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This is the story of Iran. Or – at least – a partial musical history, hidden within the pages and currents of time. This collection reflects on secret nooks and crannies, which arose from another time, another place. The composers, born between 1928 and 1958, grew up in a completely different world. They have been gathered together, so that the listener can hear an expression of a time and context that seems exceedingly far away. Notwithstanding, it is necessary to undo this oversight, and to extract the music from the middle of a pile of dust, like a buried treasure; to hear the result of all this learning and direct our attention to what the past may have been.

The composers represented by the works in this collection – presented according to their works’ chronology – had very different ideas about musical perception, and about their relationship to music. Far from a national school of composers, which we might have called “Iranian composers,” with shared roots in the classical music of the Occident, each composer relates to schools and styles (and especially to countries) according to the place where he or she studied. Each is representative of a common chapter, but also reveals a unique mixture of influences: his or her self-expression, the musical heritage of Iranian culture, and techniques, materials, and the building blocks of occidental classical music. The works show how this well established and developed European language can resonate through an Iranian creator. Despite the diversity of this collection, we find a very limited sample of what – in Iran or through the mediation of Iranians – we wrote for the piano. The collection is a contribution towards preserving this precious treasure, lest it fall into oblivion, like many similar works whose only remaining trace is its title – and sometimes even that disappears. This project is an open invitation to other performers to meet the challenge, and include these works in their repertoire. It is necessary to make the works known to the public, to share these compositions’ many facets, and to proffer them to future generations. The listening experience, not to be neglected, and the bringing together of the world’s different musical aesthetics, will shed light on a part of our musical history. It is destined for those who care about instrumental music, the piano in particular, and who are receptive to discoveries, to new and unknown cultural vistas. There are moments in time that last a generation, that send sparks flying, and that signal a fire in the distance. Today, these sparks nourish us while we await others, which will lead us to the source of the fire. Arvin Sedaghatkish


When we consider urban Iranian music of the 20th century, the piano is unquestionably one of the most culturally influential actors and symbols. The piano first appeared in Iran as a gift from Napoleon Bonaparte, to the court of King Fath’Ali Shah (Qajar dynasty, 1797–1834). It was then progressively incorporated by the master court musicians of Nassereddin Shah (Qajar, 1848–1896); the process took a mere 50 years.

In 1860, a “music division” was created within Dar ul-Funun School (Iran’s first modern university) specifically dedicated to the teaching of military music. As military attachés were recruited from Austria, Italy, and France, the piano became a required second instrument. Above all, it was the perfect tool for teaching music theory, dictation and harmony. In contrast, virtually none of the Iranian social classes were exposed to European repertoire, piano technique or piano pedagogy until the end of the 19th century. It would take several years before the piano would become more widely known as an instrument for the interpretation of European classical music. As cultural relations between Iran and the Occident were limited, in particular with respect to music and musical pedagogy, Iranian unfamiliarity with the piano and its repertoire endured. It wasn’t until 1934 – with the creation of the first national conservatory of classical music – that the void was filled, and Iranian students could enjoy serious academic training. However the teachers, in large part from Czechoslovakia, were not professional pianists. As a result, the most talented students were sent abroad to continue their musical and instrumental studies, after initial training in Iran.

The economic growth and development of Iran in the 1960’s led to wider access to the piano among the middle class; the instrument was no longer reserved for the Persian elite. Teaching methods grew more advanced and sophisticated. European professors started to visit Iran and guide the most gifted students. The recognition of the piano and of classical music was encouraged and accelerated by radio, then television programs dedicated to the piano and to classical music. Other factors include new specialist magazines about the piano and its performers, and the increasing presence of vinyl records. A new generation of musicians, recent graduates of the conservatory, began to emerge. Initially attracted to a pianist’s career, many discovered composition, and found it just as attractive. For ten successive years starting in 1967, the Shiraz-Persepolis Arts Festival became a meeting point of pianists and musicians from around the world. The festival was a melting pot of international musical culture, alongside traditional Persian music, providing a national platform for rich, artistic diversity of the highest standard.


1979 marks a turning point in Iran’s history: there was a sharp decline in classical music education and production, and a new emphasis on traditional Iranian music and instruments. However, since the early 2000’s, and particularly today, a younger generation of composers is emerging, perhaps even more active and varied than their predecessors.

Western instruments like the flute, the violin, and the clarinet effortlessly integrated into the modal landscape of traditional Persian music. Therefore it is remarkable that the piano – the solo instrument par excellence – has such a privileged place for Iranian musicians today. It remains the perfect instrument for composers to experiment, to push their creativity and expression to the limits, allowing them to break free of historical and cultural context. With the piano, Iranian composers grasped new concepts such as polyphony, range and dynamics in interpretation. For the first time, they discovered the complexity of playing several voices with both hands simultaneously, leading to a new architectural, formal, and programmatic vision of musical composition, more elaborate than the familiar monophonic, melodic musical approach. A new world was revealed to them through the piano. The discovery of this alternative creative dimension has affected and influenced not only Iranian musicians who studied at universities and conservatories, but also musicians who practice traditional Persian folk music. Alireza Miralinaghi (b. 1966): Musicologist, music journalist, historian, contemporary Persian music teacher.


Behzad Ranjbaran was born in 1955 in Tehran. He began music studies at Tehran Conservatory of Music at age nine. In 1974 he left Iran for the United States, where he attended Indiana University, before receiving a doctorate in composition from the Juilliard School. His evocative, colorful music is known for its structural and formal integrity. He frequently draws inspiration from his Persian heritage in form or subject matter, as exemplified by his Persian Trilogy of tone poems, his Violin Concerto and Songs of Eternity. His Violin Concerto received ASCAP’s Rudolf Nissim Prize in the US.

Ranjbaran’s music has been performed by internationally acclaimed soloists such as Joshua Bell, Renée Fleming, Jean-Yves Thibaudet, and Yo-Yo Ma. Renowned conductors who have performed his music include Charles Dutoit, Yannick Nézet-Séguin, Marin Alsop, Robert Spano, Gerard Schwarz, JoAnn Falletta, Miguel Harth-Bedoya, David Robertson, and others. His compositions have been commissioned and premiered by prestigious ensembles including the Philadelphia Orchestra, the Seattle Symphony Orchestra, the Royal Liverpool Philharmonic Orchestra, the Indianapolis Symphony Orchestra and the Atlanta Symphony Orchestra. He also served as composer in residence for the Philadelphia Orchestra’s summer season at Saratoga, the Fort Worth Symphony, and the Cabrillo Festival of Contemporary Music. He is currently on faculty at the Julliard School.

Nocturne’s opening is inspired by the sound of the Santoor, an Iranian hammered dulcimer instrument. The piece portrays a night – both calm and troubled – in a Persian garden, replete with the smell of jasmine, colored by the stars and moon. The melodic motif is based on four notes, D–C–Bb–A, and a distinctive rhythmic pattern, which are combined in the final measures.

Composer and conductor Iradj Sahbai was born in 1945 in Tehran. At age 10 he was admitted to the Tehran Conservatory of Music. He continued his studies at the Paris and Strasbourg Conservatories with Olivier Messiaen (composition) and Jean-Sébastien Bereau (conducting), and graduated with the highest distinction. He also studied with Pierre Dervaux in Nice and Milan Horvat in Salzburg. In 1986 Sahbai founded the Schiltigheim Chamber Orchestra which he conducted for 11 years and with which he programmed and recorded 20th century repertory.

Iradj Sahbai has collaborated with the Paris Biennial, IRCAM, Nice’s MANCA Festival, the National Center for Musical Creation in Orléans, the Rhine Lyric Workshop, Strasbourg’s Musica Festival and numerous other festivals in Dresden, Krakow, Kiev, and Montreal. His works have been broadcast on Radio France’s France Musique and France Culture channels, and performed in Canada, the UK, Germany, Iran, Poland


and Ukraine. Sahbai was Music Director of the Tehran Symphony Orchestra for a season, and has guest conducted the Strasbourg Philharmonic Orchestra and London’s Royal Philharmonic Orchestra.

Three Folk Inventions are among his earliest works, completed at age 19. They were inspired by Iranian folk songs, as they were played and sung by street musicians in Tehran. The three pieces already demonstrate an evolution in Sahbai’s musical language.

The first piece is built around the popular song “Girl of Shiraz”. Sahbai’s version eschews development, but the unpolished treatment is balanced by harmonization and added colors. In the second piece, the composer gives free rein to his imagination by arranging a spurious popular song. The third piece is the most abstract, yet the recurring sequences are reminiscent of a popular song from Khorasan entitled "Rachid Khan".

Born in 1938 in Berlin, Fozié Majd played the piano from a young age. She graduated from the University of Edinburgh, then moved to Paris, where she studied ethnomusicology at the Sorbonne. She then received a French government scholarship to study composition with Nadia Boulanger. Majd received her first commission at age fourteen – for a ballet score – from Moreton Hall in the UK. At age 17 she participated in the United Nations “Board of Education and Global Citizenship” music program, as a pianist in London. During the 1970’s Fozié Majd undertook a major research project, classifying and recording the music from Iran’s provinces, which was later published as 9 CDs. As programmer of the Shiraz Arts Festival between 1972 and 1978, she had an international platform to introduce Iranian musicians to a wide international audience. Following the Iranian revolution, she remained in Iran, but stopped composing for nine years.

Her film scores for Iranian director’s Fereydoun Rahnema’s Siavash in Persepolis (1965) and Iran's Son is Unaware of His Mother (1973) received awards at the Locarno International Film Festival. In addition to film scores, she has composed orchestral, chamber, and solo piano music. Three CDs of her music for film and chamber orchestra are available, as well as four albums of solo piano works. She has also published several articles, as well as her dissertation about Iranian music, Nafirnameh.

Dialog 88 consists of three movements. The first is a dialogue between silence and melodic chords. The second is a game between the opening staccato in the left hand, and the right hand’s light, nimble melody, a playful theme which alternates between gaiety and melancholy. The work’s mood is characteristic of Iranian traditional music. The third movement is in free form, with bar lines dividing the different


sections. The reverberations of the tone clusters divulge the intended harmonic combinations, rewarding careful, intent listening.

Composer and conductor Nader Mashayekhi was born in Tehran in 1958. After graduating from the Tehran Conservatory of Music, he studied composition, conducting and electronic music at the Vienna Academy of Music, where he graduated with honors. In 2001 he founded the Austrian ensemble "Wien 2001", which he directed and with which he performed several classic works by Frank Zappa. From 2006 to 2007, Mashayekhi was the conductor of the Tehran Symphony Orchestra. His efforts to modernize the orchestra attracted the interest of Dutch filmmaker Frank Scheffer, which resulted in Scheffer’s 2009 documentary "To Be And Not To Be: The Tehran Symphony Orchestra."

Mashayekhi has been a faculty member of Tehran University, the Iranian University of Television and Radio, the Tehran University of Art and Tehran Conservatory of Music. His works have been performed by soloists such as Aurèle Nicolet, Jean-Pierre Rampal, Robert Aitken and by ensembles such as the Austrian Radio Symphony Orchestra, the Munich Radio Orchestra, the Berlin Radio Orchestra, the Bavarian Symphony Orchestra, and Tehran Symphony Orchestra. He has collaborated with Zwischen Töne, Klangforum Wien, and Berlin’s Work in Progress Ensemble. He has also instigated fusion music projects with Iranian traditional musicians Hossein Alizadeh and Houshang Zarif.

Study was composed in 1983, when Mashayekhi was particularly interested in serial music, the Darmstadt School and Pierre Boulez. Study is the last piece he wrote in this vein, before forging an individual style based on the theory of prime numbers. In writing this piece – based on aleatoric principles – the composer wished to show that aleatoric composition is inspired in part by serialism. The piece is dedicated to Pierre Boulez, whose musical and stylistic influence is undeniable. The piece won prizes from the Theodor Körner Foundation (1987) and the Alban Berg Foundation (1988). Born in 1929 in Tehran, Hormoz Farhat is a composer and ethnomusicologist. He is Emeritus Professor of Music and a Fellow of Trinity College Dublin. Farhat received a Bachelor’s Degree from the University of California at Los Angeles in 1953, a Master’s Degree from Mills College in California in 1955, and a PhD in composition and ethnomusicology from the University of California at Los Angeles in 1965. He studied composition with Darius Milhaud, Lukas Foss


and Roy Harris. During his stay in California, Farhat was Assistant Professor of Music at California State University, Long Beach, and then Associate Professor of Music at his alma mater, UCLA. On returning to Iran between 1970 and 1978 he became professor and head of the University of Tehran music department. He was also Vice-Chancellor at Tehran’s Farabi University, and Head of the Music Council of both the National Iranian Radio and Television Network, and the Shiraz Arts Festival.

Farhat moved to Northern Ireland in 1979 as a Senior Research Fellow at Queen’s University, Befast, then to the Republic of Ireland as the Chair, Professor and Head of the University of Dublin’s Trinity College School of Music, from 1981 to 1995. During his tenure he was a visiting professor at Harvard University and a guest lecturer at the universities of Michigan, Illinois, Indiana, Princeton, Stanford, UC Berkeley, Glasgow, Edinburgh, Durham, Amsterdam, Cologne, Warsaw, Ljubljana, Copenhagen, Stockholm and the Smithsonian Institution in Washington DC. His compositions have been performed widely by – among many others – the BBC Symphony Orchestra and English Chamber Orchestra, and in prestigious halls such as New York’s Carnegie Hall and Merkin Hall, and Strathmore Music Center (US). He is also the author of several books on Iranian traditional music.

Composed in 2008, each of the Five Bagatelles is composed in a different meter: Number one is in five beats per bar; Number two in six; Number three in seven; Number four in four; Number five in an irregular subdivision of a nine-beat bar (2 + 2 + 2 + 3).

Reza Vali was born in Ghazvin, Iran in 1952. He began his music studies at the Tehran Conservatory of Music. In 1972 he left for Austria and studied composition and music education at the Vienna Academy of Music. After graduation, he moved to the United States and continued his studies at the University of Pittsburgh, receiving his Ph.D. in composition and music theory in 1985. Reza Vali has been on faculty at Carnegie Mellon University’s School of Music since 1988.

He has received numerous honors and commissions, including an honorary prize from the Austrian Ministry of Arts and Sciences, two Andrew W. Mellon Fellowships, commissions from the Pittsburgh Symphony Orchestra, the Boston Modern Orchestra Project, the Pittsburgh New Music Ensemble, Kronos Quartet, the Seattle Chamber Players, and the Arizona Friends of Chamber Music, as well as grants from the Pennsylvania Council on the Arts and the Pittsburgh Board of Public Education. The Pittsburgh Cultural


Trust recognized him as an Outstanding Emerging Artist, and granted him their Creative Achievement Award.

Vali's orchestral compositions have been performed in the United States by the Pittsburgh Symphony, the Seattle Symphony, the Boston Modern Orchestra Project, the Baltimore Symphony, the Memphis Symphony Orchestra, and Orchestra 2001.

His chamber works have received performances by Cuarteto Latinoamericano, the Pittsburgh New Music Ensemble, Kronos Quartet, the Seattle Chamber Players, and the Da Capo Chamber Players. His music has been performed in Europe, China, Chile, Mexico, Hong Kong, and Australia. It is recorded on the Naxos, New Albion, MMC, Ambassador, Albany, and ABC Classics labels. Reminiscences was composed in 1986. The four movement piece explores the piano’s textural possibilities: each movement represents a particular texture, coupled with a distinct intervallic structure.

Born in 1955 in Shiraz Mohammad-Reza Darvishi graduated in composition from the University of Tehran in 1979, with high honors. A professor at several Iranian universities, he has lectured all over the world. Over a period of 30 years, Darvishi travelled extensively in Iran, in both urban and rural areas, in search of the roots of Iranian regional music. The fruit of this endeavor is The Encyclopedia of Iranian Musical Instruments which received the Society for Ethnomusicology’s (SEM) award for the best musical instrument publication of the year. Another aspect of Darvishi's research is his search for the surviving compositions of Abdolqade Maraqi, a 14th century Iranian composer. In 2005 Darvishi established the Abdolqader Maraqi Ensemble, to perform and publish the great composer’s works.

Apart from his Iranian musical research, Darvishi has composed numerous pieces for orchestra and chamber music that have been performed in Belgium, Iran, Ukraine, Russia and other countries. His publications include Twenty Folk Songs of Fars, Westward Look: A Discussion on the Impact of Western Music on the Iranian Music, Haft Orang, Tradition and Cultural Alienation in Iranian Music, and the aforementioned Encyclopedia of Iranian Musical Instruments.

Other important milestones in his output include Zemestan for voice and symphonic orchestra with Shahram Nazeri; Mowsemeh Gol for voice and symphonic orchestra with Iraj Bastami; Music of the Hormoz Islands in the Persian Gulf; the Showqnam project, featuring compositions attributed to


Abdolqader Maraqi; the album Janeh Oshaq; Gonbade Mina for voice and orchestra with Mohammad Reza Shajarian (a collaboration with Parviz Meshkatian). These works have all been recorded.

Darvishi wrote five piano pieces entitled Fantasy on a Note, Chord, Motif, Theme in 1977 when he was twenty-one. At the time he had left tonality behind and was researching atonality, serialism and other practices, including those of Messiaen, Penderecki and Cage. The suggestive presence of major thirds, a recurring theme in the work, links this new language to his earlier tonal compositions. Darvishi’s research on Iranian regional music has contributed to him developing a personal style which features a polytonal – or rather polymodal – language.

Layla Ramezan Iranian pianist Layla Ramezan seeks to create links between her Persian heritage and the European contemporary music which is the core of her repertoire. Her comprehension of music is invariably shaped by elements of oriental culture. Her sound, her phrasing, her particular rhythmic sensitivity, and her refined sense of the unfolding of musical time are among the characteristics which distinguish her pianism. Ramezan’s aesthetic sense has been forged by both the differences and the similarities between the cultures she moves freely between. She expresses them tirelessly, inspired at times by one, at times by the other, in a singular voice, free of cliché. Ramezan began her musical education in Tehran with Mostafa-Kamal Pourtorab. She moved to Paris in 2000, with a scholarship from the Albert Roussel Foundation. She then studied with Jean Micault and Devy Erlih at the École Normale de Musique de Paris “Alfred Cortot” where she obtained a piano diploma. She continued her studies at the Saint-Maur and Créteil Conservatories with Jacqueline BourgèsMaunoury and Christophe Bukudjian, and was awarded a music degree with high honor’s. While in Paris, she also studied with the Armenian pianist Svetlana Navassardyan, whose approach is a continual source of inspiration. Ramezan then moved to Lausanne, Switzerland – where she is based today – thanks to a scholarship from the Max D. Jost Foundation. She finished her studies at Lausanne’s Haute École de Musique, obtaining two Master’s degrees in performance and accompaniment under the tutelage of Christian Favre and Marc Pantillon.


Ramezan’s move to Switzerland led to formative encounters with charismatic musicians such as William Blank and Philippe Albera, who recognized her gift for contemporary music, and suggested that it become her focus. This led to collaborations with composers Tristan Murail, Michael Jarrell, Luis Naón, Nicolas Bolens and William Blank. She then became part of a circle of young musicians gravitating around Michael Jarrell’s composition class in Geneva. She married French composer and clarinettist Blaise Ubaldini, thanks to whom she has deepened her understanding of the creative process.

Over the years Ramezan has been in contact with Iranian composers around the world. As pianist of the Geneva-based Matka Contemporary Ensemble, she has instigated several intercultural exchange projects with Iran. For example, in 2013 the Matka Ensemble commissioned a new work from young Iranian composer Karen Keyhani, for whom she secured a four-month residency at the Maison Baron in Geneva. The resulting concert, entitled “Contemporary Lecture on Persian Music”, combined works by Iranian and French composers. In 2015, she developed a project of new works from Iranian, French, Swiss and American composers for chamber ensemble, which will be premiered in February 2017 at Carnegie Mellon University in the United States, before a second performance at Geneva’s L’Abri Foundation. Layla Ramezan has performed around the world: at Carnegie Mellon University (Pittsburgh), the Royal Irish Academy of Music (Dublin), the Société de Musique Contemporaine (Lausanne), the Athénéennes Festival (Geneva), the Schubertiade Festival (Sion), Victoria Hall (Geneva), Roodaki Hall (Tehran), Hafez Hall (Shiraz), the Alba Festival (Italy), the Collège des Bernardins (Paris), and the Aga Khan Museum (Toronto). She has also performed as concerto soloist with the Tehran Symphony Orchestra and the Tehran Orchestra for New Music. She was a jury member of the 10th annual “National Youth Music Festival” in Tehran, and she is the founder and artistic director of the “Barbad Piano Prize” in Shiraz.


Ceci est l’histoire de l’Iran, une partie au moins de l’histoire de la musique dissimulée dans les pages et les courants des changements. Le présent recueil rend compte des aspects de ces recoins secrets qui surgissent d’un temps et d’un monde différents. Ceux qui sont nés dans les années 1928-1958 et qui ont grandi dans un monde complètement différent, se sont rassemblés afin que l’auditeur puisse entendre ce qui émane d’une époque et de conditions qui nous semblent aujourd’hui extrêmement lointaines. Malgré cela, il faut une volonté pour effacer cet oubli et pour extraire la musique, comme un trésor enfoui, du milieu des poussières innombrables, pour découvrir le résultat de tout cet enseignement et diriger notre attention vers ce que le passé a pu être.

Les compositeurs présentés dans ce recueil— selon la chronologie de leurs œuvres — ont eu une perception de la musique et un rapport à elle très contrastés. Loin de constituer une sorte d’école de compositeurs, qu’on aurait pu appeler les « compositeurs iraniens », avec des racines puisées dans la culture musicale classique de l’Occident, ils sont reliés à des écoles et à des styles (et surtout à des pays) selon le lieu où ils ont étudié. Chacun est représentatif d’un chapitre commun révélant son expression personnelle, l’héritage musical de sa culture, des techniques, des matières et des éléments constitutifs de la musique classique occidentale, le signe révélant comment ce langage bien établi et développé peut résonner dans l’interprétation d’un créateur iranien. Malgré la diversité de ce recueil, on n’y trouvera qu’un aspect très limité de ce que, en Iran ou par la médiation des Iraniens, on a pu écrire pour le piano. C’est une contribution pour préserver ce trésor précieux, pour qu’il ne sombre pas dans l’oubli, comme de nombreuses œuvres semblables dont il ne reste aujourd’hui que le nom — et parfois pas même le souvenir. C’est une porte ouverte pour inviter d’autres interprètes à relever le défi et à inscrire ces compositions à leur répertoire afin de les faire connaître auprès du public, de dévoiler petit à petit et de manière concrète leurs facettes et de les proposer aux générations suivantes.

L’expérience auditive seule, à laquelle il ne faut surtout pas renoncer, et aussi le fait de rassembler un bouquet de ces regards esthétiques sur le monde sonore jetteront un éclairage sur une partie de notre histoire musicale, pour ceux qui sont attachés à la musique instrumentale et en particulier au piano, et qui sont également réceptifs aux découvertes et à l’ouverture à des domaines culturels nouveaux ou inconnus ; ce sont des tranches de temps qui durent une génération et qui font danser des étincelles en signe d’un feu quelque part. Aujourd’hui, que ces lucioles nous suffisent en attendant que d’autres, par la même voie, nous conduisent à la source du feu. Arvin Sedaghatkish


Lorsque l’on aborde le sujet de la musique urbaine iranienne du XXe siècle, le piano apparaît incontestablement comme l’un des acteurs, l’un des symboles culturels les plus influents, alors que, depuis sa toute première apparition en Iran, grâce à l’instrument offert par Napoleon Bonaparte à la cour du roi Fath’Ali Shah (dynastie Qajar, 1797-1834), jusqu’à sa prise en considération progressive par les maîtres de musique à la cour de Nasserreddin Shah (Qajar, 1848-1896), il ne s’est écoulé qu’une cinquantaine d’années.

En 1860, une “section musicale” spécifiquement dédiée à l’enseignement de la musique militaire a été créée au sein de l’école Dar ul-Funun School (la première université moderne en Iran). Le recrutement d’attachés militaires venant d’Autriche, d’Italie et de France, a imposé le piano comme le second instrument dont l’étude était obligatoire. Il représentait surtout l’outil parfait pour l’enseignement de la théorie musicale, de la dictée et de l’harmonie. A contrario, aucune des couches sociales iraniennes n’a été de fait sensibilisée au répertoire de la musique européenne, à la technique pianistique ou à la pédagogie du piano, et ce jusqu’à la fin du XIXe siècle. Plusieurs années ont été nécessaires avant que le piano ne s’impose comme l’instrument destiné à l’interprétation de la musique classique européenne. Rares et réduites, les relations culturelles entre l’Iran et l’Occident dans le domaine de la musique et de son enseignement, ont maintenu pendant de nombreuses années la méconnaissance du piano et de son répertoire. Ce n’est qu’en 1934, avec la création du premier conservatoire national de musique classique, que cette lacune a pu être comblée grâce à un enseignement sérieux et académique proposé aux étudiants iraniens. Toutefois, les professeurs venant en grande partie de l’ex-Tchécoslovaquie, n’étaient pas, pour la plupart, des pianistes professionnels. En conséquence, les étudiants les plus doués, après leurs premières années d’enseignement en Iran, étaient contraints de continuer leurs études musicales et instrumentales à l’étranger.

La croissance économique et le développement de l’Iran dans les années 60 ont permis aux classes moyennes d’accéder au piano qui n’était plus alors réservé à l’élite persane. Les méthodes d’enseignement se sont ainsi développées et perfectionnées. Des professeurs européens sont venus en Iran et ont suivi les élèves les plus talentueux ; de nouvelles méthodes, des émissions dédiées au piano et à la musique classique, à la radio puis à la télévision, des revues spécialisées sur l’instrument et ses interprètes, la présence du disque vinyle, tout ceci a favorisé et accéléré la connaissance du piano et de la musique classique. A émergé alors une jeune génération de musiciens fraîchement diplômés du conservatoire, qui,


attirés dans un premier temps par une carrière de pianiste, ont découvert le domaine non moins attractif de la composition musicale. Durant dix années successives, à partir de 1967, le Festival des Arts de Shiraz-Persépolis est devenu un lieu de rencontre pour des pianistes et des musiciens du monde entier, parachevant l’implantation d’une culture musicale internationale, parallèlement à la musique traditionnelle persane, et offrant ainsi une richesse et une diversité artistique nationales de qualité.

1979 : à l’évidence, cette date a marqué un tournant dans l’histoire de l’Iran, occasionnant un fort ralentissement dans la production et l’enseignement musical classique, et privilégiant en retour la musique et les instruments traditionnels iraniens. Or, depuis les années 2000, et notamment aujourd’hui, a percé une génération de jeunes compositeurs peut-être plus actifs et d’une personnalité plus subtile encore que les précédents. Résidant en Iran, en Europe aux États-Unis ou dans d’autres parties du monde, tous font preuve d’une créativité riche et complexe dans leur manière d’envisager la dualité tradition/modernité ou tradition/influence, qui reste un thème majeur de la nouvelle musique iranienne contemporaine.

Il est intéressant de remarquer que, par rapport aux instruments comme la flûte, le violon ou la clarinette, qui tous les trois se sont parfaitement et aisément intégrés dans le paysage modal de la musique traditionnelle persane, le piano, instrument soliste par excellence, conserve une place privilégiée chez les musiciens iraniens contemporains : en dehors du contexte historique et culturel, il reste l’instrument parfait pour expérimenter et pousser les limites de leur créativité et expressivité. Avec le piano, les compositeurs iraniens ont appréhendé de nouvelles notions telles que la polyphonie, l’ambitus sonore, les nuances dans l’interprétation. Pour la première fois, ils ont découvert la complexité du jeu à deux voix et avec les deux mains simultanément, ce qui les a initiés à une vision architecturale, formelle et programmatique de la composition musicale beaucoup plus élaborée que la simple dimension monodique et mélodique de la musique. Un monde nouveau s’est révélé à eux grâce au piano. La découverte de cette autre dimension créative a affecté et influencé non seulement les musiciens iraniens issus des universités et des conservatoire, mais aussi les musiciens se consacrant à la musique traditionnelle ou folklorique persane. Alireza Miralinaghi (1966): Musicologue, journaliste musical, historien et pédagogue de la musique contemporaine persane.


Né à Téhéran en 1955, Behzad Ranjbaran commence ses études musicales à l’âge de neuf ans au conservatoire de musique de cette ville. En 1974, il quitte l’Iran pour les États-Unis, entre à l’Université d’Indiana, puis obtient un doctorat de composition à la Juilliard School à New York. À la fois évocatrice et colorée, sa musique respecte une réelle intégrité structurelle et formelle. Ses racines culturelles persanes sont pour lui de véritables sources d’inspiration, ainsi dans Persan Triology, Songs for Eternity ou le Concerto pour violon qui a reçu le Prix Rudolf Nissim de l’ASCAP (Société américaine des compositeurs, auteurs et éditeurs). Les compositions de Behzad Ranjbaran ont été interprétées par de grands solistes internationaux comme Joshua Bell, Renée Fleming, Jacques-Yves Thibaudet et Yo-Yo Ma, et des chefs d’orchestre tels que Charles Dutoit, Yannick Nézet-Séguin, Marin Alsop, Robert Spano, Gerard Schwarz, JoAn Falletta, Miguel Harth-Bedoya, David Robertson et bien d’autres. Elles ont été commandées et créées par de prestigieux ensembles : l’Orchestre de Philadelphie, l’Orchestre symphonique de Seattle, le Royal Liverpool Philharmonic Orchestra et les orchestres symphoniques d’Indianapolis et d’Atlanta. Behzad Ranjbaran a également été compositeur en résidence pour les saisons d’été de l’Orchestre de Philadelphie à Saratoga, du Fort Worth Symphony et du Festival de musique contemporaine Cabrillo. Il est actuellement membre de la Juilliard School.

Inspiré dès son début par le son du santour (un instrument à cordes frappées iranien proche du cymbalum), Nocturne évoque une nuit à la fois calme et tourmentée dans un jardin persan au parfum de jasmin, coloré par les étoiles et la lune. Basé sur quatre notes, ré, do, si b, la, le thème mélancolique de cette pièce est suivi par un motif rythmique, tous deux se réunissant dans les mesures finales.

Le compositeur et chef d’orchestre Iradj Sahbai est né à Téhéran en 1945. Il entre à l’age de dix ans au conservatoire de musique de Téhéran, puis poursuit ses études aux conservatoires de Strasbourg et de Paris où il obtient les premiers prix de composition dans la classe d’Olivier Messiaen et de direction d’orchestre dans celle de Jean-Sébastien Béreau. Il continue à se perfectionner à Nice auprès de Pierre Derveau et à Salzbourg auprès de Milan Horvat. En 1986, Iradj Sahbai fonde l’Orchestre de chambre de Schiltigheim (France) qu’il dirige régulièrement pendant onze ans, et à la tête duquel il a joué et enregistré le répertoire du XXe siècle.

Iradj Sahbai a notamment collaboré avec la Biennale de Paris, l’IRCAM, le festival MANCA de Nice, le Centre national de création musicale à Orléans, l’Atelier Lyrique du Rhin, le festival Musica de Strasbourg, et de nombreux autres festivals à Forbach, Dresde, Cracovie, Kiev et Montréal. Ses oeuvres ont été


diffusées sur les chaînes France Musique et France Culture de Radio France, et interprétées au Canada, en Angleterre, en Allemagne, en Iran, en Pologne, en Ukraine et en Irlande. Iradj Sahbai a été le chef principal de l’Orchestre symphonique de Téhéran pendant une saison et chef invité de l’Orchestre philharmonique de Strasbourg et du Royal Philharmonic Orchestra de Londres. Le trois Folk Inventions appartiennent aux œuvres de jeunesse du compositeur qui les a écrites à l’âge de dix-neuf ans, puisant son inspiration dans les chants populaires iraniens des musiciens ambulants de Téhéran. Ces trois pièces illustrent déjà l’évolution de son langage musical.

La première pièce traite à l’état brut un chant populaire Girl of Shiraz, mais Sahbai renonce au développement et contrebalance ce traitement brut par l’harmonisation et le coloris instrumental. Dans la deuxième pièce, il donne libre cours à son invention dans l’adaptation d’un chant populaire imaginaire. La troisième pièce est la plus abstraite : les séquences périodiques sont les réminiscences d’un chant traditionnel de la région de Khorasan, Rachid Khan.

Née à Berlin en 1938, Fozié Majd commence très jeune l’apprentissage du piano. Diplômée de l’université d’Edimbourg, elle poursuit ses études d’ethnomusicologie à la Sorbonne, à Paris, et reçoit une bourse du gouvernement français pour travailler la composition avec Nadia Boulanger. À l’âge de quatorze ans, elle reçoit de Moreton Hall (Angleterre) sa première commande, un acte de ballet. Plus tard, à dix-sept ans, elle est retenue en tant que pianiste dans le cadre du programme du Conseil pour l’éducation et la citoyenneté mondiale, affilié à l’ONU, à Londres. Dans les années 1970, Fozié Majd entame de nombreuses recherches sur la musique traditionnelle iranienne, puis en réalise le classement et un enregistrement en 9 CD. En tant que programmatrice du Festival des arts à Shiraz, entre 1972 et 1978, elle dispose d’une tribune internationale pour faire connaître cette musique à un large public. Après la révolution iranienne, elle rentre en Iran, mais arrête de composer durant neuf ans.

Ses musiques pour les films Siavash in Persepolis (1965) et Iran’ Son is Unaware of His Mother (1973) de Fereydum Rahnama ont été primées lors du Festival international du film de Locarno. En dehors de ses musiques de films, Fozié Majd est l’auteur de pièces pour orchestre, pour musique de chambre et pour piano seul. Trois CD de ses musiques de film et de ses œuvres pour orchestre de chambre, ainsi que 4 albums de compositions pour piano ont été enregistrés. Elle a aussi publié plusieurs articles et une thèse sur la musique iranienne, Nafirnameh.


Dialogue 88 est construit en trois mouvements. Le premier prend la forme d’un dialogue entre le silence et des accords mélodiques. Le deuxième mouvement est un jeu entre deux thèmes : le premier en staccato énoncé à la main gauche et le second, une mélodie vive et lumineuse exposée à la main droite, thème enjoué alternant entre joie et mélancolie. Le caractère de l’œuvre est typique de la musique iranienne. Le troisième mouvement est de forme libre avec ses barres de mesure indiquant les différentes sections. La résonance des clusters révèle à l’auditeur attentif les combinaisons souhaitées. Le compositeur et chef d’orchestre Nader Mashayekhi né à Téhéran en 1958 est diplômé du conservatoire de musique de Téhéran. Il poursuit brillamment ses études de composition, direction et musique électronique à l’Académie de musique de Vienne, en Autriche, et fonde en 2001 l’ensemble autrichien Wien 2001, dont il est directeur artistique et avec lequel il a interprété plusieurs œuvres classiques de Zappa.

Entre 2006 et 2007, il a dirigé l’Orchestre symphonique de Téhéran, et ses efforts pour moderniser cet ensemble ont suscité l’intérêt du cinéaste néerlandais Frank Scheffer qui a réalisé en 2009 un documentaire sur sa vie, To Be And Not To Be : The Teheran Symphonic Orchestra. Nader Mashayekhi a enseigné à l’université de Téhéran, à l’université de la radio télévision iranienne, à la Faculté des beaux-arts et au conservatoire de Téhéran. Ses œuvres ont été interprétées par des solistes comme Aurèle Nicolet, Jean-Pierre Rampal, Robert Aitken et des ensembles comme l’Orchestre symphonique de la radio autrichienne, les orchestres de la radio de Munich et de Berlin, l’Orchestre symphonique de Bavière et l’Orchestre symphonique de Téhéran. Il a collaboré avec les ensembles Zwischen Töne, Klangforum de Vienne et l’ensemble Work in Progress à Berlin. Il a aussi initié plusieurs projets en fusion avec des musiciens traditionnels iraniens tels Hossein Alizadeh et Houshang Zarif.

Study a été composé en 1983, alors que Nader Mashayekhi poursuivait l’étude de la musique sérielle. À cette époque, il s’intéressait particulièrement à l’école de Darmstadt et à Pierre Boulez. C’est d’ailleurs la dernière pièce qu’il a écrite dans ce style. Depuis lors, il a créé son propre style musical fondé sur la théorie des nombres premiers. En écrivant cette pièce, basée sur des règles aléatoires, Nader Mashayekhi a voulu montrer que cette composition aléatoire est en partie inspirée par la musique sérielle. Elle est dédiée à Pierre Boulez dont l’influence musicale et stylistique est indéniable. En 1987, Study a remporté le prix de la Fondation Theodore Körner et en 1988 le prix de la Fondation Alban Berg.


Compositeur et ethnomusicologue, Hormoz Fahrat né en 1929 à Téhéran, est professeur de musique et membre du Trinity College de Dublin, Titulaire d’une licence de musique à l’université de Californie à Los Angeles en 1953, d’un master au Mills College (Californie) en 1955, il obtient un doctorat en composition et ethnomusicologie de l’UCLA en 1965. Il a étudié la composition avec Darius Milhaud, Lukas Foss et Roy Harris. Pendant ses années passées en Californie, Hormoz Fahrat a travaillé comme professeur adjoint de musique à l’université d’État de Californie, Long Beach, puis comme professeur associé de musique à l’université de Californie, Los Angeles. De retour en Iran entre 1970 et 1978, il est nommé professeur et directeur du département de musique à l’université de Téhéran, vice-président de l’université Farabi à Téhéran, et directeur du conseil de la musique à la radio et la télévision nationales iraniennes et du Festival des arts à Shiraz.

Installé en Irlande du Nord en 1979 en tant que directeur de recherche à la Queen’s University à Belfast, il s’établit ensuite en République d’Irlande en qualité de professeur et président du Trinity College of Music de l’université de Dublin, entre 1981 et 1995. Professeur de musique invité à l’université de Harvard, il a donné des conférences dans le cadre de nombreuses institutions, et notamment les universités du Michigan, de l’Illinois, de l’Indiana, mais aussi à Princeton, Stanford, Berkeley, Glasgow, Edimbourg, Durham, Amsterdam, Cologne, Varsovie, Ljubljana, Copenhague, Stockholm et à la Smithsonian Institution à Washington D.C.

Ses compositions ont été fréquemment exécutées – parmi d’autres - par l’Orchestre symphonique de la BBC et l’English Chamber Orchestra dans des salles prestigieuses telles que Carnegie Hall, Merkin Hall de New York et Strathmore Music Center. Il a également signé plusieurs ouvrages sur la musique traditionnelle iranienne.

Chacune des pièces des cinq Bagatelles composées en 2008, est construite sur un rythme différent : 5 temps (1), 6 temps (2), 7 temps (3), 4 temps (4), rythme irrégulier de 9 temps, 2+2+2+3 (5). Né à Ghazvin, Iran, en 1952, Reza Vali commence ses études musicales au conservatoire de Téhéran. En 1972, il part étudier l'éducation musicale et la composition à l'Académie de musique de Vienne, en Autriche. Après son diplôme, il s’installe aux Etats-Unis et continue ses études à l'Université de Pittsburgh où il obtient en 1985 un doctorat de théorie de la musique et de composition. Depuis 1988, Reza Vali fait partie du corps professoral de l'école de musique de l'Université Carnegie Mellon.


Il a reçu de nombreuses récompenses, dont le prix d'honneur du ministère autrichien des Arts et des Sciences et deux bourses d’études de Andrew W. Mellon, ainsi que de nombreuses commandes de l'Orchestre symphonique de Pittsburgh, du Modern Orchestra Project de Boston, du Pittsburgh New Music Ensemble, du Kronos Quartet, du Seattle Chamber Players et des Arizona Friends of Chamber Music. Des subventions du Pennsylvania Council of the Arts et du Pittsburgh Board of Public Education lui ont également été accordées. Il a été nommé « Outstanding Emerging Artist » par le « Pittsburgh Cultural Trust », nomination pour laquelle il a reçu le « Creative Achievement Award ».

Les compositions orchestrales de Vali ont été interprétées aux États-Unis par les orchestres symphoniques de Pittsburgh, Seattle, Baltimore et Memphis, et Orchestra 2001. Ses œuvres de musique de chambre ont été jouées par le Cuarteto Latinoamericano, le Pittsburgh New Music Ensemble, le Kronos Quartet, les Seattle Chamber Players et les Da Capo Chamber Players. Sa musique a été exécutée en Europe, en Chine, au Chili, au Mexique, à Hong Kong, en Australie et est enregistrée sur les labels Naxos, New Albion, MMC, Ambassadeur, Albany, ABC Classics. Réminiscences est une pièce en quatre mouvements composée en 1986. Dans cette œuvre, le compositeur explore les différentes possibilités offertes par le piano. Chaque mouvement représente une texture particulière, liée à une structure d’intervalle distincte.

Mohammad-Reza Darvishi est né en 1955 à Shiraz. Diplômé en composition à l'université de Téhéran en 1979 avec les plus hautes distinctions, il a enseigné dans plusieurs universités iraniennes et a donné de nombreuses conférences dans le monde entier. Ses études sur la musique folklorique iranienne l’ont conduit pendant environ trente ans dans des villes et villages de l'Iran, à la recherche des racines de la musique régionale iranienne. Le fruit de cet effort s’est concrétisé dans l’Encyclopédie des instruments de musique iraniens qui a reçu de la SEM (Société d’ethnomusicologie) le prix de la meilleure publication de l'année sur les instruments de musique. Un autre aspect du travail de Darvishi en quête des racines perdues de la musique iranienne s’affirme dans son étude des œuvres connues d’Abdolqader Maraqi, musicien iranien du XIVè siècle dont il a publié et interprété la musique dans le cadre de l'ensemble « Abdolqader Maraqi » qu’il a fondé en 2005. Outre ses abondantes recherches dans le domaine de la musique iranienne, Darvishi est l’auteur de nombreuses pièces d’orchestre et de musique de chambre, jouées en Belgique, en Iran, en Ukraine et en Russie. En dehors de l'Encyclopédie des Instruments de musique iraniens, Twenty Folk Songs of Fars,


Westward Look : A Discussion on the Impact of Western Music on the Iranian Music, Haft Orang, Tradition and Cultural Alienation in Iranian Music viennent compléter le catalogue de ses publications

D’autres œuvres importantes ont jalonné sa carrière et notamment Zemestan pour voix et orchestre symphonique avec Shahram Nazeri ; Mowsemeh Gol pour voix et orchestre symphonique avec Iraj Bastami ; la musique des îles Hormoz dans le golf Persique ; Showqnam, composition attribuée à Abdolqader Maraqi ; l’album Janeh Oshaq ; Gonbade Mina pour voix et orchestre avec Mohammad Reza Shajarian (en collaboration avec Parviz Meshkatian). Darvishi a composé en 1977 les cinq pièces pour piano de la Fantaisie sur une note, un accord, un motif, un thème. Il avait alors vingt et un ans. À cette époque il avait abandonné l’écriture tonale et travaillait sur les styles dodécaphonique et sériel, et sur d’autres techniques, dont celles de Messiaen, Penderecki et Cage. La présence évocatrice d’un intervalle de tierce souvent répété dans cette œuvre traduit son passage à l’écriture atonale. Le fruit des recherches de Darvishi ainsi que tout le travail qu'il a consacré à la musique régionale iranienne, lui a permis de développer sa propre écriture d’un langage polytonal, ou plutôt polymodal.

Layla Ramezan La pianiste iranienne Layla Ramezan a toujours cherché à créer des liens entre ses origines persanes et la musique européenne contemporaine qu’elle côtoie quotidiennement. De manière générale, sa compréhension de la musique se fait toujours à la lumière d’éléments de culture orientale. Sa sonorité, son phrasé, sa sensibilité particulière pour le rythme et son interprétation raffinée du déroulement du temps musical sont d’ailleurs les qualités premières de son jeu pianistique. Son sens esthétique a été forgé par les différences comme par les ressemblances qui se croisent parfois au sein des cultures à travers lesquelles elle se meut librement. Elle ne cesse de chercher à les exprimer, s’inspirant de l’une ou de l’autre, avec des accents singuliers, loin des clichés. Layla Ramezan commence son éducation musicale et pianistique à Téhéran à avec Mosfata-Kamal Pourtorab. Elle s’installe à Paris en 2000 et se voit attribuer une bourse de la Fondation Albert Roussel. Elle suit alors les cours de Jean Micault et de Devi Erlih à l’École Normale de Musique de Paris-Alfred Cortot où elle obtient un diplôme de piano. Elle travaille ensuite avec Jacqueline Bourgès-Maunoury et


Christophe Bukudjian aux conservatoires de Saint-Maur-des-Fossés et de Créteil où elle décroche un prix d’études musicales avec hautes distinctions. À Paris, Lalya Ramezan étudie également avec la grande pianiste arménienne Svetlana Navassardyan qui a représenté une véritable source d’inspiration pour son jeu pianistique. Puis, à Lausanne, en Suisse, où elle vit actuellement, elle remporte une bourse de la Fondation Max.D. Jost. Elle termine ses études à Lausanne avec deux Masters en interprétation et en accompagnement à la Haute Ecole de Musique sous la direction de Christian Favre et Marc Pantillon.

C’est dans le cadre de son parcours à Lausanne que Layla Ramezan rencontre des personnalités musicales marquantes telles que William Blank et Philippe Albera qui remarquent ses dons pour la musique contemporaine et lui suggèrent de s’y consacrer, ce qui l’a conduit à collaborer avec des compositeurs comme Tristan Murail, Michael Jarrell, Luis Naón, Nicolas Bolens et Willian Blank. Elle intègre alors un cercle de jeunes musiciens fréquentant notamment la classe de composition de Michael Jarrell à Genève. Elle a épousé le compositeur et clarinettiste français Blaise Ubaldini grâce auquel elle peut appréhender en profondeur le processus de création musicale.

Depuis plusieurs années, Layla Ramezan a noué des contacts avec des compositeurs iraniens partout dans le monde. Pianiste de l’ensemble de musique contemporaine Matka basé à Genève, elle a été à l’origine de plusieurs projets d’échanges inter-culturels avec l’Iran. En 2013 par exemple, à la suite de la commande d’une œuvre nouvelle au jeune compositeur Karen Keyhani par l’ensemble Matka, elle a organisé pour lui un séjour de quatre mois à la Maison Baron, à Genève. Un concert est organisé, intitulé « lecture contemporaine de la musique persane » et réunissant des compositions de musiciens iraniens et français. En 2015, elle élabore un projet mêlant des oeuvres nouvelles pour petit ensemble de compositeurs iraniens, français, suisses et américains, qui sont créées en février 2015 à l’université Carnegie Mellon, aux États-Unis, puis rejouées à Genève à la Fondation L’Abri.

Layla Ramezan se produit aux quatre coins du monde : à l’université Carnegie Mellon de Pittsburgh, à l’Académie royale de musique de Dublin, à la Société de Musique Contemporaine de Lausanne, au festival Les Athénéennes de Genève, au festival Schubertiade de Sion, au Victoria Hall de Genève, au Roodaki Hall de Téhéran, au Hafez Hall de Shiraz, au festival d’Alba en Italie, au collège des Bernardins à Paris et au musée Aga Khan de Toronto. Elle a aussi été invitée comme soliste par des orchestres tels que l’Orchestre symphonique de Téhéran et l’Orchestre pour la nouvelle musique à Téhéran. Elle a été membre du jury de la 10ème édition du festival national de la musique pour les jeunes de Téhéran, et fondatrice et directrice artistique du « Barbad Piano Prize » à Shiraz.


Production : Paraty

Directeur du label / Producer : Bruno Procopio

Ingénieur du son, direction artistique / Balance Engineer : Jean-Claude Gaberel Création graphique / Graphic Design : Leo Caldi

Textes / Liner notes : Alireza Miralinaghi, Arvin Sedaghatkish

Traductions / Translations : Christophe Rezai, Yann Richard, Adélaïde de Place (FR), Ivan Ilic (EN) Photographe / Photography : © Mehrdad Amini Accordeur / Piano tuner : Joël Jobé

Piano Steinway D de 1960 d’origine, appartenant à Joël Jobé / Steinway Model D piano from 1960, from the collection of Joël Jobé Enregistré en août 2016 au Théâtre Les Tilleuls / Recorded in August 2016 at Théâtre Les Tilleuls

Remerciements / Acknowledgments : My thanks to: Blaise Ubaldini, my husband, without whom none of this would have been possible; the composers featuring on this recording, for believing in me; the “Fondation Engelberts pour les Arts et la Culture” and “Barbad Piano” for their support; Joël Jobé for his wonderful instrument; Jean- Claude Gaberel for his immeasurable talent; Paraty Records for its professionalism; Ivan Ilić, Christophe Rezai, Anne Gueudré, Jean-Luc and Marie-Claude Reumaux, Alireza Miralinaghi, Arvin Sedaghatkish, Ali Torabi, Joanna Mouly, Soroush Riazi, my family, and all my friends who inspired me and helped me bring this project to fruition. Paraty Productions email: contact@paraty.fr www.paraty.fr www.laylaramezan.com

Layla Ramezanm - Layla Ramezan Plays 100 Years of Iranian Piano Music, Vol. 1_Booklet  

Over the years, Layla Ramezan has been in touch with Iranian composers all over the world, such as Hormoz Farhat, Behzad Ranjbaran, Alireza...

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