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Art Nouvau

Art Nouveau

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Indice

Nouvau Estudiante: MelissaArt Moquete Smith Matricula: 2011-0848 Unapec Grupo: 13

Introduccion ………… ..................................................................5 Cronología y evolución................................................................... 7 Ejemplos de Art Nouvau............................................................. 8 El modernismo en las artes gráficas....................................................9 Joyería, cristalería, cerámica, mobiliario y forja modernistas......................10 Pintura modernista.....................................................................11 Escultura modernista...................................................................13 Modernismo, «mediterraneísmo» y «noucentisme»...............................14 Arquitectura modernista.............................................................. 15 Conclusión ………………............................................................17

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Introduccion En este libro trataremos sobre el Art Nouveau que es una corriente artística que surgió a finales del siglo XIX y principios del siglo XX, trataremos de diversos temas como son sus orígenes y evolución, como se fue desarrollando en las diferentes áreas del arte y sobre su expansión entre los diferentes países.

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El Art Noveau

Anuncio aparecido en Les Dessous Élégants, 1904.

El Art Noveau o Modernismo que es el término con el que (en España e Hispanoamérica) se designa a una corriente de renovación artística desarrollada a finales del siglo xix y principios del xx (el periodo denominado fin de siècle y belle époque). En distintos países recibió diversas denominaciones: Modern Style (en los países anglosajones), Sezession (en Austria), Jugendstil (en Alemania y países nórdicos), Nieuwe Kunst (en Países Bajos), Liberty o Floreale (en Italia). Todas estas denominaciones hacen referencia a la intención de crear un arte nuevo, joven, libre y moderno, que representara una ruptura con los estilos dominantes en la época, tanto

los de tradición academicista (el historicismo o el eclecticismo) como los rupturistas (realismo o impresionismo). En la estética nueva que se trató de crear predominaba la inspiración en la naturaleza a la vez que se incorporaban novedades derivadas de la revolución industrial, como el hierro y el cristal, superando la pobre estética de la arquitectura del hierro de mediados del siglo xix. En gran medida estas aspiraciones se basaron en las ideas estéticas de John Ruskin y William Morris, que proponían democratizar la belleza o socializar el arte, en el sentido de que hasta los objetos más cotidianos tuvieran valor estético y fueran accesible a toda la población,

aunque sin utilizar las nuevas técnicas de producción masiva que impedían el desarrollo del buen hacer artesanal. El modernismo no sólo se dio en las artes mayores (pintura, escultura y arquitectura), sino también las artes menores, aplicadas o decorativas, en las artes gráficas y en el diseño de mobiliario, rejería, joyería, cristalería, cerámica, lámparas y todo tipo de objetos útiles en la vida cotidiana, incluido el mobiliario urbano, que pasó a tener gran importancia (kioscos, estaciones de metro, farolas, bancos, papeleras, urinarios ). Muchos artistas identificados con el modernismo son artistas «integrales». Especialmente, en el caso de los arquitectos, no sólo proyectaban edificios, sino que intervenían en el diseño de la decoración, el mobiliario, y todo tipo de complementos y enseres de uso diario que habían de contener. El modernismo no fue unánimemente recibido: una amplia corriente de opinión identificaba sus formas con el concepto de degeneración (una desintegración orgánica que corresponde a la desintegración social). Las características que en general permiten reconocer al modernismo son: - Inspiración en la naturaleza y el uso profuso de elementos de origen natural pero con preferencia en los vegetales y las formas redondeadas de tipo orgánico entrelazándose con el motivo central. - Uso de la línea curva y la asimetría; tanto en las plantas y alzados de los edificios como en la decoración. - Tendencia a la estilización de los motivos, siendo menos frecuente su representación estrictamente realista.

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- Uso de imágenes femeninas en actitudes delicadas y gráciles, con un aprovechamiento generoso de las ondas en los cabellos y los pliegues de las vestimentas (drapeado). - Actitud tendente a la sensualidad y a la complacencia de los sentidos, llegando hasta el erotismo en algunos casos. - Libertad en el uso de motivos de tipo exótico, sean éstos de pura fantasía o con inspiración en distintas culturas, como por ejemplo el uso de estampas japonesas. - Aplicación envolvente del motivo tomando alguna de las características anteriormente mencionadas en contraposición con las características habituales del elemento a decorar. El elemento destacado de tipo orgánico envuelve o se une con el elemento que decora. La derivación de estas características del modernismo o Art nouveau en la década de 1920 dio origen al denominado Art decó, con el que a veces se identifica, aunque tiene características marcadamente diferentes. La utilización habitual de los términos modernism (en inglés) o modernisme (en francés) no se refiere a este movimiento artístico, sino genéricamente a las vanguardias o al arte moderno, dentro de lo polisémico de ambos conceptos. Ex libris diseñado por Kolo Moser. 7


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Ejemplos de Art Nouveau Tirador de puerta. Casa-Museo Horta. Bruselas.

Primer número de Jugend, Múnich, 30 de mayo de 1896.

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Rótulo comercial.

Escaleras del interior de la Casa-Museo Victor Horta, Bruselas.

Cartel de Sarah Bernhardt en Gismonda, de Mucha.


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Cronología y evolución

Diseño de joya.

Se ha calificado como pre-modernista las decoración mural del castillo francés de Roquetaillade, restaurado por Eugène Viollet-le-Duc en la década de 1850. Aunque su propósito era producir una recreación neogótica, lo que se obtuvo fueron unos frescos con un estilo germinal modernista de movimientos orgánicos, colores y formas de una gracia innovadora. A lo largo de la segunda mitad del siglo xix se fue intensificando la tendencia, visible en mov

imientos innovadores británicos como los Arts and Crafts de William Morris o la Hermandad Prerrafaelita. Los patrones del diseño de la arquitectura victoriana derivaron hacia formas flotantes libres, especialmente en el hierro forjado que se deja a la vista, se exhibe con profusión y se aprovecha más allá de su función arquitectónica; o en el uso de grandes piezas de cristal de forma irregular (vitraux). Algo similar ocurría en los diseños textiles florales. El primer diseño identificado inequívocamente con el nuevo estilo es la cubierta de un libro de 1883 dedicado a las iglesias de Christopher Wren, del diseñador y arquitecto Arthur Mackmurdo. En 1888 Charles R. Ashbee fundó la Guild and School of Handicraft de Whitechapel en Toynbee Hall (este de Londres), dedicada a la decoración integral de interiores (forja, joyería, esmalte y mobiliario). Tras cerrar en 1897 la Kelmscott Press de William Morris, Ashbee aprovechó la experiencia de muchos de sus trabajadores para ampliar su actividad al sector de la imprenta (Essex House Press). La Guild se trasladó en 1902 a Chipping Camden (Gloucestershire), donde decae hasta su cierre en 1908. La libertad vindicada en la década de 1890 por los grupos de artistas denominados «secesión» aparecidos sucesivamente en varias ciudades europeas (París - el Salon du Champs de Mars de 1890, escindido de la Société des

Artistes Franvez Picasso, en febrero çais-, Múnich y julio de 1900). -la Münchner La Exposición UniSecession, versal de París (1900) escindida de significó un hito dela Münchstacado. Fueron espener Künstcialmente impactantes lergenossenlas instalaciones coorschaft, 1892-, dinadas (en diseño y Viena -la Wiecolor) de obras de arte Diseño Cyclamen, de Hermann Obrist. ner Secession junto a muebles y tapiescindida de la Vereinigung Bildender Kün- ces, expuestas por iniciativa de la Maison de stler Österreich en 1897-, Berlín -la Berliner l’Art Nouveau («Casa del Arte Nuevo»), una Secession escindida de la Große Berliner Kun- galería de arte abierta cinco años antes (1895) stausstellung, 1898- ) dio sustento ideológico y en París por el marchante alemán Samuel visibilidad pública al movimiento. Bing. Al igual que ésta, otras casas comerciaEntre 1892 y 1893 Victor Horta construye la les, como la londinense Liberty & Co. (Arthur Casa Tassel. Su taller de Bruselas se convierte Lasenby Liberty) y la neoyorquina Tiffany’s en un centro difusor de la nueva estética en ar- (Louis Comfort Tiffany), se identificaron tan quitectura y diseño. estrechamente con la nueva estética que sus El 1 de enero de 1895 un cartel publicitario nombres se utilizaron también como denomidifundido por las calles de París representó la naciones de la misma. aceptación popular del art nouveau en las artes El modernismo alcanzó su apogeo en la Prima plásticas: era de Alfons Mucha y representaba a Esposizione Internazionale d’Arte Decorativa la actriz Sarah Bernhardt en Gismonda. Moderna («Primera Exposición Internacional En 1896 comenzó a publicarse en Múnich la del Arte Decorativo Moderno») de 1902 en revista Jugend («juventud»), que dio nombre al Turín, donde expusieron diseñadores de todos estilo en Alemania (Jugendstil). los países europeos. En 1897 se inauguró el nuevo edificio de Hacia la época de la Primera Guerra Mundial Charles Rennie Mackintosh para la Glasgow (1914-1918), la naturaleza altamente decoratiSchool of Art. Un grupo de artistas de esa ciu- va del diseño modernista ya había comenzado a dad, liderados por Mackintosh e identificados ser abandonada en favor de trazos más simples con el movimiento modernista, se conocerá y rectilíneos, más en armonía con la estética como Escuela de Glasgow. plana y el menor coste de los diseños indusEntre 1897 y 1903 funcionó en Barcelona el triales. Hacia los años veinte esa tendencia se local Els Quatre Gats, punto de encuentro del concretaría en una nueva etiqueta denominamodernismo catalán (allí expuso por primera tiva: el Art Decó. 9


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El modernismo en las artes gráficas

como uno de los más originales exponentes del modernismo gráfico, con ilustraciones en blanco y negro de un estilo personalísimo a la vez que controvertido por lo irreverente de sus temas. Otros diseñadores muy importantes fueron Charles Rennie Mackintosh (con el movimiento de Arts and Crafts), T. Privat-Livemont, Koloman Moser o Franz von Stuck. http://upload.wikimedia.org/wikipedia/ commons/0/0a/Gazette_du_Bon_Ton_fashion_plate_1914.jpg

Portada de Ver Sacrum, de Kolo Moser.

El modernismo se extendió de manera muy profusa en las artes gráficas, tanto en la ilustración de libros y revistas (incluyendo la encuadernación, las cubiertas y los ex-libris) como en el cartelismo (carteles, pósters o affiches publicitarios) y todo tipo de soportes: postales, paneles decorativos, papel pintado, estampados textiles, etc.; así como en el diseño de tipos de imprenta. 10

Muy influyente e imitado fue el checo Alfons Mucha. La aceptación de sus diseños, hechos con exquisita delicadeza y que incluían en su gran mayoría la figura femenina como motivo central le ganó trabajos a nivel internacional, produciendo también la clave ganadora de un estilo artístico comercial a imitar por los ilustradores de la época. Pese a su corta vida, Aubrey Beardsley destacó

Cartel publicitario para Le chat noir, de Steinlein.

Cartel publicitario para el impresor Champenois, de

Alfons Mucha.


Joyería, cristalería, cerámica, mobiliario y forja modernistas

Joya de René Lalique.

El arte de la joyería se vio revitalizado por el modernismo, teniendo a la naturaleza como la principal fuente de inspiración. Complementaron esta renovación los nuevos niveles de virtuosismo alcanzados en el esmaltado y los nuevos materiales como ópalos y otras piedras semipreciosas. El interés generalizado en el arte japonés y el entusiasmo especializado en las habilidades de metalistería, fomentaron nuevas aproximaciones y temas de ornamentación. En los dos siglos previos, el énfasis en la joyería fina se había centrado en las gemas,

particularmente en los diamantes por lo que la preocupación principal de joyero consistía en proveer un marco adecuado para su lucimiento. Con el modernismo surgió un nuevo tipo de joyería, motivada y encausada hacia el diseño artístico antes que en el mero despliegue de las gemas. Los joyeros de París y Bruselas fueron los que principalmente definieron el modernismo en la joyería y es en esas ciudades donde el estilo ganó el mejor renombre. Los críticos franceses contemporáneos eran unánimes al reconocer

que la joyería estaba atravesando una transformación radical y que el diseñador, joyero y vidriero René Lalique estaba en su centro. Lalique glorificó a la naturaleza en la joyería, extendiendo su repertorio para incluir aspectos nuevos no tan convencionales –como libélulas y hierbas- inspirados en sus encuentros con el arte japonés. Los joyeros estaban deseosos de establecer este nuevo estilo como una tradición distinguida y para ello buscaron inspiración en el renacimiento para sus joyas de oro esmaltado y esculpido, aceptando además el estatus del joyero como artista más que como artesano. En la mayoría de los trabajos esmaltados las gemas cedieron su primacía. A los diamantes se les daba un papel subsidiario en combinación con materiales menos familiares como el vidrio moldeado, el marfil y cuerno animal. - Louis Comfort Tiffany (diseñador) - Émile Gallé (ceramista y vidriero) - Antonin Daum (vidriero) - Luis Masriera (joyero -fundición Masriera y Campins-) - Alliance provinciale des industries d’art (École de Nancy) - Carlo Bugatti, mobiliario

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- Louis Majorelle, mobiliario - Gustave Serrurier-Bovy, mobiliario - Jacques Gruber, decorador y pintor de vidrieras. - Charles R. Ashbee - Jules Brunfaut, arquitecto y decorador -Auguste Delaherche, ceramista - Georges de Feure, pintor, cartelista y decorador - Hermann Obrist, escultor y diseñador. Fundó una escuela de diseño en Múnich. Diseñó los bordados Cyclamen, telas para decoración de paredes con un característico motivo de curvas (llamadas peitschenhieb en alemán y whiplash curves en inglés; traducible al castellano como «latigazo» o «curva de latigazo» -Cyclamen es un género de plantas-). - Philippe Wolfers, esclultor y orfebre - Antonio Gaudí, Josep Maria Jujol y Lluís Bru desarrollaron la técnica del trencadís.

Épingle à chapeau de Lalique (Fundación Calouste Gulbenkian).

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Lámpara Dragonfly («Libélula»), de Tiffany.

La Chimie, vidriera de la Chambre de commerce et d’industrie de Meurthe-et-Moselle, de Gruber.

Copa Rose de France («Rosa de Francia»), de Gallé.

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Servicio de café en Porcelana de Meissen, de Theodor Grust, 1902.

Dormitorio de Serrurier-Bovy.

El Drac del parque Güell, de Gaudí.

Reja de los pabellones Guell, Barcelona,.


Pintura modernista

así como con el cartelismo y la reproducción litográfica. Los formatos preferidos son los alargados y apaisados.

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Magnolias, de Théo van Rysselberghe.

Au Moulin de la Galette, de Ramón Casas.

Nueva generación, de Jan Toorop.

Melancolía, de Georges de Feure.

Drei kauernde Frauen, de Kolo Moser.

En contraposición tanto al academicismo como al impresionismo, se abandonan los temas cotidianos por los contenidos simbólicos y conceptuales (un movimiento simultáneo, postimpresionista, se denomina simbolismo), entre los que destaca la mujer, con un tratamiento erótico que llega hasta la perversión (un movimiento simultáneo, muy relacionado, se denomina decadentismo -Félicien Rops, Gustave Moreau, Odilon Redon-). Técnicamente se insiste en la pureza de la línea (lo que le da un carácter bidimensional) y la expresividad del

dibujo (se ha considerado precedente del expresionismo posterior), ambas cosas ya presentes en autores postimpresionistas, especialmente en Toulouse-Lautrec. Las formas orgánicas, especialmente vegetales curvilíneos y espirales (flores, hojas, tallos retorcidos), que rellenan todo el espacio (horror vacui, a veces llegando a la teselación) ya presentes en movimientos ingleses anteriores (prerrafaelismo y arts and crafts), se convierten en un leit motiv paralelo a las formas decorativas de las artes gráficas, con las que están estrechamente identificadas,

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Art Nouvau Modernismo, «mediterraneísmo» y «noucentisme» A pesar de su oposición al modernismo, contra el que pretende explícitamente ser una reacción en un sentido «humanista» y «clasicista», tampoco es muy evidente en las formas la diferenciación entre la escultura «modernista» y la noucentista o «mediterraneísta», que surge en la primera década del siglo xx y se define estéticamente en relación con Aristide Maillol (su obra La Mediterranée, de 1905) y el movimiento estético en torno al crítico Eugenio D’Ors (Josep Clarà, Manolo Hugué, Enric Casanovas, Julio González, Pablo Gargallo, Cristino Mallo, etc.), muchos de cuyos componentes evolucionaron hacia las vanguardias. El mediterrenaísmo o novecentismo también tiene una vertiente pictórica (el propio Maillol, José María Sert, Joaquín Sunyer, Joaquín Torres García).

Escultura modernista

La Méditerranée, de Aristide Maillol (1905).

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La escultura modernista o art nouveau tuvo como tema central la figura femenina en distintas actitudes. Más allá de la sucesión cronológica entre art nouveau y art decó (antes y después de 1920) no hay una nítida separación estilística entre los desarrollos escultóricos identificables con ambas etiquetas. En ambos se utilizaron una gran variedad de materiales: el mármol para los monumentos de envergadura y el bronce, el marfil, los metales preciosos (muy a menudo la combinación crisoelefantina de marfil y oro), la cerámica y el vidrio para las obras de pequeño tamaño, muy relacionadas con la orfebrería. Entre los principales escultores relacionados con el estilo aplicado a esa escala menor estuvieron Ferdinand Preiss, Demetre Chiparus, Joseph Lorenzl o Clare-Jeanne-Roberte Colinet.

Fuente de la doncella, de Llimona (1925-1931).

Monumento conmemorativo de los caídos en la Primera Guerra Mundial. La empresa Rombaux-Roland los hizo por toda Francia.


(1897) tuvo como arquitectos a Otto Wagner y Josef María Olbrich; y el paralelo movimiento de Múnich (1892) a Franz von Stuck. En Inglaterra pueden considerarse dentro del modernismo arquitectónico a William Morris y a Charles Rennie Mackintosh. El estilo de Morris no cae en los excesos decorativos, es el más sobrio del movimiento, ya que se centra más en la implantación de la villa en la naturaleza (influencia del pintoresquismo inglés del siglo previo) y la valoración del espacio interior funcional. Sobre todo diseña muebles y pequeños utensilios cotidianos, y se le sitúa dentro del género en consonancia del arquitecto fránces Charles Voysey. Los planteamientos de Mackintosh son originales y aportan nuevas soluciones a sus problemas arquitectónicos. Son características las formas prismáticas y octogonales. Es el arquitecto modernista más Parque Güell, Barcelona, de Gaudí. sobrio en los exteriores, lo que le vale ser un El modernismo es un arte burgués, muy caro, (donde se le dará el nombre de art nouveau) precursor del racionalismo arquitectónico. Disque intenta integrar en la arquitectura todo el con la obra de Henry van de Velde y Victor eña muebles y joyas, y construye la Escuela de arte y todas las artes. Es una corriente esencial- Horta. La ondulación de los tejados y facha- arte de Glasgow. mente decorativa, aunque posee soluciones ar- das, la aplicación de materiales como el hierro En España, la arquitectura modernista, muy quitectónicas originales. Se desarrolla entre los forjado, los motivos de vegetación natural y el poco presente en Madrid, tuvo desarrollo en siglos xix y xx. cuidado diseño de la decoración y de cada el- provincias (Cartagena, La Unión, Ávila, ZamoEste movimiento utiliza las soluciones que la emento arquitectónico y de mobiliario del in- ra, Zaragoza, el Bajo Aragón, Ceuta, Melilla, revolución del hierro y del cristal aportan a la terior son características de sus obras: de Van algunas de las casas de indianos de la zona arquitectura, aunque se sirve de la industria de Velde la casa Bloemenwerf; y de Horta los cantábrica o Canarias), pero sobre todo en la para la decoración de interiores y las forjas de kioscos y bocas de metro, la escalera de la calle ciudad más dinámica de la época: Barcelona. las rejerías, etc.. Sus formas son blandas y re- Paul-Emile Janson y el Hotel Solvay (especial- Los arquitectos modernistas catalanes (Rogent dondeadas, aunque no es esto lo único carac- mente su característico interior de diseño muy y Amat, Domenech y Montaner, Puig y Cadaterístico del modernismo sino la profusión de recargado, con lámparas, papel pintado, vidri- falch, Enric Sagnier, Rubió y Bellver, Jujol y motivos decorativos. La influencia del mod- eras, etc.), el Hotel Tassel, la Casa del Pueblo y Gibert, Valeri y Pupurull, Muncunill y Parelernismo arquitectónico se deja sentir aún en la el Palacio de Bellas Artes; todo ello en Bruse- lada, Víctor Beltrí) desarrollaron un lenguaje propio, del que partió Antonio Gaudí para dearquitectura actual. las, y el Gran Bazar de Fráncfort. El modernismo arquitectónico nace en Bélgica El movimiento vienés denominado Sezession sarrollar su particular universo artístico, muy

Arquitectura modernista

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personal. Riga es la ciudad europea con mayor cantidad de edificios art nouveau, a consecuencia del crecimiento de urbano que se produjo a partir del derribo de las murallas, y la formación que un grupo de arquitectos (Rudolf Heinrich Zirkwitz, Friedrich Scheffel, Heinrich Scheel, Janis Alksnis y Konstantin Peksens ) recibió en el Aula de Arquitectura que se creó (1869) en el Instituto Politécnico de Riga. En Sudamérica, el modernismo no tuvo demasiado desarrollo debido a su elevado costo de construcción, a la calidad artesanal de sus ornamentos y al gusto conservador de las clases altas. En la Argentina existen algunos casos notables de la influencia del modernismo en todas sus corrientes, gracias a la inmigración de arquitectos de diversos países europeos, especialmente en la ciudad de Buenos Aires: dentro de la corriente Jugendstil se destaca el Edificio Otto Wulff con su decoración zoológica y sus atlantes de rasgos duros y la obra de Oskar Ranzenhofer (Palacio Vera), dentro del modernisme catalá se destacan las obras de Julián García Núñez (como el Hospital Español hoy semidemolido y varios edificios de departamentos y oficinas como Chacabuco 78) y de Eduardo Rodríguez Ortega (Casa de los Lirios). En el art nouveau de línea belga, los impulsores fueron Edouard Le Monnier (con la silueta distintiva del Yacht Club Argentino), y Louis Dubois (la cúpula exótica del Hotel Chile); y en el floreale italiano, Francesco Gianotti se destacó con la Galería General Güemes, primer rascacielos de Buenos Aires, y varios edificios de departamentos, y Virginio Colombo deslumbró con sus ostentosos edificios y residencias. 15


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Interior de Hohenhof, de Van de Velde.

Fachada de la casa Batlló, Barcelona, de Antonio Gaudí.

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Escalera del Hotel Tassel, Bruselas, de Victor Horta.

Casa Fenoglio-Lafleur, Turín (1902-1903).


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Conclusión Como hemos visto en las informaciones anteriores el Art Nouveau se liga a la producción industrial, con un gran sentido de adaptación a la vida moderna. Es por ello que se desarrolló singularmente en dos variables: la arquitectura y el diseño gráfico. Los primeros ejemplos son paralelos a los cuadros de Munch, Gauguin y Van Gogh, pintores simbolistas de raíz expresionista que formalmente ofrecieron mucho al nuevo estilo. Pero se limita a la conexión estética, puesto que su hondo dramatismo no tiene nada que ver con los diseños escurridizos, ondulantes, curvilíneos de mera intención decorativa que ofrece el Art Nouveau. Este estilo se desligó del Simbolismo en busca de una autenticidad de época: es el primer movimiento que se desprende casi por completo de la imitación de estilos anteriores en busca de la identidad de lo urbano y lo moderno, puesto que nacía un nuevo siglo. Por ello utiliza técnicas que le son propias: la reproducción mecánica, como la xilografía, el cartelismo, la impresión. 17


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Art Nouveau  

libro sobre el modernismo del siglo XIX