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Béla Bartók 1881–1945 Romanian Folk Dances arr. Arthur Levering I. Joc cu bâtaˇ II. Brâul III. Pe loc IV. Buciumeana V. Poarga româneascaˇ VI. Maˇruntel

1.28 0.33 1.10 1.44 0.31 1.02

Ravi Shankar 1920–2012 L’Aube enchantée (based on the raga todi)

13.32

Christian Rivet b.1957 Clap 8 I. Little Walter 9 II. Invention BWV 10 III. Ballad Bop 11 IV. Telephone Booth (Blues) 12 V. A Sharp (Song)

13 14 15 16

2.08 1.06 0.49 3.16 2.10

George Frideric Handel 1685–1759 Sonata Op.1 No.2 HWV360 I. Larghetto II. Andante III. Adagio IV. Presto

2.00 3.16 0.51 1.56

Maurice Ohana 1913–1992 17 Tiento for solo guitar

5.25

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Elliott Carter 1908–2012 18 Scrivo in vento for solo flute

5.23

Francesco Molino 1775–1847 Duo Op.16 No.3 19 I. Andantino 20 II. Polaca

1.38 2.31

Toshio Hosokawa b.1955 21 itsuki no komori uta (Two Japanese folk songs, No.2)

4.05

Astor Piazzolla 1921–1992 Histoire du Tango I. Bordel 1900 II. Café 1930 III. Nightclub 1960 IV. Concert d’aujourd’hui

3.57 7.39 5.52 5.28

22 23 24 25

Jacques Ibert 1890–1962 26 Entr’acte

3.53

Villa-Lobos 1887–1959 27 Distribuçào de Flôres

3.58

Francesco Molino Duo Op.16 No.2 28 I. Romance 29 II. Rondo

3.29 3.05 94.00

Emmanuel Pahud flute Christian Rivet guitar 3


A global voyage of self-discovery by Emmanuel Pahud Which instrument could be better suited to a journey round the world than the flute? In every place where people have sought ti express themselves, where they have sought communion with their gods, every place where they were in love or wanted to lament their suffering, they have played one of the very first instruments of all: the flute. The first flute was fashioned from a bone over 40,000 years ago. It was humankind’s first melodic instrument, and since that time has numbered among our original instruments, alongside the forerunners of the guitar and the drum. The flute is proof that all people – all over the world – recognise music as part of human existence. I felt it was high time to return to my roots with my instrument. After all I was a globetrotter even in my mother’s womb – and also later as a child. My father’s career took my family to Rio de Janeiro, Buenos Aires, to Geneva, Baghdad, Damascus, Paris, Madrid, Rome and Brussels. Viewed in this light, this CD is also the soundtrack to my life. Of course with every trip around the world one still remains a European. But both musician and traveller are constantly challenged in their encounters with the new to question their own traditions, to empathise with other worlds, and to move in different universes where the established rules perhaps no longer apply. In the encounter with South American tango, for instance, it becomes clear that the Astor Piazzolla’s sublime notes are no more than a means of conveying the music on paper. The true soul of the tango, which we trace here from the 1930s to the present, is found between the notes, where passion is generated. And here it also soon becomes obvious that on the other side of the world different rules apply: whereas in Europe major and minor invariably signify happiness and unhappiness, Piazzolla tempers the meaning of tonalities, in Café 1930 for example asking explicitly for a passage to be played tristamente, sorrowfully, although it is in major. For we musicians, this often means playing too against our learned reflexes, and discovering new dimensions to creating sound. The flute has a great tradition in Asia in particular. Many pieces have been composed for flute and koto, the forerunner of the guitar. A fixed, ritualised liturgical role shows how important this music is in Japan: there is a different song for almost every weekend, played in the traditional way. Toshio Hosokawa’s transcriptions of these folk songs evoke for me the subtleties of Japanese verse, cherry blossoms, and Japanese lullabies. The great Elliott Carter succeeded in forging a bridge between the music of his homeland, the United States, and Europe. This is already evident in the fact that his Scrivo in vento is taken from a sonnet by Petrarch. In the process, Carter manages to push the capabilities of the flute to its limits. I am reminded sometimes of the woodcuts from a commedia dell’arte: a succession of rapid shadowplays where I have to change pitch so quickly that even on a melodic instrument like the flute, harmonic polyphonies are almost created. Elliott Carter died in 2012, just as the great Indian great master Ravi Shankar – two great losses for the world of music and for world music. I still have personal memories of Ravi Shankar from my time as a student in Paris, where he appeared regularly, Even there he seemed to me to be a kind of ‘high priest of music’ who wore an expression of humanity like that of the Dalai Lama, an inspirational experience for me. This was also because he was able to convey the heart of his message through simple means. In L’Aube enchantée, for example, he employs the raga, a given sequence of six notes. This is repeatedly reiterated and combined at ever greater speed until the fingers are dancing on the keys of the instrument, resulting in a kind of ecstasy. When one plays 5


this music, something riveting occurs: the notes which one sees on the page start to take on a life of their own, jumping out from the score – a curious and memorable sensation for Western musicians. The only continent I’ve never visited in person is Africa – that’s also why I’ve entrusted that part to the solo guitar. But I’m very curious: in Maurice Ohana’s Tiento for solo guitar, the 20th century’s contemporary movements are pulled together and a link created between traditional music and a future-oriented modernity, where a tiento is conceived both as an instrumental toccata and a serious form of flamenco. The composer, born in Casablanca of Andalusian-Sephardic descent, is for me a significant complement to luminaries such as Messiaen, because he has a way of combining intellect and sensuality. Of course, on returning home from one’s travels, previously familiar music seems to be transformed how one views one’s own traditions. Béla Bartók ultimately also crossed frontiers in the manner of Carter and Shankar. His art lay in fusing folk music and serious music together, in other words transforming the people’s traditions into art. His musical genius consisted in creating art from the commonplace. Globetrotters were once European travellers he sheet music of Francesco Molino, which we came across in the Bibliothèque nationale in Paris when we were still students. The Italian composer emerged most notably as a virtuoso of the guitar in the salons of Paris – his duets seem to me to veer between restraint and boldness, and recall some of Mozart’s serenades in their style. And Handel also enjoyed his great successes abroad, in Italy and especially in England: his G minor Sonata to represents for me a return to my own roots. I played it at a private concert given by my first flute teacher at the age of seven. When I found my old score again with its playing instructions, feelings which initially made me close to melancholy. As we reworked the continuo for the guitar accompaniment, we could see immediately interweaves the genius with which Handel the bass with the flute part – for me he is one of the very great opera composers. From my homeland of France, my fellow student Christian Rivet has written the captivating composition Clap for this project: this is its first recording. Clap evokes the early years of cinema, and the clapperboard which ‘claps’ at every take. It is a very intimate work of five flashbacks, which initially made me think of a small boy picking out his first notes on a harmonica. Rivet later hints at Bach’s Inventions, works with quarter-tones in the guitar’s natural temperament, and celebrates the imaginativeness of jazz – dreamlike music that is a kaleidoscope of time and space. I have gleaned many new impressions over the course of my journey. But wherever I am, this holds true: as soon as the music begins, I feel liberated from the everyday, from the polluted world. And perhaps this is one of the crucial discoveries: it is easier for one who has travelled far to rediscover his innermost. As told to AXEL BRÜGGEMANN

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Clap by Christian Rivet Clap is a sequence of five short dances which are tributes to American composers such as Bernstein, Ives, Adams and Copland, as well as key jazz musicians including John Coltrane, Joe Hurt and Charlie Christian. The musical language addresses these parallel worlds, incorporating melodic material within some fairly contemporary music. Both the flute and the guitar make some unexpected sounds, playing in different rhythms (at the same time) in order to represent the songs of two musicians who start off far away from each other and who meet to create a new music. There is also a nostalgia about Clap that is designed to evoke the blues more in creative than expressive dimensions; the poetry of Guillaume Apollinaire was something of a reference point for me. ‘Little Walter’ is a homage to Marion Walter Jacobs, the American blues harmonica player. For ‘Invention BWV’, each player chooses where to break the phrase, like an improvisation. In ‘Ballad Bop’, the flute plays a bebop and the guitar a ballad at the same time. ‘Telephone Booth (Blues)’ evokes a telephone conversation in the rain: drizzle on the kiosk and in the heart, with a bluesy nostalgia for the old red telephone booths in England. I wrote ‘A Sharp’ as a song, with both John Coltrane and Emmanuel Pahud in mind. Christian Rivet is not only a respected guitarist – his recording 24 Ways Upon the Bells was named Best Record of the Year in French newspaper Le Monde in 2010 – but he is also known as a conductor and increasingly as a composer. This is the first recording of his new work Clap, which is dedicated to Emmanuel Pahud and published by Editions Durand.

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Die Weltreise zu mir selbst von Emmanuel Pahud Welches Instrument würde sich für eine Reise um die Welt besser eignen als die Flöte? Überall, wo Menschen sich ausdrücken wollten, wo sie Kontakt mit ihren Göttern suchten, überall, wo sie verliebt waren oder ihr Leid beklagen wollten, haben sie eines der allerersten Instrumente überhaupt gespielt: die Flöte. Die erste Flöte wurde vor über 40.000 Jahren aus einem Knochen hergestellt. Sie war das erste Melodie-Instrument der Menschheit und gehört seither, neben den Vorläufern der Gitarre und der Trommel, zu unseren Ur-Instrumenten. Die Flöte ist der Beweis, dass alle Menschen – überall auf dem Globus – Musik als Teil des Menschseins verstehen. Für mich war es überfällig, mit meinem Instrument zu meinen Wurzeln zurückzukehren. Immerhin war ich schon im Bauch meiner Mutter ein Globetrotter – und später auch als Kind. Der Beruf meines Vaters hat meine Familie nach Rio de Janeiro, Buenos Aires, nach Genf, Bagdad, Damaskus, Paris, Madrid, Rom und Brüssel geführt. So gesehen, ist diese CD auch der Soundtrack meines Lebens. Natürlich bleibt man bei jeder Reise um die Welt immer Europäer. Aber sowohl der Musiker als auch der Reisende wird in seinen Begegnungen mit dem Neuen ständig aufgefordert, die eigene Tradition zu hinterfragen, sich in andere Welten einzufühlen und sich in neuen Kosmen zu bewegen, in denen die bekannten Regeln vielleicht nicht mehr gelten. In der Begegnung mit dem südamerikanischen Tango wird zum Beispiel klar, dass die großartigen Noten von Astor Piazzolla nur ein Hilfsmittel sind, um die Musik zu Papier zu bringen. Die eigentliche Seele des Tango, den wir hier von den 1930er Jahren bis in die Gegenwart verfolgen, findet zwischen den Noten statt, dort, wo die Leidenschaft entsteht. Und hier wird auch schnell deutlich, dass auf der anderen Seite der Welt andere Regeln herrschen: Während Dur und Moll in Europa konstant für Fröhlichkeit und Trauer stehen, mischt Piazzolla die Bedeutung der Tonarten, fordert in Café 1930 etwa explizit dazu auf, tristamente, also traurig, zu spielen, obwohl die Passage in Dur steht. Für uns Musiker bedeutet das oft auch, gegen unsere eingeübten Reflexe zu spielen und neue Dimensionen der Klanggebung zu entdecken. Gerade in Asien hat die Flöte eine große Tradition. Es wurden viele Stücke für Flöte und Koto, den Vorläufer der Gitarre, komponiert. Wie wichtig die Rolle dieser Musik in Japan ist, zeigt, dass es eine feste, ritualisierte Liturgie gibt: Für fast jedes Wochenende gibt es ein anderes Lied, das traditionell gespielt wird. Toshio Hosokawas Bearbeitungen dieser Volkslieder erinnern mich an die feinsinnige japanische Dichtung, an die Kirschblüte und an japanische Wiegenlieder. Der große Elliott Carter hat es geschafft, eine Brücke zwischen der Musik seiner Heimat, den U.S.A., und Europa zu schlagen. Das ist schon daran zu erkennen, dass sein Scrivo in vento einem Gedicht von Petrarca entliehen ist. Carter schafft es dabei, die Möglichkeiten der Flöte bis an die Grenze zu treiben. Mich erinnert all das manchmal an die Holzschnitte einer Commedia dell’arte: Eine Folge schneller Schattenspiele, in der ich die Stimmungen so schnell wechseln muss, dass selbst bei dem Melodie-Instrument Flöte fast harmonische Polyphonien entstehen. Elliott Carter ist, ebenso wie der indische Großmeister Ravi Shankar, 2012 gestorben – zwei große Verluste für die Welt der Musik und für die Weltmusik. An Ravi Shankar habe ich noch persönliche Erinnerungen, als ich in Paris studierte, wo er damals regelmäßig gastierte. Für mich war er schon damals eine Art „Papst der Musik“, dessen Ausdruck von einer Freundlichkeit wie die des Dalai Lama getragen ist; es war ein Erweckungserlebnis für mich. Auch, weil es ihm gelingt, mit einfachen Mitteln zum Kern der Aussage zu kommen. In L’Aube enchantée etwa nutzt er die Raga, eine vorgegebene Folge von sechs Tönen. Sie wird immer wieder und immer schneller wiederholt und kombiniert, bis die Finger auf den Löchern des Instruments tanzen und eine Art Rausch entsteht. Während man 8


diese Musik spielt, passiert etwas Faszinierendes: Die Töne, die man auf dem Papier sieht, beginnen ein eigenes Leben zu führen und springen aus dem Notentext heraus. Für westliche Musiker ist das ein abenteuerliches und erhebendes Gefühl. Der einzige Kontinent, auf dem ich persönlich noch nie war, ist Afrika – deshalb überlasse ich diesen Part auch dem Gitarren-Solo. Aber meine Neugier ist groß: In Maurice Ohanas Tiento für Solo Gitarre wird die zeitgenössische Bewegung des 20. Jahrhunderts zusammengerafft, eine Brücke geschlagen zwischen traditioneller Musik und zukunftsorientierter Modernität, wobei ein Tiento sowohl als instrumentale Toccata wie auch als eine Form ernsten Flamencos zu verstehen ist. Der in Casablanca geborene Komponist andalusisch-sephardischer Herkunft ist für mich eine bedeutende Ergänzung zu Legenden wie Messiaen, weil er es versteht, Intellekt und Sinnlichkeit zusammenzuführen. Und natürlich findet der Reisende, wenn er wieder in heimische Gefilde zurückkehrt, die bekannte Musik verwandelt wieder. Die Erfahrungen einer Weltreise wirken sich auch auf den Blick der eigenen Tradition aus. Letztlich war wohl auch Béla Bartók ein Grenzüberschreiter wie Carter und Shankar. Seine Kunst bestand darin, Volksmusik und ernste Musik miteinander zu verschmelzen, also die Tradition der Menschen in Kunst zu verwandeln. Sein musikalisches Genie besteht darin, aus dem Profanen Kunst zu machen. Die Weltenwanderer waren früher Europawanderer: Eine schöne Entdeckung war für mich das Notenblatt von Francesco Molino, das wir in der Bibliothèque nationale in Paris noch zu Studienzeiten gefunden haben. Der italienische Komponist trat vor allem als Gitarrenvirtuose in den Pariser Salons in Erscheinung – seine Duette stehen für mich im Spannungsfeld von Zurückhaltung und Draufgängertum und erinnern in ihrem empfindsamen Stil an manche Serenaden von Mozart. Und auch der Deutsche Georg Friedrich Händel hat seine großen Erfolge im Ausland, in England gefeiert: Seine g-moll-Sonate ist für mich eine Rückkehr zu meinen eigenen Wurzeln. Ich habe sie mit sieben Jahren bei einem Hauskonzert meines ersten Flötenlehrers gespielt. Als ich die alten Noten mit seinen Spielanweisungen nun wiedergefunden habe, stellten sich fast melancholische Gefühle ein. Als wir das Continuo für die Gitarrenbegleitung umgeschrieben haben, konnten wir sofort erkennen, wie genial Händel den Bass im Wechselspiel mit der Flötenstimme setzt – für mich ist er einer der ganz großen Opernkomponisten. Aus meiner Heimat Frankreich hat mein Studienkollege Christian Rivet für dieses Projekt die entzückende Komposition Clap geschrieben, die wir hier als Ersteinspielung präsentieren. Sie erinnert an die frühen Jahre des Films, an die Klappe, die bei jedem Schnitt fällt. Ein sehr intimes Werk von fünf Flashbacks, bei dem ich anfangs an einen kleinen Jungen denken musste, der eine Harmonika findet und sich die ersten Töne zusammensucht. Rivet spielt später auf Bachs Inventionen an, oder arbeitet mit Viertelt Tönen in der natürlichen Stimmung der Gitarre, und feiert den Ideenreichtum des Jazz – eine träumkerische Musik, die ein Kaleidoskop der Zeit und des Raumes ist. Am Ende meiner Reise habe ich viele neue Eindrücke gesammelt. Aber überall gilt: Sobald die Musik beginnt, fühle ich mich befreit vom Alltag, von der Verschmutzung der Welt. Und vielleicht ist das eine der wesentlichen Erkenntnisse: Wer weit reist, hat es leichter, ganz tief im Inneren, bei sich selbst anzukommen. Notiert von AXEL BRÜGGEMANN

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Clap von Christian Rivet Clap ist eine Reihe von fünf kurzen Tänzen, eine Hommage an amerikanische Komponisten wie Bernstein, Ives, Adams und Copland, sowie an wegweisende Jazzmusiker wie John Coltrane, Joe Hurt und Charlie Christian. Die musikalische Sprache von Clap adressiert diese parallelen Welten und arbeitet melodisches Material in relativ zeitgenössische Musik ein. Flöte und Gitarre produzieren einige unerwartete Klänge, sie spielen gleichzeitig in verschiedenen Rhythmen und repräsentieren dabei zwei zunächst weit voneinander entfernte Musiker, die sich annähern und bei ihrem Aufeinandertreffen eine neuartige Musik erzeugen. Außerdem evoziert Clap eine gewisse Nostalgie, die eher in kreativer als in expressiver Weise an Blues erinnert; hierbei war die Dichtung von Guillaume Apollinaire eine Art Referenzpunkt für mich. „Little Walter“ ist eine Hommage an Marion Walter Jacobs, den amerikanischen Blues-Mundharmonikaspieler. In „Invention BWV“ entscheidet jeder Musiker einzeln, wo er die Phrasierung unterbrechen möchte, wie bei einer Improvisation. In „Ballad Bop“ spielt die Flöte einen Bebop und die Gitarre zur gleichen Zeit eine Ballade. „Telephone Booth (Blues)“ erinnert an ein Telefongespräch im Regen: Ein stetes Tropfen auf die Zelle und das Herz, erfüllt von einer bluesigen Sehnsucht nach den alten roten englischen Telefonzellen. „A Sharp“ schrieb ich als ein Lied und dachte dabei sowohl an John Coltrane als auch an Emmanuel Pahud. Christian Rivet ist nicht nur ein anerkannter Gitarrist – seine Aufnahme 24 ways upon the Bells wurde von der französischen Zeitung „Le Monde“ 2010 zum besten Album des Jahres erklärt – er ist auch als Dirigent und zunehmend als Komponist bekannt. Dies ist die erste Aufnahme seines neuen, für dieses Album geschriebenen Werkes mit dem Titel Clap.

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Tour du monde à la découverte de soi par Emmanuel Pahud Quel instrument pourrait mieux convenir à un tour du monde que la flûte ? Partout où les êtres humains ont voulu s’exprimer, où ils ont cherché à entrer en contact avec leurs dieux, où ils ont été amoureux ou ressenti le besoin d’exprimer leur souffrance, ils ont joué de l’un des tout premiers instruments : la flûte. La première flûte fut fabriquée il y a plus de quarante mille ans avec un os. Ce fut le premier instrument mélodique de l’humanité et elle fait partie depuis lors, au côté des ancêtres de la guitare et du tambour, de nos instruments primordiaux. La flûte est la preuve que l’ensemble des humains – sur toute la surface du globe – perçoivent la musique comme faisant partie de la condition humaine. Pour moi, le retour à mes racines à travers mon instrument s’imposait depuis longtemps déjà. Il faut dire que dès le ventre de ma mère j’ai été un globe-trotteur – comme par la suite durant mon enfance. La profession de mon père a conduit ma famille à Rio de Janeiro et Buenos Aires, à Genève, Bagdad, Damas, Paris, Madrid, Rome et Bruxelles. De sorte que ce CD apparaît aussi comme la bande-son de ma vie. Il va de soi que, à l’occasion de tout voyage autour du monde, on reste Européen. Cependant le musicien tout comme le voyageur se retrouve sans cesse contraint, dans sa confrontation avec la nouveauté, de remettre en question sa propre tradition, de faire preuve d’empathie envers d’autres mondes et d’évoluer dans des univers nouveaux où les règles de toujours peuvent ne pas avoir cours. Dans la rencontre avec le tango sud-américain, par exemple, il apparaît clairement que les notes géniales d’un Astor Piazzolla n’étaient qu’un expédient pour coucher la musique sur le papier. L’âme proprement dite du tango, que l’on pourra suivre ici depuis les années 1930 jusqu’à nos jours, c’est entre les notes qu’on peut la deviner, là où jaillit la passion. Mais là aussi on prend rapidement conscience qu’à l’autre bout du monde ce sont d’autres règles qui prévalent : si en Europe les modes majeur et mineur sont globalement associés à la joie et à la tristesse, Piazzolla brouille la signification des tonalités, réclamant explicitement dans Café 1930 que l’on joue tristamente – donc « tristement » – même si ce passage est en majeur. Pour nous musiciens, cela veut aussi souvent dire qu’il faut jouer contre nos réflexes habituels et découvrir de nouvelles dimensions en termes de restitution sonore. La flûte témoigne tout particulièrement en Asie d’une grande tradition. De nombreuses pièces pour flûte et koto – l’ancêtre de la guitare – ont été composées. L’importance de cette musique au Japon se reflète dans la liturgie intangible, ritualisée, qui s’y rattache : il existe presque pour chaque fin de semaine une mélodie différente qui est jouée traditionnellement. Les arrangements de ces chants populaires signés Toshio Hosokawa me rappellent la subtile poésie japonaise, les cerisiers en fleur et les berceuses japonaises. Le grand Elliott Carter a réussi à tendre une passerelle entre la musique de son pays d’origine, les États-Unis, et l’Europe. En témoigne d’emblée le fait que son Scrivo in vento emprunte à un poème de Pétrarque. Carter parvient à y pousser les possibilités de la flûte jusqu’à ses propres limites. Cela me fait parfois penser à des gravures sur bois de la commedia dell’arte : succession rapide façon théâtre d’ombres au cours de laquelle il me faut passer tellement vite d’un climat à un autre que même un instrument monodique comme la flûte semble presque produire des polyphonies harmoniques. Elliott Carter, de même que le grand maître indien Ravi Shankar, est mort en 2012 – deux grandes pertes pour le monde de la musique et pour les musiques du monde. De l’époque de mes études à Paris, où il se produisait régulièrement, je garde des souvenirs personnels de Ravi Shankar. Pour moi il était déjà une sorte de « pape de la musique » dont l’expression était sous-tendue d’une bienveillance semblable à celle du 11


dalaï-lama, et ce fut pour moi comme une expérience de l’éveil. Également du fait qu’il parvient avec des moyens simples à toucher au cœur du message. Dans L’Aube enchantée, par exemple, il a recours au râga, suite préexistante de six notes. Elle est sans cesse, et de plus en plus vite, répétée et combinée, jusqu’à ce que les doigts finissent par danser sur les clefs de l’instrument et qu’en résulte une sorte d’ivresse. Il se passe quelque chose de fascinant lorsqu’on joue cette musique : les notes que l’on voit sur le papier commencent à mener leur propre vie et à jaillir de la partition. Pour des musiciens occidentaux, c’est un sentiment à la fois d’aventure et d’élévation. Le seul continent sur lequel je ne suis personnellement jamais allé est l’Afrique – aussi est-ce la raison pour laquelle je laisse cette partie du voyage à la guitare solo. Mais ma curiosité n’en est pas moins grande : dans Tiento pour guitare seule de Maurice Ohana, l’évolution contemporaine du XXe siècle se trouve comme ramassée sous forme de pont tendu entre la musique traditionnelle et une modernité tournée vers l’avenir, cependant que tiento peut être compris au sens de toccata instrumentale aussi bien que comme forme de flamenco sérieux. Né à Casablanca, d’origine andalouse et sépharade, le compositeur représente pour moi un complément significatif de légendes comme Messiaen, car il s’entend à réunir intellect et sensualité. Naturellement, lorsque le voyageur est de retour dans son univers habituel, la musique qui lui est familière lui apparaît elle aussi changée. Les expériences d’un tour du monde influent tout autant sur le regard que l’on porte sur sa propre tradition. En définitive, Béla Bartók lui aussi franchissait les frontières, à l’instar de Carter et de Shankar. Son art consistait à faire fusionner musique populaire et musique sérieuse, et donc à transformer en art la tradition même des gens. Son génie tient à ce que du profane il faisait de l’art. Autrefois c’est l’Europe que les globe-trotters parcouraient : ce fut pour moi une belle découverte que cette partition de Francesco Molino trouvée à la Bibliothèque nationale, lorsque j’étais encore étudiant à Paris. Le compositeur italien se produisait avant tout comme guitariste virtuose dans les salons parisiens – pour moi ses duos relèvent de cette zone de tension entre réserve et impétuosité et par leur style, tout de sensibilité, rappellent certaines Ssérénades de Mozart. L’Allemand Georg Friedrich Haendel a lui aussi connu de grands succès à l’étranger – en Angleterre : sa Sonate en sol mineur est pour moi un retour à mes racines. Je l’ai jouée à l’âge de sept ans lors d’un concert privé chez mon professeur de flûte. Lorsque j’ai retrouvé la vieille partition, avec ses indications de jeu, un sentiment presque de mélancolie s’est fait jour. Lorsque nous avons arrangé le continuo pour l’accompagnement à la guitare, nous avons immédiatement perçu avec quel génie Haendel a conçu la basse en regard de la partie solo de flûte – pour moi, c’est l’un des très grands compositeurs d’opéra. De ma patrie française, mon camarade d’études Christian Rivet a écrit pour ce projet la délicieuse composition intitulée Clap, dont nous présentons ici même le tout premier enregistrement. Elle évoque l’histoire du cinéma et ce « clap de fin » qui retombe au terme de chaque scène. De caractère très intime, l’œuvre est constituée de cinq flashbacks me faisant au début penser à un jeune garçon qui, ayant trouvé un harmonica, s’essaierait à en tirer ses premiers sons. Rivet fait ensuite allusion aux Inventions de Bach, recourt aux quarts de tons, dans une ambiance propre à la guitare, ou encore célèbre l’inventivité du jazz – une musique rêveuse, comme un kaléidoscope du temps et de l’espace. Si au terme de mon voyage j’ai accumulé quantité d’impressions nouvelles, le point commun demeure partout que dès que la musique commence, je me sens libéré du quotidien, de la souillure du monde. Et peut-être est-ce là l’un des constats les plus essentiels : pour qui voyage, il est plus aisé de toucher au plus profond de soi. Propos recueillis par AXEL BRÜGGEMANN Traduction : Michel Roubinet

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Clap de Christian Rivet Clap propose une série de cinq courtes danses en hommage aux compositeurs américains tels que Bernstein, Ives, Adams et Copland ainsi qu’aux principaux musiciens de jazz dont John Coltrane, Joe Hurt et Charlie Christian. Ici, la langue musicale aborde ces mondes parallèles en incorporant un matériau mélodique au sein d’une musique assez contemporaine. La flûte traversière et la guitare délivrent toutes deux certains sons inattendus et jouent des rythmes différents (au même moment) afin de représenter les chansons de deux musiciens qui sont de prime abord très éloignés l’un de l’autre et qui se rencontrent pour créer une musique nouvelle. Il y a aussi une certaine nostalgie dans Clap visant à évoquer le blues dans une dimension plus créative qu’expressive ; la poésie de Guillaume Apollinaire était comme un point de référence pour moi. « Little Walter » est un hommage à Marion Walter Jacobs, le grand harmoniciste de blues américain. Pour « Invention BWV », chaque instrumentiste choisit où briser la phrase, comme dans une improvisation. Dans « Ballad Bop », la flûte traversière joue un bebop et la guitare une ballade au même moment. « Telephone Booth (Blues) » évoque une conversation téléphonique sous la pluie : il bruine sur la cabine téléphonique et dans les cœurs, avec une nostalgie « bluesy » pour les vieilles cabines téléphoniques rouges anglaises. J’ai écrit « A Sharp » comme une chanson, en ayant à la fois John Coltrane et Emmanuel Pahud à l’esprit. Christian Rivet n’est pas seulement un guitariste respecté – son album 24 ways upon the Bells a été nommé « Meilleur disque de l’année » par Le Monde en 2010 – mais il est aussi réputé comme chef et, de plus en plus, en tant que compositeur. C’est le premier enregistrement de sa nouvelle œuvre, Clap, qui est dédiée à Emmanuel Pahud et publiée aux Éditions Durand.

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Recorded: 7–10.V.2013, Sendesaal, Bremen Producer: Stephen Johns · Recording engineer: Arne Akselberg · Post-production: Ian Watson and Jenni Whiteside Product and marketing manager: Martin Harris · Senior production manager: Kerry Hill Hosokawa, Two Japanese folk songs:  2013 Schott Music Co. Ltd, Tokyo. This arrangement by Christian Rivet  2013 Schott Music Ltd, Tokyo Photography:  Lutz Voigt Design: Paul Marc Mitchell for WLP Ltd.  2013 Warner Classics, Warner Music UK Ltd. A Warner Music Group Company.  2013 Warner Classics, Warner Music UK Ltd. A Warner Music Group Company. www.warnerclassics.com


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