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G端ru - Pagan Blood - Dabelyu Sad Eyes - Black Hat - Suru

Gamma Ray, Deep Purple, Nitrovolt, Evil Impulse, Autopsy, Karonte, Dagoba, LeafBlade...


EDITORIAL

HDM # 12 Julio 2013

Si pensabas que a estas alturas del verano te íbamos a dejar disfrutar de la piscinita o playa dependiendo del lugar donde te encuentres andabas equivocado… Aquí tenemos el nuevo número del magazine para que en esos ratos donde estés con ganas de echarte una lectura impregnada de buenas bandas seamos tu elección. En esta ocasión tenemos nueve entrevistas, nuevamente con estilos variados, con bandas nacionales como Black Hat, Sad Eyes, Güru, Dabelyu y Suru. Todas ellas muestran la calidad que abunda en nuestras fronteras en todos los estilos, ya sea Heavy-Power, Hard Rock o Death Metal. Por otro lado tenemos bandas internacionales con renombre pero están comenzando como es el caso de los suecos The Resistence donde miembros de In Flames y The Haunted unen fuerzas; los británicos M:Pire of Evil donde encontramos a ex-Venom; sus compatriotas de Code of Silence donde tenemos a gente de PowerQuest, Revolution Renaissance y Eden’s Curse) y por supuesto miramos al underground con el proyecto francés Pagan Blood. En cuanto a conciertos damos nuestra visión de ese gran evento orquestado por Def Leppard, Whitesnake y Europe; y nuestro compañero Sergi Gellida hace lo propio con Synlakross y White Raven en Castellón. Las reviews vienen fuerte nuevamente, más de cuarenta discos de todos los estilos habidos y por haber. Desde clásicos como Gamma Ray, Deep Purple, Autopsy a promesas como Sonem, Black Hat, Nitrovolt. Bandas que llevan editando varios años buenos trabajos como Jorge Salán, Dagoba, Popa Chubby a otras que editan su debut como Thybreath, Evil Impulse, Suru, Diluendo...

Director: Raúl Sújar Pozo Maquetación y Diseño: Raúl Sújar Pozo Redactor: Raúl Sújar Pozo Correcciones: Beatriz Leal Traducciones: Irene López Colaboran en este número: Fran Méndez y Sergi Gellida (Fotografía)

Pág. 4 - Güru Pág. 6 - Black Hat Pág. 10 - Code of Silence Pág. 12 - M:Pire of Evil Pág. 16 - The Resistence

Los que sigan el blog (webzine) ya sabrán de la Fe de erratas con las reviews de Aethernaeum y Doble Esfera que vuelven a parecer ¡esta vez con su texto correspondiente!

Pág. 20 - Sad Eyes

Como siempre sgradecimientos especiales a: Promotoras, Discográficas, Managers, Bandas… que siguen confiando en Hijos del Metal Magazine.

Pág. 26 - Pagan Blood Pág. 28 - Suru

Espero “veros” a todos en el trece… Raúl Sújar Pozo

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Raúl Sújar Pozo - Hijos del Metal P.O. Box 10080 07009 Palma de Mallorca (SPAIN)

Pág. 30 - Dabelyu Pág. 32 - Reviews Pág. 44 - Conciertos


Con su primer disco la ba nd a se si tu ó entre las mejores del Hard Rock nacional, co n es te se gu n do sirve para confirmar que no es por casualidad. El re c o n o c i d o gu it ar ri st a D av id Palau –al frente de la banda- nos habla de “W h it e” y de lo s ca m bi os qu e h an precedido en el seno d e la fo rm ac ió n . Güru se creó de la mano de tu amigo Pau Sastre y tú en el 2007 ¿Siendo un músico tan atareado cómo y por que decides dar rienda suelta a Gurü? Güru es un proyecto que llevaba dando vueltas por mi cabeza los últimos 15 años y en un momento particular de mi vida decidí ponerlo en marcha para poder dar rienda suelta a la música que siempre me ha gustado, para poder expresar mis ideas y mis composiciones y hacerlo con total libertad sin ninguna presión discográfica y por supuesto con diversión y con ganas de disfrutar. Siempre he sido una persona muy inquieta y no me ha detenido la cantidad de trabajo ni las giras para poder formar mi banda de rock. A día de hoy tan solo continúas tú en el proyecto ¿Por qué dejan la formación el resto? Hubo distintas razones que motivaron el cambio de los componentes. Güru fue concebido desde el amor por la música y desde las ganas de salir a tocar sin más pretensiones, nunca sujetos a presiones económicas ni radio fórmulas, y jamás a las compañías discográficas. En el momento que pareció ser un problema, cuando salir a tocar era un problema, cuando reunirse e invertir tiempo empezó a ser un problema para alguno de los componentes decidí que era el momento de zanjar esa situación. En ningún caso estuve dispuesto a tolerar que el pesimismo personal o el narcisismo desmesurado de algunos hundiera un proyecto tan bonito y que ya había causado gran impacto en la escena rockera. Vuestro primer disco causó un gran impacto en la escena del Hard Rock melódico/AOR nacional ¿Cómo ves ese trabajo con la perspectiva del tiempo?

Nuestro primer disco sorprendió mucho en la escena del rock y aunque sin ser un disco puramente rockero, aportaba frescura y giros musicales muy interesantes en un momento donde todo parece estar muy estancado y muy mediatizado. En cualquier caso con la perspectiva de los años me di cuenta de que era un disco que apuntaba a muchos caminos, como disco debut aún no se definía el sonido Güru y eso era algo a lo que tenía que poner solución. En este segundo trabajo tomé las riendas por completo a nivel de composición y de producción y quise facturar un disco lleno de canciones, por encima del virtuosismo y la ejecución extrema. Quise dotar al proyecto de una musicalidad inmensa, de melodías que la gente pudiera silbar por la calle. Sabía que la doble lectura sobre la ejecución musical el público sería capaz de verla si amaba la música igual que yo, pero por encima de todo nunca perdí la visión como productor. Para este nuevo, como hemos comentado, hay nuevos miembros. Coméntanos por qué fueron los elegidos… ¿Representarán la formación estable de Gurü? Los actuales miembros de Güru son viejos conocidos, viejos amigos míos, gente con los que podido compartir muchas sesiones y grabado montón de discos. La decisión fue fácil tomarla, Toni Mateos es un batería de sesión muy reputado tanto Barcelona como ya a nivel nacional es un tipo que está constantemente girando con grandes artistas, Jordi Vericat es un bajista de muy alto nivel, con un largo currículum, además tiene una gran visión como productor porque es propietario de un estudio de grabación y graba todos los días. Dagarod es la voz que siempre quise tener

y que no había encontrado antes. Por fin tenía una voz rockera en Güru! ¡Por supuesto que esta será la formación definitiva y así lo espero! Pero si en algún momento vuelve a planear la sombra del pesimismo, el narcisismo, el ego y las pocas ganas de trabajar no dudaré en volver a hacer cambios. Güru es una banda para hacer música de alto nivel. Suficientemente complicado está el panorama como para no querer tener una actitud 100% positiva. Es curioso que los instrumentistas provenís de trabajar con músicos reconocidos de nuestro país pero alejados de la música rock (David Bisbal, diferentes OT, Sabina...) y sin embargo vuestro vocalista viene de bandas puramente heavys/hard rock… ¿Cómo conoces y contactas con él? Por desgracia vivimos en un país donde las compañías discográficas exceptuando algunos casos puntuales han potenciado la música vacía de contenido, con un claro objetivo comercial para llenar listas y para ganar dinero rápido. Muy lejos han quedado esos tiempos donde la música pertenecía a los músicos. Tenemos ejemplos de grupos míticos con sonidos únicos y exclusivos pero hoy día se potencian las letras "graciosillas", la belleza y la cara dura, además la televisión está llena de programas que así lo propician, aunque al final no resultan en ninguna carrera discográfica para sus concursantes. Yo he podido construir una carrera de 20 años acompañando a grandes artistas y me siento profundamente agradecido, pero las nuevas generaciones lo tienen crudo con el panorama que hay... Dagarod y yo nos conocimos en un Melodic Fest hace un par de años. Él cantaba en otra banda y yo ya había terminado mi actuación, así que cuando bajé entre el


público y lo vi cantar me enamoré inmediatamente de su voz y empecé a pensar que debía ser el cantante de Güru. Por ése entonces ya tenía muchos problemas con la conducta del ex-cantante, así que fue una fortuna cruzarme con el gran talento de Dagarod. Comencemos a hablar del disco. Lo primero que llama la atención es el aspecto visual ya que es la misma portada que el primero pero de color blanco, de ahí el título de “White” ¿De quién fue la idea de continuar con esa portada? ¿Se convertirá en una especie de “marca” para la banda? (ndr. Es decir ¿Se seguirán cambiando colores en posteriores entregas?) ¿Te gusta? Siempre he creído que no tenía sentido sacar discos sin más y cada uno con una portada distinta, debía dotar al proyecto de un hilo conductor. Se me ocurrió la idea de repetir la misma portada pero bajo un fondo completamente distinto, con una sensación y frescura completamente distintos. Imaginaba tener todos los discos en una estantería y poder identificarlos rápidamente por su color, me pareció muy interesante y veo que está funcionando... Por otro lado cuento con la inmensa ayuda de mi director de arte Sergi Milá, un absoluto genio del diseño que ha dado forma y elegancia a Güru desde el principio. Siguiendo con el diseño me gustaría hablar del libreto. Pese a no ser escueto habéis decidido poner las letras en internet ¿Por qué lo decidisteis así? El mundo de la estética del diseño está constantemente cambiando así que era el momento de aportar nuevos formatos. Decidimos dejar las letras en la web para que cualquiera que estuviese interesado, así podía descargarlas y visitar nuestro site lleno de fotos, videos y material exclusivo (www.gururockband.com) Musicalmente, pese a no perder ese toque melódico creo que si se nota que los temas son más hardrockeros como es el caso del tema homónimo al disco “White” o “Won’t B 2gether” que es el trallazo del disco. Habladnos como surgen estos temas… El primer disco como definía anteriormente era un disco genial pero le faltaba ese carácter duro y rockero, le faltaba mala leche, así que cuando me puse a escribir los temas para White decidí que tenía que tener muchísima más garra y muchísima más contundencia por eso aparecieron los temas que citas. Siempre quise grabar un trallazo como "Wont B 2gether" y ¡ahora tenía al cantante para hacerlo! "White" es un tema

cañero, muy comercial pero muy complicado en su ejecución. Cumplía los requisitos perfectos para ser el nuevo single de Güru. Pese a tener esa fuerza el disco contiene grandes baladas o power-ballads como “It’s all Diferent now” y “If You go” que poco tienen que envidiar a grandes como Bon Jovi o Aerosmith. (Habladnos de los detalles de composición, de que tratan…) Yo considero que no hay un gran disco de rock que se pueda tomar en serio si no tiene al menos una gran balada. En el disco hay dos: "If you Go" y "The voice inside". La primera trata de la importancia que hay en la amistad dentro del amor y del desgarro que supone perder una persona querida. La segunda es una reflexión personal, un viaje en tu interior, por eso su título. Tu corazón y coraje son las únicas armas en ésta vida hermano. En el tema “My rocker ass” aparece una frase que viene a traducirse como “para todas aquellas personas que esperan nuestro fracaso… Besad nuestro culo rockero!” ¿Cuando la compusisteis pensabais en alguien en concreto? ¿A estas alturas creéis que tenéis que demostrar algo a alguien? "Kiss my rocker ass" está escrita a toda la gente que escupe su frustración y su rabia a través de las webs y de los blogs de manera anónima y escondidos bajo un nickname. Internet es un arma de doble filo y a veces sirve de refugio para gente que lo critica todo sin criterio. No está escrita para nadie en concreto, pero encaja en muchas situaciones que nos toca vivir. La música es la profesión más ingrata del planeta... Da igual cuantos premios y discos acumules en tu carrera, cada vez que te subes a un escenario o publicas un trabajo es un nuevo examen.

No sé si vuestro tiempo como músicos profesionales os permite seguir la escena pero recientemente parece que ha resurgido un gran interés por el hard rock melódico y AOR en España ¿Conoces/Destacarías alguna banda nacional en concreto? ¿E internacionalmente? Tengo gran cariño y respeto por algunas formaciones clásicas del Hard Rock en España como Airless, HardDreams, Uzzuhaia, 91 Suite... Respecto al panorama internacional vivimos un momento de grandes discos como Work of Art. Ya habéis presentado en directo y creo que la cosa no está yendo nada mal… El pasado 5 de Abril presentamos en Barcelona con una sala llena a reventar y el concierto no pudo ser mejor a nivel de entrega del público y energía. Estamos recorriendo la geografía presentando nuestro trabajo. El próximo 7 de Junio estaremos en Madrid (Sala Caracol). Estamos muy felices de cómo van las cosas. ¿Qué planes tenéis a corto/medio plazo con Güru? Estamos a punto de lanzar el disco a nivel mundial a través del sello Melodic Rock Records (Jimi Jamison, etc...). Eso supondrá una exposición a nivel internacional lo cual nos permitirá ser conocidos por el gran público rockero. Respecto a los conciertos aún quedan muchas fechas por cerrar. Llegamos al final agradeciendo vuestro tiempo en Hijos del Metal. Cualquier cosa que queráis añadir es bienvenida. Muchas gracias a vosotros por vuestro tiempo y atención. Recordar a todo el mundo que son bienvenidos a escuchar y comprar "White" en www.gururockband.com Raúl Sújar Pozo


er disco Los madrileños han debutado con un prometedor prim

que nos presentan en esta entrevista, donde los componentes

La banda nace en el 2006, es decir hace ya unos años. Contadnos quienes forman la banda en sus comienzos. PINO: Desde los inicios han sido varios los músicos que han pasado por Black Hat, dejando todos ellos su huella distintiva y personal. El haber tenido la experiencia de compartir este proyecto con todos ellos nos ha hecho, sin duda, madurar mas a los que aún continuamos, ya que hemos podido observar y valorar las distintas perspectivas que todos ellos han ofrecido en su momento a Black Hat. Desde entonces ha habido algún cambio en la formación pasando por ella el virtuoso guitarrista Fran Soler. Contadnos esos cambios y como dais con la formación actual. OTTO: A Fran le conocimos cuando en junio de 2009 la banda pasó a formar parte del un macro-concurso de bandas nóveles en la que se contaban más de 150 formaciones de los más variopintos géneros. El concurso se prolongó durante casi un año y la banda consiguió estar entre las cuatro mejores del evento junto con Fran Soler, con el que competimos cara a cara. Finalmente tanto Black Hat como Fran Soler quedamos eliminados en semifinales, pero para entonces ya habíamos forjado una muy buena relación y fraguado cosas para el futuro. ANGEL S.: Lo que nunca imaginamos por aquel entonces es que alguien pudiera ir a vernos un maldito lunes, y lo cierto es que nunca tocamos delante de menos de 60 o 70 personas. Lo mejor de todo es que hubo gente que repetía un día tras otro, y a ellos se iban uniendo nuevos colegas, la familia Black Hat comenzó a crecer. PINO: Aunque la gente no le tenía mucho en cuenta, nosotros al que más temor

teníamos era a Fran que también participaba en el jodido concurso, mierda ese tío era increíble, parecía un mecanógrafo escribiendo a 400 pulsaciones por minuto sobre el mástil de su guitarra, pero lo más gracioso es que aunque el concurso estaba enfocado exclusivamente para bandas amateur finalmente el certamen lo ganó una orquesta con claros signos de profesionalidad, que les jodan (risas). ANGEL S.: Posteriormente en abril de 2010 la banda tomó la difícil decisión de prescindir de Juan Martz, crecientes desavenencias en el seno de la banda concluyeron con su salida, pero la banda no tardó en cubrir la vacante ofreciéndole el puesto a Fran Soler. Del mismo modo pero de manera más pacífica en 2011 y tras un año militando en Black Hat Fran también tuvo que abandonar la banda. PINO: La salida de Fran fue una decisión bilateral, amistosa y en pro del futuro de la banda, Fran tenía la agenda muy ocupada con lo que iba a ser su primer disco, y tras una reunión decidimos que lo mejor para ambas partes sería ir cada uno por su camino, no obstante no fue un adiós definitivo, mantenemos una gran amistad y de alguna manera es parte activa de Black Hat, nosotros siempre decimos que es nuestro sexto componente. Posteriormente y tras varias audiciones se decidió que Ismael Gutierrez (ex-Shaigón) miembro también junto conmigo de la banda de Fran Soler, cubriera el puesto por méritos. OTTO: Si había alguien con cualidades para cubrir el difícil hueco dejado por Fran Soler, ese era Ismael, se trata de un gran guitarrista con experiencia dilatada en el género y amigo desde hace mucho tiempo tanto de Fran Soler como de Black Hat.

Desde un primer momento estuvo interesado en la posibilidad de formar parte de la banda y nos demostró rápidamente sus facultades para hacerse rápidamente con los temas e integrarse como uno más. Francamente hemos tenido mucha suerte y no hemos necesitado parar la máquina en ningún momento. ANGEL S.: El último en salir fue nuestro querido bajista Lolo, que por motivos expresamente personales no pudo conciliar su vida familiar y musical. Su puesto lo ha cubierto desde hace pocos meses Rochy García, proveniente de Demonik. PINO: El line up actual de Black Hat es: Ángel Sánchez a la voz, Ismael Gutiérrez y


aprovechan para contarnos los comienzos y el futuro de la banda.

Conoce a la banda y su relación con el personaje Joe Burton.

David Prieto “Otto” a las guitarras y Rochy García al bajo y un servidor a la batería. En el disco, del cual hablaremos más en adelante, el bajista ha sido José del Pino, sin embargo veo que la banda ha incorporado a Rochy García (Demonik) ¿Es Rochy miembro oficial de la banda o solo para los directos? PINO: Fatídicamente nuestro anterior bajista abandonó la banda a dos semanas de entrar en el estudio de grabación. Esto supuso valorar la alternativa de que yo mismo grabara las líneas de bajo, como así fue finalmente. Pronto vendría al mundo mi hija Sofía, lo mejor que me ha pasado en la vida, y no podía permitirme el lujo de posponer la grabación para más

adelante. Me lo tomé como un desafío que debía afrontar e inmediatamente me puse a componer. La grabación en el estudio fue muy dura por cuanto tuve que realizar el trabajo que normalmente harían dos músicos y esto me llevo a en algún momento a irritarme sobremanera. En sí el hecho de encerrarte en un estudio es como “enjaularte” por un tiempo para no ver apenas el sol, y el hecho de duplicar ese período acabo por inducirme a acabar casi enganchándome a unas putas pastillas para evitar el sueño, componía por la noche y grababa por el día sin casi respiro, sólo los breves momentos de relax entre toma y toma acompañado de una cerveza aliviaban mi violencia interior acumulada. Por otro lado fue gratificando en cuanto que pude llevar a cabo la inclusión de sonidos que siempre había tenido ilusión de grabar en un disco.. Los arreglos en “Triunfará la verdad” y el sólo en el corte de “Soñar” son algunos ejemplos, que quizás, por el uso de distorsión y wah hacen que sea cuanto menos atípicos a lo que estamos acostumbrados a escuchar en otras grabaciones dentro de la tesitura de un bajo eléctrico. Ahora creo que el esfuerzo mereció la pena, pero no creo que volviera a hacerlo en las mismas condiciones que se presentaron. Tras la grabación contactamos con nuestra actual bajista Rochy procedente de nuestros amigos Demonik, banda en la que actualmente sigue militando paralelamente, la entrada de Rochy ha supuesto una aportación de aire fresco a la banda y un punto de calidad con respecto a nuestro anterior bajista, dada su trayectoria en sus estudios musicales, la acogida de Rochy en el seno de la banda ha sido extraordinaria.

Musicalmente la banda había editado anteriormente dos trabajos –El Ep “Desde el Lago +1” y la maqueta “Demos-TrackCiones”- ¿Qué podemos encontrar de la banda en esos trabajos? ¿Ha evolucionado el sonido de la banda respecto al actual? OTTO: Creo que por el bien de todos nos dimos cuenta a tiempo de la importancia que tenía tocar en directo, creímos desde el principio que era bueno salir del local y experimentar también nuestra relación como banda de rock en los escenarios, de esta manera evitábamos las fobias propias del claustro y de la excesiva convivencia grupal. Fue de uno de estos primeros conciertos donde se registró la grabación de la demo “Desde el Lago + 1” E.P. en la sala El Lago de Madrid en diciembre de 2008, con tres temas en directo y uno de estudio, producido por la propia banda, donde se incluyeron los ya veteranos temas “La Muerte de aliado”, “Hijos de la Tormenta”, “Siervo del Plan” y “Mercenario”. ANGEL S.: En nuestra siguiente grabación “Demos-Track-ciones” quisimos hacer una pequeña compilación de grabaciones realizadas en distintos momentos de nuestra singladura, ya que desde el principio preferimos darnos un tiempo prudencial para rodarnos en directo, para empastar definitivamente la banda antes de emprendernos en la labor de grabación de un trabajo de larga duración. La idea surgió en el momento que observamos la necesidad de cubrir la numerosa demanda por parte de la gente que nos pedía una grabación tras haber tenido la oportunidad de vernos en directo o haber escuchado algún tema en nuestra web oficial o myspace. Hasta entonces nuestro único registro sonoro había sido el EP en directo.


El título era un claro juego de palabras calificativas de lo que en resumen fue la grabación, un conjunto de demos, tracks, canciones y atracciones (risas). Hagamos hincapié en el nombre de la banda. Tengo entendido que se basa en un personaje ficticio llamado Joe Burton “Black Hat” creado por José del Pino y del cual hay algunos relatos e incluso un corto. Contadnos quien es el personaje y porque se ha convertido en la mascota del grupo. ISMAEL G.: Joe Burton, es el verdadero nombre de Black Hat; simboliza la propia Muerte, pero de una forma distinta a la que normalmente no la hemos imaginado con esqueleto, guadaña y todo eso, sino como un espectro alcohólico que juega al solitario para sortear quien será su próxima víctima. Es un valiente cabrón al que le gusta las drogas, las mujeres

y como no, el heavy metal. Vamos, que gilipollas no es (risas). PINO: El dotar a la banda de una mascota fue una manera no sólo de rodear a la banda del influjo de un personaje de ficción si no además nos permitía desplegar otras posibilidades creativas de la banda, de esta manera Black Hat se rodea de este personaje para proyectarse en otros campos como el narrativo con nuestra literatura rock: “Historias de Joe Burton” e incluso recientemente en el cine con la grabación de un cortometraje titulado “Joe Burton” dirigido por Manuel Moreno, en el que yo mismo interpreto a Joe y el resto de miembros de la banda hacen sus correspondientes cameos. Entremos de lleno con “Eclipse”. Como hemos dicho antes os formáis hace varios años sin embargo este es

vuestro debut. Como no sé el tracklist de vuestros trabajos anteriores ¿Podéis decirnos si se han rescatados temas antiguos para este debut? ISMAEL G.: De los diez cortes hay tres rescatados: “Frustración”, “Lejano Pasado” y “Sin City”, los dos primeros quizás porque fueron elegidos como los más representativos de la transición evolutiva que ha experimentado la banda hacia su sonido más actual, por otro lado Sin City fue rescatado para éste álbum porque lo consideramos un tema emblemático y muy representativo de lo que Black Hat hacía en sus inicios. En vuestro sonido se puede ver influencias de bandas nacionales como Azrael, Saratoga, Stravaganzza… pese a que solo sirvan como guía a los lectores que no os conozcan. Añadir vosotros las piezas que falten al puzzle sonoro de Black Hat. ANGEL S.: El adjetivo “fresco” lo usamos mucho para describir nuestro sonido, no hemos venido a inventar nada nuevo, pero si intentamos darle una vuelta de tuerca a esos registros con los que hemos crecido y disfrutado desde la adolescencia, además de fresco, nosotros mismos describimos este disco como un trabajo honesto, y cuando digo honesto, me refiero, a que somos nosotros mismos, sin ningún ánimo premeditado de buscar algo que pueda venderse de mejor o peor, ni ser más comercial o más sencillo para la digestión de terceros. No construimos música con esa ambición, si no con la pretensión de disfrutar con lo que hacemos y hacer disfrutar a todos aquellos que quieran compartir nuestras mismas sensaciones. Algo que es digno de elogiar es el sonido obtenido ¿Cómo se os ocurrió trabajar con la dupla formada por Jorge Salan como productor y José del Pozo como ingeniero? ANGEL S.: Jorge es reconocido por lo general como un gran compositor y guitarrista, pero nosotros sabíamos también de su gran talento para la producción y conocíamos de sus trabajos ya realizados. Fichar a Jorge Salan suponía contar para la producción con el magnífico tándem JorgePepe del Pozo, por lo que no dudamos en ponernos en contacto con ellos. PINO: No te puedes imaginar el placer que se siente el trabajar con éstas personas y poder tener la oportunidad de conocer y valorar las distintas perspectivas de éstos profesionales que se dedican en cuerpo y alma a su hobby que es al limón su trabajo. Sientes el regusto de ese placer por las cosas bien hechas y el mensaje de su vocación y pasión. OTTO: Francamente todo ha funcionado como una máquina bien engranada que ha funcionado a las mil maravillas. Solo podemos tener buenas palabras para ellos


A ello hay que sumar la masterización de Pepe Herrero. Este hecho si se me hace curioso porque muchas bandas nacionales parecen siempre descantarse por el extranjero, de hecho no hubiese extrañado ver el trabajo de Black Hat masterizado por Mika Jussila… Habladnos de la elección de Pepe Herrero. ANGEL S.: El trabajo de Pepe, pese a su juventud, es notable y demostrado, y no vimos la necesidad de recurrir al extranjero en ningún momento, creo que en ocasiones no sabemos valorar lo que tenemos aquí. OTTO: Es muy común “apretar” tanto los temas en busca de hacerlos sonar con “garra”, “punch”, etc. que curiosamente puedes acabar logrando el efecto inverso: mucho nivel de señal pero poca energía, y eso era algo que queríamos valorar y comentar in sito, sentados al lado del ingeniero, elegir a Pepe Herrero fue una ventaja en este sentido. ISMAEL G.: La masterización es un proceso crítico para el acabado óptimo de una grabación, descuidar este proceso puede llevar al traste todo el esfuerzo previo, por eso es necesario tener plena confianza en la persona a la que se lo vas a poner en manos. Para conseguir manejar el rango dinámico a la hora de masterizar es necesario tener conocimientos profundos del tema y Pepe para esa cuestión era una garantía, nos ha “pasteurizado” el álbum sabiamente. El disco cuenta con dos colaboraciones. La de Fran Soler es más obvia pero ¿Cómo surge la de Carmen “Xina” de Oker? ANGEL S.: Nuestra relación con Carmen es muy buena, por lo que no fue muy difícil contar con ella para la colaboración en “Sin City”, en cuanto cuadramos las agendas lo llevamos a cabo y fue una experiencia cojonuda. PINO: Xina irradia energía, contar con ella ha sido genial, con su presencia todos salimos por un momento de la monotonía que supone una grabación, ver grabar a Xina es como ver un tsunami en acción, yo me quedé atónito cuando grababa las tomas con los puños cerrados y los pies de puntillas, no quiero imaginar los bares de presión al que tendría sometido su esfínter en esos momentos (risas) Pasemos a hablar de las canciones del disco en directo. Creo que todos los temas son aptos para el directo, son explosivos, rápidos, cañeros… como “Triunfará la verdad”, “Dame un motivo”, “Eclipse”, “Lilith”, pero a vuestro juicio ¿Que canciones están funcionando mejor? OTTO: Los temas antiguos siguen funcionando muy bien, pero lo mejor de todo es que por el momento son muchos los temas que han ofrecido buenas sensaciones, la gente se define por una gran variedad temas, y eso lo consideramos como muy positivo. Sí es cierto que "Triunfará la Verdad", quizás por su impacto mediático sea uno de los más valorados, pero cada persona con la que hablamos nos expresa muy distintas opciones a la hora de pronunciarse en la valoración de una como favorita, en una conversación puedes oír cosas como: "Sin duda para mí “Eclipse” es la mejor; que dices: La pasión esta en “Soñar”, ese es el

mejor tema; pero de que habláis, “Sin City” es lo mejor que se ha hecho en mucho tiempo....“ Esos comentarios sin duda, son muy gratificantes. Y las presentaciones en si del disco ¿Cómo están funcionando? ¿Se ve público en los conciertos? OTTO: Para serte sincero no estábamos acostumbrados a todo esto, es nuestro primer trabajo serio y todo nos ha cogido un poco sobrevenido. Estamos muy contentos con la aceptación que está teniendo el disco por parte del público y las críticas están siendo muy buenas, aunque esto de ningún modo nos debe afectar, siempre es gratificante que te valoren positivamente tu trabajo, pero de no haber sido así, estamos convencidos que hubiéramos seguido por el mismo camino, aunque todo se hubiera hecho más difícil. El ver que está siendo demandado “Eclipse” y que al poco tiempo de su salida se colocara por las pocas estanterías que ya quedan en las tiendas, ha sido muy gratificante, más si cabe cuando las noticias que nos llegan son de que se está comprando en un número relativamente significativo si tenemos en cuenta la paupérrima situación actual. No obstante tenemos los pies muy en el suelo y somos sabedores de lo difícil que es tan siquiera intentar asomarse por las esferas de los grandes, pero lo que tenemos claro es que no va a ser por desidia en nuestro trabajo o empeño. Nuestra pasión es la música, no es vender discos. Esta mentalidad hace que una banda perdure y no caiga en el desánimo. Es un error querer ganarse la vida haciendo lo que a uno le gusta a toda costa, el arte es sólo un medio de expresión, lo que venga después está fuera de este concepto y no debe ser pretendido como objetivo ROCHY G.: En la actualidad estamos organizándonos como podemos para poder atender a todos los medios que nos están demandando nuestra presencia, no obstante estamos intercalando algunas actuaciones en directo en las que se han superado las expectativas, pero lo cierto es que estamos muy ocupados con presentaciones, firmas, actuaciones en acústico y entrevistas que esperamos que en breve nos den paso a una serie de fechas previstas que iremos publicando en nuestro social media. PINO: Sin duda, tal y como está la escena, creo que sería contraproducente sumergirnos en una gran gira nacional, muchas bandas actuales han hecho aguas tras el regreso de éstas giras, creo que ahora es momento de replantearse las cosas de manera diferente, los tiempos cambian y volver a aquel pasado en el que tocábamos prácticamente cada fin de semana ahora no tendría sentido, actualmente creo que es más interesante aprovechar las oportunidades reales de tocar ante un público numeroso en detrimento de salas y clubs que no te ofrecen ningún tipo de garantía de público y sonido. ¿Qué fechas tenéis confirmadas para seguir preparando el trabajo? ROCHY G.: De momento haremos alguna fecha con José Andrea y ya se están barajando fechas y lugares que iremos

informando en nuestra social media. Lo más significativo ahora es la presentación del disco que tendrá lugar en la sala WeRock de Madrid el próximo 15 de junio (ndr. Concierto ya realizado), tenemos mucha ilusión depositada en este día y animamos a todos aquellos incondicionales del género a que nos den la oportunidad de presentarles este disco asistiendo al evento, para el que tenemos preparados muchas sorpresas en lo que esperamos sea una fiesta por todo lo alto. Al igual que para el sonido del disco habéis contado con un equipo profesional para vuestro videoclip también. Hablamos de Mario Ruiz y sus Krea Film Producciones para el tema “Triunfará la verdad” ¿Pensáis escoger otro single para rodar un videoclip? PINO: De la repercusión que está teniendo Black Hat tiene mucha culpa éste videoclip. El equipo de Krea y su director Mario Ruiz han hecho un encomiable trabajo y estamos muy contentos con el resultado. El tema que se ha elegido como single es de mucha actualidad, con una letra muy directa marcada de ira, donde personificamos en un ser maligno imaginario todo el mal que nos rodea, y de manera especial el generado últimamente por ciertos sectores y estamentos sociales, por cierto, que algún ignorante nos ha catalogado de racistas argumentando que en el vídeo quemamos vivo a una persona de raza negra, joder hay que echarle imaginación al tema. Ya estamos preparando la salida de un segundo videoclip promocional de manos de Manuel Moreno de Poor Society, que esperamos que tenga la misma aceptación del respetable y el mismo acogimiento de los medios. Para ir finalizando contadnos que planes inmediatos tenéis para la banda que no hayamos tratado en los temas anteriores. ISMAEL G.: Vamos paso a paso y ordenando nuestras vidas, por el momento nuestra intención es que “Eclipse” llegue al máximo posible de gente, y cuando hablo de gente, me refiero, de potencial gente que pueda interesarle nuestra música, por que de poco o nada vale intentar abrirte paso por senderos sin un destino claro, queremos que el público que escucha heavy metal tenga la oportunidad de oírnos y valorarnos, para poder decirnos: chicos enhorabuena, o por el contrario: chicos iros al carajo con vuestra mierda. Turno para despediros y dirigiros a los lectores del magazine. PINO: Esencialmente pedirles a todos aquellos que hayan aguantado hasta este punto la entrevista, y que del mismo modo comparten nuestra pasión por el metal, nos brinden la oportunidad de su valoración del disco, pues ellos son los que tienen la última palabra y los que en un futuro nos abrirán las puertas del infierno, o nos darán con ellas en las mismas narices. Un especial saludo para vuestros lectores.

Raúl Sújar Pozo


Formada por talentosos musicos britanicos entre los que están a la cabeza el guitarrista Ben Randall (PowerQuest) junto al vocalista brasileño Gus Mosanto (Aria Inferno, Revolution Renaissance, Takara, Adagio...) han editado un asombroso debut de metal melódico bajo el nombre de "Dark Skies over Babylon". Su bajista y miembro fundador, James Murray, nos pone al día sobre la banda.


La idea de la banda nace en el 2010 de la mano de Paul Logue (Eden’s Curse) y James Murray para dar salida a algunos de los jóvenes y talentosos músicos británicos ¿Por qué esta idea? Paul y yo éramos muy amigos y un día en su casa hablamos de hacer una banda de individuales con talento para hacer un rock/heavy metal sólido. Paul usó sus contactos para traer con nosotros un buen grupo de tíos que tienen muchísimo talento, y así es como Code Of Silence nació. James te involucras como músico al proyecto sin embargo Paul solo participa con las composiciones y la producción ¿Por qué no participar como instrumentistas los dos? Bueno, Paul y yo tocamos ambos el bajo y para ser sincero, Paul no quería ser uno de los músicos de la banda. Lo estaba haciendo más bien como un favor hacia mí, su amigo. También es que Paul está muy ocupado con su propia banda, Eden´s Curse, así que no habría sido práctico para él quedarse en Code Of Silence. ¿Cuáles fueron los criterios para la selección de los músicos que finalmente forman la banda? Realmente las directrices eran muy simples. Lo primero y lo más importante era la personalidad, queremos gente que ame la música, que sean buenas personas y que deseen prosperar. Y a esto por supuesto le sigue muy de cerca el que tengan talento. Y de verdad tenemos músicos con muchísimo talento. Ben que es un increíble guitarrista, Gus a las voces, que es simplemente sublime y por supuesto John, el batería, que es brillante. Y no nos olvidemos de Scott a los teclados, que es fantástico. Pese a que el proyecto es para unificar el talento británico habéis contado con el vocalista brasileño Gus Monsanto (Aria Inferno, Revolution Renaissance, Adagio…) ¿Por qué la elección de Gus? Inicialmente estábamos buscando un cantante escocés y no pudimos encontrar uno, ya que ambos, Paul y yo, creímos que sería factible tener una banda enteramente escocesa. Cuando nos dimos cuenta de que eso no era posible, Gus fue la primera persona que contactamos para las tareas de voz, pues Paul le conocía y yo ya había escuchado material suyo en Revolution Renaissance. Así que en cuanto Gus aceptó formar parte de la banda, Paul y yo estuvimos muy satisfechos porque es un modelo de profesionalidad, un tío genial y tiene una voz impresionante. Musicalmente veo que los compositores oficiales sois Paul, James y Ben Randall (PowerQuest) ¿Todos tuvieron ocasión de aportar su visión sobre las canciones? Todos los miembros de la banda han hecho una aportación para el disco, ya que trabajamos bajo unas bases muy concienzudas. No tiene sentido lanzar una canción o un álbum si no están todos los miembros del grupo de acuerdo. Así que era importante que a todos nosotros nos encantasen las canciones, porque si no nos gusta a nosotros, hay muy pocas posibilidades de que le guste a otros. Paul estuvo muy involucrado en varios aspectos. Así que fue un esfuerzo de grupo. El trabajo me ha parecido brillante. Melódico, con ritmo, pegadizo y con fuerza cuando lo requiere. En la review, como referencia, invito a seguidores de bandas como Y.Malmsteen, Eden’s Curse, Jeff Scott Soto, House of Lords, Harem Scarem… ¿Van por ahí los tiros? Primero de todo, gracias por este gran halago. Valoro mucho tus amables palabras. Si, estoy de acuerdo con eso, pero también me gustaría añadir a Dream Theater, Savatage y bandas como ellos. Básicamente opino que si te gustan las guitarras enchufadas y canciones dinámicas, entonces Code Of Silence es para ti.

Temas como “Sky is Falling Down” me parecen un “hit single” que acaba convirtiéndose en un himno, pero además el disco contiene temas más heavys como “Knights of the Crimson Cross”, la emotiva balada “Dark Skies over Babylon… ¿Qué canciones están gustando más en medios y fans? Creo que los medios les están gustando las diferentes canciones, porque varios de ellos parecen listarlo como lo más destacado. Creo que eso muestra que el disco es musicalmente fuerte porque cada uno tiene una canción favorita del disco. Las letras del álbum giran en torno a los Templarios ¿Se basa en la épica o hay una historia oculta? El álbum es temático y está basado en Caballeros Templarios, pero es solo la temática. Cada canción puede significar algo diferente para el que lo escucha, porque hay flexibilidad en las canciones que permite a quien lo escucha interpretarlas como las vean personalmente. Normalmente cuando un proyecto de este tipo contiene músicos de diferentes bandas es difícil que tenga una continuación o que no haya cambios en sus filas ¿Tenéis pensado seguir trabajando con la misma formación en un segundo trabajo? Si, el siguiente álbum tendrá el mismo line up. La banda no es un proyecto, es una criatura viva que respira y todos seguiremos juntos para el segundo disco. (sonrisa) Habéis sido confirmados para el Skyfest 2013 junto a bandas como Vega, Pretty Maids, Coldspell entre otras ¿Significa esto que vuestro disco está teniendo una gran aceptación? Creo que el disco está siendo muy bien recibido y ha tenido muy buenas reviews. Y con suerte seguirá así, porque estamos muy orgullosos de él y esperamos que a cualquiera que lo escuche, le guste tanto como a nosotros. (sonrisa) ¿Qué otros eventos tenéis confirmados para presentar el álbum? Estamos haciendo entrevistas continuamente, radio, y esas cosas para que el álbum se mantenga ante el ojo público y suba el nivel del perfil de la banda. Como cualquier otra banda. De todas formas, tocar en directo es una de las mejores formas de publicitar a un grupo, por lo que estamos intentando tocar todo lo que podemos. Llegamos al final dando la oportunidad que habléis de algo que se haya quedado fuera de la entrevista y momentos también para dirigiros al lector. Simplemente me gustaría agradecer a los lectores por leer esto y daros las gracias por vuestro apoyo. Gracias, esperamos veros en directo muy pronto. Proteger y Servir (sonrisa) Entrevista: Raúl Sújar Pozo Traducción: Irene López


La banda lleva funcionando ya unos años y los miembros no necesitáis mucha presentación en la comunidad metalera pero me gustaría empezar por vuestros inicios para ir reconstruyendo los pasos de la banda. Todo el mundo os conoce por vuestro papel en Venom pero llevabais ya varios años alejados de su legado ¿Cómo decidís poner en marcha M-Pire of Evil? Mantas tenía su proyecto de banda con DRYLL y habían tocado una versión (con él a la voz) de Black Metal en un directo… se grabó y se subió a YouTube. La gente empezó a preguntarse si se había juntado con Tony Dolan otra vez, esta vez bajo un nombre diferente y si habían hecho nueva música. Mantas entonces me llamó (Tony) y después de una larga conversación me preguntó si estaría interesado en hacer algo… Dije que por supuesto y eso fue todo. Preguntamos a los fans más cercanos de Venom cómo deberíamos llamarnos y ellos dijeron que era obvio: Primer Evil, y así fue… empezamos a escribir canción y ahí comenzó todo. Al principio hubo mucho cambio de nombre ¿Por qué estos cambios? Bueno, nos llamamos Prime Evil por el disco de Venom que hicimos juntos y por algunos fans, pero yo conocía una banda que tenía el mismo nombre, así que dije que debíamos elegir otro. Todo el mundo estuvo en contra de ello y quisieron mantener el nombre. Después de un tiempo, la banda Prime Evil, que había cesado su actividad, supieron de nuestra existencia y decidieron volver a tocar con ese nombre, así que lo tuvimos que cambiar… Como ya habíamos firmado y Mantas había hecho todo el artwork basado en el nombre, quise idear un nombre que no se alejase mucho de

lo que ya teníamos, así que escribí el nombre en un papel y me lo quedé mirando… P R I M E E V I L…Y entonces lo vi… M P I R E E V I L… le añadí el “of” y así quedó, M:PIRE nacía… (risas)… mucha gente odia el nombre, pero nosotros no, así que no me importa una mierda (risas). La banda comienza editando un Ep -“Creatures of the Black”con versiones de clásicos junto con alguna canción de presentación del grupo y al año siguiente vuestro debut con “Hell to the Holy”. El álbum tuvo buenas críticas ¿Estáis contentos con el resultado? Muy contentos… Me encantó hacer “Creatures” e hicimos covers de nuestras bandas favoritas, que nos influenciaron en lo que hacemos… así que no nos avergüenza, entonces añadimos dos nuevas canciones de M:PIRE… “Reptile” y “Creatures of the Black" (que todavía tocamos en directo). La idea era demostrar quiénes somos y de qué vamos… sin género específico, solo metal. Me encanta “Hell to the Holy” es muy diversa y divertida de tocar… las reviews fueron fantásticas y este álbum es de lo mejorcito que hemos hecho… Las críticas justificaron lo duro que trabajamos y nuestras firmes convicciones. Es muy especial ver que la gente pilla lo que estamos haciendo y les gusta… Sin embargo Antton no pareció estar a gusto con el resultado… No estaba conforme en general y odiaba cómo grabábamos, pero el presupuesto no nos dejaba más opciones, así que tuvimos dificultades y eso nos separó. Una pena, pero el mundo no deja de girar por eso. Hizo un trabajo magnífico entonces y tuve la oportunidad de trabajar con él, así que estoy contento.


M:Pire of Evil regresan con nuevo disco bajo el brazo lo cual fue motivo suficiente para contactar y hablar de ello, además de conocer más sobre una banda formada por los legendarios ex-Venom: Mantas (guitarra) y Tony “Demolition Man” Dolan (Bajo y voz). Es este último precisamente quien se encarga, en una agradable conversación, de contarnos todos los entresijos de la banda. ¿Cómo conocéis a Marc Jackson y que visteis en él para que entrara a la banda? Sabíamos que teníamos un tour completo en los Estados Unidos y parecía que Antton no iba a poder venir con nosotros, me abrí a nuevas sugerencias de baterías por si se diese el caso. Llegó, y Mantas me pasó un vídeo de Marc tocando en un tributo a Sabbath. Me encantan Sabbath y él tenía ya muy buena escuela (a los 24) con un estilo nuevo, otro enfoque… lo mejor de ambos mundos… y un músico tan excelente ha añadido otra dimensión a la banda. Se podría esperar que una banda formada por miembros de los legendarios Venom siguieran por un sonido similar, sin embargo en esta aventura practicáis un Thrash-Power metal con toques muy modernos pero que a la vez suena a clásicos como Motorhead… (Risas) ¡Genial! Creo que andamos ahí ahí. No estábamos preparados encasillarnos como parece que todo el mundo hace. Y tampoco queríamos crear una etiqueta que solo nos describa a nosotros… como “Fuximer Metal” o algo así (risas). Desde que Venom se denominaron Black Metal se han generado montones de “lo que sea Metal”… incluso ahora hay bandas que lo hacen… que os den tíos, el Metal es Metal… y nos encanta, así que nosotros no nos ponemos límites… vamos donde queremos y como queremos… esperad cualquier cosa en cualquier momento y ahí tenéis M:PIRE… Y como nota aparte no puedo reprimir ponerme a Motorhead de vez en cuando… Old Fans Die Hard imagino (risas). Me gustaría que me hablaseis de vuestra forma de componer… Bueno, normalmente Mantas hace los riffs y los arreglos, me lo manda por Internet y yo lo veo y escucho, hago anotaciones y se lo devuelvo… A veces también escribo las letras y se lo devuelvo. Algunas veces, como con “Metal Messiah”, escribo las letras y primero y se las mando a Mantas con una nota que dice “piensa en los Judas Priest más clásicos”. En otras ocasiones como con Devil… ya teníamos la música y nos sentamos a trabajar las letras juntos… “Snakepit”, “Hellspawn”, M:Pire también. Parece que trabajando los dos en la misma habitación sacamos lo mejor de nosotros. “Demone” también la hicimos juntos, como “Taking It All” en el estudio toda la banda junta… Así que varía… mucho, pero en su mayoría, Mantas hace la música y yo me centro en las letras y temáticas, aunque también lo hacemos juntos, por lo que si te soy sincero, nos sirve cualquier fórmula… si nos gusta lo que el otro tiene, entonces seguimos adelante, pero siempre vamos en la misma onda, así que… es perfecto. La actualidad de la banda pasa por “Crucified” el cual parece que ha tenido también una gran aceptación ¿Cómo estáis percibiendo la respuesta del público? Hasta ahora… una mezcla… (risas). A los fans les gusta… algunas reviews han sido buenas y otras están confusas porque no entiende el por qué de las re grabaciones… este es el por qué: El catálogo de Venom donde colaboré con Mantas y Abaddon no está disponible… Universal controla el catálogo y no quieren que se lance porque habría un conflicto de intereses ya que Venon están muy vivos y grabando con Cronnos. Porque los fans no pueden obtener esos álbumes con facilidad,

así que los buscan en eBay, etc. Para ellos, cuando los encuentran, tienen que pagar cantidades de dinero estúpidas para conseguir el material… 50€ por un álbum o más es una desgracia y alguien está simplemente estafando a la gente. Preguntamos a nuestros fans que si hiciésemos algunas canciones antiguas en vivo o incluso re grabadas, qué canciones escogerían… recibimos sobre sesenta listas y elegimos las canciones que aparecían más de una vez y fuimos haciendo criba hasta que quedaron nueve de las más solicitadas. Y luego escribimos (como hicimos con “Creatures”) dos nuevas canciones que añadimos a las otras. Ahora los fans pueden conseguir las canciones más baratas y de forma más fácil. Y lo volveremos a hacer después del nuevo álbum. Así que entiendo que se nos pueda criticar por re-lanzar antiguas canciones, pero hay un propósito tras esa idea. He llegado a leer una review reciente en la que decía que él habría elegido una canción que no está en vez de una de las que están (risas), así que parece que la gente está dividida, pero en realidad eso no es una crítica es una selección que no concuerda con lo que hemos escogido, y no un análisis del producto en sí. Me refiero, ¿si hubiésemos elegido las canciones que él quería hubiésemos tenido mejor nota? (risas) Personalmente me ha gustado mucho el tema “Carnivorous”… Ah, una de mis favoritas también… ¡gracias! (sonrisa). Esa canción ha sido parte del set list de M:PIRE desde el primer día, junto a “Blackened Are the Priests”, así que fue una elección obvia para Crucified… no se olvida que antes eran canciones de Venom… ahora son de M:PIRE… Otros que impactan a primera escucha son “Demone” y “Kissing the Beast” por el lado más clásico y “Need to Kill” y “Crucified” entre los que suenan más actuales ¿Cuáles son vuestros preferidos? ¿Cuáles están funcionando mejor entre las críticas? ¡Oh, gracias de nuevo! Bueno, “Carnivorous” y “Blackened Are the Priests” están siempre en nuestros directos y también las favoritas… añadimos “Temples of Ice” y “Demone”, próximamente cambiaremos el set y añadiremos más canciones del “Crucified”, como “Wolverine”, “Black Legions” quizá, hasta ahora la respuesta ante “Demone” y “Temples” es muy buena, intensa y simplemente genial. A los fans parece encantarles que las toquemos en directo, como también les gusta que toquemos canciones del “Hell To The Holy” y de “Creatures of the Black”. Y por supuesto también metemos algunos clásicos de Venom… En el libreto del álbum ponéis en los créditos que este disco no ha sido grabado con triggers, ni samplers digitales sino con un kit de batería acústico ¿Por qué habéis querido recalcar este hecho? (risas) eso fue Mantas… porque por aquellos días, con la aparición de Protools, Drumagog, etc. parecía que el estudio controlaba los sonidos, que se digitalizaba todo… así que ¿Quién está al mando?, ¿El ingeniero?, ¿El productor? Desde luego no es la banda. Somos una banda de directo, tres tíos tocando y creo que quisimos que la gente se diese cuenta de ello. Suena de la forma en que suena porque tocamos todos juntos como una banda, y las baterías en particular son como las tocamos en directo, y muchas son de una sola toma, que no está mal teniendo en cuenta que muchos baterías (por ejemplo) cuentan con mucha ayuda digital…


Como músicos y como fans habéis vivido la transición del mundo analógico al digital. ¿Para vosotros que ha sido lo mejor y lo peor de cada mundo? ¿Analógico? Bueno, tienes que aprender cómo tocar bien para llegar a lo mejor de ti mismo, así es como se forma un buen músico. Lo digital permite a cualquiera tener la oportunidad de crear música… incluso a gente que no es lo suficientemente competente con un instrumento… También me gusta eso… todo el mundo debería tener una oportunidad de crear y con lo digital se puede y sin un coste muy grande. Ambos pueden ser útiles, uno puede funcionar muy bien con el otro, pero si omites el formato analógico… es menos inspirador. Una grabación contra un CD… hay una calidez que siente el que escucha y que te acerca más a la banda. Yo prefiero esa cercanía y es lo que queremos que experimenten nuestros fans… ellos son M:PIRE ¡y el producto es suyo! Las guitarras están bien grabadas digitalmente en estos días, como procesadores de ambientes, válvulas, etc. No sé cómo explicarlo, pero siento que las baterías han de ser reales, creo, para que el trabajo sea mejor, lo mismo que con los bajos… Un amplificador, un bajista… como yo (risas)

Imagino que llegando el verano la actualidad de la banda pasa por presentar el nuevo trabajo en el mayor número de festivales posibles… Esa era la idea y eso esperamos. Necesitamos las ofertas, y está difícil. Hay muchos buenos álbumes y bandas ahora mismo, Tenemos el H.O.A. en Alemania y el British Steel en Francia, pero por lo que veo los promotores de los festivales parecen ser ahora los nuevos “Rock Stars” (risas)… así todo se centra en que ellos pasen un rato con las bandas que le gustan, en que se echen fotos con ellos, etc. Los fans vienen después. Pero se excusan detrás del hecho de que meten bandas nuevas, y lo hacen, pero en los peores escenarios y a las nueve de la mañana… pero bueno… siempre y cuando siga adelante ¿A quién le importa? Estamos listos para la guerra en cualquier sitio y en cualquier momento, así que contrátanos y allí iremos. No estamos interesados en política ni en cualquier otra mierda, solo tocamos para los fans.

He leído que lo que más os gusta de M-Pire of Evil es que vosotros tenéis el 100% control sobre la banda. Siendo unos músicos con vuestra trayectoria ¿Qué decisión/es cambiaríais de vuestro pasado? Oh Dios mío… (risas)… Si empezásemos de nuevo, volvería a hacer tal y como lo estamos haciendo ahora, tener el control sobre las decisiones, la publicidad… como ahora, así si la cagas, solo puedes culparte a ti mismo, simple, corregirlo y seguir adelante. La forma antigua de llevar esto era lo peor, todos sufren en algún momento. Avaricia, decepción… es malo para todos y al final destruye a gente con talento que merece mucho más.

Por mi parte llegamos al final agradeciendo enormemente el tiempo tomado para contestar a nuestras preguntas. Si queréis añadir algo más… Me gustaría decir que muchísimas gracias por tenerme aquí y de concederme la oportunidad de dar mi opinión. Apoyad M:Pire Of Evil, somos tu banda, visitanos en Facebook o en nuestra página oficial: htt://www.mpireofevil.com. Os veremos por ahí en algún sitio, en algún momento, porque no olvidéis que ¡todos somos ¡Creatures of the Black!

¿Realizareis una gira europea o mundial presentando el álbum? Nos han invitado a tocar con Exumer (DE) y Onslaught también con Master en el Slaughterfest tour con el que se pretende recorrer toda Europa… así que sí.

Entrevista: Raúl Sújar Pozo Traducción: Irene López


Una banda liderada por Jesper Strömblad -guitarrista durante diecisiete años de InFlames- y el vocalista Marco Aro (The Haunted) necesita poca presentación y menos demostrar sus credenciales al mundo. The Resistence es su nuevo proyecto y su batería Chris Barkensjö (Kaamos) es quien nos pone al día. Irrumpisteis en el mundo del metal a principios de este año con vuestro EP “Rise from Treason”, pero antes me gustaría comenzar hablando de cómo se reúnen el elenco de músicos que conforman The Resistance -de sobra conocidos por vuestras bandas anteriores- ¿Quién da el primer paso? Fue cosa de Jesper y Marco, que hablaron durante una sesión de juego online y decidieron formar una banda. Nos preguntaron a Glenn y a mí, y comenzamos.

¿Y a la hora de componer como trabaja The Resistance? Hasta ahora Jesper ha sido el principal compositor, pero Glenn también es un gran riff master. Con respecto a las letras, somos Marco y yo quienes nos encargamos de ellas, que somos los magos de las letras ;) Pero opinamos sobre si las canciones son lo suficientemente buenas, si hay que cambiar alguna parte… Estamos usando Soundcloud como nuestra plataforma para intercambiar lo que escribimos. Y funciona bien.

Musicalmente lo que ofrecéis es algo que se podría esperar teniendo en cuenta los nombres que forman la banda. Death metal old school mezclado sabiamente con un thrash más contemporáneo ¿Es mejor una receta conocida de calidad que una innovación mal hecha? Lo cocinamos como más nos gusta, Un plato bien servido. ;) No, en serio, siempre tenemos muy en cuenta nuestras influencias y nuestros héroes musicales. Y por eso sonamos como lo hacemos, jamás eso.

Entre el Ep y “Scars” ha pasado solo unos meses sin embargo no fue el típico Ep que luego aparecen las canciones en el disco ¿Significa eso que hay mucho material compuesto de The Resistance? Las canciones del EP se hicieron hace mucho tiempo, así que aunque no hubiésemos firmado con Edel/Ear Music habríamos lanzado el disco nosotros mismos. Y en lo que se refiere a “Scars”, Jesper nos dijo simplemente que tenía un montón de sentimientos que tenía que sacarse del cuerpo y escribió once de las canciones de “Scars”, entonces Gleen escribió “Imperfected” y Jesper y yo escribimos “I Bend You Break” en el estudio. Jesper estaba a tope druante el proceso de composición, así que todo fue sobre ruedas. Actualmente estamos hablando del nuevo disco.

Normalmente cuando se forma una banda con gente de otras formaciones puede ocurrir que unos miembros no vivan cerca de otros ¿En vuestro caso como afecta a la hora de ensayar? ¿Podéis tener unos horarios semanales o vivís lejos uno de otros? Vivimos demasiado lejos unos de otros, no hemos ensayado más de diez veces desde que empezamos. Jesper me envía canciones sin las baterías para que pueda ensayar yo solo. Jesper, Glenn y Claudio se juntan en algunas ocasiones antes de los conciertos, pero lo hacemos. Creo viene de la experiencia que todos tenemos. Así que no nos preocupa, todos nos preocupamos por saber nuestras partes.

El disco ha sido editado por earMusic quienes cuentan en su rooster con bandas más orientadas al hardrock o power como son Deep Purple, Stratovarius, Journey, Europe… ¿Como surgen los contactos con ellos? Fue nuestro manager quien consiguió este acuerdo. No podríamos haber estado más satisfechos. Se trabaja muy bien con ellos y hasta ahora todo ha ido bien.


Me gustaría ir hablando (Cuéntame el desarrollo de ellos) de los temas que a primera escucha me han llamado más la atención. El primero de ellos es la rabiosa entrada de “Clearing the Slate”… Al principio fue como chiste, pero nos gustó e hicimos un vídeo de “Fire In The Hole”. Es una pieza musical violenta con una gran parte melódica en mitad. “Imperfected” me encanta esos riffs lentos y pesados… Ha acabado por encantarme esta canción, es de Glenn, y consiguió ese toque Entombed. En mi opinión deberíamos intentar hacer otra así para el nuevo álbum. Sin duda es jodidamente heavy. “I Bend – You Break” con ese toque más visible de thrash moderno en la onda The Haunted… ¿De veras? Yo le veo más un toque Hardcore. Jesper y yo escribimos este tema en el estudio, porque nos sentimos como que necesitábamos una canción HC. Probablemente y con suerte, esta será canción con la que se hagan los moshpits. “Warmonger” cuyos ritmos me han recordado a Sepultura… Esta ha sido una de mis favoristas desde que Jesper nos mostró el “esqueleto”. Cada vez que la escucho o la tocamos, se me pone una enorme sonrisa en la cara. Para terminar de hablar de los temas me gustaría que tú mismo me dijeras cuáles son tus favoritos y porque… Nos gustan todas, yo personalmente estoy jodidamente orgulloso de lo que hemos creado y todas las canciones me parecen perfectas a su manera. Así que debería decir que me gustan todas y cada una de ellas. Creo que no hay ninguna canción floja, quiero decir, es nuestro “bebé” y estamos muy orgullosos de él. Recientemente habéis cancelado el comienzo de vuestra gira europea por motivos de logística. Esto supone un contratiempo en la promoción del álbum pero imagino que ya estaréis cerrando nuevas fechas ¿Qué nos puedes contar al respecto?

Si, una verdadera pena, teníamos muchas ganas de saltar a la carretera. Tenemos planes, así que saldré ahí fuera. No creo que la cancelación del tour haya tenido un gran impacto en la promoción del álbum. Aquellos que nos apoyan están corriendo la voz, así que no nos preocupa. A relación con el directo, hace poco leí que tu banda ideal para girar serían Slayer, desgraciadamente la banda es actualidad por el fallecimiento de Jeff Hannemann (R.I.P.). Imagino que esta noticia te sorprendió tanto o más como al resto de la comunidad metalera… Me sentí muy triste cuando lo leí. Soy un gran fan de Slayer y ellos tuvieron gran parte de la culpa de que me metiese en el extremo. Me sentí vacío y Slayer ya no serán nunca más Slayer, al menos para mí. Quiero decir, yo esperaba que Hanneman volviese y no es justo que muriese así después de todo lo que ha hecho por la música. Nos habría encantado girar con ellos, pero ya no es tan interesante como podría haberlo sido, al menos para mí. Vuestro bajista Alex Losbäck dejó la formación y fue reemplazado por Claudio Oyarzo ¿Es Claudio miembro permanente de la banda o solo será para directo? Claudio ahora es un miembro permanente desde hace un par de semanas y estamos muy contentos de que quisiese formar parte de la banda a tiempo completo. Fue muy natural que se uniese y ahora la banda está finalmente completada. Ponemos el punto final a la entrevista agradeciendo tu tiempo con Hijos del Metal Magazine y te invito a que añadas lo que desees para finalizar. Gracias por mostrar interés en nosotros y continúa apoyando la causa. Y por el amor de Dios, comprad el disco y disfrutad de la violencia… Entrevista: Raúl Sújar Pozo Traducción: Irene López


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Parece que el proyecto Sad Eyes sigue adelante. El hecho de ser tu solo el que realizas todo -con ayuda como veremos en adelante- ¿Ha hecho que se convierta este en tu proyecto más prioritario? Cuando empecé a trabajar en Sad Eyes y en el primer álbum siempre me lo tomé como un complemento a mis necesidades como músico, algo que me ayudaba a llenar el hueco tanto compositivo como estilístico en mis inquietudes como amante del metal extremo. Me servía para poder estar tocando en una banda a la vez que seguía currando en un one man project y encima conseguía que pudiera estar trabajando en dos estilos musicales diferentes. Intentaba, eso si, compaginar el horario para poder dar el 100 % en ambas. Ahora Rex Devs está en un estado de letargo mientras intentamos cuadrar nuestras ideas, nuestros conceptos y ordenamos nuestra forma de trabajar. Esto hace que tenga, lógicamente, más tiempo para Sad Eyes. No puedo estarme quieto tío, me encanta tocar, componer, grabar, en definitiva estar ahí dando el callo con esto del metal y si Rex Devs me deja más tiempo pues lo dedico a Sad Eyes. Por otra parte, como bien dices, el hacerlo uno solo hace que la forma de trabajar, e incluso más la necesidades de horario, cambien. Se necesita una organización mucho mayor, una disciplina distinta pero dura, y un orden que no son como el de una banda, es peor (risas). Con lo cual todas estas necesidades que tiene un one man project hace que efectivamente ahora mismo, hoy por hoy, Sad Eyes es prioritario para mi, pasando del segundo plano en el que se creó a estar en el primero ocupando buena parte de mis horas dedicadas al metal. En este segundo trabajo sigues orientado al death metal más directo y sin distracciones pero se observan algunas diferencias. Comencemos hablando de un cambio significativo. Para el primero escogiste a la voz del death metal patrio -Dave Rotten-, para este sin embargo el peso recae compartido en Carlos Mejías (Thirst of Revenge, ex-Human Mincer) y Kike Capilla, compañero tuyo en Rex Devs ¿Por qué esta vez no está Rotten? Efectivamente el aspecto vocal es uno de los cambios más significativos en este “9H0B1A”. Cuando trabajaba con el concepto de trabajo y las líneas vocales me di cuenta de que en esta ocasión la propia forma conceptual de trabajo

Sad Eyes es el alter ego de Santi González. Una persona con una mente inquieta que da salida a su vertiente más extrema en este proyecto de death metal. Como es habitual en él, Santi tiene muchas cosas interesantes que contarnos así que no te pierdas lo que viene a continuación. necesitaba de una riqueza vocal mucho más importante de la que le habíamos dado al primer trabajo. El concepto, la forma de comportarse el sentido del CD, hacía que necesitara una gran cantidad de voces y por lo tanto, y si quería que todo fuera mas dinámico y con mas matices, también necesitaba que hubiera varios cantantes para desarrollar todos esos matices vocales. Antes de empezar a trabajar en todas las líneas vocales, Kike Capilla amigo mío desde la infancia y compañero en Rex Devs se me ofreció para trabajar y grabar en Sad Eyes. Fue con él con quien trabajé todo esto. Él vive en mi ciudad y esto hace que el contacto sea más fácil y más directo, con lo cual dimos mucha importancia a todos los matices, todas las voces y todos los timbres, trabajándolo duro hasta que quedó todo perfecto y entonces entramos en mi estudio a grabar estas voces. Él grabó una muestra de todas, no solo las que le pertenecían a él por su registro, sino todas, para así servir de guía a los demás cantantes, ya que el sincronizar todas las voces es muy complicado sin una guía o sin haber estado ensayando duro estos temas. Con Dave había hablado de una posible colaboración para este segundo trabajo y todo estaba preparado, él tenía sus líneas vocales, su registro y todo para el álbum pero al final no pudo ser. Usar varios músicos para un solo trabajo es lo que tiene, que no siempre se pueden organizar los calendarios de todos y al final su voz fue grabada entre Kike y Carlos. Con Carlos Mejias la colaboración sugió de manera muy curiosa. Yo me puse en contacto con él para una posible colaboración con un solo de guitarra, y fue él mismo quien se ofreció para grabar las voces. Joder, yo flipaba. Es, sin duda, otra de las más grandes voces del metal

extremo español y ¡él mismo se ofrecía para colaborar! Lógicamente yo encantado, así que, como se puede escuchar en el CD, entre ambos voceras han cubierto todos los registros vocales que el CD necesitaba. Los dos son unos grandes cantantes, tremendos currantes y profesionales, con lo cual no pararon hasta que todo quedara a la perfección. No tengo más que palabras de agradecimiento hacia los dos porque han hecho que el CD adquiera la dimensión vocal que necesitaba, muy por encima de lo que yo podría imaginar. Además va ligado a los vocalistas otro asunto, para este disco las letras se expresan en castellano ¿Significa ello que Sad Eyes no tendrá un camino fijo a seguir para ello? Lo mas curioso para mí en este aspecto fue ver como quedaría la voz de Carlos Mejias en este idioma, y como se lo trabajaría todo para que todo se entendiera usando todo su potencial vocal en todos sus registros. En este aspecto Carlos ha trabajado muy muy duro para conseguir que el trabajo suene tremendamente extremo, pero comprensible. En cuanto a lo que comentas, efectivamente Sad Eyes ya no ha tenido un camino homogéneo que seguir, con lo cual no sabría adelantarte nada más ahora mismo, puesto que aún no he empezado a trabajar en el aspecto conceptual del siguiente trabajo. Lo que si tengo claro que yo no voy a ponerme pegas en este aspecto, con lo cual usaré el lenguaje que necesite usar y en el idioma que mejor lo exprese. Con Rex Devs llevamos trabajando muchos años en castellano, con lo cual esto para mi no ha sido nada nuevo, en absoluto y todas las dificultades que tiene el componer en castellano algo perteneciente


a metal extremo es algo que tenia superado. Es un idioma difícil de encajar por la acentuación y porque parece melódico en si mismo, con lo cual había cosas que teníamos que eliminar del idioma como su rítmica haciendo que suene a anglosajón pero cantando en castellano. Necesitaba que nadie se echara atrás solamente por que el castellano le chirríe, con lo cual el trabajo principal esta en eliminar esto. Los prejuicios no los puedo eliminar, pero se puede cambiar la visión de la gente haciendo las cosas de otra manera. Teniendo en cuenta que este es un trabajo conceptual en el cual expresar todo lo que uno quiere ya es realmente complejo, por los sentimientos a trasmitir, si esto además lo tengo que hacer en un idioma que no es en el que pienso la cosa se me hace imposible, y esta es la razón por la que he usado el castellano, para no dejar nada en el tintero y que no se perdiera expresividad en la traducción o en la dicción. Es curioso que precisamente para este disco donde cambias el idioma se interesa un sello americano para su edición ¿Cómo surgen los contactos con el sello? ¿Habéis firmado para la edición de futuros discos? Si, a mi también se me hizo muy curioso, pero supongo que será precisamente por ese cuidado en la rítmica y acentuación que te he comentado que hemos tenido para que no suene a latino o a castellano, sino a sajón. Es como si escucharas una canción en inglés y la entendieras al 100%, hasta que te das cuenta de que esto te esta pasando porque esta cantada en castellano, jeje. Cuando yo estaba trabajando en “9H0B1A” la verdad es que ni me había planteado sacarlo con una discográfica. Llevo unos cuantos discos autoeditados entre Rex Devs y Sad Eyes y sé mas o menos como funciona todo esto, con lo cual, y viendo que cuesta encontrar discográficas, no iba a durar en autoeditarlo. Aun así soy muy consciente de que el nivel de distribución de una discográfica esta muy alejado de lo que yo puedo conseguir, así que pensé que si alguna discográfica me apoyaba en esto la ayuda seria inmensa, y me puse a buscar. Fueron unas cuantas las interesadas pero yo tenía muy claro que es lo que necesitaba. La industria esta muy cambiada y lo que ofrecen ahora mismo las discográficas pasa muchas veces por mas exigencias que ofrecimientos, y yo no estaba dispuesto a pasar por ciertas cosas así que pensé muy concienzudamente en qué es lo que necesitaba de una discográfica, porque exigencias no iba a pasar y a partir de ahí elegí la que mas se acercaba a estas necesidades. En este aspecto Razed Soul me proponía todo lo que necesitaba, sin tapujos ni subcontratos con lo cual no lo dudé. Con ellos he contratado solamente por la edición de “9H0B1A” con un contrato bastante abierto en el cual yo tengo todos los derechos. La promo en España, por ejemplo, esta hecha por mi, porque así lo he pedido. Me gusta hacer esto, estar en contacto con vosotros y es una manera de poder hacer una promo yo creo que mas completa porque conozco mas el país. Así consigo lo que me gusta de las autoediciones y las ventajas de una discográfica con distribución mundial.

No sé si quedarán copias del primer álbum pero ¿Cabria la posibilidad de que fuera re-editado por el sello o no hay interés por ambas parte? Si, de momento yo tengo copias del “…And Another Week”, con lo cual todo aquel interesado en una copia puede ponerse en contacto conmigo y yo se la facilitaría. En cuanto a la reedición por parte de una discográfica… yo nunca me puse en contacto con discográficas para la edición de este trabajo puesto que lo autoedite sin buscar ofertas de discográficas, con lo cual en realidad no se si podría haber discográficas interesadas. Si las hubiera yo no tendría ningún problema en esta reedición, de hecho me gustaría, eso si, cumpliendo los requisitos que te decía antes. En este aspecto seria tan estricto como lo he sido con “9H0B1A”. Razed Soul esta muy interesada en distribuir copias de mi primer trabajo, pero no en reeditarlo. Quiero decir, si yo reedito el trabajo ellos se encargarían de la distribución, porque sí están interesados en copias, lo único que esto es de un coste económico muy importante para mi y en ese aspecto ni me lo he planteado. Ellos pueden conseguir copias, pero desde luego no a niveles industriales que es lo que les gustaría. Sigamos hablando del álbum. En el primero hiciste un álbum conceptual ligado a una semana en la vida de una persona. En este el álbum gira en torno al miedo y “phobias” ¿Cuéntanos la trama oculta del álbum? Ambos trabajos están un poco relacionados en ese aspecto conceptual puesto que en este segundo trabajo el individuo protagonista de la historia es una persona con una serie de trastornos del miedo, fobias que le han sobrevenido precisamente por la asfixia, la agonía del devenir de la vida diaria. El día a día ha causado estragos ya no solo en su comportamiento, sino en su cerebro impidiendo disfrutar de ciertas necesidades vitales y haciéndole un ser totalmente antisocial del cual seguramente ninguna mente sana esperaría nada razonablemente habitual. Es como una vuelta de tuerca más puesto que es como la consecuencia emocional de lo que expresábamos en el primer trabajo. Partiendo de esta base lo que hemos intentado es que tanto las letras como la música muestren lo que este individuo siente con cada una de las fobias, realmente destructivas, que padece. Pero no solo esto, sino que además intentando que cada uno de los oyentes se intente identificar con ello. La idea es que cada uno de nosotros, a través de la música y las letras, nos metamos en la historia pensando que es lo que nosotros padeceríamos si tuviéramos cada una de las fobias y a partir de ahí valorar la cantidad de emociones y sentimientos expresados, ver sí coinciden con los nuestros o no y darnos cuenta en ese momento del nivel de trastorno que sufre este personaje. Para ello en cada uno de los temas del trabajo se trata un trastorno del miedo. De todas formas son trastornos alejados de la normalidad del ser humano y que visiblemente cualquiera se puede dar cuanta que cada una de ellas por

separado impide llevar una vida mental sana, con lo cual todas juntas hacen un individuo realmente al borde de su autodestrucción. Hablemos del plato fuerte de este “9H0B1A”, las colaboraciones. Para este disco te has rodeado de un buen elenco de guitarristas del metal patrio. Son muchas, pero me gustaría saber porqué elegiste a cada uno de ellos, porqué participan en cada tema… Achokarlos (Exquisite Pus; Symtoms of Lethargy; Acholarlos): Fué el primero con el que contacte y el único que ha participado en dos temas. Su técnica y su manera de componer me ha cautivado desde que lo escuché en “Mind Ladnscapes”, es un guitarrista ultra técnico y además trabajó como yo en su one man project, con lo cual sentí más afinidad si cabe. En este CD demuestra que aunque sea un virtuoso no solamente toca a toda hostia para impresionar, puesto que en uno de los temas nos deleita con una exquisitez melódica muy alejada de la velocidad de ejecución. Exo (Noctem): A Exo lo conocía desde hacia tiempo, antes incluso de que dieran el gran salto a la “fama” con Noctem. He compartido con él alguna gira con noches de cerveza y conversaciones musicales, así que… esa cercanía hizo que la duda no existiera. Es un músico realmente extremo, quizás alejado del death que practica Sad Eyes con lo cual la variedad sabia que iba a engrandecer el resultado. Gorka Laherran (Natural Born Stonehad; Psychofusion; Calocando): Contacté con él a través de Fernando, su compañero en NBS. Yo conocía a Fernando por su banda, pero también por Fakyea zine, el cual también me había apoyado en mis anteriores lanzamientos. Cuando hablé con Fer fue él quién me dijo que su compañero de banda sería una muy buena opción. No estaba equivocado, ni lo mas mínimo. Gorka ha hecho uno de los solos mas extensos y trabajados del CD, variados y dando una dimensión muy muy diferente al tema. Es una de las colaboraciones de las que la prensa mas está hablando. Iván Durán (Hybrid; Cachalotauro): Contacte con él cuando buscaba a un músico diferente, multidisciplinar y capaz de desenvolverse en varios estilos. Hybrid para mi es una banda de culto, sin ataduras y esto me hizo pensar en que su colaboración haría dar una vuelta de tuerca a cualquier tema que tocara. Así fue. Iván no se dedicó a hacer un solo para un tema y se acabó, el hizo arreglos en toda la canción, aportaciones por aquí y por allí, además del solo. Muchas ideas, todas buenas, y grandes momentos de ejecución. JL Montans (Kathaarsys; Rara Vez): Con José pasa un poco lo mismo que con Exo. Lo conozco desde hace muchos años, también antes de que giraran alrededor de toda Europa con Kathaarsys y de la misma manera también he compartido conciertos y alguna noche de conversación metalero-cervecera. Su banda es tan diferente al resto de la escena que su


aportación estaba más que decidida desde el principio. Él comparte solo con Gorka y, como te digo, junto a el han hecho que el principio de su tema sea un deleite instrumental, uno de los mas alabados del CD con unos cuantos minutos de virtuosismo técnico y derroche emotivo. Oscar Comendador (Mind Holocaust; Evil Rise): Oscar es otro de los músicos elegidos por afinidad personal. Cuando yo contacte con él Mind Holocaust era un one man project, aunque ahora es una banda consolidada. Teníamos muchas cosas de las que hablar, tanto musicales como personales y técnicas, por el hecho de tener la misma forma de trabajar, esto llevo a largas charlas sobre todos estos temas. Lógicamente esta afinidad no podía desaprovecharse y le propuse un solo. Tremendo trabajo, largo, directo pero emotivo y un final que aún ahora me pone los pelos de punta. Pol Luengo (Aggression): Aun no había contactado con ninguna banda de Thrash y quería un músico de este estilo para un solo en “9H0B1A” puesto que quería abarcar todos los estilos del metal extremo para que aparecieran en el CD. Además habíamos compartido técnico de sonido en el primer trabajo de cada uno de nosotros y esto nos había proporcionado alguna conversación sobre música al respecto. Pol es muy muy trabajador, no deja nada al azar y le da mil vueltas a todo. Cuando escuché su solo me entro un escalofrío por la medula que aun no he conseguido quitármelo. No es el típico solo de thrash. Tiene toques, pero ha sabido adaptar su estilo a las necesidades del tema haciendo que, entre sus influencias y sus virtudes como músico la conexión entre estilos haya sido total. Ricardo Moreno (Vodevil Vargas; ex-Knell Odyseey; ex-Avulsed): A Ricardo llegué gracias a Dave Rotten. Hablando con Dave sobre las colaboraciones él mismo me habló de Ricardo, de un proyecto que tenían a medias hacia tiempo y de sus aportaciones a Avulsed. Investigué en su andadura y me puse en contacto con él. Ricardo no es solo un músico de Metal y esto aún me hizo dudar menos. Su estilo puede abarcar desde el blues hasta el brutal death y esto ha hecho que su aportación sea también de las más variadas. Tampoco se conformó con una aportación de un solo y añadió ideas por todos lados, arreglos, melodías, armonías… en definitiva, toda su capacidad al servicio de Sad Eyes. Samuel Morales y Sandro Vizcaíno (Helevorn): También viejos conocidos míos con los que he compartido escenario hace ya muchos años atrás y a partir de ahí conversaciones acerca de la escena, además de currar juntos en búsqueda de conciertos y giras las cuales algunas han sido posibles pero desgraciadamente otras no. Ambos músicos practican un estilo diametralmente opuesto a Sad Eyes, pero ahí está lo bueno. Pensé en ellos para que su colaboración se llevara hacia terrenos mas emotivos, mas doomyes, pero curiosamente su aportación no ha sido la más Doom, diría que ha sido la mas

experimental, con ciertas melodías que están fuera de toda razón humana dando al tema unas armonías caóticas que encajan a la perfección con la decadencia mental que sufre el protagonista de la historia. Esta es una de las aportaciones que mas me costó encajar, para ser sincero. Su forma de componer el solo destrozó todas las ideas preconcebidas que yo tenía sobre ellos, quizás esto lo hace más grande, porque me superaron. Esto me pasa por tener ideas preconcebidas. Vrolok D. (Demised; ex–Hole Of Mankind; ex–O Miserum Mane): Con Vrolok hacia muchísimo tiempo que había tenido conversaciones sobre música, composiciones, zines… Tenemos muchas cosas que ver, no solo como músicos, sino como trabajadores dentro de la escena. Él, al igual que yo, ha estado no solo en unas cuantas bandas, y one man project, sino siendo parte activa de otras actividades underground que nos llevaban a encontrarnos en la escena una y otra vez. Fué un de los últimos músicos en colaborar y precisamente por eso comparte canción y su aportación es mas cerrada que la de los demás. Aun así la inyección de adrenalina que le da al principio de la canción en la que aparece es impresionante, haciendo que después de terminar el tema aun tengas el vertiginoso solo en la cabeza. Hagamos lo mismo con los bajistas… David Mendoza (Hardkuannon; Antropomorfia): A él llegue gracias a Oscar Comendador. En una de las innumerables y extensas conversaciones con Oscar y comentándole las ideas que tenia sobre cómo trabajar en Sad Eyes fué quién me dijo que si necesitaba un bajista quizás David podría ayudarme. Él lo conocía y habían trabajado juntos. Yo me eché las manos a la cabeza. David? De Antropomorfia? ¡Joder tío, pero si yo los escuchaba cuando era aun un adolescente! ¡Buah!, contacte con él de inmediato, empezamos a trabajar sobre las líneas de los temas que yo le mandaba y le cohesión fue impresionante. David es un profesional de los pies a la cabeza, trabajador incansable y el músico que mas se ha metido en el proyecto. Se ha tenido que aprender todas las líneas de bajo, que ha mejorado notablemente, cuadrando todas las partes al milímetro. El nivel de contacto con el no ha sido como con el resto de los músicos, ten en cuenta que con el hemos tenido que trabajar un CD completo, con lo cual el contacto ha sido mucho mas grande y hemos encajado a la perfección. Es una gran persona a la que tengo como amigo, porque siempre ha estado ahí, apoyándome, ya no solo a nivel musical, sino con apoyo emocional a nivel personal. Además lo siento parte de Sad Eyes y yo se que el también se siente así. Paco Espada (Johnny Blood; ex-O Miserum Mane): Paco se puso en contacto conmigo cuando se entero de que estaba necesitado de músicos para grabar el bajo en mi segundo trabajo. Yo no lo conocía en persona, pero sí gracias a su trabajo en O Miserum Mane. Sin saberlo habíamos estado en contacto cuando yo trabajaba

en Difteria zine, y esto nos llevó a una serie de conversaciones y colaboraciones que llevaron a que Paco me ayudara con arreglos de bajo en multitud de partes y líneas. Es un bajista multidisciplinar y sus aportaciones me han hecho ver la forma de escuchar el bajo de otra manera. Musicalmente, como mencioné al principio, el disco sigue por ese Death Metal directo con un toque muy técnico que recuerdan a bandas madre como Death, Atheist o Morbid Angel. ¿Cómo está siendo la respuesta en esta ocasión? ¿Qué temas están causando mejor impresión? Efectivamente el Death metal es el hilo conductor de la historia, puesto que está expresada siempre mediante el metal extremo. De todas maneras la música en una obra conceptual siempre pienso que tiene que estar al servicio del concepto del álbum, así que no he dudado en inundar de influencias cada tema para poder expresar cada una de las sensaciones que necesitaba expresar. Siempre dentro del metal extremo, mas detalladamente del death metal, pero flirteando por uno y otro estilo. La respuesta en esta ocasión esta siendo impresionante superando todas mis expectativas. Cuando uno entra en el mercado con un trabajo nuevo, siendo el primero, todo el mundo entra en su trabajo sin prejuicios, mirando a ver que se le ofrece, pero nada mas, escucha, opina y valora. Un segundo trabajo es otra cosa. La gente ya sabe como trabajas, como suenas y tiene unas expectativas creadas acerca del trabajo, con lo cual tenía dudas sobre cuales eran estas expectativas del oyente y como reaccionaria ante la obra. Ha sido increíble. El apoyo de la prensa esta siendo impresionante, todos tenéis buenas palabras hacia mi proyecto y le estáis dando una difusión impresionante. Buenas criticas, buena valoración del trabajo… esto no es mas que un apoyo moral tremendo para poder seguir trabajando en esto. Con la respuesta del público en general hay que tener mas cuidado porque normalmente éste nunca se pone en contacto con el músico para hablar mal de él. Yo no tengo contacto directo con el oyente en los conciertos, que es donde pueden hablarme del trabajo, y solo puedo saber su opinión a través de los mails que me llegan hablándome de él. Lo mas normal en este aspecto es que quien se pone en contacto es para decirte lo que le ha gustado y rara vez lo que no le ha gustado, con lo cual hay que ser cauto con todos estos correos de apoyo que llegan. Eso si, suben la moral muy arriba (risas). ¿El tema que mejor impresión ha causado? Uf, difícil saberlo eh. Al ser conceptual cada tema tiene su aquel, aun mas teniendo en cuenta que en cada tema ha colaborado un músico diferente, de un estilo de metal extremo diferente y que le ha dado un toque al tema que le diferencia aun más del trabajo global. Esto hace que dependiendo del estilo preferido de cada oyente se decanten más hacia temas como "AU70" o temas como "53L3N0", que curiosamente también son algunos de los más nombrados en las críticas.


En esta ocasión no has incluido un tema en la onda de aquel “Saturday” el cual era más festivo… (risas) Si es cierto. Pero bueno, es que... que mas festivo que un Sábado ¿no crees? Por eso era así este tema, jaja. En esta ocasión, en “9H0B1A”, el nivel de trasfondo traumático de cada uno de los temas daba poco empuje como para hacer un tema con enfoque “feliz”, como podía ocurrir en “Saturday”. Mas bien todo lo contrario, mas intimista, depresivo y degradante, aunque no por ello lento o aburrido, puesto que el cerebro de esta persona va de un lado a otro a toda velocidad sin ni tan siquiera controlarlo por el, y esto tenia que trasladarse a la música. En la anterior entrevista hablamos de la posibilidad de llevar el proyecto al directo. Me comentabas que aunque te gustaba la idea no lo veías factible ¿Sigues pensando lo mismo o quizás ahora con todas esas colaboraciones es más fácil involucrar a una “banda fija” para el directo? Exactamente lo mismo (risas). En este segundo trabajo ni tan siquiera he intentado hacer nada para llevar esto a directo puesto que la experiencia negativa que tuve con respecto a esto cuando edite el primer trabajo me ha echado atrás ya para un tiempo, desgraciadamente. Decidí dejar Sad Eyes como un one man project, que es como lo había creado, y dedicar mi esfuerzo en crear, grabar y editar, antes de usar esa energía en intentar llevar el proyecto a los escenarios y que esto acabara agotándome e impidiendo seguir haciendo trabajos. De hecho, ahora mismo, el hecho de haber contado con tantísimos colaboradores lejos de hacerlo mas fácil puede que lo haga mas difícil, mas a nivel emocional que otra cosa. A mi, y creo que a casi todo el mundo, le gustaría ver a Sad Eyes en los escenarios, interpretando “9H0B1A”, pero con cada uno de los colaboradores haciendo su parte, imagínate!!! Esto seria increíble para mi. Desgraciadamente hay que tener los pies en el suelo y aun sabiendo que habría muchos de ellos que lo intentarían, cada uno de ellos vive en un lugar diferente, tiene unas obligaciones y un calendario bastante ocupado ya como para ocuparlo mas aun, así que lo he descartado. Por otra parte es posible que ahora que Sad Eyes ya esta mas consolidado me sea mas fácil encontrar músicos, seguramente unos cuantos salidos de los colaboradores, pero como te digo, he decidido centrar toda mi energía en editar, no en tocar en directo, aun sabiendo lo que me pierdo, que es mucho, porque en ocasiones, sin el contacto directo con el público, esto carece del sentido para el que en realidad se hace el metal. No podía terminar sin preguntarte en qué estado se encuentra Rex Devs… Cuando estábamos a punto de entrar a grabar el tercer trabajo “Nosce Te Ipsum” tres de los componentes de la banda la abandonaron. Esto hizo que los otros cuatro tuviéramos que replantearnos muchas cosas, entre otras la forma en la

que tendríamos que seguir trabajando. Lo mas importante para nosotros era editar un trabajo que ya estaba listo para hacer. Así que entre los cuatro componentes que quedamos nos liamos la manta a la cabeza y grabamos todo. Una vez editado el CD surgió la duda. ¿Buscábamos músicos para seguir con Rex Devs como hasta entonces o hacíamos de Rex Devs un proyecto más de estudio? Sabemos por experiencia lo complicado de encontrar músicos que estén suficientemente comprometidos en nuestra ciudad. Ya nos había pasado en más ocasiones el contar con alguien que a la hora de la verdad nos dejara tirados y otra vez a empezar. Por otra parte, los músicos que abandonaron la banda son además amigos, con lo cual es muy difícil suplantarlos cuando todo esto implica algo emocional además de musical. Todo esto hizo que decidamos hacer de Rex Devs un proyecto de estudio y de momento no hemos dado vuelta atrás. Aun así, la maquina creadora ahora mismo esta parada. No todos los miembros actuales vivimos en la misma cuidada, ni tan siquiera en el mismo país, con lo cual todo va mucho mas lento, aun mas si no nos reunimos para ensayar, con lo cual es que deberemos esperar una buena temporada para un nuevo trabajo de Rex Devs puesto que además el hecho de trabajar de manera conceptual hace que lo primero sea un estudio concienzudo de la temática antes de empezar a hacer nada. Y Santi González ¿En que se encuentra ocupada su mente en estos momentos? Pues ahora mismo mi principal objetivo es trabajar en la promoción de “9H0B1A”. Como te decía es algo que en España estoy haciendo yo, así que estoy ocupando mi tiempo en tratar con la prensa especializada. Es una cosa que me gusta bien porque yo he pertenecido a ella y ahora esta es mi forma de estar en contacto con vosotros, bien porque es la única forma que tengo de estar en contacto con los fans, porque como no doy directos esta es mi manera de conexión. Este trato directo, sin discográficas o promotoras intermediaras me gusta, es mas personal y aunque lleva un trabajo tremendo, también tengo un control total y mas directo. El poco tiempo que esto me deja lo dedico a seguir buscando ideas para un tercer trabajo de Sad Eyes. Lógicamente esto queda muy lejano, pero así se empieza, con las pequeñas cosas, así cuando el trabajo promocional termine ya tendré un poco de orden en mis ideas. además de esto creo que el día a día ya es bastante estresante como para ocupar la mente de cualquiera, así que esto de Sad Eyes mas que ocupar mi mente lo que hace es liberarla, darme una salida a toda la vorágine de la vida diaria. Creo que hemos abarcado todos los temas importantes que giran en torno a la actualidad de Sad Eyes, si ves algo importante o lo que te plazca para enriquecerla tienes vía libre. Por mí

parte agradecer de nuevo tu tiempo y que sigas acordándote de Hijos del Metal para exponer tu trabajo. Muchísimas gracias a ti Raul por todo el apoyo que me has demostrado darme todos estos años con todos los proyectos en los que me he metido, eres grande y eso se nota a la primera. Gracias también a todos tus lectores, en especial a los que hallan llegado hasta aquí leyendo puesto que eso indica que algo de interés tienen en el proyecto. A ellos les invito a que escuchen el CD y se metan de lleno en la historia, sientan lo que siente el protagonista, lo hagan suyo y comparen las emociones musicales con las suyas. Esta es la idea básica y principal de mi trabajo. No dudéis en compartir conmigo estas emociones ya sean semejantes o diferentes. Muchas gracias. Raúl Sújar Pozo


Mallorca Metal Bar (Plaza Gomila)


Todos los Martes a las 20:30h presentado por: Manu Carvajal y Bota.

http://thenoisehour.com/


Pagan Blood surge de la mente inquieta de Julien. Un personaje poco extrovertido que vive ajeno a la opinión de la crítica musical desarrollando su música de manera introspectiva. Os dejamos con sus palabras donde nos cuenta algo más sobre su universo musical. Lo primero que me capto la atención de Pagan Blood fue el descubrir que todos los elementos que componen la banda son fruto de una sola persona, pero la sensación es que hay detrás una banda al completo. ¿Cuándo nace la necesidad de crear Pagan Blood? He tocado y compuesto mucho Pagan Tradicional, vikingrock y otras cosas... entre 2002 y 2007, bastante alejadas de la escena Black metalera. Pero estaba buscando el espíritu de hacerlo por ti mismo y la agresividad del underground que he conocido desde los 90´s. No lo he encontrado en la escena actual de metal extremo así que decidí regrabar diferentes temas de un proyecto muy antiguo llamado Drachenfels, en memoria del pasado. Durante esta sesión de grabación compuse las primeras canciones de Pagan Blood.... Mezclando diferentes temáticas e influencias musicales que me gustan. Un estado mental totalmente independiente, con libertad total, pero no imaginé que terminaría grabando un álbum... Actualmente también compaginas las labores de “one-man-project” en Drachenfels ¿Qué diferencias sientes al componer para cada proyecto? Sobre Drachenfels, fue un proyecto secundario cuando estaba tocando en Heathen Dawn. La mayor parte de las canciones son de ese período. Solo eran canciones de demo antiguas regrabadas con mejor sonido (realmente no). Así que no estoy componiendo nuevas canciones, Drachenfels es simplemente una especie de recopilatorio, un recuerdo del underground y de un pasado no muerto. De sonido y estilo crudos y oscuros... Pagan Blood es más personal, con historia y mitología. Exploro todo tipo de temáticas, pero siempre dentro del mismo tipo de inspiración musical. No quiero crear, ni tampoco traer nada nuevo a la escena underground, solamente quiero mantener este tipo de estructura con partes melódicas de las guitarras. Anteriormente ya habías formado en solitario Hoarfen ¿Por qué siempre has sentido la necesidad de ir por libre?

Aprovecho esta entrevista para aclarar ciertos puntos. Hoarfen fue una banda real con tres o cuatro componentes, yo solo era el guitarrista. Compuse varias canciones en la segunda demo. Entonces estaba interesado en evolucionar a través de otro universo que se correspondiese con mis aspiraciones, así que abandoné Hoarfen para crear Heathen Dawn, al principio yo solo. Compuse todas las canciones de Heathen Dawn y entonces otros músicos se unieron; pero después de un EP prometedor, el grupo se separó con muchos y diversos problemas... Pero si, tienes razón, siempre siento la necesidad de crear y trabajar solo. Me gusta la independencia, la facultad de hacer lo que quieras, cuando quiera, sin límites, sin dificultades al hacer planes o algún problema de ese tipo.... Tu única banda con otros integrantes -que yo conozca- ha sido Heathen Dawn ¿Descartas la posibilidad momentáneamente de volver a formar parte de una banda? No es imposible. Si conociese una buena banda con miembros productivos y creativos, quizás me uniría a ellos encantado. Pero tengo que decir que mis pasadas experiencias no fueron muy interesantes. Hay muchos problemas estando en una banda. El hacer planes, el tener un sitio en el que tocar, encontrar músicos con un nivel técnico correcto y un espíritu verdaderamente underground... es más fácil trabajar solo en casa. Me encanta trabajar solo, seguir mis propias ideas, crear tomándome mi tiempo y sin límites... me gusta ser libre. Una vez conocido tus inquietudes y tus necesidades para viajar solo… hablemos de Pagan Blood. Editas una demo, “Bellum Gallicum” (’08), y rápidamente tu álbum debut ¿Qué resultados dieron estos primeros trabajos? Bueno, “Bellun Gallicum” fue una gran demo que se lanzó a través de Rune Records. El resultado ha sido la llamaba de diferentes sellos para lanzar el primer álbum, así que ha sido perfecto. Trabajé


con Ewiges Eis Records para el lanzamiento de “The Last Empire”. Fue una buena experiencia. Ahora “Le Crespucule Du Soir Productions” han lanzado mi último disco “Lord of Seas”, es un buen sello y una buena colaboración, estoy orgullo del producto final. Con respecto al resto de resultados (ventas, críticas, promoción...) no me importa, siempre lanzaré mis trabajos con sello, o no. Toco y grabo para mí. Has tardado unos años en editar este trabajo ¿Has querido tomarte un tiempo o surgió alguna complicación? Si, ciertamente, como sabes me gusta tomarme mi tiempo pero esa no es la única razón. Soy muy activo musicalmente, pero también lo soy en muchos otros dominios. Y como compongo/escribo/toco solo, se tarda más tiempo en crear y finalizar un larga duración. Afortunadamente los chicos de Eastland Studio me ayudan (gracias, en particular, a David F.) en las sesiones de grabación. No tuve complicaciones, pero la primera mezcla de “Lord of Seas” no tenía demasiada fuerza para mi, así que lo regrabé de nuevo para obtener un mejor resultado. Entonces contacté muchos sellos para lanzar el disco. Elegí una y luego me cambié a Le Crépuscule du Soir Production. Así que esto llevó mucho tiempo y yo estaba realmente ocupado. Teniendo en cuenta que realizas todo el trabajo en solitario cuéntanos que es lo que mas difícil te resulta a la hora de componer y como es el proceso creativo para una canción. No he tenido dificultades técnicas, el trabajo sale de forma natural. Me inspiro para las melodías a raíz de diferentes eventos o historias. Transcribo la música de mi mente. Toco durante horas, grabo algunas canciones y luego selecciono mis favoritas. A veces algunas letras que escribo, me inspiran canciones, pero la mayor parte del tiempo compongo primero la música. Hablemos de la parte musical del álbum. Me ha gustado la sensación que da de banda al completo, la atmósfera fría y esa voz “cavernícola”. Supongo que bandas como Celtic Frost, Bathory o Venom son influencias personales ¿Qué bandas son fuente de inspiración para ti? Exacto, Celtic Frost, Bathory... por supuesto soy un gran fan de los álbumes de los 90´s de Dissection, por ejemplo. Y finalmente, heavy metal tradicional, o música celta tradicional, entre muchos otros... Escucho mucha música, compro un montón de CD´s. Pero no estoy realmente inspirado por una banda en particular, más bien por la estructura del metal clásico y sus melodías. Dentro de la frialdad que envuelve a las canciones, los riffs cortantes, hay mucha melodía en las guitarras ¿Es un elemento importante en la composición de Pagan Blood? Si, los riffs y melodías de guitarra dirigen las composiciones. Soy guitarrista, así que

lo primero que pienso al componer es en la guitarra. En Pagan Blood y en todo el metal extremo, intento contener y limitar las partes de la guitarra rítmica, así que no hay solos. Pero es diferente en mis otros proyectos. Valhalla, Nordic fury, guardians… las letras están basadas en la épica y la mitología pero ¿Tienen algún trasfondo? Por supuesto que sí, pero cada uno lo interpretará de forma personal de acuerdo con su visión y su cultura. Corrígeme si me equivoco pero creo que Pagan Blood nunca ha sido llevado a directo ¿Es así? ¿Alguna vez has pensado en juntar algunos músicos para un directo? Eso es, y no estoy interesado en hacerlo de momento, pero si hay músicos underground de verdad en los Alpes franceses que están leyendo esta entrevista y están interesados en tocar las canciones de Heathen Dawn y Pagan Blood en directo, que me contacten... Cuesta encontrar información de Pagan Blood en la red. En estos tiempos donde las tecnologías, redes sociales y en definitiva internet son de vital importancia para la promoción ¿Por qué no trabajas con ellas? (ndr. a excepción de MySpace) Solo tengo un MySpace para contactar las bandas y los sellos que me gustan, no malgasto mi tiempo con Internet (Facebook, etc.) Prefiero revistas, zines en papel, etc. De hecho, no hago promoción, por eso no hago muchas entrevistas, etc. Solo apoyo al sello que lance mi material, lo cual es, para mí, una relación correcta. Pero personalmente no estoy interesado en comunicación, promoción, etc. Y finalmente, para hablar sobre mi... no quiero ser famoso, solo quiero tocar metal undergound... Formaste Drachenfels al mismo tiempo que Pagan Blood pero después de la demo has editado dos trabajos con Pagan Blood y nada con Drachenfels ¿Tienes olvidado el proyecto? Como ya te comentaba, Drachenfels es una especie de recopilatorio de canciones antiguas, no es un proyecto activo, solo un recuerdo del pasado. Actualmente mi único proyecto activo en el metal underground es Pagan Blood, pero estoy trabajando en algo que saldrá muy pronto... ¿En que se encuentra trabajando la mente de Julian en estos momentos? Estoy trabajando en más canciones para Pagan Blood y he grabado más para otro proyecto. Llegamos al final dejándote espacio por si quieres añadir algo más. Gracias a ti -Hijos del Metal Magazine- por la entrevista, gracias a Joel y apoyad Le Crépuscule du Soir Productions y Oceanstrom Records. Entrevista: Raúl Sújar Pozo Traducción: Irene López


La última vez que hablamos fue para presentar a la banda y su primer Ep. Aquello fue por el cuarto número del magazine y ahora ha pasado mucho tiempo y varias cosas en el seno de la banda. Comencemos por los cambios. Han sido varios los miembros que han sido sustituidos desde entonces. Habladnos de todos esos cambios hasta dar con la formación actual. Cualquier músico que se encuentre en una banda te dirá lo difícil que es la convivencia de cuatro o cinco personas con sus ideas propias y su vida individual, con todo lo que esto conlleva. La situación de cualquiera puede cambiar en un momento determinado y tener otras prioridades que hagan que su dedicación a la banda disminuya. Este ha sido, la mayoría de las veces, el desencadenante de las bajas que ha sufrido Suru en su existencia. Esta banda se caracteriza internamente por una gran implicación y si alguien en un largo periodo de tiempo no se encuentra al nivel de los demás y no se ve un cambio en el futuro, pues la única solución es buscar un sustituto que se encuentre, al menos, al nivel de los demás. El último cambio ha sido el puesto de la batería. Un cambio difícil puesto que era el primer batería oficial que tuvo la banda. Como miembros originales quedamos Rubén (guitarra) y yo (voz), que fuimos los creadores de Suru. Otro de los cambios significativos es que ahora la banda se encuentra auspiciada por un sello, Suspiria Records ¿Cómo surge el contacto con ellos? Buscábamos un respaldo para la salida de nuestro primer disco y la respuesta era un sello que nos sirviera de base de lanzamiento. Podría haber sido un disco auto producido y prácticamente lo es. En estos tiempos no existen los sellos que te paguen la grabación y soporten la publicidad del disco completamente. Ahora mismo te dan otros servicios que también los hacen atractivos y necesarios. Es ese momento de búsqueda apareció Suspiria Records y contactamos con ellos para saber sus condiciones. Nos parecieron correctas y firmamos con ellos. Una de las cosas más atractivas del sello fue la línea musical que llevaban. Tenían un par de bandas, en ese momento, de Death melódico y nos sentimos identificados.

Con Suspiria editáis vuestro primer trabajo pero me gustaría que me hablarais de los meses previos ¿Cómo fueron los meses de composición y grabación? La composición de los temas se desarrolló en un largo periodo de tiempo desde que empezamos con la banda, a finales de 2008, hasta 2011 que comenzamos la grabación del disco. Esto nos dio la posibilidad de ir puliéndolos, tanto en el local de ensayo como en directo, para llegar al punto en que estaban listos para grabarlos. Siempre sale algún arreglo nuevo en el último momento y es muy importante que alguien de fuera de la banda aporte alguna idea. En nuestro caso Raúl Casarrubios, que fue la persona que nos grabó, propuso cosas muy interesantes que valoramos e incluimos en el disco. El último tema que compusimos fue “In life and death”, una extraña mezcla de estilos que resultó bastante curiosa. En el álbum colabora Tuomas Saukkonen, conocido sobre todo por Before the Dawn ¿Cómo conseguís esta colaboración? ¿Le disteis el tema que queríais para que colaborara o le dejasteis elegir? Desde que conocí la música de Before the Dawn, me convertí en un admirador de Tuomas Saukkonen. Es una persona muy creativa y que vive solo para la música. Desde hace muchos años solemos hablar e incluso nos hemos conocido personalmente. Para nuestro primer disco tenía muy claro que quería que Tuomas colaborase, ya que es una de las mayores influencias de Suru. Y por suerte así ha sido. Le propuse dos o tres canciones que pensé que más podrían pegarle y él fue el que eligió “In your face”. Todo un acierto por otra parte. Habéis realizado una gira de presentación que os ha llevado a varias ciudades españolas ¿Cómo ha sido la respuesta? ¿Habéis notado alguna ciudad donde la banda tenga más fans? Todos sabemos cómo está la escena con respecto a la afluencia de público a los conciertos de bandas underground. Es un tema que debería empezar a preocuparnos. Nosotros hemos tenido de todo en estos conciertos que nos han


llevado de un punto a otro de la península. Sabes que cuando sales de tu zona corres un riesgo muy grande de que sea un fiasco, pero en términos generales nos sentimos muy contentos con todos los conciertos, cada uno especial en sí mismo. En Madrid nunca vi tantas camisetas de Suru, pero por ejemplo Vigo, tan lejos de nuestro hogar, fue un concierto muy intenso con la mayor afluencia, si no me equivoco en las cifras. En el otro extremo se encuentra Sevilla donde menos gente vino pero fue, particularmente, el mejor concierto que hemos dado. Por eso te digo que todas las fechas fueron especiales y de las que salimos muy contentos e hicimos nuevos fans en cada lugar. A estas alturas, después de esos conciertos que hemos mencionado, ya os podréis hacer una idea de aquellas canciones que han cuajado mejor entre los fans ¿Cuáles son esos temas que se convertirán en clásicos de la banda? Tanto en los conciertos como en las críticas que nos han hecho del disco se ve una gran variedad de opiniones sobre cuál es la canción favorita de cada persona. Podemos decir que todos los temas han tenido su protagonismo en algún momento, pero si tuviera que hacer un ranking entre las primeras estaría “In your face”, que es la más cañera y donde el público lo da todo; o “Sacrifice in vain”, que es un tema muy oscuro y donde ves a la gente expectante hasta que termina la canción y escuchas el mayor aplauso de la noche. “Lost illusion” o “The emptiness” pienso que van a estar ahí siempre. Dentro de esa gira de presentación habéis realizado algunos acústicos como el que ya salió reseñado en nuestras paginas en el Fnac de Madrid. ¿Cómo surgió la idea de realizar conciertos en este formato? Nuestra música puede considerarse extrema en algunos momentos pero lo que la define es la melodía. Por este motivo nuestras canciones son adaptables a un formato acústico. Aparte de ser un formato en el que nos sentimos a gusto, también es una manera de reivindicar el valor de la música metal que está bastante denostada por las personas que no son consumidores de ella. Detrás de los “gritos” y “el ruido” hay buenos músicos que saben hacer cosas muy buenas. Para este año teníamos pensado hacer varios acústicos pero han salido conciertos en eléctrico y, como es nuestro estado natural, los vamos a hacer en su lugar. Solo hemos vuelto a Fnac y posiblemente no sea el último en este año en estas tiendas. Tenéis pensado algún día llevar este formato más allá (Edición de un ep, directo...) Personalmente yo lo he pensado pero no es algo que hayamos hablado seriamente en el local de ensayo. Me gustaría grabarlo y adjuntarlo a un Lp o algo así. Ponerlo a la venta no porque no lo veo como material de Suru, sino como una curiosidad.

Volviendo con vuestra discográfica hay que mencionar el tributo realizado a Dark Tranquility donde participáis con el tema “Therein”. Teniendo en cuenta que compartisteis escenario con ellos y ahora participáis en este tributo ¿Habéis tenido algún contacto con ellos? ¿Sabéis si han escuchado vuestra versión? No. Todo el contacto con la banda o su discográfica lo ha llevado nuestro sello y han sido bastante cautos en comentarnos nada sobre ello. Sería una gran oportunidad para establecer un contacto con vistas a un futuro pero no hay nada con Dark Tranquillity. Ya ha pasado un tiempo desde que editasteis el álbum ¿Estáis trabajando ya en nuevo material? ¿Qué diferencia podremos ver entre el material actual y el que está por llegar? Llevamos bastante tiempo con material nuevo, que incluso hemos incluido en la última gira que hicimos. El tema se llama “Khaos in mind” y es con la que hemos cerrado todos los conciertos. Es una canción con mil partes diferentes, unas más progresivas, otras más machaconas, otras más rockeras… Hemos tenido que parar la composición para los conciertos pero ahora mismo tenemos unos siete temas terminados y seguimos en ello. La mayor diferencia con el primer disco es la inclusión de más y mejores melodías, canciones mucho más trabajadas y con una idea clara desde el principio. Hay una sorpresilla en uno de los temas que no está cantado ni en inglés ni en castellano, íntegramente. Hemos colgado parte de adelanto de una canción: https://soundcloud.com/suru-brutalgoth/suru-enemy-of-minepreview De momento no habéis publicado ningún videoclip; imagino que ya para este álbum no sacareis ninguno para apoyar el lanzamiento pero ¿Tenéis en mente hacerlo para el próximo trabajo? Lo hemos tenido en mente desde que empezamos con la grabación del disco pero por unas cosas u otras no hemos podido hacerlo. Para el próximo, la grabación de un videoclip será una de las prioridades desde el principio. Creo que hemos abarcado todos los temas importantes que rodean la banda así que como siempre llegamos a la despedida dejando vía libre para que comentéis cualquier cosa que se haya quedado en el tintero. Me gustaría que se abriera un poco más la mente a sonidos nuevos, los de siempre ahí quedarán y seguirán por mucho tiempo y no van a desaparecer por aceptar nueva música. Solo darte las gracias por darnos esta oportunidad y que ¡sigamos muchos años juntos! Raúl Sújar Pozo


En el 2007 comenzaron a dar guerra en su Bilbao natal y por fín tras algunos cambios de formación, conciertos y una demo, han dado el salto con un cualitativo álbum debut llamado "11". Su vocalista Ángel Santamaría nos hace un repaso a la historia del grupo. Os formáis hace ya unos años, así que para entrar en materia contadnos como se forma la banda y los cambios que hay hasta la formación actual. Dabelyu como banda nació en noviembre del 2007, en verano del 2009 sacamos una demo de cuatro temas llamada “Efímero”. Después hubo varios cambios de formación y tras dos años componiendo los temas del nuevo cd “11” decidimos meternos a estudio. Han sido estos dos últimos años muy intensos pasando por el estudio, búsqueda de manager y discográfica, y para guinda de todo ello un cambio de formación en la banda, ya que justo al entrar a estudio nos quedamos sin batería y bajista, posteriormente se unieron Koldo López (bajista) y Dani Zurimendi (baterista) completando la actual formación, siendo los guitarristas Joseba Amaro y Gorka Hdez. Garagarza y yo a las voces. Como has dicho, primero editáis una demo llamada “Efímero”. Para quien no haya escuchado aquella demo ¿Qué sonido, diferencias hay con los Dabelyu actuales? Muchas. Fue editada en el verano del 2009, creo recordar que se hicieron 500 copias y ciertamente tiene poco que ver, ya que son otros los músicos que estaban en esa época de la banda, era un rock que quería acercarse al metal, nada que ver con lo que ahora hacemos. Suele ser normal en algunas bandas rescatar algún tema de la demo, Ep anterior a su álbum debut ¿Por qué no ha sido el caso? ¿Son temas que ya tenéis olvidados incluso para directos?

Así es, como ya te he comentado no tiene nada que ver con lo que hacemos actualmente, se ha hablado de retomar algún tema y adecuarlo a esta nueva etapa pero desestimamos la idea. Finalmente dais forma a este álbum debut llamado “11”. En un primer momento viendo “los dos palitos” y siendo el segundo trabajo parecía el número dos en romano pero sin embargo era “once” ¿Por qué este título? ¿Tiene algo que ver los cortes del álbum? Se llama así por ser 11 temas grabados a lo largo del 2011, también son 11 historias diferentes, donde “11” es el único tema no oscuro… fue el último en grabarse y en contraposición de todo habla de superar todo problema y seguir adelante. Musicalmente todas las canciones forman un bloque compacto, con un sonido común pero a la vez heterogéneo. Es decir tenéis un sonido muy marcado englobado en el Groove pero a la vez viráis musicalmente los temas hacia el death, el heavy o el thrash más actual. Contadnos las musas que rodean el local de ensayo de Dabelyu. La verdad que eso de las etiquetas no lo llevamos muy bien que digamos... mejor decir que hacemos un metal moderno o actual, obviamente se ven las influencias en las composiciones pero tratamos de tocar todos los palos sin encasillarnos en un estilo para darle aun mayor variedad. Teniendo en cuenta que pasan cinco años entre el Ep y este álbum ¿Cuánto tiempo tienen las nuevas composiciones? Son todas creadas a lo largo del 2010 y 2011, y el tema que da nombre al cd se hizo en el propio estudio. ¿Tenéis alguna anécdota buena durante el proceso de composición o grabación? Anécdotas mil y una. Fueron casi cinco meses metidos a horas intempestivas en el estudio de grabación, yo igual me quedaría con el día que Alex (productor) me dio a probar un micro nuevo que había traído al estudio y grabé en una sola toma “Ironías” con la consiguiente sorpresa de todos, incluido yo, y decidimos regrabar todo el CD con ese micro cuando ya solo quedaban dos temas para acabar la grabación. Creo que el careto que puse fue

de: “anda no me jodas”, pero al final mereció la pena volverlo a grabar. Aprendimos mucho en ese tiempo metidos en el estudio. Menciono en la review el estribillo enganchoso de “Martir…?”, la explosiva “Por triplicado”, la mezcla de agresividad y melodía en “Como cristal”, la incesante “Ironías”… ¿Qué temas están funcionando mejor en directo, entre los fans y medios? Justamente las que has mencionado y añadiría “Cara Sin Cruz” y “11”, ayuda mucho el video de “11” para que la gente cante el tema. En vuestros inicios, lógicamente, vuestros conciertos se basaban en recorreros País Vasco y alrededores, pero el pasado año ya habéis comenzado a salir por las cercanías… ¿Cómo está yendo la gira? Bueno... gira... (risas), la verdad es que esperemos que para el próximo cd salgamos mas de Euskadi. Personalmente me quedo con la acogida que hemos tenido las tres veces que hemos estado en Madrid, pero ya te digo que esperamos salir más para dar a conocer nuestra música. ¿Estáis planeando con vuestro booking abarcar más territorio nacional o esta complicado de momento? De momento vamos a hacer pocas fechas este año ya que queremos darle una buena continuación a “11”. De momento hemos ido a Guadalajara (Ola Kease Fest I) y tocamos con Evil Impulse en Vitoria. ¿Sabéis hasta que zona geográfica ha llegado el álbum? Sabemos de ciertos países europeos y sobre todo de Sudamérica y también de dónde se ha ido viendo el video. (ndr. Estaría bien saber cuales son...) Para ir finalizando, contadnos en que anda ocupada la mente de los integrantes de Dabelyu. Pues intentando sacar nuevos temas y versiones para futuros directos, el objetivo de este año va a ser preparar material nuevo para el próximo cd. Llegamos al final para que os dirijáis a los lectores y añadáis cualquier cosa que se haya quedado en el tintero. Agradeceros este apoyo tan necesario para cualquier banda amateur y seguir adelante con estas entrevistas a todo grupo nacional. ¡Un saludo! Raúl Sújar Pozo


Innece - Caminando hacia la muerte (The Fish Factory '13) Si los alicantinos querían colocarse la etiqueta de difícil con su debut, creo que lo han conseguido. Este trabajo se podría definir como un disco de metal a grandes rasgos pero con un sonido muy abierto ya que a veces se orienta más al hard rock y otras a riffs mas metaleros siempre impregnado con un toque oscuro y una voz que juega entre melodía y “agresividad”. Precisamente la voz de Lola Tovar juega un papel principal en la banda porque te descoloca en gran parte. Utiliza un registro que parecería encajar mejor en una banda de rock o metal alternativo. Cuando parece que no te está encajando su voz con la música de “Sin Salida” aparece el corte “Tu” y te indica lo contrario. Si en estos parecen orientarse al metal oscuro de repente “Lárgale” te pone ese toque hardrockero donde incluso en su final parece un guiño a Barón Rojo. “Mi vicio” es de los más redondos. Enérgico, directo y con el punto ideal en la voz que suena con fuerza e irreverencia. Luego llega “2013” y te vuelve a descolocar con ese toque más alternativocomercial, aunque es de recibo decir que la banda instrumentalmente siempre presenta en todos los cortes muchos detalles y una perfecta ejecución. Excelentes riffs en “Remordimientos” pesados y oscuros en su comienzo que luego cobran luz en su progresión, otro de los mejores. “Tu nombre será mi tumba” empieza con unas guitarras limpias y una voz muy dulce que curiosamente esta vez si me convence, además el tema desarrolla cambios de ritmo que amenizan la escucha. Destacan también la instrumental “Caminando hacia la muerte”; la fresca y animada “Amanecer”; las cañeras “Revolución” y “Sin complejo”. Remata el disco la versión de “Vampira” de Devin Townsend bastante fiel pero con el sonido Innece que ha quedado muy curiosa. En definitiva un buen trabajo, el cual quizás no te entren todos los detalles a la primera y un pelín largo pero efectivo y aportando una visión nueva dentro de la escena. Raúl Sújar Pozo

Nailgun - New World Chaos (Auto Editado '12) La banda alemana se formó en el 2008 y esperó tres años para su debut “Paindustry” pero no tardó en ofrecer su continuación -al año siguiente- con este “New World Chaos”. Ofrecen algo que se podría definir como dark heavy metal con variaciones hacia lo progresivo. Es como si la banda mezclase la melancolía y atmósferas de Paradise Lost con la fuerza y potencia de Nevermore por citar dos referencias claras. La banda cuenta con dos vocalistas Manuel Blesch y Manuel Bühler que da polivalencia y es gracias a ellos que el disco mantiene una variedad que hace que no decaigan en la monotonía. Y es que la banda pese a tener varios matices ese sonido tan apagado hace que se vuelva su escucha un poco lánguida. La guitarra es otro punto fuerte, con sus constantes arreglos para dar vida a los temas. “Abyss of Shadows” muestra muchas cartas de la banda, con transiciones lentas a momentos más épicos, una voz profunda y una constante melodía que en ocasiones se vuelve protagonista y en otras es secundaria respecto a la sección rítmica. Lo mismo sucede en la más enérgica “Deep Shades” donde se sigue viendo esas dos caras del grupo, la potencia y melodía por un lado y la oscuridad y profundidad por otro. Hemos hablado de la variedad de registros de los señores Blesch y Bühler y en “The Result” se hacen más que evidentes llegando a tonos rasgados que recuerdan en ocasiones a James Hetfield. Faltan más temas como “Change of Season” una especie de power/tharsh técnico mucho más directo y animado que el resto sin desentonar entre ellos. “Time is running out” muestra también un lado más moderno. Este “New World Chaos” es un disco muy difícil de digerir. Está lleno de matices, pero esa aura oscura que lo envuelve hace que vayas introduciéndote lentamente. Te va a costar más de una escucha. Raúl Sújar Pozo

Chema Herrero - Hero (Auto Editado '13) Chema Herrero es un músico balear afincado en Valladolid el cual a lo largo de los años ha ido desarrollando diversos estudios para perfeccionar su técnica con la guitarra y ampliar sus conocimientos sobre la música. Todo ello ha valido para que el compositor dé rienda suelta a un nuevo trabajo conformado por nueve canciones instrumentales y una con voz. Musicalmente es un acierto que se haya acompañado de una base formada por Cesar Díez (Bajo) y Antolín Olea (Batería) porque hace que el álbum tenga un sonido más orgánico y realista que cualquier trabajo grabado en una casa con ayuda de ordenador y demás artilugios. Su música obviamente se ve muy influenciada por los grandes guitar-hero como por ejemplo “Dance of Autumn Tears” que recuerda a Vai. Cierto es que la mayoría del álbum se compone de transiciones lentas y sosegadas y se hace algo tedioso echando en falta esos momentos como el intermedio de “Powerful Sensations” o el alocado “Breath”. “Icaro’s Dreams” comienza con un riff más rabioso para caer en un clímax de calma que nuevamente se levanta con detalles de guitarras y efectos sampleados de base. Un interludio de una guitarra melódica nos conduce hacia una de las partes más heavys y animadas del disco. “Rumours of Akasha” tiene un toque misterioso y seductor; cuenta con la colaboración de José Rubio (Nova Era, Megara, Warcry, Trilogy…), que no es el único ya que Tony Hernando (Saratoga) aparece en “The Only On”. Además Luis Ángel Flores se encarga del teclado en varios de los temas. “Until i Find You” es una balada con bastante sentimiento. Para cerrar nos encontramos con “Dream Catcher”, un medio tiempo que sorprende por ser el único cantado del álbum. Supongo que los más puristas de la guitarra sabrán verle muchos puntos a favor o en contra, yo me dejo seducir por las vibraciones y sensaciones producidas y estas han sido un tanto dispar en depende el momento. Raúl Sújar Pozo


Corpore - City of Infinity (Auto Editado '13) Si eres de los que se quejan de la falta de ideas y creatividad en el panorama actual sin duda Corpore son tu banda. El quinteto maño ha editado su cuarto trabajo en forma de álbum debut, aunque previamente fue editado hace un año con otra portada. Ahora la banda presenta una imagen muy trabajada pese a que la portada -por muy llamativa que sea- no es de lo mejor. Musicalmente encontramos a una banda que ha sabido compactar en diez temas -con sonido compacto y definido- múltiples influencias. Desde un primer momento que suenan a un heavy más tradicional hasta ir metiendo riffs y estructuras que atacan el death, thrash, Groove mezclado con una ingeniosa y diferenciadora base de samples que incluso llega a rozar la música electrónica con buen gusto junto a unas afiladas guitarras. No sorprende el uso de dos idiomas dentro de una misma banda, pero si es digno de alabar la forma en la que Corpore lo hace, pasando del castellano al inglés dentro del mismo tema de manera natural y casi sin que te des cuenta. Para todo esto basta escuchar “Another Eternity”, pero una vez que lo hagas el resto de temas caerán igual de digestivos y cada cual te sorprenderá de diferentes maneras. Killswitch Engage, Trivium, Bullet for My Valentine por el lado internacional y Sôber, Skizoo y Hamlet por el nacional, a lo que poco puedo añadir salvo que esa explosiva coctelera les da un sonido único que algún día con suerte en futuras reviews la gente dirá suena a Corpore. Raúl Sújar Pozo

Falsos Profetas - La cuarta profecía (Auto Editado '13) Es curioso ver que en una banda de 25 años es ahora cuando se edita su segundo trabajo, algo que puede verse como múltiples lecturas pero que sin duda pienso que no es otro que el reflejo de lo costoso que es luchar en el underground para sobre salir adelante compaginando la vida de una banda con las tareas cotidianas y necesarias para subsistir. En todo caso, primero decir que tienen mi respeto ganado por la perseverancia y no tirar la toalla. Ahora bien entremos en el trabajo en cuestión. Hay que decir que evidentemente tiene aspectos muy mejorables como es una producción menos apagada, aunque tratando temas “satánicos” quizás ha sido algo expresamente buscado, y quizás composiciones algo más directas. No es que sea un álbum difícil de asimilar pero si esconde detalles a su primera escucha pero que se va resolviendo. Destacaría la labor de la guitarra solista donde se ve un buen trabajo; la base rítmica encaja perfectamente con la música es dura para apoyar esa base thrash del grupo pero quizás el sonido de la batería sea poco conseguido. Musicalmente tienen guiños a bandas míticas como Metallica, Iron Maiden, Ozzy… mezclado con la ruda voz de Pepe, una voz peculiar que cuesta acostumbrarse pero que sin duda acabas imitando. “Revolución” recuerda a una banda thrash versionando a Barricada. Destacan también “Cuarta Profecía” donde mezclan partes rápidas con riffs pesados y lo adornan con intermedio cristalino. La mala ostia de “El saborío” que me recuerda en sus partes más agresivas a una banda como Dominium pero el estribillo les ha quedado a lo rock urbano. Debo decir que no me ha seducido su versión de “Mr. Crowley” de Ozzy pero el disco merece la pena ser escuchado para los amantes del under. Raúl Sújar Pozo

Deep Purple - No What (earMusic '13) Deep Purple es de esas bandas que ya poco o nada tienen que demostrar a la comunidad rockera salvo el de demostrar que siguen en esto por meritos propios y no por vivir de las rentas. Con este nuevo trabajo han demostrado todo eso y más. Se lo toman con calma y editan el disco cuando él viene oportuno -tercero en diez años- y encima lo hacen con temas que reviven el espíritu que los hizo grandes, siendo quizás el mejor trabajo de los últimos años y a la altura –si no fuera por la perpetuidad que da los años a los clásicos- uno de los mejores discos de los purpura. Comienzan con un tema lento, “A Simple song”, que puede presagiar un álbum repleto de medios tiempos en parte para que Gillan se sienta mejor. Pero “Weirdistan” y “Out of Hand” demuestra que no va a ser la tónica y además que Gillan es un vocalista en un buen momento de forma que pese a no hacer locuras de intentar llegar donde lo hacía 30 años atrás sabe aprovechar todos los recursos de su voz. Siempre hay que destacar la labor de Morse y Airey. El guitarrista lleva luchando años por ser el relevo de Blackmore y eso es imposible nadie puede ser Blackmore, pero Morse es mucho Morse y cada nota que destilan sus dedos a través de las cuerdas del mástil poseen el feeling y la efectividad necesaria para que la guitarra se incorpore al sonido Purple su genialidad protagonista por ejemplo en “Uncommon Man”. Sonido que por otro lado siempre ha sido identificativo del malogrado Jon Lord –reciénteme fallecido- y ahí entra la tarea de Don Airey, pese a que lleva mucho tiempo en la banda tener una personalidad propia sin salirse del sonido Purple es misión imposible. Pero en este álbum creo que se puede ver la genialidad de Airey y ver como en temas como “Blood from Stone” aporta ambas cosas, su personalidad y el sonido de los británicos. En cuanto a la base Paice-Glover ¿Que decir? Sigue siendo tan efectiva como siempre y en temas como “Bodyline” lo dejan claro. Desde el intimista y cautivador “All the Time in the World”; el rockero y festivo “Hell to Pay” con una parte intermedia 100% Purple; el sonido más renovado de la banda en “Above and beyond”, o la misteriosa –dedicada al rey del horror- “Vicent Price”. Un álbum redondo que no viene a desbancar a “Machine Head”, “In Rock”, “Burn”, “Perfect Stranger”… sino que complementa cualitativamente una excelente discografía. Raúl Sújar Pozo


Alea Jacta - The Emprire will fall (Auto Editado '12)

Black Hat - Eclipse (Auto Editado '13)

Segundo Ep de la banda oriunda de las Islas Canarias en el cual siguen evolucionando su sonido mezcla del thrash-metal core y al que hay que añadir elementos del death. Las bandas Suicide Silence, Whitechapel o Emmure te pueden dar una idea de por dónde pueden ir los tiros. La producción del disco es algo tosca, nada pulida lo que resta definición o un sonido muy pobre por ejemplo en la caja, pero que han ganado en robustez y fuerza. La banda tiene ideas y va por buen camino desarrollándolas, quizás el exceso de oferta que hay actualmente y sobre todo en metal extremo quizás hace que no destaquen tanto pero no por ello quiere decir que no resulte interesante su propuesta. "The Way” es un buen comienzo; las guitarras afiladas comandando el tema. “Vengeance is mine” ataca con riffs directos y entrecortados; de los más directos y el que mejor sensación me ha dejado. “We are the storm” y “Silence comes” contiene riffs pesados. La primera más agresiva con un destacado solo melódico; y la segunda mezcla de voces guturales y melódicas. “The Empire will fall” es un torbellino con unas guitarras aplastantes y una voz agresiva, otro de los más destacados. “Wake Up” con guitarras limpias para atacar con una combinación de voces contrapuestas entre melodía y fuerza; no me ha llegado a convencer del todo, veo la idea pero como que falta atar las piezas finales. Pese a ello el resultado final del Ep es más que aprobado.

Para estar ante el álbum debut de los madrileños podemos decir nada más comenzar que estamos ante una grata sorpresa. Un álbum bien trabajado, con un sonido depurado (gracias a Jorge Salan y Pepe del Pozo) e instrumentalmente lleno de matices, detalles y en resumen bastante apetecible. Basta ver el inicio de “Dame un motivo” para darse cuenta de que los miembros de la banda no tienen nada que envidiar técnicamente a cualquier banda del mercado. Un tema donde su vocalista Ángel Sánchez me recuerda a Leo pero a diferencia de la escuela creada por el talentoso vocalista Ángel no es un mero calco aportando otros matices. Veo esa influencia de bandas como Saratoga y Stravaganzza pero además otras como los granadinos Azrael como por ejemplo en “Triunfará la verdad”. Todos estos grupos como siempre sirven como referencia al lector pero nunca deben ser tomados como forma despectiva o excluyente de otras sonoridades. Como digo la banda afronta este debut con una madurez compositiva envidiable y eso conlleva a marcar un sonido propio. “En el cielo” vemos al mismo tiempo riffs potentes y un gusto por la melodía; “Eclipse” muestra una vertiente más tétrica. Destacan también el excelente inicio frenético en “Lilith” y la colaboración de la vocalista Carmen “Xina” (Oker) en “Sin City”. No es la única colaboración ya que en la intro del disco -“Origen”- un excomponente como es el talentoso guitarrista Fran Soler deja su huella. Podríamos mencionar todos los temas pero no quiero caer en repeticiones y elogios. Un disco recomendable de principio a fin.

Raúl Sújar Pozo

Raúl Sújar Pozo

Fe de Ratas - El irremediable camino a la violencia (El Subko Producciones '13)

Doble Esfera - Mi universo (Santo Grial Records '13)

A ritmo de violín, acordeón y banjo y ritmo de country comienza el nuevo disco de una banda que se han convertido en un mito del punk de nuestro país. “Ignorante” es un tema divertido y festivo que no esconde un mensaje critico como acostumbra la banda durante sus más de quince años de vida. “Y sigue lloviendo” muestra ya una vertiente más rabiosa, más acelerada y con unas guitarras muy duras y voz más combativa que nunca. “La ratuka y el miedo” es más fiel al sonido de la banda, la que más te puede recordar a sus comienzos de “Tu tranquilo y a lo tuyo” (’99). “Los H.I.J.O.S. y la memoria” presenta tempos más sosegados, también con el sonido de Fe de Ratas muy presente y ritmos entrecortados rozando lo ska.“Tan frágil” mezclan su sonido con instrumentos de metal (trompeta, saxo y trombón) a cargo de amigos que han colaborado en el disco -que no han sido pocos-. La canción que da nombre al disco es una mezcla de punk y puro metal en una combinación que da un resultado interesante. “Cantarín” tiene esa influencia directa de La Polla Records, sarcástica y corrosiva. “Si alguien tiene que morir” destaca por su enganchoso estribillo. Terminan con una balada que más bien es una burla: “Otra asquerosa canción de amor”. Once cortes en la onda de Fe de Ratas, una banda que se ha labrado un camino, un sonido y una personalidad a la que este disco es fiel al 100%.

El debut de la banda murciana muestra un heavy/rock tradicional como base principal aunque bien es cierto que a lo largo de los once cortes que conforman el disco puede observarse diferentes facetas. El disco abre de forma muy directa y rockera con el trío formado por “La esfera”, “El exterminador” y “Mi universo”. La primera un heavyrock de toda la vida; la segunda muestra una parte “progresiva” y quizás la parte en la que la banda muestra sus dotes como músicos enriquezcan instrumentalmente pero a la vez añade unos minutos de más que hacen que el tema sea menos directo con lo que hubiese ganado un plus; la tercera es el single elegido y contiene un ritmo pegadizo con buenos riffs. Con “El ángel del hogar” muestran su lado más progresivo; “Perdido en el tiempo” es una mezcla de esa vena progresiva pero más rockera que la anterior; “Espejismo” tiene un toque más heavy, con riffs más densos y oscuro además de buen estribillo; “Doble o nada” sigue con ese toque más heavy y animado siendo otro de los grandes momentos del disco. “Huracán” y “El resplandor” marca la parte tranquila del álbum, la primera es más un medio tiempo con fuerza y la segunda una power-ballad de corte comercial. La banda cierra con un corte “extraño” como “Dulce perdición” donde desarrollan diferentes estilos como jazz latino o bossa nova mezclado con el rock de la banda. Una manera diferente de redondear un más que aceptable trabajo.

Raúl Sújar Pozo

Raúl Sújar Pozo


Thybreath - Thybreath (Auto Editado '13)

Sonem - Atrapado 2.0 (Ep 2013)

El debut de los madrileños comienza a hacer un poco aguas a medida que lo vamos desempaquetando. Por un lado tiene una portada llamativa -no será de las mejores pero tampoco de las peores-, abrimos y nos encontramos un libreto que cambia la calidad de sus páginas y ensombrece sin color. Después llegamos a lo importante, el disco. Lo ponemos en el reproductor y comenzamos a escuchar una banda que se mueve en el thrash-groove pero cuya producción empaña la labor del quinteto. Después de un pasable “Adrenaline” llega un tema como “Shot!” todo un cañón de tema pero que el sonido no le hace justicia por no decir que quizás le hace falta ajustar un poco la ejecución. Es fácil vislumbrar entre sus influencias bandas como Lamb of God, Soilwork o Machine Head y no se le puede reprender de no tener las ideas más o menos claras. En “Blood in your Eyes” muestran un lado más cristalino y tranquilo junto a voces melódicas para ir compaginando con ritmos más característicos de la banda. En “Thybreath” vemos la cara más thrash tradicional mientras que en “The Master Piece” vemos una vertiente más moderna con el aporte de Rown Houland (Clockwork) en la voz. Temas como “Shadows” y “Crudge” me dan una de cal y otra de arena. Algunas partes me parecen interesantes pero otras me desconectan. No tengo duda que cuando la banda grabe en buenas condiciones dará que hablar, en este trabajo de momento no puedo dejar de reprimir ciertas dudas, le doy un aprobado por ciertas partes prometedoras.

Esta banda gaditana lleva peleándose con el underground mucho tiempo. Desde su creación -en el 2005- la banda ha visto como editaba un Ep y aparecían en un tributo a Helloween y Gamma Ray (“HelloRay”); pero sin embargo ocho años después siguen trabajando en su álbum debut que parece estar cada vez más cerca de ser una realidad. Antes de ello la banda ha ofrecido un nuevo Ep de cuatro canciones llamado “Atrapado 2.0” que es lo que tenemos entre manos. Tenemos tres temas de cosecha propia arraigados en el heavy metal donde bandas como Saratoga y Centinela muestran el camino que siguen con mucha fortuna el cuarteto andaluz. Comienzan con riffs potentes aunque con ritmos comedidos en la que da nombre al Ep. Prosiguen con la instrumental “Los siervos se sienten perdidos”, un tema con un toque oscuro, lento y machacón y que sirve para introducir “Hundiéndose en tu fe” para mí el mejor del Ep- a esos riffs potentes nuevamente se suma un ritmo frenético que lo convierte en un tema veloz donde destaca las melodías de su nuevo guitarrista José Puyana y un colosal Julio a la voz mostrando una amplia variedad de registros. El cuarto tema en discordia es una versión de “Prisionero” de los Ángeles del Infierno llevada al terreno de Sonem. Suena más moderna y fuerte; y pierde ese toque añejo de la banda de los ’80. Por otro lado imitar la voz de Juan Gallardo es imposible por tanto se agradece que Julio no lo intente. Gran aperitivo antes de lo que tiene que ser un gran banquete por parte de Sonem. Raúl Sújar Pozo

Raúl Sújar Pozo

My Only Sin (M.O.S) - Inexorable (Crystal Eyes Records '13)

Cyan Bloodbane - Nuevos Tiempos (Auto Editado '13)

Segundo trabajo de una banda que al menos para un servidor había pasado inadvertida hasta el momento en el que los chicos de Crystal Eyes Records me hicieron llegar el trabajo. Y no será porque entre sus componentes no haya una figura destacable del panorama nacional como es el caso del bajista y guitarrista Juan Jesús García, otrora batería de Júpiter y Goliath. La banda presenta un álbum con muchas medias tintas, todo hay que decirlo, camina entre varias líneas sin ser hard rock, heavy y con un sonido muy ochentero tanto en las composiciones como el sonido global. Esto en ocasiones es bueno pero en esta ocasión me ha dejado un tanto frio como si la banda no hubiese encontrado su sitio todavía. Así no es raro encontrar temas muy setenteros -casi toque “hippie”de “Home Sweet Home” con un temas de puro heavy metal de riffs pesados como es “You Don’t Know who I am”. Sonidos modernos en el comienzo de “Finally Free” que luego coge aires de hard rock melódico pero quizás le sobre algo de minutaje. Mejora mucho la cosa con “Crazy for Road” un tema potente y metalizado. Buenos detalles de la guitarra solista a cargo de Nicolás “Dreny” en “Only Rock and Roll” que es otro de los mejores. El disco en si se disfruta e incluso con las siguientes escuchas se hace más agradable pero es cierto que deja una sensación de vacío, como si no terminara de arrancar. Quizás le sobren minutos al redondo y temas más directos eliminando partes o detalles que no aporten al tema. De todas maneras no te arrepentirás por echar una o más escuchas.

Pese a que llevan una larga trayectoria con dos demos y un álbum previo al que nos ocupa y la edición de un par de recopilatorio/tributos curiosamente los conocí en el tributo a Dio- la banda no ha tenido una repercusión mayor. Quizás el haber surgido cuando la eclosión del heavy/power de finales de los noventa con bandas como Avalanch, Ankhara, Tierra Santa e inclusive coetáneos como Red Wine ya parecía calmarse. Lo que si atestiguan esos años es la veteranía que refleja la banda en este trabajo donde encontramos un álbum del género mencionado con temas directos con típicos detalles y arreglos como el teclado que dotan de un aire épico y grandilocuente en ocasiones, escúchese “Larvas de Esclavitud”. Riffs que conducen el tema de forma concisa apoyados en una base rítmica potente y dejando el peso de la melodías en los trabajados solos, teclados en algunos momentos más destacados –en otros hace un mero colchón de apoyo- y una voz de Santi Andreo, quien ya muchos sabrán de sus cualidades en la formación de Rain, que dota de varios registros bien utilizados en las diferentes partes del disco. Temas directos como “Ejecutor” y “Nuevos tiempos”; el sosegado tiempo del épico “Falsa humanidad”; no falta la balada en “El jardín del edén” que en su comienzo me ha recordado a Juan Gallardo en “Pensando en ti” de sus Ángeles del infierno. Estoy seguro que para los que adoren las bandas y la época mencionada disfrutaran mucho de esta banda.

Raúl Sújar Pozo

Raúl Sújar Pozo


Father Golem - I-O (Auto Editado '13) Tras formarse en el 2009 con el nombre de Bajo Zero la banda comenzó un periplo donde fueron mutando no solo en su nombre al actual sino desde un primer trabajo donde la banda ofrecía un heavy metal, pasando por un segundo álbum de transición hasta esta nueva oferta musical donde el metal progresivo nacional puede estar de enhorabuena. La banda ofrece un producto bien acabado con temas extensos -siete y casi una hora de duracióndonde la banda desarrolla un sinfín de detalles y a lo largo de diferentes pasajes que van intercalando entre partes más heavys, progresivas o cristalinas según requiera el tema. Un buen ejemplo de ello es una de las mejores, “Circle of Light” o “Sole Suvivor”. Mezclan elementos más modernos como en “Last man on Earth”. Incluso experimentan con el saxofón en “Infrared”, algo que solo da ejemplo de las múltiples facetas que ofrece la banda. Su sonido se puede describir como una reunión de múltiples y dispares influencias como Porcupine Tree, Mastodon, Texture y aunque suene a tópico en las bandas de metal progresivo Dream Theater. Que no te engañe el aspecto visual del álbum ya que su interior esconde una música que desprende una luz propia de gente curtida y de calidad. Raúl Sújar Pozo

Gamma Ray - Master of Confussion (earMusic '13) Este extenso Ep sirve como anticipo de lo que está preparando Kai Hansen y sus huestes de cara a su próximo álbum en estudio del cual ya se conoce el título, “Empire of the Undead”. El Ep empieza con dos adelantos de ese disco, precisamente el homónimo al futuro disco es más directo y rápido; demostrando que la magia compositiva del cuarteto teutón no se ha evanescido. El otro tema es el que da nombre a este Ep, de carácter más alegre y festivo como también nos tiene acostumbrado la banda. Dos temas que dejan un buen sabor de boca de cara al próximo estreno sin duda; pero este Ep contiene más material que lo hace más atractivo todavía como son dos versiones: “Death or Glory” de Holocaust y “Lost Angels” de Sweet, ambas bien llevadas al sonido de Gamma Ray pese a que la última parece más fiel a la original. Terminan con seis temas grabados en directo en Bochum de cortes ya conocidos como “Wings of Destiny” o “Gamma Ray” entre otros. Como siempre el material de Gamma Ray no suele defraudar y en este caso no iba a ser al contrario. Buena pieza para los coleccionistas de la banda. Raúl Sújar Pozo

The Seed - Pull the Trigger... and Bite This Bullet (Auto Editado '12) Nuevo trabajo de los madrileños que siguen mostrando su thrash enérgico, directo y moderno desde un comienzo con la potente y cortante “Remember my name” que entra como un puñetazo en la cara dejando unas vibraciones excelentes para lo que se nos avecina. Pese a que la banda se descanta por el thrash-groove donde Pantera, Lamb of God o primeros Mastodon son mencionables vemos que en temas como “War of Hatred” beben mucho también del death-técnico melódico. “Mirror” tiene riffs más pesados, guitarras profundas y una voz gutural muy death; sin duda su ritmo se meterá en tu cabeza. “Pull the Trigger” vuelve a esos patrones más directos que llevan a tempos más acelerados en “Modern Entrertainment”. Mucha atención deberás prestar a “Suffering Pride” para empaparte de todos los detalles que contienen, además muestra unas voces más melódicas en ciertas partes. Es de los temas más diferentes del álbum. “Personal Instict” sirve para reafirmar el excelente trabajo realizado por la banda pero sobre todo hay que hacer hincapié en esa ametralladora llamada Acaymo D., quien ya no se encuentra en la banda. Sin duda el cuarteto se ha trabajado un estupendo disco, con un sonido demoledor y buenas canciones donde no falta ni un ápice de agresividad sin poner en peligro la melodía. Buen trabajo. Raúl Sújar Pozo

The Dry Mouths - And Show us (Aneurisma Records '13) El sonido de The Dry Mouths es muy claramente influenciable por la ornada alternativa-grungepost rock-stoner y lo que queramos añadir de la época de los ’90. Bandas como Stone Temple Pilots, Pearl Jam, Fu Manchu y por supuesto Nirvana descansan a buen seguro en las estanterías de este grupo procedente de Almería. El sonido y la actitud de la banda bien recuerdan a esas bandas que menciono. Vocalmente además Christ muestra una cercanía con el señor Cobain. Entre el sonido surgido de Seattle de temas como “Aid Teken Dogs” o “Song 4444” es inevitable para cualquier fan de este género resistirse al hipnotizador influjo del riff de “RR en RF”, un torbellino de frescura que da la contra a otros temas más intimistas como “Indelible” Me gusta el protagonismo que adquiere el bajo en todas las canciones como por ejemplo “Ray Monk”. La banda también muestra su gusto por lo instrumental y sonidos cristalinos en temas como “Instrumental III” y “A song 4 Canada”. Cierran con la experimental “Dawn The Star” que en sus más de catorce minutos desarrollan un aura fantasmagórica, casi al estilo Drone. Pasado los diez minutos donde la banda ya vuelve a su sonido habitual. Una forma un tanto extraña de cerrar este tercer trabajo que acrecienta el futuro una pometedora banda. Raúl Sújar Pozo


The Resistance - Scars (earMusic '13) Formada por nombres como Jesper Strömblad (ex-guitarrista de In Flames) y Marco Aro (vocalista de The Haunted) no es difícil adivinar por dónde van los tiros de este debut. Death Metal potente con partes muy hardcore-thrash sustentados en una base rítmica que imprime fuerza y velocidad a los temas que son dibujados por unas guitarras afiladas y reforzadas por una voz que destila agresividad. Comienzan abofeteándote la cara con “Clearing the Slate” para desgranar su muro sónico en posteriores temas como “Your Demise”, “To the Death” y “Expand or Expire” donde predomina la velocidad. Frente a ello la banda presenta un tema como “Imperfected” donde los riffs siguen siendo afilados pero donde la banda muestra un lado más sosegado y pesado. “I Bend – You Break” es otro corte demoledor donde la banda me recuerda a un corte de thrashgroove-hardcore. “The Serpent King” es un tema de death sueco potente y con melodía. No son pocas las veces que su música me recuerda a Sepultura pero como ejemplo pondré los ritmos de “Warmonger”. Vuelven a las altas velocidades en “Scars” que vuelve a digerirse como otro golpe directo en nuestros cerebros. Dejan para el final los ritmos entrecortados y pegadizos de “(I Will) Die Alone”. Brutal, directo y demoledor primer trabajo de la banda que a buen seguro nos darán más de una alegría. Raúl Sújar Pozo

Kudai - Harezko Dorreak (Heaven Musik '13) Cuarto trabajo de la banda procedente del País Vasco, más concretamente San Sebastián. Cuatro discos y aun así han sido unos desconocidos para la escena estatal prácticamente hasta hace unos meses donde parece que la banda está teniendo más reconocimiento. La banda practica un heavy cercano al thrash cantado en euskera lo cual hace intuitivamente encaminarlos hacia unos Su Ta Gar; pero tienen también un sonido más moderno lo cual la gente virará hacia Berri Txarrak. Lo cierto es que la banda tiene esos toques en ocasiones muy contadas, pero basta escuchar los riffs iniciales de “Harezko Dorreak” e incluso un anterior “Ezin Ahaztu” para ver cierta influencia de bandas como Fear Factory. “Diru-Gosea” es un tema para mentes abiertas; pasa de unos riffs iniciales muy groove a medio tiempo a unos coros “reverberados” para después desatar con furia unas partes rápidas y contundentes. La balada “Denbora” y el medio-tiempo “increscendo” de “Banatu Eta Irabazi” sirve de sosiego antes de volver a un tema más movido como “Maskararen Atzean”. Pero es con “Hitzak” donde la banda vuelve a subir el listón con uno de sus mejores temas; buenos riffs y batería rápida y contundente en un tema cañero que no renuncia a la melodía. Quizás tenga -para mi gusto- algún altibajo y no termine de engancharme en todos sus temas pero sin duda una banda interesante para seguirles la pista. Raúl Sújar Pozo

Popa Chubby - Universal Breakdown Blues (Provogue Records '13) Pese a que Hijos del Metal es un medio donde nos centramos en las ramas de metal más puristas bien es cierto que no renegamos de estilos conexos y menos de las raíces, por tanto ante discos como este que nos concierne no podemos más que recibirlo con los brazos abiertos. En él nos encontramos doce temas paridos de las manos del virtuoso guitarrista conocido como Popa Chubby (ndr. nombre real Ted Horowitz) quien además muestras sus dotes como buen vocalista. A lo largo de estos temas podemos ver desde el blues más clásico como “I Don’t want Nobody” y “Goin’Back to Amsterdam”; el lado más bluesrock en “Universal Breakdown Blues” y “Danger Man”; o una balada profunda reforzada con un coro femenino en “I ain’t giving up”. Recuerda bastante al fallecido Gary Moore en “The Peoples Blues” y en otras partes del álbum. Tampoco puede renegar influencias del gran Hendrix que aparecen en “Rock me baby”. Sin duda rápidamente reconocerás el tema “Over The Rainbow” donde Popa interpreta –a su libre estilo- la banda sonora de “El Mago de Oz” donde añade un guiño al “Para Elisa” de Beethoven y un final alocado digno de un genio. A un guitarrista de blues que lleva editando discos desde los noventa y que aprendió a tocar su primer instrumento -curiosamente la batería- poco se le puede decir. Un trabajo para seguidores de gente como John Mayall, Stevie Ray Vaughan, Gary Moore, Hendrix… Raúl Sújar Pozo

Guru - White (Auto Editado '13) Desde la irrupción en el mercado con su primer álbum la banda dejó claramente patente su calidad y que no serían una banda pasajera. Tras una remodelación en la formación de la que solo queda su líder y guitarrista David Palau (David Bisbal, Alejandro Sanz…) la banda entrega su segunda obra para no solo reafirmar lo dicho sino para dar un paso firme hacia los primeros puestos del hard rock melódico nacional con vistas internacionales. La banda muestra una vertiente más rockera, casi metalizada en algunos momentos en parte gracias al nuevo fichaje -Daniel García “Dagarod”- a las voces el cual imprime más fuerza en la interpretación como puede verse en cortes como “White” o el trallazo de este disco “Won’t B 2Gether”. Pero también puede verse en la powerballad “It’s all different now” o las baladas “If you go” y “The Voice inside”. A estos temas hay que unir tales como “Angry Song” o el medio tiempo “My Rocker Ass”. Excelentes canciones, excelentes músicos y poco más que añadir a uno de los mejores trabajos de hard rock melódico del año donde fans de Bon Jovi, Van Halen, Aerosmith, H.E.A.T. disfrutaran sin duda alguna. Raúl Sújar Pozo


Dagoba - Post Mortem Nihil Est (earMusic '13)

NitroVolt - Pänzer (Mausoleum Records '13)

Que los franceses Dagoba llevan una escalada triunfal hacia la cumbre del metal contemporáneo no es algo que a nadie le pille por casualidad. Llevan ya cuatro trabajos haciéndolo bien y el quinto que tenemos en nuestras manos viene a confirmar una realidad. La banda se encuentra en un buen momento y desarrollan su potente Groove con agresividad desde el comienzo del disco con “When Winter”. Dagoba siempre se ha identificado con un sonido contundente, ritmos explosivos y pegadizos unidos a un excelente Shawter jugando entre voces agresivas y melódicas. En esta nueva entrega todo eso está presente pero encima tiene un plus de madurez y sin duda más brutal gracias a la producción del Sr. Logan Mader (ex-Machine Head). Con mayor o menor dosis de velocidad -siempre con una agresividad innata- suceden los primeros temas hasta llegar a ese intermedio llamado “Nevada” donde de manera atmosférica los sonidos recrean un ambiente con cantos indios de por medio. Tras un pequeño respiro nuevamente atacan con riffs agresivos en “The Great Wonder” donde prosiguen con la dosis habitual de metal. En “The Day after the Apocalypse” hacen un juego curioso de contrastes entre un blast-beats enfermizo y unas teclas que comienzan como protagonistas y se quedan de apoyo en partes del tema. Los franceses han parido un gran trabajo de metal extremo -ningún tema tiene desperdicio- que mantiene su evolución constante.

Fundados en Alemania en el 2004 y tras un primer álbum -“Rock ‘N’ Roll Commando” (’11)- firman con el sello Mausoleum Records para editar este segundo álbum. Autodenominan a su música como “High Energy Rock ‘N Roll” o “SpeedRock” y razón no les falta ya que su hardrock es como si cogiéramos a Airbourne y triplicáramos su velocidad, la mezclásemos con un poco de crudeza a lo Motörhead a lo que hay que unir la energía y actitud que la banda presenta en estos doce temas. Desde “Pay the Price” hasta “Twisted shot of Booze” no hay un ápice de respiro, incluso en “Don’t Let Go” sus vertiginosas guitarras bien podrían ser usadas en un tema de thrash-harcorepunk! Un bajo robusto da paso a un poco de tregua con “Lie to You” donde la banda baja revoluciones para mostrar un hardrock fresco. Acabado el respiro continua “Into the Night” donde el punk vuelve a tener mucho sentido en su música con unas guitarras haciendo melodías que pueden recordarte a bandas thrashers de los ’80. “Hardröck Queen” también es un corte de hard rock más sobrio. Y de ahí hasta el final es la constante del disco si “Get Rid” es más tranquilo con “So You Die” te patean el culo. Un trabajo sin duda más que recomendable; bastante fresco que combina buena dosis de melodía y velocidad a partes iguales.

Raúl Sújar Pozo

Raúl Sújar Pozo

Grenouer - Blood on the Face (Mausoleum Records '13)

Autopsy - The Headless Ritual (Peaceville Records '13)

Estamos ante el séptimo lanzamiento de esta banda rusa que la verdad no podemos decir que sea muy conocida, al menos por un servidor. Por lo que he investigado la banda ha cambiado su estilo primigenio de un death/thrash con el que comenzaron su andadura musical para después ir jugando con el industrial y el rock. En esta nueva entrega podemos ver que siguen por esos derroteros metalrock con un toque industrial. Quizás no se acerquen tanto al terreno de Linkin Park, teniendo una vertiente más rockera, pero si es un grupo al que podemos asemejar en ciertas ocasiones. Su carta de presentación “Blood on the Face” un tema donde utilizan voces limpias, partes sampleadas, guitarras poderosas pero definidas. Si superas este corte podrás seguir adelante sino mejor no lo intentes ya que “Sand of Silence” te trae argumentos similares, con un ritmo entrecortado, un bajo envolvente y la voz que nuevamente da los matices necesarios al tema con diferentes usos de filtros. “Midday Show” introducen una parte rapeada que te guste o no hace que al menos no caigas en la monotonía. Una batería protagonista conduce “Golden Years” acompañada de un mantón electro-acústico relajado y melódico. Se echa en falta riffs más contundentes, algo que “Rejected”, “Brain Fever” y “Last Stop” si contienen. En mi opinión el disco es algo largo y tedioso; pero para los fans más cercanos a bandas como Korn, Linkin Park o Disturbed sin duda es una buena elección porque la banda lo que hace, lo hace realmente bien.

Chris Reifert dejó los Death para dar vida a los Autopsy en 1987. Más de un cuarto de siglo después son una banda de culto en el death metal con la que superaron un parón de 15 años de letargo para editar su regreso “Macabre Eternal” el cual tuvo una gran aceptación. Con “The Headless Ritual” la banda sigue alargando su leyenda con un tremendo álbum, más corto y directo que su predecesor, que sigue poniendo de manifiesto su original forma de dar rienda suelta al death metal más cañero con esos interludios doom metaleros como solo ellos saben. Así no es raro que tras un potente comienzo con “Slaughter At Beast House” decaiga a mitad del tema en un agónico pasaje transitorio antes de dejarte caer su furia nuevamente. Hay temas vertiginosos como “When Hammer Meets Bone” y “Running from the Goathead” -de las mejores del álbum- pero siempre impregnados de esas partes lentas y decadentes. Ambas preceden curiosamente a dos temas que contrastan con ellos: “Thorns and Ashes” un tema muy corto a modo de outro con una buena melodía; y la instrumental “The Headless Ritual” con ese enfoque death-doom. Destacable la melodía de los riffs de “Mangled far Below”; el medio tiempo cavernoso de “She is a funeral”; y el punteo contagioso de “Coffin Crawlers”. Los fans de los americanos están de enhorabuena porque este plástico no te defraudará.

Raúl Sújar Pozo

Raúl Sújar Pozo


Evil Impulse - Flames From The Ground (Auto Editado '13)

Estampida - Crowd Control - The Jaws of War (Nadir Music '12)

No hablamos precisamente de unos recién llegados al mundillo; tras la escisión de Kondena, parte de la banda se reagrupa bajo este nuevo nombre para que en una década dejasen para el recuerdo tres discos y una multitud de conciertos acompañando a ilustres bandas como Gamma Ray, Tankard, Tarot o Barón Rojo… El debut de Evil Impulse rápidamente se orienta hacia un thrash-groove muy en boga en la actualidad pero a medida que vamos desgranando el álbum vamos recogiendo otros detalles. En “Manhunt” la voz dota a la banda de un toque sureño para que después en “Infernal Fucking Life” se acerque a un death metal corrosivo donde quizás eche en falta unas guitarras con más cuerpo como si sucede en “The End of the Road” que es un trallazo de principio a fin. Es inevitable que recuerden a Hell’s Fire en “Chaotic Anxiety” que cuenta con la colaboración de Big Mario del grupo madrileño además de Alex Ferrón (co-productor del Ep). Una buena canción que pierde con el sonido pero que el solo de guitarra te hace olvidar. En “Revelations from the bible belt” mezclan partes más pesadas con otras más rápidas y uso de voces de gutural -más acertadas en esta ocasión- a melódica de forma natural. También se muestra variado, dentro de la tónica, “When the Killers…” con el que la banda remata un disco que pese a tener ciertas deficiencias en el sonido sin duda muestra una banda con un bagaje ganado a base de luchar. Veremos como sigue la continuación pero de momento promete.

Tercer álbum de esta banda argentina afincada desde hace un tiempo en España. Ya desde su inicio con “Crowd Control” dejan bien claro que lo suyo es el thrash metal correoso, con riffs afilados y una batería que empuja el combo hacia adelante como una metralleta. No dejan de lado la melodía como bien se observa en muchas partes de los temas. El thrash metal de bandas como Slayer, Destruction, Testament o Sepultura puede verse reflejados en la fuerza de la banda mezclado con algunas partes más melódicas. Metallica son también una gran influencia (“Fade to Black” viene a la mente en “Well wait Together”) que conforman un sonido auténtico. No sé muy bien que ha ocurrido pero el nombre de las canciones en el reproductor no corresponde con la contraportada algo que me echa para atrás al mencionar los temas para no confundir al lector. Lo que sí está claro es que cualquier aficionado al thrash y las bandas mencionadas y a las que cabria añadir un toque de death melódico disfrutara con Estampida. La base rítmica es excelente, sobre todo destaca la batería de Gastón; Juan a las guitarra tanto en los riffs como en los solos hace un papel encomiable y Lucas pese a no tener una voz genuina e inconfundible como Chuck Billy o Tom Araya por citar dos ejemplos si posee una variedad de registros que pasan desde el lado más melódico al más agresivo y gutural. Buen trabajo para una banda de la que seguro a partir de este trabajo la gente estará más pendiente.

Raúl Sújar Pozo

Raúl Sújar Pozo

Aethernaeum - Wanderungen durch den Daemmerwald (Einheit Produktionen '13)

Mark Rodríguez - Winter Sessions (Auto Editado '13)

Números atras hablamos del debut de Alexander Paul Blake en solitario y que pese a tocar en el proyecto dark/gótico Eden Weint im Grab en solitario se centraba en un black-folk metal ambiental. El prolífico multiinstrumentista edita ahora el debut de Aethernaeum donde sí se ha rodeado de más músicos para componer y tocar los temas. La orientación musical tiene más que ver con la propuesta en solitario del mencionado artista ya que lo que ofrecen estos ocho, extensos, cortes son un black/folk metal de calidad. Composiciones largas donde la banda desarrolla partes de puro black metal adornada de elementos como el cello y violines que aportan el lado más folk y unos teclados que ambienta con un toque místico. Tras dos temas más rápidos, agresivos e inherentes -"Auf den Nebelfeldern" y "Waldaura"- llega “Zur Mittwinternacht” que junto al interludio que le precede dan una visión más sosegada, igualmente sombría, de la banda donde un black metal más convencional a medio tiempo hace su gala. Nuevamente un interludio “Totenlichter” aporta el lado más folk y cristalino de la banda para enganchar con “Das Hügelvolk” el cual entra con una ambientación apacible mientras que unas guitarras al aire dibujan el cuerpo de la canción acompañado de las melodías de los instrumentos de cuerda y una voz susurrante, pronto rompe una batería con blastbeat pero el tema se aguanta en ritmos sosegados a excepción de algunos cambios de ritmos. Buenas melodías en “Tanz der Sturmgeister”; nuevamente ritmos tranquilos con arranques de furia en “Sonnentor” que enlaza con el epilogo, “Abgesang”, cerrando un buen trabajo ideal para fans de Agalloch, Ulver, Burzum, Moonsorrow.

Mark Rodríguez, quien fuera guitarrista y líder de los extintos thrashers asturianos Toxik Society, regresa con un nuevo trabajo instrumental más orientado a la exploración de otros estilos como el jazz. Hay que alabar también el aporte de los músicos que se han unido a él como son José Salgado (bajo), Adrian Solla (teclado) y Bruno Miguez (batería) quienes no se quedan atrás para demostrar sus dotes en sus respectivos instrumentos. Cosa que demuestra un gusto especial de Mark por no querer absorber todas las miradas hacia su instrumento pudiendo caer en el egocentrismo y tediosidad. Él se muestra amable con sus compañeros dándoles espacio y pone la guitarra al servicio de la canción y no al contrario. “Talking Wheels” es un Jazz relajado donde la guitarra utiliza un sonido cristalino. “Hard Day on the Road” es un Blues-rock que te invita rápidamente a mover tu cuerpo. “Jam #4” como se puede presagiar por el nombre es una especie de jam sessión donde los músicos dejan volar su creatividad nuevamente del lado del Jazz; un sonido muy limpio de la guitarra, un teclado que parece un xilófono en ocasiones, un bajo grueso dan forma a la canción hasta que pasado tres minutos y medios se transforma en un gran ejercicio de rock progresivo que remata el tema de forma excepcional. “The Farewell” en algunos fraseos recuerda a trabajos de compositores clásicos como Albeniz. Como en los anteriores temas utiliza momentos más rockeros con otros de jazz, combinando la eléctrica con partes más limpias. Un trabajo muy ameno para escuchar por los amantes de los trabajos instrumentales.

Raúl Sújar Pozo

Raúl Sújar Pozo


LeafBlade - The Kiss of Spirit and Flesh (KScope '13) Siete años han tardado en dar continuación a su debut llamado “Beyond, Beyond” (’06) y pese a tener entre sus filas a Daniel Cavanagh (Anathema) a buen seguro que serán unos desconocidos para muchos. Ahora el mencionado guitarrista aporta el bajo, teclado y una producción de primera para que el trabajo realizado en la composición, voz y guitarras acústicas de Sean Jude den como fruto un magnifico álbum que podríamos definir como rock progresivo muy intimista y natural, al que además para esta ocasión hay que añadir nuevamente al bajista Kevin Murphy -compañero de Vincent Cavanagh en Valle Crucis- y al batería Daniel Cardoso (Anathema). Con este elenco de músicos obviamente nada malo puede salir. Desde las primeras delicadas notas de “Bethelehem” los temas son una banda sonora que transcurren de manera conexa entre sí, como si de un único tema se tratara. Intercalando partes acústicas -que recrean un ambiente de tranquilidad- con atisbos de fuerza con el uso de riffs eléctricos comedidos y una batería repleta de detalles pero en un segundo lugar sin ser esto negativo, sino más bien sin entorpecer la delicadeza de la propuesta. Así transcurren los temas, todos tienen las mismas características, partes intensas, relajadas, intensas, melancólicas, alegres… para dar esa cohesión mencionada pero a la vez cada tema tiene su integridad para sonar de manera diferente y no caer en la monotonía. Los aficionados de Anathema se sentirán muy cómodos al escuchar este trabajo pese a que claramente no son tan oscuros y melancólicos. Raúl Sújar Pozo

Plague of Hate - Anger (Crystal Eye Records '13) Los cuatro componentes del combo malagueño ofrecen en su debut un álbum llenos de velocidad y rabia (ndr. Anger en inglés) con canciones que van escupiendo sin dejar indiferentes. obtenido es algo tosco y apagado pero encrudecen más los temas si cabe como por ejemplo “Feeling Anger”, de los pocos además que dejan entrever la guitarra solista la cual en este trabajo desaparece para dar protagonismo a los riffs que construyen los temas. Su música puede partir desde el hardcore o mejor dicho el crossover y dependiendo el tema vislumbra detalles más death o thrash pero siempre con esa rabia y velocidad características de bandas como DRI, Suicidal Tendencies, Municipal Waste… influencias que a buen seguro mezclan con otras como Agnostic Front o Biohazard. Su música se basa en los riffs y la agresividad vocal como protagonistas cediendo en pocos casos a la guitarra solista como “Trapped” o “All Religions”. Torbellinos como “Screaming” se mezclan con temas más pausados y machacones como “Do it Yoursef”. El hardcore de “The System Has Failed” o partes más death en “Revenge” son algunos de los elementos que conforman este buen debut. Raúl Sújar Pozo

Anima Sementis - Interitum (Mini Ep '13) Los alemanes se lo han tomado con bastante calma para mostrar nuevas composiciones. Tras una demo en el 2006 y un álbum debut -“Sermon of Lies”- dos años más tarde han dejado pasar cinco años hasta presentar tres nuevos temas que conforman este Ep. En este cuarto de hora la banda presenta su black metal sinfónico con cierta dosis de death metal. Un cruce entre los rápidos riffs y baterías de Old Man’s Child y la atmósfera Cradle Of Filth sin duda sería una perfecta recreación mental para lo que hace el quinteto -ahora sexteto- germano. Es un trabajo corto como para escribir muchas líneas sobre él sin caer en la redundancia. Es un Ep que sirve para que la banda siga viva, que suenan potentes y que dejan buenas sensaciones de cara a un nuevo trabajo de larga duración. Raúl Sújar Pozo

Mother Gun - Human (Aneurisma Records '13) Nuevo Ep de la banda granadina que deja constancia de su influencia por el Stoner, Grunge y rock de los 70. Cinco temas grabados en directo por el productor Harold Burgon (The Pogues, Terrorvision, Enrique Morente). Un sonido directo que parece salir directamente del garaje de la banda y que juega a favor de conseguir un sonido más real y aproximado al directo. En cuanto a los temas comienzan con “Cool to Hate” la cual posee un sonido stoner bastante oscuro y de las más heavys del Ep; “In The Storm” recuerda vagamente en la interpretación vocal a Kurt y sus Nirvana aunque las melodías miren para otro lado. “Glory Hope” tiene un estribillo cautivador y “Rebel” adquiere más ritmo pero que no me acaba de cuajar, algo que sucede con la final “All that Remains” que comienza con carácter más introspectivo y que pese a coger un halo de intensidad me deja con sensaciones a media. Tienen buenas intenciones y en ocasiones se ven más visible pero tienen que seguir, a mi parecer, evolucionando hasta conseguir unas composiciones más consistentes. Raúl Sújar Pozo


Karonte - Paraiso sin fe (Dead Sheep Productions '12) Proclamados como la banda más veterana del metal extremo en Cantabria (1994) la verdad que no se puede decir que hayan sido muy prolíficos cosa que supongo no ha sido por gusto de la propia banda y más por situaciones colaterales. Sea como sea, la banda presenta su segundo trabajo -debo confesar que no conocía su debut “Letargo” (’06) que es lo que nos ocupa. Desde el comienzo la banda deja constancia de su Death Metal con ritmos densos y decadentes, la voz de Kini (ex–Mordor) va orientada al Brutal Death, de esas que pese a cantar en castellano cuesta entender pero que es irresistible unirse. El sonido de la guitarra es de lo mejor del álbum, con cuerpo a la par de dar un juego extra ya que aporta la melodía del álbum -que no es poca en las largas partes solistas-. Y es que si hay un denominador común en la música de Karonte es precisamente el contrapunto entre los riffs, base y voz de brutal death decadente junto con una melódica solista. Tras un atisbo de velocidad al comienzo de “Falaris” regresan a esos tempos sosegados y brutales. Si había alguna duda que la parte instrumental -sobre todo la guitarra- respecto a la voz basta escuchar los inicios de “Repta Humano” donde las primeras estrofas tardan en entrar, o bien echa un vistazo al cuidado libreto donde veras la escasez de texto. La banda presenta una influencia doom metalera que hemos podido observar en esas partes letargadas y pesadas de sus riffs, pero en “Gris” ya no quedará ninguna duda al respecto. Un tema lento y agónico donde muestran un interludio con guitarras limpias. No se puede decir que hayan inventado nada pero sí aportan una visión diferente y que puede darle ese punto a favor para ser seleccionados por los oyentes que ya de por si tienen difícil elegir entre tantas propuestas. Raúl Sújar Pozo

Masterly - Sin identidad (Maldito Digital '12) Los catalanes han tardado tres años desde que nos dejaran aquel Ep llamado “Sicus” donde nos presentaba un lavado de cara utilizando el castellano además de un nuevo vocalista bajo el nombre de Dazz que nos dejó una buenísima impresión. Bien, transcurrido ese tiempo nos presentan el disco donde se incluyen algunos de los temas de aquel Ep (“Laberinto”, “Las Heridas” y “Yo gano”); nos descubren al tema homónimo -“Sicus”- que en su momento no mostraron y por último nos presentan al tercer cantante en tres trabajos de la banda. En esta ocasión se trata de Sergio Perea (ex-Rain, Romanthica) quien realiza un estupendo trabajo aunque no me olvido del mencionado Dazz. Otra incorporación es la de un segundo guitarra, Ramón Gulín, que abre el abanico sonoro de la banda. Musicalmente muestran la evolución lógica de aquel Ep. Power metal sinfónico de base que van teniendo diferentes matices según el tema. Por ejemplo el mencionado “Sicus” tiene un fondo oscuro en contraposición de “Las heridas” que tiene un carácter más alegre. Mención especial al uso del teclado que en todo el disco recrea un sinfonismo especial no solo rellenando huecos musicales sino teniendo voz propia cuando así lo requiere. “Desde el otro lado del cristal” es una instrumental que sirve para dar paso a un tema conocido -“Yo gano”- que sigue siendo de lo mejor del grupo; veloz, melódico y con un estribillo muy logrado. “Princesa” comienza como una balada donde la voz susurrante es secundaria respecto a las guitarras cristalinas y el teclado pero después se convierte en un medio tiempo enérgico. Si es una balada, y bastante emotiva, “Tu última canción” con una excelente voz rasgada entre el rasgueo de una acústica. Otra de las más inspiradas es “Asesino”, con un Sergio mostrando más fuerza en su voz y unas guitarras muy crudas. “Vuelve a dormir” contiene los que sean posiblemente los riffs más duros y densos del álbum lo cual da un buen final a este aceptable trabajo. Raúl Sújar Pozo

Suru - Catharsis (Suspiria Records '12) Con su anterior Ep dejaban muestra de un sonido que podía diferenciarles del resto de la escena y en este sigue patente esa mezcla del death metal con el metal gótico que en su día definimos como un cruce entre Dark Tranquility y Paradise Lost. Siguen patentes esas señas de identidad pero la banda sabe que eso ya no es una sorpresa así que envolvieron el paquete en un atractivo artwork junto con un sonido más profesional que en el mencionado EP. Desde una currada intro -“Crowspell”- la banda comienza a introducirnos en su mundo. Bien acertado el comienzo con “Lost Illusion” donde la banda comienza a mostrar sus cartas de contraste entre fuerza y melancolía como deja claro el comienzo de “Emptiness”. Tienen temas más directos como “In Your Face” -donde colabora en las voces Tuomas Saukkonen (Before the Dawn). Un tema con un enfoque más agresivo, llegando a rozar el black, y que apenas deja espacio para la melancolía como si sucede en “Sacrifice in Vain”. “Dark Passion” suena relajante y placentera con la voz grave de Álvaro, dejándose arrastrar con las guitarras cristalinas. Hay momentos en los que coge fuerza el tema pero siempre de manera comedida excepto en su final. Excelentes los riffs que presentan al inicio de “We are the Fallen”, un tema que continúa combinando ramalazos de death metal y partes tranquilas. Fuerte carga emotiva en “My World”, otra de las rescatadas del Ep, como la mencionada “Dark Passion” y “Death Angel” que sigue siendo de las más cañeras del grupo pese a que ha perdido terreno frente a la nueva composición “In life and Death”, todo un torbellino de principio a fin con un solo cargado de feeling. Ya presagiaban algo bueno en el Ep y este debut lo corrobora, ahora tienen lo complicado por delante que es convencer al oyente con su mezcla de ideas. Raúl Sújar Pozo


SlamDog - Bad Habits (Maldito Digital '13)

Chivo - Cantankerous Rock (Auto Editado '13)

Diluendo - Sonámbulos (The Fish Factory '13)

Álbum debut de una banda procedente de Logroño cuyo estilo refleja bien una influencia sacada de bandas del hard rockglam-sleazy y no es que las pintas del grupo vayan por los pelos cardados del Sunset Boulevard pero sin duda su música te traerá a la mente a bandas como Guns n’ Roses -mención especial hacia su vocalista Mariano quien podría coger los galones de Axel- Mötley Crüe o Skid Row. Entre los temas encontraremos festivos y callejeros como “Die Motherfuckers”; intimistas como “State of Bliss”; baladas como “Closet o You”; hard rock festivo de toda la vida en “Let Me Go” o la más alocada “Go Faster”; más oscuras como “Why”; el vacilante “Drive me crazy”; e incluso se atreven a coquetear con el reggae en “Smilin’ Harlequin”. En definitiva un soplo de aire fresco para los amantes del hard rock con reminiscencias californianas.

Segundo trabajo de los vascos mezclado y masterizado por Xanpe (Horn of the Rhino, Cobra, Zea Mays, Loan) con una loable labor dotando al disco de un crudísimo que ensalza las virtudes de su propuesta a medio caballo entre el stoner y el grunge siendo fácil su comparativa con bandas como Alice in Chains, Kyuss, Soundgarden, Nirvana del “Bleach”- y obligatoriamente a Black Sabbath con quienes comparten algunos riffs y oscuridad en el aura de los temas. El disco suena bastante compacto y todos los temas tiene una cohesión lógica pero destacaremos con pinceladas alguno de ellos como el denso y agónico “Eyes Fire Desire”; el curioso saxofón en “Jerry Low”; las guitarras acústicas y cristalina que dejan ver un poco de luz a tanta lobreguez en “Falling Away” y la crudeza de “Make Things Hard”. Un trabajo interesante dentro de su estilo aderezado con una excelente gráfica del álbum el cual tiene un aspecto muy setentero.

Debut de esta banda que evoca a paisajes de hardrock mezclados sutilmente con el metal-progresivo, así no es raro encontrarse con una apertura como “Único sentido” que es más propiamente un hardrock enérgico para que “Tempus Fugit” sea un tema con guitarras metalizadas y con una estructura muy progresiva con cambios de ritmos y excelentes detalles técnicos. Además encontramos la balada “Dulce Transición”; el hardrock con toques progresivos en “Miedo”; el heavy con estribillos pegadizos de “Sonámbulos”. Entre los temas mencionados con aires más sombríos destaca un excelente y directo “Cara a cara” y un no menos rápido y rockero “Carta a la inocencia perdida” que contrasta con el medio tiempo “Eres libre”. A medias tintas se queda “Ahora lo sé” para rematar un primer álbum más que destacable de la formación maña.

Raúl Sújar Pozo

Raúl Sújar Pozo

Raúl Sújar Pozo

M:Pire of Evil - Crucified (Mausoleum Records '13) Segundo trabajo de esta banda formada por los ex-Venom Mantas (guitarra) y Tony “Demolition Man” Dolan (voz y bajo), que para esta ocasión cuenta con un nuevo batería en la persona del joven Marc Jackson. Para esta ocasión la banda ha querido rescatar temas de la época en la que Tony lideró la formación inglesa. Los temas son “Parasite”, “Blackened are the Priest”, “Carnivorous” del “Prime Evil” (’89); “Temples of Ice” del álbum homónimo del ’91 y “Kissing the Beast”, “Black Legions”, “Need to Kill”, “Wolverine” y “Crucified” de “The Waste Lands” (’92). Aparte de otras cuestiones, como que esos discos se encuentran descatalogados para no entrar en conflicto con la actual etapa de Venom, la otra es el lavado de cara con el que cuentan. M:Pire of Evil en lugar de adoptar aquel sonido primitivo de Venom -que evidentemente algo queda y más teniendo en cuenta que son sus temas- han tirado un por un power/thrash potente y con un sonido muy actual pero sonando añejo. Temas como “Carnivorous”, “Kissing the Beast”, “Need to Kill” y “Crucified” han ganado con ese sonido más pulido. Que sí, que los clásicos son clásicos y eso no se puede remediar, pero si han de hacer una regrabación mejor que sea con este resultado. Además, nos encontramos dos temas propios que ya editaran en su día en el anterior Ep “Demone”; el tema homónimo que suena potente desde su comienzo y con una voz desgarradora de Tony con un toque más clásico a lo Venom cruzado con Slayer; y “Taking it All” con un toque más moderno pero igual de potente. La mayoría de las canciones ya las conocías pero el buen trabajo no se puede negar y M:Pire of Evil han conseguido un sonido propio que esperemos que desarrollen en temas más propios. Raúl Sújar Pozo


Jorge Salán - Directo a San Javier (The Fish Factory '12) (CD + DVD) Directo grabado por el guitarrista madrileño el pasado año en la edición del Festival Internacional de Jazz de San Javier aprovechando su actuación en él. Este trabajo viene presentado en un DVD+CD con el mismo contenido que es el concierto íntegro que realizo la banda aquel día. Viene bien recalcar lo de banda, ya que Jorge Salán hace mucho tiempo que viene demostrando que es un guitarrista que utiliza su virtuosismo para el bien de la canción y no para el lucimiento personal además de acompañarse por su banda habitual con Carlos Expósito a la batería y Fernando Mainer al bajo, dos músicos de por sí que necesitan poca presentación. Además para esta ocasión ha contado con un recién incorporado teclista, Pau Álvarez. La voz de Fernando Fernán Gómez pone la intro a su concierto que se basa en un repertorio centrado en su último disco, “Sexto asalto”, del cual desgrana del tirón los primeros cuatro temas –“Depredador”, “Mar de Cristal”, “Tocar tierra” y “Aprendiendo a perder”- y posteriormente “Reflejos del ayer” y “La lluvia quedó atrás”. Quizás este sea uno de los pocos hándicap del trabajo, no porque se centre mucho en ese trabajo sino porque siendo de una duración tan corta (80 minutos) se quedan fueran muchos temas que hubiesen tenido cabida en un repertorio más largo como merecía la ocasión de un trabajo así. El resto del setlist lo integran unas versiones como el fantástico blues “The Sky is Crying” de Elmore James y que ya reinterpretó Steve Ray Vaughan. "Where the streets have no name" de U2 donde vemos la colaboración del bajista Luisma Hernández (Santelmo, Jero, Nagasaki, Arwen…) quien hará las labores en muchas de las fechas que tiene por delante Jorge y que por incompatibilidad con el calendario Fernando Mainer (Tako y Mago de Oz) no podrá hacer frente. Por último la archiconocida “Over the Hills and Far away” de Gary Moore y que popularizó entre el público metalero Nightwish. Un merecido tributo al fallecido guitarrista y una fuente de inspiración de Jorge donde colabora el violinista Roberto Jabonero (ex-Celtas Cortos). Los colaboradores repiten también en “Fuerza y aire” y la instrumental “Face to face” respectivamente. El sonido del DVD y el CD es perfecto, todo suena en su sitio y no suena sobre producido. La imagen es más que correcta, sin añadidos efectos visuales que quitarían la atención sobre el guitarrista y sus dotes. Quizás la única pega sea el poco protagonismo del público para ser un directo que salvo en contadas ocasiones como “En la Tormenta” parece no existir. Quizás el marco para un DVD así hubiese sido un escenario y concierto de hard rock más propio de fans que caldeen el ambiente. Detalles que no ensombrece una actuación brillante de unos grandes músicos y que demuestran más propiamente que tenemos a un músico que dejó de ser promesa hace mucho tiempo para convertirse en uno de los grandes de las seis cuerdas al que le queda todavía una exitosa carrera por delante que comenzó a despuntar con aquel “Driving Throught the Tunnel” con el que ponen punto y final. Un tema que queda lejano en el tiempo pero que suena inmortal once años después. Raúl Sújar Pozo


Def Leppard + Whitesnake + Europe (Pueblo Español, Barcelona, 24/06/13) El pasado 24 de Junio teníamos para los seguidores del Hard Rock la cita perfecta para desquitarnos con tres de las mejores bandas que hay en el planeta en este estilo. Def Leppard, Whitesnake y Europe venían de gira por cuatro ciudades españolas y Barcelona fue la elegida por Hijos del Metal para disfrutar de ellos. Recién llegados del Hell Fest de Francia (donde estaban entre medias unos grandes como Twisted Sister) aparecieron sobre el escenario de un recinto cambiado a última hora como es el Pueblo Español de Barcelona en lugar del anunciado meses antes del Palau San Jordi. El caso, es que con puntualidad digna de mencionar en todo el evento se abrieron puertas a las 18:30h para que el multitudinario público, que esperaba ansioso, pudiera ir entrando al recinto e ir acomodándose por la plaza. A las 19:30h irrumpían los suecos Europe a ritmo de su último trabajo “Bag of Bones” del cual empezaron a desgranar temas como “Riches to Rags” y “Firefox”. La banda no contaba con el mejor sonido que se podría desear pero aún así un inconmensurable Joey Tempest desplegaba sus dotes escénicas atrayendo toda la atención del público. Rápido cayeron clásicos como “Superstitious” y una rapidísima “Scream of Anger” que rescataron de su segundo álbum “Wings of Tomorrow”. John Norum en algunos momentos se elegía como el principal atractivo y con su guitarra deleitaba a los presentes como demostró en “Girls from Lebannon”. Llegaba uno de los grandes momentos, los teclados introdujeron “Carrie” y llegaron vítores del

público mayor que en otras ocasiones. La banda rescato un tema especial para este concierto ya que por primera vez en su historia tocaban “Paradize Bay” de su primer disco homónimo en tierras españolas. Nuevamente supieron como desatar la locura entre el público con “Rock The Night”. Se acercaba el final con los temas “Last Look At Eden” de su última época y el celebérrimo “The Final Countdown” que coreo todo el respetable y que dejo un final con una sensación de un concierto muy corto, pero una hora es lo que tenían de tiempo y la rellenaron de buena forma. Media hora puntual de cambio de escenario para que Mr. Coverdale saliera a escena con sus Whitesnake a las 21h. Nuevamente el sonido no parecía acompañar, además de sonar un pelotón de instrumentos saturados la voz de Coverdale estaba muy por debajo en la mezcla. Algo, creo, que premeditado ya que una vez arrancado el show con “Gimme All your Love” y “Ready and Willing” pudimos observar que la voz del sexagenario vocalista ya estaba rota. Una lástima verlo en estas condiciones pero también es cierto que los temas y la compostura del líder hacia que lo olvidaras. Los bailes serpentinos no son como cuando tenía la mitad de edad pero Coverdale sabe llevar los tiempos y moverse por el escenario mejor que nadie y además ayudaba la banda que tiene sobre las tablas. La dupla de guitarristas Doug Aldrich y Reb Beach se movían y deleitaban


con sus solos al entregado publico que iba dejándose seducir con temas como “Don’t Break my heart Again”, la imperecedera “Is This Love” y el homenaje a su excompañeros y malogrados Cozy Powell y Jon Lord en “Gambler”. Momentos melancólicos que levantaron con “Steal You Heart Away” y un duelo de los mencionados guitarristas antes de dar paso a “Forevemore” de su reciente época. Para solo hay que mencionar también a una persona que me dejó totalmente impresionado el señor Tommy Aldridge y sus extensiones de brazos llamadas baquetas. Impresionante es la palabra para definir la actuación de este veterano de la música y el solo que registro incluso golpeando con sus puños los parches y platos. El final de una banda como Whitesnake está plagada de clásicos y así fue con “Bad Boys”, “Fool for you Loving” y esos clásicos por excelencia como son “Here I go Again” y “Still of the Night” que dejo al publico gozando de una de las mejores bandas del hard rock de la historia. 23:45h era la hora elegida para que los cabeza de cartel salieran a escena y nuevamente como un reloj suizo irrumpieron en un escenario totalmente acomodado para la banda británica con un juego de luces de lo más efectivo -ya bien entrada la noche-, unas escaleras rodeando la batería de Rick Allen y un sonido haciendo justicia por primera vez en la noche como se merecía. Los riffs de “Let’s Get Rocked” arrancaron las primeras ovaciones de un público más entregado que nunca que con “Mirror, Mirror” enloqueció aun más si cabe. Pero todo el mundo esperaba ansioso lo que venían haciendo en la gira: la revisión de su clásico “Hysteria” del cual se cumplen 25 años. Así pues, de este álbum cayeron clásicos como

“Rocket”, “Love Bites”, “Animal”, “Hysteria” y “Pour Some Sugar on Me”… a cada cual mejor recibida, con un sonido inmejorable y una interpretación perfecta. Los que nos encontrábamos delante podíamos ver de primera mano los detalles de sus guitarristas, el fornido Phil Collen y el protagonista por su recién sabida lucha contra el cáncer que esperemos que gane- Vivian Campbell. Hay que destacar también al frontman Joe Elliot, quien se mostro en perfecto estado de forma, rindiendo con su garganta de la mejor manera. Fue más de una en la ocasión que recordaron al guitarrista Steve Clark desde las proyecciones que ponían en la enorme pantalla que el resto de bandas pudieron utilizar solo para sus logos. También fue curioso el ver el video donde Steve introduce el tema “Gods of War”. El señor Rick Allen también dio muestras de su superación y toco un solo donde iba acelerando su velocidad acompañado del bajista Rick Savage. Completaron el setlist momentos como “Rock of Ages”, “Photograph” y la instrumental “Switch 625” donde los guitarristas unieron fuerza para el deleite del público. Pocas pegas se le pueden poner a la actuación de la banda, salvo que no se entiende el porqué en Barcelona no interpretaron el “Hysteria” al completo y que terminaran veinte minutos antes de la hora prevista. Pero aun así la noche y recuerdo que estas tres bandas nos ofrecieron son dignos de guardar en nuestras retinas. Texto: Raúl Sújar Pozo Fotos: Fran Méndez


Synlakross + White Raven (Sala LionCafé, Castellón, 06/04/13)

White Raven fueron los primeros en

tocar. Son una joven banda cuya música gira en torno al death metal con toques de folk, muy inspirada en bandas del norte de Europa. Su setlist, de casi una hora de duración, arrancó con tres temas propios y a continuación le siguieron versiones de Turisas, Eluveitie, Korpiklaani. Al ser una banda de siete músicos, entre ellos una violinista y un flautista (Tin whistles), su música reproduce todos los registros del death metal y además muestra una amplia gama de matices derivados de la música celta. En directo es su cantante Roché el que coge todo el protagonismo de la actuación y le da un aire místico al show cuando presenta las canciones. La banda Synlakross, liderados por su cantante Patricia, práctica un death metal melódico compaginando momentos de voces limpias con otros de más dureza con voces guturales. En muchos momentos recuerdan a los suecos Arch Enemy o a los reyes del género In Flames. Todos sus componentes están muy centrados en el grupo y aspiran a seguir los pasos de grandes valencianas de metal extremo como Noctem o Exodia.

primera maqueta. Completaron su setlist con la versión “Pinball Map” de In Flames. Desde el primer tema hasta el último hubo una perfecta comunión entre público y banda. Se formaron pogos, walls of death y circle pits impresionantes, momentos que aprovecharon los guitarristas también para mezclarse entre el público para sentir su entrega. En definitiva, una bonita tarde/noche de metal extremo en una pequeña sala que apuesta al máximo por la música más extrema en directo. Texto y Fotos: Sergi Gellida

A diferencia de White Raven, su show estuvo basado en temas propios, todos de reciente composición, ya que no tocaron ningún tema de su

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