Page 1

AS Photography Exam Encounters,  ‘Experiences and Meetings’ Hannah Beedle


First Artist Analysis What I find particularly interesting about this photo is  the composition. The power lines in the photo almost  divide up the image into three sections. The main  subject lies only in the bottom two sections, leaving  blank sky above. I can also see that the photographer has  used a fast shutter speed, and therefore is able to capture  the flying birds which make the photo more interesting.  I like how the birds lie only in the middle of the photo,  in between the power lines. The use of black and white  helps to enhance the contrast between the positive and  negative space, which definitely leaves us with an  aesthetically pleasing photograph.

Aaron Brown – Birds and  Chimney

I have chosen to take photographs involving a similar  subject matter to this photo. I want to focus on how the  sky meets the the highest points in photos i.e. rooftops,  the top of trees etc. Similarly to Brown’s photo, I will  edit my photos into black and white to boost the contrast  between positive and negative space. The photo also has  a tranquil atmosphere, which is something I want to  achieve in my own.


First Initial Photographs


Initial Photographs


Initial Photographs


Initial Photographs


Evaluation of Photographs My original intention was to take photographs that explore the visual idea where sky meets or has an encounter with rooftops and trees at their  highest points. In order to focus on this I had to consider the composition of the photos. For example, none of my photos reveal the full object,  and the ground isn’t visible. I think I have achieved this effect quite well in my photos, particularly with the black and white editing. When I took the photos I used quite a small aperture because I wanted everything to be in focus. Although it wasn’t sunny outside, it was quite  bright, and a fast shutter speed allowed me to focus the photo properly without a tripod. In some ways I think the cloudy sky was beneficial to me  because the sky is one white colour, so there’s a clear contrast between the blank sky and the subject. However, some sunlight may have had a  completely different effect on the photos because they are quite dull. Some light areas and shadows on the rooftops may have improved them.  However, I’m generally pleased with the focusing and lighting in my photographs. Overall, I am happy with the composition of my photographs, particularly the first and last photos because of the angle I took the photo at. The  rooftops slant in in a diagonal fashion. I felt it was important to be more creative with angles instead of photographing them directly in front of  me, just to make them more interesting. I also thought it was a good idea to have the trees fill the width of the frame, to create a clear meeting  boundary between the sky and the treetop. I’m not as pleased with the composition of the fifth photograph, because of the angle the roof slants at.   However, I think the snow on the rooftop compliments the white sky, adding to the wintery atmosphere. I think my  photos will have a visual impact on the viewer visually. The contrast in the black and white editing is strong and draws attention to it. I  asked other people what images came to mind when looking at the photos. They all said that they have a ‘cold’ or ‘bleak’ aspect to them, and  remind them of winter. It was also said that it brings back memories from childhood, with the old­fashioned buildings and the paneled housing.  I wanted my photos to symbolize that winter atmosphere, and the great distance between the rooftops/trees and space. Although they technically  ‘meet’ the sky in the photo, it’s hard to define or understand where the sky stops. It allows us to question what is beyond our reach. I think I  achieved this in my photos, and I think some viewers would be able to understand it. However, I would consider including an explanation with the  photos if they were on display. 


Developmental Photographs


Developmental Photographs


Developmental Photographs


Developmental Photographs Developments by Photoshop experimentation


Evaluation of Developmental  Photographs My original intention was to produce a set of developmental photos from my original images, showing  an encounter between two different places. This involved printing out the photos from my trip to  Whitstable and Canterbury, and re­photographing them to replace objects in my area. For this  developmental set, I also experimented with symmetry in Photoshop to show repetition with the same  image, meeting itself. I think I have achieved what I wanted to, but probably  not to the highest standard I  could have.   I based my idea for my developments on photos like this that I have seen lots of times before, showing an  encounter between the past and present with a photograph. However, mine is based on the idea of two  different places meeting. I wanted the photo and the background to both be in focus, meaning I had to  use a small aperture. The problem was that it was quite dark outside, despite it being daylight. After trial  and error, I found an ISO of 800 worked. I would have liked the background to be focused more, so if I  was to do this again I would have tried for longer. If it was brighter outside, I would have left the                                                background of the photos in colour, to make them less dull. Although I was limited  with the angles I could photograph from, I’m quite pleased with the composition. I wanted to use my  digital skills too, and am pleased with the results from my symmetry experimentation in Photoshop. It’s  interesting to see the abstract shapes that can be created. I particularly like the image with the triangular  roofs.  I wanted my photos to have quite a strong visual impact on the audience, due to the black and white, and  the contrast between the positive and negative space in the photographs. The same technique is used to  combine old and new (like in the photo to the right.) I think this has more of an impact in regard to  symbolism because it reflects history with the present. It looks at how things can change, but also how  things can stay the same over time. In my photos I wanted to symbolise two different places coming together. Although everywhere around  the world is different, there are things that are still similar among these different places, which can make  it hard to establish where they came from. This is quite visible in the photos involving the trees. The  lamppost photo is interesting because although you cannot see the top of the lamppost in my street, it has  a much more modern design compared to the one in the photo being held up (taken in the old beach town  of Whitstable).


Second Artist Analysis I feel this photo is important because it gives us an insight into a  different culture. This one is from a series of photos Leepaisal  took in Thailand. The woman would seem quite poor, and perhaps  cold as she is wrapped in a blanket/thick material. I find it  interesting how most of her face is hidden, except her eye which is  looking directly at the camera. This demonstrates an  encounter/meeting between the photographer and the subject. 

‘Hidden Face’ by Drussawin Leepaisal ­Documentary Photograph

“I found this woman waiting for her husband  after finishing her work. Her eyes are very  interesting for me.”

The woman’s eye is very bright and stands out in the photo, and  also most of her face is covered. Unless a viewer researched into  this photograph, it could be difficult to establish the nationality of  this woman because of the black and white editing.  I think this  photo conveys a deep message that no matter where in the world  you are from, or what colour skin you have, or how rich or poor  you are, everyone has eyes; everyone has a nose and mouth. We  are all human beings and everyone deserves the right to be treated  in that way.  For my next initial set of photographs, I’m going to focus on the  idea of the encounter between the photographer and subject,  mainly focusing on that eye contact between them. 


Second Initial Photographs


Evaluation of Photographs 

My original intention with these photographs was to focus on the encounter between the photographer/camera and  the subject, through eye contact. To do this I had to ensure the eyes dominate each photo as much as possible, but in  different ways, and I think I achieved this. 

In order to achieve the desired effect on the eyes, I had to adjust the focus correctly to produce a sharp image. I  believe I have done this well, as none seem to be out of focus. I also softened the other areas surrounding the eyes  on Photoshop to define them. I think the lighting was a very important aspect to consider. I decided to take the  photographs outside with an ISO of 100 or 200 because it was a very bright day. The natural sunlight was beneficial  to me because it cast good shadows and is soft on the face. The best thing about this sunlight was the reflections it  made in the eyes. In some of the photographs this is very clear, and you can actually see me with the camera in the  reflection. This is a good way of showing that meeting between the photographer and the subject. I edited a lot of  the photos with a low vibrancy or in black and white, because I like the soft look it gives to the skin whilst allowing  the eyes to stand out. Overall, I am pleased with the composition of my photos too. I tried to photograph from  different angles where the eyes follow the camera, such as above and to the side, however I could have been more  experimental with this.

I asked people for their opinion on how the photos impact them. The people asked all said they see the eyes in the  photos as the dominant part, and that they stand out the most. This feedback is good because it shows that I have  achieved what I intended to. I think the photos make people want to look deeper into the photograph, and discover  the thoughts or emotions of that person. I wanted my photographs to be symbolic of deeper feelings, through the  well­known saying ‘your eyes are the windows to your soul.’ I think I achieved this level of symbolism while  visually demonstrating the meeting/encounter between the photographer and the subject. I think if viewers were to  look at the set of photos for quite a while, they could see this. 


Third Artist Analysis Bellocq photographed prositutes in the early 1900’s as a ‘side project’ which wasn’t linked  to any of the other photography he did for a career; this was simply a hobby of his.  These  photographs were only discovered in the 1970’s after he had died, hidden in a sofa. When  found, people were astonished and somewhat disturbed at several images where the faces of  the women had been scratched out on the negatives. The photos were re­printed for a major  exhibition at the Museum of Modern Art in New York. To this day, people are unsure  whether it was Bellocq himself who scratched out the faces, or whether it was somebody  else who managed to get hold of the negatives. It could have even been the prostitutes  themselves who wished to keep their identities secret. This is a possibility because in some  of Bellocq’s other photos, the prostitutes wore masks to hide their faces. I find this technique interesting because it is a great way of blocking that  encounter with someone’s identity, as you are unable to identify who  they are. I also particularly like the rough look it gives to the photos,  making them look older and more worn. I want to almost counteract the  idea from my initial set of photos. Whereas you are able to see into the  subjects’ eyes clearly, with the developmental set, I will use scratching  techniques on the prints. I have other techniques in mind such as  copydex glue printing because this is a way to rub out sections of the  photos, and to make the photos look worn. This could relate to the exam  title because it involves the photos almost being destroyed/going through  an experience. I also want to experiment with Photoshop techniques to  enhance my photos.


Other Artist Influences Emil Schildt is a photographer with a collection called ‘Kill your darlings’ where the prints  or the negatives have been scratched, or have had things spilt on them, as if the photos are  going through their own experience through being destroyed. This has also given me ideas  for how I can develop my photos, whether this is physically or with Photoshop  experimentation to give them a slightly destroyed look. Printing with Copydex is a good  physical method I can use to achieve this effect. These are some examples of Schildt’s work.


Developmental Photographs


Developmental Photographs


Developmental Photographs


Developmental Photographs


Developmental Photographs


Developmental Photographs


Evaluation of Photographs My original intention with the developmental set of images was to create a lack of identity or anonymity. I decided  to use techniques that would stop the encounter with someone’s eyes, thus not being able to see through the  ‘windows’ into their soul. Some of the techniques actually created quite disturbing photos, however I think this  works well. It is interesting how blocking the eyes out gives the photos a completely different atmosphere to the  original.  I decided to use various methods to erase parts of the photographs. I experimented with a sharp knife to create  white scratches on the eyes, and the mouth. I liked this technique because it almost looks like thread that’s been  sewn onto the photo. It also adds quite a violent/angry aspect to the photo. I also used a black permanent marker  which only worked in a few photos (the ones I kept for the set). I particularly like the fifth photo where I drew  thick black lines to block out the eyes, nose, and mouth which are key facial features. In addition, I experimented  with copydex printing to produce very distressed photos. This wasn’t such a good method of erasing the eyes as  they could still be seen. However, I managed to fix this in Photoshop. I used Photoshop to enhance many of my  photos, with brushes to create a worn effect, and I overlaid textures such as crinkled paper and additional  scratches. I think this was a good way of making the photos look different also.  I think these photos have quite a strong impact on the viewer. They are quite scary to look at, and when I asked  others they said the subjects (models) seem soul­less, like there is no personality there because the eyes are  blocked out. Some of the photos even resemble similar faces seen in horror movies, where people are possessed by  something. They have a sense of emptiness about them. This is what I wanted to achieve with these photos, and I  think this can be quite clearly seen.


Fourth Artist Analysis These photos are from a set called ‘The Observer and The  Observed’ by Susan Derges in 1991.  I feel that these photos are important because they provide  an interesting look into something we take for granted  everyday. The photo to the right looks as if the water is  being poured, but very fast shutter speeds would allow us to  see the specific drops. This isn’t a side of water we would  See in our everyday lives.  The facial expression of the woman in the background of the  photos create a sense of sadness, and it looks as if the woman is  looking into the water for some sort of inspiration, as she looks  lost. The photographer may have been influenced by her own  emotions, or something that has occurred in her past which lead  her to feel lost.


More Artist Inspiration Unknown Photograph by Alix Malka I find this photo interesting because I think it’s a good way of  partially blocking the encounter with the photographer and the  subject, but with a physical object. I like the ‘soft’ atmosphere  the photo has, particularly with the backlighting that  illuminates the hair. It’s interesting how this technique can also  create a fashion­like photo. I also find interesting how the polka  dots create a pattern across the photo, but don’t distract the  viewer from the face. In my next set of photographs, I want to experiment with using  masks, veils etc that block the encounter with the person in a  similar way. I will also use objects such as leaves. I also would  like to experiment with similar backlighting. With this, I  believe I could create good fashion­like photos while sticking  to this theme. 


More Initial Photographs


More Initial Photographs


More Initial Photographs


More Initial Photographs


More Initial Photographs


More Initial Photographs


More Initial Photographs


More Initial Photographs


Evaluation of Photographs My original intention with this set of photos was to explore different ways of blocking the encounter with the person. I  decided to experiment in the style of Susan Derges, where the person is encountering an everyday object, as well as me  (the photographer). The focus is on the object, leaving the person in the photo out of focus. I also wanted to experiment  with different cloths/materials that would partially block the encounter. I think I achieved what I wanted to with this set. The first 9 photos in the set rely on focusing to achieve the desired effect. I had to carefully focus manually, so I made  sure there was enough natural light to allow for a fast shutter speed, as I didn’t use a tripod. I think I managed to do this  well, as the subjects in the foreground of the photos are clear. The level of focus on the face in the background is good  because you can make out the facial features, but it doesn’t distract from the object being observed. Similary to Susan  Derges, I chose to edit most of them into black and white to create a strong contrast and dark shadows on the face e.g.  around the eyes. I tried to think about composition carefully, so I tried to have the object in the middle of the photo, or  have the object and the face at either sides. I think the water on the glass photo is particularly effective because the water  streaks fall in line with the facial features. The last 3 photos work together as a set in their own right, due to my technique (using fabrics). I like the textural effect  these have on the photo, particularly with the second photo where the light catches the creases in the material. I chose to  edit these in black and white to again create strong contrast. I think I could have been more experimental with angles  here, as they are all from the front. However, it was difficult to do this without seeing the fabric being held up. With the photos behind the fabric, I wanted to symbolise a feeling of being trapped, and not being able to express  yourself as freely as you would usually. The different facial expressions show this aim to be free. In my other  photographs I am trying to symbolise the idea of being so drawn into an object, and how everyday objects can actually  be quite interesting. However, I don’t think people would really be able to see this, so these photos just have more of a  visual impact on the viewer.


More Artist Inspiration For my last set of developmental photos, I want to try out the technique I am going to  use in the exam. I want to experiment with having different photos meet, and  combined into one image using Photoshop techniques. I found Bela Borsodi’s work  quite interesting, and I believe I could create some good outcomes using methods  similar to this.  For the last set of developmental photos, I am using the initial photos taken previously  to just try out the technique. However, in the exam I will use different photos that  focus on everyday experiences (everyday objects I encounter throughout the day), and  having these meet each other in one image.  Examples of Bela Borsodi’s work


Developmental Photographs


Developmental Photographs


Evaluation of Photographs For this last set of developmental photos, my intention was to try out the  sort of techniques I will be using on my photos in the exam. I like the  technique of having the original photos meeting one another in a  combined image. However, with the set of photos I was developing, it was  quite hard to think of ideas on how to do this. The first photo contains  original photos that all have a glass in them. So, on Photoshop I created a  glass shape, and then experimented with the layers and arranging these  photos into the shape. This will be easier when I photograph specific  objects that are all related for my exam. Although I don’t have many in my  developmental set, I think they’re quite successful pieces.


The Exam Period For the exam, I want to produce a ‘Blurb’ book as a display for my final set of  photographs that I will edit in the exam time. At the beginning of the exam, I plan to have plenty of photos that I can work with  (about 20­30 photographs). They will all still relate to the theme of encounters,  experiences and meetings, but will focus on the idea of everyday experiences, and I  will have photographed objects/things that I encounter during the day.  In the first 2­3 hours, I plan to experiment with quite complicated Photoshop  techniques to combine different photographs into one. In the next 3 hours, I plan to  edit the original photos that went into those combined ones, experimenting with  different effects.   In the remaining 2 hours, I will arrange my photos onto the online ‘Blurb’ site. I  will display the initial edited photographs in categories e.g. food. I will then show  the combined image with it. I will then pay online for the book to be published and  posted before the end of the exam. 


Exam Evaluation I am pleased with my sets of initial photographs, but I think the second set (face shots) is the strongest set.  This is because the natural lighting casts great shadows, and I experimented with a few different angles and  varying shots, such as close ups. However I think the use of depth of field is effective in my last set of  initial photos.  I think in terms of the exam theme Encounters, Experiences and Meetings I definitely explored it. I began  with location­based photos, in Whitstable which was a new place I had experienced, and I focused on the  idea of where the sky meets rooftops and trees. I then wanted to focus on portraiture and the idea of the  encounter between the photographer and the subject. I then developed this idea by blocking the encounter  using experimentation. I continued to explore the theme further, this time having the photographer and the  person in the photo encountering/meeting an object which has the focus (depth of field shots). For my exam  I used a separate set of photos which then focused on objects that I encounter myself on a daily basis. In  terms of experimentation, I think my second set of developmental photographs were fun and interesting.  Scratching and drawing on photos is not something I had done before and I think it was an effective  technique. I also liked the re­photographing method used for my first developmental location photos, and I  think these work really well together as a set. Other than that, I didn’t really experiment with physical  techniques, as I used Photoshop for my last developmental set and also in my exam. I think it would have  been better to take the developmental sets even further with physical experimentation, so I don’t think I  pushed my creative boundaries as much as I could have. 


Exam Evaluation Overall I think my choice of artists definitely helped me. My analysis of Aaron Brown’s photo definitely  inspired me so I had establish exactly what I wanted to take photos of in Whitstable. The photo by  Drussawin Leepaisal also influenced me greatly because it made me want to really focus on eye contact for  my second set of initial photos, that creates that encounter between the photographer/camera and the subject.  Because of this, I think those initial photos were strong. In total I looked at seven artists, which helped me to  develop my ideas in relation to the exam title. Looking at the work of artists such as Bella Borsodi, Emil  Schmidt and Bellocq really gave me inspiration for how I could develop my initial sets of photos, physically  and digitally. On the whole I think the study of artists gave me that inspiration I needed for this exam.

I am happy with how the exam preparation evolved my exploration into the theme, and I am also happy with  my final outcome (the blurb book) as it focuses on the idea of experiences with everyday objects that I  hadn’t really explored in my prep work. My intention was to see how I could make everyday objects look  more interesting, so this allowed me to photograph from different angles and use depth of field  appropriately. I think the project allowed me to experiment with photographs in many different ways, and  although my final piece was created digitally, I am pleased with the outcome. If I had longer time on the  exam project I would have liked to explore the theme even further, and I would have liked to see what other  physical techniques I could have used to develop my photographs and show my experimentation skills. As  my final piece included some photos that were combined together, maybe I could have looked into doing  this physically i.e. creating collages. However, I think I have produced a successful exam project.

Photography Exam Preparation  

This contains all my photography exam preparation including a whole exam evaluation.

Read more
Read more
Similar to
Popular now
Just for you