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DC-CULTURA.

HAMILTON LEANDRO IDÁRRAGA RENDÓN. COMUNICACIÓN SOCIAL-PERIODISMO. FUNDACION UNIVERSITARIA LSO LIBERTADORES.


INTRODUCCION.

Bogotá, la capital de nuestro país, se caracteriza por la diversidad cultural que emerge de mentes que ven con otros ojos la ciudad, pero muchos nos hemos preguntado el porque o con que fin hacen ese tipo de figuras o edificios de formas que no son comunes. Lo primero que nos llega a la mente es que están locos o que no tienen nada más para hacer. Lo cierto es que lo hacen porque siguen el modelo de ciertos movimientos culturales que hacen ver las cosas muy diferentes, y que además en la época en la que fueron creados estos movimientos, también fueron tildados de locos, pero al ver lo que lograron, al haberse salido de los esquemas que rigen a la sociedad como la cotidianidad, comenzaron con una revolución cultural e ideológica en todos los campos en los que se podía incursionar con estos hechos: literatura, arquitectura, fotografía, pintura y en otros casos, llegaron a la televisión y el cine. Todos estos movimientos culturales, significaron algo en quien o en quienes les dio su origen, algún sentimiento reprimido fuera de alegría o tristeza, o por algo que no le gusto, o simplemente por llevar a otro nivel lo que ya estaba hecho. Cabe resaltar que todo esto se logro a base de estudios, de conocer otros movimientos que cambiaron de cierta forma la forma de ver el mundo y que dieron de que hablar en sus tiempos; de hecho, aun hay expresiones culturales que dan de que hablar ya sea porque hay gente que esta de acuerdo o hay gente que al ser tan radicales, o como llamamos algunos “chapados a la antigua”, han hecho hasta lo imposible por criticar y detener el auge de estos movimientos, o los que simplemente le son indiferentes a estos procesos culturales. Pero con todo y críticas o aceptaciones, todos esos logros están ahí y será muy difícil que alguien llegue cambiar de forma negativa lo que ya está hecho, solo se logrará siempre y cuando llegue alguien igual de loco, para crear cosas nuevas, o porque no, un nuevo movimiento cultural que abarque muchas cosas que ya están hechas. Para concluir, quiero dejar en este documento, lo más característico en cuanto a cultura, independiente de la rama o materia que sea, que se ha dado en Bogotá y que modelos se siguieron de Europa y Estados Unidos o incluso Japón, para que la ciudad se vea como se ve hoy: con una gran diversidad cultural, a pesar de los problemas que nos aquejan a diario, tanto sociales como políticos y económicos, pero así queremos a Bogotá.

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1. EL FAUVISMO. Este movimiento nace en Francia a raíz de la exposición de arte en el Salón de Otoño en 1905. Se caracteriza por el uso de los colores primarios, secundarios y complementarios de forma clara y visual, olvidándose de los trazos marcados, los claroscuros y se centraron en hacer pinturas mas coloridas, lo que producía un realce en sus cuadros.

Ángel volando en la noche (1957). Cecilia Porras (Cartagena 19201971).

Henri Matisse (1869-1954) quien fue considerado como el máximo representante de los fauvistas y quien en sus inicios realizó copias de cuadros clásicos, y a su vez, estudió el arte contemporáneo, en especial, el impresionismo y sus exponentes, dando origen a diversas experimentaciones hasta lograr su propia marca. Pero los orígenes reales de este movimiento provienen de Vincent Van Gogh, quien pretendía “huir” del impresionismo haciendo cuadros con una ejecución libre y espontanea en sus trazos y colores.

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Otros exponentes del fauvismo fueron André Derain (1880-1954), Maurice de Vlaminck (1876-1958), Albert Marquet (1875-1947) y Raoul Dufy (1877-1953). En Colombia, quien mas se acerco a este estilo de pintura fue la cartagenera Cecilia Porras, y quien fuera alumna de Enrique Grau. Por ser un movimiento que no fue muy organizado y que además duró poco, el fauvismo no tuvo una expansión en otras artes como la arquitectura, la fotografía, la literatura y la televisión.

2. EL EXPRESIONISMO. Este movimiento cultural a diferencia del fauvismo, si tuvo gran expansión en otros campos y en los que aun se ven muestras claras de este movimiento en la actualidad. Este movimiento surgió en Alemania a principios del siglo XX, y obviamente en su primer campo en el que se manifestó fue en la pintura, y junto al fauvismo (quienes se originan coincidencialmente al mismo tiempo) formaron lo que se conoció como “las vanguardias históricas”. Se caracterizo por ser un arte mucho más personal en la que predominaba el ideal interno del artista, frente a lo que el podía plasmar en sus cuadros. Otra característica y es la mas clara, es la deformación de la realidad, mostrándolo oculto, las cosas que ningún otro artista se había atrevido a mostrar en sus trabajos artísticos, en temas como la soledad y la violencia entre otras la miseria del hombre y otros temas como lo morboso, lo violento, lo sexual, entre otros. Este movimiento nunca fue homogéneo, ya hubo una gran diversidad de estilos, pasando por el expresionismo modernista, el mismo fauvista, cubista y futurista, entre otros. 2.1 Arquitectura expresionista. Se caracteriza por la distorsión, la fragmentación y la manifestación de una emoción violenta, además del uso de nuevos materiales que no eran comunes a principios del siglo XX como el ladrillo, el acero o el vidrio. La mayor parte de los artistas expresionistas europeos combatieron en la Primera Guerra Mundial y en la Revolución Alemana en 1918 y a raíz de estos hechos desembocaron en perspectivas utópicas. Este estilo de arquitectura fue influenciado por el estilo modernista, en especial de arquitectos como Henry van de Velde, Antoni Gaudí, entre otros.

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En Colombia se destaca el arquitecto Daniel Bermúdez que en Bogotá ha realizado trabajos como el de la Biblioteca El Tintal y el más reciente el centro cultural de la Biblioteca Pública Julio Mario Santodomingo. Arriba: Goetheanum (1923), de Rudolf Steiner, Dornach. Tomado de Wikipedia, la enciclopedia libre. Derecha: Centro Cultural Julio Mario Santodomingo. Tomado de Universia Noticias. Abajo: Biblioteca Pública El Tintal.

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2.2 Pintura expresionista. Como se mencionó al inicio del tema, la pintura expresionista se caracterizó por el realce en la deformación de la realidad a tal punto de explorar temas que antes eran tabú, como lo sexual, lo violento, lo oscuro. En Bogotá y a nivel nacional podemos nombrar a Enrique Grau y el más famoso de todos el pintor colombo-español Alejandro Obregón.

Arriba: Mujer Dormida (1960). Enrique Grau. Abajo: “Tres Cordilleras y dos Océanos” Mural del Salón Elíptico del Capitolio Nacional .Alejandro Obregón. Tomado de panoramio.com.

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2.3 Literatura expresionista. Este tipo de literatura contiene características similares a la pintura, como lo son la guerra, la urbe, el miedo, la locura, el amor, el delirio, la naturaleza, la pérdida de la identidad individual, entre otros. Hasta el momento, ha sido el único movimiento que le ha apostado a la deformidad, la enfermedad y la locura como punto central en sus obras. Los primeros literatos expresionistas criticaron las sociedades burguesas, el militarismo como forma de gobierno en figura del káiser (Alemania) y la represión familiar, moral y religiosa, originando una profunda crisis existencial. Autores conocidos el austro-húngaro Franz Kafka y su obra La Metamorfosis. En Colombia no se pueden establecer uno varios autores que hayan seguido la corriente expresionista. 2.4 Fotografía expresionista. Al haberse originado en la Europa de la Posguerra, la fotografía fue incursionando para romper con la tradición burguesa para darle paso a un nuevo modelo social con la tendencia de a la colaboración entre clases sociales. Al terminar la guerra en Europa, la fotografía se convierte en el medio capaz de captar las situaciones sin manipulaciones y con toda la precisión documental. Su exponente principal fue August Sander, quien en sus inicios fue estudiante de pintura. Se enfocó en los retratos de personas de cualquier estrato social, partiendo de la premisa de que el individuo es fruto de las circunstancias históricas. Los retratos de Sander eran fríos, objetivos, científicos, desapasionados, pero por ese motivo resultaban de una gran elocuencia personal, remarcando su individualidad. En Colombia podemos destacar a Fernell Franco, quien a sus escasos 8 años fue desplazado por la violencia de Versalles, Valle del Cauca. Es por este hecho que decide fotografiar a los rostros de la violencia en Colombia y en toda Latinoamérica y demás personajes que de cierta forma hacen parte de la discriminación social.

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Interior 2. Fernell Franco. Tomado de ciudadviva.gov.co

2.5 Cine expresionista. Lamentablemente, el cine expresionista apareció después de la Primera Guerra Mundial, ya cuando el expresionismo esta desapareciendo como corriente artística dándole origen a la Nueva Objetividad. En el cine expresionista se impuso la deformidad expresiva de la realidad, en los que se reflejaban la distorsión de los escenarios, del maquillaje, etc., y a la adaptación de atmosferas terroríficas o algo inquietantes. Los temas que se manejaron en este cine fueron el terror y la fantasía. El más claro ejemplo de este tipo de cine nos lo da la película “El gabinete del doctor Caligari”, que se trataba de una serie de asesinatos, que fueron cometidos por un sonámbulo. Otra película que también aparece en el cine futurista es “El Golem” que habla acerca de un hombre de barro creado por un rabino judío.

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Cartel de “El gabinete del doctor Caligari” de Robert Wiene (1919). Tomado de Wikipedia, la enciclopedia libre.

3. EL MODERNISMO. Esta corriente se desarrolló en España y toda Latinoamérica a finales del siglo XIX y principios del siglo XX. Se enfoco en hacer cosas nuevas, jóvenes, libres y modernas, creando una ruptura de los movimientos que en esa época estaban vigentes como el historicismo y el eclecticismo, que eran catalogados como movimientos academistas, y de otros movimientos como el realismo o el impresionismo, que eran catalogados como movimientos rupturistas. 3.1 Arquitectura moderna. A diferencia de la arquitectura expresionista, la modernista es un arte netamente burgués, que se caracteriza por ser una arquitectura decorativa, aunque tiene su propio estilo arquitectónico. En Bogotá se empezó a introducir la arquitectura moderna a partir de 1945 hasta 1970. Uno de los principales exponentes en este tipo de arquitectura es Rogelio Salmona quien elaboró y construyó los edificios que rodean la plaza de toros de Santamaría y la Biblioteca Pública Virgilio Barco.

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Torres del Parque, junto a la Plaza de toros de Santamaría. Rogelio Salmona. Tomado de Wikipedia, la enciclopedia libre.

3.2 Pintura moderna. Para esta corriente se cambian los temas cotidianos por contenidos más simbólicos y conceptuales como la mujer, con un tratamiento erótico que en algunos casos, llega a la perversión. Se insiste en la pureza de la línea y sus trazos, dándole un carácter bidimensional, además de la expresividad del dibujo. En Colombia el modernismo se centró específicamente en la literatura. 3.3 Literatura moderna. Se caracteriza por la negativa a lo cotidiano y busca a fondo temas como la belleza y la perfección de las formas. Otra característica es la mezcla del espiritualismo y el erotismo. Se dio su origen en Latinoamérica y logro expandirse por toda Europa con gran éxito. Sus principales precursores fueron José Martí y el más conocido de todos, Rubén Darío. En Colombia el más conocido fue José Asunción Silva, bogotano que lamentablemente no vivió lo suficiente para ver los frutos de su carrera tan brillante, ya que el fue quien le dio inicio al modernismo en Colombia. Tal como el escribió, fue su vida, un poema trágico que al estar rodeado de tristeza y frustración, decide quitarse la vida el 23 de mayo de 1896 de un balazo en su corazón. No obstante, desde

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ese momento, se convierte en el escritor más influyente en la literatura moderna colombiana y de toda Latinoamérica. Su obra más grande e influyente fueron los Nocturnos.

José Asunción Silva. Tomado de Wikipedia, la enciclopedia libre.

3.4 Fotografía moderna. Estuvo muy ligada con la literatura y la pintura moderna, ya que quería abarcar las mismas características pero con la facilidad de que se podía plasmar el ritmo y la velocidad de la era moderna y la rápida evolución de las maquinas. Todo esto se dio en Europa; mientras que en Estados Unidos, la fotografía se destacó en la toma de imágenes simples y a objetos y paisajes en los que se destacan la belleza de las formas y sus texturas. Aparece por primera vez el término de fotomontaje, que en parte se debe a la técnica del collage que hacían colisionar varias imágenes de la realidad, convirtiéndolas en burlas de la sociedad y la política. 3.5 Cine moderno. Se puede definir este cine como la experimentación individual que hace el artista por formar y crear un estilo diferente, lo que lo hace mas vistoso e innovador, siempre en pro de las perspectivas individuales que se le den para hacer. Claros ejemplos de este cine los podemos ver en Ciudadano Kane (Orson Welles, 1942), El perro andaluz (Luis Buñuel, 1927) y Mullholland Dr. (David Lynch, 1998).

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4. LA FOTOGRAFIA. Como arte y movimiento, es la principal forma de hacer que una imagen sea duradera por acción de la luz, teniendo como recurso un papel que es sensible a la luz. Sus orígenes se remontan a los primeros ensayos que se hicieron por obtener la imagen fija de algún objeto o persona que estuviera en total serenidad o en movimiento a través de un daguerrotipo. La fotografía no siempre fue tomada como arte. Para convertirse en arte, tuvo que pasar por un arduo proceso que fue iniciado por los fotógrafos retratistas. El retrato fue lo que le abrió el camino a todos los estilos artísticos de la fotografía y quien reemplazaría al retrato pintado, quien por muchos años fue el estilo artístico más común en todas las sociedades. De este estilo se originaron el naturalismo, que buscaba resaltar la objetividad imitar la realidad y la naturaleza buscando con un alto grado la perfección. Sus principales exponentes son Philippe Halsman quien retrató la idea de suspensión hecha por Salvador Dalí y John Thompson.

Atomicus Dalí, fotografía de 1948 de Philippe Halsman, donde explora la idea de la suspensión, representando tres gatos que vuelan, un cubo de agua lanzada y Salvador Dalí en el aire.

5. EL CUBISMO. Este movimiento se originó entre 1907 y 1914 en Francia. Se caracteriza por la exaltación de la naturaleza y la belleza a través de figuras geométricas, representando todos los ángulos y las partes de un objeto pero en un mismo plano. Su máximo exponente fue Pablo Picasso, quien reflejo en sus obras los hechos que marcaron la historia española y su vida, además de hacer retratos de objetos y personas, exaltando en su máximo esplendor las formas y todos sus ángulos.

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Guernica. Pablo Picasso.

En cuanto a la escultura, Picasso hizo grandes aportes, incursionando con técnicas idénticas al collage y con materiales de desecho y con otros materiales que no necesariamente provenían de un bloque de piedra o mármol. Pero quien revolucionó el cubismo en la escultura fue el artista Julio González, pionero en el uso del hierro gracias a la soldadura autógena, lo que abrió todo un mundo de posibilidades a la escultura del siglo XX. En el cine, el cubismo también hizo acto de presencia con películas como “La mesa del rey Salomón” dirigida por Luis Buñuel, en la que participan otros artistas como Salvador Dalí, Federico García Lorca y el mismo Buñuel. El tema de la película es la búsqueda de la misteriosa mesa del rey Salomón.

Pablo Picasso. Homme aux bras écartés (1961) erigida en la plaza Picasso de Basilea.

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6. EL FUTURISMO. El futurismo nace como corriente inicial de vanguardismo y se origina en Italia gracias al artista Filippo Tommaso Marinetti. El futurismo busca romper con la tradición, el pasado y todo lo convencional que se ha visto a través de la historia del arte. Sus elementos principales fueron la poesía, el valor, la audacia y la revolución y se empezaba a crear un movimiento agresivo. Querían exaltar lo sensual, lo nacional y guerrero , la adoración de las maquinas, la realidad en movimiento y lo objeto de lo literario, con el fin de darle un giro y una expresión plástica. En la literatura, el futurismo se retracta completamente del pasado y alienta a no respetar el acento. Del mismo modo, intenta sustituir los vínculos por claves algebraicas y buscar un repertorio radicalmente hecho de tecnicismos e inconveniencias, cubierto de infinitivos, exclamaciones e interjecciones que expresan energía y libertad. Lamentablemente Marinetti politizo el movimiento hasta hacerlo coincidir con la tesis del fascismo, el cual ingreso en 1919. 6.1 Arquitectura futurista. Rechazó por completo la estética tradicional basándose en dos temas que fueron determinantes en este proceso: la máquina y el movimiento. El futurismo, exigía un nuevo concepto artístico establecido en la dinámica de la velocidad, que para los futuristas era fundamental y distintivo de la vida moderna. 6.2 Cine futurista. El cine futurista a logrado reflejar las características de este movimiento en la pantalla grande, dando a entender como punto principal al hombre siendo sobrepasado por la máquina en todo sentido, además de la incursión de los video juegos al cine. Películas como “Inteligencia Artificial” o la exitosa y taquillera saga “Matrix”, son un claro ejemplo de lo que quiere hacer énfasis el futurismo.

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7. EL DADAISMO. Se originó en Zúrich, Suiza en 1916, para hacer oposición a lo que planteaba el positivismo hacia el concepto de la razón. El dadá (como también fue conocido) se caracterizó rebelarse a las convenciones artísticas y literarias, además de burlarse del artista burgués y su arte. Es difícil encontrarle lógica al dadaísmo, ya que contiene una sucesión de palabras y sonidos. Se basa en la inclinación hacia lo dudoso, la muerte, lo fantasioso, y la constante negación. Así, busca renovar la expresión mediante el empleo de materiales inusuales o manejando planos de pensamientos que no eran usuales o que no eran mezclados a lo que llevarían a un estimulo general de rebeldía o destrucción. Este es uno de los manifiestos de los dadaístas: "Dadá manifiesto sobre el amor débil y el amor amargo", VIII (1924). Coja un periódico Coja unas tijeras Escoja en el periódico un artículo de la longitud que cuenta darle a su poema Recorte el artículo Recorte en seguida con cuidado cada una de las palabras que forman el articulo y métalas en una bolsa Agítela suavemente Ahora saque cada recorte uno tras otro Copie concienzudamente en el orden en que hayan salido de la bolsa El poema se parecerá a usted Y es usted un escritor infinitamente original y de una sensibilidad hechizante, aunque incomprendido del vulgo.” El dadaísmo abrió las puertas para que se dieran a conocer el surrealismo y el pop art.

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8. EL SURREALISMO. Aparece en Francia por primera vez y de la mano del dadaísmo alrededor del poeta André Bretón, quien definió por primera vez el surrealismo de la siguiente manera en su primer manifiesto surrealista: “Indica muy mala fe discutirnos el derecho a emplear la palabra surrealismo, en el sentido particular que nosotros le damos, ya que nadie puede dudar de que esta palabra no tuvo fortuna, antes de que nosotros nos sirviéramos de ella. Voy a definirla de una vez para siempre: Surrealismo: "sustantivo, masculino. Automatismo psíquico puro, por cuyo medio se intenta expresar, verbalmente, por escrito o de cualquier otro modo, el funcionamiento real del pensamiento. Es un dictado del pensamiento, sin la intervención reguladora de la razón, ajeno a toda preocupación estética o moral." Filosofía: "El surrealismo se basa en la creencia de una realidad superior de ciertas formas de asociación desdeñadas hasta la aparición del mismo, y en el libre ejercicio del pensamiento.” Se caracteriza por ir ligado al inconsciente, a crear y establecer cosas ya hechas llevándolas a otros niveles, en los que no solo es arte sino comunicación vital del individuo con un todo. Se liga aun más con el sueño, ya que con imágenes y relaciones aisladas se hacen más solidas y más si son imágenes ilógicas. Se exaltó en especial en la literatura y pintura, aunque se hizo gran avance en el cine y la escultura. 6.1 Pintura surrealista. Su máximo exponente fue el español Salvador Dalí, quien fue quien le dio la mayor importancia a este movimiento, realizando grandes aportes a la humanidad tanto en pintura, como escultura y algunas apariciones en el cine. La pintura, y en especial Dalí se enfocó en el uso de las imágenes enfocadas en los sueños, llevándolas al punto de crear lo que el llamó el método paranoico-crítico.

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6.2 Escultura surrealista. Dalí no fue ajeno a esta corriente e hizo aportes ampliando de esta manera sus obras surrealistas. Se tomó en cuenta algunsa de las caracteristicas del dadaismo, como lo ilógico lo inimaginable e inpensable, sin apartarse obviamente de lo que en realidad se buscaba con el surrealismo que era plasmar las imágenes de los sueños de forma irreverente.

Salvador Dalí. Busto retrospectivo de mujer.

6.3 Cine surrealista. Dentro del cine, Dalí realizo varias películas en compañía de Luis Buñuel (Un perro andaluz), y con Alfred Hitchcock (Recuerda (Spellbound)), en donde Dalí le fue encargado la realización de la escenografía.

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7. ABSTRACCIONISMO. Se diferencia de los demás movimientos, ya que el arte abstracto se remite a lo más esencial y puro del arte, reducido a sus aspectos cromáticos, formales y estructurales. Se acentúan las formas, alejándolas de todo tipo de imitación o reproducción de lo natural, rechazando de esta forma cualquier forma de copia de cualquier modelo ajena a la conciencia del artista. 7.1 Pintura abstracta. Lo opuesto a la pintura abstracta es la pintura figurativa, que pretende representar imágenes reconocibles. La pintura abstracta, en cambio, apuesta a generar sensaciones desde las formas y no desde la imitación de lo real. A partir de esta premisa, la pintura abstracta se dividió en varios géneros, lo que la hizo uno de los movimientos con más fluidez artística, como la pintura abstracta geométrica, pintura abstracta lírica, objetiva, perceptiva postpictorica; cada una dándole un ingrediente diferente a este movimiento. 8. EL POP ART. Nace en el siglo XX que se caracteriza por el uso de cultura popular como el uso de anuncios publicitarios, objetos culturales comunes (o mundanos) y en especial del mundo del cine. Buscaba utilizar imágenes populares en oposición a la elitista cultura existente en las Bellas Artes, separándolas de su argumento y aislándolas o combinándolas con otras, además de resaltar el aspecto banal de ciertos elementos culturales, usando muy a menudo la ironía. De cualquier forma, el arte pop también es la continuación de ciertos aspectos del expresionismo abstracto, tal como la creencia en las posibilidades de hacer arte, sobre todo en obras de grandes proporciones. El mas destacado de todos fue el artista estadounidense Andy Warhol, quien usando imágenes de personajes reconocidos a nivel mundial, les hizo un completo cambio en sus colores, especialmente, dándole unas secuencias al personaje en diferentes matices, a tal punto de que algunos críticos pensaran en algo irreverente y fuera de lo común, pero que posteriormente le daría toda la fama y reconocimiento con cada obra que realizó.

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Marilyn Monroe. Andy Warhol.

En el cine, Warhol realizó más de sesenta películas, todas de tipo cortometraje con temas que en la época no eran tan comunes, a tal punto de hacer cine de cierta forma, erótico lo que le acarreó un sinnúmero de críticas, que lo llevaron a cambiar por temas como el suspenso a espectadores que no estaban acostumbrados a las obras de Warhol. En España, aparece el productor Pedro Almodóvar con películas de bajo presupuesto. 9. HAPPENING. Es la Manifestación artística, frecuentemente multidisciplinaria, surgida en 1950 caracterizada por la participación de los espectadores. Los happenings integran el conjunto del llamado performance art y mantiene afinidades con el llamado teatro de participación. Se producen en lugares públicos, creando sorpresa o irrupción de lo cotidiano, que es lo que ocurre con los que hacen los desnudos colectivos en parques u otros sitios públicos. La propuesta original, tiene como prueba el producir una obra de arte que no se focaliza en objetos sino en el evento a organizar y a la participación de los espectadores, para que dejen de ser sujetos pasivos y con su actividad, alcancen una liberación a través de la emotividad y la representación colectiva. El happening ha pasado a tener un carácter paradójico, si la intención planteada teóricamente y en sus orígenes es la de la participación activa de los espectadores para librarles de la masificación, suele verse actualmente en los

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"happenings" un resultado completamente opuesto al enunciado, en efecto, muchos de los "happenings" terminan siendo un espectรกculo mรกs de la llamada cultura de masas.

10. ARTE CONCEPTUAL. Este movimiento se caracteriza porque las ideas dentro de una obra son mรกs importantes que el objetivo por el cual fue realizada la obra, dando la sensaciรณn de que la idea es la obra como tal y dejando la resoluciรณn de la obra como un simple soporte.

Erik Johansson. Arte conceptual.

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El arte conceptual emplea usualmente materiales como la fotografía, mapas y vídeos. En ocasiones se reduce a un conjunto de instrucciones justificando cómo crear una obra, pero sin llegar a crearla realmente; la idea tras el arte es más importante que el artefacto en sí.

Pirarucú (1992). María Fernanda Cardoso. Escamas de pez y alambre.

El cine, por ejemplo se dirige a un público específico, que rompe con las barreras de lo audiovisual y del cine al que estamos acostumbrados a ver, haciendo sentir emociones, experiencias, sentimientos, con valor bastante marcado a nivel artístico y estético, compartiendo de esta manera, interés por productos que se pueden calificar de alguna manera, de tipo marginal. 11. BODY ART. Esta ligado y tiene muchas características con el arte conceptual, en donde aparece en los años 60’s y de gran auge en los Estados Unidos. A diferencia de otros trabajos, el body art utiliza el cuerpo como un lienzo o una especie de molde de trabajo artístico, el cual se utiliza para la documentación fotográfica o videográfica. Está muy ligada al tatuaje, el piercing y obviamente con la pintura corporal; lo que las diferencia es en la forma en que se utiliza la pintura. Para el tatuaje, se hace un cambio de color en la piel del individuo, formando un dibujo que quedará de forma permanente. En cambio, la pintura corporal, es el arte mas

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antiguo de la humanidad, ya que la persona se aplica colores sin que esta tenga que ser de forma permanente, formando figuras geométricas o motivos animales, o también en mimetismo, en donde el cuerpo se integra al entorno al que lo rodea, sea un bosque o algo natural. El piercing es simplemente un accesorio que se lleva en cualquier parte del cuerpo, en la que se realiza una abertura en una parte del cuerpo, en la que algunas personas se diferencian de las demás, llegando al punto de la extravagancia.

Izquierda: Pinturas fluorescentes iluminados con luz ultravioleta. Abajo: Dos tatuajes con diseño abstracto. Tomados de Wikipedia, la enciclopedia libre.

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12. ARTE KITSCH. Se puede definir como una copia que es inferior al estilo que ya existe, o algo que ya está pasado de moda o de muy mal gusto. Existe un debate sobre el uso del término y la forma de definir las obras que responde al propósito estético de su creador. De común, la definición de una pieza como "Kitsch" involucra un secreto desprecio y el deseo de diferenciarlo del "arte culto", por lo que las piezas realizadas en materiales económicos que imiten otros más caros, normalmente ostentosas, son consideradas Kitsch sin importar si el autor deseaba aparentar o no una pieza más costosa para que quien la poseyera, se destacara como superior.

Kitsch japonés: el gato Maneki-neko.

Muchos artistas académicos intentaron utilizar temas del arte popular para adornarlos como arte, sujetándolos al interés en las calidades inseparables de la forma y de la belleza, intentando generalizar el mundo del arte. En la arquitectura, Frank Lloyd Wright, utilizó el arte kitsch dándole uso a las formas con curvas, en especial al circulo, dándole a este, un sentido mas profundo en cuanto a modulo de diseño.

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13. LAND ART. Este movimiento va de la mano con el arte conceptual, en el que se utilizan materiales naturales como la madera, tierra, piedras, arena, rocas, fuego, agua etc. El arte generado a partir de un lugar, que algunas veces parece un cruce entre escultura y arquitectura, en otras un híbrido entre escultura y arquitectura de paisaje en donde juega un papel cada vez más determinante en el espacio público contemporáneo.

Marco Tobón Mejía. Salomé (bronce adosado a madera)

Su finalidad es producir emociones plásticas en el espectador que se enfrenta a un paisaje determinado. El principio fundamental del Land Art es alterar, con un sentido artístico, el paisaje, para producir el máximo de efectos y sensaciones al observador.

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José Alejandro Restrepo. Videoprint (videograbado). Grabado sobre fotografía de video. Papel de arroz adherido a madera.

El land art establece un diálogo, muchas veces de carácter arquitectónico pero siempre bajo el exigente artístico, con la naturaleza. Expone delante del espectador un mundo que requiere de éste para su comprensión que se complemente con mucha más intensidad que la empleada para la simple visión de un paisaje. 14. EL COMIC. Se le llama también historieta a secuencia de dibujos que constituyen un relato, el cual puede haber texto o no. En cierta parte de la historia, se consideró al comic como un subproducto cultural, aunque otros lo consideran como el noveno arte. Suele realizarse en papel o en forma digital, pudiendo constituir una simple tira en la prensa, una página completa, una revista o un libro. Tradicionalmente, la industria del cómic ha requerido un trabajo colectivo, en el que, además de los propios historietistas, han participado editores, coloristas, grabadores, impresores, transportistas y vendedores. Siempre han existido autoediciones, como las del cómic underground, pero últimamente han aumentado por la crisis de determinados mercados y las facilidades logradas con el auge de la informática e Internet.

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Pueden distinguirse los siguientes formatos de publicación: 

Tira de prensa, compuesta por una franja horizontal de tres o más viñetas.

La página, que puede compilar varias tiras o presentar una sola, pero desplegada a toda página y color (lo que se denomina sunday, por ser publicada en domingo).

La revista de historietas (comic book en Estados Unidos, pepines en México y tebeo en España), normalmente con grapa y a veces forma de cuaderno, que presenta una o varias historietas.

El libro, que se concreta en Álbum de historietas, Novela gráfica y Tankobon (es el termino en japonés para "volumen compilatorio" de una serie en particular) en las tradiciones franco-belga, estadounidense y japonesa, respectivamente.

Digitales: E-comic, webcomics, etc.

El más claro ejemplo de cómic, nos lo da la empresa DC Universe, con su comic de La Liga de la Justicia.

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15. EL MANGA. Es la palabra japonesa que se utiliza para hablar de la historieta o comic, pero en otros países, se usa el término manga para referirse a los comics japoneses. El manga abarca una amplia variedad de géneros, y llega a públicos de muchos tipos diferentes y edades diversas. Constituye una parte muy importante del mercado editorial de Japón y motiva múltiples adaptaciones a diferentes formatos: series de animación, conocidas como Anime, o de imagen real, películas, videojuegos y novelas.

Diagrama de lectura de un manga.

Se diferencia del comic occidental, en que se lee de derecha a izquierda, de la misma forma que la escritura tradicional japonesa. En el manga es frecuente, que se dibujen de forma más realista alguno de los personajes u objetos (éstos últimos para indicar cuando sean necesario sus detalles).

Incluso la serie más famosa de Estados Unidos, Los Simpson, se dejaron tentar por el arte manga

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16. INFOGRAFIAS. Es una representación mucho más visual que se da con los textos, en la que se notan claramente descripciones, interpretaciones que son representadas de manera grafica. La infografía nació como un medio de transmitir información gráficamente. Los mapas, gráficos, viñetas, etc. son infográmas, es decir unidades menores de la infografía, con la que se presenta una información completa aunque pueda ser complementaria o de síntesis.

Ejemplo de infografía

El término también se ha popularizado para referirse a todas aquellas imágenes generadas por computador. Más específicamente suele hacer referencia a la creación de imágenes que tratan de imitar el mundo tridimensional mediante el cálculo del comportamiento de la luz, los volúmenes, la atmósfera, las sombras, las texturas, la cámara, el movimiento, etc.

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16. PSICODELIA PICTORICA. La psicodelia es la adaptación al español de la palabra inglesa psychedelia y significa “que manifiesta el alma”. Ajustándose a esa definición, todos los esfuerzos por proyectar el mundo interior de la psique pueden ser considerados, en un sentido amplio, "psicodélicos". Se empieza a desarrollar en los años 50’s y se caracteriza por recordar experiencias o vivencias propias. Ofrece un escape a los límites impuestos a la conciencia por parte de la sociedad dominante. Desde los años ochenta se han producido diversos brotes neopsicodélicos. Uno de ellos es el psychedelic trance, movimiento que retoma algunos principios de la psicodelia de los sesenta, promoviendo la empatía con el planeta y el uso de la música como herramienta de meditación. Otra manifestación reciente es el psybient, un encuentro entre la música electrónica, las estructuras complejas del rock progresivo y la estética psicodélica.

Claras muestras de la Psicodelia, en pintura y a nivel musical con su máximo exponente, Jimmy Hendrix.

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