Page 1


1

ENERO DE 2019

GLOBALGRISART LA REVISTA DE LOS ALUMNOS Y AMIGOS DE GRISART ESCUELA INTERNACIONAL DE FOTOGRAFÍA

SUMARIO EDITORIAL STREETPHOTOGRAPHY EN 2018: Nuevas ideas INTERVIEW DE NATHALIE VIGINI: ¿Cómo crear festivales fotográficos internacionales? LOS PROYECTOS DEL MES DESCUBRIR UNA DOCENTE: ANDREJA VELUSCEK: «Más allá del horizonte» BREVES INTERVIEW DE VICENÇ VIDAL Estudiar foto en el S.XXI EXPOSICIONES

EDITORIAL ¡GRACIAS! Sólo así, dando las gracias, podemos empezar este editorial. Gracias a todo el equipo que ha preparado con entusiasmo y dedicación este primer número de Global Grisart; el nuevo espacio de comunicación y difusión virtual creado y pensado para ser el lugar de encuentro de alumnos, ex-alumnos, docentes, colaboradores, amigos y fotógrafos, entre muchos más. Una pantalla abierta a toda la cultura fotográfica generada desde Grisart.

Gracias, sin duda, a los profesores y colaboradores que habéis dedicado vuestro tiempo a compartir conocimientos para formar grandes y mejores alumnos. También es preciso agradecer a los que con vuestra aportación, hoy tenemos el placer de leer vuestras opiniones, artículos y experiencias. Y por último, gracias a ti, lector y fotógrafo, que continúas creyendo en la formación y la expansión del lenguaje visual, para ti es Global Grisart. Bienvenidos.

¡EXCELENCIA! ¡FOTOLIBROS! LIBRE OPINIÓN DE SACHA GOLDBERGER

Gracias a todos aquellos que, de una manera u otra, a lo largo de más de 30 años habéis confiado vuestra formación fotográfica en Grisart. Todos vosotros sois también nuestros referentes.

Albert Gusi


© Roser Vilagrassa

STREETPHOTOGRAPHY

NUEVAS IDEAS

© Nathalie Vigini

En menos de una década, la fotografía de calle ha pasado de ser una desconocida en nuestro país a convertirse, casi, en un lugar común. En las redes sociales se exponen cada día miles de imágenes urbanas, muchas de ellas de gran calidad, realizadas por fotógrafos aficionados y profesionales. Desde las atalayas de Instagram, Facebook, YouTube o mediante blogs y páginas web nos llega la marea de instantáneas que captan el flujo de la vida urbana. Y se hace desde una perspectiva global: tanto sirven las urbes clásicas en la fotografía, como París, Londres o Nueva York, como nuevas metrópolis de Singapur, México D.F., Sídney o Mumbay. Aunque abundan los “francotiradores” que trabajan en solitario, también es frecuente que los “streeters” se integren en colectivos virtuales (la mayoría de los miembros, dispersos por todo el mundo, no se conocen más que a través de la Red) que cuentan, además, con decenas de miles de seguidores. Mucho ha cambiado el panorama desde que a finales de la década pasada se diera a conocer el ya mítico colectivo In-Public. Esta agrupación de autores del ámbito angloamericano se erigió como el referente de un estilo fotográfico, casi una forma de vida. Para los miembros de In-Public la curiosidad, el humor y el sentido de la oportunidad eran herramientas primordiales. Autores como Matt Stuart, Nils Jorgensen, Melanie Einzig o Nick Turpin


© Rafa Badia

se convirtieron en los herederos naturales del mítico trío americano de los años 60’: Friedlander, Winogrand y Meyerowitz. En la página web de In-Public se dejaba claro, además, que la idea del “Instante Decisivo” propuesta por Cartier-Bresson seguía viva y en buena forma. Esta forma de mirar todavía tiene vigencia. Sin embargo, cada día va ganando terreno una corriente más subjetiva y personal, que no se limita a captar una anécdota callejera más o menos divertida. Autores como la norteamericana Melissa Breyer, el checo David Gaberle o el italiano Gabrielle Croppi aportan imágenes de una gran belleza formal,

con carácter fuertemente evocador. Son fotos en las que, más que un reflejo de las acciones y reacciones de los viandantes del medio urbano, se registra el estado de ánimo de los autores respecto a lo que sucede frente a la cámara. Es una aproximación más afín a los llamados proyectos creativos personales que no a la tradicional fotografía documental. Varios alumnos de Grisart se han acercado a lo largo de estos últimos años a la fotografía callejera. A diferencia de otros autores de formación autodidacta, el dominio técnico y el bagaje de cultura fotográfica asimilado en la escuela les han permitido trascender la anécdota. Las fotos de Laura García Berlanga,

Otxoa Datchary, Ullic Narducci, Maria Munzi, Laurent Perrot o Pep Buades, entre otros, no sólo fijan la imagen de Barcelona: también presentan a la capital catalana como un amplio territorio de expresión íntimo, personal e intransferible. Ellas y ellos aportan una nueva mirada de la ciudad que los acoge mientras realizan sus estudios. Rafa Badia Rafa Badia es autor de varios libros. «Barcelona Blues» (2015) es un libro de fotografía callejera y de poesías con aproximación melancólica.

© Otxoa Datchary


«El fotógrafo documental es, lo quiera o no, un intérprete, un filtro de la realidad. Su mirada modifica lo que se muestra. Es inevitable y parte del encanto.», Rafa Badia


© Ullic Narducci

INTERVIEW DE NATHALIE VIGINI (PROMOCIÓN 2017-2018)

© Jmg

Organizar un festival de fotografía

1 - Has organizado festivales de fotografías. ¿Cómo nació esta idea? Después de diferentes experiencias en el sector de organizar viajes y eventos, mi interés siempre mayor por la fotografía me llevó a concentrarme en los festivales fotográficos. Ahora desde hace 3 años trabajo para el Verzasca Foto Festival, una iniciativa en la zona italiana de Suiza. Como amante de la fotografía, poder trabajar en un festival es una satisfacción porque llegas a conocer muchos fotógrafos y proyectos interesantes y es un continuo estímulo poder estar en este entorno artístico y compartir con otros esa misma pasión.

© Otxoa Datchary

2- ¿Cuáles son los fundamentos para crear un festival de fotos exitoso? ¿Algún consejo para GG?

Nathalie Vigini es suiza, fotógrafa freelance y pertenece a dos colectivos: Veo-Collective e Instant collective. Ha realizado una carrera universitaria y profesional en el área de turismo y organización de eventos y desde entonces le gusta organizar y crear festivales culturales.

Un festival de fotografía no podría existir sin una ayuda económica de terceros que apoyan el arte. Además es fundamental tener una buena comunicación del festival y también un dossier de presentación de impacto. A nivel interno, es primordial ser organizado y tener un buen plan de trabajo, que hay que seguir lo más posible para no llegar tarde o tener inconvenientes. Así se evitarán muchos dolores de cabeza. 3 - ¿Cuáles son tus próximos proyectos personales? Mis próximos pasos dentro del Verzasca Foto Festival es aportar una parte más “social de la fotografía” con un proyecto que haré personalmente en Marruecos en un instituto de madres solteras donde ellas mismas

contarán su historia y realidad a través de imágenes. Sus fotos estarán expuestas durante el verano, los días principales del Festival. 4 - ¿Una recomendación sobre qué evitar? Organizar eventos culturales y fotográficos puede ser estresante porque nunca paras hasta que termine. Así que no debes estresarte ni desanimarte si las cosas no va como han sido planeadas Los inconvenientes son parte el juego y solo hay que saber encontrar soluciones rápidas. Confía en que al final “siempre Irá todo bien”. Entrevista realizada por J-M Gosselin @Veo.collective - @Instant_Collective


PROYECTOS

THE MAP AND THE TERRITORY TRABAJO DE LAURENT PERROT (PROMOCIÓN 2017-2018)

«“The Map and The Territory” procura fotografiar la vida cotidiana de un barrio, teniendo en cuenta los modos de habitar el espacio, la distribución de sus materiales visuales y arquitectónicos y la funcionalidad de sus edifi-

cios. Dicho barrio tiene una fisionomía específica, que, dado su desarrollo socio-histórico, le otorga una marcada diferencia respecto a otras áreas urbanas.»


ANOTHER PLACE TRABAJO DE LEAH_FRESNEDA (PROMOCIÓN 2016-2017) «Este proyecto de un año no tiene ni un principio ni un final; con estos diferentes lugares quiero mostrar “mi” punto de vista, creando imágenes bellas, pictóricas, misteriosas, abstractas que nos transporten a un mundo imaginario: mi mundo.

IN ITINERE TRABAJO DE JON ARRUTI (PROMOCIÓN 2013-2014) «El paso del tiempo, en forma de sedimento, se acumula capa tras capa. Como si fueran placas tectónicas

Está claro que tienen referencias artísticas en el ámbito del arte contemporáneo aunque casi sin yo saberlo. No soy una experta en arte, no he estudiado historia del arte contemporáneo, es más al ver mi obra, algunos me han dicho; algunos me han dicho: “parce una acuarela, podría ser un Rothko”... Así que creo, que estas referencias artísticas también ayudan al lector a

identificarse con ellas, y no le son del todo extrañas. (...) Me guío mucho por las texturas y los objetos que normalmente acaban estando en el centro de la imagen. Me gusta jugar con las formas que aparecen en las diferentes fotos y conectarlas estableciendo un diálogo entre ellas.»

comprimiéndose unas con otras hasta la más mínima expresión de la memoria. Algunas marcas perduran pero a la vez otras, las voy olvidando. “in itinere” da soporte a lo fugaz y a lo intuitivo en la memoria. Dándonos la oportunidad de reconocernos en ello

y de despertar lugares escondidos de nuestra memoria. Es un intento fallido de recorrer un pasado ya olvidado.»


DESCUBRIR UNA DOCENTE DE GRISART ESTE MES: ANDREJA VELUSCEK

© Andreja Veluscek

«Retratar más allá del horizonte»

«Una fotografía es la expresión total de lo que uno siente» Ansel Adams Hay un nuevo interés por la naturaleza que implica también aquello que disparamos. Andreja Veluscek, docente en Grisart apoya el despertar de los sentidos, desacelerar y conectar con el entorno a través de sus fotos de natura, en contraposición a la vida urbana estresada. Ella nos explica aquí su manera hacerlo.

«La belleza y la maravilla de la fotografía reside en el hecho de que nohace falta gastar palabras para darle un sentido y explicar su contenido. Es observar y encontrar el lenguaje de forma íntima y personal detrás de aquellas imágenes que por una razón u otra capturan nuestra atención. El paisaje lo veo de una forma infinita, donde no se delimita un espacio o representa solamente una pequeña mi-

rada del panorama, sino el viaje visual que puede producir nuestra mente cuando desea descubrir, visitar o revivir determinados sitios. Un paisaje puede representar muchos hogares, pero no todos los hogares se pueden encontrar en un único paisaje.

NOTICIAS BREVES

ra), Time on Quaaludes and Red Wine (de Anna Galí), Los lobos nunca aullaron a la luna (de David Molero), Bons nois (de Irene Royo), The Map and the Territory (de Laurent Perrot), Anagnórisis (de Daniel Solsona), Je ne regrette rien (de Maria Munzi ), Ullises (de María Abenia), La casa de piedra (de Marta Sellarés), Islas como Icebergs (de Duna Vallés), Evocare (de Gael del Río), This or there (de Pablo Varela) y Another place (de Leah Fresneda).

2017-18, con el que ha querido hacer vitrina del universo de personas del colectivo de Lesbianas, Gays, Bisexuales, Transexuales e Intersex (LGBTI) que, por distintos motivos, decidieron dejar sus países

Por primera vez estuvimos presentes en la Feria Fiebre Photobook celebrada en Madrid a principios de diciembre, en donde se dieron cita más de 40 editoriales, un abanico amplio de autores (desde emergentes hasta consagrados) y, por su puesto, muchos visitantes ávidos de consumir imágenes. Viajamos con una digna representación de los mejores fotolibros concebidos por alumnos de la escuela durante los últimos periodos académicos: Tormenta y Spam (de Flávio Edrei-

DETRÁS DE AQUELLA PUERTA Así se titula el proyecto de Bruno Crocianelli, alumno del curso de Fotorr portaje

de origen y migrar a Barcelona para “volver a producir un territorio ahí, detrás de aquella puerta”. El proyecto fotográfico, que además formó parte de la selección DOCfield 2018, estuvo expuesto en la Galería Mutuo en el mes de diciembre, recibiendo una gran afluencia de visitantes. Comunicación Grisart © Jmg

GRISART EN FIEBRE

Al final para mi la fotografía, es «poder ir más allá del horizonte.» Andreja Veluscek


«La inspiración existe, pero tiene que encontrarte trabajando» Pablo Picasso


© Carmina Mahugo

Impresión directa sobre plantas Clase de Creación de Proyectos, trabajo de Carmina Mahugo (2015-2016)


INTERVIEW DE VICENÇ VIDAL (ESTUDIANTE DE 1° AÑO 2018-2019)

© Vicenç Vidal

¿Por qué estudiar foto en el siglo XXI?

Vicenç Vidal tiene 24 años, actualmente, estudia el primer año del Plan de estudios profesionales de 2 años en Grisart. Ha estudiado cómic, ilustración y diseño gráfico. El vínculo al arte siempre ha estado presente en su vida, desde que el conoció el bolígrafo, la libreta y el dibujo.

1 - ¿Por qué estudiar en una escuela de foto? ¿Qué esperas aprender?

Pues sinceramente hay muchos géneros de fotografía que me atraen.

3- ¿Qué te aporta la fotografía en tu vida cotidiana?

Estudio fotografía porque es mi pasión captar el momento de las cosas, separarlo de la literalidad que nos rodea, aportar algo más a aquello que no le damos relevancia y, porque considero que es una ventana hacia la subjetividad y el imaginario de cada uno. Desearía aprender a realizar buenas composiciones, lograr proyectos sólidos y consistentes y, sobretodo, por encima de cualquier cosa, desearía transmitir. Ser capaz de dejar un sentimiento, pensamiento, sensación en la imagen y que otra persona la capte e incluso la derive.

Recuerdo que cuando estudiaba diseño descubrí a los Robert, tanto Capa como Frank, y sus imágenes me engancharon, tanto por sus composiciones como por los paralelismos que surgían dentro de una misma representación, sobretodo en el caso de Robert Frank.

La fotografía es el medio que me ayuda a canalizar todo aquello que le concierne a mi cabeza, desde una imagen hasta un sueño o una frustración. Un momento de diálogo conmigo mismo durante un proceso, cuando éste culmina y la constante inseguridad y frustración que puede encerrar.

Pero respondiendo a la pregunta, mi inquietud hace que me fije en muchos autores diferentes, desde Ansel Adams, Salgado, Stephanie Kiwitt a Pancho Saula. Lo que sí que es cierto es que la fotografía empleada para proyectos narrativos siempre me ha cautivado y, pese a que es muy difícil, mi sueño sería vivir de ello, aunque no descarto las demás opciones.

Es el bucle que me mantiene oscilando entre la felicidad, la amargura y un continuo aprendizaje. Entrevista realizada por Jmg

2 - ¿Tienes modelos en los grandes fotógrafos? ¿Qué tipo de fotos quieres hacer tras la escuela?


3

EXPOSICIONES «FIVE SECONDS» CINCO ALUMNOS EN LA PARED

©Jmg

En la Biblioteca Agustí Centelles de Barcelona cinco fotógrafos talentosos, expusieron en noviembre. En esta muestra había: un vistazo y encuadres de la vida cotidiana, reconstrucciones inusuales de memoria con una gran emoción, viajes poéticos en la intimidad profunda, una poderosa tormenta en el interior del ser humano, un manifiesto político sobre un territorio en proceso de destrucción o bien de construcción... no lo sabemos .... ¡Una hermosa exposición fruto de un año de trabajo! Anna Galí, Flávio Edreira, Maria Munzi, Duna Vallès Mestre, Laurent Perrot. Tutoría y seguimiento de los proyectos: Enric Montes.

© Jose Navarrete

«CROSSDRESSERS»

Entre el 10 de enero y el 4 de febrero las paredes de la escuela se visten de “Crossdressers”, el proyecto fotográfico de Jose Navarrete, alumno del curso de Fotorreportaje 2017-18, impartido por Rafa Badia. El crossdressing es un término fetichista mal definido como travestismo, asociando a quienes lo practican,

con la homosexualidad o el transgénero. Sin embargo, alejado de eso, éste es un comportamiento practicado principalmente por hombres, que están en un continuo tránsito entre la masculinidad y la feminidad. Se trata de un constante ir y venir que rompe la frontera estática, establecida por la sociedad, entre lo masculino y lo femenino. “Crossdressers” es un fotorreportaje que se adentra en un mundo oculto y de dobles vidas. No pretende crear una consciencia de género, ni hacer una defensa del movimiento. No obstante, busca colocar al espectador en ese instante en que las “crossdressers” salen a la luz, transitan por las noches de la ciudad y se adentran en los locales para relacionarse entre sí.


©Jmg

©Jmg

3

GRISART EN IRAK UN TALLER DE FOTO EN ZONA DE CONFLICTO Para responder al sueño de Murat, un niño de 8 años, de origen sirio y que ha pasado media vida en un campo de refugiados en Irak y que quiere ser fotógrafo, Grisart Escola Internacional de Fotografía, en septiembre pasado, ha desarrollado en Irak un taller de fotografía directamente in situ.

Grisart ha creado un proyecto, de la mano de UNICEF para impartir clases de fotografía a chicos y chicas que han huido de guerras y conflictos armados y que, en la actualidad, viven en campos de refugiados. El equipo Grisart del proyecto «Quan sigui gran vull ser fotògraf» compuesto por: Fidel Balaguer, Chiara Fabro, Ivan Ferreres, Camila Marinone, y Dani Solsona, ha compilado 7.000 fotos, un material visual único, vídeos, sonidos, contactos... para estudiar

una situación humana inaceptable en el S.XXI. El resultado de este trabajo ha generado primeras exposiciones que Grisart ha presentado en Barcelona y en Tarragona en diciembre y enero. ¡Fueron es espectaculares! La exposición recoge una selección de las fotografías tomadas por los participantes de estos talleres, así como retratos que han hecho los profesores a los jóvenes. J-M Gosselin (2016-2018)


«GRISART EN FOTOFEVER» EN EL CARROUSEL DEL LOUVRE, EN PARIS-PHOTO 2018

©Jmg

Durante París-Photo, se llevó a cabo la exposición Fotofever en el Carrousel du Louvre del 8 al 11 de noviembre de 2018. En este lugar mágico se presentó una nueva generación de fotógrafos, así como fotógrafos consagrados que se podían encontrar bajo la cúpu-

DOROTHEA LANGE EN EL «JEU DE PAUME» DE PARIS: UNA INSUBORDINADA MUY HUMANA Del 16 de octubre 2018 hasta el 27 de enero 2019.

©Jmg

En el museo del Jeu de Paume en París, la exposición “Dorothea Lange: «Politiques du Visible»” muestra con

fuerza y sencillez, en 5 partes, veinticinco años de su obra... Dorothea Lange es conocida por su trabajo para la Farm Security Administration (FSA) durante el cual realizó la foto “madre migrante”, en un campamento improvisado de una familia victima de la crisis de 1930 y sus consecuencias: la industrialización forzada. A pesar de que esta imagen es la foto mas conocida de la autora, en el Jeu de Paume, se exhiben otras facetas de su trabajo, hasta la década de 1960, como, por ejemplo, la serie invisible hasta hace poco, de fotografías que remontan un período oscuro de los Estados Unidos durante la Segunda Guerra Mundial: el internamiento de más de 110.000 estadounidenses de origen japonés en campos de internamiento dentro de los Estados Unidos... También descubrimos su propósito sobre la justicia, su metodología en el

El 16 de enero un grupo de alumnos de Grisart ha visitado, de la mano de su director, una exposición montada por La Virreina, Centre de la Imatge de Barcelona. Esta muestra enseña un trabajo realizado entre 1974 y 1979, publicado como un libro en 1982 y mostrado en la Galería Side ese mismo año. Survival Programmes documenta el empobrecimiento de las cla-

©Jmg

SURVIVAL PROGRAMMES

la del Gran Palacio (como por ejemplo, Israel Ariño). Grisart presentó a tres artistas: Irene Royo, Gael del Río y Dani Solsona. Tres generaciones de estudiantes; Dani ha convertido en docente en la escuela Grisart: Irene esta estudiando en el segundo año del itinerario profesional; Gael trabaja en el mundo profesional de la fotografía de arquitectura.

trabajo (su orden en las hojas de contacto), su humanidad social al retratar los estibadores de los puertos...

La exposición ha tenido mucho éxito con gente haciendo colas de 45 minutos ...y bajo la lluvia. ¡Pero vale la pena! J-M Gosselin (2016-2018)

ses trabajadoras de siete ciudades de Gran Bretaña: Londres, Birmingham, Liverpool, Newcastle, Middlesbrough, Glasgow y Belfast. Esta muestra de 97 fotos documenta la realidad social y económica en Gran Bretaña y sobre todo «una imagen» de una clase particular: las clases populares. Se puede hoy encontrar (y comprar) el libro de Nicholas Battye, Chris Steele-Perkins y Paul Trevor en la red. ¡Expo muy interesante!


©Laurent Perrot

©Laurent Perrot

YAMAMOTO: UNA BELLEZA NATURAL La galería Valid Foto presenta por tercera vez en Barcelona al célebre fotógrafo japonés Yamamoto Masao. A través de esta exposición podemos sentir toda la influencia pictórica de la obra de Yamamoto que comenzó por estudiar la pintura antes de descubrir la fotografía. A menudo las gelatinas de bromuro de

plata son tratadas por intervenciones manuales, un trabajo minucioso del médium fotográfico como sustancia propia y que confiere a cada una de sus fotografías un estatuto de obra única. Una tentativa de representación de la belleza natural y cósmica a través de la magnificencia de una naturaleza miniaturizada, que parece concentrar todo el universo. La exposición titulada «Macrocosm-Microcosm» tenia

“Cuando fotografío, comienzo abriendo la mente. Si comenzara con una idea exacta de lo que quiero fotografiar, podría ser que faltara un acontecimiento o un objeto interesante. Así pues, comienzo con la mente abierta e intento fotografiar todas clases de objetos.”, YAMAMOTO lugar en Cataluña este ivierno. Laurent Perrot (2017-2018)


DAVID GOLDBLATT: «¿CÓMO LLEGAMOS A SER LO QUE SOMOS?»

Es una inmensa suerte vivir en Sídney y tener la posibilidad de visitar una de las expos más significativas de este extraordinario fotógrafo documental, el sobrino de inmigrantes lituanos judíos, que abandonaron Europa para ir a Sudáfrica en 1890 escapando de la persecución religiosa. David Goldblatt nació en “La minería de oro” de Randfontein en 1930. Más tarde vivió y trabajó en Johannesburgo. Ha sido reconocido internacionalmente por documentar al pueblo de Sudáfrica y su turbulenta historia en un estilo y una determinación tranquila y también con un sentido resuelto de lo que es correcto y lo que no lo es. Este exclusivo programa incluye sus extraordinarias series fotográficas en blanco y negro tal como las en color, además de material nunca visto de sus archivos personales. Esta exposición es la retrospectiva más grande del trabajo del autor y enseña su proyecto final desarrollado en sus tres últimos años. Goldblatt comenzó realmente en 1968, documentando las minas de oro moribundas de Witwatersrand, cerca de donde creció.

Las fotografías incluyen retratos sorprendentemente íntimos de trabajadores mineros, sus jefes y sus ropas. En el período siguiente, viajó a Australia Occidental para documentar el legado de la extracción de asbesto azul, incluido el «pueblo fantasma» de Wittenoom, en la región de Pilbara, al norte de Perth. Le llamaban la atención especialmente los procesos e instalaciones mineras, así como alojamientos y tiendas concesionarias donde los mineros comprarían suministros y ropa. Un vínculo entre las historias mineras y su legado, es un aspecto importante de la exposición del MCA, que conecta a los dos países y su peligrosa relación con la tierra. Ha hecho estudios de retratos en Soweto y Hillbrow en profundidad y una serie de detalles del cuerpo humano: ¡todo muy íntimo! Goldblatt intentaba comprender la cultura del crimen y sus perpetradores a través de una serie de retratos, dada la gran cantidad de sudafricanos que sufrieron una violencia sin precedentes. Al hacerlo, él fotografiaba a los delincuentes individuales, regresando con cada uno en la escena del crimen y documentando su historia por escrito. El resultado es profundamente conmovedor y sorprendentemente humano, revelando un mundo de

complejidad, indiferencia, pobreza y, para algunos, redención. Personalmente, la serie que a mí más me impresionó por la intensidad y el contraste con el resto de su trabajo, es la serie «In Boksburg», en la que documenta una pequeña comunidad burguesa blanca cerca de Johannesburgo, donde revela una narrativa de privilegios y una banalidad de la vida cotidiana. En conclusión, es un homenaje a uno de los fotógrafos más importantes de nuestro tiempo, un hombre que ha trabajado, a través de una visión muy personal, para documentar el período del Apartheid y más allá, confrontándose con el progreso de la fotografía en color hasta el día de hoy. Ullic Narducci (2017-2018) Reportaje fotográfico @Ullic Narducci “ “David Goldblatt: Photographs 1948–2018” 19 de oct. 2018 - 03 de marzo 2019 en el Museum of Contemporary Art of Australia.


EXCELENCIA

EDUARD FRANCÉS (2013-2014) Tras la escuela volví a Xàtiva, mi ciudad natal, donde empecé a trabajar con nuevos proyectos: - Els Pelegrins de les Useres (publicado en la revista Descobrir Catalunya). - El temps no passa igual per a tots/ es, sobre el día a día de los enfermos de Esclerosis Múltiple. - De la terra a la taula, sobre el cultivo del ajo tierno autóctono de Xàtiva y su vinculación con ésta. - Dansa Compartida, sobre danza social y personas con diversidad funcional. - 1.000km contra la Leucemia, donde cruzamos la península con el atleta Iván González, enfermo de leucemia crónica. Monté varias exposiciones en la calle. Con la ayuda de unos amigos construimos todas las estructuras para colgar las fotografías en gran formato. Estas exposiciones tuvieron una gran acogida en la ciudad porque nunca se había hecho algo así en sus calles.

© Edouard Frances

Durante ese tiempo de vuelta retomé una red de contactos de empresas, ya que yo venía de trabajar de comercial de telefonía, y les ofrecí mis servicios de fotografía.

Cuatro imágenes de la serie “Els Pelegrins de les Useres”. Trabajo de Eduard Francés.

Durante algún tiempo fui fotógrafo de Google Street View 360º, realizando visitas virtuales en comercios, así conseguí poder realizar otros proyec-


tos más largos y peor remunerados. A día de hoy sigo trabajando en nuevos proyectos sociales y nuevas exposiciones. También este año estoy dedicando tiempo a preparar un libro donde aparecerán algunos de mis trabajos de los últimos años. En la actualidad resulta complicado conseguir trabajos de fotografía documental, aun así sigo encontrando fondos (ayuntamientos, becas y entidades privadas) para producir nuevos reportajes y encargos. Por otra parte, y para poder vivir de la fotografía, realizo vídeos y fotografías documentales para clientes y empresas, así como fotografía de producto y sesiones de retrato. Hago encargos para productoras de cine y documental... Otro tipo de trabajos que realizo en la actualidad son timelapses y fotografía y vídeo con drone para turismo. También estoy de obras en mi estudio fotográfico, que quiero que sea un punto de encuentro en la ciudad para la fotografía, donde ofreceré actividades relacionadas con este arte: revelado químico, talleres, copias fotográficas, montaje e impresión de obra para concursos y exposiciones, pase de películas, charlas y viajes fotográficos. A un nivel más personal tengo varios trabajos sobre fotografía de calle y territorio.

Pienso que el mejor consejo que puedo dar es que no se pierda la ilusión, que es difícil pero no imposible. Como me enseñó mi profesor Rafa Badia: «no hay excusas, sólo trabajo.» Así lo aprendí y así lo sigo haciendo.

Un consejo. La salida al mundo laboral siempre es algo complicada, ya que hay muchas incertidumbres en el momento de empezar, por eso es muy importante crear una red de contactos, realizar proyectos viables y que nos den ingresos para poder ir generando contenido y poco a poco ir acotando nuestra clientela y nuestros proyectos a lo que queremos, lo que lleva, irremediablemente, un tiempo de muchísimo trabajo y esfuerzo, algo que no hay que abandonar nunca en el mundo laboral fotográfico. Edu Francés


© Erika Abenia

FOTO DE MODA «¡Nunca más! El deporte ya no es solo cosa de hombres. El papel de la mujer en el deporte ha sido hasta hace relativamente poco tiempo casi inexistente. Pero esto ha quedado

atrás. La función de la mujer de hoy ya no se limita al cuidado de la familia y las tareas domésticas de la casa.» ERIKA ABENIA - 2014-2015 (fotógrafa de moda)


© Maria Sintonen

FOTO DE ESTUDIO Y ILUMINACIÓN «Esta foto es parte de mi trabajo final para el curso de iluminación de moda. Creé esta serie de fotos de belleza para combinar arreglos florales con maquillaje utilizando seis co-

lores y modelos diferentes. ‘El color es mi obsesión diaria, la alegría y el tormento’, Claude Monet”» MARIA SINTONEN - 2016-2018 (Fotógrafa y retocadora)


© Bruno Crocianelli

FOTO DE BODEGÓN «La espera tiene algo de vacío. La tarde no cae, muere.» BRUNO CROCIANELLI - 2017-2018 (fotógrafo)


© Laura García Berlanga

FOTO DE PROYECTO «Está claro que cuando utilizamos cualquier medio de expresión, nos ayuda a sacar un poquito de lo que llevamos dentro y plasmarlo de alguna manera. Pero aún así, la etapa previa

al propio acto de realización es muy importante. Ya que hace que reconectes contigo misma.» LAURA GARCÍA BERLANGA - 2014-2015 (fotógrafa)


© Jmg

FOTO DE PAISAJE URBANO «Desde que he empezado la fotografía, disparó el amanecer desde mi balcón. Cada uno tiene la oportunidad de fotografiar un momento especial de su vida; para eso hay que pensar su

entorno, mirar y escoger. Lo espectacular no está tan alejado de nosotros.» JEAN-MATTHIEU GOSSELIN - 2016-2018 (fotógrafo)


© Maria Munzi

STREETPHOTOGRAPHY «A mí me interesaba resaltar la intimidad que se crea detrás de la cortina del photomaton y el espacio aislado. En ese cubículo uno es libre de expresión y se crea un registro foto-

gráfico simple pero poderoso. Quisiera resaltar que la foto fue tomada en los reencuentros de Arles el pasado verano 2018.» MARIA MUNZI - 20127-2018 (fotógrafa)


FOTOLIBROS

EL IMPACTO DEL MOVIMIENTO SURREALISTA EN EL REINO UNIDO

NADAR ¡UNA EXPO ÚNICA!

POR UNA VIDA TOLERANTE

El catálogo sobre Lee Miller y el surrealismo cuenta la historia de un apasionante momento cultural, época en la cual las fotografías de Miller y sus colaboraciones con los artistas surrealistas más importantes, ofrecían una visión panorámica y caleidoscópica nueva del mundo.

Una exposición fantástica que permite a los visitantes ver unos 300 documentos, objetos y fotos que demuestran la participación de esta línea de fotógrafos conocidos en la historia, sus colaboraciones y sus rivalidades. Una pequeña joya de riqueza documental. Y un catálogo que se convierte en una herramienta de aprendizaje única desde los inicios de la fotografía. Félix es el más conocido y es «El inventor»; el arte de la fotografía de retrato ha tenido sentido con Adrien y sus retratos; con Paul, se establece el significado de la instantánea cerca de lo que se hace en Instagram hoy. ¡Un catálogo excepcional! Les 3 Nadar, BNF, 352 p., 59,90 €

¿Qué son los utópicos? ¿Son soñadores, mentirosos, personas que sueñan con los ojos abiertos? ¿O personas que realizan sus sueños? Este libro ilustrado está lleno de ejemplos de héroes de ensueño.

Mas alla de las fotografías, tanto el catálogo como la expo son interesantes para entender el momento y el concepto surrealista. El catálogo enseña obras de Miró, Man Ray, Paul Nash, Salvador Dalí, Max Ernst, Henry Moore, Yves Tanguy, Roland Penrose y Lee Miller, entre otros. Lee Miller, Fundación Miro, 160 p., 40 €

Todos imaginan una sociedad tolerante, “abierta”, sin condicionamiento, sin violencia, y obviamente ecológica. Carlo Bevilacqua, un fotógrafo de 57 años, ha cruzado el planeta. Conoció a personas que quieren creer en un mundo mejor, que quieren construir sus vidas. ¡Fotos muy documentales! Utopia, Intervalles,192 p., 34 €


ciendo el salto «a color»... muy temprano. Una de las pioneras, una de las mujeres más importantes. El trabajo de Levitt es notable por su sentido de la dinámica y un gran sentido del humor surrealista. Capturó la energía, la poesía y la emoción del melting-pot de Nueva York. Muestra contrastes entre personajes «felices» y lugares sombríos. Además, su uso de la fotografía en color fue revolucionario. ¡El libro de ediciones Kehrer es de gran calidad editorial!

¡DISTORSIONES!

¡UN GRAN POETA!

Una multitud de setas son registrados en el archivo de diapositivas de Fernando Maquieira quien ha transformado radicalmente el significado original de las imágenes.

«Los ruidos se quedan, se reabsorben en la memoria, en el silencio. El silencio es mineral »...

Alucinosis propone una experiencia psicodélica, a través de imágenes de un extraño champiñón y ofrece un viaje cósmico increíble. ¡Algunas imágenes son muy pictóricas! Alucinosis, Dalpine, 80 p., 20 €

Helen Levitt, Ed. Kehler, 232 p., 40 €

Un trabajo de Fontcuberta sobre un ejercicio de recuperación de fotografías en descomposición que dialoga con poemas de Josep Palau i Fabra. ¡El tiempo que pasa! Quemas del Alquimista, La Fabrica 64 p., 19 €

MÁS ALLÁ DE LOS COLORES

LA ACTRIZ Y LA FOTO Retratos atemporales con rasgos en blanco y negro, realizados por una artista huérfana cuyos padres eran fotógrafos. ¡40 años de práctica de la fotografía y de la literatura! Son fotografías imbuidas de sutileza y elegancia, poemas visuales desde paisajes llenos de poesía, hasta retratos íntimos y sin fechas (Isabelle Adjani, Francis Perrin, Jean-Pierre Léaud, Bernard Giraudeau, Hans Meyer,...) o bodegones pacíficos y «charmants». Anny Duperey, Seuil, 192 p., 19 €

HELEN LEVITT: ¡50 AÑOS DE IMÁGENES! Este invierno, el Museo Albertina en Viena, Austria, presenta una exposición dedicada a Helen Levitt (1913-2009), “La gran” maestra de la fotografía callejera. Ella trabajó en las calles pobres de Nueva York; fue influenciada por Henri Cartier-Bresson y obviamente, por Walker Evans. Quería capturar la vida del día a día, familias, niños, mujeres, mostrando escenas de vida surrealistas, poéticas y simples con un encuadre inusual. Ella fue una de las primeras fotógrafas ha-

El libro sobre Joel Meyerowitz publicado por Textuel tiene un poder narrativo tan fuerte como las fotos del artista. Enseña un labor de streetphoto, además que un trabajo de ensayo sociológico, artístico y visual. Este libro, con su diseño innovador, presenta la obra de alguien que comienza a caminar por las calles de Nueva York a principios de la década de 1960, equipado con una Leica de 35 mm, apasionado por la energía colectiva de la ciudad, por las luces, por el enjambre, lo inesperado, las relaciones. Rápidamente, prefiere el color al blanco y negro, y así se convierte en un pionero de una nueva estética. Sus escritos, al igual que sus fotografías, enganchan. Dividido en 10 capítulos, notablemente un capítulo 9: «La cuestión del color» muy interesante, el libro vuelve a sus diversos experimentos fotográficos. Un álbum excepcional sobre un fotógrafo que, en la edad de madurez, dijo: «Cuando empecé a mirar mejor a las personas, me di cuenta de que cada persona es íntimamente fascinante». Joel Meyerowitch, Textuel, 2018, 352p, 59 €


SEGUNDA EDICIÓN ¡YA UN CLÁSICO PARA LOS FOTÓGRAFOS! El último libro de Eduardo Nave, Like, está ya en su segunda edición. ¡Un gran éxito de librería! Este fotolibro cuenta “un síntoma contemporáneo, una alteración del ecosistema de la producción visual debido a la fotografía contemporánea” (¿se trata de una postfotografía pura?), que revela la existencia de un comportamiento manipulador, perturbador, mal controlado, demasiado preocupado para posicionar nuestro «ser visible» en el mundo (más el cuerpo o bien los actos del cotidiano, o los sentimientos del momento, que el alma o el pensamiento en

sí) que enseñar ideas o conceptos o narraciones humanas profundas. En una “especie de capitalismo de las imágenes” (tal como si el concepto es sumar o más bien multiplicar las imágenes) ahora se sobrecargan e incluso nos asfixian las fotos. El libro explica eso con inteligencia en una condena de la era post-fotográfica y cuestiona en un compendio de las imágenes para saber si todavía es posible vivir ”la emoción del descubrimiento” a través de la fotografía.

de la foto (reducida a una sencilla zona plana). El hombre está rechazado, sin ningún orden particular y perdiendo su identidad. ¡Eduardo Nave nos muestra un mundo perturbador! Like, Edición Anómalas, 288 p., 50 €

Una pregunta sale de la lectura: ¿Cómo entender la imagen en un mundo saturado? En este libro de gran calidad editorial y de diseño, la figura humana aparece fusionada con el fondo

Foto de cover: ©Ullic Narducci Foto de primera: ©Roser Vilagrassa Foto de contraportada: ©Sacha Goldberger Global Grisart es una publicacion de Grisart Escola Internacional de Fotografia, C/ Méndez Núñez, 14 · 08003 Barcelona. Director: Albert Gusi - Coordinador: Jean-Matthieu Gosselin Textos: Albert Gusi; Rafa Badia; Andreja Veluscek; Leah Fresneda; Jon Arruti; Laurent Perrot; Ullic Narducci; Eduard Francès; Erika Abenia; Maria Sintonen; Bruno Crocianelli; Laura García Berlanga; Maria Munzi; Sacha Goldberger. Entrevista: de Nathalie Vigini y Vicenç Vidal; Archivos: Ivan Ferreres Pujol - Mail: GlobalGrisart@grisart.com

Para contactar con los autores y fotógrafos: agusi@grisart.com ; www.ullicnarducci.com; www.nathalievigini.com; bruno_crocianelli@hotmail.com; sramirez@grisart.com; Rbadia@grisart.com; www.jmgosselin.com; www.laurentperrot.com; www.lauragarciaberlanga.com; www.erikaabenia.com; www.roservilagrassa.com www.instagram.com/maria.sintonen; vividacult@gmail.com (Vicenç Vidal); info@jonarruti.com; leahfresneda@hotmail.com; www.mariamunzi.com; www.edufrances.com; www.sachagoldberger.com


EL CLÁSICO

«El gusto en fotografía propende, acaso necesariamente, a lo global, ecléctico, permisivo, lo cual significa que en definitiva tiene que negar la diferencia entre buen gusto y mal gusto. Por eso todas las tentativas de los polemistas por erigir un canon parecen ingenuas o ignorantes.» Susan Sontag

CLÁSICO OBLIGADO EN LA BIBLIOTECA DE UN FOTÓGRAFO Un libro clave y una referencia escrita en los años 70 con 6 ediciones revisadas. Pri-

mero, Susan Sontag explica los usos de la cámara. Hay un pasaje divertido sobre los turistas que fotografían. ¡Siempre actual! Luego explica lo que es la fotografía; en sí misma no explica nada, pero la foto aporta algo también... Evidentemente, Sontag va más allá y dice que la foto «no explica nada, pero está en todas partes». El mundo entero se vuelve foto. Destaca la importancia de Walt Whitman, Walker Evans, y luego explica cómo la Segunda Guerra Mundial cambió el juego. Analiza el período de posguerra, las primeras exposiciones importantes, las fotos científicas, las imágenes de los turistas que se acercan,... después aborda una parte capital: los «objetos melancólicos», la foto y la memoria, la difícil cuestión del punto de vista de la

fotografía: ¿objetiva o subjetiva?, la influencia de la fotografía en la pintura, especialmente con respecto al encuadre, y la relación de la sombra y la luz... El capítulo «Evangelios fotográficos» es uno de esos que te hace pensar. De hecho, para Sontag, los fotógrafos tenían que teorizar para tomar en serio su trabajo y para que la foto se considerara definitivamente como un arte, pero el azar también ocupa una relevancia. Entonces ella discute el criterio de juicio de una foto: ¿La técnica sola? ¿La estética? ¿Los sentimientos? Al final, recuerda que: “Aunque no es, en sí misma, una forma de arte, [la foto] tiene este poder particular para transformar en arte todo lo que se necesita para el sujeto.” Sobre la fotografía, Alfaguara, 1977


SACHA GOLDBERGER es un fotógrafo francés nacido en 1968. Desarrolló una serie de imágenes con un talento verdaderamente único. Creó hace más de 15 años la serie «Mamika». Desde 2008 hace muestras en París. Expone en el CCB Museum de Rio, Festival de Fotografía de Nueva Delhi, Feria de Arte de Ámsterdam, en la London Art Fair, en el Angkor Festival, en Getxophoto, en Palm Beach Art Fair, en la Berliner List, contribuyó a exposiciones al aire libre. También expuso en París en la School Gallery, en el Grand Palais como parte de «Paris Art», o bien en “Paris-Photo”. Ha publicado numerosos libros en Europa y Estados-Unidos.

LIBRE OPINION DE SACHA GOLDBERGER No soy fotógrafo «Me gustaría hablar de luz, óptica, apertura, distancia focal, pero eso no me interesa. La fotografía en mi caso me permite contar historias, crear distorsiones, cambios, lidiar con paradojas. Es un gran soporte para desarrollar la imaginación. Desarrollar una serie me lleva entre uno y dos años, dependiendo de la complejidad del tema. La sesión de fotos en sí solo toma unos días; todo está preparado desde el principio. Hay que decir que cuando presiono el disparador de la cámara, hace ya semanas que la foto está hecha, todo está en mi cabeza y en la de mis equipos. En general, me tomo mucho tiempo para elegir el tema. El sujeto debe ser lo suficientemente descabellado y estimulante

para que me levante cada mañana y encuentre soluciones a los diversos problemas que aparecerán a medida que se acerca la fecha de la sesión fotográfica. Algo que también motiva a los equipos y les hace querer superarse es la fuerza del tema. Estamos entrando en la fase de investigación y documentación. En cada serie, intento dominar el tema, y documentarme de manera muy precisa para exponer a todo el equipo la dirección que quiero seguir. Diría que creo las imágenes durante mis indagaciones. Es gracioso ver que los encuadres de las imágenes finales son exactamente los de esas indagaciones. Con estas imágenes de ubicaciones, imagino con mi equipo quiénes serán los personajes, cuáles serán los disfraces, en qué posiciones los fotografiaremos

y cuáles serán las acciones. En general, elaboramos una ficha por imagen con una descripción de los personajes, de los elementos de decoración (coches, objetos). Este trabajo de preparación se asemeja al de una película. El casting es de suma importancia. Mi directora de casting ya tiene los sets, así como referencias e investigaciones. El último paso antes de la sesión fotográfica es la elección de disfraces, pelucas, maquillaje y accesorios. Tratamos de asegurarnos de que todo sea coherente con la historia que contamos. Creo que la fuerza de nuestra serie reside en la pasión con la que narramos las historias. ¡Larga vida a la fotografía!» Sacha Goldberger

Profile for Grisart Escola Internacional de Fotografia

Global Grisart Nº1  

Advertisement