ACALIA 4Edición

REVISTA DIGITAL

arquitectura y diseño de interiores

Tejido de experiencias sensoriales Escultura en Nieve

Revista Digital

Joyce Wang Ponte Vecchio Neuro arquitectura

8conociendo a: Joyce Wang a mano libre Didácticas para el aprendizaje

15acercamiento al diseño de interiores Tejido de experiencias sensoriales

platicando con: EFE | EME

36espacios que se sienten Neuroarquitectura vanguardia constructiva Diseño paramétrico

47hablando de la vivienda Acero en la arquitectura conoce su trayectoria Mtro. Gerardo Partida Campos

58BLOG La arquitectura y su maravillas MAQRO Museo de Arte de Querétaro

estructuras inmortales Ponte Vecchio

67arte y forma en manos del escultor Escultura en Nieve

cuéntame una historia Imma y las construcciones que hablan

CARTA EDITORIAL

¡Bienvenid@s a este cuarto número de la revista digital de arquitectura Acalia!

En esta nueva edición descubriremos que la arquitectura no es solo una disciplina técnica y estética, Doni Flores nos muestra que es un tejido vivo hecho de emociones, memorias y experiencias. Abordamos la neuroarquitectura, un campo que conecta los avances de la ciencia con el diseño de espacios que influyen en la mente y en el bienestar de quien los habita. Y a través de la visión de Joyce Wang, observamos un universo creativo que traduce la historia en atmósferas contemporáneas.

Hacemos un recorrido por la obra de EFE | EME

Arquitectos quienes, desde Argentina, reivindican la esencia latinoamericana con su mirada sensible y experimental, y nos invitan a pensar que la arquitectura puede construir identidad y dejar huella desde cualquier lugar del mundo.

En el ámbito académico, exploramos la importancia de la trama geométrica como cimiento en la enseñanza de futuros arquitectos y cómo las bases teóricas y prácticas contribuyen a formar profesionales que vinculan orden, ritmo y creatividad. Además, analizamos el diseño paramétrico, herramienta que ayuda a la imaginación a crear formas y estructuras con alcances infinitos.

Gracias por acompañarnos en este viaje. Esperamos que estas páginas despierten en ti la misma pasión que sentimos al crearlas.

Con entusiasmo, Prudencia

COLABORADORES

M. Arq. Irma Lozada Rincón

Directora General

Arquitecta egresada de la Universidad Veracruzana, con el mejor promedio de generación. Es maestra en Diseño Arquitectónico por UNAM y en Diseño de Interiores por ISU Universidad. Está por terminar el doctorado en Educación con acentuación en Política Educativa y Gestión Escolar en la Universidad Intercontinental. Ha impartido cátedra por más de 26 años en instituciones de Veracruz, Puebla y CDMX en Arquitectura, Ingeniería Civil, Diseño Gráfico, Diseño de Modas y Diseño de Interiores. En este momento imparte clases en la CDMX en las universidades Westhill, Del Valle de México, Campus Coyocán, e Intercontinental, siendo en esta última donde ha colaborado en procesos de certificación y actualización de planes de estudio. A lo largo de su ejercicio profesional En Arquitectos IGA y Entorno Constructivo, ha diseñado diversos inmuebles en particular del género habitacional. Es fundadora, directora y editora en jefe de la Revista Digital ACALIA. arqlozadaasesoria@hotmail.com

Arq. Rebecca Soriano Carmona

Directora Adjunta

Egresada de la Universidad Intercontinental, obtuvo el grado de arquitecta por desempeño académico. Actualmente cursa la maestría en Diseño Interior Arquitectónico en la Universidad Motolinía del Pedregal, encontrándose en etapa de investigación. Ha participado en el desarrollo de proyectos arquitectónicos de vivienda residencial y departamentos para estudiantes en Tepoztlán y Xalapa, colaborando con los despachos Arquitectos IGA y Entorno Constructivo. Es una de las fundadoras, directora adjunta y coeditora de la revista digital ACALIA. Con interés en la docencia, ha fungido como adjunta de catedráticos y ofrece asesorías académicas a estudiantes de arquitectura, promoviendo su formación integral mediante el acompañamiento teórico y práctico. rsorianoc02@gmail.com

Mtra. Prudencia Hernández Rdz Editora en Jefe | Diseñadora editorial

Diseñadora de la Comunicación Gráfica por la UAM­X, máster en Edición Editorial por la UOC, maestra en Innovación Educativa y doctorante en Desarrollo de la Educación. Desde 2003, catedrática y docente de tiempo completo en diversas instituciones de la CDMX; actualmente es docente en la UAM­X. Socia fundadora, junto con Javier Sánchez Galván del despacho de diseño Genio + Figura, dedicado al diseño editorial y gráfico, con especialización en ONG y OSC. pruhrdz@gmail.com

Mtro. Javier Sánchez Galván Diseñador editorial

Diseñador de la Comunicación Gráfica por la UAM­X, maestro Diseño Editorial por el Centro de Estudios Gestalt de Veracruz. Docente en diversas instituciones de la CDMX; actualmente es docente en la Universidad Tecnológica de México. Socio fundador del despacho de diseño Genio + Figura, especializado en el área editorial, donde realiza proyectos primordialmente para ONG y OSC. geniomasfigura@gmail.com https://www.behance.net/genioyfigura

Natalia Valentina Díaz Mata Relaciones Públicas

Actualmente cursa la licenciatura en Arquitectura en la Universidad Westhill. Forma parte del equipo de la Revista Digital ACALIA, donde participa en el desarrollo de artículos relacionados con arquitectura, percepción espacial y generación de experiencias. Ha formado parte de proyectos académicos centrados en la intervención de espacios públicos y la creación de propuestas de diseño con un enfoque crítico y visual. natvaldm@gmail.com

Daniela

Romo Salazar

Relaciones Públicas

Cofundadora y directora de Agencia Radical. Egresada de la licenciatura en Relaciones Públicas y Comunicación Corporativa de la Universidad Autónoma de Guadalajara. De 2011 a 2013, nombrada gerente del Consejo Coordinador de Jóvenes Empresarios de Jalisco, asistiendo dos mandatos y fungiendo como la primera persona en este puesto. Encargada del área de patrocinios y eventos especiales de 2014 a 2017, en Entretenium, donde llevaba negociaciones con empresas. De 2018 a 2020, en Club Hípico Guadalajara, se encargó de la organización comercial de los eventos, llevando marcas relevantes del mundo hípico, de lujo y automovilismo, marcando un antes y un después en la organización de eventos, que debido a la pandemia toman otro rumbo. En 2021 crea de la mano y asociada con Benjamín Molina: Agencia Radical; dedicada a difundir y promover despachos de arquitectura y diseño de interiores, abriendo las puertas a un nivel global a despachos jóvenes, por medio de publicaciones en medios digitales, impresos, podcast, entrevistas, participaciones en congresos y ferias en LATAM. A partir de 2023 colabora en el Festival de Interiorismo Mexicano y en la Primera entrega de los Premiso Rino, Reconocimiento al Interiorismo Notable y Original, ambos eventos liderados por Benjamín Molina. danny@seradical.com

Arq. Aranza Cinthia López Mora

Egresada de la Universidad Intercontinental, cursa la maestría en Arquitectura, Desarrollo y Sustentabilidad (ADS) en la UNAM, en el posgrado de arquitectura. Combina su conocimiento sobre estructuras antiguas y su historia con un enfoque innovador en el uso de tecnologías para el diseño. Ha trabajado como supervisora y asistente de obra en remodelaciones de viviendas, liderando proyectos ejecutivos que optimizan el uso de espacios y materiales, con un fuerte énfasis en la sostenibilidad y la reducción del impacto ambiental. ac.archlmora99@gmail.com

Arq. Ulises Moyao García

Arquitecto y maestro en artes visuales por la UNAM, y escultor por el INBA. Como arquitecto, desarrolló proyectos para el sector público en varias secretarías de estado y en el área de construcción en vivienda social y residencial del sector privado. Ha sido docente en la licenciatura en arquitectura en: Universidad Iberoamericana, ESIA, IPN. y la Universidad Westhill. En la escultura, desde 1996, ha realizado obra para una escuela primaria, posteriormente ganó el Premio Sebastián en 1997, continuando con exposiciones colectivas e individuales a nivel nacional; a nivel internacional, desde el año 2000, ha participado en concursos de escultura en nieve y hielo en Breckenridge, Colorado, Fairbanks y Alaska, USA; Sapporo, Japón; Quebec y Edmonton, Canadá, y Grindewald, Suiza. ulises_moyao@hotmail.com

Arq. Cynthia Darian Arratia García

Egresada de la licenciatura en Arquitectura de la Universidad Intercontinental. Realizó un intercambio académico en la ciudad de Vigo, España, en la carrera de Ingeniería Forestal. Participó en el Concurso Académico de escuelas de Arquitectura organizado por la UIC en 2022. Realizó un diplomado en Entornos Interiores: Diseño, Sostenibilidad y Bienestar. Está interesada en la arquitectura sustentable, urbanismo y paisajismo. cynrammaybom@gmail.com

Arq. Santiago Muñoz León

Egresado de la Universidad De América Latina, Campus Xalapa. Director del estudio arquitectos Muñoz Constructora, donde ha desarrollado diversos proyectos de diseño y construcción en la república mexicana. Docente en diversas universidades del estado de Veracruz, su conocimiento lo ha llevado a impartir clases en diversas licenciaturas entre las que destacan: arquitectura, ingeniería civil, ingeniería industrial, administración de empresas, contadurías entre otras. estudio_arq_munoz@hotmail.com

M. Arq. Doni A. Flores Morales

Es arquitecta Lasallista, con maestrías en Educación y en Diseño Interior, y especialista en Tecnologías de la Información para el Aprendizaje. Tiene experiencia profesional en el diseño arquitectónico a diversas escalas, desde viviendas y espacios comerciales hasta naves industriales y proyectos de urbanización. Como docente, ha aportado al desarrollo académico en instituciones como la Universidad Anáhuac Querétaro y la Universidad Marista de Querétaro, donde además de impartir clases, ha coordinado diplomados, dirigido tesis y colaborado en procesos de certificación y actualización de planes de estudio. Actualmente, combina su actividad profesional en el diseño arquitectónico e interior, con su investigación doctoral en Educación, ambos enfocados en el desarrollo de habilidades investigativas en el ámbito académico y profesional. Su propósito es seguir contribuyendo al desarrollo de proyectos arquitectónicos y educativos que promuevan la innovación y la sostenibilidad. denialeflm@gmail.com

M. Arq. Amador Mendoza Pinto

Arquitecto por la Universidad Veracruzana, con maestrías en Tecnologías de la Arquitectura, por la BUAP, en Diseño Arquitectónico por la UNAM y actualmente está por culminar la maestría en Innovación Educativa en la Universidad Popular Autónoma del Estado de Puebla, (UPAEP). Desde 2000 es director fundador del despacho de arquitectos Entorno Constructivo, en Xalapa, Ver., donde ha participado principalmente en el diseño arquitectónico de viviendas residenciales, departamentos, así como en la supervisión de obra para Gobierno del Estado de Veracruz. Ha impartido cátedra desde 2005 en diferentes Universidades de Veracruz en las licenciaturas de Arquitectura e Ingeniería Civil. Actualmente imparte clases en asignaturas relacionadas con los sistemas constructivos y estructurales en la Universidad Justo Sierra, en la Universidad de Latino América en la CDMX. amador_pinto@hotmail.com

Andrea Lorelei Campos Luna

Egresada de la licenciatura en Arquitectura de Interiores de la Universidad Westhill, formó parte de la primera generación de la Revista Digital ACALIA. Durante su servicio social colaboró con una constructora en el desarrollo y supervisión de obra residencial, enfocándose en la entrega de viviendas funcionales, estéticas y con acabados de alta calidad. Su interés por la arquitectura aplicada en campo la ha llevado a involucrarse en procesos constructivos reales, desde la observación crítica hasta la solución práctica de detalles que impactan directamente en la experiencia del usuario final. andrea260204@gmail.com

M. Arq. Eduardo Domínguez Espinosa

Docente de la Universidad de América Latina plantel Xalapa, impartiendo materias relacionadas al diseño, historia, urbanismo y arte en las licenciaturas de Arquitectura, Diseño Gráfico e Ingeniería Civil. Egresado de la Licenciatura de Arquitectura de la Universidad Veracruzana con el proyecto de tesis Campus Universitario en Medellín de Bravo, Ver. Cursó la maestría en Arquitectura por la Universidad Veracruzana y se tituló con la tesis La construcción simbólica del Barrio de San José en Xalapa, Ver. Docente de la especialidad de Dibujo Asistido por Computadora en el ICATVER, plantel Xalapa. Ha laborado en diferentes estudios de arquitectura y diseño de interiores, vinculados al desarrollo de proyectos de complejos de hotelería y fraccionamientos habitacionales, así como espacios urbanos y de integración social. edoes83@hotmail.com

Hong Kong2

Joyce Wang es diseñadora de interiores originaria de Hong Kong, reconocida como una de las figuras más influyentes en el diseño de lujo contemporáneo. Educada en el Rhode Island School of Design y en Londres, su carrera refleja una fusión única de perspectivas culturales y profunda sensi bilidad artística.

A temprana edad, Wang mostró interés por la estética y la arquitectura. Su trabajo abarca una amplia gama de proyectos, desde residencias privadas hasta restaurantes y hoteles de lujo.

Desde su fundación en 2011, Joyce Wang Studio ha tenido un enfoque innovador y narrativo, transformando espacios en

Joyce Wang, Women of Power1

Haymarket,

experiencias inmersivas, consolidándose como voz destacada del diseño global.

Una constante en su obra es la habilidad para contar historias a través del diseño, creando espacios que dialogan con su entorno y usuarios.

Joyce ha exhibido sus diseños en importantes eventos internacionales y ha sido galardonada con múltiples premios, incluido el prestigioso “Restaurant & Bar Design Award”, este reconocimiento, además de destacar su talento, recalca su impacto en la redefinición del diseño interior de lujo incorporando diversos elementos culturales y materiales innovadores.

El estilo de Wang, conocido como neoartesanal, mezcla influencias modernistas con detalles hechos a mano. Este enfoque pone un énfasis especial en la materialidad y en la creación de experiencias sensoriales.

Sus proyectos utilizan una paleta de color que oscila entre tonos intensos (negro, burdeos y dorado) y neutros sofisticados, complementados con materiales como metal trabajado, mármol y madera lacada, combinación que crea espacios sofisticados y cálidos, invitando a la reflexión y la conexión emocional.

Su portafolio incluye obras destacadas como The Magistracy

The Flint Collection3

E por Equinox St.Jame’s, Londres4

y Mott 32, con sedes en Singapur, Hong Kong y Las Vegas, donde explora la intersección entre historia, cultura y diseño contemporáneo. También ha diseñado espacios como Equinox Hudson Yards y The Great Room Afro­Asia, además de colaborar en piezas de diseño artesanal con su Flint Collection.

Tattu

Un restaurante inspirado en la tradición asiática, reinterpretada a través de una visión contemporánea.

El diseño de Wang destaca por su atmósfera envolvente, lograda mediante una paleta de colores profundos y materiales como maderas lacadas, mármol y texturas metálicas.

Elementos escultóricos, como los cerezos metálicos, no solo decoran el espacio, también simbolizan la conexión cultural y actúan como piezas centrales

Mott 32, Hong Kong7

Tattu, Londres6

Fusión de Tradición y Modernidad

de la narrativa visual. La iluminación teatral juega un papel crucial, creando contrastes dramáticos que resaltan cada detalle, desde los acabados hasta los muebles. Este diseño combina opulencia y funcionalidad, ofreciendo una experiencia gastronómica que trasciende lo visual y conecta emocionalmente con el visitante.

Proyectos como Mott 32 guardan una estrecha relación con Tattu, al explorar narrativas culturales a través del diseño. Mientras que en Mott 32 se ce­

Tattu, Londres8

Tattu, Londres9

lebra la historia del comercio asiático mediante acabados industriales y lujosos, Tattu lleva esa narrativa al ámbito emocional, creando un espacio más íntimo y teatral.

Lo que hace especial a Joyce Wang es su capacidad para traducir conceptos complejos en diseños accesibles y cautivadores. Su obra no solo embellece espacios, sino que también invita al usuario a experimentar una conexión profunda con el entorno. Tattu resulta inspirador porque demuestra cómo el

Mott 32, Cebú5

Tattu, Londres10, 11, 12

diseño puede transformar lo cotidiano en arte, equilibrando elementos estéticos y funcionales sin perder de vista la sensibilidad cultural.

El trabajo de Joyce Wang en Tattu y sus otros proyectos emblemáticos como Mott 32, recuerdan que el diseño de interiores puede trascender la estética, conectando a las personas con emociones y tradiciones de maneras que enriquecen sus vidas.

Imágenes

1 Wang, J. (2022). Women of Power. Fuente: https://www.instagram.com/p/ Cl5VLdurjb7/?utm_source=ig_web_copy_link&igsh=MzRlODBiNWFlZA==

2 Wang, J. (2022). Haymarket, Hong Kong [fotografía]. Fuente: https://joycewangstudio.com/design/haymarket­the­jockey­club/

3 Wang, J. (2022). The Flint Collection [fotografía]. Fuente: https://joycewangstudio.com/bespoke/the­flint­collection/

4 Wang, J. (2018). E por Equinox St. Jame’s, Londres [fotografía]. Fuente: https://joycewangstudio.com/design/

5 Wang, J. (2022). Mott 32, Cebú [fotografía]. Fuente: https://joycewangstudio.com/design/

6 Wang, J. (2022). Tattu, Londres [fotografía]. Fuente: https://joycewangstudio.com/design/tattu/

7 Wang, J. (2022). Mott 32, Hong Kong [fotografía]. Fuente: https://joycewangstudio.com/design/mott­32­3/

8­12 Wang, J. (2022). Tattu, Londres [fotografía]. Fuente: https://joycewangstudio.com/design/tattu/

AUTORA

Andrea Lorelei Campos Luna

didácticas para el aprendizaje en

En la composición arquitectónica, como en la música, el orden se comprende a través del ritmo. El ritmo se expresa en el fluir de una parte hacia otra, de una masa hacia otra, en la aparición y reaparición de ciertas proporciones… Sin orden no hay arquitectura; sin composición rítmica no puede existir una arquitectura verdaderamente vital.

Irving

La finalidad de este artículo es demostrar la importancia del uso de la trama geométrica en la composición arquitectónica a partir de la dinámica de un concurso de arquitectura llevada a cabo en una universidad privada en Xalapa, Ver.; teniendo como objetivo principal que el estudiante aplique en un mural los principios de composición de una trama geométrica en tres dimensiones, mostrando los valores arquitectónicos de un estilo arquitectónico determinado.

La retícula geométrica como herramienta en la composición arquitectónica posibilita la integración de principios de la forma como orden, ritmo, simetría, jerarquía, los cuales son fundamentales en el dise­

ño arquitectónico en diversas escalas que van desde la propuesta de una planta arquitectónica o una fachada, hasta la planeación urbana de una ciudad entera, así como también sirve de eje para regir orden y coherencia estructural, sin mencionar su importancia al optimizar el uso de materiales al modular las proporciones en diferentes usos en la construcción.

En el diseño de interiores, la aplicación de la trama arquitectónica se puede presentar en el diseño de patrones geométricos que funcionen como elemento rector de la decoración en elementos que van desde textiles, recubrimientos de muros, accesorios como lámparas o almohadas, por ejemplo.

mano libre

Palabras clave: Experiencia académica

Composición arquitectónica

Línea: Difusión de proyectos

Enfoque: Retrospectivo

K. Pond, en Industrial Chicago: The Building Interests (1906).

Propuesta de vanguardia en acabados. Estilo Gótico. 4º semestre, Arq.

Denisse González A.

María Rubí Juan H.

José Manuel Valencia H. Edgar Hernández S. Hannia Torres P.

Emiliano Jiménez M. Ricardo Rivera M. Carlos Ruiz E.

Estilo contemporáneo. 8º semestre, Arq.

Adriana Aguilar M. Nancy Naomi Chipol C. Yazmin Cruz R.

Mildred Itzel Guevara M. Diego Hernández C. José Luis López F.

Marco A. Rodríguez M. Rafael Romero M.

En consecuencia, el uso de la trama geométrica es de gran importancia en la práctica profesional del arquitecto, por lo tanto, su enseñanza en las universidades debe estar siempre presente en los contenidos temáticos, prácticas y ejercicios de clases; sin embargo, la aplicación de los saberes teóricos de la arquitectura vinculados a la parte práctica del aprendizaje de la arquitectura es tan variado y complejo que la aplicación de los fundamentos teóricos puede caer en ocasiones diferentes juicios de valor y aplicación según la libertad de cátedra.

Por lo tanto, para la enseñanza de arquitectura a nivel superior es indispensable que dentro de la formación profesional de los alumnos estén integradas herramientas de diseño que le permitirán desarrollar sus ideas en proyectos con fundamentos teóricos y en el análisis de conceptos de forma y estructura.

Innovación en su propuesta de estilo. Estilo ecléctico. 6º semestre, Arq.

Karla D. Martínez H. Michel González S. Amairani Pérez Mixtega Arli Levi Palomares M. Nohemí Martínez J. Karen Lizbeth Limón J.

Como se mencionó en un principio, se describe la experiencia educativa desarrollada en una institución de educación superior, en la cual fue realizado un concurso de arquitectura en el cual se incentivó a los alumnos para elaborar un mural utilizando como base una trama geométrica que representara un estilo arquitectónico a partir de fundamentos teóricos, conceptos, ideas o formas arquitectónicas.

Entre las propuestas presentadas se mostraron murales de estilo histórico pertenecientes al gótico, barroco, islámico, así como tendencias más recien­

Tercer lugar4

Estilo griego.

4º semestre, Arq.

Jairo Javier Martínez C.

Ángel David Zabaleta M.

Kathya Peña Rincón

Edgar Omar Ortega S.

Karina Itzel Juan S.

Maximiliano Ruiz C.

Rene Israel Hernández C.

Erick Yael Flores A.

tes como el brutalismo, el minimalismo y el contemporáneo por mencionar algunos.

Desarrollo de la actividad: los alumnos presentaron su propuesta de mural utilizando materiales ligeros, la propuesta sería colocada en la explanada principal de la universidad para ser mostrada ante toda la comunidad estudiantil.

Lineamientos: mostrar la interpretación del estilo con la mayor claridad en una propuesta que midiera aproximadamente 1.44 m2.

AUTOR

M. Arq. Eduardo Domínguez Espinosa

Imágenes

1 Emiliano Jiménez Montero, 2025.

2 Elaboración propia, 2025

3 Nohemí Martínez Justo, 2025

4 Elaboración propia, 2025

La elección de los colores fue una de las principales variantes utilizadas para enfatizar la relación con el estilo arquitectónico teniendo como objetivo expresar los materiales constructivos, elementos decorativos, así como conceptos fundamentales o ideologías. Así mismo, a modo de enriquecer el lenguaje volumétrico y arquitectónico de cada propuesta se realizó un análisis para aprovechar al máximo las cualidades lumínicas del espacio a colocar cada mural, del mismo modo que fue tomado con mucho énfasis la percepción visual y los diferentes puntos de visión del observador.

Es importante destacar que dentro del desarrollo de las propuestas los alumnos de segundo, cuarto, sexto y octavo semestres, mostraron un gran desempeño presentando diversos valores entre los que destacan: el carácter humano al mostrar el trabajo colaborativo, liderazgo, compromiso, fomento a la creatividad, destreza y sensibilidad para desarrollar de manera manual modelos con gran calidad, sin dejar de mencionar la capacidad de análisis de conceptos teóricos pertenecientes al estudio de formas del estilo arquitectónico. Por último, habilidad en el manejo del trazo geométrico aplicando conceptos de orden, simetría, ritmo y jerarquía de formas.

a mano libre

acercamiento al diseño de interiores

Tejido de experiencias sensoriales a través de la generación de atmósferas

¿Un aroma, un objeto o un espacio te ha trasladado al recuerdo de algún viaje, a la casa de los abuelos o de tus padres, a un momento inolvidable?

Existen momentos que traen recuerdos significativos, a través de los sentidos, ese aroma de flores, el café, un espacio iluminado con diferentes colores o la comida, evocan recuerdos que han sido memorables en algún momento de la vida y que producen bienestar. Los espacios no solo se habitan, se viven de manera sensorial, con el cuerpo; al mirar, tocar, oler, degustar y escuchar, lo cual invita a realizar el siguiente cuestionamiento, ¿por qué en algunos lugares el hombre se siente como en casa, aunque se encuentre lejos de su hogar?, porque ese espacio activa los sentidos y la memoria, es decir la memoria sensorial conecta los sentidos con los recuerdos.

Memoria sensorial

Los conceptos de memoria y su influencia en las vivencias del hombre, son hechos que se han almacenado y se conectan con los sentidos; de acuerdo con Forigua (2019), se han descrito como el almacén en donde se recopila —durante lapsos de tiempo muy cortos—, la infor­

mación que proviene de los sentidos para luego ser llevada a la memoria a corto plazo.* Allí se almacena, por ejemplo, la información visual o la auditiva que experimentamos en el presente y que se desvanece luego de milésimas de segundo (p. 41).

* “La memoria a corto plazo es la que nos permite ser conscientes de los hechos que vivenciamos en tiempo presente durante ventanas temporales de unos cuantos segundos” (Forigua, 2019, p. 41).

Gorbunova1

El diseño activa los recuerdos del ser humano, cuando está en un espacio que es parte de él; Borch (2012, p. 25) dice que: Cuando entramos en un espacio, el espacio entra en nosotros, y la experiencia es, esencialmente, un intercambio y una fusión entre el objeto y el sujeto

El espacio se vincula con el cuerpo y con la memoria, pues al

encontrarse el sujeto con el entorno, se genera una experiencia única que se vive tanto al sentirlo como al interpretarlo.

Lo expuesto anteriormente, conduce a reflexionar sobre las herramientas que se requieren en el diseño sensorial, que es posible aplicarlo en un espacio con el fin de generar diferentes atmósferas (ver Figura 1).

Figura 1

Herramientas para el diseño sensorial y generación de atmósferas

Temperatura

Factor ambiental que através de objetos, color, iluminación, ventilación, etc., influyen en la experiencia del espacio.

Sonido

Componentes naturales: agua, hojas, fauna. Música seleccionada que evoque diferentes sensaciones.

Texturas y materiales

Superficies con diferentes texturas que evoquen una amplia gama de sensaciones táctiles y hápticas.

Fuente: Elaboración propia (2025).

Luz y color

Temperatura de iluminación, fuente de luz fría, neutra, cálida. Paleta de colores de acuerdo al brief de tipología del espacio.

Olfato

Esencias naturales, materiales con aroma, vegetación, difusores.

Organización del espacio

Recorrido del espacio, cambio de dirección, ritmo, desniveles, que generan experiencias que influyen en cómo lo percibimos y lo vivimos.

Un estímulo sensorial se detona con cambios en el medio ambiente y de las experiencias percibidas a través del medio en el que el ser humano se encuentra, de acuerdo con Forigua (2019, p. 16):

Cualquier cambio de energía en el ambiente puede ser detectado por los sentidos de un organismo. Existen diferentes fuentes de energía que son capaces de producir experiencias en los sistemas sensoriales de los humanos. Estímulos como luz, corriente eléctrica, ondas sonoras, componentes químicos, temperatura, entre otros.

Kim2

Crear atmósferas con sentido Generar atmósferas es más que un espacio funcional y estético, se debe realizar un análisis detallado de lo que se quiere transmitir en ese espacio, contar historias, mantener la calma, generar bienestar y salud mental; es un proceso de estudio del espacio de los actores que van a habitarlo, va más allá de solo ver y escuchar, es sentir y recordar.

La atmósfera es algo mental, una propiedad o característica de la experiencia que se encuentra suspendida entre el objeto y el sujeto. Paradójicamente, captamos la atmósfera de un lugar antes de identificar sus detalles o comprenderlo intelectualmente. De hecho, puede que seamos completamente incapaces de decir algo significativo sobre las características de una situación, y aun así tener una imagen clara y un recuerdo firme de ella, así como una actitud emotiva hacia lo vivido (Borch, 2014, p. 26).

Espacios llenos de recuerdos inolvidables

La tarea de los diseñadores y arquitectos es replantear los

procesos de diseño en los espacios sensoriales que generen recuerdos, prestando atención a los detalles, con sentido y significado.

Además de proponer en el diseño de los espacios interiores nuevas experiencias que fortalezcan nuestra existencia como lo dice Pallasmaa (2014, p. 32):

La arquitectura fortalece la experiencia existencial, el sentido de cada uno de ser en el mundo, y esto constituye fundamentalmente una experiencia fortalecida del yo. En lugar de apelar meramente a los clásicos cinco sentidos, la arquitectura implica varios ámbitos de la experiencia sensorial que interactúan y se fusionan uno en el otro.

Cabe destacar que los principios en el diseño sensorial no

Referencias

AUTORA

Mtra. Doni

Alejandra

Flores Morales

son suficientes para construir atmósferas que enriquezcan la experiencia en el espacio, es fundamental implementar criterios sustentables, materiales amigables con el medio ambiente e innovadores para que el espacio construya a experiencias únicas a la memoria. Estos aspectos no solo enriquecen la percepción del ser humano, también contribuyen a un vínculo del ser humano con el medio ambiente, la función y el espacio, que impactan la percepción de ser y existir, usando más que los sentidos, para construir una experiencia que sea integral, es fundamental la interacción con el espacio, para que transforme recuerdos únicos y significativos. Los espacios habitados son reflejo del mismo ser humano, al sentir y comprender su propia existencia en el mundo.

Borch, C. (Ed.) (2014) Architectural atmospheres: On the experience and politics of architecture. Walter de Gruyter GmbH. https://ebookcentral.proquest.com/lib/anahuac­ebooks/detail.action?docID=1433430

Forigua, J. C. (2018) Atención, sensación y percepción. Fundación Universitaria del Área Andina. https://digitk.areandina.edu.co/bitstreams/05a0233c­6fb7­ 44c095b8­65c57a816977/download

Pallasmaa, J. (2014) Los ojos de la piel. La arquitectura de los sentidos. Barcelona: Editorial Gustavo Gili, 2010. Segunda edición. Imágenes

1 Gorbunova, Y. (13 de febrero de 2021). https://unsplash.com/es/fotos/taza­de­vidrio­transparente­con­liquido­marron­ZnA91kW8kCg

2 Kim, B. (27 de abril de 2020). https://unsplash.com/es/fotos/juego­de­sofa­floralblanco­y­marron­eGGq­XOXsE4

platicando con:

EFE | EME Arquitectos

Damos la bienvenida al equipo de EFEEME Arquitectos en esta entrevista especial para la Revista Digital ACALIA. Agradecemos su disposición para compartir su experiencia, visión creativa y los valores que inspiran su trabajo. Su participación permite acercar a los lectores a nuevas formas de entender el diseño desde una mirada sensible y funcional.

Origen Creativo, artículos de bijou1

Marina Alves Carneiro

Flavio Diaz

ACALIA (A): EFE | EME, gracias por acompañarnos y enriquecer esta conversación sobre la arquitectura contemporánea.

Arq. Marina Alves Carneiro (MAC): Muchas gracias. Es un verdadero lujo y gusto para nosotros recibir esta invitación. Estamos muy contentos de formar parte de esta edición y agradecemos profundamente el espacio que nos brindan en su revista.

A: Para comenzar, nos gustaría conocer más sobre los orígenes del despacho y su vocación profesional. ¿Cómo y cuándo surge EFE | EME Arquitectos?

MAC: Nos conocimos en la facultad, llevamos muchos años trabajando juntos, más años colaborando que no haciéndolo. Somos equipo desde entonces. Abrimos el estudio en 2011, al graduarnos, en Villa María, una ciudad de cien mil habitantes, ubicada en el centro geográfico de la República Argentina, lo que solemos llamar el interior del interior. Dimos los primeros pasos profesionales, y gran parte de nuestra obra y proceso de diseño, en ese contexto

geográfico y socioeconómico, el cual ha influido notablemente en nuestra manera de ejercer la profesión.

A: Entonces, ¿fue una decisión planificada o algo que se fue dando de forma natural?

MAC: Diríamos que una combinación de ambas cosas: algo planificado, pero también bastante natural. Nos recibimos a los 25 años y, aunque teníamos ofertas para trabajar con profesores, siempre fuimos muy lanzados, por lo que dijimos: “abramos el estudio, veamos qué pasa”, con la idea de que, si no funcionaba, siempre tendríamos otras oportunidades. El contexto, nuestras ganas y algo de casualidad nos empujaron. Al principio trabajamos principalmente en el ámbito residencial, y hace unos años, casi por accidente, comenzamos a enfocarnos en lo comercial. Así que sí, fue una mezcla de decisión y de dejarse llevar por lo que se fue dando.

Arq. Flavio Diaz (FD): En realidad, lo único que planificamos fue abrir el estudio; todo lo demás se fue dando sobre la

platicando con:

marcha. No venimos de familias de arquitectos ni teníamos una red previa, así que comenzamos desde cero, abriéndonos camino por cuenta propia. Además, trabajar en una ciudad pequeña como Villa María implicó el desafío adicional de educar al cliente sobre el valor del diseño y su impacto en la plusvalía de los proyectos. Lo nos exigió, por un lado, valentía para hacer las cosas de una manera diferente y, por otro, un compromiso con la formación del cliente. Esa intención de romper con lo establecido terminó convirtiéndose, de alguna forma, en nuestro lema.

A: ¿Y cuáles fueron las motivaciones o referentes que marcaron sus primeros pasos en el diseño de interiores?

MAC: Es una pregunta compleja, nuestro proceso ha sido una evolución constante, nuestros referentes han ido cambiando y mutando con el tiempo. Somos multidisciplinarios, nuestras inspiraciones no nada más provienen de la arquitectura, también del cine, la literatura y la música. Los referentes que teníamos en la facultad, ligados al constructivismo y al eurocentrismo, poco tienen que ver con nuestra realidad actual y el contexto latinoamericano. Cuando nos graduamos, descubrimos que nuestro entorno socio­cultural nos llevó a buscar referentes locales, que reflejan nuestra identidad y experiencia. No solo una guía que haya marcado todo el camino, aunque figuras como la arquitecta Lina Bo Bardi han sido ins­

Isabel de la Cruz, restobar2, 3, 4

piraciones importantes, más en un sentido espiritual que estrictamente arquitectónico.

FD: Nunca fuimos fanáticos de un solo arquitecto, estudiamos a muchos y de cada uno aprendimos algo. En la facultad nos inclinábamos más hacia Zaha y Gehry, debido a su enfoque constructivista y su forma de pensar en lo diferente. Después nos acercamos a referentes latinoamericanos como Lina Bo Bardi, Rogelio Salmona y otros que representan mejor nuestra identidad y contexto.

MAC: Sí, los grandes referentes latinoamericanos existen y no tienen nada que envidiar a los de otras latitudes. Esto habla de nuestra identidad como latinoamericanos y de cómo pode­

mos crear con los recursos que tenemos.

A: Es admirable destacar y poner en alto a Latinoamérica.

MAC: Totalmente. En EFE | EME defendemos tres grandes ejes que guían nuestro proceso de diseño, uno es la inteligencia artesanal, consideramos que es un acto político y una forma de reivindicar nuestra identidad latinoamericana, argentina y federal; nos sentimos partícipes de ella, y pensamos que esta entrevista no es casualidad. Hay un lenguaje común que nos une, una cercanía basada en las raíces latinoamericanas que compartimos.

A: Quién no se ha admirado por la arquitectura internacional y

sus grandes figuras, pero al voltear hacia Latinoamérica, vemos en referentes como Bo Bardi o Salmona, pro yectos con un sello único e identidad propia. Como latinos, no tenemos nada que envidiar; hay que trabajar con lo que tenemos. Eso es justo lo que distinguimos en su despacho: un sello particular que refleja calidad y carácter de arquitectura y espacios latinoamericanos.

MAC: Gracias por esa devolución. Hace un tiempo alguien nos descubrió por casualidad y dijo que nuestros proyectos tienen alma. Creemos que ahí está la diferencia: no reproducimos estilos vacíos, sin contexto, partimos de un arraigo fuerte a lo que somos. Desde esa identidad, nuestro trabajo representa una postura política, por eso nuestros proyectos reflejan esa alma que identifica y conecta con otros.

A: ¿Recuerdan algún proyecto que haya sido un parteaguas decisivo en su formación profesional?

FD: El proyecto parteaguas en nuestra formación fue el primer local comercialque diseñamos: un bar, para un cliente que valoraba nuestra creatividad y

Zo Nikkei restaurant5, 6

estilo diferente. El primer dise ño fue muy ambicioso, afortunadamente, el cliente rechazó el proyecto original, en ese momento no estábamos preparados para ejecutarlo. Con el tiempo, logramos hacer un bar innovador en Villa María, que fue pionero por su diseño integral, incluso en la identidad gráfica. Gracias al éxito de ese primer proyecto, el cliente nos buscó para un segundo bar, en ese momento contábamos con más experiencia y recursos para demostrar lo que podíamos hacer.

MAC: Este bar nos abrió la puerta al sector comercial, muy diferente al residencial, tanto en

el tipo de cliente como en la temporalidad de los proyectos. Encontramos un nicho donde podíamos ser muy creativos, ya que las reglas eran distintas y las libertades mayores que en la vivienda. Así, nos volcamos al retail y dejamos a un lado la residencia por un tiempo, sumergiéndonos en proyectos muy variados: desde un pequeño local de ropa hasta verdulerías y ópticas, con diferentes escalas y presupuestos muy limitados. Esto nos llevó a experimentar con materiales para aprovechar al máximo cada presupuesto, convirtiendo esta experimentación en una marca registrada del estudio. Aunque en un inicio todo fue un poco por casualidad, esa serendipia fue lo que nos guió y hoy define nuestro proceso de di­

Fristo, mercado de congelados7, 8

seño y nuestra identidad como estudio.

A: Lograron algo maravilloso al atender necesidades diversas, más allá del cliente ideal. Gran parte del éxito está en su capacidad para traducir esas necesidades en proyectos que combinan funcionalidad con la búsqueda creativa de materiales y composición. En sus obras se nota la presencia artística, incluso influencias musicales y poéticas, que se perciben en varios de sus locales. Además, no hay proyecto pequeño, los espacios reducidos y los presupuestos ajustados representan grandes retos, pero todos merecen buena arquitectura. Felicidades por enfrentar esos

desafíos con tanto talento. La práctica profesional enfrenta retos que moldean su carácter y dirección. En su caso, ¿qué desafíos importantes han enfrentado al desarrollar su trabajo en un contexto como el de Villa María, lejos de grandes centros urbanos?

MAC: Para nosotros es fundamental utilizar el error como método de aprendizaje. Ese fue nuestro norte inicial, y con el tiempo aprendimos a aprovecharlo y transformarlo en algo positivo.

FD: Trabajar en una ciudad de esta escala permitió tener un margen para ensayar y experimentar directamente en obra;

Picca, tienda de pastas9, 10

aprendimos haciendo, “pensando con las manos”. Esa escala también implicó enfrentar errores, como el local de una fábrica de pastas donde construimos una cúpula paramétrica antes de que esa tecnología estuviera difundida, haciéndolo casi de forma artesanal; decidimos construir esa cúpula colgando 1,954 palos de escoba, en representación del año de fundación. Esa cantidad de escobas es el equivalente a lo que los proveedores venden en un año en toda la ciudad, esto propició buscar afuera. Desde entonces, en nuestros proyectos explotamos al máximo materiales simples como el palo de escoba, explorando todas sus posibilidades expresivas. Esta necesidad de conseguir materiales fuera del interior obligó a desarrollar una gran capacidad de resolución rápida y creatividad, ya que a menudo recibíamos los recursos justo antes de las inauguraciones y debíamos resolver imprevistos con agilidad.

MAC: Nos dimos cuenta de que debíamos tener un laboratorio con materiales para anticipar y prever la mayoría de los pro­

blemas que podrían surgir en obra, la experimentación implica un riesgo de 50/50, y este es un acuerdo tácito con nuestros clientes: si sale bien, compartimos el éxito; si sale mal, compartimos el fracaso. Con el laboratorio podemos manejar el riesgo, mientras nuestra capacidad de adaptación y la creatividad nos permiten resolver los imprevistos que inevitablemente aparecen. Así, desde el principio, el error ha sido nuestro norte, un método de aprendizaje y una de las bases de nuestro trabajo. Los retos siempre aparecen, y son parte del desafío que nos planteamos para que el proceso creativo no pierda su carácter divertido. Para nosotros, cuando la arquitectura deja de ser divertida, pierde pasión y ganas de seguir creando. Por lo cual, hacemos del acto creativo algo lúdico y es una constante estrategia para mantenernos motivados. Disfrutamos experimentar todos los días, incluso en cosas pequeñas como ir a una ferretería y probar diversos materiales; el acto creativo no tiene escala y desde siempre ha sido parte de nuestra vida diaria.

platicando con:

A: Es muy interesante que se den la oportunidad de experimentar y de hacer que los materiales hablen de manera diferente, creando escenarios para la vida. ¿Cómo equilibran esa innovación con las restricciones propias de los encargos comerciales, como presupuestos ajustados, tiempos cortos y la funcionalidad del negocio?

MAC: La innovación y las restricciones están inherentemente ligadas, especialmente en el sector comercial, donde el presupuesto es una limitante innegociable debido a la naturaleza de inversión del negocio. A diferencia del sector residen­

San Cayetano panadería11, 12

cial, en comercial sabes desde el inicio que el presupuesto será una de las principales restricciones creativas.

FD: Aprovechamos materiales alternativos y muy económicos, explorando al máximo sus capacidades constructivas, estructurales y poéticas. De esta manera, respondemos creativamente a las demandas y restricciones del proyecto, con lo que logramos resultados únicos y accesibles.

MAC: Esa restricción, que al principio parecía un obstáculo, la supimos convertir en un acto creativo y la incorporamos al proceso de diseño. Cuando sabes que algo es inevitable, es mejor aceptarlo y aprovecharlo en lugar de resistirte.

A: Sí, finalmente potenciamos lo que era una restricción convirtiéndola en un acto creativo.

FD: En el caso de la cúpula con palos de escoba, queríamos darle un sentido intencional. Aunque los palos están hechos de maderas duras y caras, al comprarlos ya procesados resultó más económico que ad­

quirir la madera en bruto, usamos algunas de las mejores maderas del país a bajo costo, ya que son un desperdicio en ese formato. Nos interesa trabajar con materiales alternativos y económicos, siempre con el mismo cuidado y detalle que se daría a un mármol caro. Estudiamos todo, cada encuentro, cómo esconder uniones, la iluminación, y valoramos al máximo estos recursos.

MAC: Potenciamos porque, al hacer arquitectura experiencial, lo importante es lo que transmite el material elegido, no su precio. No hace falta usar mármol caro para transmitir frialdad; cuando entiendes la poética del material y su diálogo con el espacio, puedes renunciar al costo para enfocarte en lo que realmente comunica y aporta a la habitabilidad. Esto da un margen creativo para explorar y surfear con diversas materialidades en nuestros proyectos.

A: Hablando de su atención al detalle y del uso expresivo de los materiales, nos gustaría profundizar en cómo abordan el diseño.

¿Qué importancia tiene para ustedes crear una experiencia para el usuario o visitante en los espacios que diseñan?

MAC: Para que un espacio funcione debe incluir al usuario en el acto creativo. No basta con nuestra intención como diseñadores; el usuario debe tener libertad para interpretar y participar en la experiencia. Esto evita la sobre intelectualización que a veces hay en la arquitectura para arquitectos y mantiene el enfoque en quienes realmente usan el espacio. Un ejemplo fue esa cúpula: los visitantes interpretaban ese espacio de distintas maneras, haciendo compartido y memorable el acto creativo para todos, no nada más para especialistas. Con lo que logramos diálogo horizontal, haciendo un

diseño experiencial accesible y significativo para todos.

A: Hablando de materialidad, lo que resulta interesante es que usan materiales, sin importar su costo, para contar historias y crear atmósferas que enriquecen la experiencia del espacio.

MAC: En nuestro proceso de diseño, partimos de un concepto principal acompañado de tres palabras clave que guían y mantienen el rumbo creativo.

Aunque nos entusiasma explorar muchas ideas, solo las que responden a esas palabras clave se mantienen; las demás se descartan, no por ser malas, sino porque no transmiten lo que buscamos para ese espacio, momento o marca. Esta metodología ayuda a seleccionar ideas con sentido y evita que el diseño se convierta en un capricho arquitectónico.

A: En sus proyectos, ¿cómo articulan la relación entre el diseño, el recorrido del usuario y la percepción del espacio?

ta entre el concepto, el material y espacio real. Nuestra postura política es que no existe lo virtual, sino lo real; por eso trabajamos con la materialidad y su poética para que el espacio, una vez construido, transmita auténticamente lo que buscamos. Sabemos que detalles como el acabado o el estado de la madera impactan en la experiencia, sutilezas que la virtualidad no puede reemplazar.

FD: También concebimos los interiores como arquitectura, aplicando composición, ritmo, y juego de luces y sombras en el diseño. Buscamos que los usuarios, al moverse aunque sea por unos centímetros, descubra nuevas perspectivas, haciendo que la experiencia de entrar y explorar el espacio siempre sea interesante y dinámica.

MAC: Es una triangulación constante que se retroalimen­

A: Evidentemente hacen arquitectura de interiores, no simple decoración. Muchas veces se subestima esta disciplina, pero en realidad implica todos los elementos esenciales de la arquitectura y va incluso más allá, porque es donde el usuario entra en contacto directo

con el espacio y lo experimenta con todos los sentidos.

FD: Totalmente de acuerdo. El interiorismo o arquitectura para interiores es lo que realmente da vida y habitabilidad a los edificios. Sin él, serían solo cajas vacías valoradas únicamente por fuera. Pensamos que los espacios cobran sentido al ser habitados, y diseñarlos pensando en quien los vivirá es fundamental para nosotros.

A: Desde su experiencia, ¿cómo perciben la transformación actual en la arquitectura y el diseño de interiores? ¿Qué papel creen que tiene hoy el arquitecto o interiorista frente a los cambios tecnológicos, culturales y sociales?

MAC: El contexto profesional ha cambiado, y lo ha hecho gracias a que el propio arquitecto se permitió ampliar su mirada. Cuando estudiábamos, el interiorismo no era visto en la arquitectura, se enseñaba desde un enfoque limitado, más ligado a la decoración que al diseño espacial. Sin embargo, con el tiempo se empezó a compren­

Montalbetti, óptica13

der que el rol del arquitecto tiene distintas escalas y formas de manifestarse: el valor del acto creativo no está solo en construir un museo o una gran obra, sino también en los espacios íntimos, cotidianos, efímeros. Una instalación de pocos metros que transforma la experiencia del usuario puede tener tanto valor como una obra de mayor escala. La arquitectura también es eso: una forma de generar impacto, sin importar su duración, escala o presupuesto, la habitabilidad es clave, como dice Flavio. Esto

platicando con:

ha ampliado el rol de los arquitectos y de los interioristas, reconociendo la arquitectura interior como un campo valioso dentro de la formación y práctica profesional. En Argentina, el cambio se refleja en un mayor respeto y aceptación institucional hacia quienes trabajan en estos espacios, esto fortalece la transmisión del conocimiento y la comunicación efectiva del mensaje arquitectónico.

A: A nivel académico, y especialmente tras la pandemia, ha habido un giro importante hacia valorar más los espacios interiores. El confinamiento hizo evidente que habitar un lu­

gar no basta, si ese espacio no genera sensaciones y diálogo con el usuario. Esta resignificación ha impactado la forma de proyectar interiores, buscando que los espacios conecten emocionalmente con los usuarios. ¿Ustedes, cómo han vivido ese cambio en la forma de proyectar con el paso del tiempo?

MAC: Nuestra forma de proyectar cambia constantemente y esperamos que así sea. Creemos que estancarse es como dejar de existir profesionalmente. Si haces lo mismo que hace un año, no aprendes ni evolucionas. El contexto cambia y evoluciona, y el diseño

Ponte Vecchio, casa de comidas14

debe reflejar esa transformación, diseñar igual que hace 10 años sería una locura.

FD: Las herramientas y la tecnología también evolucionan constantemente. Marina, por ejemplo, experimenta con biomateriales, y con la impresión 3D estamos explorando nuevas formas de expresión y posibilidades. Cada avance invita a investigar e incorporar nuevas herramientas, lo que naturalmente impulsa cambios en nuestra manera de diseñar.

MAC: Tener una constante necesidad de aprendizaje es clave. Reconocer que no sabemos todo permite no tener techo y estar siempre abiertos a nuevas experiencias y conocimientos. Quien cree que ya sabe todo, en realidad se limita a sí mismo.

A: ¿Qué consideran que debe fortalecerse en la enseñanza de la arquitectura y del diseño de interiores?

FD: Antes, el arquitecto diseñaba todo, desde la obra hasta los detalles interiores, transmitiendo un concepto integral.

Con el tiempo, los roles se especializaron y separaron, esto tiene pros y contras. Hoy, en arquitectura se ha perdido un poco la visión completa, por lo que sería valioso que la enseñanza retomara desde la facultad el enfoque del arquitecto como creador integral.

MAC: Personalmente creo que es necesario reforzar lo transdisciplinar, eso potencia cualquier trabajo. Como latinoamericana, defiendo reconectar con los oficios para lograr una arquitectura más identitaria, coherente y sincera, que ofrece herramientas que la inteligencia artificial no puede reemplazar. Este contacto con el hacer es muy valorado por estudiantes y es algo que reivindicamos, pues somos “antihéroes” de la arquitectura, valoramos el proceso real y las dificultades detrás de las obras, no solo el resultado perfecto. Cuando uno va a la realidad, se percata de que lo que se muestra suele ser una pequeña par te, y lo que sale mal rara vez se muestra; por eso, tratamos de ser muy cautos al compartir el proceso real. Aprender a no abandonar ante el primer error

platicando con:

es fundamental: el error debe servir para mejorar y buscar alternativas. En Argentina, los profesionales carecen de preparación para enfrentar situaciones socioeconómicas inestables, donde la capacidad de ser recursivo es clave para evitar la fuga de talento.

A: Es fundamental que los estudiantes entiendan que la arquitectura es un quehacer humano, conectar con la realidad y las necesidades del usuario común, no solo con el cliente ideal. Es importante mostrar que todo el proceso, desde el primer dibujo hasta la construcción, es valioso y lleno de experiencias, más allá del producto final que se presenta en un concurso. La arquitectura es una orquesta donde cada participante, desde el proveedor de materiales hasta el último trabajador, contribuye a crear esa sinfonía que es el espacio construido.

MAC: Nos identificamos con arquitectos como Clorindo Testa, un referente del bruta lismo argentino, quien en sus conferencias destacaba sus éxitos, pero de igual manera hablaba

de todas las veces que había perdido concursos y enfrentado dificultades; esa transparencia sobre el proceso, con errores y fracasos, es algo que debería integrarse a la educación arquitectónica. Aunque no somos docentes de planta, en nuestras intervenciones académicas hemos notado que al compartir estas experiencias reales, los estudiantes se involucran profundamente y generan interés, lo que habla de la necesidad de mostrar el éxito, al igual que el camino de aprendizajes detrás de él.

A: Es fundamental que las nuevas generaciones entiendan que la arquitectura no es únicamente un asunto de estatus o fama personal, esta debe estar al servicio del bien común y de la sociedad. Hay un gran trabajo detrás de cada proyecto que muchas veces no se ve, y es importante que los futuros arquitectos sean conscientes de ello. No todos los usuarios tienen grandes recursos, pero todos merecen un espacio digno y agradable. Es importante humanizar tanto al arquitecto como a la arquitectura. Muchas veces se tiene la platicando con:

idea errónea de que el arquitecto solo busca mostrar la parte bonita, cuando en realidad detrás de cada proyecto hay una compleja resolución de problemas y un proceso lleno de desafíos. Mostrar el proceso real es fundamental para entender el verdadero trabajo y esfuerzo que implica llegar al resultado final.

MAC: La generación actual tiene poca tolerancia a la frustración debido a un contexto de inmediatez. Frente a la primera dificultad, muchos tienden a abandonar o a cambiar de rumbo. Por eso es importante humanizar al arquitecto y la arquitectura, y transmitir que el camino siempre tendrá obstáculos, pero no se debe desistir. Esta realidad aplica para toda licenciatura y es fundamental que los jóvenes lo entiendan para seguir adelante, pese a las dificultades.

A: Sí, y hablando de las nuevas generaciones, nos gustaría cerrar con un mensaje para los estudiantes de arquitectura o de arquitectura para interiores que sueñan con formar parte o iniciar su propio estudio.

MAC: Lo que me gustaría decir es que encuentren su propia voz, porque una vez que la descubran, harán cosas con alma. Y cuando uno hace cosas con alma, sabe que va a conectar y atravesar al otro, sin necesidad de explicarlo con palabras. Por eso, para mí, lo importante es encontrar esa voz, vivirla y defenderla como un estandarte en la vida.

FD: Creo que es muy importante encontrar su propia voz, pero también entender que no importa la escala ni el contexto en el cual desarrollen sus obras. Es posible crear nuevos discursos desde cualquier lugar, nuevas metodologías y un lenguaje propio. No deben ver el lugar como una carencia, sino como una trinchera crea­

platicando con:

Plazza, joyería15

Imágenes

tiva. Siempre hay que mantener una posición fuerte y fértil con lo que están haciendo, ya que eso es lo que realmente les permitirá crecer y dejar una huella auténtica.

A: La Revista Digital ACALIA les agradece compartir su experiencia y visión de la arquitectura. Sus reflexiones sobre el valor de la comunidad, el respeto por los materiales y la importancia de la dignidad en el diseño son realmente inspiradoras. Esta entrevista será de gran valor para nuestra comunidad lectora, en especial para

1­15 Fotografías: Gonzalo Viramonte.

1 Origen Creativo, artículos de bijou.

2­ 4 Isabel de la Cruz, restobar.

5­6 Zo Nikkei, restaurant.

7­8 Fristo, mercado de congelados.

9­10 Picca, tienda de pastas.

11­12 San Cayetano, panadería.

13 Montalbetti, óptica.

14 Ponte Vecchio, casa de comidas.

15 Plazza, joyería.

los estudiantes y los jóvenes profesionistas que enfrentan incertidumbre al comenzar su camino. Sus palabras demuestran que el aprendizaje constante y la perseverancia frente a los errores son fundamentales. Este espacio busca reconocer el trabajo significativo de despachos que, aunque no trabajen con firmas prestigiosas o no estén en grandes urbes, contribuyen de forma trascendente al campo de la arquitectura. Apreciamos su tiempo y su generosidad al abrirnos las puertas de su proceso y su universo creativo.

AUTORA

Arq. Rebecca Soriano Carmona

AUTORA Mtra. Irma Lozada Rincón

espacios que se sienten

NEURO ARQUITECTURA

cuando el entorno construido dialoga con la mente

El espacio no solo se habita, también se siente. Pensar desde la experiencia es diseñar con empatía.

Fotografía: Skyspace Lech por James Turrell. De: Florian Holzherr1

La arquitectura contemporánea ha comenzado a trascender su concepción meramente estética, reconociendo que el espacio y su diseño son capaces de transformar emociones, comportamientos y salud mental.

La neuroarquitectura puede definirse como una disciplina que integra conocimientos de las neurociencias en el diseño del espacio construido. Malato (2020, p. 17) establece que el objetivo principal de esta disciplina es lograr una comprensión más profunda del sistema nervioso y cognitivo humano.

Esta rama busca replantear elementos esenciales del lenguaje arquitectónico como el espacio interior, las transiciones, los materiales, las proporciones, la luz, y el color desde una perspectiva científica. Malato también menciona que la finalidad sensorial de la arquitectura de­

be responder a tres necesidades básicas que plantea la neurociencia: el movimiento, los estímulos sensoriales y la multiplicidad de experiencias, todos ellos vinculados a la cognición y en relación directa con el entorno construido.

Esta corriente fue impulsada por el neurocientífico Fred Gage y el arquitecto John P. Eberhard, quienes fundaron de la Academy of Neuroscience for Architecture (ANFA) con el propósito de estudiar cómo los espacios afectan la estructura y el funcionamiento del cerebro. Asimismo, vuelve a plantear el centro y la inspiración de donde parte cualquier proyecto es el usuario, y no el diseño o la forma, como normalmente se empieza a concebir.

Por otra parte, García­Luna y Dias (2021, p. 9) reiteran: La relación de nuestro subconsciente con nuestra percepción y reacción no siempre ocurre de manera simultánea o perceptible.

Lo cual sugiere que la manera en la que se percibe un espacio,

Sin título. De: Xiaoke Chen2

al entrar en él, es casi intuitiva y aunque los efectos no siempre evidentes de inmediato, estos pueden manifestarse en el estado de ánimo en el comportamiento del usuario. Por lo que es crucial el pensar cómo el lugar de trabajo —en donde se pasan jornadas, normalmente de ocho seguidas—, o el hogar pueden afectar a la salud del usuario.

Ochoa (2021) propone cinco principios básicos que permiten crear espacios estimulantes y alineados a la concepción de la neuroarquitectura:

• iluminación

• espacios verdes

• techos

• colores

• elementos arquitectónicos

Estos estímulos en conjunto fomentan la neuroplasticidad generando un impacto positivo en el cerebro del usuario. Para Triglia (2016) la neuroplasticidad: “Hace referencia al modo en el que nuestro sistema ner vioso cambia a partir de su interacción con el entorno.” Cada uno de estos principios básicos sigue una serie de reglas que son la clave para alcanzar el efecto

deseado en la relación entre el usuario y el espacio diseñado, por ejemplo, los colores y cómo repercuten directamente en el estado de ánimo.

Aunque la selección de una paleta de colores se capte más como una herramienta estética, también constituye una parte fundamental para crear sensaciones reconfortantes en el usuario, es bien sabido que también es importante tomar en cuenta otros factores que afectan directamente la manera en la que se identifican los colores, como las dimensiones del espacio, el tono de la luz —artificial o natural—, el entorno y la función del espacio. Desde evocar tranquilidad con tonos de azul hasta estimular la creatividad con amarillos vibrantes, la paleta de colores se convierte en una herramienta esencial para dar forma a la atmósfera y el estado de ánimo

Casa Battló por Gaudí. De: Claudia Maurino3

de los espacios arquitectónicos, Panigua (2023).

Otro factor importante es el diseño biofílico como mencionan García­Luna y Dias (2021, p. 17): La integración de la vegetación con la arquitectura es algo que indudablemente establece una conexión inmediata con lo natural. Aportan el verde… a los ambientes, purifican y aumentan la calidad del aire, mejoran la temperatura y la sensación de bienestar.

La exposición a entornos naturales está asociada con la reducción de los niveles de cortisol, la mejora del estado de ánimo, el aumento de la concentración y una recuperación cognitiva más rápida tras periodos de fatiga mental.

Entonces se genera la pregunta: ¿la forma es realmente necesaria o responde únicamente a una querencia?, para la neuroarquitectura la al tura de un techo, la forma de los vanos o la ortogonalidad de los muros son vitales. El diseño que estimula el movimiento y la fluidez en el recorrido del espacio pueden inducir respuestas positivas a nivel cognitivo y emocional en el usuario.

Malato (2020, p. 46) muestra que:

Las personas situadas en un espacio relativamente alto tienen mayor índice de éxito en actividades que requieran un proceso relacional y creativo que suponga discernir información de distinto origen y encontrar vínculos entre diversas ideas.

Nido de Quetzalcoátl. De: Javier Senosiain4

Si bien las formas suaves en una edi ficación son visualmente atractivas y diferentes, también generan un impacto profundo en la manera en la que se procesa el entorno, los ángulos curvos no son únicamente modernos o admirables por la dificultad de su ejecución, volviéndose relajantes sutiles.

Referencias

Canal (s. f.) señala que las líneas orgánicas transfieren placer y tran quilidad porque el cerebro puede interpretarlas de una manera más fácil, con fluidez y sin esfuerzo, a diferencia de las formas cerradas y puntiagudas que despiertan alerta de estrés en las personas.

Canal, M. (s. f.). La neuroarquitectura va a cambiar nuestro concepto de edificios (y nada va a ser lo mismo). El confidencial. https://www.elconfidencial.com/el­grito/2025­03­08/la­neuroarquitectura­va­a­cambiar­nuestros­edificios­y­nada­va­a­ser­lo­mismo_4080813/ García­Luna, A. y Dias A. (2021). Neuroarquitectura aplicada al proceso de diseño. Revista Internacional de Principios y Prácticas de diseño. https:// pure.udem.edu.mx/ws/portalfiles/portal/36627118/G21_10905Pruebadeimprenta.pdf

Malato, M. (2020). Neuroaquitectura, La neurociencia como herramienta de diseño. Universidad Politécnica de Madrid. https://oa.upm.es/63519/1/TFG_ Jun20_Malato_Aguera_Miguel.pdf

Ochoa, A. (2021). ¿Qué es la neuroarquitectura?. AD Magazine. https://www. admagazine.com/arquitectura/que­es­la­neuroarquitectura­20210916­9033­articulos

Panigua G. (2023). El color en la arquitectura: Creando emociones a través de la paleta. Toscana Arquitectos. https://toscanaarquitectos.com/el­color­en­la­arquitectura­creando­emociones­a­traves­de­la­paleta/ Triglia, A. (2016). Plasticidad cerebral (o neuroplasticidad): ¿Qué es?. Psicología y mente. https://psicologiaymente.com/neurociencias/plasticidad­cerebral­neuroplasticidad

AUTORA

Natalia V. Díaz Mata

Imágenes

1 Skyspace Lech por James Turrell (2018) Fotografía: Florian Holzherr. Fuente: https://haeusler­contemporary.com/james­turrell­skyspace­lech_en#gallery­5

2 Sin título. Fotografía tomada por Xiaoke Chen (sin fecha). Fuente: https:// www.admagazine.com/arquitectura/que­es­la­neuroarquitectura­20210916­9033­articulos

3 Casa Battló por Gaudí (sin fecha). Fotografía tomada por Claudia Maurino. Fuente: https://www.wallpaper.com/architecture/antoni­gaudi­casa­batllo­barcelona­spain

4 Nido de Quetzalcoátl por Javier Senosiain (sin fecha). Fotógrafo desconocido. Fuente: https://www.elnidodequetzalcoatl.com/interior

vanguardia constructiva

Diseño paramétrico

paramétrico paramétrico paramétrico paramétrico

paramétrico paramétrico paramétrico paramétrico

¿Qué es diseño paramétrico?

Si estás cansado de dibujar a mano y de no poder expresar tus ideas en un trazo o en un boceto por la magnitud de la complejidad, ¡este artículo es para ti!, dile adiós al diseño tradicional con lápiz y papel, y prepárate para el diseño asistido por computadora.

Jockey Club Innovation Tower. De: Zaha Hadid Architects1

¿Por qué hoy es tan utilizado el diseño paramétrico en disciplinas como arquitectura, diseño gráfico e industrial y más?

El diseño paramétrico es una herramienta poderosa que permite a los diseñadores explorar nuevas posibilidades creativas y optimizar sus procesos, adaptándose a las necesidades de un mundo cada vez más complejo y cambiante. En resumen, es un método de diseño asistido por computadora (Computer-Aided Design) que se basa en la definición de parámetros y reglas para generar formas y estructu ras.

En arquitectura, tales parámetros incluyen materiales, condiciones ambientales, dimen­

siones, e incluso aspectos más abstractos como la luz o la percepción humana. En sí, es la generación de geometrías con base en un conjunto de reglas y relaciones definidas matemáticamente.

¿Cómo es posible lograrlo? Mediante software especializado como Grasshopper para Rhino, Generative Components o Revit con Dynamo, por mencionar algunos. En ellos, los arquitectos no dibujan de forma estática, crean un sistema de relaciones que definen cómo esa forma puede cambiar y adaptarse a diferentes condiciones, por ejemplo: luz solar, ventilación, función, topografía, etc.; así, el diseño se vuelve flexible, interactivo y evolutivo.

Metropol Parasol. De: Jürgen Mayer2

Ventajas y desventajas

Ventajas

1. Libertad creativa: permite explorar un mayor rango de posibilidades de diseño y generar formas innovadoras sin limitaciones.

2. Eficiencia: automatiza partes del proceso de diseño, ahorrando tiempo y recursos.

3. Precisión: permite un control más minucioso sobre los detalles y las dimensiones del diseño.

4. Adaptabilidad a cambios: facilita ajustar el diseño a cambios en los requisitos o condiciones del proyecto.

Desventajas

1. Curva de aprendizaje: dominar el uso de las herramientas y establecer relaciones entre parámetros puede ser un proceso largo y complejo.

2. Rendimiento del software: en modelos complejos, el modelado puede ser lento y requerir un gran poder de procesamiento, no permitiendo su uso en cualquier tipo de ordenadores.

3. Falta de originalidad: sin saber programar, los resultados pueden ser repetitivos y/o a depender en exceso de algoritmos predefinidos.

4. Falta de intuición: puede no ser tan intuitivo para diseñadores acostumbrados a métodos más tradicionales.

Fundamentales para explorar nuevas posibilidades formales y funcionales.

1. Desarrollo de edificaciones innovadoras y tridimensionales: gracias a su capacidad de generar geometrías complejas que rompen esquemas tradicionales y que son ampliamente utilizadas para optimizar estructuras, ya que facilitan la mejora de resistencia, estabilidad y eficiencia en el uso de materiales.

Aplicaciones

2. Sostenibilidad: da soluciones precisas que reducen el impacto ambiental, al favorecer un uso racional de recursos y adaptar el diseño a condiciones específicas del entorno. Tiene aplicaciones importantes en el diseño de interiores, contribuyendo a la creación de espacios personalizados, funcionales y estéticamente únicos, ajustados a necesidades particulares.

Softwares más usados

1. Rhino + Grasshopper: de los más populares para diseño paramétrico en arquitectura, combinando modelación 3D de Rhino con lenguaje visual de programación de Grasshopper facilitan el proceso de diseño, con resultados impresionantes en arquitectura y en ingeniería industrial.

2. Revit: además de agilizar el proceso de diseño también se utiliza en el diseño paramétrico para la integración de modelos paramétricos con otros aspectos del diseño arquitectónico, en combinación con V­Ray e IA se obtienen mejores resultados.

Características clave

1. Uso de algoritmos: para definir las relaciones entre los elementos del diseño y generar formas complejas.

2. Flexibilidad y adaptabilidad: los parámetros pueden modificarse fácilmente, permitiendo explorar distintas opciones de diseño y adaptar el proyecto a diversos requisitos o condiciones.

3. Optimización: ayuda a mejorar el diseño en términos de eficiencia, materiales y costos, haciendo más práctico y fácil el proyecto.

4. Creación de formas complejas: permite crear formas orgánicas, irregulares y complejas que sería difícil diseñar con métodos tradicionales, lo que permite flexibilidad y originalidad.

Mercedes Benz Stadium Hok Atlanta3

Conclusión

Más que una moda, el diseño paramétrico representa un cambio profundo en la forma de pensar y producir arquitectura. No se trata solo de cambiar lápices por algoritmos,

sino de adoptar una nueva lógica: pensar en sistemas, relaciones y comportamientos. Lo que antes parecía imposible o ineficiente ahora se convierte en una oportunidad de diseño.

Referencias

https://www.autodeskjournal.com/que­es­diseno­parametrico­conceptos­aportes­ingenieria/ https://www.archdaily.mx/mx/02­118243/%25c2%25bfque­es­el­diseno­parametrico Imágenes

1 Jockey Club Innovation Tower. Zaha Hadid Architects. Fuente: (2014) https://www. zaha­hadid.com/architecture/jockey­club­innovation­tower/

2 Metropol Parasol. Jürgen Mayer. Fuente: (2011) https://arquitecturaviva.com/ obras/metropol­parasol

3 Mercedes Benz Stadium Hok Atlanta. Fuente: (2017) https://www.hok.com/projects/view/mercedes­benz­stadium/

4 Pabellón de origami. Fuente: (2016) https://talfriedman­com.translate.goog/origami­pavilion?_x_tr_sl=en&_x_tr_tl=es&_x_tr_hl=es&_x_tr_pto=tc

AUTOR

Arq. Santiago Muñoz León

Pabellón de origami4

hablando de vivienda

Acero en la arquitectura una perspectiva histórica – visual (primera

Ser docente de la asignatura

Criterios de dise ño estructu ral en acero, en 6° semestre de la licenciatura en arquitectura implica un papel fundamental en la formación de futuros arquitectos, guiándolos en la aprehensión de principios técnicos y conceptuales que rigen el uso del acero en la construcción. Si bien la tarea involucra la enseñanza de procedimientos de cálculo y análisis estructural, también es relevante la contextualización histórica y el desarrollo de habilidades para integrar la estructura como un elemento del diseño arquitectónico, promoviendo una visión que combine funcionalidad, resistencia y estética.

En el contexto de la enseñanza de la arquitectura en instituciones de educación superior, particularmente en las asignaturas dedicadas al estudio de estructuras, resulta esencial destacar la importancia de comprender la evolución his­

tórica de las estructuras de acero, más allá de su dimensión estrictamente técnica. Si bien el enfoque suele centrarse en los procedimientos de cálculo y análisis estructural, incorporar el estudio de la historiografía y de los avances en las aplicaciones del acero dentro de la arquitectura adquiere relevancia para su comprensión integral. Como señala la Enciclopedia Britannica:

El desarrollo de métodos de construcción en hierro y acero fue la innovación más importante en la arquitectura desde la antigüedad; estos métodos proporcionan estructuras más fuertes y elevadas con menos material que la piedra, el ladrillo o la madera (Britannica, 2025, p. [s. p.]).

Como docente de esta asig natura es necesario idear actividades que propicien en el estudiante su comprensión, así

parte)

que, con fines pedagógicos, como parte de la metodología de enseñanza, se han implementado herramientas didácticas dentro de las sesiones de clases tales como videoconferencias y elaboración de líneas de tiempo, que permiten identificar y visualizar los hitos más relevantes en el desarrollo de las estructuras de acero, particularmente en su aplicación en la vivienda.

La bibliografía sobre aspectos técnicos y de procedimientos de cálculo de las estructuras de acero suelen ser abundantes, sin embargo, está limitada en lo que concierne a la historiografía y la evolución de las estructuras de acero, por lo que para una primera aproximación, conviene analizar la videoconferencia: “La evolución de las estructuras de acero en la historia de la arquitectura”, impartida por la Arq. Nina Casas Guzik, dictada en línea por la Universidad Autónoma del Estado de Morelos.

Con base en ese material, se planteó la introducción: elaborar una línea de tiempo que atendió la secuencia y las refe­

rencias presentadas en el video, esto permitió a los estudiantes adquirir un aprendizaje significativo, y se consolidó con la materialización del resultado que se exhibe en la Figura 1.

Este ejercicio permitió a los integrantes del grupo comprender la evolución de las estructuras de acero y asimilar que este material ha sido fundamental para el desarrollo de la arquitectura moderna. Como señala Andrews (2016, p. 45): revolucionó la arquitectura al permitir la construcción de estructuras más altas, ligeras y flexibles, transformando el paisaje urbano y ampliando las posibilidades creativas de los arquitectos.

Desde sus primeras aplicaciones durante la Revolución Industrial hasta su consolidación como material clave para la edificación de rascacielos y residencias. En ese orden de ideas, el acero ha posibilitado una transformación en el diseño arquitectónico, ofreciendo funcionalidad y versatilidad estética. Actualmente, las viviendas de acero han experimentado una evolución signifi­

Figura 1. Línea de tiempo, siglo XIX.

Evolución de las estructuras de acero en la historia de la arquitectura

Clifton Supension Bridge

Isambard Kingdom Brunel

Clifton Bristol, Reino Unido

Puente Coalbrookdale

Thomas Pritchard

Inglaterra

Puente colgante sobre río Ródano

Don Ferdinand Joseph

Arnodin Seguin, Tain-tournon

Lyon, Francia

Tyne Central Newcastel

J. Dobson, T. Charlton

Newcastle ­ upon ­ Tyne

Temple Meads Station Bristol Brunel

Bristol, Reino Unido

Biblioteca de St. Genevieve

Henri Labrouste París

Euston Station

C. Fox, R. Stephenson Londres

Puente Eads

James Eads

St. Luis Missouri

Amsterdam Central Station

Paddington Station Brunel, Digby Wyatt Londres

Van Prehn, Leyds, Eymer, Cuypers

Amsterdam

Fuente: Elaborada por Avelino Vega, D. X. y Cortés Cristino, J. A., estudiantes de la asignatura: Criterios de diseño estructural en acero, 6° semestre arquitectura (2025).

cativa, lo que ha favorecido la creación de espacios amplios, ligeros y resistentes, con una eficiencia estructural que facilita la sostenibilidad y la accesibilidad económica en diversas escalas.

En esta primera etapa también se llevó a cabo un análisis y se elaboró otra línea de tiempo a partir de la videoconferencia ti­

tulada “130 años de estructuras metálicas en México, Parte I”, con el objetivo de contextualizar la importancia del acero en la arquitectura mexicana. Aquí, los estudiantes trabajaron en la creación de material apegado a la secuencia y contenidos presentados en el audiovisual mencionado, dando origen al material que se presenta en la Figura 2.

Figura 2. Línea de tiempo. Evolución de las estructuras de acero en México

Edificio La Nacional

Arq. Manuel Ortiz Monasterio

Estilo Art Deco, inspirado en el Templo Tenochtitlan. Edificio de concreto y acero. Cimentación con 100 pilotes (Bernardo Calderón), tiene 33 pisos.

Kiosco Morisco

Ing. José Ramón Ibarrola Obra desmontable.

Estructura remachada. Está en el centro de la Alameda, de la col. Santa María la Rivera, CDMX.

Edificio Anáhuac

Arq. Juan Sordo Madaleno

En 1946 inició su construcción y fue remodelado en 2001. Altura total: 125 m, 24 pisos, 4 niveles de sótano y 250 pilotes de concreto. Ha soportado 14 terremotos.

Monumento a la Revolución

Arq. Emili Bernand

Obra arquitectónica y mausoleo, más grande que el capitolio de EUA. La primera piedra puesta en 1910.

Edificio de correos

Arq. Gonzalo Garita

Ubicado en el centro histórico de la CDMX, tiene una losa de concreto corrida de 70 cm, en promedio, viguetas de acero de 21” de peralte y columnas esbeltas compensadas con muros de gran espesor.

Edificio viejo Lotería Nacional

Arq. Manuel Ortiz Monasterio, Bernardo Calderón, Luis Ávila

Estilo Art Deco, altura 107 m, con suelo fangoso inestable. Cimentación 180 pilas de concreto y acero con profundidad de 55 m.

Palacio de Bellas Artes

Arq. Adamo Boari, Federico Mariscal

Inició en agosto 1904. Problemas de hundimiento y la Revolución Mexicana hicieron suspender y reactivar varias veces en 30 años. Recubierto de mármol de Italia. Estructura fabricada por empresas extranjeras.

Auditorio Nacional

Arq. Fernando Peña

Obra concluida en 1953. Remodelado en 1989. La remodelación duró 18 meses.

El paraguas

Arq. Pedro Ramírez Vázquez

Claro total 52.06 x 82 m. Área total de 4500 m2. Su columna central tiene 12 m de alto con 20 trabes de acero y 80 tensores.

Torre Latinoamericana

Arq. Augusto H. Álvarez

Torre de 182 m de altura y 44 pisos. Cimentación hecha por 361 pilotes. Profundidad 33 m. Inicialmente proyecta de 25 pisos.

Fuente: Elaborada por Rodríguez Hernández, T. E. y Hernández Rodríguez, M. R., estudiantes de la asignatura: Criterios de diseño estructural en acero, 6° semestre arquitectura (2025).

Este ejercicio condujo al estudio y al análisis del uso del acero en las estructuras contemporáneas dentro de la arquitectura mexicana, partiendo de la premisa de Charleson (2015, p. 112) que destaca: la integración de los sistemas estructurales dentro del diseño arquitectónico ha sido uno de los pilares que ha permitido transformar las estructuras en elementos no solo funcionales, sino también estéticos.

En ese sentido, Charleson argumenta que las estructuras deben verse como una expresión visual y conceptual que forma parte integral de la experiencia espacial. Perspectiva que ha sido especialmente relevante en el uso del acero, un material que, por sus características de ligereza y resistencia, ha sido crucial para la creación de viviendas amplias, abiertas y luminosas.

AUTOR

Arq. Amador

Mendoza Pinto

La segunda etapa realizada en esta asignatura consistió en la selección de 100 viviendas mexicanas construidas entre 2015 y 2025, con distintos niveles de uso del acero. Para lo cual, todos los integrantes del grupo, de manera coordinada, buscaron información en la página ArchDaily, y filtraron visualmente las viviendas que exhiben estructura de acero como parte integral de la arquitectura en varios grados o niveles.

El proceso que se dio a la información se presentará en la segunda parte de este artículo, en la próxima edición de Acalia, en esta sección: Hablando de vivienda ; de igual modo se com partirá la liga donde los lectores podrán consultar el material que propició un catálogo que seguramente será de gran valor para quienes tienen interés por las estructuras de acero.

Referencias

Andrews, J. (2016). Steel and architecture: The modern revolution. Architecture Press. Britannica. (2025). Architecture – Iron and steel. En Enciclopedia Britannica. Casas Guzik, N. (2024). La evolución de las estructuras de acero en la historia de la arquitectura [Videoconferencia]. Universidad Autónoma del Estado de Morelos. https://www.uaem.mx/videoconferencia­estructuras­acero

Charleson, A. (2015). Structure as architecture: A source book for architects and structural engineers (2ª ed.). Routledge.

Ingeniería metálica Marina (2020). 130 años de estructuras metálicas en México. Parte I [Videoconferencia]. YouTube. https://www.youtube.com/watch?v=06I9YiPsHqY

hablando de vivienda

Mtro.PartidaGerardoCampos

Entrevista a Gerardo Partida, 2025

Hoy nos acompaña el Mtro. Gerardo Partida Campos, arquitecto con una sólida trayectoria en el ámbito profesional y académico en la Universidad Westhill y en la Universidad Intercontinental. En esta entrevista abordaremos su recorrido, las ideas que han definido su obra y los aprendizajes que ha adquirido. Le damos la bienvenida y agradecemos su disposición para compartir su experiencia con nuestros lectores.

ACALIA (A): ¿Cuándo comenzó a interesarse por la arquitectura y qué lo motivó a seguir esa formación universitaria?

Mtro. Gerardo Partida Campos (GPC): Desde niño me atrajo la construcción; jugaba con palitos de madera y Exin Castillos, eso despertó mi interés por el diseño. Mi papá, ingeniero mecánico, me enseñó a leer planos desde muy joven, y en la secundaria trabajé como office boy en el despacho del arquitecto Francisco Maqueo, lo cual marcó mi vocación. A los 18 ya sabía que quería ser arquitecto. Hoy, con más de 40 años en

la profesión, sigo convencido de que la pasión y la experiencia valen tanto como el talento. Curiosamente, nunca supe dibujar bien, pero eso no me impidió ejercer con compromiso y formar parte de una generación que aprendió haciendo.

A: ¿Cuáles son las áreas principales en las que ha enfocado su práctica profesional?

GPC: Aunque soy arquitecto y docente, mi trayectoria se ha centrado en el ámbito empresarial. Tras titularme, trabajé en varios despachos, donde adquirí experiencia como dibu­

jante y residente de obra. Más tarde, me incorporé a la empresa familiar con mi padre, lo que despertó mi vocación emprendedora.

Fundé tres empresas, una fue exitosa; las otras no prosperaron, en parte por falta de formación en administración, algo que hoy reconozco. A pesar de los retos, los aprendizajes fueron valiosos. También impulsé proyectos con impacto social, eso amplió mi visión del ejercicio profesional.

A: ¿Hay alguna experiencia laboral que considere decisiva o especialmente transformadora en su licenciatura?

GP: A lo largo de la carrera he vivido varios parteaguas que marcaron mi camino. Uno de los primeros fue trabajar en el

proyecto del CUEC de la UNAM, donde además de aprender arquitectura, desarrollé el trato humano con los usuarios. Otro fue una obra en Zacatecas para el Poder Judicial Federal, un reto que terminó en dificultades económicas, y me enseñó a no tomar proyectos para los que no se está preparado.

El mayor cambio personal y profesional llegó con la Homeless World Cup, un torneo de futbol para personas en situación de calle. Viajé a Sudáfrica con un grupo de jóvenes y esa experiencia transformó mi visión del mundo. Fundamos el proyecto en México, lo llevamos a muchos países y, con el apoyo de Fundación Telmex, lo sostuvimos por 15 años. Fue una etapa en la que puse en pausa la arquitectura, pero gané mucho en lo humano.

Finalmente, en 2014 comencé a dar clases en la Universidad Westhill, invitado por la Mtra. Roxana Tonatiuh. Aunque no lo buscaba, descubrí en la docencia una nueva vocación, fruto de años de trato con personas en contextos diversos.

A: ¿Qué otros proyectos lo han ayudado a crecer?

GP: Durante mi trayectoria me especialicé en mantenimiento y construcción, sobre todo de hospitales e industrias. Gracias a mi habilidad para el análisis de precios, gané varios concursos, incluyendo proyectos con Burlington de México, empresa textil de EUA. Fue una etapa profesional muy fructífera que incluso me permitió financiar proyectos sociales. Sin embargo, la empresa decidió cerrar operaciones en México e irse a China, perdí una fuente de trabajo que valoraba mucho. Aun así, fue un parteaguas que for­

taleció mis habilidades técnicas y empresariales.

A: ¿Qué mensaje o consejo le daría a los jóvenes que actualmente quieren estudiar arquitectura?

GP: Les diría que, más allá de la arquitectura, cualquier profesión exige compromiso y disciplina. Lo primero: emplearse para aprender, incluso si al principio se equivocan. Trabajar forma, y estudiar un posgrado siempre suma, porque el mundo actual es muy competitivo. La universidad da conocimientos y moldea la actitud profesional: ser puntual, ser constante y cumplir con entregas; esa disciplina hace la diferencia. Y es clave aprender de quienes han vivido más, la experiencia enseña lo que los libros no. Mi consejo es claro: estudien, trabajen, aprendan de otros, y no dejen de formarse nunca.

A: ¿Qué habilidades considera esenciales para desarrollarse en esta profesión?

GP: La más importante que aprendí, y que todo arquitecto debe tener, es la capacidad para relacionarse bien con todos: clientes, trabajadores o directivos; es fundamental entender a la gente y saber negociar, ya sea con un jardinero o con un empresario como Carlos Slim.

El talento técnico es importante, pero el éxito muchas veces depende de estar en el lugar correcto, en el momento adecuado, y saber conectar socialmente. Grandes arquitectos como Ramírez Vázquez o Abraham Zabludovsky supieron que la política y las relaciones públicas son clave para conseguir proyectos y triunfar.

A: ¿En qué proyectos está trabajando actualmente y qué desafíos implican?

GP: A lo largo de mi trayectoria siempre he tenido proyectos, pero hoy mi enfoque ha cambiado. Me cansé del trabajo intenso en obra y de la constante exigencia física y mental. Por

eso me he volcado más a la docencia, que me mantiene activo, actualizado y conectado con las nuevas generaciones y tecnologías.

Hice una maestría para seguir aprendiendo y estar cerca de los jóvenes, y mi plan es retirarme del trabajo pesado en los próximos años, dedicarme a enseñar y a compartir experiencia sin la presión de realizar grandes proyectos. Todavía hago remodelaciones y trabajos pequeños, pero ya no busco grandes obras como antes. Me satisface mucho ver crecer a mis alumnos y poder aportarles desde la experiencia.

A: ¿Y tiene algún objetivo, un sueño que todavía le gustaría alcanzar?

Casa, Tepoztlán, Mor., 2024

Sketch casa Tepoztlán, 2021

Impartiendo clases, 2025

GP: He tenido la fortuna de viajar por más de 60 países en los cinco continentes, por trabajo y por gusto. Pensando en el futuro, mi idea es retirarme con mi esposa, tenemos una gran relación, queremos viajar y disfrutar más tiempo con mis hijas, una vive en España, la otra en México. No busco grandes proyectos ni trabajo intenso; estoy en un buen momento de vida, con estabilidad y tranquilidad. Eso para mí es suficiente, me siento satisfecho con lo que he logrado.

A: ¿En su rol como docente, cuáles son los valores y conocimientos que más le interesa transmitir a sus alumnos?

GP: Me gusta mucho trabajar con los estudiantes jóvenes, especialmente los que recién ingresan a la carrera. Recuerdo que cuando yo estudiaba, algunos profesores eran muy tiranos, y eso provocó que muchos compañeros talentosos abandonaran los estudios. Por eso, en mis clases trato de enamorar a los alumnos de la arquitectura, ayudarlos a descubrir qué parte les gusta más: proyectar, construir, interioris­

mo, o incluso las relaciones públicas. No todos serán buenos en todo, pero sí pueden encontrar su camino. También, les enseño que emprender no es fácil, hay que trabajar primero, aprender y luego arriesgarse con experiencia.

Quiero que amen la arquitectura por vocación, no solo por la idea de ganar dinero. Creo que he logrado transmitirlo, muchos alumnos me buscan años después, con verdadera pasión por lo que hacen.

A: ¿Ha evolucionado su enfoque pedagógico con el paso del tiempo?

GP: Llevo más de 10 años como docente, y he notado que los estudiantes de hoy son muy di ferentes a los que tuve cuando empecé. Los jóvenes actuales están mucho más distraídos, y las clases tradicionales ya no les funcionan igual. Por eso, los profesores tenemos que innovar, buscar otras formas de enseñar, incluso usar tecnología como teléfonos, tabletas e inteligencia artificial para captar su atención y hacer que aprendan mejor.

Recuerdo que cuando era niño, tener una calculadora en la escuela era motivo de regaño, ahora es parte del futuro. Lo mismo pasa con la tecnología actual; necesitamos integrarla para que los estudiantes aprendan de forma consciente.

A: ¿Hay alguna anécdota o experiencia que le haya dejado una huella profunda a lo largo de su ejercicio profesional?

GP: He tenido épocas buenas y malas, y no me arrepiento de nada. Me considero un arquitecto completo, apasionado por aprender y por la cultura, que es parte esencial de esta profesión. Si volviera a nacer, sin duda elegiría ser arquitecto otra vez, con más experiencia y prudencia.

A: Antes de concluir, nos gustaría invitarlo a compartir una reflexión sobre su trayectoria y el legado que desea construir.

GP: Vivir la vida es tan importante como prepararse profesionalmente. Hay que disfrutar, viajar, socializar y crear vínculos, no todo debe ser trabajo. Ser sociable abre puertas, da oportunidades y alegría. Tener amistades y disfrutar la vida ayuda a crecer como persona y como arquitecto. Mi consejo final es: diviértanse, vivan, y así llegarán más y mejores oportunidades.

A: Le agradecemos sinceramente por abrirnos las puertas de su experiencia y enriquecer esta edición de la Revista Digital ACALIA con su testimonio.

AUTORA

Arq. Rebecca

Soriano Carmona

CDAC

@CYNTHIA_CDAG•CYNTHIA DARIAN ARRATIA GARCÍA

MAQRO Museo de Arte de Querétaro

Saludos, fieles lectores, nos reencontramos por tercera vez en este viaje por los rincones arquitectónicos, en el blog: La Arquitectura y sus Maravillas.

Esta vez nos moveremos fuera de la Ciudad de México para visitar el estado de Querétaro, donde se encuentra el maqro Museo de Arte de Querétaro, un lugar que debería estar en la lista de todos los viajeros. Disfruten de la lectura y espero se puedan sentir como si estuvieran dentro del museo.

Experiencia personal

Al caminar por el pasillo se llega a la escaleras, las cuales adentran al patio central, una sección que todos los ex conventos religiosos contienen sin excepción, en la actualidad suelen ambientarlos con macetas y vegetación y, a diferencia de lo común, este lugar deleita con flores y árboles únicos en su tipo, y también con columnas y arcos adornados de roca, trabajados especialmente por los artesanos de la época, donde plasman significados de su historia, ideología y simbolismo religioso o mitológico.

Esta obra de la corriente barroca es lo primero que captó mi atención, podía imaginarme a los agustinos caminar

por ese patio y esos pasillos, todo tan amplio y bello, pero me preguntaba si podían darse cuenta de lo que los rodeaba cotidianamente, ya que algunas veces se está tan acostumbrando que no se nota con lo que se convive, aunque con lo cultos que eran seguro si eran consientes de esto. También podrían haber discutido sobre el significado o la razón de porque el convento se esculpió de esa manera.

Imaginaba que los rostros tallados en roca, podrían ser los mismos agustinos que se quedaron plasmados en su espacio sagrado, para acompañar a todo aquel que lo visitara, como yo cuando hice el recorrido.

Como su nombre lo dice, este museo contiene obras de arte, históricas y recientes. Encontré la representación de un ajedrez que percibí como otra vista del convento actual, un espacio artístico que parece muy complejo, pero se suele olvidar que las cosas que valen la pena toman su tiempo y este ex convento nos lo recuerda a través de su historia y el arte esculpido.

Historia

La Orden de San Agustín, construyó el convento en la Nueva España entre los años 1731 y 1745. Los creadores de esta obra fueron el artista Ignacio Mariano de las Casas y el padre Luis Martínez Lucio. Hasta el año de 1889 se realizó la restauración para que el edificio albergara las oficinas de la federación y en 1988 se eligió como la sede del Museo de Arte de Querétaro.

Su diseño barroco novohispano, le otorgó el título de uno de los conventos más hermosos de Latinoamérica.

Actualmente el lugar cuenta con 15 salas de exposiciones temporales y permanentes, que abarcan desde el siglo xvii hasta mediados del xix, represen–tando el manierismo novohispano, el barroco y la reforma de la Academia de San Carlos.

Las columnas y los arcos no fueron los únicos que llamaron mi atención, la fuente también destacó como punto importante con su rosa azul dentro de un ramo naranja, enmarcada con azulejos que conforman el fondo, y pareciera que el patio cuenta con guardianes cuidan del lugar, al parecer no estaba tan equivocada, ya que tiene esculpidas las metáforas de la gracia divina que salvan al hombre del pecado. Esto tiene mucho sentido, ya que el agua es un símbolo de creación, vida y surgimiento, siendo un pilar de la existencia; además, el agua es un elemento físico que el ser humano nece­

sita para mantenerse sano y fuerte, así que esta fuente es el soporte que mantiene a flote el convento. Y desde el punto de vista de los agustinos, es la base y la guía hacia la plenitud del cuerpo y de alma; quizá por esto, mirarla o estar cerca de ella, da una sensación de paz.

Te invito a explorar las vivencias capturadas a través de la cá mara fotográfica, y sentir lo que transmiten mis imágenes en mi perfil de instagram, encuéntrame como: @cynthia_cdag. Nos vemos en un próximo viaje a través de: La Arquitectura y sus Maravillas.

Todas las fotografías son de la galería personal de la autora, tomadas el 7 de marzo de 2019.

estructuras inmortales

Construido en la época de los antiguos romanos, fue el primer puente de Florencia y cruzaba el tramo más angosto del río Arno.

El Ponte Vecchio era una pasarela de madera, destinada al tránsito militar y comercial conectada a la vía Cassia, respondía a razones estratégicas y topográficas, facilitaba la conexión entre ambas riberas en un punto clave para el desarrollo de la ciudad.

Tras el colapso del Imperio Romano, el puente fue objeto de

PONTE VECCHIO

Puente Viejo, Florencia-Italia

múltiples reconstrucciones y reparaciones, aunque conservó su función como infraestructura esencial para la circulación.

Se atestigua su existencia en un documento del año 966 d.c., ahí se menciona una estructura que se consideraba parte del paisaje urbano florentino.

Entre los siglos XI y XIII, el Ponte Vecchio fue objeto de múltiples intervenciones debido al crecimiento urbano de Florencia y a su vulnerabilidad frente a las crecidas del Arno. Inicialmente reforzado con soluciones

estructuras inmortales

Francesco & Raffaello Petrini. Veduta della catena. Museo Palazzo Vecchio1

mixtas de pilares de piedra y estructura de madera.

En 1177 una inundación destruyó el puente, y fue reconstruido parcialmente con bases de mampostería para aumentar su estabilidad. En 1294, se le incorporaron cinco arcos y una calzada de nueve metros de ancho. Lamentablemente, en noviembre de 1333, una de las

Línea de tiempo, Ponte Vecchio2

peores inundaciones en la historia de Florencia provocó su colapso total, el agua alcanzó niveles muy altos, dejando dos pilares centrales en pie, lo que evidenció la necesidad de una reconfiguración estructural integral con criterios más sólidos de ingeniería y acordes con la creciente importancia económica y urbana del eje que conectaba ambas riberas del río.

Morfología y resiliencia

La construcción del Ponte Vecchio inició en 1335 y concluyó en 1345, en respuesta a la intención de la República Florentina de dotar a la ciudad de una infraestructura duradera y funcional. Giorgio Vasari atribuyó el diseño a Taddeo Gaddi, aunque otras fuentes señalan la posible intervención de Neri di Fioravanti; en cualquier caso, la ejecución fue supervisada por una comisión técnica mu­

nicipal, práctica habitual en la planificación urbana comunal de Florencia, lo cual refleja un proceso de decisión colectivo y técnicamente fundamentado.

La estructura destaca por su morfología innovadora: mide aproximadamente 84 metros de largo y 32 metros de ancho, incluyendo las construcciones laterales. Se compone de tres arcos segmentales de gran luz,

siendo el central de cerca de 30 metros y los laterales de 27 metros cada uno. Esta elección, poco común en la Europa del s. XIV, responde a criterios hidráulicos y estructurales precisos. Los arcos de baja flecha, con relación luz–flecha cercana a 5:1, reducen la resistencia al paso del agua y la cantidad de apoyos en el cauce, lo cual mitiga el impacto de las crecidas del río.

La cimentación se basa en pilotes de roble hincados en el lecho del río, seleccionados por su durabilidad y resistencia estructural. Sobre ellos se erigieron pilas de mampostería ciclópea, ensambladas con bloques irregulares de piedra toscana unidos con un mortero de cal aérea. Estas pilas incorporan tajamares triangulares tallados en pietra forte (piedra are­

nisca local), diseñados para desviar el flujo de agua y proteger la base de la erosión.

La estructura portante se construyó con arcos segmentales de pietra forte, material de alta resistencia a la compresión y baja porosidad. Las dovelas fueron cortadas con precisión y colocadas sobre cimbras de madera, utilizando mortero de cal como aglutinante, lo que permitió una integración flexible y duradera de los componentes. La calzada se sostiene sobre un sistema de vigas y ménsulas de madera reforzadas con hierro forjado, que también sustentan los cuerpos comerciales adosados lateralmente, destinados a carniceros y curtidores, quienes aprovechaban la cercanía al río para desechar residuos, lo que generó condiciones insalubres.

Vista di Ponte Vecchio, Firenze. De Silvestre3

Vista frontal del Ponte Vecchio4

En 1593, por decreto del Gran

Duque Fernando I de Médici, se prohibieron estos oficios, y fueron sustituidos por joyeros y orfebres. Este cambio elevó el carácter representativo, articulando comercio y prestigio en una misma estructura. La

disposición de las tiendas sobre los voladizos y su organización a lo largo de la calzada consolidaron un corredor comercial activo y único en su tipo, lo que convirtió al puente en un nodo urbano vital para ciudad.

A lo largo de los siglos

Durante los s. XVII y XVIII, los espacios comerciales del Ponte se modificaron discretamente, incorporando elementos que permitieron proteger y exhibir mejor los productos. Ya en el siglo XIX, surgieron propuestas que buscaban renovar su apariencia, con ideas como estructuras metálicas, terrazas o galerías acristaladas, aunque ninguna llegó a ejecutarse. En 1901, con motivo de una conmemoración artística, se instaló un busto dedicado a Benvenuto Cellini, con lo que se reforzó la identidad

artesanal que el puente conserva hasta la actualidad.

En agosto de 1944, durante la retirada alemana de Florencia, todos los puentes fueron destruidos, salvo el Vecchio, fue preservado gracias a una supuesta orden de Hitler y a la intervención del cónsul Gerhard Wolf. Aunque dinamitaron sus accesos, la estructura permaneció intacta.

Años más tarde, el 4 de noviembre de 1966, una gran inunda­

Vista del Ponte Vecchio desde el este. De Tanner5

ción afectó gravemente la ciudad, el puente resistió y, tras el desastre, entre 1967 y 1980, iniciaron trabajos de consolidación estructural, además se establecieron restricciones al tránsito, con lo que lo convirtieron en un paso exclusivamente peatonal.

Durante la inundación de 1966, permitió la evacuación de obras de arte y objetos de valor, reafirmando su papel como estructura esencial en momentos de emergencia. En cada crisis, no solo mantuvo su integridad, sino que funcionó como vía de paso, refugio y símbolo compartido.

A lo largo del tiempo ha sido escenario de resistencia civil, punto estratégico y lugar donde la memoria urbana se entrelaza con la vida cotidiana de sus habitantes.

Actualmente es de los pocos puentes habitados del mundo y conserva su función comercial. Forma parte del patrimonio mundial de la UNESCO, está sujeto a planes de restauración sísmica y reapertura museística del Corridoio Vasariano. Su permanencia frente a siglos de guerras, catástrofes y transformaciones confirma su valor como símbolo vivo y esencial del alma florentina.

Orfebrerías en el Ponte Vecchio6

Ponte Vecchio con reflejo en el río Arno7

Referencias

History of Art Department, Visual Resource Collections. (2024, octubre 30). Ponte Vecchio / View across bridge / Medieval; first documented: 996, destroyed by flood and subsequently rebuilt: 1117, destroyed by flood: 1333, rebuilt: 1345 [Imagen]. University of Michigan Library Digital Collections. Brewminate. (2022, febrero 7). The Medieval Ponte Vecchio (“Old Bridge”) over the Arno River in Florence. Brewminate: A Bold Blend of News and Ideas. Recuperado de Duras,H. (2013) Les Pyrénées­Orientales. (s.f.). Le pont de Céret. https://www.les­pyrenees­orientales.com/Decouvrir/Legendes/PontDeCeret.php Fabre, J.­H. (2003). Puentes de l(1), 78­96. Smarthistory. (s.f.). Ponte Vecchio, Florence. Recuperado de Duras,H. (2013) Les Pyrénées­Orientales. (s.f.). Le pont de Céret. https://www.les­pyrenees­orientales.com/Decouvrir/Legendes/PontDeCeret.php Visit Florence Museums. (s.f.). Florence’s Ponte Vecchio Bridge (“Old Bridge”) in Florence History. Recuperado de Duras,H. (2013) Les Pyrénées­Orientales. (s.f.). Le pont de Céret. https://www.les­pyrenees­orientales.com/Decouvrir/Legendes/PontDeCeret.php Wikipedia. (2025). Ponte Vecchio. Recuperado de Duras,H. (2013) Les Pyrénées­Orientales. (s.f.). Le pont de Céret. https://www.les­pyrenees­orientales.com/Decouvrir/Legendes/PontDeCeret.php

Imágenes

1 Francesco Petrini & Raffaello Petrini (1887). Veduta della catena [Tempera on canvas]. Museo Palazzo Vecchio. https://artsandculture.google.com/story/la­veduta­dellacatena­florence­and­its­monuments­palazzo­vecchio­museum/bgUhVU6eaWEIJQ?hl=en

2 OnePlanet_reference_ponte_section [imagen]. (2020, marzo). En Proof of the Sum.

3 Silvestre, I. (ca. siglo XVII). Vista di Ponte Vecchio, Firenze [Dibujo en grafito y lavis gris, 26 × 42 cm]. The Metropolitan Museum of Art, New York.

4 Vista frontal del Ponte Vecchio (creación de la autora).

5 Tanner, A. R. (fotógrafo). (14 de agosto de 1944). View of the Ponte Vecchio from the east [fotografía]. Imperial War Museum, Londres. ©IWM TR 2293.

6 Guidaturisticaperfirenze.com. (2020). Botteghe orafe sul Ponte Vecchio [Fotografía]. https://www.guidaturisticaperfirenze.com/wp­content/uploads/2020/11/bottegheorafe­sul­ponte­vecchio.jpg

7 Italy Segreta. (2021, mayo). [Vista del Ponte Vecchio con reflejo en el río Arno] [Fotografía]. https://italysegreta.com/wp­content/uploads/2021/05/b6bcfe031747e3d008b62ed53325aa39.jpeg

8 El Duomo Magazine. (2024, diciembre). [Vista del Ponte Vecchio en Florencia] [Fotografía]. https://static.elduomomagazine.com/wp­content/uploads/2024/12/3778012­770x513.jpg

AUTORA

Arq. Aranza Cinthia

López Mora

Atardecer en el Ponte Vecchio, Florencia8

Ice is no doubt a tricky material —wet, cold, slippery, and heavy. But it is beautiful and humbling… sculpted ice physicalizes the present moment, like a performance art or the most precious meal of your life, something ephemeral, precious, to cherish only as memory.

Shintaro Okamoto, escultor de hielo y fundador de Okamoto Studio, NY

Tal vez has oído hablar de la Ciudad de Hielo en Harbin, China, en alguna noticia durante diciembre o enero, o quizás la hayas visto en una sección de curiosidades: esculturas impresionantes hechas de nieve y hielo.

Como preámbulo es importante mencionar que la escultura en nieve comenzó a desarrollarse de manera organizada en Japón, tras la Segunda Guerra Mundial, en Sapporo, Japón. Como una forma de aliviar el desánimo de la población, un grupo de exmilitares empezó a

Reloj de Sol1

realizar esculturas de nieve en el centro de la ciudad.

Estas obras captaron rápidamente la atención del público, lo que motivó su continuidad hasta transformarse en un con curso internacional de escultura en nieve, y actualmente es parte central de un festival organizado por la ciudad.

Este tipo de manifestación artística fue adoptado por otros países, destacando especialmente el caso de Harbin, en China, así como el reconocido concurso en Breckenridge, Co­

arte y forma en manos del escultor arte y forma en manos

lorado, EUA, ambos con amplia difusión internacional. Asimismo, existen eventos similares que han mantenido continuidad en Canadá, Francia e Italia.

El desarrollo de la escultura en hielo ha sido más discreto, en comparación con el de la nieve, aunque cuenta con certámenes relevantes, como el ya mencionado en Harbin o el importante concurso celebrado en Fairbanks, Alaska, EUA.

A pesar de que en México no se cuenta con nieve ni hielo como elementos naturales, ha tenido destacadas participaciones en certámenes internacionales de escultura, integrando equipos de dos, tres y hasta cuatro participantes. Esto ha sido po­

sible gracias al alto nivel que ha alcanzado la escultura en el país, lo cual ha permitido que equipos mexicanos sean seleccionados por la calidad de sus proyectos o, en otros casos, invitados directamente por su trayectoria artística.

La mayoría de los escultores que han representado a México en estos concursos se formaron en reconocidas escuelas de arte, como la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda”, del INBA —de la cual soy orgullosamente egresado—, y la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la UNAM.

La primera participación internacional en la que me presenté

Sin título2, 3

con otros escultores fue en el International Snow Sculpture Championships, realizado en la ciudad de Breckenridge, Colorado, EUA, en 1989. Nuestro equipo ha sido seleccionado en 10 ocasiones, en este importante certamen.

Posteriormente, junto con las escultoras de Colima: Rosa Irela Vázquez Gonzaga y Amalia Benavides fuimos invitados al 60º Festival de Escultura en Nieve de Sapporo, así como al 2° World Ice Art Championships en Fairbanks, donde obtuvimos una mención especial.

No obstante, debo señalar que, personalmente, la escultura en hielo no me resulta tan satisfactoria, ya que requiere el uso de herramientas eléctricas, a diferencia de la escultura en nieve, la cual se trabaja únicamente con instrumentos ma­

nuales, lo cual, en mi opinión, representa un reto mayor.

También he participado, con este equipo, en festivales de Canadá, como en la Fête d’hiver, en Saint­Jean­Port­Joli, Quebec, y en el Skate Festival in Hawrelak Park, en Edmonton, Alberta. Asimismo, orgullosamente, representamos a México en certámenes realizados en Italia y Suiza, como el 33rd World Snow Festival, en Grindelwald, Suiza.

Ser escultor de nieve y hielo ha sido una experiencia profundamente enriquecedora, por el reto técnico y artístico que representa, pero sobre todo por la oportunidad de compartir el talento mexicano en escenarios internacionales. Cada participación en estos concursos ha sido un espacio de aprendizaje, intercambio cultural y

El poder de las palabras4, 5

crecimiento personal, y a nuestro equipo lo llena de orgullo saber que, a pesar de no contar con estos materiales en el entorno natural de donde somos originarios, hemos demostrado que la creatividad y la pasión del arte mexicano no conocen límites ni fronteras.

Las fotografías que se integran en este artículo son una pequeña muestra de las esculturas en las que hemos tenido la satisfacción de trabajar y el privilegio de darnos a conocer como escultores, cada proyecto significó un reto asumido con gran profesionalismo y pasión.

Imágenes

1 Reloj de sol, 2018. Concurso: Silver Skate Festival in Hawrelak Park, en Edmonton, Alberta, Canada.

2­3 Sin título, 2015. Concurso: 33rd World Snow Festival, en Grindelwald Suiza.

4­5 El poder de las palabras, 2013. Concurso: Fete HIver, en Saint Port Joli, Quebec, Canada.

6 Koinibori, 2009. Concurso: Festival de Esculturas de Nieve, en Sapporo, Japón.

7­8 Caballero Águila, 2010. Concurso: World Ice Art Championships, en Fairbanks Alaska, USA.

AUTOR

Mtro. Ulises Moyao García

Koinibori6

Caballero Águila7, 8

cuéntame una historia

y las Immaconstrucciones hablan que

Imma era una niña de ocho años con una gran curiosidad. Mientras otros niños jugaban a la pelota o a las escondidas, ella se quedaba mirando las casas de su barrio. Cuando era más pequeña solía sentarse por horas a observar cómo colocaban cada ladrillo en la construcción del terreno que estaba justo enfrente de su casa, el olor al tabique mojado, la manera en que preparaban la mezcla era algo que le llamaba mucho la atención; observar la curia y precisión con la que los trabajadores colocaban cada hilada era un extraño gusto para una niña de su edad.

Cuando caminaba por las calles le fascinaba detenerse a ver las ventanas, los techos inclinados, las puertas altas, los balcones llenos de flores y el festival de colores de las fachadas. Pero no sabía por qué eran así. Solo sabía que le gustaban.

Una tarde, mientras caminaba por un sendero detrás de la escuela, encontró una puerta solitaria en medio del campo. No tenía paredes, ni techo, ni nada alrededor. Solo una puerta de madera sólida con una manija dorada. La curiosidad la invadió y como era muy valiente, además de un poco traviesa, Imma no aguanto la tentación y la abrió.

Al cruzarla, apareció mágicamente en una ciudad en la que no había personas, lo más impresionante era que los edificios hablaban.

—¡Hola, Imma! —dijo una casita con tejas rojas—. Bienvenida a la Ciudad de las Construcciones que Hablan.

—¿Dónde estoy? —preguntó Inna, asombrada.

—Estás en un lugar donde la arquitectura cobra vida —respondió una biblioteca con forma de caracol—. Aquí te enseñaremos lo que nadie te ha contado: que cada edificio tiene una historia, una razón y un propósito.

Imma caminó por calles llenas de maravillas. Un puente le explicó cómo fue diseñado para resistir el viento. Una escuela le mostró cómo sus ventanas grandes dejaban entrar la luz para que los niños no necesitaran tanta electricidad. Un hospital le susurró cómo fue pensado para que los pacientes se sintieran tranquilos y seguros.

—¿Y quién piensa todo esto? —preguntó Imma.

—Los arquitectos —respondió una torre de cristal—. Ellos no solo dibujan edificios. Piensan en las personas, en el clima, en los materiales, en la historia y en el futuro. Son como magos que transforman ideas en lugares reales que protegerán a sus

habitadores y los harán sentir bien, confortables en espacios agradables.

Imma se quedó en silencio. Nunca había pensado que una construcción podía ser algo más que paredes y techo, ahora entendía que la arquitectura era una forma de cuidar a los demás, una manera de brindarles el escenario idóneo para realizar sus actividades.

Antes de cruzar la puerta para irse, encontró un lápiz especial con una nota dedicada a ella que decía:

Cada vez que dibujes con este lápiz estarás creando algo que puede cambiar el mundo de alguien más.

Cuando Imma volvió a casa, corrió a su cuaderno y dibujó su primera casa mágica: tenía un techo que recogía agua de lluvia, ventanas que dejaban entrar el sol para bañar de luz el interior, y un jardín donde la vegetación y animales eran importante del proyecto y una puerta de acceso que ofrecía calidez y protección de quienes la habitarían. Desde ese día, Imma supo que quería ser arquitecta. No para hacer casas bonitas, sino para hacer lugares donde la gente pudiera vivir mejor y coexistir con la naturaleza.

30 de julio 2025

Moraleja

La arquitectura no es solo construir, es imaginar cómo se quiere vivir. Cuando pensamos en los demás al crear un espacio habitable, estamos construyendo un mundo más justo, más bello y humano.

AUTORA

La Libélula