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El diseño y la arquitectura de una forma mas elegante

Not Waste:

Diseño Industrial hecho en México

Entrevista con: María José Baéz

Arte mexicano contemporáneo para el mundo

Edición

No Sombrero


N O V I E M B R E

Que hace 8 9 10 11 Festival de Cine de la Bicicleta Mas de 50 peliculas internacionales Colonia Roma//Polanco Informaci贸n: www.bicyclefilmfestival.com

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2do Congreso// Cd de M茅xico informaci贸n: ideandodiseno.com.mx


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Tercer Festival de Dise帽o en Qro Queretaro//Plaza de Armas Informaci贸n: somosdise帽o.com

Not Waste

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Studioroca

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Exposici贸n Colectiva Showroom Polanco: Horacio 907, Polanco 11560 Showroom Condesa: Amsterdam 271, Condesa 06170 www.studioroca.com

N O V I E M B R E

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Fotografía y Texto: Samuel Bustos

Attanasio Cuando hablamos de diseño es muy difícil poder profundizar en un solo tema, ya que el diseño se divide en tantos temas diferentes. Uno de los mas importantes y que ha empezado a crecer en popularidad es el diseño de objeto o diseño industrial. El diseño industrial básicamente es el área del diseño que se encarga de crear o modificar objetos que solucionen necesidades de la vida diaria de forma practica y que, al mismo tiempo, sean atractivos visualmente. Esta área se subdivide en muchas áreas mas, entre ellas el Interaction Design, área que se fundo a principios de los años 80’s, haciendo de esta área un mundo de oportunidades para los diseñadores jóvenes.

Es por eso que para esta entrevista, hablaremos con el joven diseñador Attanasio Mazzone, un diseñador nacido en Italia que ademas de ser diseñador grafico e industrial, tiene una especialidad en estudios de Interaction Design del Instituto NABA (Nuova Accademia di Belle Arti) con sede en Milán. Saber de donde viene y su formación, es fundamental para poder entender esta entrevista, ya que el joven Attanasio tiene una concepción del diseño muy diferente a la que se esta acostumbrado aquí en México.


Mazzone Después de terminar sus carreras y sus estudios de posgrado, Attanasio empezó a trabajar en NABA como profesor y al mismo tiempo desarrollando proyectos con sus alumnos, esto hizo que empezara a relacionarse con gente muy importante en el mundo del diseño.

Mas tarde se muda a México y se vuelve maestro de diseño industrial en CENTRO (escuela de diseño,cine y televisión) donde junto con algunos colegas y alumnos, funda el estudio de diseño Wacahchan, con el que participaron en la Semana del Mueble en Milán en el año 2011. Habiendo fundado el estudio de diseño, unos meses después, la idea evolucione de ser un simple despacho de diseño a convertirse en un conglomerado internacional, en el que diseñadores jóvenes pueden compartir sus ideas y colaborar para hacer diseño de calidad. Por ultimo, a principios de este año Attanasio Mazzone en colaboración con Rodrigo Silva funda la marca de muebles “Not Waste”, en donde se utilizan materiales reciclados para crear mobiliario que sigue manteniendo su propio estilo y los mismos procesos para crear el diseño que lo define.


FotografĂ­a: Horacio Mendoza


Las preguntas que se hace un diseñador reflejan una sociedad contradictoria La platica comenzo y el primer tema que surgio fue la comparación de la educación en México con la educación que el habia recibido en Italia. Attanasio remarco que existe una diferencia abismal en cuanto a diseño industrial se refiere, incluso no existe la especialización para estudiar Intercation Design en México. Habiendo sido maestro en Italia y ahora en la Ciudad de México ha notado muchas diferencias en el plan de estudios y ha tratado de incorporar algunos temas similares a los que se tratan en NABA, incluso involucro a sus alumnos en un evento internacional de diseño industrial, la semana del mueble en Milan. Esto ha ayudado a sus alumnos a ver como esta el mundo del diseño a nivel mundial, a notar la competencia real que existe en el mundo actual, pero mas que nada les ha abierto una oportunidad para su portafolio. Esta clase de “workshops” son necesarios, menciona Attanasio, son elementales para que los alumnos salgan con algo que mostrarle al mundo ademas de sus tareas. Al tener un objeto que participo en un evento de la magnitud del salon del mueble, es mas probable que alguien contrate a un recien graduado. Por ultimo, Attanasio menciono que es importante introducir en México esta valoración que se le da a un objeto que fue diseñado cuidadosamente, esta cultura no existe en México. México esta creciendo en cuanto a diseño se refiere, y si impulsamos este crecimiento veremos grandes oportunidades como las que vio y aprovecho Attanasio Mazzone.


EL ÁRBOL DE LA VIDA: por Samuel Bustos

Es muy notoria la diferencia que existe entre México y el resto del mundo cuando se habla del diseño en general, y es que en México el diseño es un tema relativamente nuevo. Pero existe un creciente interés en México por parte de diseñadores extranjeros que vienen con la intención de promover el diseño de la misma forma que se ve en Europa, pero sin perder la esencia del diseño mexicano. Uno de estos casos es el recién creado estudio de diseño: Wacahchan. Este es un estudio de diseño creado en 2011 por el diseñador grafico e industrial italiano Attanasio Mazzone en conjunto con un grupo de diseñadores mexicanos. Este estudio de diseño se encarga de crear experiencias, proyectos creativos, interiorismo, mobiliario, workshops y exhibiciones que solucionen de forma inteligente. Soluciones que por medio de investigación rigurosa y de reflexión sobre las tendencias contemporáneas y sobre la forma de percibir el diseño, que ve mas allá de lo estético. Parte de el trabajo de Wacahchan es proponer formas autónomas para producir bienes, alterno al diseño comercial,

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donde se replantea la percepción de los nuevos modelos sociales en los cuáles se generan propuestas que involucren aspectos sociales, culturales, medio ambientales y económicos. Su enfoque se puede comparar a un escenario hipotético, como una fuente abierta donde se comparte información y conocimiento. La idea se materializa en un resultado tangible, creativo y conceptual. Es por eso que Wacahchan no solo esta abierto a nuevas ideas y siempre expectante de mentes nuevas que estén dispuestas a tomar esta percepción sobre el diseño industrial y en conjunto lograr resultados sorprendentes. El mismo nombre, Wacahchan, nos habla del árbol de la vida de los mayas, “el ombligo que conecta realidades alternas”. Bajo esta concepción de algo que nos conecta hacia realidades diferentes, es muy fácil vislumbrar el futuro de este estudio de diseño. Es por eso que a inicios de el año 2012 se creo la marca de muebles “Not Waste” que se describe en tres sencillas palabras “Young Design Brand.”


Not Waste es un estudio creado por algunos de los diseñadores culpables de la creación de Wacahchan, aunque es un proyecto colectivo, un proyecto creado para los jóvenes y sus ideas de ahí el designio “Young”. Ya que se considera un colectivo y no una marca exclusiva para sus fundadores, Not Waste recibe propuestas de estudiantes de diseño así como de diseñadores con experiencia alrededor de México. Pero no por esto Not Waste es un combinación de ideas sin sentido que solo busca crear objetos por medio de la creatividad de la juventud, esta marca se encarga de combinar procesos creativos y tecnológicos para crear soluciones a uno de los problemas que mas a llamado la atención hoy en día, la contaminación. Es por eso que la marca tiene el nombre “Not Waste” que literalmente se traduce a “no desperdiciar.” De hecho los proyectos con los que Not Waste salió al mercado son una serie de muebles hechos de OSB, que es madera desperdiciada por los aserraderos, estos pedazos de madera se compactan y se forma un panel hecho de pequeños trozos de madera. Ademas del OSB, esta marca se preocupa por que no haya desperdicios de madera en absoluto, así que el 99 por ciento de los desperdicios de los aserraderos (los cuales incluyen: piezas de madera irregulares, aserrín y astillas) se ocupan en el proceso de manufactura de los muebles de Not Waste. El propósito es crear muebles que estén pensados inteligentemente para solucionar situaciones que perjudican al mundo, ademas de crear objetos que tengan un diseño pensado y que nazcan propuestas interesantes con la colaboración de jóvenes diseñadores alrededor del mundo.

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cor tesi ad eN ot W ast e Fot ogr afía s

DISEÑO INDUSTRIAL HECHO EN MÉXICO 11


Artesanías Fotografía: Samuel Bustos

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Al hablar de diseño y de artesanías hay que establecer con exactitud lo que ambos conceptos significan. Cuando hablamos de artesanías, se habla de objetos realizados de forma manual o con muy poca ayuda tecnológica, generalmente es un proceso que se ha heredado de generación a generación y que a diferencia del arte se hacen varias piezas,que aunque luzcan iguales, son diferentes debido a su elaboración manual. Así que cuando escuchamos el termino artesanía, lo primero que debe de venir a nuestra mente son tres cualidades: “trabajo manual, piezas únicas pero que son parte de una serie y que esta arraigada a las tradiciones de el lugar donde se este creando. Ahora, cuando hablamos de diseño es importante entender que una de las obligaciones de este es solucionar necesidades a gran escala. Esto requiere que el diseñador cree objetos que puedan, mediante ayuda de la tecnología, ser elaborados a una escala mayor a las artesanías, que pueda ser producido en masa. Otra de las características del diseño es que no busca expresar sentimientos de su creador, por esta razón no es considerado arte, si no que busca suplir las necesidades del cliente aunque muchas veces si puede haber un estilo o firma que defina como trabaja el diseñador. Ahora que conocemos los significados de ambos conceptos es mas fácil hablar de como estas dos practicas pueden unirse para formar resultados sorprendentes. La artesanía tiene un valor superior ya que deja de ser una cosa y se convierte en un objeto que tiene una utilidad, siendo esta utilidad puramente ornamental o de funcionalidad. Al convertirse en un objeto la artesanía, este a su vez se convierte en un producto que puede replicarse para su venta y que perdería valor, solo que por ser una pieza única y hecha manualmente, la artesanía se vuelve inmune a la devaluación del producto. El problema es que muchos artesanos ofrecen productos con las mismas cualidades y esto convierte a la artesanía en un objeto repetido.

Diseño 13


En esta parte es donde el diseño se debe de empezar a juntar con las artesanías. El diseño añade valor a las cosas, y en un mercado saturado de artesanías, que sin ser iguales son casi idénticas, el diseño se convierte en una opción prácticamente obligatoria. Es importante mantener al cliente a la expectativa de nuevos productos. El diseño de producto o diseño industrial se ha encargado de unir fuerzas con el artesano para lograr objetos que son competitivos a nivel internacional . Recientemente en Oaxaca y en varios lugares de México la UNESCO promovió una iniciativa en la que se propone que el diseñador refuerce los lazos culturales y que ayude a desarrollar la creación de capacidades de artesanos mediante la implementación de diseño a sus creaciones. La UNESCO ve a la artesanía como una opción para los países en desarrollo y ve esto como una oportunidad de que consigan la autosustentabilidad por medio de esta tradición. Es por eso que se han establecido talleres alrededor de todo el mundo en los que el diseñador se encarga de proporcionar ideas innovadoras y de enseñar procesos asistidos por tecnología para la creación de piezas únicas que ofrecen una visión de las tradiciones de estos lugares, pero que al mismo tiempo con la ayuda de la cosmovisión del diseñador se les da un valor a nivel internacional y nos muestra que muchas de estas piezas pueden ser consideradas objetos de diseño contemporáneos. Oaxaca es un ejemplo sorprendente de este suceso, y es que los artesanos en Oaxaca son reconocidos a nivel mundial por sus trabajos en diferentes materiales, entre los que mas destacan son: El barro negro, los alebrijes, los vestidos tejidos a mano y la filigrana en barro. Todos estos materiales son utilizados para crear artesanías de muy alta calidad y que tienen diseños únicos, el problema es que muchas veces no se les da el valor que debería de dárseles, considerando que

son piezas únicas y hechas cien porciento a mano. Es por esto que se menciona a Oaxaca, ya que gracias a la iniciativa de la UNESCO, muchos artesanos oaxaqueños han podido abrir pequeños talleres en los que se enseña a los visitantes el proceso por el cual todas sus artesanías son elaboradas, para que el cliente pueda ver a que se debe el precio de dichos objetos. La creación de estos pequeños talleres ha dado pie a que diseñadores de todo el mundo tomen en serio a la artesanía y la consideren como una variante a sus diseños, haciendo que poco a poco se originen artesanías que son pensadas como diseño pero que son realizadas con procesos ciento por ciento manuales y que se convierten en piezas únicas que no solo combinan las tradiciones oaxaqueñas, si no procesos de calidad.

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Artesanias

Fotografía: Internet

Oaxaqueñas

pensadas como

objetos de diseño. 15


Gi

“3 edificios vanguardistas que rompen esquemas”

por: Samuel Bustos

En México

gan tes


Fotografía: Samuel Bustos

Museo Soumaya Polanco

En el numero uno de este conteo se encuentra el Museo Soumaya de Polanco, inaugurado en 2011, este edificio debe a su nombre a la esposa del gran empresario Carlos Slim, cuyo nombre era Soumaya Domit. Este asombroso edificio tiene una estructura de acero y fue construido con la tecnología mas vanguardista por el arquitecto Fernando Romero, yerno de Carlos Slim y fundador de “Laboratory of Architecture.” Su construcción comenzó a finales de Noviembre del 2007 pero debido a que la fachada esta conformada por 16 mil hexágonos de aluminio, no fue posible acabarlo para la fecha que se tenia planeado y es por eso que abre sus puertas el 28 de Marzo del 2011 en la Ciudad de México. La asombrosa estructura conformada por hexágonos de aluminio lo hacen un edifico asombroso se admirar, y esto no es lo único, el edificio en sí esta compuesto de siete capas que recubren todos los espacios haciendo que las condiciones dentro del edificio sean las adecuadas para albergar las valiosas piezas de la exhibición. Aproximadamente se necesito de una inversión de 800 millones de dólares para poder construir esta majestuosa obra de arte. El edificio estas conformado por seis niveles donde se exponen pinturas, esculturas y otro tipo de manifesta-

ciones artísticas que abarcan desde el periodo prehispanico de México hasta obras de periodos contemporáneos de artistas mexicanos y también de talla internacional. El edificio cuenta con una gran parte del patrimonio mexicano, ya que entre sus paredes se encuentra la colección de medallas, monedas y billetes mas grande de México, ademas gracias al INAH existen códices prehispanicos conservados en condiciones sorprendentes. Entre los pintores expuesto se encuentran obras de pintores mexicanos como los son Diego Rivera, Rufino Tamayo, José Clemente Orozco y Alfaro Siqueiros por nombrar a algunos, ademas entre los nombres de los pintores internacionales que se encuentran expuestos en el Museo Soumaya podemos encontrar a Picasso, Rubens, Da Vinci, El Greco, Van Gogh y Monet por nombrar unos pocos. El edificio como ya mencionamos anteriormente fue construido por Fernando Romero, pero Carlos Slim con sus estudios en ingeniería no se queda atrás y es reconocido como co-arquitecto en este proyecto, ademas de que en entrevistas Slim a dicho que Romero y el discutieron el diseño del edificio basandose en el interior del museo Guggenheim de Bilbao y en el exterior de el Selfriges Shop en Birghmingham. El hecho de que el Museo Soumaya haya sido pensado como un edificio realizado con las vanguardias que se están ocupando por arquitectos como Frank Ghery, nos hace admirar este gigante y ponerlo como numero el numero uno en este conteo.

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Fotografía: Samuel Bustos

Museo del Chocolate Nestle En el numero dos se encuentra el moderno Museo del Chocolate Nestle, que se encuentra en Toluca desde el 2007.

Viendo el proyecto desde un punto de vista mas conceptual, el edificio en sí pretende ser un juguete a escala, invitando a la gente a conocer una parte mas técnica de la elaboración del chocolate, pero con un toque divertido, practico y que busca entretener a todo tipo de publico.

La estructura fue ordenada directamente desde el corporativo principal en Suiza y fue encargada al arquitecto Michel Rojkind, director y fundador de la empresa de arquitecto y diseñadores industriales “Rojkind Arquitectos”. La nave fue anexada a la ya existente parte industrial de la empresa fabricante de chocolates y fue terminada en un tiempo record, ya que fue encargada y proyectada en enero del 2007 y terminada y abierta en marzo del mismo año, eso quiere decir que esta sorprendente obra arquitectónica fue terminada en solo tres meses.

Se trata de un contenedor de color rojo brillante, corrugado, que evoca la industrialización que existe en Toluca, pero que al mismo tiempo busca ser la representación emblemática de un envoltorio de chocolate. A la vez, en su interior minimalista los sillones en forma de chocolate hacen sentir al visitante como si fuera parte de todo el proceso y de toda la historia que rodea a esta empresa. Los contrastes entre el exterior rojo y el interior de un blanco puro, nos hacen recordar la imagen corporativa de esta marca. Todos estos aspectos hacen del Museo del Chocolate Nestle un edificio único.

La intención de Nestle era demostrar que la marca seguía creciendo y transformándose en algo mucho mas moderno, era crear un espacio en donde la gente podía conocer la historia del producto y de la marca y conocer todos los procesos de elaboración de una forma dinámica y divertida, en especial para los niños, es por eso que se delego a Rojkind el proyecto denominado “Reino de Chocolate Nestle.”

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Tori

Tori

Fotografía: Internet

En el tercer lugar vuelve el arquitecto responsable del Museo del Chocolate Nestle, Michel Rojkind colaborando con uno de los mejores diseñadores de interiores mexicano Hector Esrawe, para traer a la Ciudad de México uno de los mejores restaurante de comida japonesa “Tori Tori”. Los dueños del restaurante querían reflejar algo de la cultura japonesa, y el arquitecto Rojkind junto con Esrawe no dudaron en crear un edificio cosmopolita y moderno para reflejar estas cualidades. El edificio posee una fachada vanguardista, ecologista y orgánica, donde cientos de barras de acero se unen para crear un rectángulo perfecto, que ademas de ser bañado por la luz natural del día es decorado en la noche por medio de un sistema de luces de color azul para crear un ambiente relajante y cautivador. Ademas el lugar cuenta con una terraza llena de vegetación, que conecta perfectamente el interior con el exterior. En su interior, el diseñador Hector Esrawe decidió darle a todos los que visiten este restaurante una experiencia única, dependiendo de el propósito que se tenga

al visitar Tori Tori. Esta el bar de saque, por ejemplo, en el que se combina la modernidad de los muebles con la barra y los pisos de madera que nos recuerda las construcciones de Japón. También se encuentra una parte llamada “el templo” donde los amantes del sushi pueden tener una experiencia única al estar en mesas con sillas al nivel del suelo, como los japoneses acostumbran comer, en un espacio hecho de madera que le da un acabado orgánico y relajante, todo esto combinado con una pared llena de vegetación, hace de Tori Tori uno de los edificios que representan la arquitectura mexicana contemporánea.

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20 Fotografia y Texto: Samuel Bustos


María José Baéz Mucho se ha hablado de la situación actual de México en cuanto al diseño en esta revista, y aveces olvidamos que detrás de grandes proyectos que requieren de muchas personas, hubo una solo persona con una sola idea. Es por eso que entrevistamos a María José Baéz, comunicologa mexicana y fundadora de No Sombrero. María José termino sus estudios universitarios en CENTRO y poco después de graduarse hizo pequeñas colaboraciones con amigos que estudiaban la carrera de diseño gráfico. Fue aquí que María José se dio cuenta del gran talento que existía en México y al mismo tiempo noto la falta de apoyo que existe para estas personas. María José empezó a comentar esta idea con algunos de sus amigos y una de sus amigas le llamo la atención y así es que nació No Sombrero. Al principio No Sombrero parecía un proyecto muy difícil de realizar, había que conseguir una cantidad razonable de diseñadores, artistas plásticos y personas con talento para poder poner en orden una exposición decente. Poco a poco la idea comenzó a difundir y las cartas para colaborar con No Sombrero empezaron a llegar cada vez mas y antes de que lo supieran ya tenían su primera exposición en la gran manzana. Desde la primera exposición, en 2011, hasta el día de hoy, No Sombrero ha crecido para convertirse en un proyecto multidisciplinario, que cuenta con mas de 72 artistas y diseñadores y con una exposición que ha dado la vuelta al mundo. Así que para comprender mejor a la persona y la idea detrás de este proyecto, la entrevista con María José Baéz.

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, ron e i g sur ble que stenta s de su ma ra s te e auto E o . r s e nos ent rim ona tam ers xica sp e e p o l l s m p da de os os om , la t c n o o n r n s t e el sto ale os yu el r que evos t ir, e ar ndo c c n a i a u t r e e t nu id a ho os pla rod los nris hec yp ,m una sa o d r e a s o i ó l a i d m cib nto una e sa eativid able, nza con dar ta on dd r me c in a o o é d C ta c nterm si om yu os s e c s. J a e c l i r e e ía nte o ne o r a d l t a a e u a n l fue e ie M r com iirc pu d m e c i o l a j n a e i r n u d e la an ect a te eu y q arse, ya en ido elv rgía persp as, , r u d r u r d s v n e u a í se oc as esp vas tie abilid sta tesan a sto ya i t e m sde e r t e er a n u a a , h e s q e st n o e as s l cre í u d a d r a s r e o e d t e s oci u co uto gal no s d Méxi an si ón de l con o e a la a o en l u n q a ne cci de tab aj ica de na al ver regun a rea día co l mex trab rpren u r y de en so as o p ime ca me lati erson incipi la pr e hoy cepto p r , p n u la las . Al p e reía nte q el co os m n i , e s a s a u d s b e Seg ciona orán entra rpren a todo es. i p o ion c s m c ar s p p e rea ontem José e ad c tida odo us exc t a d e í r a r p e e v re ns Ma de v ene d ínes , co osé ti J dijo resa, d o e r ría p ue es cla ma sor to qu for Ma oq pó l i t n o o e n fu an ye ion ere mie sto luc s ve est ria e o á e n v s y u oe em es val ro, era ca sd i e y n t o r l a a b e m pl de can la Som es qu de lez ais l s o p o u a n rg io ier s N el día ntr sar eno lqu enc que e d pen Mie a e m l s u e a c s d os o nte de l fin ra em ano al l i e a n c me i e c n e t v x a ión ma me l ni is h que mis na e na los tes u s a á L e t a es fr es :“ qu ro tas una oy dijo s e i c r s t i r b e a éx ta om a M ue sus , es oS s o N q . can ren rdia exi a u m g los van dos e.” o t ent s de e r yp mu

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Por ultimo le pregunte si tenia alguna idea de como se vería No Sombrero en unos años o si ella se veía en otro lugar haciendo algo aparte de este proyecto. María José se puso ha pensar un momento y después dijo, “seguiré en No Sombrero definitivamente, el lugar no estoy segura pero seguramente habrá una nueva exposición para ese entonces, ya hemos hablado sobre eso, pero no abandonaría este proyecto ahora, es como mi hijo.”

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NO SOM BRE RO

MEXICANOS DISEÑANDO PARA EL MUNDO Fotografias: Cortesía de No Sombrero


A TODO COLOR


El nombre de este proyecto viene de la idea del mexicano contemporáneo, el mexicano que se deshace de estos iconos que nos hacen un estereotipo, se quita el sombrero, el sarape y los huaraches y se vuelve un individuo que aunque esta consciente de sus raíces, es competitivo en un mundo de ideas contemporáneas y se deshace de todo ese folklore negativo.

“No Sombrero” es una idea que comparten María José Baez, Liliana Zúñiga, fundadoras de la marca y las culpables de todo el desarrollo que requiere esta tarea. La primera exposición surgió cuando María y Liliana coincidieron con Melissa Godoy, una mexicana que abrió una galería en la gran manzana bajo el nombre de “The Poetry Club Art Space.” La idea de llevar esta cosmovisión mexicana a una de las ciudades mas importantes del mundo se materializó y así consiguieron su primera exposición, la cual le dio a los periódicos mucho de que hablar y llamo la

NEW YORK

BRUSELAS

PRAGA En México existe un gran talento para el diseño y las artes plásticas, lamentablemente, no existen las plataformas para que la gente vea estas obras de arte y puedan invertir en el talento mexicano. Aquí es donde entra la visión del proyecto llamado “No Sombrero.”

atención de la reconocida marca Vans, la cual pidió que “No Sombrero” decorara unas tablas de snowboard para exhibir en el Museo Británico. Después de este suceso “No Sombrero “ ha ido en ascenso, recibiendo miles de propuestas de diseñadores y artistas mexicanos y al mismo tiempo moviendo su exposición por galerías alrededor del mundo. Este tipo de plataformas alientan a los creativos a seguir siendo creativos ya que ahora tienen la oportunidad de demostrar su talento a un mercado internacional que seguirá creciendo.


Ya hemos hablado del nacimiento, de la idea y del éxito de No Sombrero, pero aun falta hablar de la exposición y los artistas que han hecho que sus obras se materialicen en estos inusuales lienzos. En el extranjero siempre llama la atención el colorido del folklore mexicano, nuestras tradiciones, nuestras artesanías y nuestros juguetes, todos tienen un colorido único que hacen a cualquiera recordar a México. Bajo este concepto nace la idea de utilizar la “tablita mágica” como lienzo. La tablita mágica es un juguete tradicional mexicano que consta de seis o mas tablas unidas por un listón entrelazado, al poner las tablas en posición vertical cambian de lugar, simulando un efecto de cascada. No Sombrero decidió usar estos seis espacios, que conforman al juguete para que los artistas mexicanos plasmaran el panorama creativo tan variado que existe en México. En su mayoría este proyecto esta siendo realizado por algunas

personas

de

re-

nombre, aunque existen integrantes muy jóvenes que están explotando su creatividad al máximo y que tie-

ver que los mexicanos estamos al nivel de cualquier otro país de vanguardia en diseño.

uel B

necesitan apoyo y alentando a

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ble para los nuevos talentos que

Texto :

Esto es una oportunidad increí-

ustos

nen un potencial increíble.


Consejos para hacer objetos de dise単o con materiales de uso diario.


Selecciona el material Fotografía: Samuel Bustos

El material es la parte mas importante del proceso, ya que debes elegir un material al que tengas fácil acceso y que puedas manipular con facilidad, dependiendo de las herramientas con las que cuentes. Cuando se habla de materiales reciclables o reusables se habla de una gran variedad de opciones que existen para crear objetos, muchas veces el problema no es encontrar materiales si no las herramientas necesarias para poder trabajar con estos. Uno de los materiales mas fáciles de trabajar y que se encuentra con gran facilidad es el aluminio, lo encontramos en las latas de refresco, comidas enlatadas y en productos de belleza, ademas como es un metal maleable nos permite manipularlo para crear estructuras flexibles pero resistentes y el hecho de que sea un material delgado nos permite cortarlo y doblarlo con mucha facilidad, estos son puntos importantes a considerar. Otro material que es fácil de encontrar es el vidrio, el problema con el vidrio es que no es tan fácil moldearlo, aunque los productos hechos en vidrio ofrecen un aca-

bado rígido y de buen gusto, es por estas razones que si consideras utilizar el vidrio como materia prima, asegúrate de tener todas las herramientas necesarias para moldearlo o cortarlo. El material mas fácil de conseguir y que es fácil de transformar es el plástico. Desde botellas de PET hasta bolsas, todo el plástico funciona para ser reutilizable. Una de las ventajas del plástico es que es termoformable, es decir, que se puede transformar por medio de calor pero a temperaturas no tan altas y es fácil de cortar con herramientas tan comunes como tijeras o cúter. Por ultimo, la madera es mas fácil de obtener de lo que aveces pensamos, es cuestión de ir a varios aserraderos o talleres de carpintería a preguntar por los desechos de la madera. Generalmente los desechos de madera están compuestos por aserrín o por tablas de medidas irregulares, todos los desechos se pueden ocupar pero como en otros materiales es importante contar con las herramientas necesarias y en el caso de la madera es importante contar con una gran variedad de herramientas para lograr acabados diferentes. Fotografía: Internet

Piensa en el objeto El segundo paso es bastante importante, y es que al definir el objeto que vamos a crear debemos de pensar en dos cosas: “la forma y la función”. Al pensar en la forma nos referimos a lo estético, es decir todo aquello que se va a ver de nuestro objeto, en terminos mas simples que tenga una apariencia agradable. Ahora, al hablar de la función debemos de pensar absolutamente en nuestro objeto y en todas la funciones que queramos que cumpla, es decir, si va a ser una silla, que no se balancee, si va a ser una lampara, que alumbre lo suficiente y esa es la idea en general. Para poder pensar en la funcionalidad mas fácilmente es bueno pensar en una necesidad que haya que este objeto pueda cubrir, esto simplifica bastante las cosas ya que si mi casa es muy oscura, pues es muy fácil, lo que necesito es una lampara, pensar en cubrir necesidades parece un paso innecesario, pero es bastante útil. Como en el primer paso ya se eligieron los materiales a utilizar , es importante considerar todas las propiedades que tienen los materiales para poder elegir el objeto a realizar. Por ejemplo, si vamos a hacer una lampara probablemente la madera no seria una buena opción para ocupar,

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pero el aluminio o el vidrio son perfectos por sus cualidades de dispersión y reflexión de la luz. También al pensar en el objeto ya hecho con nuestro material, es importante considerar si será atractivo en su estado natural o habrá que darle algún acabado con pintura, pero ya veremos mas sobre esto en el ultimo paso. Por ultimo, mucho del “glamour” de los objetos de diseño se debe a que son pensados para suplir necesidades pero no a partir de su forma, esto quiere decir que aunque el objeto luzca como una mesa, no por esto tiene que cumplir las funciones de una mesa. Jugar con este tipo de ideas resulta en objetos mas interesantes y que tienen una manera sorprendente de solucionar la necesidad para la que fue creado, ademas de lucir bien ornamentalmente. También es conveniente pensar no solo en una necesidad a solucionar, también se vale pensar en dos, tres , cinco o todas las necesidades que se quieran solucionar. Muchos objetos hechos por diseñadores funcionan para mas de una cosa, por ejemplo las mesas/lampara o las sillas con revistero incluido. Pensar en varias necesidades dará un resultado interesante, pero nunca hay que olvidar que estamos creando un objeto de diseño que aparte de funcionar de obedecer a una forma, verse bien.


Considera varias soluciones

Fotografía: Internet

En este paso es importante recapitular, ya sabemos que material utilizaremos y ya sabemos cual es el objeto que vamos a fabricar. Ahora, teniendo en cuenta estos dos pasos es importante ver cuantas opciones tenemos para poder crear nuestro objeto. Este paso se podría definir en una sola palabra “forma”, el mismo concepto que ya vimos en el paso anterior. Pero pensemos, ¿ De cuantas formas diferentes se puede ver un objeto? La respuesta seria “de todas las formas que puedas imaginar”, es cierto, una lampara puede ser una lampara y lucir de maneras muy diferentes, estar hecha de muchos materiales diferentes y cumplir con su función de formas en que otras lamparas no lo harán. Por eso es importante en este paso visualizar varias opciones, ver

propuestas de otras personas en revistas, paginas de internet, bazares, mueblerías. Todas estas opciones harán que nuestro cerebro busque mas de una solución y así teniendo varias opciones para resolver nuestro objeto, podremos escoger las mas original y en la que podamos aprovechar nuestro material al máximo. Otra de las cosas a considerar cuando se va a pensar en la solución formal del objeto, es pensar fuera de lo común. Generalmente cuando pensamos en una silla, pensamos en un objeto que tiene cuatro patas, un respaldo y un asiento, pero para este fin y para desarrollar una solución creativa, es importante pensar en un objeto fuera de su contexto normal. Por que no pensar en una silla que tenga 3 o 2 patas, cuyo asiento y respaldo sean una misma pieza o situaciones similares. Pensar en las cosas descontextualizandolas nos ayudara mucho a encontrar diferentes opciones para crear nuestro objeto, lo importante al hacer

este tipo de experimentación con los objetos y las formas, es no dejar que la forma le gane a la función. No por que un objeto se vea bonito esto significa que no deba cumplir con su función al cien por ciento, siempre va a ser mas importante que el objeto cumpla su función a que luzca bien, es por eso que primero hay que asegurarnos de que la forma en la que escojamos crear nuestro objeto no merme el desempeño funcional de nuestro objeto. Por ultimo, muchos objetos pueden funcionar cumpliendo al pie de la letra con estos tres pasos, pero si deseas darle un giro importante a tu objeto, siempre es importante considerar el detallado, ademas como son materiales reciclados, es bueno tratarlos para que tengan un tiempo de vida mayor.


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Los detalles son la parte mas importante, dependiendo del detallado que le demos a nuestra pieza será el resultado final. Estamos hablando de como queremos que luzca nuestra pieza una vez que este terminada y aquí es donde entran los barnices y todos los aditivos que desees para tu articulo de diseño. Es importante pensar en el objeto terminado desde el inicio, pensar en como va a quedar el objeto ya terminado, para tener todos los materiales que necesitemos. Si empezamos a hacer el objeto desde el final, es mas probable que terminemos logrando un objeto de nuestro agrado y que el resultado final luzca justo como nosotros deseábamos. Esta practica es relativamente nueva en nuestro pais, pero en otros lugares objetos hechos de materiales reciclados se venden en grandes cantidades de dinero, lo que nos abre las puertas a nuevas oportunidades de negocios ademas de que por este medio podemos resolver poco a poco el problema de la contaminación en nuestro pais.


Blanco&Negro con un toque

de

COLOR A traves de los a帽os el hombre ha admirado las cosas tanto por su color como por la falta de este, B & N demuestra que las cosas se pueden apreciar no solo por su color si no por el valor que tiene cada objeto. El color despues de todo existe por medio de la luz, este espectro que es totalmente blanco desprende una gama de miles de colores diferentes. Pero entonces, por que no aprovechar este espectro de luz blanca y su opuesto (negro) para poder dar a conocer las cosas por lo que son. Dejar de darle tanta importancia a las cosas por como lucen y empezar a ver el funcionamiento detras de cada objeto, contar la historia de la persona que esta detras de cada idea, ver que en el mundo aun existe gente creativa.

Pero tambien B & N busca que la gente sienta de nuevo esta impresion al ver colores de nuevo. Al haber una privaci贸n del color, ya que la mayor parte de la revista es en blanco y negro, el lector al encontrarse con un articulo a color puede sentirse impresionado por los colores, volver a la normalidad por asi decirlo. Esta revista no esta en contra del color, esta en contra de la regularidad, de lo rutinario, es por eso que existe un contraste durante todo el material. Aceptar que al ver cosas que se contraponen, existe este concepto de dualidad, de opuestos que son totalmente diferentes pero que al mismo tiempo se complementan en varias areas, ese es el proposito.

B & N Design/ Diseño  

Mexican Design Magazine. Graphic, Industrial and Architectural Design presented in an unusual and creative way. This one is in Spanish only.