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18 ANIVERSARIO #YOLEOELDUENDE

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EL DUENDE RECORDS & RAY-BAN PRESENTAN

ICONOS DE UNA GENERACIÓN

EDM

@ELDUENDEREVISTA

NÚMERO 155

ESPECIAL 18 ANIVERSARIO · EL DUENDE

STEREO Nº155

ELDUENDE RECORDS


嘀 䤀 䐀䄀   䘀 䔀 匀 吀 䤀 嘀䄀 䰀     䈀 䤀 䰀 䈀 䄀伀   䈀 䈀 䬀   䰀 䤀 嘀 䔀   䌀 刀 唀 케 䰀 䰀 䄀   䘀 䔀 匀 吀 䤀 嘀䄀 䰀   一伀  匀䤀一  䴀򂐀匀䤀䌀䄀 䰀伀圀   䘀 䔀 匀吀 䤀 嘀䄀 䰀 匀伀一伀刀䄀䴀䄀  刀䤀䈀䔀刀䄀 嘀椀渀椀氀漀猀Ⰰ 爀漀瀀愀 瘀椀渀琀愀最攀Ⰰ 漀 樀甀攀最漀猀㨀 攀渀琀爀愀 攀渀 戀攀攀昀攀愀琀攀爀⸀攀猀Ⰰ  礀 攀氀椀最攀 攀氀 洀攀樀漀爀 瀀氀愀渀 搀攀 䰀漀渀搀爀攀猀 瀀愀爀愀 挀愀搀愀 昀攀猀琀椀瘀愀氀


icono el editorial

icono ‘futuro’, 2015 | por boamistura

Capítulo XVIII Donde se cuenta lo que en él se verá Por Rubén Arribas

S

uena quijotesco decir que hoy existe una nueva movida cultural. Un mundo de creación desbordante, compuesto por muchos molinos de viento y no por unos pocos gigantes colosales de brazos largos de casi dos leguas de otras épocas. Aspas volteadas por el viento del esfuerzo que mueven la piedra del molino en tiempos difíciles. Una nueva hornada de Sancho Panzas, personajes injustamente secundarios, que en las últimas décadas han situado a las Artes y Las Letras en un escalón que tal vez obtenga, bajo la perspectiva que otorga el paso del tiempo, un justo reconocimiento. Prueba de ello es el increíble resurgir de las Artes Escénicas que ha originado al unísono una frenética actividad teatral, un auge de lo independiente, nuevos formatos como el microteatro, nuevos territorios y escenarios y, no menos importante, un remozado público que ha terminado por atraer a las marcas, actuales mecenas de la cultura. Artistas autónomos, más profesionalizados que nunca, lanzados a la autogestión y la autoedición. Músicos y DJ´s que se hacen con un público

desde sus propios canales y directos. Un nuevo movimiento poético que sale a la calle y escritores que rompen con los cánones. Ilustradores, creadores urbanos, diseñadores, videocreadores y fotógrafos que compiten con pintores o escultores en el parnaso del arte. La gastrocultura, nuevos artesanos, el género documental, la democratización digital y el fenómeno maker. No hay fronteras en un arte transversal y multidisciplinar en la búsqueda de Dulcinea. La generación cultural más heterodoxa y ecléctica que se recuerda. Pues bien, esta edición está dedicada a todos ellos, siguiendo una máxima cervantina; “la ingratitud es hija de la soberbia”. A los creadores que alimentan nuestras páginas y nuestras portadas desde hace 18 años, desde que El Duende sacara aquel mayo del 98 sus ejemplares a las calles. Y gracias a ellos, aclamamos una nueva Movida, la PROmovida, que precisamente no está auspiciada por las instituciones como cantaban Los Refrescos. Sino una movida cultural liderada por creadores a los que les une una PROfesionalidad y calidad sin

parangón, que han sabido labrarse su camino en los senderos de la supervivencia. Esta edición de aniversario es un homenaje a ellos y una verdadera exposición de algunos de sus protagonistas. Hemos querido descubrir y rendir tributo a los iconos de los últimos tiempos para verlos reinterpretados desde su visión y obra. Porque El Duende si con algo delira, como Alonso Quijano en sus sueños, es con convertirse en un útil vehículo que apoya la cultura de esta ciudad y a sus protagonistas, pero “sábete, Sancho, que nos es un hombre más que otro, si no hace más que otro”. Suena Quijotesco decir que hoy existe una nueva movida cultural formada por Sancho Panzas. La “PRO”, como llaman los niños a los mejores, MOVIDA. *Este editorial está dedicado a mis compañeros, grandísimos PROS, supervivientes y claros exponentes de lo que aquí se cuenta.


icono EL DUENDE

la receta de el duende Hay artistas, personajes de ficción o fenómenos sociológicos que son referentes; para cada uno de nosotros o para una generación. Estos iconos son nuestros protagonistas.

H

emos tenido el privilegio de contar con la colaboración, por un lado, de periodistas especializados y autores que nos han dado su visión sobre estas y, por otro, con la de creadores gráficos que han participado en esta edición con obras creadas, en muchos casos, ex profeso. Comenzamos con nuestro icono de Madrid: El Duende ¡Comparte cuáles son tus iconos! #iconosElDuende

¿Sabías que… El Duende vio la luz en Madrid el 18 de mayo de 1998 pesando unos 250 gramos? El proyecto empresarial que trajo al mundo la revista nació unos meses antes, en otoño de 1997, en un cuarto cedido por una empresa amiga, Galería Vía Láctea. Esther Ordax y Rubén Arribas, sus creadores y editores, estudiaron periodismo junto al redactor jefe, Javier Agustí, que trabaja con ellos desde su fundación. …en 1735 comenzó a correr por la Villa de Madrid unas peculiares hojas manuscritas con el nombre de “El Duende Crítico”, o que Mariano José de Larra, que tenía como uno de sus pseudónimos “El Duende”, editó en 1828, “El Duende Satí-

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rico de el día”? Cada siglo tuvo su “duende” periodístico. Este es el del siglo XXI. …en su primera edición El Duende contenía ocho planos de Madrid en los que se ubicaban los puntos más calientes de la cultura? Ahora, el “trabajo sucio”, lo hace Google Maps (Google nació como empresa unos meses después que El Duende). …el logo de la “D” al revés de El Duende lo diseñó uno de los mejores diseñadores gráficos de nuestro país, Manuel Estrada. …además de en más de 650 puntos de distribución habituales, puedes encontrar todas las ediciones de la revista en la Hemeroteca Municipal de Madrid? …las revistas de El Duende, en papel, todas sumadas, han sido leídas cerca de catorce millones de veces? …desde nuestro nacimiento quisimos ser partícipes de la cultura de la ciudad? Hemos montado desde pequeños eventos a festivales multidisciplinares que llenaron, entre otros espacios, el Museo Nacional de Antropología (hoy Museo del Traje) o El Círculo de Bellas Artes. …en 2008 organizamos en Matadero Madrid una entrega de premios “en si-

lencio”. Solo se escuchaba, entre premio y premio, la letanía de unas prodigiosas tubas y los aplausos. Entre los premiados que nos acompañaron, algunos muy conocidos como Paco León o Fernando León, y otros aún poco conocidos como Russian Red o Vetusta Morla. ...en 2009, junto a PlayStation, organizamos una gala de premios a artistas emergentes que consistía en una cena a ciegas (con directo de Boat Beam) en la que recibieron sus trofeos y su PS Vita con un antifaz? (alguno aprovechó para meter mano a su pareja. Los camareros sí veían...). … a finales de 2015 nació dentro de Grupo Duende un nuevo proyecto de comunicación 360º con el nombre de La más chula (y logo de Boa Mistura)? Te organizamos desde un Guateque a una Verbena, una acción de escaparatismo en cualquier lugar de España, una obra de teatro para diez personas o un congreso para mil. www.lamaschula.es …nos encanta sorprender y romper con el formato de nuestra revista? Y en esto hemos sido pioneros. La original, de 1998, es estrechita y alargada, pero la hemos hecho, entre otras, con formato “XXL”, apaisada , como un álbum de fotos o como un LP, como el que tienes en tus manos. …El Duende organiza, junto a Havana Club 7 y desde 2013, el proyecto Havana Club 7. Historias que Cuentan, un homenaje a los mejores periodistas de nuestro país? Sus temáticas, monográficas, han

ido del periodismo de Investigación al de la Crítica de Cine. Entre otros muchos, nos han acompañado Juan Ramón Lucas, Vicente Vallés, Enric González, Andrés Aberasturi, Montse Domínguez, Diego Manrique, Carlos Boyero... Además de la charla, hay música en directo, picoteo gourmet y cócteles de Havana Club 7 inspirados en los ponentes. En junio de 2015 lanzamos un segundo formato más “canalla” y abierto al público,: Havana Club 7. Historias que Cuentan. El Show. Un mix de late night show, obra de teatro, charla con amigos, y actuaciones musicales a ritmo de cóctel bajo la dirección artística de Yllana. Con Rubén Amón, Juan Luis Cano, Toni Garrido, Raquel Martos, Gabino Diego y Cayetana Guillén Cuervo. … invitamos a dos personas a comer en el restaurante MyVeg si comparten un vídeo en RRSS con el hashtag #YoLeoElDuende y nos felicitan por nuestro 18 aniversario? …la felicitación en vídeo por nuestro 18 aniversario del rapero KASE.O ha sido el vídeo más visto y compartido en nuestra página de Facebook? (Revistaelduende) …Oliver Rath ha sido el fotógrafo que más ha triunfado en nuestra cuenta de Instagram revista_el_duende con una imagen de un condón de Darth Vader con la frase “Luke, i will not be your father”? …hemos entrevistado a gente muy variopinta? Miguel de la Quadra-Salcedo, Quino, Javier Bardem, Alejandro G. Iñárritu, Nick Cave, Victoria Abril, Paco Rabal, Joaquín Sabina, Pinito del Oro, Mel Brooks, Enrique Vila Matas, Kiko Veneno, Viggo Mortensen, Chema Madoz, Asier Etxeandía, Mingote, Juan Antonio Bayona, Fangoria, Leonor Watling, Wyoming y un larguísimo, pero larguísimo etcétera… Un lujazo. …en la cuenta de Twitter @elduenderevista te contamos cada día los mejores planes para exprimir Madrid? …Grupo Duende ha editado, edita y editará en papel -además de El Duende - todo tipo de productos editoriales, catálogos , publicaciones a medida y ¡hasta álbumes de cromos! www.duendemad.com


duendemad.com |

i c o n o E L D U E N D E | P O R NI S ININO / d u e n d e r e v i s ta | @ e l d u e n d e r e v i s ta |

@ r e v i s ta _ e l _ d u e n d e


LOS ICONOS DE LA

REDACCIÓN Ilustraciones: Nisinino

Javier Agustí (Redactor jefe) DOMINIQUE A: Me lo descubrió mi hermano Juan, como a tantos otros músicos. Es un ejemplo de coherencia artística y una carrera de altura. En el año de nacimiento de la revista, 1998, grabó Remué, que supuso una ruptura en su estilo, más abierto al rock y a una cierta experimentación. En 1999, en la gira de presentación del mismo (pasó casi desapercibido por el FIB) dio un concierto memorable, junto a su ex, François Breutz, en el Teatro Central de Sevilla, que nunca olvidaré. Este 10 de junio, vuelve a Madrid (Sala Arena). ¡Allí nos vemos!

Robert Hawkins (Jefe de Publicidad) BANKSY: Con Banksy, hay un antes y un después en el arte urbano. Sus intervenciones callejeras, de inconfundible trazo y siempre cargadas de mensaje subversivo, no dejan indiferente a nadie y alcanzan una repercusión estratosférica. Mi admiración por él tocó techo después de visitar y alucinar con la exposición “Banksy versus Bristol Museum” en septiembre del 2009 después de hacer cola durante...¡6 horas!

8 @revistaelduende

Esther Ordax (Codirectora / Editora) VUELOS LOW COST: Viajar me ha marcado la vida, siempre para bien, y sigue y seguirá siendo (espero) mi motor vital y mental. Mi rincón de pensar, de crecer y de soñar. Escribo estas líneas desde un avión Madrid–Moscú = 57,59 euros. Sin duda, la democratización de los precios de los vuelos, han supuesto un antes y un después.

Paloma F. Fidalgo (Redacción y Ejecutiva de Cuentas en eventos) MICRORRELATO: “Cuando despertó, el dinosaurio todavía estaba allí”. Todo empezó con estas siete palabras de Monterroso, y las redes sociales han hecho el resto. Uno de los iconos narrativos de este siglo XXI es la microficción, el microrrelato. Autores como Max Aub o Borges ya cultivaron esas pocas y efectivas frases que abren enormes mundos, pero la cultura de lo instantáneo, en la que leemos más rápido y más corto, ha reforzado el género. Que se lo digan a Andrés Neuman o a Fernando Valls. Y ni una palabra más.

Sandra Cabria (Dpto. de Publicidad) AMANCIO ORTEGA: Icono de éxito empresarial que ha logrado expandir una marca española por los 5 continentes, convirtiéndola en la multinacional líder. Ha hecho cambiar el sector textil al tiempo que ha revolucionado la moda y la forma de consumirla.

Rubén Arribas (Codirector / Editor) LOS AUTÓNOMOS. Dícese de aquellos “supervivientes” que realizan un trabajo por cuenta propia, tirándose al vacío sin red. Tengan una especial atención los artistas, creadores y freelance de los que se nutre la cultura. Inclúyase también a los emprendedores. Sin duda es una época marcada por todos ellos. Para los interesados, se recomienda la lectura de Autónomos: La Guía Definitiva de Toni García, ilustrada por Cristobal Fortúnez.

Rebeca Queimaliños (Community Manager) LA HORA CHANANTE: Amor incondicional por unos seres humanos que reivindicaron el humor absurdo, lowcost y lo introdujeron en -casi- todos los hogares españoles. Los “Monty Pyton” albacetenses, demostraron que era compatible reírse con ellos y de Jose Luis Moreno.

Álex Pedraza (Dpto. de Arte) LARA CROFT/ TOMB RAIDER: Desde que apareció en 1996 ha sido, con permiso de Samus Aran (Metroid), según el libro Guinness, “el personaje femenino de videojuegos más exitoso y conocido de todos los tiempos”, sobrepasando incluso los limites poligonales con réplicas reales y versiones cinematográficas. Rompió las reglas de lo establecido con una dinámica ‘irrompible’ hasta entonces propia de protagonistas masculinos. Personajes que hoy disfrutan de su éxito, como Nathan Drake, entre otros deben, en parte, su legado a la señorita Croft.

Mayi del Castillo (Directora Financiera) YLLANA: La compañía Yllana nos ha acompañado siempre en El Duende. Si hay algo importante es arrancarte una risa y, aún más, una sonrisa, y ellos son especialistas en ello. A mí nunca se me olvidará su obra La cantante calva. Creo que es el espectáculo en el que más me he reído. Me encantaría que volvieran a representarlo. ¡Gracias Yllana, por tu buen humor!

Nuria Cuesta (Jefa del Dpto. de Arte e ilustradora) REDES SOCIALES DE IMÁGENES: Siempre he acumulado imágenes. Y soy adicta a las listas. Los recortes, fotocopias y el pegamento Pritt eran mis inseparables hasta que un día conocí los blogs, luego Flickr, Tumblr, Instagram y por último, Pinterest. Fascinada, miro, discrimino y asimilo muestrarios interminables de ideas, tutoriales, paletas de color, estilos de ilustración... Influencias y saturación visual. Y la ruina de mis retinas...


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NUEVO MINI CABRIO. STAY OPEN. Consumo promedio MINI CABRIO: desde 3,5 hasta 8,6 l/100km. Emisiones de CO2: desde 91 hasta 199 g/km.


icono Ferran Adrià

“Adrianistas”de la mesa redonda La sencilla búsqueda en Google del binomio “ferran adrià” + “icono” da como resultado la friolera de 59.000 resultados y el primero es una frase rotunda del propio Adrià: “Soy un icono”. He aquí unas cuantas opiniones profesionales que lo reafirman. Por Bárbara Vidal Munera

P

ero, ¿cuál es ese “no sé qué, qué sé yo”, que ha hecho ponerse en pie a los gastrósofos de todo el planeta? ¿Qué ha hecho para ser portada de The New York Times Magazine, Le Monde y TIME y para ser destacado como “una de las 100 personalidades más influyentes del mundo?”

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El cocinero Pepe Solla, del Atlántico-Casa de Petiscos, Madrid, lo tiene claro: “En la historia hay muy pocas personas que sean capaces de cambiar las normas y reglas establecidas, de restablecer un nuevo orden, de abrir caminos, de generar tendencias en todos los campos. No se trata de que un arquitecto haga un edificio espectacular que todo el mundo quiera visitar, se trata de inventar el arco que soporta su peso, de descubrir una nueva forma de construir. Ferran es esa persona en la cocina, es la persona que ha abierto más puertas que nadie hasta ahora, incluso en otros campos aparentemente ajenos a ella”.

Así es, también, para Juanjo López (La Tasquita de Enfrente, Madrid) para quien Adrià “ha revolucionado el concepto preestablecido de la cocina, marcando un antes y un después con su trabajo apoyándose en tres pilares: el Arte, la Ciencia y el Juego”. Juanjo remarca además una característica que no siempre acompaña a los genios modernos, su humildad, “es un abanderado de la vanguardia pero, sobre todo, una gran persona en la que destaca su generosidad en la cocina”. La gran Carme Ruscalleda (Sant Pau-Sant Pol de Mar, Sant Pau-Tokio, Moments BCN) reconoció al maestro, recuerda, “mucho antes de sentir la fuerza que empuja a los emprendedores a montar su propio negocio, pero ya estaba ahí ese brillo en los ojos”. “Ferran, con Juli Soler, tomaron la dirección de uno de los restaurantes más innovadores de los 80 y añadieron una creatividad conceptual y técnica que cambió totalmente el curso y la mentalidad

de la cocina gastronómica del mundo entero”, reconoce orgullosa Carme. “A menudo comento qué suerte tenemos de ser coetáneos personal y profesionalmente, de su genialidad irrepetible”. El cocinero Nino Redruello, de La Gabinoteca (Madrid), estuvo en la cocina de El Bulli en 2002, “un año especial porque se hizo una retrospectiva y cocinamos en 6 meses toda la historia del restaurante”. Allí descubrió “la constante obsesión de Ferran por la perfección, pero su propio concepto de perfección, claro” y aprendió de “un trabajador constante, infatigable, ilusionado a diario con cada pequeño detalle, con un motor interno incansable y una fuerza bestial”. Esto, la perseverancia, la obsesión, es lo que le ha llevado a dar de comer de una manera distinta a lo que se había hecho antes. “El cambió el enfoque de lo que ocurría en un restaurante, veía la visita al Bulli como una experiencia divertida, ilusionante, explosiva, cambió la idea de que a los restaurantes solo ibas a comer bien y punto”, añade Redruello. “Yo oigo el nombre de Ferran Adrià y pienso en la palabra LIBERTAD”, nos dice Nacho Manzano, de Casa Marcial en Asturias. Manzano conoció a Ferran en 1996, en unas jornadas gastronómicas, al poco tiempo Adrià “sacó el libro El Sabor del Mediterráneo y fue un milagro para los cocineros”, reconoce “ y a mí me aportó libertad, como decía, seguridad para romper con lo establecido, ese es el gran valor de su cocina”.

María Marte, chef de El Club Allard (Madrid) ve en Adrià “pura inspiración, respeto y trabajo”. Detrás de cada cosa que hace hay, nos dice “una auténtica revolución del proceso de creación gastronómico en sí mismo”. “Ha sido siempre una fuente de conocimiento para mí, me hace ver de otra forma el producto, las posibilidades que tiene y cómo transformarlo”. Ver de otra forma, ver el futuro, transformarlo, compartirlo, reescribir historias, abrir caminos, emborracharse, comerse el mundo, es lo que hace un icono de la cultura y el mejor cocinero del mundo.

CacheteJack Nuria Bellver (Torrent, Valencia, 1988) y Raquel Fanjul (Alcañiz, Teruel, 1988) son Cachete Jack. Ambas reconocen ser más de la abundancia de un arroz caldoso con bogavante que de vanguardia minimalista. Y que no siguen “recetas” para enfrentarse a un encargo: “todo es un equilibrio entre tu caos y tu orden. Depende de cómo esté tu mente esa semana”. En breve viajan a la feria de ilustración londinense Elcaf, donde expondrán sus nuevas ilustraciones y risografías. Tienen entre manos dos libros, uno será “un bombardeo de 64 imágenes con humor que resume los tópicos españoles (editorialApa apa), y otro dedicado a explicar las vanguardias artísticas de un modo divertido y lúdico”. www. cachetejack.com


i c o n o F e r r a n A d r i à | t í t u l o ‘ c o c i n a v a n g u a r d i a’ , 2 0 1 6 o b r a d e c a c h e t e j a c k pa r a e s ta e d i c i ó n 1 8 a n i v e r s a r i o d e e l d u e n d e


icono SERIES DE TV

i c o n o s E R I E S D E T V | p o r P A CO R OC A

EL “CINE” DEL SIGLO XXI Por Jorge Carrión

S

eries de televisión: no hablamos de otra cosa. Que si Jon Snow está vivo o muerto. Que si no hay forma de superar The Wire. Que si la primera de True Detective es muchísimo mejor que la segunda. ¿Que todavía no has visto The girlfriend experience? ¿Ni Míster Robot? Que si HBO, que si AMC, que si Netflix. Que si el pánico al spoiler en las redes sociales. Que si me pasé el domingo en pijama, comiendo pizza y viendo la nueva temporada de Transparent de un tirón.

casi todas del sello HBO, a principios y mediados de la década pasada. A continuación, en el cambio de década, las series manieristas de AMC, sobre todo dos: Mad Men y Breaking Bad. Y, a partir de 2013, la irrupción de un nuevo modelo, el de Amazon (con la ya mencionada Transparent) y Netflix (con House of Cards y Orange is the New Black), que liberan las temporadas de golpe y se cargan ochenta años de emisión televisiva y varios siglos de espera del próximo capítulo del folletín.

Si tenemos en cuenta que los reality shows y los talent shows también son series, con sus protagonistas y sus temporadas, no hay duda de que se han convertido en la gran conversación social, sólo igualada por el fútbol y la política. ¿Cómo ha podido ocurrir en tan poco tiempo? Porque Los Soprano y El ala oeste de la Casa Blanca se estrenaron en 1999: en menos de veinte años el fenómeno se ha convertido en una auténtica máquina desaforada de generar productos de todos los niveles. Si tuviera que establecer periodos diría que son tres. Primero, las grandes series que hoy consideramos clásicas,

No es casual que esas tres fases se correspondan con sellos, con marcas, con mecanismos de la industria del espectáculo. Por supuesto que hay nombres propios; entre tantísimos otros: David Simon, Vince Gilligan o Jill Soloway, en el ámbito del guión y la creación; y James Gandolfini, Jon Hamm o Robin Wright, en el de la actuación. Pero aunque esas personalidades sean fundamentales, se inscriben en una vasta red de agentes de la producción audiovisual, de técnicos y ejecutivos, de actores y actrices secundarios y expertos en márqueting y en transmedia.

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Nos fijamos en el canon, en las grandes series que han hecho o están haciendo historia, pero a su alrededor proliferan brutalmente todo tipo de obras menores, de puro consumo, que se disfrutan y se olvidan. La gasolina que alimenta el motor de la Estrella de la Muerte. Porque hablamos de un imperio en expansión. A las tradiciones más sólidas de series de calidad, como la británica, que en los últimos tiempos nos ha regalado al menos dos obras maestras (Sherlock y Black Mirror) se le ha sumado en los últimos años la explosión de las series nórdicas e israelíes, y proyectos desafiantes en Francia, España, Italia, Colombia, Argentina, Australia, Nueva Zelanda... Ya casi no quedan países que no se hayan incorporado al imperio de las series de calidad, esos relatos en píldoras que se adaptan perfectamente a las pantallas que nos reflejan, que nos seducen, que nos rodean. Jorge Carrión es escritor y autor de Teleshakespeare (Errata naturae). La viñeta, de Memorias de un hombre en pijama (Astiberri) de Paco Roca (Valencia, 1969) Premio Nacional de Cómic 2008.


icono FASHION VICTIMS

MODA = CULTURA Cuatro diseñadores de renombre nos descubren su icono favorito, bien otros diseñadores, modelos, actrices o fotógrafos que les inspiran y que, según ellos, pasarán a la historia como los grandes referentes de la elegancia, la distinción y el gusto del siglo XXI. Por Laura S. Lara

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OISÉS NIETO La tesis de Moisés Nieto se convirtió en su primera colección para South36.32N. Desde entonces, el jienense ha jugado un papel importante en la revitalización de la moda española y hoy es uno de los grandes talentos nacionales. Para sus colecciones, se inspira en el arte y la cultura juvenil con materiales made in Spain. “Adoro a Bianca Jagger. De toda la saga es, sin duda, la que proyecta un estilo más efervescente. Posee una elegancia trasnochada, seguro forjada en sus interminables noches en la mítica Studio 54, que la hace única e inimitable. Tiene estilo, pero también fuerza, no es de esas divas edulcoradas que sólo transmiten glamour. Su rollo british original y esa mezcla de sofisticación y provocación la convierten en icono generacional. Me encantaría vestirla. Que llegase un día a mi estudio y me dijese: ‘Moisés, querido, tengo una fiesta importante, sin alfombra roja, de las de verdad, y quiero ponerme esto, con aquello y con estos zapatos’. Verla reinterpretar mi firma y estilo desde su visión y posición sería un verdadero placer”. ANA LOCKING Crecer entre patrones y tejidos en el taller de confección de su madre forjó la temprana afinidad de Ana Locking por la moda. Y enfocar sus estudios superiores hacia las Bellas Artes terminó de desarrollar su percepción visual del mundo y la pasión por la belleza, calidad y creatividad que hoy sigue demostrando como firma. La artesanía y la experimentación, ligada a ideas conceptuales y de practicidad, son una constante en sus colecciones. “Me es muy difícil tener una visión de futuro sobre el icono de la moda que traspasará las fronteras de estos

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15 años para convertirse en imagen de todo un siglo, pero si puedo decir que el imaginario de estilo de estos primeros 15 años de existencia puede ser a mi parecer la maravillosa Tilda Swinton, en su esfuerzo por aunar una imagen de vanguardia tanto en la forma como en el contenido, junto a una buena dosis de ambigüedad e ironía en cada uno de los trabajos realizados tanto en el mundo del arte como en el del cine. Por otro lado no puedo dejar de lado a Lady Gaga, que a través de las referencias visuales de grandes mitos del siglo XX como Bowie, ha evolucionado y desarrollado un estilo y lenguaje propios para el XXI. También me gustaría resaltar a dos fotógrafos que han contribuido al desarrollo de una imagen muy característica de este nuevo siglo, la pareja formada por Inez Van Lamsweerde & Vinoodh Matadin, ellos han reinventado la imagen de la perfección en la moda a través del momento imperfecto: la perfección de la imperfección. Nada representa mejor el momento de la cultura de moda actual”. STUART WEITZMAN Es uno de los grandes nombres del calzado internacional y lo es porque sus diseños consiguen el equilibrio perfecto entre lujo y comodidad. El objetivo principal del norteamericano es combinar forma y funcionalidad para conseguir que la mujer se sienta sexy y segura sobre sus tacones. Sus cotizados stilettos han hecho brillar en la alfombra roja a las grandes estrellas del firmamento mediático de este siglo y se fabrican en Elda, Alicante, desde hace tres décadas. “Kate Moss gana sin esfuerzo. Nadie ha influido de forma tan continuada en el mundo de la moda del último siglo como ella. Tiene la capacidad de conseguir que la gente compre en función de sus gustos, lo cual es un factor importante”.

MAYA HANSEN Sus atrevidos diseños han conquistado a personalidades como Lady Gaga, Kylie Jenner, Alaska, Laura Pausini, Rossy de Palma, Mya o Jessie J. El estilo único de esta diseñadora de padre argentino y madre danesa parte de la silueta femenina del corsé, prenda sobre la que giran sus colecciones, hacia todo tipo de creaciones ajustadas para las que habitualmente cuenta con las colaboraciones de artistas de distintas disciplinas. “Hablamos de las líneas puras de Balenciaga, de la silueta Dior, del genial Yves Saint Laurent, como algunos de los grandes diseñadores de nuestro siglo. Pero en mi opinión Roberto Capucci es el más influyente de finales del XX y principios del siglo XXI y, sin embargo, el eterno olvidado. Su manejo magistral de los volúmenes y su patronaje impecable se aprecia como inspiración en algunos de los maravillosos vestidos que Galliano aportó a la casa Dior, e incluso puede servir de referente a diseñadores ultra modernos como Iris Van Herpen o la futurista Noa Raviv. Capucci fue el germen de todo lo que vino después. Capucci ha marcado un antes y un después en cuanto a la concepción del volumen y del espacio en lo que a moda se refiere. Gracias a diseñadores como él, nos planteamos ahora debates entre moda-arte”.

Alberto Van Stokkum El fotógrafo mallorquín Alberto Van Stokkum trasciende la piel con la cámara hasta eliminar restos de edulcorante. Tres ingredientes: seducción, naturalidad y estilismo. Su icono, obviamente, David Bowie. “Me fascina desde niño ese ser casi alienígena que no paraba de mutar”. La fotografía de la derecha es un homenaje al sexto disco del músico londinense: la clásica -e inmortal- imagen del rayo, un trabajo original de Brian Duffy con maquillaje de Pierre La Roche. Van Stokkum también sondea territorios inexplorados en la moda e intenta transgredir desde la elegancia más punk. Su perfil de Instagram (@avanestokkum) es puro erotismo y sus trabajos publicitarios, sutil provocación. ¡Larga vida al glam rock! Por Rebeca Queimaliños albertovanstokkum.com


icono david bowie | ‘S/T’ p o r a l b e r t o v a n s t o k k u m | M o d e lo C e c i l i a G ó m e z | M a q u i l l a j e R a q u e l Á lv a r e Z


ICONO MAHOU

EL SABOR DE MADRID ...desde hace más de 125 años

Si me preguntas por un icono de Madrid… pues me cuesta. Lo distintivo de Madrid es lo que se respira en la ciudad, el ambiente siempre cercano, la sensación familiar. ¿Y una imagen que la represente? Alguien apoyado, despreocupado, en una barra de bar de siempre, con una Mahou. Algo más madrileño, no hay. A modo de homenaje, tras su 125 aniversario, la marca ha renovado su tradición lanzando cuatro cervezas especiales inspiradas en su historia y la de su fundador, Casimiro Mahou. Por Henar Ortega

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Cervezas especiales Casimiro Mahou LAGER. Alc. Vol = 5.2 / De color miel dorado. Ligera, con predominio de toques tostados de la malta y aromas de lúpulos florales. EXTRA. Alc. Vol =7.0 / Ligeramente tostada, con toques cítricos y florales y amargor moderado. De color miel ámbar, con espuma cremosa. TRIGO. Alc. Vol =4.9 / Cerveza opaca, con carácter especiado y frutal y abundante espuma cremosa. Ligera y refrescante. ALE. Alc. Vol =6.4 / De color cobre intenso, aroma especiado con esencias de lúpulos aromáticos y tostados de la malta. Amargor persistente en equilibro con un toque acaramelado.

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n trago de Mahou es historia viva de la ciudad. De más de 125 años, en concreto. Que siempre nos acompaña en los momentos más especiales, rodeados de nuestros amigos y seres queridos, como este, el de nuestra celebración por nuestro 18 aniversario. Y qué mejor manera de hacerlo que con la colección de cervezas especiales Casimiro Mahou, con las que podemos recorrer con nuestras papilas gustativas algunos lugares o momentos míticos en la historia de la marca y su fundador. Desde la primera fábrica, en Amaniel, que ha inspirado su “Lager”, hasta la “Trigo”, que han vinculado a la calle Marcenado, en la que, en los años 20 se ubicó su primer maltería. Y es que el señor Casimiro, a quien hoy llamaríamos emprendedor, fundó distintos negocios, además del cervecero, desde una una fábrica de papeles pintados a una tienda de pinturas. El packaging especial con el que se comercializa nos ayudará a trasladarnos a la época en que se produjeron las primeras cervezas Mahou, con su atractivo diseño, cercano al original, que incluso incluye la tipografía correspondiente a una factura de Casimiro Mahou e hijos de 1898, o su firma. Creatividad y diseño, innovación y tradición en un icono que forma parte de nuestras vidas. www.mahou.es

Sr. Bermúdez Seguro que has visto sus obras alguno de los “nuevos mercados” (otro icono) de toda España, desde el de Motores hasta el Palo Alto Market. Igor, que así se llama Señor Bermúdez, nació en Donostia en 1975. En sus minimalistas ilustraciones articula conceptos en un engranaje perfecto, con un número de niveles de significado diferente. Para muestra, esta fusión que ha creado de uno de los iconos más representativos de Madrid, la Puerta de Alcalá, con el packaging de Casimiro Mahou. Como icono para nuestra edición, dentro del diseño, escoge a los hermanos Mingarro, Brosmind: “porque han sabido crear un universo delirante con un gran sentido del humor, inteligencia y profesionalidad”. Se confiesa un enamorado de la obra de Chema Madoz (también sus obras sintetizan genialmente conceptos). En estos días anda liado, entre otras cosas, con una nueva colección de carteles relacionados con el cine y series de TV. senorbermudez.com


CERVEZA ALE CERVEZA DE TRIGO

CERVEZA EXTRA

CERVEZA LAGER

I C O N O M A H O U | T Í T U L O ‘ PA C K D E L A S E S P E C I A L E S D E C A S I M I R O M A H O U ’ , 2 0 1 6 O B R A D E S R . B E R M Ú D E Z PA R A E L D U E N D E


icono xaviniesta

i c o n o x a v i n i e s ta PA R A E L D U EN D E | p o r n i s i n i n o

ARQUITECTOS DEL FÚTBOL Por Manu Carreño

X

avIniesta: así se llama el que para mí ha sido el mejor jugador de fútbol de todos los tiempos… Hubiera merecido varios balones de oro, pero no Xavi o Iniesta, sino XavIniesta, la suma de ambos… Nunca un equipo supo ejecutar mejor una idea que con esta pareja de peloteros. Uno, arquitecto del fútbol; el otro, ingeniero de sueños… El 6 y el 8 en el Barça, el 8 y el 6 en la selección… La historia del fútbol no podría entenderse sin XavIniesta… Ellos fueron la clave en el mejor Barça de la historia, es decir, en el mejor equipo de fútbol, a nivel de clubes, que se recuerda… En el período más exitoso estuvieron bajo las órdenes de Pep Guardiola, sí, y con un tal Messi como compañero de equipo, sí, pero ellos marcaron el paso, ellos sacaron la batuta y pusieron al resto (incluidos Messi y Guardiola) a bailar al ritmo que ellos impusieron… Jugadores capaces de inventar pases imposibles, de trazar líneas solo visibles en sus mentes, capaces de saber siempre qué iban a hacer con el balón antes de recibirlo de otro compañero… Mentes privilegiadas al servicio del fútbol y de los compañeros… Nunca pelearon por premios individuales pero sí de equipo, y lo ganaron todo… Porque ellos son también los responsables máximos de los éxitos de la selección española, protagonistas estelares de la mejor etapa de la historia de la Roja, decisivos en algo que hasta ahora ninguna otra selección ha logrado: ganar Eurocopa, Mundial y Eurocopa de manera consecutiva… Todo eso fue posible gracias a XavIniesta… Sin él, sin ellos, Messi no ha sido todavía capaz de ganar nada con Argentina… Sin él, sin ellos, Guardiola por ahora

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solo ha podido ganar la Bundesliga en Alemania, pero no el gran título europeo… El tiqui-taca nació con ellos, el fútbol de toque llevado a su máxima expresión, el defenderse con la pelota, la obsesión de pelear por tener el control del balón desde el primer al último minuto, el ganar los partidos jugando bien, siendo los dueños del balón… Esa fue su máxima, su filosofía, y alrededor de ella danzaron todos con la azulgrana o con la roja… Esa idea futbolística que luego tantos clubes y tantas selecciones han pretendido imitar, pero no han podido, se han quedado en copias, algunas mejores, otras peores, pero nunca llegando al nivel de la idea original llevada a la práctica como nadie lo había hecho antes por XavIniesta… Jugar bien para ganar; jugar bonito para ganar; ganar a través de la posesión y el fútbol de toque… Hacer del fútbol, e incluso de la vida, un gran rondo, un rondo gigante e interminable donde nadie era capaz de quitarles la pelota… Humildes como pocos, nunca buscaron los focos, siempre fueron comparsas de Messi y Cristiano en las grandes galas de los mejores premios… Siempre actores secundarios de una película que en el fondo dirigieron ellos durante una larga década, la mejor década en la historia del FC Barcelona y de la Selección Española… El fútbol les debe un balón de oro por lo que ganaron pero, sobre todo, por lo que influyeron en la historia de este deporte… El fútbol le debe un inmenso balón de oro a XavIniesta. Manu Carreño (Valladolid, 1969) es periodista deportivo.


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icono mitos de la música

himno generacional Sería titánico escoger a los músicos que han marcado toda una generación, y más en un sector que ha sufrido tan gigantesca transformación. Algunos músicos y periodistas que la han vivido, escogen sus iconos. Por Mónica Caballero TRAJANO!: Están entre los TOP de la escena musical madrileña. Acaban de publicar el EP Rubí, con el que muestran un sonido levemente más luminoso que en sus anteriores entregas. Están en plena gira. Icono: Damon Albarn. “Ha sido todo un icono generacional para los que nos ha tocado nacer y crecer dentro de estas dos décadas. Dueño y señor del britpop con Blur en los 90 con permiso de los Gallagher, ha pertenecido a bandas no menos excelentes para mí, como Gorillaz o The Good The Bad And The Queen. Tuve el inmenso placer de topármelo el año pasado en el backstage del FIB y me sorprendió su enorme tranquilidad, al contrario que subido al escenario donde es todo un showman”. DORIAN: De su mezcla de pop, rock y electrónica han hecho su propia marca.

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Su canción Cualquier otra parte ha sido himno generacional. Están celebrando sus 10 años y un día con una gira por aquí y por América Latina. Icono: Gorillaz. “Proyecto posmoderno donde los haya, es sin duda uno de los iconos pop de los últimos 20 años. Damon Albarn y Jamie Hewlett alumbraron a una banda virtual formada por dibujos animados que alcanzó su cima creativa con Plastic Beach, disco mosaico en que se mezclan con una naturalidad insultante el folk, el hip hop, la electrónica, el soul y la música clásica. Y atención al dream team que se involucró: Mos Def, Bobby Womack, Snoop Dogg, Lou Reed, De La Soul y Mick Jones y Paul Simonon de The Clash, entre otros”. NAJWA NIMRI: En solitario o con Najwajean, se ha distinguido por abordar la música desde la intuición. Siempre componiendo, produciendo y cantando rodeada de tecnología. Icono: Óscar Mulero.“Me apetece destacar a alguien nacional y el mejor caso es Mulero. Él está en constante progreso y evolución. Para mí, lo que al final cuenta en una trayectoria, sobre todo en la electrónica, que a priori parece muy limitada, es ver que tiene muchas posibilidades. En la curiosidad en el arte y la búsqueda del que está detrás se ve lo ilimitado que puede llegar a ser la música. La electrónica, la clásica,..., no tiene límites si la persona que está detrás no para de buscar y para mí este es el caso de Mulero”.

CARLOS JEAN: Músico y productor. La otra mitad de Najwajean. Su carrera ha estado marcada por sacudir pistas y darle el toque necesario a los artistas a los que ha producido. Una curiosidad: su primer directo fue en el festival IK, organizado por El Duende, en el año 2000. Icono: Fatboy Slim. “Por la cantidad de cosas que ha hecho y producido. Es un referente porque ha sabido estar ahí desde casi el principio de la electrónica; sobre todo en la parte más funk y noventera, incluso con beats internacional rozando el club. Ha pasado por Freak Power y ha sabido producir a todo este tipo de grupos como Blur. Ha producido a un montón de grupos y luego ha sabido reinventarse hasta el día de hoy que sigue siendo una estrella de la escena electrónica”. GUFI: DJ y Periodista musical, especializado en jazz y flamenco. Icono: Jorge Pardo. “Creo que la importancia de Jorge Pardo en la música española del siglo XXI es doble. Por el lado histórico ayudó a abrir la puerta del flamenco hacia otras músicas al lado de Paco de Lucía o Camarón. Eso ayudó a varias generaciones a desmitificar el trabajo de esas dos grandes figuras que hoy han sido elevados a los altares. Curiosamente el efecto del trabajo de Jorge Pardo es que por un lado consagran el flamenco como el aliento más poderoso del jazz y por otro lado lo desacralizan (lo bajan de los altares) para modificarlo cada noche, a cada instante, y eso es lo más flamenco del mundo”.

MÓNICA CABALLERO: Periodista musical (que también escoje aquí su icono, a petición del editor). Icono: Radiohead. “Tienen todo lo que, desde mi punto de vista, ha de tener una banda: experimentación, sorpresa, calidad, originalidad y sonido propio. Han sabido, además, mezclarse con elegancia con el video arte, la pintura, la iluminación e, incluso, con la danza en algún que otro video en el que hemos podido ver a Thom Yorke contoneándose bien. Son criticados y amados, pero nadie podrá decir que no se han currado una carrera apasionante”.

Elennon Es el nombre artístico de Elena Villamor (Madrid, 1972), que es del barrio de la Alameda de Osuna, germen de muchos talentos: “De allí, Rubén Pozo es mi favorito” o “Gonzalo Munilla, Boa Mistura, o mi hermano Tuli” (saxofonista en varias bandas, entre ellas Alameda Dosoulna). Además de Damon Albarns señala: Amy Winehouse: “Me impresionaron sus comienzos, su trayectoria y su final” y Robe Iniesta: “Me metía con mi hermano en los 90 por ‘escuchar a un macarra’ a diario. Años después, en 2008, escuché por primera vez su música con atención, y no me podía creer que esas letras me llegaran tanto”. Sus retratos en lienzo a rotulador de sus músicos favoritos, desde la propia Winehouse, Dylan o Slash a Eytan Mirsky o Nikki Hill, los vende en www.elennon.es


i c o n o M I T O S D E L A M Ú S I C A | T Í T U L O ‘ D amo n A l b a r n ’ , 2 0 1 6 o b r a de E le n n o n ( E le n a V i ll a m o r ) r eali z ado e n e x cl u si v a pa r a el d u e n de


icono VIDEOJUEGOS

i c o n o v i d e o j u e g o s | ‘ g ta V ’

la gran (r)evolución En casi dos décadas da tiempo a que la cultura cambie casi por completo. Y más si tenemos en consideración el tsunami de Internet, pero pocos sectores han evolucionado tanto como los videojuegos. Por John Tones

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igados siempre, inevitablemente, a la tecnología de cada momento, en 18 años el sector ha tenido tiempo de vivir dos generaciones y pico de consolas y un salto técnico insospechable. Hemos escogido algunos personajes y videojuegos que han brillado. Faltan muchos, pero estos han marcado una época.

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GTA V: El gran hit más reciente, obra de la apisonadora Rockstar, es otra obra mayúscula que sigue creciendo gracias a Grand Theft Auto Online. La quinta entrega de la saga de mundo abierto es una de las que tiene mejor guion detrás, con personajes como el de Trevor Philips, delincuente asilvestrado que resume todo lo bueno de este patio de recreo caótico y demencial. Shadow of the Colossus: Fumito Ueda creó para Sony dos universos jugables enigmáticos y que aún siguen siendo revisitados. Ico ponía todo su peso en la relación de dependencia entre sus dos protagonistas, y Shadow of the Colossus partía de una idea brillante: ¿y si el enemigo fuera el escenario? Bioshock: Posiblemente uno de los escenarios más cautivadores de la última década. El entorno submarino de Rapture propició también la existencia de dos personajes memorables: los misteriosos buzos silentes Big Daddy y sus inseparables Little Sisters, niñas tétricas que dirigían a sus demoledores compañeros contra el jugador. Gears of War: El juego que, junto a Halo y su Jefe Maestro, puso a Microsoft en el mapa del videojuego. Esta casi autoparódica historia de guerras planetarias no solo nos lanzó decenas de set-pieces para recordar sino un arma absolutamente icónica: el brutal lancer con sierra mecánica. Uncharted: Se dice que los videojuegos de última gene-

ración imitan al cine como pueden. Pocos lo han hecho con tanto estilo como los Uncharted. Y aunque Nathan Drake es un claro sosías de Indiana Jones, descaro y potra incluidos, sus aventuras son los suficientemente magnéticas para ir más allá de la de simple imitación. Max Payne: Nacido en 2001, este héroe de acción capaz de ralentizar su entorno a voluntad -recurso que ha influido en incontables juegos y películas como Matrix-, ha vivido sucesivas encarnaciones en una soberbia primera secuela y en un espectacular reboot que lo devolvió a primera línea de fuego. Half-Life 2: Donde va Valve, triunfa. Su primer Half-Life cambió por completo la narrativa interactiva y la mecánica de los juegos en primera persona. Half-Life 2 refinó la propuesta y convirtió a Gordon Freeman en un héroe insospechado: gafotas, mudo y abrazado a una palanca de hierro. Fez: La última década ha sido importantísima para el desarrollo indie, hasta tal punto que de Hotline Miami a The Binding of Isaac, pasando por Minecraft o Braid, han creado un panteón de iconos alternativos de entre los que nos quedamos con Gómez, el delicioso héroe de esta aventura pixelada. Portal: Otro hito del sello Valve, con dos entregas que son un puzle en primera persona mejor escrito que cientos de juegos de apariencia más literaria.


O B R A D E J E N U E PA R A e l d uen d e & Á M B A R


icono STEPHEN HAWKING

Atracción Universal En Lo demás es silencio, esa genialidad de Augusto Monterroso, dice la mujer del prócer que “hablar de un marido nunca es fácil.” Quizá también lo pensó Jane Hawking antes de ponerse a escribir su Hacia el infinito. Mi vida con Stephen Hawking, la historia de su matrimonio con el icono de la física de la segunda mitad del siglo XX y que aún colea (el físico, no el matrimonio). Y eso que contaba con la competencia de Albert Einstein, icono entre iconos.

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Porque sería injusto pensar que debe su fama sólo a su enfermedad, a su silla de ruedas, a que ocupa la cátedra de Isaac Newton, a su voz metálica o a sus apariciones en Los Simpsons y en The Big Bang Theory. Sus aportaciones a la física han sido más que notables. Por ejemplo la descripción del funcionamiento de los agujeros negros está en libros de física y aguantará ahí mucho tiempo. Además, junto a otro colega británico, Roger Penrose, dio una vuelta de tuerca a la Teoría General de la Relatividad

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En un momento determinado postuló la posibilidad de hacer viajes en el tiempo, aunque años después definió aquello como “mi más grande error”. Uno de los argumentos para rebatir la hipótesis era imbatible: si pueden existir los viajes en el tiempo hacia delante y hacia atrás, ¿cómo es que no estamos llenos de viajeros del futuro visitándonos? Y es que este icono me gusta, entre otras razones, porque tiene un estupendo sentido del humor. Antonio Calvo Roy es Presidente de la Asociación Española de Comunicación Científica

Jorge Arévalo

Por Antonio Calvo Roy ero la silla de ruedas, los viajes en el tiempo, su humor descarnado y una notable afición a mostrarse convierten a Stephen Hawking en un personaje icónico de la física, de la ciencia, esos subconjuntos de la cultura. Además, y cómo escribe Jane, “que Stephen siguiera vivo dieciséis años después del diagnóstico, [a los 21] lo convertía en un fenómeno médico.” Que a los 74 años siga dando guerra es casi incomprensible. Leer el libro de Jane Hawking ayuda a entender por qué ese tipo es un icono de nuestro tiempo.

alrededor sino que emitían algo, la llamada radiación de Hawking. Y también, según este físico, el Universo no tiene fronteras ni límites en el tiempo imaginario. Esto implicaría que el modo en que el Universo empezó queda completamente determinado por las leyes de la física. “No hay ningún dios, soy ateo”, ha dicho muchas veces.

de Einstein y, entre ambos, mostraron, añadiéndole mecánica cuántica, que el espacio y el tiempo han de tener un principio en el Big Bang y un final dentro de agujeros negros. Pero, como siempre en la ciencia, cada buena respuesta genera una buena pregunta y la que sobrevuela es la necesidad de encontrar una teoría que lo explique todo, es decir, un conjunto de leyes y fórmulas que unifiquen las cuatro fuerzas conocidas: la gravedad –responsable de que las cosas se caigan al suelo-; la nuclear fuerte –que mantiene unidos protones y neutrones en el núcleo atómico-; la nuclear débil –responsable de la desintegración radiactiva, como la radioactividad-; y la electromagnética –que actúa entre partículas con carga eléctrica y explica el láser y la radio, entre otros muchos fenómenos. Llevamos tres, pero la gravedad -la más conocida, la más débil, la que plantea más problemas teóricos-, aún se resiste. Ya metido en harina, Hawking mostró que la negritud de los agujeros negros no era absoluta, de manera que no solo no atraían todo lo que había

Ilustrador, director creativo y diseñador (Madrid, 1968). Sus ilustraciones suelen retratar a personajes icónicos del mundo de la música, el cine, o la moda en prestigiosas revistas. También las muestra en exposiciones, la más reciente True boxers, sobre pugilistas, o las reune en sus libros de Retratos. El segundo, editado en 2015. Actualmente está trabajando en un libro sobre iconos del fútbol. Suyo es el retrato de Stephen Hawking que acompaña este artículo. Se declara “curioso”, ante la pregunta de su interés por la ciencia. Y comenta que ha conseguido que “trabajar de manera visceral y espontánea se convierta en un ordenado método”. Le pedimos que nos enumere a algunos de sus iconos del mundo de la cultura y enumera a “Terry Richardson, David Lynch, Danny Boyle, la mayoría de series de HBO… Porque creo que han influenciado suficientemente en la cultura visual que se hizo afín a mi trabajo estos años”. Dentro del mundo de la ilustración suele mirar más a los clásicos, pero recientemente ha descubierto a Christoph Niemann”. www.jorgearevalo.com


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icono RAY-BAN

LA MIRADA DE VARIAS GENERACIONES #ittakescourage Cuando algo se convierte en icono, es porque no pasa de moda aunque se sucedan las décadas o las generaciones. Y eso es algo que muy pocos consiguen. Por Patricia Muñoz

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ay-Ban ha conseguido conquistar los rostros de varias generaciones y todas muy diferentes; rockeros, hippies, bohemios, hípsters, artistas de Hollywood, presidentes del gobierno… ¿Quién no recuerda a Bob Dylan posando con unas Wayfarer negras durante la grabación de Highway 61 Revisited? ¿O a John Lennon con sus Round Metal? ¿O la famosa escena de Desayuno con diamantes en la que Audrey Hepburn se quita unas Wayfarer frente al escaparate de Tiffany’s? Es por aquel entonces cuando la marca comienza a venderlas con un estuche. Las gafas pasaban a ser una “joya” que proteger siempre en óptimas condiciones. Habían dejado de ser un mero objeto práctico para ser un accesorio de moda, que aportaba más misterio, clase y belleza al rostro. Sin embargo, los comienzos de la firma no tuvieron nada que ver con el mundo de la moda. Todo comenzó con un reto: la fabricación de unas gafas para la Fuerza Aérea del Ejército de los Estados Unidos que pudieran proteger de los reflejos a grandes alturas al mismo tiempo que garantizar una visión nítida. Dicho y hecho, concretamente en 1937, fecha en la que nace oficialmente Ray-Ban (ray=rayo; ban=prohibir) y fabrica por primera vez las famosas Ray-Ban Aviator. Y a pesar de que iban a ser solamente para pilotos, policías, pescadores y personas que trabajaban al aire libre y expuestos a muchas horas de sol… acabaron convirtiéndose en lo que hoy son; un icono. La leyenda se acrecienta La marca no ha cesado de introducir materiales innovadores en sus múltiples modelos,

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ya sea para un uso en la vida diaria o deportivo, aplicando la más moderna tecnología. Su adquisición por parte de Luxótica Group en 1999 fue un revulsivo. Y ha cuidado no solo el producto, sino la imagen que tenemos de él. En 2007 la campaña Never Hide supuso un antes y un después en su manera de acercarse a los consumidores. Con la nueva campaña #ittakescourage, recientemente presentada, la firma da un paso más adelante, mostrando ocho imágenes (que iremos descubiendo) creadas por el fotógrafo Mark Seliger en las que el fin último es ponernos en valor a nosotros mismos, mostrando nuestra verdadera personalidad sin temor a las críticas y planteando una superación personal, afrontando todos los límites o temores que nos puedan surgir en la vida. Venciendo todos los obstáculos. Nueva temporada primavera-verano A pesar de sus 80 años de vida, Ray-Ban no deja de crear nuevos modelos sin renunciar a su esencia. Esta temporada proponen una colección de primavera-verano que mezcla en una misma gafa varias formas míticas de la marca. Como las Ray-Ban Clubround, una fusión de las Clubmaster clásicas con las Ray-Ban de cristal redondo. ¿El resultado? Unas gafas redondeadas, con puente metálico y montura gruesa en la parte superior de la gafa. “Pensada para intelectuales modernos y creativos bohemios que aprecian la inconfundible identidad de las formas distintivas”. Y el otro gran lanzamiento; las Ray-Ban Gatsby que, originales de los años 80, se reinventan y vuelven con acabados modernos, dorados, estilo retro y manteniendo el particular diseño de la barra superior de la montura redondeada. www.ray-ban.com


i c o n o r ay- b a n | ‘ c l u b r o u n d ’


icono RAY-BAn

i c o n o d I s E Ñ a d o E n E X c l u s I V a Pa r a r ay- b a n c l u b r o u n d | P o r c o c o D Á V E Z

COCO DÁVEZ Las Ray-Ban Clubround, son las gafas que puedes ver sobre los rostros “sin rostro” que ha creado la artista Coco Dávez para la portada-disco-vinilo de nuestra revista. Ella también ha decorado para nosotros, y en exclusiva, unas de estas gafas, con su personal estilo coloristas. ¡No están a la venta, solo en su imaginación y sobre el papel que estás leyendo! 28 @revistaelduende

Por Patricia Muñoz

Reinterpretando un clásico

S

e declara fan de los discos, algo que “ha mamado de la familia” por lo que se ha sentido muy identificada con la propuesta de crear la imagen de la portada y la funda de esta edición especial para El Duende y Ray-Ban inspirada en los elepés de vinilo. ¿Qué hacía Coco Dávez (Madrid, 1989) cuando salió a la calle la primera edición de El Duende?: “Interpretando a Olivia Newton-John en el musical de Grease de un campamento de verano”, nos comenta bromeando. Tenía solo ochos años. De por aquel entonces le debe venir el nombre artístico de Coco, que no es su nombre real, sino Valeria: “me encantaba imitar con mis amigos a Super Coco, de Barrio Sésamo”. Todo un referente de nuestras infancias. La revista ha alcanzado su mayoría de edad legal, lo que implica, en el DNI de una persona que pueda acceder a ciertas libertades que hasta entonces le habían sido vedadas: “A mis 18 iba cada sábado a una discoteca madrileña que se llamaba Elástico, a la que fui fiel cada fin de semana. Fue una época divertidísima”. Ese afán de disfrute se nota algo que puede definir su estilo es su vitalidad colorista y la fuerza que tienen sus trabajos. En cuanto a sus referentes, algunos los puedes ver en la

funda de esta edición. Sus iconos culturales son muchos y variados: “Me gusta mucho la libertad y el estallido de color que nos enseñó Agatha Ruiz de la Prada, la estética Almodóvar, el universo de la fábrica de Sargadelos o las locuras gastronómicas de Ferran Adriá... Me hace sentirme orgullosa el Made in Spain. Por otro lado, para mí Yves Saint Laurent marcó un antes y un después en la moda, al igual que Picasso en el arte o Michael Jackson en los videoclips. Me parece fascinante leer acerca de sus métodos a la hora de crear”. Para su futuro más inmediato, tiene entre manos “un proyecto personal editorial y van saliendo pinceladas de proyectos textiles para los que todavía no hay fecha de salida, pero que por ahí rondan”. Clubround, el nuevo icono de Ray-Ban Coco Dávez ha decorado para nosotros el nuevo icono de Ray-Ban, las Clubround, que nacen como un nuevo icono: “cuando la marca lanza un modelo nuevo, ya identificas que se trata de unas Ray-Ban. Todo lo que tenga carácter y personalidad me encanta retratarlo de manera colorista y con una estética pop, ya que los iconos nacen del gusto popular”. www.ray-ban.com


E N F O T O B E ARO I D ( i z d a . ) y j e s s y l a n z a © m a r c u s s c o t t

RAY-BAN UNPLUGGED Primavera Sound 2016 Ray-Ban ya es indisoluble al Primavera Sound como marca que apoya la cultura. El festival barcelonés se celebra entre el 1 y el 4 de junio con las propuestas más inquietas del panorama nacional e internacional. La firma ha creado un nuevo espacio para esta edición. Por Rebeca Queimaliños

A

demás de poner nombre a uno de los escenarios grandes del festival, por el que han pasado en otras ediciones grandes artistas como Caetano Veloso, Metronomy, Swans o Laurent Garnier, la marca rememora con su nuevo espacio Ray-Ban Unplugged los locales míticos donde los iconos del rock’n’roll, el pop y el soul grabaron sus temas más representativos y recrea uno de esos míticos estudios para inmortalizar los singles más irreverentes. Este espacio, además, acogerá acústicos en formato íntimo. Ray-Ban Unplugged verá desfilar a bandas como Bearoid con su house orgánico; el krautrock mediterráneo del dúo Die Katapult, el revoltoso garage punk de los vibrantes Aliment y el pop contagioso de los barceloneses El Último Vecino. También acogerá sets de artistas internacionales: la canadiense Jessy Lanza, que acaba de lanzar su segundo album, Oh No; los juguetones chilenos Chicago Toys, con su nuevo disco, Los niños, bajo el brazo; los argentinos afincados en Berlín Mueran Humanos, con sus ritmos oscuros e inquietantes, los estadounidenses White Reaper, jóvenes maestros en el arte de rasgar guitarras incandescentes, el elegante folk de Jack Carty, el indie rock de Gang of Youths o el surf garagero de Money

For Rope. Y, de postre, la energía punk-pop de unos veteranos irremplazables, The Meanies, que han tocado con leyendas de la talla de Nirvana, Pearl Jam y Beastie Boys. Pero no sólo de música vive el escenario. Ray-Ban ha exprimido toda su creatividad para ofrecer una experiencia que concentra innovación, riesgo, originalidad y sorpresa. En la cabina Ray-Ban Photo Booth el público podrá fotografiarse con otros asistentes totalmente desconocidos (¡que viva el networking!), hacerse con una chula bolsa de tela “tote bag” que incluye una cámara analógica para fotografiar la autenticidad sin necesidad de recurrir a “apps” digitales (los autores de las dos mejores fotos del festival ganarán un abono doble para el Primavera Sound 2017), o disfrutar -en exclusiva- de un concierto grabado en 360 grados. primaverasound.com

¿Preparado para lo inesperado? #ItTakesCourage


icono havana club 7

gusto por lo auténtico Lo auténtico siempre está de moda. No es algo pasajero. El término define lo que es “consecuente consigo mismo, que se muestra tal cual es”, con personalidad y estilo propio, lejos de poses y falsas apariencias. Así es la esencia del ron Havana Club 7 Años, un producto super premium que nace de una larga experiencia, sabiduría y tradición en su elaboración. Por Antía Covas

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ero no hay que confundir la tradición con algo serio o aburrido, pues este ron, oscuro y exuberante, reúne la vibrante experiencia vital de Cuba y los olores y sabores de su tierra, la caña de azúcar, las hojas de tabaco, la fruta de un jardín tropical, o la vainilla que se consigue en su añejamiento. Los maestros roneros son los responsables de cada paso de la elaboración del ron, desde la selección de la caña de azúcar hasta el embotellado, respetando siempre al máximo la tradición ronera cubana. Don José Navarro, Primer Maestro Ronero, es quien firma este ron sumamente complejo cuyo proceso de elaboración es de más de 14 años. El “7” de la etiqueta se refiere a que, la gota de ron más joven que contiene la botella tiene, al menos, siete años. Su añejamiento y mezcla se lleva a cabo en barriles individuales, una técnica única en el mundo del ron.

Clásicos imperedeceros La ilustradora y directora de arte María Suárez-Inclán (Madrid, 1992) ha creado para El Duende esta pieza en la que recrea una escena inspirada en la esencia de Havana Club 7 Años. Es una apasionada de lo auténtico y de los clásicos: pero también de los “nuevos clásicos”. Sus carteles sobre cine muestran su visión de sus películas favoritas, entre ellas las de Woody Allen y Wes Anderson, a quienes cita como iconos, junto a músicos como Bob Dylan. Y como referentes en el dibujo al mítico autor de Tintín, Hergé y otros más actuales, como Vincent Mahé, Adrian Tomine, Owen Davey o su amigo Andrés Lozano. A ella le gustaría que los músicos que tocan en la ilustración que ha hecho inspirándose en el universo de Havana Club 7 tocasen un standard de Jazz, que quizá podrían estar interpretados aquí por excelentes músicos cubanos de la escena madrileña. Mejor si es en directo, pero si hay que elegir un formato para escuchar música no duda en apuntarnos su preferencia por el sonido cálido y auténtico de un disco de vinilo frente al frío sonido digital. msinclan.com

Old Fashion Uno de los iconos por antonomasia en el mundo de la coctelería es el Old Fashion que te presentamos aquí elaborado con ron Havana Club 7 Años. Se cortan, muy finas, 2 ruedas de naranja · Se añaden 2 cerezas marrasquino · Se maja todo con el muddler/mano de mortero · Se pone en un mezclador, limpiando restos con la bar spoon (cuchara larga de coctelería) para quedarnos con el jugo de la cereza y la naranja

30 @revistaelduende

majada · Añadimos 1 cl de sirope, 2’5 cl de Havana Club 7 años y tres piezas de hielo · Trabajamos el cocktail y con la cuchara movemos para diluir con el hielo: mover unas 30 vueltas · Añadir otros 2’5 cl de Havana Club 7 años y otro hielo, y repetimos misma opera-

ción · De nuevo, añadir 1 cl de Havana Club 7 años y un hielo más y diluir con otras 30 vueltas · Perfumamos con los ácidos de un twist de naranja, y decoramos con dicho twist y 1 cereza marrasquino · Servir en vaso y disfrutar en buena compañía. havana-club.com/es

Disfruta de un consumo responsable. 40º Prohibido el consumo a menores de 18 años


icono havana club 7 | ‘S/T’, 2016 o b r a d e M a r í a s u á r e z - IN c l á n pa r a e l d u e n d e & h a v a n a c l u b 7 a ñ o s


ICONO NUEVOS ILUSTRADORES

EROTISMO ILUSTRADO Vivimos en un momento de renacimiento espectacular del mundo de la ilustración. En España, también. Las redes sociales, especialmente las más visuales, como Instagram, han provocado una reacción en cadena para que el trabajo de muchos de estos se diese a conocer y se encendiese la mecha creativa de muchos jóvenes en todo el mundo. Por Rebeca Queimaliños

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inguna ley prohíbe consumir erotismo antes de los 18 años, pero aprendemos que es algo clandestino. Para consumir en soledad y siempre con luz tenue. Un día nos hacemos mayores de edad y seguimos igual de fascinados con la sensualidad, pero nunca nos abandona esa sensación de prohibido… Diez ilustradores españoles desde Ricardo Cavolo a María Diamantes, María Herreos o Paula Bonet… ponen luz a los dos rombos en el libro Cuando el negro se hace rosa (Lunwerg). Diez obras sobre sexualidad sin filtros. Cuatro de ellos nos hablan de sus mitos del erotismo y sus iconos personales. SERGIO MORA “Mi ilustración en el libro es una versión de un cuadro que pinté en 2007. Había vuelto de Los Ángeles y regresé muy influenciado por la cultura del tatuaje, las pin ups y la ciencia

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ficción de los años 50”. “La teta de Sabrina fue sin duda un momento culminante en mi adolescencia. Lo grabé en una cinta VHS y lo pasaba para adelante y para atrás de forma obsesiva”. “Mi padre tenía en su librería La muchacha de las bragas de oro, de Juan Marsé. De pequeño lo leía escondidas y formó parte de mi despertar sexual”. “Mi gran icono es (el cineasta) Georges Méliès. Lo llevo tatuado” CHAMO SAN “La ilustración fue antes que el texto. Tenía que ser una imagen que relatara el acto sexual, sin tocar la pornografía. Para mucha gente, el porno es la única fuente gráfica vinculada al sexo y todos los que lo hemos practicado alguna vez, sabemos que hay bastante diferencia entre el porno y el sexo real. Lo que más me interesaba es esa especie de trance en el que a veces puedes

llegar a perderte, mientras te fundes con la otra persona”. “Entre las obras eróticas que me han influido: Klimt, Schiele, Dalí, Kent Williams, João Ruas, James Jean, Soey ‘Milk, Ashley Wood, Dorian Vallejo, Jeremy Enecio, Erik Jones, Johan Barrios o Miles Johnston”. “El libro Porno, de Irvine Welsh, es la obra erótica más obvia que recuerdo. Lo bueno de las escenas de sexo en los libros es que cada uno imagina algo totalmente diferente pero, pese a las diferencias, el sexo es un lugar común en el que todos nos sentimos de manera similar”. DAVID DE LAS HERAS “La ilustración está inspirada en un relato de Eduardo Galeano de El libro de los abrazos. Me gustaba la idea de que el amor y el sexo de alguna manera fuese algo que nos prendiera y que hiciese que lo quemase todo. Fuego destructor pero, al mismo tiempo,

renovador. “Me gusta la forma tan poética en que Magritte y Edward Hopper representan las ideas. Pero desde el punto de vista más erótico, Milo Manara y El Víbora”. “Amarcord, Félix González Torres y mi madre son mis grandes iconos”. AMAIA ARRAZOLA “Para crear la ilustración me inspiré en el sexo que te imaginas; que no sucede en cruzarse la mirada o rozarse la palma de la mano”. “Me flipan los dibujos eróticos de Alphachanneling”. “La primera ilustración erótica que recuerdo era una de Quino. El libro se llamaba Gente en su sitio y la cosa iba de sexo cibernético. Supongo que en aquella época sería una novedad…”. “El gran icono de mi vida es mi madre, que para algo me parió”.


I C O N O N U E V O S I L U S T R A D O R E S | ‘ C U A N D O E L N E G R O S E H A C E R O S A’ POR MARÍA DIAMANTES


icono SOCIEDAD 2.0

La belleza de la tecnología Ay, quién me lo iba a decir… Cuando era pequeña y veía a mi hermano mayor dándole a la tecla en uno de esos ordenadores con toda la pantalla en verde... y pensaba “a mí eso no me gusta, yo nunca me acercaré a uno de esos, yo voy a ser pintora y mis manos no tocarán esos horribles teclados ni miraré esas pixeladas pantallas monocolor”... Por Henar Ortega

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lusa de mí... Sonará a abuela cebolleta (y vive Dios que por edad no lo soy), pero he de confesar algo: en la Facultad de Periodismo en el año 2000 se entregaban trabajos a mano. Y en el 2003 también. Y de ahí, sin término medio, a que las clases de Tecnología de la Información se basaran en enseñarnos a usar un ordenador (¡en pleno 2004, señores!), y a que mi primer trabajo de verdad fuera en un periódico

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online mientras a mis amigas les contrataban en el teletexto (sí amigos, todo así, sin dolor). Ésta que hemos vivido es una etapa de convergencia, de metamorfosis, de pasar de utilizar el “Te vi” de El País de las Tentaciones como única vía para contactar con desconocidos afines, a empezar a hacer vida social online. Cuántas amistades de las que tenemos hoy no se habrán fraguado por IRC, Fotolog o Myspace. Y cuántos no podemos vivir (hoy y desde 2010 más o menos) sin llevar todas nuestras redes sociales encima echando humo y gastando las baterías de nuestros portentosos smartphones. Cuántos no podríamos vivir todos nuestros archivos en la nube... ¡y gratis! ¡Pero esto qué es! Y no hablemos de salir de casa sin haber mirado chorrocientas aplicaciones que nos hacen la vida más fácil. Nos rodea la tecnología, y no podemos vivir sin ella… Aunque yo me quedo con algo. Con la sensación naïf de esa niña que era yo, que no sabía el aura digital que le deparaba, pero de algún modo estaba en lo cierto: ella no iba a tocar armatostes tecnológicos de la calaña de los que manejaba su hermano. Ella iba a tener a su alcance ligeras, rápidas y sofisticadas máquinas que le iban a hacer la vida más sencilla, le iban a aportar la tranquilidad del poder trabajar aquí y ahora, y con las que iba a disfrutar de lo lindo. Estoy

segura de que la Henarcita que soñaba con ser pintora se proyectaba a sí misma gestionando sus asuntos a través de cacharros más bonitos, más a la altura de su mundo de cosas agradables. Y así ha sido al final, oye. ZenBook UX305 de ASUS: Rápido, fino y bonito Comodidad: Está diseñado para acompañarte allá donde vayas. No solo es bonito, también es ligero: pesa 1,3 kg y tiene un grosor de 1,6 cm. Dispone de un Touchpad intuitivo y un teclado con una perfecta ergonomía. Sofisticación y elegancia: con acabados que realzan su belleza: Aurora Metallic o el clásico Obsidian Stone de metal pulido. Potencia: Hasta 8 GB de RAM y con la 6ª generación de procesadores Intel® Core™. Autonomía: Su potente batería y gestión inteligente permiten una autonomía de 12 horas con Wi-Fi (ultra rápida) activada. Pantalla táctil ultranítida: FHD IPS con una gran nitidez, colores vivos y realistas. Alta calidad de sonido: tecnología ASUS SonicMaster. Innovación: Entre otras, su tecnología ASUS IceCool, exclusiva de ASUS, impide que el calor se acu-

ZenBook UX305 de ASUS mule en el reposamuñecas, manteniéndolo en un intervalo de temperatura que va de los 28 a los 35ºC. www.asus.com/es

Objeto de inspiración La ilustradora y diseñadora Judit Maldonado (Alcarràs, Lleida, 1992) entiende el diseño como un tipo de “arte que resuelve problemas”. Ha creado para El Duende una ilustración basada en la filosofía del ZenBook UX305 de ASUS. En ella, ha incorporado elementos orgánicos de la naturaleza “para plasmar y transmitir la delicadeza y ligereza de la forma del producto que he representado, el Asus Zenbook, dándole a la vez ese toque femenino que hace del mismo una pequeña joya o complemento para quien lo posee. Además de todo esto, el valor tecnológico e innovador del gadget se ve reflejado con el fondo de color azul inspirado en las constelaciones”. Además de su trabajo como ilustradora tiene en mente crear una App ideada por ella misma y formar parte de un proyecto “relacionado con la fotografía, el branding y el diseño junto a una persona muy querida”. www.juditmaldonado.com


Objeto de inspiración La ilustradora y diseñadora Judit Maldonado (Alcarràs, Lleida, 1992) entiende el diseño como un tipo de “arte que resuelve problemas”. Ha creado para El Duende una ilustración basada en la filosofía del ZenBook UX305 de ASUS. En ella, ha incorporado elementos orgánicos de la naturaleza “para plasmar y

transmitir la delicadeza y ligereza de la forma del producto que he representado, el Asus Zenbook, dándole a la vez ese toque femenino que hace del mismo una pequeña joya o complemento para quien lo posee. Además de todo esto, el valor tecnológico e innovador del gadget se ve reflejado con el fondo de color azul

inspirado en las constelaciones”. Además de su trabajo como ilustradora tiene en mente crear una App ideada por ella misma y formar parte de un proyecto “relacionado con la fotografía, el branding y el diseño junto a una persona muy querida”. www.juditmaldonado.com

i c o n o s o c i e d a d 2 . 0 | t í t u lo ‘ z e n b o o k u x 3 0 5 d e a s u s ’ , 2 0 1 6 o b r a d e j u d i t m a l d o n a d o pa r a e l d u e n d e


icono RICARDO DARÍN

CAZAR UNA ENTREVISTA Era 2003, yo tenía 20 años y la sospecha de estar estudiando algo que podría, aunque también no podría, ser una engañifa. No, no escribía aún para El Duende, aunque todos los meses lo leía con avidez y pensaba lo afortunados que eran todos esos periodistas que podían dedicarse a la cultura. Yo entonces era una estudiante a la que le habían encargado hacer una entrevista a un ‘personaje destacado’ para la asignatura de redacción. Por Teresa Garrido

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uizá fuese casualidad, pero la tarde que el profesor nos hizo el encargo atesoraba en mi bolsillo una entrada para la obra de teatro Arte. Había disfrutado antes una versión con José María Flotats, pero no me importaba repetir porque el reclamo no era la obra, sino uno de sus protagonistas: Ricardo Darín. Descubrí al actor argentino años atrás cuando mi madre se empeñó en que viese Nueve reinas. Desde entonces, en cuanto podía, disfrutaba con devoción cada una de sus películas. Me dejé empapar por la ternura de El hijo de la novia, hice mía su frase del póster de Cortázar en El mismo amor, la misma lluvia y descubrí que Kamchatka existe y no siempre está en Siberia. Él aún no era el íntegro agente judicial de El secreto de sus ojos. Ni tampoco era el bombita Darín de Relatos salvajes, pero después de que se empezasen a estrenar sus películas en España comenzaba a ser bombazo Darín. Salí del teatro entusiasmada y como si de una revelación se tratase (sin luces, ni música eso sí) supe que mi primera entrevista sería con Ricardo Darín y la recordaría para siempre. No lo había decidido yo, la decisión me había tomado a mí. Al igual que yo, hordas de personas se quedaron a esperar su salida. “Desde que vi El hijo de la

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novia no puedo parar de comer Tiramisú”, decía una mujer destacando entre la multitud. “Eres tan sincero, me emocionas”, comentaba otro. Lo cierto es que Darín era y es ese tipo de actores que consiguen que la gente se vea reflejada en ellos y tome como propias las torpezas de sus protagonistas. Un tipo común, agradecido por poder dedicarse a lo que más le gusta, restándole siempre importancia a su talento. Entre elogios y empujones, conseguí hablar con él. “Estaré encantado de darte la entrevista, pero tienes que contactar con prensa. Hazlo, insiste, seguro que lo consigues”. Las entrevistas no se hacen sin avisar. Hay un protocolo. Una agencia. Una persona dedicada a gestionar a los medios. La respuesta oficial de su entonces oficina de prensa fue no, claro, un trabajo escolar no podía competir con un programa de televisión. Insistí. Cada día a la salida del teatro le asaltaba con la petición. Así pasaron dos, tres y hasta cuatro días. La última tarde se disculpó por no poder atenderme; “empieza un partido de fútbol y no quiero perdérmelo”, dijo con una sonrisa sincera de las que derriten los glaciares. Yo le contesté que podía andar y hablar a la vez, que le acompañaba hasta la esquina. Antes de terminar la frase ya me había topado con un bolardo y estaba rodando como

una croqueta por la acera. Me levanté lo más rápido que pude. “¿Estás bien, te duele?”. Claro que me duele, pero no puedo reconocerlo delante de ti, así que disimularé como si no me hubiese roto la espinilla y tú harás como si no te hubieses dado cuenta de lo torpe que soy, ¿vale? No sé si fue por verme por los suelos o por el temor de que no le dejase tranquilo, pero antes de cruzar la esquina, mientras le veía alejarse, se detuvo y volvió a dirigirse a mí. “Sí, te daré la entrevista. ¿El viernes? El viernes por la tarde, antes de la función, ven al teatro y hablaremos”. El día D, a las 5 de la tarde, llamé a la puerta del teatro. “Hola, vengo a entrevistar a Ricardo”, dije orgullosa sacando pecho como un palomo. Las agujas del reloj dieron varias vueltas a la esfera cuando me di cuenta que no aparecería. Sentía que la gravedad ejercía una fuerza especial sobre mis pies y que no podría moverme de ahí. Las puertas del teatro se abrieron y una marea de gente perfumada entraba al hall, mientras mis esperanzas salían cabizbajas. Me levanté, intentando esquivar al público, cuando alguien tocó mi hombro por detrás, me tomó de la mano y me alejó de la multitud. “Disculpa. He tenido que ir al doctor y no he podido acercarme antes. Quédate a ver la obra y después hacemos la entrevista”. Era él, había venido a rescatarme de la desesperanza como en una de sus pelis. Recuerdo la lluvia golpeando el cristal de un bar cercano al teatro y su chamarra oscura que crujía un poco al andar. Me temblaban las manos y derramé la cerveza, a la que me había invitado, sobre la hoja en la que tenía escritas las preguntas. Ya no podía seguir leyendo. Improvisaría. Estaba lista para olvidar las preguntas preparadas y empezar a conversar. Estaba lista para poder ser periodista y cazar mi entrevista.

Gaby Herbstein El retrato de Darín que acompaña este texto es de Gaby Herbstein (Buenos Aires, 1969), con quien tuvimos el privilegio de contar para una de nuestras portadas. “La toma de Darín como asfixiándose dentro de una bolsa la hice para un calendario a beneficio de Fundación Azara, cuya misión es contribuir al estudio y la conservación del patrimonio natural y cultural de Argentina. La idea de esta serie fue alertar a las personas sobre la urgencia del daño medioambiental que vive nuestro planeta a través de referentes populares importantes como Ricardo”. Sus iconos de la fotografía: “Sebastião Salgado. Lo admiro muchísimo desde siempre. Me gusta la intención que pone en las imágenes que decide compartir, del mundo al mundo, además de su talento como artista y su capacidad de trabajo. Como fotógrafo español contemporáneo, Eugenio Recuenco me parece un grande”. gabyherbstein.com


icono RICARDO DARÍN | ‘S/T’ p or G a b y H e r b s t e i n


icono playstation

la sonrisa cómplice PlayStation VR PlayStation es, por unanimidad, uno de los más grandes iconos de las últimas décadas. Una consola que nacía hace 22 años vendiendo más de cien millones de unidades en el mundo y que ha cambiado no solo la manera de jugar y de entender los videojuegos sino a todo el mundo del entretenimiento. Hoy los videojuegos recaudan más que el cine o la música, y tienen gran influencia en el arte y la cultura. Por Tomi Aguirre 38 @revistaelduende

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sto es en gran parte por la historia de esta marca de alma nipona que ha sabido fusionar como ninguna otra Oriente y Occidente. Un icono que ha roto las fronteras generacionales conquistando a padres e hijos y creado una de las comunidades más fervorosas, proactivas e influyentes de gamers. España es uno de los países donde PlayStation ha conseguido una mayor implantación y la frase “echarse una Play” es de uso tan común como “echarse una siesta”, “ir de cañas” o “salir de fiesta”. Si PlayStation 2, con más de 10.000 títulos, consiguió vender más de 160 millones de consolas convirtiéndose en la más vendida de la historia, PlayStation 3 se convertía en el centro de entretenimiento multimedia en casa y PlayStation 4 en una revolución tecnológica. Democratizar la realidad virtual Ahora, de nuevo, prometen convulsionar el mercado del videojuego con el lanzamiento en octubre de PlayStation VR, el casco de realidad virtual que vendrá acompañado de cincuenta títulos y que abrirá este universo al

gran público. Frente a otras marcas de la competencia su apuesta es la de aportar un producto de gran nivel a un precio muy inferior, con sencillez de manejo y la inmediatez de la conexión directa a la PS4. El lanzamiento ha superado todas las expectativas y previsiones, por lo que debes apuntarte en su web para reservar el producto. Con esta nueva plataforma, volverán a romper no sólo con la manera de jugar, sino que también podremos disfrutar de conciertos, videos o películas en realidad virtual. Nos aseguran (y lo puedes comprobar en el vídeo que han lanzado en el que podemos ver a diversas personas probando el sistema por primera vez) que todos los que prueban PlayStation VR acaban con una sonrisa muy especial, mezcla de incredulidad, fascinación y goce. Es la sonrisa VR que contiene el futuro de los videojuegos y que promete ser el nuevo icono para las generaciones venideras. El mundo está en juego, y se cierne sobre nosotros un panorama completamente nuevo. www.playstation.com/es-es/

Dsorder Estas expresiones faciales que comentamos son, precisamente, las que han inspirado la ilustración exclusiva para esta edición de Dsorder (Marti Serra; Barcelona, 1982), quien confiesa que, a los mandos de una PlayStation, con el juego que más ha disfrutado es con la saga Resident Evil. La realidad virtual nos abrirá, sin duda, un mundo completamente nuevo. En este sentido, a Marti le gustaría poder asistir virtualmente a una fiesta en The Factory de Andy Warhol o a la primera edición de Woodstock. Tiempo al tiempo. Dentro del mundo de la ilustración y grafismo eleva a la categoría de icono a Akira Toriyama, creador de Dragon Ball: “Creo que es uno de los iconos gráficos más importantes de nuestra generación”, y en otros ámbitos escoge, entre otros, a Banksy y Ferran Adrià. Actualmente está preparando portadas de discos, en las que busca “la experimentación y la interacción entre la música y el arte. He·Art es un buen ejemplo de ello”. www.dsorder.com


i c o n o V I D E O J U E G O S | t í t u lo ‘ v r’ , 2 0 1 6 o b r a de D S O R D E R pa r a e l d u e n de & p l ay s tat i o n


icono LA DEMOCRATIZACIÓN DEL ARTE

i c o n o L A D E M O C R AT I Z A C I Ó N D E L A R T E | T Í T U L O ‘ di b u j o s enca p s u lado s ’ p or e u g e n i o a m p u d i a

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a imagen muestra el resultado de una acción del artista Eugenio Ampudia (Valladolid, 1958). “Los dibujos encapsulados no son más que bolas de cristal hechas a mano soplando vidrio con tinta china negra en su interior. Junto con ellas se

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adjunta un manual de instrucciones para que los coleccionistas se lo lleven a casa y lo tiren con fuerza sobre una pared liberando la tinta en la acción, y la acción se completa mandando a la galería una foto del resultado que el artista certifica como dibujo suyo.

Habla de esa democratización y expansión del papel del artista. Un fluido encapsulado que se mueve toma la forma del recipiente que lo contiene. Está ahí, pero solo alcanza su destino cuando una fuerza lo libera y lo define. Un impulso rebelde, valiente e

inaplazable provoca el cambio”. Imagen: Dibujos encapsulados. Eugenio Ampudia. 2015. Acción. Bolas de cristal soplado con 50 cm3 de tinta china, caja y fotografías. Dimensiones variables.


icono renacer escénico

dramaturgia muy contemporánea Puede que tenga algo de movimiento de resistencia. En la era de lo audiovisual, del cine y las series en casa, no nos hemos desembarazado de un arte tan “impirateable” y presencial como el teatro. Por Paloma F. Fidalgo

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uy al contrario, las artes escénicas están en plena forma en España. Al menos en lo creativo, obviando, por esta vez, problemas sin resolver como la oportunidad y criterio de las subvenciones, el IVA del 21% en las entradas o la necesidad de refuerzo del hábito teatral en el público, ese que nos permitiría alcanzar llenazos constantes como los de Alemania. Las producciones independientes se han multiplicado y conquistan no solo los teatros públicos –ya sabemos que los grandes colosos privados a menudo se rigen por conceptos teatrales un poco híbridos– sino también salas pequeñas, pero de gran nivel –aunque de todo hay, ojo-. Como el excelente Teatro del Barrio de Madrid, por ejemplo; o la Cuarta Pared, que después de tanto tiempo mantiene intacta la calidad de su programación; o el Nuevo Teatro Fronterizo de Sanchis Sinisterra, aunque este último está en peligro de cierre, una mala noticia que se añadiría al desaparición de la Kubik. Mantengamos el tono positivo de este texto, pero clamemos por no dejemar que se desinfle esta escena off. Un teatro sin público no tiene sentido. Aunque seguramente nuestro fuerte, el mayor icono ahora mismo en el territorio dramático español, sean los dramaturgos. Juan Mayorga, Alfredo Sanzol, An-

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drés Lima, Pablo Messiez, Darío Facal, Laila Ripoll, Paloma Pedrero, Denise Despeyroux, Pablo Remón o Pablo Gisbert han dado un volantazo a la tradición para escribir y dirigir con rompedoras formas dramatúrgicas y cierta inclinación, en muchos casos, por los textos realistas, incluso costumbristas de una manera nueva, así como para demostrar gran capacidad de revisitar los clásicos, como hace Helena Pimenta o hacen los del Teatro de la Ciudad. Dentro de este último colectivo se integra Miguel Del Arco. Un primer espada entre estos iconos que, por cierto, acaba de encargarse, junto con Israel Elejalde, de la dirección del Teatro Pavón. Es toda una tendencia esto de que los actores se sitúen al frente de teatros madrileños, ya ha ocurrido con Carlos Sobera, que compró recientemente el Teatro Reina Victoria, o Santiago Segura y José Mota, que tienen entre manos el proyecto del Teatro de la Estación. Jugando a las muñecas rusas, le pedimos a Miguel Del Arco que elija su propio icono emblemático de la escena española de hoy. “Sin lugar a dudas, Nuria Espert”, afirma. “Acaba de recibir el Princesa de Asturias por su contribución a las Artes. Es una actriz superlativa, generosa, disciplinada, implicada y con

una infinita capacidad de riesgo. Escogió textos de autores contemporáneos cuando hacerlo en este país podía llevarte directamente a la cárcel o a enfrentarte a la censura, y los llevó por todo el mundo. Ha sido empresaria, gestora, directora. Nuria es una de las personalidades más carismáticas y maravillosas que he conocido”. Ahí es nada. Yolanda Pallín, por su parte, nos replantea el propio concepto de icono. “La cercanía resta ‘iconicidad”, opina. “Iconos para mí son Pinter, Kantor, Müller. ¡Beckett! Pero nos salimos del marco, en el tiempo y en el espacio”. Así, “si ajusto la categoría ‘icónica’ y me acerco más a los míos... No me puedo quedar con una sola persona o institución. Podría decir que el movimiento de salas alternativas... Pero me quedaría corta. ¿Y qué profesional elegir, por dios, cuando los hay tantos y tan buenos? Tantos admirados y tan queridos. Si me hubierais pedido una lista...”. Al fin, se lanza. “Vuelvo a la cercanía y, sin rubor ni vergüenza, me quedo con Eduardo Vasco. Le admiro desde el día en que le conocí. Desde nuestra primera conversación, en unas escaleras de la RESAD, me di cuenta de que tenía un mundo de espectáculos que ofrecer. Confirma con cada proyecto su sólida carrera. Es inclasificable y atemporal; y, al mismo tiempo,


i c o n o r e n a c e r e s c ĂŠ n i c o | i m a g e n c r e a d a pa r a l a t e m p o r a d a 2 0 1 1 / 2 0 1 2 d e l c d n por isidro ferrer


“Seguramente el mayor icono ahora mismo en el territorio escénico español, sean los dramaturgos” clásico y transparente. Es lo que pienso; y tengo la suerte de que trabajo con él y es mi amigo”. Aplausos para él y para esa reivindicación de los clásicos. Nos influyen, a veces incluso de manera difusa, sin que seamos conscientes de ello. En la misma línea, Ramón Paso, bisnieto de Jardiel Poncela y nieto de Alfonso Paso, reivindica la huella que ha dejado Adolfo Marsillach: “Se trata del director por excelencia español. Todos lo que estamos en teatro a día de hoy tenemos una deuda con él. Marsillach hizo las cosas que a todos nos gustaría que se nos ocurriesen... nos lo reconozcamos o no”. ¿Y qué dice La Tristura, una de nuestras compañías con más proyección de futuro e internacional, y que ha representado un teatro más performativo al menos hasta su última pieza, CINE, que estrenaron en el pasado Festival de Otoño con un enfoque más narrativo? “Vamos con una respuesta canónica. Nos parece increíble que nacieran como artistas en esta ciudad Rodrigo García y Angélica Liddell. Sentimos que son dos grandes mundos que se han desplegado delante de nosotros en los últimos 15 años. Creemos que no hubiésemos podido estrenar en el Festival de Otoño o en los Teatros del Canal si ellos no hubieran existido. Ampliaron los límites de lo posible”.

Isidro Ferrer (Madrid, 1963). Premio Nacional de Diseño (2002) y Premio Nacional de Ilustración (2006). Se graduó en Arte Dramático y Escenografía antes de dedicarse a la creación gráfica. Ambas profesiones convergieron en su encargo de comunicar (de forma poética y magistral) las obras teatrales del Centro Dramático Nacional. La imagen de la página anterior fue creada precisamente para la programación de este centro para la temporada 2011/12. www.isidroferrer.com

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i c o n o e l v i a j e d e e l d u e n d e | i m a g e n c r e a d A PARA LA P O RTADA DEL X ANIVER S ARI O DE LA REVI S TA E L D U E N D E po r i s i d r o f e r r e r | m ay o d e 2 0 0 8


BALLET NACIONAL DE ESPAÑA Director Antonio Najarro

Teatro de la Zarzuela 18 jun - 3 jul 2016 Madrid

Homenaje a Antonio Ruiz Soler Programa El Sombrero de Tres Picos · Eritaña · Zapateado de Sarasate · Fantasía Galaica · Taranto (La Taberna del Toro) ·

Orquesta de la Comunidad de Madrid (ORCAM)

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http://balletnacional.mcu.es

Venta internet

www.entradasinaem.es/ Venta por teléfono

902 22 49 49

Fotografía: James Rajotte. Bailarín: Mariano Bernal, primer bailarín del BNE

Director musical Manuel Coves


ICONO MINI

UN CLÁSICO MUY ACTUAL El MINI es un icono que abarca varias generaciones. Un clásico que ha sabido reinventarse con un constante proceso de innovación y que define una forma de entender la vida. Súbete con nosotros, ponte el cinturón y rememora algunos de sus hitos históricos. Por Tomi Aguirre

John Cooper.

En 2001 BMW Group

adquiere la marca, lo que supone su renacimiento. Su nueva naturaleza será más tecnológica. Crece en tamaño, espacio, prestaciones y seguridad, aun siendo igualmente muy compacto.

Desde sus modelos clásicos la marca ha poseído un perfil deportivo incuestionable, por lo que pilotos y escuderías lo utilizaron en competición. Hasta Niki Lauda ganó su primera carrera de montaña con un Mini Classic. El punto de inflexión llegó tras el primer triunfo de este coche en el Rally de Montecarlo de 1964. El constructor de Fórmula 1 John Cooper se enamoró del coche y diseñó en los sesenta varios Mini con su apellido.

Celebridades.

Ha seducido a las altas esferas de la sociedad y celebridades de todas las décadas. Lord Snowdon fue el primer famoso en conducir un Classic Mini. Llegaron otros, como, Rainiero de Mónaco, o actores como Peter Sellers, Rowan Atkinson (Mr. Bean), Mark Wahlberg (en The italian job) o Matt Damon (El caso Bourne).

Icono.

Conectividad.

Su versión de tres puertas es la que permanece grabada en nuestra retina como “el icono”, pero en su historia ha tenido decenas de modelos y versiones, desde descapotables, a versiones furgoneta y hasta “pick-up”.

El 26 de agosto de 1959 el primer modelo de Mini

surca la carretera: se ofrecieron dos variantes: el Morris Mini-Minor y el Austin Seven, fabricados en Birmingham y Oxford.

Nace un mito.

En 1956 el ingeniero Alec Issigonis recibe el encargo de la British Motor Corporation para diseñar un vehículo pequeño y compacto para combatir, con su escaso consumo, el alto precio del petróleo.

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2004. Comenzaron a aparecer las primeras variantes de su nueva era con el MINI Cabrio. Después vendrían el Clubman (2007), Countryman (2010) o Paceman (2013).

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En la primavera de 2014 se lanza la actual generación de MINI. Además de las mejoras introducidas en el chasis, los motores o los sistemas de seguridad, el Nuevo MINI te conecta con todo lo que te rodea.

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Madurez. MINI se hace familiar. La versión de cinco puertas llega en noviembre de 2015. MINI Clubman.

Sale al mercado en noviembre de 2015. Un concepto totalmente renovado respecto a su antecesor, respetando las líneas y la personalidad de la nueva generación. Por primera vez puede ser el primer coche del hogar y entra en un nuevo segmento, el de los coches compactos de más de cuatro metros de longitud.


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icono FESTIVALES DE MÚSICA

LONDON CALLING Beefeater Live!

Algunos de los principales festivales que se desarrollan por la geografía española en primavera y verano están acogiendo el proyecto Beefeater Live! Tu opinión cuenta para escoger qué actividad quieres que la marca organice en cada uno de ellos. ¡Vota en www.beefeater.es! Por Antía Covas

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os festivales de música son todo un icono que ha tenido en esta generación una expansión exponencial. En ellos, la música es el ingrediente prin-

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cipal, pero vives una experiencia enriquecedora en la que relacionarte con tus amigos, hacer otros nuevos, y conocer otros ciudades y lugares. Ahora Beefeater ha querido sumar una nueva propuesta lúdica a algunos de nuestros festivales con mayor solera: Beefeater Live! Con ella, los asistentes pueden disfrutar de divertidas actividades con un “touch” londinense, el de la ciudad de origen de la prestigiosa ginebra. Previamente, tú puedes escoger cuál de las tres propuestas que ofrecen se desarrollará en el festival al que quieres acudir, votando en www.beefeater.es/bring-me-london Además, entre todos los participantes que se registren, Beefeater sorteará un viaje para dos personas para acudir a uno de los más apasionantes festivales de música del mundo, el Reading Festival, que se celebra en Reino Unido entre el 26 y 28 de agosto. Tienes tres opciones para escoger: ir de compras a una tienda de prendas vintage, comprar discos de segunda mano, o picarte con los amigos en su Sports Club.

El primer Beefeater Live! se desarrolló en mayo en SOS 4.8, y tuvo precisamente un Beefeater Sports Club. En él, cientos de asistentes pudieron competir a los dardos, al billar y al ping-pong, de día o de noche. Además de pasar un buen rato entre concierto y concierto, los ganadores de los torneos fueron premiados con abonos para la próxima edición del festival murciano. La apuesta de Beefeater por el SOS 4.8 ha ido más allá del recinto del festival. Y es que durante todo el mes de mayo Beefeater ha vestido de música y “estética brit” la ciudad de Murcia con una intervención en los escaparates de quince comercios seleccionados del centro de la ciudad. El siguiente festival en el calendario es el VIDA. Y la experiencia londinense escogida en la votación online ha sido la Beefeater Record Store. Si vas, ¡no olvides llevar una buena mochila para llevarte unos cuantos elepés a buen precio! www.beefeater.es · Fb /BeefeaterGinSpain Twitter @Beefeaterdrygin Instagram @beefeaterdrygin


Verano de festivales El SOS 4.8 de Murcia abrió en mayo la temporada de festivales, y Beefeater Live! estuvo ahí. Con la llegada del verano el calendario se llena de interesantes propuestas festivaleras en las que también Beefeater estará presente. Hacemos un recorrido por todas ellas. Por Ángela Cantalejo

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ida Festival ¿Cuándo? Del 30 de junio al 3 de julio. ¿Dónde? En Vilanova i la Geltrú (Barcelona). ¿Qué tiene de especial? La antigua Masía de Can Parellada es el escenario principal en el que se desarrolla este festival mediterráneo dónde la música, pero también el entorno, el arte y la gastronomía, cumplen un papel fundamental. Este y otros pequeños escenarios integrados completamente en el paisaje de la zona (un barco dentro de un bosque o una pequeña cabaña) serán el marco para disfrutar del selecto cartel de esta edición: Wilco, Primal Scream, Kula Shaker, !!! (Check Check Check), Nada Surf, Villager, 2ManyDjs, Manel, Kiko Veneno o Triángulo de Amor Bizarro, entre unos cuantos más. Recuerda… olvidarte del móvil, de los palos selfie y de los modelitos imposibles estilo Coachella. Aprovecha para imbuirte de verdad en la filosofía del festival: naturaleza, slow mood y buena música. Presta especial cuidado al medio ambiente. ¡Y pásate por la Record Store de Beefeater! Bilbao BBK Live ¿Cuándo? 7-9 de julio. ¿Dónde? En Matalascañas… ¡Qué no! ¿Dónde va a ser? En Bilbao. ¿Qué tiene de especial? Uno de los carteles más contundentes de todo el verano: Pixies, New Order, Underworld, Arcade Fire, Ocean Colour Scene, Tame Impala, Belako, José González y una larga lista de bandazas internacionales y patrias a la que, si sumamos el ambiente gastronómico y cultural

de la capital vasca, no se le puede poner ni un pero. Este año, además, la organización estrena una zona dedicada a la música de baile con DJs internacionales. Un festival que, edición tras edición, se consolida como uno de los primeros de Europa. Recuerda… que el norte es climatológicamente muy traicionero. Así que no olvides una rebeca para las noches y un chubasquero. Y, para el que quiera ahorrar un poco, la zona de acampada es inmensa (12.000 personas de aforo), situada en un entorno perfecto. Cruïlla ¿Cuándo? 8-10 de julio. ¿Dónde? En Barcelona. ¿Qué tiene de especial? Perfecto para quien guste de un festival ecléctico que reúne en un mismo fin de semana a Damien Rice, Cat Power, Robert Plant, Bunbury, Chambao, Alabama Shakes, 091 y Esperanza Spalding. Su abono de tres días es más que asumible. Se celebra en el Parc del Fórum, como el Primavera Sound, pero sin sus mastodónticas proporciones ni tanto postureo. Todo más recogidito y en familia. Recuerda… llevar protección solar porque, aunque el festival empieza a media tarde, se celebra al lado del mar y el sol pega bien. Nosinmúsica ¿Cuándo? 21-23 de julio. ¿Dónde? En el muelle de Cádiz. ¿Qué tiene de especial? ¿Un festival en Cádiz? ¿En julio? ¡Planazo! Pero, aparte de eso, este reciente festival, contará en su segunda edición con la presencia de Izal,

Bunbury, Loquillo, Julián Maeso, Second o Modelo de Respuesta Polar, además de la actuación de un artista sorpresa para la fiesta de presentación del jueves. Recuerda… que en el puerto de Cádiz para mucho crucero, así que igual puedes continuar la fiesta después en uno de ellos. Low Festival ¿Cuándo? 29-31 de julio. ¿Dónde? En Benidorm. ¿Qué tiene de especial? Tiene zona de piscina (VIP, eso sí) y un buen cartel para el que le gusta la música y también para el que no: Belle and Sebastian, Los Planetas, Suede, Vetusta Morla, The Kooks o Love of Lesbian, son algunos de las decenas de bandas que encabezan el cartel. Recuerda… Otro de los que también apuestan por la sostenibilidad con la recogida selectiva de residuos. Así que recicla los vasos que uses y toda la basura que generes. Sonorama RIBERA ¿Cuándo? 11-14 de agosto. ¿Dónde? Aranda de Duero (Burgos). ¿Qué tiene de especial? Que son como las fiestas de tu pueblo pero con indie patrio y que, para reponer fuerzas, siempre puedes meterte un buen lechazo entre pecho y espalda. Lo necesitarás si quieres empezar desde las 12 del mediodía con las actuaciones en la Plaza del Trigo y continuar hasta la madrugada con los cabeza de cartel en el recinto. ¡Olimpiada musical! Recuerda… hacerte un croquis de escenarios, plazas y bares para no perderte la actuación de ningún grupo.

Arriba: escaparate intervenido en Murcia. Debajo y en página anterior: espacio Beefeater Sports Club.


icono gant rugger

ELEGANCIA INFORMAL

Los iconos de la moda son aquellos que, por mucho que pasen los años, gustos y costumbres, seguirán ocupando un lugar destacado en nuestro fondo de armario. El estudio Cocolia ha intervenido la prenda estrella, la camisa, de la icónica marca Gant Rugger para nuestro especial 18 aniversario. Por Laura S. Lara

Gant Rugger

L

a primera camisa de Gant fue confeccionada en 1949, y a mediados de los 50 la G con el rombo ya se había convertido en parte de la historia de la ropa masculina americana, una señal de primera calidad que contribuyó a definir el look informal pero elegante que dominaría los años de la posguerra y se establecería como identidad de la firma. Desde entonces, Gant no ha dejado de reinventar su prenda estrella. Gant puso las bases del estilo americano casual desde New Haven, Connecticut, y lo hizo con hombres que durante años sólo habían llevado ropa militar. Empezaron apreciando la caída perfecta del cuello de las camisas, la calidad del tejido, la trabilla, la tabla, el botón del cuello trasero y la lengüeta de botones. Y muy pronto valoraron otra cualidad en la que la firma fue pionera: el color. En los años 50 el tono predominante en las camisas era el blanco, hasta que la marca inventó un nuevo y atrevido look que dio lugar a la explosión del color Oxford, una gama cromática que llegó a las universidades de la Ivy League transmitiendo unos valores de estilo y también de vida que han dejado huella en la sociedad a ambos lados del Atlántico. La revolución de Gant fue más que una mera cuestión estilística. La gente sigue hoy buscando prendas de calidad para la vida de diario y también para los momentos en los que hace falta inspiración o desconexión. La respuesta sincera de Gant ante esta demanda es su línea Rugger, la más vanguardista de la fir-

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ma. Aquí, la camiseta de rugby que fue un éxito en los años 70 y que permanece aún en nuestros días se convierte en protagonista y símbolo del saber hacer artesano y el estilo “sartorial” de una marca que no deja de reivindicar su herencia y tradición. Sofisticación europea y durabilidad norteamericana se dan la mano en colecciones coloristas y elegantes que mantienen a Gant entre las firmas de sportswear de referencia, estatus cuyo secreto radica en la reinvención de los clásicos de estilo preppy vintage para el consumidor actual. En Madrid, la Gant Rugger Store (la décima tienda de la firma en el mundo) está instalada en el número 32 de la calle Barquillo y se suma a las ya abiertas en Nueva York, Los Ángeles, San Francisco, Chicago, Londres, Estocolmo, Copenhague y París. Con una superficie de 70 metros cuadrados en una única planta, la tienda sirve actualmente de escaparate para la colección de Primavera-Verano 2016. Esta temporada, la clave son chaquetas, blazers, vestidos y camisas híbridas con box pleat, faldones curvados y dobladillos, rayas verticales como estampado predominante y prendas lisas en las que priman azul y blanco. Dos imprescindibles: para él, la Pinstripe Parka, una clásica parka con espalda en pico transformada en una prenda contemporánea cuyo estampado a rayas se inspira en una camisa vintage de Gant de los 70; para ella, la Pinstripe Bomber Jacket, elaborada en un tejido superligero y una espalda inspirada en el diseño de las camisas que es el cruce entre una chaqueta bomber y una camisa.

La alegría de Cocolia Raúl y Mireia son Cocolia, el estudio creativo que ha intervenido de manera artística una prenda de Gant para esta edición especial sobre iconos de la cultura. Obra también suya para El Duende fue la portada de ‘El libro azul del arte emergente’. Según Mireia, “el siglo XXI acaba de empezar, nosotros hemos nacido a finales del XX y hemos pasado de la cinta de cassette a tener la música en la nube. Todo un cambio en nuestro ritmo de vida y nuestros hábitos”. De ahí que su gran referente de estilo de esta época sea Steve Jobs. “Es quien más merece estar en esa lista de iconos, como también la aportación visual y artística de Jeff Koons o la gran repercusión mundial al final de su carrera de Yayoi Kusama, una de nuestras artistas más influyente en nuestro trabajo”. Sobre su inspiración a la hora de desarrollar esta obra para Gant y El Duende han querido remontarse a la estética de los ochenta, pero con una propuesta del Siglo XXI: “Recordamos estampados dinámicos y colores vivos donde la libertad en la moda, en la música y en el arte fue memorable. Una filosofía que compartimos, partir de la propia voluntad creativa y el uso exaltado del color, como herramienta para transmitir positividad”. www.cocolia.cat


i c o n o G A N T r u gg e r | ‘ S / T ’ O B R A I N É D I TA D E COCO L I A PA R A E L D U E N D E & g a n t


ICONO EL APERITIVO

LOGO PER FORTI RIDUZIONI

¡NOS VAMOS DE APERITIVO!

Utilizzare questa versione esclusivamente nelle applicazioni in cui è necessaria una riduzione del logo sotto i 25 mm di larghezza. La misura di 25 mm è riferita alla larghezza del cartiglio blu di Aperol.

25 mm

LA TOMASA (Cava Baja, 47) Su propuesta se basa en pinchos, tapas, cazuelas y tostas. Si además consigues mesa en terraza será la ocasión perfecta para entregarte al “aperitivi interminable”.

¿Hay alguna temporada del año en la que apetezca ver a los amigos todo el rato más que en verano? Afterworks que se alargan hasta las mil, aperitivos de fin de semana que queremos que sean eternos… Pocas cosas combinan mejor con esta idílica estampa que un buen Aperol Spritz. Por María Ortega

OJALÁ (San Andrés, 1) Que levante la mano el que en uno de esos días de canícula infernal y de ansia de playa en Madrid no se haya rebozado en la arena del Ojalá… Pues imagínate ver la luz al fondo del túnel con un señor Aperol Spritz en jarra de 1,4L en la mano.

¿Cómo se prepara un Aperol Spritz? Prepara tu copa con hielo y una rodaja de naranja

Versione tinte speciali

partes de

Prosseco / Cava

partes de

PANTONE 172 C

PANTONE 124 C

PANTONE golpe dePANTONE 2768 C Soda116 C

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Aperol

MERCADO DE SAN ILDEFONSO (Fuencarral, 57) Que los mercados de Madrid se han puesto interesantísimos es algo que ya sabes. El de San Ildefonso es el primer Street Food Market de España. Comida para llevar, productos exclusivos, dos terrazas interiores, y barra para disfrutar de la que seguro que ya es tu bebida favorita.

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se sabor refrescante, afrutado y ligeramente amargo que garantiza buenos momentos. En Italia es el número uno, y en Madrid cada vez va ganando más adeptos y hay muchos locales donde preparan riquísimos Aperol Spritz. Te hemos preparado una selección de algunos de ellos.

RAMSES (Pl. de la Independencia, 4) Su proyecto de decoración, innovador y cosmopolita lo firmó Philippe Starck. Los martes son un día a marcar en tu agenda: hacen un Afterwork en torno al Aperol Spritz.

EL NARANJA CAFÉ (San Vicente Ferrer, 53) Espíritu malasañero, entre sus paredes pasan cosas: cine, teatro, magia, fiestas… Su nombre y el color predominante en el local te dicen el resto. Estás en lo cierto: prepara un Aperol Spritz de primera.

ORNELLA (Velázquez, 18) Décadas de impecable gastronomía italiana en Madrid. Ambiente agradable, acogedor y sofisticado. Y todos los martes ofrecen el auténtico aperitivo italiano.

RETROGUSTO (Pl. Biombo, S/N) Se definen como un “bar con cocina”, con una agradable terraza en la que disfrutar de sus tapas de inspiración italiana. Y con el Istituto Italiano de Cultura a dos pasos para, por ejemplo, escuchar un concierto o ver una exposición. TASTE GALLERY (Pl. de San Miguel, 8) Madera, decoración industrial y mucho moderneo. ¡Su “Secret Garden” tiene un pequeño escenario para amenizar tu aperitivo con música! TERRAZA DE LA REINA (Pl. Pedro Zerolo) Una carta versátil, una decoración que va mutando, ¡y unos Aperol Spritz que enamoran! Un plan adictivo. TERRAZA DEL MUSEO REINA SOFÍA BY ARZÁBAL (Santa Isabel, 52) La última revolución de los Arzábal. Tranquilidad, relax y buen ambiente en el Museo Reina Sofía. Una carta en la que priman la calidad y el buen gusto. SIFÓN (Plaza del Rey, 4 / Barquillo, 4) Una bodega-colmado que invita a disfrutar las horas entre risas, amigos y diversión relajada. Pedrín Mariscal, durante dos décadas director creativo del Estudio Mariscal y actualmente director artístico de Palo Alto Market, ha creado para Aperol esta ilustración sobre el “momento aperitivo”.


ICONO EL APERITIVO | ‘MOMENTO APERITIVO APEROL SPRITZ’ P O R P E D R Í N M A R I S C A L E N E X C L U S I V A PA R A E S TA E D I C I Ó N


icono NUEVO CIRCO

El arte de las sensaciones Acuciado por su propio declive, el circo ha sido el arte que más extraordinariamente se ha renovado en los últimos 30 años. Por Raúl Losánez

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ue a finales de los 80 y principios de los 90 cuando las más avezadas compañías empezaron a entender que la rigidez que caracterizaba el lenguaje artístico bajo la carpa estaba amenazando, por agotamiento del público, incluso a la propia existencia de esta noble disciplina de la sorpresa y el entretenimiento. Así empezaba a fraguarse lo que ahora se ha convertido, sin duda, en icono cultural de este siglo adolescente: el nuevo circo o el circo contemporáneo. Y en todo este proceso de renovación ha tenido especial protagonismo Cirque du Soleil (Circo del Sol en español), la compañía canadiense que empezó a expandir el código circense a otros ambientes y logró acomodarlo en ellos con pasmosa facilidad. Ellos hicieron que las técnicas del circo de toda la vida se desarrollaran de pronto en una atmósfera impregnada de la frescura de los espectáculos callejeros, de la propia idiosincrasia de los personajes que ideaban y de los poéticos retazos de otros lenguajes como la danza y la música. Y trataron, además, de que todo ello discurriera por un estrecho pero ininterrumpido cauce dramático. Lo que vino después es de sobra conocido: el público se rindió a esta nueva y espectacular fantasía que proponía Cirque du Soleil y la puerta quedó abierta así a otras compañías

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que venían trabajando en esta línea más vanguardista pero que no habían obtenido aún un claro reconocimiento popular. Por su parte, las otras artes escénicas volvían también su mirada al circo para explorar sus posibilidades y enriquecerse con su espectacularidad. Quizá el más osado hasta la fecha en este sentido haya sido en nuestro país el director escénico Andrés Lima con Capitalismo, un ecléctico montaje a medio camino entro lo teatral y lo circense que reflexionaba sobre ese sistema político y económico al que el título alude. La obra se estrenó en el Teatro Circo Price, en Madrid, con un fabuloso elenco en el que Luis Bermejo era uno de los protagonistas. “En Capitalismo se hizo un trabajo performático muy ambicioso que tenía en común con el lenguaje del nuevo circo que trataba de ser integrador y vanguardista, pero en el que seguía siendo importante el texto. Lo nuestro no era tanto ese ‘big show’ que es el nuevo circo”. Y es esa grandiosidad que tiene el nuevo circo lo que le permite golpear violentamente al espectador a través de sus sentidos con una capacidad difícil de igualar por otras artes. El actor y director Alberto Castrillo-Ferrer, formado en París en la escuela que fundara el gran mimo francés Marcel Marceau, sabe muy bien cuáles son las armas de este nuevo circo: “El circo puede tener una dimensión de espectacularidad que para el teatro, que está más constreñido por la historia y por los personajes dentro de un espacio dramático, es más difícil; aunque obviamente no tiene la profundidad de aquel, claro. Por eso lo interesante en el nuevo circo, que además tiene a veces una poderosa maquinaria económica detrás, es integrar la dramaturgia al espectáculo”.

Vivimos en un mundo veloz y cambiante, no hay duda de ello; pasamos deprisa frente a todo, deteniéndonos si acaso ante el poder de una imagen, la suntuosidad de un aroma o el magnetismo de una melodía. Y eso es lo que intenta proporcionar el nuevo circo ante toda: sensaciones que acaparen nuestra atención, que nos cautiven. Lo explica muy bien Daniel Galindo, director del programa de Radio Nacional de España sobre artes escénicas La Sala: “El nuevo circo ha sabido huir de la sobriedad para buscar el mestizaje, y ha roto los patrones establecidos hasta dar con la clave para retener confortablemente a su público en un mundo en el que el color, la música y la proeza humana lo subyuguen”.

Recuperar el cartel El artista Ricardo Cavolo, uno de nuestros talentos más reconocidos del mundo de la ilustración, empezó a darse a conocer en el tiempo en que colaboró con el proyecto Safewalls de Cirque Du Soleil en 2011 con el cartel que ves en estas páginas. Dicho proyecto trataba de recuperar el arte del cartel de circo de la mano de artistas urbanos internacionales. Dos años despúes, también la revista El Duende tuvo el privilegio de poder contar con él para celebrar su 15 Aniversario, en una edición muy especial formato “TriviDuende” donde ilustró las cubiertas de la portada de la revista, el tablero y las tarjetas del juego que contenía. Ahora, en nuestra mayoría de edad, Cavolo nos cede esta imagen y escoge como icono cultural generacional a un creador de otro “circo”, el musical: “Para mí, ese icono creo que sería Kanye West. Musicalmente me encanta, pero sobre todo me ha influido a la hora de saber desarrollar artísticamente sus propios proyectos siendo muy fiel a su modo de ver las cosas. Y creo que, en su ámbito, es una especie de genio”. www.ricardocavolo.com


i c o n o n u e v o c i rc o | t Ă­ t u lo ‘ c o rt e o ’ p o r r i c a r d o c a v o lo


icono FREIXENET MINIBLACK

icono freixenet miniblack Glamour, sofisticación y atrevimiento se dan la mano en las Miniblack, el formato más cool de Freixenet. Contienen un cava ligero, fresco y afrutado, envuelto en seductoras imágenes creadas por, entre otros, Jordi Labanda, uno de los ilustradores más icónicos de esta generación.

Con su innovadora propuesta la firma consiguió el primer premio WorldStar de diseño 2009, el Best Pack en los Premios LiderPack de 2009 y premio Innoval 2006 en la categoría de Vinos y Espumosos. A la venta en www.miniblack.com y en tiendas Gourmet.


icono Ware/Brown/Sfar/Giraud

Mitos del papel impreso Tratar de resumir una generación de viñetas es tarea imposible, por lo que hemos pedido dejarlo en unas pinceladas: unos cuantos amantes y expertos del sector elijen a sus propios iconos. Por Christian Osuna

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epo Pérez, historietista, ilustrador, historiador de arte y teórico de las viñetas, coautor de la serie El Vecino, ilustrador en Rockdelux y activo comunicador en formato blog y en redes sociales tiene perfectamente claro quién ocupará un lugar en el Noveno Olimpo del Arte. “Chris Ware es el autor que encarna lo que significa el nuevo cómic contemporáneo. Fue uno de los autores emergentes de la escena alternativa norteamericana de los noventa con su cabecera Acme Novelty Library (desde 1993), para convertirse durante los 2000 en el gurú de la novela gráfica gracias tanto al impacto de su obra en círculos literarios y artísticos como a su evidente influencia en numerosos historietistas, de su generación y

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otros más jóvenes. Novelas gráficas como Jimmy Corrigan (2000), Lint (2010) o la monumental Building Stories (2012), donde cuestionaba el propio formato de libro asociado a la novela gráfica, le han convertido en el autor más importante del cómic contemporáneo. Ware ha ido más lejos que nadie de su generación, en ambición temática y formal y en hallazgos creativos, y trabaja al límite de lo humanamente imposible. Por todo eso, para mí, es un autor MÍTICO.” Josep Mª Beá es un mito de la historieta en sí mismo. Un autor de obra imprescindible, cuya trayectoria, que comienza en la agencia Selecciones Ilustradas a finales de los cincuenta, le llevará a los mercados francés y norteamericano y le traerá de vuelta a España para convertirse en pieza fundamental del “boom del cómic adulto” de los años ochenta. Iconoclasta, polifacético y emprendedor, necesitaríamos toda la revista para desentrañar su curriculum. El autor de Historias de la Taberna Galáctica y La Esfera Cúbica se ha mantenido alejado de la creación de historietas en este siglo, pero no de su lectura como demuestra cuando contesta a nuestra pregunta con un lacónico correo electrónico. “Chester Brown es el mito de estos últimos 15 años, concretamente por sus libros Nunca me has gustado y Pagando por ello.”

Rubén Lardín es una firma lúcida y frecuente en la prensa nacional, escribiendo sobre cine, cómic y cultura. Traduce a algunos de los más importantes autores internacionales y está libre de prejuicios, ya sea por su pasado como editor underground o su trayectoria vinculada a la mal denominada cultura basura. “Joann Sfar. Por su voz dionisíaca, vívida y erótica en todo momento. Por su respeto a los antiguos y al dibujo como lenguaje poético. Porque sin aparatosidad ni aparente preocupación técnica ha sabido conjugar el aliento lúdico con un temario existencialista de gran seriedad. Por el volumen inexplicable de su obra y por ser zapador de una generación de talentos (Blutch, Blain, Sattouf…) que componen la mejor alineación del cómic europeo contemporáneo.” Para terminar, por petición del editor, el aquí firmante, Christian Osuna. Inicié mi relación profesional con el medio como editor independiente en los años 90. Actualmente me desempeño como periodista, locutor de radio, gestor y divulgador cultural. Me permito hacer trampas y destacar no solo un autor mítico, sino dos. ¿O son tres? Es muy difícil señalar a un único autor de cómic, para la cosa de los tebeos me considero politeísta. Pero no hay duda que en la querencia lectora, lo que a uno

le toca el corazón, en la juventud queda... Tendría que mencionar a Hugo Pratt el autor de Corto Maltés. Pero su vida y su obra quedan lejos en el tiempo, así que nos queda Jean Giraud, dibujante de Blueberry y renovador o revolucionador de la estética ci-fi bajo el seudónimo Moebius. Además le dio una vuelta de tuerca a la gráfica novela autobiográfica poco antes de dejarnos en 2012. Sin duda Inside Moebius es el canto de cisne de un mito.

Darío Adanti Mongolia, junto con Orgullo y satisfacción, ha venido a renovar -¡y cómo!- el género de la prensa satírica en España. Darío Adanti (Buenos Aires,1971) es su ilustrador de cabecera y uno de sus fundadores. También ha ilustrado libros como Vida Mostrenca , de Jordi Costa, o Diccionario irreverente de economía, de Enric González. Y ha realizado, con Bárbara Perdiguera, varios cortos de animación, como Vacaláctica, Minas de cobre o La hora de Hombre Cacto. Nos ha regalado esta ilustración que “representa el efecto de los fanatismos en el humor”, ese que nos hizo vivir el terror de Charlie Hebdo. Entre sus iconos del humor gráfico de estos últimos años, menciona a Manel Fontdevila. www.revistamongolia.com


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icono NUEVOS ARTESANOS

El “toque” de lo hecho a mano Brutus The Beer Está claro que estamos en la década de los nuevos artesanos. Profesionales que ponen todo su empeño y conocimiento en desarrollar procesos minuciosos que den lugar a productos únicos, personales y valiosos. Pequeños héroes de lo cotidiano ajenos a la máxima “más es más”. El caso de la cerveza no es ajeno a esta tendencia, ha habido un gran “boom” del fenómeno artesanal. 60 @revistaelduende

Por Nadia Madrid

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rutus es un gran ejemplo porque, ¿sabías que hay una cerveza artesana española que se elabora en una de las fábricas de cerveza más antiguas del mundo, en Alemania? Esta cerveza, tipo lager de la zona de Baviera, se fermenta con procesos a baja temperatura. Recupera todo el sabor original de la cerveza artesanal que se fabricaba en los años veinte y treinta del siglo XX. El resultado: la autenticidad de las cosas hechas con pasión. Y “a nivel usuario de cerveza” (si se me permite la expresión): 5% de volumen de alcohol, un aroma ligero y un gusto finalmente especiado. Para Jordi Calvet, Director General y socio fundador, Brutus es ante todo una cerveza Premium, un término que también es propio de esta generación, en la que la calidad está en todos los ámbitos de un producto, incluido el embalaje la presentación y diseño e incluso la forma de comunicar. En la reciente entrevista que le hicimos para El duende nos comentaba: “Nosotros nos marcamos al principio, como máxima prioridad, hacer una cerveza de calidad, y para ello entendemos que el proceso debe ser artesanal”.

Son creaciones personales como las de esta cerveza las que nos invitan a prestar atención al resultado de las cosas, y a no quedarnos sólo con el cómo se hacen. Y las que nos demuestran que se puede ser natural, huir por completo de lo industrial, y no por ello resignarse a un público minoritario. INSTAGRAM@brutusthebeer FB/brutusthebeer

Creando a la mujer Brutus, por Mundo Piruu Mundo Piruu es ilustrador y director de arte que desarrolla su trabajo en Madrid. Le apasiona su trabajo y todo lo relacionado con las artes visuales, ya sea arte urbano, cómics, cine, la moda, etc. Acaba de publicar un libro, Hipster de extrarradio con la editorial Lunwerg y está trabajando en un cuento que saldrá a finales de año. Es el autor de la imagen que puedes ver acompañando este texto, en la que ha tratado de mostrar gráficamente la personalidad de la “mujer brutus”. En palabras de Calvet: “Cuando creamos Brutus a nivel de concepto de marca, nos imaginamos un hombre varonil, seguro de sí mismo y con personalidad; pero también con sensibilidad, capaz de apreciar la calidad de las cosas buenas... Respecto a la mujer, nos imaginamos una mujer sensible pero segura, delicada pero fuerte, de aspecto muy femenino...”  Para Mundo Piruu (su nombre real es Alejandro) su “icono cultural” de la generación duende sería el boom de los ilustradores: “No me quedo con una persona en concreto”, comenta, “creo que estamos viviendo un momento en el que los ilustradores, gracias a las redes sociales, estamos ganando peso y visibilidad reforzando el tejido cultural de nuestro país. Tenemos mucho que dibujar y que decir, y ahora hay mucha gente que quiere ver y escuchar”, asegura.   Lo artesanal está de moda, y es algo que tiene mucho que ver con el trabajo de ilustrador: “Creo que el trabajo del artesano siempre debería ser valorado, ya que dotan de alma a las cosas. En nuestro caso, cada trabajo que hacemos lleva una parte de nosotros”. mundopiruuu.com


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icono ARQUITECTURA

ME QUIERE, NO ME QUIERE quiero, no quiero

La arquitecta Teresa Sapey (Turin, 1963) escribe para El Duende una carta de amor/desamor sobre la arquitectura. Es CEO y fundadora del Estudio Teresa Sapey, un equipo multidisciplinar de arquitectura y diseño con sede en Madrid desde 1990. Por Teresa Sapey

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uando era pequeña solía jugar a “m’ama/non m’ama” (me quiere/ no me quiere) con las margaritas. Este juego no tiene el condicional “podría ser”, es determinado, o te quiere o no te quiere. Y me encanta porque la vida real de un arquitecto es justo lo contrario, es resbaladiza como una serpiente donde solo existe el PODRÍA SER, por ser políticamente siempre correcto. Pero mi profesión se ha convertido en una patera a la deriva, así que en esta situación de supervivencia extrema solo sobrevive quien tiene genitales masculinos (también el tamaño de dicha parte física marca el camino a seguir). Así que he decidido escribir con el dedo en mi iPad el monólogo de la profesión más vieja del mundo, la prostitución,… ups, ¡quería decir la arquitectura! - Quiero seguir soñando con dormir al menos una vez en mi vida en el pabellón

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de Mies van der Rohe. Me encantan sus materiales, los ruidos perdidos, los espacios con polvo y carcoma (como no hay madera no hay carcoma). Cuando sueño dibujo nubes, lunas, soles, grutas que no existen, un mundo donde los arquitectos son humildes y creativos. - No quiero comer más ensaladas con el vinagre de Módena, me sale por las orejas. Con todos los vinagres buenos que hay en España, ¿por qué oscurecer las hojas verdes con dicho líquido mono sabor? - Quiero dinamitar Valencia, (no todo, sólo los edificios blancos) parece un osario de exoesqueletos de insectos deformados por la cámara de gas. - No quiero nombrar más la palabra CRISIS, es una cruz en mi vida. Prefiero inventar espacios de papel higiénico, edificios de latas de Coca-Cola, muebles de plástico reciclado de botellas de suavizante,… todavía prefiero soñarlo que

decir una vez más que nuestra profesión ya está enterrada. -Quiero borrar los edificios sin personalidad que parecen pegados como chicle a nuestras ciudades y como la goma no se despegan del contexto. Genius loci, ¿dónde te has escondido? -No quiero más arquitectura del espectáculo, que ha generado edificios deformes, blandos como nuestros excrementos, o como los excrementos de cualquier animal. El mal gusto reina en muchos rincones del planeta donde se ha ganado dinero rápidamente, pero donde la cultura todavía es algo abstracto. -Quiero cenar con Rem Koolhaas y después de una copa de vino preguntarle, “¿Te tiraste a Miuccia?” -No quiero morir en Miami como la gran Zaha Hadid, ¡qué horror! La ciudad donde todo es hinchable, qué ironía macabra. -Quiero construir con el color como materia, quiero a todos los colores indistintamente. -No quiero oler a ajo como Gropius, fundador de la Bauhaus, ¡qué ordinariez! -Quiero moldear el acero, doblar el hierro, acariciar el cristal, oler la madera, pisar ladrillos. Quiero que el espacio huela a su propio sudor. -No quiero sentarme más en “la Chaise” de Charles y Ray Eames. ¡¡Pesa demasiado!! Pero como la amo sé que el amor es ciego. -Quiero a la naturaleza y a la arquitectura

sin nombre, la más coherente, indispensable y respetuosa. -No quiero más clasificaciones de falsas categorías entre arquitectos, arquitectos de interiores y diseñadores. Los buenos saben cambiar de escala y proyectan desde una baldosa a un rascacielos. Mira a Gio Ponti, Le Corbusier, Mollino o Nouvel… ¡No tienen miedo a NADA! -Quiero besar a Judas porque ha pasado a la historia como el hombre más falso del mundo y muy probablemente ha sido el más sincero, no sabes cuántos “super-Judas” pululan el mundo del tercer milenio. -No quiero más maleducados que responden al móvil en la iglesia, en los aseos, en la Ópera, ¡en la cama! Hay aplicaciones placenteras mejores como…. (descúbrelo tú solo, jejeje) -Quiero tocar a Alejandro Aravena porque, aparte de ser un gran arquitecto, es también un pedazo de carne muy, muy buena y desnudo no quiero ni imaginarlo… “erotic building”. -No quiero al que habla y no hace nada, por favor ¡cállate! Ponte unas botas de obra, ensucia tus manos de cal y luego verás cómo tu voz ha bajado de tono. Ahora, después de todo esto, espero me quede algún amigo, ¡espero que todavía alguien me quiera! Madrid, mayo 2016, año bisiesto-año funesto (¡espero que no!). www.teresasapey.com


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icono JOSÉ SACRISTÁN

FETICHE INDIE Habitual del Landismo, símbolo de la Transición y actor fetiche de los nuevos directores indies. ¿Es Sacristán uno de los mayores iconos del cine español? Mario Casas, María Valverde, Isaki Lacuesta y Carlos Vermut responden por nosotros. Por Andrea G. Bermejo

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n 2011 David Trueba hizo una cosa insólita. Para abordar su quinto largometraje, Madrid 1987, el director encerró a la jovencísima María Valverde en un baño con José Sacristán. Por aquel entonces, Pepe, como le llaman a secas todos los que le adoran (que son todos los que han trabajado con él), llevaba más de una década refugiándose en el teatro y los musicales ante aquellos papeles para cine que no terminaban de convencerle. Pero con la llamada de Trueba aquella sequía estaba a punto de terminar. Paradójicamente, el encierro al que este le había sometido le iba a abrir las puertas a una nueva generación de directores y actores. Un año después de Madrid 1987 José Sacristán (Chinchón, 1937) protagonizó El muerto y ser feliz, de uno de los autores más celebrados de nuestro cine, Javier Rebollo. Desde entonces, ha combinado proyectos más convencionales (Perdiendo el norte, Velvet) con otros independientes como Vulcania, Quatretondeta o Murieron por encima de sus posibilidades. Cuando le preguntamos a su director, Isaki Lacuesta, por qué quiso contar con Sacristán en aquella comedia disparatada sobre la crisis, el ganador de una Con-

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cha de Oro se deshace en halagos: “Si –cosa improbable- me encargaran dirigir una biografía de Fernando Fernán-Gómez, llamaría para interpretarle a Pepe Sacristán. Si me encargaran una biografía de Gonzalo Suárez, llamaría a Pepe Sacristán. Si me encargaran una biografía de Dios, de Messi o de Tom Cruise, llamaría a Sacristán. ¡Menudo tío!”. “Sacristán te conecta con la historia del cine español. Es un privilegio”, afirma Carlos Vermut, el director revelación que fascinó a la industria con el sorprendente noir castizo Magical Girl. En ella, no tuvo dudas de fichar al actor madrileño para el personaje atormentado por Bárbara Lennie que acababa liándose a tiros por aquella femme fatale. Aunque ese papel poco tenía que ver con la extensa trayectoria de Sacristán, el director de Diamond Flash sabía que la presencia de Sacristán en su segunda película le emparentaba con nuestro pasado cinematográfico tanto como la copla. No obstante, el intérprete de Chinchón fue un habitual del Landismo (El apartamento de la tentación, No desearás a la mujer del vecino…) y un símbolo del cine de la Transición. En cuanto a esto último, ¿no se convierte un actor en icono instantáneo al trabajar

con Garci, Mario Camus, Berlanga y Fernando Fernán Gómez? “La trayectoria de Sacristán  es de esas que, como actor, te gustaría poder llegar a tener”, opina Mario Casas. El protagonista de Palmeras en la nieve tiene a Sacristán como uno de sus referentes desde que ambos coincidiesen trabajando en Toro. “Yo quería agradar a Sacristán y que se sintiese orgulloso de la generación de actores jóvenes a la que represento –sigue Casas–. Da respeto, pero, a la vez, te da ganas de prepararte más para estar a la altura”. Esa carrera sólida y constante de una de las voces más imponentes del cine español bastaría para impresionar al gremio más joven en esta profesión tan incierta. Y, sin embargo, no es el único motivo para que todos los que han trabajado con él lo reverencien como a un maestro. “Junto a José compartí uno de los mejores rodajes de mi vida –reconoce María Valverde sobre Madrid 1987–. Recuerdo la generosidad que tuvo conmigo en todo momento. Lo único que podía hacer era callar y escuchar, como un alumno hace con su profesor”. No es la única que apela a su bondad. “¡Hacemos cine por el placer de aprender y por com-

“Sabe cantar copla, matar a un ruiseñor y resumir España en un susurro al mismo tiempo” partir algunos ratos de esta vida con personas admirables como Pepe, que sabe cantar copla, matar a un ruiseñor y resumir España en un susurro al mismo tiempo”, lo reivindica Lacuesta. Algo con lo que está de acuerdo Vermut. Pero con una objeción: “Me parecería injusto que su imagen como icono perdurase más que su persona. Creo que es un grandísimo actor porque es una grandísima persona también. Por resumirlo, Pepe es más importante que José Sacristán”. Sea lo primero o lo segundo, lo que está claro es que en este país de mala memoria él sigue siendo un icono del que nadie, absolutamente nadie, se olvida.


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icono VOCES DE SU TIEMPO

i c o n o V O C E S D E S U T I E M P O | ‘A N O H n I ’

claves bien temperadas Nuestros “templos” de la música se abren, cada vez más, a lo contemporáneo, y se han llenado con nuevas “voces”, como las de estos diez iconos que siguen. Por Benjamín G. Rosado

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ablo Heras-Casado. Es una de las batutas más cotizadas del momento, un golden boy de la música clásica hecho a sí mismo: “Observando a los grandes pero sin idolatrar a nadie”. A sus 38 años, ha dirigido a las mejores orquestas y en los grandes templos, como el Carnegie Hall. Javier Perianes. Se encuentra el pianista en un dulce momento de madurez interpretativa, pero cuando echa la vista atrás y se ve a sí mismo sustituyendo con 17 años a Alicia de Larrocha, debutando en Lucerna al abrigo de Zubin Mehta o recogiendo el Premio Nacional de Música se sigue reconociendo en cada una de las fo-

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tografías. “Sigue siendo el mismo currante de siempre”. Linar Tur. Más de diez años lleva la violinista balear rescatando partituras olvidadas. Como las Sonatas del Rosario de Biber de su último disco, los tres conciertos de Vivaldi de su anterior grabación o el repertorio de Elisabeth Jacquet de la Guerre. “Abordar piezas inéditas es una responsabilidad pero también un gran estímulo”. Lucas Vidal. Es uno de los españoles que más suenan en Hollywood. Llegó a Los Ángeles hace siete años sin un solo contacto en la agenda y ahora dirige un equipo de 15 personas. James Horner le regaló tres consejos: “No perder mi identidad europea, tratar de ensanchar mi horizonte creativo y defender mi sonido a capa y espada”. Nico Muhly. Se define a sí mismo como compositor de música clásica, aunque a sus 34 años ha tocado todos los palos: aprendiz de Philip Glass, colaborador de Björk y Antony, compositor de bandas sonoras en Hollywood y autor de una ópera, Two Boys, que fue aplaudida en la ENO de Londres y en el Met de Nueva York. Anohni (aka Antony Hegarty). Ya advirtió Gerard Mortier, a propósito del estreno de la ópera Vida y muerte de Marina Abramovic, que Antony (ahora Anohni) encarnaba, como las sopranos belcantistas, los heldentenor

o los castrati, la voz de su tiempo. George Benjamin. Written on Skin, la última ópera del compositor británico, es la prueba fehaciente de que el género sigue vivo. Centro Nacional de Difusión Musical. La apuesta de Antonio Moral por la recuperación del patrimonio histórico, la difusión del repertorio, el apoyo a los compositores y la reconquista del público ha situado su programación en lo más alto del escalafón musical. El ciclo Bach Vermut es cita obligada de la agenda cultural. Teatro Real . En los últimos años se ha convertido en teatro referente en Europa y punto de encuentro de grandes artistas líricos. Como colofón a su imparable trayectoria, la temporada de 2018 celebrará una doble efeméride: los 200 años de su fundación, en 1818, por el rey Fernando VII y los 20 años de su reapertura, en 1997. Plácido Domingo. A la edad en la que los tenores se retiran, Plácido Domingo decidió debutar, hace 6 años, el papel protagonista de Simon Boccanegra de Verdi. Fue aquella actuación una declaración de principios que el público celebró con 25 minutos de aplausos pero, sobre todo, el comienzo de una carrera fulgurante como barítono.


icono DANZA CONTEMPORÁNEA

i c o n o D A N Z A C O N T E M P O R Á N E A | ‘ D A N I E L A B R E U ’ por P. M AT U T E

Perpetuum mobile Aquí una muestra de solo algunos de los protagonistas de esta vitalidad creativa, que inexplicablemente no siempre encuentra justa correspondencia en una necesaria difusión en Madrid, en donde sigue sin espacio escénico con programación regular. Por Mercedes L. Caballero

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srael Galván: Conocedor del flamenco más secular y hasta él acude para desembocar en lenguajes mecidos por lo contemporáneo, y sobre todo por la investigación, fruto de su querencia de búsqueda. Autor prolífico y disputado en escenarios de dentro y fuera del país, le ha dado la vuelta al flamenco. Daniel Abreu: Más de 40 producciones figuran en el haber coreográfico de este canario afincado en Madrid. Pero es su personal concepción del movimiento,

siempre con el cuerpo como partida y desenlace, y la sobrecogedora poética que acompaña a su discurso, sustentado sobre cuestiones adjuntas a la existencia, lo que le convierte en destacado creador e intérprete de la danza contemporánea. Rocío Molina: En la contemporaneidad del flamenco también se mueve la obra de esta bailaora malagueña, enérgica y precisa. Destaca el trabajo que desarrolla a través de lo que llama Danza Impulsiva y que aglutina una serie de piezas desarrolladas en espacios poco convencionales para la danza, con la improvisación como raíz.  Roser López Espinosa: Ya en su primer solo, estrenado en 2006, la bailarina y coreógrafa catalana adelantaba el movimiento que le interesa, enmarcado en la potencia y la sutileza, a partes iguales. De su trayectoria, destacan sus solos y dúos y colaboraciones a nivel interpretativo y creativo con otras agrupaciones.  Olga Pericet: Esta coreógrafa y bailaora cordobesa, protagoniza junto a Daniel Doña, Marco Flores y Manuel Liñán -con quienes irrumpió en la escena hace doce años con Cámara Negra-, una renovadora mirada sobre la danza española, que actualiza desde preceptos coetáneos a la natural evolución de todo hecho artístico.

Marcos Morau: De amplia formación y aún más amplias inquietudes artísticas, el creador valenciano ostenta un identificativo sello a través de numerosos trabajos al frente de La Veronal, la compañía que dirige. Destacan aquellos que establecen analogías entre danza y geografía (Russia, Islandia, Siena...) y otros realizados para destacadas agrupaciones como la Compañía Nacional de Danza. Antonio Ruz: Una concluyente relación con la música y sus intérpretes, a quienes también pone a bailar con frecuencia, marca el discurso coreográfico de este bailarín y creador cordobés, formado en danza española, clásica y contemporánea, y director de su propia agrupación desde 2009. Además de su repertorio, es asiduo colaborador de la reputada creadora alemana Sasha Waltz.  Janet Novás: Bailarina y coreógrafa gallega afincada en Madrid, ha desarrollado su trayectoria interpretativa en destacadas agrupaciones del país y desde 2008, se alza también como relevante creadora. Sus trabajos, con formato de solo y de corte experimental e intimista, en los que la voz (y el texto) son claves junto con el cuerpo, se han visto dentro y fuera del país. Mercedes L. Caballero es periodista especializada en información, crítica y difusión de danza, autora de Unblogdedanza.com.


icono las mujeres de amy hempel

¿Adónde se dirige una mujer cuando tiene problemas? Por Patricio Pron

E

ste artículo es la respuesta a la propuesta de El Duende de escribir sobre un personaje femenino icónico de esta generación.

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Uno de los relatos más hermosos que he leído en mi vida se titula “Breathing Jesus” y su protagonista es una mujer que inserta una moneda de veinticinco céntimos de dólar en una máquina para que un muñeco a tamaño natural de Jesús le respire unos instantes en el rostro. No hay nada de hermoso en la situación, por supuesto: el muñeco es sólo una más de las atracciones de una feria recorrida por ociosos y aburridos; su milagro es banal, un artificio mecánico y mediocre revestido de kitsch religioso. De la belleza de la mujer, por otra parte, no hay ni rastro; es como todas las otras mujeres de los relatos de Amy Hempel: lúcida, sensible, locuaz y a la vez lacónica; su vecino la ha dejado al cuidado de su perra y la perra se ha perdido y posiblemente haya muerto, y la mujer se dirige a la feria para que el Jesús mecánico le eche su aliento en

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el rostro y para respirar junto con él y pedirle que la perra vuelva. «Uno tiene que creer que las cosas irán bien», dice, y agrega: «yo no lo creo, pero hay que hacerlo». Absurda, milagrosamente, la perra regresa.

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¿Adónde se dirige una mujer cuando tiene problemas? Una parte considerable de las batallas libradas en los últimos dos siglos no sólo por las mujeres ha tenido como objetivo que ese lugar exista; pero esas batallas nunca se ganan por completo, y, al margen de los progresos realizados, la de que exista algo más que el consuelo comienza una y otra vez cuando a una mujer se la despoja de sus derechos, se la violenta, se la estigmatiza o se la humilla. «Había lecciones para aprender donde quiera que mirases, lo que no significa que esas lecciones hayan sido aprendidas», sostiene la protagonista de otro cuento de Hempel; una parte importante de la literatura de los últimos doscientos años —a veces silenciada, casi siempre omitida pero incluso así triunfante a

su manera y fundamental para quienes somos sus lectores— está destinada a enseñarnos una de esas lecciones, que ser mujer no consiste sencillamente en una elección de ropa interior y que vivir aquí y ahora como mujer —y en todas las épocas y todos los lugares, pero también aquí y ahora— requiere algo más que el consuelo que ofrece el aliento mecánico de un Jesús de pacotilla. Olympe de Gouges, Mary Wollstonecraft, Virginia Woolf, Simone de Beauvoir, Jean Rhys, Susan Sontag, Renata Adler, Camille Paglia, Alison Bechdel, Elizabeth Strout, Alice Munro, Chimamanda Ngozi Adichie, Amy Hempel. No sólo son autoras feministas: todas ellas ponen de manifiesto que la literatura ha sido durante siglos el ámbito de intervención escogido por algunas mujeres —el campo de batalla, podría decirse— para la adquisición de unos derechos que nunca están completamente adquiridos, que se recuperan diaria y dificultosamente. Para muchas mujeres, la literatura ha sido, y sigue siendo, el único lugar

al que ir cuando se tienen problemas, el sitio donde buscar reparación pero también razones para seguir adelante. «Cuéntame cosas que no me importe olvidar», pide la protagonista de otro de los relatos de Hempel, pero a esto es preferible no olvidarlo. Patricio Pron es escritor y autor de No derrames tus lágrimas por nadie que viva en estas calles (Random House).

Gamusire Es el nombre artístico con el que se hace conocer en redes sociales Irene García (Madrid, 1994). Lo suyo es la pintura al óleo, pintura mural y la ilustración digital. Muchas de sus obras nacen de sus propias fotografías. Su personaje de ficción favorito es Gordi, de The Goonies, porque “no todo tiene que ser serio, ¿no?”, nos comenta. Y como icono de la cultura se queda con Lena Dunham (guionista, directora y actriz estadounidense; creadora de la serie Girls). www.gamusire.com


icono las mujeres de amy hempel | ‘S/T’, 2016 o b r a d e G a m u s i r e E N ESPE C I AL PARA ES TA ED I C I Ó N DE e l d u e n d e


icono RETRATO GENERACIONAL

CACERÍA Jimina Sabadú (Madrid, 1981) es una de las promesas literarias de su generación. Es escritora de novela y guiones de cine y televisión. Ha recibido el Premio Ateneo Joven de Sevilla de Novela (2015) por Los supervivientes y el premio Lengua de Trapo en 2010 por Celacanto. Ha escrito para El Duende este cuento que publicamos en dos partes, la segunda, en www.duendemad.com/caceria Por Jimina Sabadú

N

otaba que se estaba quedando dormida. No era que no le interesase el documental, sino que el ruido del proyector era hipnótico para ella. Antes de bajar las persianas, había visto a Clarisa en el patio, subiéndose a las canastas. Nadie más parecía verla. Sus compañeros estaban atentos porque era uno de esos días en los que un alumno podía llevar un video a verlo con todos. Y como el video del colegio era Beta, el único que aportaba películas era Mario. Y Mario sólo tenía una película. Era Furia de Titanes. Aunque a todos les gustaba, era un poco cansado ver todos los meses a Perseo cogiendo la cabeza de la medusa y al búho mecánico girando la cabeza. Los escorpiones. Tetis (momento en el que todo el mundo reía). El unicornio. El kraken. Y en algún momento, desconectaba de la película. Sintió cómo la zarandeaban. -Bea, que te has quedado dormida – era la profesora. - Ay, lo siento. - No pasa nada. ¿Te vienes un momento fuera? La profesora la acompañó hasta el baño a que se echase algo de agua en la cara.

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El agua estaba helada y, como era habitual en el baño del colegio, no había jabón ni toalla, y el secamanos echaba aire frío, pero potente. - Con lo contenta que estabas con la película, me extraña que te hayas quedado dormida – Bea se encogió de hombros. – El caso es que te pasa mucho últimamente. ¿Es que no duermes bien? - Tengo mucho sueño. No duermo bien por las noches. - ¿Te quedas hasta tarde viendo la tele? - No. No la veo nada. Mi padre ve los deportes todas las noches. - ¿Y tú que haces? - Nada. - Algo harás… - No. – Se volvió encoger de hombros. - Bueno, pues vamos a verte un tiempo, y si sigue así, vas a tener que ir al médico. De momento ve a la cafetería y pide un té de parte de la señorita Cachero. ¿Vale? Yo vuelvo a clase. Bea regresó a clase pasados unos minutos con un vaso de cristal lleno de agua marrón. Sabía a rayos, pero estaba feliz porque era la única persona – aparte de Federico, que siempre vomitaba y siempre tenía infusiones en la mesa – que había pisado la cafetería, vetada a los mayores y a los profesores.

Al terminar el día, Bea cogió sus cosas y, como cada día, salió disparada hacia la puerta sin despedirse de nadie. Clarisa la estaba esperando. - ¿Te has quedado dormida, eh? - Sí. Me han pillado. Por cierto, mi madre dice que puedes venir mañana a merendar. - Yo a tu madre no la caigo bien. - Sí que la caes bien. - Si la cayese bien, me pondría mi propia ración de tarta de chocolate. - No te pone porque no te gusta. - Soy alérgica, que no es lo mismo. - Mi madre dice que los alérgicos al chocolate no existen, y que si vas a merendar a casa tendrás que merendar lo mismo que todos, que ella no puede estar haciendo meriendas especiales. - Pues a ti bien que te hacen macarrones especiales cuando ellos toman macarrones con salsa blanca. - Es distinto, porque se me hacen bola. - Pues de ser alérgico te mueres. Oye, tenemos que hacer un plan para ésta noche. Tienes que plantarle cara. - No podemos hablar ahora. Me dijeron que me vendrían a buscar – Bea miró y allí estaba su madre, saludándola desde el coche en segunda fila. Cuando vio que no se movía, empezó a pitar y a hacerle gestos de que corriera. - Hola mamá. ¿Te importa que acerquemos a Clarisa también? Su madre bufó. - Venga, hombre, sí. Acercamos a Clarisa también. Eso sí, primero haces los deberes y luego ya bajas a jugar con Clarisa o haces lo que te de la gana. El trayecto en coche fue silencioso y tenso. La madre de Bea miraba el asiento trasero por el espejo retrovisor, viendo jugar a su hija y preguntándose por qué tenía que aguantar semejantes amistades. Bea tardó poco en burlar la vigilancia de su madre y a la media hora de llegar a su casa, ya estaba escabulléndose por la puerta de la cocina para bajar al patio de la mancomunidad. Allí la esperaba Clarisa. - Mira, he traído un mapa – dijo Bea orgullosa.

- No has hecho los deberes. Has estado haciendo éste mapa. - Claro. - ¡Qué grande eres, Bea! – Clarisa la abrazó – Venga, explícame cómo es todo. Clarisa puso el mapa sobre la tierra. Algunas piedras arrugaron el papel cuadriculado y lo horadaron. Era un alzado de la casa. - Ésta es la cocina. Aproximadamente a las once, aquí empieza a gestarse su nacimiento. Creo que le lleva bastante tiempo. Entre media hora y dos horas; un huevo, vamos. Intuyo, por el ruido que hace, que comienza en forma de ovillo y se va agrandando con motas que salen del polvo de las encimeras. Entonces, se enciende el horno y también la vitrocerámica, y las luces, y el calor lo hornea durante ese tiempo que te he dicho. -¿Y entonces qué? -Creo que hay un tiempo que se lo pasa lamiendo las paredes. Yo le oigo. Tiene la lengua áspera. Lame las paredes en busca de alimento, o quizás oye a través de su boca, que es parecida a una ventosa. Quiere saber quiénes vivimos en la casa. Se mueve con cuidado, pero a veces tira cosas. Entonces apaga todas las luces y se endereza. Toma forma humana por el pasillo. Es feo. Remueve las llaves y coge una. Cierra la puerta para que no podamos salir. Y sobre dos patas se dirige hasta el fondo, a la derecha. Abre un cajón, saca una medicina envuelta en papel albal y se la traga. Es entonces cuando toma forma humana. Adquiere la forma de una bella mujer, porque también puedo oírla transformarse; es un proceso doloroso y lento. Solo después se convierte en araña, deprisa y atropelladamente. Abre la ventana y huye. Nadie más que yo puede oírlo. [...] Mercedes Bellido (Zaragoza, 1991) intenta “que quede latente en los cuadros cierto punto de inquietud y tensión, de esa aparente calma que precede a algún tipo de acontecimiento”. Suyo es el cuadro que ilustra este cuento. (Foto: Gonzalo Castro Mella)


i c o n o R E T R AT O G E N E R A C I O N A L | T Í T U L O ‘ P O R T R A I T I ’ , 2 0 1 5 por M E R C E D E S B E L L I D O


toma nota Brunch nocturno

Kölln te invita a un ‘brinner’ Un indudable icono gastronómico de esta generación es el brunch: breakfast + lunch (desayuno + almuerzo). En este caso, dado la vuelta. Cenar en pijama un bol de cereales con leche, yogur o frutas es un clásico, pero no se ha reivindicado lo suficiente. Hasta ahora. Kölln, la marca de cereales especializada en avena y muesli inaugura en España la tendencia del brinner, es decir, breakfast + dinner (cena), que consiste en disfrutar de un delicioso y sano desayuno por la noche. Una idea que hará las delicias de los desayunófilos en un original restaurante diseñado para la ocasión. Entra en -www.facebook.com/kolln.es-, elige día -16, 17 y 18 de junio-, reserva cama y ¡Qué aproveche!

espacio fundación teléfonica

Retrospectiva de Joaquín Torres-García El Espacio Fundación Telefónica presenta la retrospectiva “Joaquín Torres-García: Un Moderno en la Arcadia”, producida por el MoMA de Nueva York en colaboración con el Museo Picasso Málaga. La muestra abarca la primera mitad del siglo XX y repasa los extraordinarios logros de Joaquín Torres-García (Uruguay, 1874-1949) en la pintura, la escultura, el fresco, el dibujo y el collage, a través de más de 170 obras. La exhibición, que cuenta con once obras que no se vieron en Nueva York,  podrá verse de manera  gratuita del 19 de mayo al 11 de septiembre de 2016 en la planta 3. / En imagen: Joaquín Torres-García, Physique, 1929 www.espacio.fundaciontelefonica.com

Woodstock en Mad Cool El espíritu de Woodstock viaja a Mad Cool. El nuevo festival madrileño acoge la exposición del legendario evento musical que se convirtió en uno de los pilares de la contracultura estadounidense en el año 1969. El autor de las fotografías, Baron Wolman, considerado uno de los fotógrafos más influyentes de la historia del rock, también viaja a Madrid acompañado del carismático fundador de Woodstock, Michael Lang. ¿Tienes entrada para Mad Cool? No olvides pasarte por la zona expositiva. / Foto: Baron Wolman Mad Cool · Del 16 al 18 de junio. La Caja Mágica. Madrid. madcoolfestival.es

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Tai

45 años transformando la formación artística El Centro Universitario TAI cumple 45 años. Empezó como una Escuela de Cine, cuando apenas existía en nuestro país formación en materia audiovisual y, poco a poco, se ha convertido en el primer Centro de Artes interdisciplinar de España. Por TAI han pasado millares de alumnos, con figuras de renombre como Daniel Guzmán, Natalia Millán, Daniel Calparsoro, Claudia Llosa, Juan Carlos Fresnadillo…

TAI, referente en la formación cinematográfica, cada vez lo es más en otras disciplinas artísticas en las que imparte formación, como la Fotografía, Bellas Artes y Diseño, Artes Escénicas, Composición de Músicas Contemporáneas o Escenografía. Por sus instalaciones y aulas han pasado, y pasan a menudo, figuras de relieve en todas estas áreas, como David Fincher, David Lynch, Kenny Werner, Lucas Vidal, François Ozon, John Waters, Laurent Cantet, Mona Kuhn, Luis Tosar, Jorge Drexler, entre otros muchos. Íconos del mundo del arte, cada uno en su especialidad, que han trasmitido en TAI la importancia de la formación, y de la educación artística, como garantía de empleabilidad y, en última instancia, como motor de la transformación social. De hecho, el Centro Universitario TAI focaliza su misión institucional en transmitir a la sociedad la importancia de la educación artística como escenario para el progreso cultural, contribuyendo a la formación de mejores personas y ciudadanos. Un desafío para el que TAI se ha transformado en los últimos meses, adaptando su iden-

tidad corporativa a los retos de los nuevos tiempos. El proceso de TAI hacia la configuración de su nueva imagen se ha visto respaldado por una de las firmas consultoras más relevantes de nuestro país en esta materia, Erretres, impulsora de proyectos visuales tan aplaudidos como el de Canal+. Y con nueva identidad, nueva web. Innovadora en materia de diseño, usabilidad y marketing online. Desarrollada en colaboración con Waka, agencia de referencia en el mundo digital. TAI es la única Escuela de Artes en España que ofrece cinco Grados oficiales universitarios (junto a Masters, Diplomaturas…), interconectados pedagógicamente entre sí: Cine y Artes Audiovisuales, Fotografía, Bellas Artes y Diseño, Artes Escénicas y Composición de Músicas Contemporáneas. Además, dos de estos Grados son exclusivos de TAI: el de Fotografía y el de Composición. Nueva imagen que ha traído consigo un naming renovado. TAI “traduce”, desde ahora, la misión de la Escuela: la transformación

social a través de las Artes, es decir, Transforming Arts Institute. Denominación que confirma la vocación internacional del centro, con un modelo pedagógico configurado para formar a los productores/creadores de contenidos transmedia del siglo XXI. Además del naming, el rediseño del logotipo corporativo, con una A que lidera la sensación visual, viene a subrayar el carácter elevador del Arte, y del artista, resaltando la importancia de prepararse en TAI, como Escuela de máxima calidad. Una nueva imagen que, igualmente, jugando con la fusión de colores, simboliza el ADN del modelo pedagógico de TAI, fundado en la docencia integral, a partir de la interrelación de muy diversas disciplinas artísticas. Los alumnos de TAI inician su formación, idealmente como lienzos, casi en blanco, y se transforman en artistas polivalentes, multicolor, con capacidad para resolver los desafíos creativos, y potencialmente protagonistas de los cambios que demanda la sociedad. / www.escuela-tai.com

Nace la Beca de Motion Graphics de TAI El Centro Universitario TAI convoca la I Beca de Motion Graphics para estudiar íntegramente su nuevo Master en Creación de Motion Graphics para Cine, Animación y Publicidad. Este Master ofrece a los grafistas y motion graphers una formación polivalente y multidisciplinar, que les permitirá trabajar en diferentes medios y soportes: cabeceras para cine y televisión, animación 2D y 3D, postproducción VFX, videomapping, videojockey, grafismo web,... Además estas herramientas cualifican para trabajar en uno de los nuevos perfiles más demandados por la industria cinematográfica o publicitaria. Para participar en la Beca es necesario el envío de un trabajo en Youtube de motion graphics, de no más de un minuto de duración, así como un portfolio con los trabajos más destacados en PDF, currículum vitae y carta de motivación. El plazo de inscripción finaliza el 30 de junio. Toda la información, bases legales e inscripción se pueden encontrar en www.escuela-tai.com.


Urbanikart viste este duende 18 años ¡Lanzamos la edición en librerías con una camiseta!

Hemos querido que esta edición especial “se vista” y te vista para celebrar nuestro 18 cumpleaños. La revista la tienes, como siempre, de forma gratuita, en los locales habituales de distribución en Madrid, pero en esta ocasión, también la puedes conseguir en librerías muy seleccionadas de toda España a un precio imbatible y con un regalo también muy especial: una camiseta super chula de Urbanikart. Esta firma fue creada en 2013 por un grupo de diseñadores gráficos de Berlín, París, Londres y Nueva York. Se autodefinen como “artistas del Photoshop”, y así lo ejemplifican: “si Da Vinci lo usase hoy no sería para retocar una nariz, sino para crear”. Encuentran su inspiración en collages, el arte urbano, carteles, portadas de revistas, fotografías de famosos, etc. Y plasman su diseño en prendas de algodón 100% orgánico certificado que puedes conseguir en su web y, este mes, con El Duende. urbanikart.es

Te regalamos un icono Dr. Martens

El primer par de Dr. Martens salió de una pequeña fábrica inglesa de Northamptonshire en el año 1960 y el objetivo era diseñar unas botas fuertes, económicas y baratas para los obreros de la época. Pero todo cambió el día en que Pete Townshend, de The Who, utilizó un par de Martens en un concierto y reventó cualquier tipo de estadística de ventas de la marca. Desde entonces, ha sido emblema de todas las tribus urbanas de Londres: punk, mod o skinhead. Ahora queremos regalarte un par de las icónicas Dr. Martens 1460 Cherry y solo tienes que responder a estar pregunta: ¿Cómo se llamó el primer modelo de Dr. Martens? Lee las bases en duendemad.com/drmartens Participa y haz rugir el asfalto.

Nº 155 Somos

Dirección: Rubén Arribas y Esther Ordax. Dpto. Redacción: Javier Agustí (redactor-jefe), Paloma F. Fidalgo. Dpto. Arte: CCXXI / Grupo Duende: Nuria Cuesta (coordinación), Luna Estefanía, Álex Pedraza. Dpto. Financiero: Mª Carmen del Castillo. Dpto. Publicidad: Robert Hawkins (coordinación), Sandra Cabria. Community Manager: Rebeca Queimaliños. Han colaborado: Tomi Aguirre, Mónica Caballero, Cecilia Camacho, Ángela Cantalejo, Manu Carreño, Jorge Carrión, Antía Covas, Benjamin, G. Rosado, Teresa Garrido, Andrea G. Bermejo, Inés Granha, Raúl Losanez, Mercedes L. Caballero, Nadia Madrid, Patricia Muñoz, Henar Ortega, María Ortega, Patricio Pron, Jimina Sabadú, Laura S. Lara, Teresa Sapey, John Tones, Bárbara Vidal. Ilustraciones: Coco Dávez (portada funda y galleta del “LP”), Darío Adanti, Mercedes Bellido, CacheteJack, Ricardo Cavolo, Gamusire, Jenue, Jorge Arévalo, Nisinino, Dsorder, Isidro Ferrer, Pedrín Mariscal, Judit Maldonado, Paco Roca, Sr. Bermúdez, María Suárez-Inclán, Elena Villamor. Fotografía: Eugenio Ampudia, Gaby Herbstein, Alberto Van Stokkum, Gonzalo Castro.

Agradecimientos: Mónica Caballero y Fermín Agustí. Agradecimiento especial por enviarnos en video su felicitación a El Duende: Agustín Galiana, Alberto Granados, Ana Mayo, Ana Rayo, Ana Turpin, Bárbara Gómez Molino, Cayetana Guillén Cuervo, ChumiChuma, CIA Yllana, Diego Cabrera, Erika Sanz, Fele Martínez, Fernando Sánchez-Dragó, Gabino Diego, Hermanos Marín (Costello Club), Jimina Sabadú, Jorge Pardo, José Ángel Mañas, KASE.O, Manel Fontdevilla, Mario Tardón, Miguel Larraya, Mónica Regueiro, Olga Margallo & Antonio Muñoz de Mesa, Paco (TheWhiteAlchemist), Paco Gómez, Paloma del Río, Sidecars, Trajano!, Víctor Ullate JR y Yoio Cuesta. Puedes verlos en www.duendemad.com/videos Logotipo de El Duende: Estudio de Manuel Estrada. Distribución: Mensajería urgente, en más de 500 locales de Madrid: restaurantes, cafés, teatros, locales de noche, museos, galerías, tiendas de moda y diseño... El Duende revista © es una publicación de Ciudad Comunicación XXI, S.L.- Grupo Duende. Dirección: C/ Flora, 2. 28013 Madrid / T: 91 364 46 88 / F: 91 364 57 59 / Mail Dirección: ordax@

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UNA PELÍCULA DE HANY ABU-ASSAD,

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Merece la pena vivir para alcanzar algunos sueños...

“Una película que agrada a todos los públicos, muy similar a Slumdog Millionaire de Danny Boyle”

“Conmovedora e inspiradora. Imprescindible” Jayyab Abusafia, Sky News Arabia

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SEVILLE INTERNATIONAL PRESENTA UNA PELÍCULA DE HANY ABU-ASSAD “THE IDOL” QAIS ATTAALLAH HEBA ATTAALLAH AHMAD QASSIM ABDALKARIM ABUBARAKA TAWFEEK BARHOM DIMA AWAWDEH A MEZZA TERRA MEDIA PRODUCTION EN ASOCIACIÓN CON FORTRESS FILM CLINIC RAWABI DOHA FILM INSTITUTE CACTUS WORLD FILMS FULL MOON PRODUCTIONS PRODUCIDA POR ALI JAAFAR Y AMIRA DIAB CO-PRODUCIDO POR 03 MAJDAL FILMS KEYFILM SEPTEMBER FILM ENJAAZ A DUBAI FILM MARKET INITIATIVE HAMED MOKHTAR TIZIANA SOUSOU BASHAR MASRI BADR JAFAR GISEL KORDESTANI SASSAN AHSANI KHALIL AMIOUNI ANICK POIRIER CO-PRODUCTORES FADI ISMAIL MAYA SANBAR SAWSAN ASFARI MOHAMMED HEFZY PIM HERMELING HANNEKE NIENS & HANS DE WOLF BAHER AGBARIYA MÚSICA ORIGINAL DE HABIB SHEHADEH HANNA CON HANI ASFARI MONTAJE DE EYAS SALMAN DIRECTOR DE FOTOGRAFÍA EHAB ASSAL DISEÑO DE VESTUARIO HAMADA ATTALLAH DISEÑO DE PRODUCCIÓN NAEL KANJ ESCRITA POR HANY ABU-ASSAD CON SAMEH ZOABI DIRIGIDA POR HANY ABU-ASSAD

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EL DUENDE 155. "ICONOS DE UNA GENERACIÓN"  

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