polifacetismo: arte urbano, ilustraciones, edición de la revista “Fine Rats”, trabajo publicitario, collages, etc.

Edjinn Para su intervención en el “12+1” de abril, quiso contraponer la gente mayor con las nuevas tecnologías, las redes sociales y las nuevas formas de relacionarse de la gente joven y la desconexión que supone para los más mayores. EDJINN se caracteriza siempre por sus personajes satíricos y llenos de humor con una estética muy influenciada por el cómic de humor tanto en sus formas como en la paleta de color utilizada para sus murales.

Mayo

ByG

Titulo de la obra: “Go, go, go”. BYG es un colectivo compuesto por Patricia y Luis, artistas apasionados del papel, del collage e ilustradores reconocidos. BYG piensa que el collage es lo que une y lo que separa, es el encuentro, la sorpresa, es desubicar y descontextualizar, es descubrimiento. Esto mismo es lo que quieren que suceda en la gente que pase por delante de su obra.

Para su intervención en el 12+1 de este mes, eligieron trabajar con técnica mixta (papel+pintura plástica) GO es el homenaje que BYG le quiere hacer a Rodchenko y al Constructivismo Ruso. “Homenaje a una gráfica que marcó un movimiento estético. Homenaje a una epoca en la que la palabra Revolución no se quedaba en la palabra. Homenaje a los valientes.”

Junio

falta

Laura Llaneli

Julio

Titulo: “La nada más que infinito”.

Miedo 12

MIEDO 12 es un reconocido escritor de graffiti. Afincado en Valencia, pertenece a BN, crew italiana con 21 años de antigüedad. Empezó en el mundo del graffiti en 1998. Sus graffitis siempre dan más importancia a las letras que a la parte figurativa.

“La nada más que infinito” Donde el principio y el fin son las letras. La obra explora la inspiración del escritor del graffiti y el fluir de la inspiración. Siendo el graffiti una técnica gestual y expresiva encontramos habituales referéncias al movimiento y a la energía que acompañan a este proceso de creación.

Miedo 12 se caracteriza por su amplio repertorio de recursos en su obra, desde el graffiti más clásico con formas y letras imposibles a cuidadas ilustraciones y personajes.

La síntesis de la obra de un escritor de graffiti son las letras, siempre las mismas, a las que moldea y da forma una y otra vez... etéreas y cambiantes.

Agosto

Titulo: “La codicia” Fernando León es un ilustrador y muralista holandés. Empezó con el graffiti de niño y descubrió que le gustaba dibujar algo más que letras. Eso lo empujó a hacerse ilustrador y dedicarse profesionalmente. Estudió diseño gráfico y luego ilustración en la Academia de Bellas-Artes. Diplomado en 2016, disfruta ahora de ser ilustrador freelance y pintar todo el tiempo.

Fernando León Los murales son todavía su mayor pasión. Le encanta combinar viajes y su trabajo para dejar sus trazas donde pasa. “La Codicia” habla de la mentalidad codiciosa de las personas y como la sociedad nos empuja a querer siempre más. La codicia nos atrapa en un círculo del cúal es dificil salir. Como entendemos la vida y encontramos ese equilibrio en el que ser felices y crecer al mismo tiempo és uno de los retos más dificiles de los que nos enfrentamos como personas.

Septiembre

Mur0ne

Titulo: “Video Games” Iker Muro es ilustrador y diseñador. Empezó a pintar murales en 2002 y reconoce que cada vez más las paredes y la pintura han ido sustituyendo el ordenador. El trabajo de Mur0ne és una combinación ácida de elementos pop y diseño gráfico. No oculta sus influencias más evidentes como los clásicos Dalí, Mati Klarwein, Lichtenstein, Mc Escher, Moebious… O la admiración por maestros tipógrafos como Tony Dispigna o HerbLubalin.

“VIDEO GAMES” recuerda a los videojuegos de los noventa, con texturas y motivos psicodélicos mimetizados con la ciudad del futuro. La obra de Mur0ne está marcada claramente por sus influencias llevadas al muro utilizando muchos recursos del graffiti así como parte de su lenguaje. Este encuentro que se produce entre influencias del surrealismo, el diseño gráfico y el graffiti dotan la obra de Mur0ne de unas características muy fáciles de reconocer.

Miquel Wert

Octubre

Titulo: “Vida en sombras”

“Vida en sombras”

Miquel Wert Jirheden es un pintor hispano-sueco que actualmente vive y trabaja en Barcelona. Licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Barcelona, sus obras y murales se exhiben internacionalmente en numerosas exposiciones individuales y colectivas desde el año 2000. Desde hace más de diez años, su trabajo aborda la teatralidad de la vida cotidiana y cuestiona la representación del subconsciente colectivo, intentando alejarse del aspecto puramente nostálgico.

Este nostálgico retrato de una familia, inspirado en una fotografía antigua, pretende ser una ventana abierta a la intimidad de la que podría ser una familia tipo. A pesar de tratarse de una escena aparentemente distendida, percibimos la mirada desafiante de la figura masculina. Esa mirada directa al espectador, rompe la llamada cuarta pared, aportando un punto de tensión y generando un diálogo entre el peatón y el mural. Ejemplo de como una imagen cotidiana puede provocar un cierto desasosiego por el mero hecho de traspasar el umbral del ámbito privado.

Noviembre

Titulo: “ Sin titulo” HOSH comenzó a pintar graffiti en 1991 en su ciudad natal, Ibiza. En 1996 debido a su inquietud artística, se traslada a Barcelona donde estudiará la carrera de Bellas Artes. Paralelamente continuará, hasta el día de hoy, con su conocida trayectoria como escritor de graffiti. HOSH es uno de esos escritores de graffiti que asumió con naturalidad la transición al lienzo y al mural de gran formato.

Hosh El lenguaje visual sencillo y efectivo de su graffiti ha sido un complemento indispensable en la composición de sus obras, caracterizadas por el contraste y el color de sus personajes y letras, así como sus instalaciones con circuitos de LEDs. En “Sin titulo” para el proyecto 12+1 Hosh juega entre colores y luces con una obra que mezcla pintura e instalación: en la noche, el mural se transforma en un lienzo de luces gracias a un circuito de LEDs que ilumina la obra y atrae las miradas.

Diciembre

Titulo obra: “No tocar. Recién pintado” Pati Baztán es licenciada en arquitectura, después de haber estudiado paisajismo, fotografía, dibujo y pintura. Su trabajo está enfocado en la búsqueda de la emoción, fuera de la estética o del realismo. La abstracción monocromática es el lenguaje que le permite crear obras potentes y atípicas. Pati transmite en su obra una gran fuerza y contundencia con composiciones muy elegantes.

Pati Baztan Para esta intervención, Pati Baztán quiso hacernos reaccionar con un trazo negro gigantesco. En un momento en el que estamos saturados de publicidad y graffiti, generalmente con mucho color, Pati Baztán decide sorprender con una intervención en blanco y negro que obligaría al público a parar y reflexionar sobre el sentido de la obra. Pati Baztán no busca la belleza socialmente aceptada o el control absoluto que anula la intuición sinó la emoción que coloca al ser humano en un estado más primigenio. El instinto como motor generador.

02 HOSPITALENT: 12+1 Crรณnica de una ciudad con talento de calle

Crónica de una ciudad con talento de calle

Existe una máxima entre los artistas de calle que dice que “cuando está en la calle , pertenece a la calle”. Esta senténcia quiere expresar el espíritu de las diferentes sensibilidades y propuestas de intervención urbana que inundan nuestras ciudades. La exposición HOSPITALENT 12+1. Crónica de una ciudad con talento de calle , és un ejemplo para apreciar algunas de las características de este tipo de obras: su temporalidad , la modificación que hacen del espacio urbano y la incidéncia que pueden tener en el tejido urbano presentandose de una forma libre y abierta.

El comisariado

Arcadi Poch (Badalona , Barcelona 1982 ) es comisario de arte urbano , investigador y explorador de proyectos de creatividad urbana. En los últimos años ha impulsado muchos proyectos de participación artística en el espacio público a través de Kognitif , red de creadores que funda en 2008. Ha publicado tres libros de referéncia: Creaticity (Lemo 2013) , Urban Creativity Experience ( Lemo 2014 ) y MARKET , fotografía y contrapublicidad en el arte urbano (VINZ ED 2013). Actualmente también ejerce como director del departamento de cultura de Montana Colors.

La exposición HOSPITALENT 12+1. Crónica de una ciudad con talento de calle , és un ejemplo para apreciar algunas de las características de este tipo de obras: su temporalidad , la modificación que hacen del espacio urbano y la incidéncia que pueden tener en el tejido urbano presentandose de una forma libre y abierta.

Unt ut rehenihit dolupta tistis restruptas moluptatum acitaepeles asitate id que derum con conseni dolorporerum a eatibus reruptae volorem ut veliquis ipsanda ndiciunt et pro exceste mporunt imillab is ut entum am vellabo remporum net la sint re pro officimpore, sedigeniae vel et aut qui ra dicitatur acepro ma delent, occaectinus, quas et pra nos magnis ea dolest utate comniae rorerum sitaspe ligentin et, num ea cusandita custruntia dolorem olupit archici aut eos aut landitatur sum et modit autecest erupta dolum eos dolenis maximus, sapisquis qui dis eate cume pa verundae. Nam reiunti tetur sum quiat ut et assi con nonsequ undignimaio cumquatemque nisi conse dolorpo ribearum hita sa im quisciatquis accaborem seque vellam hillora solores ium illigendi beribus vitinverro modis aut dest, sus apel idit quiati nienia quos sitat ute si nonet quam, simusdae secerum essit volo et everum a volo blabor as rerae sunt. De maximagnam quuntur? Veris sunt ex eatis autem audanda prorepedis et ut quis dolo offictatur, ut volorum quatiam repeliqui optatur, aut pe solupta

Harum sent qui doloritas volupta tempelit omni quia dus dipiscienis alitiorum quasperecti in nus ipsantem rem excereribea coriam alibusti conseque nusamet ad esequae rem aped quidit officae et eum ut explias dolorrupid ent maion pernam, quatem hici si cum voluptatus velliquo ommolorro cuptur? Pis aspel mosse nonse molupti onectusant esto volupta esequatem accab ist autem ne eum et mo quatur, int ad quame denis simendi picilla borero vel eicient. Ped mi, unt optia vendend igentem ut reperspit, nonseque pereptam aut lam, simpore magnam, soloreperit venihic temped quidellibus. Ugiatur? Vitae. Itaspel laciis ute omnis nistotatur? Ditio es planihicabo. Et quatus quateceria dolest, qui vendundam hillor modi coribusaped quid qui quas moles aut aditae solorem quoditempor ariscia delitas exerion plitaer feriam simporio blandebis aut quat omnia quiberro eum que qui recatia que earibus maionsed eum es dolori dolutes enduntiberum volorep editiae magnatur simpore necate ne dolesci andendu ntotatem quo tet dolore, incid utemque qui blandia

El comisariado

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03 ARTICULOS

El arte de lo efímero

Y no solo una vez, ¿ sino mensualmente? ¿ Puede el arte tener un papel transformador en un espacio que considerábamos fijo e imperturbable?

La experiencia de este proyecto ha demostrado que sí. Para el ciudadano el proyecto ha funcionado como una ventana abierta al arte y como espacio de creatividad y transformación en el corazón de Sant Feliu de Llobregat.

La temporalidad de cada una de las obras de este proyecto tiene por lo tanto dotar a cada una de ellas de un momento específico e irrepetible en el tiempo y de impregnar al espectador con la certeza de que experimentar ese regalo es algo valioso.

Para el artista como una puerta a la ciudad y un espacio donde exponer su obra.

La segunda parte de esta temporalidad tiene que ver con las implicaciones de intervenir en el espacio público. La reacción a cualquier modificación que ocasionemos en el espacio público puede tener una dimensión mucho mayor a la que esperamos. La generosidad que implica el arte público y al alcance de todos, por la simple razón de hacer de la ciudad un lugar mejor puede ser un arma de doble filo que se puede volver en contra del mismo receptor de esta obra. Los comisarios, gestores culturales, técnicos y artistas hemos de plantearnos la potestad con la que realizamos este tipo de actividades. Toda alteración de las calles compartidas no tiene porqué ser una imposición, ni carecer de valor más allá del estético. No toda intervención ha de ser preservada y protegida más allá de su vida útil ni ha de ser consensuada con toda la ciudadanía.

El arte de lo efímero

Hay algo estimulante en que una obra tenga una vida limitada. La temporalidad preestablecida para su inicio y final hace que cada minuto de su presencia tenga un valor irrepetible. En una sociedad con unos valores muy establecidos sobre la propiedad, el arte en el espacio público resulta un regalo que no espera más retorno que el de ser disfrutado. ¿Que ocurre cuando el regalo tiene fecha de caducidad? ¿Que ocurre cuando este regalo se hace de manera periódica? Pasa a ser algo más cercano a una experiencia, un recuerdo que algo que uno pueda atesorar para siempre en el mismo estado. La temporalidad de cada una de las obras de este proyecto tiene por lo tanto dotar a cada una de ellas de un momento específico e irrepetible en el tiempo y de impregnar al espectador con la certeza de que experimentar ese regalo es algo valioso. La segunda parte de esta temporalidad tiene que ver con las implicaciones de intervenir en el espacio público. La reacción a cualquier modificación que ocasionemos en el espacio público puede tener una dimensión mucho mayor a la que esperamos. La generosidad que implica el arte público y al alcance de todos, por la simple razón de hacer de la ciudad un lugar mejor puede ser un arma de doble filo que se puede volver en contra del mismo receptor de esta obra. Los comisarios, gestores culturales, técnicos y artistas hemos de plantearnos la potestad con la que realizamos este tipo de actividades. Toda alteración de las calles compartidas no tiene porqué ser una imposición, ni carecer de valor más allá del estético. No toda intervención ha de ser preservada y protegida más allá de su vida útil ni ha de ser consensuada con toda la ciudadanía. Encontrar el equilibrio entre lo permanente y lo efímero, entre lo necesario y lo fútil. La temporalidad cumple un objetivo: crear un diálogo, una experiencia que se va construyendo mes a mes, irrepetible, variada y rica en matices. Se convierte en una experiencia nueva cada vez, en lugar de pasar a ser parte del escenario donde se desarrolla nuestra vida.

Dialogando

La temporalidad de los murales realizados en el proyecto favorece la desaparición y creación de nuevas obras de nuevos artistas. ¿Cómo establecemos una línea de diálogo con el espectador? ¿Cual es el hilo común que une a un artista con otro? Para justificar la presencia de un comisariado ha de existir previamente una necesidad de transmitir algo a través de los artistas. Esta necesidad es la base del dialogo entre el público y el proyecto. El objetivo de establecer este diálogo no es otro que el de crear un vínculo con el espectador y que sea consciente de los cambios que sufre ese espacio cada 30 días. Para ello no solo la selección sino el orden en el que los artistas intervienen resulta clave. Una selección rica en artistas que provienen de distintas corrientes artísticas ayuda a establecer un dialogo con un vocabulario rico. Este vocabulario estará formado por colores, figuras y temas. Este dialogo se hará en muchos idiomas. Este dialogo tendrá inicios y finales. El contraste entre los artistas seleccionados nos ayuda a diferenciar un capítulo de otro y atrae nuevas miradas a cada nuevo artista para que el mensaje llegue a su destinatario... En un momento en el que la saturación de estímulos nos hace ciegos a nuestro entorno.

Uno de los objetivos del proyecto es generar estas opiniones y mostrar unos movimientos artísticos tan amplios como el arte contemporáneo, el arte urbano, grafito, etc.

“Con lo bonito que estaba”

El grado de empoderamiento por parte del público sobre el proyecto puede medirse en diferentes fases por las que pasa el espectador durante la realización del proyecto. En primer lugar, la ciudadanía se lamenta de la desaparición del primero de los murales con un universal: “Para que lo quitáis con lo bonito que estaba”. Aún aportando información del proyecto, esa primera sensación de pérdida sobre algo que entienden como propio o de toda la comunidad se mantiene. Solo es tras la tercera o cuarta intervención que el espectador empieza a observar ese espacio como un lugar de muestra con fecha de caducidad. Es entonces cuando empieza el verdadero intercambio. Una vez el ciudadano ha asociado a ese espacio la utilidad que se le está dando se prepara para absorber la información que le brinda el proyecto. Los “con lo bonito que estaba” dan paso a “Este me gusta más que el del mes anterior” o “suerte que lo estáis cambiando porqué lo que había no me gustaba nada”. Esta disparidad de opiniones y de gustos enriquece el proyecto y aporta nuevas visiones sobre unas obras ordenadas precisamente para crear esa polarización de opiniones.

Esto conlleva un segundo grado de interés en el público que se traduce en la necesidad de saber cual va a ser el siguiente artista en intervenir y que es lo que pintará. Si bien el proyecto es claramente cultural, posee una vertiente muy fuerte de creación de nuevos públicos para la cultura y de educación artística.Esta generación de públicos y la muestra de artistas pasa obligatoriamente por establecer un vínculo con la ciudadanía que tienen que estar atentos a cada nueva intervención y ser conscientes del proceso de cambio constante que sufre ese espacio. La propiedad de estas obras situadas en el espacio público es comunitaria. Si bien los derechos sobre la autoría de la obra quedan ligados al autor, así como los derechos de explotación económicos la propiedad “moral” de la obra no es nunca plenamente del comisario ni del artista: es de todos. Entender que la obra o el proyecto no es nunca enteramente tuyo y perder el sentimiento de propiedad y de control es muy enriquecedor y abre nuevos puntos de vista. Además abre la posibilidad de que ese sentimiento de propiedad sea compartido creando un lazo mucho más fuerte con el destinatario. Merece la pena pararse a explorar la relación que se establece con este tipo de propuestas entre el público, artista y comisario. Las implicaciones de realizar este tipo de propuestas son siempre arriesgadas aunque muchas veces no se aprecie el impacto que puede causar tu obra en el día a día de los que la observan. Trabajamos en el espacio público para llegar a un público diferente y para llegar a ellos sin filtros. Esta proximidad y naturalidad favorece el diálogo y el intercambio de opiniones.

Uno de los objetivos del proyecto es generar estas opiniones y mostrar unos movimientos artísticos tan amplios como el arte contemporáneo, el arte urbano, grafito, etc. Esto conlleva un segundo grado de interés en el público que se traduce en la necesidad de saber cual va a ser el siguiente artista en intervenir y que es lo que pintará. Si bien el proyecto es claramente cultural, posee una vertiente muy fuerte de creación de nuevos públicos para la cultura y de educación artística.Esta generación de públicos y la muestra de artistas pasa obligatoriamente por establecer un vínculo con la ciudadanía que tienen que estar atentos a cada nueva intervención y ser conscientes del proceso de cambio constante que sufre ese espacio. La propiedad de estas obras situadas en el espacio público es comunitaria. Si bien los derechos sobre la autoría de la obra quedan ligados al autor, así como los derechos de explotación económicos la propiedad “moral” de la obra no es nunca plenamente del comisario ni del artista: es de todos. Entender que la obra o el proyecto no es nunca enteramente tuyo y perder el sentimiento de propiedad y de control es muy enriquecedor y abre nuevos puntos de vista. Además abre la posibilidad de que ese sentimiento de propiedad sea compartido creando un lazo mucho más fuerte con el destinatario. Merece la pena pararse a explorar la relación que se establece con este tipo de propuestas entre el público, artista y comisario. Las implicaciones de realizar este tipo de propuestas son siempre arriesgadas aunque muchas veces no se aprecie el impacto que puede causar tu obra en el día a día de los que la observan. Trabajamos en el espacio público para llegar a un público diferente y para llegar a ellos sin filtros. Esta proximidad y naturalidad favorece el diálogo y el intercambio de opiniones.

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