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MILIONART KALEIDOSCO PE 1.15


MILIONART KALEIDOSCO PE 1.15

IMPRESSUM HERAUSGEBER: Copyright @ 2015 by Froner & Partner Consulting GmbH, Grabenweg 3, A-6020 Innsbruck

TRANSIT

PROJEKTLEITUNG: MilionArt, a brand of Froner & Partner Consulting GmbH Tel: +43.(0)660.5121722 info@milionart.com www.milionart.com

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„Lucy in the sky sky with diamonds“

FOCUS

SPOTLIGHT

DISCOVERE

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INTERVIEW

COVERBILD: Francis Bacon head mixed media on paper 1992 87 x 67 cm

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DRUCK: WhyBlue Srl. Via Btg. Vestone 5 I – 36100 VICENZA info@whyblue.it

EDITORIAL

GESTALTUNG: Dada Weiss Graphicdesign Tel: +43.(0)699.10810574 dada.weiss@mac.com

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KURATORIN: Mag. Isabelle Mereb, Kunsthistorikerin, Stuttgart, Germany

UMBERTO GUERINI

JOHANNA PENZ

ART EXPERTS

ARTISTS

FOTOGRAFIE

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Francis Bacon: History and evidences of the drawings donated by Francis Bacon to Cristiano Lovatelli Ravarino

10 Internationale Kunstmesse ARTInnsbruck

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Leo Andergassen zu Wilhelm Senoner

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Augusto Poderosi

Rainer Holzinger zu Christine Schnoell

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Friederike Büch

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Maike Guenther

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Thomas Beecht

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Ernst Müller

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Thomas Payr

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Lino Dinetto

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Nicole Fritz zum Kunstmuseum Ravensburg

Luciano Caramel zu Nerone

David Payr

Magdalena Froner und Hugo V. Astner Foto: David Payr

„LUCY IN THE SKY WITH DIAMONDS“

stingelgrafik.it - foto transit

IST EIN LIED DER BEATLES, VON JOHN LENNON, DER DARIN VON EINEM MÄDCHEN MIT KALEIDOSKOPAUGEN SINGT – „GIRL WITH KALEIDOSCOPE EYES“

BOUTIQUE DAMEN & HERREN

LIFESTYLE

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meran - lauben 95 & 135 - tel +39 0473 232315 - www.leslibres.com

Das Kaleidoskop fasziniert Menschen schon seit Jahrhunderten – ein optischer Zauber! Viele bunte Glaselemente, die sich spiegeln und dadurch magisch ein großes Ganzes bilden, wobei sich die Muster durch die Bewegung stets verändern. Auch wir wollen faszinieren, indem wir Kunst zu einem großen Ganzen vereinen, das aus vielen individuellen Elementen besteht, die sich gegenseitig inspirieren, diversifizieren und charakterisieren, jenseits vorgegebener Muster. Mit MilionArt gehen wir „kaleidoskopisch“ neue Wege: wir präsentieren Kunst auf eine innovative Art und Weise, machen sie zugänglich und kategorisieren sie nicht pauschal, sondern gewähren ihr Freiraum für viele mögliche Perspektiven. John Lennon beschreibt das Bild eines Mädchens, das vom Himmel kommen wird, um ihn zu retten:„the girl with kaleidoscope eyes“. Unser KALEIDOSCOPE öffnet für die Leserschaft neue bunt-vielseitige Perspektiven. Begeben Sie sich auf eine kunstvoll magische Entdeckungsreise! Hugo Astner & Magdalena Froner

IS A SONG BY THE BEATLES, WRITTEN BY JOHN LENNON, WHO SING ABOUT A “GIRL WITH KALEIDOSCOPE EYES“.

The kaleidoscope has fascinated people for centuries: glass elements are shown in continually changing symmetrical forms by reflection in two or more mirrors set at angles to each other it’s visual magic! MilionArt wants to fascinate, too, by combining many individual aspects that inspire, diversify and characterize beyond predetermined patterns. MilionArt goes „kaleidoscopic“ new ways: we present art in an innovative way; making art accessible without categorizing and therefore offering enough space for new perspectives. John Lennon describes an image of „the girl with kaleidoscope eyes“ who will come from heaven to save him. Our KALEIDOSCOPE opens colourful and new perspectives to all of you. Enjoy this voyage of discovery!

Hugo Astner & Magdalena Froner

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Umberto Gu

FRANCIS BA

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1 Prof. Umberto Guerini 2 Portrait – colored pastel collage – 1980 – 1992 – 70 x 100 cm 3 Pope – colored pastel collage – 1992 – 150 x 100 4 Seated figure - colored pastel collage – 1989 – 150 x 100 cm

HISTORY AND EVIDENCES OF THE DRAWINGS DONATED BY FRANCIS BACON TO CRISTIANO LOVATELLI RAVARINO By Umberto Guerini Cristiano Lovatelli Ravarino owns a series of artworks in large format, drawings, pastels and collages that was given to him by Francis Bacon, as is demonstrated by a deed of gift, dated and signed by the Irish painter. This deed of gift reads: “02/04/1988. I left all my drawings to Cristiano Ravarino. I am indebted to him and Italian renaissance culture. I also have the suspicion that in all those years Marlborough Gallery cheated and robbed me thanks to awkward situations created by the Gallery itself. With love, Francis Bacon.” Dr. Ambra Draghetti – expert in graphology at Bologna’s Court – tried that the day and signature found on the deed of gift were both written by Francis Bacon. In addition to the aforementioned deed of gift, the authenticity of the drawings is further confirmed by the following evidence:

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• the sentence handed down by Bologna’s Court on July 8, 2004 and the evidences collected during the trial, in particular the testimonies of Giorgio Gaggioli, Gloria Zanella, Elisa Menardi and Prof. Vincenzo Lucchese.

• Testimony from Cristina Pezzoli, known as “Bebella,” who declared that she was given a drawing as a gift directly by Francis Bacon in 1982/83, while the two were at the Osteria dei Poeti, a restaurant in Via dei Poeti, Bologna, one evening. • New expert analysis of the signature and graphological signs conducted by Dr. Ambra Draghetti. • Testimony from the Marquise Horacio de Sosa Cordero, who was such a close friend of Francis Bacon’s that he was asked by John Edwards to go to Madrid in April 1992 in order to identify the artist’s body. During a press conference held in Buenos Aires on October 22, 2010, the Marquise de Sosa Cordero confirmed that the drawings exhibited and the signatures found on the drawings are both Francis Bacon’s. He also recognized and identified many of the people portrayed in the drawings. In an essay written for a convention that focused on Francis Bacon’s drawings, held on June 26, 2012 at the Gate Gallery in Prague as part of the exhibition “Francis Bacon–Bhoumil Harabal,” Horacio de Sosa Cordero declared as follows: “Very few people frequented his studio in London on a daily basis: Peter Beard, whenever he came back from one of his photographic

safaris in Africa; David Sylvester; Lucian Freud; George Dyer; and I; years later John Edwards, who sometimes arrived from Italy accompanied by a young, very friendly Bologna journalist named Ravarino. Francis Bacon toured Italy together with Ravarino, visiting Rome, Sicily, Cortina d’Ampezzo, Bologna, Tuscany and other Italian cities… The truth is that Francis Bacon began to make periodic trips to Italy, where things were quiet and he was away from the watchful eyes of Gilbert Lloyd, or the sister Angela or Pierre Levin, his right-hand man in NYC, today director of the gallery. Then he would eagerly dedicate himself to drawing, as well as producing collages and mixed media, some of which can be seen on display at the Gate Gallery in Prague, and many of which represent his magnificent series of Popes, in addition to studio portraits, or compositions, some of which I saw in his atelier in Paris. Francis Bacon was involved in his relationship with Ravarino, his ‘man in Italy,’ a companion, lover and the inheritor of these magnificent works that I would call “the major works from Francis Bacon’s secret period in Italy.” • Testimony from Stephen Conrad, an english art historian who in an email sent to me on June 11, 2012 declared as follows: “The facts, as I recall them, are these. I was persuaded by my friend,

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5 Crucifixion in red – colored & pencil – 1983 – 100 x 70 cm 6 Francis Bacon laughing 7 Francis Bacon with John Edwards 8 Standing figure – pencil – 1980 – 150 x 100 cm 9 Standing figure – pencil – 1989 – 150 x 100 cm 10 Female head – pencil – 1987 – 100 x 70 cm 11 Screaming head – pencil – 1985 – 42 x 38.5 cm

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subsequently, John Edwards made a good recovery. And had no problems with regards... following his operation. Which he could have had. Because of adhesions and…other problems. So I kept a little bit of a close eye on him, for a few months after that. But he made a full recovery.” On that occasion, Francis Bacon gave Brian Hayhow two pencil drawings portraying two figures as a gift. Both drawings are signed by Francis Bacon, and are identical in both graphic signs and in the signature to those that constitute the “corpus” of drawings given by Francis Bacon to Cristiano Lovatelli Ravarino as a gift. From that time forward, Brian Hayhow became friends with Francis Bacon, spending time together regularly until the artist’s death. Brian Hayhow also noted that Francis Bacon made a pencil drawing of his daughter that showed her getting out of the swimming pool at Margaret Skawinski-Sheaser’s house: this drawing is conserved inside a catalogue that Francis Bacon gave the doctor as a gift together with the first two drawings. The aforementioned circumstances were confirmed on the same day (and documented in the same manner, through video recording) by Lyndsay Hayhow, barrister and wife of Brian, as well as by Margaret Skawinski-Sheaser, a close friend of Francis Bacon’s (as is demonstrated through the numerous photographs portraying the two together).

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• The drawings have been examined and studied by internationallyrecognized art historians and critics including: Giorgio Soavi, Edward Lucie Smith, Vittorio Sgarbi, Peini Beatrice Hsieh director of the museum of modern art in Kaohsiung, Taiwan, and formerly the director of Christie’s in Asia- and Rudy Chiappini, the curator of the first exibition of Francis Bacon works after his death in 1993 in Museum of Modern Art in Lugano, then in 1974 in Metropolitan Museum of Art in New York and, at least, in Royal Palace, Milan, in 2008.

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the art dealer Edward Bigden to meet a man called Ian Collins in Debenham, Suffolk, and take a look at the Bacon drawings which he had in his possession. At that time, Edward will recall the date, but some time in 2008 I think, I did not know that these drawings had come through David Edwards and had belonged to Cristiano Ravarino. I thought they were right (this is only a personal opinion, and one which I uphold) and though not an expert on Bacon, I am an art historian, and I was acquainted with Martin Harrison, so one day I called Harrison and Edward and I arranged to meet him at his home and to show him about • In September 2011, in Monte Carlo, several drawings from 6 drawings. Edward will recall the date, but we met Harrison Cristiano Lovatelli Ravarino’s collection were closely examined at his home near Westbourne Grove/Paddington, a mews house by David Nahmad, recognized as one of the world’s foremost I recall, and this was at the time when the Catalogue Raisonné art merchants and collectors, who identified them as authentic was being started.  Edward and I showed him the contents of the Francis Bacon artworks. portfolio, Harrison’s wife was present, and indeed, Harrison seemed perfectly convinced that the drawings were indeed by • The drawings in question have been the focus of three international Bacon.” conventions, held respectively in Buenos Aires (Espacio de arte SIGEN, October 22, 2010); London (Open Forum, “The Gallery • Testimonies from Brian Hayhow, Lyndsay Hayhow and Margaret in Cork Street,” February 8, 2012); and Prague (conference held Skawinski-Sheaser. at “The Gate Gallery,” June 26, 2012). Brian Hayhow, a medical surgeon by profession, declared that he performed an emergency operation on John Edwards in • The drawings in the collection have been exhibited in museums 1986 to cure his appendicitis, and on that occasion first met and art galleries in the following cities: Venice (2009-2011); Francis Bacon. On November 2012, 2012, Brian Hayhow made Zurich (2009); Milan (2010); Cento-Ferrara, Italy (2010); Évorathe following statements during a video interview, declaring Lisbon, Portugal (2010); Buenos Aires: Borges Museum, Espacio as follows: “I saw him when he came out. And I remember de arte SIGEN (2010); Berlin (2010); Paris (2011); Santiago, Francis and John were walking very slowly and carefully… A Chile (2011); London (2011); Kaohsiung-Taiwan (2012); Prague big table – I think in a conservatory area – was strewn with (2012); Aguascalientes, Mexico (2012-2013); San Paolo (Brazil), books, magazines, drawings…and Francis picked them up to Paco des Artes Museum ( 2014). move them away. ‘They’re nothing!’ (said Francis) Because, I The exhibition held in Cento-Ferrara was sponsored by the Italian suspect that he did not want to be praised… And he said ‘I am Ministry of Cultural Heritage and Activities. The exhibition grateful to you… Thank you for saving me.’ And I was slightly held at SIGEN in Buenos Aires was sponsored by the Argentine embarrassed. But I was also very, very happy and pleased. And, Ministry of Culture and the Argentine National Bank.

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12 Screaming head – pencil – 1985 – 70 x 50 cm 13 Crucifixion – colored pastel collage – 1987 – 100 x 70 cm

• Critical essays focusing on the drawings in Cristiano Lovatelli Ravarino’s collection have been written by: Giorgio Soavi, Edward Lucie Smith, Alessandro Riva, Vittorio Sgarbi, Duccio Trombadori, Raffaele Gavarro, Horacio de Sosa Cordero, Serena Baccaglini and Peini Beatrice Hsieh. • In 2008 the history of the drawings, derived from the evidences at trial, as well as ones accumulated after following the trial’s conclusion, were gathered together and published in a book entitled “The Tip of an Iceberg”, by Umberto Guerini.

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• In January 2012, the legal proceedings from the trial, including the sentence, were published verbatim in a volume entitled “La storia recente dei disegni italiani di Francis Bacon” (The Recent History of the Italian Drawings of Francis Bacon). This publication also includes correspondence with one of the most important English art historians, Brian Sewell, who was a friend of Francis Bacon and who, following a critical examination and after having previously expressed opinions against the drawings, concluded that the only declaration he could make was that he “had never seen anything like them before.”

• In 2013 the “FBF – The Francis Bacon Foundation of the drawings donated to Cristiano Lovatelli Ravarino“, published the following two books on the drawings: – “Francis Bacon? Of course he use to draw” by Umberto Guerini; – “The challange of authenticity“ by Umberto Guerini. • In 2015 ”FBF – The Francis Bacon Foundation of the drawings donated to Cristiano Lovatelli Ravarino“ will publish the first volume of the catalogue raisonne of the drawings donated from Francis Bacon to Cristiano Lovatelli Ravarino.

FRANCIS BACON FOUNDATION Francis Bacon Foundation of the drawings donated to Cristiano Lovatelli Ravarino 63 Ledbury Road, Notting Hill Gate London W 11 2 AD, UK 40125 Strada Maggiore 24, Bologna, Italia President of FBF, Prof. Umberto Guerini

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INTERVIEW

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MilionArt im

1 Messe Innsbruck – © DIE FOTOGRAFEN 2 Johanna Penz – © WWW.GUENTHEREGGER.AT

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JOHANNA PE

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ART Innsbru

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Anlässlich der 19. ART Innsbruck ist es Messedirektorin Johanna Penz gemeinsam mit MilionArt gelungen eine Sonderschau der Extraklasse mit „Francis Bacon Drawings & Wilhelm Senoner Sculptures“ zu präsentieren. Ein Projekt auf höchstem internationalem Niveau, einmalig im Alpenraum, das zugleich eine neue Ära für die ART Innsbruck einleitet. Frau Penz, was können die Besucher auf der heurigen ART Innsbruck erwarten und welche zukunftsweisenden Veränderungen bringt die ART Innsbruck 2015 mit sich? Bei der ART Innsbruck stehen die Zeichen auf Wandel und Veränderung. Neben internationaler Kunst des 20. und 21. Jahrhunderts nimmt die ART Innsbruck ab dem heurigen Jahr auch Kunst und Antiquitäten des 19. Jahrhunderts, in ausgewählten Fällen auch aus älteren Zeiträumen, in ihr Portfolio auf. Damit einhergehend vollzieht die ART Innsbruck gerade die dauerhafte Übersiedlung in die imposante Haupthalle A des Innsbrucker Messegeländes. Sie sprechen den neuen Standort an - was macht prinzipiell die Lage in der Region Tirol mit Innsbruck für eine Kunstmesse attraktiv? Der Westen Österreichs und insbesondere Tirol liegt an der Schnittstelle zwischen Nord und Süd, West und Ost, wobei explizit ersteres ziemlich gut spürbar scheint. Die Achse Norddeutschland, Bayern, Tirol, Südtirol, Norditalien war schon in historischen Zeiten eine wichtige und dies scheint sich auch in den Geisteshaltungen und Ansprüchen ausmachen zu lassen. Hier an der Nabe des Rades scheinen sich alle gegensätzlichen Charaktere zu einem ambivalent homogenen Gebilde zu vereinen, was eine ganz spezielle und höchst produktive Spannung zu erzeugen scheint. Der Tiroler an sich zeigt sich als weltoffener Bürger, nicht zuletzt durch den Tourismus und den Zuzug von begüterten Menschen aus allen Teilen der Welt – Roman Abramovic in Igls, Jelena Baturina in Kitzbühel, welche sich hier, in der teilweise tatsächlich noch heilen Welt oder Natur, ohne die Notwendigkeit von Bodyguards wie du und ich fühlen wollen. Diese Ruhe und gleichzeitige Spannung öffnet die Sinne für Kontemplation und Kunst und Kultur. Die allererste ART Innsbruck wurde von den Menschen nahezu gestürmt, was uns in unseren Intentionen bestätigt hat, dass gerade dieser Knotenpunkt Tirol ein ganz wesentlicher für das Kunst- und Kulturleben der ganzen Region in einem Umkreis von 500 km darstellt. Es sind zahlreiche Kulturinitiativen aus dem Anstoß der „Urmutter“ ART Innsbruck entstanden.

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Mehr Initiativen im Bereich Kunst& Kultur beeinflussen wahrscheinlich auch die Nachfrage; 2014 nahmen 70 Galerien aus 10 Ländern

an der Art Innsbruck mit über 18.000 Besuchern teil. Hält dieser Aufwärtstrend an? Ich sehe mich hier als eine Anhängerin von „Qualität vor Quantität“. Meine Intention war nie, möglichst viele Besucherzahlen zu lukrieren, sondern die richtigen Besucher, also die echten Kunstliebhaber, anzuziehen. Nichtsdestotrotz freuen wir uns über jeden einzelnen Besucher, der die ART Innsbruck besuchen kommt. Welche neuen Trends am Kunstmarkt wird die Messe heuer den Besuchern zugänglich machen und was sind für Sie ganz persönlich die Highlights dieser Messe? Die ART Innsbruck war in den vergangenen Jahren sehr puristisch ausgerichte, auf den Zeitraum 1960 bis in die Gegenwart. Im zwanzigsten Jahr unseres Bestehens sind wir mit dem zu Beginn angelegten Konzept an einem Punkt angelangt, wo sich unser Publikum zu Recht neue Impulse und Inspirationen erwartet. Mit der Ausweitung des Portfolios auf Kunst und Antiquitäten des 19. Jahrhunderts folgen wir einem internationalen Trend. Die ART Innsbruck entwickelt sich dadurch zu einer umfassenden Sammlermesse, was gerade dem in krisenhaften Zeiten wachsenden Bedürfnis nach Qualität und dauerhaften Werten entgegenkommt und dem auch im Bereich Kunst immer mehr zu beobachtenden „Crossover“-Einkaufsverhalten. Als persönliches Highlight der ART Innsbruck 2015 möchte ich klar die große Sonderschau Francis Bacon bezeichnen, welche von uns gemeinsam realisiert wird. Zudem freue ich mich auf das Ausstellungssequel des russischen Ausnahmekünstlers Vladimir Valentsov ebenso wie auf das spannende Programm der zeitgenössischen Galerien, jener der klassischen Moderne und die Antiquitäten der ausstellenden Kunsthändler.

Abgesehen von den Highlights muss sich eine Messe immer für Aussteller und Besucher lohnen – was hat die Art Innsbruck in diesem Sinne konkret zu bieten? Meines Erachtens ist es wichtig, den Interessens- und Geisteshaltungen der Menschen Rechnung zu tragen, aktuelle Trends im Kunstgeschehen einfließen zu lassen und gleichzeitig richtungsweisende Strömungen aufzuzeigen. Die Besucher sollen sich auf der ART Innsbruck wohlfühlen, um sich auf spannende Entdeckungsreisen in die Welt der Kunst zu begeben. Allen diesen formulierten Ansprüchen versucht die ART Innsbruck mit Intention, Herz und insbesondere Qualität gerecht zu werden. Die Aussteller treffen auf der ART Innsbruck ein äußerst kunstinteressiertes Sammlerpublikum zur Präsentation neuer Arbeiten ihrer Stammkünstler, zu ersten Auftritten hoffnungsvoller Newcomer und zum Erschließen neuer (Sammler-)Publikumsschichten.

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Wie beurteilen Sie - nach so vielen Jahren Erfahrung in diesem Bereich - die Entwicklung des Kunstmarktes, welche Herausforderungen stehen uns bevor? Kunst ist und wird für die Menschen immer ein unverzichtbarer Teil des Lebens sein, gewissermaßen ein „Lebensmittel“. Gerade in Zeiten großer Umwälzungen wächst automatisch die Sehnsucht wie auch das Interesse nach beständigen Werten und diese werden der Kunst zugeschrieben. Die Grenzen sind immer mehr fließend und die Verbindung der beiden anscheinend sich ambivalent zueinander verhaltenden Pole der zeitgenössischen und alten Kunst sehe ich als logische Entwicklung am Kunstmarkt und als eine ungemein spannende Aufgabe. Sie deuten damit schon eine bestimmte Richtung an: Im nächsten Jahr wird die ART Innsbruck 20 und es stehen einige konkrete Neuerungen an oder? Ja genau, das mittelfristige Ziel wird sicher sein, aufbauend auf den Erfahrungen der Jahre und insbesondere auf dem solide gewachsenen und fest in der internationalen Kunstwelt verankerten Namen der ART Innsbruck als unerschütterliche Basis, eine zweite Messeveranstaltung zu positionieren, um den Jahreskreis abzudecken und alle Ressourcen entsprechend zu nutzen. Langfristig gesehen soll sich diese Expansion auf andere Städte und Länder ausdehnen. Das klingt für uns nach einem großen Vorhaben und wir wünschen an dieser Stelle viel Erfolg. Lassen Sie uns abschließend noch auf unsere Sonderschau mit Francis Bacon und Wilhelm Senoner zurückkommen: Welche Erwartungen stellen Sie an diese Sonderschau?

Besonders spannend finde ich die an sich kontroversielle Kontextualisierung der zeitgenössischen Skulpturen von Wilhelm Senoner mit den Arbeiten des umstrittenen und gleichzeitig so fesselnden Maler-Berserkers Francis Bacon, wobei sich hier gleichzeitig ein überraschend reizvolles Zusammenspiel der künstlerischen Positionen aufzutun scheint. Die Sonderschau Francis Bacon bildet den Höhepunkt einer Reihe von herausragenden Sonderschauen der letzten Jahre auf der ART Innsbruck wie beispielsweise „Le Corbusier & Authentic Icons“ und „Andy Warhol“. Ich erwarte mir einen Ansturm an Sammlern und Kunstliebhabern und es erfüllt mich mit Stolz und Freude, dieses Highlight auf der ART Innsbruck zeigen zu dürfen.

ZUR PERSON JOHANNA PENZ 1997 Erste Kunstmesse Innsbruck „editions of art“ - Originalgrafik/ Editionen, später „ART Innsbruck“ - alle Bereiche der bildenden zeitgenössischen Kunst. 2000 Gründung „ARTHAUS kunstfreihaus“ – Kunstversand im Internet. 2001 Erste Kunstmesse Wien „art-vienna“. 2009 Preisträgerin intern. Award KUNSTMEDIATOR IG Galerien Wien für außergewöhnliche Leistungen in der Kunstvermittlung. 2013 nominiert für den BANK AUSTRIA Kunstpreis, Gründung project space „artroom21“. Direktorin der erfolgreichen internationalen Messe für Kunst seit mittlerweile fast 20 Jahren www.art-innsbruck.at . johanna.penz@art-innsbruck.at

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FOCUS

1 PD Dr. Leo Andergassen 2 Mann mit Zigarre – Lindenholz – 2010 – 80 x 80 x 160 cm 3 Die Wartende – Lindenholz – 2015 – 96 x 25 x 25 cm (Permanent Exhibition at the „Hotel Therme Meran“ - South Tyrol - www.hotelthermemeran.it) 4 Wilhelm Senoner und „Der Gehende“ – Lindenholz – 2014 – 245 x 40 x 60 x 60 cm 5 Der Kuss – Lindenholz – 2014 – 190 x 100 x 130 (Seite 15)

LEO ANDER

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WILHELM SENONER IST DER GANZ ANDERE BILDHAUER PD Dr. Leo Andergassen

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Rezipienten erleben sich selbst im Geschauten, die gratigen Formen haben etwas von Findlingen, sie spielen mit Fronten und Ansichten, wobei in kubistischen Sichtwechseln nicht allein die Form sich verändert, sondern die in der Vorderansicht sichtbare Breite sich quasi leichtfüßig „verdünnt“. Aus einem „sacco di noci“ wird eine grazile Figur, die sich tänzelnd bewegt. Anklänge an die großen Bildhauer des 20. Jahrhunderts Alberto Giacometti und Henry Moore werden wach. Eine Plastik hat viele Bilder an sich.

Er stammt aus St. Ulrich in Gröden, wo er 1946 geboren wurde und auch bald danach den Umgang mit Holz und Skulptur erlernte. Er ist kein akademischer Künstler, kommt nicht aus dem Kunstbetrieb einer Hochschule. Was er ist, lässt sich aus der materialisierten Empirie in seinem Werk erahnen. Immerhin dauerte seine Lehrzeit bei diversen Grödner Bildhauern insgesamt zwölf Jahre. Es waren zunächst Jahre im Nachüben alter Meister, es war eine Zeitspanne anUnerschöpflich ist das Repertoire seiner Menschenwelt. Ein humaner gefüllt mit Übungen in den Formen der Spätgotik, jedoch immer in Kosmos, der nicht den Anspruch erhebt, sich der Wirklichkeit zu der Wahrnehmungskonkurrenz zur Natur, die letztlich das erste Lehrwidersetzen, sondern im Blick auf das Geschaffene die Wirklichkeit buch bot. Vielleicht erwuchs aus der Beschäftigung mit der deutneu zu gestalten. Senoner ist ein durch und durch nachdenklicher schen Spätgotik die Vorliebe für Lindenholz, das sich bekanntlich „Schöpfer“. Es findet sich in ihm kein Hang zur Melancholie, wohl gut bearbeiten lässt. Alle Skulpturen sind aus Linde geformt. Die aber die Zuversicht der Unverdrossenheit. Der Positivismus seiner heimische Zirbe hätte nur dimensionierte Maßverhältnisse zugelaskreierten Welt ist im wahrsten Sinne „positiv“, also „gesetzt“. Die sen. In der Begegnung mit den großformatig geformten Massen trifft fliehenden Haare an seinen Gesichtstypen lassen Bewegung ahnen. man auf ihn selbst, auf seine Einstellung zur Form, seinen Hang zur Alles ist in Bewegung, im Gehen, im Wandern, im Schreiten. Kein Kommunikation, seinen Blick, den er auf Menschen wirft. Und der Standmotiv verbindet sich mit dem massiven Sockel, der einfach Mensch ist und bleibt sein ausschließliches Objekt. Subjekt und Obnur Terrain und „Urgrund“ der Menschentypen ist. Hände sind nur jekt zugleich. Um es vorweg zu nehmen: Wilhelm Senoner ist auch dort angezeigt, wo es das Agieren verlangt. Die Geschlossenheit des Maler. Seine Bilder orientieren sich aber an dem, was zuvor als PlasUmrisses erzeugt Schönheit, in den Oberflächen zeichnen sich wie tik entstanden ist, oder auch nachher als Plastik entstehen wird. Umim Ornament die Schabspuren der Schnitzeisen ab. Mann und Frau gekehrt kann man sagen, dass den aus Holz geschlagenen Skulpturen sind eins, Unwesentliches wird zum Unterscheidungskriterium. eine durchaus malerische Oberfläche anhaftet. Diese bildet nicht die angeschnittene Haut des Holzes, sondern wird in der Tradition eiSenoner erlebt Kunst in der Harmonie und im formalen Ausgleich. ner Fassung aufgetragen. Dabei werden keineswegs traditionelle und Wenn auch die Bewegungen vermeintlich Aufbruch und Veränderung lang gereifte Wege beschritten, sondern es wird neu experimentiert. simulieren, so gibt es diese nicht unter Preisgabe von Ruhe. Die In einem Leimgemisch kommt Sägemehl zum Einsatz, das nun als Erfolge auf regionalen und internationalen Ausstellungen anerkennen „raue Schale“ auf den weichen Kern des Holzes kommt. Chirurgisch seine Kunst. könnte man durchaus von einer Oberflächenbehandlung sprechen. Der raue Charakter verschwindet jedoch in der Ansicht und haucht den Figuren ein lebendiges Sein ein. Das Auge erlebt die Form der ZUR PERSON LEO ANDERGASSEN Plastik nicht zuletzt über die äußerste, hier nachgetragene Haut, die mit dem Kern zu einem Ganzen verschmilzt. Leo Andergassen, geboren 1964 in Meran, absolvierte das StuSenoner liebt es, seine „Menschen“ dort hinzustellen, wo er die Ideen dafür empfing: auf die Spitzen der Berge, auf die gratigen Grenzen der Alpentäler. Hier stehen sie als Plain-air-Skulpturen in Bronze gegossen in direktem Kontakt zu der sie umgebenen Natur. Es ist eine Inszenierung im Großen, was spielerisches Verhalten in den Grödner Schnitzstuben etwa beim Miniaturgestalten einer Krippe über lange Jahrhunderte experimentieren konnte. Senoners Typen sind aus dem Leben gegriffen, in der ihm eigenen und unverwechselbaren Art der Konzentration auf das Wesentliche peilt er auf neue Aussagen. Die

dium der Kunstgeschichte in Wien. 1988 Sponsion, 2002 Dissertation mit einer Arbeit zur frühen Ikonographie des Antonius von Padua in Italien. Von 1998 bis 2007 leitete er das Diözesanmuseum Hofburg Brixen, bis 2006 war er Landeskonservator von Südtirol. Seit 2013 führt er das Landesmuseum für Kulturund Landesgeschichte Schloss Tirol. In den Forschungsschwerpunkten bricht immer wieder die ikonographische Schlagseite durch. Seit 2003 hält er Lehrveranstaltungen an der Universität Innsbruck, wo er sich 2013 habilitierte.

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1 Christine Schnoell 2 Modern Jesus – 2014 – Acrylics, Pastels, Pigments on canvas – 100 x 150 cm 3 Meet you there – 2014 – Acrylics, Pastels, Pigments on canvas – 100 x 150 cm 4 The Second – 2014 – Acrylics, Pastels, Pigments on canvas – 150 x 100 cm 5 Prof. Rainer Holzinger 6 The Moment – 2014 – Acrylics, Pastels, Pigments on canvas – 100 x 150 cm (Seite 18)

Rainer Holzi

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DAS LEBEN IST NICHT SCHWARZ WEISS, WIR MACHEN ES ABER OFT DAZU. Univ.-Doz. MMag. Dr. Rainer Holzinger Der Mensch liebt die Kategorisierung – in richtig versus falsch, gut versus böse, reich versus arm, jung versus alt etc. Das Leben passiert aber (zum Glück) meistens irgendwo dazwischen. Die Gesellschaft von heute scheint regelrecht verliebt in die Verabsolutierung der eigenen Sicht – frei nach dem Bibelzitat „Wer nicht für mich ist, ist gegen mich“ (vgl. Matthäus 12,30). Beides schafft Mauern wo Brücken gebaut werden sollten. Denn nur durch die Kooperation innerhalb der Menschheit werden die Herausforderungen unserer Zeit konstruktiv angegangen werden können. Bringen wir also Farbe ins Spiel des Lebens … Der Maler Paul Klee schreibt: „Kunst gibt nicht das Sichtbare wieder, sondern macht sichtbar.“ In den Arbeiten von Christine Schnoell bewahrheitet sich das gleich auf mehreren Ebenen.

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„Die Geschichten und Inspirationen hinter den Bildern fließen mir im Leben und in meinen Träumen entgegen“, sagt sie. Das klingt zunächst einfach, um nicht zu sagen gewöhnlich. Was sie aber daraus macht, schafft die Brücke vom Ufer des Handwerkes hin zum Ufer des Kunstwerkes und damit die Prämisse für jedwede konstruktive Kontemplation im Rezipienten. Es entstehen Geschichten, die das Leben schreibt und beschreibt, in allen Farben, in allen Schattierungen. Diese höchst aktuellen Thematiken fordern auf, über den eigenen Tellerrand hinauszuschauen, aber auch, sich auf sein Innerstes zu konzentrieren, sich selbst zu begegnen bzw. über Erlebtes (neu) zu reflektieren.

Fernab dogmatischer Intentionen offeriert Christine Schnoell zunächst ihre subjektive Welt und fordert den Betrachter durch ihr schöpferisches Statement höflich aber bestimmt auf, hinter das Offensichtliche zu blicken. Mit bewusst leiser Stimme kreiert sie dabei farbliche Kaleidoskope, deren Ausdruckskraft ohnedies nicht in Worte hätte gefasst werden können. Verbale Eskapaden wären aber auch kontraproduktiv, wenn das Agens der Kunst direkt die Tür in die Welt der Emotionen öffnet und damit ein individuelles „Spüren“ im Hier und Jetzt auf vielfältige Weise ermöglicht. Durch die Bilder von Christine Schnoell passieren aber auch Begegnungen mit dem/der Anderen und holistische Erlebnisse. Explizit und implizit wird die/der BetrachterIn in der Kunst der Menschlichkeit geschult. Quasi an der Hand der Künstlerin genommen tritt sie/er über die Pforte des Augen-Blicks in die Seele der AkteurInnen. Das schafft nicht nur Verständnis sondern vor allem Mitgefühl im ureigenen Sinn mit dem Gegenüber und damit die Basis für die komplexe Zwischenmenschlichkeit.

ZUR PERSON RAINER HOLZINGER Univ.-Doz. MMag. Dr. Rainer Holzinger Psychologe & Psychotherapeut Coach im Höchstleistungsbereich für Wirtschaft, Politik, Sport und Kunst Vortragstätigkeit & Seminarleitung Künstler & Kunstphilosoph

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FOCUS

Dr. Nicole Fritz, Leiterin des Kunstmuseums Ravensburg, Foto: Anja Köhler 1 Kunstmuseum Ravensburg, Foto: Roland Halbe 2 Kunstmuseum Ravensburg, Installationsansicht Gert und Uwe Tobias, 2013, Foto: Achim Kleuker 3

KUNSTMUSE

NICOLE FRIT

UM RAVENSB

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KUNST ALS KATALYSATOR FÜR DIE KREATIVITÄT EINER GANZEN STADT. Dr. Nicole Fritz Direktorin Kunstmuseum Ravensburg

verarbeitet. Diese ermöglicht Innenansichten einer juvenilen Lebenswelt zwischen realem und digitalem Raum. PARTIZIPATORISCHE PROZESSE

Von Beginn an war es mir ein großes Anliegen, das Museum als Teil der Stadt mit den verschiedensten Zielgruppen zu vernetzen. In der Anfangsphase des Museums halfen vom Museum berufene „Scouts“ (deut.: Pfadfinder), die Vision eines Kunstmuseums als Ort der Kreativität zu verbreiten. Die Aufgabe der Scouts aller Altersstufen war es, ihren Freundeskreis über den Fortgang der Bauarbeiten und das Ausstellungsprogramm zu informieren. Ein Schneeballsystem für die Kunst, das das Kunstmuseum vor allem in der Anfangszeit durch Mund-zu-Mund Propaganda in der breiten Bevölkerung bekannt gemacht hat. Auch Gemeinderäte der Stadt ließen sich auf diese Weise in einen Dialog mit dem Museum verwickeln und haben in öffentlichen Führungen dem Publikum ihr Lieblingswerk aus der Sammlung Selinka vorgestellt. Im letzten Jahr hat sich das Museum im Rahmen eines inklusiven Malwettbewerbes, bei dem über sechzig Teilnehmer aller Altersstufen mit und ohne Behinderung zusammen künstlerisch tätig waren, vor allem mit sozialen Einrichtungen vernetzt. In diesem Jahr werden neue Vermittlungsprogramme für Firmen aufgelegt, um neue Besucherinnen und Besucher für das Museum zu gewinnen. Diese positive Entwicklung in Ravensburg zeigt, dass Kunst als Katalysator für Kreativität wirken kann und dass das Kunstmuseum als Institution vor allem dann eine Zukunft haben wird, wenn wir die Kunstwerke nicht nur bewahren, sondern die Potentiale der Kunst durch interaktive generationsübergreifende Vermittlungsarbeit im Sinne eines „Museums für alle“ auch für die Gegenwart produktiv machen.

Das Kunstmuseum Ravensburg wurde im März 2013 eröffnet. Der im selben Jahr mit dem Deutschen Architekturpreis ausgezeichnete Bau wurde vom Stuttgarter Architekturbüro Lederer + Ragnarsdóttir + Oei entworfen. Nach dem Motto: „Erst kommt die Stadt, dann das Haus“, haben die Stuttgarter Architekten auch das Kunstmuseum auf das historische Stadtensemble Ravensburg bezogen. Das neue Kunstmuseum bereichert die Stadt nicht nur als architektonisches Highlight. Es ist darüber hinaus auch das weltweit erste zertifizierte Museum in Passivhaus-Bauweise. SAMMLUNG PETER UND GUDRUN SELINKA Fundament des neuen Kunstmuseums Ravensburg ist die Sammlung Peter und Gudrun Selinka. Die Kollektion, die der ehemalige Werbeberater Peter Selinka (1924–2006) zusammen mit seiner Frau innerhalb von vier Jahrzehnten zusammengetragen hat, ist eine der hochklassigen Privatsammlungen in Süddeutschland. Vom Profil her folgt die Sammlung dem roten Faden einer expressiv gestischen Tradition durch das 20. Jahrhundert. Die Sammlung umfasst über 200 Arbeiten aus dem Bereich des deutschen Expressionismus sowie die Gruppen Cobra und Spur. Peter Selinka war ein Sammler, der die Verbindungslinie zwischen diesen expressiven Maltraditionen nicht nur früh gesehen, sondern auch gesammelt hat. Das Sammlungskonvolut mit Haupt- und Nebenlinien der Expressionisten gibt so einen ausgezeichneten Überblick über die verschiedenen Ausprägungen der expressiven Malerei im 20. Jahrhundert.

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AUSSTELLUNGSKONZEPT Die Werke der Sammlung Selinka bilden darüber hinaus ein wertvolles Archiv für die Ausstellungstätigkeit im Kunstmuseum Ravensburg. Auf den mehr als 800 qm Ausstellungsfläche wurden seit der Eröffnung unter dem Motto „Selinka Classics“ immer auch Teile der Sammlung Selinka gezeigt. Es werden jährlich zwei bis drei Wechselausstellungen zur klassischen Moderne (Egon Schiele, Otto Mueller) und zur zeitgenössischen Kunst (Gert und Uwe Tobias, Stephan Balkenhol) präsentiert. Im Foyer werden in loser Folge „Favorites“ vorgestellt, zeitgenössische Lieblingswerke kooperierender Institutionen (ZKM Karlsruhe).

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Unter dem Motto „Fremde Blicke“ wird ein- bis zweimal im Jahr eine Künstlerin bzw. ein Künstler eingeladen, die Stadt Ravensburg zu besuchen. Die Ergebnisse der ortsspezifischen künstlerischen Reflexionen werden im Foyer des Kunstmuseums präsentiert. So hat der aus Frankreich stammende Künstler Jérome Chazeix beispielsweise unter der Mitwirkung von Jugendlichen mit Migrationshintergrund 2012 ein Tanzvideo erstellt. Derzeit wird im Foyer des Museums eine Videoinstallation der Künstlerinnen Eva Paulitsch und Uta Weyrich ausgestellt. Mit Unterstützung des Jugendkunstclubs des Museums haben die beiden Künstlerinnen Handyfilme von Ravensburger Jugendlichen zu einer multimedialen Rauminstallation

KUNSTMUSEUM RAVENSBURG Das Museum wurde am 8. März 2013 offiziell eröffnet und schon im ersten Jahr des Bestehens kamen anstatt der erwarteten 25.000 Besucher über 50.000 Besucher. 2013 wurde das Kunstmuseum für die inhaltliche Arbeit für den Europäischen Museumspreis (EMYA) nominiert. Weitere Informationen zum Kunstmuseum unter www.kunstmuseum–ravensburg.de Ausstellungsprogramm 2015 Das Handyfilmprojekt Lothar Fischer Fremde Blicke: Simone Rueß. Ravensburg Ich bin eine Pflanze. Naturprozesse in der Kunst. Max Pechstein Fremde Blicke: Helga Griffiths. Mirror Moves

bis 22. März 14. Februar bis 21. Juni 28. März. bis 21. Juni 11. Juli bis 8. November 9. Dezember bis 10. April 2016 9. Dezember bis 10. April 2016

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FOCUS

1 Prof. Luciano Caramel 2 Nerone 3 Composizione n° 21, Lack auf Leinwand, Enamel on canvas, 80 x 100 cm 4 Composizione n° 32, Lack auf Leinwand, Enamel on canvas, 80 x 100 cm

LUCIANO CA

RAMEL

NERONE

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LA SINTESI DELL’ASTRAZIONE Prof. Luciano Caramel Tutto ciò è sostanza, con maggiore o minore risoluzione del particolare nel generale (non, mai, nell’assoluto), di tutta l’opera figurativa di Nerone, dagli anni settanta alla fine dei novanta, ma anche della progressiva liberazione da dichiarati rimandi referenziali avviata tra il 1999 e il 2000 e poi pienamente abbracciata dal 2002 in dipinti ormai numerosissimi, oggetto specifico di questo libro, che offrono e insieme richiedono ulteriori indicazioni e messe a fuoco problematiche. A cominciare dall’osservazione pregiudiziale che non si tratta della sconfessione della precedente pittura iconica per un aniconismo inteso come stadio più avanzato di uno sviluppo progressivo, nel senso che presuppone un progresso. […]

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Siffatto imprevisto approdo di Nerone all’astrazione, lungi dal consentire sospetti di aggiornamento, costringe al contrario il fruitore a constatare senza ombra di dubbio l’irriducibilità del pittore a tendenze e stili predefiniti, confermando invece in primo luogo l’importanza per il suo lavoro dell’adozione mirata di un determinato linguaggio, e quindi il rilievo non secondario attribuito alla forma e alla sua progettazione; e in secondo luogo da un canto la capacità di scegliere le soluzioni formali più idonee all’espressione, dall’altro la sorprendente abilità nel dominare colori e tecniche di caratteristiche qualitative e d’uso differenti da quelle abitualmente utilizzate: smalti, non più colori ad olio, e perciò un diverso modo di applicazione al supporto, in stesure, colature e sgocciolature controllate e guidate. […]

Mancano affondi prospettici, tutto si risolve sul piano, su cui quel proliferante, embrionale affollamento galleggia instabile e nel contempo come provvisoriamente fissato. Risultati ottenuti da Nerone autonomamente, come egli testimonia, ma avvicinabili, nella diversità, a un ciclo di dipinti realizzati da Jean Dubuffet soprattutto nel 1963, come già mi è capitato di rilevare, precisando come non si tratti del Dubuffet più radicalmente schierato nella difesa dei «valori selvaggi», oggetto di teorizzazione da parte dell’artista francese e collegati alla sua attenzione per l’art brut, oltre che trasferiti nel lavoro pittorico e plastico, che si penserebbe invece quello più vicino a Nerone. […]

Premesso questo, ribadendo la presa di distanza di Dubuffet dall’equivalenza art brut-art naïf e «valori selvaggi»-follia, sulla quale soprattutto si fondano gli equivoci che hanno fuorviato il giudizio sull’arte di Nerone, riprendo senza timore di fraintendimenti l’apparentamento alla temperie di alterità culturale cara al francese della pittura di Nerone, come attenuata nella fase 19992000, diversamente che nella scultura coeva, di cui si dà in queste pagine testimonianza, ove l’artista prosegue invece sul registro abituale. Circostanza che mi pare possa confermare che Nerone, nei dipinti attorno al 2000, abbia sperimentato, con esiti di notevole qualità, un qual raffreddamento dell’urgenza espressiva entro cui si svolgeva, sotterranea, l’incubazione della volontà, almeno, di un nuovo, più diretto linguaggio, col quale riprendere con inedita efficacia la propria caratteristica vena «selvaggia». Che infatti esplode nel 2002 – in modo tanto repentino da rendere maggiormente plausibile l’ipotesi qui avanzata – in una gestualità diretta

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che veramente, nella forza dell’intervento formativo, nell’energia del riversare il colore sulla tela, che talora richiama significativamente agli occhi e alla mente eruzioni magmatiche, o addirittura, in altri casi, deflagrazioni cosmiche, fa pensare all’action painting, l’espressionismo astratto statunitense. Collegamento da proporre, tuttavia, anche qui, non su di un piano di stile, o peggio di maniera, ma su quello della ancora una volta sorprendente icasticità di Nerone, che sceglie un’astrazione informaleggiante perché vi trova il modo di sciogliere il suo dire per segni e colori da insistenze narrative. Ottenendo una simultaneità di immagine di rilevantissima presa comunicativa, che veicola il desiderio di dar corpo sul supporto a stati d’animo primari, aurorali, archetipali e primordiali persino, verrebbe da dire: nel senso che l’obiettivo è quello di formalizzare un’emotività, una passionalità che resta certo legata, oltre che all’animo dell’autore, alle circostanze in cui egli si trova a vivere, alle speranze, alle delusioni, e così alle gioie e ai dolori, e alle angosce, che esse comportano; ma in uno stato che il vissuto comprende e insieme travalica nella sintesi, che ancor più «parla» al fruitore per la sua «universalità» che la singolarità incarna, potenziandola nella sua concisa essenzialità. […] Per l’artista di Villarotta, neppure ora, in queste figurazioni accese, visionarie, in cui sciabolate di colore s’accampano e muovono con l’efficacia flagrante dell’evento in atto, antireferenzialità non equivale ad autoreferenzialità. Restano spezzoni, i suoi quadri, spezzoni autoconclusi e aperti all’auscultazione della segretezza del proprio intimo come alla comunicazione con gli altri, in una meditazione e un discorso per immagini, coinvolto con la provvisoria

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determinazione dell’esistere, ma proteso oltre il contingente: «Se vuoi essere un uomo - ricorda Nerone - devi amare la morte come la vita. Se vuoi essere un uomo, devi avere una pazienza infinita. Se vuoi essere un uomo, devi guardare le cose al di là dell’apparenza». Prof. Luciano Caramel, NERONE. L´astrazione selvaggia, Venezia, Marsilio, pg. 15-19

LUCIANO CARAMEL Luciano Caramel è nato a Como nel 1935. Professore ordinario di Storia dell‘Arte contemporanea, direttore dell‘Istituto di Storia dell‘Arte medievale e moderna. Libero docente di Storia dell‘Arte moderna nell‘Università Cattolica di Milano e Brescia. Professore ordinario di Storia dell‘Arte nelle Accademie di Belle Arti di Carrara, Albertina di Torino, Brera di Milano. Professore associato di Storia dell‘arte medievale e moderna nell‘Università Cattolica di Milano e Brescia e professore ordinario di Storia dell‘Arte contemporanea nell‘ Università di Lecce. Presidente del Comitato Luigi Veronesi e vicepresidente dell‘Associazione per il patrocinio e lo studio dell‘opera di Filippo de Pisis. Vive tra Como e Milano.

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SPOTLIGHT

Victoria Merki „Time‘s Scream“ 2013

MARINA

Victoria Merki Meister der Linie

Die von Victoria Merki erschaff erschaffene ene Kunst hat ein erstaunliches und zugleich seltenes Merkmal – brillante Beherrschung kombiniert mit der tiefen Bedeutung und Interpretation des Raumes, erschaff erschaffen en aus einer Vielzahl von Dimensionen. Eben so, als würden die Struktur und die endlosen Labyrinthe der menschlichen Seele mit den Abgründen ihrer Leidenschaften und den Höhen ihres Geistes dargestellt werden. Die Entdeckung „anderer Wirklichkeiten“ ist die zentrale Inspiration und Einfl Einfluss uss der letzten 25 Jahre. In dieser Zeit haben Linien, Licht, Ausdruck, Brechungen und Mehrdeutigkeit eine unverwechselbare Bildsprache geschaff geschaffen. en. Einer neuen Serie von 12 herausragenden Werken in ätherischer Qualität lässt sie eintauchen in eine geheimnisvolle Welt.

ArtNoLimits

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www.artnolimits.com

SKULPTUREN AUS POLYESTER, BRONZE UND TON, HANDGEMALT IN LACKFARBEN Geboren 1968 in Georgien / Tiflis. Freischaffende Künstlerin in Cannes, Côte D‘ Azur. 1990 Veröffentlichung des Poesie Buches in Georgien. Ausbildung zur Bildhauerei und Studium von Portrait- und Modelzeichnen. Fertigung von Skulpturen aus Ton und lebensgroße Plein-Air-Plastiken aus Polyester. Internationale Auftritte: Art Fair Cannes – Art Monte Carlo – Vienna Fair – Art Miami Fair www.ladymarinak.com

Marina –Violoniste – 2012 – sculpture in bronze – 45 x 10 x 9 cm

AUGUSTO PODEROSI UNIKAT 1/1 - Minutenrepetition Titan in Kombination mit Platin Werk Patek Philippe historisch 1915

BILDHAUER, MALER UND RESTAURATOR Geboren 1967 in Rom – Italien. Bekannt als „360 Grad-Künstler“, der sich eklektisch in allen Bereichen der bildenden Künste etabliert und in der Audiovisuellen Kunst zu einer namhaften Persönlichkeit entwickelt hat. Als Bildhauer, Maler und Restaurator tätig für den „Heiligen Stuhl“, führt Poderosi eine Reihe von Arbeiten an der Päpstlichen Basilica di S. Paulo, an der Basilica S. Antonio di Padova sowie zahlreiche Arbeiten für den Vatikan und verschiedene andere wichtige romanische Kirchen durch. Von 2000 bis 2003 übernimmt Poderosi die Leitung einer Kunstwerkstatt der „Basilica di San Paolo Fuori le mura“ und zeichnet verantwortlich für die pädagogische Leitung der technischen Künste in der heiligen Liturgie für die Benediktinermönche des Klosters. 2008, als erster Künstler überhaupt, erhält Augusto Poderosi vom Ministerium für Kulturgüter und kulturelle Aktivitäten in Italien die Erlaubnis, seine skulpturale Installation “CORPO DÌ LUCE” in der „Basilica di San Pietro in Vincoli“ in Rom, unter den Augen des „Mose“ von Michelangelo auszustellen. www.augustopoderosi.it

Augusto Poderosi – Corpo di luce – Basilica di San Pietro in Vincoli – Roma 2008

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MAIKE GUENTHER

Friederike Büch – Zurück ins Blaue – oil on canvas – 2011 – 158 x 150 cm

FRIEDERIKE BÜCH MALEREI IN ÖL AUF NESSEL Geboren 1963 in Kötzting/Bayerischer Wald. Studium der Malerei und Grafik an der Akademie der bildenden Künste in München. Diverse Ausstellungen in München, Spanien, Hamburg, Ingolstadt, Südtirol. Ihre Bilder sind Farberzählungen um einen emotionalen Suchpunkt herum und reflektieren mehr oder weniger bewusst, Ereignisse der Zeit bzw. ihr unmittelbares Umfeld. www.friederikebuech.de

ÖL- UND ACRYLMALEREI Geboren 1968 in Gaildorf bei BadenBaden / Deutschland. Freischaffende Künstlerin mit Öl- bzw. Acrylmalerei und Skulpturen. Zuwendung zur dezidierten Figuration steht im Vordergrund. Vielfältige Formensprache in einer farbenbetonte Welt voller Lebensfreude. Auszug der bisherigen Ausstellungen: Art Innsbruck – Austria; Internationale Kunstmesse Sindelfingen / 21. ARTE-Binningen – Schweiz. Parallax AF New York – USA / Art Directors Club New York – USA. Galerie Blaues Atelier Graz – Austria / Art Domain Galerie Leipzig – Germany. Ausstellung in Shanghai – China / Staatliche Kunsthalle Baden-Baden – Germany. Kunsthaus Galerie Fine Art Leipzig – Germany / Fundaspandem Marbella/Spanien. Mitglied der Gesellschaft der Freunde junger Kunst E. V. Baden-Baden. www.maikeguenther.com

Thomas Payr – Schloss Tirol / Südtirol – oil on canvas – 2010 – 120 x 120 cm

SPOTLIGHT

THOMAS PAYR ÖLMALEREI AUF LEINWAND 1940 in Altenstadt/Feldkirch Österreich. “Kunst ist ein Privileg der freien, kraftvollen Gestaltung” Akademie Folkwang/Essen/BRD, diplomierter Graphik Designer, Studium Hochschule Linz mit Mag. Art., freischaffender Künstler. Fleiß, Disziplin, Lachen und Verzweiflung sind bis dato das tägliche Repertoire im Sumpf der Farben und in luftigen Phantasien. Kontemplation, Enthusiasmus, Chaos auf Leinwand und „destino“ in der Komposition füllen Langzeiten mit kostbaren Augen-Blicken. Menschlicher Geist ist Widerpart zum eigenen Schöpferwillen, wird zum Spannungsfeld von Wollen und Können. Auszug der bisherigen Ausstellungen: Raiffeisenbank Zentrale, Innsbruck - Hermann Gmeiner-Akademie, Innsbruck - Tiroler Volksschauspiele, Telfs Nationalpark Hohe Tauern, Kals a. Großglockner - Galeria Oasis, Valle Gran - Rey/Islas Canarias - Landesausstellung Schloss Bruck, Lienz / Osttirol. www.thomas-payr.at

Ernst Müller – Waalweg Südtirol (Privatbesitz) – oil on canvas – 2014 – 170 x 80 cm

ERNST MÜLLER

Maike Guenther – Umarmungen geben und annehmen – oil-acrylic on canvas – 2013 –150 x 150 cm

THOMAS BEECHT

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Thomas Beecht – Anna Triptychon 1 – oil on canvas - 2010 – 160 x 120 cm

LANDSCHAFTS- UND BERGMALEREI AUF LEINWAND Geboren 1962 in Marburg. Studium der Malerei an der Akademie der Bildenden Künste München bei Prof. Page. Aufenthalte in Südfrankreich und Beschäftigung mit Freiluftmalerei und Portraitmalerei (z.B. Landgraf Moritz von Hessen). Seine Werke befinden sich unter anderem in der Sammlung Hessische Bergbilder für das Alpine Museum München und in den Messner Mountain Museen in Südtirol. www.thomasbeecht.de

SÜDTIROLER LANDSCHAFTSMALER HEIMAT UND BÄUERLICHE AMBIENTE Geboren 1951 in Schlanders (Südtirol). Bäuerliches Ambiente und Landschaftsmalerei als Zeitdokumente von kulturhistorischer Bedeutung. Ausdruckstarke Ölbilder bergen eine gewisse Poesie, eine Liebe zum ursprünglich Einfachen. Die Leuchtkraft der Farben hypnotisiert den Betrachter, der Mühe hat zu verstehen, wie die Farben, durch keine künstliche Lichtquelle gespeist, zum Glühen gebracht werden. Lässt das Psychische - seine vierte Dimension - in das Bildhafte herein, was zu einer Verschmelzung zwischen Gesehenem und Gefühltem führt, den Bildern Leben einhaucht und seine Werke an Ausstrahlung und Dynamik einzigartig machen. www.muellerernst.com

Lino Dinetto – Annunciata in rosso – oil on canvas – 2011 – 80 x 120 cm

LINO DINETTO

MALEREI IN ÖL AUF LEINWAND SKULPTUREN IN BRONZE MIT GOLD Geboren 1927 in Este, Venetien. Studium der klassischen Künste in Florenz und Mailand. Auftrag der Abtei von Monte Oliveto Maggiore, ein Ölgemälde für das Refektorium zu schaffen. Lehrstuhl für Malen und Zeichnen am „Instituto de Bellas Artes S. Francisco“ von Montevideo. „Klostergeschichten“ in Santa Maria in Campis in Foligno. Auftrag von Fürst Rainier von Monaco - Fensterzyklus für eine neue Kirche in Monte Carlo. In seinen Werken existiert weder eine ‘Erste’ noch eine ‘Dritte’ Welt, weder Böses noch Gewalt, Groteskes sucht man ebenso vergebens wie Provokation oder Grausames. Seine Bilder spiegeln eine Welt der Utopien, der Wünsche und des verzerrten Lichtes wider. In seinen „Paesaggi“ (Landschaften) kreiert er sagenhafte Harmonien, verwunschene Orte, verborgene Sehnsüchte und Hoffnungen. Trotz ihrer Nacktheit rutschen die Frauendarstellungen nie ins Frivole oder in die Doppeldeutigkeit ab. Ihre Haltung ist stolz und elegant, ihr Blick, respektive ihre Gesichtszüge, sind weich und seidig. Venedig/Treviso

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DAVID PAYR

1 1 David Payr 2 Wanda Jackson 3 Otto Schenk 4 Passepartout

“DEN DINGEN RAUM GEBEN, DAMIT SIE SICH ENTFALTEN KÖNNEN.“ Wie kamst du zur Fotografie und was ist das Außergewöhnliche an diesem Beruf? 2002: Nachdem ich meine Reifeprüfung in Innsbruck ablegte, boten sich zwei Möglichkeiten: (a) den Führerschein zu machen oder (b) stattdessen einen Fotoapparat kaufen - so lautete das Angebot meiner Eltern als Geschenk für die Zukunft. Ersteres besitze ich nach wie vor nicht. Die Fotografie, hingegen, ließe sich seitdem nicht mehr aus meinen Leben wegdenken. Ich setzte alles daran mich auf akademischen Weg weiterzubilden. Am Geeignetsten erschien mir ein Studium in Wien, an der Akademie der Bildenden Künste. Gleich zu Beginn meines Studiums suchte ich Kontakt zur Wirtschaft. Vor allem Magazine ermöglichten es, meine Fotografie einem größerem Publikum zugänglich zu machen. Die treibende Kraft hinter der Fotografie, und sei es von kurzer Dauer, begründet sich in der Faszination, am Leben anderer teilhaben zu können, in der Magie des Augenblicks und in der naturverbundenen Schlichtheit der Fotografie. Welche sind die bedeutendsten Merkmale deiner Werke und warum sind sie für dich ausschlaggebend? Ich fühle mich zu der Neuen Sachlichkeit hingezogen - wie sie schon in den 20er Jahren des vergangenen Jahrhunderts von Edward Weston oder August Sander praktiziert wurde. Oder auch der Fotografie von Jeff Wall oder Guy Bourdin. Die Fotografie in ihrer Reinform, Strenge und Klarheit entspricht am ehesten meiner fotografischen Sichtweise. Dokumentation, Wissenschaft, die Schönheit der Dinge an sich und Nüchternheit stellen wichtige Merkmale dar. Meine Arbeiten bringen einen sehr subjektiven Standpunkt zum Ausdruck den Anspruch auf Wahrheit sehe ich in der Fotografie nicht gegeben, da das Manipulative untrennbar mit der Fotografie verbunden ist. Was ist das Besondere an deinen Serien „SELECTED WORKS“? Die Arbeiten in „Selected Works“ sind fotografische Serien, die keinen Auftraggeber als Ursprung haben. Im Laufe der letzten Jahre bemerkte ich, dass dieser Gedanke mehr und mehr an Bedeutung für mich gewinnt und der Fotografie eine neue Ebene verleiht. In der Auftragsfotografie erarbeite ich meist (Einzel-)Aufnahmen von Persönlichkeiten, die gewissen Rahmenbedingungen entsprechen müssen. Meine persönliche Auseinandersetzung mit der Fotografie unterscheidet sich dahingehend. Nicht mehr die abzubildende Person steht im Vordergrund, sondern die Fotografie an sich.

Du bist ein Meister des Porträts – wie definierst du diesen kreativen Prozess? Zeit. Womöglich der wichtigste Faktor im kreativen Prozess. Gerne formuliere ich Bilder in Gedanken aus. Die Zeit spielt dabei eine essentielle Rolle. Des Weiteren spontane und kreative Rahmenbedingungen, die intuitives Handeln zulassen, und natürlich Erfahrung. Welcher Auftrag ist dir besonders in Erinnerung geblieben? Otto Schenk, den ich 2014 im Alter von 84 Jahren für die Welt porträtierte. Ich finde es faszinierend, Personen dabei zuzusehen, wie feinfühlig sie mit ihrer Präsenz vor der Kamera umzugehen vermögen. Eine Eigenschaft, die einen sensibilisierten Menschen wie mich, doch sehr fasziniert. Intuitiv versuche ich in meiner Porträtfotografie jener Aura, die unsere Persönlichkeit auf gesellschaftlicher Ebene definiert, Ausdruck zu verleihen. Du hast bereits Aufträge von der NY Times, Newsweek (UK), dem Art Magazin erhalten; wo geht deine berufliche Reise hin? Das ist schwer zu beantworten. Ich sehe mich als sozialen Menschen. Es sind die Auseinandersetzungen mit Menschen, die meine Arbeit prägen und genau in diesen Begegnungen liegt das Schöne am Leben. Natürlich bereise ich regelmäßig das Ausland, um Vorort Kontakte zu knüpfen. Auswirkungen können jedoch erst Jahre später spürbar werden. Wenn ich etwas auf meinen Reisen gelernt habe, dann ist es den Dingen Raum zu geben, damit sie sich entfalten können. Das beinhaltet auch meine Wünsche.

ZUR PERSON DAVID PAYR: David Payr, geboren 1983 in Tirol, absolvierte 2011 das Studium der Bildenden Kunst mit Schwerpunkt Fotografie an der Akademie der Bildenden Künste, Wien. Seit 2006 freiberuflicher Fotograf, u.a. tätig für New York Times, Brand Eins, Art Magazin, Die Zeit, Spiegel, Red Bulletin, Die Welt, Süddeutsche Zeitung, Lufthansa, Profil, Wiener. Mehrmonatige Auslandsaufenthalte in New York, London und Hamburg. Zurzeit wohnhaft und tätig in Wien. www.davidpayr.com mail@davidpayr.com +43 650 6822707

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