Cinema do IMS Paulista, outubro de 2025

cinema out.2025

O último episódio, de Maurilio Martins

destaques de outubro A Sessão Mutual Films apresenta obras de duas cineastas naturais do Líbano nos 50 anos do início da Guerra Civil que assolou o país. Em sua trilogia de Beirute e no curta As crianças da guerra, a cineasta e jornalista Jocelyne Saab reflete sobre o conflito e a destruição de sua terra natal sob um olhar pessoal e íntimo, em contraste com as coberturas jornalísticas da época. Já a diretora Heiny Srour, no longa Leila e os lobos, parte de As mil e uma noites e de narrativas do imaginário libanês e palestino para retratar a guerra sob a perspectiva da participação feminina. A programação conta com um debate com Carol Almeida, uma das curadoras da Mostra Árabe de Cinema Feminino.

O último episódio, de Maurilio Martins, mais novo lançamento da produtora mineira Filmes de Plástico, volta a visitar a cidade de Contagem e o bairro de Laguna, frequentes na filmografia do grupo, desta vez em um longa de época. No filme, que se passa no início dos anos 1990, um menino de 13 anos finge ter um VHS com o último episódio de Caverna do dragão para impressionar uma garota.

Amores brutos, o filme que lançou as carreiras internacionais do diretor Alejandro González Iñárritu e do ator Gael García Bernal, volta às telas em versão restaurada em 4K. Na obra, três histórias interligadas por um mesmo acidente abordam amores, violências e contradições da Cidade do México.

Em sua 49ª edição, a Mostra Internacional de Cinema de São Paulo reúne, de 16 a 30 de outubro, um apanhado do cinema feito no Brasil e no mundo.

[imagem da capa] Beirute, minha cidade (Beyrouth, ma ville), de Jocelyne Saab 1

Leila e os lobos (Leila wa al ziap), de Heiny Srour

Amores brutos (Amores perros), de Alejandro González Iñárritu

O último azul, de Gabriel Mascaro

filmes de outubro Em cartaz

Sessão Mutual Films

Amores brutos (Amores perros) Alejandro González Iñárritu | DCP, restauração 4K

Beirute nunca mais (Beyrouth, jamais plus) Jocelyne Saab | DCP, cópia restaurada

O último azul Gabriel Mascaro | DCP

Beirute, minha cidade (Beyrouth, ma ville) Jocelyne Saab | DCP, cópia restaurada

Jeanne Dielman (Jeanne Dielman, 23, quai du Commerce, 1080 Bruxelles) Chantal Akerman | DCP, restauração 2K

O último episódio Maurilio Martins | DCP

Paris, Texas Wim Wenders | DCP, restauração 4K

Suçuarana Clarissa Campolina e Sérgio Borges | DCP

Carta de Beirute (Lettre de Beyrouth) Jocelyne Saab | DCP, cópia restaurada

Leila e os lobos (Leila wa al ziap) Heiny Srour | DCP, cópia restaurada

As crianças da guerra (Les Enfants de la guerre) Jocelyne Saab | DCP, cópia restaurada

Exposição Paiter Suruí, Gente de Verdade: um projeto do Coletivo Lakapoy Toytxag-ey ikin Coletivo Lakapoy | Arquivo digital

49ª Mostra Internacional de Cinema de São Paulo Mais informações em mostra.org e cinema.ims.com.br

Tijolo por tijolo

Victória Álvares, Quentin Delaroche | DCP

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É possível assistir a alguns dos filmes em cartaz no Cinema do IMS com recursos de acessibilidade em Libras, legendas descritivas e audiodescrição. Para retirar o equipamento com recursos, consulte a bilheteria do IMS Paulista. Em caso de dúvidas, entrar em contato pelo telefone (11) 2842-9120 ou pelo e-mail imspaulista@ims.com.br.

Toytxag-ey ikin, de Coletivo Lakapoy

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15:50 19:30

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15:30 17:15 20:00

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14:30 17:00 19:20

Suçuarana (85') Paris, Texas (145') O último episódio (112')

Tijolo por tijolo (103') O último episódio (112') Amores brutos (154')

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49ª Mostra Internacional de Cinema de São Paulo 19:00

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14:00 16:45 19:30

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15:00 17:00 19:20

Paris, Texas (145') O último episódio (112') sessão mutual films Programa 1 A trilogia de Beirute (125'), sessão apresentada por Aaron Cutler e Mariana Shellard Tijolo por tijolo (103') O último episódio (112') Amores brutos (154')

15:30 17:15 20:00

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15:00 19:00

Amores brutos (154') sessão mutual films Programa 2 Leila e os lobos (117'), seguida de debate com Carol Almeida, Mariana Shellard e Aaron Cutler

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49ª Mostra Internacional de Cinema de São Paulo

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49ª Mostra Internacional de Cinema de São Paulo

O último azul (86') Paris, Texas (145') O último episódio (112')

49ª Mostra Internacional de Cinema de São Paulo

exposição paiter suruí, gente de verdade: um projeto do coletivo lakapoy Toytxag-ey ikin (23'), sessão seguida de conversa em parceria com a exposição

49ª Mostra Internacional de Cinema de São Paulo

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Jeanne Dielman (201') Paris, Texas (145')

49ª Mostra Internacional de Cinema de São Paulo

49ª Mostra Internacional de Cinema de São Paulo

sexta 3

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Suçuarana (85') Paris, Texas (145') O último episódio (112') O último azul (86') Paris, Texas (145') O último azul (86') O último episódio (112') Amores brutos (154')

sábado

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O último azul (86') Suçuarana (85') O último episódio (112') Paris, Texas (145') Paris, Texas (145') Amores brutos (154') sessão mutual films Programa 1 A trilogia de Beirute (125') O último episódio (112')

14:30 16:20 20:00

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49ª Mostra Internacional de Cinema de São Paulo

49ª Mostra Internacional de Cinema de São Paulo

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14:30 17:15 19:00 21:10

49ª Mostra Internacional de Cinema de São Paulo

49ª Mostra Internacional de Cinema de São Paulo

Suçuarana (85') Jeanne Dielman (201') O último episódio (112')

Amores brutos (154') sessão mutual films Programa 2 Leila e os lobos (117') O último episódio (112')

49ª Mostra Internacional de Cinema de São Paulo

49ª Mostra Internacional de Cinema de São Paulo

Paris, Texas (145') O último azul (86') O último episódio (112') Amores brutos (154')

Programa sujeito a alterações. Eventuais mudanças serão informadas em ims.com.br.

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Sessão Mutual Films

O Líbano de Heiny Srour e Jocelyne Saab Aaron Cutler e Mariana Shellard

Devemos começar com a criação deste país. Em um país, os cidadãos se encontram por meio de uma aliança a uma constituição. Mas a constituição libanesa glorificou as divisões entre crenças religiosas. Isso se tornou uma virtude.

Assim, todos construíram sua identidade em torno de seus pertences religiosos, mesmo sem praticar a própria religião.

A identidade do indivíduo se confunde com sua crença religiosa.

De Dófar ao Vietnã, passando por Líbano, Palestina e Egito, sempre me vi do lado do Davi do momento contra o Golias das circunstâncias. Pois, mesmo na Bíblia, o adorável pastorzinho que derrota brilhantemente o monstro de ferro, armado apenas com sua fé e seu estilingue, abusa de seu poder ao se tornar rei... E é severamente repreendido por seu Senhor, uma vez que “o Eterno está sempre ao lado dos oprimidos”.

De uma entrevista com a poeta e jornalista Etel Adnan no filme Líbano em turbulência (Le Liban dans le tourmente, 1975), dirigido por Jocelyne Saab

Heiny Srour, no texto “Between Three Stools” (“Assise entre trois chaises”), de 19981 1.

6

Uma tradução do texto para o inglês pode ser lida no site da revista Sabzian, dentro de um dossiê sobre a obra da diretora Heiny Srour: tinyurl.com/sroursmf-1.

Com o fim do Império Otomano, depois da Primeira Guerra Mundial, parte do Oriente Médio foi dividido entre a França – com o controle do Líbano, da Síria, do sudeste da Turquia e do Curdistão – e o Reino Unido, com a Palestina, a Jordânia e o sul do Iraque.

No Líbano, o mandato francês durou até 1943, quando a independência do país foi proclamada com a criação de um Pacto Nacional, através do qual se instaurou um governo confessionalista, dividido formalmente entre lideranças religiosas. Utilizando um censo realizado em 1932, quando a região ainda estava sob domínio francês, estipulou-se que, obrigatoriamente, o presidente e o comandante do exército seriam cristãos maronitas, o primeiro-ministro seria muçulmano sunita, o porta-voz do parlamento, xiita e o primeiro-ministro do parlamento, grego ortodoxo.

A cineasta e socióloga libanesa Heiny Srour nasceu em março de 1945, pouco antes do fim da Segunda Guerra Mundial e dois anos depois da independência do Líbano. Nessa época, o país vivia uma estabilidade socioeconômica relativa, na qual, apesar da grande desigualdade social, havia um crescimento econômico exponencial, concentrado principalmente na capital Beirute, que se tornou o que muitos chamaram de “a Paris e a Suíça do Oriente 7

Médio”, tanto pelo grande fluxo e estrutura para o turismo quanto por ser o polo bancário da região. Assim como o Líbano, a família de Srour era uma construção multirreligiosa, sendo a mãe uma aristocrata egípcia muçulmana, o pai, judeu ortodoxo e tios e tias, protestantes e católicos. Essa pluralidade, de acordo com Srour, pavimentou seu pioneirismo ao oferecer-lhe um “pensamento estratégico” e a capacidade de olhar para além dos muros das religiões. “O que era normal ou sagrado para meus tios ou tias cristãos e muçulmanos era um anátema ou até mesmo uma blasfêmia para nossa família judia, e vice-versa”, disse ela anos depois.2 Em 1948, estourou a Primeira Guerra Árabe-Israelense, em decorrência da fundação do Estado de Israel, que provocou um influxo de cerca de 100 mil refugiados palestinos para o Líbano, cujo governo havia indiretamente apoiado os estados árabes no conflito. (Este número cresceu para 500 mil ao longo das décadas seguintes.)

A cineasta e jornalista libanesa Jocelyne Saab nasceu em abril de 1948, duas semanas antes do início da guerra, em uma

família cristã maronita abastada. Apesar do desejo desde cedo de se expressar através de imagens, Saab submeteu-se à exigência da sua família, que não aceitava o cinema como uma profissão para mulheres. Ela então seguiu os passos do pai, um importante homem de negócios no Líbano, e estudou economia em universidades no Líbano e na França, sendo a língua francesa a da sua formação. Anos depois, Saab lembrou: “Por natureza, sou uma pessoa mais instintiva do que reflexiva, mas existe um certo rigor nos meus filmes que eu herdei da maneira de pensar instilada em mim quando estudei economia".3 Após concluir seus estudos na Sorbonne, Saab trabalhou como correspondente no Oriente Médio para a televisão francesa.

Ela se destacou por sua capacidade de entrar em zonas de conflito e engajar com uma grande diversidade de participantes.

Ao longo de uma série de curtos documentários que dirigiu entre 1970 e 1975, ela conseguiu cobrir a guerra do Yom Kippur entre Israel, Egito, Síria e Iraque, realizar filmes-retratos sobre Muammar al-Gaddafi

2.

3.

A entrevista que Srour realizou em 2020 com o curador e crítico francês Olivier Hadouchi pode ser encontrada em inglês através do link tinyurl.com/sroursmf-2.

A fala de Saab se encontra em inglês na antologia crítica ReFocus: The Films of Jocelyne Saab (2021), editada por Mathilde Rouxel e Stefanie Van de Peer.

na Líbia, acompanhar a participação das mulheres palestinas como fedayins e registrar comandos suicidas palestinos dando voz aos seus motivos, em um momento em que o sul do Líbano serviu como sede para a OLP (Organização para a Libertação da Palestina). Saab transmitiu empatia para com seus personagens, ao mesmo tempo que deixou evidente seu próprio posicionamento político: uma humanista liberal com ceticismo sobre as consequências de qualquer luta armada.

A tensão política no Líbano aumentava gradualmente, até que, em abril de 1975, um massacre de 30 palestinos em um ônibus em Beirute por forças falangistas cristãs provocou o início da Guerra Civil Libanesa.

De um lado, estava a coalizão cristã; do outro, os muçulmanos, drusos e palestinos.

A guerra durou 15 anos, em várias fases, e resultou na morte violenta de mais de 150 mil pessoas e o exílio de mais de um milhão de libaneses.

Antes da guerra civil, o Líbano existia no cinema como um cenário para a produção de filmes egípcios e ocidentais. Os poucos cineastas nascidos no país logo o deixavam por falta de recursos locais para a produção cinematográfica. Porém, com o início dos “eventos” – como foram chamados os conflitos da guerra –, também surgiu um 8

impulso artístico da parte dos cineastas libaneses de registrar o momento dramático em que o país vivia. Para eles, além da materialidade do conflito, foi importante expressar a intimidade da experiência de aniquilação de um antigo modo de vida, usando as paisagens urbanas de Beirute (lar de mais da metade da população libanesa) como uma metáfora para um país fraturado, como nos longas de ficção Beirute oh Beirute (Beyrouth ya Beyrouth, 1975), de Maroun Bagdadi, e Beirute, o encontro (Beyroutou el lika, 1981), de Borhane Alaouié, e no documentário de Randal Chahal Sabag Nossas guerras imprudentes (Nos guerres imprudentes, 1995), feito com imagens da época.

No início de 1975, Saab estava se preparando para ir ao Vietnã com uma equipe francesa, mas abortou a viagem e seguiu para Beirute para cobrir a guerra. Ela realizou seu primeiro longa-metragem documental, um panorama social do momento chamado Líbano em turbulência (Le Liban dans la tourmente, 1975), codirigido com o jornalista suíço Jörg Stocklin. O filme intercala cenas da população libanesa em combate com entrevistas com os diversos líderes das milícias e do governo. Saab trabalhou com um senso de ironia de quem não se deixa levar por nenhuma tendência ideológica e se deu a liberdade de mostrar abertamente a posição

de cada grupo do conflito sem intervenções evidentes. Como ela mesma afirmou: “Eu disse a mim mesma que seria necessário para mim entender o que estava acontecendo em meu país, levando em conta que uma intuição muito vívida me dizia que a guerra não seria curta, e que suas consequências seriam dramáticas".4 Antes da guerra, Saab havia escrito resenhas de música pop para o jornal libanês de língua francesa Al Safa. Sua editora no jornal era a escritora Etel Adnan, que logo se tornou uma amiga. Após passar pela experiência de Líbano em turbulência, Saab queria ir além da perspectiva jornalística tradicional e registrar a experiência emocional de vivenciar uma guerra em pleno andamento. Ela pediu para Adnan escrever a narração para um média-metragem observacional de 40 minutos, o que a escritora fez enquanto assistia ao corte bruto do filme.

O passeio resultante pela cidade em destroços se chamou Beirute, nunca mais (Beyrouth, jamais plus, 1976), cujo título veio da fala de um soldado criança que já vislumbrava o tamanho da devastação.

4.

A entrevista que Saab cedeu em 2014 para Olivier Hadouchi pode ser encontrada em inglês através do dossiê de Sabzian sobre a cineasta: tinyurl. com/saabsmf-ing. E, em português, no catálogo da edição de 2021 da Mostra de Cinema Árabe Feminino: tinyurl.com/saabsmf-port.

No ano seguinte, Adnan escreveu o romance impressionista Sitt Marie Rose: amor e sangue no Líbano (Sitt Marie Rose), sobre o assassinato de uma professora libanesa cristã que se apaixonou por um médico palestino. Os admiradores do livro incluíram Saab, que havia saído do Líbano para dirigir documentários no Egito e no deserto do Saara em 1977, antes de voltar para fazer a segunda parte do que ela chamou de “A Trilogia de Beirute”. Saab escreveu a narração do média-metragem documental Carta de Beirute (Lettre de Beyrouth, 1978) em parceria com Adnan, novamente numa tentativa de dar sentido à paisagem de destruição em que ela e a população libanesa se encontravam. Porém, dessa vez, incluiu elementos de ficção, ao se colocar como uma personagem diante da câmera. No meio de um dos muitos cessar-fogos a serem quebrados, a figura de Jocelyne dirige entre as metades divididas de Beirute (leste e oeste), e também até o sul do país para testemunhar as movimentações das forças do ONU e da OLP. Ela entrevista pessoas no ônibus e participa em longas conversas com amigos que moram na região da cidade que permanece sendo sua amada “Beirute cosmopolita”.

Saab idealizou a terceira parte da trilogia como um filme de ficção, mas mudou de 9

Carta de Beirute, de Jocelyne Saab

ideia após o cerco de Beirute em 1982, no qual milhares de civis foram mortos e lesionados pelo exército israelense durante um esforço de expulsar a OLP do Líbano.

Beirute, minha cidade (Beyrouth, ma ville, 1982) é novamente um passeio pela metrópole que inclui momentos de paz e esperança, mas que também conta com imagens de crianças gravemente feridas, como se a cineasta estivesse declarando que não dava para não mostrar. As cenas perturbadoras são acompanhadas por um texto escrito e narrado em primeira pessoa pelo teatrólogo

libanês militante Roger Assaf (também um amigo de Saab e sobrevivente do cerco), com um tom de melancolia e perplexidade ao presenciar o que ocorria com a terra que amava.

Beirute, minha cidade começa com Saab diante da câmera, com um microfone na mão, mostrando sua própria casa familiar bombardeada e em ruínas. Quando ela realizou seu primeiro longa de ficção, logo após a conclusão da Trilogia de Beirute, buscou expressar um estado de ser sob uma condição perpétua de violência, através

de uma história de amor platônico. A protagonista de Uma vida suspensa (Une vie suspendu, 1985, e também conhecido como L’Adolescente, sucre d’amour) é uma adolescente em Beirute chamada Samar (interpretada por Hala Bassam) que se envolve com um pintor mais velho (Jacques Weber). Os tons e as temporalidades de Uma vida suspensa se misturam livremente conforme os sonhos e as memórias de Samar se misturam com as dificuldades que ela encontra no dia a dia.

Para Saab, a longa duração e a brutalidade da guerra civil fizeram com que uma representação direta da violência não tivesse mais eficácia como um gesto artístico, e era então preciso procurar uma outra sensibilidade.

Saab nunca se afiliou a nenhum partido político, e inclusive rompeu com membros de sua família por expressar simpatia a todos os envolvidos na guerra. Tampouco se alistou a movimentos ideológicos. Rejeitou, por exemplo, o selo de feminista e insistiu que, para as mulheres, uma integração na sociedade masculina era preferível a um posicionamento separatista. Se viu fortemente como uma libanesa e lamentou pelo país em diversas ocasiões. Em uma entrevista posterior, por exemplo, ela afirmou que testemunhou o antissemitismo pela primeira vez na Europa e o viu no Líbano somente após o cerco de 1982.

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Heiny Srour cresceu com uma percepção diferente da de Saab, tendo presenciado antissemitismo durante sua infância e crescido em um país confessionalista que não incluía sua fé judaica. Ainda assim, seu maior desafio foi com sua família conservadora, pelo fato de ela ser mulher e querer, desde cedo, seguir uma carreira artística.

Srour vislumbrou no cinema uma forma de expressão completa – e a mais política das artes –, porém, sem referências femininas, ela se apoiou na literatura, com a emergência de escritoras árabes, como a jornalista e romancista libanesa Leila Baalbaki, para dar seu primeiro passo para uma vida cinematográfica voltada para a luta pela emancipação feminina. Com muito esforço, Srour convenceu seu pai a autorizar sua saída do Líbano para estudar etnografia com uma bolsa de estudos pela Sorbonne.

Em Paris, ela pôde ingressar no Museu do Homem, onde teve aulas semanais com o fundador da instituição, o antropólogo e cineasta francês Jean Rouch, que a estimulou a fazer cinema.

A vida na França também encorajou Srour a expressar sua autonomia e independência como mulher, abrindo as portas para que ela realizasse seu filme de estreia, o documentário militante e didático A hora da libertação chegou (Saat el Tahrir Dakkat,

1974). A ideia para o filme surgiu em 1969, quando Srour teve contato com um representante da Frente Popular para a Libertação do Golfo Pérsico Ocupado (PFLOAG), que comentou com ela que a reforma da qual o grupo mais se orgulhava era a libertação feminina. Srour ficou embasbacada e acreditava que estava sofrendo uma alucinação com o calor, mas depois mergulhou em um projeto para documentar o trabalho das mulheres da organização. Ela passou os dois anos seguintes tentando levantar recursos para a realização do filme, que finalmente conseguiu com a ajuda do ministro da Cultura do Iêmen do Sul. Com um operador de câmera e um engenheiro de som franceses, Srour cruzou a fronteira com Omã, em direção à província de Dófar, e passou três meses registrando os membros da guerrilha, em especial mulheres e meninas que tinham naquela luta a única oportunidade para uma mudança de vida.

Srour comoveu-se com as soldadas que filmou e ficou desapontada ao refletir sobre a hipocrisia de uma esquerda que não incluiu a libertação feminina em seus sonhos.

Em um ensaio de memórias chamado “Mulher, árabe... e cineasta” (“Femme, arabe et... cinéaste”, 1976), ela comentou: “Que prazer que é decidir livremente sobre o tema de um filme – uma revolução feminista – sem

que alguém a lembre da ‘principal prioridade’.

Que prazer que é decidir, sozinha na mesa de edição, o comprimento da sequência das mulheres sem alguém dizendo: ‘Camarada, esse assunto não está na agenda’.”5 Srour levou três anos para concluir o filme, com a ajuda de diferentes grupos estudantis e movimentos de esquerda, e, no final, se tornou a primeira mulher árabe a ter um filme selecionado pelo Festival de Cannes e viu sua obra ficar em cartaz em salas parisienses por dois meses. A hora da libertação chegou virou um dos documentos mais importantes da rebelião de Dófar e influenciou profundamente outros movimentos árabes similares. Porém, o filme também foi banido do Líbano e de outros países árabes (com exceção da Argélia) e teve um impacto extremamente negativo em sua família.

Srour demorou uma década para concluir seu segundo filme. Durante boa parte do tempo, ela ficou presa em Londres, pois estava na Europa quando os voos internacionais para o Líbano foram cancelados em consequência da erupção da guerra civil.

Ela procurou trabalho como professora, 5.

11

O texto pode ser lido na íntegra no site tinyurl.com/sroursmf-3. Ele também foi publicado como um breve livro trilíngue (árabe/francês/ inglês) em abril de 2025.

tentou fundar ligas para mulheres cineastas e publicou textos críticos, através dos quais demostrou ser uma brilhante polemista sobre questões de autorrepresentação. Além de “Mulher, árabe e... cineasta”, escreveu “A imagem da mulher palestina” (“L’Image de la femme palestinienne”, 1977), no qual analisa uma série de filmes de ficção que tratam da questão palestina para indagar sobre a omissão neles da participação das mulheres na revolução armada ao lado de seus camaradas masculinos. Na conclusão do texto, ela escreveu: “Darmos às costas às urgências históricas não provocará a libertação feminina, mas, sim, assumirmos elas corretamente – ou seja, ao mantermos em mente a necessidade da autonomia da luta feminista, ao mesmo tempo que a conectamos à luta contra a opressão em geral”.6 O primeiro filme de ficção de Srour abordou esse sentimento, ao traçar o papel da mulher na cultura árabe ao longo do século XX. Leila e os lobos (Leila wa al ziap, 1984) surgiu a partir de uma proposta que o crítico e programador tunisiano de cinema Tahar Cheriaa fez a Srour em 1979 de enviar um roteiro para uma competição 6.

U m a t r a d u ç ã o p a r a o i n g l ê s d o t ex t o de Srour pode ser lida através do link tinyurl.com/sroursmf-4.

para projetos cinematográficos de países francófonos. Srour escreveu o roteiro em três semanas, baseando-se em As mil e uma noites e em diversas histórias da sua infância e episódios da história recente. No filme, Leila (interpretada pela atriz libanesa Nabila Zeitouni) é uma curadora de arte morando em Londres que viaja no tempo, desde a época da ocupação britânica na Palestina de 1920 até as mais recentes batalhas da Guerra Civil Libanesa, numa busca para entender as ligações entre mulheres libanesas e palestinas como participantes na vida política.

O filme virou uma coprodução entre Líbano e cinco países europeus, e foi filmado no Líbano, na Inglaterra e na Síria, este último escolhido para representar a Palestina histórica. As filmagens enfrentaram diversos desafios, inclusive ocorrendo no meio de bombardeios, tanto no Líbano quanto na Síria, que também estava passando por conflitos internos. Srour foi orientada por seus colegas sírios de produção, os cineastas Omar Amiralay e Mohammad Malas, a esconder a sua herança judaica e enfrentou resistência da equipe quando foi descoberta. Levou seis anos no total para Srour realizar Leila e os lobos, inclusive ela viabilizou as últimas filmagens com seu próprio dinheiro. Ao longo do processo de

realização, ela se viu como Leila, uma mulher libanesa, exilada e marginalizada.

Leila e os lobos teve uma boa carreira no circuito alternativo e em festivais (especialmente, segundo Srour, quando houve mulheres nos júris). Porém, Srour não conseguiu gerar fundos para fazer um outro longa-metragem. Sonhava em registrar a vida do Sheikh Imam, um cantor e compositor egípcio cego, renomado por suas músicas folclóricas que transmitiram mensagens políticas de uma forma popular, e sua batalha finalmente resultou no curta-metragem The Singing Sheikh (1991), sob comissão da televisão inglesa. Fez mais alguns trabalhos em vídeo, inclusive um retrato da resistência feminina durante a Guerra do Vietnã, e atualmente se encontra na escrita de um livro sobre a realização de A hora da libertação chegou e na circulação das versões restauradas dos seus dois primeiros filmes.

Desde 2021, as restaurações digitais de A hora da libertação chegou e Leila e os lobos (realizadas por instituições na França sob a supervisão da diretora) passaram em festivais e cinematecas ao redor do mundo, frequentemente com a presença da cineasta. Nessas ocasiões, os filmes de Srour são muitas vezes programados com filmes de Saab, com quem ela nunca colaborou, mas respeitou, apesar das suas 12

diferenças, inclusive por dar voz a pessoas que não tinham.

Saab morreu de câncer no início de 2019 com sua posição consolidada como uma das cineastas mais importantes do Novo Cinema Libanês (cujas pesquisas, em muitos casos, excluíram Srour, por trabalhar majoritariamente fora do Líbano). Porém, seus filmes circularam pouco no Líbano, algo que mudou com a fundação no mesmo ano da Associação Jocelyne Saab, uma entidade franco-libanesa dedicada a arquivar, preservar e circular a sua obra. Até este momento, a associação coordenou (em colaboração com arquivos europeus e técnicos libaneses) as restaurações digitais de 21 dos mais de 40 filmes de Saab. Os que faltam incluem trabalhos importantes da diretora, como o longa de ficção Era uma vez Beirute (Kanya Ya Ma Kan, Beyrouth, 1994), no qual duas adolescentes libanesas exploram um arquivo de cinema de forma lúdica em busca das imagens cinematográficas de um Líbano anterior à guerra civil.

Além de filmes e vídeos, Saab trabalhou nos seus últimos anos em diversos projetos, como a preservação de filmes libaneses em deterioração, a fundação de um festival de cinema no Líbano para passar filmes de países asiáticos e a realização de videoinstalações. Um dos seus últimos trabalhos

foi um livro de fotos chamado Zonas de guerra (Zones de guerre, 2018), editado pela professora e curadora francesa de cinema Nicole Brenez, no qual apresentou cenas dos seus filmes ao lado de imagens inéditas. Destacam-se no livro os registros de um curta-metragem documental que Saab realizou no mesmo ano em que começou A Trilogia de Beirute, chamado As crianças da guerra (Les Enfants de la guerre, 1976). O filme discute o impacto psicológico da recém-nascida guerra civil sobre crianças que sobreviveram a um massacre e cujas brincadeiras lidam exclusivamente com o tema do conflito armado. E questiona a possibilidade dessas e outras crianças libanesas de viverem em um país sem guerra.

A Sessão Mutual Films de outubro de 2025 é dedicada às memórias da curadora de arte Koyo Kouoh (1967-2025), do cineasta e diretor de fotografia Mike de Leon (1947-2025), do ator, crítico e professor de cinema Jean-Claude Bernardet (1936-2025), do documentarista Vladimir Carvalho (1935-2024) e dos jornalistas Ahmed Abu Aziz, Hussam al-Masri, Mariam Abu Daqqa, Mohammad Salama e Moaz Abu Taha.

Em cartaz

Amores brutos

Amores perros Alejandro González Iñárritu | México | 2000, 154’, DCP (Retrato Filmes), restauração 4K As histórias pessoais de três personagens são entrelaçadas a partir de um acidente de carro na Cidade do México: Octavio, o dono de um cachorro de lutas clandestinas que quer fugir com sua cunhada Susana; Daniel, que deixa sua esposa para viver com a supermodelo Valeria; e Chivo, um homem em situação de rua que tenta voltar para a família.

Passados 25 anos de sua estreia, o filme, que lançou as carreiras internacionais de Alejandro González Iñárritu e Gael García Bernal, retorna aos cinemas em uma nova restauração 4K. Em entrevista a Anthony D’Alessandro para o portal Deadline, o diretor conta: “Naquela época, no México, produziam-se apenas sete filmes por ano. Em 30 anos, ninguém tinha tido um filme no Festival de Cannes além de Arturo Ripstein. Fora isso, éramos invisíveis no cinema internacional. Não havia mercado nacional 13

para o cinema mexicano. Foi um período horrível, quase todos os filmes eram subsidiados pelo governo. Você precisava se tornar membro do sindicato para poder ser diretor de fotografia. Foi um milagre [tirar esse filme do papel]. Na época, existia uma empresa chamada Altavista que decidiu criar uma companhia de financiamento privado.

O roteiro era longo. Eu trabalhava muito com publicidade e rádio, e eles conheciam meu trabalho. Concederam-nos 2 milhões de dólares.

No México, não havia carreira como cineasta.

Você fazia um filme, e agradecia por ter tido uma chance. E, nessa chance, era preciso colocar tudo o que você pensava, tudo o que desejava. É por isso que o filme é minimalista e um guacamole de ideias densas, de contradições – trata-se de um experimento tropológico que é a nossa cidade, a Cidade do México. Colocamos todo o nosso coração. Eu não tinha nenhuma expectativa, e fiz tudo o que pude. Éramos jovens. O filme ficou pronto, eu o editei em casa e o enviei para o comitê de Cannes.”

Após uma rejeição inicial pelo comitê latino-americano de seleção da edição de 2000 do Festival de Cannes, Amores brutos foi selecionado para a mostra paralela Semana da Crítica, onde recebeu o Grande Prêmio. Sua restauração foi lançada este ano na seleção oficial do festival, na seção Cannes Classics. [Íntegra da entrevista, em inglês: tinyurl.com/ perrosagi]

Ingressos: terça, quarta e quinta: R$ 20 (inteira) e R$ 10 (meia); sexta, sábado, domingo e feriados: R$ 30 (inteira) e R$ 15 (meia).

Jeanne Dielman

Jeanne Dielman, 23, quai du Commerce, 1080 Bruxelles Chantal Akerman | Bélgica | 1975, 201’, DCP (Filmicca), restauração 2K Um nome e um endereço são o título original do filme: Jeanne Dielman, 23, quai du Commerce, 1080 Bruxelles. Em suas quase três horas e meia de duração, o filme de Chantal encena meticulosamente três dias na rotina de uma dona de casa de meia-idade, viúva, que mora com o filho e se sustenta pela prostituição. Dielman arruma as camas, prepara o jantar para o filho, descasca batatas.

“Compreendi a importância do filme muitos meses depois de terminá-lo” – comenta a diretora em depoimento fornecido pela Chantal Akerman Foundation. “No início, pensei que estava apenas contando três dias na vida de uma mulher, depois percebi que era um filme sobre a ocupação do tempo, sobre a angústia: fazer coisas para não pensar no problema fundamental, o de ser.”

Em uma extensa matéria publicada no New York Times em 31 de julho de 2016, Delphine Seyrig, que interpreta a protagonista de Jeanne Dielman, comenta seu entusiasmo com o projeto: “O filme olha para a mulher de uma forma amorosa e generosa enquanto ela faz as coisas que tem de fazer todos os dias – a maneira como ela cozinha, a maneira como fica de pé diante da pia. Acabou sendo bastante insuportável de assistir. Ninguém nunca teve que assistir a três horas e meia de uma dona de casa antes. É um filme muito importante.”

Jeanne Dielman será exibido em DCP, na versão restaurada pela Cinemateca Real da Bélgica a partir dos negativos originais do filme. [Íntegra da reportagem do New York Times pode ser lida, em inglês, em: bit.ly/jeannedielmanims] Ingressos: terça, quarta e quinta: R$ 20 (inteira) e R$ 10 (meia); sexta, sábado, domingo e feriados: R$ 30 (inteira) e R$ 15 (meia).

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O último azul

Gabriel Mascaro | Brasil, Chile, Holanda | 2025, 86’, DCP (Vitrine Filmes) Para maximizar a produtividade econômica, o governo ordena que os idosos se mudem para colônias habitacionais distantes. Tereza, 77, se recusa – em vez disso, embarca em uma jornada pela Amazônia que mudará seu destino para sempre.

Com um elenco que inclui Denise Weinberg e Rodrigo Santoro, o mais recente filme de Gabriel Mascaro foi vencedor do Urso de Prata no Festival de Berlim 2025, na Alemanha, onde também recebeu os prêmios do Júri Ecumênico e do Júri de Leitores do Berliner Morgenpost. No Festival Internacional de Cine en Guadalajara, no México, também recebeu os prêmios de Melhor Filme Iberoamericano de Ficção e o Prêmio Maguey de Melhor Interpretação para Denise Weinberg.

Em entrevista a Nataliia Serebriakova para o portal Dirty Movies, o diretor conta: “Minha bisavó começou a pintar aos 80 anos – do nada. Isso realmente me ensinou como alguém pode redescobrir a vida nessa idade. Aconteceu depois que meu avô faleceu, e esse momento sutil me afetou profundamente. Fez com que eu quisesse explorar o corpo idoso no cinema – como o filme pode abordar essa perspectiva?”

“Raramente vemos protagonistas idosos em papéis centrais no cinema narrativo ou na literatura. Quando comecei a pesquisar referências, me deparei com Ozu. A narrativa dele é incrível, mas seus personagens idosos muitas vezes olham para o passado – para um tempo que já passou, um tempo do qual eles não participam mais.

Há uma sensação de deslocamento, como se existissem apenas na memória. O trabalho do Haneke também é brilhante, mas, em seus filmes, a presença da morte é iminente – há sempre um prazo, um limite pairando no ar.”

“Percebi uma lacuna na forma como retratamos corpos idosos no presente. Eu não queria fazer um filme sobre o passado, mas sim sobre um corpo que está vivo, experimentando as contradições do presente, redescobrindo a vida. É interessante como os gêneros tradicionais muitas vezes não permitem isso. Por exemplo, em filmes distópicos, pessoas idosas raramente são protagonistas.

A rebelião é vista como algo da juventude. Eu quis quebrar essa tradição – trazer os idosos para dentro do gênero e permitir que eles incorporem a experiência de rebelião contra o sistema.”

“Assim, o filme mistura elementos de fantasia, distopia e até de coming-of-age. Mas por que o coming-of-age deve se limitar aos adolescentes? Existem tão poucos ritos de passagem para os idosos. O que criei no filme é que, ao atingir certa idade, o Estado coloca você em um espaço designado.” [Íntegra da entrevista, em inglês: tinyurl.com/ ultimoazulgm]

Ingressos: terça, quarta e quinta: R$ 20 (inteira) e R$ 10 (meia); sexta, sábado, domingo e feriados: R$ 30 (inteira) e R$ 15 (meia).

O último episódio

Maurilio Martins | Brasil | 2025, 112’, DCP (Malute e Embaúba Filmes) Erik, um garoto de 13 anos, alimenta uma paixão platônica por Sheilla e, para se aproximar dela, diz ter em casa uma fita com o lendário último episódio do desenho Caverna do dragão. Com a ajuda de seus melhores amigos, ele precisa criar uma solução para a enrascada em que se meteu.

O último episódio é o mais novo lançamento da produtora mineira Filmes de Plástico. Em depoimento disponível no material de imprensa do filme, o diretor Maurilio Martins (No coração do mundo) conta: “Há muitos traços biográficos, ainda que não seja a minha história, ainda que aquilo nunca tenha acontecido comigo. O filme se passa em 1991, e eu tinha 13 anos em 1991. Eu não necessariamente morei na casa onde o personagem mora, mas ela fica em frente à minha casa. Por coincidência, é uma casa que, desde a primeira versão do roteiro, eu sempre quis que fosse ali onde o filme fosse filmado.”

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“Eu acho que, mais do que a cidade de Contagem, eu tenho me aprofundado ainda mais no lugar onde eu nasci, cresci e vivi minha vida inteira, que é o Laguna. Quase como se fosse uma cidade dentro da cidade. Em parte, porque a gente sempre viveu um pouco isolado, tanto da região mais central de Contagem quanto da região central de Belo Horizonte.”

“E tem uma coisa que é muito importante de se dizer. Eu acho que esse filme cumpre um papel que, de certo modo, os nossos filmes vêm cumprindo, mas é a primeira vez que a gente faz um filme de época, a primeira vez que a gente precisa recriar um espaço. E aí entra um traço que é muito triste, no sentido da preservação. Na periferia, existe algo que funciona como um sinal de obtenção de uma vida melhor. Um indicativo muito forte de que sua vida está melhorando é quando você consegue reformar a sua casa, derrubar e construir outra, trocar o muro, trocar o passeio.

Essa reforma, essa mudança, é muito constante na periferia. Por isso, você não tem quase nada preservado. A ideia de preservação caminha para outros lados.”

“Então, no filme, a gente tenta, inclusive se valendo de efeitos especiais, reconstrução em 3D, apagamento de algumas coisas, reconstruir ao máximo, dentro do que é possível, essa Contagem dos anos 1980. Esse bairro Laguna dos anos 1980, início dos 1990 – mais especificamente os anos 1990, porque o filme se passa em 1991. Acho que as fotos utilizadas ali e aquele vídeo conectam ainda mais a gente com esse espaço. E, claro, também nos valemos das poucas construções que ainda foram preservadas, que

ainda se mantiveram. Tivemos um trabalho de arte belíssimo, magnífico, especialmente na reconstrução da mercearia, dos ambientes internos. Isso provoca algo muito forte e te coloca muito próximo do que era, mesmo depois de tudo o que já passou.”

“Dentro do que a gente podia, cinematograficamente falando, acho que fomos muito fiéis a esse espaço. E isso me dá um orgulho muito grande.”

Ingressos: terça, quarta e quinta: R$ 20 (inteira) e R$ 10 (meia); sexta, sábado, domingo e feriados: R$ 30 (inteira) e R$ 15 (meia).

Paris, Texas

Wim Wenders | Alemanha, França, Reino Unido | 1984, 145’, DCP (O2 Play), restauração 4K No meio do nada, um homem magro, de terno escuro e boné de beisebol vermelho surge no calor escaldante do deserto entre os Estados Unidos e o México. Seu nome é Travis. Ele bebe um último gole de água e segue em frente, obstinadamente, para uma região inóspita que os moradores chamam de Parque do Diabo. Travis pode parecer mudo e perdido, mas é movido pelo desejo de se reconectar com a família.

Com roteiro de Sam Shepard e uma trilha sonora marcante de Ry Cooler, o filme de Wim Wenders foi vencedor da Palma de Ouro, principal prêmio do Festival de Cannes, em 1984.

“Lutei muito para estar na posição em que estou agora”, declarou Wenders em entrevista do mesmo ano à revista Film Quaterly.

“Depois dos problemas dos últimos anos, cheguei a um ponto em que a única saída para mim foi pegar uma câmera, andar pela rua e simples-

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mente olhar as coisas. De certa forma, a narrativa sempre foi um... bloqueio romântico, um problema.

Comecei como pintor, e um pouco disso permaneceu em mim. Sempre pensei que o cinema – a própria coisa, os filmes – foi inventado, antes de tudo, para testemunhar o século XX. Sempre me senti muito atraído pelos documentários, mas também sempre achei que os longas-metragens são, de certa maneira, os verdadeiros documentos do nosso tempo. Especialmente quando são fantasias ousadas, como, digamos, Um corpo que cai, de Hitchcock. Se alguém daqui a 500 anos encontrasse Um corpo que cai, teria uma noção bastante clara de como era a América em 1958. [...] Acredito que seja extremamente saudável – uma espécie de terapia para qualquer um que tenta contar histórias – sair sem ter nada para contar, sem narrativa, sem ficção, e tentar encontrar a forma certa de representar algo. Insisto muito que isso faz parte do meu trabalho.”

“Há também uma visão mais ampla, que é a situação do cinema, da realização de filmes agora, em 1984. E, claro, há uma história de 60 ou 70 anos. Fiz vários filmes que estavam mais preocupados em refletir a si mesmos do que em refletir qualquer coisa que existisse fora do cinema.

E você pode chamar isso de vida, ou verdade, ou seja lá o que for. Realidade. Não importa. Quero dizer, todas essas palavras proibidas. E eu vejo muitos filmes, e estava ficando frustrado não apenas com meu próprio trabalho e sua reflexividade, mas também com outros filmes, porque parecia que não havia mais saída. Qualquer filme que você fosse assistir, sua nutrição, sua vida, sua alimentação, suas raízes, vinham de outros filmes.

Do próprio cinema. Eu já não via mais nada que realmente tentasse redefinir uma relação entre a vida e as imagens feitas a partir da vida. Hoje em dia, qualquer coisa que você vá assistir, você se senta lá e, depois de um tempo, percebe que está envolvido de novo em algo que nasceu e tem recapitulado uma experiência que vem de outros filmes. E acho que isso é realmente um beco sem saída muito sério para algo que eu amo profundamente: o cinema. E eu também fiz a minha parte nisso.”

“Paris, Texas foi – não diria desesperado, porque eu não estava tão desesperado enquanto o fazia –, mas, ao final de O estado das coisas, não havia outra escolha senão redefinir, ou reencontrar, ou redescobrir o que é isto: filmar algo que existe, e filmar algo que existe totalmente à parte dos filmes.”

Quatro décadas depois, o filme retorna aos cinemas em uma restauração 4K feita no laboratório L’Immagine Ritrovata, em Bolonha, a partir do negativo original 35 mm, com supervisão de Wenders. [Íntegra da entrevista, em inglês: tinyurl.com/ paristexasww]

Ingressos: terça, quarta e quinta: R$ 20 (inteira) e R$ 10 (meia); sexta, sábado, domingo e feriados: R$ 30 (inteira) e R$ 15 (meia).

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Suçuarana

Clarissa Campolina e Sérgio Borges | Brasil | 2024, 85’, DCP (Embaúba Filmes) Dora atravessa uma paisagem devastada pela mineração, em busca de uma terra perdida sonhada por ela e por sua mãe. Guiada por um misterioso cachorro, ela encontra refúgio em uma vila de trabalhadores de uma fábrica abandonada, que vivem em coletividade e lembram o lar que ela tanto procura.

Clarissa Campolina e Sérgio Borges são dois dos fundadores do coletivo audiovisual mineiro Teia, que surgiu no início dos anos 2000.

Em Suçuarana, eles se inspiram livremente no livro A fera na selva, de Henry James. “Durante

o desenvolvimento e produção, optamos por transpor a história e o estilo do texto original, preservando a sensação de mistério – a busca por algo que nunca se revela – provocada pelo romance, sem perder de vista os rastros do nosso tempo, espaço e contexto social. O estilo realista e psicológico de Henry James é complementado por uma estética não naturalista, envolta em uma atmosfera imaginativa e elementos de realismo fantástico”, comentam os diretores no material de imprensa do filme.

O filme é dividido em duas partes, a primeira delas filmada com equipamento digital, e a outra, em película 16 mm. Nas palavras dos cineastas, “essa estrutura binária (antes e depois do túnel) delineia uma mudança na narrativa, no temperamento de Dora, nas relações entre personagens, na paisagem e na temporalidade dramática. No entanto, a dicotomia sugerida nas duas partes não é estática, já que escolhas estilísticas prevalentes em uma parte também estão presentes na outra, criando uma unidade estética e dramática para o filme.”

Em entrevista ao Correio Braziliense, Campolina declara: “Suçuarana surge a partir da relação entre a história de Dora e a paisagem em que ela habita. O espaço para nós era muito importante para a construção do filme, não apenas por sua visualidade, mas também por sua história, pelos

rastros, pelos indícios de outros tempos que estão ali incrustados nas paisagens. Inclusive, a história colonial mineira, sua tradição extrativista e escravagista, nos guiou na elaboração do filme e na construção dos personagens. Para fortalecer esse sentido e integrar história e paisagem, nós filmamos na região de Ouro Preto e nos arredores de Belo Horizonte, com atores profissionais e não profissionais.” [Íntegra da entrevista ao Correio Braziliense: tinyurl.com/sucuaranaccsb]

Ingressos: terça, quarta e quinta: R$ 20 (inteira) e R$ 10 (meia); sexta, sábado, domingo e feriados: R$ 30 (inteira) e R$ 15 (meia).

Tijolo por tijolo

Victória Álvares, Quentin Delaroche | Brasil | 2025, 103’, DCP (Olhar Filmes) No Ibura, periferia do Recife, Cris tem a impressão de que tudo está por um fio. Ela e o marido perderam os empregos no início da pandemia de covid e também a casa em que moravam com três crianças, por risco de desabamento. Grávida do quarto filho e em busca de uma laqueadura, ela trabalha como microinfluenciadora digital, enquanto tenta reconstruir a casa e reestruturar a vida.

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Em nota disponível no material de imprensa do filme, os diretores comentam que, apesar de terem filmado momentos bastante difíceis na vida desta família, “Tijolo por tijolo é um filme solar. Porque sempre foi importante para nós, na edição, ser fiel à forma como Cris e sua família lidam com a realidade – de maneira pragmática e realista, mas sempre com muito afeto e esperança. Com este filme, pretendemos criar novos imaginários possíveis de um Brasil real, ainda raramente retratado nas grandes telas. Alicerçados em uma relação de intimidade e confiança, desejamos construir uma obra que retrata a maternidade sem idealizações – uma mulher que não é vítima nem heroína, e que nunca deixa de sonhar. O tipo de mulher que é invisível em nossa sociedade, mas sem a qual o mundo não seria o mesmo.” [Íntegra do depoimento: tinyurl.com/tijolovaqd]

Ingressos: terça, quarta e quinta: R$ 20 (inteira) e R$ 10 (meia); sexta, sábado, domingo e feriados: R$ 30 (inteira) e R$ 15 (meia).

Sessão Mutual Films

O Líbano de Heiny Srour e Jocelyne Saab

A Sessão Mutual Films de outubro conta com filmes de duas cineastas libanesas que se dedicaram a retratar a Guerra Civil Libanesa (1975-1990) e seu impacto sobre o Líbano e Beirute, sua capital. Nos três documentários de média-metragem que Jocelyne Saab (1948-2019) chamou de “A Trilogia de Beirute”, a cineasta e jornalista reflete sobre a destruição causada pela guerra. Ela começa com um passeio impressionista ao redor das paisagens urbanas da cidade abalada, em Beirute, nunca mais (1976, com narração escrita pela autora libanesa Etel Adnan). Depois, faz uma abordagem mais pessoal, em Carta de Beirute (1978), na qual coloca-se como personagem diante da câmera e entrevista habitantes de diversas regiões da cidade em reconstrução. E conclui assumindo uma visão mais poética e desafiadora, com narração e texto do teatrólogo libanês Roger Assaf, enquanto vemos aqueles que são permanentemente feridos pelo cerco de Beirute, em Beirute, minha cidade (1982). Enquanto isso, em seu único longa-metragem de ficção, Leila e os lobos (1984), a diretora Heiny Srour (nascida em 1945) utiliza a estrutura de As mil e uma noites para transmitir a experiência do ponto de vista feminino da guerra, contextualizando-o desde o início do século XX. A protagonista Leila (interpretada por Nabila Zeitouni) – uma mulher libanesa moderna que vive em Londres e organiza uma exibição de fotos sobre a perspectiva dos palestinos na guerra – conduz o espectador em uma viagem no tempo 19

Programa 1: A Trilogia de Beirute para contar histórias que mostram a opressão constante sobre a mulher árabe e a importância de sua (auto)emancipação pelo bem de uma sociedade futura viável. A sessão também conta com um curta-metragem de Saab chamado As crianças da guerra (1976), que reflete sobre a possibilidade das crianças que cresceram com a guerra civil viverem um futuro estável. A exibição do dia 9 será seguida por um debate com Carol Almeida, uma das curadoras da Mostra Árabe de Cinema Feminino.

Ingressos:

9/10, quinta-feira: Sessão seguida de debate: Entrada gratuita. Distribuição de senhas 60 minutos antes da exibição. Limite de uma senha por pessoa. Sujeito à lotação da sala.

Beirute nunca mais

Beyrouth, jamais plus Jocelyne Saab | França | 1976, 37’, DCP (Association Jocelyne Saab), cópia restaurada

Demais sessões: R$ 10 (inteira) e R$ 5 (meia).

Carta de Beirute

Lettre de Beyrouth Jocelyne Saab | França | 1978, 50’, DCP (Association Jocelyne Saab), cópia restaurada

Beirute, minha cidade

Beyrouth, ma ville Jocelyne Saab | França | 1982, 37’, DCP (Association Jocelyne Saab), cópia restaurada No início da década de 1970, a jornalista e cineasta libanesa Jocelyne Saab trabalhou como repórter para a televisão francesa. Seu tema principal era a vida política de seu país. Com a eclosão da Guerra Civil Libanesa, em 1975, o seu cinema tomou um rumo mais pessoal para tentar transmitir o impacto da guerra sob o olhar íntimo, em contraste com os inúmeros jornalistas estrangeiros que também faziam suas coberturas. Entre 1976 e 1982, Saab fez três médias-metragens documentais ambientados na capital Beirute, em três fases distintas da guerra, que acabou durando até 1990 e envolveu milícias cristãs, sunitas e xiitas, ateus, palestinos, drusos e o Estado de Israel.

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Em Beirute, nunca mais, observamos de imediato um jovem dormindo na rua, um carro de artilharia atravessando o quadro, a paisagem tomada pela destruição. A narração em off nos informa que “um em cada dois viajantes no mundo conhece Beirute, mas a cidade não existe mais.”

Pessoas caminham pelas ruas fantasmas, repletas de destroços da guerra que estava apenas começando e que já havia deixado milhares de mortos na cidade, que foi um dia considerada a Paris e a Suíça do Oriente Médio. A narração foi escrita pela artista visual e poetisa libanesa Etel Adnan e faz uma reflexão sobre o que vemos em julho de 1976, há pouco mais de um ano do início do conflito. Esqueletos de massivos edifícios modernos, jovens armados, crianças abandonadas revirando a sucata de tudo o que existe em uma metrópole.

A cidade é apresentada por um olhar contemplativo, que vagueia pelas ruas, sem se envolver explicitamente com a destruição que testemunha.

Em 1978, com a ação militar israelense no sul do Líbano, Saab realiza Carta de Beirute, que foi escrito em parceria entre ela e Adnan. Dessa vez, a cineasta não apenas narra um texto sobre imagens, mas também se coloca diante da câmera, como uma personagem que se dirige tanto aos seus amigos da classe intelectual e artística libanesa quanto à população em geral, para ouvir o que têm a dizer. Dentro de um ônibus (alugado para o filme) que se desloca de leste a oeste da cidade dividida, ela entrevista grupos diferentes de pessoas, como estudantes, trabalhadores, mulhe-

res e homens idosos. Depois, em seu carro, Saab viaja para o sul do Líbano, onde entrevista militares de vários países a serviço da ONU e participa de um evento com o líder da OLP (Organização para a Libertação da Palestina), Yasser Arafat. O filme conclui com uma visita a um parque de diversões abandonado, e com a sensação de que o país está girando em círculos.

Em junho de 1982, Israel invade o Líbano e, no mês seguinte, bombardeia Beirute. Na terceira parte da trilogia, Beirute, minha cidade, Saab novamente se coloca diante das câmeras para mostrar as ruínas que representam o que restou da casa de 150 anos de sua família, onde cresceu. Em seguida, com imagens de fontes diversas, ela denuncia o cerco, que foi o momento mais violento da guerra, com corpos de mulheres e crianças soterrados pelos bombardeios, pessoas queimadas, mutiladas e desabrigadas. Vemos as imagens de resistência e sobrevivência da população enquanto ouvimos uma reflexão melancólica, porém firme, dessa vez escrita e narrada pelo teatrólogo libanês Roger Assaf. As imagens não poupam o espectador, porém também não existem para agredir, mas para esclarecer ao mundo o preço da guerra. Ao fim, testemunhamos tanques militares desfilando com crianças e jovens preparados para irem ao front. A população os apoia, clama a Deus por justiça, e a guerra continua.

As restaurações digitais dos filmes da Trilogia de Beirute foram feitas entre 2019 e 2022 e fizeram parte de uma iniciativa conjunta entre a

Programa 2: Leila e os lobos

Associação Jocelyne Saab, instituições europeias e libanesas. Apesar das digitalizações terem ocorrido na Europa, as restaurações foram conduzidas no Líbano, em uma série de workshops, com o intuito de devolver à população local imagens de seu país. Os filmes, que foram reduzidos e censurados pela televisão francesa nas suas transmissões iniciais, passarão no IMS Paulista em suas versões mais completas possíveis. Enquanto a versão de Beirute, nunca mais que circulou durante a vida de Saab é narrada em francês pelo jornalista e cineasta Jörg Stocklin, a versão exibida (descoberta após a morte da diretora) é narrada em inglês pela própria Saab.

Leila e os lobos

Leila wa al ziap Heiny Srour | Líbano/Reino Unido | 1984, 95’, DCP (Heiny Srour), cópia restaurada

As crianças da guerra

Les Enfants de la guerre Jocelyne Saab | França | 1976, 12’, DCP (Association Jocelyne Saab), cópia restaurada

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Inspirado na estrutura de As mil e uma noites e em histórias presentes no imaginário libanês e palestino, Leila e os lobos nos conduz por diferentes momentos no tempo para mostrar a presença das mulheres nos conflitos do Oriente Médio no século XX e para deixar explícito que, sem a participação feminina, não há revolução.

Em 1975, a libanesa Leila (interpretada por Nabila Zeitouni) vive em Londres, onde organiza uma exposição de fotos sobre a luta palestina junto com seu namorado, Rafiq (Rafic Ali-ahmad). Enquanto as fotos cristalizam cenas de homens fardados e armados, uma velha, a avó da protagonista, conta que mulheres largaram seus filhos para protestar contra a expulsão dos palestinos de suas terras.

Leila presencia a cena e questiona novamente Rafiq sobre o fato de as fotos mostrarem apenas homens. Mas Rafiq não se lembra de ver mulheres durante as manifestações: “Mulheres não têm nada a ver com política”, ele declara.

Seguem-se diversas outras histórias conectadas por Leila, que caminha entre as paisagens com um vestido branco. Em um cemitério, ela presencia um grupo de mães, irmãs e filhas que cantam em luto por seus entes martirizados.

Durante a ocupação britânica da Palestina, nos anos 1920, homens lutam em protesto enquanto mulheres despejam óleo fervendo nos soldados ingleses. Ainda assim, vemos que essas mesmas mulheres são proibidas de frequentar a escola, apanham dos maridos e são confinadas à vida doméstica. Em 1937, em um vilarejo, os preparativos para uma festa de casamento são feitos pelas mulheres, que recheiam quitutes com munição, forram o corpo da noiva de armamentos e embrulham espingardas em um tapete, para pas-

Exposição Paiter Suruí, Gente de Verdade: um projeto do Coletivo Lakapoy sarem despercebidas pela polícia, que se ocupa em revistar os homens, e, assim, munir os combatentes nas montanhas. Testemunhamos cenas de conflito com uma presença feminina, seja de um massacre de palestinos pelas forças israelenses, em 1948, seja do princípio da Guerra Civil Libanesa em 1975.

As histórias são introduzidas com imagens de arquivo e protagonizadas pelos mesmos atores que interpretam Leila e Rafiq. Elas também são entremeadas por uma cena em uma praia, onde um grupo de mulheres sentadas na areia com vestimentas pretas tradicionais árabes observa melancolicamente um grupo de homens de sunga se divertindo na água. Ali, diferentes gerações refletem sobre um presente impiedoso que as mantêm aprisionadas a tradições misóginas e contam sobre costumes árabes sombrios que datam de períodos anteriores ao islamismo.

A mudança cabe a toda a sociedade, mas principalmente às mulheres, pois, como diz a música tradicional durante os créditos de abertura: “Não culpamos o lobo por atacar o rebanho. Toda a culpa é do pastor ausente.”

Leila e os lobos estreou uma década após o primeiro filme de Heiny Srour, o documentário militante A hora da libertação chegou. Até hoje, permanece o único longa-metragem de ficção realizado pela cineasta libanesa, apesar de ganhar prêmios em festivais em Cartago e Mannheim.

Ele foi restaurado digitalmente em 2021 pelo Centro Nacional de Cinematografia (CNC), na França, a partir dos negativos originais em 16 mm que foram conservados pelo Instituto de Cinema Britânico (BFI) e sob a supervisão de Srour. Em uma entrevista realizada em 2020, Srour comen22

tou: “Leila e os lobos é um filme cético. Mas eu continuo fiel à causa da justiça, apesar de enormes desilusões políticas. Porque onde há injustiça, há guerra e violência. E, nesse caso, invariavelmente os mais vulneráveis pagam o preço: os pobres, as mulheres e as crianças. E os ricos e negociantes de armas inevitavelmente vencem sempre.”

A exibição de Leila e os lobos no dia 9 será seguida por um debate com Carol Almeida, uma das curadoras da Mostra de Cinema Árabe Feminino. As sessões do filme de Srour contarão ainda com um vídeo de apresentação feito pela diretora e o curta-metragem restaurado As crianças da guerra, realizado por Jocelyne Saab.

O documentário de Saab expõe a dramática situação das crianças da Guerra Civil Libanesa, em particular sobreviventes de um massacre na favela majoritariamente muçulmana de Karantina, que reproduzem em brincadeiras as cenas que presenciaram. Mesmo quando são dados papel com giz de cera, os jovens desenham armas e tanques.

E, assim, o filme deixa claro que a própria condição de vida e desenvolvimento dessas crianças irá perpetuar o conflito.

[A entrevista para Olivier Hadouchi, em inglês, pode ser lida através do link tinyurl.com/sroursmf-2]

Toytxag-ey ikin

Coletivo Lakapoy | Brasil | 2025, 23', Arquivo digital (Acervo IMS) Arquivos inéditos Paiter Suruí são vistos por anciões, que comentam as imagens enquanto falam sobre histórias do contato e tradições.

O filme, comissionado para a exposição Paiter Suruí, Gente de Verdade: um projeto do Coletivo Lakapoy, decorre de uma visita ao acervo Jesco Von Puttkamer, organizada pelo Instituto Moreira Salles, em colaboração com o IGPA/PUC Goiás.

A exibição, seguida de conversa com as curadoras Lahayda Mamani Poma e Txai Suruí, traz outros filmes e obras que tratam de restituições museais, abrindo para questões como acervo, memória e restituição. Quais as formas de retorno desses arquivos e que produtos podem resultar desses movimentos?

Entrada gratuita. Distribuição de senhas 60 minutos antes da exibição. Limite de uma senha por pessoa. Sujeito à lotação da sala.

49ª Mostra Internacional de Cinema de São Paulo

Mais informações em mostra.org e cinema.ims.com.br.

Entrada gratuita. Distribuição de senhas 60 minutos antes da exibição. Limite de uma senha por pessoa. Sujeito à lotação da sala.

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apresentam

16_30 out > 2025

Desde 1977, a Mostra é realizada de forma ininterrupta, tendo conquistado o respeito do universo audiovisual no mundo todo. Está consolidada como um dos maiores e mais importantes eventos culturais do Brasil, um dos mais destacados festivais de cinema da América Latina, faz parte do calendário cultural do estado e da cidade de São Paulo e atrai um público cinéfilo de mais de 150 mil pessoas em cada edição.

Em 2025, a sua 49ª edição acontecerá entre os dias 16 e 30 de outubro, e trará um apanhado do que o cinema contemporâneo brasileiro e mundial tem produzido, novas tendências e temáticas, além de apresentar cineastas homenageados e clássicos restaurados para valorizar a história do cinema.

ministério da cultura e petrobras

valter hugo mãe apoio

promoção

apoio técnico

colaboração

produção

transporte oficial

parceria

patrocínio

patrocínio master

hotel parceiro

realização

Instituto Moreira Salles

Os filmes de outubro

Cinema

A programação do mês tem apoio da 49ª Mostra Internacional de São Paulo, das distribuidoras Embaúba Filmes, Filmicca, Malute, O2 Play, Retrato Filmes e Vitrine Filmes.

Agradecemos a Aaron Cutler, Analu Bambirra e Carol Almeida (Mostra de Cinema Árabe Feminino), Cris Guzzi, Diego Corrêa, Gerard-Jan Claes (Sabzian), Giovanni Vimercati, Graham Carter (Several Futures), Heiny Srour, Iasmini Catanio dos Santos Nardi, Isabel Rojas (Ficunam), Jinane Mrad, Mathilde Rouxel e Ossen El Sawaf (Association Jocelyne Saab), Jonathan Mackris, Kaleem Hawa, Laure Gillot (Les Mutins de Pangée), Mariana Shellard, Nicole Brenez, Olivier Hadouchi, Stoffel Debuysere (Courtisane Festival), Renata Almeida, Susy Laguárdia e Tiago Rufino.

Coordenador | Curador Kleber Mendonça Filho

Supervisora de curadoria e programação Marcia Vaz Programador adjunto Thiago Gallego

Assistente de programação Lucas Gonçalves de Souza Projeção Ana Clara da Costa, Adriano Brito e Carmen Genaro

Serviço de legendagem eletrônica Pilha Tradução Revista do Cinema do IMS Produção de textos e edição Thiago Gallego e Marcia Vaz Diagramação Marcela Souza e Taiane Brito Revisão Flávio Cintra do Amaral

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Sessão Mutual Films Realização: Cinema do IMS Curadoria e produção: Aaron Cutler e Mariana Shellard

Venda de ingressos Ingressos à venda pelo site ingresso.com e na bilheteria do centro cultural, a partir das 12h, para sessões do mesmo dia.

No ingresso.com, a venda é mensal, e os ingressos são liberados no primeiro dia do mês.

Ingressos e senhas sujeitos à lotação da sala.

Capacidade da sala: 145 lugares.

Meia-entrada Com apresentação de documentos comprobatórios para professores da rede pública, estudantes, crianças de 3 a 12 anos, pessoas com deficiência, portadores de Identidade Jovem, maiores de 60 anos e titulares do cartão Itaú (crédito ou débito).

Devolução de ingressos Em casos de cancelamento de sessões por problemas técnicos e por falta de energia elétrica, os ingressos serão devolvidos. A devolução de entradas adquiridas pelo ingresso.com será feita pelo site.

Programa sujeito a alterações.

Eventuais mudanças serão informadas no site ims.com.br e no Instagram @imoreirasalles.

Não é permitido o acesso com mochilas ou bolsas grandes, guarda-chuvas, bebidas ou alimentos. Use nosso guarda-volumes gratuito.

Confira as classificações indicativas no site do IMS.

Amores brutos, de Alejandro González Iñárritu

Toytxag-ey ikin, de Coletivo Lakapoy

Terça a quinta, domingos e feriados sessões de cinema até as 20h; sextas e sábados, até as 22h.

Visitação, Biblioteca, Balaio IMS Café e Livraria da Travessa Terça a domingo, inclusive feriados das 10h às 20h.

Fechado às segundas.

Última admissão: 30 minutos antes do encerramento.

A entrada no IMS Paulista é gratuita.

Avenida Paulista 2424 CEP 01310-300 Bela Vista – São Paulo tel: (11) 2842-9120 imspaulista@ims.com.br

ims.com.br

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