Issuu on Google+

photo: Luk van Eeckhout

photo: Philip Gatward

Huelgas Ensemble

photo: Ronald Knapp

James MacMillan

Klaas de Vries

Richard Rijnvos

Kaija Saariaho

Detlev Glanert photo: Ronald Knapp

photo: Priska Ketterer

photo: John Snijders

5 Morning Wind

The morning wind spreads its fresh smell.

We must get up and take that in,

that wind that lets us live.

Breathe, before it’s gone.


Walls Closing

Seeing you heals me.

Not seeing you, I feel the walls closing.

I would not wish for anyone else

such absence.



Walk to the well.

Turn as the earth and the moon turn,

circling what they love.

Whatever circles comes from the center.


Days are Sieves

Days are sieves to filter spirit,

reveal impurities, and too,

show the light of some who throw

their own shining into the universe.



I am so small I can barely be seen.

How can this great love be inside me?

Look at your eyes. They are small,

but they see enormous things.

10 Day and Night, Music

All day and night, music,

A quiet, bright

reedsong. If it

fades, we fade.

Translations from Unseen Rain: Quatrains of Rumi

by John Moyne and Coleman Barks

titles by Kaija Saariaho Š 2001. Reprinted by arrangement with Shambhala Publications, Inc., Boston, MA.

RCO Live – Horizon 5


mass of muscle,’ he says. ‘It’s an organic whole that moves and grows. I find the premise that music is purely structural to be unacceptable. My work is based on

Anonymous Hodie puer nascitur (orch. James MacMillan)

processes of growth. My thinking is based on an inward principle. Music issues

One of Scotland’s pre-eminent composers, James MacMillan also plays an

forth from human beings and is written for human beings. The erratic human

important role in Dutch musical life. Indeed, he has served as principal guest

nature of music is ineffaceable.’ Insomnium (Dream) is a preliminary study for

conductor of the Netherlands Radio Chamber Philharmonic and wrote his

Glanert’s opera Solaris, which takes its name from the science fiction novel, on

staggering St. John Passion for the Royal Concertgebouw Orchestra, among others.

which Tarkovsky’s film is also based. In this work, Glanert wants to ‘take the

Catholicism plays a role in nearly all his work, both vocal and instrumental.

listener by the hand and lead him into another world; I want to transport him

MacMillan’s immensely popular percussion concerto Veni, Veni Emmanuel (1992),

into that world so that he forgets about time.’ This point is particularly apropos,

for example, is based on a fifteenth-century French plainchant. For the Royal

since that is precisely what happens in the novel: visitors to an alien planet are

Concertgebouw Orchestra, MacMillan has written a sparkling, fairylike

driven mad when their memories are manipulated and seem true to life. Following

arrangement for choir and ensemble of the antiphon Hodie puer nascitur/Homo

the Dutch premiere, music journalist Joep Stapel was enthusiastic, writing,

mortalis firmiter from a Cypriot manuscript dating from around 1390. MacMillan is

‘Highlights were the string ensemble halfway through and the magical way in

a master when it comes to the polyphonic layering characteristic of late medieval

which a kind of satanic orchestral engaged tone suddenly turns into a pastoral

music. As the composer himself explains, ‘I tend to conceive of two or three

woodwind motif.’ But the opening bars, too, are highly intriguing: with the

elements at the same time. I experiment a lot with the simultaneity of elements

violins’ seemingly innocent phrases, the listener is anaesthetised and then

or storylines.… I think it’s important for different layers to be present, which can


all be heard clearly, so that the audience doesn’t lose track of their interconnectedness. That said, I do think some listeners have to get used to the

Klaas de Vries Providence

fact that there are multiple foregrounds.’ In the final musical result, Hodie puer

Klaas de  Vries’s new work Providence also makes reference to an old film: Alain

nascitur transcends a time span of six centuries, with medieval intervals glowing

Resnais’s Providence. Released in 1977, the film had made a big impression on

within the gleaming modern orchestral apparatus.

de Vries, but when he decided to watch it again to prepare for his new orchestral work, he discovered it was no longer available anywhere. ‘As a result, I was forced

Detlev Glanert Insomnium

to rely on my memories of it, which turned out to be pretty sketchy,’ says de Vries.

The German composer Detlev Glanert is not a man of small gestures. His orchestral

It was the general atmosphere of the film which had stuck with him, though. An

work Theatrum bestiarum, for instance, opens with a barrage of orchestral ferocity,

older man, played by John Gielgud, finds himself at a fabulous location, a villa on

immediately followed by underhandedly creeping music in the double bassoon

the coast. He is seriously ill and knows he has only a few months at most to live.

before a number of shots are fired in the percussion (the work can be heard on the

But, de Vries remembers, ‘it’s not a sorrowful film. In fact, vitality plays a leading

RCO Live Horizon 1 recording). The jolts of sound produced by the orchestra in Fluss

role. The protagonist keeps fighting and rails against his decline. However, every

ohne Ufer (River without Banks) sometimes even make themselves felt on a

providence leads to one and the same end.’ De Vries, a student of Otto Ketting’s,

physical level, and the cries of death in his opera Caligula are truly blood-curdling.

garnered wider fame in the Netherlands with his opera Wake, which deals with a

Glanert, one of the RCO’s permanent house composers, is quite at home with

major fireworks disaster that took place in the Dutch city of Enschede in 2000. At

such physical descriptions of his music. ‘I like to think of my compositions as a

times an acrimonious requiem, Wake is full of despair, anger and farewell.

Providence, which he wrote soon afterwards, is also imbued with an oppressive

in Amsterdam with a distinctive domed circular shape, which the Royal

atmosphere. De Vries says, ‘In this work, I employ the cinematographic technique

Concertgebouw Orchestra exceptionally swapped for its familiar Concertgebouw.

of zooming in. At the beginning, the music unfolds like a fan, and different themes

Rijnvos made good use of the perfectly round shape of the space. In Antarctique,

are introduced. I then zoom in closer on those themes. The twists and turns are

twelve percussionists are placed at equal distances round the perimeter of the

sometimes unexpected, but still logical, as related material has already been

circle, thus forming a ‘clock’ that encircles both orchestra and audience in

introduced at the beginning.’ Two ‘musics’ are actually heard in Providence: the

‘surround sound’. The shape also represents the Antarctic Circle, where all time

more traditional symphonic work, and a tribute – written for a separate group of

zones converge at the South Pole and all sense of time dissolves. The orchestra

instruments – to the soul artist James Brown, for whom de Vries has great respect.

progresses through a spiral of harmonies which are generated through the

Brown slowly comes dancing into the piece, which subsequently leads to the

stacking of notes via the circle of fifths. According to the composer, Antarctique

demise of the lyrical orchestral work. ‘The end is a game: who will get the last

ends ‘by reaching this ultimate magnetic point in time and space. In the final

word? I’ve dramatised this conflict by placing the drummer Friso van Wyck in the

minute, we hear twelve woodblocks arranged in a circle ticking away the time

orchestra and appointing him a place within it, where he partly improvises and

anticlockwise. Each of them sounds the final beat, as if all the hours of the day

reacts to what’s going on around him.’ The other ‘Brown instrumentalists’ consist

were colliding with one another.’ In the preceding ten minutes, a soundscape full

of a piano, two harps and cimbalom, which together sound something like an

of harsh winds and barren vistas is evoked through a constantly repeated cantus

electric guitar. De Vries admits that there is no connection with the film Providence,


although there is perhaps an implicit similarity between the raw vitality of Brown and the actor Gielgud. ‘I’m a fan of Brown and had wanted to incorporate him

Kaija Saariaho Circle Map

into my music for a very long time. By doing so, I don’t necessarily intend for it to

Along with Esa-Pekka Salonen and Magnus Lindberg, Kaija Saariaho is one of the

be taken as contentious commentary on high and low art. But I did want to

most progressive Finnish composers of her generation. Her work is characterised

introduce a certain tension. At the moment, so much new music sounds as if it

by an extremely subtle exploration of timbre. Using computer technology, which

was written by old men – all very respectable and certainly not meant to offend

she studied at IRCAM in Paris and elsewhere, she achieves unprecedented results


in the area of sound exploration, opening up mysterious worlds of music, as she did previously in her complexly sensual music-theatre works L’amour de loin and

Richard Rijnvos Antarctique

Émilie. Her extensive analysis of timbre is also demonstrated in her mind-boggling

Richard Rijnvos’s Antarctique belongs to his series dedicated to the seven

orchestral work Circle Map, which was co-commissioned by no fewer than six

continents entitled Grand Atlas - représentation du monde universel en sept tableaux

orchestras at the Royal Concertgebouw Orchestra’s initiative. A number of poems

musicaux. Thinking in overarching cycles is typical of Rijnvos, who was awarded

by the thirteenth-century Persian poet Rumi serve as the foundation for this

the prestigious Matthijs Vermeulen Prize in 2000 and 2011. He says, ‘I haven’t

music. These poems (which are even older than the medieval Cypriot manuscript

written separate, self-contained works for years now. A mistake young composers

on which MacMillan based his new work) are not sung, but rather spoken in

often make is that they try to use all their ideas in a single work. I actually take

Persian by a recorded voice. This has an alienating effect on the listener, although

the opposite view: the fewer ideas a composition contains, the stronger it is.’

the electronic voice is not in itself a Fremdkörper: rhythm and changes in pitch are

One of the RCO’s house composers, Rijnvos wrote Antarctique to be performed at

frequently imitated by the acoustic instruments of the orchestra. The percussion

a special location: the gasholder of the Westergasfabriek, a former industrial site

section is substantial and includes such exotic instruments as Chinese cymbals,

wind gong and bongo. The title Circle Map refers to the cycles of harmonies

RCO Live – Horizon 4


which Saariaho uses and to a mathematical analysis of rotating systems. This sounds complex, but Circle Map is also an ode to the whirling dervishes of the

Anonymous Hodie puer nascitur (orch. James MacMillan)

Sufis, who sought to achieve religious ecstasy through spinning. Like Glanert’s

Le célèbre compositeur écossais James MacMillan tient également un rôle

Insomnium, Circle Map also begins with mysterious high notes that lure the listener

important dans la vie musicale néerlandaise : chef invité en titre de la Radio Kamer

into a strange world. Each movement has its own character, inspired by the

Filharmonie, il compose notamment pour l’Orchestre Royal du Concertgebouw

accompanying poetry. The composer encourages the listener to read the text

une spectaculaire St. John Passion. La religion catholique joue un rôle dans presque

before listening to the work. Footsteps can be heard, for instance, in the third

toute son œuvre, vocale et instrumentale. Son concerto pour percussions Veni,

movement, ‘Circles’, referring to the first verse ‘Walk to the well’. In the fifth

Veni, Emmanuel (1992), immensément populaire, est ainsi basé sur une hymne

movement, ‘Dialogue’, the recorded voice is first transposed to a female range,

française du quinzième siècle. Pour l’Orchestre du Concertgebouw, MacMillan

only then to reply in a bass register. The last movement seems to be the key to the

effectue un arrangement brillant et féerique pour chœur et ensemble d’une

whole work, in which music is described as a force we cannot live without. The

antienne intitulée Hodie puer nascitur/Homo mortalis firmiter, issue d’un manuscrit

score attains maximum sensuality with organically growing solos, starting in the

chypriote daté environ de 1390. MacMillan parvient très bien à traiter la stratification

bassoon. All brews and bubbles right until the final fade-out.

polyphonique de cette musique de la fin du Moyen-Âge. Comme le compositeur

l’explique lui-même  : «  J’ai tendance à imaginer en même temps deux ou trois

Floris Don Translation: Josh Dillon

éléments. Je fais de nombreuses expériences au niveau de la simultanéité des éléments ou des lignes narratives […] Je trouve important que différentes strates soient présentes et qu’elles soient distinctement audibles, de sorte que le public ne perde pas de vue les liens qui les unissent, même si certains auditeurs doivent s’habituer à la présence de différents premiers plans. » Au niveau du résultat sonore, dans Hodie puer nascitur, la distance temporelle de six siècles est annihilée  : les intervalles moyenâgeux flamboient dans le brillant appareil qu’est l’orchestre moderne. Detlev Glanert Insomnium Detlev Glanert, compositeur allemand, n’est pas un homme de petit geste. Prenons par exemple son œuvre orchestrale Theatrum Bestiarum : elle commence par un feu nourri de violence orchestrale, suivi immédiatement par les sonorités furtives et sournoises du contrebasson avant de faire entendre de nouveau un certain nombre de détonations par les percussions (cette œuvre peut être entendue dans Horizon 1 de RCO Live). Les chocs sonores que l’orchestre engendre dans Fluss ohne Ufer sont parfois sensibles au niveau physique, et les cris de détresse dans son opéra Caligula

font grincer les dents. Glanert, l’un des compositeurs en résidence de l’Orchestre du

Concertgebouw, se retrouve tout à fait dans des descriptions physiques de ce type.

par la catastrophe provoquée par l’explosion de l’usine de feux d’artifice à Enschede.

«  Je vois mes partitions volontiers comme un faisceau musculaire, un ensemble

Wake est par bribe un requiem effrayant, plein de désespoir, de fureur et d’adieu.

organique qui bouge et croît. La thèse énonçant que la musique serait purement

Dans Providence, qui lui succède, règne également une atmosphère étrange et

structurelle est à mon sens inacceptable. Mon œuvre est basée sur des processus

inquiétante. Klaas de Vries dit à ce propos  : «  Dans cette œuvre, j’utilise une

de croissance. Je pense à partir d’un principe interne. La musique provient des

technique cinématographique : le zoom. Au début, la musique s’ouvre comme un

êtres humains et est composée pour des êtres humains. La nature capricieuse de

éventail, différents thèmes s’annoncent. Ensuite, je zoom plus fortement sur les

la musique ne peut être gommée. » Insomnium (« rêve ») est une étude préliminaire

thèmes. Les tournures sonnent parfois de façon inattendue mais sont quand même

pour un opéra de Glanert intitulé Solaris, d’après un roman de science-fiction du

logiques, car le matériau qui leur appartient est annoncé dès le début. » En réalité,

même nom que le film de Tarkovski. Dans cette œuvre, Glanert désire « prendre

dans Providence on entend deux musiques  : une œuvre symphonique plus

l’auditeur par la main et le conduire dans un monde ; je veux le guider vers l’intérieur

traditionnelle et, composée pour un groupe instrumental à part, une ode à James

afin qu’il oublie le temps. » Tout à fait à propos, puisque c’est le cas également dans

Brown, artiste de soul que Klaas de Vries admire beaucoup. Brown fait lentement

le roman Solaris : les visiteurs d’une planète étrange sont poussés dans la folie car

son entrée dans la pièce, l’œuvre orchestrale lyrique mord ensuite la poussière. « La

leurs souvenirs sont manipulés et semblent pourtant fidèles. Le critique musical

fin est un jeu : qui aura le dernier mot ? J’ai donné une dimension dramatique à ce

Joep Stapel est enthousiasmé par la création néerlandaise de l’œuvre : « Sommets :

conflit en plaçant dans l’orchestre le drummer Friso van Wijck, qui tour à tour

l’ensemble à cordes au milieu, et la manière magique avec laquelle cette sorte de

improvise et réagit à son entourage. » Le reste du groupe des « instrumentistes de

tonalité de ligne téléphonique occupée, satanique et orchestrale, se métamorphose

Brown  » comprend un pianiste, deux harpistes et un joueur de cymbalum. Leur

en motif pastoral pour le pupitre des bois.  » Mais les premières mesures sont

sonorité d’ensemble s’apparente à celle de la guitare électrique. Est-ce que cela a

également extrêmement intrigantes  : avec des phrases de violon faussement

aussi un lien avec le film Providence ? Non, dit De Vries, même si la vitalité crue de

innocentes, l’auditeur est étourdi puis kidnappé.

Brown et de Gielgud, l’acteur, ont peut-être implicitement des similitudes. « Je suis fan de Brown, et je désirais depuis longtemps l’intégrer dans ma musique. Cela

Klaas van Vries Providence

n’est absolument pas conçu comme un commentaire polémique sur un art qui

La nouvelle oeuvre de Klaas de Vries fait aussi référence à un ancien film : Providence

serait plus élevé et un autre qui le serait moins. Je voulais apporter une certaine

d’Alain Resnais. Ce film de 1977 fait grande impression sur Klaas de Vries, mais

tension. On compose en ce moment trop de « musique de vieux ». Ceci est tout à

lorsqu’il veut le revoir à l’époque où il travaille sur sa nouvelle œuvre orchestrale,

fait honnête et en rien pensé pour offenser qui que ce soit. »

ce film semble épuisé. « Je dois donc alors me baser sur des souvenirs extrêmement infidèles  » raconte Klaas de Vries. Ce que j’ai principalement retenu, c’est

Richard Rijnvos Antarctique

l’atmosphère. Un vieil homme, rôle tenu par John Gielgud, se trouve dans un lieu

Antarctique de Richard Rijnvos fait partie de Grand Atlas - représentation du monde

merveilleux, une villa sur la côte. Il est gravement malade et sait qu’il n’a plus que

universel en sept tableaux musicaux, cycle d’œuvres dédiées aux sept continents.

quelques mois à vivre, tout au plus. Mais, se souvient De Vries : « Ce n’est pas un

Cette manière de penser en cycle caractérise Richard Rijnvos, à qui en 2000 et 2011

film de deuil, la vitalité joue un rôle central. Le personnage principal continue de

le prestigieux prix Matthijs Vermeulen a été décerné. «  Je ne compose plus de

lutter, et peut épouvantablement tempêter contre le déclin. Toutes les providences

pièces indépendantes depuis des années » explique Rijnvos. « Une erreur courante

mènent cependant à une fin identique. » Klaas de Vries, élève d’Otto Ketting,

que font les compositeurs débutants, c’est de mettre dans une seule pièce toutes

connaît une assez grande renommée aux Pays-Bas grâce à son opéra Wake, inspiré

leurs idées. En effet, moins celle-ci comprend d’idées, plus elle devient forte.  »

Richard Rijnvos, l’un des compositeurs en résidence de l’Orchestre Royal du

nouvelle œuvre) ne sont pas chantés mais récités via une bande son en persan ce

Concertgebouw, compose Antarctique pour un lieu très particulier, le réservoir à

qui a un effet aliénant. Dans cette voix électronique rien n’est corps étranger :

gaz d’une usine à gaz, la Westergasfabriek, ancien terrain industriel d’Amsterdam.

rythme et modulations sonores de la voix sont souvent imités par les instruments

De façon exceptionnelle, l’Orchestre Royal du Concertgebouw échange donc pour

acoustiques de l’orchestre. Le pupitre des percussions est vaste et comprend des

l’occasion sa salle au Concertgebouw contre cette coupole ronde industrielle.

instruments tels que cymbales chinoises, wind gong et bongo. Le titre Circle

Rijnvos fait un usage intéressant de la forme parfaitement ronde de cet espace.

Map fait référence aux cycles d’harmonie utilisés par Saariaho mais aussi à une

Dans son œuvre nommée Antarctique, douze percussionnistes sont placés à égale

analyse scientifique des systèmes rotatoires. Cela paraît complexe mais Circle Map

distance afin de former une « horloge » qui encercle et enveloppe ainsi au niveau

est en même temps une ode aux derviches tourneurs des soufis qui par leurs

sonore l’orchestre et le public. Le cercle polaire antarctique est aussi représenté,

mouvements tournoyants recherchaient l’extase religieuse. Comme Insomnium de

là où tous les fuseaux solaires se joignent au pôle sud et où toute notion de temps

Glanert, Circle Map commence par des sons aigus mystérieux qui attirent l’auditeur

s’évapore. L’orchestre parcourt une «  spirale d’harmonies  » provenant de

vers un monde étrange. Chaque mouvement possède un caractère propre, basé

l’empilement des sons selon le cercle des quintes. Antarctique termine d’après le

sur la poésie qui l’accompagne  : le compositeur conseille à l’auditeur de lire le

compositeur «  lorsque est atteint ce point ultime et magique dans le temps et

texte avant l’écoute. On entend ainsi des bruits de pas dans le troisième

l’espace  : durant les dernières minutes on entend résonner le temps qui passe

mouvement, « Circles », qui font référence à la première ligne des vers : « Marche

dans le sens inverse des aiguilles d’une montre sur douze woodblocks disposés en

vers la source ». Dans le cinquième mouvement, « Dialogue », la voix enregistrée

cercle. Le dernier coup résonne sur chacun d’eux, comme si toutes les heures de la

sur la bande est tout d’abord déformée jusqu’à une tessiture de voix de femme,

journée entraient en collision les unes contre les autres. » Dans les dix dernières

pour donner ensuite réponse dans un registre de basse. Le dernier mouvement

minutes qui précèdent ce moment-là, un «  cantus firmus  » sans cesse répété

semble constituer la clé de l’œuvre entière : la musique est ici décrite comme une

évoque un paysage sonore empreint de vents âpres et de perspectives pures.

force indispensable. La partition atteint le sommet de sa sensualité avec des solos se développant de façon organique, en commençant par le basson. Tout mijote et

Kaija Saariaho Circle Map

bouillonne jusqu’au dernier fade-out.

Avec Esa-Pekka Salonen et Magnus Lindberg, Kaija Saariaho fait partie des

Floris Don Traduction: Clémence Comte

compositeurs finnois les plus progressistes de sa génération. Son œuvre se caractérise par une exploration particulièrement fine des timbres. Au moyen des techniques de l’informatique, entre autres acquises au sein de l’IRCAM à Paris, elle obtient des résultats inouïs dans le domaine de l’exploration sonore. Elle parvient ainsi à ouvrir des mondes mystérieux de la musique, comme on peut le voir dans L’amour de loin et Emilie, œuvres de théâtre musical complexes et sensuelles. Circle Map, œuvre orchestrale vertigineuse co-commandée par rien moins que six orchestres à l’initiative de l’Orchestre Royal du Concertgebouw, témoigne également d’une analyse extrême des timbres. Un certain nombre de poèmes de Rumi, poète persan du 13ème siècle, constitue la base de la musique. Ces poèmes (encore plus anciens que le manuscrit chypriote sur lequel MacMillan a basé sa

RCO Live – Horizon 4


physischen Beschreibungen wohl durchaus einverstanden. ‘Ich verstehe meine Partituren gern als ein Muskelpaket, eine organische Einheit, die sich bewegt und

Anonymous Hodie puer nascitur (orch. James MacMillan)

wächst. Die These, der zufolge Musik rein strukturell sein sollte, erscheint mir

Der berühmte schottische Komponist James MacMillan spielt auch in der Welt der

inakzeptabel. Meinem Werk liegen Wachstumsprozesse zugrunde. Ich denke von

niederländischen Musik eine bedeutende Rolle: er war ständiger Gastdirigent der

einem inneren Prinzip ausgehend. Musik entsteht innerhalb von Menschen, und

Radio-Kammer­philharmonie und schrieb mit für das Königliche Concertgebouw

sie wird für Menschen geschrieben. Die launische menschliche Natur der Musik

Orchester die aufsehenerregende St. John Passion. Die katholische Religion spielt

lässt sich nicht einfach ausradieren.’ Insomnium (‚Traum‘) ist eine Vorstudie zu

in fast seinem gesamten Werk, sowohl vokal als auch instrumental, eine Rolle. So

Glanerts Oper Solaris nach demselben Zukunftsroman, wie der gleichnamige

beruht MacMillans immens populäres Schlagzeugkonzert Veni, Veni, Emmanuel

Tarkowski-Film. In diesem Werk will Glanert ‘dem Hörer die Hand reichen und ihn

(1992) auf einer französischen Hymne aus dem fünfzehnten Jahrhundert. Für das

in eine Welt einführen; ich will ihn hinein versetzen, so dass er die Zeit vergisst.’

Concertgebouw Orchester schrieb MacMillan ein funkelndes, märchenhaftes

Treffend, denn das geschieht im Roman Solaris ebenfalls: Besucher eines fremden

Arrangement für Chor und Ensemble von der Antiphon Hodie puer nascitur/Homo

Planeten werden zum Wahnsinn getrieben, weil ihre Erinnerungen manipuliert

mortalis firmiter aus einem Zypernmanuskript aus der Zeit um 1390. In der

werden und lebensecht zu sein scheinen. Musikjournalist Joep Stapel war nach

polyphonen Schichtung der spätmittelalterlichen Musik kennt MacMillan sich

der niederländischen Premiere begeistert: ‘Höhepunkte: das Streicherensemble in

gut aus. Wie der Komponist erklärt: ‘Ich neige dazu, mir zwei oder drei Elemente

der Mitte, und die magische Weise, in der sich eine Art von satanisch orchestralem

gleichzeitig vorzustellen. Ich experimentiere viel mit der Gleichzeitigkeit von

Gesprächsklang plötzlich in ein pastorales Holzbläsermotiv verwandelt.’ Aber auch

Elementen oder Handlungslinien [...] Es erscheint mir wichtig, dass verschiedene

die Anfangstakte sind äußerst faszinierend: mit scheinbar unschuldigen

Schichten vorhanden sind, die alle deutlich hörbar sind, so dass das Publikum die

Violinphrasen wird der Hörer betäubt und anschließend entführt.

Zusammenhänge zwischen ihnen nicht verliert. Auch wenn manche Hörer sich eben daran gewöhnen müssen, dass es verschiedene Vordergründe gibt.’ Im

Klaas de Vries Providence

erklingenden Endergebnis wird in Hodie puer nascitur ein zeitlicher Abstand von

Auch das neue Werk Providence von Klaas de Vries verweist auf einen alten Film:

sechs Jahrhunderten überwunden: mittelalterliche Intervalle erglühen im

Providence von Alain Resnais. Der Film aus dem Jahre 1977 beeindruckte De Vries

glänzend modernen Orchesterapparat.

sehr, aber als er Providence zur Vorbereitung auf sein neues Orchesterwerk noch einmal sehen wollte, war der Film nicht mehr aufzutreiben. ‘Also musste ich auf

Detlev Glanert Insomnium

meinen außerordentlich unzuverlässigen Erinnerungen aufbauen,’ sagt De Vries.

Der deutsche Komponist Detlev Glanert ist kein Mann kleiner Gesten. Betrachten

Was insbesondere erhalten geblieben war: die Atmosphäre. Ein älterer Mann,

wir sein Orchesterwerk Theatrum Bestiarum: das beginnt mit einem Sperrfeuer

gespielt von John Gielgud, befindet sich an einem phantastischen Ort, in einer

orchestraler Gewalt, wo­raufhin gleich heimtückisch schleichende Klänge des

Villa an der Küste. Er ist sehr krank und weiß, dass er höchstens noch einige

Kontrafagotts folgen, ehe wieder eine Anzahl von Schlagzeugschüssen gelöst wird

Monate leben wird. Aber, so erinnert sich De Vries: ‘Es ist kein Trauerfilm, die

(das Werk ist auf ‘Horizon 1’ von RCO Live zu hören). Auch die Schallstöße, die das

Vitalität spielt eine Hauptrolle. Der Hauptdarsteller gibt den Kampf nicht auf, und

Orchester in Fluss ohne Ufer hervorbringt, sind zuweilen physisch spürbar, und die

er kann auch enorm gegen den Verfall wettern. Jede Vorsehung (‘Providence’) führt

Todesschreie in seiner Oper Caligula gehen durch Mark und Bein. Glanert, einer der

jedoch zum selben Ende.’ Klaas de Vries, Schüler von Otto Ketting, wurde in den

ständigen Hauskomponisten des Concertgebouw Orchesters, ist mit solchen

Niederlanden allgemein bekannt durch seine Oper Wake über die Feuerwerk-

katastrophe von Enschede. Wake war ein stellenweise grimmiges Requiem, voller

eine Komposition enthält, desto stärker wird sie gerade.’

Verzweiflung, Zorn und Abschied. Die kurz darauf folgende Providence hat ebenfalls

der Hauskomponisten des KCO, schrieb Antarctique für einen besonderen Ort: den

eine unheimische Stimmung. De Vries: ‘In diesem Werk wende ich eine Technik des

Gasbehälter der Westergasfabrik, ein früheres Industriegelände in Amsterdam.

Filmens an: das Zoomen. Zu Beginn entfaltet die Musik sich wie ein Fächer,

Ausnahmsweise vertauschte das Königliche Concertgebouw Orchester das ihm

verschiedene Themen kündigen sich an. Anschließend zoome ich tiefer in die

vertraute Concertgebouw mit dieser industriellen runden Kuppel. Rijnvos machte

Themen ein. Die Wendungen erklingen zuweilen überraschend, aber sie sind doch

dankbar Gebrauch von der perfekt runden Form dieses Raumes. In seinem

logisch, weil dazugehöriges Material schon zu Beginn angekündigt wird.’ Eigentlich

Antarctique sind zwölf Schlagzeuger in gleichen Abständen im Umfang des Kreises

erklingen in Providence zwei Arten der Musik: Das eher traditionelle symphonische

aufgestellt, um so eine ‘Uhr’ darzustellen, welche das Orchester und das Publikum

Werk und eine für gesonderte Instrumentengruppe geschriebene Ode an den

im Surround Sound umringt. So wird auch der Südpolkreis dargestellt, in dem alle

Soulkünstler James Brown, den De Vries sehr bewundert. Brown tanzt allmählich in

Zeitzonen am Südpol zusammentreffen und jeglicher Zeitbegriff verdunstet. Das

das Stück hinein, das lyrische Orchesterwerk unterliegt danach. ‘Der Schluss ist ein

Orchester durchläuft eine ‘Spirale von Harmonien’, die durch das Stapeln der Töne

Spiel: wer behält das letzte Wort? Diesen Konflikt habe ich dramatisiert, indem ich

entsprechend dem Quintenzirkel entstehen. Antarctique endet gemäß dem

den Schlagzeuger Friso van Wijck in das Orchester setze, innerhalb des Orchesters

Komponisten ‘mit dem Erreichen dieses äußersten, magnetischen Punktes in Zeit

einfüge, der zum Teil improvisiert und auf seine Umgebung reagiert.’ Die übrigen

und Raum: in der letzten Minute hören wir auf zwölf im Kreis aufgestellten

‘Brown-Instrumentalisten’ bestehen aus einem Klavier, zwei Harfen und Cymbalon,

Woodblocks, wie die Zeit forttickt, dem Uhrzeigersinn entgegen. Der letzte Schlag

die zusammen wohl etwa so wirken wie eine elektrische Gitarre. Ob es hier auch

erklingt auf jedem von ihnen, als ob alle Stunden des Tages gegeneinander

einen Zusammenhang mit dem Film Providence gibt? Nein, antwortet De Vries, auch

aufprallen.’ In den Dutzenden Minuten, die dem vorangehen, beschwört ein

wenn die rohe Vitalität von Brown und Darsteller Gielgud vielleicht eine implizite

ständig wiederholter ‘Cantus firmus’ eine Klanglandschaft voll rauer Winde und

Übereinstimmung darstellt. ‘Ich bin ein Fan von Brown und wollte ihn schon seit

frostiger Panoramen.

langer Zeit in meiner Musik verarbeiten. Das ist nicht unbedingt als polemischer

Kommentar zu hoher und niederer Kunst gemeint. Allerdings wollte ich eine

Kaija Saariaho Circle Map

gewisse Spannung hervorrufen. Gegenwärtig wird so viel ‘Altmännermusik’

Kaija Saariaho gehört zusammen mit Esa-Pekka Salonen und Magnus Lindberg zu

komponiert. Sehr brav, vor allem nicht mit der Absicht, jemanden vor den Kopf zu

den fortschrittlichsten Komponisten ihrer finnischen Generation. Ihr Werk ist


gekennzeichnet von einer äußerst feinfühligen Erkundung des Timbres. Mit Hilfe

Richard Rijnvos, einer

von Computertechniken, unter anderem am IRCAM in Paris erlernt, erreicht sie Richard Rijnvos Antarctique

unglaubliche Resultate im Erkunden von Klangfarben. Damit gelingt es ihr,

Antarctique von Richard Rijnvos ist Bestandteil der den sieben Kontinenten

geheimnisvolle Welten der Musik zu erschließen, wie schon früher aus ihren

gewidmeten Reihe Grand Atlas - représentation du monde universel en sept tableaux

komplex sensuellen Werken für das Musiktheater L’amour de loin und Émilie

musicaux. Dieses Denken in überkuppelnden Zyklen ist kennzeichnend für Rijnvos,


der in den Jahren 2000 und 2011 mit dem angesehenen Matthijs-Vermeulen-Preis


verliehen wurde. ‘Ich schreibe schon seit Jahren keine einzelnen Stücke mehr,’

Concertgebouw Orchesters von nicht weniger als sechs Orchestern als

sagt Rijnvos. ‘Ein Fehler, den beginnende Komponisten häufig machen, ist der,

Gemeinschaftsauftrag erteilt wurde. Eine Anzahl Gedichte des persischen Dichters

alle entstandene Ideen in einem einzigen Stück unterzubringen. Je weniger Ideen

Rumi aus dem 13. Jahrhundert liegt dieser Musik zugrunde. Diese Gedichte (noch


weitreichender Orchesterwerk

Timbre-Analyse Circle Map,


bezeugt auf





älter als das mittelalterliche zypriotische Manuskript, auf dem MacMillan sein

RCO Live – Horizon 4


neues Werk basierte) werden nicht gesungen, sondern über ein Tonband in persischer Sprache gesprochen. Das hat einen verfremdenden Effekt. Auch wenn

Anonymous Hodie puer nascitur (orch. James MacMillan)

diese elektronische Stimme kein Fremdkörper ist: Rhythmus und Tonbewegungen

De vermaarde Schotse componist James MacMillan speelt ook in het Nederlandse

der Stimme werden von den akustischen Instrumenten des Orchesters oft imitiert.

muziekleven een belangrijke rol: hij was vaste gastdirigent van de Radio Kamer

Das Schlagzeug ist umfangreich, mit exotischen Instrumenten, wie chinesischen

Filharmonie en schreef mede voor het Koninklijk Concertgebouworkest de

Cymbala, Windgong und Bongo. Der Titel Circle Map verweist auf die Zyklen der

opzienbarende St. John Passion. Het katholieke geloof speelt een rol in bijna al zijn

Harmonien, die Saariaho verwendet, sowie auf eine mathematische Analyse

werk, vocaal én instrumentaal. Zo is MacMillans immens populaire slagwerkconcert

rotierender Systeme. Das klingt komplex, aber Circle Map ist zugleich eine Ode an

Veni, Veni, Emmanuel (1992) gebaseerd op een vijftiende-eeuwse Franse hymne.

die wirbelnden Derwische der Sufis, die mittels ihrer drehenden Bewegungen

Voor het Concertgebouworkest maakte MacMillan een twinkelend, sprookjes-

eine religiöse Ekstase erstrebten. Ebenso wie Glanerts Insomnium, beginnt auch

achtig arrangement voor koor en ensemble van het antifoon Hodie puer nascitur/

Circle Map mit mysteriösen hohen Tönen, die den Hörer in eine fremde Welt hinein

Homo mortalis firmiter uit een Cyprus-manuscript van omstreeks 1390. Met de

locken. Jeder Satz hat seinen eigenen Charakter, basiert auf der begleitenden

polyfone gelaagdheid van de laat-Middeleeuwse muziek weet MacMillan wel

Poesie: der Komponist empfiehlt dem Hörer, vor dem Hören den Text zu lesen. So

raad. Zoals de componist toelicht: ‘Ik heb de neiging om me twee of drie elementen

erklingen im dritten Satz von ‘Circles’ Fußschritte, die auf die erste Gedichtzeile

tegelijkertijd voor te stellen. Ik experimenteer veel met gelijktijdigheid van

hinweisen ‘Laufe zum Brunnen.’ Im fünften Satz ‘Dialog’ wird die Stimme auf dem

elementen of verhaallijnen [...] Ik vind het belangrijk dat er verschillende lagen

Band zunächst in weibliche Höhe verformt, um anschließend im Bassregister zu

aanwezig zijn die allemaal duidelijk hoorbaar zijn, zodat het publiek de verbanden

antworten. Der letzte Satz scheint der Schlüssel zum ganzen Werk zu sein: hier

ertussen niet verliest. Ook al is het voor sommige luisteraars wel even wennen

wird Musik als eine Kraft beschrieben, ohne die wir nicht sein können. Die Partitur

dat er verschillende voorgronden zijn.’ In het klinkende eindresultaat wordt in

erreicht maximale Sensualität mit organisch wachsenden Soli, beginnend im

Hodie puer nascitur een tijdsafstand van zes eeuwen tenietgedaan: Middeleeuwse

Fagott. Alles gärt und braust bis zum letzten Ausblenden.

intervallen gloeien op in het glanzend moderne orkestapparaat.

Floris Don Übersetzung: Erwin Peters

Detlev Glanert Insomnium De Duitse componist Detlev Glanert is geen man van het kleine gebaar. Neem zijn orkestwerk Theatrum Bestiarum: dit opent met een spervuur van orkestraal geweld, meteen gevolgd door geniepig sluipende contrafagotklanken alvorens weer een aantal slagwerkschoten te lossen (het werk is te horen op ‘Horizon 1’ van RCO Live). Ook de geluidschokken die het orkest voortbrengt in Fluss ohne Ufer zijn soms fysiek voelbaar, en de doodskreten in zijn opera Caligula gaan door merg en been. Glanert, één van de vaste huiscomponisten van het Concertgebouworkest, kan zich wel vinden in dergelijke fysieke omschrijvingen. ‘Ik zie mijn partituren graag als een spierbundel, een organisch geheel dat beweegt en groeit. De these

dat muziek puur structureel zou zijn vind ik onacceptabel. Aan mijn werk liggen

groeiprocessen ten grondslag. Ik denk vanuit een innerlijk principe. Muziek komt

wendingen klinken soms onverwacht maar zijn toch logisch, omdat daarbij

voort uit mensen, en is geschreven voor mensen. De grillige menselijke natuur

behorende materiaal reeds aan het begin wordt aangekondigd.’ Eigenlijk klinken

van muziek valt niet uit te vlakken.’ Insomnium (‚droom‘) is een voorstudie voor

in Providence twee muzieken: Het meer traditionele symfonische werk, en een

Glanerts opera Solaris, naar dezelfde sf-roman als de gelijknamige Tarkovski-film.

voor aparte instrumentgroep geschreven ode aan de soulartiest James Brown die

In dit werk wil Glanert ‘de luisteraar bij de hand nemen en een wereld in leiden;

De Vries zeer bewondert. Brown komt langzaam het stuk binnendansen, het

ik wil hem naar binnen voeren zodat hij de tijd vergeet.’ Toepasselijk, want dat

lyrische orkestwerk delft daarna het onderspit. ‘Het slot is een spel: wie krijgt het

gebeurt in de roman Solaris eveneens: bezoekers van een vreemde planeet worden

laatste woord? Dit conflict heb ik gedramatiseerd door de drummer Friso van

tot waanzin gedreven omdat hun herinneringen gemanipuleerd worden en

Wijck in het orkest te plaatsen, binnen het orkest aan te stellen, die deels

levensecht lijken. Muziekjournalist Joep Stapel was na de Nederlandse première

improviseert en reageert op zijn omgeving.’ De overige ‘Brown-instrumentalisten’

enthousiast: ‘Hoogtepunten: het strijkensemble halverwege, en de magische

bestaan uit een piano, twee harpen en cymbalon, die tezamen wel iets weg

wijze waarop een soort satanische orkestrale ingesprektoon plotseling verandert

hebben van de klank van een elektrische gitaar. Of dit ook een connectie heeft

in een pastoraal houtblazersmotief.’ Maar ook de beginmaten zijn hoogst

met de film Providence? Nee, zegt De Vries, al is de rauwe vitaliteit van Brown en

intrigerend: met schijnbaar onschuldige vioolfrasen wordt de luisteraar bedwelmd

acteur Gielgud misschien een impliciete overeenkomst. ‘Ik ben fan van Brown en

en daarna ontvoerd.

wilde hem al heel lang verwerken in mijn muziek. Dit is niet per se bedoeld als polemisch commentaar op hoge en lage kunst. Wel wilde ik een zekere spanning

Klaas de Vries Providence

aanbrengen. Er wordt op dit moment zo veel ‘oudemannenmuziek’ gecomponeerd.

Ook het nieuwe werk Providence van Klaas de Vries verwijst naar een oude film:

Erg braaf, vooral niet bedoeld om iemand voor het hoofd te stoten.’

Providence van Alain Resnais. De film uit 1977 maakte ooit grote indruk op De Vries, maar toen hij Providence ter voorbereiding op zijn nieuwe orkestwerk

Richard Rijnvos Antarctique

opnieuw wilde zien, bleek deze nergens meer verkrijgbaar. ‘Dus moest ik afgaan

Antarctique van Richard Rijnvos maakt deel uit van een aan de zeven continenten

op mijn buitengewoon onbetrouwbare herinneringen,’ zegt De Vries. Wat vooral

gewijde reeks Grand Atlas - représentation du monde universel en sept tableaux

is blijven hangen: de sfeer. Een oudere man, gespeeld door John Gielgud, bevindt

musicaux. Dat denken in overkoepelende cycli is typisch Rijnvos, aan wie in 2000

zich op een fantastische locatie, een villa aan de kust. Hij is ernstig ziek en weet

en 2011 de prestigieuze Matthijs Vermeulenprijs werd toegekend. ‘Ik schrijf al

dat hij nog hooguit een paar maanden te leven heeft. Maar, herinnert De Vries:

jaren geen losse stukken meer,’ aldus Rijnvos. ‘Een veel voorkomende fout die

‘Het is geen rouwfilm, vitaliteit speelt een hoofdrol. De hoofdpersoon blijft

beginnende componisten maken, is om alle ontstane ideeën in één stuk te willen

vechten, en kan ook ontzettend schelden tegen het verval. Elke voorzienigheid

gebruiken. Hoe minder ideeën een compositie bevat, hoe sterker deze juist

(‘providence’) leidt echter naar hetzelfde einde.’ Klaas de Vries, leerling van

wordt.’ Richard Rijnvos, huiscomponist van het KCO, schreef Antarctique voor

Otto Ketting, kreeg in Nederland bredere bekendheid met zijn opera Wake over de

een bijzondere locatie: de Gashouder van de Westergasfabriek, een voormalig

vuurwerkramp in Enschede. Wake was een bij vlagen grimmig requiem, vol

industrieterrein in Amsterdam. Bij uitzondering verruilde het Koninklijk Concert-

wanhoop, woede en afscheid. Het kort daaropvolgende Providence kent eveneens

gebouworkest haar vertrouwde Concertgebouw voor deze industriële ronde

een unheimische sfeer. De Vries: ‘In dit werk pas ik een filmische techniek toe:

koepel. Rijnvos maakte dankbaar gebruik van de volmaakt ronde vorm van deze

inzoomen. Aan het begin vouwt de muziek zich als een waaier open, verschillende

ruimte. In zijn Antarctique zijn twaalf slagwerkers op gelijkmatige afstand in de

thema’s kondigen zich aan. Vervolgens zoom ik dieper op die thema’s in. De

omtrek van de cirkel opgesteld, om zo een ‘klok’ te vormen die orkest en publiek

in surround sound omringt. Zo wordt ook de Zuidpoolcirkel verbeeld, waar alle

met mysterieuze hoge tonen die de luisteraar een vreemde wereld binnenlokken.

tijdzones op de Zuidpool samenkomen en elk besef van tijd verdwijnt. Het orkest

Elk deel heeft een eigen karakter, gebaseerd op de begeleidende poëzie: de

doorloopt een ‘spiraal van harmonieën’, die ontstaan uit het stapelen van de

componiste raadt de luisteraar aan de tekst vóór beluistering te lezen. Zo klinken

tonen volgens de kwintencirkel. Antarctique eindigt volgens de componist ‘met

er voetstappen in het derde deel ‘Circles’, verwijzend naar de eerste dichtregel

het bereiken van dit ultieme, magnetische punt in tijd en ruimte: in de laatste

‘Loop naar de bron.’ In het vijfde deel ‘Dialoog’ wordt de stem op band allereerst

minuut horen we op twaalf in een cirkel opgestelde woodblocks de tijd wegtikken,

vervormd tot vrouwelijke hoogte, om daarna in het basregister antwoord te

tegen de klok in. De laatste slag klinkt op elk van hen, alsof alle uren van de dag

geven. Het laatste deel lijkt de sleutel tot het gehele werk: hier wordt muziek

tegen elkaar opbotsen.’ In het tiental minuten dat daaraan voorafgaat, wordt

omschreven als een kracht waar we niet zonder kunnen. De partituur bereikt

door een alsmaar herhaalde ‘cantus firmus’ een klanklandschap opgeroepen vol

maximale sensualiteit met organisch groeiende solo’s, beginnend in de fagot.

gure winden en barre vergezichten.

Alles broeit en bruist tot de laatste fade-out.

Floris Don

Kaija Saariaho Circle Map Kaija Saariaho behoort samen met Esa-Pekka Salonen en Magnus Lindberg tot de meest vooruitstrevende componisten van haar Finse generatie. Haar werk kenmerkt zich door een uiterst fijnzinnige verkenning van timbre. Met behulp van computertechnieken, onder meer opgedaan aan het IRCAM in Parijs, bereikt ze ongehoorde resultaten in klankkleurverkenning. Daarmee weet ze mysterieuze werelden van muziek te openen, zoals eerder bleek uit haar complex sensuele muziektheaterwerken L’amour de loin en Émilie. Van vergaande timbre-analyse getuigt ook haar duizelingwekkende orkestwerk Circle Map, dat op initiatief van het Concertgebouworkest door liefst zes orkesten als co-opdracht werd verstrekt. Een aantal gedichten van de 13e-eeuwse Perzische dichter Rumi ligt ten grondslag aan deze muziek. Die gedichten (nog ouder dan het Middeleeuwse Cypriotische manuscript waarop MacMillan zijn nieuwe werk baseerde) worden niet gezongen maar via een geluidsband in het Perzisch uitgesproken. Dat heeft een vervreemdend effect. Al is die elektronische stem geen Fremdkörper: ritme en toonbewegingen van de stem worden door de akoestische instrumenten van het orkest vaak geïmiteerd. Het slagwerk is omvangrijk, met exotische instrumenten als Chinese cymbalen, wind gong en bongo. De titel Circle Map verwijst naar de cycli van de harmonieën die Saariaho gebruikt, alsook naar een wiskundige analyse van roterende systemen. Dat klinkt complex, maar Circle Map is tevens een ode aan de wervelende derwisjen van de soefi’s, die middels hun draaiende bewegingen religieuze extase nastreefden. Net als Glanerts Insomnium begint ook Circle Map Colophon producer, recording engineer, & editor Everett Porter  | editor Jonas Haeger | assistant engineers Ientje Mooij, Jean-Marie Geijsen, Elwin Dorlas, Abbe Dijkstra | recording facilities  Polyhymnia International & Eurosound (Rijnvos & Saariaho), Dutchview (MacMillan) | microphones Neumann and Schoeps with Polyhymnia custom electronics | 88.2 kHz PCM recording with Benchmark AD converters | editing & mixing Merging Technologies Pyramix, monitored on B&W Nautilus speakers | design Atelier René Knip & Olga Scholten, Amsterdam. RCO 14001

photo: Simon van Boxtel photo: Catrin Moritz

photo: Luk van Eeckho

Paul van Nevel

Markus Stenz

Royal Concertgebouw Orchestra

Martyn Brabbins

photo: Sasha Gusov

photo: Simon Fowler

photo: Michael Tammaro

David Robertson

Susanna M채lkki

Royal Concertgebouw Orchestra 1 Anonymous Hodie puer nascitur (orch. James MacMillan)


Huelgas Ensemble Paul van Nevel, conductor | Martyn Brabbins, conductor 2 Detlev Glanert Insomnium


Markus Stenz, conductor 3 Klaas de Vries Providence


David Robertson, conductor 4 Richard Rijnvos Antarctique


(from Grand Atlas - représentation du monde universel en sept tableaux musicaux) Susanna Mälkki, conductor  5 - 10

Kaija Saariaho Circle Map

2 6:24

Arshia Cont, recitant | Susanna Mälkki, conductor total playing time


Recorded Live at Concertgebouw Amsterdam on 13 April 2012 (MacMillan); 15 and 16 November 2011 (Glanert); 26 and 27 January 2012 (De Vries). Recorded Live at Westergasfabriek, Amsterdam 22 and 23 June 2012 (Rijnvos and Saariaho) Music Publishers: Boosey & Hawkes (MacMillan, Glanert); Deuss Music (De Vries); Éditions R2 (Rijnvos); Chester Music Ltd (Saariaho), all represented by Albersen verhuur vof, The Hague. All rights of the producer and the owners of the works reserved. Unauthorized copying, hiring, lending, public performance and broadcasting of this audio recording and other works protected by copyright embedded in this cd are strictly prohibited. Copyright Koninklijk Concertgebouworkest 2014. Made in The Netherlands. RCO 14001

Royal Concertgebouw Orchestra, Mariss Jansons - Horizon 5 (Live)_Booklet