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Franz Schubert Octet

Markus Krusche · Daniel Mohrmann · Christoph Eß Alexandra Hengstebeck · Amaryllis Quartett


Franz Schubert O c t e t i n F m a j o r, D 8 0 3

Markus Krusche, Clarinet Daniel Mohrmann, Bassoon Christoph Eß, French Horn Alexandra Hengstebeck, Double Bass Amaryllis Quartett: Gustav Frielinghaus, Violin Lena Wirth, Violin Lena Eckels, Viola Yves Sandoz, Cello

F r a n z S c h u b e r t ( 17 9 7 –18 2 8 ) O c t e t i n F m a j o r f o r C l a r i n e t , B a s s o o n , H o r n & S t r i n g s , D 8 0 3 ( 18 2 4 ) 0 1 Adagio – Allegro – Più allegro .. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . [14' 4 2] 0 2 Adagio. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . [12' 0 9] 0 3 Scherzo: Allegro vivace – Trio. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . [06' 1 4] 0 4 Andante con variazioni .. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . [12' 0 2] 0 5 Menuetto: Allegretto – Trio. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . [06' 4 3] 0 6 Andante molto – Allegro – Andante molto – Allegro molto.. . . [09' 3 8] To t a l Ti m e.. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . [62' 0 4]


“A n e n t i r e w o r l d ” – S c h u b e r t ’s O c t e t , D 8 0 3

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ne could for a moment assume that Franz Schubert did not die at the age of 31 but instead would have been blessed with reaching the age of eighty-two or eightythree just as Johann Wolfgang von Goethe did. Assuming this, then an encounter between the young Gustav Mahler and Franz Schubert might very well have occurred: in the rooms of the Vienna’s Conservatory or the Musikverein or at the Red Hedgehog, a favorite tavern haunt, especially of musicians. Although thoughts like this are purely speculative there is no denying the fact that Mahler and Schubert were kindred spirits. They each combined their song compositions with instrumental works. Both interpreted earthly life as passion – the Winterreise and Songs of a Wayfarer bear testimony to that. One may even say that, when composing music, Schubert foreshadowed his younger colleague’s quest for fashioning “a whole world with all the means at hand” thanks to his unique visionary force. This could be surmised in the 1824 Octet in F major, D 803, which was given its first public performance at the Red Hedgehog in 1827, a year before the composer’s death. The panoptical (or more fittingly: panacoustical) nature of Schubert’s sensibilities and thinking is already evident in the extended formal layout of the Octet given that one can note both symphonic (the first, second and final movements) as well as divertimento-like (the middle movements) traits. The panoply covers both the serious-minded as well as jocular – however not portrayed in simple black-and-white terms but instead in an admirable range of shadings.

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The emotional richness of the Octet is reflected dialectically in the highly economic use of compositional means. And so the opening movement (Adagio – Allegro), whose bipartite form (slow – fast) can be attributed historically to the Baroque overture, begins with the development of a motive essentially consisting of a rising minor second. It is just this interval which is most dominant in the opening theme of the following Allegro movement. It is through these shared motivic elements that Schubert removes the traditional contrast between a slow introduction and the allegro – a procedure which can already be seen in the opening movement of his later Symphony in C major, D 944, and creates the impression of expansive space. It is not by accident that Robert Schumann, who discovered Schubert’s symphony on a trip to Vienna, speaks of “heavenly dimensions.” The internationally recognized composer Adriana Hölszky once spoke in glowing terms about Schubert’s modernity because he did not achieve the expansive formal layout “by means of monumentality” but instead by immersing himself in a micro-universe; in addition, she says that his music breathes like an organism, it does not embody a desire but instead represents “a letting go, a flow, softness, intricate subtlety.” Hölzky’s confessional statements leave the impression they had been inspired by the second Adagio of the Octet. Its cantabile texture and guitar-like accompaniment initially calls a Romanze to mind. However, the clarinet playing the melody breaks away from the imposed rhythmic pattern – without giving up its unique character – to combine forces with the violin. Gradually the image of a blossoming tonal meadow rich with many kinds of flowers emerges, a gently woven texture whose pattern each of the ensemble instruments contributes to. The third movement, Allegro vivace, is more down-to-earth than ethereal in nature: A picture of glowing vitality, whose life-affirming vigor however is called into question in the middle section, the carefully scored and chromatically subdued Trio. The relation-

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ship to dance music, to the music of Viennese suburbs, is never called into question but instead confirmed by the many repetitions – and also by the predominant fourmeasure phrasing in the opening section which Schubert intentionally deviates from as if he were anticipating Friedrich Nietzsche, the philosopher of the dance. “My style is that of the dance,” wrote the philologist in 1884 to a friend, “a play of all kinds of symmetries and somersaulting across and mocking these symmetries.” The fourth movement could be referred to as play, an Andante with seven variations. Firstly because he plays with the recognizable return of the theme and, second, he works in masquerade style in transforming it. The primary theme was taken by Schubert from his 1815 Singspiel Die Freunde von Salamanka set to a libretto by his friend Johann Mayrhofer. It was originally used for the duet no. 12 (“Camped out beneath the bright roof of the trees”), a naive and bucolic love song performed by Laura and Don Diego. That the male character was a nobleman as well as the fact that clarinet is repeatedly assigned the leading part both hint at the identity of the person who commissioned the Octet: Count Ferdinand Troyer, a gifted clarinetist. The variation movement can also be called playful because Schubert always draws something unexpected from the simple basic material, such as the demonic aura of the fifth variation, which shifts from C major to its parallel minor, or the exalted realms heard in variation no. 6, whose A-flat major was described by E. T. A. Hoffmann in his fantasy pieces with these words: “Invisible pinions flap up and down – I am afloat in ethereal heights.” The Menuetto of the next to last movement bears a strange title. For it neither calls the architecture and austere dignity of the Baroque minuet to mind nor does it evoke courtly splendor. On the contrary: The outer section seems more halting than elegant

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due to its short phrases which are underscored by the changing registers. The harmonic coloration of the second section creates yet more uncertainty. The waltzer-like Trio is literally earthbound and a harbinger of the Strauß dynasty yet to come. Thus this movement can be called a unique microcosm which contains within it an “entire world.” Schubert’s innate sense for expansive phrases and symphonic architecture is documented in the Finale (Andante molto – Allegro) as its two-part form (slow – fast) harks back to the opening movement. Of greater importance, though, is not only that it comes last but also that it speaks of “final matters”: of the deep chasms the slow introduction allows us to peer down with tremolos sounding like Schubert took them at face value (Latin tremere = tremble); of dying in the midst of life – one notes the abrupt fermatas in the middle of the ebullient Allegro. That both, death and life, departure and one’s being, are but two sides of one and the same coin is brought out by Schubert with a stroke of genius which places all convention aside by having the introductory Adagio briefly flicker to life before the movement comes to an end.

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„ E i n e g a n z e We l t “ – S c h u b e r t s O k t e t t D 8 0 3

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an nehme einmal an, Franz Schubert sei nicht mit 31 Jahren verstorben, sondern es sei ihm vergönnt gewesen, zwei- oder dreiundachtzig zu werden wie Johann Wolfgang von Goethe. Dies vorausgesetzt könnte es sich durchaus ergeben haben, dass Franz Schubert dem jungen Gustav Mahler begegnet wäre: in den Räumen des Wiener Konservatoriums, im Verein der Musikfreunde oder im Gasthaus Roter Igel, einer vor allem unter Musikern beliebten Lokalität. Während solche Gedankengänge rein spekulativ sind, lässt es sich nicht verhehlen, dass Mahler und Schubert Geistesverwandte waren. Beide verschränkten ihr Lied- mit dem Instrumentalschaffen. Beide deuteten das irdische Leben als Passion – man denke nur an die Winterreise und die Lieder eines fahrenden Gesellen. Ja, man darf sagen, dass Schubert den Anspruch seines jüngeren Kollegen, beim Komponieren „mit allen zur Verfügung stehenden Mitteln eine ganze Welt“ zu bauen, dank der ihm eigenen, visionären Kraft vorausgeahnt hat – abzulesen an dem 1824 entstandenen Oktett in F-Dur D 803, dessen erste öffentliche Aufführung im bereits erwähnten Roten Igel über die Bühne ging: 1827, ein Jahr vor dem Tod des Komponisten. Wie panoptisch (oder besser: panakustisch) Schubert empfand und dachte, lässt sich bereits an der Großform des Oktetts zeigen, könnte man sie doch vereinfacht als eine Kombination aus Sinfonischem (erster, zweiter und letzter Satz) und Divertimentohaftem (die mittleren Sätze) bezeichnen. Mithin erstreckt sich der Horizont vom Terrain

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des Ernsten zum eher Heiteren – allerdings nicht in simpler Schwarzweißmalerei, sondern in einer bewundernswerten Vielfalt von Schattierungen. Der emotionale Reichtum des Oktetts spiegelt sich dialektisch in der überaus ökonomischen Verwendung der eingesetzten Mittel wider. So beginnt der erste Satz (Adagio – Allegro), dessen Zweiteiligkeit (langsam – schnell) historisch auf die altehrwürdige französische Barock-Ouvertüre zurückzuführen ist, mit der Entfaltung eines Motivs, das im Wesentlichen aus einer steigenden kleinen Sekund besteht. Eben dieses Intervall prägt auch das erste Thema des nachfolgenden Allegros in Sonatensatzform. Durch eine solche Substanzgemeinschaft hebt Schubert den traditionellen Gegensatz zwischen langsamer Einleitung und Allegro auf – ein Verfahren, das bereits auf den Kopfsatz der später entstandenen Sinfonie in C-Dur D 944 hindeutet und den Eindruck eines weitläufigen Raums erweckt. Nicht von ungefähr sprach Robert Schumann, der Schuberts Sinfonie bei einem Wien-Aufenthalt entdeckt hatte, von ihren „himmlischen Längen“. Die international renommierte Komponistin Adriana Hölszky schwärmte einmal von der Modernität Schuberts, weil er die große Form „nicht durch Monumentalität“ realisiere, sondern indem er in ein Mikrouniversum versinke; überdies atme seine Musik wie ein Organismus, sie verkörpere kein Wollen, sondern stehe für „Sich-gehen-lassen, Fließen, Weichheit, filigrane Subtilität“. Hölzkys bekenntnishafte Äußerungen muten an, als seien sie vom zweiten, „Adagio“ überschriebenen Satz des Oktetts inspiriert worden. In seinem liedhaften Duktus und der gitarresken Begleitung erinnert er zunächst an eine schlichte Romanze. Doch bald befreit sich die melodieführende Klarinette vom Joch der Metrik, um sich – ohne ihre Individualität aufzugeben – zunächst mit der Violine zu verbünden. Nach und nach entsteht der Eindruck einer artenreich blühenden

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Klangwiese, einer zart gewebten Textur, an deren Muster jedes der beteiligten Instrumente mitwirkt. Weniger ätherisch als vielmehr erdgebunden gibt sich der tänzerische dritte Satz, „Allegro vivace“ betitelt: ein vor Vitalität strotzendes Gebilde, dessen lebensbejahender Elan allerdings im Mittelteil, dem behutsamer instrumentierten und chromatisch aufgeweichten Trio, hinterfragt wird. Die Verbindung zum Tanzboden, zur Musik der Wiener Vorstädte, sieht sich allerdings nie grundsätzlich in Frage gestellt, sondern durch die vielen Wiederholungen bestätigt – ebenso wie durch die im ersten Abschnitt vorherrschenden Viertakter, deren Symmetrien Schubert im zweiten Abschnitt bewusst unterläuft, so als habe er Friedrich Nietzsche, den Philosophen des Tanzes, vorwegnehmen wollen. „Mein Stil ist der Tanz“, schrieb der Sprachgelehrte 1884 an einen Freund, „ein Spiel der Symmetrien aller Art und ein Überspringen und Verspotten dieser Symmetrien.“ Als Spiel ließe sich auch der vierte Satz, ein Andante mit sieben Variationen, bezeichnen. Einerseits, weil er mit dem Wiedererkennungseffekt des Themas spielt, andererseits, weil er in maskeradenartiger Manier mit der Verwandlung operiert. Das zugrunde gelegte Thema hat Schubert seinem 1815 entstandenen, auf ein Libretto seines Freundes Johann Mayrhofer komponierten Singspiel Die Freunde von Salamanka entnommen: dem Duett Nr. 12 („Gelagert unter’m hellen Dach der Bäume“), einem naiv-bukolischen Liebesgesang, vorgetragen von Laura und Don Diego. Dass es sich dabei um einen Adligen handelt, mag ebenso wie die Tatsache, dass der Klarinette immer wieder Führungsaufgaben zufallen, ein Hinweis auf den Auftraggeber des Oktetts sein: Ferdinand Graf Troyer, ein begabter Klarinettist. Spiel ist der Variationssatz aber auch insofern, als Schubert dem simplen Grundmaterial immer wieder Unerwartetes entlockt, etwa die Aura des Dämonischen in der fünften Variation, die von C-Dur ins gleichnamige Moll

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umschlägt, oder die Sphäre des Entrückten, so in Variation Nr. 6, deren As-Dur E. T. A. Hoffmann in seinen Fantasiestücken mit den Worten umschrieb: „Unsichtbare Fittige wehen auf und nieder – ich schwimme im duftigen Aether.“ „Menuetto“ lautet der Titel des vorletzten Satzes – eine merkwürdige Bezeichnung. Denn weder lässt er an die Architektonik und steife Würde des barocken Menuetts denken noch an die mit ihm zu assoziierende höfische Pracht. Im Gegenteil: Der Rahmenteil wirkt auf Grund der kleinteiligen Phrasen, deren Kürze die wechselnden Registrierungen noch unterstreichen, eher brüchig als elegant. Die harmonischen Einfärbungen im zweiten Abschnitt sorgen für weitere Verunsicherung. Bodenständig im wahrsten Sinne des Wortes ist das walzerhafte Trio, bei dem die Strauß-Dynastie bereits um die Ecke lugt. So erweist sich auch dieser Satz als ein Mikrokosmos eigener Art, der gleichwohl eine „ganze Welt“ präsentiert. Schuberts Sinn für die großbögige, sinfonische Architektur dokumentiert das Finale (Andante molto – Allegro), weist seine zweiteilige Anlage (langsam – schnell) doch auf den Kopfsatz zurück. Wichtiger ist aber, dass es nicht nur an letzter Stelle steht, sondern auch von den „letzten Dingen“ erzählt: von den Abgründen, in die uns die langsame Einleitung schauen lässt, deren Tremoli so wirken, als habe Schubert sie beim Wort genommen (lateinisch tremere = zittern); und vom Sterben mitten im Leben – man beachte die abrupten Generalpausen im fröhlichen Treiben des Allegro. Dass beides, Tod und Leben, Abgang und Dasein, aber nur zwei Seiten ein- und derselben Medaille sind, verdeutlicht Schubert mit einem alle Konventionen hinter sich lassenden Geniestreich, indem er kurz vor Satzende das einleitende Adagio noch einmal aufflackern lässt.

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The artists

Die Künstler

After taking part in the 2009 German Music Competition in Berlin, the scholarship winners – who were each selected to perform in the German Music Council’s National Selection of Concerts for Young Artists – were attracted to the idea of joining forces to perform Schubert’s Octet. During the next concert season, 2010/11, Markus Krusche, Daniel Mohrmann, Christoph Eß, Alexandra Hengstebeck, and the Amaryllis Quartett performed the famous chamber work in over 25 successful concerts throughout Germany and Switzerland, after which the idea of producing a new recording of the Octet in F major, D 803, emerged.

Nach dem Deutschen Musikwettbewerb 2009 in Berlin entstand bei den Stipendiaten, die alle in die Bundesauswahl Konzerte Junger Künstler aufgenommen worden waren, die Idee, sich für das Schubert Oktett zusammenzutun. In der folgenden Saison 2010/11 brachten Markus Krusche, Daniel Mohrmann, Christoph Eß, Alexandra Hengestebeck und das Amaryllis Quartett dieses berühmte Stück Musik in über 25 erfolgreichen Konzerten in Deutschland und der Schweiz zu Gehör und es kam der Wunsch auf, das Schubert Oktett aufzunehmen und in einer neuen Einspielung auf CD zu veröffentlichen.

The recitals met with critical acclaim: “They joyously passed the motifs and humorous phrases back and forth among each other – at the same time they could call on an endless range of tonal nuances in order to lay bare Schubert‘s inimitable anguish beneath the tremendous vibrancy of the work. All of it was rendered with perfect intonation and flawless ensemble playing.” Hamburger Abendblatt, June 27, 2011

Die Konzerte wurden von der Presse begeistert rezensiert: „Lustvoll spielten sie einander die Motive und humorvollen Wendungen zu – zugleich hatten sie unendlich viele Farbnuancen zur Verfügung, um auch die Schubertsche Verzweiflung unter dem Heurigenschwung freizulegen. Und das Ganze makellos in Zusammenspiel und Intonation.“ Hamburger Abendblatt, 27. Juni 2011

“Highly precise ensemble playing, deftly wrought dynamics [and] infectious drive…” Augsburger Allgemeine Zeitung, July 4, 2011

„Genauigkeit im Zusammenspiel, ausgeprägte Dynamik [und] mitreißender Schwung…“ Augsburger Allgemeine Zeitung, 4. Juli 2011

www.schubert-oktett.de

www.schubert-oktett.de

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Biographical notes

Born in 1985, clarinetist Markus Krusche studied with Prof. Martin Spangenberg at the Hochschule für Musik Franz Liszt Weimar. He won First Prize at the national German youth music competition “Jugend musiziert” as well as winning a scholarship from the German National Academic Foundation. Krusche is a former member of the Junge Deutsche Philharmonie as well as of the European Union Youth Orchestra. Markus Krusche has appeared as soloist with the Philharmonisches Orchester Regensburg, the Brandenburgisches Staatsorchester and the Hofer Symphoniker. In 2011/12 Krusche was a member of the Orchestra Academy of the Bayerischer Rundfunk. Since 2012 he has been the principal clarinetist of both the Kammerakademie Potsdam as well as the Orchester M 18. Markus Krusche

Born in 1985, bassoonist Daniel Mohrmann studied with Dag Jensen, Albrecht Holder, Georg Klütsch, and Sergio Azzolini and has been awarded many scholarships in recognition of his artistry. Among others, he has appeared as soloist with the Rundfunk-Sinfonieorchester Berlin and the Bergische Symphoniker, as well as performing with orchestras under the baton of Zubin Mehta, Nikolaus Harnoncourt, Christoph Eschenbach, and Daniele Gatti. Daniel Mohrmann is principal bassoonist of the Saarländisches Staatsorchester and was previously engaged as a bassoonist with the Zurich Opera and the Hamburg State Opera House. Mohrmann is also a dedicated chamber musician and regularly performs in recital at

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Daniel Mohrmann

well-known festivals. His collaboration with Trio Idamante has been recorded by the German broadcasters hr, BR, and NDR. Daniel Mohrmann plays a Heckel bassoon the purchase of which was sponsored by the PE-Förderkreis Mannheim. Christoph Eß is one of the leading French horn players of his generation. He was prize winner of the international ARD music competition in Munich in 2005 and won the internationally

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renowned Prague Spring International Music Competition in 2007. In 2011 he was named a soloist by the Swiss-based Orpheum Foundation for the Advancement of Young Soloists, giving his debut performance as an Orpheum Foundation soloist with the Tonhalle-Orchester Zürich. Christoph Eß appears in concert as a horn soloist with leading orchestras such as the Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks, the Tonhalle-Orchester Zürich, and the Radio-Sinfonieorchester Berlin and collaborates with conductors such as Jonathan Nott, Yakov Kreizberg (†), Christoph Poppen, and Michael Sanderling. He is also an avid performer of chamber music and regularly appears at leading music festivals with chamber music partners and ensembles including Christian Zacharias, Andreas Scholl, the Fauré Quartet, Quatour Ebène, Boris Kusnezow, and Viviane Hagner. www.christophess.de Alexandra Hengstebeck was born in Frankfurt am Main in 1983 and initially studied double bass in her native city under Prof. Günter Klaus. While studying she was a member of the Junge Deutsche Philharmonie and of the European Union Youth Orchestra. In addition she also performed in various chamber music recitals as part of the Villa Musica RheinlandPfalz concert series. As a scholarship recipient of the Orchestra Academy of the Berlin Philharmonic she also received further instruction from Prof. Klaus Stoll and performed in concerts conducted by Sir Simon Rattle, Daniel Barenboim, and Seiji Ozawa. From 2008 to 2010 she was a member of the Bamberger Symphoniker and is pursuing further studies with Prof. Nabil Shehata at the Hochschule für Musik und Theater München. Alexandra Hengstebeck has been a member of the Bavarian State Opera Orchestra since 2012.

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Christoph Eß

Alexandra Hengstebeck

At the latest after winning the Finalists’ Prize at the Premio Paolo Borciani 2011 in Reggio Emilia (no First Prize was awarded) and then, only four weeks later, winning First Prize and the Monash University Grand Prize at the 6th Melbourne International Chamber Music Competition, the Amaryllis Quartett emerged as one of the leading string quartets of their generation. The four young musicians, who first studied with Walter Levin in Basel and later with the Alban Berg Quartet in Cologne and Günter Pichler in Madrid, have also won prizes at

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international competitions in Heerlen, Eindhoven, and Graz, and have been named scholarship winners of the Deutscher Musikrat (German Music Council). In 2012 they won the Chamber Music Prize of the Jürgen Ponto Foundation. Their 2011 release, “White,” featuring works by Haydn and Webern, won the 2012 ECHO Klassik Award as “Chamber Music Recording of the Year.” The Amaryllis Quartett regularly performs in concert series and at festivals such as the Schleswig-Holstein Musik Festival, the Festspiele Mecklenburg-Vorpommern, Heidelberger Frühling, and Lucerne Festival, as well as at venues such as the Muziekgebouw Amsterdam, the Tonhalle in Zurich, Vienna’s Musikverein, Teatro della Pergola in Florence, the Gran Teatro La Fenice di Venezia, and at the Dai-ichi Seimei Hall in Tokyo. The quartet has been featured in recordings and productions by German broadcasters SWR, WDR, NDR, BR, by Swiss Radio DRS as well as by Radio France. In addition the string quartet has inaugurated its own recital series at the Laeiszhalle Hamburg, Lübeck’s Kolosseum, and at the Concert Hall in Solothurn, Switzerland. In its recital programming the quartet members constantly strive to innovatively combine the standard quartet literature with contemporary compositions. The musicians are devoted not only to giving premiere performances of New Music by composers such as Eino Tamberg, Johannes Fischer, or Chinese composer Lin Yang but also include forgotten masterpieces in their recitals. For example, the Amaryllis Quartett champions the music of the Hungarian composer and Béla Bartók pupil Géza Frid, completing the world premiere recording of his quartets in 2008. The Amaryllis Quartett particularly enjoys combining works from the Viennese classical period with those of the Second Viennese School – as they did on their previous CD, “White,” and have also done in their most recent release, “Red” featuring works by Beethoven and Alban Berg.

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The Amaryllis Quartett regularly performs with chamber music partners Barbara Westphal, Dimitri Ashkenazy, François Benda, Patrick Demenga, Paul Katz, Jens Peter Maintz, Gustav Rivinius, Gerhard Schulz, and Michael Tree. www.amaryllis-quartett.de

Biografische Anmerkungen

Markus Krusche, geboren 1985, studierte Klarinette bei Prof. Martin Spangenberg an der Hochschule für Musik Franz Liszt Weimar. Er war erster Preisträger des Bundeswettbewerbs „Jugend musiziert“, wurde als Stipendiat von Yehudi Menuhins Organisation „Live Music Now“ ebenso wie von der Studienstiftung des deutschen Volkes gefördert und war Mitglied der Jungen Deutschen Philharmonie wie auch des European Union Youth Orchestra. Als Solist trat er unter anderem mit dem Philharmonischen Orchester Regensburg, dem Brandenburgischen Staatsorchester sowie den Hofer Symphonikern auf. Markus Krusche war 2011/12 Mitglied der Akademie des Symphonieorchesters des Bayerischen Rundfunks. Seit 2012 ist er Solo-Klarinettist der Kammerakademie Potsdam sowie des Orchester M 18.

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Daniel Mohrmann, geboren 1985, studierte Fagott bei Dag Jensen, Albrecht Holder, Georg Klütsch und Sergio Azzolini und wurde mit zahlreichen Stipendien ausgezeichnet. Als Solist konzertierte er erfolgreich u.a. mit dem Rundfunk-Sinfonieorchester Berlin und den Bergischen Symphonikern. Im Orchester musizierte er unter Dirigenten wie Zubin Mehta, Nikolaus Harnoncourt, Christoph Eschenbach und Daniele Gatti. Daniel Mohrmann ist Solofagottist des Saarländischen Staatsorchesters. Zuvor sammelte er Erfahrungen am Opernhaus Zürich und an der Hamburgischen Staatsoper. Ein Schwerpunkt seiner Tätigkeit liegt in der Kammermusik: Regelmäßig ist er Gast bedeutender Festivals und seine Arbeit mit dem Trio Idamante wurde vom hr, BR und NDR dokumentiert. Daniel Mohrmann spielt ein Heckel-Fagott, dessen Anschaffung vom PE-Förderkreis Mannheim unterstützt wurde. Christoph Eß gilt heute als einer der führenden Hornisten seiner Generation. Nachdem er 2005 als Preisträger aus dem Internationalen Musikwettbewerb der ARD in München hervorging, gewann er 2007 den weltweit renommierten Musikwettbewerb „Prager Frühling“. 2011 nahm ihn die „Orpheum Stiftung zur Förderung junger Solisten“ auf. Er gab im Zuge dessen sein Debüt in der Tonhalle Zürich. Als Solist gastiert Christoph Eß bei führenden Orchestern wie dem Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks, dem Tonhalle-Orchester Zürich und dem Radio-Sinfonieorchester Berlin und arbeitet dabei mit Dirigenten wie Jonathan Nott, Yakov Kreizberg (†), Christoph Poppen und Michael Sanderling zusammen. Zudem widmet er sich intensiv der Kammermusik.

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Mit Partnern wie Christian Zacharias, Andreas Scholl, dem Fauré Quartett, Quatour Ebène, Boris Kusnezow und Viviane Hagner ist er in regelmäßigen Abständen auf führenden Musikfestivals zu hören. www.christophess.de Alexandra Hengstebeck wurde 1983 in Frankfurt am Main geboren und studierte zunächst in ihrer Heimatstadt Kontrabass bei Prof. Günter Klaus. In dieser Zeit war sie Mitglied der Jungen Deutschen Philharmonie und des European Union Youth Orchestra. Außerdem spielte sie in verschiedenen Kammermusikkonzerten der Villa Musica Rheinland-Pfalz. Als Stipendiatin der Orchesterakademie der Berliner Philharmoniker erhielt sie weiteren Unterricht bei Prof. Klaus Stoll und spielte unter Dirigenten wie Sir Simon Rattle, Daniel Barenboim und Seiji Ozawa. Von 2008 bis 2010 war sie Mitglied der Bamberger Symphoniker und setzt jetzt ihr Studium bei Prof. Nabil Shehata an der Hochschule für Musik und Theater München fort. Seit 2012 ist Alexandra Hengstebeck im Orchester der Bayerischen Staatsoper München engagiert. Spätestens seit dem Gewinn des Finalisten-Preises beim Premio Paolo Borciani 2011 in Reggio Emilia (ein erster Preis wurde nicht vergeben) und nur vier Wochen danach dem Gewinn des ersten Preises und des Monash University Grand Prize bei der 6th International Chamber Music Competition in Melbourne kann sich das Amaryllis Quartett zu den führenden Streichquartetten seiner Generation zählen. Die vier jungen Musiker, die bei Walter Levin in Basel, später dann beim Alban Berg Quartett in Köln und bei Günter Pichler in Madrid ausgebildet wurden, sind außerdem

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Preisträger von internationalen Wettbewerben in Heerlen, Eindhoven und Graz und Stipendiaten des Deutschen Musikrates. Im Jahr 2012 wurde ihnen der Kammermusikpreis der Jürgen Ponto Stiftung verliehen, ihre 2011 erschienene CD „White“ mit Werken von Haydn und Webern wurde mit dem ECHO Klassik für die beste Kammermusikeinspielung des Jahres 2012 ausgezeichnet. Regelmäßig gastiert das Amaryllis Quartett bei Konzertreihen und auf Festivals; es trat u.a. beim Schleswig-Holstein Musik Festival, bei den Festspielen MecklenburgVorpommern, beim Heidelberger Frühling und beim Lucerne Festival sowie im Muziekgebouw Amsterdam, in der Tonhalle Zürich, im Wiener Musikverein, im Teatro della Pergola in Florenz, im Gran Teatro La Fenice in Venedig und in der Dai-ichi Seimei Hall in Tokio auf. Radioaufnahmen entstanden u.a. mit dem SWR, WDR, NDR, BR, SR, dem Schweizer Radio DRS und Radio France. Außerdem rief das Quartett seine eigenen Konzertreihen in der Laeiszhalle Hamburg, im Lübecker Kolosseum und im Konzertsaal Solothurn ins Leben. Stets ist es den vier Musikern ein Anliegen, in ihren Konzertprogrammen die Klassiker der Quartettliteratur auf ungewöhnliche Weise mit Neuem zu kombinieren. Die Uraufführung von Werken zeitgenössischer Komponisten wie Eino Tamberg, Johannes Fischer oder der Chinesin Lin Yang nimmt dabei einen ebenso wichtigen Platz ein wie die Wiederentdeckung heute vergessener Meisterwerke. So setzt sich das Amaryllis Quartett ganz besonders für die Musik des ungarischen Komponisten und Bartók-Schülers Géza Frid ein, dessen Streichquartette es 2008 als Weltersteinspielung veröffentlicht hat. Gerne stellt das Amaryllis Quartett auch immer wieder Werke der Wiener Klassik und der Zweiten Wiener Schule einander gegenüber – auf seiner letzten CD „White“ ebenso wie auf der neuesten Einspielung „Red“ mit Werken von Beethoven und Berg.

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Amaryllis Quartett

Zu den Kammermusikpartnern des Amaryllis Quartetts zählen Barbara Westphal, Dimitri Ashkenazy, François Benda, Patrick Demenga, Paul Katz, Jens Peter Maintz, Gustav Rivinius, Gerhard Schulz und Michael Tree. www.amaryllis-quartett.de

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GE N 13 2 69 Also available GENUIN classics GbR Holger Busse, Alfredo Lasheras Hakobian, Michael Silberhorn Feuerbachstr. 7 · 04105 Leipzig · Germany Phone: +49 . (0) 3 41 . 2 15 52 50 · Fax: +49 . (0) 3 41 . 2 15 52 55 · mail@genuin.de

Red String Quartets by Ludwig van Beethoven and Alban Berg Amaryllis Quartett

GEN 13261

Recorded at the Aula der Rudolf-Steiner-Schule, Hamburg-Bergstedt, Germany December 8–11, 2011 Recording Producer/Tonmeister: Dirk Lüdemann Editing: Dirk Lüdemann Text: Matthias Henke, Siegen English Translation: Matthew Harris, Ibiza Booklet Editing: Katrin Haase, Leipzig

White String Quartets by Joseph Haydn and Anton Webern Amaryllis Quartett

GEN 11218

Photography: Amaryllis Quartett: Tobias Wirth; Hengstebeck: Astrid Ackermann; Octet: Daniel Helbig Krusche: Astrid Ackermann; Eß: Dan Zoubek; Mohrmann: Annegret Kohlmayer Layout: Sabine Kahlke-Rosenthal, Leipzig Graphic Design: Thorsten Stapel. Münster

Works for Horn Order at  www.genuin.de

by Trygve Madsen (*1940) Christoph Eß

GEN 12252

P + © 2013 GENUIN classics, Leipzig, Germany All rights reserved. Unauthorized copying, reproduction, hiring, lending, public performance and broadcasting prohibited.



Krusche / Mohrmann / Eß / Hengstebeck & Amaryllis Quartett - Franz Schubert: Octet in F major, D 803