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RESEÑAS Y NOTAS dE GASTRONOMÍA | pROdUcTOS Y lUGARES | cUlTURA Y ENTRETENIMIENTO | TENdENcIAS | AcTUAlIdAd | GENTE

La lista platinum,

más de 70 libros, vinos y destilados, objetos de diseño, relojes, gadgets, accesorios, discos, tiendas de arte

18 18

para pensar lo que consumes

www.guiaplatinum.com

cuatro ciudades

PVP Bs. F. 20

DIOR EN CARAcAS | LISTA PlATINUM | HElENA IBARRA | MARRUEcOS | EUGENIO ESpINOZA

Marruecos,

Helena Ibarra y Wendoly López dulces de Palm’s

Christian Dior

visita Caracas

Eugenio Espinoza, arte en el límite | Salman Rushdie | 60 años de Twiggy | JM Farina, 300 años del perfume


GASTRONOMÍA

18

Tarde de cotilleo | Helena Ibarra y Wendoly López

ESPECIAL Dior

35

Dior, el genio que colmó las calles de flores |

42

CD en Venezuela María Angeles Octavio

46

Sentir un Dior Claudia Veitía

PRODUCTO

48

JM Farina, 300 años Camilo Daza

EXHIBICIÓN

56

Twiggy, 60 años Manuel Lebón

VIAJES

62

Marruecos, cuatro ciudades imperiales y un jardín ML

LIBROS y AUTORES

86

Salman Rushdie Jeannette Rojas Monserrate

ARTE

90

Eugenio Espinoza, arte al límite Lorenzo Dávalos

LISTA PLATINUM 10

Gordon Ramsay | Ciroc | Barbakkoa | Atlas Sound | Relojes Mozia

12

Arthur Phillips | Alta Vista Alto 2006 | Joaquin Sabina | Alfombras de JAB

14

Mario Vargas Llosa | Veuve Clicquot Ponsardin Rosé | Maurice Ravel | Flora de Gucci

16

Kyoichi Katayama | Terrazas Afincado Malbec | Soham Yoga | Dive Master 500 de VSA

30

Francisco Herrera Luque | Brandy Cardenal Mendoza | El Cuarteto con Clara Rodríguez en vivo | Cool de Gandia Blasco | Healey de Frederique Constant

32

Rómulo Betancourt, Crónica visual | Ron Añejo Legendario | Frank Di Polo y Rubén Riera | Mercury de Artemide

34

Walter Benjamin | Don Melchor de Concha y Toro | Charlotte Gainsbourg | TAG Heuer Grand Carrera

52-53

Eric Ripert | Bodega Privada | Ludwig van Beethoven | Mesa Noguchi | Dior Christal | LG Home Theater

54

Quentin Tarantino | Tequila Patrón añejo | Calendario Pirelli | Schubert | lentes Bulgari

58

Bill Amberg y Penguin Books | Johnnie Walker Blue Label King George V | Eve de Cassina | Rolex, Submariner

60

Alejandro Otero | Chivas Regal 25 | Multipot | Alpina Extreme Diver

71

Mathias Malzieu | Susan Boyle | Nokia 5530 | CeramicLine de Victorinox

73

Luis Levin | Chacayes de Lurton | Bromelias | Pablo Gil y María Alejandra Rodríguez

76

Paul Auster | Aquiles Nazoa | Luis G. Rangel | Juanjo Sáez | Ana María Machado Casa

77

de Árbol Pedro Izquierdo

78-79

Fred Kaplan | Champagne Mumm Cordon Rouge | Imogen Heap | Skygarden de Flos | Nokia N97 | Polo Ralph Lauren | Irma Contreras

pág 

contenido

80

Stieg Larsson | Absolut vodka | Jawbone Oakley

81

Aldemaro Romero | Zuccardi Q Malbec | Rolex Datejust

82-83

Gerald Martin | Ron Bicentenario A.J. Vollmer | Gonzalo Grau Palacios | Chocolates San José

84

Titina Penzini | Ana M. Carvallo | Gaby Pons | Juanita Antonorsi | Tarbay | Cal

85

Tiendas de Arte: Corpbanca | Taga | Transnocho


para pensar lo que consumes

Editores

Lorenzo Dávalos ldavalos@guiaplatinum.com Claudia Veitía cveitia@guiaplatinum.com

Consejo Editorial

Ada Bermúdez de Bass, Leonardo Dávalos, Madeleine Velasco, Giannina Olivieri, Henry Querales,

Redacción Colaboradores

Manuel Lebón, Daniella Mendoza Camilo Daza, María Ángeles Octavio, Jeannette Rojas Monserrate

Diseño Gráfico Imágenes Comercialización

aymara mateo Ricardo Gómez Pérez, Ricardo Jiménez, Ms House Lorenzo Dávalos, María Ángeles Octavio, Grupo Redmedia

Asesoría Legal

Gabriela Padrón, Noris Aguilera Stopello

Décimoctava Edición www.guiaplatinum.com

e

n la foto de portada, tomada por los Ricar2 en el Restaurante Palm’s del Hotel Altamira Suites, retratamos un Desierto de bienmesabe, postre de Helena Ibarra ejecutado con la experticia repostera de Wendoly López. Este bienmesabe forma parte de la carta de postres inspirada en El Principito de Antoine de Saint-Exupéry. Esperamos que los lectores observadores sepan identificar a cuál lugar del desierto corresponde ese paisaje. Quizás de este modo, volando un día de éstos, logran ellos identificar desde lo alto (o en un exacto google map) ese preciso lugar. Y quien sabe, si tiene suerte, logran reencontrar a este misterioso visitante de otro mundo.

Depósito Legal pp200502CS1981 ISSN1856-2221

Las colaboraciones son rigurosamente solicitadas. Los editores no se hacen responsables por las opiniones o comentarios realizados por los colaboradores. Respecto a las reseñas sobre locales gastronómicos; comercios y servicios; hoteles, posadas, campamentos y otros servicios de recreación, los editores hicieron todo lo posible para asegurarse de que la información publicada fuera correcta al momento de entrar la revista a la imprenta. Se ruega considerar la información como referencia general y chequear siempre que sea posible antes de tomar una decisión final. Los editores no aceptan responsabilidad alguna por cualquier consecuencia que se derive de la utilización o consumo de los productos y servicios reseñados en la presente edición de la revista. La publicación de avisos que publiciten un bien o servicio no implica un aval o recomendación editorial del mismo.

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pág 

Queda prohibida la reproducción totalo parcialdelcontenido delmaterialeditorialpublicado en esta revista sin autorización escrita de loseditores.Todoslosderechosreservados.

© ricar-2

Dennis Schmeichler


E

l especial de esta edición, Chris-

comentarios. Tenemos también en la edición un

tian Dior en Caracas, ofrece una

trabajo sobre los 300 años de la colonia Johann

mirada de este genial diseñador

Maria Farina, preparado por Camilo Daza y en-

francés que inundó de estampa-

viado desde Hamburgo, ciudad donde reside este

dos de flores los vestidos de las

colaborador; y una nota sobre Twiggy, la icónica

mujeres en Europa y su relación con Caracas.

modelo británica de huesos largos y ojos gran-

Entre las rendijas, esa mirada revela además una

des y mirada lánguida, que impuso un nuevo

admiración especial de Dior hacia la belleza de la

estilo para la mujer de los años sesenta del siglo

mujer venezolana. Espe-

pasado. Finalmente, esta edición publica como

ramos que disfruten este

novedad lo que hemos llamado la Lista Platinum

excelente trabajo, encar-

de Regalos 2009. En ésta, presentamos reseñas de

gado por gp a María Ánge-

libros, álbumes de música, vinos y destilados, y

les Octavio. Un salto hacia

accesorios para el hombre y la mujer que pue-

lo exótico, aunque no tan

den funcionar como regalos a otros o, también,

remoto, lo hacemos en el

como obsequios que pudieran funcionar para

trabajo sobre Marruecos

premiarse a uno mismo. Esta lista tiene como

que preparó Manuel Le-

innovación una propuesta de maridaje de expe-

bón, una cultura y nación

riencias tan diversas como: la lectura, el escuchar

con una belleza distinta,

música, el beber un buen vino o algún destila-

algunos de cuyos ángulos

do, o disfrutar de las prestaciones de un nuevo

creemos que muestra ese trabajo. Menos exóticos,

gadget electrónico. De este modo, grupos de

aunque sí imaginativos son los postres ideados

libros, álbumes, vinos o destilados, lentes, re-

por Helena Ibarra, chef ejecutivo del restaurante

lojes, accesorios, objetos de diseño, o gadgets

Palm’s del Hotel Altamira Suites, ejecutados con

electrónicos coinciden en una página sencilla

maestría por Wendoly López. Cinco postres para

o doble según evidentes u ocultas afinidades

endulzar estos tiempos celebratorios. En la sec-

u oposiciones, y el resultado es una armonía

ción de arte, publicamos en esta edición, un tra-

compleja; como si un lector ideal pudiera

bajo sobre Eugenio Espinoza que, a propósito de

comprarse o usar todo lo que hay en una de

la exposición realizada a mediados de 2009 en la

esas páginas. Como para aderezar este expe-

Sala Mendoza, titulada Aluminados y Sostenidos,

rimento, hemos extraído citas interesantes de

hace una mirada retrospectiva de su obra basa-

los libros reseñados que, en casos contados,

da en una conversación con el artista y algunos

han funcionado como excusas para insertar un microfragmento narrativo, una pieza más

pág 

editorial

de ambiente, como lo podría hacer cierta vajilla en un banquete finamente maridado. Esperamos que disfruten entonces de esta curiosa edición. Los editores


lista platinum

regalos Gordon Ramsay´s Healthy Appetite (2008) Gordon Ramsay Key Porter Books: Toronto 256 pp Gordon Ramsay, chef británico célebre por su excelencia culinaria (tiene en su haber un total de 16 estrellas Michelin) y por su irascibilidad—que en ocasiones ha usado como instrumento extremo para conseguir excelencia—ha publicado este hermoso libro, con abundantes fotografías a color, en el que presenta a los lectores 125 recetas de cocina saludable, hechas con ingredientes frescos, que no escatiman en sabor y sazón. Suplementan esta colección de recetas, técnicas de cocina que optimizan el sabor y una lista de sus ingredientes favoritos.

Ciroc Este vodka super premium francés se distingue de otros en que es preparado destilando el jugo de uvas fermentado en frío de uvas Mauzac Blanc y Ugni Blanc. Las cinco destilaciones sucesivas por la que pasa el jugo fermentado (las primeras cuatro en alambiques de acero y la última en uno de cobre) lo distingue de las demás. Es ideal para tomarlo seco, en las

Choosing the right ingredients is the core of healthy eating. It’s not just a matter of selecting the leanest cuts of meat and reducing the amount of fat we consume, it helps to know which ingredients are at their peak at any given time, both in terms of flavor and nutrition. (p. 7)

rocas, con soda, o en sofisticados vodka martinis. Perfecto antes de una cena, para calentar el cuerpo en los tiempos fríos decembrinos.

Relojes Mozia, tiempo cóncavo multicolor Estos relojes de pared tan originales son diseñados por Giovanni Levanti, arquitecto y diseñador nacido en Pa-

Barbakkoa

lermo con estudio particular en Milán.

Esta tienda hace que las parrilladas

Giovanni produce para la firma italiana

sean lo más sencillo del mundo. Ofrece

Diamantini y Domenicone los alegres,

diversos modelos de parrilleras fijas

livianos y frescos relojes de pared

y móviles que pueden modificarse y

Mozia. Están fabricados en delgada

adaptarse a su espacio disponible y ne-

lámina de aluminio. Sobre sus esferas

cesidad. Los acompañantes de rigor de

circulares y cóncavas, las agujas de la

una buena parrillada—vinos, quesos,

hora y los minutos han sido pintadas

portabotellas, descorchadores eléc-

con colores que combinan con los de la

tricos, termómetros, aderezos, tablas

esfera. Estos relojes son distribuidos

para picar—también los proveen. Centro

en Venezuela por Mary del Este.

Comercial Xpress, Macaracuay

Logos Atlas Sound Bradford Cox es una de las figuras más enigmáticas de la música independiente. Muestra aquí su búsqueda del sonido, decantado de tal manera que apenas se distinguen las guitarras acústicas, antiguas estructuras pop y las impresiones fugaces de un disonante sonido electrónico, jugando con la textura y forma de la canción. Es un disco con un sonido mucho más limpio que el de su debut, aunque sigue plagado de atmósferas envolventes. Dos de sus exquisitos temas cuentan con un par de invitados de lujo, Laetitia Saedler y Noah Lennox, quienes destacan en los mejores temas del álbum, la

pág 10

éterea “Quick Canal” y la lisergia rítmica de “Walkabout” respectivamente. ML


En ese punto, Roberto dejó abierto el libro sobre la alfombra, se levantó de su cómodo sillón de cuero, y prendió el ipod, sonaba Joaquín Sabina, parecía un amigo que conversaba con él. Volvió a su sillón, tomó un trago de ese Malbec (ensamblaje lo llamaba Fernando) que le habían regalado y, cerrando los ojos (como para catarlo mejor o para pensar mejor, no sabía qué) pensó en Cristina. Eso que le decía Anne a Constance en la novela, ¿podría explicar la conducta de Cristina los últimos tres meses? Pero él no quería ser civilizado por ella; se sentía bien como era, con ese toque salvaje que Rodolfo calificaba como una pose, snobismo puro, igual que los huecos de su suéter de cashimir raído en los codos. LD

“The functions of a wife! You were denied a mother on this critical point, so please allow me to pay you the honor, my sweet. First, the sole purpose of all those unbecoming instincts, as even men of science like your fellow must acknowledge, is for the creation of children. (…) No, despite his stated wishes and for his better interest, your function is to civilize and cool him.

lista platinum

regalos Alta Vista Alto 2006 Icono de la producción argentina, y caldo estandarte de la bodega que recuerda a los grand cru franceses. Obtuvo 95 puntos en Wine Advocate. Se prepara con un 75 por ciento de Malbec, y 25 por ciento de Cabernet Sauvignon. Se guarda por 15 meses en barrica de roble francés. Lo que sale es un líquido de color rojo intenso con tonos morados y, en nariz, notas sutilmente ahumadas entre las que dominan los aromas a frutas secas. En boca, presenta una suavidad sedosa y elegante en donde dominan capas de frutas y sabores especiados. Tiene un potencial de guarda de ocho años.

Angelica (2007) Arthur Phillips New York: Random House 340 pp Este novelista nacido en Minneapolis y educado en Harvard es una de las principales promesas de la literatura norteamericana actual. Sus obras han sido alabadas por críticos y autores importantes en lengua inglesa. Angelica combina el estilo del cuento de fantasmas victoriano con la narración de un hecho desde cuatro perspectivas distintas que nos recuerdan el memorable En el bosque, de Ryonosuke Akutagawa. Ha sido comparada con obras de Henry James, Vladimir Nabokov y Stephen King. No es la convencional obra de terror gótico. Pero está muy bien escrita.

Vinagre y rosas Joaquin Sabina El cantautor español Sabina cuida al extremo las palabras y considera que los temas de esta placa “desprenden un dolor que gusta”. Esta grabación de trece cortes se halla disponible en versión básica o una limitada con un libro-CD con dibujos y textos de Sabina. Las letras las firma Sabina al Luis García Montero y otra con Violeta Parra (1917-

Alfombras de la colección Lana F+, de JAB Anstoetz

1967). De esta manera, Sabina vuelve a “apode-

Cada alfombra que vende esta compañía alemana

rarse de nuestro corazón y convertirlo en estribillo

se fabrica de acuerdo con estándares precisos de

en un disco más abierto que nunca pero a la vez

calidad, lujo, elegancia, impronta clásica, y aten-

muy Sabina”, como escribe García Montero. Con

ción meticulosa a los detalles. De este modo, las

sesenta años a cuestas, Sabina sigue desnudán-

alfombras logran a su manera, un sutil equilibrio

dose en sus canciones, escéptico y utópico, real y

entre las texturas y los colores. La colección lana

fantástico, nunca complaciente. ML

F+ presenta una serie de alfombras cuyo atractivo

alimón con Benjamín Prado en diez temas, una con

principal es la diversidad de tejidos de lana pura que componen cada diseño. Son distribuidas en pág 12

Venezuela por Collectania.


De Manuela—pensó Diego—emana también algo de su piel y no sólo de sus ojos, un perfume persistente. “¿Te sigo leyendo?”, le preguntó, como para tener una excusa para levantar la vista y mirarla otra vez. Le gustaban sus ojos, que mientras le leía, giraban como caprichosos e impredecibles, mirando todos los rincones de su cuarto. Como para reforzar esa excusa, levantó la copa y la invitó a brindar por la paz; quería brindar por otra cosa, pero no se atrevía a hacerlo. Todavía. LD

“…el narrador simboliza en un ferviente cambio de palabras las miles de cosas que debieron decirse los amantes en esos encuentros semanales: Elle se penchait vers lui et murmurait, comme suffoquée d´enivrement: Oh! ne bouge pas! ne parle pas! Regarde moi! Il sort de tes yeux quelque chose de si doux, qui me fait tant de bien!..”

lista platinum

regalos

La orgía perpetua, Flaubert y Madame Bovary (2007) Mario Vargas Llosa México: Alfaguara 239 pp El título de este riguroso pero imaginativo ensayo del novelista peruano lo inspira una carta que le escribe Flaubert a una amiga, en la que le dice que La única manera de tolerar las desventuras de la vida es sumergirse en la literatura como en una orgía perpetua. El libro constituye una íntima y muy personal aproximación a la vida, pasiones y obra de este meticuloso y obsesivo narrador francés.

Veuve Cliquot Ponsardin Rosé Luego de 20 años fuera del mercado venezolano, este champagne fue relanzado a mediados de 2009 en Venezuela. Jacques Peters, maestro de la bodega, ha declarado que

Tzigane. Música para violín, cello y piano Maurice Ravel

él deseaba crear un champagne

Esta grabación incluye las obras de Maurice Ravel

destacaran las frutas, que fuese

escritas para violín y piano, violín y violonchelo

accesible y tuviera una seducción

entre 1907 y 1927, muy representativas del arte

natural sin que nada de ello le hicie-

del gran compositor vasco-francés, ejecutadas por

ra perder los rasgos característicos

jóvenes músicos tales como el violinista Kristian

del estilo Veuve Cliquot. Se prepara

Winther, la violonchelista Michelle Wood, y el

usando entre 50 a 60 crus distintos.

pianista Anthony Romaniuk. La interpretación de

Su composición es semejante a la

todas las piezas es óptima. Winther tiene un soni-

del champagne tradicional de eti-

do precioso, maleable y su limpieza es perfecta.

queta naranja: Pinot Noir liderando

El acompañamiento del pianista se destaca por la

una mezcla aderezada con Pinot

dinámica, siempre en concordancia con la línea

Meunier y Chardonnay. La mezcla

dibujada por el violín. En la sonata para violín y

incluye entre 20 y 25 por ciento de

violonchelo, Michelle Wood demuestra que se

vinos reserva de varias cosechas

dedica mucho a la música de cámara: la armonía

que asegura la consistencia del

que se produce en la conversación entre ambos

estilo de esta casa.

rosado con charm en el que se

instrumentos es insuperable. Indispensable para los amantes de Ravel. ML

Flora by Gucci, aromas para la mujer sensual La sensualidad de una mujer es como una fragancia que emana de su piel y sus gestos. Para potenciarla, Gucci ha diseñado la fragancia Flora. Inspirada en el diseño floral de la bufanda de seda que diseñó en 1966 para la Princesa Grace de Mónaco; combina en su corazón rosas y osmasthus (una rara y delicada flor originaria de China) que hacen de Flora una esencia fresca, ligera y frutal, con un leve toque aterciopelado proveniente del osmasthus. Cítricos frescos y peonías son utilizados en las notas de salida, que confieren una sensual jovialidad. Controlar esas notas más dulces con una base de sándalo y pachulí, que son recurrentes en la historia de los perfumes de Gucci. Flora equilibra los olores que la conforman, logrando una esencia joven, alegre, luminosa y sensual.

pág 14


lista platinum

regalos Soham Yoga

Siguió leyendo pero ya no comprendía las palabras, se había quedado pensando en esa frase “cuando piensas que el futuro no es posible”, y no podía concentrarse. Recordó cuando esperaba a Sonia fuera del Yoga, impaciente porque siempre se tardaba un poco en salir. Apenas se montaba en el carro la miraba aburrido y con el dedo señalaba el reloj que le había regalado para su cumpleaños. Ahora, en mitad del océano, volando hacia Madrid, pensó que no le importaría esperarla horas, meses. años. Diego suspiró de nuevo, cerró los ojos, y soñó con la copa de Malbec que se tomaría esa noche junto a su hermano. DM

Sin embargo, la fortuna es irónica y, al acabar la guerra, los dos seguíamos con vida. Cuando piensas que el futuro no es posible, es sorprendente lo puro que te vuelves, pero, al encontrarte vivo, renacen los deseos.

Son 220 metros cuadrados de superficie distribuidos en tres salas y una recepción a doble altura para la práctica del yoga, meditación y diversas terapias corporales. Secuencias de posturas, meditación, técnicas de respiración y concentración, son algunas de las prácticas que se enseñan en el estudio y que proporcionan acondicionamiento y alivio de molestias físicas, medio de relajación y equilibrio, desarrollo y mejora de las capacidades mentales. Clases especiales para niños, embarazadas y personas de la tercera edad. Centro Comercial San Luis, El Cafetal

Terrazas Afincado Malbec, Las Compuertas Este single vineyard de la bodega premium de la casa Moët-Henessy en Argentina, se produce sólo en años excepcionales y en cantidades muy limitadas. Tiene guarda de 18 meses en barricas de roble francés y luego reposa en botella entre 12 y 18 meses. Su color fucsia oscuro deja percibir un aroma a ciruelas secas, tabaco rubio y frutas rojas. Al agitarlo aparecen notas de regaliz y caramelo. Tiene un sabor amplio, carnoso y redondo. Es un vino de gran intensidad y estructura, potente, con gran cuerpo y aroma a fruta madura, intenso y persistente. Tiene un potencial de guarda en bodega de entre 15 y 20 años. La cosecha 2005 de este caldo obtuvo más de 90 puntos en The Wine Advocate y Wine Spectator.

Un grito de amor desde el centro del mundo (2009) Kyoichi Katayama Bogotá: Alfaguara 200 pp Esta historia de amor comienza cuando Sakutaro y Aki, dos adolescentes que estudian juntos en la escuela se hacen amigos. De una íntima y total complicidad pasan, de manera súbita y casi sin darse cuenta, a un amor total que idealiza el idilio y, leve como el rocío, planea apenas sobre los cuerpos de la pareja, cuyos contactos más cercanos sólo inspiran tenues roces de sus labios y cuerpos. Sutileza que no impide que los dos amigos unan sus almas con una permanencia que aspira a trascender la muerte.

Dive Master 500 Mecha de VSA Diseño y funcionalidad suizos Ofrece lo mejor de dos mundos: el diseño y la funcionalidad. Además de esa elegancia particular que distingue los relojes de Victorinox Swiss Army. Construido sobre el éxito de sus dos predecesores, el nuevo Dive Master 500 Mecha alberga un potente movimiento mecánico de carga automática. Está disponible en cuatro versiones, entre las que destacan dos modelos en tonos inéditos, rojo y naranja, que hace juego con las correas de auténtico

pág 16

caucho suizo en los mismos colores.


gastronomía

tarde de postres

Dulcescotilleos

MODELOS: MARIANA ARAUJO, KRIZIA CINCOTTI, CONSTANZA DÁVALOS, DEBORAH PACHECO, ABRIL PÉREZ

postres de Helena Ibarra con Wendoly López

Imaginativos postres han creado la chef He- una asignatura pendiente para la chef y con lena Ibarra y su joven consejera en temas de la reciente incorporación de Wendoly han repostería, Wendoly López. Ambas creado- surgido diversos postres de la imaginación ras laboran en el restaurante Palm’s del Hotel de Helena y la técnica de Wendoly, inspiraAltamira Suites, el cual se ha convertido des- das ambas por los relatos de autores como de hace un quinquenio en el laboratorio de Lewis Carroll, o Antoine de Saint-Exupéry. experimentación culinaria de la permanente Perfectos para una tarde de cremas, gelatiinvestigadora Helena Ibarra. La repostería era nas, helados, amigas, vuelos y cotilleos. pág 18


tarde de postres

Listo para dormir, se apagó la luz!. En un suspiro de pureza se desvanece nuestro cuento en la oscuridad de la noche, dejándonos el recuerdo y la dulce memoria de este pequeño personaje y su historia.

gastronomía

El desierto bienmesabe pág 19


gastronomĂ­a

tarde de postres

Denso y oscuro bocado iluminado con su crema inglesa.

Negro en camisa

pĂĄg 20


tarde de postres

gastronomĂ­a

Cremosa y maternal natilla juega con acarameladas esferas de cambur y ron. Vigilan dulcemente a su lado los macarrons.

Merienda en la galaxia

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gastronomĂ­a

tarde de postres

pĂĄg 22


tarde de postres

gastronomĂ­a

El asteroide de chocolate y nueces Cristales de caramelos con arepitas de anĂ­s voladoras.

pĂĄg 23


gastronomĂ­a

tarde de postres

Mousse de yogurt... frutas rojas envueltas en coulis de fresa y mora.

Un encuentro de parchita y cacao en mundos de gelatinas sorprenden por su intensidad y pasiĂłn.

pĂĄg 24

Meteorito B612


tarde de postres

gastronomĂ­a

pĂĄg 25


gastronomía

tarde de postres

las recetas a punto de nieve y la harina. Colocar la mezcla en un molde engrasado y hornear a baño de maría durante 1 hora. Crema inglesa Ingredientes 300 ml de leche, 3 yemas de huevo, 45 grs de azúcar Preparación Llevar la leche a punto de ebullición;

Macarrons

batir las yemas con el azúcar y agre-

Ingredientes

garle poco a poco la leche caliente.

100 grs de almendra en polvo, 100 grs

Mezclar ambas preparaciones y coci-

de azúcar glass, 2 claras de huevo,

nar sobre un baño de maría durante

120 grs de azúcar

varios minutos hasta que la mezcla

Preparación

espese y cubra el revés de una cu-

Mezclar las almendras, el azúcar

chara de madera. Dejar enfriar.

glass y una clara de huevo. Realizar

Montaje

un merengue con la clara de huevo

En un plato colocar un poco de crema

y el azúcar restante; incorporar a la

inglesa y una porción de budín.

mezcla de almendras. Con una man-

Natilla con macarrons

papel parafinado y hornear a 320 º

Natilla

F por 10 a 15 minutos dependiendo

Ingredientes

del tamaño del macarron. Tomar dos

300 ml de leche, 2 yemas de huevo,

piezas y rellenarlas con confituras, o

20 grs de maicena, 1 rama de canela,

cremas de chocolate.

concha de un limón, 60 grs de azúcar Preparación

Mousse de yogurt

Llevar a ebullición la leche con la

Ingredientes

concha de limón y la rama de canela,

500 grs de crema de leche, 3 yogurts

dejar infusionar por unos minutos y

firmes, 2 láminas de gelatina, 200 grs

colar. Batir las yemas con el azúcar y

de fresas, 200 grs de higos

la maicena y agregarle poco a poco

Preparación

Budín

la leche caliente, regresar al fuego y

Hidratar la gelatina en agua fría, batir

Ingredientes

cocinar hasta espesar.

la crema de leche a medio punto y re-

70 grs de chocolate amargo, 150 grs

Cambures caramelizados

servar. Escurrir la gelatina y calentarla

de agua, 70 grs de azúcar, 70 grs de

Ingredientes

hasta derretirla, calentar levemente

mantequilla sin sal, 2 huevos, 10 grs

2 cambures maduros, 10 grs de man-

parte del yogurt e incorporar la ge-

de harina

tequilla,15 grs de azúcar, 30 ml de ron

latina. En un bowl colocar el yogurt y

Preparación

Preparación

agregar poco a poco de manera envol-

En una olla colocar el chocolate,

Trocear los cambures y saltearlos en

vente la crema montada. Dejar enfriar.

agua y azúcar a fuego medio y llevar

un sartén con la mantequilla, agregar

Montaje

a ebullición; cocinar durante 5 minu-

el azúcar y cocinar hasta caramelizar.

Sobre un plato colocar un aro, en el

tos hasta espesar. Retirar del fuego y

Agregar el ron y flambear unos se-

borde disponer láminas finas de higo

agregar la mantequilla y las yemas de

gundos. Dejar enfriar, colocar en el

y en el centro fresas troceadas. Cu-

huevo. Cuando la mezcla enfrie, in-

fondo de un recipiente, y cubrir con

brir con la mousse de yogurt. Servir

corporar las claras de huevo batidas

la natilla.

con un coulis de fresas

Negro en Camisa

pág 26

ga realizar pequeños círculos sobre


tarde de postres

Preparación

Preparación

Temperar el chocolate blanco y ha-

Hidratar la gelatina en agua fría y agre-

cer una capa gruesa en un molde de

garla a la crema y el agua, calentar esta

Bizcocho

silicón de media esfera. Refrigerar.

preparación. Derretir el chocolate y

Ingredientes

Trocear el resto de los chocolates y

mezclar con el resto. Colocar en un mar-

3 huevos, 75 grs de harina, 75 grs de

verterle la crema de leche y la gluco-

co o una superficie plana, enfriar hasta

azúcar

sa caliente; mezclar hasta derretir y

solidificar. Cortar cuadros pequeños.

Preparación

tener una crema homogénea. Retirar

Sémola

Batir los huevos con el azúcar hasta

las esferas del molde y rellenar con la

Ingredientes

montar, por aproximadamente 5 mi-

mezcla de chocolate, cerrar la base

350 grs de leche, 100 grs de sémola,

nutos. Retirar de la batidora e incor-

con un trozo de bizcocho.

2 yemas de huevo, 75 grs de azúcar,

porar la harina a mano. Colocar en

Arepitas

concha de 1 limón, 1 rama de canela

un molde engrasado y enharinado y

Ingredientes

Preparación

hornear a 350 º F, aproximadamente,

100 grs de agua, 50 grs de papelón,

Llevar a ebullición la leche, la concha

30 minutos. Dejar enfriar y rebanar

2 grs de anís, 90 grs de harina pan

de limón y la canela, retirar del fuego

en láminas delgadas.

Preparación

y dejar infusionar unos minutos, colar.

Montaje

Calentar el agua, y el papelón hasta

Agregar la sémola a la leche poco a

Encamisar un molde de silicón con el

disolverlos, colar y agregar el anís,

poco, batiendo a medida que se incor-

bizcocho, embeber con vino Marsala

incorporar la harina y amasar. Hacer

pora. Regresar al fuego y cocinar sin

y rellenar con helado de coco. Cerrar

pequeños círculos y freír en abun-

dejar de remover por aproximadamen-

con un disco de bizcocho. Mantener

dante aceite. Dejar enfriar.

te 5 minutos. En un bowl, batir las ye-

congelado.

Montaje

mas con el azúcar. Incorporar parte de

Merengue

Hacer tres incisiones en la esfera de

la mezcla de sémola a las yemas con

Ingredientes

chocolate e introducir las arepitas,

azúcar, y mezclar hasta homogeneizar.

2 claras de huevo, 100 grs de azúcar

colocar en un plato y acompañar con

Devolver toda la preparación al fuego y

Preparación

rodajas delgadas de tamarindo chino

cocinar 2 minutos más. Colocar en un

Cocinar el azúcar con un poco de agua

y caramelo troceado.

molde o superficie plana y mantener

Desierto de bienmesabe

hasta alcanzar punto de bola, (aproximadamente 120 grados) y verter en

Meteorito B612

en la nevera hasta solidificar. Cascos

hilo fino sobre las claras que estarán

Gelatina de parchita

Ingredientes

en movimiento en la batidora. Con-

Ingredientes

3 parchitas, 100 grs de azúcar

tinuar batiendo hasta que la mezcla

225 grs de pulpa de parchita sin se-

Preparación

suba y se enfrie por completo.

millas, 100 grs de agua, 30 grs de

Limpiar las parchitas y quitarles la piel

Montaje

azúcar, 6 láminas de gelatina

externa. Partirlas en dos y reservar la

Retirar el bienmesabe del molde y

Preparación

pulpa. Dejar los cascos sumergidos

cubrirlo con picos de merengue, do-

Mezclar el agua, parchita y azúcar y

en agua fría por unas horas. Colocar

rar con un soplete y decorar con ho-

llevar a punto de ebullición por un

los cascos en una olla con el azúcar, la

juelas de coco deshidratadas.

lapso de 10 segundos. Agregar la

pulpa de parchita (sin semillas) y agua

gelatina previamente hidratada en

suficiente para cubrir. Cocinar a fuego

agua fría. Disponer la mezcla en mol-

medio el tiempo necesario hasta ablan-

des de silicón y refrigerar.

dar. Cortar en tiras delgadas.

Asteroide

Gelatina de cacao

Montaje

Ingredientes

Ingredientes

Para el montaje colocar una porción de

200 grs de chocolate blanco,100 grs

140 grs de chocolate amargo, 75 grs

sémola sobre una galleta delgada y en

de chocolate de leche,100 grs de cho-

de crema de leche, 60 grs de agua,

la parte superior una tira de casco de

colate amargo, 130 grs de crema de

1 lámina de gelatina

parchita. Disponer de varias gelatinas

Asteroide de chocolate y nueces

leche, 20 grs de glucosa

gastronomía

de parchita y de cacao en el plato. pág 27


gastronomía

tarde de postres

Helena Ibarra, vida y cocina en

Cinemascope

H

pág 28

elena Ibarra se formó como cocinera en Francia con maestros como Joël Robuchon y Gerard Vié. En la actualidad lleva ya cinco años como chef responsable del menú de Palms, restaurante del hotel cinco estrellas caraqueño Altamira Suites. Tiempo atrás, la pasión por la cocina llevó a Helena a montar una escuela de cocina, el Centro de Gastronomía y Salud Cocido a Mano en San Bernardino, y a inaugurar luego un restaurante con su nombre en Paseo Las Mercedes (donde hoy se halla Biarritz). Ambos proyectos ahora forman parte del pasado. “Me sigo considerando una cocinera, aunque hoy en día tengo responsabilidades de chef", afirmó. Helena ha trabajado laboriosamente en los últimos años para poner a punto una brigada de ayudantes que reproduzcan fielmente sus ideas culinarias, las cuales transmite mediante imágenes, dibujos y textos manuscritos ya que no se le

Manuel Lebón

Wendoly López,

la dulzura del trabajo

en equipo

da bien el mundo digital. Afirma haberse quedado en la cocina de mercado de Paul Bocuse, filosofía reforzada por los estudios de ecología que realizó, que la ayudaron a valorar la diversidad de los ecosistemas y el terruño. Ambos fueron las columnas que le permitieron desarrollar un proyecto de cocina de productos de calidad venezolanos, caracterizada por complacer

al cliente apelando a una memoria gustativa conocida. “Mi cocina es un mundo de sueño, construyo con imaginación y escuela una propuesta gastronómica llena de sabores, de colores, de texturas y de alternativas con productos ciento por ciento venezolanos". Palms reúne mucho de lo que le gusta a Helena porque ella creció cocinando alrededor de una piscina


tarde de postres

y el entorno del local le recuerda ese voluptuoso espacio playero, rodeado de plantas y árboles donde comenzó sus andanzas en el arte de la cocina. “Tengo más de treinta años dedicada a la cocina porque me tocó la esclavitud desde pequeña, cocinando desde los trece años para mi padre sin remuneración alguna. (…) Lo de Palms me ha durado más que un marido. Estoy sorprendida y creo que necesitaba este marido comercial que he conseguido, además, claro, de la libertad creativa total que me han dado. Aquí he estado reinventándome y viviendo otras opciones y leyendo otros escenarios. Creo que después de cinco años, por fin tengo una brigada que entiende mi propuesta”. En su opinión, ser chef en Venezuela es a veces algo más ligado a la vestimenta y lo mediático que al profesionalismo que implica comandar unos fogones: para mí ser chef implica ser jefe y saber expresar tus locuras para que la gente las pueda interpretar y sistematizar bien. Es una escuela de gerencia en pequeño, bastante compleja; además hay que dominar un mercado a veces fluctuante y esto es difícil porque mi cocina se basa en la calidad de los productos del terruño”. Para Helena, la cocina no es solo el descubrimiento de los sabores del terruño criollo o la oportunidad de otorgar un placer culinario, sino también una oportunidad de expresar dramas internos mediante platos cargados de metáforas y símbolos, en casos, apelando a historias relevantes para su vida emocional como El Principito de Antoine de Saint-Exupéry, o Alicia en el país de las maravillas de Lewis Carroll. Sin embargo, había una parte de su propuesta gastronómica que todavía no alcanzaba los niveles estéticos y simbólicos que aspiraba mostrar al público y era la repostería. “Cuando entré a Palms había un chef pastelero que tenía muchas bases y con quien trabajé el trazado grueso de lo que yo quería ofrecer, pero la parte más creativa tuvo que esperar como dos años para tener un discurso más sofisticado. Apenas hace seis meses este personaje se retira y encuentro la oportunidad perfecta para afinar el discurso del azúcar, que siempre para un chef es un problema grave”. Con esa idea de mejorar los postres con la ayuda de alguien más pro-

Recetas extraordinarias En manos de Alvaro Sotillo se halla el diseño de un pragmático volumen de recetas titulado Helena Ibarra, la cocina extra-ordinaria, libro que será publicado a principios del año entrante. Al contrario de los todos supondrían, no tiene ni siquiera un prólogo puesto que Helena no quiso escribir ”absolutamente nada”. Sin embargo, además de las elaboradas recetas, el libro presenta muchas citas extraídas de un seminario que dictó la chef para profesores de arte bajo el nombre de estética y gastronomía. Alvaro Sotillo grabó la conferencia y de allí sacó citas notables que pueblan sus páginas de refinado diseño gráfico. Cinco fotógrafos de diversas generaciones —consagrados o no—, participan, uno por capítulo, en la importante parte visual del texto: Fran Beaufrand, Rodrigo Benavides, Federica Rodner o Marcos Aguilar: “me gusta mirar las generaciones que vienen para no quedarte pegado porque yo quiero saber más”

gastronomía

fesional, Helena recurre a Wendoly López como chef pastelero, quien lleva doce años tras los fogones y quien comenzó en la cocina caliente pero por un tema de salud se centró en la pastelería y el catering. Tiempo después comenzó a coincidir con Helena en diversos eventos y ahora ha entrado como su asesora. “Es muy interesante trabajar con Helena porque ella anda en su mundo desbordante de imaginación y yo busco la técnica para instrumentalizar sus ideas” explica Wendoly risueña. “La mayoría de los postres son ideas de Helena, a veces ideas muy etéreas, que después voy transformando a nivel de proceso y de técnica. Tenemos una metodología similar ya que somos super científicas e investigadoras, y nos ponemos a discutir apasionadamente como darle la vuelta a los problemas de la cocina” concluye. Por su parte, Helena considera que los postres dan vueltas en su cabeza. (…) “Wendoly me ha permitido jugar a la piñata y alimentar la imaginación con postres como el bienmesabe que ideamos para el menú de El Principito. Quise que desde un principio Wendoly pusiera cosas de ella para hacerlo más divertido y así se incluyeron postres como El Aviador con higos y queso de cabra o los coloridos macarrons”. Helena Ibarra adora las metáforas, jugar con el azar y experiencias sensoriales como hojear un libro o ver una película: “todos vivimos la vida como una película en la que hay que hacer capítulos cada vez más interesantes, donde las emociones y la magia tengan su espacio y por eso mis menús tienen esos nombres. Mi vida es una película en Cinemascope”. pág 29


Hay hombres que son como los equilibristas sobre la cuerda floja. Si no se mueven se desploman en el vacío. Su sino es marchar. No importa hacia dónde. Lo urgente es moverse. La quietud los aplasta y destruye. Por eso fijan metas inalcanzables. (p. 9)

lista platinum

regalos Viajeros de Indias (2009) Francisco Herrera Luque Caracas: Santillana Reedición de la clásica novela de Herrera Luque, publicada originalmente en 1961, y basada en su Ensayo de interpretación de la sociología venezolana. Inicia el proyecto del autor—que era también psiquiatra—de explicar la idiosincrasia venezolana de acuerdo con una tesis genética: la de que somos los desafortunados herederos de un pool de genes, importados por los conquistadores y colonizadores, que fueron la fuente de una variedad de desórdenes psicopáticos en las familias venezolanas. Vale la pena contrastar estas ideas 50 años más tarde, a la luz del panorama sociológico actual.

Brandy Cardenal Mendoza Este brandy es añejado como un jerez en una solera hecha con barriles que antes habían contenido los vinos de jerez Pedro Ximénez y Oloroso, lo que le imparte una particular riqueza y complejidad. En nariz deja percibir aromas a café dulce, especias y chocolate que completan su sabor en boca, que es sedoso, oleoso, con notas a frutas dulces y frutas tropicales secas, moka, nueces asadas y jerez Oloroso. Tiene larga persistencia en boca, y hacia el final, revela

El Cuarteto, con Clara Rodríguez en vivo

notas de melaza y madera que exaltan su complejidad

Entradas agotadas días antes fueron

expende con fino decantador de cristal.

y le confieren un toque distintivo y memorable. Se

un presagio del extraordinario concierto que brindaron la pianista Clara Rodríguez y el doble set de los hermanos José Antonio y Telésforo Naranjo y Raúl y Miguel Delgado Estévez, El Cuarteto, en la sala José Félix Ribas del Teresa Carreño. La maravillosa junta fue grabada ejecutando en vivo 15 temas que pasean con impecable técnica y

Tumbona Cool de Gandia Blasco

mejor aún musicalidad, la alegría de

Desde 1999, esta empresa ofrece una gran variedad de productos en mobi-

los ritmos venezolanos y la infaltable

liario para terraza y jardín de alta calidad y diseño contemporáneo. En esta

poesía de las melodías que caracte-

tumbona de la serie Cool, diseñada por Ramon Esteve se aprecian los rasgos

rizan nuestra música. Danza zuliana, vals, merengue caraqueño y joropo, sonrisas para el alma.CV

de funcionalidad, sencillez de líneas, contemporaneidad, confort y estilo casual y relajado pero chic y sofisticado que distingue a esta casa. El marco de la pieza se fabrica en acero inoxidable y el tope en polietileno. Gandia Blasco es distribuida en Venezuela por Collectania, Los Palos Grandes.

Healey Automatic de Frederique Constant Los carros Austin Healey fueron producidos entre 1953 y 1972 gracias a una asociación entre el diseñador Donald Healey y la British Motor Corporation. Frederique Constant, quien ama estos vehículos, les dedica ahora una colección. Tres ediciones limitadas y una regular, conmemoran el entusiasmo y pasión de los amantes de los Austin Healey. Son piezas dotadas de una caja de 43 mm de diámetro, pulidas a mano en versiones de acero inoxidable y oro rosado. La esfera con números en grande ofrece gran legibilidad gracias a su acabado luminiscente. La Edición Limitada, fabricada en caja de acero inoxidable, está dotada de una elegante esfera plateada con toques de azul y una

pág 30

presentación de lujo que incluye un Healey miniatura.


lista platinum

regalos

Rómulo Betancourt, Crónica visual (2009) Caracas: Fundación para la Cultura Urbana 132 pp No es necesario apelar al proverbio chino para decir que una colección cronológica de imágenes que reune una selección de las fotos de un gran estadista venezolano, hace más que miles de palabras. Vemos y leemos en estas fotos de Rómulo Betancourt, de múltiples maneras, cómo se construyó la democracia venezolana; así como las obras que La libertad y la igualdad fueron «los más preciosos dones» por los que luchó aquel niño guatireño que, entre desafiante y temeroso, apoya su mano en el respaldar de una silla Tonnet, cuando comienza su vida y ni siquiera sospecha el destino que está reservado para él. (p. 13)

prometían adentrarnos en la modernidad. Vemos también la levedad del humo de su pipa perenne, que suavizaba su firmeza e introducía afabilidad. Todo ello nos recordaba que se estaba haciendo la democracia.

Emira Frank Di Polo y Rubén Riera. Tres años les tomó a los músicos desempolvar las canciones que forman parte de un proyecto de selección, interpretación y arreglo de 259 piezas de las cuales incluyen 18 en este disco de colección. Ambos intérpretes, de importante trayectoria en el mundo de la música clásica, comparten un auténtico gozo al

Mercury de Artemide, ilusión de luz en ampollas líquidas

interpretar las piezas que revelan un país con rasgos

Diseñada por Ross Lovegrove, arquitecto y diseñador británico que

más amables, alegres y serenos. Las piezas selec-

se distingue por su preferencia por formas orgánicas, Mercury pare-

cionadas se deslizan con virtuosismo en el fraseo,

ce un conjunto de gigantes gotas biomórficas de mercurio flotando

ricas en color y calidez, y enlazan a viola y guitarra en

sobre nuestras cabezas, iluminando el ambiente bajo ella con un

una atmósfera íntima a la búsqueda de la esencia del

juego improbable de reflejos y haces de luz indirecta. Materiales:

espíritu de los compositores. Riera, especializado en

el cuerpo luminoso en aluminio fundido a presión; los cuerpos

música contemporánea para guitarra e instrumentos

reflectantes en material termoplástico moldeado por inyección, con

renacentistas, comparte el proyecto con Di Polo, quien

acabado metalizado; el reflector en aluminio moldeado. Colores:

es pieza fundamental del Sistema de Orquestas. CV

aluminio satinado y cromo brillante. Emisión de luz: indirecta. Esta lámpara la distribuye en Venezuela Iluminación Helios.

Ron Añejo Legendario, de Ron Carúpano Este producto es nuevo en el mercado venezolano. Se destila en Carúpano, ciudad reconocida por la calidad de sus rones viejos. Se produce en barricas de roble americano de un solo lote con 25 años de añejamiento cerrado, sin reposición de mermas, ni mezclas. Tiene un color ámbar intenso limpio y brillante. En nariz, se reconocen notas minerales, licorosas, frutas confitadas y reminiscencias cítricas a concha de naranja, nueces y avellanas. En boca es meloso, untuoso, delicado y sedoso; con suave textura aterciopelada y gratificante al instante. De final largo y persistente, su gusto lo reconcilia con su origen. Esta edición limitada y numerada, de 1 a 500, se embotella anualmente y se presenta en

pág 32

decanters de cristal tallados con bolsa de piel y estuche.


La madrugada de ese domingo, el cielo de Caracas tenía un color azul profundo. En el ipod sonaba Charlotte Gainsbourg, en su reloj marcan las 5:45 am. Mientras trota por las anchas aceras de la Francisco de Miranda, Rodolfo, que apenas ha dormido cuatro horas, se acuerda de la noche anterior. De su conversación con Michelle cuando comían el postre. La había llevado a cenar al Atlantique y entre los dos se habían tomado una botella de Don Melchor, un Cabernet Sauvignon de color rubí. Michelle hacía una tesis sobre Benjamin y su influencia en el periodismo. “A Benjamin le fascinaba la calle—había dicho Michelle—las aceras anchas llenas de gente y la posibilidad que ofrecía la ciudad de perderse en ese laberinto. El periodismo, por otra parte, te ayuda a armar las historias que se gestan en ese laberinto. Pero en la calle debes andar como un flâneur.” Pero Rodolfo no podía concentrarse en lo que decía Michelle. Miraba sus labios y el color rojo rubí de ese Cabernet; el contrapunteo entre sus colores, sus aromas, sus promesas. LD

The social base of flânnerie is journalism. As flânneur, the literary man ventures into the marketplace to sell himself.

lista platinum

regalos The arcades project (1999) Walter Benjamín Cambridge: Belknap Press / Harvard 1072 pp Fragmentario, globalizante, laberíntico e interconectado, cuyo título hace referencia a los pasajes parisinos, precursores de los shopping malls actuales, este libro constituye un ambicioso esfuerzo de comprensión de la totalidad de la vida en el París del siglo XIX. Es como una metáfora de la ciudad moderna y no sólo de París. En ésta, los caminos y autopistas, calles y avenidas, callejones y pasajes, aspiran a facilitar el tránsito de vehículos y peatones, pero con frecuencia sólo logran frenarlos, retenerlos, distraerlos o retrasarlos, cuando cualquiera de esas arterias se congestionan. Por eso, como hace el peatón que conoce la lógica de la ciudad, sólo se puede avanzar con la paciencia y actitud del flaneur o paseante que recorre lineal, circular o meándricamente, calles y avenidas, plazas,

IRM Charlotte Gainsbourg

parques y hasta terrenos baldíos.

La hija del cantautor Serge Gainsbourg y Jane Birkin edita este estupendo tercer álbum, IRM. El título, Imagen por Resonancia Magnética está inspirado en un accidente de esquí que ella sufrió. El álbum cuenta con la producción de Beck, con quien canta a dúo el sencillo “Heaven Can Wait” y quien ha aportado su toque personal a una placa de once temas que lleva su fuerte impronta musical folk y pinceladas electrónicas, como el delicioso corte que da nombre al disco. Los temas están cantados casi todos en inglés, tales como David Campbell, es el encargado de llevar a cabo

TAG Heuer, Premium Grand Carrera Diseño para el hombre de acción

los arreglos de cuerdas. ML

Esta serie conjuga el lujo de materiales finos,

“In The End”, “Heaven Can Wait” y “Master Hand”.

acabados perfectos y alta tecnología, con un aspecto deportivo y masculino. La colección cuenta con ocho modelos diferentes, todos con la última innovación de TAG Heuer, el sistema indicador rotativo inspirado en el diseño de los motores de coches de carrera GT, que reemplaza las agujas convencionales del reloj por discos similares a los del salpicadero de un automóvil.

Don Melchor de Concha y Toro, serenidad y contundencia Esta honesta expresión del terroir del valle del Maipo, en Chile, es siempre una opción. Fue catalogado por The Wine Spectator como el mejor Cabernet Sauvignon de Chile. Completa y complementa la seducción que ejerce su intenso rojo rubí con un ataque en nariz que desprende un profundo aroma a frutas rojas y café recien tostado. En boca sus taninos maduros y aterciopelados dan notas de casis, ciruelas, chocolate oscuro y vainilla. A primera vista sencillo, sólo revela su complejidad, cuerpo y estructura en una

pág 34

segunda fase, a los que saben esperar. Un gran vino.


especial

christian dior

El genio que colmó las calles de flores María Ángeles Octavio

Dior, es un agudo genio único de nuestro tiempo con un nombre mágico que combina a Dios con la palabra oro. Jean Cocteau

Croquis del vestido Romance, Primavera -Verano '56 Colección Mimí Herrera

El entusiasmo por la vida es el secreto de toda belleza. No existe belleza sin entusiasmo. CD

A

maba los lirios, se los regalaba a Madeleine, su madre. El lirio era su flor fetiche y emblema de su casa de alta costura. El perfume de los lirios le recordaba su jardín de la infancia donde pasaba las tardes junto a su madre aprendiendo el nombre de cada flor. Eran cómplices en su pasión por la botánica. La naturaleza y sus tesoros salpicaron la vida y todos los jardines secretos del costurero. De estación a estación los modelos y sus nombres, los motivos y ornamentos en seda pasaban por pétalos de rosa, impresiones de margaritas, lazos como hojas, el rojo de las amapolas, el azul de los nomeolvides o los azulejos, el gris del acantilado de Grandville, todos conformaban las obsesiones de Dior como buscador de la belleza. Dior era un señor

del renacimiento tardío. Poseía el sentido y el culto por lo bello. Siempre buscaba la perfección. “Yo diseñé mujeres flores, con hombros suaves, busto lleno, cinturas tan estrechas como juncos y faldas como corolas”. Christian Dior no es una etiqueta, fue un hombre. Un genio que colmó al mundo, devastado por la segunda guerra mundial, un mundo gris y lleno de escombros, de colorido y flores que caminaban por las calles. Rompió la silueta femenina de hombros cuadrados y faldas cortas que dejó la guerra. Visualizó a la mujer con faldas largas, vaporosas, con abundantes crinolinas, como las que se usaban en su infancia. Faldas inmensas que abrían como flores en primavera. Una vida debe ser ligera y debe caer por su peso sobre el cuerpo de quien la lleva. Christian Dior, costurero, modisto, artista, gourmand, amante de la naturaleza, supo hacer de su vida un mito. Sus modelos representan la elegancia clásica, dando valor a una imagen femenina.

Las mujeres no llevan lo que les gusta. Les gusta lo que llevan. CD La editora de Harper’s Bazaar, Carmel Snow bautizó con el nombre de New Look el estilo de Dior. Christian añoraba devolverle la femineidad a las mujeres. Algunas se debatían, pues las faldas más largas y amplias con telas deslumbrantes con bordados y flores, eran más costosas. Otras más radicales, atacaron a una de las pioneras que se atrevió a salir con el New Look

pág 35


especial

christian dior

a la calle y le rompieron el vestido en el cuerpo. No obstante Dior ayudó a restablecer a París como la capital del mundo de la moda. Y por primera vez en la historia, un diseñador de alta costura influía en las damas ricas y pobres. Las que no podían comprar sus vestidos, copiaban los diseños.

Llevo colgados dos corazones, una estrella y siempre guardo un trozo de madera en uno de mis bolsillos. CD Dior buscó en la religión la fe que no tenía en sí mismo. Católico practicante y de comunión casi diaria, su adoración se repartía entre la iglesia y las pitonisas. No cogía un lápiz sin consultar las cartas, ni tocar madera. No salía de casa sin sus cuatro amuletos. Dior se inventó un brazalete amuleto de la buena suerte que tenía dos corazones, un ramito de lirios del valle, una moneda de oro grabada, un pedazo de madera, un trébol de cuatro hojas, y la estrella dorada que había reproducido en oro. Los signos para alimentar su fe fueron muchos. Una de las mujeres que ayudó en el parto de Christian Dior era adivina y vaticinó que el recién nacido había venido al mundo con muy buena estrella. Aseguró que sería alguien muy grande. En el carnaval de Grandville, una adivina le dijo a Christian que las mujeres serían buenas para él y le traerían éxito. Cuando llegó la depresión los negocios de su padre iban bien y no pensó que la bancarrota americana los afectaría. Pero el viento tiró un espejo que se hizo pedazos contra el piso. Christian se dijo que eso significaba siete años de mala suerte. Los hechos que sobrevinieron parecieron tener relación con el espejo roto. Bernard su hermano fue internado en un sanatorio. Su madre se se sometió a una cirugía, la operación se complicó y agarró una infección. Un mes más tarde, en mayo de 1931, madame Dior moría de una septicemia. Luego la ruina de su padre. Christian corrió a consultar a su adivina, madame Delahaye,

Debo transformame yo mismo, para no decepcionar a mi público. CD “Dior era como un celador o curador dulce de museo, hecho de mazapán y rosado”, dice Cecil Beaton. Él sentía que su impronta era aburrida en comparación con su éxito. “Soy un caballero bien alimentado dentro de un traje de color neutro”. Se ha dicho que estaba acomplejado por su figura y que se burlaba de sí mismo.En sus memorias escribió que pensaba que debería transformarse para no decepcionar a su público. No gustaba de las fotos y de destacar en público. Era una celebridad y lo perseguían. Se cuenta que un fotógrafo sobornó al portero de su edificio y se escondió debajo de una silla en la sala de la casa de Dior y cuando él se dio cuenta le hizo gracia y lo dejó tomarle algunas fotos. En otra oportunidad, en Inglaterra, se escondió en un baño de un restaurante para evitar las fotos. Cuando murió en un hotel en Italia, los fotógrafos asediaban a cualquiera que pudiera tener acceso a la habitación en la que estaba el cadáver de Christian Dior. Se subían por los desagües para tomar una foto del gran modisto en su lecho de muerte. pág 36

lleno de pánico porque nunca antes había organizado una empresa y había recibido la propuesta de hacerlo. Ella le dijo que aceptara, que debía crear la casa de Christian Dior. Otro hecho significativo ocurrió un trece de marzo cuando conoció a Jacques Benita. Dior se dijo que el número trece tenía un mágico poder. Benita era un artista, un cantante de música popular. Poseía una juventud radiante, con los rasgos de cierto tipo de belleza mediterránea. Desde ese momento, se hicieron inseparables. Dior lo incluía en todas sus actividades. Por timidez, Jacques no le permitía al diseñador que fuera a verlo cantar. No obstante, Dior le enviaba notas y mensajes al cabaret. En agosto de 1956, Jacques, forzado por la guerra en Argelia, tenía que regresar a casa. El día de la despedida, en una cena en casa de Dior, él le sostuvo la mano, olvidando por primera vez sus principios de secreto y discreción. Jacques se fue a Marruecos, pero logró que lo eximieran del servicio militar y tres semanas después regresó a París. Dior estaba pasado de peso y decidió ir una temporada a las famosas aguas curativas de Montecatini para adelgazar. En las cartas, su adivina, madame Delahaye, vio un presagio de algo malo, pero Dior no le hizo caso. Estaba decidido a ignorar cualquier advertencia. La noche antes de su partida, Jacques y él decidieron pasarla juntos, aunque Jacques tenía que actuar. Fue la primera vez que el joven permitió que Dior estuviese en la audiencia mientras él cantaba. Eufórico, Dior le prometió que a su regreso de Italia lo iba a ayudar con su carrera. Tan pronto se marchó, Dior comenzó a bailar en el medio de los ChampsÉlysées. Su corazón saltaba de alegría. A la mañana siguiente, tomó el tren que lo llevaría a Italia. Christian Dior murió en Montecatini de un infarto cardíaco, en octubre de 1957. Tenía 52 años de edad. Su repentina muerte causó una gran tristeza en el mundo entero. Tantas flores recibió, que el gobierno francés permitió que las pusiesen en el Arco de Triunfo. El había dicho que quería que sus restos mortales descansasen en Caillan, cerca de los de su padre y su fiel gobernanta, mademoiselle Marthe. El párroco de la capilla de Montaurux, en la Provenza, dijo en la homilía que pronunció en el funeral de Dior, que éste había sido llamado por Dios para vestir a los ángeles.

Para que un hombre fabrique emociones debe tener un acuerdo con la locura.CD Año tras año, Christian esperaba con excitación la celebración del carnaval de Grandville. Las calles eran adornadas con floridos arcos. Había bailes en los salones de los hoteles. Los desfiles eran grandiosos al compás de valses y polcas. La gente bailaba y cantaba hasta el cansancio. Él no se perdía detalle en los desfiles y gozaba disfrazándose. Christian dibujaba parte de las escenas que más lo habían impresionado. El entusiasmo de Christian por la fiesta lo llevaría tempranamente a diseñar disfraces, para él y sus hermanos. Convirtió en un cuarto de trabajo la habitación de la ropa blanca del tercer piso de la casa. Su madre lo ayudaba. Ella trabajaba en la máquina de coser, mientras Christian lo hacía en la tabla de dibujo. Elegía las telas, las tocaba para detectar su suavidad. Un año, Christian diseñaría un asombroso traje del rey Neptuno, hecho a base de conchas marinas naturales y de raffia.


ŠFranck Scherschel-Life

Christian Dior con accesorios. "New Look"


Willy Maywald © A.D.A.G.P.

Desfile en la Casa Dior. En primera fila Marlene Dietrich

En la lista de invitados de la Casa Dior figuraban la duquesa de Windsor, famosas actrices de cine como Marlene Dietrich, Rita Hayworth, Elizabeth Taylor, Olivia de Havilland y Ava Gardner. Él diseñó el vestuario para las películas de algunas de estas luminarias. Según el biógrafo C. David Heymann, autor del libro Pobre niña rica, Barbara Hutton, la famosa heredera de las tiendas Woolworth y clienta de Dior, asistió el 3 de septiembre de 1951, a un baile de máscaras en Venecia, Italia, que llegó a ser conocido como “la fiesta del siglo”. Mil quinientas figuras de la alta sociedad internacional fueron invitadas y Barbara se presentó vestida de Mozart, con un modelo de Dior que le costó quince mil dólares. Las hebillas de los zapatos eran de oro macizo. Su disfraz no fue el más original, pero sí fue el más costoso. Salvador Dalí acudió también a dicho baile con su esposa Gala, con disfraces de “gigantes”, confeccionados por Dior. Dior también estaba presente en la fiesta.

En este clima abigarrado, no sólo formé mi gusto, sino que anudé las amistades que compusieron y compondrán el fondo de mi vida. CD

pág 38

La familia Dior se muda a París. Al principio, Christian halló el cambio de escenario poco agradable, se sintió desenraizado de lo que había sido su idílica infancia, rodeado de flores y mar, donde gozaba de plena libertad de movimiento. Pronto se enamoró de su nuevo hogar y comenzó a ir a la escuela en el Lycée Gerson. Hizo sus primeros amigos en París. Madame Dior decoró con su exquisito gusto su mansión parisina al estilo Luis XVI, pero adaptado a las interpretaciones de aquellos

tiempos. Maurice Dior instaló su oficina en el fondo del apartamento. Esta disponía de su entrada para que sus actividades con sus clientes no molestasen al resto de la familia. Él fue el primero que mandó a instalar un teléfono en la vecindad donde vivían. Los timbrazos que aquel aparato emitía y su funcionamiento excitaron a sus hijos, locos por jugar con él. La dulce vida de la Belle Epoque de Christian se vio afectada repentinamente en el verano de 1914, cuando estalló la Primera Guerra Mundial. Los Dior estaban pasando sus vacaciones en Granville, donde decidieron quedarse. Madeleine no tenía tiempo para atender su jardín, porque junto con otras mujeres trabajaba como voluntaria cuidando a los enfermos. Mientras tanto, los hijos de los Dior vivían a su aire. Después de cuatro años en Granville, terminó la guerra, los Dior regresaron a París y encontraron a la gente ansiosa por divertirse. Todo estaba muy cambiado. Las mujeres llevaban el pelo corto, los músicos eran negros, las compañías de ballet rusas, las obras de los pintores abstractas y todo el mundo se estaba sicoanalizando y consumiendo cocaína y heroína. Los Dior se mudaron esta vez a un amplio apartamento en la 9 rue Louis-David. Madame Dior, siempre llena de energía, elegante y distinguida, tomó las riendas de su nuevo hogar. La decoración de Madeleine fue convencional, pero refinada. Su esposo le compró algunas obras de arte de Lépicié y Boucher. El efecto total fue un triunfo. La vida social y familiar de ellos volvió a la normalidad. Daban recitales, sus hijos se presentaban bien vestidos, la servidumbre uniformada, servían cenas con finos platos y vinos.


especial

christian dior

Respirar el aire del momento en Paris. CD Su ocupación oficial era estudiar bachillerato, pero ya era cómplice de sus amigos aficionados a las artes y no se perdía ningún nuevo acontecimiento artístico. Se reunían en el bar de moda de la bohemia, Le Boeuf sur le Toi. Por allí desfilaba Picasso, Radiguet, Cocteau, Mihaud, Fargue, Auric, Poulenc, Honegger, Sauguet, Satie, Jean Hugge, Breton, Marie Laurencin, Léger, Lurçat, Derain, Max Jacob y Jean Cocteau. Christian deseaba estudiar en la Escuela de Bellas Artes, y cuando se lo hizo saber a sus padres le dijeron que su expectativa con él era un puesto de director o administrador en las empresas familiares. Su madre tampoco lo apoyó. Se enroló en la Facultad de Ciencias Políticas. Como compensación, sus padres le permitieron estudiar música con Darius Milhaud y seguía pasando los veranos con su familia en Granville.

Este colorido período no solo me permitió refinar mi gusto, sino también cimentar las sólidas amistades que me han acompañado y que me acompañarán hasta el último día de la vida. CD Christian repitió el tercer año en la Facultad de Ciencias Políticas, sus profesores reportaban que era un estudiante brillante, pero que no se aplicaba suficientemente. Al dejar los estudios, Christian tuvo que ir a prestar el servicio militar obligatorio en la Armada Francesa. Cuando lo desmovilizaron, le dijo a su padre que quería abrir una galería de arte moderno. Monsieur Dior se quedó atónito, pero le dio el dinero con la condición de que el nombre de la familia no apareciese sobre la puerta. Christian inauguró su negocio en la 34 rue la Boetic de París, con el nombre de Galería Jacques Bonjean, su amigo y colaborador. Allí expusieron a los pioneros de ese período: Picasso, Matisse, Dufy, Berard, Dalí, Utrillo, Braque, Laurencin, Léger, Tcheelitcchev. Cuando la presión bancaria asoló los Estados Unidos, el fatídico jueves de octubre de 1929, muchos se suicidaron al perder sus fortunas. Christian unió fuerzas con Pierre Colle y continuó mostrando las obras de los surrealistas.

Mi madre, a quien adoraba, secretamente se dejaba morir y murió de pesar. Su muerte me marcó de por vida. CD Su madre muere y Christian visita la Unión Soviética para recuperase. A su regreso se encuentra con la desagradable noticia de la situación financiera de Maurice Dior: estaba en la ruina y tuvo que vender Les Rhumbs, el amado caserón de Granville. La Galería también se vendió. En esa época, Jean Ozenne lo enseñó a dibujar para la moda y Max Kenna le mostró como usar el color. En 1934 se enfermó de tuberculosis. Sus amigos financiaron su cura. Primero estuvo en un sanatorio en los Pirineos y después en la isla balear de Ibiza. Por primera vez en su vida se vio completamente solo y encarando la dura realidad de una enfermedad. En su mente exploraba todas las posibilidades. Decidió que crearía algo propio. Comprobó que era muy diestro creando bocetos de moda y elegantes disfraces. Pensó hasta poner una tienda, pero no tenía los medios económicos. Después de más de un año de convalecencia, Christian regresó a París sano. Co-

menzó a hacer diseños de vestidos y sombreros, y a venderlos a las casas de costura de París como Agnès, Patou, Schiaparelli, Nina Ricci, Maggy Rouf, Molyneux, Worth, Paquin, Balenciaga y otras importantes. Lo que había sido un pasatiempo se convirtió en su profesión. En 1938, Christian estaba ganando lo suficiente para mudarse a su propio apartamento en la 10 rue Royale en París, pero él no sabía nada de cómo confeccionar ropa. Otro amigo lo ayudó: el diseñador Georges Geoffroy, quien lo introdujo al costurero Robert Piguet, el cual lo contrató como modelista. Christian Dior estaba traspasando la puerta de la alta costura. Al surgir la Segunda Guerra Mundial fue llamado nuevamente por la Armada Francesa y tuvo que abandonar la casa Piguet. En el año 1940, desmovilizaron a Christian y entonces él decidió irse a vivir a la casa que su familia tenía en el sur de Francia, en Caillan, Provenza, donde vivían su padre y su hermana Catherine. Fue recibido con alegría. Como amante del cultivo, Christian superó la escasez de alimentos durante la guerra, creando un huerto para alimentar a los suyos y vendiendo lo que les sobraba. En diciembre de 1941, Christian recibió una invitación para unirse como diseñador a la casa de modas de Lucien Lelong, en París. Con él trabajaría hasta 1946, aunque durante ese tiempo Dior también diseñó vestuarios de cine, entre otras cosas, para Roland Tual, Claude Autant-Lara y René Clair. En el verano, Dior tuvo tres encuentros casuales con su amigo de la infancia, Georges Vigouroux, en las calles de París. Vigouroux era director de la Philippe et Gaston, una antigua y pequeña casa de alta costura que atravesaba por un período difícil y le ofreció un trabajo a Dior. En el segundo encuentro, Vigouroux volvió a insistir y Dior rechazó nuevamente. En el tercer encuentro ocurrió un hecho que cambiaría el curso de su vida y la historia de la moda. De un carruaje que pasaba por la avenida tirado por caballos saltó una estrella dorada de cinco puntas que fue a parar a los pies de Christian. Él la recogió y supo que era un presagio. Accedió a visitar la casa de modas. No le gustó el estilo, pero conoció al dueño Marcel Boussac, el rey del algodón. Dior y Boussac hablaron sobre el mundo de la alta costura. El manufacturero textil observó que Christian estaba muy bien preparado y le reiteró la proposición de Vigouroux. Él argumentó

Huele a Dior Los vecinos de Les Rhumbs, la casa de sus padres en Granville, solían comentar cuando el viento soplaba en dirección a la casa, “huele a Dior”. Era un olor desagradable por los fertilizantes de la industria situada en las afueras de Dionville, base de la fortuna de los Dior. Su madre, amante de la naturaleza, buscó contrarrestar el olor y rodeó la casa de un jardín florido, perfumado y espeso. Christian fue el único de sus hijos que heredó su interés por las plantas y la seguía como una sombra. A veces jugaba solo imaginándose que estaba en una jungla virgen, otras lo correteaba con sus amigos, sobre todo con Serge Heftler-Louche, envueltos en las fragancias de las rosas y jazmines, y los aromas de las algas y de los claveles silvestres. Con los años Serge se convertiría en el cofundador de Parfums Christian Dior. pág 39


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christian dior

El perfume de una mujer le dice más acerca de ella que su mano Serge Heftler-Louiche, había sido administrador de una afamada perfumería por veinticinco años y también era dueño de una distribuidora de perfumes. Él le propuso a Dior lanzar un perfume con su primera colección. Su larga experiencia en este terreno y la amistad de la infancia le hicieron aceptar en el acto. Muchos amigos se sumaron al proyecto. Todo lo relativo al perfume fue un trabajo de equipo, pero basado en el instinto de Christian. La fragancia fue creada por la perfumería Vauche con una combinación de aromas de alelíes y rosas. Con su amor por las cosas británicas Christian propuso nombrar su perfume Miss Dior. Su amigo, el ilustrador René Gruau, dibujó para el cartel de publicidad un cisne blanco con un collar de perlas y una cinta de terciopelo negra. Su otro amigo, el músico y compositor Henry Sauguet compuso un vals en honor a Miss Dior. Victor Grandpierre le propuso decorar la caja con un diseño de pata de gallo inspirado en la tela de un vestido de la colección. Una vez que el perfume estuvo listo, Christian pidió opiniones en su círculo de amistades y empleados. Todos lo detestaron. Sin embago, él estaba convencido. En la víspera de su primera presentación, Dior preparó un arreglo floral de orquídeas blancas y negras, y se lo envió a Marcel Boussac, quien quedó deslumbrado. La Casa Dior abrió sus puertas a su primera colección el 12 de febrero de 1947. Su salón estaba lleno con las mujeres más elegantes de la alta sociedad, estrellas, y millonarias parisinas e internacionales como lady Diana Cooper, la primera ballerina Margot Fonteyn y madame Larivierére de Argentina, entre otras. Él presentó su estilo Corola con términos botánicos. La figura Ocho, la describió moldeada al cuerpo y bien cortada, con el busto delineado, la cintura estrecha y las caderas acentuadas. Se había contratado a siete modelos. Dior había dicho a las más delgadas que se pusieran rellenos en el busto para hacerlo lucir más prominente. Pero no contaba con que una de las modelos agotada de tantos ensayos se desmayara durante el desfile. Dior trató de sostenarla, pero ella resbaló dejándole en las manos el par de postizos de los senos que se le salieron. Minutos después, los asistentes al desfile fueron rociados con Miss Dior.

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su negativa y Boussac le dijo que si él lograba imponer su estilo, su inmensa industria textilera incrementaría su producción. Le ofreció diez millones de francos para financiar su propia casa de modas, la Mansión Christian Dior. En ese momento, él trabajaba para la colección de invierno de Lucien Lelong. Su contrato rescindía oficialmente el primero de diciembre. Le informó que planeaba independizarse. La nueva compañía Dior fue registrada el 8 de octubre de 1946. Él quedó como director artístico responsable de las creaciones y Boussac nombró a Jacques Rouét, administrador de negocios, para que lo ayudase en las finanzas. La casa se estableció en una modesta vivienda de cinco pisos y tres únicas anchas ventanas, en el número 30 de la avenida Montaigne. Muchos años antes de su decisiva entrevista con Boussac, él había estado mirando esa vivienda desde la acera

de enfrente con su amigo Pierre Colle, quien fue el primero que le sugirió financiar una casa de moda bajo su nombre. La Casa tendría tres talleres, un pequeño estudio de diseño, el salón o cuarto de exhibición, un vestidor, una oficina, y seis pequeños probadores. Christian reclutó 60 empleados que comenzarían a trabajar para él, el 15 de diciembre. Sus tres asistentas, todas mujeres, tenían sus cargos bien definidos: madame Raymonde Zehnacker, antigua jefa de almacenes de Lelong, madame Marguerite Carré, ex jefa de costureras de Jean Patou, quien fue designada directora de los talleres y la bella madame Mitza Bricard, símbolo de la elegancia, quien trabajaba para Molyneux, y quien sería su musa inspiradora y jefa de salón. Dior incorporó como jefa de ventas a la ingeniosa y dinámica Suzanne Luling, su amiga de la infancia en Granville. También contrató como jefe de sastrería a Pierre Cardin, de veinte años y quien ya había ganado un concurso. La decoración de la casa estuvo en manos de Victor Grandpierre. Los interiores se pintaron en tonos grises oscuros y claros, con paneles en blanco. Grandpierre recreó brevemente el estilo neo-Luis XVI. Se usaron muebles laqueados, cortinas grises, puertas de vidrio, espejos y mesas con lámparas de bronce. Quería un lugar para mostrar sus vestidos y no la decoración. El diseño de la boutique para accesorios fue obra de su amigo, el pintor Christian Bérard. Para la apertura, tenían una guerra contra el tiempo. Los vestidos se cubrían con metros de tela de algodón blanco para ocultarlos de los ojos que no debían verlos y del polvo que estaba por doquier. En medio del caos, Dior sintió un gran alivio cuando dejó para siempre a Lelong, el primero de diciembre de 1946. Ya no tenía que trabajar en los dos lugares a la vez. El 9 de diciembre recibió una fatal noticia: su padre había muerto en Callian. El ansiaba que su padre hubiese vivido para conocer su triunfo. Tomó el tren para asistir a sus funerales en Callian.La apertura de la Casa Dior estaba programada para las nueve de la mañana del 16 de diciembre de 1946. A pesar del luto que llevaba en el alma, él estuvo al frente sonriendo con los labios, pero empañados de lágrimas los ojos por la pena y la alegría que sentía a la misma vez.

Cuando abrí mi casa de alta costura decidí vestir sólo a las mujeres más glamorosas de la alta sociedad. CD La primera dama de Argentina, Eva Perón, visitó París por primera vez, invitada por el Partido Comunista. Ella recibió mensajes de las más importantes casas de moda que intentaban ofrecerle desfiles en su honor. Aceptó el de Dior y compró algunos trajes. Dejó un maniquí con sus medidas para que Dior pudiera hacerle vestidos después de que ella se marchara de Francia. En el año 1950, Molyneux, el diseñador de la princesa Margarita de Inglaterra se retiró, ella se pasó a Dior. Dior ofreció un desfile privado para la reina Isabel y la princesa Margarita en la embajada francesa de Londres. La princesa Margarita estrenó un maravilloso diseño de Dior cuando cumplió los 21 años y posó para el fotógrafo Cecil Beaton con el vestido. Ese mismo año, Dior era condecorado en París con la Legión de Honor por el Ministro de Comercio francés.


con todo listo, pero cundió el pánico cuando comprobaron que por error le enviaron un tocado para la cabeza que pertenecía a otra clienta. —El problema se solucionó y yo pude lucir como esperaba —dijo Margot un tiempo después. Cuenta Soraya Esfandiary en su autobiografía Mi vida, que cuando se casó con el Sha de Irán, Reza Pahlevi, Dior diseñó su vestido de boda en tul brocado de plata, con una larguísima cola. Una capa cubriría sus brazos durante la ceremonia. Meses antes de la boda, ella contrajo tifoidea y, cuando mejoró, tuvo una recaída que se le complicó con una neumonía. Apenas se recuperó, se celebró la boda. Ella pesaba 36 kilos y el vestido 16. —¡Ya mis piernas no me sostienen! —exclamó a punto de desmayarse. El Sha la socorrió llevándola a un aposento para que se recuperase y pidió a una dama de honor que cortase la mayor cantidad de tela posible de sus enaguas. Diez metros de tela fueron hábilmente eliminados. Una dama comentó que para usar un vestido del New Look de Dior había que tener una salud excelente. •

foto: cortesía de aura marina hernández

Pero no todas las ricas y famosas eran felices con las creaciones de Dior. Cristina Onassis, la hija del magnate naviero Aristóteles Onassis y su esposa Tina, tenía recuerdos angustiosos de su infancia. Ella era una niña que comía con sirvientes en lugar de sentarse a la mesa con sus padres y hermano, como cualquier familia. Cuando viajaba, iba custodiada por guardaespaldas. No tenía amigas y, aunque sus muñecas estaban vestidas a la última moda de París por Christian Dior, no le daban satisfacción. Recordándolas, ella confesaría: ”Eran bonitas, sí, pero las muñecas caras no pueden remplazar a los padres ausentes cuando una tiene 4 años”. El día 6 de febrero de 1955, se casaba Margot Fonteyn en el Consulado de Panamá en París, con Roberto ‘Tito’ Arias, dueño del periódico La Hora en Panamá y delegado de Panamá ante las Naciones Unidas e hijo de un ex presidente de Panamá. Cuenta Margot en su autobiografía, que en la mañana del domingo ella voló con su familia a París, hospedándose en el hotel PlazaAthénée. Dior le había diseñado la ropa y accesorios que usaría. Suzanne e Ivonne, sus dos amigas de la Casa Dior, la esperaban

Casa Dior

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especial

foto: cortesía de la casa dior

christian dior

Christian Dior llegando a Venezuela

Coqueteo de Christian Dior con Venezuela

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esde sus inicios en la moda, Dior conoció mujeres venezolanas. Las consideraba extremadamente elegantes y bellas. Siempre sonreídas, bien trajeadas, representaban luz en medio de la depresión que rodeaba el entorno parisino. Ajenas a los avatares de la guerra y cultas, ellas, admiraron el talento de Dior desde que su New Look comenzó a caminar por las calles de las grandes avenidas y boulevares franceses. En los años cincuenta, bajo un implacable régimen autoritario, Venezuela estaba ubicada entre los cinco países con mayor crecimiento económico en el mundo; algunos vivían años de moda, lujos y opulencia, alimentada por los dólares que dejaba el petróleo y un exquisito y refinado gusto muy afrancesado, legado de Guzmán Blanco. Las hermanas del colegio San

José de Tarbes se habían instalado en Venezuela y la educación que impartían era completamente francesa. Las mujeres de familias acomodadas de aquella época viajaban a Francia por largas temporadas. Sus gustos eran finos y caros. En lo que fue una época dorada de la moda en Venezuela, las grandes firmas mundiales estuvieron presentes en muchas tiendas glamorosas de la capital venezolana. En esos años Dior viaja a Sudamérica y abre su boutique en Venezuela.

Venezuela recuerda a Christian Dior Cuando llegaron los representantes de Cartier a Caracas ubicaron a Margot Boulton de Bottome para presentarle a Jack Rouette de la casa Dior de París, quien estaba en Venezuela. En ese encuentro le propusieron ser la relacionista público de la casa Dior en Caracas. Inmediatamente aceptó. Alquilaron el espacio que estaba al lado de la de Cartier e hicieron la boutique. Se hizo una réplica, en pequeña escala, del 30 de la avenida Montaigne. La tienda de Dior abrió en 1952 para cerrar a fi-


foto: cortesía de aura marina hernández

nales de la década. El propio Christian Dior firmó el registro de su marca en el registro mercantil de Caracas. Quedaba donde estuvo Galerías Hacht, frente al actual Centro Lido. La tienda de El Rosal era una tienda de alta costura. Se traían la telas de París y las operarias traídas de Francia cosían la ropa, ya que en la dictadura, las importaciones de piezas terminadas eran un asunto complicado. Margot de Bottome, desde que conoció a Dior, simpatizó mucho con él, se entendieron a la perfección. “Él hablaba poco y con un tono muy bajo”. Una de las preguntas de monsieur Dior fue acerca del potencial de la mujer venezolana, a lo que respondió que existía un grupo pequeño de treinta a cuarenta señoras que estaban a la altura de Dior y que apreciaban lo que hacía. Le aseguró que no se trataba de hacer cosas que sólo gustaran a los ojos, debían buscar mujeres que al usar uno de sus trajes sintieran que llevaban el alma que Christian Dior le dio a la costura. Le afirmó que era preferible tener un pequeño grupo de mujeres que apreciera la calidad de su trabajo. El número crecería cuando las mujeres venezolanas concientizaran el trasfondo de la marca. Ellas gustaban de las fiestas y la moda y esto ayudaría. La labor de la boutique Dior era darle un valor espiritual, por encima del económico. Las clientes de aquella época eran Elisa Mendoza de Azpúrua, Luisa Mendoza, Mimí Herrera, las mujeres de la familia Boulton, Alicia Estrada y el clan del gobierno de Marcos Pérez Jimenez. “Éramos un grupo de señoras de la sociedad quienes nos vestíamos de Dior, pero la que jugó un rol muy importante fue Mimí Herrera”. “Mi abuela fue clienta y amiga de Dior en los años 50 mientras él estuvo al frente de la Casa; luego también se relacionó con Marc Bohan quien siguió en la dirección de la misma”. Cuenta María Teresa Picón, nieta de Mimí Herrera. ”Anécdotas como tal no puedo recordar ninguna, pero oí a mi abuela relatar que en los años 50 Dior vino a Venezuela e hizo un

Jimmy Thermiotis con Christian Dior, frente a la tienda en Chacaíto

desfile en la hacienda La Vega y se quedó allí por una semana. También puedo contar que el vestido de débutant de mi mamá lo hizo él. Así, como su vestido de novia, que fue con el que yo me casé. En vida, mi abuela donó varios vestidos de muchísimo valor a la casa Dior para que los tuvieran expuestos en sus talleres y sede principal en París. Sé que han estado también en varios museos cuando se le ha rendido algún tributo a Christian Dior.” Así habrá sido la admiración de Dior por las venezolanas que Carmen Rodríguez, hermana de Luisa de Mendoza, trabajó como relacionista público del propio Dior en París y cuando la casa pasó a manos de Ives Saint Laurent y luego a las de Marc Bohan, ella continuó con una estupenda relación laboral. Confirma su sobrina Luisa Elena Mendoza de Pulido. “La personalidad, las amistades y ese sentido de lo que era la moda, hicieron de tía Carmen la colaboradora ideal para la casa Dior. Ella disfrutaba enormemente su trabajo. Viajó desde San Francisco a China con la colección y con los directores de la firma, creando nuevas rutas. Por supuesto, Caracas también estuvo en su intinerario”. Alicia Estrada, la elegante esposa del entonces director de la Seguridad Nacional, recuerda con inmensa emoción la fiesta en el Círculo Militar. “Estaba el General Marcos Pérez Jimenez junto a su esposa quien se vestía de Dior, al igual que yo”. Agrega que eran pocas las mujeres venezolanas que podían vestirse de Dior porque era costoso, pero un privilegio enorme, porque la ropa de Dior, era la ropa de Dior. “No puedo decir que era amiga de Dior, como lo fue Mimí Herrera, a quien él le dedicó un vestido y hasta una tela, pero lo conocí socialmente varias veces y otras en su atelier”. “Cuando uno llegaba a la Casa Dior de la avenue Montaigne lo recibían las señoras que nos guiaban hasta el salón de prueba. Dior aparecía de la nada, daba unos toques y desaparecía. Siempre estaba presente, se sentía su espíritu en todo. Recuerdo también los

Bolívar Films filmó la llegada y la subida del aeropuerto de Maiquetía a Caracas de Christian Dior. Quien lo recibió en el aeropuerto fue el empresario griego Jimmy Thermiotis, quien establece una amistad y relación comercial fructífera con Dior, según refiere Margot Rodríguez, asistente personal por varias décadas del empresario . En el pietaje vemos las escalinatas del avión por las que bajaron señores de flux y señoras vestidas de forma muy sobria con sombreros y lentes oscuros y por supuesto, Dior. La siguiente imagen es la de la fila de Chevrolet Stylemaster subiendo por la carretera vieja y la llegada a la tienda Christian Dior. Su inspirador, Dior, al verla, diría que era una réplica en pequeño del 30 de la avenida Montaigne. Ya para cerrar el importante registro fílmico vemos a Dior dentro del local supervisando las telas, los vestidos y a las dependientas muy serviciales mostrando las bondades del lugar.

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desfiles, la verdad es que no eran desfiles, en aquella época no estaban de moda, eran eventos muy privados en los que las modelos cargaban un número en las manos y caminaban por la sala. Uno iba anotando los números de los vestidos que le gustaban y al final los entregaba y las señoras los buscaban para las pruebas. Fue una época dorada”.

El impacto de la visita de Dior a Venezuela

Imágenes del libro Hommage a

Christian Dior 1947-1957 (1986) con vestido largo "Caracas" en muselina de seda pág 44

Primavera-Verano 1953

Las reseñas sociales de la época cubrieron el evento con varias columnas. La llegada a Caracas de Dior, las fiestas en el Círculo Militar que recuerda Alicia Estrada y la rueda de prensa en el Hotel Ávila que le hicieron al personaje en la capital venezolana. Entre éstas destaca la fiesta que le hicieron Guillermo Machado Morales y su esposa Yuye. En los sociales de la columna del Club Paraíso de entonces narran que también fue agasajado con un cocktail party en casa del embajador de Francia, Pierre Arnal y su esposa Suzanne de Arnal. La reseña resalta que las personas, tratándose de


especial

christian dior

tan célebre personaje, “lucieron trajes a tono con las circunstancias y echaron la casa por la ventana”. La nota asegura que a Dior no se le escaparon los detalles, más cuando a su atelier de París le habían llegado noticias de lo bien que se vestían las venezolanas. Las pieles estaban por doquier, los sombreros de anchas alas, los pequeñísimos, los velos al rostro y las esplendorosas alhajas. Sin embargo, para desaire de las concurrentes el señor Dior se refirió insistentemente a otros temas, entre ellos el de la fiesta que le ofrecieron Johnny Phelps y Anita Boulton de Phelps. Uno de los artículos publicados en la víspera de la venida de Dior a Venezuela recreó parte de la intimidad del personaje. Ésta se resumió en dos personas vitales de su mundo, Iván el jardinero polaco a quien Dior veneraba por sus conocimientos sobre los jardines y Denise, una martiniqueña que cocinaba, pero que en realidad era una creadora y quien preparaba los platos favoritos del maestro y creaba otros. Esta mujer se vestía con trajes hechos por Dior quien aseguraba que a todas las mujeres les gustaba estar bien vestidas y bellas, y que él provería a Denise de sus ropas.

Dior en nuestras letras Como todo incide en la literatura, aquí se muestra un ejemplo que da Rodolfo Izaguirre de cómo con en un par de pinceladas se describe el pensar de Venezuela para la época. Rodolfo Izaguirre señala que la escritora venezolana Elisa Lerner en su obra La bella de inteligencia, logra aprehender en un par de frases el rostro de nuestro país, sus gestos, las maneras de moverse y de amar, sus traiciones e infidelidades. “La Bella es una mujer de muebles victorianos, divanes azules, calas en los floreros; un elegante traje negro de Dior y un collar de perlas. Recibe en su salón al periodista «un tanto intelectual» y que con desparpajo pretende entrevistarla. Ella habla, se mueve, se escandaliza, se sorprende, se encrespa, ríe; es sarcástica, autoritaria, ingenua y confiada. ¡Una dama intelectual! Pero más que una dama intelectual, la Bella configura el ideal de escritora que una mujer venezolana desearía para sí; la Virginia Woolf del «Room of one’s own» instalada bajo el sol y el calor del trópico”. Isaac Chocrón escribió un ensayo que llamó Último grito en el catálogo de la cuarta bienal de arte Dior hecha en Venezuela. “Los años cincuenta fueron los años cuando Christian Dior verídicamente dominó Caracas. Toda mujer que se preciara de su elegancia lucía sus hombreras, su cintura avispa y la voluminosa falda más abajo de la rodilla, inflada por unos cuantos armadores. Evidentemente entonces había más espacio o menos gente, haciendo posible las circunvalaciones de esas faldas que parecían a punto de revivir el vals vienés. Nadie como mi hermana Mercedes y sus amigas para adoptar el estilo Dior como su nuevo uniforme. Me da mucho placer nombrar con sus apellidos de solteras a algunas damas que compartieron el lema favorito de mi hermana. “Si quieres ser bella y elegante, tienes que sufrir”. Elsa Tamayo, Mercedes Herrera, Leonor Zuloaga, Maritza Obadía, Cachi Pocaterra, Mary Taurel, La Nena Palacios, Gloria Zea desde Bogotá y la reina absoluta, Mimí Herrera”. •

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Imágenes del libro

Dior. Christian Dior 1905-1957 Francoise Giraud (1987)

Sentir un Dior Claudia Veitía

En Venezuela no eran muchas las afortunadas que podían sentir un vestido de alta costura; se tenía que ser clienta o modelo o haber tenido un afortunado encuentro con el azar. En todo caso, era improbable aunque posible e inolvidable. En los años cincuenta, en Caracas se hacían desfiles de Alta Costura. Las casas de Dior, Balmain, Carven, organizaron unos a los que vinieron algunas modelos francesas, pero en muchas ocasiones, muchachas caraqueñas fueron las afortunadas. Indalecia Gómez, junto a su amiga Elena Uzcátegui, ambas bellas, delgadas y altas, tenían las tallas necesarias para los vestidos (usados en las giras de las colecciones). Ellas participaron en varios de estos desfiles. Indalecia cuenta: Los vestidos de gala eran pesados, se soportaban a sí mismos, hacían el cuerpo. Al cerrarlos, entrabas como en un corset. Por supuesto, cerraban a la perfección, sin una arruga, con una caída increíble, llenos de capas. A pesar de lo estructurados que podían ser, los terminados eran tales que siempre se sentía que estabas dentro de una maravilla. Dior —afirma Indalecia— era muy simpático, le encantaban las caraqueñas —también las argentinas—, las consideraba viajadas y de mucha clase; se extrañaba del dominio del francés que tenían. Dior y su equipo eran muy corteses, aunque venáticos. Si hacían algo mal, no faltaban las palabras rudas en camerino, pero también los besos y las felicitaciones salían con igual fluidez en el final feliz. Las recatadas modelos, practicaban día y noche por dos meses, y no se acostumbraban a la entrada y salida de personas desconocidas que las veían desvestirse en camerinos. Ayudantes maquillaban y peinaban —generalmente un sencillo chignon–, probaban zapatos, carteras y sombreros. Las colecciones podían venir también con costosísimas joyas como los brillantes rosados de la Emperatriz Josefina, de Van Cleef & Arpels, o tiaras de zafiro y brillantes que requerían de guardias, incluso en esa época de la Caracas sin delincuencia y de dura mano militar. pág 46

Imágenes del libro

Dior. Christian Dior 1905-1957 Francoise Giraud (1987) con vestido "Venezuela"


“Las cosas de la mesa y de la gastronomía son obra de Dios y de los hombres”. CD

libro: cortesía de aura marina hernández

María Ángeles Octavio

Imágenes del libro

Para Dior, la mesa requería, a la hora de componer los menús, de la misma dedicación que la creación de sus diseños. Siempre estaba en busca de los platos más sutiles y refinados. Hay un libro de cocina que se llama Cosidas a mano, “Cousu a main” que recoge las recetas preferidas de Dior. Este libro tiene un prefacio del afamado chef francés Raymond Thuilier, chef de l’Oustau de Baumaniere. Dior recuerda la personalidad de Raymond Thuilier y asegura que Thuilier, con su infinita bondad, acercó la boca al espíritu. “Lo irreal y grande de su cocina, es su sencillez”. Este comentario lo hace a propósito de unos oeufs brouillés que le sirvió Thuilier en su restaurante en una oportunidad. Estos huevos se ponen en una cacerola y se baten todo el tiempo con una espumadera haciendo una crema de los mismos, luego se les agrega el ingrediente que se desee; en este caso unas trufas que dan un aroma y sabor incomparable. “Es la forma de prepararlos y servirlos, la que los convierte en una obra de arte”. Thuilier cuenta que cuando Dior se refería al vino, lo hacía como si hablara de una elegante y bella mujer. “Este vino tiene cuerpo, espíritu y glamour. Es un vino amoroso, fuerte sin ser duro y es muy mimoso”. Sobre su profesión y la cocina, afirmaba que los materiales de ambas artes eran muy nobles y que ninguna creatividad podía prescindir de las manos que la llevan a la realidad. “Sí, son artes que parten de la inteligencia, pero las manos son sus ejecutantes, ya que la realización de una obra no puede ser perfecta a menos que la imaginación creativa se asocie a las manos”.

"La cuisine cousu-main" de Christian Dior

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productos

jm farina

Hilvanando

recuerdos desde

hace 300 años Camilo Daza Tapia

T

odo aroma es un olor. Pero no todo olor es un aroma. No hay quien lo niegue. Pero aunque suene a regla general hay que decir que pocos temas son tan particulares. El olor que a una gatita parisiense puede parecerle repulsivo, para un viejo zorrillo puede ser la esencia de l’amour. Es en este sentido que podemos decir que un olor es objetivo mientras que un aroma es subjetivo. Pero más allá de su calidad como estimulante del olfato y de nuestra apreciación de ellos, hay en los olores un elemento aun más fascinante: su poder evocador. La periodista Dana Thomas en su libro Deluxe, how luxury lost its luster, en un capítulo dedicado a la perfumería cuenta la siguiente anécdota: «un día hace muchos años una mujer fue a la Osmothèque, un conservatorio de perfumes en Versalles, y le dijo a su presidente, Jean Kerléo, que ella quería conseguir a su mamá quien había muerto hace muchos años. Kerléo estaba desconcertado. Su madre, explicó la mujer, siempre usaba la misma fragancia floral oriental, llama-

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da Arlequinade, presentado por la compañía Parfums de Rosine de Paul Poiret en 1920. Su ropa olía a este perfume. La casa apestaba con este olor. Cuando ella pasaba, una nube del aroma permanecía en el ambiente. Arlequinade era su mamá. Arlequinade desapareció en 1928 después de que Parfums de Rosine cayó en bancarrota. En el único lugar donde todavía existía era en el catálogo de más de 1700 perfumes que mantiene la Osmothèque. Kerléo tomó un touche –una tira de papel blanco absorbente usado por los perfumistas para probar las fragancias- lo mojó en un pequeño frasco marrón y se lo dio a la mujer. Ella inhaló y luego suspiró. “Oh, mamá”.» En literatura son muchas las experiencias similares que han sido registradas, pero tal vez la más renombrada de este tipo de anécdotas sea la de la magdalena, escrita por Marcel Proust en “Por el camino de Swann”, el primer libro de la serie “En busca del tiempo perdido”. En un día de invierno lleno de tedio y melancolía le sugieren al narrador que tome una taza de té. Reacio, acepta. Junto al té le traen una magdalena, una especie de bizcocho. Cuenta el narrador que al instante de saborear un poco del té caliente en el que había remojado la magdalena un estremecimiento invadió su cuerpo, un exquisito placer conquistó sus sentidos sin explicación alguna. Era la vívida repetición de una vieja sensación que él, a pesar de sus intentos, no lograba precisar en tiempo y espacio, hasta que el recuerdo se reveló a sí mismo. Aquella combinación de olor y sabor era el de un pedazo de magdalena que su tía solía darle cuando era un niño sumergiéndolo primero en su propia taza de té. Después la cascada de recuerdos se hizo indetenible. La habitación de su tía, la casa, las calles, el pueblo y su gente, los jardines y la iglesia retomaron vida ante sus ojos, todo desde su taza de té.


foto: cortesía de la casa jm farina)

productos

Algo parecido le pasó en 1708 a un joven llamado Giovanni Maria Farina quien en una carta le escribe lo suguiente a su hermano: “He descubierto un aroma que me acuerda a las mañanas de primavera en Italia, a los narcisos silvestres y a las hojas de naranjo recién mojadas por la lluvia. Me refresca, fortalece mis sentidos y mi fantasía”. Pero un recuerdo dura lo que dura una vida. De los olores se puede decir que mientras el mundo sea mundo habrá olores. Y de la misma manera, mientras haya hombres sobre la tierra con capacidades olfativas habrá aromas. Pero, ¿cuánto vive un aroma hecho por el hombre? ¿Cuántas generaciones puede perdurar un perfume hilvanando recuerdos? El trabajo de Monsieur Kerléo y su equipo en la Osmothèque es una respuesta encomiable. Otra es la labor de la familia Farina que desde hace 300 años y a través de 8 generaciones se dedica a la fabricación del mismo aroma fresco de primavera italiana, convirtiéndose en la perfumería más vieja de la historia. Provenientes de Santa Maria Maggiore en la actual provincia de Novara en Italia, la familia Farina se mudó a Colonia, en Alemania, a comienzos del siglo XVIII, favorecidos por los estrechos nexos comerciales entre ambos países y por su condición de católicos, etiqueta que para la época era indispensable para ser aceptado en la ciudad alemana. Para aquel entonces el alcohol era usado con fines medicinales y para hacerlo más agradable era perfumado con limón y hierbas. Ya en el siglo XIII, el alquimista español Arnaud de Villeneuve había refinado el proceso de destilación del alcohol, llamado aqua vitae, lo que permitió el nacimiento del perfume tal como hoy lo conocemos. De los alcoholes aromáticos y medi-

cinales, uno de los más emblemáticos fue creado en 1370 para la Reina Elizabeth de Hungría, el cual tenía supuestas propiedades paliativas contra el reumatismo y la gota. Este bálsamo era conocido como Eau de la Reine de Hongrie. De esta manera, las aguas de olores, cada una bautizada de manera distinta por los perfumistas, florecieron por Europa. Giovanni Maria, cuya familia ya tenía una tradición en la perfumería italiana, al emigrar se llevó consigo sus conocimientos de artesano, decidió cambiar su nombre a Johann Maria, y junto con su hermano fundó en 1709 la fábrica que produciría el perfume que tanto le acordaba a su bella Italia. Los ingredientes principales eran y siguen siendo lima, limón, bergamota, pomelo o toronja, naranja, neroli y petitgrain. Al inicio, Johann Maria se refería a su creación con el nombre de aqua mirabili pero luego, ya establecido con éxito, decidió, en honor a la ciudad que con brazos abiertos lo acogió, darle el nombre de Eau de Cologne. Con el tiempo la Eau de Cologne se convirtió en la esencia predilecta de las casas reales europeas. Desde el principio de su producción, nunca han faltado personajes célebres entre sus clientes. En la larga lista se puede encontrar a Federico el Grande, Voltaire, Mozart, Goethe, Humboldt, Heinrich Heine, Balzac, Mark Twain, Oscar Wilde, Thomas Mann, Konrad Adenauer, Marlene Dietrich, Romy Schneider, Hildergard Knef y la princesa Diana, entre muchos otros. Dicen que Napoleón -la misma persona de exquisito olfato quien en un carta le pidió a su querida Josefina: “llego en tres días, no te laves”- prácticamente se bañaba con una botella de Eau de Cologne cada mañana. En Venezuela, el más célebre de los clientes fue sin

Frasco kandinsky

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productos

jm farina

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duda Simón Bolívar, de quien la casa Farina tiene registros del año 1820. Sin embargo, en Venezuela el nombre Farina es mejor conocido gracias a la colonia Jean Marie Farina, marca de la perfumería francesa Roger & Gallet, actualmente parte del grupo L’Oreal. Esta colonia, cuyo aroma difiere de la Eau de Cologne de Johann Maria Farina, la crea en el año 1806 un pariente de la familia Farina quien viaja a París y con la ayuda financiera de su suegro funda allí una perfumería. Luego de amasar fortuna, decide en 1840 vender su exitosa compañía a Jacques Collas quien a su vez luego la vende en 1862 a Roger & Gallet. La historia se complica un poco a comienzos del siglo XIX cuando Wilhelm Mühlens, otro empresario de la ciudad de Colonia, compra derechos comerciales sobre el nombre de un supuesto pariente de la familia Farina y empieza a producir bajo éste otra colonia a base de agua de limón. Esto dio inicio a una casi inagotable cadena de procesos judiciales que culminó en 1880 cuando Roger & Gallet logra prohibirle al Sr. Mühlens el uso del nombre Farina en Francia, prohibición que luego no tardó en trasladarse a Alemania. Sin otra opción, Mühlens cambia el nombre de su compañía, y en consecuencia el de su colonia, y decide llamarla por el número de la casa donde estaba ubicada la fábrica. Es así como nace la colonia N° 4711 a la cual Mühlens le agregó el subtítulo Echt Kölnisch Wasser, es decir, la Verdadera Agua de Colonia. A pesar de su confuso comienzo, esta colonia logró ganar gran popularidad. Por ejemplo, según relata en sus memorias el francés Alejandro Próspero Révérend, médico de cabecera que atendió al Libertador en su lecho de muerte, Bolívar contaba a la colonia N° 4711 entre sus obsesivas debilidades. Pero la colonia N° 4711 es sólo uno de los ejemplos exitosos de las muchas copias que surgieron como estoraque alrededor de la Eau de Cologne de Johann Maria Farina, la cual desde comienzos del siglo XX mantiene en sus etiquetas no sólo un tulipan rojo con el nombre Farina como símbolo de autenticidad sino también el subtítulo ORIGINAL para que no quepan dudas. Esta multiplicidad de contendientes por el título de Eau de Cologne, cada uno con sus propios estándares de calidad y estrategias de precios, perjudicó en última línea a la reputación que la familia Farina había logrado establecer para un producto que se había convertido en parte del gentilicio de la ciudad que deseaba honrar.

Hoy en día, 50 ml de Johann Maria Farina tiene un valor de 59 euros. Cien ml de Jean Maria Farina de Roger & Gallet tiene el precio de 39 euros. La botella de 50 ml de N° 4711 cuesta 14 euros. El término eau de cologne, que en algún momento y por muchos años fue sinónimo de prestigio, hoy se ha convertido en el sustantivo génerico para todos aquellos extractos diluidos (entre 3 y 5% de esencia de perfume) en una mezcla de agua y alcohol con aromas cítricos. Eau de cologne es el denominador de la categoría más baja dentro de la industria de la perfumería, la cual abrió nuevos mercados en los años 30 al introducir la eau de toilette que contiene entre 6 y 12% de extracto diluido en diferentes solventes como etanol y agua, y luego al introducir en los años 80 la eau de parfum, que contiene entre 8 y 20% de extracto mezclado con alcohol. Al Sr. Johann Maria Farina, octava generación de la familia y actual presidente de la compañía, no le preocupan estos hechos. La familia nunca ha comprometido la calidad de sus productos, lo que le ha permitido mantener intacto el aroma clásico y fresco de su original eau de cologne y a la vez distanciarse del resto. Sus clientes, que no son pocos pero tampoco son muchos en comparación con la competencia, son personas selectivas, conocedoras de la tradición de la familia Farina. Por esta razón la compañía también ha mantenido una distribución centralizada y directa (85% de la producción está destinada a la exportación) y con muy pocos y selectos socios. Además, en 300 años son muchas las historias que contar. Así lo entendió por ejemplo Patrick Süskind, quien tuvo acceso a los más de 300 metros de archivos de la compañía Johann Maria Farina, entre otras fuentes, para crear al increscrupuloso y talentoso perfumista Jean-Baptiste Grenouille, el terrible asesino de la novela El Perfume. Y es en la historia de la compañía donde la familia Farina busca la inspiración para escribir el futuro. Por ejemplo, en 1912 se llevó a cabo en la ciudad de Colonia una exposición de arte contemporáneo en la cual expusieron artistas de la talla de Pablo Picasso y Paul Klee. Fue en esta exposición donde el pintor Wassily Kandinsky presentó una botella parecida a una carterita de lícor diseñada por él para la original eau de cologne Johann Maria Farina. Una réplica de esta botella estará pronto a la venta. Luego de la escena de la magdalena, Proust escribe que “… cuando nada subsiste ya de un pasado antiguo, cuando han muerto los seres y se han derrumbado las cosas, solos, frágiles, más vivos, más inmateriales, más persistentes y más fieles que nunca, el olor y el sabor perduran mucho más, y recuerdan, y aguardan, y esperan, sobre las ruinas de todo, y soportan sin doblegarse en su impalpable gotita el edificio enorme del recuerdo”. Aunque los nexos de los Farina con Italia siguen siendo fuertes, no temo equivocarme al pensar que las reminiscencias de la eau de cologne en las nuevas generaciones de la familia pertenecen a Colonia y no a la Italia de Giovanni Maria Farina, pero me atrevo a afirmar que el aroma sigue generando en su descendencia las mismas sensaciones que él expresó hace 300 años: “Me refresca, fortalece mis sentidos y mi fantasía”. De lo que sí estoy seguro es que hoy en día no soy el único que, al sentir el aroma de alguna de las fragancias de la familia Farina, inevitablemente respira profundo y suspira: “Oh, abuelo”. •


Next to fish, sauce is the most important component of the plate at Le Bernardin. Every entrée has one, if not two, poured tableside—enough for every mouthful, per Maguy Le Coze’s long standing specifications. (“I hate it when you run out of sauce before the last bite,” she says.) A bouquet is released as the sauce hits the place, complex and ethereal. Is there ginger? Star anise? Maybe verbena? (p. 42)

lista platinum

regalos On the line, The stations, the cooks, the costs, the chaos and the triumphs (2008) Eric Ripert Artisan: New York 239 pp Este chef francés residente en New York, y chef ejecutivo y socio de Le Bernardin, que en 2006 fue merecedor de tres estrellas Michelin por su excelencia culinaria, realiza en este libro una meticulosa exploración anatómica de su restaurant, revelando sus más íntimos secretos y técnicas de cocina. Ofrece como bono, una selección de 50 de las mejores recetas de este local, todas ilustradas con fotografías en gran formato y a color.

Bodega Privada, de Ron Santa Teresa Sólo el reposo, el tiempo, el silencio y la penumbra podían haber confluido para añejar este excepcional blend de rones añejos de entre seis y treinta y cinco

The complete works Ludwig van Beethoven

años, almacenados desde 1989.

Edición de las obras completas de este

elaborado en la Hacienda Santa

músico genial editada en una versión integral de 85 compactos. Incluye versiones de las sinfonías por la Gewandhausorchester bajo

Teresa bajo un complejo proceso de fermentación, destilación y envejecimiento. El broche de

la dirección de Kurt Masur, en la primera

oro es una reserva de más de 80

edición que hicieron para Philips en los años

años. De color ámbar, se presen-

70 del pasado siglo. Hay otras estupendas versiones históricas como la famosa Novena de Bayreuth y el Fidelio con Furtwangler, quien también dirige El Emperador con Edwin Fischer. Los cuatro discos que contienen

ta añejo y suavemente amaderado al olfato, y afrutado y elegante al paladar. Con estructura, cuerpo, firmeza pero manteniendo una tersura y suavidad típica de

Sonatas para piano se los reparten Schnabel,

los rones de esta casa. Condensa

Gieseking, Yves Nat y Solomon. Piezas como

la esencia de los rones y tradición

Leonora y Fidelio, sonatas para piano y para violín y piano, cuartetos para cuerdas, se ofrecen en versiones de artistas de la categoría de Arthur Grumiaux, Clara Haskil, o

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Su producción es limitada y es

Guarneri Quartet. ML

de esa hacienda.


Dior, la colección Christal Estos relojes encuentran un balance ideal, un brillo

Home theater LG HT304

modernista que transmite la seguridad y practicidad de

Un sonido limpio, de claros

quien, según John Galliano, es “la musa de los tiempos

agudos y potentes bajos, sin

modernos”: la mujer actual para quien el tiempo es su

ruido, que no interfiera en

principal antagonista y principal aliado. Sybille Fritz,

los momentos más íntimos

representante de la línea de relojes Christal para Lati-

o que reverbere en los más

noamérica, dijo que ésta es una de las propuestas más

emocionantes, fue el objetivo

atrevidas de Galliano para Dior, por lo vanguardista de

de LG al desarrollar el sistema

sus materiales y su diseño. Nos explica Sybille: «la idea

LG HT304 para los teatros ca-

genial de John Galliano era hacer un reloj muy innovador

seros. Las cornetas redondas

en el uso de los materiales, que tuviese una fuerza casi

emiten un sistema de audio

masculina y que al mismo tiempo fuese muy femenino,

oval que permite, casi, estar en

muy elegante, muy Dior. Tenía la intención de usar el

vivo en un concierto o experi-

cristal de zafiro de manera decorativa, pero Galliano cortó

mentar los efectos de sonido

el cristal de manera que tuviese más luz, como una joya.

con gran realismo. Cuenta

El resultado es un reloj muy sólido que no se puede rayar,

con un procesador digital,

que se ve muy bien. Ninguna otra marca hoy utiliza el

con subwoofers al lado de las

cristal de zafiro de esta manera». Entre los rasgos típicos

cornetas frontales para ofrecer

de Dior que tiene esta colección están: La simetría—en

tonos más profundos y natura-

la que insiste Galliano—y el color rojo, que es uno de los

les. Con respaldo garantizado

tintes representativos de Dior ya que para él éste era «el

de LG por 10 años.

color de la suerte y la felicidad». Pero no todo lo que representa a Dior tiene que ver con el glamour y la belleza. También hay valores que componen los propósitos fundamentales de la firma. «Los valores centrales de Dior son la creatividad, la innovación y el “saber hacer”», reflejado en la calidad de la fabricación y los materiales. Las mejores marcas de relojería se encuentran en Suiza, y allí tenemos nosotros nuestra unidad de producción de relojes». El resto de la colección lo forman diversas opciones en colores y diseños. En color negro, en blanco «especialmente popular en Latinoamérica», en oro, azul, rosado, y grises. Se diseñaron además algunas ediciones limitadas y de colección que se encontrarán en subastas y eventos especiales. Quienes obtengan una de las piezas recibirán un certificado de calidad de los diamantes. En Venezuela se encuentran los relojes de esta colección, en alguno de los cuatro representantes de Dior ubicados en centros comerciales: Tolón, Centro Joyero del Sambil, Millenium y Las Mercedes.

Mesa Noguchi ”Todo es escultura—dijo una vez el escultor y diseñador Isamu Noguchi—cualquier material, cualquier idea sin estorbos nacida en el espacio, la considero escultura”. Y es que Noguchi creía que la tarea de un escultor era la de imprimirle forma al espacio, darle orden y significado. Esta sencilla mesa hecha con dos asimétricas y orgánicas pieza de madera y un cristal grueso de tres cuartos de pulgada posee un balance tan delicado y soprendente que se ha convertido en un clásico. Diseñada en 1948; desde entonces ha sido un elemento frecuente en los ambientes modernos decorados al estilo de los años 50. La mesa es fabricada por Herman Miller y distribuida en Venezuela por Capuy.

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Ahora, caballeros, quizá sea hora de preguntar si soy real o de ficción. Sin embargo no lo voy a hacer, creo que sería demasiado fácil. Bien, entonces mi tierra natal es la jungla, ¿cierto? Visité América, pero no fue para mí una visita casual, lo cual parece implicar que otro sí que lo fue. Cuando viajé desde la jungla hasta América…¿lo hice en barco?

COMANDANTE KING KONG

lista platinum

regalos Malditos bastardos, el guión (2009) Quentin Tarantino Caracas: Reservoir Books, Mondadori 160 pp Se trata del guión de la película que ha sido catalogada por la crítica como la mejor de este polémico y muy particular director y guionista norteamericano. Shoshanna Dreyfus, una joven judía a quien los nazis asesinan a su familia, tomará venganza algún tiempo después con la ayuda de una pandilla de soldados judeoamericanos dirigidos por el charlatán Aldo Raine, que nos recuerdan a los miembros de The Wild Bunch (1969) de Sam Peckinpah. La acción (el momento de la venganza)—con mucha violencia—ocurrirá en el momento menos esperado.

Calendario Pirelli, Naturaleza femenina La edición 2010 del este calendario sido definida como una pieza “absolutamente original, con una tradición consolidada, y capaz de volver a descubrir el encanto de la feminidad al natural”. Este año, el provocativo Terry Richardson, autor de las treinta fotos que componen el calendario, escogió las selvas y playas de Brasil como locación. El fotógrafo describe su talento como “la ausencia de técnica: el lente de la cámara es mi ojo, mi carisma, mi habilidad para capturar el momento”. En este caso, utiliza su técnica para hacer un homenaje a los calendarios de los años sesenta de Roberto Freeman, Brian Duffy y Harry Peccinotti. Entre las hermosas mujeres que protagonizan las fotos están Ana Beatriz Barros, Daisy Lowe, Lily Cole y Rosie Huntington.

Tequila Patrón añejo, agave ultrapremium Está catalogado como un tequila ultra premium y ha sido merecedor de importantes reconocimientos internacionales. Esta variedad es añejada durante un período mínimo de 12 meses en barricas de roble blanco. Es el favorito de los

Bvlgari, Diseños glamorosos

conocedores, posee una deli-

Con más de diez años en el mercado internacional

cada mezcla de tequilas añejos

de lentes, Bulgari se ha establecido como la mejor

y su fino proceso contribuye a

opción para quienes exigen calidad y diseño en

brindarle unas notas suaves,

sus lentes. Con modelos lujosos y modernos,

distinción y carácter extraordi-

como el elegante Parentesi, diseñado para ser

nario, excelente para disfrutar

una joya de uso diario, Bulgari intenta resaltar la

en las rocas con una cáscara de

esencia chic de cada usuario. Estos lentes de sol

piel de limón.

encarnan el glamour cotidiano de la mujer y el hombre que desarrollan su vida en la ciudad.

Schubert: Sonata para piano en La Mayor D.959/ Sonata para piano en Do Mayor D.840. Jonathan Biss Jonathan Biss (1980), se interesa por “el constante estado de evolución de la música”. El programa que interpreta en el Wigmore Hall de Londres integra dos obras lejanas en tiempo y estética, que se funden en un todo sólido y compacto; dos piezas breves de lectura atenta y sentida. Lo interesante de este maridaje es que demuestra que no todo está dicho en el mundo de la música culta y del disco, pues relaciona al romántico vienés del siglo XIX con la obra de György Kurtág del siglo anterior y a su propio y desprejuiciado siglo XXI. Una

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propuesta atractiva, vitalista y sensible. ML


exposiciones

twiggy

A life in photographs

L

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os íconos de belleza y juventud no debieran envejecer grácilmente sino más bien vivir muy deprisa y morir antes que las marcas del tiempo sean notorias y lacerantes. O vivir eternamente jóvenes, como ese personaje de Wilde, Dorian Gray, que no envejecía aunque lo hiciera su alter ego, un enigmático retrato. Pero ninguno de los dos es el caso de Lesley Hornby Lawson, alias Twiggy, una de las más grandes supermodelos de todos los tiempos, quien cumplió sesenta años el pasado 19 de septiembre, todavía lozana, alegre y recorriendo las pasarelas para la cadena de tiendas por departamento Marks & Spencer, además de ser objeto de grandes homenajes, como la edición de libros y una exhibición fotográfica en la prestigiosa National Portrait Gallery de Londres. En los años cincuenta la mujer deseada tenía grandes senos, labios encarnados y curvas prominentes, el ideal de la “Pin Up” era muy femenino, voluptuoso y sensual como Jayne Mansfield, Bettie Page o Marilyn Monroe, todas muy lejos de las delgadas piernas, caderas estrechas y los pechos planos de la modelo británica Twiggy (la ramita), quien hizo su aparición en los sesenta para transformar por completo el ideal de belleza femenino. Apenas cuarenta kilos de peso y 1,67 metros de altura que se convirtieron en un ícono para toda una generación y ejemplo a seguir para las siguientes. Twiggy tenía una imagen muy particular con sus grandes ojos redondos muy maquillados, remarcados con pestañas postizas, el pelo rubio platino,

Twiggy,

ícono perdurable de belleza y jovialidad

Manuel Lebón

© ronald traeger

National Portrait Gallery, Londres Del 19 sep 2009 al 21 marzo 2010

muy corto, a lo garçon, engominado y con raya a un lado, a lo que se unió su singular estilo de vestir con diminutas minifaldas de Mary Quant, grandes anteojos y medias a rayas de llamativos colores a la altura de las rodillas. “Twiggy destruyó el precedente ideal femenino de la belleza con un físico delgado y adolescente, algo andrógino, y un toque callejero que era un activo repudio al aspecto de dama sofisticada de los años cincuenta” explica Kohle Yohannan, co-autor del libro The Model as Muse (La Modelo como Musa), Ciertamente Lesley fue una de las musas que encabezaron la revuelta adolescente del alegre Swinging London, como lo confirma otra de sus protagonistas, la diseñadora de modas Mary Quant, quien así se expresó de la imperecedera “ramitas” en el diario Daily Mail: “Twiggy

Twiggy 1967

llegó a escena como ninguna otra modelo antes o después, con su delgada y pequeña figura y un encanto extraordinario que fascinó a todo el mundo. Twiggy es una modelo maravillosa y única que puede bailar como un sueño. Ha sido fresca y brillante desde el primer día y por eso permanecerá con nosotros para siempre”. La recién inaugurada exposición de la National Portrait Gallery, titulada A Life in Photographs, ha sido tratada como un evento muy importante para la galería londinense, y muestra fotos famosas de la sencilla hija de un carpintero del barrio periférico de Neasden que alcanzó la fama con apenas 16 años, con el corte de Leonard, y las fotos profesionales de Barry Lategan.


twiggy

primera vez que concedió una. “Cualquier agencia de modelos me hubiera rechazado, medía 1,68 y era demasiado flaca, pero de pronto todos tenían que ser jóvenes, era lo que se llevaba en esos tiempos, y los diseñadores necesitaban modelos jóvenes” La modelo más popular de los años sesenta se retiró sorpresivamente del modelaje apenas cuatro años después de iniciado, trabajando en el mundo del espectáculo y desarrollando distintas facetas. Con tan sólo veinte años quiso interrumpir su carrera en el mundo de la moda y llegó a decir que “las modelos tienen fama de tontas, por eso pensé que me tomarían más en serio como actriz”. Fiel a su precoz decisión, la diva también incursiona en la televisión: en Inglaterra fue anfitriona de dos programas con su nombre y en Estados Unidos fue co-protagonista de una telenovela de corta vida; interpretó a Eliza Doolittle en una versión de Pygmalion en 1981 para la BBC y hoy en día participa en el reality show America’s Next Top Model. En su faceta como cantante realiza numerosas grabaciones que le hacen merecedora de varios premios, incluso, de un disco de plata. En 1983, junto con Tommy Tune, su consorte en El Novio, asombra al público con el musical “My One and Only”, una versión cálida y nostálgica del clásico de Gershwin Funny Face. Esta polifacética mujer ha grabado varios discos de música y ha escrito varios libros, entre los que se encuentra su autobiografía, Twiggy en blanco y negro. Twiggy siempre ha sabido sacar partido de su fama: se vendieron muñecas fabricadas por Mattel que reproducían a escala su físico y cara, promocionó una línea cosmética con su nombre y recientemente sacó a la venta una línea de aromaterapia. Su estilo de vida muy propio del jet set bohemio llevó a Louis Vuitton a crearle en 1967 una cartera especial, la

Papillon bag, que con su aspecto cilíndrico y poco peso se hizo ideal para una modelo de vida trajinada, siendo hasta el día de hoy un modelo muy popular de la casa francesa. Durante los años noventa, Twiggy quiso salir de su retiro como modelo, y su imagen adulta fue captada por el lente de John Fwanel y Annie Leibovitz, prestando en años recientes su rostro a la cadena de grandes almacenes Marks & Spencer. El legado de Lesley “Twiggy” Lawson, continúa teniendo peso en el

© bryan adams

“Durante mi carrera, tuve el privilegio de haber trabajado con muchos fotógrafos grandiosos”, dijo ella misma en una entrevista. Fotógrafos entre los que se encuentran Cecil Beaton, Richard Avedon, Linda McCartney o Bryan Adams. “Estoy encantada de ver juntos muchos de estos retratos en la National Portrait Gallery y en mi nuevo libro”, declaró emocionada la modelo, quien alardea de ser hoy día “una mujer casada y aburrida”. La muestra se acompaña con la presentación de una biografía fotográfica también llamada Twiggy: A Life in Photographs, con interesantes ensayos sobre la relación de Twiggy con diversos artistas del lente. “Es realmente interesante ver cómo la fotografía de moda y el arte del retrato han evolucionado durante mi carrera”, dijo la modelo, quien también incursionó en el ámbito del teatro y el cine. Ha actuado en una veintena de películas, ganó dos premios Globos de Oro por su actuación en la cinta El novio (1971), y fue nominada a un Premio Tony por el musical My one and only. En 1988 trabaja como actriz de reparto en Madame Sousatzka junto al que luego sería su esposo, el actor Leigh Lawson. Interpretaría después otros papeles en cine y televisión, aunque nunca la gente dejó de asociarla con una grácil top model. Ante el despliegue fotográfico, Barry Lategan afirmó que las fotografías de Twiggy “son famosas en todo el mundo y estoy fascinado por el hecho de que ella haya mantenido su elegancia y pose a través de las décadas". Las imágenes de Lategan fueron vistas en una peluquería por Deirdre McSharry, editora de modas del periódico Daily Express, quien al poco tiempo escribió un reportaje dispuesto en dos páginas centrales titulado “Twiggy: la cara del 66", el cual desataría el boom Twiggy en Gran Bretaña. A los tres meses de este suceso, la joven modelo llegó a París y un año más tarde a los Estados Unidos, donde logró protagonizar la portada de la biblia de la moda, Vogue, y recorrer las pasarelas más reputadas. “Me hice popular porque personificaba la imagen de la época” recuerda la primera top model universal. El éxito llegó tan rápido que la chica con acento “cockney” no sabía exactamente qué era una entrevista la

exposiciones

Twiggy 2000

mundo de la moda actual, en el que las mujeres escuálidas son la regla y no la excepción —el “estilo Twiggy” ha sido revivido por la británica Kate Moss y la francesa Audrey Marnay, que aparte de ser mujeres de poco peso, tampoco sobrepasan los 1,70 metros de altura. Este mutable ícono de la moda llegó a odiar en una época su delgado aspecto, que muchos considerarían anoréxico, pero con el tiempo ha aceptado que Twiggy vivirá para siempre. “Es otra persona a la cual he aprendido a querer. Haga lo que haga, ella siempre aparece. Dios la bendiga, tengo mucho que agradecerle”. •

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Roberto, que leía a Capote en el lobby de un hotel, a las cinco de la tarde de un lunes, había tenido déjà vu en el pasado. Pero éste era demasiado raro. Tuvo impresión de que ya había escuchado esas palabras. Pero no por haberlas leído o haber visto la película. Sino, más bien, por haber vivido esa escena, esa misma conversación con Holly, esas mismas palabras, como si fuese su amigo. Pero Holly era un personaje de ficción. Lo que convertía su déjà vu en algo más que una curiosa sensación…¿un portal a otro mundo? Miró su reloj, tenía más de 30 minutos esperando y no se había dado cuenta, era como si flotara en esa silla casi invisible. Otras experiencias lo habían transportado a poco a otro mundo, pero no eran déjà vu. LD

“You know those days when you’ve got the mean reds?” “Same as the blues?” “No, she said slowly”. “No, the blues are because you’re getting fat or maybe it’s been raining too long. You’re sad, that’s all. But the mean reds are horrible. You are afraid and you sweat like hell, but you don’t know what you are afraid of. Except something bad is going to happen, only you don’t know what it is. You’ve had that feeling?” (Conversación entre Holly Golightly y Paul Varjak en Breakfast at Tiffany´s, Truman Capote)

lista platinum

regalos Bill Amberg y la editorial Penguin Books, clásicos contemporáneos El diseñador británico Bill Amberg ha creado para esta editorial una colección de seis clásicos exquisitamente encuadernados en piel: The Great Gatsby de Francis Scott Fitzgerald, Breakfast at Tiffany’s de Truman Capote, The Big Sleep de Raymond Chandler, A Room With a View de E.M. Forster, The Picture of Dorian Gray de Oscar Wilde y Brideshead Revisited de Evelyn Vaugh. Los libros son para llevarlos consigo, viajarlos y releerlos, hacer que la piel se adapte a los contornos de las páginas y a la mano del lector, para hacer memoria. Además, cada libro tiene al final páginas de notas para que los lectores puedan escribir lo que se les venga a la mente sobre lo leído. Los recomendamos como libros-objeto.

Rolex Submariner, pasión por innovar Fabricado con una caja hermética hasta 300 metros, con un bisel giratorio unidireccional de oro amarillo de 18 quilates, esta edición especial del Oyster Perpetual Submariner Date Rolesor, seguirá siendo el modelo preferido en el mundo del buceo. Lo hacen ideal para este deporte su cronómetro certificado por el Control Oficial Suizo de Cronómetros (COSC) y su resistencia a los golpes y campos magnéticos.

Eve de Cassina, minimalismo extremo Un objetivo extremo de una silla podría ser su invisibilidad sin perder su funcionalidad. La silla Eve de Cassina, diseñada por el arquitecto y diseñador Piero Lissoni, sin llegar a ese extremo, es 100 por ciento funcional y de un minimalismo que raya en lo invisible. Fabricada en marco de aluminio o madera, y asiento y respaldar de cuero, define un concepto de minimalismo que se expresa en su impresionante delgadez y en no mostrar costuras. Para Cassina, la sobriedad y forma de esta silla la hacen versátil y susceptible de ser usada en múltiples ambientes y con múltiples propósitos. En Venezuela es distribuida por Capuy.

Johnnie Walker Blue Label King George V Este año se produjeron 7.200 unidades de la edición limitada Johnnie Walker Blue Label King George V. De éstas, sólo llegaron a Venezuela 350. Este blend de los whiskies más excepcionales de la Casa Johnnie Walker celebra la primera Orden Real, otorgada en 1934 a John Walker & Sons. Es el producto de la mezcla de raros y aromáticos whiskies provenientes de destilerías que estaban en operación durante el reinado del Rey George V. Se destaca el whisky de malta de la región Islay, Port Ellen. Éste impone una seria limitación a la fabricación de este blend dado que la destilería ya no se encuentra activa. Cada botella es numerada y presentada en un decantador de cristal, colocada en una caja forrada en seda, donde reposa sobre una vitrina removible. Se expende con

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certificado de autenticidad.


“¿Qué quería decir Alejandro Otero con eso de que la luz era una constante para Reverón? La luz es constante sólo como límite máximo de velocidad en el continuo espacio-tiempo, al menos eso dijo Einstein”, le replica Manuela a Rodolfo, su papá, que le había recitado de memoria una frase que había leído la noche anterior en Memoria crítica. “Todo lo demás es relativo, la distancia, el tiempo, la velocidad. Pero en la vida nos inventamos lo constante, sino cómo viviríamos. ¿Qué cosas son constantes para ti papá? ¿La velocidad a la que pasa el tiempo (y al decirlo mira su reloj para ver si se le ha hecho tarde)?” Rodolfo se queda pensativo mirando los ojos oscuros de su hija; se bebe un trago de escocés, la invita a ella a hacer lo mismo con los ojos, y se sonríe. Recuerda una noche meses atrás cuando toda su vida se hizo relativa por unas horas; más bien todo en su vida. Se lo quiere contar a Manuela. LD

“Reverón edifica, en la luz y con ella (sombra o penumbra, que es lo mismo), más allá del instante, de los cambios fenoménicos. La luz es para él una constante, un clima que se apacigua a veces, pero sin variación sustancial. (p. 250)

lista platinum

regalos Memoria Crítica (2008) Alejandro Otero Caracas. Artesanogroup Editores 752 pp Constitiuye una impresionante reedición, corregida, ilustrada y ampliada de una primera edición de este libro publicado por Monte Ávila Editores que contó con el apoyo de Luis Migue La Corte y Rafael Romero en 1993. Ofrece un compendio de la reflexión que realiza Otero sobre su propia obra y sobre los temas de arte que más lo preocupaban o llamaban su atención. La profusión de ilustraciones y lo completo de la lista de textos recogidos lo convierten en una joya para los lectores interesados en el arte y para los artistas.

Chivas Regal 25, redefinición del lujo escocés En 1909, se lanzó en Nueva York el blend Chivas Regal 25 años para enamorar los sofisticados paladares de la alta sociedad neoyorquina. El producto fue un éxito total y su venta superó todos los pronósticos. Un siglo más tarde, una reedición de este producto se relanzó en Venezuela. Esta vez, la mezcla fue la responsabilidad de Colin Scott, Master Blender de la Casa Chivas Regal. Su meta fue: “Crear un whisky que redefina la palabra lujo, tal cual como lo hizo Chivas Regal hace un siglo atrás.” Cada uno de los whiskies seleccionados para este blend tiene su propio y distintivo carácter, y ha sido madurado por lo menos durante 25 años; se destaca la malta de Strathisla como el whisky que le da corazón. Una obra maestra llena de una suntuosa complejidad.

Multipot, luz que ordena Fue la primera lámpara multifuncional de la casa Rotaliana. Diseñada por Dante Donegani y Giovanni Lauda, esta lámpara con forma de matero no sólo proyecta una luz suave, gracias a sus bombillos LED, sino que además sirve como regleta (dentro de la tapa tiene cinco enchufes) y como contenedor de cables y objetos. Con el Multipot, la maraña de cables debajo de las mesas desaparece y se convierte en un objeto de diseño. Es la combinación de organización, arte e iluminación en un solo cuerpo.

Alpina Extreme Diver 1000m, Moda para el deporte submarino Combina lo sofisticado y lo deportivo. La máquina esta integrada en una caja de acero de 48 mm y las agujas de la esfera en zafiro son altamente legibles gracias a un revestimiento luminiscente. Tiene las características técnicas de un reloj de submarinismo, además de un diseño a la moda. Viene en cuatro

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colores, amarillo, azul, naranja y negro.


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Marruecos

Cuatro ciudades imperiales y un jardín Manuel Lebón

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na leyenda árabe dice que la Tierra solía ser un paraíso terrenal y enorme jardín donde crecían lujuriosas palmeras, fragantes jazmines, enormes huertos, hermosas rosas y flores, donde habitaban seres humanos sinceros y honestos. Tan honestos y puros que nadie había dicho una mentira alguna vez pero con el tiempo, una persona dijo una mentira insignificante que bastó para arruinar ese Edén. Allah tomó cartas en el asunto y reunió a los hombres para decirles que cada vez que dijeran una mentira, Él lan-

zaría desde el cielo un grano de arena en el mundo. Los hombres se encogieron de hombros y les pareció tan poca cosa un minúsculo grano de arena que no se preocuparon en demasía, pero pasaron los siglos y se formó el inmenso desierto del Sahara. Solo aquí y allá quedaron trozos dispersos de ese bucólico Jardín del Edén porque no todos los hombres son mentirosos. Marruecos quizás forma parte de esos restos del jardín divino puesto que un tercio de su superficie son jardines, otro tercio desierto, y el resto enormes montañas que conforman un singular rincón del Magreb (la tierra del sol poniente en árabe, región que incluye Túnez y Argelia).

Al volar desde Barcelona, bordeando la costa del Levante hispano y luego atisbando las blancas cimas de la Sierra Nevada de Granada, se cruza rápido el calmo estrecho de Gibraltar y enseguida se observa cómo remonta la montañosa costa norte de Marruecos, donde la imponente cordillera del Rif alberga una indomable casta bereber que nunca pudieron doblegar emperadores romanos, sultanes árabes o conquistadores europeos. Se llaman a sí mismos Imazaghen, los hombres nobles y libres y representan el 60 por ciento de la población del Reino de Marruecos, que los trata como minoría cultural al emplear el árabe como idioma oficial. Sin embargo, lo más llamativo de esta nación está inextricablemente unido a la cultural bereber, plena de misticismo, magia y la presencia permanente de espíritus o djinns. Altas cimas rocosas cubiertas apenas de nieve y bordeadas de densos bosques de cedros y pinos, cobijan los pueblitos encalados del Rif, llenos de huertos y encanto como el célebre Chefchauen; a estas míticas montañas les suceden llanuras ondulantes que preceden a las otras tres cadenas montañosas (Medio, Alto y Anti-Atlas) antes de sumergirse en el vasto desierto creado por la impiedad humana.

© sue icellerman

Tenerías en Fez


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© christine vaufrey

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Rincones ciudad de Fez

Un trozo vivo del islam medieval

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A unos trescientos kilómetros de la costa mediterránea y rodeada de feraces campos de trigo, naranjales y centenarios olivares se yergue Fez, una de las cuatro ciudades imperiales del reino norafricano y la más antigua, culta y auténtica de todas. En 1976, Fez fue considerada Patrimonio Mundial por la UNESCO ya que sus murallas encierran algunos de los más bellos edificios de todo Marruecos, ya sean palacios, medersas (escuelas), fuentes o mezquitas. Dotada de un bonito aeropuerto, ubicado en una alejada zona casi despoblada y cuyo airoso terminal de piedra color caramelo recuerda las florituras del arte islámico, uno llega a Fez a través de su anodina Ciudad Nueva, levantada en su mayor parte por los ocupantes franceses, donde abundan edificios de altura media y paseos cubiertos de palmeras y saltarinas fuentes que aglomeran a paseantes y turistas. Desde allí, se deben

cruzar largas avenidas hasta Fez el Djedid (la Nueva), levantada por la dinastía Merinida en el siglo XIII, fuera de los muros de la ciudad original y donde había espacio para construir sus amplios palacios con jardines y nuevos zocos. Esta zona la domina el imponente Palacio Real, de puertas doradas e idílicos jardines, de los que se dice son los mejores del país pero que solo pueden ser disfrutados por la corte del monarca Mohamed VI. La Ciudad Antigua, Fez el Bali, se despliega como una densa telaraña urbana blanca y mostaza en una hondonada con 1.200 años de historia. Es la ciudad medieval más grande que subsiste en el orbe, y esconde entre sus laberínticas calles secretos de historias antiguas y de tres reinados que la convirtieron en capital de: Idriss II en el año 808; de los Merínidas en el siglo XIII; y de Moulay Abdallah en el siglo XIX. Para encontrarse con Fez lo mejor es observarla primero desde uno de sus


Mujer con velo

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Marruecos

© steve evans

tantos miradores, algunos situados en baluartes defensivos bordeados de ruinosas murallas de adobe. Otro punto estratégico es Ain Azliten, uno de los barrios históricos,localizados al borde de la medina y que ahora está de moda porque aloja numerosos Ryads (o posadas estilo bed & breakfast) situados en oscuras callejuelas de altos muros cuyas hermosas puertas —con aplicaciones labradas en bronce— se abren para develar palacetes antiguos que son verdaderas maravillas de la arquitectura árabe-andaluza, con molduras de estuco, azulejos, coloridos vitrales, lámparas de bronce o latón, patios, fuentes y jardines. Desde las terrazas de estas residencias nobiliarias, las tapias de las casas de la medina parecen sacadas de tiempos bíblicos. El color arena de las apiñadas fachadas apenas si deja imaginar el bullicio de las casi 10 mil callejuelas que las separan, y sus tejados (cuyas antenas de televisión son lo único que nos recuerda que estamos en el siglo XXI) se atreven a competir en altura con las cúpulas y minaretes de la Ciudad Antigua. Investigando para mi viaje había leído que era muy probable y hasta deseable perderse del Fez medieval y esto ocurriría con notable frecuencia al cruzar la imponente puerta de tres arcos Bab Boujeloud, que aunque es de 1913, entona perfectamente con edificaciones casi milenarias, por su estilo hispano-morisco y por estar

Baraka y magia artesanal

© bachmont

La belleza y calidad de la artesanía marroquí pueden admirarse por todo Marruecos, pero sobre todo en antiguas medinas como la de Fez. Allí se pueden encontrar objetos de artesanía enormemente elaborados y refinados, como piezas de mobiliario de madera tallada o taraceada como las cajitas de aromático cedro al estilo Tintorero; cerámicas en forma de vasijas, baldosas y azulejos de mosaicos zellig; objetos de bronce y latón como las bellas lámparas de vidrios de colores, o vasijas con incrustaciones de plata (el damasquinado de Meknes); calzados de cuero y coloridas prendas de vestir (chilabas, caftanes, jabadors); bolsos, mochilas y objetos de cuero curtido de manera muy artesanal e intensos colores. Las alfombras son un capítulo aparte por ser el producto más emblemático del artesanado local y las hay de muchos tipos, dependiendo en la zona donde se produzcan, hechas de lana o de otros tejidos como los livianos Kilim y es casi inevitable adquirir una, por más resistencia que se haga a los insistentes comerciantes de estos suntuosos tapetes, manufacturados en su mayoría por laboriosas mujeres en locaciones oscuras y opresivas. La mujer bereber sin embargo, es la gran protagonista y responsable de una singular joyería cargada de una excepcional simbología sobre sus costumbres. La joya actúa como un objeto cargado de baraka, término que tiene muchos significados en Marruecos, pero que designa principalmente la fuerza positiva de los santos y de las hermandades sufíes: la fe religiosa del artesano y su creencia en lo sobrenatural están intrínsecamente conectadas con los objetos que produce y la sola presencia del baraka carga a peculiares amuletos y talismanes que contienen remedios mágicos como plata, sal, azafrán, semillas de clavo, ámbar, coral, vidrio, nácar o turquesa; y son modelados con formas dotadas de poderes como cuernos, ojos, pata de chacal, serpientes, estrellas de David o de ocho puntas, la media luna, círculos, cruces, cuadrados, estrellas, disco solar, triángulos, conchas, números o cuadrados mágicos cabalísticos. La popular mano o chamsa es un especial símbolo de la creatividad humana y con grandes propiedades protectoras contra las fuerzas malignas. Se busca el baraka como una manera de tratar a las fuerzas oscuras, para curar la enfermedad y para echar fuera al djoun (fuerzas malignas y el mal de ojo). La mayoría de los marroquíes no quieren hablar abiertamente del djoun y para referirse a ello prefieren hablar de los otros. pág 65


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Arco de Triunfo,

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Volubilis

Músico tocando

© ahron de leeuw

el guimbri

Caballerizas del Sultán Moulay Ismail, Meknes

Trance sacro y musical En Marruecos la música inunda la vida cotidiana y en los restaurantes aparecen pequeños grupos de inspiración andalusí; en los mercadillos y callejuelas nos topamos a menudo con músicos o danzantes de llamativas vestimentas con sus alegres panderos y el omnipresente canto chaabi . La música Bereber es el folklore más antiguo del país que impregna el ámbito rural con cantos y danzas ejecutados por grupos comunales, casi siempre acompañados de panderos y palmas. Las montañas del Rif son ricas en ancestral música bereber y allí se hizo famoso mundialmente el sonido pagano e hipnótico de los Maestros Músicos de Jajouka y su líder Bachir Attar, especialmente desde que los visitaran escritores como Paul Bowles, Brion Gysin, Robert Palmer y William Burroughs, y el músico Brian Jones de los Rolling Stones, quien les editó un disco en 1971. Al sur de Marrakech se conserva una música de trance animista que proviene de antiguas ceremonias de esclavos guineanos que fueron llevados allí en el siglo XVII, los Gnaua. Su ejecución emplea el sonido grave y profundo del guimbri, instrumento de cuerda, resaltado luego por las cárcabas, especie de castañuelas metálicas, en lo que parece un tren imparable sobre el que lanzan sus plegarias y frases a coro. Igual de hipnótico es el éxtasis místico de las cofradías religiosas que se enmarcan en diversas hermandades, algunas impregnadas de la espiritualidad sufí que recitan alabanzas en coros envolventes y donde destacan aquellas fundidas con ritos bereberes de percusiones ensordecedoras, como las cofradías aisawa o jilala. En un reino tan musical hay diversos encuentros de importancia internacional, promocionados oficialmente, en especial el Festival de Músicas Sagradas de Fez, que va por su décimo quinta edición —se celebra a finales de mayo— o el Festival Gnaua de Esahuira y otros importantes en Asilah, Tánger y Rabat. Eligiendo como tema “El árbol de vida”, la decimoquinta edición del Festival de Fez tuvo entre sus locaciones la histórica plaza de Bab Al Makina bordeada de altas murallas, torres y sitios de la ciudad antigua como el apacible Museo Batha y jardines cercanos dispuestos para escenificar las exaltadas veladas nocturnas de música Sufí de artistas como Abdellah El Yaakcubi o El Haj Mohammed Bennis. Durante dos semanas se realizó la cita musical con invitados de renombre como Paulette Wright (Estados Unidos), Souad Massi (Argelia/Francia) y el Zabit Nabizdé Trio (Azerbaiyán). La brillante participación de las cofradías Aisawas, Hmadcha y Ahl Tuat de Fez y el genial artista maliense Touami Diabaté cerraron con magia el evento ante miles de espectadores. pág 66

© WGGYfrog

recubierta de los característicos azulejos ultramarinos típicos en esta ciudad. Hay otras tres puertas principales de la Ciudad Antigua: la cántrica Bab er Rsif, Bab Ftouh, situada al sureste, al fondo del barrio andaluz, y Bab Guissa, al norte, en lo alto de la ciudad y junto al hotel Palais Jamai. La medina se organiza por zocos o mercados (como por ejemplo los de los latoneros, los alfareros, los curtidores, los tejedores o los famosos tintoreros); vendedores de usos cotidianos (algodón, seda, babuchas, orfebrería, frutos secos, aceitunas, pasteles), casas de té, hammans, museos, mezquitas, medersas, y fuentes. La mezquita Karaouiyine es una de las más ilustres y antiguas del mundo y como universidad ha sido de enorme re-


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© george swann

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Ciudad de Moulay Idriss

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levancia, siendo educados allí personajes como el Papa Silvestre II (909-1003). Entre la madeja de calles en descenso destacan Talaa Kebira (la gran cuesta) y Talaa Seguira (la pequeña cuesta), dos estrechas vías que se la pasan repletas de vendedores ambulantes, turistas, falsos guías, burros, carretillas y hasta pequeños vehículos de carga. De allí se ramifican en cientos de callejuelas sombrías, auténticas e inquietantes, que se dividen sin cesar. Se han contado más de mil “derbs”, o callejones sin salida en la ciudad.

El palacio del Drácula árabe

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Dejando Fez en dirección a la costa Atlántica, y a medio camino de Rabat, la actual capital marroquí, nos topamos con la segunda urbe imperial, Meknes. Vista de lejos, esta ciudad parece una larga serpiente debido a los 25 kilómetros de alta muralla que rodean la ciu-

dad antigua. En medio de verdes colinas donde abundan los olivos, naranjales y se cosechan uvas para producir vinos tintos de gran calidad (Sidi Larbi, Gheromane o Sidi Bouhai), Meknes tiene un casco moderno lleno de edificios acristalados muy contrastante con el afrancesado Fez colonial pero su antiguo centro guarda la historia de un esfuerzo titánico por parte del cruel y excepcional sultán Moulay Ismail (1672-1727). Este monarca tenía profunda envidia del Luis XIV, el Rey Sol, y detestaba a los ciudadanos de Fez. Esto motivó su decisión de construir un enorme palacio en este antiguo destacamento militar y además, convirtió en capital, en 1672, el lugar donde había sido éste erigido, usando para su colosal obra, la mano de obra esclava y las piedras de la cercana ciudad romana de Volúbilis. Adicionalmente, se sabe que legalizó la piratería en las costas de su reino para obtener más dinero para concluir su gran obra. La vasta ciudadela real, Dar Kebira, era digna de un faraón. En ella residían 25 mil esclavos, un ejército de 30 mil reclutas negros, quinientas concubinas y 12 mil caballos en enormes caballerizas que hoy yacen derruidas; un complejo tan enorme que es mejor recorrerlo en una de las simpáticas carretas tiradas por caballos en un trayecto que se hace en media hora. En los altos muros de su ciudadela, Moulay Ismail solía colocar cientos de cabezas decapitadas de sus enemigos; sus excesos fueron usados en Europa como propaganda para incitar la invasión colonial del país. El británico John Windus escri-

bió sobre el malvado sultán que éste era “un hombre del color de la muerte” pero sus sueños de grandeza apenas sobreviven hoy día porque un devastador terremoto ocurrido en 1755 impidió que se concluyera la “Versalles de Marruecos.”

Ecos de un imperio desaparecido A los pies del boscoso monte Jbel Zerhoun, una bucólica y sinuosa carretera bordeada de miles de olivos y puestos de vendedores de flores, trozos de minerales e inclusive fósiles, conduce a la población de Mulay Idriss, donde se halla enterrado el fundador de Fez, quien construyó una mezquita en el año 810. Éste es hoy día un lugar santo sujeto a contínuo peregrinaje. La escritora Edith Wharton describió con gran vigencia la población hace un siglo, diciendo que: “Mulay Idriss, estaba tan blanca aquella tarde como si su plaza con todos sus soportales hubiera sido excavada en un inmenso queso para untar. Los últimos rayos del sol caían como hojas de oro sobre uno de los lados de la plaza, y el otro se hallaba en una sombra de purísimo azul. Por encima de ella, los tejados abarrotados y las terrazas y los balcones llenos de mujeres con vestidos de colores parecían un campo de flores junto a una cantera de mármol.” Desde la blanca Mulay Idriss se domina la vista a un valle que cobija el sueño de la antigua Volúbilis, la mayor urbe romana (cubre unas veinte hectáreas), fundada por los cartagineses en el siglo III a.C. y que se cree que en alguna época formó parte del reino de Mauritania.


© sue kellerman

tanques sagrados donde figuras marinas en los mosaicos están dedicadas al culto de Afrodita; otras a Orfeo y Hércules; altares y bancos primorosamente labrados en mármoles níveos que nos dan una idea de una ciudad en un bello emplazamiento que se puede observar desde el nuevo y futurista centro de visitantes.

Ciudad verde, ciudad roja Rabat, la capital administrativa del reino de Marruecos, es conocida como la ciudad de los jardines y durante el protectorado fran-

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cés se convirtió en un laboratorio urbano lleno de edificaciones coloniales que contrastan con el Fez medieval, a no ser por algunos importantes muros antiguos, la medina del poblado de Salé o la inacabada mezquita del sultán Yacoub El Mansour, con su enorme torre de 44 metros. Más sorpresas depara la última capital imperial, Marrakech, conocida como la ciudad roja, todo un símbolo de un país cuyo nombre deriva de esta urbe al pie del Atlas, la más importante tras Rabat y Casablanca y bastión de la cultura bereber. Punto de encuentro entre el África subsahariana y el África árabe, el lujo palaciego de Marrakech es una herencia de la conquista almorávide de España ya que en el siglo XI, el sultán Yusuf bin Tachfin, primero, y después su hijo Alí, dedicaron parte del botín de la conquista de Andalucía a proveer a Marrakech de palacios, baños y mezquitas. De estas últimas la más famosa es la Kutubia o mezquita de los libreros, todo un emblema urbano de 1158 que se puede ver desde casi cualquier parte de la ciudad. El indiscutible corazón de Marrakech es la plaza Yamaa el Fna, un recinto mágico donde pude toparme con templetes de flores, puestos de jugos,

© sue kellerman

Por su belleza y la preservación de sus ruinas ha sido declarada Patrimonio de la Humanidad por UNESCO. El confort civilizatorio romano había sido llevado al corazón del Magreb gracias a la riqueza del trigo y el aceite de oliva, edificando piscinas maravillosas, termas de vapor; patios pavimentados con bellos mosaicos policromos, un mercado grandioso con arcadas de bellas columnas, un capitolio imponente, un arco de triunfo y una basílica. Se puede caminar por horas por las ruinas de esta ciudad y descubrir es-

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Mercado nocturno

©utreen

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©robble's photo art

Tienda en el zoco de las olivas

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tatuajes de henna, encantadores de serpientes y amaestradores de monos, ávidos de dejarse fotografiar a cambio de unas monedas. Otras visitas de rigor son los espléndidos jardines de Menara y el palacio el Badi, este último un capricho del sultán Ahmed el Mansur (siglo XVI) cuyos muros ruinosos cobijan nidos de cigüeña, aves muy respetadas en Marrakech debido a la creencia bereber de que se trata de seres humanos transformados. •

Sabores y especias La gastronomía marroquí es considerada como una de las más sensuales y eminentes del mundo gracias a la riqueza de productos naturales y la mezcla improbable de influencias que la han forjado, incluyendo cocciones bereberes, árabes, moriscas y europeas. Los marroquíes combinan con maestría los sabores dulces y salados en una serie de afamados platos como el couscous, tayine o pastilla donde emplean la sutil utilización de las especias y materias primas de excelente calidad. Para cocinar se usan aceites naturales, como los de oliva y de argán (muy célebre también en cosmética) y las especias habituales son: sal, pimienta, jengibre, cúrcuma, comino, azafrán o pimentón, este último esencial en la gastronomía de Marruecos. Asimismo, los marroquíes prefieren usar plantas aromáticas y hierbas naturales como la albahaca, el perejil, el cilantro verde, la mejorana, la menta, además de la cebolla y el ajo para dar más sabor a sus recetas. El plato más típico y representativo es el Couscous (cuscús), cuyo ingrediente principal es la sémola y con una variedad de combinaciones que incluyen huevo, pollo, cordero o verduras, todo cocinado al vapor en cazuelas de barro, lo que lo hace muy sano. Hay muchos tipos de cuscús, como uno con siete tipos de vegetales y legumbres, el cuscús con escalopes o kourdass o el cuscús azucarado o seffa. El tayine es casi tan popular y está constituido por un guiso de carne o pescado, acompañado de verduras o fruta, servido en el mismo recipiente de barro en el que se prepara, gracias al cual este plato recibe su nombre. Alguna de las recetas de tayine más sofisticadas son elaboradas con pollo, limón confitado y aceitunas; carne de res con ciruelas y sésamo; y algunos de pescado con diferentes hortalizas, abundante aceite y especias picantes. Hay diversos tipos de pan tradicional pero el más grato es el pan Tafarnout o Afanou (pan al horno bereber), ideal para mojarlo en la densa y nutritiva Harira, la sopa nacional del reino, compuesta de legumbres, carne y especias como la pimienta, la canela o el cilantro. Otra delicia es la Pastilla, exquisito plato agridulce de origen andalusí elaborado con finas capas de hojaldre que se rellenan con carne de pichón, especias, miel, azúcar y perfumada canela. Hay innumerables pasteles y dulces que adquirir en calles y locales, como el briouat, que consiste en un hojaldre relleno de almendras y perfumado con agua de rosas; el kaab el ghouzal o “cuerno de gacela”, elaborado con una masa fina y relleno de una mezcla de almendra, canela y agua de azahar; dulces como el fekkas y la bahlawa, cuyos principales ingredientes son las almendras, las nueces, el agua de azahar, la miel y el sésamo. El té es la bebida más habitual y puede acompañarse de otras hierbas como la mejorana, el geranio o el azahar, pero el té a la menta es todo un símbolo de hospitalidad que por buena educación se debe aceptar siempre que se ofrezca.


Precisamente eso quería provocar Manuela. Un reencuentro con Diego a quien no veía desde que se fue a Barcelona. Él amaba la música de Coldplay; aun recuerda perfectamente aquel concierto en el Madison Square Garden, en New York, antes de separarse. “Lo tengo grabado en mi celular”, pensó, y ahora, cuando nos volvamos a ver en casa de Javier, le preguntaré si quiere una copia. Y sintió que decirle eso sería como jalar un gatillo y disparar una bala hacia un blanco en la oscuridad. LD

¿No habré mezclado demasiado mis sueños con la realidad? ¿Tendré derecho a repetir tanta emoción y dicha si hay una próxima vez? La idea de un reencuentro me provoca un cosquilleo en el reloj.

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Nokia 5530 Xpress Music, música to take away Este celular con pantalla táctil está diseñado para almacenar, reproducir, compartir y llevar la música a los lugares más remotos. Sus altavoces estéreos reproducen el sonido con alta calidad y la pantalla táctil de 2,9 pulgadas facilita la búsqueda y reproducción de canciones con un sólo toque. Mediante conexión WiFi se puede tener acceso a Ovi y a redes sociales como facebook, my space o flickr. Complementa este equipo una cámara de 3,2 megapíxeles con flash LED y autofoco y una memoria de 4 GB expandible hasta 16 GB. Viene con aplicación sobre béisbol. De alta relación valor/precio, y muchas prestaciones adicionales.

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La mecánica del corazón (2009) Mathias Malzieu Barcelona: Reservoir Books, Mondadori 176 pp Este libro parece escrito por Tim Burton. Quizás porque narra una historia con formato de cuento de niños y lenguaje de adultos. Cuenta la historia de Jack, a quien por haber nacido la noche más fría de Edimburgo, se le heló el corazón. La doctora Madeleine le salva la vida, adaptando a su corazón

I dreamed a dream Susan Boyle

un reloj cu-cú y le enseña que si quiere una larga

Una escocesa de 48 años, regordeta y desarreglada, dejó ató-

vida debe seguir ciertas reglas: no tocar las agujas

nitos a los jueces y al público del concurso Britain's got talent,

de su reloj; dominar su ira y nunca enamorarse.

interpretando con una voz dulce e impresionante, un tema del

Muy joven, Jack viola la tercera regla. El día que

musical Los Miserables, y que más de 300 millones de personas

conoce a la bella Miss Acacia, la bailarina andaluza, se enamora perdidamente. Para saber lo que sucede después hay que leer el libro. Su autor, cantante del grupo pop francés Dionisos, publicó tambien un albún con este título.

vieron por YouTube. La emocionante saga de Boyle prosigue, ya que siete meses después de salir del anonimato, llega a las tiendas su primer álbum, "un reflejo de toda mi vida". La expectativa ha sido tal, que ya es el disco más pre-vendido de la historia de Amazon. La artista muestra una asombrosa transformación física en las fotos de un álbum de doce temas que incluye desde versiones de “Wild Horses”, “Daydream believer”, la conocida “You'll see”, de Madonna, pasando por el

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popular villancico “Silent Night” y “Amazing Grace”. ML


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regalos Grano de tempestad Pablo Gil y María Alejandra Rodríguez

Cuando observamos un mantis mientras acecha a su presa y «calcula» el ángulo y distancia del disparo, o a un ave poniendo a prueba la «calidad» de su pretendiente,…nos preguntamos cuál es el origen de tan ingeniosos y complejos mecanismos. (p.111)

Pablo Gil es el compositor, arreglista y productor de un repertorio de canciones en español que tienen como principal referente la naturalidad de la canción brasilera. Interpretadas por María Alejandra Rodríguez, quien se mueve entre un registro mediograve aterciopelado y fuertes agudos-, las canciones representan una narrativa en seis capítulos que, sin embargo, conservan su independencia. Músicos de artistas reconocidos internacionalmente participan en el proyecto, que cuenta además con los venezolanos Roberto Koch en el bajo, Andrés Briceño en la batería, Nené Quintero en la percusión, Juan Ángel Esquivel en la guitarra y Santiago Bosch en los teclados.

Chacayes de Bodegas Lurton Lurton quería hacer un Malbec potente y elegante, y éste es el resultado. En dialecto huarpe—grupo indígena de la región de Cuyo en Mendoza—Chacayes significa chacal o zorrito. Es el nombre que se le ha puesto a este vino insignia de viñedo único que ha logrado 93 puntos en Wine & Spirit. Se hace con 80 por ciento de Malbec y 20 por ciento de Cabernet Sauvignon cultivados en el Valle del Uco. Con estas proporciones se preserva la suavidad y elegancia del Malbec pero con la estructura del Cabernet Sauvignon. De intenso color rojo granate, revela aromas de frutas negras con sutiles notas de madera. Se destaca su notable equilibrio y se aprecia el delicado control de la acidez. En boca entrega lentamente, y por capas, notas de grosellas, chocolate y café. Es un vino suavemente persistente.

Vida Silvestre en un bosque urbano de Caracas (2009) Luis Levin Fundación Empresas Polar, 200 pp A conocer flores, aves e insectos que habitan en el

Bromelias, piñas decorativas y exóticas Diversas, tropicales y resistentes, las bromelias son plantas

la UCV, nos invita este libro coeditado por la Funda-

seductoras provenientes de las dos Américas. De las tres mil

ción Polar y el Jardín Botánico. El autor presenta con

especies censadas, al menos 300 se hallan en Venezuela,

rigurosidad científica pero con un contenido y lenguaje

país donde fueron clasificadas por vez primera en 1565 por

entretenido, más de 350 especies —y curiosas inte-

el botánico inglés Sir John Hawkins. Pueden cultivarse en el

racciones—que habitan uno de los pequeños bosques

jardín a pleno sol o en interiores según la especie. Necesitan un sustrato algo ácido, ya sea tierra o trozos de cortezas y otros materiales. Las primas de las piñas que solemos comer en el trópico requieren humedad y riego frecuente, en parti-

de vegetación autóctona que todavía subsisten en la capital. Despertar el deseo de preservar el entorno natural es el objetivo que persigue la visita guiada a este Arboretum. Especialmente curiosa es la sección

cular especies de flores vistosas como las Aechmeas de ho-

dedicada a los bellos folioglifos, dibujos que aparecen

jas duras con pinchos y flores espectaculares, las enormes

en las hojas y que corresponden a minúsculos túneles

Billbergias, las raras hojas de las Cryptanthus, las bonitas

que perforan entre los epitelios superior e inferior de

Guzmanias con sus suaves hojas v flores de rojo intenso o

las hojas unos gusanitos llamados minadores y que

las coloridas Neoregelias. Especies como las abundantes

guardan impresionante semejanza con los milenarios

Tillandsias requieren menos riego y pueden estar sujetas a pág 74

Arboretum del Instituto de Biología Experimental de

un trozo de madera o un substrato muy simple.

petroglifos del sur del país. Se puede adquirir en el Jardín Botánico de Caracas.


lista platinum

regalos El cuento de Auggie Wren (2004) Paul Auster España: Lumen 31 pp Considerado uno de los escritores estadounidenses más brillantes de su

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No hay que olvidar la técnica, es necesaria, pero por sí sola no vale un PIMIENTO, cualquier obra que se haya hecho sin creatividad, sensibilidad, ni intuición NO ES NADA. Es un ejercicio de virtuosismo vacío. El virtuosismo por sí solo no es ARTE, eso sí, puede resultar asombroso. p 99

Navidad. El libro de Paul Auster es el resultado de la historia que le contó un

Pues tiembla la Virgen bella / él se quita en el camino / su paltocito de lino / para ofrecérselo a ella.

—¿Con que un cuento de Navidad? —dijo él cuando hube terminado—. ¿Sólo eso? Si me invitas a comer, amigo mío, te contaré el mejor cuento de Navidad que hayas oído nunca. Y te garantizo que cada palabra es verdad.

generación, este poeta traductor y novelista nos trae, este año, un cuento de amigo, tratando de ayudarlo a salir de un tremendo writers block navideño. La reconocida ilustradora argentina Isol añade al libro colorido y humor con sus dibujos ingenuos y caricaturísticos.

Retablillo de Navidad Aquiles Nazoa/ ilustraciones Ana Palmero Ediciones Ekaré Una nueva edición del hermoso poema de Aquiles Nazoa que cuenta el nacimiento del Niño Jesús en un pueblo venezolano —y que por cierto, también fue musicalizado por el maestro Angel Sauce para coro de niños e instrumentos—. De gran ternura y con el delicioso y fino costumbrismo del gran Aquiles Nazoa, la nueva edición del Retablillo está ilustrado por Ana Palmero, con referencias criollas, incluso prehispánicas, además de la influencia de los retablos de los monjes de la Edad Media. Navideña venezolana

Yo lo quiero conocer Luis Guillermo Rangel Nueve piezas inéditas de este apasionado de la música y motor de muchas tenidas musicales, componen este CD que busca rescatar la música tradicional navideña. Las piezas que conforman Yo lo quiero conocer, son interpretadas por la agrupación Parranda y Punto, conjunto que organiza Luis Guillermo hace seis años y que como cantidades de otros que existen en el país, aflora espontáneamente como expresión de la más pura y genuina de la musicalidad del venezolano. Cuatro, guitarra y voces participan en esta parranda que entusiasta, celebra la navidad y la tradición. CV

El Arte, Conversaciones imaginarias con mi madre (2006) Juanjo Sáez Barcelona: Reservoir Books, Mondadori 264 pp Este escritor e ilustrador barcelonés crea una ingeniosa conversación imaginaria con

así como a algunas obras importantes y a la

Jararaca, perereca y tiririca Ana María Machado/ilustraciones Rosana Faría Ediciones Ekaré

figura del artista. Lo original de este libro es su

Una bella historia de supervivencia y deterioro ambiental, en la

aproximación personal y narrativa al arte y a

que sus protagonistas, una rana, una serpiente y una gramilla

los artistas. Complementan los textos una serie

enfrentan, cada uno a su manera, la llegada del hombre. Una

muy imaginativa y desenfadada de dibujos,

nueva reunión de la brasileña Ana María Machado y la venezo-

hechos con un estilo sencillo e informal que le

lana Rosana Faría, quien experimenta en esta oportunidad, con

dan un toque cercano al libro.

técnicas de ilustración digital.

su madre para pasar revista a algunos de los temas más importantes de la Historia del Arte


Para jugar en las ramas de un cotoperí Pedro Izquierdo Hace poco tiempo tuve la oportunidad de que me solicitaran diseñar una casa en un árbol como parte de la remodelación de una vivienda. Sin duda, un reto interesante y un tema de diseño de particular complejidad. Una casa en un árbol…Sueño de casi todos los niños y no tan niños. No podemos dejar de recordar todas esas imágenes de las películas de la infancia, donde un Tarzán “todopoderoso” había construido, de alguna forma inimaginable y quién sabe con cuáles herramientas, una fabulosa casa, en lo más alto de la copa de un igualmente fabuloso árbol, cuya especie nunca nos preocupamos en averiguar. Un mundo propio, un refugio. El proyecto caraqueño que me concernía, dedicado a la diversión de los pequeños de la familia, requería en primer término, averiguar si entre las plantas de aquellos jardines existía algún árbol que permitiese proyectar y construir la casa. Luego de mucho análisis, dimos con el único ejemplar que podía funcionar….un cotoperí. Por la forma del árbol y su copa, me propuse diseñar una infraestructura de planta cuadrada, que se implantara “alrededor” del tronco en forma asimétrica, de forma de impactar lo menos posible al árbol. El cuadrado se ordenó en 4 cuadrantes. El primero de ellos, estaría destinado para el paso del tronco y la escalera de acceso a la casa. Los otros tres cuadrantes tendrían las “áreas techadas” (juegos) y un balcón descubierto con vista hacia el campo de golf, lo que habían pedido los “clientes” de la casa del árbol. Por otra parte, tuve siempre la idea de que la casa estableciera una “armonía por contraste” con las del cotoperí, de forma que ambos elementos se destacaran y complementaran. El principal punto a resolver lo presentó la fijación y soporte de la casa sin perjudicar al árbol e intentando que el peso no afectara al tronco y las raíces. Para ello se llegó a una solución ingeniosa, el sostenimiento de la casa mediante el uso de guayas de acero, lo que permitió literalmente, ¨colgar¨ la casa. Para poderlo hacer, se requirió podar algunas ramas, y seleccionar aquéllas desde donde se fijarían las guayas, y que por su localización y número, distribuyeran en forma equilibrada la carga. Porque siempre existió en el equipo de trabajo y en los propietarios, la preocupación de que la “construcción” no afectara la capacidad portante del árbol y su salud. La construcción fue ejecutada en madera, con sumo cuidado, estableciendo una plataforma apuntalada por andamios desde donde se levantó toda la casa y evitó que, durante el proceso, el árbol sufriera. Luego se procedió a instalar las guayas, nivelándolas, para finalmente desmontar los andamios. —Y por si acaso lo desea saber, luego de 2 años, árbol y casa siguen en armonía, en perfectas condiciones—. Contacto: pizquierdom@gmail.com

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“Heston Blumenthal dice que él cocina to have fun, para divertirse—le contó Clara a Manuela. Y para algunos artistas, el arte es también algo para divertirse. Pero, qué fácil es divertirse con la tecnología! Eso de tocar la pantalla y que te obedezca, es diversión con sensación de poder. —Ilusión de poder querrás decir—la interrumpió Manuela. —No. Sensación de poder; me refiero a poder real. Hay inventos, cosas nuevas que uno puede comprar, que te dan más poder, poder que seduce. ¿No has sentido nunca esa seducción?, respondió Clara medio contrariada pero serena. —¿Y el placer de contemplar esos jardines etéreos ahí arriba de tu cabeza, en esa lámpara? ¿Es eso poder? ¿O es simple placer? Y el sentir y tocar esta camisa nueva, perfectamente ajustada a tu cuerpo, es placer o sólo goce. ¿Qué define la frontera entre un y otro? Porque creo que no hay poder en el goce aunque lo puede haber en el placer. Sin duda. —La verdad es que complicaste todo. Tienes una mente…”. Mira, mejor dejemos esto así y brindemos por este nuevo año con esta copa de burbujas claras y perfectas, sugirió Clara. Como una zombie perdida en sus devaneos, Manuela se quedó en silencio. Al fondo se escuchaba la voz de Imogen Heap cantando Hide and seek (…mid-sweet talk, newspaper word cut outs / speak no feeling no I don't believe you). Manuela alzó su copa y brindó. Y bebieron ese champagne. Un día dejaría sus estudios de arte y se inscribiría en un curso para ser sommelier. Y así podría conversar de otras cosas con su amiga. LD

They [los expresionistas abstractos] were too grim, talked too much about art as struggle and pain. Rauschenberg was poor, but he thought the whole idea of art was to have fun. Nor did he understand when they talked about, say, red expressing “passion”. To Rauschenberg, red was just red.

lista platinum

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regalos 1959, The year everything changed (2009) Fred Kaplan New Jersey: John Wiley & Sons 324 pp El autor es un periodista norteamericano, ganador de un Pulitzer, que nació en Kansas. Tiene un PhD en ciencias políticas de MIT y es colaborador de la revista online Slate. Kaplan sostiene que 1959 fue un año pivotal en el que nacieron muchas de las cosas que definieron nuestro tiempo, tales como: la música de Miles Davis, el inicio de la campaña de Kennedy, la publicación de Advertisements for myself, de Norman Mailer, o la realización del primer vuelo de pasajeros en un jet transatlántico; y muchas otras. Kaplan teje estos eventos de modo impresionante. Narrativa sustentada en una meticulosa y ágil erudición que no tiene desperdicio.

Champagne Mumm Cordon Rouge Se relanzó este año en Venezuela. Su creador, Georges H. Mumm decoró en 1875 la botella con el Cordón Rojo de la Legión de Honor. Está hecho con 45 por ciento de Pinot Noir, 25 por ciento de Pinot Meunier y 30 por ciento de Chardonnay. De color amarillo dorado brillante y tenues tonos jade, entrega aromas de limón y pomelo casados con frutas carnosas como el melocotón blanco y la manzana verde que le confieren frescura y vivacidad. Una vez servido, libera junto a las nuves de burbujas notas avainilladas con un recuerdo a caramelo con leche. También se pueden apreciar los frutos secos en armonía con la miel. Logra un delicado equilibrio asociado con su carácter redondo y amplio. La complejidad de los aromas de frutas frescas y caramelo le confiere intensidad particular al resultado final, cuya longitud en boca es excepcional.

Ellipse Imogen Heap Bizarra, valiente y de culto es esta británica, mayor exponente del sonido breathy, de voz aspirada o entrecortada, una forma de expresión más que un lenguaje musical. Destila en este álbum doce gemas de pop electrónico de inmaculada producción, refinados loops vocales y bellas armonías, cuya originalidad se aprecia desde el pulsante sencillo promocional “First Train Home”, los juegos vocales de “Earth”, hasta en la elegante balada con piano y cuerdas de “Half Life”. El continuo pliegue hacia su mundo interno, el inventivo vínculo que la une con su laptop, el refinado uso del vocoder y sutiles destellos glitch, la acercan lentamente hacia el podio de sus admiradas Laurie Anderson, Kate Bush y Björk. Ellipse se desliza por lo abstracto, manteniendo un respeto irrestricto hacia el formato de la canción. ML


Nokia N97 una computadora en tus manos Mucho más que un celular, el N97 es un computador móvil con pantalla táctil que ofrece la posibilidad de personalizar la experiencia de Internet. Posee múltiples opciones de conectividad a alta velocidad y memoria de 32 GB (que crece hasta 48 GB con ayuda de una tarjeta microSD). Tiene una cámara digital de cinco megapíxeles con óptica Carl Zeiss para imágenes y video. Permite compartir las imágenes al instante con los amigos o subirlas a la Web a través de Ovi Share, Twitter o Flickr. Se despacha con Ovi Store y con Nokia Messaging, que da acceso hasta a 10 cuentas de correo electrónico.

Irma Contreras, hecho a la medida Hasta 80 camisas mensuales salen del taller de Irma Contreras para clientes exigentes y detallistas. Las camisas son elaboradas con telas—e hilos y botones—traídas de Nueva York: italianas, suizas y una amplia selección de telas de Tomas Mason, de Leeds, el centro textil de Yorkshire, Inglaterra. En el taller también se fabrican, desde hace unos

Polo Ralph Lauren Tres décadas, tres fragancias

años, blusas, batas y pijamas a la medida. Y

Polo Modern Reserve, Polo Blue

como las mangas más largas que necesita

y Polo Black son las tres fragan-

Gustavo Dudamel para dirigir, o los hombros

cias que conmemoran el espíritu

más anchos para quienes tocan el contraba-

masculino y moderno que Ralph

jo, o los vuelos que requiere Osmel Sousa.

camisas especiales para clientes especiales,

Lauren ha sabido dar a su marca durante estos treinta años de creación. La primera es una

Skygarden de Flos, Luz de jardines colgantes

fragancia con esencia de cuero

El nombre de esta lámpara no puede ser más apropiado. Si uno se

de gamuza y fondo de maderas

parara justo debajo de su pantalla redonda y cóncava, vería dibu-

elegantes. Igual que Polo Blue,

jado en su interior cientos de pequeñas flores y hojas. Fabricada

un perfume compuesto por notas

en dos tamaños (60 y 90 centímetros de diámetro), esta lámpara

frescas y afrutadas, Polo Modern

de suspensión del diseñador holandés Marcel Wanders, para la

Reserve está diseñada para el

casa Flos, viene en color negro, blanco, óxido y dorado, con el

hombre deportista. Polo Black,

jardín interior, hecho en acero lacado y escayola, siempre blanco.

dirigida al hombre moderno pero tradicional, introduce una interesante fusión de ingredientes, como mango picante y almizcle.

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Uao, qué mujer!—pensó Rodolfo, quien tenía meses tratando de comenzar a escribir una novela policial, sin interrumpir la lectura y, sorprendido por la descripción de Salander, se puso a pensar en su propio personaje femenino. Sabía cómo era pero quería encontrar las palabras exactas: de estatura media, pelo negro largo y liso que en ocasiones cae sobre media cara, usa lentes de monturas intercambiables (cabello y lentes, para que no la lean fácilmente), muy lista, políglota, arquitecto, amante de la obra de Andrea Palladio, fotógrafa, hace trekking. Se llamará Federica. Y bebe vodka sueco—como un guiño a Larsson—sólo Absolut en las rocas. Y ama el rock, su pasión oculta. Como su hija Manuela. LD

Aquel día, Lisbeth Salander llevaba una camiseta negra con la cara de ET con colmillos y el texto I am also an alien. Una falda negra, rota en el dobladillo, una desgastada chupa de cuero negro que le llegaba a la cintura, una fuertes botas de la marca Doc Martens, y calcetines con rayas verdes y rojas hasta la rodilla. Se había maquillado en una escala cromática que deja adivinar un problema de daltonismo. (Los hombres que no amaban a las mujeres, p. 62)

lista platinum

regalos

Trilogía Millenium · Los hombres que no amaban a las mujeres (2009), 674 pp ; · La chica que soñaba con una cerilla y un bidón de gasolina (2009), 752 pp; · La reina en el palacio de las corrientes de aire (2009), 856 pp Stieg Larsson Editorial Planeta Stieg Larsson, escritor sueco que fallece de un infarto al concluir estas novelas (en 2004), se ha convertido, póstumamente, en un autor de culto. El nombre Trilogía Millenium, hace referencia a la revista del mismo nombre que dirige Michael Blomkvist, el personaje principal de las novelas, periodista idealista y editor de esa revista que hurga incómodamente las entrañas de la corrupción y los negocios ilícitos de Suecia. Casos de crimen ocurren en el margen de su actividad periodística que de un modo u otro involucran. A lo largo de los tres libros, Michael está acompañado de Lisbeth Salander (versión contemporánea de Pippi Calzaslargas de Astrid Lindgren), uno de los personajes femeninos más memorables de la historia de la novela negra por su rabia contra la crueldad del mundo (en especial contra las mujeres), su inteligencia, y su carácter irredento. Con una prosa milimétrica despojada de todo romanticismo, Larsson describe cada escena con una exactitud escandinava que ayudará a los lectores a sumergirse y ubicarse perfectamente en este mundo nórdico, ilusorio, que en ocasiones se parece al nuestro.

Absolut, edición Rocktime Está hecha de agua de manantial profundo y trigo invernal, y otros ingredientes. Luego de su fermentación es sometida a un proceso de destilación continua descubierto en 1879 por Lars Olsson. En esta edición limitada, la

Oakley Jawbone

icónica botella ha sido forrada en

Monturas intercambiables en lentes únicos

cuero como un homenaje al Rock.

Son la más reciente evolución de Oakley para el

Seguro Larsson (no Lars Olsson)

deporte. Sus características los convierten en la

la bebería en las rocas, antes o

opción óptima para los atletas. Son de montura

después del café que tomaba en

intercambiable—su sistema de rápida liberación

la madrugada para escribir inago-

permite cambiar los lentes en segundos, sin dejar

table, sus larguísimos tomos.

huellas ni manchas—, y proporcionan una gran claridad y fidelidad visual gracias a que son fabricados con tecnología de High Definition Optics. Alta resistencia al impacto, 100 por ciento de protección contra UVA, UVB y UVC, y una montura de material ligero que se ajusta en tres puntos, haciéndola más flexible, son algunas de las inno-

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vaciones de esta colección.


Rolex, DateJust Reinventando lo clásico Fue lanzado al mercado por primera vez en 1945. Fue el primer reloj de pulsera capaz de mostrar la fecha. Este nuevo DateJust, de oro blanco o

Zuccardi Q Malbec Tal como lo ha declarado José Alberto Zuccardi, presidente de estas bodegas, los vinos de Bodegas Familia Zuccardi le prestan una atención especial

amarillo de 18 quilates, con brillantes

al manejo del viñedo. Este

engastados en la esfera y el brazalete

caldo hecho con uvas 100 por

y con diamantes incrustados en doble

ciento Malbec provenientes

hilera en su bisel, es la adaptación

de La Consulta y Maipú, en

más femenina y sofisticada creada

Mendoza, tiene la elegancia

hasta ahora de este clásico Rolex.

característica del Malbec. De color rojo profundo, se destacan en nariz aromas a frutos frescos maduros, con notas de vainilla y pimienta negra además de notas sutiles de madera. En boca, entrega una sedosa voluptuosidad que persiste largos segundos.

Encuentros con la gente Aldemaro Romero Caracas: Fundación para la Cultura Urbana 208 pp Uno podría esperarse que este pianista, compositor y director de orquesta, creador de la Onda Nueva, haya tenido una vida tan llena de encuentros con gente interesante (Rómulo Betancourt, Billo Frómeta, Pedro León Zapata, Jesús Soto; o figuras internacionales como Zsa Zsa Gabor, Ella Fitzgerald, Henry Fonda y otros) pero sorprende la precisión con que los recuerda, y la chispa y proximidad con que los narra. Estas crónicas nos recuerdan además un clima urbano de amistad, intercambio y empatía que se hacen escasos, en Caracas y otras partes del mundo.

…insisto en que hay, en diversas esferas, personas de extraordinario talento más allá del común y de obra indiscutiblemente fundamental que rebasa con creces los límites de lo establecido. Con esa idea, séanme permitidos, en la brevedad de este escrito, unos comentarios sobre quien, para mi y para quienes conocen su historia, era, verdaderamente, un genio: Orson Welles.” (pp 31-32) “¿Te acuerdas que, cuando me fui de viaje la semana pasada estaba leyendo un libro de Aldemaro Romero de crónicas sobre sus encuentros con gente interesante? “Sí claro” “Bueno, porque resulta que estaba sentado el jueves pasado en Washington Square leyendo otro libro, esperando que llegara un amigo, y justo delante mío, parado a menos de tres metros, consultando la hora en su reloj y anotando algo a lapiz en una libreta, estaba Paul Auster. Él ahí y yo que leía La noche del oráculo, que me acababa de comprar…” ¿y entonces…? Pues que en este libro de Auster él construye una suerte de sala de espejos literaria semejante a la que construye Welles para el gran final de La Dama de Shanghai, ¿te acuerdas? Y entonces pensé que estas casualidades no ocuren dos veces en una vida; y venzo mi timidez, me paro con la idea de pedirle un autógrafo y preguntarle, así en frío, si él había visto la película de Welles,..porque Auster, yo creo que él también es un genio…; pero deja que te sirva otro trago de este Malbec, ¿pedimos la carta ya?” “¿Y la había visto?” LD

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Debe haber sido como una poderosa sensación de embriaguez, o vértigo, la que invadió al Gabo ese instante—pensó Fernando—. Como beberse un litro de alcohol etílico, pero de inmediato. Como la que sintió cuando se tomó dos copas de Ron Bicentenario seco el día que escuchaban el disco de Gonzalo Grau que le regaló Beatriz. Al primer trago, apenas ese ron hizo contacto con su lengua, sintió un mareo. Algo se fundía en él. Beatriz le dijo que él era impresionable, sugestionable. Pero él no lo cree; está convencido de que algo en el ron, algo de lo que es o tiene, le produjo eso. Entonces se acuerda de Beatriz que es una chocohólica. A ella le pasó lo mismo la noche que se comió dos barras completas de ese chocolate Canoabo. Al minuto de comerlo, antes de que se derritiera, empezó a cerrar los ojos, y a hablar, balbucear; decía que explotaban en su lengua sensaciones fructuosas de placer líquido, fundido, tibio; y agradecía a Dios por eso. LD

Sintió que un alivio le recorría en niveles múltiples, desde un centenar de direcciones distintas, que lo eximía de los esfuerzos y la angustia, de los fracasos y las frustraciones de toda una vida; la liberación, el reconocimiento y la afirmación de sí mismo, todos encarnados en esta extraordinaria creación que, lo supo desde el instante en que se puso a escribirla, sería una obra única, posiblemente inmortal,…

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regalos

Gabriel García Márquez. Una vida. Gerald Martin Debate, 2009 762 p. Este libro extraordinario es el resultado de una proeza. El escritor británico Gerald Martin pasó 17 años estudiando la vida de uno de los escritores más reconocidos e influyentes de nuestro tiempo para escribir su biografía. Martin pasó de ser uno de los tantos aspirantes a biógrafo del Gabo a ser el biógrafo autorizado, y luego recibido en el seno de la familia García Barcha, para narrar sus vidas, aun cuando para el reconocido autor colombiano, escribir la biografía de alguien significa su muerte. La obra es una suerte de biografía novelada, exhaustivamente referenciada. Una obra que refleja una realidad cargada de exotismo tropical y sombríos detalles acumulados en la memoria del colombiano desde su más temprana infancia, cuando no todo lo que se ve es lo que parece. Leyendo este libro, uno se da cuenta de que las historias que nos ha contado el Gabo son producto de la reunión de tragicómicos episodios de su vida. García Márquez parece alguien perseguido por la agitación, por revueltas y revoluciones, algo que el autor califica como el “don para llegar a un lugar justo cuando allí todo empieza a suceder”. Cuando la actividad escritora se convierte en una suerte de trance mediante el cual el escritor se desprende y se deja llevar el resultado es un paseo mágico. La creación de su obra maestra Cien años de soledad, fue un “período de Gracia”, en el cual García Márquez pareció vivir una experiencia mística en la que se fusionan recuerdos, pequeños fragmentos de su vida personal, de sus ancestros, de la historia de Colombia y de sus tradiciones, para engendrar una leyenda que pasara a formar parte del acervo cultural de Latinoamérica. JRM.

Ron Bicentenario A.J. Vollmer, edición 2009 Este ron de un color caoba cuyo aroma inunda los sentidos, evoca los robles y bodegas que lo añejaron con notas de almendras con chocolate y un sabor meloso y afrutado. En boca entrega un cuerpo robusto y añejo con larga persistencia. De la edición 2009 se envasaron 1.800 botellas. Su madurez es producto de la mezcla de las reservas más antiguas de la bodega con rones más jóvenes. Se prepara agregando a rones de más de 35 años, envejecidos en barricas de roble, rones añejos de 80 años. Este blend es luego, a su vez, madurado en toneles de roble por 15 años hasta que alcanza una suavidad inconfundible. De los toneles se extraen 1.200 litros al año que son envasados en botellas con la firma de Don Alberto J. Vollmer. Se expende en botellas numeradas.

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Chocolates San José Cacao 70 por ciento Estos chocolates son hechos por la familia Franceschi desde la semilla de cacao, —que siembran y procesan en la Hacienda San José en Paria—, hasta la barra. Durante más de veinte años han trabajado venezolano para brindarnos a todos una experien-

Frutero moderno Gonzalo Grau Palacios

cia única en chocolates. Hasta ahora han recupera-

Este álbum es el resultado de la formación y entorno que

do, y convertido en chocolate, seis variedades. Tres

han rodeado a este músico venezolano que reside en

de ellas han sido lanzadas al mercado: Carenero,

Nueva York. La música académica en sus más altos están-

Canoabo y Ocumare 61. Un chocolate poderosa-

dares, la omnipresente música popular, y una privilegia-

mente aromático, de notas frutales con toques

da combinación de formación y creatividad, resultan en

suavemente ácidos y larga persistencia en boca.

una auténtica fusión latina que se refleja en esta produc-

para recuperar las auténticas variedades de cacao

ción discográfica independiente. Reinterpretaciones de canciones como “Calle Luna, Calle Sol” y “Mujer Divina”, junto a otros temas (de también sonoros nombres) como son “Siácara, Sabor, Swing y Sahoco”, “Fachada o nada”, o el que nombra el cd, “Frutero moderno”, forman parte de esta grabación del pianista multiinstrumentista, arreglista, compositor y productor dentro de estilos como la salsa, timba, latin jazz y flamenco.


Margarita pensó que ella también adoraba los zapatos. Su hermana Emiliana le había dicho un día, que ella tenía los pies más bellos del mundo y lo creyó. Quizás por eso compraba compulsivamente zapatos. No para conquistar el mundo; sino para enamorarlos a todos. Claro que con esto de los pies y los zapatos…, pocas de sus amigas (ninguno de sus amigos) sabían que su hermana tenía una rara habilidad: juzgar en milésimas de segundo la belleza o fealdad de unos pies. Los de Demi Moore, los de Scarlett Johanson, los de Jessica Alba, los de Krizia, su prima. Sabía con exactitud cuáles eran bellos. Muy pocos en realidad, y no se consideraba muy estricta. Sólo que era difícil que los hicieran con esa perfección. LD

Bette Midler dice "Dale a una chica los zapatos indicados y podrá conquistar el mundo". Esta frase resume la importancia de este tema, porque los zapatos dibujan la personalidad.

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regalos 100% chic Titina Penzini El lema del libro, dividido en diez capítulos que abarcan desde los must de ropa interior hasta los libros y películas dignos de una mujer chic, es ayudar a que la mujer se vea bien, para que luego se pueda sentir bien. Con una introducción hecha por Carolina Herrera y dibujos de la propia Titina Penzini, llena de citas de famosos diseñadores y fun facts, hace reevaluar cosas tan pequeñas, pero tan importantes para la autora, como la manera de organizar su closet o el color de sombra para los ojos que usa.

Ana Mercedes Carvallo Las piezas de esta colección de esta artista, ganadora de varios premios nacionales e internacionales, y quien se dedica a la orfebrería y al esmalte sobre metal desde 1999, están inspiradas en figuras geométricas. Las piezas giran alrededor de la exploración de las posibilidades de las mallas de cobre esmaltadas y bañadas en oro o plata. Cordones cosidos o cadenas de plata unen las piezas entre sí, continuando el efecto de líneas sencillas que las caracterizan. www. mercedescarvallo.com

Gaby Pons La madera como elemento natural intervenido, y la tagua (o nuez de marfil vegetal), son algunos de los elementos que Gaby Pons utiliza en sus finas piezas. La diseñadora, quien ya tiene una entu-

Juanita Antonorsi

siasta clientela, trabaja con metales bañados en

Esta diseñadora juega con las

oro y plata, con delicadeza y actualidad el cacho

posibilidades de la goma para

de vaca con resina, el cual se encuentra muy pre-

crear prendas fuera de lo común.

sente en sus pulseras y collares. (212) 393 24 27

A pesar de la presencia casi permanente del color negro, la diseñadora juega con tonos intensos, como amarillo, rojo y fucsia, y parecer tener especial predilección por el contraste blanco-negro. Pero no sólo sus colores hacen destacar a estas

Tarbay

prendas, sino también la varie-

Culebras, elefantes y hasta un jeep tipo safari en

dad de formas en que Juanita ha

África dan vida y movimiento a esta última colec-

logrado modificar la goma para

ción de Tarbay. La plata y el oro laminado amarillo y

convertirla en una obra de arte.

rosado son los metales que dan vida a estos perso-

www.juanitaantonorsi.com

najes africanos, en pulseras y collares seductores pero divertidos. En sus zarcillos y anillos abundan las piedras de colores y las formas redondas. O

Cal

en la divertida cartera: un paisaje que remite a las

Daniela Calcines, trabaja mezclando la plata con piedras como el

regiones salvajes de África, o la misma colección

coral, la turquesa y la piedra de jade. Daniela muchas veces se inspira

de sandalias, delicadas pero agresivas, cómodas y

en la naturaleza para dar forma a sus prendas y utiliza técnicas como

diferentes. www.tarbay.com

el moldeado en cera y el vaciado. La diseñadora y orfebre juega con pág 84

el contraste de colores para dar luz a sus pulseras, zarcillos y collares.


Tienda de Arte Fundación Corp Banca La posibilidad de encontrar, en un solo lugar, los más originales detalles para obsequiar es la alternativa que ofrece la Tienda de Arte de la Fundación Corp Banca. Una exclusiva selección de obras en pequeño formato de artistas venezolanos, originales accesorios, orfebrería, cerámica utilitaria, textiles, hermosas piezas de artesanía venezolana, juguetes de madera policromada, libros infantiles, publicaciones de arte y CD´S de los más talentosos interpretes nacionales, conforman la oferta de la tienda. Allí podrá encontrar obras y piezas de: Adrián Pujol, MEC, María Pont, Raymond Romero, Jesús Caviglia, Milagros Pérez, Teresa de Vivo, Kiara Matos, Taller La Morera, Tatiana Tischenko, Eleonora Tugues, Paula Palazzi, Mario Calderón Taller La Caracola, Grupo Guataco y Maitane de Ituarte, entre otros. Torre Corp Banca, plaza La Castellana martes a domingo de 11:00 am-5:00 pm

Taller de Artistas Gráficos Luisa Palacios, TAGA En una esquina de Los Rosales funciona desde hace 33 años este taller que fue fundado por Luisa Palacios, Alejandro Otero, Gerd Leufert, Margot Römer y Manuel Espinoza para la investigación y desarrollo gráfico. Contribuyendo con este espíritu de promoción del trabajo artístico en papel, y de acuerdo a los compromisos asumidos con el taller, miembros fundadores y asociados aportan al patrimonio de la institución cediendo obras para la venta: grabados, serigrafías y litografías de artistas como Eduardo Bárcenas, Jesús Matheus, Teresa Casanova, Patricia Van Dalen, Fernando Wamprechts, Mercedes Pardo, Margot Römer, Régulo Pérez, entre otros. El taller ofrece la posibilidad de contactarlos por internet para facilitar la adquisición de las obras. www.taga.com.ve Av. El Cortijo, cruce con Av. América, Quinta "El Taller", Los Rosales 690 2211 / 690 1544

Tienda de la sala Trasnocho Arte Contacto, TAC Arte y artesanía de excelencia se puede adquirir en este espacio en Las Mercedes. Orfebrería, cerámica, trabajos en vidrio y madera, tejidos, litografías y serigrafías de artistas como Alirio Palacios, Angel Hurtado, Lourdes Silva, Ana Esteller, Daniel Reynolds, María Pont, Francisco Hung, Rodrigo García Alejo, Claudio Kalan, se consiguen junto a nacimientos de madera de Boconó, chinchorros de moriche de Curagua o hamacas wayúu. Para este diciembre, la tienda se amplía a la sala, donde se exponen y se venden piezas de madera únicas, hechas a mano, junto a tejidos de seda del taller de La Morera, del estado Mérida, el cual está trabajando con técnicas y materiales nuevos. Una selección impecable y exquisita y una atención dedicada. Centro Comercial Paseo Las Mercedes Martes-sábados de 10:00 am a 9:00 pm Domingos y feriados1:00 pm a 9:00 pm 993 2957 pág 85


Salman Rushdie,

entre

el Imperio

y el Islam

Jeannette Rojas Monserrate

Ilustración: MS House

A pág 86

nte el título Los versos satánicos, una de las más reconocidas obras de Sir Ahmed Salman Rushdie, novelista y ensayista de origen indobritánico, uno espera encontrarse con un texto oscuro, impío, y profanador. Sin embargo lo que se encuentra en él es la honesta exposición de la persecución de la verdad, ornamentada con un estilo fantástico, que ha sido comparado con el realismo mágico latinoamericano, ambientado en el exotismo del subcontinente indio. Este criterio constituye el eje fundamental de la obra de este escritor. Y sin embargo, es perturbador saber que la vida de un hombre tiene precio simplemente por disentir de las creencias de un grupo religioso. Aun cuando la religión islámica es la base fundamental de toda una cultura, parece perverso que la defensa de sus dogmas justifique la condena a muerte de un hombre inocente que ejerce sus derechos a la libertad de conciencia y de expresión.

Una nueva visión de ese mundo que cambió diversos paradigmas de la humanidad y le permitió al hombre conquistar nuevas culturas sin las cuales la linealidad de la historia hubiese permanecido ininterrumpidamente en un proceso auto-canibalista, que desgasta el pasado para convertirlo en preceptos sin origen ni fin explicables; simplemente reglas, prohibiciones y creencias que nacieron de una masa borrosa en algún lugar de la historia


salman rushdie El Imperio La vida de cada hombre que ha nacido o residido en la India, Pakistán y otras naciones postcoloniales del Medio y Lejano Oriente ha oscilado entre la fresca, aunque no reciente memoria del extinguido Imperio Británico, y la influencia de la religión, principalmente del Islam. En los resquicios de esta disyuntiva; en las grietas y fracturas que aparecen en las crisis existenciales, cada hombre de estas tierras lejanas ha buscado o encontrado su libertad. Salman Rushdie, junto a los escritores Paul Scott, y V.S. Naipaul se ha dedicado a dibujar las fronteras de identidad que dejó tras de sí el imperialismo inglés. El profesor Michael Gorra, quien da clases en el Smith College, publicó recientemente After Empire, ensayo sobre identidad nacional y etnicidad en las novelas postcoloniales dentro y fuera de la India. En este libro, Gorra agrupa a estos tres escritores bajo la categoría de novelistas del Imperio, por su obsesión en escribir narraciones sobre la impronta que dejó el colonialismo en las antiguas provincias del Imperio Británico. En esto se parecen estos escritores al polaco-británico Joseph Conrad, autor, entre otras obras, de El corazón de las tinieblas, un alegato contra las consecuencias atroces (y secretamente guardadas) del colonialismo británico en el continente africano. En el seno de la India moderna, en pleno siglo veinte, para Rushdie el problema ha dejado de ser el desprecio capaz de llegar hasta el genocidio ejercido (perpetrado) por el hombre blanco (quizás súbdito de Su Majestad), contra los antiguos nativos de las colonias, como la integración de los caóticos y masivos procesos de fusión cultural que borran las fronteras de lo propio y lo extranjero.

autores y libros

concedido al mejor de todos los libros galardonados con el Booker en sus primeros 25 años de existencia.

La fatwua, el Islam Años más tarde, publicó Rushdie Los versos satánicos (1988), obra que lo hizo merecedor de una fatwua, o edicto religioso, dictada por el Ayatolá Ruhollah Jomeiní, quien condenó a muerte al autor y a todos los implicados en la publicación del libro y le puso a su cabeza el precio de cinco millones de dólares. Inmediatamente después de esto, fue prohibida la venta de la novela en la India, Pakistán, Suráfrica, Egipto y Arabia Saudita. Lo insólito es que, según cuenta un artículo de El País (publicado el pasado 13 de febrero) que conmemora los 20 años del decreto de la fatwua, sus compatriotas británicos no adoptaron una solidaridad automática con su postura. Por el contrario, hubo ataques feroces, tanto por parte de la derecha conservadora y nacionalista como por parte de la izquierda multicultural. Los unos lo acusaron de traicionar a su cultura, religión, país de origen y nacionalidad, y los más radicales y cercanos a la Primer Ministro, llegaron a expresar su deseo de que los musulmanes “apaleasen al traidor en una calle oscura para enseñarle buenas maneras”.

Su vida Salman Rushdie es un novelista británico de origen indio que nació en Bombay. Cuando tenía 14 años, fue enviado por sus padres a estudiar en Rugby School, prestigiosa boarding school británica. En ese internado fue víctima de la discriminación y segregación racial que ejercieron velada y no tan veladamente sus condiscípulos. Al graduarse, ingresó en el King’s College de la Universidad de Cambridge donde estudió historia y el Corán. En este bastión de la clase intelectual más civilizada del Reino Unido, Rushdie experimentó de nuevo eventos de xenofobia y exclusión que hicieron mella en su esnobismo de indio anglófilo y su acento de aristócrata. Quizás motivado por esta dolorosa experiencia, no tardó Rushdie en girar hacia un radicalismo político que lo llevó a adherirse a posiciones contra el establishment británico, representado en esa época por la Primer Ministro Margaret Thatcher, o a defender derechos de las minorías como el feminismo, la homosexualidad o el pacifismo. Su novela Hijos de la medianoche (1981), que ha sido leída como una alegoría del nacimiento de la India moderna y que en varios pasajes funde y confunde referencias a la India y a Occidente (mezclando por ejemplo Spencer Tracy y Katharine Hepburn con Rama y Sita), constituye uno de sus logros literarios más importantes. Fue ganadora del Booker Prize, el galardón literario más prestigioso del Reino Unido, en el año 1981; luego, en 1993, fue premiada con el Booker of Bookers, premio

Hijos de la medianoche Salman Rushdie Editorial Sudamericana, 2007 788 pp. ¿Cuán profundo puede la independencia de un pueblo? La emancipación colectiva es el resultado de la liberación de los pensamientos individuales. El triunfo de una propuesta de cambio significa en el mejor de los casos, evolución; en otros, un paso más dentro del proceso de ensayo y error necesario para lograr la madurez social. Más significativo se vuelve un acontecimiento cuando está acompañado del nacimiento de un ser que constituye la alegoría del cambio. Ésta es la propuesta de Hijos de la medianoche. La medianoche del 15 de agosto de 1947, momento exacto de la independencia de India y Pakistán, nace un niño con poderes paranormales. Un acto de insurrección de la naturaleza. A este niño le sigue una generación entera de seres extraños, cada uno con una condición especial distintiva. Enmarca la obra una red de convulsiones sociales: las revoluciones que iniciaron el proceso independentista, la invasión de la India británica por parte del Ejército Nacional Indio, y la Segunda Guerra Mundial. Estas dan pie a un estilo de mestizaje narrativo. En la novela, la excentricidad se profundiza por las extrañas capacidades de los personajes, que realizan grandiosas hazañas dentro de la obra. JRM

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A pesar de que Rushdie se retractó públicamente y redactó una declaración en la que manifestaba su adhesión al Islam, la fatwua no fue levantada y el autor permanece escondido desde entonces. Ocasionalmente aparece en actos públicos de manera inesperada y concede algunas entrevistas. Sin embargo, su interés al publicar la polémica novela, no era religioso. Él mismo expresó que nunca se preocupó por la religión hasta que ésta comenzó a perseguirlo. No se trata entonces de hablar de una religión específica, en un lugar determinado, sino de creencias a las que se aferra el ser humano, de los efectos físicos, psicológicos, espirituales y emocionales que éstas pueden generar en él. Se trata además del destierro al que sus propios padres lo sometieron al enviarlo a realizar estudios en el Reino Unido, donde sufrió una pérdida de identidad que produjo el desvanecimiento de sus propias bases culturales. En consecuencia, Rushdie tuvo que emprender una reconstrucción de su esencia con base en sus nuevas creencias.

Joyas malditas de la literatura Año tras año, numerosos textos son censurados por mostrar un contenido más realista del que muchos quisiéramos reconocer. Desde quienes cuestionaron el pensamiento como Erasmo de Rotterdam, René Descartes y Jean-Paul Sartre, hasta los más osados novelistas como Honoré de Balzac, Émile Zola, Gustave Flaubert, D. H. Lawrence, incontables autores han sentido la necesidad de una búsqueda más allá de los límites sociales. El Index Librorum Prohibitorum et

Expurgatorum, en español, Índice de libros prohibidos, es una lista de publicaciones que la Iglesia Católica catalogó como libros perniciosos para la fe. En ella se podía encontrar un considerable número de obras que, una vez superados los prejuicios, son joyas literarias con una sustancial carga existencialista. Entre los libros señalados en el Índice están: Amar y sufrir, de Santa Teresa de Jesús; Ensa-

yos, de Michel de Montaigne (1676); Los libros filosóficos, de René Descartes (en 1663); Pensées, avec les notes de Voltaire de Blaise Pascal (1789); El contrato social, de Jean-Jacques Rousseau; Justine

y Juliete, del Marqués de Sade; Science de l’homme, de Claude Henri Saint-Simon; Rojo y Negro, de Stendhal (1848); Los miserables y

Nuestra Señora de París, de Victor Hugo (1834-1869); las novelas de George Sand (1840); Madame Bovary, de Gustave Flaubert (1864) y

Ulises (1922), de James Joyce.

Los versos satánicos Salman Rushdie Editorial Sudamericana, 2007 679 pp.

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El comienzo del libro muestra imágenes reveladoras creadas con una hermosura que se encuentra en enunciados con un acabado impecable, de extrema eficiencia. De forma semejante prosigue el resto de texto, donde el exótico escenario suaviza la fuerza abrasadora de las palabras. La novela se centra en la figura del ángel caído, su expulsión del cielo y la condena eterna. Es una visión moderna del trayecto que separa al cielo de la tierra. En un accidente aéreo dos de los ocupantes del vuelo AI-420 de Air India, Gibreel Farishta y Saladin Chamcha, inician su abrupto descenso a la tierra, durante el cual se revuelven sus emociones formando un conglomerado de confusos pensamientos, que se transmutan de la fe a la locura. Pero en Los versos satánicos, los seres demoníacos son los mismos monstruos que acompañan la vida terrenal; el dinero, el poder, el sexo, la muerte, el amor cuando son tocados por la aberración humana. La obra es una copia al carbón del cuestionamiento que se plantea el hombre ante las prohibiciones. Para su autor, es la vacilación generada por el vacío bajo los pies. La creación de esa sensación de vacío en un pueblo con un sistema religioso con leyes fuertemente erigidas y que en su visión contemporánea vive una importante renovación, pareciera ser el único delito de Rushdie.“Para nacer de nuevo primero tienes que morir. (…) Para posarte en el seno de la tierra, primero tienes que volar”. JRM

Esa franqueza que mostró en su literatura, lo ha enaltecido como uno de los más importantes autores del siglo XX Y ha provocado numerosas censuras y sentencias contra su obra, y hacia su persona. Es difícil imaginar lo que representa el exilio total que debe afrontar quien vive una condena en la clandestinidad. En una de sus confesiones, Rushdie revela la experiencia casi surreal de tener una suerte de diversos alter-egos rondando a su alrededor como sombras que siguen sus pies pero que en realidad no nacen de ellos; ser una “no-persona”. Nadie es capaz de comprender la angustia y la autonegación del individuo hasta que lo vive. Sin embargo es evidente que quienes viven en esas situaciones de aislamiento forzado, tienen la capacidad de crear obras crudamente realistas y conscientes de las angustias y cuestionamientos humanos, puesto que al escribir estos autores se substraen de la realidad y casi que la observan desde afuera como narradores omniscientes de su propia vida.

Su narrativa Para algunos críticos, la visión que tiene Rushdie del ser humano resulta una revelación de lo que Jung define como la zona oscura del alma. Rushdie explora en sus obras esa zona donde se encuentran el hombre y el animal y emprenden una batalla entre moral e instinto. La cruda revelación de estas emociones deja al hombre indefenso y al desnudo y lo lleva a construir un muro de negación que oculta lo que niega la conciencia. Los personajes de sus novelas no están clasificados dentro de una escala que tenga como extremos el más bueno y el más malo, sino que viajan a lo largo de una escala irregular, cuyos extremos son humanidad e individuo, cada uno con infinitas variantes. Sin embargo, el único factor que el autor considera ha mostrado un verdadero progreso a lo largo de la historia es la degradación humana: ese camino transitado a lo largo de nuestra historia


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Su legado

Shalimar el payaso Salman Rushdie De bolsillo, 2007 504 pp. Occidente y el Islam se toparon en uno de sus puntos más álgidos durante los acontecimientos del 11 de septiembre. Esto significó un duro golpe para Estados Unidos y se desató una dura guerra política, donde inocentes pagaron de manera injusta mientras eran discriminados y lapidados con la mirada. Salman Rushdie, no dejó pasar por alto una ocasión tan propicia para la discusión del radicalismo, en el cual el hombre pierde toda perspectiva de diferenciación entre el bien y el mal y, como consecuencia, entre la vida y la muerte. Shalimar el payaso, es un musulmán que trabaja como chofer del ex embajador de los Estados Unidos en la India y jefe antiterrorista para el mismo país, Maximilian Ophuls. Shalimar es un hombre común con una afición: la actuación. En medio de la exploración emocional que implica este arte, Shalimar parece perderse en el abismo de su genio, que muchas veces lograba satirizar la crueldad humana y que, en consecuencia, era completamente incomprendido. Como consecuencia de su extravío emocional, asesina con un cuchillo a Maximilian Ophuls. A simple vista todo parece encajar con el prototipo occidental del asesino terrorista, pero desde la mirada de la “otredad”, Rushdie nos ofrece otra perspectiva de este problema ideológico y religioso. JRM

que nos ha conducido a una desmedida estupidez. La que nos impide reconocer nuestras fallas y pasiones y nos convierte en seres superficiales de muy reducido sentido trágico, carentes de purificación. Como señala Rushdie en uno de sus trabajos, es como representar Macbeth con un elenco de segunda categoría. O como dice el propio Macbeth en su célebre monólogo en el acto V, escena 5 de la obra, justo después de que muere Lady Macbeth y él habla sobre la vida: “…es como un cuento narrado por un idiota, con gran aparato y que nada significa (a tale told by an idiot, full of sound and fur, signifying nothing). Así piensa Rushdie que es el hombre de nuestro tiempo. Por otra parte, Rushdie señala que una de las características de quienes censuran su escritura es no haber leído el libro. Sus prejuicios no les permiten recorrer por sí mismos la travesía de conocimiento del hombre desde su interior; o quizás es lo que reconocen de sí mismos en sus historias, precisamente lo que produce en ellos esa profunda negación de éstas.

Rushdie propone reiteradamente la imagen del espejo, donde nos reflejamos nosotros mismos junto a nuestros antepasados. Es la reflexión en un pasado que califica de salvaje, tiránico, marcado por guerras santas o profanas pero que significa también un proceso de innovación y constante renovación. La misma que él expone en algunos de sus trabajos ensayísticos con el aporte que dejó el descubrimiento de América. Una nueva visión de ese mundo que cambió diversos paradigmas de la humanidad, y le permitió al hombre conquistar nuevas culturas sin las cuales la linealidad de la historia hubiese permanecido ininterrumpidamente en un proceso auto-canibalista, que desgasta el pasado para convertirlo en preceptos sin origen ni fin explicables; simplemente reglas, prohibiciones y creencias que nacieron de una masa borrosa en algún lugar de la historia. Esa es la idea que Rushdie le propone a su lector, quien piensa que una de las grandes cosas que puede hacer la literatura es acercarnos a otros mundos, abrirnos la puerta a otros pensamientos erigidos sobre estructuras heredadas de un pasado desvanecido entre decisiones, buenas o malas, tomadas por quienes lo construyeron. •

La encantadora de Florencia Salman Rushdie Literatura Mondadori, 2009 318 pp. El viaje de un extranjero desde el continente europeo hacia la corte del emperador Mogol del siglo XVI, constituye el pretexto al que recurre Rushdie para llevarnos desde un conocido mundo occidental a la exótica nación de la India en formación. El viajero, portador de una historia maravillosa sobre una hermosa y misteriosa princesa perdida en el olvido, es quien inicia un conjunto imaginario en el cual se adentra la narración en la que se extravia un idealista emperador. La narración oscila entre escenas del entorno indio y sucesos que ocurren en la Italia del XVI, locus y epicentro del dogma cristiano, y de revisión y producción de ideas e ideologías científicas, sociales y políticas de Occidente. Algunas de ellas son las formuladas por el filósofo político y escritor italiano, Nicolás Maquiavelo, a quien Rushdie busca liberar de ese rostro de ser calculador y siniestro que le ha puesto la historia. Los personajes difieren de los caracteres construidos por Rushdie en obras anteriores. Se destacan por su equilibrada mezcla de fantasía e historia; con ellas crea Rushdie una de sus obras más fantásticas y alucinantes. JRM

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Conversación con Eugenio Espinoza Lorenzo Dávalos

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ugenio Espinoza parece conversar desde un punto del espacio que se encontrara más allá de donde realmente se encuentra. Es como si su mirada, de ojos oscuros y fijos, y su voz grave, que cuenta su vida haciendo ocasionales giros narrativos, dibujaran estilizadamente para el interlocutor la imagen de un sadhu o santón hindú que luego de años de practicar alguna rigurosa y complicada rutina de ejercicios respiratorios y espirituales, ha logrado que una parte de él se haya hecho más leve; como si se hubiera desmaterializado un poco con cada expiración. Iniciamos la conversación en la Sala Mendoza, caminando lentamente frente a las obras de la exposición curada por Ruth Auerbach, titulada Aluminados y Sostenidos1, que constituye la primera muestra individual de Espinoza en este espacio. Caminamos y miramos sus enigmáticas obras, algunas de ellas, las de esta sala, pintadas directamente sobre la pared. Eugenio se ha pasado dos noches enclaustrado, durmiendo aquí, escuchando las paredes —usa esas palabras precisamente— a ver qué le decían, qué obras pintaba. No había llevado un plan previo, sólo su sensibilidad y su ritual para conjurar a su musa. De primeras estas obras parecen telas apoyadas sobre la pared, sostenidas precariamente por diversos soportes: pies de amigo, taburetes, sillas. Como si hubiesen sido colocadas a propósito en equilibrios precarios e inestables. Pero no lo son. Eugenio confiesa su intención de hacer que se detenga y retenga, como enredada dentro de una red, la mirada del espectador en cada una de esas obras. Las explica brevemente y hace un comentario sobre la necesidad del artista de hacer obras que seduzcan al espectador. “La pintura negra detrás de estos cuadros, oculta por la capa de color, pone un

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acento: hace los colores en estos cuadros menos planos, y capta por más tiempo la atención del espectador de manera que éste entre en un diálogo visual. Pero además quiero hacer este naranja o este amarillo más expresivos, más maduros. También pudieran haber sido colores planos, pero sabemos lo que es un color plano. En estos cuadros hay un lenguaje de pintura, una tradición de pintura; y quiero que todo eso se sienta, se vea y salga a relucir. Tengo disciplina de tutor. Cuando hago una instalación no me gusta quedarme sólo con los objetos puestos en la pared o el piso. Trato de que eso también tenga un lenguaje pictórico.” Seguimos conversando un rato más sobre esos cuadros que Eugenio dice que continúan su trabajo con el espacio. “En el fondo, busco pintar el espacio en el que uno se mueve; mi pintura tiene mucho que ver con el espacio. Pero no es tan intelectual. Fíjate en este borde, el cuadro termina allí porque la pared termina allí. Hay un asunto de trabajo del espacio físico. Pinto el espacio, pinto lo mínimo que podría pintar allí. No hay representatividad; represento el espacio mismo.” Luego nuestra conversación toca otros temas que le interesan y cuya presencia señala en estas obras: el equilibrio, el balance, los puntos de apoyo y, como

eje transversal, el diálogo profundo que busca construir Eugenio con el espectador. Diríase que toda su obra se ha desarrollado sobre una larga aspiración al diálogo con el espectador. El espacio es el lugar donde ocurre (alrededor del cual ocurre) ese diálogo.

El Impenetrable Continuamos la conversación del día anterior en la Galería Durbán, en Las Mercedes, luego de un desayuno que celebra el cumpleaños de Milton Becerra. Quiero conocer su obra anterior. Le pido que me cuente el comienzo de su historia con el arte y cuándo nace su idea de explorar la naturaleza del espacio. Nacido en San Juan de Los Morros en 1950, Eugenio llegó a Caracas a los 18 años después de terminar el bachillerato. Se inscribió para estudiar Artes Plásticas en la Escuela Cristóbal Rojas. Entorna los ojos y recuerda que no tenía mucha fe en que esos cursos lo convirtieran en el artista que quería ser. “La escuela fue un proceso principal, aun cuando no pasó nada interesante de narrar.” Eugenio cree que hay algo que tienen los artistas que no se puede adquirir en la escuela. “El arte requiere estudio y disciplina, pero todo eso debe estar también apo-

yado por una línea intensa, una visión intensa, una alegría intensa.” Admira también esa capacidad del artista para inventar, lo cual es una habilidad que éste tiene en común con algunos científicos. El uno y el otro inventan. El arte es invención también. Igual que un científico, los más grandes artistas fueron inventores. Soto inventó un lenguaje plástico, inventó una nueva realidad del arte dentro del arte. La realidad del arte es tan compleja como la que nos rodea. Son los artistas que inventan una nueva estructura o un nuevo lenguaje en el espacio pictórico quienes hacen historia en el arte. Andy Warhol inventó un lenguaje, los artistas que expresan su personalidad, sus sentimientos, son los que están más cerca de la nueva intención, que es la expresión. Hay artistas que no pueden dibujar ni pintar, ni tienen charm, pero son capaces de inventar una concepción que marca una etapa, y durante años muchos artistas los estudian y le dan continuidad a sus ideas. El artista que inventa es el que está capacitado no solamente con conocimiento, sino con intuición y que sabe ver donde otros no ven. Un ejemplo de esto es Soto, quien descubrió en París dos cabillas tiradas en un edificio que estaban construyendo; al verlas él se detuvo y vió en esas cabillas unas líneas vibrantes.¿Cuántas cabillas no hemos visto nosotros en nuestra vida?, pero en el arte, hay que estar preparado inconciente y concientemente, para descubrir, igual que en la ciencia. Entre los temas que se le plantean en los comienzos de su carrera, comienza a llamar cada vez más su atención el problema de la representación del espacio. “Cuando tenía 20 años, estaba estudiando arte. Pasé por las manos de Gego y estudié a Soto. Ellos hablaban con frecuen-


vaje a los límites de la representación

cia del espacio y a mi me interesaba mucho la pintura del espacio. Descubrí que la cuadrícula era un gráfico que se usaba para representar el espacio. Fue un invento de Durero, quien la construía con hilos de tela. Recuerdo que me dije un día: Si la cuadrícula se usa para medir el espacio, a mi me interesa el espacio, y todo se pinta en el espacio, voy a agarrar ese espacio, la representación del espacio.” Este tipo de reflexión subyace a la producción de la que ha sido interpretada como su obra fundamental. Eugenio ha construido su carrera de artista alrededor de una obra que fue a la vez un acto creador, un gesto (como lo llama Ruth Auerbach2) y un hito en el arte contemporáneo venezolano. Pocos podían haber esperado de este artista, que a la sazón tenía 22 años, una obra como el Impenetrable, que se expuso en una sala del Ateneo de Caracas en 1972. Se trataba de un bastidor gigantesco que el artista había construido y sobre el cual luego tensó una lona en la que estaba impresa una cuadrícula de gruesas rayas negras. El artista había adaptado esta lona para que quedara suspendida, a una altura de unos 80 cms sobre el suelo de la sala en la que iba a tener lugar la exposición. Dispuesta de ese modo, la tela con la cuadrícula de rayas negras, tensa sobre ese enorme bastidor, le impedía la entrada a la sala a cualquier espectador. Éstos apenas podían mirar la exposición, que estaba constituida por esa instalación, cuando se asomaban a la puerta de la sala. Esa obra, con el tiempo, se convirtió en lo más trascendental que había hecho. Era una obra frente a la cual él mismo no tenía palabras para explicarla o interpretarla. “Tenía mis ideas pero no lograba expresarlas con la facilidad que hubiera querido. No sabía explicarme lo que ha-

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Manifold 70 x 104 cm

bía hecho, y de repente llegó el momento de entender lo que pasaba, porque yo no podía ni entenderme ni explicarme. Lo hice y me quedé mudo también.” Quizás permaneció en ese silencio que obliteraba la interpretación porque en el fondo tenía la intención de dejarle al crítico, y sobretodo al espectador, la tarea de completar la obra y, sólo cuando lo considerase necesario, interpretarla. O lo hizo porque no sólo tiene vocación de tutor, como dice, sino también de maestro que guía al alumno hacia la luz.

El Impenetrable y la experiencia La experiencia es una moda de nuestro tiempo. El hombre contemporáneo se comprende y describe a sí mismo como perseguidor y amante de la experiencia. Algunos, cuando envejecen, aunque la anhelen, deben limitarse a ser espectadores antes que experimentadores. Sin embargo, mientras tienen la oportunidad y la capacidad, niños, jóvenes y adultos, persiguen la experiencia. Como en todos

los campos, el del arte no ha sido una excepción y el artista contemporáneo ha hecho lo posible para ofrecerle al espectador una experiencia y no sólo una obra de arte para su disfrute estético. No se trata más de la sociedad del espectáculo. Estamos en la sociedad de la experiencia. Aquella cuadrícula impresa sobre El Impenetrable, les recordaba a los espectadores que debían mirar el arte (o quizás sólo el espacio en el que éste se produce), con sus ojos antes de experimentarlo con el resto de sus sentidos. Como recordando que el arte, antes de ser una experiencia multisensorial, es un ejercicio visual. Quizás era éso lo que quería Eugenio recordarles a los espectadores, enfatizar que muchos de ellos se quedaban en el acto lúdico, jugando con los Penetrables de Soto, o simplemente hechizados por el juego de luz y sombra que se produce dentro de esas obras cinéticas, y no terminaban de darse cuenta, de conectarse y hacer empatía con la obra y la intención de Soto al crear sus

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Penetrables. Podemos comprender mejor esta insistencia de Eugenio en que el espectador mire (con responsabilidad o al menos con conciencia) si recordamos cómo comprende este artista la contemplación, que sería la forma especial de mirar la obra de arte. “Contemplar es cuando surge un diálogo entre la obra y el espectador; un diálogo filosófico e intuitivo que sirve para conocerse. Contemplar es el momento en el que uno se conecta con eso. En el contemplar también tiene que haber placer, que es el vehículo para contemplar. Hay una especie de ética de la belleza y de repente la acción no se da, y la belleza se va superando y se va entrando a otro nivel de belleza. La belleza no es solamente lo bonito; lo feo puede ser bello también, si penetras en la situación. La contemplación es el instrumento para dialogar con el arte.” Quiero leer el Impenetrable como una obra con un fuerte contenido pedagógico y a Eugenio como un maestro sui

generis que trata de enseñarle al espectador cómo se contempla la obra de arte. Como si le dijera: “Comienzas por tomar distancia de aquello que contemplas; lo miras desde la puerta de la sala; luego te acercas poco a poco; hasta que te está permitido entrar en la obra; experimentarla. Completar y complicar tu contemplación al involucrar otros sentidos. Y de este modo, comienzas a conectarte con el artista y con su intención, y comprender su obra.” De este modo el espectador coopera con el artista y concluye la obra que éste dejó inconclusa (Umberto Eco lo dice en Opera aperta). Puede ser que haya cierta rigidez o severidad en este acto pedagógico, pero en algunos casos, sólo con esta actitud podrá enseñarse.

Crítica del espacio de representación En 1972, Eugenio expuso también en el Museo de Bellas Artes. En este espacio presentó una serie de cuadros que tenían también como tema el bastidor, el marco y la cuadrícula.

“Mi idea en ese momento era trabajar con el bastidor, con una tela que cortaba y hacía que la obra quedara por la mitad; entonces una parte de la tela quedaba prensada y la otra parte imprensada, caía al piso, era ese tipo de experimentos, pero en todos los casos estaba presente la tela cuadriculada.” Con esta fragmentación y desconstrucción de la cuadrícula, Eugenio abandona la intencion pedagógica que lo había caracterizado y se concentra en su vocación de crítico. Pareciera que el artista quería comunicar que la cuadrícula, el bastidor, la tela, todo esos elementos conspiran para convencer al espectador de que el espacio dentro del cual el artista produce la obra de arte es tan ortogonal y lineal como la realidad. Pero además recordar que, según la convención, ese espacio dentro del cual está retenida y contenida la obra de arte está aislado de la realidad por esa ventana cuadrada o rectangular que es el marco; lo que sugiere la idea de que el arte es otra realidad, quizás espejo de la nuestra que el artista proyecta sobre la tela, el papel, la madera, la plancha de cobre, etc, con una mínima distorsión. La cuadrícula ayudaría al artista a hacer esta proyección con una mínima distorsión. Esa proposición es falaz y Eugenio se propone desconstruirla. Quiere recordarle al artista y al espectador que esa retícula imaginaria que se ha usado para traducir el espacio tridimensional en una representación bidimensional mediante un proceso de fragmentación del primero en celdas regulares, es una convención que se puede abandonar sin subvertir principios estéticos o leyes fundamentales de la física. El espacio real, es posible que, como lo sugirió Albert Einstein, tenga tres dimensiones espaciales y una dimensión temporal. Pero tambien es posible que nuestro espacio tenga, como lo sugieren ciertas formulaciones de la Teoría de Cuerdas (consistente con la física cuántica), 10, 14 o 26 dimensiones espaciales. Lo que nos hace pensar que quizás el verdadero espacio no lo podremos captar nunca con una simple representación bidimensional. Ese espacio es como la cosa-en-sí, inasible. Lo que nos lleva a pensar que tanto el espacio real como aquel dentro del cual nace


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la obra de arte son contingentes. Por eso con esta obra Eugenio parece decir: “Toma la representación que te ofrecen el cuadro, el bastidor, la cuadrícula como una propuesta; como un juego de lenguaje más (como diría el Wittgenstein tardío3); como una invención del artista. Pero no la tomes como lo real. Bastidor, tela, cuadrícula son elementos de ese juego de la ilusión que quiere ofrecerte el arte, de los que puedes prescindir cuando hayas penetrado verdaderamente dentro de la obra. Otros artistas pueden inventar otros juegos. Tienen el derecho de armar esa ilusión que es el arte con elementos no ortogonales: que pueden ser curvos, replegados sobre sí mismos, en forma de volutas, violentados en su naturaleza ortogonal. Total, es difícil pensar que esa sensibilidad que hace al artista ser lo que es, no produzca una distorsión profunda en la estructura de la realidad. Intuimos que las pasiones intensas, las que nacen en el corazón de los verdaderos artistas, deforman la realidad, en realidad deforman las dos realidades, la del arte y la que nos rodea. No hay un solo espacio, hay infinito número

de espacios; y no sólo infinito numero de mundos como lo había pensado Giordano Bruno en el Renacimiento.

El Impenetrable, Soto, Espinoza “El Impenetrable fue una respuesta a Soto; una especie de reacción que tuve frente a ese público que penetraba la obra de Soto de una manera afectiva, pero era incapaz de ver lo que pasaba en esa obra realmente. La obra de Soto necesita ser más conocida, sentida de otra manera. Mi respuesta fue esa instalación en el Ateneo. (…) yo le estaba exigiendo a la gente: “Mira, mira lo imposible que se puede penetrar, lo que vas a ver es la representación gráfica de tu espacio”.

Viaje a Estados Unidos Eugenio es uno de esos artistas que ha vivido y ha recibido una formación importante en el extranjero. Pero, mirando su obra en retrospectiva, uno diría que todos esos años de formación han contribuido, no a que haga obras que tengan mayor impacto entre sus contemporáneos, sino a comprender mejor la obra

que ha hecho, y en particular a entender cuál era el significado de su Impenetrable. Eugenio recuerda que en el año 1977 le dieron una beca para estudiar un año en New York; estudió en Pratt Graphic Arts Center entre 1977 y 1979. Posteriormente, cursaría estudios en New York University y en la School of Visual Arts en New York. Eugenio trata de explicar por qué salió de su país: “Lo que pasa es que no quería terminar vendiendo arte en Sabana Grande. Ese era un destino típico para un artista: el alcohol, la rumba; siempre he estado alejándome de ese camino. En los años 80, sin embargo, solía ser invitado a Venezuela y exponía en algún museo. Vine muchas veces. Durante los años 80 y 90 expuse en casi todos los museos de Caracas, el Sofía Imber, el Alejandro Otero entre otros.” Como vemos, a lo largo de los años, Eugenio no pierde el vínculo con Venezuela. Retorna una y otra vez a su país a hacer alguna exposición, y en cada una de ellas explora temas distintos del tema del espacio. Pero finalmente, regresa al espacio, al problema de su representación en el plano bidimensional y a las posibilidades de la cuadrícula de catalizar esa representación. En algún momento, se muda de New York a Miami y será en esta ciudad donde retornará a realizar las variaciones de su obra más importante.

El artista se hace lúdico Con el paso del tiempo, Eugenio adquiere una idea más clara de la importancia que había tenido el Impenetrable, tanto para articular su carrera artística como para repensar el concepto de representación en el arte contemporáneo. Ruth Auerbach cuenta que en el año 2004, 32 años después de la exhibición que realizara en el Ateneo de Caracas, Eugenio expuso el Impenetrable en Miami, en el piso superior de Wagner House, una antigua casa construida en 1830 ubicada en Lummus

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Park. Para esta exposición, Eugenio construyó una vez más un bastidor que tenía las dimensiones exactas de la sala. En esta versión de esa obra recurrente, se sumaba al efecto que la anterior produjo en los espectadores, el contraste entre esa figura minimalista que era la retícula y un estilo arquitectónico del pasado. Meses más tarde, Eugenio realizó un tercer Impenetrable esta vez en Locust Project. Como la superficie de este espacio era mucho mayor, tuvo que dividir la tela en múltiples bastidores, mediante un programa digital, con la idea de recuperar posteriormente los fragmentos para ser reutilizados. En otra exposición, que realizó en CIFO en 2007, titulada Negativa Moderna, Eugenio puso sobre el piso la tela con la cuadrícula de rayas negras impresas. A diferencia de casos anteriores, en esta ocasión la tela había sido previamente cortada en tiras largas y dispuesta ordenadamente sobre el piso. Antes de que entrase la gente a ver la exposición, la tela mostraba una cuadrícula impecable, de cuadros perfectamente orotogonales. “Pero cuando la gente entra, camina, penetra, todo el dibujo de la cuadrícula se va como moviendo de manera que al final termina toda esa instalación desordenada. Esa obra, que compró el Museo del CIFO, es para mí la más importante. El espectador se encanta, se divierte como en un Penetrable de Soto.” El Eugenio que presenta esta obra se ha flexibilizado y reconciliado con el espectador; e incluso con el Soto de los Penetrables; está más cerca de ambos, comprende mejor sus debilidades y admira sus aciertos. Esta versión nueva del Impenetrable abandona o modifica su proyecto pedagógico original. O quizás enseña de otro modo; utilizando para ello la experimentación y el juego. O quizás se ha dado cuenta de que los planos de las ciudades, los juegos de ajedrez, e incluso el espacio-tiempo no son tan resistentes a los efectos de las influencias externas como lo era su cuadrícula impe-

Kissing the fall 2009 Pintura sobe pared. Materiales diversos Medidas variables

netrable y flotante. Todo lo contrario, decenas de factores en la sociedad hiperconectada de la posmodernidad alteran los ángulos ortogonales de la cuadrícula de Durero y sus múltiples metáforas. En la metáfora urbana, la cuadrícula formada por calles y avenidas perpendiculares entre sí, propias del centro fundacional, se va deformando, sus calles torciendo o curvando; sus intersecciones cruzándose en ángulos obtusos o agudos. Sus límites son violentados, excedidos, se derraman mucho más allá de lo deseado o planeado. Y en la medida en que procede este avance de la ciudad, se pierde u olvidan la ortogonalidad y el orden, porque ese crecimiento radial de la ciudad hacia los suburbios ocurre de una forma poco o nada planificada, en la que el azar y el caos (y con frecuencia también la violencia) imperan o negocian, desde una posición de dominio, con cada vez más débiles oficinas municipales de planificacion urbana. Y así, vistos desde el aire, los suburbios nos recuerdan modelos de reticuláreas flexibles, de líneas curvas o cuasi rectas, que se empatan con otras, formando ángulos obtusos o agudos, como si fueran una escultura de Gego proyectada sobre un terreno

que en muchos casos ha dejado de ser plano e impone a la realidad urbana las deformaciones propias de la caprichosa topografía irregular propia de los cerros que rodean la ciudad, como es el caso de Caracas, de Río de Janeiro, y de tantas otras ciudades latino americanas. “En el piso las líneas no es que se destruyen sino que se desorganizan y al desorganizarse se produce el caos visual, que hicieron los espectadores, y es divertido para ellos. Y se produce algo que no controlo. He hecho el registro fotográfico y filmado de todo eso”. Y mientras escucho a Eugenio contar sobre esas experiencia pienso cómo ha evolucionado y aprendido a trabajar en equipo con los espectadores. A tener empatía con la necesidad de ellos de interactuar con la obra como si fuera ésta una madre y ellos unos niños. Pienso aquí en esa función del arte de reconectarnos con nuestras identidades (¿aspectos de ellas?) más antiguas, puras, ingenuas, vulnerables. De retrotraernos a nuestra niñez. Y al hacer esto, Eugenio se abre y alimenta las posibilidades de empatía de los espectadores con su obra. Lo hace sin la severidad de antaño; recordando que en el fondo él y ellos son niños.


viaje a los límites de la representación

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Deformación continua

“Aquí mi reacción es la de que no me preocupa lo que el público haga con mi obra, porque ésta es un concepto, un material que no es definitivo; un proceso. Quizás lamento que la gente no vaya hasta el fondo, pero reconozco que no puedo controlar. Hay un desconocimiento y un no control. Esto me recuerda a Milwaukee, donde hice una obra que titulé Picnic Étnico. Se trataba de una especie de mantel de picnic con una cuadrícula impresa encima. La gente llevaba su botella de vino, comía, eran estudiantes de arte, gente de la calle. La obra se llamó étnica porque pasaba todo el mundo y esa obra el día que terminó la recogimos y quedó manchada de comida, luego se mostró un video de lo que pasó. Era otra expresión, otra forma de ver el ser impenetrable. Ahora tengo una actitud más amistosa con el público, no lo rechazo. Yo tenía un gran interés en el vacío del espacio, no era solamente para repasar la obra. Cuando hice el Impenetrable buscaba trazar este espacio adentro y solidificar esa materialidad con la cuadrícula.

Al no crear un espacio estaba creando una condición social, estaba impidiendo la entrada, tanto que ni yo mismo podía entrar. Hubo incluso una paralización del disfrute de la obra de arte.” Ciertamente todo esto representó un costo, una restricción, una limitación que el artista le imponía a los espectadores y se imponía a sí mismo. Pero también fue un logro. Eugenio logró que la representación convencional del vacío se hiciera tan sólida como para impedir la entrada de cualquiera. El vacío se había hecho denso, duro y sólido. Eran tiempos insoportablemente graves, en los que hasta la levedad del espacio era sólida y restrictiva. Y el artista se había disfrazado de dictador en su breve dominio. O de un severo maestro zen —que en ocasiones se asemejan el uno al otro—, quizás porque no podría haber satori en una cultura democrática. El público parece haber cambiado a lo largo de los años. “Hoy en día, creo que cuando la gente ve el Impenetrable, reacciona pensando: ¡Ah!, éste es el Impenetrable”. El público acude a una de esas

exposiciones preparado, y se quedan afuera, toman una foto y ya. A mí me interesaba, en aquella época, la afirmación por medio de la negación. La ley de Chagall es la ley de la actividad del rechazo de la realidad sobre su propia estructura. Entonces sus cuadros son un cuadrado negro sobre blanco. Chagall decía que no quería la realidad dentro de sus pinturas, sino otra realidad. Para él, el color negro era negatividad y el usaba la negación para afirmar. Yo afirmé mi espacio con ese Impenetrable. Y creo que esa obra todavía tiene posibilidades.”

Final Pienso que se puede leer la obra más reciente de Eugenio como una insistente meditación sobre la representación que va: desde el espectador, al instrumento de representación, y de ésta a lo representado y de éste último al artista. A lo largo de este camino se debilita gradualmente la concepción de un espacio ortogonal claramente delimitado (el bastidor se quiebra, pliega, dobla y derrama saliendo de sus bordes; lo hace como si fuera espejo de la ciudad contemporánea, que se expande sin fronteras ni control; o del espacio cartesiano, que desde Descartes se ha curvado, torcido, bifurcado, multiplicado en infinitos espacios y universos que el artista, y algunos poetas, pueden confundir con sus sueños, visiones o alucinaciones.

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Luego de todo esto no es extraño que se retire el artista de la obra de su rol de creador y se metamorfosee en artesano que construye lenta y recurrentemente —con la participación de los ejercicios, más bien lúdicos y pragmáticos que intelectuales, experiencias y sensaciones de los espectadores—, ese estímulo e ilusión multisensorial a la vez que intelectual que es el arte contemporáneo, que reune en una gran obra, al artista y al espectador. Por otra parte, uno siente que ha tenido lugar un proceso de introducción de levedad en la obra de Eugenio. En el origen, cuando en 1972 exhibe el Impenetrable, Eugenio realiza sobre el espacio una operación de solidificación, que lo hace grave y espeso, tan denso que le impide al espectador ocuparlo. Pero luego inicia un proceso alquímico de “rarificación” del espacio artístico. Lo lúdico y lo participativo son, respectivamente, oportunidad y signos de esa levedad. Pero esa exhibición última en la Sala Mendoza, en la que las obras de la serie de obras tituladas Sostenidos están pintadas directamente sobre la pared, y se han hecho perecederas y livianísimas, llevan a un nuevo nivel la

levedad. Artista y espectador sabemos cómplicemente que aún si quitamos los puntos de apoyo (pies de amigo, torres de libros, sillas o banquitos), las obras pintadas sobre la pared se sostendrán, no caerán. Son peredeceras no porque se puedan caer y quebrar, ni por ser frágiles. Sino precisamente por esa extrema delgadez que las hace leves. Están a un paso de haber sido solo proyectadas sobre esas mismas paredes. O incluso proyectadas intermitentemente, mediante un sistema que alternase entre la proyección de la obra y la no proyección. Y aún así, nuestro ojo, construiría la obra en nuestra retina como algo permanente. Y nos haría creer que la obra existe, no que existe a medias (aun cuando en rigor pudiera afirmarse tal cosa). Y si la miramos por tiempo suficiente, tendríamos la posibilidad de soñar con ella. Recordarla con la nitidez con que se recuerdan las imágenes de un espejismo que vimos fugazmente al mediodía en el desierto, al final de ese mismo día, durante la noche, poco antes de conciliar el sueño, agotados y deshidratados luego de caminar bajo un sol abrasador y encandilante. Esto define otro modo de relacionarse la obra y el artista con noso-

tros como espectadores. Una trayectoria que parte de un acto de prohibición de la entrada a un espacio denso y sólido y que llega a una obra que, con voluntad y empatía, y mucha seducción, nos invita a que la dejemos colarse en lo más profundo de nuestra retina. Lo que es sólo un paso anterior a su dormitar chispeante en nuestra memoria. Porque el Penetrable de Soto no está (solamente) en las varillas y los sonidos que hacemos al chocar con ellas nuestros cuerpos (lo que decía Eugenio), sino en el juego fugaz e inasible de luces y sombras, destellos y reflejos rutilantes, que están y no están, en nuestra retina. Que aparecen y se desvanecen, como si fueran ondas, formas sinuosas que nos recuerdan las del fuego, las del agua, las de la luz en el aire claro de la mañana; esas imágenes tenues que creemos advertir como flotando frente a nuestros ojos. • Notas 1. Las obras de la exposición Aluminados y Sostenidos estuvieron expuestas en la Sala Mendoza, localizada en la PB del edificio Eugenio Mendoza Goiticoa, en la Universidad Metropolitana, Caracas, entre el 14 de junio, día de la inauguración y mediados de agosto de 2009. 2. Esta idea del Impenetrable como gesto aparece en dos trabajos de Ruth Auerbach, Directora de la Sala Mendoza: “Eugenio Espinoza, La experimentación re-construida”, fue texto del catálogo de Inova; el segundo es: “Eugenio Espinoza, desplazando geometrías, Aproximación cronológica a una obsesión pictórica”, que fue publicado en el catálogo de la exposición del artista en CIFO en 2007, en Miami. 3. El concepto de juegos de lenguaje lo desarrolla Wittgenstein en sus obras tardías, Investigaciones Filosóficas y Los Cuadernos azul y marrón. En estas obras este filósofo relaja su censura inicial de los lenguajes naturales y ese proyecto de formalización del lenguaje que recorre el Tractatus logico-philosophicus. 4. La idea de que el Impenetrable es una obra recurrente a la que el artista retorna una y otra vez, como si fuese un proyecto auto-arqueológico que produce un doble está sugerida en el texto: Play it again: Geometric abstraction and the remake, que aparece sin firma en el url: http://www.re-title.com/artists/ eugenio-espinoza.asp.

Revista GP18  

Edición 18 revista GP, guíaplatinum

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