Go Mag #131 Mayo 2012

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131 MAYO 2012 CONSIGUE LA EDICIÓN CON CD EN TU QUIOSCO

KINDNESS GOSSIP CHROMATICS SPIRITUALIZED MOUNT EERIE

GO SERIES 90: TOUCH

Incluye temas de Fennesz, Philip Jeck, Oren Ambarchi, Chris Watson, BJNilsen, Mika Vainio, Jana Winderen, Hildur Gudnadottir, Sohrab, Biosphere, Eleh... € 4,90 (€ 5,05 en Islas Canarias) 00131 8

414090 228688

ANNI B. SWEET PARTIDO JIMMY EDGAR SASCHIENNE THE DANDY WARHOLS

BEACH HOUSE



131

sumario

MAYO 2012

18

staff

08 BITES

Edita UNIPRENSA S.A.

12 INTRO

GO MAG Directora: Janina Canet.

26 LEE RANALDO

Jefe de redacción: Manu González. Director de arte y diseño gráfico: Fabián Taranto. (www.ftdesignlab.com)

30 KINDNESS

Redacción GO MAG. Muntaner, 492, bajos. 08022 Barcelona. Tel. (+34) 93 417 68 67 / (+34) 93 418 50 05 Fax (+34) 93 417 33 63 E-mail: go@go–mag.com Suscripción y logística: 93 418 50 05 solicitudejemplares@uniprensa.com Web: www.go–mag.com MySpace: www.myspace.com/gomagbarcelona Facebook: www.facebook.com/gomagspain Twitter: www.twitter.com/gomagspain Coordinador de cine y literatura: Philipp Engel. Coordinadora de moda: Anna Tomàs. Coordinador de tecnología: Xan Pita. Corrección: Nati Arco. Web: Virginia Arroyo. Redactores: María Adell, Virginia Arroyo, Octavio Botana, David Broc, Óscar Broc, Javier Burgueño, Matías Bosch, Joan Cabot, Gérard Alonso Cassadó, Pau Cristòful, Philipp Engel, Albert Fernández, Laura Gamundi, Bruno Garca, Álex Gil, David Giménez, Daniel Gómez, Gloria González, Manu González, Toni Junyent, Violeta Kovacsics, Milo J. Krmpotic’, Israel Márquez, Pepo Márquez, Luís Meyer, Luna Miguel, Beatriz Montalvo Pulgar, Àlex Montoya, Half Nelson, Ana Petrus, Banessa Pellisa, Marc Piñol, Xan Pita, Vidal Romero, Jesús Sáez, Silly Savage, Everett True, Toni Vall, Álex Vicente, Alberto Vidal y Pablo Vinuesa. Fotógrafos: Pauline Beaudemont, Mireia Carulla, Janos Chabel, Noemí Elias, Albert Eritja, Enrique Escorza, Liz Flyntz, David Gallagher, Ivan Guerola, Steve Gullick, Jennifer Iliffe, Eliot Lee Hazel, Anabel Luna, Xavi Mercardé, Marcos Do Santos, Stephanie Sian Smith, Alberto von Stokumm y Jon Wozencroft. Fototografía de portada: Liz Flyntz.

CHROMATICS

24 EN PORTADA: BEACH HOUSE

34 MOUNT EERIE 35 THE DANDY WARHOLS 36 JIMMY EDGAR 37 SASCHIENNE 40 SELLO DEL MES: TOUCH 41 OREN AMBARCHI

22 ANNI B SWEET

20

46 DISCOS, MAXIS, ÚLTIMO CLÁSICO...

GOSSIP

60 AGENDA MUSICAL Y LIVE 68 GADGETS Y MODA 76 CINE Y LIBROS

38 PARTIDO

32 SPIRITUALIZED

Publicidad Barcelona Tel. (+34) 93 418 50 05 / 93 417 68 67 E-mail: publicidad@go–mag.com Agentes comerciales: Ramón Villarquídez, Gina Selicorni y Eneida Fonseca. Dep. Legal: B-19124-00 Fotomecánica, impresión y encuadernación: Tu Grupo Gráfico 2005 S.L. Distribución gratuita: Barcelona (Blind Records). Resto de España (Envialia). Distribución en quioscos: Logística de Medios.

GO MAG se distribuye gratuitamente en las siguientes ciudades españolas: A Coruña, Alicante, Barcelona, Bilbao, Burgos, Cáceres, Cartagena, Castellón de la Plana, Ciudad Real, Donostia, Girona, Granada, Lleida, Logroño, Lugo, Madrid, Málaga, Murcia, Pamplona, Gijón, Vigo, Santander, Sevilla, Tarragona, Valencia, Vitoria y Zaragoza. GO MAG está disponible en los quioscos de España, Portugal, Argentina, México, Chile, Costa Rica y Perú.


004/005

concurso

¡Sorteamos 6 abonos para el Sónar!

Como todos los años desde 2001, volvemos a estar fuertamente vinculados con Sónar, el Festival Internacional de Música Avanzada y New Media Art. Este año la programación es de campanillas con las actuaciones de New Order, Hot Chip, The Roots, Fatboy Slim, deadmau5, Die Antwoord, Lana del Rey, Metronomy, Nicolas Jaar, Amon Tobin, Squarepusher, Kode9, James Murphy y muchos más. Todo estos artistas podrás disfrutarlos en Sónar, el 14, 15 y 16 de junio de 2012. Sorteamos para la ocasión 6 abonos individuales con acceso a todas las actuaciones de día y de noche. Además, atentos al próximo mes porque sortearemos otros dos abonos para el Sónar que además incluirán un Meet & Greet privado en la zona de prensa del festival con un artista sorpresa, para que podáis conocerle, haceros fotos y charlar un rato en privado tomando una copa. En 2010 nuestro misterioso invitado fue Richie Hawtin y, el año pasado, Agoria. ¿Quién será esta vez? Participa a través de nuestra web: www.go-mag.com

¡Sorteamos 5 DVDs de “Restless” de Gus Van Sant! “Restless”, la aclamada historia de amor del director Gus Van Sant (“Mi nombre es Harvey Milk”, “El indomable Will Hunting”, “My Own Private Idaho”), llega el próximo 24 de abril en Blu-Ray y DVD de la mano de Sony Pictures Home Entertainment. Mia Wasikowska (“Jane Eyre”) y el debutante Henry Hopper brillan en esta divertida y conmovedora historia de amor entre un joven (“Hopper”) que ha renunciado a la vida y una chica (Wasikowska) a punto de perder la suya. Sorteamos 5 DVDs de “Restless”, que incluye horas de material extra único, incluyendo su versión muda; escenas eliminadas; 5 cortos sobre cómo se hizo la película, la elección del director y el reparto, y la complicada relación entre Enoch, Annabel y Hiroshi. Participa a través de nuestra web www.go-mag.com © 2011 Columbia Pictures Industries, Inc. All Rights Reserved.





008/009

bites

DCODE Fest 2012

The Killers, Sigur Rós, dEUS, The Kooks y Justice encabezan el cartel

Bites

Vuelve una nueva edición del festival madrileño DCODE Fest 2012, que crece considerablemente en calidad y cantidad respecto al año pasado, y tendrá lugar los días 14 y 15 de septiembre en el Complejo Deportivo de Cantarranas del campus de la Universidad Complutense de Madrid. Será la única oportunidad de ver en directo en España a dos enormes bandas como los norteamericanos The Killers y los islandeses Sigur Rós (en la foto), cabezas de un cartel donde destacan otros nombres importantes como los franceses Justice, los británicos The Kooks y un clásico de la escena europea, dEUS. Estos cuatro headliners ya ponen de manifiesto la diversidad estilística que poblará el cartel y que queda patente también en el resto de confirmaciones: Lüger, Triángulo de Amor Bizarro, The Shoes, Supersubmarina, Napoleón Solo y Le Traste. The Killers vuelven a nuestro país sin nuevo material que presentar (aunque se rumorea que están grabando nuevo disco) y Sigur Rós recién publican en mayo su nuevo trabajo, “Valtari”, una ocasión única pues para testar las nuevas canciones de los islandeses en directo. Los abonos ya están en preventa en la web de Live Nation y ticketmaster.com. www.dcodefest.com

// El próximo 13 de octubre tendrá lugar la primera edición del Black Lotus Festival en la Feria de Muestras de Valencia. En un primer avance, el cartel para el festival cuenta con Pendulum (DJ set), Cyberpunkers, Dr Lektroluv, Rusty Warriors, Loo & Placido y Black Eyed Peas DJ (Rocky Rock). Las primeras 1.500 entradas ya están a la venta, al precio especial de 25€. // Tras la reciente publicación de su primer álbum en solitario, “Blunderbuss”, Jack White se confirma como el compositor y productor de la banda sonora de la próxima adaptación de “El Llanero Solitario” que prepara Disney. La película tiene previsto estrenarse en EE.UU. durante la primavera de 2013, y contará con Gore Verbinski en la dirección y un reparto encabezado por Johnny Depp, Armie Hammer, Tom Wilkinson y Helena Bonham Carter. // Después de 20 años sin presentar material inédito, The Beach Boys publicarán el próximo 5 de junio un nuevo álbum en el que participan todos los integrantes de la banda original, incluido el fallecido Carl Wilson. Aún sin título, este álbum sale a la luz para celebrar el 50 aniversario del legendario grupo californiano. Ya puedes ver en Youtube un fragmento del tema “That’s why God made the radio”, también a la venta en junio. // El próximo sábado 12 de mayo se prepara una gorda en el Auditorio Miguel Ríos Rivas Vaciamadrid de Madrid con el Boafest, un festival de hip hop donde participarán casi todas las bandas del sello, entre ellas, CPV presentando oficialmente su nuevo disco, Swan Fyahbwoy, Sho-Hai & Xhelazz, Hablando En Plata, Crew Cuervos, Los Chikos del Maíz, Rayden y Sharif. Empezará a las 14.30h y finalizará a la 1h. www.boamusica.com // Antonio Luque colgó recientemente el siguiente comunicado en su página de Facebook: “A los músicos residentes en la capital: según todos los indicios el nuevo doble elepé de Sr. Chinarro se grabará en Madrid, en septiembre de 2012, en la Red Bull Music Academy (en el Matadero). Si queréis dejar vuestra huella en el disco y vivir la experiencia chinarra –sin parangón en el mundo de la música–, colgad un vídeo que muestre vuestro virtuosismo y/u originalidad (vuestro gusto sobre todo) y deseaos suerte. Red Bull no faltará (ya llevo yo el ron)”.

Cypress Hill en concierto

Ciclo A Viva Veu en el Fantástico

Hace unas semanas se anunciaba la actuación de la mítica banda de rap Cypress Hill en el festival Cruïlla BCN (6 y 7 de julio en el Parc del Fòrum en Barcelona), y ahora se confirma una segunda fecha en Madrid el 3 de julio en la sala La Riviera. Tras agotar todas las entradas en su última visita a España en 2010, la vuelta de los raperos a nuestro país promete causar auténtico furor. Veintitantos años de carrera y más de 20 millones de copias vendidas con sus ocho álbumes de estudio son las cifras entre las que se mueve la banda de Los Angeles. Cypress Hill han creado un estilo propio que fusiona el hip hop y el rock, con raíces latinas, y unas letras cargadas de rimas creativas y temática social.

Vuelve el ciclo A Viva Veu con sus conciertos íntimos en el Fantástico Club, uno de los bares musicales más veteranos de la escena barcelonesa. Entre los meses de mayo y julio pasarán por allí Coach Station Reunion (3 de mayo), Petit (10 de mayo), Diego García (21 de mayo), Saltamartí (28 de junio) y Evripidis and His Tragedies (5 de julio). A su vez, y en paralelo al festival San Miguel Primavera Sound, se celebrará una nueva edición del Primavera A Viva Veu, con una serie de conciertos integrados en el programa de actividades complementarias del festival, que protagonizarán Aliment y Síctor Valdaña & The Check This Outs (el 28 de mayo), y Joan Colomo junto a Univers (29 de mayo).

Actuarán en Barcelona y Madrid

Y actividades paralelas en Primavera A Viva Veu

Valle Eléctrico

Nuevo club en Nasti dedicado al pop sintético Un jueves al mes, Valle Eléctrico se instalará en la sala Triangle (Nasti) de Madrid con el afán de traer por primera vez a España a aquellas bandas que están despuntando en la escena musical del glo-fi y el synth-pop, dando cabida a propuestas más ruidistas o dark, de la mano de ON CLASH Madrid. Un jueves al mes, esta nueva apuesta en formato club tomará la sala Nasti para ofrecer directos internacionales y nacionales, DJ sets, visitas de nuevas promesas o encuentros musicales con la prensa. El pasado 28 de abril se celebró la primera cita con los directos de Labyrinth Ear (en la foto), We Are Enfant Terrible y Cross Echeyde.


Charlotte Gainsbourg en Barcelona

La francesa presentará su último disco “Stage whisper” con la colaboración de Connan Mockasin Charlotte Gainsbourg, hija de Serge Gainsbourg y Jane Birkin, y una de las personalidades artísticas más atractivas de los últimos tiempos, se ha unido al neozelandés Connan Mockasin en una gira para presentar su último disco “Stage whisper”. Su única actuación en España por el momento será el 16 de mayo en la sala Razzmatazz de Barcelona, de la mano de Estrella Damm dentro del marco del Grand Tour, con Francia como país invitado. Por un lado, los sonidos psicodélicos y oníricos de Connan Mockasin y su banda. Por el otro, la voz hipnótica y etérea de Charlotte Gainsbourg. Dos maneras de hacer que la música pop suene misteriosa y extraña, commovedora y poética. En nuestra portada de diciembre dedicada a Charlotte, nuestro colaborador británico Everett True describía “Stage whisper” como un doble disco en directo que “suena taciturno, saturado del sonido de los clubes y la degradación de una juerga cuando pasan las seis de la madrugada”. El 16 de mayo, Charlotte Gainsbourg dará buena fe de ello en el escenario del Razzmatazz, dentro de una velada que incluye además DJ sets de Kavinsky, Minitel Rose, djd! y los directos de Jupiter y Pegase para alargar la noche hasta la madrugada. www.charlottegainsbourg.com

Love Family Park

Desmadre en Alemania

Día de la Música 2012

Se suman Spoon y Bear In Heaven

Bites

//The Soulsavers, el grupo formado por Rich Martin y Ian Glover, entrega nuevo disco el 21 de mayo con una colaboración muy especial: Dave Gahan de Depeche Mode será el principal vocalista y letrista de “The Light The Dead See”, que publicará Mute Records. Ésta es la más reciente colaboración de Soulsavers, tras las entregas con Mark Lanegan por partida doble, Bonnie “Prince” Billy, Mike Patton y Richard Hawley. Además de una posible gira con Soulsavers, Dave Gahan andará liado también con el nuevo trabajo de Depeche Mode, que van a empezar a grabar este año, y que probablemente estará en la calle como mucho a principios de 2013. //El ciclo de conciertos infantiles Minimúsica lleva su gira “Los Transportes” hasta el Festibal con B de Bici, que tendrá lugar el próximo sábado 5 de mayo en Matadero de Madrid. Los encargados de hacer bailar a los pequeños y de hacerlos reflexionar sobre los transportes (en especial los más sostenibles, como la bicicleta), serán Lorena Álvarez y Su Banda Municipal, Jonston y Marlango. Todo ello será a partir de las 12h y la entrada será gratuita con preferencia para el público infantil.

Si este verano estás pensando en una escapada a Alemania, te recomendamos la pequeña ciudad de Hanau, a 25 km de Frankfurt, más conocida por ser la cuna de los Hermanos Grimm. Un buen motivo para visitarla es el festival que se celebra cada año en Mainweisen Hanau, el Love Family Park 2012, que organiza la gente del sello Cocoon. Esta edición tendrá lugar el próximo 8 de julio (atentos porque en breve sortearemos abonos para el festival) a partir de las 10h de la mañana hasta las 22h de la noche. El line up para esta edición de 2012 incluye a los DJs Sven Väth, Ricardo Villalobos, Loco Dice, DJ Koze, Magda, Karotte, Luciano, Oliver Koletzki, Raresh, Barem, Dorian Paic y Adam Port, así como los directos de Modeselektor y Deichkind.

Cuatro nuevos nombres se suman al Día de la Música 2012 (22 //El saxofonista de The Killers, Tommy Marth, y 23 de junio en Matadero Madrid): la mítica formación tejana fue encontrado muerto en su casa de Las Spoon, que ofrecerá en directo un repaso a su dilatada carrera; Vegas el pasado lunes 23 de abril. La causa de el trío de Brooklyn, Bear In Heaven, que acaba de publicar la muerte se desconoce, pero todo apunta a un nuevo trabajo, “I Love You, It’s Cool”; el productor británico Darren Williams aka Star Slinger y JD McPherson, antiguo miem- suicidio. Marth tenía 33 años y había girado con la banda de Brandon Flowers durante las bro de The Starkweather Boys, que debutó en solitario el año giras de 2008 y 2009, además de tocar en los pasado con “Signs and Signifiers”. Con este anuncio la apuesta discos “Day & Age” y “Sam’s Town”. artística del cartel está ya prácticamente cerrada. Quedan pendientes de darse a conocer en la rueda de prensa de mayo la programación previa al festival y la del escenario gratuito de la //Skream, uno de los pioneros del dubstep, Calle Matadero, así como otras iniciativas y actividades paralelas. sigue con sus incursiones en el mundo del pop y r’n’b con una colaboración con la cantante británica Kelis en el tema de UK garage “Distance”.

In-Somni Girona

Con We Are Scientists y Manos de Topo...

//El incansable David Lynch, que nos entregaba el pasado mes de octubre un nuevo disco “Crazy clown time”, solicitó recientemente la colaboración de Moby (quien ya inspiró “Go” en “Twin Peaks”) para remezclar su tema “Noah’s Ark”, que salió editado en formato maxi en motivo del Record Store Day del pasado 21 de abril en UK.

El pasado mes de febrero el festival In-Somni celebró su edición de Barcelona, y ahora, dos meses más tarde, llega el turno de Girona, que el 28 de abril, y los días 4 y 5 de mayo, llevará a diferentes espacios de la ciudad una programación de conciertos con el ojo puesto en la música independiente más variada. Los cabezas de cartel serán los norteamericanos We Are Scientists y los irreverentes Manos de Topo, a los //Cat Power anunció hace unos días a través de su cuenta de Twitter que había terminado que se les sumarán Lasers, Txarango, Hot Penguins, Orquesde grabar su nuevo disco y que se publicaría ta Diver-Siones, Cyberpunkers y los Nasty Mondays DJs. el 11 de septiembre a través de Matador con el Además se estrenará Love.cat, una obra de teatro inspirada título “Sun”. en The Cure. www.in-somni.com


010/011

bites / club del mes

Fresh Weekend 2012

El festival coruñés regresa en julio con la mejor escudería electrónica

Bites

Tras el éxito obtenido en años anteriores, con una media de asistencia de más de 9.000 personas al día, Fresh Weekend regresa en su tercera edición al Aquapark de Cerceda, A Coruña, donde los próximos días 6 y 7 de julio se darán cita en sus escenarios algunos de los artistas más importantes del panorama electrónico internacional. Capitaneando la lista de confirmaciones están los londinenses Simian Mobile Disco (en la foto), que presentarán su nuevo trabajo “Unpatterns”, y el madrileño Pional, fenómeno patrio del house. Completan esta primera tanda de nombres Robert Hood, Stacey Pullen, Octave One aka Random Noise Generation, Adam Beyer, Joris Voorn y Karotte. El festival volverá a celebrarse este año en las instalaciones del Aquapark de Cerceda, un magnífico parque acuático en el que todos los asistentes podrán refrescarse en alguna de sus piscinas, probar emociones fuertes en sus numerosos toboganes y disfrutar de una zona de acampada y de amplias extensiones verdes. Además, este año, como novedad, todos los asistentes podrán disfrutar de las Pool Parties que se celebrarán ambos días hasta que caiga el sol y permitirán a todo el público bailar y escuchar la mejor música desde el agua. La mejor forma de empezar el verano.

// Estos últimos días se había propagado el rumor en las redes sociales de una posible reunión de los Smiths, y Twitter ardía con los debates a favor o en contra de sus fans. La euforia ha durado poco, sin embargo. Johnny Marr ha salido al paso en su página oficial de Facebook para aclarar que el rumor es totalmente falso: “It’s not happening (no va a suceder)”. // Jonathan Ames, Tobi Vail, Ben Brooks, los binomios formados por Antonio Luque & Jota, Juanjo Sáez & Manuel Vázquez y Stewart Home & Javier Calvo, el trío “Harto de todo: que pagui Pujol!” (Jordi Llansamà, Joni D. y Jordi Valls) y el grupo Els Surfing Sirles estrenan la primera edición del ciclo de conferencias y festival músico-literario Primera Persona en el Teatro del CCCB de Barcelona (4 y 5 de mayo). La propuesta, ideada por los escritores y periodistas Kiko Amat y Miqui Otero, propone mostrar una visión particular del relato narrado en primera persona a través de unos protagonistas seleccionados por sus historias honestas, crudas y, a veces, humorísticas. // La mejor música de raíz negra vuelve a Madrid en mayo para llenar Matadero Madrid de los ritmos de soul más salvajes. Back Is Black se presenta el 26 y 27 de mayo con una programación muy suculenta: Impressions, Lisa & The Lips, Eli ‘Paperboy’ Reed meets The Pepper Pots, James Hunter, The Faith Keepers, Juan Zelada, Al Supersonic & The Teenagers o Watch Out. El abono cuesta 40 € y la entrada de día 25 €. www.mataderomadrid.org // Nasser Bouzida vuelve con Big Boss Man, ya veteranos en la discográfica de culto Blow Up, con su mezcla de hammond 60’s, bongos, fuzz y funk. La banda estará tocando el 1 de mayo en La Antigua Estación de Oviedo y el 2 de mayo en la Sala Acapulco de Gijón. // El próximo sábado 12 de mayo Madrid acogerá la Block Party, un gran encuentro al aire libre dedicado al arte urbano y el deporte callejero más vibrante del país. Creado por Converse, en su compromiso por ser una plataforma de creatividad, será un evento gratuito y abierto a todo el público. Block Party tendrá lugar en La Plaza Luna el sábado 12 de mayo, de 17h a 22h, con un concierto de hip hop a cargo del Chojin, demostración de graffiti en vivo con los artistas Lolo Bichenzo, Spok, Jorge Revuelto y Gnio, MC’s showcase de la mano de Dj Phet + Doblehache, demostración de skate y final de breakdance con Madrid Kingz Flava.

Santander Music

Creamfields-Andalucía 2012

Los neoyorquinos Clap Your Hands Say Yeah encabezan la nueva tanda de confirmaciones del Santander Music Festival, presentando su último álbum de 2011, “Hysterical”. A los de Brooklyn se les suma también Fanfarlo, grupo británico que ya tuvo su portada en nuestra revista, y que acaban de sacar su segundo trabajo en 2012, “Rooms filled with light”. Santander Music tendrá lugar los días 3 y 4 de agosto en la Campa de la Magdalena. Una propuesta que llega a su tercera edición en la capital cántabra y en la que ya se han confirmado las actuaciones de bandas internacionales como Delorentos o !!! (Chk Chk Chk) y bandas de gran peso en el circuito nacional como Lori Meyers, Sidonie, La Casa Azul y Love Of Lesbian.

Tras confirmar la presencia de grandes nombres de la electrónica internacional como Orbital, Chemical Brothers, Steve Aoki, Tiësto, Four Tet y Caribou, el Creamfields-Andalucía anunciaba hace poco una nueva hornada de artistas que se suman a la programación del 10 y 11 de agosto en el Circuito de Velocidad de Jerez de la Frontera, capitaneados por el dúo belga Aeroplane (en la foto) y el madrileño Pional, que este verano va a ser merecidamente omnipresente. También actuarán en el festival andaluz Bony Stuche, Cyberpunkers, Dub Elements, Ego Troopers, JC Morillo, Kap bambino, Maceo Plex, Nehuen, Popof, Rafa Alcántara, Raúl Pacheco & Alberto Rodríguez, Sidechains, Tensnake y Void Camp.

Fanfarlo y Clap Your Hands Say Yeah!, últimos fichajes

Aeroplane y Pional a la cabeza

RØDE Røcks

Graba un disco en Los Angeles con Alain Johannes RØDE Microphones ha lanzado un concurso internacional de bandas para descubrir los mejores talentos indie a nivel mundial. Los ganadores tendrán la ocasión de viajar a los estudios Record Plant de Hollywood con todos los gastos pagados para grabar un disco con el afamado productor Alain Johannes, además de packs de micrófonos y altavoces de estudio RØDE. Si quieres participar en RØDE Rocks, sólo tienes que grabar una composición original de más de dos minutos, crear un vídeo de acompañamiento en el que aparezca como mínimo un micro RØDE, subirlo a Youtube y registrarte en la web www.roderocks.com.



012/013

intro

Arthur Caravan

“Cosas del dadaísmo”

“Arthur Cravan fue un personaje de principios del siglo pasado, poeta, boxeador y dadaísta antes que los dadaístas, un hombre que quiso ser ‘todas las cosas, todos los hombres y todos los animales”. Un verdadero loco en definitiva. Atraídos por este aura de excentricidad decidimos llamar con este nombre a una formación primigenia de la banda. Por si no bastaba con denominar a un grupo de aquí con un nombre propio extranjero en singular, y para despistar un poco más, se jugó con las palabras añadiéndole una letra ‘A’ al apellido después de la ‘C’ haciendo a la vez referencia al estándar de Duke Ellington ‘Caravan’. Es así como apareció el nombre completo del grupo”. No puede haber mejor definición para un grupo que revela y desarrolla su propuesta musical con naturalidad, pero casi inconscientemente, rompiendo clichés. Y es que hoy en día hay que asumir que existen influencias que surgen por el contexto geográfico, pero muchas también aparecen por el contexto cultural, y en la época de Internet y la globalización, éste es inabarcable. “Creemos que formamos parte de una serie de grupos que han decidido cantar en catalán de una forma normalizada sin seguir la estela e influencias musicales del Rock catalá o el Ska valenciano.

Nuestra música tiene influencias muy variadas, clásicas y actuales, geográficamente más cercanas o más alejadas. A la hora de componer música seguramente nos dejemos influenciar más por referentes anglosajones y puede que en las letras haya una influencia mediterránea más marcada por una cercanía lingüística y cultural”. Precisamente su increíble y maravilloso espectáculo “Si t’arriba el dematí”, en el que recorren la historia de la música cantada en catalán y hecha en Valencia, demuestra claramente esta visión de la tradición musical mediterránea más reciente, desde un prisma más anglosajón. Proceso que culmina con su segundo disco, “Atles enharmònic”, mucho más eléctrico y sobrio que su álbum de debut, con ecos del

slowcore y el kraut-rock, pero que lleva más allá, con sobrada personalidad, el concepto rock. “A la hora de poner un título para el álbum completo queríamos que éste explicara que el disco es una compilación de todas esas canciones que a pesar de ser diferentes entre sí y diferentes a las del primer disco siguen confluyendo en un mismo punto, nosotros mismos, Arthur Caravan. Aprovechando el concepto musical que explica que dos sonidos son enharmónicos cuando tienen denominaciones diferentes pero en realidad se trata del mismo sonido y jugando con el significado recopilatorio de la palabra atlas hemos sintetizado toda esta información en ‘Atles enharmònic’”. Jesús Sáez / Foto Ivan Guerola

Sanjays

Lémures en la pista

La Ciudad de los Lemures ha vuelta a ser invadida por ese monstruo de seis cabezas que opera bajo el nombre de Sanjays. Sólo que esta vez, la temida bestia se ha dejado en su cueva el garage y viene dispuesta a arrasar las calles con indie pop-rock de ascendencia psicodélica. “En ‘Laboratorium’ hemos encontrado la fórmula que buscábamos: canciones más contundentes con estructuras directas, ritmos bailables, flirteos psicodélicos, melodías pegadizas… En ‘Welcome to Lemür City’ aún no teníamos tan clara la línea a seguir”. Recién fichado por Bankrobber, este salvaje sexteto de La Bisbal de l’Empordà ha puesto

toda la carne en el asador en un segundo largo en el que transpiran las influencias de Arctic Monkeys, Los Campesinos!, Pixies, MGMT, Pavement o The Flaming Lips. En la producción, la mano de Jaume Pla (Mazoni) “ha ayudado a conseguir unas canciones con estructuras más sólidas y coherentes y que el disco suene más compacto, más crudo, más contundente y, en definitiva, más fiel a nuestro directo salvaje y alocado”. Lo del directo alocado no lo dicen sólo ellos; cualquiera que haya estado en un concierto de Sanjays sabe que la experiencia es memorable: atrezzo selvático, disfraces de animales y energía a raudales. “Nos

sentimos muy cómodos dentro de ese caos y siempre que podemos lo llevamos con nosotros para seguir difundiendo nuestro imaginario surrealista”. Tanto protagonismo ha tomado el atrezzo en la imagen del grupo que se ha levantado alguna crítica cuestionando si Sanjays eran música o espectáculo. Ante esta disyuntiva, servidora vota por ambas cosas, y parece que la banda es de la misma opinión. “Este tema hace tiempo que se nos ha ido de las manos y desconocemos los senderos que nos deparan en un futuro. Nunca nos hemos planteado demasiado por qué o para qué lo hacíamos. Es algo espontaneo y mágico que forma parte de nosotros y, sin ser algo sagrado ni intocable, no vamos a dejarlo mientras nos apetezca hacerlo”. Con la misma naturalidad afrontan las letras de sus temas, íntegramente en inglés. “Nos salen así, pero no nos parece que la lengua sea algo tan importante... Sin ir más lejos, la cantante Demmy tiene el flamenco como primera lengua y quizás algún día la utilizamos si nos apetece. O quizás inventamos un lenguaje sideral para nuestras canciones”. Precisamente Demmy es una nueva incorporación y uno de los grandes aciertos de este “Laboratorium”. “Con ella hemos logrado dinamizar las melodías con un triple juego vocal. Nos gusta que entren distintas voces en un mismo tema, esto le da frescor y más sentido lírico a la canción”. Sentido siempre entendido dentro de su surrealista concepción del tiempo, del espacio y del sonido. Toda una aventura sónica. Virginia Arroyo / Foto Noemí Elias


Joana Serrat

No llueve eternamente

Civil Civic

Bienvenido a mi mundo interior Los amaneceres en la comarca catalana de Osona descubren con asiduidad un paisaje poseído por los restos de una niebla baja que confiere a su geografía un carácter abiertamente melancólico. Cuando ésta comienza lentamente a disiparse y se abren las primeras grietas por las que el sol de la mañana inicia su reinado, la geografía simula un terreno humeante formado por un conjunto de almas que tocan a retirada. Entonces, las postales inabarcables a la mirada se llenan de vívidos colores, el cielo se exhibe generoso y límpido, y el corazón del observador estalla en optimismo. La cantautora Joana Serrat, natural de Vic —capital de la zona—, lleva consigo, a modo de estela, el espíritu de todo lo narrado. Esta confrontación, la lucha y los primeros indicios de victoria de lo bueno sobre lo gris, brota en la tónica musical de un abanico de composiciones que van desde el folk recogido e intimista al alt-country pasando por momentos de rock doliente y pop poético, se reconoce también a través de sus letras y se extiende a lo largo de su precioso timbre de voz. Nuestra protagonista asoma la cabeza entre lo más destacado del panorama nacional gracias a su tercera entrega discográfica, el maravilloso “The relief sessions”, un doble CD autoproducido que recoge dos sesiones de grabación repartidas entre unas ficticias caras A y B. “En 2009 iba a

ser un EP de 7 canciones junto con Adrià Plana (guitarra) y Carla Serrat (coros). A mediados de 2010 se sumaron Marçal Ayats (violoncelo) y Toni Serrat (batería, percusiones) cerrando así mi formación actual. En 2011 volví al estudio con ellos y teniendo claro que sería un disco doble. Las dos caras tienen el mismo nexo de unión, que fue mi ruptura artística con todo lo que había venido haciendo anteriormente, y representan dos momentos muy distintos de mi vida. La mejor manera de plasmarlo era diferenciándolos así”. La temática del álbum gira en torno al desengaño, el desgajamiento, el desamor y la despedida. “Me he moderado bastante. En mis anteriores trabajos se aludía más directamente a la sexualidad, a las decepciones y las relaciones de corta duración porque iba totalmente de acuerdo con lo que viví entonces. Aquí no hay maldad, ni reproches por esos sentimientos no correspondidos. Está basado en una relación en la cual ambos éramos muy inocentes a la vez que sinceros. Por esto creo que el disco se muestra tan transparente. Siempre he escrito en mis horas bajas, supongo que si escribo desde mi tristeza debe de ser que tengo una necesidad de sanación. Aunque en el disco puedes encontrar canciones como ‘My wife’ o ‘Moonbeams’ que no aluden directamente a mis sentimientos”. David Giménez / Foto Albert Eritja

“Música furiosa y fiestera para nerds y para gente quemada por su trabajo. Hacemos canciones ruidosas y deshilachadas, normalmente bastante rápidos pero no tan tontas como para sentirnos avergonzados al ponerlas en un torneo de ajedrez o algo por el estilo”. Vale, si así es como se define este dúo australiano (afincados en Barcelona y Londres), la cosa promete. Civil Civic aterrizan en nuestros oídos con “Rules”, un álbum debut instrumental cargado de shoegaze, post-punk, noise y electrónica a partes iguales, una suerte de torbellino sónico donde las guitarras afiladas, los pedales de distorsión y miles de capas sonoras se centrifugan a una velocidad que deja los discotequeros 120 bpms en baladas para bailar agarrado. Ahondando en su peculiar mundo interior, Benjamin Green, encargado del bajo “y los ruidos”, me cuenta que en los últimos dos años les han “crecido dos pulgares más a cada uno y un montón de ojos primitivos detrás de la cabeza, como las arañas”. “Además”, continúa, Ben, “ahora también nos han salido branquias, para las actuaciones bajo el agua, además de que por fin nos podemos comunicar telepáticamente, aunque sólo en distancias muy cortas. A Aaron también le están saliendo alas, pero son pequeñas y endebles, así que es posible que nunca pueda volar. Una pena”. Lo que sería una verdadera lástima sería dejar pasar este estreno en largo donde, según Ben y Aaron, resuenan influencias de “Sonic Youth, los primeros Cure y cosas así, además del punk de 1979 y 1980, que tiene un gran lugar en nuestros corazones. También escuchamos electrónica y música de club. Eso sin entrar en referencias chorras australianas Midnight Oil y Cold Chisel, que también las hay”. Aunque a España no llegó con demasiada fuerza, hubo un gran revuelo con el primer single del disco, “Less unless”, una ración anfetamínica de guitarras y beats enmarañados que marcan el camino por el transcurre el resto del álbum. “Hemos intentado hacer un disco interesante y tridimensional. La reacción en la blogosfera ha sido realmente entusiasta, aunque quizá algo menos que con nuestros primeros singles. Supongo que porque ya no somos estricta novedad. En cualquier caso, esperamos haber hecho ese tipo de trabajo que se queda en tus oídos por un tiempo y te absorbe dentro de una larga y turbulenta historia de amor”. Aprovecho que se me acaban las líneas para pedir perdón a The Box por haberme referido a Civil Civic como dúo, y es que este ente a medio camino entre el pad de batería y robot con espectáculo de luces no sólo es un miembro más de la banda, sino que es prácticamente su frontman (o frontthing, para ser más precisos). “Toma la mayoría de las decisiones importantes sobre nuestro sonido y nuestro look y sobre con qué modelos y celebrities deberíamos dejarnos ver. No sé qué haríamos sin él”. Virginia Arroyo


014/015

agenda festivales

agenda festivales , GO MAG ICIAL F O A REVIST 2012 R A N Ó DE S

SÓNAR

FESTIVAL INTERNACIONAL DE BENICÀSSIM

14, 15 Y 16 DE JUNIO (BARCELONA) CCCB, MACBA Y FIRA GRAN VÍA (M2) ABONO GENERAL: 155 €. ENTRADA 2 NOCHES: 100 €. ENTRADA DÍA: 39 €. ENTRADA NOCHE: 60 €. WWW.SONAR.ES

DEL 12 AL 15 DE JULIO (BENICÀSSIM, CASTELLÓN) (HASTA EL 19 DE MAYO): ABONO (3 DÍAS): 145 €. ABONO (4 DÍAS): 165 €. PASE VIP: 325 €. INCLUYE ZONA DE ACAMPADA GRATUITA WWW.FIBERFIB.COM

Cartel... Die Antwoord (en la foto), New Order, Lana Del Rey, The Roots, James Blake, Fat-

Cartel... The Stone Roses (en la foto), New Order, Bob Dylan, De La Soul, David Guetta,

boy Slim, James Murphy, Hot Chip, Amon Tobin, Friendly Fires, Nicolas Jaar, deadmau5, Squarepusher, Richie Hawtin, Azari & III, Untold, The 2 Bears, Masaki Batoh, Pegasvs, Daniel Miller, Totally Enormous Extinct Dinosaurs, Ricardo Donoso, Pretty Lights, Keys N Krates, Daedelus, Cornelius, DJ Harvey, Alva Noto & Byetone, Jacques Lu Cont, John Talabot, Luciano, Laurent Garnier...

Florence & The Machine, Noel Gallagher’s High Flying Birds, At The Drive-In, Dizzee Rascal, Agoria, Bat For Lashes, Bombay Bicycle Club, Crystal Castles, The Horrors, Buzzcocks, Katy B, La Casa Azul, The Vaccines, Yuksek, Pony Bravo, The Maccabees, Ed Sheeran, Chase & Status, Dave Clarke, Jero Romero, Kurt Vile & The Violators, Klaus & Kinski, Miles Kane, The New Raemon, Robyn Hitchcock...

FARADAY

MONEGROS DESERT FESTIVAL

CREAMFIELDS ANDALUCÍA

SANTANDER MUSIC

DEL 29 DE JUNIO AL 1 DE JULIO (VILANOVA I LA GELTRÚ) MOLÍ DE MAR, PLATJA DEL FAR ABONO: 60 € WWW.FARADAY.TV

21 DE JULIO (FRAGA) DESIERTO DE LOS MONEGROS ABONOS: 70 € WWW.MONEGROSFESTIVAL.COM

10 Y 11 DE AGOSTO (JEREZ DE LA FRONTERA) CIRCUITO DE VELOCIDAD ABONO: 50 € WWW.CREAMFIELDS-ANDALUCIA.COM

2, 3 Y 4 DE AGOSTO (SANTANDER) CAMPA DE LA MAGDALENA ABONO: 40 €. WWW.SANTANDERMUSIC.COM

Cartel... Frida Hyvönen (en la foto), Josh Rouse, Love Of Lesbian, The Montgolfier Brothers, Bowerbirds, La Casa Azul, Pegasvs, Fasenuova, Fred i Son, Sènior i El Cor Brutal, Joaquín Pasqual, La Estrella de David, Nu Niles, Ginferno, Mates Mates, Ainara Legardon...

Cartel... Wu-Tang Clan (en la foto), Violadores del Verso, Richie Hawtin, 2 Many DJs, The Prodigy, The Bloody Beetroots, South Central, Unver vs. Mendo, Caspa & Rod Azlan, Ben Sims, Loco Dice, Luciano, Marco Carola, Paco Osuna, Pet Trio, Swan Fyahbwoy...

Cartel... Yuksek (en la foto), The Chemical Brothers, Orbital, Carl Craig, Flying Lotus, Diplo, James Holden, Nathan Fake, For Tet & Caribou, Miss Kittin, Fangoria, DJ Hell, Tiësto, Steve Aoki, Magda, Dorian, Foreign Beggars...

Cartel... La Casa Azul (en la foto), !!!, Lori Meyers, Delorentos, Sidonie, Love Of Lesbian, Zombie Kids...

CONTEMPOPRANEA 19, 20 Y 21 DE JULIO (ALBURQUERQUE, BADAJOZ) ABONO: 60 €. ENTRADA 1 DÍA: 45 €. WWW.CONTEMPOPRANEA.COM

Cartel... Sidonie, Amaral, Niños Mutantes, Dorian, La Habitación Roja, La Casa Azul, Sr. Chinarro, We Are Standard, Maga, Klaus & Kinski, Odio París, Chinese Christmas Cards, Ruidoblanco, The Wish, Cooper, Ellos, Reina Republicana, Rusos Blancos...

POPARB 29 Y 30 DE JUNIO (ARBÚCIES, GIRONA) ABONO: 50 €. WWW.POPARB.CAT

BILBAO BBK LIVE

DÍA DE LA MÚSICA

DCODE FESTIVAL

DEL 12 AL 14 DE JULIO (BILBAO) PARQUE DE KOBETAMENDI ABONO: 105 €. ENTRADA 1 DÍA: 55 € WWW.BILBAOBBKLIVE.COM

22 Y 23 DE JUNIO (MADRID) MATADERO MADRID ABONO: 63 €. ENTRADA 1 DÍA: 38 € WWW.DIADELAMUSICA.COM

14 Y 15 DE SEPTIEMBRE (MADRID) UNIVERSIDAD COMPLUTENSE DE MADRID ABONO: 80 € WWW.DCODEFEST.COM

Cartel... Radiohead (en la foto), The Cure, Garbage, Bloc Party, Four Tet, Jon Spencer Blues Explosion, The Kooks, Snow Patrol, Glasvegas, Vetusta Morla, Mumford & Sons, Ben Howard, The Maccabees, Enter Shitaki...

Cartel... Metronomy (en la foto), Fanfarlo, St. Vincent, Tindersticks, James Blake, Mercury Rev performs “Deserter Songs”, The Raveonettes, Lee Fields & The Expressions, Apparat, Love Of Lesbian...

Cartel... The Killers (en la foto), Sigur Rós, Justice, The Kooks, dEUS, Lüger, Triángulo de Amor Bizarro, The Shoes, Supersubmarina, Napoleón Solo, Le Traste....

Cartel... Sidonie, Love Of Lesbian, Manos de Topo, Litoral, Arthur Caravan, Biscuit...

PALMFEST 26 Y 29 DE JULIO (TARRAGONA) L’HOSPITALET DE L’INFANT ABONO: 25 €. WWW.PALMFEST.ES

Cartel... We Have Band, Wolfgang Flür, Klaus & Kinski, Bigott, Doble Pletina...


recomendados mayo / junio 2011 SOS 4.8 Estrella Levante

Different class

Los días 4 y 5 de mayo se celebra en Murcia la quinta edición del festival Estrella Levante SOS 4.8. Hace unos meses, el festival daba la campanada con el fichaje de Pulp, que vuelven a España con la formación completa tras su sonada actuación en el pasado Primavera Sound. Éste será el único concierto de la banda por nuestras tierras en 2012. Además del legendario grupo de Sheffield, el festival contará con otras viejas glorias como Mogwai, The Magnetic Fields, The Flaming Lips o Matthew Herbert. El plantel internacional se completa con Gossip, CSS, Buraka Som Sistema, Delorentos, Friendly Fires, Simian Mobile Disco DJ Set, The Kills y Yuck, entre otros. En el apartado nacional destacan La Casa Azul, Antònia Font, Kiko Veneno, Nacho Vegas, Klaus & Kinski, Love Of Lesbian, Maika Makovski o Pional. www.sos48.com

Björk

Concierto único en Cidade da Cultura La plaza exterior de la Cidade da Cultura, en Santiago de Compostela, acogerá el próximo 22 de junio el que será el único concierto en solitario que la artista ofrecerá en la gira española de presentación de su último disco “Biophilia”, considerado por la crítica como uno de sus trabajos más ambiciosos. El complejo situado en el monte Gaiás se estrena, así, como escenario de grandes conciertos internacionales de primero nivel con la actuación de una de las grandes referencias de la música contemporánea de los últimos veinte años. Björk creará una experiencia sensorial para la presentación de “Biophilia”, una ambiciosa obra conceptual que trasciende el formato clásico. En este octavo disco, la artista desarrolla una temática global en la que fusiona distintos campos como la ciencia, la ecología o las nuevas tecnologías con instrumentos hechos a medida, siempre en la búsqueda continua de sonidos más vanguardistas. El proyecto se inspira en la exploración de las relaciones entre las estructuras musicales e los fenómenos naturales, desde el átomo al cosmos, demostrando su amor por la vida con un mensaje optimista. Conocida por ser una artista que elige con mucho cuidado los lugares donde ofrece sus actuaciones, Björk será uno de los platos fuertes de la programación que la Cidade da Cultura de Galicia ha diseñado para este año. Una programación que pretende, por una parte, abrir el complejo del Gaiás como espacio para la proyección de los artistas y creadores gallegos, pero también como un lugar abierto al mundo, donde los gallegos puedan disfrutar de los mejores artistas internacionales.

Territorios Sevilla

Privilegio de festival

La decimoquinta edición del Festival Territorios Sevilla se celebrará los días 18 y 19 de mayo en la sede del Centro Andaluz de Arte Contemporáneo del Monasterio de la Cartuja. Tricky interpretando “Maxinquaye” o el DJ Set de Junior Boys son las últimas incorporaciones a una edición que ya contaba con grandes atractivos como Iggy & The Stooges, !!!, Tiga, Buraka Som Sistema, Tortoise, Mission Of Burma, Mad Professor, los pioneros del ambient The Orb y el dúo de DJs fiestero por excelencia, Basement Jaxx. Además, el festival andaluz también contará con una nutrida presencia nacional encabezada por Amaral, Kiko Veneno, Los Enemigos, Lori Meyers, Pájaro, Love Of Lesbian, Marina Gallardo, Falsalarma, SFDK, Guadalupe Plata, Supersubmarina, Maga o The Zombie Kids. www.territoriossevilla.com

La Plaça Odissea Gratis y al aire libre

El festival La Plaça Odissea celebrará su sexta edición esta primavera cambiando sus fechas habituales por el jueves 10, viernes 11 y sábado 12 de mayo. Lo que no cambia es que, como siempre, será gratis y al aire libre en la Plaza Odissea del centro Maremagnum de Barcelona. En esta ocasión, el veterano festival barcelonés contará con Mäximo Park (en la foto) y FM Belfast como grandes nombres internacionales. Dos fichajes que seguro que la lían parda sobre el escenario, entre los saltos imposibles de Paul Smith y la invitación al baile de los islandeses FM Belfast. El resto de confirmaciones hasta la fecha no se quedan atrás: Manos de Topo, Nudozurdo, Klaus & Kinski, Jonston, Pegasvs, The Last Dandies, Cloud Nothings y el plato fuerte del jueves, Antònia Font. www.maremagnum.es/laplazaodissea2012


016/017

report San Miguel Primavera Sound 12

SAN MIGUEL PRIMAVERA SOUND 12 Dirán lo que quieran de las horas de luz, del calor y de que la sangre altera, pero lo mejor de la primavera es, sin duda, el San Miguel Primavera Sound. La duodécima edición del festival primaveral por excelencia vuelve a Barcelona tan radiante como siempre. Este año se celebrará del 31 de mayo al 3 de junio, repitiendo por tercer año consecutivo con el patrocinio de San Miguel.

T

ambién repetirá la distribución de espacios del año pasado, con nada más y nada menos que ocho escenarios. Por ellos pasará lo más granado del panorama musical nacional e internacional, abarcando desde bandas indie de calado más popular hasta auténticas leyendas reunificadas, pasando por artistas de gran diversidad estilística: pop, rock, folk, electrónica, hip hop, garage, dream-pop, chillwave, dubstep, techno, house e incluso heavy metal y derivados. Como lo leen, hace unos meses la organización del festival sorprendía a propios y extraños con una hornada de confirmaciones de un género hasta ahora inédito en el Primavera, con nombres como Harvey Milk, Melvins, Orthodox, Liturgy, Sleep, Wolves In The Throne Room, Mayhem o Napalm Death. Para tranquilidad de los adeptos al Primavera Sound más tradicional, el resto de nombres casan con la histórica mezcla de indie actual, estrellas legendarias y algo de electrónica, con Franz Ferdinand, The Cure, Mazzy Star, Dominique A, Death Cab For Cutie, Björk, M83, The XX, Rebolledo, Rufus Wainwright, Veronica Falls o Grimes, en una lista que abarca más de 170 nombres, sin duda el festival con mayor oferta musical del país. Y lo mejor de todo es que, como siempre, San Miguel Primavera Sound no se limita a ofrecernos tres días de conciertazos prácticamente non-stop, sino que llena los días anteriores y posteriores de musicón para ofrecer una semana redonda. Y es que esta edición se estira hasta los siete días. El lunes 28 de mayo, la promotora Heart of Gold presenta un showcase con James Hunter y Lisa & The Lips en la Sala Apolo, donde al día siguiente tendrá lugar uno de los showcases más esperados: el del sello Memphis Industries con Dutch Uncles, Elephant, The Go! Team DJs y Hooray For Earth. El mismo día, La [2] de Apolo acogerá el showcase de la discográfica catalana Famèlic con L’Hereu Escampa, Mates Mates y Ohios. Será el miércoles día 30 cuando La [2] acoja a uno de los nombres patrios más interesantes y número uno nacional de esta casa en 2011, Santiago Latorre, además de la actuación de Void Ov Voices. Mientras tanto, en la sala grande de Apolo, la gran revelación de 2012, Kindness, suplirá la lamentable caída del cartel del dúo

Tennis, y lo hará acompañado de Beach Fossils y Chairlift. Y cuando finalice el Festival, el San Miguel Primavera Sound todavía sigue, porque el domingo 3 de junio estarán The Black Lips ofreciendo un directo y un DJ set en la Sala Apolo, y en La [2] The Kings Of Convenience vendrán también con doble espectáculo con su B-sides show y sesión DJ. Además, San Miguel Primavera Sound A La Ciutat complementa su programación de conciertos gratuitos con una serie de directos al aire libre en el Arc de Triomf: Black Lips, Jeremy Jay, No More Lies, Saint Étienne y The Wedding Present (tocando “Seamonsters”) el miércoles 30 de mayo, y Joe Crepúsculo, Lorena Álvarez y Su Banda Municipal, Nacho Vegas, Richard Hawley y Yann Tiersen el domingo 3 de junio. SAN MIGUEL PRIMAVERA ALS BARS Un año más vuelve San Miguel Primavera als Bars, llevando la esencia del San Miguel Primavera Sound durante las semanas previas al festival a locales del centro de la ciudad donde poder disfrutar de directos de pequeño formato más cercanos. Por otro lado, el San Miguel Primavera Sound quiere ser mucho más que un festival de música, y convertirse en un medio a través del cual relacionarse con gente con gustos musicales afines. Para este propósito han creado el microsite web (también disponible para móvil) Face Dancers, que permite al asistente elaborar excels con los slots de programación que más le interesan, compartir estos horarios personalizados y conocer a otras personas que vayan a asistir a los mismos conciertos. Este microsite se alojará en www.sanmiguelprimaverasound.es a partir del 3 de mayo y si te registras podrás entrar en el sorteo de tres abonos VIP dobles. o www.sanmiguelprimaverasound.es o www.sanmiguel.com o www.primaverasound.sanmiguel.es


Texto Fotos

Virginia Arroyo Dani Cantó y Èric Pàmies

NUESTRAS RECOMENDACIONES AraabMUZIK Si no han visto vídeos de los directos de Abraham Orellana háganse el favor de buscar uno rápidamente y sobrarán las palabras. El chileno es una auténtica máquina de hacer beats que fluctúan entre el trance y el hip hop. KINDNESS De la dignificación del saxo ochentero que hicieron M83 y The Rapture el pasado año pocos han sacado tanto provecho como Adam Bainbridge aka Kindness. Con su debut en largo, este joven pasa de los que lo quieren encasillar en el chillwave y se casca esplendorosos números funky, soul, r’n’b y new wave. CHROMATICS Desde el post-punk al italo-disco, Chromatics han pasado por un sinfín de géneros. Tras ponerse en boca de todos gracias a la inclusión de “Tick of the clock” en la película “Drive”, el cuarteto de Oregón homenajea al pop de los 80 y a Vangelis con su nuevo trabajo, “Kill for love”. Una de las bandas más esperadas del año. JOHN TALABOT Erigido como una de nuestras figuras más internacionales en el panorama electrónico internacional, John Talabot tendrá que demostrar que sus actuaciones tienen tantos kilates como su álbum, posiblemente el mejor disco nacional de 2012. GRIMES Fan de Mariah Carey, Michael Jackson, Burial, Aphex Twin y Enya a partes iguales, en “Visions” Claire Boucher introduce luz electropop a las atmósferas opresivas que la vieron nacer. Y encima tiene un directo divertidísmo. REBOLLEDO El artista más ‘guerrero’ del festival viene a romper todos los moldes preconcebidos de lo que el techno debería ser. Prepárense para un directo de lo más cachondo y desprejuiciado porque Mauricio Rebolledo está aquí para divertirse. THE RAPTURE La noche del viernes 1 de junio, desde cualquier punto del Parc del Fòrum podrá oírse a miles de personas coreando el estribillo del “How deep is your love”, elevada ya a himno contemporáneo y elegida mejor canción de 2011 por Go Mag.

The Weeknd Si habían perdido la fe en el R’n’B por culpa de sus azucaradas versiones mainstream, amigos, es hora de que vuelvan a creer. Cojan “House of balloons”, “Thursday” o “Echoes of silence”: cualquiera de estas tres mixtapes les devolverán la iluminación vía r’n’b de pura cepa.


020/021 018/019

en report portada Chromatics Django Django

EN BUSCA DE LO INALCANZABLE

CHROMATICS Pop ochentero, lo-fi, noise, post-punk, italodisco y reverencias a su héroe de todos los tiempos, Vangelis. El currículum de Chromatics presenta una paleta de colores de lo más variopinta, donde lo importante no es qué tonalidades se usan, sino cómo se mezclan con el resto y el paisaje que juntas consiguen componer. Tras cinco años de silencio y el repentino exitazo de “Tick of the clock” como banda sonora de “Drive”, el cuarteto de Portland vuelve con “Kill for love” (Italian Do it Betters, 12), un giro sonoro hacia los paisajes pop más nebulosos.

Texto

L

Virginia Arroyo

a filosofía de Chromatics se puede resumir en una de las primeras frases que leo en el largo e-mail de Johnny Jewel: “Queremos que la música se vuelva parte del entorno del oyente”. De ahí que la banda y su sonido cambien y evolucionen como un ser vivo, incluso dentro de un mismo álbum. “‘Kill for love’ empieza como un disco de pop y poco a poco se desintegra hasta convertirse en pura atmósfera. Como cualquier historia de amor verdadero, los inicios son rápidos y turbulentos pero, si resiste a la tormenta, ese amor se integrará progresivamente en el resto de tu vida, convirtiéndola en una mezcla de ambas cosas al final. Y ésa es una de las razones del retorno al pop en el último cuarto del álbum”. El “último cuarto del álbum” hace referencia nada más y nada menos que a unos 20 o 25 minutos, porque este “Kill for love” se extiende la friolera de una hora y media repartida en 17 canciones. “Para que fluyera como queríamos, en este disco era importante la duración y la combinación de tempos, atmósferas y estados de ánimo”. Por eso, pese a hallarnos ante un trabajo sonoramente “más pesado y prolongado en su conjunto, muchos de sus temas rápidos son bastante más acelerados que los temas de ‘Night drive’”. Precisamente, “Night drive” fue el álbum que los lanzó a la fama, pero no en el momento de su lanzamiento, en 2007, sino hace unos pocos meses, cuando su último track aparecía en la banda sonora de “Drive” de Nicolas Winding Refn. “Nos chocó que la película obtuviera tanta atención. A ver, a nosotros nos encantó, pero pensamos que sería como Bronson, del mismo director: popular en el mundillo underground, pero sin verdadero impacto en el radar mainstream. Así que cuando vimos la amplia aceptación que tuvo, se nos hacía raro saber que nos estábamos abriendo a un público completamente nuevo. No obstante, somos conscientes de que cuando un tema se hace famoso por una película, la mayoría de gente se queda con esa canción y ya está, supongo que porque en muchas ocasiones cuando uno indaga más allá del hit no encuentra nada interesante. Sin embargo, yo considero que ninguno de los temas de Chromatics son himnos que

vayan directos al top 40 y que si alguien escucha por casualidad un tema nuestro e investiga nuestra discografía, verá que toda está a la misma altura”. Pero, ¿podría pasarles lo mismo que a “Drive”? ¿Podrían verse irremisiblemente catapultados al estrellato con este nuevo disco? “Hombre, me sorprendería muchísimo que nuestro disco llegara a audiencias verdaderamente grandes. No me malinterpretes, creo que todo el disco es increíble, pero es un álbum raro y que requiere mucho del oyente. ‘Drive’ al menos tenía el atractivo de una celebrity de moda para ayudar a los espectadores a digerir el contenido. Pero en nuestro caso, no es así. Parece que la música popular tiende a la abreviación y ‘Kill for love’ es justo lo contrario”. Y en estos cinco años que han estado fuera de circulación, Chromatics han ido mascando ese progresivo viraje hacia una música más cinemática, menos basada en la contundencia synth-popera y más centrada en la búsqueda del paisaje sonoro, de la sensación. Cinco años en los que, al contrario de lo que muchos pensaban, no han estado haciendo otra cosa que trabajar. “Recolectar, escribir, deconstruir, grabar, mezclar, regrabar, remezclar, masterizar, editar… El nuestro es un proceso que consume mucho tiempo. Además, como no usamos ordenadores, todo tarda más tiempo. Una vez el tema está encarrilado, lo dejamos reposar unos meses. Si tiene potencial, entonces pasamos los dos siguientes años intentando que la canción encuentre su camino. El objetivo es que la versión grabada de la canción se acerque el máximo posible a la potencia original de la idea en bruto. Aunque sabemos que intentar traducir un concepto a música es tan imposible como intentar capturar la esencia de una idea en un cuadro. Nunca se puede conseguir del todo. Nuestro trabajo de estudio es básicamente nosotros intentando asir esa idea tan escurridiza. Mucha gente pasa toda una vida tratando de alcanzar algo que nunca podrán tocar y ésa es la filosofía que abraza Chromatics”. ¤ Chromatics tocarán en el San Miguel Primavera Sound el próximo sábado 2 de junio (Parc del Fòrum, Barcelona).



020/021

report Gossip

UNA INESPERADA VICTORIA

GOSSIP El 7 de mayo aparece el nuevo disco de Gossip, “A joyful noise” (Columbia, 12). El disco ha sido producido por Brian Higgins, quien ha trabajado anteriormente para grupos como Girls Aloud o Sugarbabes y, por esas cosas de la promoción, entrevistamos a Beth Ditto sin haber escuchado el álbum, así no podemos contarles demasiado al respecto. Por suerte, Ditto es, además de una fuerza de la naturaleza, una buena conversadora dispuesta a hablar de su recién destapada vena fiestera y la pérdida de su padre y, de paso, explicarnos a qué carajo suena su nuevo disco.

Texto

Joan Cabot

T

odavía no he podido escuchar el disco, sólo una canción, así que tendrás que ayudarme un poco… Bueno, mucho. ¿A qué suena “A joyful noise”? (Risas) ¿A qué suena al disco? Creo que es un trabajo adulto y maduro. También creo que nuestra forma de componer ha evolucionado. Nos sentimos muy seguros de nosotros mismos a estas alturas. Hay bastante variedad de canciones… Por supuesto, unas cuantas muy bailongas. Siento que no hayas podido escucharlo.

Vaya, siento oír eso. ¿Crees que haber cumplido 30 te ha permitido superarlo? ¿En qué más te ha afectado la edad? Bueno, definitivamente soy una persona más segura de sí misma. Eso también me ha permitido relajarme un poco más. Es divertido porque nunca he sido una fiestera, pero ahora salgo más de lo que he salido en toda mi vida. No es que me pase el día por ahí borracha, créeme, ayer estaba en la cama a las once.

A alguna gente le decepcionó el sonido sobreproducido de “Music for men”. ¿Seguís esa misma línea o recuperáis el sonido más directo y natural de “Standing in the way of control”? Supongo que la gente siempre esperará que repitamos un disco como “Standing in the way”, pero un grupo debe evolucionar y crecer. Para mí es muy importante hacer un tipo de canciones con las que me sienta cómoda en cada momento, porque al fin y al cabo estas canciones nos acompañarán el resto de nuestra vida. No me imagino componiendo canciones de las que no estuviera totalmente convencida, y preocuparme por lo que espera la gente no sería la mejor decisión.

Cuando estabais en Kill Rock Stars, ¿alguna vez imaginaste que llegaríais a este punto? ¿que Gossip llegarían a tener tanta repercusión? Nunca. A lo máximo que aspiraba cuando empecé era a conseguir estar en un grupo con el que pudiera pagar el alquiler, pero ni por asomo imaginé que nada de esto fuera posible. Verás, al menos hay un momento cada día en que me digo “joder, soy realmente afortunada”. Conozco a gente que vive día a día persiguiendo algo así, pero en nuestro caso no fue una elección, nos eligió a nosotros.

¿Hay un tema común en las canciones del álbum? Supongo que habla de superar malas situaciones, de salir adelante. Creo que si hay un tema es el de sacar algo positivo de situaciones adversas. Puede que no quieras contármelo, pero ¿hay alguna razón en particular para abordar ese tema? (Risas) Vale, vale, pero no voy a ser demasiado detallista… El motivo es haber salido de una larga relación que no fue cómo esperaba, pero comprender que en ese tiempo he crecido como persona, que tengo más confianza en mí misma. Y he cumplido 30 años. El caso es que nunca sabes qué va a suceder, hay que mantener una visión positiva de la vida, y cuando cumplí los 30 comprendí que me sentía más fuerte y confiada que nunca. Durante la grabación del álbum mi padre murió, pero fui capaz de aprender de ello y extraer una enseñanza positiva. Eso es de lo que habla el disco.

Para la mayoría de grupos con vuestra experiencia, lo más complicado es mantener viva esa energía primaria que los impulsa en los inicios, ¿crees que Gossip todavía la conserva? Sí, lo creo. Por supuesto que hay momentos en que te sientes cansado, especialmente estando de gira, pero siempre encontramos la forma de sobreponernos y recuperar esa energía. De hecho, los directos son la mejor forma de hacerlo. Es lo mejor de estar en una banda, es por lo que estamos en esto. Me preocupa menos lo que la gente piense de nuestro disco que lo que piensen de nuestros directos.

¤ Gossip tocarán en el Festival SOS 4.8 (Murcia) el próximo viernes 4 de mayo.



022/023

report Anni B Sweet

LOS ACORDES SINCEROS

ANNI B SWEET “Start, restart, undo” (09) se engalanaba de ternura e inocencia mientras recorría los preciosos parajes del folk-pop de espíritu naíf. Cargado de virtudes mostró también pequeñas limitaciones totalmente reversibles como demuestra a la perfección “Oh, monsters!” (Subterfuge, 12). El segundo trabajo de Ana López es una apuesta mucho más valiente y comprometida, donde se multiplica la aparición de nuevos matices estilísticos. Una entrega sobresaliente henchida de emoción y franqueza a partes iguales.

Texto Foto

David Giménez Alberto Von Stokumm

“C

uanto más tiempo pasa, más cariño le cojo. Sobre todo al pensar cómo fue grabado y de qué tratan las canciones. Me recuerda mucho al tiempo en el que estaba realmente enamorada y sólo podía hablar de aquello tan bonito y a la vez triste (porque estaba llegando a un fin). No he vuelto a sentir nada parecido hacia alguien”. De la noche a la mañana la malagueña recibió multitud de atenciones por parte de la prensa especializada y, de manera progresiva, fue alcanzando una popularidad que llevó a su discográfica a reeditar su primer trabajo y a ella a actuar en diferentes países del mundo. “Dylan dijo que un hombre tiene éxito si se levanta por la mañana, se va a dormir por la noche y entre medias hace lo que quiere. Para mí ha sido así desde que entré en este mundo de doble cara. Lo que más me importa y he procurado cuidar es el sentimiento que siempre he tenido hacia la música. Al echar la vista atrás me emociona pensar en lo ocurrido, en lo afortunada que soy de estar haciendo lo que me gusta y tener gente que lo apoya. Al acabar el primer álbum empecé con nuevas canciones. Tenía menos tiempo. Componía en aviones, hoteles, durante las pruebas de sonido o a altas horas de la noche. Cuando quieres y necesitas contar algo siempre hay tiempo para hacerlo”. Como aquél, esta nueva entrega discográfica es un fragmento del diario personal de la artista, unos pasajes donde se vislumbran claroscuros, fragilidad y fuerza. “Lo veo como el día después de una gran tormenta. Escribí sobre todo lo que me daba miedo. He pasado tiempo sola, con mucho caos y confusión, cambios de humor extremos y días muy oscuros en los que parecía que sólo había nubes y lluvia aún estando a 30 grados en pleno verano. Varias fases y cambios que quedan bastante reflejados en el estilo de cada canción: unas acústicas, otras eléctricas, atmosféricas, con toques electrónicos o algún momento fronterizo. He experimentado con nuevos sonidos. Son canciones más elaboradas, con estructuras y arreglos más libres. El momento de

la grabación fue un desahogo. Cuando acabé me quedé muy tranquila. Ahora parece que viene la calma”. En el disco conviven dos grupos de canciones que bien podrían entenderse como las piezas de un mismo puzzle. Sigue mostrando un lado intimista y luminoso, a pesar de la fuerte carga de melancolía, pero ahora lo hace compartiéndolo junto a sonoridades más rockeras, intensas, oscuras y rítmicas. “Hay más de intimismo en mí que de intensidad y rock. Existen dos momentos muy diferentes, cuando tocas fondo y te hallas sola y débil, y el de sentirte con fuerzas para lograr que todo vaya a mejor, aunque aún envuelta de esa oscuridad que te invade. Son dos situaciones por las que he pasado. Como una constante lucha contra algo que tú mismo sientes y supones que debes controlar. De ahí las diferentes caras que se pueden percibir en este disco”. “Oh, Monsters!”, además, muestra nuevas vías interpretativas a nivel vocal. Nuevos caminos tomados que enriquecen y engrandecen a la artista como cantante. “Me he sentido mucho más pequeña dentro de estas nuevas canciones con mucha más instrumentación. La música me envolvía y sentía mi voz como algo que surgía y atravesaba todas aquellas atmósferas y sonidos. Aunque los temas habían sido creados desde mi soledad, preferí que la voz estuviese acompañada e intentar que cada canción tuviese lo que pedía sin miedo a que cada una sonase diferente”. El peso temático del disco se centra en la despedida, el desengaño, el desamor, la incertidumbre. Pequeños monstruos que, alimentados por las derrotas y las ausencias, nos devoran desde dentro. “¡Exacto! Los monstruos son todo eso. Algunos siguen ahí, otros aparentemente no, pero se han transformado en otra cosa. Todos los temas hablan de eso, pero no todos implican a una segunda persona tanto como a unos sentimientos o situaciones. Lo que genera mis mayores miedos es el paso del tiempo. Se lleva consigo muchas cosas por delante y construye otras que no siempre son mejores que las anteriores”.



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en portada Beach House

BEACH HOUSE AFTERLIFE CORE

Texto Foto

Luis Meyer Lyz Flyntz

No intentes descifrar el titular, porque es el resultado de una promesa surgida durante esta entrevista. Ahí arriba hubiera encajado mejor algo tipo “Cambiar las cosas para que nada cambie”. Un axioma manido que le va al pelo a “Bloom”, lo último de Beach House, un disco que sin duda los mantendrá en la exitosa senda que iniciaran hace siete años y que confirma al dúo de Baltimore como los reyes del pop letárgico y contemplativo. Escuchar los diez cortes del álbum es una experiencia similar a la que uno vivía con su anterior disco, “Teen dream”, a saber: rebaja tus pulsaciones, te inunda de una extraña mezcla de bienestar y desasosiego y genera a tu alrededor un ambiente tenue, de luz indirecta, que invita a la ensoñación. ¿Qué cambia, entonces? Algo tan difícilmente explicable como el peso de las canciones, que ganan unos cuantos kilos. Victoria Legrand y Alex Scally se hacen mayores, maduran y se vuelven más complejos y maniáticos, igual que su música. Por eso nada cambia, aparentemente, para quienes envejecemos a su ritmo.



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en portada Beach House


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ueve semanas. Es lo que tardaron Victoria Legrand y Alex Scally, pareja musical de hecho, en componer su último disco a caballo entre los camerinos, las furgonetas y los aviones que los llevaban de un lado a otro del planeta. Fue durante la gira de “Teen dream” (Bella Union-Sub Pop, 10), un tercer álbum de confirmación que los situó bastante cerca del calificativo ‘de culto’, la sublimación para su fórmula a base de temas delicados y paisajísticos que invitan a la contemplación y el embeleso. Su cuarto disco, “Bloom” (Bella Union / Coop, 12), verá la luz a mediados de este mes, y no tiene afán rupturista: allí siguen los repiqueteos luminosos de guitarra y los mantos a base de teclados, las bases rítmicas sutiles y cadenciosas y, sobre todo, la voz de Victoria, sentida y personal, agridulce, embriagadora. Todo eso está allí, como siempre, y a la vez como nunca. La sensación general después de escuchar el disco unas cuantas veces (porque éste es un disco fundamentalmente de eso, de sensaciones) es que la inmediatez de trabajos anteriores desaparece levemente y entre el oyente y el músico se levanta ahora una delgada pared de arreglos más meditados, menos viscerales a los que nos tenían acostumbrados. Los de Baltimore abandonan definitivamente los retazos oscuros que los situaban en el perímetro de bandas como Blouse o Broadcast y se aproximan ahora al legado de Cocteau Twins, con composiciones más digeribles. ¿Debe interpretarse esto como una pérdida? En absoluto. “Bloom” es posiblemente el mejor de los cuatro discos de Beach House, sólo que ahora requiere un periodo de adaptación a la nueva edad de un dúo que se ha vuelto más sofisticado. Tiran de complejidad para lograr el efecto contrario, esto es, que sus canciones lleguen con mayor facilidad, más definidas, más concretas. Incluso se atisban episodios fugaces del AOR de finales de la década de los 80 en algunos recursos (como en “Wild” o “New year”), una apreciación que, por primera vez en la entrevista, les pone nerviosos. Victoria y Alex dejan de sonreír por un momento y se toman su tiempo para responder. Por fin, ella se lanza con un tajante: “Respeto tu opinión, pero creo que te equivocas”. ¿Me dais alguna pista? (Alex) Creo que entiendo lo que dices, pero esa impresión de la que hablas no viene de que nosotros nos hayamos planteado sonar así. Nuestras canciones suenan ahora más grandes porque tienen un sonido que se expande más que antes. Y eso puede recordar a la música de los 80, que era más épica, más grandilocuente, más… dramática. Pero nosotros no hemos buscado eso, ni creo que el resultado pueda calificarse de épico. Este álbum es increíblemente orgánico porque cada canción ha surgido del simple deseo de hacer música y cuando empezábamos a componer nunca teníamos una idea clara de cómo iba a ser el sonido final. Han ido creciendo a medida que las escribíamos. Pero es muy difícil explicarlo, porque es música, al fin y al cabo. Fíjate que, cuando nos ponemos a grabar, tenemos la sensación de que no tenemos el control de hasta dónde puede llegar una canción. (Victoria) Yo creo que “Bloom” es mas rico, mas físico que los anteriores, sí, definitivamente este disco es una evolución más clara porque nuestro primer disco no era tan tangible. Veo esa evolución, o mejor dicho, la percibo, pero no logro acertar en qué. (Victoria) Las canciones llevan ahora mayores dosis de confianza, y eso se traduce en que se expanden y llegan más lejos que nunca, son más envolventes, la sensación ahora es que te rodean. Pero es tan difícil describir algo que, para nosotros, sólo tiene que ver con sensaciones, algo que surge tan de dentro… Y nuestra sensación es que ahora las canciones llegan mejor definidas, las tienes más cerca, con mayor contundencia. Tienen más presencia. La etiqueta ‘dreampop’ con la que os define Wikipedia me parece facilona. (Alex) Yo creo que los periodistas deberíais inventar nuevas etiquetas (ríe), esa está muy vista ya, tendríais que echarle más imaginación. En los años 50 era normal que se etiquetaran estilos, al fin y al cabo era una época virgen en la que

estaban surgiendo. Pero ahora, darle un nombre a lo que hace tal banda es algo mucho más complicado. Y a veces se tiende a simplificar. OK, te reto a que pongas una etiqueta a lo que hacéis. Y yo me comprometo a titular con ella esta entrevista. (Victoria) Uf, no, está un poco pasado eso de encasillar grupos, ¿no? Yo creo que ‘pop’ sería lo más correcto, al fin y al cabo lo que hacemos es difícil de ubicar en algo más concreto. (Alex) No, venga, hagámoslo. Etiquetémonos. Vamos a inventar nombres. Yo diría que hacemos… ‘spacepop’ (Victoria le mira con desaprobación). Vale, no, algo que suene mejor. Hacemos… ‘afterlife core’. ¿Afterlife core? (Alex) Sí, eso hacemos. Pon eso. (ríe) Misma discográfica y mismo productor que en “Teen dream” (Chris Coady, que ha trabajado con bandas como Yeah Yeah Yeahs o TV On The Radio) ¿Mejor lo bueno conocido…? (Victoria) Chris Coady y nosotros funcionamos perfectamente, es alguien que capta perfectamente nuestra visión. Y, como observador externo, aporta puntos de vista muy valiosos. ¿Tuvo algo que ver en el salto sonoro del anterior disco a este? (Victoria) Prácticamente, dejamos el disco terminado antes de ir al estudio. Llegamos con él grabado, y entonces Chris se dedicó a pulir sonidos, arreglos de guitarra y cosas así. Pero esa evolución de la que hablábamos al principio se había dado ya antes de ir a grabar. ¿Os ha inspirado algo diferente esta vez? (Alex) Nuestra música no surge de la inspiración por un hecho concreto, sino de las experiencias del día a día. Este disco lo compusimos durante la gira del disco anterior, así que los viajes, conocer tantos sitios en tan poco tiempo, es algo que nos influye mucho a la hora de escribir. Son las sensaciones que nos transmite todo ese movimiento, toda esa gente. ¿Qué música escuchabais durante esa gira, mientras componíais? (Victoria) Mucha. Estamos constantemente escuchando música, bandas diferentes, porque nos encanta. Pero eso no nos influye a la hora de escribir, como les puede pasar a otros. (Alex) Por lo menos, no en el aspecto formal. Sí influye lo que nos hacen sentir esas canciones que oímos en un momento determinado: tristeza, euforia, melancolía… Esas sensaciones son las que trasladamos a nuestra música. (Victoria) Cuando hacemos un álbum, lo que cogemos de otras bandas es más emocional, no tanto en el aspecto formal, no nos sale imitar, es más abstracto, es más divertido hacer nuestro propio sonido. Creo que es un territorio prohibido que hay que respetar, el de grupos que llevan años cultivando un sonido propio e intransferible… No nos gustaría sonar como esos grupos. ¿Y entre vosotros? ¿Qué te inspira él, qué te inspira ella? (Victoria) Cuando me enseña algo que ha escrito, me da energía, porque ha encontrado algo, y eso es lo que resulta inspirador. Realmente él no para de hacer cosas todos los días que me entusiasman, que me provocan, que me despiertan, que me emocionan. Y no podía ser de otra manera. Al fin y al cabo, este es nuestro cuarto disco juntos, ya… (Alex) Yo hago cosas que le inspiran y ella cosas que me inspiran a mí. Todo el rato. Es un intercambio fluido de doble sentido. Hay 20 o 30 momentos de esos en cada canción. Estaríamos siempre añadiendo arreglos, detalles, porque nunca dejan de fluir las ideas de uno y otro lado. Hasta que en un momento dado, sin hablar, ambos sabemos que ya es hora de poner punto y final, que ya tenemos el disco que queremos.


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en portada Beach House

(Victoria) Ese es un momento terrible y bello a la vez. Termina el periodo maravilloso de escribir, y empieza otra fase maravillosa, la de tocar el disco en directo. En este disco no parece que hayáis experimentado mucho, seguís fieles a vuestros instrumentos. (Alex) No hemos experimentado con instrumentos nuevos, pero sí con sonidos. En “Bloom” hay nuevas cajas de ritmos y hasta quince teclados distintos, desde uno de 20 dólares que compré en una juguetería hasta otro de 3.000 analógico de los años ochenta. Estoy constantemente acumulando teclados, no lo puedo evitar. (Victoria) Mi favorito es un viejo piano clásico de Baltimore que hemos usado. Ahora que lo pienso, deberíamos llevarlo también en los directos. Y por supuesto mi teclado Yamaha, uno que llevo usando desde el primer disco, y todavía hoy le sigo sacando sonidos nuevos.

tos… ¿Creéis aún que aquí hay sensibilidad artística? (Alex) No conocemos bien vuestra situación, pero si te diré una cosa: cuando venimos a tocar aquí, nos sentimos felices. La manera en que el público escucha nuestras canciones… Aquí sí que hay esa sensibilidad de la que hablas. (Victoria) Yo creo que hay que saber diferenciar una coyuntura política determinada, o la actuación de un gobierno, de las ganas reales de la gente por acceder a la cultura. Y en España existen, así lo hemos percibido. (Alex) La piratería no es la mejor opción, pero es preferible copiar música que de otra manera nunca llegarías a escuchar, por ejemplo, porque no te llega el dinero. Eso sí que sería terrible. (Victoria) Nosotros tenemos eso muy asumido, por eso no esperamos ganar dinero con la venta de discos, pero sí con los directos. Por eso giramos tanto.

Una vez dijisteis que Europa tiene mayor sensibilidad artística que Estados Unidos. ¿Creéis que aquí calan más vuestras canciones? (Victoria) Bueno, no recuerdo en qué contexto dijimos eso, pero sería generalizar demasiado. Pero es verdad que tocar en algunos sitios de Europa es especial.

Hablando de dinero, ¿vivís de esto? Eso es un privilegio, con la que está cayendo. (Victoria) Desde hace tres años podemos vivir sólo de la música, sí. (Alex) Pero eso es porque vivimos en Baltimore, no te creas (ríe). Allí todo es muy barato, puedes vivir con poco dinero. Si viviéramos en Nueva York, te aseguro que tendríamos que buscarnos otro empleo para poder llegar a fin de mes.

España es uno de los países donde más música se piratea, y ahora los recortes se han cebado con la cultura, no paran de cerrarse museos y salas de concier-

¤ Beach House tocarán en el San Miguel Primavera Sound el próximo sábado 2 de junio (Parc del Fòrum, Barcelona).

Beach House “Bloom” BELLA UNION / COOP

Cuatro discos y Beach House siguen haciendo esa música que apetece escuchar cuando viene el frío, cuando las chimeneas chisporrotean y las noches se pasan mejor envuelto en la manta y la voz de Victoria Legrand. La ventana sigue empañada. Mientras te acompañe “Bloom”, el frío invierno se quedará fuera, llamando silenciosamente a la puerta, aguardando paciente su momento, que no llega. Y no llegará mientras el dúo de Baltimore siga haciendo canciones, mientras sigan templando nuestro espíritu a base de pop ensoñador y atmósferas nubladas, mientras no caigan en el olvido preciosos arpegios como los que abren “Myth”, single adelanto, primer tema del disco y recordatorio de que en los lares del pop ‘indoor’ esta gente sigue siendo Dios. Pero no un Zeus que va por ahí marcando paquete y atronando con su divinidad, sino más bien un Dios a la sombra, uno de esos que no van por ahí soltando relámpagos ni enviando plagas, pero que puede curarte el alma e incluso fabricarte una nueva si la vida te la ha desgastado. Estas diez nuevas composiciones consagran a Beach House a un Olimpo al que ya se asomaron con “Teen dream”, aupado a todos los podios de lo mejor del 2010. Paradójicamente bautizado con el muy primaveral nombre de “Bloom”, el cuarto largo de Alex y Victoria es posiblemente su mejor trabajo hasta la fecha. Si te estremeciste con “Myth” y, como medio mundo, te hiciste con ella vía descarga gratuita en el mismo instante en que la postearon en su Facebook, tu vello va a seguir de punta durante los próximos sesenta minutos porque ningún tema baja el listón de “Bloom”. Todos son imprescindibles, piezas esenciales en la creación de una atmósfera que se apodera de ti y te expulsa a algún lugar que parece lejano pero en realidad está escondido en los rincones de tu caja torácica. Te hipnotizará la fantástica “Lazuli”, te mecerá suavemente “Wild”, te sentirás diminuto ante la grandeza de “Wishes” y se te inflamará el pecho con la maravillosa “The hours”, posiblemente el mejor tema del álbum junto con “Lazuli” y la archiaclamada “Myth”. Y cuando te encuentres perdido por allá dentro, Victoria te lanzará un tenue rayito de luz con su voz aterciopelada, un rayo de sol que sólo tú podrás ver y que derretirá poco a poco el rocío de las noches. Ese rayo de sol que te indica que el invierno es un estado mental y que llegará a su fin en cuanto así lo desees. Pero con discos como éste, ¿quién necesita la primavera? Virginia Arroyo



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RADIANTE AMANECER

KINDNESS

Tras su rimbombante título, una referencia al clásico de Eddie Kendricks, “World you need a change of mind” (V2 / Coop, 12) esconde uno de los debuts más interesantes de la temporada. En su primer álbum, el inglés Adam Bainbridge cruza el sonido proto-disco de Arthur Russell con el funk colorista de Prince y entrega una arrebatadora colección de temas propios y versiones imposibles producidos por el cotizado Philippe Zdar. Texto Foto

Joan Cabot Pauline Beaudemont

“N

o hay nada remotamente irónico en el disco”, asegura Adam Bainbridge al otro lado de la línea telefónica. He aquí al hombre detrás de Kindness, proyecto musical del que supimos (poco) por primera vez en 2009 gracias a una insólita versión de “Swingin’ party” de The Replacements. El motivo de mi pregunta es otra versión: “Anyone can fall in love”, de Anita Dobson, popularizada por la serie de la BBC “EastEnders”. “Es una canción preciosa, a pesar de unas arreglos realmente horribles. A eso me refiero”, dice refiriéndose a todo lo que hemos estado hablando antes de llegar a este punto de la conversación, “si la escuchas sin prejuicios, dejando de lado el esnobismo, te darás cuenta de que es una gran canción con una gran melodía. De hecho, si hay un mensaje en el disco es precisamente ese, que hay que escuchar la música pasando por encima de las preconcepciones”. Bainbridge reside actualmente entre Londres y Berlín, pero se enorgullece de su procedencia, criado en una pequeña comunidad inglesa. “Donde crecí no hay demasido que hacer y siempre me he mezclado con todo tipo de gente. Mis amigos escuchan hardcore y punk, también electrónica; aquí no puedes ser demasiado estrecho de miras. En las grandes ciudades es más fácil que acabes buscando amigos con gustos similares a los tuyos, pero donde crecí no hay donde escoger. Tienes a tus amigos de toda la vida y te mezclas con gente con unos intereses muy diferentes a los tuyos. Ese tipo de mezcla ha sido una influencia, definitivamente, porque te obliga a escuchar música de forma más desprejuiciada”. Otra de sus grandes influencias fue su familia. De hecho, su padre fue DJ en España. “Solía pinchar en la costa catalana a mediados de los 70 y siempre me cuenta historias sobre aquello, como pinchaban discos sin percusión alguna y la gente se quedaba tirada toda la noche escuchando la música”. Algo de ese espíritu laxo y pausado se ha colado en su propia forma de componer, —“suelo escribir cuando vuelvo de alguna sesión como DJ; estoy agotado pero a la vez es un momento de inspiración”, añade— lo que quizás explique, además de la pereza de los periodistas musicales y bloggers en general, su inicial asociación con el movimiento chillwave. Y si bien Arthur Russell y el sonido de

los pioneros de la música disco puede ser un punto en común entre Bainbridge y otros artistas vinculados a esa corriente, en el caso de Kindness aborda la música de los 80 sin ningún tipo de tabú, contando entre sus influencias más evidentes a artistas como Prince o Babyface. Bainbridge, vuelve a explicarlo desde las limitaciones impuestas por la falta de recursos, algo que también ha afectado al tipo de sonido de Kindness. “Aquí ni siquiera puedo conseguir instrumentos de verdad. En Londres tendría sintetizadores auténticos, aquí debo comprarlos por correo, en el mismo catálogo de venta en el que mi madre se compra los trastos para el jardín o los juguetes de los niños. Si hubiera tenido los medios, es probable que hiciera años que ya habría grabado mi primer disco, pero la espera me ha servido para crecer como persona y como músico. Ahora tengo 29 años y una idea mucho más clara de qué tipo de disco quería hacer. Crecer en un pueblo pequeño te obliga a usar tu imaginación. La ética punk del DIY está mucho más extendida fuera de las grandes ciudades. La gente está obligada a buscarse la vida, montar sus propias fiestas, ser autónoma, porque no hay una oferta muy rica que digamos”. Bainbridge se ha resarcido de ese pasado de escasez contando con Philippe Zdar (Cassius) para co-producir su primer álbum, quien ha conseguido conservar el espíritu de unas canciones que encajan mejor en la soledad del dormitorio que entre multitudes. “Mientras estábamos grabando el disco, vino Kanye West al estudio a grabar”, suelta Adam. “Tuvimos que parar durante una semana, pero ahí estaban sus pistas cuando volvimos y me encantó poder fisgonear un poco su forma de tratar los sonidos”. Hay algo de infantil en su forma de contar esa anécdota, una emoción simple y pura, de fan. Y suena completamente sincero cuando me repite que, “el sonido del disco no es una pose, no se trata de sonar loco porque sí. Este es un trabajo muy honesto y sincero en todos los sentidos”. Y yo le creo. ¤ Kindness tocará en el San Miguel Primavera Sound el próximo jueves 31 de mayo (Parc del Fòrum, Barcelona).



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report Spiritualized

SPIRITUALIZED EXISTIR TODAVÍA Texto Foto

Albert Fernández Steve Gullick

A la vuelta de una esquina rota de la primavera, la muerte se nos puede aparecer por sorpresa, para subrayarlo todo. En la vida de Jason Pierce, cada fragmento volvió a cobrar significado cuando todo parecía roto del todo. "Sweet heart, sweet light " es el nuevo regreso inesperado de Spiritualized, un disco henchido de vida, obstinado en sus melodías, cuyas canciones de pop intenso y unidireccional miran hacia el cielo, pero nunca pierden pie. Se acabo aquello de flotar y flotar en el espacio. Ladys and gentlemen, we're back to the ground.


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ara Jason "Spaceman 3", la música siempre fue la terapia Ahora se ha convertido por fin en la cura. El controvertido Sr. Pierce ha nacido de nuevo con el pulso de unas canciones que funcionan como herramientas vitales, a modo de un nuevo trampolín hacia la existencia para alguien que ha sido demasiadas veces dado por muerto. Las canciones de "Sweet heart, sweet light " (Double Six / Pias, 12) recorren ese momento crucial en el que el artista debe dejar todo lo que le hacía ‘sentir vivo’ cuando era joven, para empezar a vivir ahora que ya no lo es tanto. La felicidad de haber dado con esa nueva luz, ese eterno recomenzar de su historia, se traduce en un disco glorioso, con canciones tan bellas como "Little girl" o "So long you pretty thing"; canciones tan bellas que no se pueden contar, sólo se pueden escuchar, vivirlas. Al teléfono, Jason titubea antes de decir una cosa u otra, tartamudea, pero actúa siempre con honestidad, se reconoce frágil y responde simplemente lo primero que aflora en su alma. Larga vida a Spiritualized. Antes de nada, debo decirte que estás hablando con la misma persona que te entrevistó hace cuatro años, cuando se editó "Songs in A & E" (V2, 08). He de decir además que, por como te vi entonces, me parece genial poder volver a hablar contigo. En aquel momento, antes de salir aquel disco, habías experimentado un trauma personal, pues padeciste una doble neumonía que te tuvo un tiempo en el hospital y casi acaba con tu vida. Antes de aquella grabación, pasaste meses conectado a unas máquinas que te mantenían con vida. Así que, escuchando "Sweet heart, sweet light " por primera vez, me preguntaba si estas canciones están marcadas por un momento vital radicalmente opuesto, porque desde luego suenan de otra manera: son abiertas, radiantes, esperanzadoras... Después de ponerme bien, vi muy claro que toda aquella situación de "accidente y emergencia" había quedado realmente reflejada en las canciones. Tras acabar aquel disco, me di cuenta de que tengo límites, que tendría que pagar un alto coste y debería afrontar un tratamiento horrible. La droga me quitó un año y medio, y no quería tener que empaquetar mi vida antes de hora. Así que pensé que lo mejor sería tomar las riendas de un nuevo disco al tiempo que hacía lo propio con la droga. Consideré que hacer un disco pop, como es "Sweet heart, sweet light ", volvería las cosas más fáciles para mí; no estaría tratando de lanzarme a nuevas áreas maravillosas de psicodelia, sino que simplemente haría canciones pop. Ha sido el disco más difícil que he hecho nunca. Antes solía... Nunca antes... había estado tan sobrio. No puedo usar drogas, no puedo beber. Aunque debo llenar mi cuerpo con ese terrible tratamiento; pero no me quejo, estoy encantado de que se haya acabado todo. Lo he dejado, y he acabado el disco. Ni siquiera puedo escucharlo, porque ha sido todo demasiado difícil para mí. Ahora sólo quiero volver a la carretera, dejar de aburrirme. Realmente anhelo volver a todo eso de nuevo. Volver a las giras y tocar estas canciones sobre las tablas será otra experiencia relevante, dado que te cuesta escucharlas. ¿Hacerlas sonar en directo supondrá un nuevo bautismo de fuego? ¡Sí! No me gusta hacer discos, esa es la verdad. La única razón por la que los grabo, es porque son la única manera de volver a la carretera y empezar a tocar. Cuando finalicé esta colección de canciones, empecé a escuchar de nuevo música de otra gente, y pronto me sobrevino la ansiedad del directo. Cuando grabas, tratas de capturar un momento y llevarlo a la eternidad. Cuando tocas en un concierto, la música te sobrevuela, no tratas de agarrar nada, sólo la llevas a los terrenos más sorprendentes, te entregas a ella y la entregas a los demás. Con la primera canción del disco, "Huh" esa intro instrumental, se tiene la sensación de asistir a un parto, un nacimiento. Ese sonido tierno, de banda sonora, es como un recién nacido. Algo así pasa también con el resto del álbum, porque todas estas canciones se presentan desnudas. Hay una línea melódica que se sigue de principio a fin, añadiendo capas con el crecimiento de cada canción. He intentado escribir algo que tuviera mucho que ver con la melodía y la harmonía, algo que fuera además fácil para quien escucha. Estas canciones no son difíciles de entender, no cuesta entrar en ellas. Mucha de la música de ahora, mucho del rock'n'roll que adoro consiste en mirar atrás. No sólo los músicos, sino incluso los fans, todo el mundo mira atrás para dar con los buenos momentos. Pasa mucho con las nuevas bandas. Quería hacer algo que mirara hacia adelante, música grande y nueva. Necesitaba esa exposición, no quería esconderme tras un muro de distorsión, tenía que ser muy abierto y desnudo. Además, en el disco se percibe con claridad cada instrumento, amplificado o no, y tu voz no está tratada. No hay atmósfera, solamente rock. Todos los grandes momentos del rock son de alguna manera sencillos. Hay discos hermosos que no están hechos con grandes medios, ni tratan de alcanzar las estrellas, pero poseen canciones formidables. Son la clase de discos que puedes escuchar en cualquier momento, a primera hora de la mañana, cuando vas en coche... No tienes que prepararte para la música, no se requiere un cierto estado de ánimo. Simplemente pones el disco y todo cobra sentido inmediatamente. Parece que no es eres un gran fan de los radio edits. Toda la vida has hecho canciones larguísimas. Nada de eso ha cambiado: el primer single del disco, "Hey Jane", dura ocho minutos y medio, y su vídeo unos diez, es como un cortometraje. ¿Alguien te ha presionado alguna vez, te ha dicho "vamos, Jason, ¡haz canciones más cortas!"? Esta

vez he intentado hacer canciones más cortas, para encajar con el concepto pop, pero tenía demasiadas ideas. En cuanto descartaba algo, se me ocurrían diez cosas más. Cuando tocas un acorde en el piano, puedes tocarlo mucho tiempo y de muchas maneras. Puedes tocarlo más alto, y luego añadir otro instrumento. Quería mantenerme fiel a cada sonido, hacerlo crecer. Así funciona este disco. Con todo, "Hey Jane" es algo así como el single perfecto. Es la canción más rápida en medio de una marea de medios tiempos electrificados. Tiene esos coros femeninos al final, la melodía que se mantiene y crece y, como todos los cortes del álbum, parece dirigirse hacia la cumbre, hacia el cielo. ¿Sientes que las canciones deben trasmitir eso, que van siempre hacia arriba? A veces me gustaría grabar las cosas y dejarlas estar, pero no puedo hacer eso, no me gusta hacer discos así. Me gusta empujar, y llevar las canciones a diferentes estados, hasta que las canciones alcanzan su vuelo natural. Se trata de que no se hagan pedazos en el aire, de que siempre aterricen sanas y salvas. La diferencia entre los grandes discos y los malos es realmente ligera, puede ser un exceso de producción, o una reverb en la voz... Es fácil darse cuenta de que estas canciones acogen grandes historias. "Hey Jane" usa ese nombre, Jane, que se ha vuelto icónico en la historia del rock: "Jane says", de Jane's Addiction, o "Sweet Jane", de la Velvet. Cuando la escuchas, piensas en una persona con problemas, piensas en drogas... Y el vídeo introduce a ese padre transexual... ¿Hay un relato humano tras esa canción? Hay cuatro historias humanas en esa canción, hay cuatro personajes convergiendo en ella. Pero además está eso del nombre que has dicho, porque Jane tiene ese vínculo con el rock. Incluso al final de la canción, Jane está escuchando "Sweet Jane" en la radio, hay una referencia a esa otra canción. La canción trata al tiempo sobre esos personajes que conozco en la vida real y también sobre la historia del rock, algo tan poderoso que se ha convertido en una gran fuente en mi vida. La mayoría del disco trata sobre eso, sobre cosas formidables que han formado parte de tu vida y con el tiempo encajan en la historia. Todo el mundo se quiere agarrar a esos breves momentos. A menudo utilizas la segunda persona, como si hablaras con un diletante y quisieras enseñarle las claves de la vida, demostrarle que hay cosas en la vida que valen la pena vivir, y algunas otras que debe saber esquivar. No sé si hay algo de eso, lecciones de vida, ponderaciones... Sí, sobre todo de tratar de evitar de esquivar esas partes bajas, que te anestesian, te dejan grogui. Creo que todo el disco es muy positivo, está lleno de alegría. Muchas de las canciones surgieron mientras conducía. Cuando conduces, no tienes que pensar demasiado, escuchas la música de forma diferente. Entablas una conversación con el mundo de forma diferente. Así que estas canciones tienden a acabar siempre con una nota positiva. Este es sin duda el disco más espiritual de Spiritualized... ¿Has considerado cambiar el nombre de la banda por Spiritualizest? (risas) Sí, quizás lo haga en algún momento... Dado que a lo largo de la historia de la banda, los cambios circunstanciales en la formación han hecho necesario su representación en forma de cladograma en Wikipedia, no se si preguntarte quiénes han sido tus aliados en este nuevo disco... Pues lo cierto es que esta banda ha estado junta ya durante cuatro discos. Cuanto más tiempo pasas con los mismos músicos, más fácil se vuelve alcanzar la máxima expresión de lo que tocas. Estar en una banda es como estar con amigos, tienes que aprender su vocabulario, las cosas que encuentran divertidas y las que no les hacen tanta gracia, las que les hacen reír. La música es así, cuanto más tiempo pases juntos, mejor. Es muy bueno tener una banda consistente, y ésta lo ha sido ya durante mucho tiempo. Hay una canción llamada "Too late" a mitad del disco, que es probablemente la más triste. Parece que habla del amor, de cómo funciona como un fuego que da calor pero quema si te acercas demasiado. ¿Es demasiado para algo en tu vida? Escribí esas líneas, y las aparté durante cuatro años. Escribí esa canción para otro artista hace mucho tiempo, pero nunca me he atrevido a dar una canción antes de grabarla yo mismo. Estas canciones no tratan sobre como te sientes siempre, sino como te siente por momentos. Otra de las cimas de emoción en el disco es "Mary" (junto a "Life is a problem" y "So long you pretty thing"). En el hermoso preámbulo de esta última canta una niña junto a ti... ¿Puedes decirme si esa niña es quién pienso que es? ¡Es mi hija! ¡Eso pensaba! Canta tan bien... Y al final de los versos que cantáis juntos, se oye su risa tan dulce, justo cuando la canción recomienza... (risas) Sí, es una buena risa, ¿eh? Tiene nueve años. Esa canción tiene que ver con el paso del tiempo, con como todo resbala hacia el pasado. Ella escribió la parte de letra que canta. Son cosas muy bellas, porque ella no tiene frenos, no piensa en cómo reaccionará la gente a esas letras. Yo no podría haber escrito algo así, tan sencillo y hermoso. Era demasiado bueno como para no usarlo en el disco. ¤ Spiritualized tocarán en el San Miguel Primavera Sound el próximo jueves 31 de mayo (Parc del Fòrum, Barcelona).


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en report portada Mount Django Eerie Django / The Dandy Warhols

TROVADOR NOCTURNO

MOUNT EERIE Años después de esparcir las cenizas de Microphones, el norteamericano vuelve con su fecundo proyecto en solitario, bautizado como Mount Eerie y dedicado a la exploración del folk a través de géneros como el doom-metal y el ambient. Presenta dos discos con vistas a ser publicados por separado, a unos meses de distancia, con algunos pequeños virajes estilísticos y grandes novedades en la producción. El primero lleva por título “Clear Moon” y será editado por su sello P.W. Elverum & Sun el próximo 22 de mayo. El segundo, “Ocean roar” verá la luz durante el mes de septiembre. Texto

Matias Bosch

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hil Elverum es un músico tan prolífico que indagar de pleno en su discografía resulta una faena más bien propia de las disciplinas relacionadas con la arqueología. En algo más de una década ha entregado más de diez álbumes (contando directos), algún casete y vinilos en todos los formatos (7”, 10” y 12”), la mayoría de ellos en tiradas tan limitadas que obligan a cualquier fan completista a lanzarse de cabeza por la ventana. A mediados de la década del 2000 decidió derribar las murallas del pop que él mismo había construido para profundizar en los terrenos de la experimentación, abandonando su sello-nodriza K Records y cambiando su alter-ego inicial de Microphones por el de Mount Eerie, mucho más sugestivo. Apartir de ese momento comenzaba una incursión en el género del folk, abrazando también el post-rock y el doom-metal. La opacidad de algunos de sus discos, de baja producción y en tono confesional podrían traer reminiscencias del primer Will Oldham. No es extraño que sus nasales y desafinados vocales en “White stag” (09) puedan emparentarse fácilmente con el clásico del de Kentucky “There´s no-one what will take care of you” (93), pero pese a la similitud hay un síntoma claro de diferencia: el sonido lo-fi, la impureza, la reverberación. “No dependo de mi habilidad con los instrumentos, así que me interesa aprovechar las incorrecciones en el sonido. Durante toda mi carrera he estado grabando en 8 o 16 pistas. Acabo de alquilar un estudio mucho más espacioso con un 24 pistas, para mí es una locura”. Otra de las características que rodean su modus vivendi es una intensa práctica del DIY que le lleva a regentar su propio sello P.W. Elverum & Sun LTD., encargándose él mismo de la producción de sus discos, el diseño de sus portadas y el control absoluto de las labores de manufacturación, edición, promoción y post-venta. “De momento las cosas están yéndome muy bien y no necesito un segundo trabajo. Vivo directamente de la música. Muchos de mis amigos están fatal en ese aspecto, así que me siento muy afortunado. Un 90% del tiempo consiste en estar frente al ordenador, cerrando conciertos y trabajando en la venta de mis discos por correo. Yo mismo controlo los movimientos legales de mi sello y mi música en las redes: seguros, tasas, etc. Cosa que, por otra parte me impide

pasar más tiempo del que querría en el estudio. El 10% restante lo dedico a crear música, pintar o tomar fotografías”. Obviamente, gran parte de sus ingresos, como en la inmensa mayoría de músicos en la actualidad, proviene directamente de las ganancias de sus giras. En este particular, acompañar a una banda consagrada como Earth, le ofrece la oportunidad de expandirse y darse a conocer a un mayor número de público. “Conozco a Dylan Carlson desde hace algunos años. Él mismo se puso en contacto conmigo para abrir uno de sus shows en Seattle y después me invitó a continuar la gira junto a Earth, primero en EE.UU. y ahora en Europa”. Aún hallándose plenamente integrado en la escena metal —discos como “Black wooden ceiling opening” (08) lo corroboran—, mantiene un ávido sentido del humor. La escucha inicial de “Where?”, tema incluido en “Song islands Vol. 2” (10), le provoca risa. Elverum razona esta paradoja. “En el pasado me preocupaba por mantener el sentido del humor alejado de mi música, pero recientemente ya no me importa tanto. Utilizar el humor creo que es una forma de ser honesto y preciso, como en la vida misma. Seguro que las bandas de black-metal se tiran al cachondeo cuando nadie las está observando, en privado. Quiero decir, nadie es capaz de mantener al 100% una fachada seria y oscura todo el tiempo. No entiendo esa ortodoxia”. Finalmente, tras una animada conversación en torno a la aportación a la música del blackmetal nórdico y de nuevas bandas como los americanos Lithurgy, Elverum adelanta detalles del sonido de sus dos nuevos álbumes. “‘Ocean roar’ se aproxima a la banda sonora. Hay muchas partes instrumentales, cercanas al trance. Será totalmente analógico, aunque he empleado algunos teclados, pero nada digital. En ambos he tratado de improvisar en el estudio y trabajar en los drones. Con ‘Clear Moon’ he estado buscando un sonido más grueso y envolvente. Verás que la canción que da título al disco he intentado convertirla en una composición muy épica. Hay guitarras, batería, teclados y todos los instrumentos están grabados con la intención de conseguir llenar al máximo el vacío. Pretendía crear algo terso e intenso al mismo tiempo”.


EVOCAR EL PRESENTE

THE DANDY WARHOLS Hay bandas a las que el éxito no se lo pone fácil. Esos quince minutos en que todo el mundo sería famoso que Andy Warhol preveía, pueden durar para siempre. Precisamente, esa es la condena de la banda que tomó su nombre deformando con gracia al del padre del pop art. No importa cuanto tiempo pase, es mencionar a The Dandy Warhols, y empezar a sonar en la cabeza esa guitarra molona del "Bohemian like you". Pero la banda de Portland nunca se ha detenido, el manantial creativo de The Dandy Warhols jamás cesó. "This machine" (The End / Naïve, 12) es su diverso nuevo álbum y el guitarrista Peter Holmström, su portavoz. Texto Foto

Albert Fernández Eliot Lee Hazel

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os inicios de los 2000 os impulsaron a través del éxito masivo de “Bohemian like you”. Esa canción y “We used to be friends” fueron vuestras forzosas credenciales en una época en la que la gente todavía escuchaba álbumes enteros. Así pues, ¿cómo introducís un nuevo LP a un público que sólo presta atención a algunas canciones que cuelgan de un espacio virtual? En un mundo donde es difícil permanecer más de 15 minutos, tener dos canciones en la conciencia del pública es genial. Me encantaría poner otras dos. Todavía no sé me ocurre nada sobre la segunda parte de la pregunta. ¿Alguna idea? “This machine” es un trabajo impresionante, porque prueba vuestra intención genuina de construir melodías vívidas, y al tiempo demostrar que nunca rechazáis un sonido o espíritu, un género concreto o una emoción particular. Este es un disco con múltiples caras, donde se expresan diferentes ánimos y se adapta una variación estilística a cada uno de ellos, predominando la guitarra, y pasando desde el rock de los 80 a la psicodelia, el shoegaze o alguna que otra niebla experimental. Dicho esto, ¿podríamos decir que The Dandy Warhols se definen por la indefinición, por negarse al encierro? Creo que sí. Después de 18 años creo que por fin entendemos a las lecciones que hemos aprendido. Y sí, nunca quisimos quedar atrapados en un cajón. Siempre llevaremos cada canción a su solución lógica. Sucede algo extraño al principio del disco. Donde se espera una entrada con grandes zancadas de rock y saltos de euforia, “Sad vacation” y “The autumn carnival” llevan a quien escucha a un mundo de medios tiempos intensos y misteriosos, atmósferas de paisajes gris-verdosos servidas por voces y bajos graves, más líneas de guitarra hipnóticas y crujidos de distorsión al final del camino. ¿Considerasteis mucho ese orden, el ser persuasivos antes que nada, ofrecer la sugestión de estos emo-thrillers al principio del cancionero? Sí, estuvimos reflexionando sobre eso un montón. Llevó meses concluir en que ésta era la mejor versión del disco. Todo el mundo contribuye y siempre va cambiando hasta que acabamos de masterizar.

“Enjoy yourself” se adentra en un mundo más directo y alegre, aunque parece contener un mensaje escondido. Esta canción suena a otra época, tiene un coro naíf y un tempo luminoso, pero habla de vivir en el pasado con una forma paródica de cantar. ¿Cuál es la idea, adónde apuntáis con esta guasa? Creo que trata sobre cuántas vidas he llevado y cuantas vueltas he dado alrededor de este planeta. Sentía que necesitaba hablar de ello en una canción, aunque no soy alguien que abunde en sus letras sobre mis arrugas en la cara o algo así, así que en algún momento me salió el punto vacilón. Consistía en hablar de cosas que fueron geniales en el pasado, y si supe apreciarlas o no. ¿Por qué decidisteis la versión del “16 tons” de Merle Travis? Parece que uséis un tono en la línea de Morphine, como fusionando dos tributos en uno... Nunca he escuchado a Morphine. Si te soy franco, sólo he escuchado su single más conocido, pero estoy convencido, por ese tema y por lo que comentas, que cualquier banda que use un saxo barítono va a sonar como ellos. La razón por la que quise hacer esa versión es simplemente porque la letra coquetea formidablemente, y la canción me emociona profundamente. Lleváis activos muchos años y tenéis muchos seguidores, pero puede que algunos viejos fans se hayan olvidado de vosotros. ¿Creéis que es así? ¿Tenéis miedo de ser olvidados, o únicamente recordados por aquellas dos canciones que mencionaba al principio? Bueno, considerando cuantas veces tengo que decir "yeah I like you like you like you..", ¿te acuerdas? Bueno, si no, búscalo en YouTube la próxima vez que enciendas el ordenador", no creo que tenga que preocuparme por ser recordado por algo por nadie. Me encanta la conversión en los fans, que sigan llegando nuevos. Tenemos un mensaje emocional e intelectual tan específico que tendemos a arrimarnos exclusivamente a la gente con la que nos gusta reunirnos y hablar. Esa es una parte enorme del motivo por el que seguimos siendo una banda, y nos encanta viajar e ir de gira.


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report Jimmy Edgar / Saschienne

JIMMY EDGAR SEXO, DROGAS Y ELECTRO

Tener a Jimmy de vuelta, el valor seguro del electro más visceral, es una de las noticias relevantes de la temporada electrónica que nos ocupa. El artista todoterreno y poliédrico regresa con “Majenta”, un álbum que perpetúa el estado de gracia que demostró en su anterior LP y que además estrena espacio en el sello de Scuba, Hotflush. Las buenas noticias también van juntas.

Texto

Beto Vidal

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e un tipo que a los diez años empieza a toquetear cacharros electrónicos y a los 15 años ya pincha en raves puedes esperarte lo mejor, siempre que no sea tu hijo. De un tipo que antes de la treintena de edad ya ha pasado por sellos tan reputados como Warp, !K7 o Semantica, desearás que tenga tus mismos cromosomas. En ambos casos hablamos del mismo individuo: Jimmy Edgar, nacido en Detroit y mago del electro juguetón y vicioso. El artista polifacético —fotógrafo, pintor, productor de vídeo y colaborador en muchos otros proyectos musicales de todos los colores— está de vuelta con varias buenas noticias bajo el brazo: nuevo álbum y nuevo sello, Hotflush. Una mudanza inesperada tras mostrar su lealtad a Warp, el label descubridor del talentoso jovenzuelo. Tras el escurridizo "XXX" (!K7, 10), Edgar necesitaba un merecido respiro en el apartado musical, tal y como confiesa de su puño y letra. “He hecho infinidad de cosas durante estos casi dos años. Pese a que siempre estoy de arriba a abajo entre Detroit y Berlín, he abierto la puerta a un montón de nuevos proyectos creativos para probar qué campo me gustaba más en realidad. Empecé a escribir el guión de una película en una nave que compré en Detroit y que a su vez alimenta otros proyectos como un estudio fotográfico. Musicalmente hablando, no he hecho mucho más que remixes. Necesitaba un descanso creativo y empecé a indagar en la filosofía, la meditación y la hipnosis con el fin de evadirme de todo”. Pero que nadie se lleve las manos a la cabeza. El bueno de Jimmy no ha perdido pizca de chispa en su cuarto álbum, “Majenta” (Hotflush, 12). Un trabajo que sigue sonando fresco, transgresor y muy personal. Un paseo por el mejor electro cruzado con el techno de su ciudad natal que tampoco dista demasiado de su LP antecesor. Pese a todo, Jimmy comenta que “estoy tratando de alejarme cada vez más de mi antiguo sonido, pero también me doy cuenta de la potencia que contiene mi propio estilo. Supongo que este disco es una transición de mi sonido y quizás en mi próximo trabajo se

verán cosas más diferentes”. Un trabajo que captura más que nunca el pop y el funk robótico editado en la década de los 80 y de fuertes raíces kraftwerkianas. Los de Dusseldorf están más presentes que nunca, especialmente el tema "The robots", incrustado en el tema de apertura "Too shy" o bien en "Take me on a sex drive". “Kraftwerk siempre ha estado en mi mente por lo que no me sorprende tu apreciación”, explica el de Detroit, quién prosigue confesando que “me gusta bailar mucho, así que cuando creo música lo hago aproximándome al factor visual, concibiéndola para hacer que el cuerpo se mueva. Por eso la mayoría de mis letras son desde la perspectiva de los movimientos corporales”. Quizás algo en lo que todos estemos más de acuerdo es en encontrar altos niveles de sexualidad en la música de Edgar, como reflejan esos susurros marca de la casa (y de legado Prince) que siguen estando ahí o bien gracias a aquellos títulos de canciones tan tentadores como “Hot, raw, sex”. “Sí, mi música está muy cargada de sexualidad. Soy de los que piensa que la música debe hacer que la gente se sienta caliente, sexy y cómoda, sobre todo en el club. Me encanta hacer que la gente se sienta bien”, confiesa el artista. Una nueva etapa resplandeciente y cargada de optimismo que tiene en Hotflush la semilla de la vicisitud. Es en el sello de Scuba donde las ideas efervescentes en la cabeza de Jimmy pueden volar más alto todavía. Como bien define el versátil artista, “Hotflush y ‘Majenta’ se necesitaban mutuamente. Creo que tanto yo como la plataforma necesitábamos un cambio y así lo hice, por lo que ahora dos nuevos mundos chocan. Es fascinante, ¿no crees?”. Un acuerdo que se fraguó “en una cena con Sepalcure y Scuba. Travis Stewart me recomendó editar algo en Hotflush porque él quedó muy satisfecho. Todo ha ido muy acelerado, no esperaba publicar tan deprisa. Además, a diferencia de !K7, Hotflush sí que paga a sus artistas, al igual que Warp. Así que creo que he tomado la decisión correcta”.


SASCHIENNE CUANDO DOS CONOCIDOS SE REGALAN FLORES Con poco que investigues descubrirás que tras Saschienne, y el disco “Unknown” (Kompakt, 12), se hayan dos tortolitos: Sascha Funke y Julienne Dessagne. Aún así prefieren huir del cliché de familia feliz. Tampoco van de ‘pimpinelas’ o demuestran en sus canciones un gusto por las películas de crímenes y celos. Su música refleja emociones naturales, humanas y muy electrónicas.

Texto Foto

Bruno Garca Marco Do Santos

¿C

uándo nació Saschienne? (Sascha) Fue en noviembre de 2010, cuando alquilamos una casa en la campiña francesa (Borgoña). Un buen día, de manera espontánea empezamos a hacer música juntos. Sin reglas... sólo un millón de ideas. Desde la primera vez que Julienne comenzó a tocar las teclas del piano nos dimos cuenta de que habíamos encontrado un nuevo lenguaje para comunicarnos. El resto fue como si pasara un tornado. Finalizar el álbum sí que nos llevó bastante más tiempo. Estamos encantados que por fin haya salido y haya cobrado vida. El entorno de esa casa francesa habrá influido bastante en esas composiciones que parecen acuarelas sonoras, ¿verdad? (Sascha) ¡Mucho! La Borgoña posee unos paisajes impresionantes, el mejor hábitat posible para alimentar la inspiración. La música que íbamos sacando era la banda sonora perfecta para acompañar el silencio natural propio del lugar. Lo que hemos intentado trasmitir en el álbum no podría ser posible sin este entorno tan harmónico. Es la base del proyecto, un pedazo de nosotros. Después decidimos fundirle elementos electrónicos, pero, igualmente, de una forma muy natural, no adulterada. Según vosotros, ¿cuáles han sido los mejores momentos de exploración en el disco? (Sascha) Cada canción tiene su qué. Todas y cada una de ellas han pasado por diversos sondeos. Ha sido emocionante descubrir como nuestras personalidades se han relacionado tan bien. Cantar por ejemplo, era algo totalmente desconocido para nosotros, ha sido un aspecto muy divertido. Otro persona importante en “Unknown” es Superpitcher, con quien hemos mezclado el disco, causante de redescubrir nuestra música desde una nueva perspectiva. Ha releído y traducido esta historia de una manera más sensible y mágica. Cogió todos los detalles que estaban ocultos y les dio color. Estamos muy contentos de cómo ha quedado el lienzo final. Dos años donde se demuestra que lo hicisteis a conciencia, sin prisas, sin presiones. ¿Es posible trabajar así para un sello importante como Kompakt? (Sascha) Lo

consideramos como una gran familia. Jamás hemos tenido ninguna discusiones con ellos. Hemos entregado el trabajo dentro de los plazos… Nos sentimos en buenas manos. Es un referente en la escena techno que no se opone a otros géneros más pop y los acoge bajo la misma bandera. Como pianista clásica, Julienne se encarga de tocar los Rhodes en temas como “La somme”. (Julienne) ¡Ya me gustaría a mí tener un Rhodes de verdad! Pero el instrumento que escuchaste en esta y muchas otras canciones es un antiguo e-piano de Korg. Un gran instrumento que jamás me defrauda. Tocar ‘manualmente’ notas es esencial para mí y cómo comienza a surgir cada composición. Sascha tiene facilidad para expresar cosas con grandes ritmos y buenas líneas de bajos. Yo en cambio, necesito un trato físico más directo y cálido. Allá donde ponga mis dedos necesito crear un vínculo de amistad. Prefiero tantear y capturar lo que toco, aunque con la espontaneidad existan algunas imperfecciones que la tecnología MIDI puede solucionar. ¿Habéis valorado los pros y contras que puede tener una carrera artística en pareja? (Sascha) Hasta ahora sólo han existido los pros. Una experiencia fantástica donde hemos descubierto este lenguaje común (cuando nuestras lenguas maternas no son las mismas). Nos llevamos muy bien, también en los altibajos creativos, por qué no decirlo. Este proyecto es un obsequio que da la vida. He revivido los primeros momentos de mi carrera, la ilusión. Julienne me aporta esa armonía que he buscado siempre. Ahora que oficialmente os habéis casado con la música… ¿Cuándo esa otra boda? (Sascha) Precisamente ya están los planes en marcha. Nos casamos en mayo en Berlín. Lo celebraremos luego en Francia (en la Borgoña, como no). Todos nuestros amigos y familiares vendrán entonces, pero ya en verano. ¡Estamos muy, muy, pero que muy felices!


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report Partido

PARTIDO TODO POR DELANTE


“Leaving all behind” (Warner, 12) segundo disco de los barceloneses Partido es un título que suena a pasar página, a cerrar puertas con tanta vehemencia que ni siquiera los recuerdos las puedan traspasar, aunque a Víctor Partido le ha costado mucho llegar hasta aquí y no se olvida de todo por lo que ha pasado. “Leaving all behind” son diez canciones de folk-pop de raíz americana que abren las puertas de Partido a un futuro más que esperanzador. Texto Foto

Half Nelson Anabel Luna

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esde que conozco a Víctor Partido soy un habitual de sus conciertos e incluso he tenido la suerte de que su grupo, Partido, así, a secas, haya tocado en algunos de los que yo he organizado. Conozco bien su música, pero con nuestra mutua timidez nunca habíamos hablado de lo que había más allá y alrededor de ella. Temí que fuera difícil dejar a un lado lo personal y llevar a cabo una entrevista 100% profesional, pero debo agradecer a Víctor su absoluta predisposición y colaboración para hacerlo posible. El disco se titula “Leaving all behind”, como una canción de vuestro anterior disco. Es cierto, “Leaving all behind” es una canción que grabamos en 2002 y está en “The lost sessions 1999-2003” (Greyhead, 10). Es el nexo de unión con el primer LP. Llegamos a grabar una nueva versión, pero al final no casaba con el nuevo disco y se quedó fuera. Titular así el disco es una manera de cerrar etapas. “Dejarlo todo atrás” pero sin dejar de mirar atrás, un poco contradictorio, ¿no? Todo es una gran contradicción. Nunca me he considerado músico, en el año 2000 con veintidós años podía tener un futuro en la música, pero me rajé y me eché atrás. Hace años, David Giménez (amigo de Víctor y ahora mánager de Partido) me convenció de que podía aportar mi matiz a una escena ya muy cargada. Partido se sitúa en un lugar intermedio entre el mainstream y el indie, maneja influencias que pertenecen a uno y a otro y creo que podemos tener un espacio. Ese primer LP recoge tus grabaciones con Carles Cagigal de Selenitas, fallecido en 2005. Lo que Carles y yo grabamos era el proyecto más personal que tuvo aparte de Selenitas. De 1999 a 2003 grabábamos cuando podíamos. En 2002 ya teníamos temas para un disco, pero entonces él empezó a encontrarse mal y yo me rajé. Durante las sesiones había entrado a trabajar en Discos Castelló y sentía la presión de la ‘vida adulta’, lo fui posponiendo y Carles cada vez se encontraba peor, así que lo dejé pasar. Cuando Carles murió vendí todo mi equipo menos una guitarra, que apenas toqué. Vivía de cerca la música programando conciertos en la Sala Castelló y estaba cómodo, no echaba de menos el no escribir y tocar profesionalmente. Fue David, compañero en Discos Castelló, quien me animó en 2007 a volver a empezar. Abrió un MySpace y en 2009 Juan Pedro Parras de Greyhead (mítica tienda valenciana de coleccionismo de vinilos con ocasionales incursiones en la edición: Schwarz, Balano o Alberto Montero son algunos de sus descubrimientos) nos contactó y se animó a editar el disco, pero yo no tenía ni los másters. Fuimos a casa de Carles, conseguimos encontrar un máster en condiciones y Greyhead lo editó, algo que siempre le agradeceré. Tras tantas dificultades, creo que sientes un punto de orgullo por esas canciones. Sí. En cambio, el sentimiento por las nuevas es diferente. Entre los dieciocho y los veinticinco tienes la creatividad a flor de piel. A partir de ahí, escribes más por costumbre. Las canciones nuevas son mis sentimientos acerca de lo que te pasa entre los veintitrés y los treinta y pico… La integración en el mundo adulto: trabajo, sociedad, compromiso, desamor… todo para lo que nos van preparando las etapas anteriores. Por ejemplo, pese a que los temas son bastante crípticos, puede entenderse que “Carnival” habla de cómo el sistema puede llegar a absorberte y convertirte en una parodia de ti mismo. No es madurez, porque no puedes hablar de madurez con veintipico años, pero sí de empezar a darte cuenta de que el mundo no es cómo tú creías. Pero grabar el segundo disco tampoco ha sido fácil… Llevamos dos años tocando estas canciones, tú nos has visto muchas veces y las conoces. La mayoría de esas canciones son de 2001-2002 y 2008-2009. Hay temas que tienen diez años. La presentación de Partido fue a finales de 2009 en el Elèctric de Gràcia y ya tocábamos estas canciones. Así que están muy rodadas… Mejor. Creo que se ha perdido la visión de hacer buenas versiones en directo de los temas. Un grupo saca un disco con los mejores medios, pero después en el directo todos los temas suenan iguales, con los mismos arreglos. El público y también el músico pueden llegar a aburrirse. Hay que aportar más en directo, porque el público lo merece y porque el directo cada vez es más importante como vía de contacto y de financiación de los grupos. El disco ha pasado a segundo plano como representación del grupo, has de tener presencia en los medios, en las redes sociales y, sobre todo, un buen directo que demuestre un trabajo. Yo creo que en ese aspecto Standstill son los reyes absolutos, son capaces de girar continuamente con diferentes versiones de las mismas canciones, aportando valor a lo grabado.

En la entrevista con Albert Fernández (Go Mag Septiembre 2010) decías que en la época de la grabación de las canciones de “The lost sessions…” “los héroes folk no estaban tan arriba como se ven ahora”, pero aquél no era un disco folk… A finales de los noventa Mojave 3, Smog, Giant Sand en otro espectro… eran bandas muy interesantes con raíces folk, pero que no tenían el reconocimiento que tienen ahora. La percepción del folk ha cambiado dentro de la escena. La raíz de mis canciones es el folk, porque ese es mi método de composición, todas las canciones pueden desnudarse hasta quedar en voz y guitarra o voz y piano, pero están pintadas por el pop, por un pop bastante dramático en ocasiones. Siempre con referentes americanos, aunque Carles y el resto de colaboradores eran mucho más anglófilos. En “The lost sessions…” se notaba la mano de Carles. A él le encantaba la psicodelia inglesa, jugaba con los efectos, doblaba las guitarras… Eso no lo hemos hecho en “Leaving…”, todo es más simple. Además, Paco Loco es el mejor para el sonido que queríamos, ha tenido allí a Josh Rouse, Gary Louris de Jayhawks, Nacho Vegas… Paco no produce el disco, el sonido ya lo teníamos definido, pero es evidente que su mano se nota y que él no se corta a la hora de sugerir o de vetar. Yo le decía ‘suave’, pero en seguida vio que no era un disco de folk puro, sino de pop o incluso de pop-rock. De publicar quinientas copias en vinilo en Greyhead a publicar en Warner. Nosotros financiamos el disco y después buscamos sello para publicarlo. Esa búsqueda me ha mostrado que estamos un poco fuera de lugar. Crecí con los discos de Limbo Star, de Elefant, escuchando los discos de Le Mans, de Nacho Vegas, de Manta Ray… para mí son referencias, pero no influencias. Hemos contactado con todos los sellos independientes y creo que todos nos ven demasiado mainstream, pese a los buenos comentarios que nos hacían. Por otro lado, también hemos tenido buen feedback de los sellos grandes, pero alguno nos pedía no cantar en inglés. Al final, Warner aceptó el disco tal como estaba grabado. Está claro que no somos un grupo para hypes, nuestras canciones son largas y melancólicas, pero sí que somos intensos, me va lo épico (risas). Hemos hecho un edit para “Not full of anger” (primer single, ya a la venta en iTunes) porque era demasiado larga para las radios, pero para nosotros hablar de singles es algo extraño. Para mí, singles son los adelantos de los discos de Madonna, de Lady Gaga, de Rihanna… nosotros no hacemos singles. Estoy intrigado por ver qué tipo de público es el de Partido a partir de ahora. Hemos encargado una remezcla de “Not full of anger” para romper estereotipos y además sabemos que nos podemos fiar de Marc Piñol, seguro que va estar bien, con clase. Por cierto, Bigott ha publicado una remezcla techno de la hostia, que por cierto la ha hecho Paco Loco (risas). “Leaving all behind” es un disco folk en el sentido moderno, porque es un disco confesional, que representa la visión de una sola persona. Sí, y eso me es difícil porque no me gusta que la persona con la que estás pueda, a través de las canciones, ver que no soy tan buena gente como ella cree, que vea mis dudas con respecto a mí mismo y con respecto a todo. Son cosas que pueden pasar factura. Lo escribes, lo grabas y que cada cual lo interprete cómo quiera, pero tú ya lo has dicho. No me gusta, me cuesta explicar cosas que hagan que la gente me analice. Creo que hay músicos que disfrutan plenamente del directo, yo no. Yo veo a la persona que está delante de mí y pienso en lo que ella estará pensando sobre lo que hago. Comunicarse a ese nivel es atractivo, ya que despierta cosas que no sientes en tu día a día, pero me resulta complicado. Sin duda el punto fuerte del disco son las melodías. Están muy trabajadas y a mi juicio hay cuatro que destacan poderosamente: “Feel all down”, “Bulletin board system”, “Not full of anger” y “Jesus”. Para mí lo más importante es la melodía de voz. No soy un buen guitarrista ni soy un poeta, los textos están bien, son personales, pero demasiado codificados; así que lo único que me queda es la melodía. Soy un gran fan del power-pop, me gustan Big Star, Badfinger… también los discos melancólicos de Neil Young, que están llenos de melodías. Después de tantas dificultades, grabar el segundo LP en una multinacional debería de saberte a triunfo. He aprendido a no confiarme si las cosas van bien. Este disco puede tener una buena acogida y que nos animemos a hacer un segundo disco enorme, pero yo seguiré sin fiarme. ¤ Partido tocarán los próximos 16 (Hotel Pulitzer, BCN), 19 (Electropura, Valencia), 22 (Primavera als Bars, Absenta Bar, BCN) de mayo.


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sello del mes Touch / Oren Ambarchi

TOUCH

TREINTA AÑOS DE BUEN GUSTO

Uno de los grandes sellos clásicos de la música experimental cumple años: Touch, la plataforma que acoge en su seno a artistas como Fennesz, Chris Watson, BJ Nilsen, Philip Jeck, Ryoji Ikeda, Oren Ambarchi o Phill Niblock celebra estos días sus treinta años de existencia. Tres décadas en las que ha desarrollado una visión del negocio muy particular, en la que confluyen arte, música, diseño y fotografía, y en las que ha influido de manera directa en la evolución de las parcelas más ambientales y delicadas de la música electrónica. Texto Foto

Vidal Romero Jon Wozencroft

“M

ike Harding y yo nos conocimos en el Moonlight Club, en West Hampstead, el 4 de marzo de 1982”, cuenta Jon Wocencroft desde Londres. “Recuerdo la fecha con tanta precisión porque es el día que mi padre cumple años. Yo había estado dando vueltas a la idea de una revista audiovisual durante varios meses, Mike era el responsable de una editora musical, y se ofreció a ayudarme con la parte empresarial del negocio”. A partir de ahí, todo sucedió muy rápido: “yo era un gran fan de Joy Division y de Factory Records, así que el lunes siguiente llamé a Tony Wilson y conseguí que me pusiera en contacto con el mánager de New Order”. Cuatro días después estaba hablando con los chicos, y les convenció para que le regalaran una pieza extraña y cercana al techno, “Video 586-1”, que en Factory nunca hubieran publicado. Touch comenzaba a tomar forma. Su primer lanzamiento fue una revista, “Feature mist” (82), que contenía aportaciones artísticas y textos de gente como Neville Brody y David Tibet, y venía acompañada de una cinta en la que, además de New Order, convivían artistas del calibre de Robert Wyatt o Simple Minds, aportaciones de bandas desconocidas por entonces, como Tuxedomoon, e incluso una pieza de Shostakovich. “Trabajamos en ella durante mucho tiempo”, cuenta Mike Harding. “Éramos conscientes del calibre de las contribuciones que estábamos pidiendo, así que nos tomamos todo el tiempo del mundo para persuadir a los músicos y artistas que nos interesaban. Nuestra única intención entonces era ser futuristas, y creo que es una ambición que hemos conseguido superar, aunque sólo sea por el hecho de que todavía estamos aquí”. Aquella revista sirvió para fijar los intereses del sello, “Touch siempre ha sido una aventura conceptual”, y abrió el camino para media docena de números más, en los que fueron refinando el diseño hasta unos niveles enfermizos: papeles raros, técnicas de impresión extravagantes, música extraña y trabajos gráficos de primer nivel daban forma a unas revistas que no se parecían a nada, y que casi les cuestan la salud. “La última que hicimos, ‘Ritual’, nos llevó dos años de trabajo y se vendió en apenas tres semanas. No teníamos dinero suficiente, ni fuerzas, como para pensar siquiera en hacer una reimpresión”. Así que decidieron comenzar a publicar discos en un sentido más, digamos, convencional. “Se suele pensar que la música de los primeros ochenta estaba muy conectada

con el punk”, continua Harding, “pero la verdad es que tenía también mucho que ver con la psicodelia. El punk funciona como la compresión de un espacio físico, y en cambio el post-punk buscaba la apertura del espacio mental: sólo tienes que pensar en bandas como Joy Division, Cabaret Voltaire, Throbbing Gristle/Psychic TV, Wire, Clock DVA para entender lo que digo. Además, también hubo un intento generalizado por erradicar la música y la influencia los sesenta, y fue como reacción a todo esto por lo que llegaron el acid house y las raves, que lo redujeron todo a la fórmula más sencilla posible: ritmos y drogas”. Ante ese panorama, en Touch optaron por buscar una vía propia. “Nuestra intención no consistía en que el oyente utilizara la música para escapar de su realidad, sino en conseguir que se quedara envuelto en el interior de la música”, y eso significaba adoptar a los bichos más raros de la escena, gente como The Hafler Trio, Soliman Gamil, Etant Donnés. Una familia que iría expandiéndose hasta convertirse en algo así como un Dream Team de la música experimental, incapaz de publicar un disco malo o siquiera regular. La clave para ese éxito, reflexiona Harding, reside en que “siempre hemos entendido todos los proyectos como colaboraciones, como si Touch fuera un artista más”. Además, el extremo cuidado que ponen en el envoltorio de los discos los convierte, de alguna manera, en pequeñas obras de arte, "diseñadas según las metas del artista y de cada producto en concreto”. Una manera de actuar que les obliga a estar siempre un paso por delante de la industria. “Ahora mismo estamos muy interesados en la redefinición del formato de nuestros lanzamientos”, explica Harding. “Nuestros artistas están comenzando a investigar otras formas de hacer música, en las que la multiplicidad de canales resulta fundamental. No creo que esto vaya a significar necesariamente el fin de la cultura del estéreo, pero tenemos que ser capaces de seguir a los músicos si quieren jugar al límite de sus posibilidades”, sobre todo en unos tiempos tan poco propicios. “Nos preocupa que los fondos para festivales y conciertos se estén reduciendo dramáticamente en toda Europa”, concluye. “Touch nunca ha vivido de subvenciones, pero muchas organizaciones, festivales y artistas sí que las necesitan, así que esto significa un impacto directo en los recursos económicos de los artistas que trabajan con nosotros. Definitivamente, tenemos que estar alerta”.


OREN AMBARCHI

SONIDO DE BASE

De los muchos artistas que conforman el catálogo de Touch, el australiano Oren Ambarchi es uno de los que mejor representan el espíritu del sello. En sus muchos discos y colaboraciones caben desde el pop hasta el noise, pasando por todos los experimentos que se les pueda ocurrir. Se trata, en fin, de un tipo que no tiene miedo a probar cosas nuevas, pero que al mismo tiempo es muy consciente de las distintas tradiciones musicales con las que ha crecido. Y su último disco, "Audience of one", es la mejor prueba posible. Texto Foto

Vidal Romero David Gallagher

“H

e estado completamente obsesionado por la música desde muy niño”, confiesa, sin ningún tipo de pudor, Oren Ambarchi. “Mi madre me compraba singles de Led Zeppelin, los Beatles y Jimi Hendrix antes incluso de que pudiera hablar. No mucho después ya estaba aporreando una batería, tocando encima de los discos que había en mi casa”, y en la adolescencia se unió a su primera banda, un combo de free jazz del circuito de Sidney. Cuenta también Ambarchi que su abuelo “tenía una tienda de segunda mano, en la que vendía todo tipo de discos e instrumentos. Así que desde niño tenía toda una colección de máquinas de cinta, pedales de efectos y demás cachivaches, que utilizaba para hacer mis propias piezas de música ‘concreta’ en casa”. Que terminara por incorporar toda esa artillería a su kit de batería era sólo cuestión de tiempo, “y sucedió que terminaron por interesarme mucho más los cacharros electrónicos que la percusión”. Eso sí, si existe un punto de ruptura, un momento concreto en el que toda su idea de la música cambió, ese fue “un concierto de Keiji Haino, en Nueva York, cuando tenía 23 años. Su técnica era bastante pobre, pero aún así conseguía tocar de la manera más personal que había visto nunca. Así que decidí que debía abandonarlo todo y dedicarme en cuerpo y alma a la guitarra. Que es lo que hago desde 1992”. “Al principio, mi mayor fuente de inspiración era la escena noise japonesa”, prosigue, “así que mi sonido era caótico y desestructurado. Tuve muchas experiencias con bandas de noise, y la suerte de poder trabajar con mucha gente de las escenas japonesa y neoyorquina, de los que fui aprendiendo cómo tenía que tocar mi instrumento y, sobre todo, las cosas que no quería hacer. Y de repente, en 1998, y sin saber muy bien cómo, descubrí que poseía algo parecido a una voz propia, y que podía comenzar a elaborar música en solitario”. Eso no quiere decir que Ambarchi haya abandonado las colaboraciones. “Me gustan muchos tipos de música, así que es importante ser capaz de manejar a la vez diferentes proyectos y colaboraciones. Es fundamental para mantener mi propio trabajo fresco”. Y como ejemplo, pone sobre la mesa su trabajo junto a Sunn O))). “Desde que toco con ellos mi música se ha vuelto mucho más lenta, más baja en el espectro de frecuencias y más física, sobre todo a la hora de tocar en directo. He aprendido muchísimo acerca de la presión del sonido, de cómo manejar la resonancia y la distorsión y del inmenso placer

que puede suponer sumergirse en ondas de sonido a un nivel puramente físico. Algo parecido, por cierto, a trabajar con Phill Niblock”.�En todo este tiempo, Oren Ambarchi ha grabado cinco discos para Touch, “que es el único sello en el que quiero publicar mis discos en solitario. Con los demás, sólo saco colaboraciones, o en todo caso grabaciones en directo”. Discos en los que se palpa su evolución, desde el ambient de naturaleza flotante, ribeteado con detalles noise, de “Suspension” (01), hasta ese puzle de géneros, construido con enorme delicadeza, que es “Audience of one" (Touch, 12). “El disco refleja a la perfección dónde me encontraba en el año 2011: persiguiendo muchos estilos musicales, muy distintos entre sí, y sin ningún tipo de timidez a la hora de explorarlos”. No sorprende, por tanto, que cada una de las cuatro piezas que contiene “se abordara de una manera diferente”. En el caso de “Passage” le pidió a varios colegas “que reaccionaran a unas pistas de guitarra, tocando por encima con vasos de vino y luego edité todas esas contribuciones. ‘Salt’ comenzó como una grabación vocal que me envió Paul Duncan, que luego yo manipulé, y a la que añadí varias capas de instrumentación. Y ‘Knots’ surgió como un juego: le pedí a Joe Talia que tocara un ritmo de jazz a la batería, en un tempo rápido, durante todo el tiempo que pudiera. Luego yo fui superponiendo capas de guitarra en mi estudio, y durante un viaje a Seattle, me junté con Eyvind Kang y varios músicos locales, y añadimos instrumentos acústicos”. “Knots”, con sus veinte minutos largos de duración y sus muchos cambios de registro, actúa de hecho como eje central del disco, “un compendio de todas esas cosas que te contaba antes. Pero creo que lo más importante es que tenía ganas de volver a explorar la música que escuchaba de adolescente. En cierto modo se trata de mi ‘fantasía ECM’ personal”. Y no es el único guiño hacia su adolescencia que contiene “Audience of one". Ahí está la insólita “Fractured mirror” que cierra el disco, una versión de un tema compuesto por el guitarrista de Kiss. "Desde que tenía 10 años he pensado que el disco en solitario de Ace Frehley era una obra maestro del hard rock. Para mí, Ace es el héroe olvidado de Kiss, algo así como su George Harrison particular. Y esta canción en concreto es una maravillosa joya infravalorada; una canción a la que yo siempre he visto conexiones con Steve Reich y el minimalismo norteamericano. Así que me pareció de lo más apropiado intentar darle mi particular vuelta de tuerca".


042/043

go series 90 Touch

90 go series Touch Este CD promocional se vende exclusivamente con el número #131 de GO MAG disponible en quioscos de toda España.

Texto

Vidal Romero

06

Mika Vainio “In a frosted lake” Aunque no es un habitual en el catálogo del sello, de cuando en cuando Mika Vainio regala a los dueños de Touch discos tan sobrecogedores como “Black telephone of matter” (09), un artefacto de una belleza glacial y cegadora que, ya se lo pueden imaginar, explota la vertiente más ambiental y minimalista del productor finlandés. Un disco para el que “In a frosted lake”, con sus sonidos dispersos y su aire fantasmal, con esos crujidos que parecen hablar de una naturaleza cruda y despiadada, sirve de perfecta carta de presentación.

07

Jana Winderen “Survivors of the waterworld (GoMag mix)” La islandesa Jana Winderen es una mujer bajo la influencia; una mujer tan obsesionada por el sonido de los fondos marinos, que ha desarrollado técnicas y distintos modelos de micrófonos hidrofónicos, para capturar lo que sucede en ese universo extraño, tan cercano y a la vez tan marciano. Sonidos que luego plasma en piezas tan hermosas como “Survivors of the waterworld (GoMag mix)”, un trabajo exclusivo para esta recopilación, en la que se mezclan pájaros y cascadas, ecos de corrientes marinas, zumbidos abisales y sonidos de naturaleza alienígena, en un fresco de belleza irreal.

01

Fennesz ”Rivers of sand” Nada más apropiado para abrir una recopilación dedicada al universo de Touch que un tema de Fennesz, uno de los niños mimados de la casa, y posiblemente el artista que mejor ejemplifica el equilibrio entre belleza y experimentación radical que el sello persigue desde siempre. Con sus guitarras enterradas en electricidad estática, sus remolinos de sonido y su gozoso aspecto líquido, “Rivers of sand”, la pista que abre el espectacular “Venice” (04), es una muestra inmejorable de que ese equilibrio es posible.

02

Philip Jeck “All that’s allowed (remix)” Igual que muchas de las fotografías y de los trabajos gráficos de Jon Wozencroft buscan la belleza oculta en naturalezas al borde de la podredumbre y en paisajes inhóspitos, Philip Jeck manipula viejos discos de vinilo, los somete a procesos tortuosos, con los que aumenta su decadencia, y termina encontrando en ellos voces fantasmales. La prueba la tienen en “All that’s allowed (remix)”, una inmersión en los confines de una época olvidada, que forma parte del estupendo “An ark for the listener” (10), su último disco hasta la fecha.

08

Hildur Gudnadottir “In gray” La música neoclásica siempre ha tenido un papel protagonista dentro del catálogo de Touch, que ya apostaba por estos sonidos mucho antes de que existiera algo parecido a una escena. Ahí está la serie “Spire” para certificarlo. Y una adición sobresaliente es la de Hildur Gudnadottir, una chelista islandesa con una especial habilidad para componer viñetas de alto contenido emocional, preñadas de melancolía. “In gray”, una de las piezas que contiene el delicadísimo “Mount A” (10), es una prueba inmejorable.

03

Oren Ambarchi “The strouhal number” En páginas anteriores ya hemos glosado de manera suficiente las virtudes de Oren Ambarchi, ese guitarrista capaz de arrancar a su instrumento una gama sobrenatural de sonidos. “The strouhal number”, una de las piezas incluidas en su recopilación de grabaciones dispersas, “Intermission 20002008” (09), le presenta en su vertiente más delicada: un universo de notas esparcidas al azar, arropadas por un tejido ambiental que parece siempre a punto de quebrarse.

09

04

Sohrab “Himmel über Tehran” Uno de los últimos fichajes del sello, el iraní Sohrab, es la prueba viviente de que la música experimental también puede ser reivindicativa. “A hidden place” (10), su único disco hasta la fecha, se grabó en Teherán, bajo el clima bélico y de persecución ideológica que asalta a esa ciudad desde hace ya demasiado tiempo. Un clima en el que, incluso el hecho de realizar grabaciones de campo, puede significar un motivo para la represión. No es raro que, con esas condiciones, a Sohrab le salgan piezas con tanta fuerza como “Himmel über Tehran”.

Chris Watson “Chihuahua” Otro de los hijos pródigos de la casa es Chris Watson, un tipo capaz de grabar desde el ruido de una tormenta al crujido de una hoja, para luego montar impresionantes collages sonoros, en los que el oyente se siente arrastrado de manera irremisible. “Chihuahua” forma parte de su último disco, “El tren fantasma” (11), donde documenta el último viaje de un tren centenario por las vías mejicanas. Crujidos metálicos, ruidos maquinales y el eco de los paisajes abismales de Sierra Tarahumara, atrapados en cuatro minutos y medio que conforman una perfecta estampa expresionista.

10

Biosphere “Fujiko” Otro viejo conocido de Touch, el noruego Biosphere, entregó el año pasado un disco, “N-Plants” (11), que suponía una refrescante vuelta a sus orígenes: sonidos propios de los noventa, cacharros analógicos, melodías planeadoras y un inopinado aire retrofuturista le servían para reflexionar sobre los peligros de la energía nuclear y, en particular, del riesgo de colocar centrales nucleares en lugares poco apropiados. Añadan a todo lo anterior un speech de aires lejanamente amenazadores, y el resultado será este “Fujiko”.

05

BJ Nilsen “Meter reading” Como su compañero Chris Watson (con el que ha compartido disco en varias ocasiones), BJ Nilsen es también un creador de soundscapes: paisajes sonoros construidos a partir de grabaciones de campo. Eso sí, a diferencia de su compañero, él no le hace ascos a los ruidos de la civilización ni al añadido de instrumentos tradicionales y máquinas de cinta, como demuestra su último disco, “The invisible city” (10), que construye piezas como la inquietante “Meter reading” a partir de todas esas poluciones sonoras que nos rodean de manera cotidiana, sin que nos lleguemos a dar cuenta de que están ahí.

11

Eleh “Linear to circular/vertical axis” Uno de los secretos mejor guardados de la escena experimental es Eleh, una célula de identidad desconocida, dedicada a reivindicar a los pioneros de la música electrónica utilizando los mismos equipos y estrategias que ellos utilizaron en su día. Las suyas son, por tanto, piezas de una abstracción absoluta, en las que la pureza del sonido y la belleza de las ondas senoidales lo significan todo. Y eso convierte a “Linear to circular/vertical axis”, una miniatura extraída del enorme “Location momentum”, en la pieza perfecta para terminar este recorrido por los mundos de Touch.


¡ÚLTIMO CD GO SERIES! Nos pasamos al digital Se acaba una etapa y empezamos otra. El sampler de junio dedicado al Sónar 2012 es la última referencia de nuestro Go Series. A partir del número de junio Go Mag dejará de venderse en quioscos con el CD, ampliándose la edición gratuita a nuevas ciudades. En una era en que los soportes físicos para escuchar música están cada vez más absoletos, creemos que es el momento de renovarnos y pasarnos definitivamente a la era digital. En pocos meses, Go Mag dispondrá de una zona digital

SÓNAR 2012 Selected and mixed by xxxy

restringida a suscriptores donde se podrá descargar gratuitamente mú-

Nuestra última referencia Go Series la dedica-

que os iremos desvelando próximamente.

mos al festival Sónar 2012, con un mix hecho

Nuestra última referencia en formato CD, disponible en quioscos

a medida por la nueva sensación del UK Bass,

durante el mes de junio, la dedicamos como cada año al festival Sónar.

xxxy. Rupert Taylor, aka xxxy, se ha librado en un

Son ya 91 referencias de una serie que empezó en diciembre de 2003

par de años una sólida reputación con su exci-

con nuestro sampler dedicado a F Communications y, que a lo largo

tante aleación de ritmos garage y bajos elásticos

de estos años, ha intentado ofrecer lo mejor de cada género, desde el

propios del dub con un abanico sonoro que va

dubstep al pop-rock, del neoclásico al folk o la electrónica en todas sus

del house clásico al techno actual.

vertientes. Por nuestro Go Series han pasado sellos como FatCat, Domi-

En este mix seleccionado y mezclado por Rupert

no, Touch, Saddle Creek, Constellation, Border Community, Kompakt,

Taylor encontramos temas de Azari & III, Kode9,

Barsuk, The Track & Field Organization, Ninja Tune, Warp, Foehn, Morr

Modeselektor, Untold, Maya Jane Coles, John

Music, Coop, Erased Tapes, PIAS Spain o Limbo Starr, entre otros mu-

Talabot, The 2 Bears, Richie Hawtin, Nehuen &

chos. También hemos publicado CD samplers seleccionados y mezcla-

xxxy y Yosi Horikawa, entre otros.

dos por artistas como Kode9, Agoria, Marc Piñol, Eclec Sonde, Carlos

sica en formato digital, la revista al completo, entre otras muchas cosas

Hollers, Javier Blánquez o Ángel Molina, además de nuestros samplers dedicados a festivales como el Sónar, L.E.V. o FIB.


NUEVOS CACHORROS SÓNAR 2012

TOTALLY ENORMOUS EXTINCT DINOSAURS

JULIO BASHMORE

report Nuevos Cachorros Sónar 2012

MADEON

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MAGIC TOUCH

BABY BOOM Año nuevo, Sónar nuevo. Como cada junio, la cosecha de frutos bien verdes de la temporada electrónica ya ha sido debidamente seleccionada. Una colecta con muchos brotes de bass music y esquejes de house underground con denominación de origen certificada en todas sus variantes. Estos son algunos de los elegidos para escribir la historia y dominar el mundo en los próximos años, con permiso de los mayas. Palabra. El festival Sónar se celebrará del 14 al 16 de junio en CCCB, MACBA y Montjuïc 2 en Barcelona.

Texto

Beto Vidal

TOTALLY ENORMOUS EXTINCT DINOSAURS

Detrás de genuinos temazos como “Trouble”, “Tapes & money” (remezclada recientemente por nuestro Leo Messi nacional, John Talabot) o “Garden” (sintonía en el anuncio del Nokia Lumia tras sonar hasta la saciedad en la emisora británica BBC Radio 1) se esconde Orlando Higginbottom, el chaval de Oxford que se hace ganar el respeto bajo el seudónimo de Totally Enormous Extinct Dinosaurs. Un tipo sin prejuicios a la hora de sentarse a componer verdaderas joyas de pop sintético cercanas al hedonismo de bolsillo y que con un escaso —pero suficiente— puñado de EPs congrega más followers que Salvador Raya. Capaz de cocinar a fuego lento deep house o electro saltarín así como de acaparar encargos de remixes de Lady Gaga o Friendly Fires, todo apunta a que el mundo caerá a sus pies cuando edite en junio su debut en largo vía Polydor. Imprescindible visionado. MAYA JANE COLES

No hay que ser muy perspicaz para adivinar que tras la gorra del revés y las cadenas de oro macizo colgando del cuello se encuentra probablemente la futura reina del deep-house mundial. Un camino que la jovencísima británica ha trazado con tenacidad, publicando suculentas producciones house en sellos como Real Tone (el hit ”What they said”) o en 20:20 Vision (“Focus now”, el salto a la fama). Su popularidad poniendo discos que a todo buen clubber provoca trempera la ha

catapultado a edificar una de las sesiones enlatadas del año, el reciente y clásico instantáneo “DJ Kicks”. No hace falta acudir a programas de tarot nocturno de la parrilla TDT para pronosticar que será una de las sesiones más jugosas del Sónar. JULIO BASHMORE

Nacer en Bristol y no producir o pinchar exclusivamente dubstep de bajos gordos no tiene por qué ser un crimen. Así lo demuestra Julio Bashmore, el cachorro que fabrica música que golpea con fuerza y precisión la escena house europea. Siempre caminando por el fino alambre de la bass music —las comparaciones con Joy Orbison son inevitables—, Mathew Walker plantea una ecuación de Chicago house, boogie y uk funky a todas luces brillante. Su racha de publicaciones estelares durante 2011 en sellos como 3024 sólo es equiparable a la misma que cosechó James Blake durante el mismo año. Sin ir más lejos, colocar la aguja sobre los surcos del maxi “Riff wrath” (Futureboogie Recordings, 11) es algo así como alcanzar el nirvana por la vía rápida. Un must en toda regla. MADEON

Normalmente uno a los 17 años sólo aspira a sacarse el carnet de conducir o poder pedir con voz firme el mando de desbloqueo de la máquina de tabaco al barman. Hugo Pierre Leclercq, en cambio, planea dominar el mundo a base de insuflar


NGUZUNGUZU

Este dúo de nombre impronunciable (ni lo intenten) esconde a Asma Maroof y Daniel Pineda, sospechosos habituales de la escena underground de Los Ángeles. Empezaron a hacer ruido en la blogosfera a finales de 2010, gracias al “Mirage EP” editado en Silverback Recordings, donde empezaron a mostrar sus credenciales: tropicalismo envuelto en bass music, R&B y mucho misterio. Una fórmula que atrajo al label Fade to mind —la versión yankee de Night Slugs— a poner los medios para publicar el inquietante y delicioso “Timesup EP”. Una marcianada imperdible. ITAL

Hace tiempo que Daniel Martin-McCormick merodea la escena underground estadounidense dando mucho de que hablar, ya sea como 50% de Mi Ami, en la banda post-hardcore Black Eyes o bajo el escurridizo alias Sex Worker. Cuando se enfunda la zamarra de Ital, la cosa se pone muy interesante. Si el año pasado consiguió atraer las miradas al firmar maxis casi de culto como “Culture clubs” (Lovers rock), 2012 amaneció con álbum de debut, el un tanto irregular —pero abundante en calidad— “Hive mind” en la siempre atenta escudería Planet Mu. Artífice de una de las etiquetas más ridículas de los últimos tiempos —hispter house, que engloba por extensión a compañeros del sello 100% Silk—, la manera de entender la electrónica de Ital —patrones rítmicos alienígenas, house lo-fi y delirante, sampleos extravagantes como los de Whitney Houston en “Doesn’t matter (If you love him)”— debería hacerte marcar como obligatoria su actuación.

ITAL

LAPALUX

MAYA JANE COLES

temas bombas a las pistas de baile. La meteórica carrera de este francés comienza con su primer remix facturado a los 16 años de “Smile like you mean it” de The Killers. A partir de ahí, su Soundcloud apestó a chamusquina batiendo récords de visitas para convertirse al poco tiempo en remixer de Yelle o Deadmau5. Con un estilo muy cercano al french touch, Madeon ya puede presumir de haber producido un hit (la infecciosa “Icarus”) y de ser el centro de atención encima del escenario, gracias a la vistosa habilidad ante los Novation Launchpads que utiliza en sus directos. En el festival Coachella ya vibraron con su actuación. ¿Y tú?

SINJIN HAWKE VS. ZORA JONES

No siempre los guiris vienen a Barcelona a destrozar mobiliario urbano y mearse por las esquinas, como diría el honorable conseller Felip Puig. Sinjin Hawke (canadiense) y Zora Jones (austriaca) se han afincado en la Ciudad Condal para hacer el bien y crear de las nada auténticas sesiones para sudar la gota gorda. Del primero sabemos que tiene buen gusto para producir juke de calidad, tal y como demostró a finales de 2011 en “The lights EP” (Pelican Fly). De la segunda, comprobamos que bajo una apariencia dulce e inocente se esconde una fiera tras un par de platos. Juntos forman un binomio inexpugnable que hará las delicias de los seguidores del uk garaje, R&B o el dancehall, por poner algunas etiquetas. Una experiencia que será más emocionante que cazar elefantes por Botsuana. LAPALUX

En 2011 un trabajo denominado “Forest EP” auto editado por un tal Lapalux sirvió de señuelo para los cazadores de downtempo infectado de beats hip hop y graves gordos. Ese mismo año, “Many faces out of focus” (Pictures Music, casa también de Koreless) afianzaba el hype y descubría a Stuart Howard, la cabeza pensante de Lapalux. Un proyecto que ha tenido su guinda con la entrada triunfal a Brainfeeder, el sello del Loto Volador que acoge “When you’re gone”, un EP que reafirma a Lapalux como una de las puntas de lanza del downtempo de calidad, que no es poco. TRUST

Maya Postepski (batería de Austra) y Robert Alfons (fotógrafo consagrado de artistas pop) forman Trust, una banda que rinde una especie de tributo oscuro y depravado al pop electrónico ochentero, pero cogiendo las coordenadas más desviadas de aquella época: EMB marrullero, música industrial pesada y oscurantismo malsano. Una serie de canciones que parecen un cruce entre el techno tosco y la música gótica que encuentran su sitio en “TRST”, el álbum debut del dúo canadiense que tantos esfínteres va cerrando a su paso. Si quieres pasar un (sano) mal rato, esta será tu oportunidad.

MAGIC TOUCH

El 50% restante de Mi Ami se llama Damon Palermo, otro freak de las estructuras rítmicas complejas y retorcidas, no en vano es un talentoso batería. Cuando no está colaborando con Jonas Reinhard en tareas cósmicas dedica parte de su tiempo a dar vida a Magic Touch, una de las apuestas más sólidas del label 100% Silk. De momento, una sola referencia que vale su peso en un puñado de pepitas de oro californianas: “I can feel the heat”, un doce pulgadas que contiene el temazo homónimo demoledor. Todo un viaje retrospectivo a las discotecas neoyorquinas cuando el disco era el eje de todo y Mr. Fingers era el puto amo en su casa. A bailar se ha dicho.

NIGHTWAVE

De esta productora eslovena sabemos, antes de nada, que posee un sentido del humor profundo al bautizar uno de sus alias como ‘8bitch’. Si rascamos un poco más, descubrimos una de las mejores apuestas de la Red Bull Music Academy. “Night heat EP” (Unknown To The Unknown, 11), publicado bajo Nightwave y "Feel EP" (Svetlana Industries, 11) firmado con su nombre real, Maya Medvedesek, son dos obras consistentes cimentadas en electrónica sintética que voltea alrededor Detroit (techno) y Chicago (juke) sin dejar de lado al grime. Quédense con el vídeo de “Feel” en la cabeza y dejen de leer esto. Lo entenderán todo a la primera.


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discos

La selección Jäger

discos Jack White “Blunderbuss”

Disfruta de un consumo responsable 35o

THIRD MAN-XL / ¡POP STOCK!

Release The Beast que despiertan un impaciente apetito por verlos en directo. Matías Bosch Betunizer “Boogalizer” BCORE

Choir of Young Believers “Rhine gold” GHOSTLY INTERNATIONAL

Pop orquestado. Para los que hayan tenido la oportunidad de visionar la serie danesa “The bridge”, protagonizada por el magnético Kim Bodnia, les sonará familiar el nombre de esta banda. En Suecia y Dinamarca conocen de sobra la melodía de “Hollow talk” —incluido en su anterior álbum de debut “This for the white in your eyes” (09)— y que abre los créditos en cada capítulo del serial televisivo, hecho que sin duda ha jugado a su favor de una súbita fama nacional. Su líder, de origen griego, Jannis Noya Makrigiannis, dirige a este sexteto-septeto de músicos que juegan con polifonías, armonías y arreglos orquestales de forma magistral. Con “Rhine gold” perfeccionan aún más su sonido melancólico, menos rock ‘al uso’ y más grandilocuencia, añadiendo suntuosos sintetizadores y acercándose sin miedo al dramatismo de los primeros Radiohead e incluso a la experimentación de los Talk Talk de Mark Hollis. De la inmediatez pop del segundo corte, “Patricia’s thirst” —que ayuda a penetrar con facilidad en el álbum— al majestuoso “Have I ever truly been here” —balada acústica que se desliza por una densa bruma de cuerdas— dista casi una hora en la que se despachan nueve temas

Rock. Sobreviviendo a los malos augurios que desprendía el título de su primer disco (nada de ahogados ni ahorcados de por medio) Betunizer están de vuelta, o lo que es lo mismo, la salvajada hecha música está de vuelta. Más pulidos y afilados que nunca y con una producción bien limpia que deja al aire todas las aristas, los cortes de “Boogalizer” están dispuestos a dejar marcas profundas en todos aquellos que se crucen en su camino. Dentro de su batidora encontramos hardcore, mala leche, rock y punk aderezados con algo de funk y tropicalismo, ingredientes habituales en ellos, aunque aplicados en proporciones distintas a las de su anterior entrega, tratados de forma más reposada para conseguir una mayor pegada. Crudos, directos, concisos, por momentos quirúrgicos, es casi imposible escuchar un par de veces temas como “Cedric Ceballos”, “Carne y diablo” o “El cocotero” y no caer rendidos a sus pies. Una barbaridad de disco que no se extrañen encontrar el próximo enero en muchas listas de los mejores del año. Javier Burgueño Carter Tutti Void “Transverse”

Rock. El culo inquieto más inconformista del panorama rock vuelve con otra sublime trastada. Su último disco, “Blunderbuss”, es el primero que graba en solitario, y puede ser muchas cosas: una reivindicación de sí mismo como músico integral, un ejercicio de autoflagelación tras la ruptura con la modelo Karen Elson o simplemente las ganas de hacer, una vez más, lo que le pide el cuerpo. Su trayectoria lo delata: en la década pasada, con su dúo White Stripes, perteneció a ese grupo de bandas que reivindicaban el rock americano frente a la ofensiva nuevaolera británica. A diferencia de compañeros de viaje como The Strokes o Kings of Leon, que se han ido disolviendo como una azucarillo en el café, White se ha mantenido siempre fiel a sus raíces blueseras con experimentos más o menos afortunados al frente de The Racounters o The Dead Weather, pero siempre dando que hablar tanto en su faceta de músico como de excéntrico personaje público. Con su último golpe de timón, hace honor a la frase promocional de su sello: “Tu tocadiscos no está muerto”. En este trabajo concebido inicialmente para vinilo, White se rebela como adalid y, al mismo tiempo, deconstructor del blues, y como aglutinador de todo lo que tenga raíz. Blunderbuss huele a tugurio añejo de Chicago, pero también de Alabama, picotea del gospel, pega brochazos de garaje y hard rock setentero y da pinceladas de rhythm

& blues. White desprecia, una vez más, el mundo digital y se zambulle en su paraíso analógico y viste su disco con hammonds y coros, con grooves adictivos y, como no, con su omnipresente guitarra gamberra, exquisita, electrizante... Posiblemente Blundebuss es el juguete más valioso de Jack White, el disco más Jack White de toda su carrera, un desquite explosivo en el que todo vale: medios tiempos con ecos Van Morrison (“Hip eponymous poor boy”), trallazos deudores de Led Zeppelin (“Sixteen saltines”) o múltiples experimentos como la versión acelerada de los años 50, el “I’m shakin” de Little Willie John, un jump blues acelerado que él reviste con coros femeninos y sus omnipresentes y aberrados punteos de guitarra. Ante todo este maremágnum de referencias, ¿qué impresión queda después de escuchar “Blunderbuss”? Pues que Jack White ha firmado, casi con seguridad, lo mejor de toda su carrera, si hacemos caso omiso a algunas letras pueriles hasta el sonrojo, como la de “Love interruption”. Pero, sobre todo, que ha disfrutado como un enano en el proceso. Y piensa seguir haciéndolo en el escenario, para la gira, el juguetón White se va a llevar dos bandas, una femenina y otra masculina. Según ha declarado, hasta pocos minutos antes de cada concierto no decidirá cuál de ellas le acompañará a los instrumentos. Este tipo sabe cómo mantener la expectación, no hay duda. Luis Meyer

les conozca sobre todo por sus actividades como Chris & Cosey. (Nik Colk) Void, por su parte, toca en Factory Floor. Los tres se juntaron bajo el nombre de Carter Tutti Void para una actuación en directo en mayo de 2011, durante la que se grabaron las cuatro piezas clave de “Transverse” (“V1”, “V2”, “V3” y “V4”), que habían ensayado antes (un poco): cuatro largas exploraciones sin compromisos que reflejan cierta visión de la música industrial abstracta, donde ordenadores, guitarras, infinitos cables y voces lejanas van generando sonidos extraños, propulsando al oyente hacia otra realidad a base de ritmos hipnóticos y amenazando abandonarlo en cualquier momento, confuso pero feliz, incrédulo, conquistado, entre oscuras implosiones metálicas y suspiros fantasmales. “V4 Studio (Slap 1)”, trabajada en estudio cual apéndice póstumo, cierra austera y elegantemente un gran disco. Gloria González

tes, que coinciden en designar a Daniel Glatzel como cabecilla) lo que le ha ocupado en “Bum bum”, su segundo disco, era inventar algo que no hubiera manera de recrear jamás. El resultado, inabarcable, fluye como piezas de un rompecabezas flotando a la deriva por el Atlántico y suena a DJ turntablista haciendo malabarismos con vinilos de folk balcánico, de mambo, de bandas sonoras antiguas y de sonidos para efectos especiales, un DJ que de vez en cuando se quedara como colgado, abstraído, bloqueado en un fragmento musical, mudo, para dejarse sacudir mejor luego por unas voces infantiles o por un golpe de jazz, y reemprender otra vez el intento de combinarlo todo, desde la música serial hasta las sintonías de series televisivas, sin perder nunca el hilo de la inspiración. Una locura exquisita, vaya. Gloria González

WARP / PIAS

Andromeda Mega Express Orchestra “Bum bum” ALIEN TRANSISTOR

MUTE / PIAS

Post-Industrial. (Chris) Carter y (Cosey Fanni) Tutti son ex miembros de los míticos Throbbing Gristle, aunque últimamente se

Clark “Iradelphic”

Experimental. Si a muchos músicos les preocupa cómo reproducir en directo sus composiciones, a Andromeda Mega Express Orchestra (una big band alemana de seis, quince o veinte miembros según las fuen-

Electrónica. Sexto disco ya para (Chris) Clark, aunque parece que fue ayer cuando surgió en la escena electrónica británica confeccionando delicadas melodías entre sintetizadores, filtros a tutiplén y ritmos contundentes obtenidos en parte con sonidos de batería manipulados. En “Iradelphic”, en realidad, es anteayer a todas horas. Son doce temas que evocan la repetición minimalista (“Black stone”, al piano, o “The pining Pt3”), el primitivismo electrónico (“Skyward bruise / Descent”), la contemplación ambiental más clásica (“Broken kite footage”) y, sobre todo, cierta concepción de la osmosis entre lo digital y lo analógico (con toques psicodélicos y bastante


Gareth Dickson “Quite a way away” 12K

Mike Wexler “Dispossesion” MEXICAN SUMMER / COOP

guitarra acústica) muy, pero que muy años 90. La aparición espectral de Martina Topley Bird (más conocida por colaborar con Tricky) interpretando una bossa-nova en plan trip-hop confirma que, a medida que pasa el tiempo, Clark está cada vez más obsesionado con su propia infancia musical. A ver quién le tira la primera piedra. Gloria González

Battles “Dross glop” WARP / PIAS

Remixes. Escanciados previamente en cuatro EPs pinchables, este CD recoge todos los remixes realizados a mayor gloria de “Gloss drop” (Warp, 11) y, como extra, la remezcla de “Sundome” del propio Yakatama Eye. Warp tira de agenda y propone una mareante nómina de nuevas y viejas glorias (pero glorias, al fin y al cabo) que recauchutan los doce temas del segundo LP de los estadounidenses: de Gui Boratto (de lo mejor) a The Field (de lo peor por borrar las pistas de voz de Kazu Makino en “Sweetie & shag”) pasando por Shabazz Palaces, Kode 9, Qluster (la nueva encarnación de Cluster), Hud Mo o Silent Servant (el latino Juan Méndez infiltrado en Sandwell District). El brasileño Boratto y todos estos últimos hacen valer su talento para dialogar con el original, mientras que el sueco Willner, Pat Mahoney & Dennis McNany y Gang Gang Dance pierden una gran oportunidad de lucirse en la enésima demostración de que para hacer un buen remix hay que trabajar tanto o más como para hacer una buena canción. Half Nelson Cristian Vogel “The inertials” SHITKATAPULT

Techno. Cristian Vogel debuta para el sello alemán Shitkatapult con un disco financiado a través de la web de crowdfunding Pledgemusic.com. Gracias a aportaciones de entre 10 y 1500€ el artista chileno ha conseguido reunir un 126% del presupuesto necesario para grabar este LP, donde se entrega al desarrollo de sonidos industriales en clave techno, dejando a un lado el funk espasmódico de Super_Collider y también las referencias de sus últimos trabajos en largo: las coreografías contemporáneas para Gilles Jobin recogidas en “Music for the creations of Gilles Jobin” (Station 55, 07) y en “Black swan” (Sub Rosa, 10). En estos diez temas, Vogel incorpora dubstep (“Enter the tub”, “Deep-water”), dub casi puro (“Seed dogs”) y un interludio de piano circular (“Todays standard form”), pero poco a poco se va escorando hacia un techno trotón, cimbreante, no bailable, trufado de frecuencias de raíz industrial (“Snakes in the grass”, “Dreams of Apolonia (Trying for your love)”) y acaba gloriosamente con dos piezas basadas en el minimalismo orquestal de Glass y Reich (especialmente la imponente “Spectral transgression” que se va hasta los once minutos con latigazos de Detroit techno). Un disco rico, diverso y de interés creciente. Half Nelson

Cuzo “Alquimia para principiantes” BCORE

Space rock. Después de tres estupendos discos (el último de ellos, “Puedo ver tu mente”, a medias con Damo Suzuki), el trío barcelonés Cuzo ha decidido dar un pequeño golpe de timón, con el que se aleja de las visiones apocalípticas y del espíritu de la serie B, para entregar el que es su disco de aire más clásico y pesado, el primero que prefiere claramente a papá Black Sabbath antes que a mamá Can y a los titos de Goblin. Esto, no se asusten, no significa que en los ocho cortes de “Alquimia para principiantes” no haya espacio para los sonidos cósmicos y la psicodelia oscurantista: la cabra siempre tira al monte, y esta cabra sigue manejando sintetizadores analógicos, theremines y efectos que convierten las guitarras en una masa viscosa, y ahí tienen cortes como “Mil homes” o “El exorcista turco” para certificarlo. Antes bien, se trata de que el sonido es más nítido, la cadencia de las canciones más pausada y los riffs (siempre pegajosos) se anclan a la tradición del blues, dejando que los instrumentos se abandonen a pequeñas improvisaciones y a ciertos gestos de barroquismo, pero sin llegar a romper por completo la estructura de los temas. Temas que, en consecuencia, son menos esotéricos y marcianos, pero que ganan en contundencia y brillantez. Calidad incontestable. Vidal Romero

David Cordero & Carles Guajardo “Emma” FOEHN

BSO. David Cordero meditaba la posibilidad de doblar y guardar en el armario de los proyectos musicales el nombre artístico al que ha estado ligado durante algo más de una década. Úrsula comenzó siendo una aventura establecida sobre los cánones del slow-core y llegó a su final entregando dos grandes discos de paisajismo instrumental. Estas obras mayúsculas del minimalismo, el ambient y la neoclásica convencieron al director Roberto Pérez Toledo para encargarle la banda sonora de su primer largometraje: “Seis puntos sobre Emma”. El autor andaluz ha encontrado aquí la oportunidad de presentarse bajo su verdadero nombre. Compositor de la estructura general, pensó en Carles Guajardo —aka bRUNA (representante del IDM patrio más emocional)— para que dibujara unas delicadas líneas de piano. La aportación de la excelencia de ambos, junto a los contrabajos de Marco Serrato (Orthodox) y los delicados violines de Cristina Gámez (Úrsula), coloca a “Emma” entre las más sobresalientes obras del estilo. David Giménez Dean Blunt & Inga Copeland “Black is beautiful” HYPERDUB

Electrónica borrosa. El confuso dúo antes conocido como Hype Williams —lo primero que llama la atención para esta nueva referencia es el cambio de nombre de la formación y una portada inspirada en la cabecera del

Ambient folk. Uno de los aspectos más interesantes de Nick Drake, tal vez el que mejor da la medida de lo compleja y sutil que resultaba su música, es que (dejando de lado ciertas cuestiones de producción) sus discos suenan tan modernos hoy día como en el momento en que se publicaron. Es por esa razón que muchos artistas se han acercado a esos discos durante los últimos cuarenta años, y por lo que siguen utilizándolos como puntos de partida desde los que trenzar sus propios discursos, sin miedo a sonar anticuados o fuera de su propio tiempo. Discursos como los del inglés Gareth Dickson y el norteamericano Mike Wexler, dos músicos que se nota que han aprendido a cantar y a ensamblar sus canciones a la sombra de Drake, y que acaban de publicar dos discos vestidos de manera muy diferente, pero que en lo más profundo del hueso conservan esa fijación por la desolación y la tristeza, esa habilidad para escarbar en el lado oscuro de la naturaleza humana, que el cantautor inglés supo convertir en arte. De los dos, el que menos esfuerzos realiza por esconder que se trata de un hombre bajo la influencia es Gareth Dickson, o al menos eso es lo que transmite “Quite a way away”, el quinto disco de una carrera que (por lo que se puede escuchar aquí dentro) ha pasado injustamente desapercibida. Y es que Dickson se enfrenta a sus canciones con la desnudez de su voz, una guitarra acústica y un par de pedales de efectos. Una guitarra que, eso sí, toca de manera poco usual, mediante extraños acordes, complicados arpegios y un uso muy particular del silencio, y siempre siguiendo un proceso en el que (según él mismo dice) tiene mucha importancia la improvisación: sólo en el momento en que la atmósfera es la apropiada comienza nuestro hombre a cantar. Y la atmósfera sólo es apropiada cuando la superposición de figuras y efectos (sobre todo reverb y delay) consigue tejer un fondo de alto poder evocativo, en el que bullen multitud de ecos y misteriosas reverberaciones, que da a los temas

magazine de cultura afroamericana— sigue jugando al despiste. Porque lo que esconden los surcos de su nuevo trabajo una vez gira en el reproductor, demuestra de nuevo que Dean Blunt e Inga Copeland siempre nos pillan a contrapié. “Black is beautiful”, editado en la casa de Kode 9, es una nueva vuelta de tuerca al sonido inclasificable y bizarro de la pareja británica: canciones perezosas que pueden durar desde 30 segundos hasta casi 10 minutos, sampleos extraños, percusiones pasadas de rosca y muchas capas de sinte para crear ese (inefable) clímax característico de la dupla. Una especie de oda psicodélica a las noches en que acabas viendo todo borroso, que acaba por funcionar si nos armamos de paciencia y encajamos todas las amorfas piezas del puzzle que componen el rompecabezas de “Black is beautiful”. Unos temas que pueden sonar a tomadura de pelo para muchos (algunas acaban de manera accidentada a modo de croquis) pero que en general esconden aspectos del dúo antes no vistos: melodías y estructuras pop tarareables y alguna que otra canción ‘sólida’ en el sentido literal de la palabra. No suenan a nada que exista por ahí fuera, y sólo por eso merecen una oportunidad y respeto. Beto Vidal

ese aire entre fantasmal y liviano, de una fragilidad absoluta, que es uno de los ases que esconde Dickson en la manga. Porque el otro as es su voz: una voz que frecuenta el murmullo y que huye de los estribillos, que prefiere las formas narrativas (aunque a veces esa narración sea escueta, como sucede en “This is the kiss”), porque apoyan el carácter introvertido de unas letras que parecen diseñadas para añadir un último velo espectral al conjunto del disco. De un disco que al final resulta navegar entre el folk y el ambient (lo que explica su presencia en un sello como 12k, que hasta la fecha no había publicado música de origen no electrónico), y que siempre fija su rumbo hacia un norte emocional. Frente a la espartana desnudez de “Quite a way away”, el disco de Mike Wexler resulta mucho más orquestal y alucinado. Tienen en común que el segundo también fía sus canciones a la improvisación: las siete que suenan en “Dispossesion” provienen de unas dispersas sesiones de grabación, realizadas a lo largo de dos años y con ayuda de una banda mutante, en la que entraban y salían músicos habituales de la escena improv de Nueva York. Sesiones a las que Wexler acudía con un par de acordes entrelazados y una grabadora de pistas, y que más tarde ha editado hasta dar forma a esos fondos de aspecto líquido que recorren su disco de lado a lado. Fondos cuyo potencial hipnótico se incrementa después mediante la superposición de drones, teclados obsesivos y chisporroteos analógicos, hasta dar cuerpo a una música de elevado nivel entrópico, en la que apenas sobresalen su voz, quejumbrosa y tristísima, y esa extraña manera en la que toca la guitarra, abusando de acordes inventados y arpegios extravagantes. La conexión con Nick Drake, en fin, se realiza aquí por el lado más psicodélico: si el disco de Dickson es hijo de “Pink moon”, entonces el de Wexler lo es de “Bryter later”. Y de hecho, otros nombres que vienen a la cabeza al abismarse en esta obra de belleza insondable y tóxica son los de Robyn Hitchcok y Sonic Boom. Con el primero, comparte el gusto por la lisergia de andar por casa. Y con el segundo, la capacidad para dar forma a una música completamente abstracta, pero que se astilla con una turbadora fragilidad. Tan turbadora como ese título fascinante, “Dispossesion”, que luce orgulloso en el lomo. Vidal Romero

Frankie Rose “Interstellar” MEMPHIS INDUSTRIES / COOP

Pop. Corrían los últimos años de la década de los 90 cuando nuestra compañera Banessa Pellisa pilotaba, con exquisito gusto musical y excelentes dotes de visión comercial, un proyecto discográfico que ella misma había ido gestando desde hacía años y que bautizó bajo el nombre de Inane. En sus años de máximo apogeo el sello afincado en Barcelona contó entre sus referencias con la distribución de artistas como Adventures In Stereo, Eggstone, los conocidísimos Club 8, o la japonesa Jenka. Cito esta obligada referencia porque “Interstellar”, la segunda entrega del proyecto de Frankie Rose ( ex de Vivian Girls, Cristal Stilts, y Dum Dum Girls) hará la delicia de todos aquellos que profesaban amor incondicional a aquel catálogo que compilaba estilos como el C86, el twee-pop, el shoegaze dulce de baja frecuencia, el post-punk ingenuo e infeccioso y el synth-pop melancólico, o a aquellos que vayan sumándose ahora a estos candorosos y luminosos sonidos. Muy notable. David Giménez


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discos

Orbital “Wonky” PID

Techno melódico. Antes que nada, dejen que explique esta extraña etiqueta. Como fan de siempre que he sido de los hermanos Hartnoll soy plenamente consciente de que su momento pasó. Que ya no han podido crear nada suficientemente emocionante tras su canto de cisne con “In sides” (96). Que “The middle of nowhere” (99), “The altogether” (01) y “Blue album” (04) son tres discos en los que intentaron, en vano, renovarse estirando como un chicle viejos sonidos. Ellos mismos debieron darse cuenta cuando se separaron: ya no podían aspirar a seguir dibujando las melodías más pop de la música dance inglesa porque el océano de su inspiración se había secado, quizá para siempre. En los dosmiles, Orbital fueron como esos grandes grupos del hardcore melódico (tipo Bad Religion) que llevan más de treinta años haciendo el mismo disco y viviendo de rentas. Los hermanos Hartnoll supieron darse cuenta de ello (un poquito tarde) y, muy sabiamente, prefirieron retirarse. Pero poderoso caballero es Don Dinero, y como sus respectivas carreras en solitario resultaron ser un fracaso considerable, volvieron a lo que mejor se les daba: dar conciertos como Orbital recuperando toda la artillería dance de trabajos como los dos “Orbitals” —el verde (91) y el marrón (93)—, el irregular “Snivilisation” (94) y el inmenso “In sides”. Por los otros tres pasaban de puntillas, claro y lógico. Orbital se habían convertido en uno de los reclamos más poderosos para animar cualquier festival, como los Ramones en su día. Los viejos íbamos a verlos porque, coño, son

Orbital y somos fans; y siempre habría muchos jovenes que redescubrirían el placer electrónico de temas como “Halcyon + On + On” o “Chimes”. Nadie les había pedido un disco, francamente. Pero la rueda debe seguir girando y aquí tenemos “Wonky”, un álbum donde Paul y Phil Hartnoll pretenden volver a hacer aquello que mejor se les da. Recuperar cierta nostalgia noventera con burbujas de pop electrónicas. Lo malo es que tras tres temas muy orbitalienses como son los primeros “One big moment”, “Straight Sun” y “Never” sucede lo peor que le puede pasar a un disco, y más siendo de Orbital: que te aburras y prefieras recuperar “The girl with the sun in her head”, mucho más emotiva que estas tres canciones juntas. “New france” intenta ser una mezcla de la impresionante “Halcyon + on + on” y aquella maravillosa “Illuminate” (su última GRAN canción) pero es un tema que no llega a emocionar lo suficiente y, además, donde no han sabido explotar la increíble voz de Zola Jesus. En “Distractions” parece que vaya a aparecer en cualquier momento el Nyan Cat por la fealdad de sus sintetizadores y en “Stringy acid” pretenden recuperar ciertos sonidos añejos del álbum verde, cosa que actualmente le sale mucho mejor a Lone. Vamos a obviar “Beelzedub” (una especie de dubstep sin pies ni cabeza), indigna de la gente que compuso “Planet of the shapes”. La sorpresa llega al final con los dos temas menos orbitalienses del disco. Dos tracks en los que no pretenden recuperar glorias pasadas y se dedican a hacer algo diferente a lo que siempre han hecho, cosa que se agradece. Son los temas más piyuleros del octavo trabajo de los hermanos Hartnoll: la inquietante y anfetamínica “Wonky” (que además viene con vídeo de gatetes, cosa que siempre ayuda) y esa electrosa “Where is it going?” que se convierte en el tema más animado de un disco francamente aburrido y olvidable. Manu González

tan brillante como “Kaleidoscope” (Ninja Tune, 00). Ni la nostalgia puede salvarlo. Half Nelson Gareth Davis & Frances-Marie Uitti “Gramercy” MIASMAH

DJ Food “The search engine” NINJA TUNE / PIAS

Trip-hop. El primer álbum de DJ Food en once años, ahora ya sólo con Kevin ‘Strictly Kev’ Foakes a los mandos, es en realidad un refrito de dos EPS publicados en estos últimos meses: “Magpies, maps and moons EP” (Ninja Tune, 11) con las colaboraciones de J. G. Thirlwell (o sea, Foetus) y 2econd Class Citizen y “The illectrik hoax EP” (Ninja Tune, 12) a medias con Amorphous Androgynous, alter ego de los Dougans y Cobain de Future Sound of London. Además, se incluye un remix (acreditado como tema propio) del “Giant” de The The (lógicamente, con la voz, acreditada como colaboración, de Matt Johnson, muy raro todo). El disco deambula entre el turntabilismo con abuso de samples de discursos de divulgación científica y los momentos rockerillos del garage de “All covered in darkness Pt. 1” y de “The illectrik hoax”). Con la excusa de la amplitud de miras se cae en un batiburrillo donde se reconoce poco al creador de un álbum

Neoclásica. Hay una cosa que tienen en común el clarinetista Gareth Davis y la chelista Frances-Marie Uitti, y es que a los dos les gusta llevar sus respectivos instrumentos a lugares poco habituales. Les gusta probar con técnicas extravagantes (Uitti incluso se atreve a tocar su instrumento con dos arcos), manejar efectos y hasta maltratar sus cacharros (especialmente a Davis, que parece disfrutar golpeando su clarinete). Por suerte, tanto virtuosismo no deviene en simple masturbación, sino que les sirve para establecer un diálogo que tiende puentes entre la música contemporánea y el jazz con acento europeo (se nota que han mamado ECM a litros, vaya), y que gusta de frecuentar el lado menos amable de la vida. Eso quiere decir que “Gramercy” es un disco crudo y rudo, que no realiza demasiadas concesiones al oyente: sólo en la primera pista, “2 am”, existen melodías reconocibles como tal; a partir de ahí, todo son improvisaciones más o menos atmosféricas y desviaciones por caminos sombríos, que siempre desembocan en la atonalidad y el expresionismo. Un material de difícil digestión, cuyo clímax se encuentra en los veinte minutos largos de “De-

tour”, una pieza en la que los instrumentos se van trenzando entre sí, pasando del silencio al ruido y de la caricia al arañazo, mientras muestran las virtudes y defectos del invento. Virtudes que se resumen en lo asombrosamente bien tocado que está el disco, en la inacabable inventiva de sus arreglos. Y defectos que se pueden resumir en uno: el tono monocorde y lineal que transmiten todas las piezas, y que convierte a “Gramercy” en una auténtica turra maestra. Vidal Romero

Great Lake Swimmers “New wild everywhere” NETTWERK / NAÏVE

Americana. No debió resultarle sencillo a Tony Dekker enfrentarse a la composición del que debía ser la continuidad de aquel enorme y aclamado “Lost channels” (09), un disco mayúsculo dentro de la americana más lánguida y sombría. A buen seguro era consciente de que con el paso de los años aquel trabajo acabaría mitificándose y que, por tanto, cualquier cosa que pudiera hacer sería analizada meticulosamente y, me atrevería a decir, que con alguna dosis de prejuicio. Bueno, pues despejemos las dudas, “New wild everywhere” es un álbum muy notable, uno más en la carrera del canadiense. Despista, sólo inicialmente, el giro que el artista ha dado al espíritu sonoro de sus nuevas canciones. Las densas nieblas se esfuman y dan paso a un discurso que desprende optimismo y energía incluso cuando los brotes de melancolía asoman entre los surcos. Mucho más dinámico y luminoso, este trabajo se muestra más maduro, meditado y pulido que ningún otro hasta la fecha. Una obra atemporal a la que será un placer regresar eternamente. David Giménez

House Of Wolves “Fold in the wind” MOONPALACE

Pop de cámara. Especialista como es en encontrar pequeños tesoros de alto calado emocional, el responsable del sello-capricho Moonpalace descubrió el año pasado un disco pequeño de un artista pequeño (Rey Villalobos, residente en Portland), y no ha podido evitar darle una segunda oportunidad, buscarle un nuevo hogar dentro de uno de esos bonitos envoltorios que él mismo fabrica a mano. Y hay que alabarle el gusto, porque “Fold in the wind” es una golosina delicada; un disco de esos en el que la escasez de medios (es de instrumentación parca y roza la baja fidelidad) añade brillo y emoción a unas canciones que se intuyen tan sinceras como tímidas. Por el tono de voz, la desnuda intimidad de que hace gala en sus canciones y la manera en la que utiliza el falsete, Villalobos recuerda poderosamente al malogrado Jeff Hanson. Pero se nota que sus influencias apuntan más alto: hacia el Elliott Smith más acústico (“Roses in the nordic countries” podría ser un tema perdido de las sesiones de “Either/or”), hacia Alex Chilton y Chris Bell, hacia Ken Stringfellow y John Darnielle; hacia todos esos songwriters que tienen alma de indie, pero miran hacia la rica tradición folk estadounidense con el rabillo del ojo. Como esos cantantes, Villalobos se apoya en la guitarra y el piano para contar pequeños dramas cotidianos, historias desarmantes por su sencillez y cercanía, a las que él añade un desarrollo narrativo y un acento confesional. Elementos que, como decíamos más arriba, convierten a “Fold in the wind” en un capricho delicado, para disfrutar en soledad. Vidal Romero

Granvehurst “The ghost in daylight”

Joan Colomo “Producto interior bruto Vol. 2”

WARP / PIAS

BCORE

Folk. Han pasado cinco años desde la edición de un “The western lands” (Warp, 07) que suponía en cierto grado la culminación de una carrera que se remonta a cuando Nick Talbot se instaló en Bristol con su anterior proyecto, Assembly Communications. Y quizás haya sido por ese sentido de haber topado con el fin de una vía de exploración por lo que Granvehurst haya vuelto a sus orígenes, mostrando en “The ghost of daylight” su faceta más recluida y otoñal, con apenas intromisiones digitales (“Islands” es la única excepción, una larga e ingrávida pieza de más de ocho minutos) y las guitarras acústicas tomando de nuevo el control de unas canciones creadas para acompañar el repiqueteo de la lluvia. Grabando en completa soledad, dejándose llevar por una languidez sacralizada por los sutiles arreglos de órganos, mellotrones y sintetizadores, Talbot dota a canciones como “The prize”, la preciosa “In miniature” o “The ghost of Saint Paul” de una cercanía casi inhumana, extraña como el abrazo de un desconocido. Simple y precioso. Simplemente precioso. Joan Cabot

Eclecticismo rock. A Joan Colomo no le hace falta apenas nada para crear música. Sentir su propio aliento, agarrar la guitarra y aclarar la voz, eso es todo lo que necesita para hacer aflorar una canción. Claro que algún guiño del ambiente le puede ayudar: más instrumentos, músicos amigos ayudándole con las percusiones y los arreglos; o el público cantándole los coros, la animación de un lugar expectante, un bendito crowfounding... La sola desnudez creativa del músico de Sant Celoni es un poderoso motivo para que existan sus discos. “Producto interior bruto Vol. 2” prueba que en realidad Colomo no necesita refugios ni recursos para dar a luz su obra. Sus canciones fluyen como la sangre que le impulsa por dentro y, en este segundo volumen de su obra más introspectiva, adquieren un cuerpo poderoso y coherente, superando el listón de la primera parte del proyecto. El amigo Colomo es un excéntrico instigador de derivas reflexivas, desviaciones anímicas y saltos entre charcos estilísticos, y su tercer disco en solitario le encuentra avivando todas las llamas a un tiempo. La prístina solidaridad con ese ve-


Patrick Watson “Adventures in your own backyard” DOMINO / PIAS

getal estoico, guardián de iglesias y cementerios, en “El xiprer”, que produce escalofríos a cada punteo o sentido fraseo, más la íntima fascinación por toda forma de vida que se condensa en la rima aterida de “El fong i el llangardaix”, contrastan con la explosión histriónica de feria en “Ebri”, o con esa otra cancion para brindar, “Els destil.lats i la constitució (segona part)”, carismático homenaje a las Destilerías Bonet. Todo esa mezcla genial con la afilada épica de la canción que da título a este disco y el anterior, o el aire surrealista y extravagante de “Ego sum”, “Mart” o cualquier corte del cancionero. Joan Colomo es un hombre de alta perspicacia, que se cuestiona lo que ve, pero no lo que canta. Este cantautor que dice que no sabe escribir letras juega con las palabras sin vergüenza, y enreda melodías sin parar. Brindemos por la formidable erupción musical de su fuero interno. Albert Fernández

Lonely Drifter Karen “Poles” CRAMMED DISCS / KARANTE

Pop. Las crestas más altas se alcanzan con la mayor liviandad. La austríaca Tanja Frinta antepone lo etéreo a lo denso, y así consigue que sus canciones floten, vuelen, y deambulen por cielos de seda con esa extraña cualidad que poseen las canciones que toman las conciencias sin preponderar en los espacios. La vida nómada de Tanja le llevó de un debut en solitario en Suecia a una gira europea donde congregaría a los otros músicos que confomarían Lonely Drifter Karen, el batería italiano Giorgio Fausto Menossi, luego substituido por el multi-instrumentista francés Clément Marion, más el teclista y productor mallorquín Marc Melia Sobrevias. La tercera aventura discográfica de Lonely Drifter Karen es un viaje por los dorados reinos del extrañamiento y la nostalgia. Caricias de sintetizadores apremian con el recuerdo de los 80, pero las percusiones evocan los 60, mientras la voz preñada de luz de Tanja encoge las almas más distantes. Los picos de enérgicos bamboleos, las recurrentes caídas al abatimiento, o las rampas de seducción vaporosa convierten canciones como “Comet”, “Three colors red” o “Soul traveller” en esquivas píldoras de euforia y melancolía. Despacio y suave, el viejo pop de siempre se extraña y eriza, reflejando infinidad de momentos vividos, en una última cima de la luz musical. Albert Fernández La Sentina “Falconades” AUTOEDITADO

Pop. Grabado por Joan Pons (El Petit de Cal Eril) en un pequeño teatro de Guissona, Lleida, que Pons ha reconvertido en estudio de grabación, el disco de debut de La Sentina consigue producir sobre el oyente exactamente lo que indica la definición del título que aparece en el interior del digipack, una experiencia impactante que se registra en la memoria, como un relámpago. Las canciones de “Falconades” impactan, son pequeñas píldoras pop recubiertas por ca-

pas de arreglos dulces y sabrosos que consiguen hacerse un hueco profundo en la memoria, a pesar de la bisoñez de algunas de sus letras. Temas como “Somatismes”, “Falconades”, “Benestar animal”, o la acertadísima adaptación de un poema de Jacques Prévert en “Orgue de maneta”, invitan al movimiento de cabeza tontorrón siguiéndoles el ritmo y provocan la media sonrisa de satisfacción en el oyente cuando se descubre haciéndolo. Estos son los placeres mundanos del pop. Javier Burgueño Liz Green “O,Devotion!” PIAS

Folk. Liz Green se define a sí misma como una payasa tragicómica del pop. Sus afiladas letras sí que tienen mucho de eso, pero musicalmente es otra historia. Lo que hace son canciones que servirían para explicar pequeños teatrillos de títeres, cuentos oscuros de otro tiempo donde la muerte tiene un papel estelar. Su mezcla de folk, chanson francesa, blues y swing se viste ceremoniosa gracias a la delicadeza entrecortada de sus arpegios y los pellizcos del trombón y el contrabajo. Por encima de todo eso, una voz trémola como signo distintivo o tal vez como condena, pues le tilda como la Devendra del folk mancuniano en cuestión de segundos. O como la Antony de un cabaret delicado, por qué negarlo, sobre todo si en algún momento piensas que todas sus canciones suenan igual, que es fácil que ocurra. Pero no le quitemos magia al asunto. O’Devotion es el primer largo de una seria cantautora y es mejor degustarlo con mimo. Lo más recomendable: centrar la atención en su sobresaliente lírica. Carola Guerrero

Bigger-than-life folk. Puede que a muchos lectores de Go no les suene el nombre de Patrick Watson a la primera, pero si hablamos de “To build a home”, canción que en 2007 abría “Ma fleur”, tercer LP de estudio de The Cinematic Orchestra, puede que la cosa cambie. Aquella canción, una de las grandes, grandísimas baladas de la pasada década, sigue poniendo los pelos como escarpias sin esfuerzo aparente. La sentida garganta que protagonizaba el tema pertenece a nuestro protagonista, el canijillo, barbudo y un poco desharrapado líder de esta banda que, en un estimable ejercicio de originalidad, lleva su propio nombre. Watson, nacido en California y criado en Quebec, lugar de probada efectividad para la música independiente, lleva ya la friolera de cinco discos a sus espaldas, con un primer esfuerzo en solitario y otros cuatro junto al guitarrista Simon Angell, el bajista Mishka Stein y el percusionista Robbie Kuster. A pesar de que en Canadá le arrebataran con “Close to paradise” un Polaris Music Prize a intocables como “Neon bible” de Arcade Fire o “The reminder” de Feist, no parece que su estatus global se corresponda con la innegable belleza de sus composiciones. Sólo el estupendo “Wooden arms”, ya en 2009 y tras el éxito de “Ma fleur”, pareció levantar un poco de polvareda alrededor del cuarteto. Esperemos que “Adventures

in your own backyard” sea lo que la banda necesita para trascender a otras audiencias y mercados. “Lighthouse”, que abre el disco con sus pianitos evanescentes y repta hasta que se deja arropar por arreglos de vientos a lo “Forever changes” y guitarras fronterizas, deja claro, aun sutilmente, que algo ha cambiado. Y para bien. La referencia de Love, además, no es gratuita, ya que escuchando “Into giants” vuelve a resucitar muy vivamente. El grupo ya demostró en sus anteriores trabajos una sorprendente versatilidad instrumental, y las dotes compositivas de Watson son innegables, pero parece que ahora, quizás por el hecho de haber grabado, como bien sugiere su título, en un estudio casero situado a dos cuadras de sus casas, se sientan más cómodos que nunca. Si ya eran buenos, ahora suenan más emocionantes; si antes parecían proyectar sus canciones un poco hacia sus adentros, aquí resultan más expansivos. Perfecto para estos días de entretiempo que igual te sorprenden con un sol abrasador que te destrozan la jornada con unas lluvias inesperadas, este disco es perfecto para dejar en repeat junto a recientes maravillas del folk-pop retro y pelín cortavenas como el “Maraqopa” de Damien Jurado o el “Dispossession” de Mike Wexler, aunque eso no diluya otros paralelismos obvios como los de Van Morrison, Jeff Buckley, Andrew Bird y hasta Antony. Como bien dice uno de los jefes de esta santa casa, Patrick Watson hace canciones folk más grandes que la vida, y si a alguno de ustedes este tipo de afirmaciones le parece demasiado grandilocuente, al menos que no se sorprenda luego al encontrarse “Adventures in your own backyard” entre los mejores discos de 2012. Pablo Vinuesa

Louse Pop “Time is a habit” SILUH / GREN UFOS

Maya Jane Coles “DJ Kicks” !K7 / ¡POP STOCK!

múm “Early Birds: A compilation of early recordings, rare music and forgotten songs from 1998-2000 or thereabouts” MORR MUSIC

Sesión. La futura reina de las pistas de baile del planeta —si hablamos en términos de deep-house— está claro que será esta joven inglesa que pincha tan bien los discos como elige su estilismo: gorra del revés que hace sombra a una titánica quijada, tatuajes a cascoporro y gran tonelaje de cadenas de oro colgando del cuello. El talento de Maya poniendo discos le ha llevado a las puertas de la popular y casi infalible serie “DJ Kicks”, donde la británica luce sus mejores galas. Con los cascos enfundados, Jane Coles mezcla con pulcritud y esmero una sesión que rastrea en primera instancia el house underground, con grandes temas como “Money” de Chasing Kurt o el remix del clásico de Virgo Four “It’s a crime” por parte de Caribou. Mientras el asunto avanza con la clase y mano firme que requieren las grandes citas, la sesión se introduce en el pantano del dubstep por momentos (sin ir más lejos, “Meant to be” del otro alias de Maya, Nocturnal Sunshine) para rematar la faena con las estocadas techno de los maestros Marcel Dettmann (“Translation two”) y Claro Intelecto (“Hunter’s rocket to the sky”). Sesionaca, y punto. Beto Vidal

Indietrónica. Echar la mirada atrás, no tanto como un ejercicio nostálgico sino como una proclamación del derecho a ser reconocido, es justicia. Ahora que las nuevas entregas de los islandeses han logrado retirarles del centro de atención que sí tuvieron durante buena parte de la década del dos mil, en el momento en el que su discografía comienza a esparcirles en la inmensidad de lo intrascendente, surge de entre lo gris un destello de luz, el faro musical que atrae de nuevo toda nuestra atención hacia sus primeras obras: los maravillosos “Yesterday was dramatic —Today is OK” (TMT Entertainment, 00), “Finally we are no one” (FatCat, 02) y “Summer make good” (FatCat, 04). Porque la función principal de este “Early birds: A compilation of early recordings, rare music and forgotten songs from 1998-2000 or thereabouts” es precisamente esa, alimentar la necesidad de recuperar aquellos gloriosos álbumes a través de los quince cortes incluidos aquí (la mayoría de ellos inéditos), donde se recupera la génesis de aquel peculiar sonido que les caracterizó, logrado a base de clicks and cuts, melódicas líneas de pop y sutiles dosis de post-rock. David Giménez

Indie pop. Deberían cobrarte por emplear la palabra ‘indie’ con la ligereza con la que la usamos hoy en día, hasta el extremo que la hemos dejado hueca y tanto sirve para hablar de Comet Gain (el indie verdadero) como de cualquier grupo de rock con la suficiente pizca de rareza como para que no encaje del todo en las fórmulas preconcebidas del mainstream. Luise Pop son indie, indie auténtico, como Comet Gain, y como sucede con éstos han acompañado a menudo sus canciones de una fuerte carga ideológica, especialmente feminismo. Y aunque en “Time is a habit” han optado por un tema mucho más íntimo y menos social —el paso del tiempo y la eterna juventud—, sus canciones no dejan de sonar militantes en cierto grado, en gran medida por su apego a una tradición directamente heredada de grupos como The Raincoats, The Pastels, Huggy Bear o Bikini Kill. Ésa es la actitud del grupo vienés, una melancolía combativa que les permite mirar al pasado con una mezcla de recelo y añoranza y celebrar eso de que el pop nos hará eternamente jóvenes aún sabiendo que, desgraciadamente, no es verdad. Joan Cabot My Best Fiend “In ghostlike fading” WARP / PIAS

Shoegaze. La gente de Warp apuesta por meter entre su catálogo de novedades a la enésima banda ensimismada en la exploración del sonido shoegazer con declaradas orientaciones religiosas. En su particular


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discos

Actress “R.I.P.” HONEST JON’S

Electrónica inclasificable. Todo el mundo habla hoy por hoy del señor Darren J. Cunningham. Está en boca de todo buen sibarita del techno underground cinco jotas o bien de aquellos que hurgan entre los contenedores basura del techno actual en busca de algo consistente y valioso, tratando de separar la infructífera chatarra. Quien dice hoy, también dice hace un par de años, cuando el británico se sacó de la manga uno de los mejores álbumes de (¿techno?) de 2010, el osado y mastodóntico “Splazsh” (Honest Jon’s). Un segundo disco que confirmó las buenas maneras que se intuían en el enmarañado y denso “Hazyville” (Werk Discs, 09) y que empezó a forjar el estatus casi de culto del artista. ¿Las razones de tanta adulación? Un techno reptante, sigiloso y mutante que no deja ponerse el lazo o la etiqueta de turno. Música para gravitar, fantasear, envasada al vacío, asfixiante y cargada de la tensión suficiente para dar al techno el impulso definitivo al salto de calidad inevitable. Por la oficina de esta santa casa se oyó decir que el disco que nos ocupa “suena como si estuvieras esnifando pegamento en el lavabo de un club techno de Berlín”. El que abajo firma suscribe tan acertada definición y añade una vuelta de tuerca más: “R.I.P.” suena a lo que uno sentiría al practicar la hipoxifilia, esto es, obstruir la respiración justo antes de llegar al orgasmo. Porque el nuevo y flamante larga duración de

caso, My Best Fiend —supuesta dedicatoria al clásico filme documental de Werner Herzog— señalan descaradamente con su dedo anular a Jason Pierce (Spiritualized) calcando su sonido hasta correr el riesgo de ser confundidos por una de esas ‘bandas homenaje’ que frecuentan ferias discográficas, pubs alborotados y fiestas de pueblo. La escucha de “Jesus Christ” insta a llevarse las manos a la cabeza. Los supuestos estallidos eléctricos que se hallan en este “In ghostlike fading” causarán somnolencia a cualquier seguidor habituado a Mogwai o Explosions in The Sky. Sus supuestas baladas ( “Cool doves” o “I´m not going anywhere”) huelen a refrito indie noventero cocinado en la sartén oxidada de The Jesus and Mary Chain. Ni su último corte, “On the shores of the infinite”, se salva. Un tostón. Matías Bosch

Actress amplía los recursos observados en “Splazsh”: el sofoco y techno recargado de espacios comprimidos pasa en parte a difuminarse en melodías más consistentes (la rugosa “Shadow from Tartarus” es el tema que más recuerda a su anterior disco). De hecho, la forma y cantidad de las composiciones —bocetos que en ocasiones no pasan de los dos minutos y medio— recuerdan al “Dedication” de Zomby del año pasado. Pero si los esbozos de este último parecían dibujados a mano por un adolescente después de haber fumado hierba, las canciones del de Wolverhampton carecen de la sensación de dejar las cosas inacabadas. Actress no practica la marcha atrás. Al parecer, “R.I.P.” está inspirado en conceptos como la vida, (obviamente) la muerte y ensimismamientos que abrazan la religión o la naturaleza. Unas ideas que debidamente regurgitadas en la cabeza de Darren dan forma a un techno a veces hormonado (cuando el bombo lo acapara todo en “Marble plexus” o “The lord’s graffiti”) que jamás se pasa de frenada. Pero tras una primera escucha completa, uno recaba en que la tónica general del álbum es la electrónica cautivadora y planeadora que coquetea con el ambient del estilo majestuoso firmado por los años de oro de Aphex Twin: canciones esculpidas en torno a ligeros golpes de glitch marciano (“Holy water”) , bucles atmosféricos con sabor metálico (“N.E.W”, la áspera “Uriel’s black harp”) o nanas cósmicas para antes de dormir al volver narcotizado del club (la peculiar intro homónima o bien la preciosa y frágil “Jardin”). El tiempo dirá si estamos ante un borrador de “Ghettoville” (su otro LP previsto para julio) o bien ante algo perenne. De muerto, nada. Beto Vidal

del dúo de Lille se debate entre el electro de clara definición gala y su gusto por explorar paisajes más elaborados e incluso melódicos, siempre manteniendo un grado de economía que les permite sonar intensos pero no asfixiantes. Grabadas en su propio estudio, con Guillaume Grosso y Jeremy Duval tocando los temas en directo, canciones con “Emona” o “Zero in the zenith” sirven para oxigenar un trabajo tenso, futurista y alineado, en el que donde Principles of Geometry de verdad muestran todo su potencial es cuando flirtean con lo rayante en cortes como “Moloch” o “Carbon cowboy”, dos de los mejores momentos del álbum. Joan Cabot Pjusk “Tele” GLACIAL MOVEMENTS

Principles of Geometry “Burn the land & boil the oceans” TIGERSUSHI

Dark electro. No es que la mala baba sea algo nuevo en la música de Principles of Geometry, aunque puede que nunca la hubieran dejado salir de forma tan textual. “Burn the land & boil the oceans” es, ya desde el título, un disco de intenciones oscuras que te golpea con Vangelis en un puño y Daft Punk en el otro. El tercer largo

Ambient. Como todos los discos que se publican en Glacial Movements, el del dúo noruego Pjusk tiene también un hilo conductor que remite a paisajes congelados, icebergs en descomposición y largas llanuras tintadas en blanco. Su título, “Tele”, es la palabra que utilizan en su país para describir el agua subterránea congelada (ese tipo de términos que sólo pueden existir en los idiomas surgidos en un norte extremo, es decir). Y a tenor de lo que palpita en su interior, se trata de un título muy bien escogido: drones cavernosos, ecos estirados en el tiempo, voces fantasmales y una permanente sensación de humedad ambiental palpitan en cincuenta minutos que son como sumergirse en una caverna ancestral, a bordo de un viejo barco cuya madera cruje peligrosamente. Un viaje que los dos miembros de Pjusk puntean con largos desarrollos de sinteti-

zador modular, que a veces titilan con una fría luminosidad, otras veces escarban a la busca de extraños apuntes melódicos y más allá se enredan en pulsos cinéticos de una lentitud asfixiante. Todo ello destilado con una inquietante solemnidad y una gran variedad de recursos, que convierten a “Tele” en el mejor título que ha entregado la pareja en su (todavía) corta carrera, y en uno de los mejores discos de ambient que hay ahora mismo ahí fuera. Vidal Romero

Simian Mobile Disco “Unpatterns” WICHITA / PIAS

Electrónica. James Ford y Jas Shaw vuelven a la palestra con un tercer largo que engaña a primera vista. Aparentemente inocuo, “Unpatterns” entra en tu reproductor como un disco de electrónica más y no es hasta la segunda o tercera escucha cuando se revela su verdadero potencial. Y es que el dúo londinense no nos tiene preparado ningún as en la manga en este álbum, ningún hit que parta la pista en dos, ningún himno que vaya a cataputarlos a lo más alto de la lista de ventas; quien busque aquí un “Hustler” o un “Audacity of huge” no lo va a encontrar, pero quien busque una colección de temas de electrónica sin más pretensión que la pura diversión, se hallará enormemente recompensado. Los nueve temas que conforman este nuevo trabajo se compensan los unos a los otros, en general manteniendo un pie en el house y otro en el electro. Si hubiera que destacar alguno, posiblemente serían sus dos temas más instantáneos, “I waited for you” y “Cerulean”, el pegadizo estribillo de “Seraphim”, los dos sintes juguetones de “The fisherman’s wife” y alguno de los dos números de house puro SMD con los que cierran el disco: “You’re love ain’t fair” y “Pareidolia”. Vamos, que al contrario de lo que parecía a primera vista, queda bastante completita la cosa. Virginia Arroyo Sweet Billy Pilgrim “Crown and treaty” EMI / COOP

Folktrónica. Empezar preguntándome una única palabra que defina la música de Sweet Billy Pilgrim es complicarme la vida gratuitamente, y pensar irremediablemente en ‘belleza’ es opositar a crítico petulante del mes sin discusión alguna. Expongamos mi defensa antes de ser juzgado. Llana y simplemente, me es imposible encontrar otra palabra que defina mejor la música del conjunto inglés. Ya en el anterior álbum, “Twice born men”, un conjunto de temas de espíritu folk pasados por el tamiz del laptop, apoyados en la subyugante voz de Tim Elsenburg, y grabados artesanalmente en el cobertizo de su jardín, la belleza fluía a borbotones entre los surcos del disco, recibiendo fantásticas críticas en su país. En su tercera entrega, “Crown and treaty”, consiguen pulir todavía más la fórmula, recogen influencias de otros estilos, aceleran el ritmo de algunos temas y firman una cantidad ingente de singles potenciales (“Archaeology” o “Blood is big expensive”, entre otras) que me obligan irremediablemente a confirmar

que estamos ante un disco bello y emocionante. Javier Burgueño The Cast of Cheers “Family” SCHOOL BOY ERROR / COOP

Pop-rock. Mi idilio con Irlanda no es ningún secreto, por eso en cuanto llegó a la redacción el disco de The Cast Of Cheers me abalancé sobre él cual orco ante un festín de piernas de hobbit. Tras un debut que se posó sin estrépito en el panorama musical en 2010, este cuarteto de Dublín vuelve con un discazo donde se nota la mano de Luke Smith de Clor en la producción. No es una sorpresa, entonces, que una de las primeras referencias que le vengan a uno a la cabeza al escuchar “Family” (tema y canción) sean mis tampoco secretamente adorados Foals, que también han trabajado con Smith. Poprock de aires festivos, toques math, guitarras espídicas, baterías que no ofrecen tregua… ¿Qué más pueden pedir? Sí, claro, hits a mansalva. Pues gocen con “Family”, “Human elevators”, “Animals”, “Goose”… Estuvieron en España hace poco. Si no tuvieron ocasión de disfrutar de su divertido directo, crucen los dedos y recen para que vuelvan pronto. Virginia Arroyo

The Walkmen “Heaven” BELLA UNION / COOP

Pop-rock. Después de años de altibajos parece que The Walkmen encontraron el camino con su maravilloso “Lisbon”. Y así lo demuestran repitiendo aciertos con este “Heaven”, capaz de sonar elegante y emocionado a la misma vez, entremezclando arreglos majestuosos y guitarras poderosas, alcanzando cotas emocionales impensables para otros grupos de ampulosas maneras. “Love is luck” suena austera y cruda, pero tremendamente directa a la sangre, como un chute de adrenalina; “Heartbreaker” es un hit facilón y efectivo, “The witch” explora el lado más maldito de los de neoyorquinos y que más nos recuerda a sus inicios, con ecos de Nick Cave; “Line by line” es una melodía sencilla pero mimada para conseguir que con cuatro elementos suba la temperatura abultadamente; “Song for leigh” recoge lo mejor de Arcade Fire sin grandes aspavientos... En definitiva, un fantástico de disco de una banda en estado de gracia. Jesús Sáez The Temper Trap “The Temper Trap” INFECTIOUS / PIAS

Pop. La épica superficial y ampulosa, con sus adecuadas dosis de misterio, es una de las grandes enfermedades que pueblan la música actual. Bajo espejos como U2, Radiohead o, más actualmente, Arcade Fire, cientos de bandas buscan ese climax emocional máximo a base de texturas hinchadas, voces desatadas y guitarras cargadas de ecos y reverberaciones. Pero resulta tremendamente difícil conseguir que ese ejercicio no quede vacío y consiga justo el efecto contrario, y los referentes, ciertamente, son difíciles de


Chromatics “Kill for love” ITALIANS DO IT BETTER

Synth-pop. Cinco años no es nada y es toda una vida, depende de cómo se mire. En el panorama musical actual, donde se suceden los hypes con la misma frenética frecuencia con que se pone en evidencia la realeza española, dejar pasar un lustro entre disco y disco es lo más parecido a un suicidio para una banda y a un ataque lento al corazón para sus fans. Mucho de lo segundo y nada de lo primero en este caso. Más bien al contrario: la desaparición del mapa de Chromatics los ha endiosado más todavía y nos ha abierto aún más el apetito para degustar este “Kill for love”. Acabó de rizar el rizo la inclusión de “Tick of the clock” (de su anterior trabajo “Night drive”) como banda sonora de “Drive” el año pasado: desde ese momento Chromatics estaban en boca de todos y los rumores de nuevo disco inundaban la blogosfera. Pues bien, abierto el plastiquito, lo primero que nos sorprende es la duración del disco: diecisiete temas y noventa minutazos con todos sus segundos. Si bien Chromatics no eran conocidos por su contención en el minutaje (su disco previo alcanzaba la hora), en “Kill for love” el cuarteto de Portland ha hecho un completísimo trabajo de desarrollo y construcción de atmósferas que desemboca en fantásticos

alcanzar. El ahora quinteto australiano The Temper Trap vuelve a la carga con una nueva entrega de la receta, soporífera, y aburrida, que apenas consigue llamar la atención con el falsetto de “London’s burning”, el toque synth de “Miracle” (¿no suena a los Communards?) y poco más. Mucho efectismo y poca chicha. Jesús Sáez Mishima “L’amor feliç” WARNER

Pop. No queda duda de que el último giro de timón de la banda de David Carabén ha conferido a su legado artístico el aplomo definitivo, la verdadera substancia de una banda que ha logrado hazañas ya memorables, y que con su disco anterior, “Ordre i aventura” (Sones, 10), alcanzó su mayor horizonte creativo. Esta vez, la aventura le puede al orden, por eso “L’amor feliç” no sólo suena sólido y confiado, sino también suelto, libre y desligado. La apertura estilísitica del sexto álbum de Mishima es un buen reflejo de la disparidad de sus raíces, capacidades e influencias, de ahí que lo mismo quepa una versión de George Brassens o la adaptación de un fragmento de un poema de Rilke traducido por Joan Vinyoli. En este último tránsito de la banda catalana, los lúcidos y experimentados Alfons Serra a la batería y Xavi Caparrós al bajo se incorporan al núcleo de la formación que conforman Marc Lloret, Dani Vega y Carabén, y la sinergia de tanto talento aflora en cada canción. “L’amor feliç” es una odisea madura pero expectante todavía, hecha de intervalos oscuros, grandes declaraciones y comuniones de bar. El poso de emoción y reflexión va sedimentando a través de un cancionero henchido y volador, donde los sonidos se electrizan, se enredan, ganan cuerpo, y los versos niegan la felicidad y el amor, al tiempo que se posa un velo de trascendencia distraída. Así, el candor recio de “Els

temas como “These streets will never look the same” o “Running from the Sun”, cuyo sinte y vocoder nos hacen pensar en una balada de Kanye West hasta que a la mitad de su metraje el tema se vuelve pura atmósfera apuntalada por acordes de piano. Tal y como dejaron notar en “Night drive”, con “Kill for love” Chromatics se alejan definitivamente del estilo caótico y ruidoso que les vio nacer para tirar por derroteros más sofisticados y cinemáticos. Porque si algo tiene “Kill for love” es esa sensación constante de estar viendo una película con los oídos, de estar viviendo el desarrollo de algo, de ser testigo del nacimiento y la muerte de algo que no se puede explicar con palabras. Vemos las motas de polvo flotando en el aire, arremolinándose en el estrecho rayo de luz que se cuela en la habitación en penumbra mientras suena “Dust to dust”; una figura se aleja en un plano desenfocado plagado de colores fríos bajo los pianos y la voz de Ruth Radelet en “Birds of paradise”; el sonido embotado de la vida marchándose de unos ojos inertes en “No escape”… Pero no todo es alta poesía y genuflexiones ante Vangelis, también hay lugar para un pop al uso entre muchas comillas, como en “At your door”, o en “Back from the grave” que podrían haber firmado a medias con The Pains of Being Pure At Heart o The Joy Formidable, o en el fantástico híbrido entre synth-pop y shoegaze que es el tema que da título a su disco. Gócenlo, paladeen cada minuto de este trabajo porque en pocas ocasiones tanta expectación se ve recompensada con tamaño discazo. Virginia Arroyo

vespres verds” o “Ull salvatge” convive con la urgencia que impera en “L’última ressaca”, lo mismo que la poética y estremecedora trascendencia de “Els crits” ahoga a quien la escucha, mientras los punteos, los versos y los genitales de “El camí més llarg” desengrasan el drama que sin embargo acaba por alcanzar un elevado final aéreo en la inolvidable “Ningú m’espera”. Otra vez más y mejor, Mishima ha dado con un todo de música tendida, grandilocuente pero sincera, donde la retórica tiene fondo, y el armazón de significados se significa con un festival perceptivo. Carabén y los suyos dejan que las canciones desplieguen sus alas orgullosas, desatando melodías que buscan la eternidad sin remilgos. Albert Fernández THEESatisfaction “Awe Naturale” SUB POP / ¡POP STOCK!

Modern funk. Después del debut de Shabazz Palaces (que también colabora en este disco), Sub Pop sigue adelante con su apuesta por la música negra, con el debut de Son Stasia Irons y Catherine Harris-White, una amalgama de hip hop y soul, que disfruta del deconstructivismo del “Maxinquaye”, la sofisticación de Erykah Badu y la calidez de Jill Scott. El resultado es un estimulante disco donde prima el groove por encima de las melodías (puede que el punto más flojo del disco) bajo un paradigma de elevada creatividad e inspiración, con un juego vocal apasionante entre las dos protagonistas que hace de THEESatisfaction una de las mejores noticias de este año. Pasando por la trituradora jazz, funk y soul con una naturalidad desarmante, les puedo asegurar que nada en este álbum suena convencional. Y con el gran acierto de no estirar innecesariamente sus composiciones (hasta 4 de ellas bajan de los dos minutos), “Awe naturale” devuelve Seattle al mapa negroide. Jesús Sáez


052/053

discos

Lotus Plaza “Spooky action at a distance” KRANKY

Shoegaze. La mayoría de la gente ahí fuera puede llegar a considerar que Deerhunter no es más que un vehículo secundario para Bradford Cox, uno en el que puede permitirse utilizar una paleta de sonidos más rugosa y descarnada, con la que arropar sus habituales letanías acerca de las complicaciones del sexo, del hecho de sentirse diferente y de la fragilidad del ser humano en general. Y aunque mucha gente pueda considerarlo así, decíamos, sería un error menospreciar el papel del guitarrista Lockett Pundt. Al menos, este servidor reconoce que si se acercó a Deerhunter fue en gran medida espoleado por la guarrísima telaraña de guitarras que Pundt tejió (junto al posteriormente defenestrado Colin Mee) para “Cryptograms” (07), un disco áspero y claustrofóbico, cuyo sonido estaba mucho más cerca de Spacemen 3 y de The Stooges que de los estilizados devaneos shoegazer que pueblan “Microcastle/weird era cont.” (08) o “Halcyon digest” (10), los siguientes trabajos de la banda. Posiblemente fue debido a ese progresivo giro hacia la (ejem) elegancia que se estaba produciendo en Deerhunter por lo que Pundt decidió dar forma a un proyecto propio, en el que poder seguir investigando las posibilidades que ofrece el ruido cuando se le deja fluir en libertad, pero sin dejar de lado las estructuras pop: un proyecto muy ambiental, imperfecto y sucio, con un cierto grado de peligro, en el que volcar su pasión por el krautrock y el shoegaze (el shoegaze clásico, se entiende, no esa versión satura-

da de azúcar que fabrican bandas pueriles como The Pains Of Being Pure At Heart o Sad Day For Puppets). Su primer intento, “The floodlight collective” (09), ofrecía todo esto en grandes cantidades: murmullos vocales apenas inteligibles, enterrados detrás de capas y más capas de electricidad estática, guitarras loopeadas, ritmos sencillos perdidos en la distancia y trémulos arrebatos melódicos. Elementos que daban forma a un disco ensoñador y deshilachado, que buscaba la felicidad en el fondo de una piscina de distorsión, y al que sólo le faltaba algún quiebro climático, algún hit que pusiera orden entre tanto ambiente emborronado. Y esa, precisamente, es la gran virtud de su segundo disco, “Spooky action at a distance” donde la construcción de un ambiente global (que curiosamente sigue siendo etéreo y difuminado, pero al mismo tiempo más nítido y corpóreo) no empaña la definición de las canciones, que tienen más músculo y mayor potencia melódica. Pienso en “Monolith” o en “Strangers”, dos zarpazos luminosos y emocionantes, que buscan algo parecido a un estribillo en el interior de un remolino de ruido. Pero también en “White galactic one”, que va acumulando capas y más capas de guitarras, mientras se prepara para volar hacia las estrellas, o en “Jet out of the tundra”, esa mini sinfonía que podría durar para siempre. Dos extremos, la eterna búsqueda de la canción perfecta por un lado, y la edificación de un particular ‘wall of sound’ por otro, entre los que bascula un “Spooky action at a distance” brillante y pleno de emociones, la confirmación del talento de Lockett Pundt como compositor y como diseñador de atmósferas. Termina de sonar “Black buzz”, el sorprendente final con tintes acústicos, y las ganas de volver a empezar desde el principio son inevitables. Y pocos son los discos con los que eso sucede. Vidal Romero

Varios Autores “Trevor Jackson presents metal dance” STRUT/¡POP STOCK!

Tristesse Contemporaine “Tristesse Contemporaine” DIRTY

Pop electrónico. ¿Saben aquel que “diu” que van un sueco (guitarra), una japonesa (sintetizadores) y un inglés de ascendencia jamaicana (voz) a vivir a París por distintas jugadas del destino, traban amistad y acaban formando una banda y publicando disco en el mismo sello que Discodeine, producidos por el mismísimo Pilooski (mitad del afamado dúo francés)? ¿Saben que el nombre del grupo viene de un ensayo sobre la filosofía del pesimismo del belga Hippolyte Fierens Gevaert del siglo XIX? ¿Saben que dicen tener influencias de Talking Heads, Young Marble Giants o the Cure y que en sus cristalinas y minimalistas melodías electrónicas se pueden encontrar destellos de new wave o shoegazer? ¿Saben que temas como “I didn’t know” o “In the wake” se perfilan como candidatos para sonar mucho esta primavera / verano y que el resto de las canciones del álbum les van a la zaga? ¿Lo saben? Pues entonces ya sabrán que les estoy hablando del disco de debut homónimo de Tristesse Contemporaine. Javier Burgueño

Industrial. Por si alguien anda despistado, aclararemos que Trevor Jackson es culpable de manera directa de dos de los grandes movimientos revivalistas que vivimos en la década pasada, el del disco y el del post-punk. Fue en su sello, Output, donde echaron los dientes LCD Soundsystem, The Rapture, Colder o Black Strobe, así que al tipo se le reconoce habilidad a la hora de husmear ahí fuera; una habilidad que demuestra en el calor de los clubes, pero también escrutando entre el polvo de las tiendas de discos. Y es que, a pesar de llevar en el negocio más de veinte años, Jackson es de esos djs que se pasan la técnica por el forro y lo fían todo a la selección; que triunfan porque ponen hits que nadie más conoce y joyas olvidadas hace eones, y no porque sean capaces de realizar una sesión perfecta a tres platos. De ahí que entregue sin mezclar el contenido de “Metal dance”, tres decenas de (improbables) clásicos y rarezas, rescatados del periodo que va de 1980 a 1988. Una época en la que el Jackson bisoño comenzaba a frecuentar los clubs mientras descubría su pasión por el lado menos comercial de la música de baile: DAF, Cabaret Voltaire, Alien Sex Fiend, Nitzer Ebb, Yello, Jah Wobble, Pete Shelley o 23 Skidoo son varios de los nombres que se dan cita en una recopilación que tiene mucho de nostalgia, alguna cita con sorna (John Carpenter y su banda sonora para “1997: Rescate en Nue-

va York”) y suficientes rarezas como para justificar la inversión. Entre ellas, “Golpe de amistad”, de los olvidados Diseño Corbusier, la prueba palpable de que a ciudades tan alejadas del mapa global como Granada también llegó la revolución de las máquinas. Vidal Romero

Varios Autores “DJ Kicks: The Exclusives” STUDIO! K7 / ¡POP STOCK!

Temazos. Las recopilaciones “DJ Kicks” del sello alemán Studio! K7 son pioneras de la cosa del DJ-mix desde 1995 y, son junto a las del club londinense Fabric, una garantía eterna de placer electrónico compilado y mezclado. Además, siempre tienen el buen gusto de exigir a sus selectores que incluyan un tema inédito propio que se edita paralelamente en vinilo para los adictos a las cubetas. Pues bien, ya no hace falta mancharse los dedos buscándolos porque aquí están los mejores inéditos aparecidos en la serie desde 2005 –el decenio anterior ya fue compilado en “DJ Kicks: The exclusives” (Studio! K7, 06) con temas de Terranova, Kruder & Dorfmeister, Tiga, Playgroup, DJ Cam, Annie y Carl Craig–. Es interesante escuchar ambos volúmenes para contrastar aquellos métodos y sonidos con el “Pockets” de Four Tet, el “Triangle folds” de James Holden, el “You don’t wash (dub)” de Kode 9, el “Feel so good” de The Juan MacLean o el “M.A.R.S.” de Scuba, temas que por buenos y por inéditos eran indiscutibles ganchos de venta de las correspondientes sesiones. Temas que, si fueras tan buen coleccionista como presumes, ya deberías de tener en tu casa. Imprescindible. Half Nelson Verkeren “Intervención” I+D MUSIC

Synth-pop. Nacidos de las cenizas de Nanook (banda sin disco que triunfó en varios concursos de maquetas), los catalanes Verkeren ofrecen el reverso oscuro de lo que plantean bandas como Dorian o Mendetz (por cierto, Stefano Macarrone ha inagurado como productor sus Abuelita Estudios con este disco). Es decir, un synth-pop en castellano de bajos bien gorditos que, sin dejar de mirar a la pista, desgrana con convicción melodías apesadumbradas, sucias, y que viene rematado por acertados arreglos de guitarra. Sabiendo asimilar inteligentemente las cosechas de los ochenta más digitalizados (sobre todo melodías, y alguna textura) y los aspectos más atractivos de las nuevas revisiones (músculo y contundencia) llegan incluso a convencer en temas más melosos como “Dos extraños”. Tan solo el tratamiento vocal adolece ligeramente de la falta de convicción del resto del conjunto, por lo que desmerece, a pesar de que tanto letras como voz funcionan correctamente. Una fórmula con posibilidades en el mercado actual (“Biopsia” y “Parte de verdad” son un buen par de hits), y que al menos escapa del mimetismo reinante en este tipo de propuestas, con resultados notables. Jesús Sáez

Xenia Rubinos “Magic trix” AUTOEDITADO

Electronica. Increíble y apasionante debut de este trío de Brooklyn que ha sabido encontrar un espacio propio entre el funk, el soul, la latin music, el free jazz, el hip hop y la electrónica más musculosa, empujado por la poderosa voz de la propia Xenia Rubinos, norteamericana pero con sangre caribeña. Este disco evoca las inflexiones imposibles de Björk (y a veces, como ésta, abusa de ellas), la complejidad estilística de M.I.A. y el poderío instrumental de The Bad Plus o Tortoise, sin sonar exactamente a nada de eso. El juego entre el castellano y el inglés funciona maravillosamente (deliciosa la tradicional “Cafe con leche”), para finalmente encontrarnos ante una referencia que resulta igualmente novedosa y excitante, refrescante y bailable, impactante, barroca y contundente. Imprevisibles, la mejor sensación que queda cuando termina su generoso minutaje, es que son capaces de hacer uso de cualquier elemento a su servicio para hacer música con él, aunque siempre con el peligro del exceso asomando. En cualquier caso, hay que oírlo. Jesús Sáez

From The Mouth Of The Sun “Woven tide” EXPERIMEDIA

Neoclásica. Aunque no tienen tanto nombre como otros artistas de la escena neoclásica, tanto el sueco Dag Rosenqvist como el estadounidense Martin Aaron poseen largas carreras a sus espaldas. El primero suele frecuentar los caminos del ambient más oscuro y claustrofóbico, casi siempre utilizando el seudónimo Jasper TX, mientras que al segundo le gusta investigar las posibilidades acústicas del violonchelo. Así las cosas, no es difícil imaginar que en From The Mouth Of The Sun, su proyecto a medias, Rosenqvist se ocupa del piano, de diseñar los fondos amenazadores y de procesar todo en el ordenador hasta darle una textura de grano grueso, mientras Aaron trapichea con varios instrumentos de cuerda y añade campanitas y percusiones de andar por casa. Su primer disco juntos, “Woven tide”, se ha grabado a distancia, con cada uno de los dos músicos sumando capas y arreglos a las pistas que el otro le iba enviando, en un proceso que se nota paciente y meticuloso, tanto por la asombrosa cantidad de detalles que esconden los temas, como por la facilidad con la que los instrumentos entran y salen del magma ambiental que puebla el fondo del disco. Un magma oscuro, más líquido que viscoso, que adquiere forma a partir de las notas en decadencia de un piano, en la muy explícita “Pools of rust”, y que luego va descomponiéndose entre lamentos fantasmales, crujidos de vinilo y metales en reverberación, mientras el piano y la guitarra trazan melodías minimalistas y el chelo revela su majestuosidad (en “Color loss” y “Sitting in a roofless room”). Todo eso cabe en un disco repleto de melancolía y belleza, que sólo se desprende del halo de tristeza con un “Snow burial” que, a pesar de su nombre, despide “Woven tide” entre cuerdas luminosas y coros de película de Disney. Un final perfecto para un disco sobresaliente. Vidal Romero



054/055

discos maxis / libros-dvds-cómics

+maxis Blond:ish “Lovers in limbo” KOMPAKT, 12”

Dicen las dos chicas (rubias, sí) de Blond: ish que “Lovers in limbo” es su particular interpretación de “los sonidos de los últimos sesenta”. Y hay que creerlas, porque las tres pistas que contiene son pura ambrosía: ritmos suaves y metronómicos, cadencia hipnótica, luminosidad a raudales, un sentido melódico muy enraizado en el pop y una neblina psicodélica que lo cubre todo. Con esos mimbres, no es raro que en Kompakt les hayan echado el lazo, y más cuando hacen cosas tan tremendas (y bonitas) como “Lucy’s affair”, un tema que según Marc Piñol, mi compañero de columna, está llamado a ser el hit del verano. Y yo me lo creo. A pies juntillas. VR

Capablanca & T. Keeler “Acido” Gomma, 12 Después de aquél imparable “No hay ritmo” que puso a esta pareja en el mapa del nu disco, nada mejor que darle una vuelta de tuerca al asunto y firmar una cosa que nada tiene que ver. Las palmas flamencas dan paso a los drones, los bongos dejan sitio a una caja de ritmos setentera y las voces se convierten en gritos —de puro placer, claro— pasados por un delay de cinta. Lo que han firmado Hugo Capablanca y su compañero de correrías es algo digno de una película de John Carpenter. Pillen la banda sonora de “Asalto a la comisaría del Distrito 13” y luego firmen una jam de un cuarto de hora. Lo empaquetan junto a un remix finísimo y venga, a gozar cual gorrino en la piara. MP

Frak “Triffid gossip” KONTRA MUSIK, 12”

Frak se visten de mad doctor, pillan cajas de ritmos y se marcan unos directos muy marcianos. Y hasta ahí termina la comparación con Dopplereffekt, afortunadamente. Porque

Textos

lo de Frak es de un freak (ruego me perdonen el juego de palabras fácil) que asusta. Exceptuando la 808, uno jamás podría acertar qué tipo de hardware usan en sus grabaciones. ¿La razón? Todo está pasado por pedales de distorsión y mil capas de reverb. Pocas cosas editadas a día de hoy se parecen a este “Triffid gossip”, por mucho que haya ciertas conexiones. Imaginen a Elektroids haciendo un EP de witch-house en Blueprint. Pues por ahí, y muy a grandes rasgos, va la cosa. Limitado a doscientas copias, por cierto. MP

Joakim “Nothing gold” TIGERSUSHI, 12”

tensión contenida, que se ataca desde tres puntos de vista complementarios. “Freak”, una coda ambiental de aspecto amenazador, pone la guinda a este pavo. VR

XXXY “Everything EP”

Ólafur Arnalds & Nils Frahm “Stare”

Casi me atrevería a decir que el caso de Joakim y sus 12” es un caso más enigmático que las caras de Bélmez, el triángulo de las Bermudas y el secreto de la longevidad de Jordi Hurtado, todo junto. No hay manera, y mira que el pobre tipo lo intenta a un ritmo endiablado. Sus singles son una castaña. A ratos molan (la instrumental es maravillosa hacia el final), pero poco más. Y lo peor de todo es que como remezclador suele clavarla. En fin, un misterio. “Nothing gold” suena muy bien y la idea es buena, ojo, pero tira a lo disperso. El remix de Le Loup no ayuda mucho a mejorar la cosa y el de Todd Terje lo barre todo. Recupera al Moroder de “Knights in white satin” y se marca otro hit del verano. Vamos, lo de siempre. MP

Cada vez más marciano, cada vez más brillante, Rupert Taylor vuelve a las cubetas con tres cortes que demuestran su capacidad para adaptarse a todos los tiempos de una sesión. El tema titular es un hit estratosférico, con una melodía infecciosa, un sample vocal que se pega al hipotálamo y un ritmo rompesuelas, ideal para momentos de subidón. “I know this can be love”, empapado como está de psicodelia y sintetizadores planeadores (con un cierto aroma a Four Tet), resulta perfecto para ir bajando revoluciones en busca del cierre. Y para el after queda “I can’t stop”, con sus arabescos sintéticos y su ritmo entrecortado. Tres soluciones al precio de una, señora. VR

King Felix “Spring EP”

Max Turner & The Migrations “Beneath the soil”

LIBERATION TECHNOLOGIES, 12”

MIGRATORY, 12”

Mute estrena nuevo sello, “un espacio para que los artistas experimenten y rompan sus propios límites”, y lo hace de la mano de King Felix, el nuevo alias de la norteamericana Laurel Halo para la música de baile. Eso sí, el suyo es un baile nervioso y un poco esquizofrénico, de ritmos acelerados, en continua rotura, y marcianas construcciones melódicas. La prueba, en las absorbentes líneas de sintetizador, con aire a película de serie B, que pueblan “Spring”, un brillante ejercicio de

Antiguo productor y cantante en el supergrupo de marionetas Puppetmastaz, Max Turner es uno de esos culos inquietos que no hay manera de clasificar. Hijo de un militar escocés y de una bailarina alemana, el tipo ha vivido en medio mundo y junto a Marcus Rossknecht (productor de los discos de Matías Aguayo) graba como Meteorites. Hace unos años emigró a la India para perfeccionar su técnica vocal y nos sale con un álbum en solitario del que su primer single es esta joya. Imaginen a Beach Boys grabando en Nueva Delhi (muchísimo ojo a los instrumentos de cuerda), apunten un par de detalles dubstep y añadan al pack dos remixes de Cristian Vogel y Midatlantic. Hala, y ya lo tienen. MP

MAKKUM, 7”

APOLLO, 12” + 12”

Dentro de esta retromanía general que vive la música electrónica, la recuperación de los (primeros) noventa es una de las (ejem) corrientes que más alegría está dando a los aficionados; sobre todo a los que gastamos una cierta edad. Y la buena noticia del mes en ese sentido es que los capos de R&S han decidido revivir Apollo, el mítico subsello donde publicaban el material más abierta-

la excusa de que se le ha visto por Barcelona paseando, por ejemplo, cualquier excusa es buena para darse un poco de autobombo) y nos quedaríamos tan tranquilos. Pero hay que respetar al segundo freak de Hivern que se esconde tras los matojos porque aún es mucho más tímido que Talabot, que ya es decir. El primer LP del sello catalán vendrá de manos de este joven y lo único que podemos decir, y sin temor a equivocarnos, es que será un bombazo. Como carta de presentación, tres remezclas como tres soles y ninguna de las versiones originales. Remezclas que corren a cargo de BNJMN, Kassem Mosse & Mix Mup y Downliners Sekt. Imperdible, vamos. MP

WELL ROUNDED RECORDS, 12”

Zea & Xavier Charles “Bourgeois blues”

Synkro “Broken promise EP” Jack Dixon “You won’t let me”

Marc Piñol y Vidal Romero

mente ambiental y horizontal (Biosphere, Sun Electric, Locust, el “Selected ambient works 85-92” de Aphex Twin). La primera entrega, “Broken promise EP”, lleva la firma del hiperactivo productor mancuniano Synkro, que para la ocasión abandona su techno-dub de manual y entrega tres piezas de ambient ribeteado con detalles de dubstep, en las que los ritmos están ligeramente rotos y la superficie se espolvorea con fragmentos vocales, a la manera de James Blake. Una pieza más descaradamente ambiental y retro, con detalles orientales y voces perdidas en el espacio, completa ese primer asalto. La segunda, “You won’t let me”, es cosa de otro inglés, Jack Dixon, y también bucea en las aguas de un dubstep, esta vez con cierta deriva house y mucha influencia de Burial; se nota en las atmósferas ligeramente opresivas, en el ritmo cinético y en el hábil manejo de los samples vocales. Eso sí, temas como el titular o “Everytime” demuestran que es un alumno aventajado. La leyenda, en fin, mantiene el tipo a la perfección. Vidal Romero

Que en un mismo cacho de vinilo se encuentren Zea (un alias de Arnold De Boer, cantante y guitarrista de The Ex) y un clásico de la canción (ejem) protesta del calibre de “Bourgeois blues” sólo puede traer cosas buenas. Interpretada, según las notas de la contraportada, a partir del original de Lead Belly y de la revisión que hizo The Fall, crece hipnótica y juguetona, entre suaves fraseos de guitarra, un clarinete que se tira a los drones (cortesía de Xavier Charles) y la inconfundible voz de De Boer. Una jugosa cara B, con un bonito tema de pop minimalista (“It’s quiet”) y un experimento de tintes afro (“Insecurity expert”), completa tan entrañable capricho. VR

Mistakes Are OK “Mistakes Are OK Remixes” HIVERN, 12”

Está claro que ahora podríamos decir quién se esconde detrás de Mistakes Are Ok (con

ERASED TAPES, 10”

Lejos de explotar sus habilidades ante la partitura y el piano, la primera colaboración entre Ólafur Arnalds y Nils Frahm encuentra a los dos músicos trapicheando con sintetizadores y cajas de ritmos, con resultados mucho más cercanos a las músicas cósmicas que a la neoclásica. Se comprueba nada más comenzar, con un “a1” de arpegios repetitivos y ritmo constante, que parece a punto de despegar en cualquier momento. O también con “b1”, una pieza de largo recorrido y superficie líquida, que mece al oyente empujándole hacia un sueño hipnótico. “a2”, un ejercicio de nostalgia con sintetizadores épicos y fondo de electricidad estática, redondea un “Stare” que es pura gloria. Mucho (muchísimo) más que la suma de sus partes. VR

Ron Trent “Kids at play” DBH, 12”

Han pasado ya casi dos décadas desde que Ron Trent lanzara “Altered states”, su trabajo más recordado. Trece minutos de techno distorsionado y peleón con una de las líneas de sinte más épicas de la historia y unos redobles de 909 que daban pavor. Era la época en que los discos de música electrónica se grababan con hardware, en tiempo real y encomendándose a la Virgen por si fallaba algo. Después de haber probado a producir con software sin demasiado éxito (“te vas por las ramas en un momento”, se quejaba Trent en una entrevista), el de Detroit edita un majestuoso “Kids at play” en el que la cosa va un poco de lo mismo, pero con coros angelicales y redobles de 808. Sí alguien os dice que suena a Gavin Russom y Legowelt soltadle una colleja, porque no ha pillado nada. MP

Sensate Focus “Sensate Focus 10” SENSATE FOCUS, 12”

La enésima señal de que corren aires de cambio en Editions Mego es la creación de Sensate Focus, un nuevo subsello dedicado a publicar música de baile (repito, música de baile) a cargo de productores, ejem, anónimos. Tan anónimos, que ya corre por los mentideros el rumor de que la primera entrega es cosa de Mark Fell. Y no es descabellado, porque lo que suena aquí dentro recuerda, y mucho, a las producciones de .snd: remolinos melódicos, colchones crujientes, ritmos atropellados (se puede bailar, sí, pero con las cejas) y una extraña sensación de hipnosis. Mimbres con los que esculpir un maxi prodigioso, que es a la vez experimental y acariciante, y que hasta guiña el ojo a los noventa (sobre todo en la cara B, que tiene momentos muy B12). VR


Òscar Broc y Tanit Plana “Barcelona es una merda” CONTRA EDICIONES

Pocas veces tiene uno la oportunidad de llorar de la risa con un libro. Porque “Barcelona es una merda” (“Barcelona es una mierda” en el idioma de Cervantes) es un libro donde, literalmente, te meas de risa y en el que seguramente, a lo largo de sus casi 200 páginas, los ataques de histeria pueden devenir en aguas mayores. Óscar Broc no necesita presentación para todos aquellos que leen la Go cada mes. Pero si eres nuevo por aquí, hablamos de un colaborador musical de esta santa casa desde su número cero (en la que fue Jefe de Redacción durante sus treinta largos y divertidísimos primeros días, según recuerda la directora de esta publicación) y que, últimamente, se ha convertido en todo un reputado periodista de televisión en diversos formatos como la prensa escrita (su sección 625 líneas no falla cada mes en Go Mag), radio (en el programa “Cabaret Elèctric” de iCat Catalunya) y televisión (en 8TV de Barcelona con “Arucitys”, donde ejerce de experto en la caja tonta junto a su hermano David Broc y Víctor Amela). Este es el curriculum, claro. Luego está su prosa. Si echas un detenido vistazo a cualquiera de

los muchos textos que Óscar ha escrito para esta publicación sabrás que no estamos ante un analista normal. Broc siempre ha apostado por un trazo grueso repleto de símiles surrealistas. Leer un texto de Rasco (su nombre de batalla como DJ de hip hop en la sala Apolo) es entrar en un mundo paralelo donde cien años de referencias cinematográficas, literarias, del mundo del cómic o la televisión más freak sirven para describir cualquier cosa. Arma que Óscar utiliza muy bien en esta guía de 58 lavabos de locales de la Ciudad Condal. Donde muchos hubieran fracasado (intenten hablar 58 veces sobre algo tan aburrido como un lavabo público sin repetirse), Óscar triunfa con su estilo único de símiles aberrantes: urinarios alquímicos dignos de “Cuarto milenio”, decoración sacada del Mundodisco de Terry Pratchett, himnos del Barça reconvertido en himnos al estreñimiento, el retrete de “Tron”, lavabos que parecen la portada del “Sgt. Peppers” y mil y una referencias freaks del noble arte de cagar en lugar ajeno, algo que el autor domina a la perfección. No nos olvidemos de la aliada de Óscar Broc en este devenir infernal por los nueve círculos de la caqueta barcelonesa: la fotógrafa Tanit Plana, quien ilustra con maestría (y bastante coraje, todo sea dicho) aquellos oscuros rincones que Broc ha narrado con su particular estilo. Si algo tenemos que echarle en cara a esta cuidada edición de Contra es que no esté en castellano, para que toda España sepa dónde cagar y mear cuando visiten Barcelona. Manu González

+libros Elena Villalba Lizandra “Spock i jo. De la ciència-ficció a l’espiritualitat” LLIBRES DE L’ÍNDEX

David Cubero “Suppaduppa Vol 1” AUTOEDITADO

No sabemos cómo ha podido salirse tanto de madre la cosa. David Cubero era un chico normal, que se dedicaba al mundo de la animación y, en sus ratos libres, gustaba de hacer fotos a sus figuritas articuladas de Iron Man. También tenía facebook, así que no iba a dejar las cosas ahí. Pim, pam, una idea, la preparación del escenario, foto, subir foto, y ya tenía una viñeta de humor gráfico colgada en la red. Son desternillantes la operación infiltración bajo de un vaso de cartón, el encuentro con el Alien constipado y Darth Vader sin capa. SupaDuppas, llamó David a sus muñequines. Pero, ¡ay!, Cubero no se dio cuenta de que su talento le sobrepasaría. Las legiones de fans en la red apretaron, y ahora la gran corporación 5th Pine Book, con sedes en Barcelona, Los Angeles, New York, Warsaw y Tokyo, tienen a Cubero secuestrado, para que fabrique más gags visuales en cadena. Como rescate, hay que comprar en masa este “fantasbuloso” librito, en suppaduppa666. tumblr.com, o enviando un correo a esos malévolos editores, a 5thpine@gmail.com. Cartoné y latón del bueno. Albert Fernández

En la evolución del friqui, el estadio trekkie jugó un papel fundamental. Fascinada por ese pasado que tan armonioso futuro concebía, Elena Villalba Lizandra ha acabado encarnando una peculiar variante respecto a ambas condiciones, la de spockie, esto es, la de fan (aunque el concepto quizá se nos quede corto) de la primera versión catódica de Star Trek y del espíritu que en ella exhibía el personaje de Mr. Spock, antes de que el cine le restara zen al añadirle humanidad. En “Spock i jo. De la ciènciaficció a l’espiritualitat”, Villalba parte del visionado de la serie original, acometido allá por el año 2007, para compartir con el lector su fascinación, pero también, y muy especialmente, para hacer confluir cualidades tales como la paz interestelar o la ausencia de emociones vulcanianas con sus intereses y búsquedas personales: la música y la creatividad, la estética punk, el vegetarianismo, la mística, el amor hacia su pareja sentimental y artística… Y alcanza, se lo avanzamos, un lugar jamás visitado por el ser humano. Jordi Martínez

cómics “3 segundos” Marc-Antoine Mathieu SINS ENTIDO

“Ausencias” Rodríguez y Bueno ASTIBERRI

La vanguardia está aquí, y habrá quien no se dé cuenta. La avanzadilla del cómic contemporáneo tiene nombres; uno es sin duda Marc-Antoine Mathieu, y habrá quien no lo conozca. No es fácil, pues en nuestro país tan sólo nos han alumbrado con su formidable “Dios en persona”, restando la mayoría de sus títulos incomprensiblemente inéditos (alguna editorial nacional tendría que poner fin a esto). Pero “3 segundos” es algo que nadie debe perderse, porque es un paso más allá. Tres segundos es el tiempo que pasa a través de esta narración sin palabras, este zoom lúdico, este rayo de genio donde se nos invita a desvelar las claves de una escena que se muestra desde numerosas perspectivas, las que ofrecen cada uno de los reflejos de una concatenación de planos que nos llevan a través de una pupila, una lámpara, una ventana, un retrovisor, un avión, un diente de oro e incluso un satélite a miles de kilómetros de la Tierra. Un magistral rompecabezas de estampas contrapuestas. Albert Fernández

Ramón Rodríguez no es una persona ni un artista evidente. Por eso, si hay algo que valorar por encima de todo en su primera obra en el noveno arte es su sinceridad. “Ausencias” es un relato directo, cargado de escenas relevantes, donde el músico de Madee y The New Raemon pulsa las teclas vitales de su génesis y desarrollo como ser humano, padre y músico, sin olvidarse tampoco de lo freak que es. Lo que importa aquí es lo que cuenta y no cómo lo hace. Por eso Ramón se olvida de florituras narrativas y se desenvuelve a través de breves episodios que dan fe de una autoexploración honesta, que va desde aquel niño que sufría episodios de pérdida de consciencia hasta el hombre de la barba rotunda. Cristina Bueno se encarga de que las formas sean bellas y esenciales, a través de trazos y colores hermosos, efusivos, que moldean con un candor especial todas las ventanas abiertas hacia el fuero interno del autor catalán. Emoción sin sucedáneos. Albert Fernández

“Flashpoint: Batman” Azzarello y Risso

“Siempre Vengadores” Busiek y Pacheco

PLANETA DEAGOSTINI

PANINI

Todo indicaba que había que escapar de él. Primero, porque la anterior incursión del dúo Azzarello/Risso en el universo Batman se había saldado con la mediocre “Ciudad rota”. Segundo, porque no dejaba de ser una miniserie paralela de “Flashpoint”, muy lejos de la excelencia tebeística. Y tercero porque la gran mayoría de productos nacidos al calor del evento orbitaban entre lo mediocre y lo ilegible, exceptuando el one shot Green Arrow Industries firmado por Pichetshote y Castiello. Y resulta que estábamos equivocados. No es sólo que “Flashpoint: Batman” sea bueno, es que es, probablemente, uno de los mejores tebeos de superhéroes publicados el pasado año en Estados Unidos. Tres números que consiguen lo imposible, darle una vuelta al mito de Batman. Los padres de “100 Balas” nos lanzan a la cara un tebeo sólido, que funciona como un todo en cada uno de sus tres números, y que, además sorprende al lector más curtido en el mundo de Wayne y compañía. Xan Pita

Es perfecto en lo suyo. Y no es exageración o nostalgia, es que Kurt Busiek y Carlos Pacheco construyeron con “Siempre Vengadores” un perfecto tebeo de “Los Vengadores”. Mitología bien entendida, escenarios míticos encajados en una historia nueva que sabe a algo conocido, en absoluto repetitivo. Es perfecto porque Busiek y Pacheco, escritor y artista, forman un equipo que parece haber nacido para trabajar juntos, un poco como Morrison y Quitely. Es perfecto porque ambos lo dan todo a lo largo de 12 números que asombran por su moderno clasicismo (y no, no es una contradicción). Es perfecto por las escenas de acción, pura épica superheroica, con dobles páginas que ni el tiempo (14 años después) ni el formato han mermado su fuerza. Y es perfecto porque este alocado viaje temporal, esta enésima lucha contra Kang e Inmortus, este encuentro con Vengadores que fueron y Vengadores que nunca han sido, sigue siendo jodidamente emocionante. Xan Pita


056/057

songwriters / último clásico

songwriters

!Qué tío! Serge Gainsbourg hizo lo que le vino en gana durante buena parte de su vida. Bebió, fumó y folló a base de bien. Hasta su último respiro, Francia estuvo a sus pies. Cada trago de Ricard se convertía en una bomba que revolucionaba las frecuencias radiofónicas; cada Gitanes era un éxito rotundo. A Gainsbourg no había dios que le hiciese callar. Por 1984 era costumbre que el Gainsbarre marcara las pautas de la controversia, ya fuera a través de su vida privada, sus filmes o sus sísmicas apariciones televisivas. El videoclip promocional del single “Lemon Incest” era el colmo. Su letra, por separado, resultaba ambigua, acaso inocente y hasta dulce, pero las imágenes hablaban por sí solas y desvelaban, una vez más, las verdaderas intenciones de su autor. La cámara se abría paso entre las brumas y realizaba un descenso cenital hasta un lecho en el que se hallaban Serge y Charlotte. Padre e hija producto de su matrimonio con Jane Birkin. Él con pantalones y el torso desnudo; ella tan sólo con una camiseta que le descubría las piernas. Y se iniciaba el diálogo entre los dos. A sus doce años, el génesis de la carrera de Charlotte Gainsbourg –como actriz y cantante– comenzaba con una interpretación de Electra, ensimismada, enamorada de la figura paternal, entregada por entero a papá: “El amor que nunca haremos juntos/ el más bello, el más violento / el más puro, el más embriagador”. Poesía. El mismísimo Jung hubiese sido capaz de pactar con el diablo para asistir a tal acontecimiento. Aunque aparentemente sencilla, esta letra contiene también enlaces a laberintos personales, pequeños jeroglíficos para el oyente. “Naif como un cuadro de Nierdoi Ssesarou”: aquí utiliza el argot francés verlan (cambio de sílabas de una palabra, con la intención de ofrecerle distintos significados o abreviaturas). En este caso, el enigma de Nierdoi Ssesaurou se resuelve en Douanier Rosseau, alusión al pintor autodidacta Henri Rosseau, aduanero de profesión y uno de sus pintores favoritos. Aunque se refiera a Rosseau como un pintor naif, las atmósferas de sus óleos, repletas de colores y de evidentes rasgos infantiles en sus trazados, estaban cargadas de un fuerte componente onírico, de fantasía utópica, como ese amor que jamás podría llegar a culminarse. A años de distancia de su muerte y de la grabación del single, Charlotte lo evoca como un sincero alegato de amor, libre de pecado por su parte, absolutamente inocuo. También recuerda, curiosamente, que tras la aparición de su videoclip y su estreno televisivo, la atmósfera que se respiraba en su instituto en días posteriores era distinta. Algunas de sus amigas de distanciaron de ella. Curioso, ¿verdad?

Ilustración

Pablo Moreno Matías Bosch

Texto

Charlotte & Gainsbourg “Lemon incest”

Compositores: Serge y Charlotte Gainsbourg. Incluida en los álbumes “Love on the Beat” (Mercury, 1985) de Serge Gainsbourg y “Charlotte for ever” (Phonogram, 1986) de Charlotte Gainsbourg.

Inceste de citron Lemon incest Je t’aime, t’aime je, t’aime plus que tout Papapappa Naïve comme une toile du Nierdoi Sseaurou Tes baisers sont si doux Inceste de citron Lemon incest Je t’aime, t’aime je, t’aime plus que tout Papapappa

Cáscara de limón Lemon incest Te quiero, te quiero, te quiero más que a nada Papapappa Naïf como un cuadro de Nierdoi Sseaurou Tus besos son tan dulces Cáscara de limón Lemon incest Te quiero, te quiero, te quiero más que a nada Papapappa

L’amour que nous n’f’rons jamais ensemble Est le plus beau le plus violent Le plus pur le plus enivrant Exquise esquisse Délicieuse enfant Ma chair et mon sang Oh mon bébé mon âme

El amor que nunca haremos juntos Es el más bello, el más violento El más puro, el más embriagador Exquisito boceto Deliciosa niña Mi carne y mi sangre Oh mi bebé, mi alma

L’amour que nous n’f’rons jamais ensemble Est le plus beau le plus violent Le plus pur le plus enivrant Exquise esquisse Délicieuse enfant Ma chair et mon sang Oh mon bébé mon âme

El amor que nunca haremos juntos Es el más bello, el más violento El más puro, el más embriagador Exquisito boceto Deliciosa niña Mi carne y mi sangre Oh mi bebé, mi alma

Inceste de citron Lemon incest Je t’aime t’aime je t’aime plus que tout Papapappa

Cáscara de limón Lemon incest Te quiero, te quiero, te quiero más que a nada Papapappa


el último clásico A quienes me conozcan les sorprenderá saber que hubo un tiempo en que no creía en la fiesta. O sea, era una bestia parda, no me malinterpreten, pero era como Britney Spears queriéndose guardar pura hasta el matrimonio, que festejaba pero con la conciencia muy sucia. En 2006 Booka Shade desvirgaron mis prejuicios con “Movements” y me introdujeron en un maravilloso mundo electrónico donde la fiesta es Dios y el hedonismo su credo inquebrantable.

Booka Shade “Movements”

GET PHYSICAL, 2006

Texto

Virginia Arroyo

B

ooka Shade me salvaron. Antes de conocerlos yo era una niña indie que sólo creía en el poder de las guitarras y sólo admitía el uso de sintetizadores y baterías programadas “por un buen motivo”, tipo “se nos ha muerto el batería en mitad de la grabación”. Bueno, en realidad no era tan del palo, pero lo exagero para que se hagan una idea. Entendía la música mayormente como una concatenación de dolores que daba lugar a un placer relativo. No entendía el hedonismo, no me lo permitía. Y eso, sumado a un buen puñado de prejuicios, me bloqueaba el paso a ese camino de dulce perdición que al poco descubrí en la música electrónica. Y fue gracias a Booka Shade. Si no llegan a cruzarse en mi camino allá a mediados de los dos miles, quién sabe qué estaría escuchando ahora… Dios, me horroriza pensarlo. Pero Walter y Arno me salvaron, aparecieron en mi vida con su “Movements” bajo el brazo y me demostraron que hacer mover el culete a la gente también es un arte.

Tras su oscuro debut, “Memento”, en 2004, el dúo germano presentaba en 2006 un trabajo mucho más ligero, digerible y expansivo, que aprovechaba además el tirón que habían tenido unos meses antes los hits “Mandarine girl” y “Body language” y los reintepretaba y reintroducía como momentos cumbre de “Movements”. Las fronteras entre minimal, house, electro y disco se diluían en un LP tan orientado al club como al bailoteo casero. El álbum era como esas cajas de dulces de pastelería, con mil colores, mil sabores y deseos irrefrenables de engullirlos todos de una vez. Con la única diferencia de que “Movements” no empacha: sin ser un disco comedido, ofrece el equilibrio y eclecticismo suficientes para no saturar al oyente con ninguna propuesta, sin renunciar a una personalidad ya muy definida en esta etapa. “Movements” toca todos los palos y lo hace con una maestría que el tiempo me demostraría muy poco común: disco con bajos jugosos en su apertura “Night drive”, funk chulapón en “The birds and the beats”, un crossover progresivo entre trance y house en “In white rooms”, house de toda la vida en “Paper moon”, toques de electro y breakbeat en “Take a ride”, techno cerebral en “Wasting time”, música atmosférica en “Lost high”… Como suele pasar, creo que los que me atrajeron fueron los temas más juguetones (“Night falls”, “Mandarine girl”, “The birds and the beats” o “Body language”) y los que me enamoraron, burradas como el inicio de “Pong pang”, la fantástica “Darko” o la muy clubera “In white rooms”. Los

casi sesenta minutos que dura el disco son una joyaca que no necesita corona (y menos en los tiempos que corren…), con la salvedad de un “Hallelujah USA” que encuentra a estos dos teutones más perdidos que la mirada de Leticia Sabater en una suerte de trip-hop ambiental que no hay por donde cogerlo. El resto, incluido ese inesperado final psicodélico digno de los Flaming Lips más idos, da ganas de darle besos en el cerebro a Walter y Arno. Dos años más tarde volverían a la palestra electrónica con un “The sun & the neon light” donde el tempo se rebaja y las fuerzas compositivas se concentran en la construcción de un discurso house que no llega a su clímax hasta 2010 con “More!”, el que probablemente sea el mejor trabajo de Booka Shade hasta la fecha: el más diáfano, el más fiestero, el más pegadizo, el que tiene más pegada, el más ambicioso… En definitiva, Booka Shade elevados a la máxima potencia, como bien indica su título y subraya su signo de exclamación. Veremos si este 2012 nos trae nueva ración de Booka Shade y si son capaces de superar un listón de hedonismo electrónico-festivo muy, muy alto. Aunque nunca será igual, eso ya lo sé. Ningún disco romperá tantas barreras en mi cabeza, destrozará tantos preceptos inquebrantables y me llevará de la manita a un mundo desconocido, oscuro y pernicioso que ahora siento como mi hogar. Pero eso ya es cosa mía, nada tiene que ver con este par de másters de la fiesta a tiempo completo.


058/059

open mic

+net labels Columna

David Broc

+import

Columna

EL SAMURAI DEL SCRATCH El hip hop es el género musical que tiene la relación más descompensada entre edad y número de víctimas. Aunque se trata de un estilo musical joven, sobre todo en comparación a otros mucho más longevos como el rock, el pop, el soul o el jazz, que le sacan muchos años de ventaja, su lista de cadáveres ilustres es profunda, contundente y desoladora, y todos ellos a una edad demasiado temprana, como si el dramatismo de las muertes prematuras fuera ya una parte indisociable de su día a día, como si fuera un elemento más en su crónica existencial del que no pudiera desprenderse. Una de las últimas desapariciones de su currículo fue la de Roc Raida, que en septiembre de 2009 perdió la vida como consecuencia de un paro cardíaco del que nunca han trascendido más detalles y posibles orígenes, aunque se apunta a la práctica del krav magá, un sistema de defensa personal utilizado por el ejercito israelí, como uno de los posibles desencadenantes de su insuficiencia coronaria. Nadie esperaba este desenlace, y la noticia cayó como un jarro de agua fría entre los headz. Lógicamente la muerte de Roc Raida pasó mucho más desapercibida que la de Guru, J Dilla o Proof, tres de los mártires más llorados de los últimos años, pero no por ello fue menos importante. No tiene nombre ni tirón mediático, pero cuando toca recordar a los mejores DJs de hip hop de todos los tiempos su figura siempre sale a colación, ya no solo por su militancia en dos de los grupos más relevantes e influyentes en la historia del turntablismo, primero X-Men, que luego pasaron a llamarse X-Ecutioners, sino también por su contribución a la difusión y consolidación del DJ como un elemento clave e indispensable en la configuración cultural y musical del género. Históricas son sus mixtapes compilando algunos de los hits underground del momento, pero también muy interesantes y provechosos sus álbumes en solitario, en los que daba rienda suelta a sus inquietudes como productor. Es evidente que sus dos principales proyectos, X-Men y, sobre todo a partir de la publicación de aquel estratosférico “X-Pressions”, le reportaron más reconocimiento, pero incluso así su trayectoria siempre se mantuvo en un plano muy discreto más allá de los círculos de entendidos. Quizás esta discreción mediática con la que fue recibida su desaparición es uno de los motivos que han impulsado a Rob Swift, ex compañero en X-Ecutioners y amigo íntimo del fallecido, a publicar “Roc for Raida”, una mixtape benéfica —todas las ganancias irán destinadas a la familia del DJ— que recopila material inédito y conocido de Raida así como contribuciones especiales de los que fueron sus colegas Mista Sinista, Total Eclipse y el propio Rob Swift. El trasfondo económico es, indiscutiblemente, el motor argumental del proyecto, además con una causa noble y justa, pero artísticamente supone una despedida muy sentida en la que se hace inventario del talento de nuestro protagonista. No era el mejor productor del mundo, ni mucho menos, pero sus grabaciones tenían personalidad y pasión por esto, además de unas deudas conscientes y poco disimuladas con el boom bap de mediados de los 90, piedra filosofal del universo estilístico del neoyorquino. En cambio, cuando se dejan escuchar sus scratches y todos sus trucos con el cross-fader y el vinilo es inevitable sentir la llamada de la nostalgia y el dolor de la pérdida irreparable: se nos fue uno de los grandes DJs de todos los tiempos. Dos años y medio después de su marcha, la sensación de vacío es la misma. Como cuando se nos fue J Dilla o Guru.

Gloria González

ELEVACIÓN Y DESCARGA Este mes toca dulzura y delicadeza. Bueno, no sé si toca, pero haremos como que sí e iremos antes que nada hacia Bestiar (http:// bestiar.wordpress.com/), especialista en música de ovejas negras donde curiosamente ha encontrado refugio Xavi Corbera, cuyo instrumental “Petits fragments nocturns”, repleto de bonitas melodías a la guitarra, es una suave invitación a esconderse toda la semana bajo de la colcha, por si viene el lobo (¿puede alguien no ser fan de un tema titulado “Instalación tristeza Pérez 2000”? No se puede). Para seguir huyendo de la realidad, nada mejor que hacerse con “Sparkling days, sparkling nights EP”, la nueva referencia de Fighting Lion, es decir, Álvaro Menéndez, donde el ukelele sueña con mundos mejores y los leones, en vez de rugir, tocan la pandereta con la cola. Una referencia primorosa que hará suspirar de amor hasta al lobo y que puede descargarse gratis en No Source (http://full-source.com). Lo del dúo lituano Mmpsuf es distinto, en cierto sentido más complejo y, en cualquier caso, único: una suerte de pop estremecedor que se mueve igual que lo más fino del techno-pop escandinavo inteligente con voz femenina, pero no igual. Su multidimensional disco, cortesía de Sutemos (www.sutemos.net), se llama “Retina” y es una revelación. Mientras, el holandés Jan-Kees Helms presenta en Impulsive Habitat (http://impulsivehabitat.com) un collage de sonidos encontrados mientras paseaba por la ciudad condal, titulado lógicamente “Barcelona”, que confirma que por las calles hay niños que juegan, jóvenes que se

manifiestan y también (a veces) artistas inspirados. Edu Comelles, por su parte, lo que suele recorrer no es la superficie de ninguna metrópolis, sino los vericuetos subterráneos de la creación musical, con la ayuda de cantidad de compatriotas. Gracias a su trabajo aparece en Audiotalaia (http://audiotalaia. net/) “Desde la Atalaia: Collected works”, un impresionante recopilatorio en cuatro tomos, digo, volúmenes, donde conviven multitud de maneras de entender la música experimental, para sumo regocijo de toda oreja inquieta. Apostando también por la experimentación, pero, más concretamente, por el encanto de las pequeñas estridencias, de los micro-ruidos sordos y de los mini-chasquidos raros, Marina Poleukhina, de Moscú, firma “lp1”, una obra para Pan y Rosas (www.panyrosasdiscos.net) que entusiasmará a quienes sepan que rascando objetos y rayando cosas (con cariño, por supuesto) también se alcanza cierto entendimiento del mundo.

+jander Columna

RESACÓN EN JAPÓN En el inicio de los tiempos del digitalismo, allá a finales de los noventa, cuando subirse a un escenario sólo con un portátil era una rareza y un acto de osadía, Christian Fennesz, Jim O’Rourke y Peter Rehberg decidieron cercenar todos los prejuicios del mundo de un solo tajo, organizando un trío de improvisación hipertecnificado, cuyo único objetivo consistía en hacer colisionar cualquier tipo de sonido, género musical e idea loca que se les pasara por la cabeza. El resultado fueron dos discos grabados en directo, “The magic sound of Fenn O’Berg” (99) y “The return of Fenn O’Berg” (02), cuya intención tenía mucho más que ver con la gamberrada que con un acercamiento serio a la improvisación digital, pero que sin embargo gozaron (y siguen gozando, mucho ojo) de un respeto incomprensible, sobre todo si se tiene en cuenta lo áspero de su naturaleza: habrá que ver cuántos de los que se compraron aquellos discos los han llegado

Vidal Romero

a escuchar por completo alguna vez. Si la cosa se hubiera quedado en una gran tomadura de pelo alrededor de todas las tonterías que arrastra la música experimental, ya habría merecido la pena. Pero es que hace un par de años los tipos decidieron retomar la historia desde un punto de vista serio. Precisamente ahora que el hecho de que los artistas viajen sólo con su ordenador se ha convertido en algo normal. Tan convencional, de hecho, que empieza a producir rechazo a un público que quiere ver que el artista en cuestión hace más cosas aparte de mover el ratón y ajustar parámetros (porque, a fin de cuentas, un concierto es un espectáculo): así son estos chicos, siempre a contracorriente. El caso es que el trío acaba de publicar el estupendo “In hell” (Editions Mego, 12), un doble vinilo grabado en directo durante su última gira japonesa y editado después en estudio por O’Rourke, que continúa la senda de su disco de regreso, el incomprendido “In stereo” (10), y de los dos volúmenes de “Live in Japan” (10). Y es que, lejos de los barbarismos digitales, el trío frecuenta ahora una especie de ambient cargado de tensión, afecto a los drones y a los remolinos de sonido, en el que aparecen pulsos rítmicos a los que el oyente puede aferrarse, y en el que la construcción de los temas llega a rozar el clasicismo. Y no significa esto, mucho ojo, que las fieras se hayan amansado, que aquí y allá hay erupciones de ruido blanco, crujientes mantos de electricidad estática y festivales de psicofonías. Es sólo que ahora son mucho más finas a la hora de dar el zarpazo.


+all that jazz Columna

Pepo Márquez

HOMBRE MODERNO CON PIANO ANTIGUO A los lectores con más memoria no les resultará nada extraño el nombre de Jazzland Recordings, sello noruego que desde principios de siglo viene editando los discos más finos de los grupos más extremos y dotados de las tierras donde los inviernos duran más de 9 meses. Jazzland Recordings es la casa de Atomic, un quinteto que ya ha sido protagonista de esta columna y por el que sentimos verdadera predilección, hagan lo que hagan, pase lo que pase. La capacidad única de la marca Jazzland para desarrollar un sonido innovador se debe a la particular visión del hombre que nos ocupa, el señor de la calva, las gafas y el piano, el señor Bugge Wesseltoft (Porsgrunn, 1964). Suya fue la idea

de crear el sello y suyo es el término “New conception of jazz” (“Nueva concepción del jazz”) para referirse a esa corriente única y particular de entender el jazz donde son bienvenidos por igual los instrumentos tradicionales y los beats más actuales. La electrónica y la tradición. El jazz de colores fluorescentes. El jazz de las pistas de baile. El jazz para jóvenes universitarios. El jazz de diseño. Y lo que parecía una soberana estupidez, se convirtió en moda mucho antes de que supiéramos qué pelotas era eso de ‘trending topic’. Bien por ellos. Se la metieron doblada a la vanguardia americana utilizando su propia tradición (la que se fundó en los discos más experimentales de Miles Davis). A partir de ahí, un buen número de bandas y solistas

empezaron el apostolado por todo el mundo: la voz extraña de Beady Belle, la locura entre progresiva y electrónica del guitarrista Eivind Aarset, el electrojazz de Wibutee, la belleza sin medias tintas de Sidsel Endresen, el propio Bugge o el free jazz de los ya mencionados Atomic. Todos resultaban atractivos por la novedad y sorprendentes por la ejecución. Un invierno que dura 9 meses significa tres cuartas partes del año encerrados tocando. Y se notaba. El caso. Wesseltoft es el padre espiritual de la Nueva Concepción del jazz, productor de un montón de las bandas del sello y músico invitado en innumerables grabaciones, pero eso no impide que este año se lance con un disco en solitario a los mandos, únicamente, de un piano de cola. Ni rastro del Fender Rhodes que normalmente se asocia a su sonido; ni rastro de sintes. Un disco de jazz a palo seco para rendir homenaje al jazz por medio de versiones y revisiones de clásicos del calibre de “Moon river”, “My foolish heart”, “How high the Moon” o “Giant steps” de (en pie todo el mundo, por favor) John Coltrane. Una empresa sólo al alcance de los buenos de verdad. Y de la que sale vencedor. “Ha habido tantas interpretaciones de estas bellas canciones…”, asegura en una reciente entrevista el noruego. “Versiones fantásticos de intérpretes maravillosos: Bill Evans, Errol Garner, Art Tatum, Oscar Peterson, Ray Charles, Keith Jarrett… sólo por nombrar a algunos. Al mismo tiempo, también ha habido interpretaciones nefastas de estas mismas canciones, muy destructivas. Después de todos estos años donde he pasado diariamente horas y horas sentado al piano tocando e interpretando a mi manera todo este material, creo que finalmente estas versiones son lo suficientemente personales, con respeto, para demostrar mi aprecio y gratitud a semejantes composiciones”. “Songs” está editado por Jazzland (Universal Music) y consta de 9 canciones grabadas en una sesión. Una visión renovada de clásicos que son, ante todo, obras maestras.

+the true report Columna

Everett True

SINÉAD O’CONNOR: “THE QUEEN OF DENMARK” Esta canción es grandiosa. Melancólica, auto-inmoladora, suena cabreada. Una interpretación capaz de rasgarte por dentro. La venganza realmente puede ser dulce. “Quería cambiar el mundo / Pero ni siquiera podía cambiar mi ropa interior” Contexto: la noche pasada tuve que llevar a mi hijo de dos años, Daniel, al hospital a eso de las 4.30h de la madrugada. No era nada grave, tenía una infección de oído, pero sabíamos que no íbamos a poder dormir esa noche, así que intenté relajarme. Éste iba a ser mi gran día, el día en que iba a presentar mi tesis del Doctorado. Por el contrario, mi cabeza está en alguna otra parte hoy, estoy muy estresado. Tenemos que mudarnos en unos meses, mi beca llega a su fin y mi tesis está lejos de ser completada. Tuve que devolver el adelanto que recibí del libro que escribí sobre Daniel Johnston, sigo olvidando cosas realmente importantes, alguien quiere publicar un artículo en Collapse Board que podría provocar que nos pongan una demanda... estoy realmente estresado. Pasé todo el trayecto de once horas en autobús hasta Kelvin Grove escuchando el nuevo disco de Sinéad O’Connor, “How about I be me (And you be you)”. La irlandesa es alguien con quien tengo afinidad –¿crees en el mito de Occidente?– pero cuya música, tristemente, pocas veces me dice nada. Venimos de mundos distintos, Sinéad y yo. Ella lo basa todo en la interpretación, en el show, en desnudar su alma ante el ojo público porque el ojo público es el único mundo que ella conoce. Hay un par de momentos brillantes en este disco, sin embargo. “No sé qué desear de este mundo/ Realmente no sé qué desear de este mundo/ No sé qué quieres de mí/ Realmente no tienes derecho a querer nada de mí/ Por qué no te centras en otros/ Por qué no aburres a otros/ Por qué no le dices a otros que son egoístas/ Eres un pequeño cobarde, un patético fraude”.

Los siguientes versos interpretados por Sinéad O’Connor son gloriosos: “Espero que sepas que todo lo que quiero de ti es sexo/ Estar con alguien que luce increíble en ropa interior/ Y si tu peinado no es el correcto, pasaré de ti/ Voy a darte tus papeles/ Y puedes marcharte ahora”. La mitad de lo que dice está dirigido a ella misma. La autenticidad importa. No sé cuánto importa o por qué importa o si debería importar, pero el caso es que sí importa. Y yo me creo el mito de Sinéad O’Connor. Sí, sé que es una intérprete. Sí, sé que esto son sólo canciones. Sí, sé que en el fondo es sólo artificio, que el momento más glorioso de esta gloriosa canción de venganza es cuando Sinéad se convierte en Amanda Palmer. Pero Amanda Palmer, tan buena como es, es una actriz de cabaret, mientras que Sinéad O’Connor nos encandila confundiendo su vida con su arte (y en realidad nadie puede separar a las dos: la manera cómo vemos el mundo influye en cómo reaccionamos ante ese mundo). Este disco –y el título ya lo dice todo, “How about I be me (And you be you)”– va sobre la traición y la búsqueda de significado en la vida, y de querer a un hombre, y un sitio en el mundo, y buscar una constante y querer, querer, querer...

“Realmente es divertido parecer avergonzada todo el tiempo/ Como si nunca pudieras competir con los chicos mayores/ Realmente no sé quién coño te crees que eres/ ¿Puedo ver por favor tu licencia y tu registro?” Apéndice: tras escribir este artículo, descubrí que la canción es en realidad una versión. Claro que lo es, tiene sentido. Pensé que un par de líneas no tenían sentido, como si estuvieran fuera de contexto. Es una versión de otra canción. Sinéad O’Connor siempre ha sido una extraordinaria intérprete de las canciones de otros (¿por qué crees que has oído hablar de ella?). Curiosamente, el original de “The Queen of Denmark” de John Grant me parece insoportable, craso, adulto, sensiblero y no en el buen sentido de la palabra. ¿Sinéad? Todavía tiene el don. Y no la envidio nada.


060/061

agenda

agenda

Heineken Music Selector: Eleanor Friedberger

KGB (BCN), 10/05/12 El Sol (Madrid), 11/05/12 Wah Wah (Valencia), 12/05/12

Barcelona Miércoles, 2 de mayo _Manic Street Preachers. Razzmatazz 1. Hora y precio S/C. _Mad Professor vs Boc Guru Special. Music Hall. Hora y precio S/C. Jueves, 3 de mayo _Get Cape. Wear Cape. Fly. Music Hall. 21 h. 16 €. _Peter Loveday. Heliogàbal. 22 h. 6 €. Viernes, 4 de mayo _Chacho Brodas. Clap (Mataró). 23 h. Precio S/C. _Litoral + Pigmy + Tórtel. Music Hall. 20:30 h. 12 €. _Joe Traveller. Bar Lorenzo. 21 h. 5 €. _Kakkanaddafakka + Com Truise. Razzmatazz Clubs. 1 h. 15 €. _Shelby People + Astradyne. Nitsa&La [2]. 24:30 h. 15 €. _Locked Groove. BeCool. 1 h. 15 €. _Jilguero. Depósito Legal. 22 h. Gratis. Sábado, 5 de mayo _Remate + McEnroe. La [2]. 20 h. Precio S/C. _La Bien Querida. Auditori. 21 h. 20 €. _Gúdar + The Missing Leech. Underground. 22 h. 6 €. _Matthias Zimmermann. Razzmatazz Clubs. 1 h. 15 €. _L-Vis 1990 + DJ Göo. Nitsa&La [2]. 24:30 h. 15 €. _Skudge. BeCool. 1 h. 15 €. _Línea Marginot. Depósito Legal. 22 h. Gratis. Domingo, 6 de mayo _The Magnetic Fields + Hidrogenesse. Apolo. 21 h. Precio S/C. _Be Brave Benjamin. Heliogàbal. 22 h. 6 €. _Alberto Montero. Depósito Legal. 20 h. Gratis.

Miércoles, 9 de mayo _Chuck Prophet. La [2]. 21 h. Precio S/C. Jueves, 10 de mayo _La Plaça Odissea: Antònia Font, Jonston. Plaça Odissea. Hora S/C. Gratis. _Heineken Music Selector: Eleanor Firedberger. KGB. Hora S/C. Gratis. _The Noises. Sidecar. 21 h. 8 €. _Vieux Farka Touré. Bikini. 21 h. 28 €. _Elvira. Clap (Mataró). 22 h. Precio S/C. _Dead Capo. Marula Café. 21:30 h. 10 €. Viernes, 11 de mayo _La Plaça Odissea: FM Belfast, Manos de Topo... Plaça Odissea. Hora S/C. Gratis. _Betunizer. Sidecar. 22 h. 10 €. _Muy Fellini. Heliogàbal. 22 h. 7 €. _Marlango. Palau de la Música. Hora y precio S/C. _Edith Crash. La Fàrica de Somnis (Vic). Hora y precio S/C. _Moya Kalongo. Sandalo. Hora y precio S/C. _Bonaparte + Green Velvet. Razzmatazz Clubs. 1 h. 15 €. _Mark Manzenit + DJ Coco. Nitsa&La [2]. 24:30 h. 15 €. Sábado, 12 de mayo _La Plaça Odissea: Maxïm Park, Cloud Nothings, Pegasvs... Plaça Odissea. Hora S/C. Gratis. _Partido + A Jigsaw. Atrium (Viladecans) . Hora y precio S/C. _Thermal Team. Razzmatazz Clubs. 1 h. 15 €. _Joy Orbison + Kokoshca. Nitsa&La [2]. 24:30 h. 15 €. _Purky + Héctor Martínez. Voltech@Mephisto. 24 h. 10 €. Martes, 15 de mayo _Russian Circles. La [2]. 20:30 h. Precio S/C. _Loney Dear + Woodpigeon. Razzmatazz 3. Hora S/C. 15 €.

Miércoles, 16 de mayo _Tortoise. Apolo. 21 h. 20 €. _Charlotte Gainsbourg + Connan Mockasin. Razzmatazz 1. 20 h. 27 €. _El Decantador: Richard Buckner. Magatzem Escolà. Hora y precio S/C. _Partido. Hotel Pulitzer. Hora y precio S/C. Jueves, 17 de mayo _Bruce Springsteen. Estadi Olímpic Lluís Companys. Hora y precio S/C. _Brendan Benson + Young Hines. La [2]. 20 h. Precio S/C. _Pájaro. Sidecar. 21:30 h. 11 €. Viernes, 18 de mayo _Copiloto. Heliogàbal. 22 h. 6 €. _The Girl with the Dark Eyes. Salamandra. Hora y precio S/C. _Guillamino. Casa Elizalde. Hora y precio S/C. _The Chemistry Set + xxxy. Razzmatazz Clubs. 1 h. 15 €. _Lindstrøm + Nitch. Nitsa&La [2]. 24:30 h. 15 €. _Edu Imbernon + Florian Gasperini. La Terrrazza. Hora y precio S/C. Sábado, 19 de mayo _The Girl with the Dark Eyes. Clap (Mataró). 01:30 h. Precio S/C. _The Advent + Spleen United. Razzmatazz Clubs. 1 h. 15 €. _Actress + Stand Up Against Heart Crime. Nitsa&La [2]. 24:30 h. 15 €. Domingo, 20 de mayo _Minimúsica: Anímic, Doble Pletina, Germana... Apolo. 12 h. Precio S/C. Miércoles, 23 de mayo _Lucky Dragons + Summer Recreation Camp. Miscelanea. Hora y precio S/C. _Camille. Auditori. 21 h. 44 a 18 €. Jueves, 24 de mayo _Alien Sex Fiend + Angel Molina. KGB. 21

h. 23 €. _Eli ‘Paperboy’ Reed meets The Pepper Pots. Apolo. 20 h. Precio S/C. _Glissando. Heliogàbal. 22 h. 10 €. Viernes, 25 de mayo _Fritz Kalkrenner + Friendly Fires. Razzmatazz Clubs. 1 h. 15 €. _Rebolledo + Marc Piñol. Nitsa&La [2]. 24:30 h. 15 €. _Russ Yallop. BeCool. 1 h. 15 €. Sábado, 26 de mayo _Marky Ramone + Dept. Apolo. 20 h. Precio S/C. _Love Of Lesbian. Clap (Mataró). 23 h. Precio S/C. _Cursive + Éric Fuentes. BeCool. Hora y precio S/C. _Drums of Death. Razzmatazz Clubs. 1 h. 15 €. _DJ Fra + Lidia Damunt. Nitsa&La [2]. 24:30 h. 15 €. Domingo, 27 de mayo _Fear Factory. Salamandra 1 (L’Hospitalet Llbr). 20:30 h. 25 €. _Marc Piñol + Kosmos. Nitsa&La [2]. 24:30 h. 15 €. Lunes, 28 de mayo _Primavera Sound: James Hunter, Lisa & The Lips. Apolo. Hora y precio S/C. Martes, 29 de mayo _Primavera Sound: Hooray for Earth, Elephant... Apolo. Hora y precio S/C. _Primavera Sound: Mates Mates, Ohio... La [2]. Hora y precio S/C. Miércoles, 30 de mayo _Primavera Sound: Saint Etienne, No More Lies, Black Lips... Arc de Triomf. Hora y precio S/C. _Primavera Sound: Kindnes, Beach Fossils... Apolo. Hora y precio S/C. _Primavera Sound: Santiago Latorre, Void Of Voices. La [2]. Hora y precio S/C.


Tortoise

Matadero (Madrid), 15/05/12 Apolo (BCN(), 16/05/12 Wah Wah (Valencia), 17/05/12 Territorios (Sevilla), 18/05/12 Jueves, 31 de mayo _Primavera Sound: Franz Ferdinand, Mazzy Star, Spiritualized, The xx... Parc del Fòrum. Hora y precio S/C.

Madrid Martes, 1 de mayo _Mad Professor vs Boc Guru Special. Ramdall. Hora y precio S/C. _Meneo. Siroco. 24 h. 10 €. Miércoles, 2 de mayo _Josh Wink. Mondo. Hora y precio S/C. _Son Estrella Galicia: Laura Gibson. Café Berlín. 22 h. 15 €. _Tis Town Needs Guns + Fforrdd. Wurtlitzer Ballroom. 22 h. 8 €. _Get Cape. Wear Cape. Fly. Siroco. 21 h. 17 €. Jueves, 3 de mayo _We Are Scientists. El Sol. 22:30 h. 25 €. _Delorentos. Moby Dick. Hora y precio S/C. _Aer. Café la Palma. 21:30 h. 10 €. _Dehra Dun. Costello. Hora y precio S/C. Viernes, 4 de mayo _Franc3s, Hielo en Varsovia... Siroco. 22 h. 10 €. _O Sister! Clamores. 22h. Precio S/C. _Copiloto. Costello. Hora y precio S/C. _Lügernuova + Jupiter Lion. Nasti. 21:30 h. 10 €. Sábado, 5 de mayo _Festibal con B de Bici: Lorena Álvarez, Marlango. Matadero. 11 h. Precio S/C. _Fiesta Lengua Armada. Wurlitzer Ballroom. Hora y precio S/C. _Verkeren. Clamores. Hora y precio S/C. _O Sister! Clamores. 22h. Precio S/C. Lunes, 7 de mayo _The Magnetic Fields + Hidrogenesse. Teatro Rialto. Hora y precio S/C. _Chuck Prophet. El Sol. 22 h. 18 €.

Miércoles, 9 de mayo _Toy Dolls. La Riviera. 20 h. 25 €. _The Telescopes. La Boite. 21:30 h. 12 €. _Rich Hope. Café Berlín. 22 h. 10 €. _Pasajero. El Sol. Hora y precio S/C. _French Films. Moby Dick. 21 h. 12 €. _Litoral. Café La Palma. 20:30 h. 12 €. Jueves, 10 de mayo _Muy Fellini vs Brian Hunt. Siroco. Hora y precio S/C. _A Pony Named Olga. Gruta 77. 21:30 h. 10 €.

_Chily Gonzalez. Teatros del Canal. Hora y precio S/C. _Laurent Garnier + Scan X. Marco Aldany. Hora y precio S/C. Viernes, 18 de mayo _Cuzo + Black Bombain. La Faena II. Hora y precio S/C. _Brendan Benson. Moby Dick. 21 h. 24 €. Lunes, 21 de mayo _Standstill. Teatro Fernando de Rojas. Hora y precio S/C.

Viernes, 11 de mayo _Heineken Music Selector: Eleanor Firedberger. El Sol. 22:30 h. 12 €. _Luciano. La Riviera. Hora y precio S/C.

Martes, 22 de mayo _Standstill. Teatro Fernando de Rojas. Hora y precio S/C. _Tera Melos. Wurtlitzer Ballroom. 22 h. 8 €.

Sábado, 12 de mayo _BOA Fest: CPV, Sho-Hai & Xhelazz, Hablando en Plata... Auditorio Miguel Ríos. 14:30 h. 10 €. _Dead Capo. El Sol. 22:30 h. 10 €. _Son Estrella Galicia: José Ignacio Lapido. Teatro Lara. 22 h. 18 €. _Tower Of Meaning: Gerd Janson, Clip!, Víctor Flores. Siroco. 24 h. Precio S/C.

Jueves, 24 de mayo _Lucky Dragons. Centro de Arte 2 de Mayo. Hora y precio S/C. _Standstill. Joy Eslava. Hora y precio S/C. _Marky Ramone. Gruta 77. 21:30 h. 20 €.

Domingo, 13 de mayo _GOA: Alex Under, Elesbaan, Los Suruba... Fabrik. Hora y precio S/C. Martes, 15 de mayo� _Conciertos Sublimes: Tortoise. Matadero Madrid. 12 h. Precio S/C. Miércoles, 16 de mayo _Loney Dear + Woodpigeon. Moby Dick. Hora S/C. 15 €. _La Bien Querida. Café La Palma. 20:30 h. 12 €. Jueves, 17 de mayo _Fiesta Valle Eléctrico: Trust, Peakmood... Nasti. Hora y precio S/C. _Heineken Music Selector: Richard Buckner. Costello. Hora y precio S/C.

Viernes, 25 de mayo _Alien Sex Fiend + Oscar Mulero. La Riviera. 21 h. 25 €. _Anni B Sweet. Joy Eslava. Hora y precio S/C. _The Selecter. Gruta 77. 23 h. 23 €. _Marcus Doo & The Secret Family. El Perro. Hora y precio S/C. _A Classic Education. Charada. Hora y precio S/C.

Madrid. 17 h. Abono 40 €. Día 20 €. _Hooray For The Earth. Casa Encendida. Hora y precio S/C. Jueves, 31 de mayo _Son Estrella Galicia: The Suicide of Western Culture + Lasers. Café Berlín. 22 h. 16 €. _Los Coronas + Terry Lee Hale. Gruta 77. 21:30 h. 13 €.

Andalucía Viernes, 4 de mayo _Pony Bravo. Teatro Central (Sevilla). 21 h. 15 €. Martes, 8 de mayo _French Films. CC Ollerías (Málaga). 20:30 h. 8 €. Sábado, 12 de mayo _Luciano. Industrial Copera (Granada). Hora y precio S/C. Domingo, 13 de mayo _Bruce Springsteen. Estadio Olímpico de La Cartuja (Sevilla). Hora y precio S/C. Viernes, 18 de mayo _Territorios: Tortoise, Basement Jaxx, Tiga... CAAC y Monasterio de la Cartuja (Sevilla). Hora y precio S/C.

Sábado, 26 de mayo _Black is Back: The impressions, Lisa & The Lips... Matadero Madrid. 17 h. Abono 40 €. Día 20 €. _Lisabö. Moby Dick. 21 h. 12 €. _Computadora. El Juglar. 22 h. 6 €. _Los Punsetes. Ochoymedio. Hora y precio S/C.

Sábado, 19 de mayo _Territorios: Iggy & The Stooges, !!!, The Orb, Buraka Som Sistema... CAAC y Monasterio de la Cartuja (Sevilla). Hora y precio S/C.

Domingo, 27 de mayo _Black is Back: Eli ‘Paperboy’ Reed vs The Pepper Pots, James Hunter... Matadero

Sábado, 26 de mayo _O Sister! Teatro Alameda (Sevilla). Hora S/C. 12 €.

Viernes, 25 de mayo _Marlango. Casino (Sevilla). Hora y precio S/C.


062/063

agenda

Aragón Viernes, 4 de mayo _Limnopolar + The Last 3 Lines. López (Zaragoza). Hora S/C. 10 €. _Verkeren. La Ley Seca (Zaragoza). Hora y precio S/C. Jueves, 10 de mayo _French Films. La Lata de Bombillas (Zaragoza). 20:30 h. 7 €. Viernes, 11 de mayo _Polifonik Sound: Love of Lesbian, Dinero, The Dodoz... Recinto Institución Ferial (Barbastro). 22 h. Abono 30 €. Día 20 €. _Standstill. La Casa del Loco (Zaragoza). Hora y precio S/C. Sábado, 12 de mayo _Polifonik Sound: La Habitación Roja, Is Tropical, Tachenko... Recinto Institución Ferial (Barbastro). 22 h. Abono 30 €. Día 20 €.

Martes, 15 de mayo _Richard Buckner. El Loco (Valencia). Hora y precio S/C. Jueves, 17 de mayo _Tortoise. Wah Wah (Valencia). 21:30 h. 23 €. Viernes, 18 de mayo _Mujeres. Wah Wah (Valencia). 22 h. 10 €. _Two Door Cinema Club DJs. La3 (Valencia). 24:30 h. 12 €. Sábado, 19 de mayo _Partido. Electropura (Valencia). Hora y precio S/C. Jueves, 24 de mayo _Javiera Mena + Pegasvs. Wah Wah (Valencia). 21:30 h. 10 €.

Viernes, 18 de mayo _Maika Makovski. Helldorado (Vitoria-Gasteiz). Hora y precio S/C. _We Are Standard + Thee Brandy Hips. Kafe Antzokia (Bilbao). Hora y precio S/C. _Lisabö + Anari. Social Antzokia (Basauri). Hora y precio S/C. Sábado, 19 de mayo _Heineken Music Selector: La Casa Azul + Hidrogenesse. Fever (Bilbao). 21 h. 18 €.

Galicia Martes, 1 de mayo _Benjamin Folke Thomas. Salason (Cangas de Morrazo). Hora y precio S/C. Domingo, 6 de mayo _Son Estrella Galicia: Chuck Prophet. Café Torgal (Ourense). Hora y precio S/C.

Domingo, 13 de mayo _Enablers. López (Zaragoza). Hora S/C. 10 €.

Viernes, 25 de mayo _Heineken Music Selector: Fanfarlo. Mirror (Valencia). Hora y precio S/C. _Maika Makovski + Gentle Music Men. Wah Wah (Valencia). 23 h. 13 €. _Chinese Christmas Cards + Polock. Lonja de Altabix (Elx). Hora S/C. 5 €.

Jueves, 17 de mayo _Maika Makovski. López (Zaragoza). Hora S/C. 13 €. _Cuzo + Black Bombain. Arrebato (Zaragoza). Hora y precio S/C.

Sábado, 26 de mayo _Alien Sex Friend. La3 (Valencia). 21 h. Precio S/C. _Joe Crepúsculo. Wah Wah (Valencia). 22:30 h. 12 €.

Sábado, 12 de mayo _Son Estrella Galicia: Norman Blake & Jad Fair. Café Torgal (Ourense). Hora y precio S/C. _Anni B Sweet. Teatro Jofre (Ferrol). Hora y precio S/C.

Viernes, 18 de mayo _Niños Mutantes. López (Zaragoza). Hora S/C. 15 €. _Richard Buckner. La Lata de Bombillas (Zaragoza). Hora y precio S/C.

Catalunya

Jueves, 24 de mayo _A Classic Education. La Iguana (Vigo). Hora y precio S/C.

Sábado, 26 de mayo _Pony Bravo. López (Zaragoza). 22 h. 13 €. _Soledad Vélez. Z51 (Huesca). Hora y precio S/C.

Asturias Sábado, 5 de mayo _Ornamento y Delito + Thee Brandy Hips. Monkey Club (Gijón). Hora y precio S/C. Sábado, 12 de mayo _Standstill. Acapulco (Gijón). 22 h. 15 €. Sábado, 19 de mayo _Cápsula. Albeniz (Gijón). 22 h. 15 €. Viernes, 25 de mayo _Pony Bravo. Monkey Club (Gijón). 22 h. 13 €.

C. Valenciana Jueves, 3 de mayo _Mad Professor vs Boc Guru Special. Wah Wah (Valencia). 22 h. 16 €. Martes, 8 de mayo _Chuck Prophet. Loco (Valencia). 21:30 h. 18 €. Jueves, 10 de mayo _The Klaxons DJs. La3 (Valencia). 24:30 h. 12 €. _Soledad Vélez. Matisse (Valencia). Hora y precio S/C. Viernes, 11 de mayo _Mishima. Opal Music (Castelló). 23 h. Precio S/C. _Klaus&Kinski. La Llotja d’Altabix (Elx). Hora y precio S/C. Sábado, 12 de mayo _Heineken Music Selector: Eleanor Friedberger. Wah Wah (Valencia). 22:30 h. 16 €. _Muy Fellini vs Brian Hunt. Mulligan’s (Alicante). Hora y precio S/C.

Jueves, 3 de mayo _Maika Makovski. Tourmix (Girona). Hora y precio S/C. Viernes, 4 de mayo _In-Somni: Txarango, Lasers... Parc del Jardins Fora Muralla (Girona). 23 h. Precio S/C. Sábado, 5 de mayo _In-Somni: We Are Scientists, Manos de Topo... Parc del Jardins Fora Muralla (Girona). 23 h. 18 €.

Viernes, 11 de mayo _Son Estrella Galicia: Cat People. LeClub (A Coruña). 22 h. 15 €. _Anni B Sweet. Pazo da Cultura (Pontevedra). Hora y precio S/C.

Sábado, 26 de mayo _Javiera Mena + Triángulo de Amor Bizarro. Playa Club (A Coruña). Hora y precio S/C. Miércoles, 30 de mayo _Michael Nyman Band. Palacio de la Ópera (A Coruña). Hora y precio S/C.

Illes Balears

Jueves, 24 de mayo _Camille. Auditori (Girona). Hora y precio S/C.

Viernes, 4 de mayo _2+2: We Are Scientists, Delorentos... Abraxas (Palma de Mallorca). Hora S/C. 20 €.

Euskadi

Sábado, 5 de mayo _2+2: La Habitación Roja, Grises... Abraxas (Palma de Mallorca). Hora S/C. 20 €.

Miércoles, 2 de mayo _Benjamin Folke Thomas. Colegio de Abogados (Bilbao). Hora y precio S/C.

Viernes, 11 de mayo _Jonston. Vamp Café (Palma de Mallorca). Hora y precio S/C.

Viernes, 4 de mayo _Bizbak Indie: Guadalupe Plata, Gora Japan... Maiatzak (Bilbao). 20:30 h. Precio S/C. _Chuck Prophet. Kafe Antzokia (Bilbao). Hora y precio S/C. _Delafé y las Flores Azules + Niños Mutantes. Social Antzokia (Basauri). Hora y precio S/C.

Sábado, 26 de mayo _Heineken Music Selector: Fanfarlo. Cultura Club (Palma de Mallorca). Hora y precio S/C.

Sábado, 5 de mayo _Bizbak Indie: Capsula, Ainara Legardon... Maiatzak (Bilbao). 20:30 h. Pecio S/C. _Chuck Prophet. Bukowski (Donosti). Hora y precio S/C. Domingo, 6 de mayo _Bizbak Indie: Zodiacs, Muy Fellini... Maiatzak (Bilbao). 20:30 h. Pecio S/C. Viernes, 11 de mayo _Nacho Vegas + The New Raemon. Social Antzokia (Basauri). Hora y precio S/C. Miércoles, 16 de mayo _Tortoise. Ciclo BBK (Bilbao). 21 h. 25 €.

Murcia Viernes, 4 de mayo _SOS 4.8: Pulp, Gossip, Buraka Som Sistema... Recinto festival (Murcia). Hora y precio S/C. Sábado, 5 de mayo _SOS 4.8: The Flaming Lips, Mogwai, CSS... Recinto festival (Murcia). Hora y precio S/C. Jueves, 17 de mayo _Loney Dear + Woodpigeon. Stereo (Murcia). Hora S/C. 8 €. Sábado, 19 de mayo _Ellos. 12&Medio (Murcia). Hora S/C. 10 €. Martes, 22 de mayo _Michael Nyman. Teatro Circo (Murcia). Hora y precio S/C.



064/065

live

Low

APOLO (BCN), 27/03/12

Lambchop APOLO (BCN), 30/03/12

Existen personas que nunca te defraudan, que siempre están dispuestas a ofrecerte todo lo que les pidas dedicándote mientras tanto la mejor de sus sonrisas. Kurt Wagner es sin duda de ese tipo de gente. Ya sea en solitario o acompañado de Lambchop, Wagner es un puerto seguro en el que resguardarse, alguien que no te fallará nunca. En su última visita a Barcelona entró al escenario discretamente, sin hacer demasiado ruido, se plantó con sus guitarras en una esquina, al lado del piano de Tony Crow, y junto a él y al resto de la banda hicieron uno de esos conciertos especiales y maravillosos a los que nos tienen tan bien acostumbrados, susurrándonos al oído las canciones de su último disco, “Mr. M”. Canciones profundas y dolorosas, marcadas por la pérdida de su amigo Vic Chesnutt, pero a la vez luminosas y enraizadas en la esperanza, evocadoras de la felicidad de seguir vivo, con las que se creó una íntima comunión entre banda y público, provocando respetuosos silencios, erizando vellos, manteniendo la emoción desde el inicio con “Give it” hasta los acordes finales. Javier Burgueño

Mark Lanegan Band APOLO (BCN), 02/04/12

Sr Mark Lanegan, dígale a su banda que se ponga las pilas o mándela a paseo. Sabemos que sus tablas en el escenario no son como para echar cohetes. Sabemos que no es necesario que nadie (y menos usted) tenga que menear el pelo como Axl Rose en 1988 o Chris Cornell en 1992. No tienen nada que ver la intensidad de un buen set y un mejor intérprete con su actitud en escena. Pero, ah, es que usted iba ‘acompañado’ de unos tipos que no dieron la talla. Y eso le afectó, y, por extensión, jodió la noche al respetable. Un llenazo absoluto, veinte canciones bien elegidas, las famosas luces rojas de la

Ya sea en medio de un populoso festival, en un teatro atestado o en una abarrotada sala de conciertos cada cita con Low en Barcelona supone una auténtica comunión entre ejecutantes y acólitos. La metáfora religiosa, tan extendida entre la crítica musical, puede ser exagerada en otros casos, pero, sin duda, no lo es en el de los de Duluth. En sus conciertos, a pesar de las posibles circunstancias adversas, siempre hay una atmósfera especial cargada de introspección y, por qué no decirlo, transcendencia. Su último paso por el escenario del Apolo no fue una excepción, pese presentar “C’mon” (Sub Pop, 11) un disco más terrenal. Aunque empezaron con “Monkey” y “Silver Rider” de “The great destroyer” (Sub Pop, 05), pronto “C’mon” tomó todo el protagonismo con hasta siete temas a lo largo de la noche con la culminante “Especially me” a cargo de una Mimi Parker (batería y voz) con protagonismo decreciente en los discos, pero siempre emocionante en directo. A su lado, Alan Sparhawk (voz y guitarra) templaba a la masa y se retorcía en un par de solos muy Neil Young en “Witches” y en una “California” rescatada de “The great destroyer” que dejaban al

descubierto esa velada amenaza que parece siempre ocultarse bajo las aparentemente calmas aguas de la música de Low. No en vano, Sparhawk saludó al público al tomar el escenario con un enigmático “Tonight’s the night” que tanto podía hacer referencia al artista canadiense como a sus ganas de tocar en la ciudad. Esa amenaza, la razón de la tensión en la música de Low, afloró levemente en esos dos chispazos y en el impreciso final de “In the drugs” —junto a “Canada”, el otro rescate de “Trust” (Kranky, 02)—, pero la maternal mirada de Parker condujo de nuevo a Sparhawk al redil y a nosotros hacia el final del concierto con “You see everything”. La sala ya estaba inundada de electricidad, pero el público no se movió y rompió su respetuoso silencio para reclamar un bis más que merecido. “Murderer”, único momento de “Drums and guns” (Sub Pop, 07), unió el “Weld” (Reprise, 91) de Neil Young con el rock mántrico de la extensa “Nothing but heart” que nos dejó exhaustos. El remate final, con el emotivo mensaje de “$20” y las palabras de agradecimiento de Sparhawk nos dejó rendidos a los pies de Low, como siempre. Half Nelson / Foto Xavi Mercadé

sala Apolo como único efecto, y fans entregados. Y cayeron “Sleep with me”, “Hit the city”, “One way street”, “Wish you well”. Y el batería sin pensar que tiene a otros músicos a su lado. Luego “Crawl-space” (de Screaming Trees) y “Quiver syndrome”, “Riot in my house”, “St Louis Eley”. Dos solos lamentables y final feliz con “Tiny grain of truth”. Se refugian unos segundos y “especial comeback” con “Pendulum”, “Harborview Hospital” y “Methamphetamine blues”. Cuando arriba no hay química, abajo hay descontento. Octavio Botana

adecuado y groove idóneo para una previa. El público asistente parecía difícil de ubicar, quizás podría clasificarse entre fans pre y post “Berlin calling”. Pocas sorpresas en el directo, un set compuesto básicamente por los temas de “Icke Wieder” (11) y de la mítica banda sonora de su película, sin olvidarse tampoco de sus machacados remixes como “Mad world” o ricos tracks como “Plätscher”, tema incluido en el recopilatorio de BPitch “Werkschau”. No por eso dejó de conseguir el encumbramiento por parte del público, siempre agradecido con sus bombos, sus filtros y sus melodías technosensiblonas. Gerard Daurella

Thurston Moore LA [2] (BCN), 18/03/12

“Grow? Never”. Este fragmento de uno de los poemas que Thurston Moore recitó en su último concierto en Barcelona es toda una declaración de principios. Y es que a sus 53 años, el Peter Pan del indie protagonizó un intenso concierto en el que quedó más que patente que sigue habiendo vida después de su reciente ruptura con Kim Gordon y la consecuente disolución indefinida de Sonic Youth. La actuación tuvo un tinte más artie de lo habitual a causa de los varios poemas que el influyente guitarrista leyó impulsado por su amiga y musa Lydia Lunch. En lo estrictamente musical, el concierto se centró en su último disco, aunque el repertorio también incluyó canciones de sus otros trabajos en solitario y varias descargas de ruido propias de los momentos más salvajes de su banda madre. En éstas, las dos guitarras, el violín y la batería eran torturados mientras Thurston saltaba, sacudía su rubia melena y miraba al público con un posado desafiante propio del adolescente eterno que siempre será. Pau Cristòful

Paul Kalkbrenner SANT JORDI CLUB (BCN), 13/04/12

Llegamos un poco más tarde de las nueve y vemos a Undo calentando motores a muy buen ritmo, tempo

Xiu Xiu TEATRO LARA (MADRID), 27/03/12

Sabido es que la propuesta musical de Xiu Xiu es decididamente radical: o entras o no entras. Nada de medias tintas, nada de modas o caprichosos “me gusta” facebookianos. Son un grupo difícil, de esos a los que hay que echarles horas, dedicarles tiempo y atención, algo que tanto escasea en nuestro mundo hiperveloz de escuchas funcionales, rápidas y fragmentarias. Y son así porque Jamie Stewart es así: un tipo complejo, excéntrico, alejado de toda convención, dispuesto a hacer de cada disco, de cada concierto, algo nuevo, original, rompedor. Esto fue lo que vimos en su paso por Madrid: un derroche de energía y prodigio vocal e instrumental en el que cada sonido, cada ruido, cada entonación, suponía un estremecimiento, una fuerte sacudida emocional. Desde “Fabulous muscles”, con la que abrieron, hasta “Joey’s Song”, “Honey suckle”, “Hi”, “Suha”, la sublime “Sad pony guerrilla girl”, o su muy aplaudida versión del “Ceremony” de Joy Division, Stewart y los suyos nos ofrecieron una velada muy especial, de esas que (aún) convierten a los conciertos en actos únicos e irrepetibles, auráticos, y a los grupos que saben ofrecerlos en artistas con mayúsculas. Israel Márquez


ton simpático, cómodo en el escenario y aparentemente feliz. Maurici Ribera y Mau Boada abrieron la noche con sus proyectos The Missing Leech y Esperit!, y la verdad es que cuesta imaginar unos artistas más idóneos para tocar con Daniel en Barcelona. El primero ha editado un fanzine dedicado al artista americano y realmente parece su versión catalana si nos limitamos a aspectos

musicales. El segundo es un hiperactivo pozo de ilusión que después de innumerables proyectos se ha reinventado como un hombre orquesta del folk psicodélico. Durante cuarenta minutos presentaron canciones de ambos, colaborando puntualmente entre ellos. Al subir al escenario, la primera impresión que dio Daniel no fue precisamente esperanzadora: vestido de chándal, arrojándose media botella de agua encima cuando intentaba beber e interpretando él solo tres canciones en las que intentó encajar los dedos en los acordes correspondientes. Todo cambió a mejor cuando salió la banda que le acompañó durante las tres fechas españolas, formada por dos miembros de esa apisonadora de post-hardcore llamada Betunizer y un bajista de Castellón. Junto a ellos, Daniel se limitó a cantar sus canciones, algunas de las cuales se vieron energizadas hasta el punto de que por momentos aquello se acercaba más a un concierto de punk que a las expectativas agridulces que muchos de nosotros teníamos. Aún y su desmejorado físico, los exagerados temblores que tenía en los brazos y otras evidencias de su enfermedad, todos aquellos que lo han visto repetidas veces coincidieron en que se encuentra mejor que nunca y los que abarrotábamos la Bikini pudimos disfrutar de una hora de concierto plagada de sobrecogedoras canciones. Y es que todos los allí presentes nos sentimos identificados con las letras del particular artista cuando abarca el amor y, después de un bis que terminó con “True love will find you in the end”, no podíamos hacer más que demostrarle nuestro más profundo afecto con los más sinceros aplausos y sonrisas. Y es que no hay duda de que acabábamos de vivir una noche histórica. Pau Cristòful / Foto Mireia Carulla

la atmósfera creada por Göttsching, demostrando una vez más la hegemonía de la música como rumor, es decir, como excusa para charlar, relacionarse y flirtear más que como objeto de atención en sí mismo. Pero eso es otra historia. Al día siguiente, Thomas Köner hizo del ambient y los drones el leitmotiv de su sesión, donde los graves y subgraves que salían de su portátil hacían retumbar cada esquina del auditorio y cada músculo de nuestros cuerpos. Blues Control, Laraaji & Arji intentaron combinar sin éxito lo étnico con lo electrónico en una actuación que pasó bastante desapercibida. Todo lo contrario que Hype Williams,

cuyo directo dio mucho de que hablar pero no en un sentido positivo (como muchos esperábamos), sino de extrañeza y perplejidad ante unas luces cegadoras extremadamente molestas, un sonido realmente malo que desembocó en pura cacofonía, y el absurdo ejercicio de un corredor de fondo situado a un extremo del escenario y que se pasó todo el concierto corriendo. Roly Porter (Vex’d, en la foto) abrió la jornada del sábado con una nueva sesión de dronescape, esta vez acompañado por los interesantes visuales de Flicker en perfecta sincronización con la música. Nate Young desató sonidos y frecuencias espectrales y asfixiantes en una especie de cara B del concierto que su banda Wolf Eyes ofreciera hace tres años en el mismo recinto. Raime cerraron la jornada con una sesión más animada y accesible a base de sonidos techno y dubstep, pero sin llegar a sobresalir. El domingo Keith Fullerton Whitman nos deleitó con una sesión de improvisación y síntesis modular en vivo que fue toda una exploración sonora y quizás la experiencia más interesante del festival. THEEsatisfaction salieron tarde y tocaron poco, pero su mezcla de soul, jazz, funk y hip hop hizo bailar y sonreír a más de uno. Por último, Koreless ofreció una muy buena actuación que por momentos recordó a lo mejor de Four Tet y Mount Kimbie, despidiéndose con el ya casi obligado “Blue Monday” de New Order y poniendo así el broche final al festival. Israel Márquez / Foto Enrique Escorza

Daniel Johnston BIKINI (BCN), 19/04/12

Escribir 2.500 caracteres para hablar de un concierto de Daniel Johnston se presenta, a priori, como una tarea delicada. Su conocido trastorno bipolar hace que esta crónica no se pueda plantear como una convencional, y la mitificación de su figura en todo el mundo se veía aquí acentuada por los siete años que hacía que no pisaba un escenario español. Por suerte y contra todo pronóstico pesimista, disfrutamos de un Daniel Johns-

Electrónica en Abril 2012 LA CASA ENCENDIDA (MADRID), 12-12/04/12

Los aniversarios son momentos de celebración, conmemoración y regalos, y qué mejor regalo para el décimo aniversario del festival Electrónica en Abril que la visita de Manuel Göttsching a nuestro país presentando por primera vez en estos lares su visionario álbum “E2-E4”. La actuación de Göttsching recreó a la perfección el disco original publicado en 1984, alcanzando su clímax cuando el alemán se calzó su guitarra eléctrica y empezó a improvisar respaldado por el armazón electrónico que había ido construyendo minutos antes. El parloteo constante de muchos de los allí presentes impidió una inmersión total en


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E-books hoy PIRATERÍA DE PAPEL Suena alarmista, pero lo dicen con bastante razón. “De seguir las cosas así, tendremos que hacer nuestro trabajo en países que cuenten con leyes más férreas”. Las palabras son de Antonio María Ávila, director ejecutivo de la Federación de Gremios de Editores de España. Se refiere al ‘alarmante’ número de descargas de libros digitales.

Textos

Xan Pita

S

egún denuncia el gremio de editores, la piratería de libros electrónicos roza ya el 50% lo que provoca, además de las lógicas pierdas, un escenario caótico que impide montar un mercado ordenado, algo que, a día de hoy, todavía estamos lejos de conseguir. Hablando de números, las cifras que aporta El Observatorio de la Piratería apuntan a unas pérdidas totales de 793 millones de euros causadas por la descarga ilegal de libros. Por si fuera poco, siempre desde el punto de vista de Antonio María Ávila, el aumento de libros bajados no se traduce en un incremento en el índice de lectura de España, que sigue tan triste como siempre. “No existe novedad que se saque que no sea inmediatamente pirateada”, explica Antonio María Ávila. El director ejecutivo de la Federación de Gremios de Editores de España no se muestra sorprendido por los datos tan negativos de la industria en la que trabaja. Dice que el del libro es el sector que más ha crecido en piratería “porque los otros ya están machacados”. El problema con los números que manejan algunos editores es que no acaban de ser todo lo rigurosos que uno desearía. La consulta, que arroja resultados tan nefastos y pinta un panorama desolador y que durante días protagoniza los titulares de la prensa, nace al calor de una encuesta realizada a 3.000 personas.

RENOVARSE O MORIR

Sea como sea, lo que está claro es que ya sea a causa de la piratería o porque los lectores electrónicos ya son una realidad, el sector editorial ha comenzado el camino de la renovación. Con cada día que pasa nacen nuevas iniciativas de corte digital. Algunas apuntan a modelos que parecen funcionar en otros sectores aquejados por la piratería (los libros en la nube a lo Spotify ya son una realidad), mientras que otras crean sistema de préstamos que permiten acceder al contenido durante un tiempo determinado (un poco en la línea de lo que hace Filmin con el cine). Y grandes editoriales como Anagrama se atreven a publicar libros de grandes espadas de la editorial como Paul Auster primero en formato electrónico y días después en papel. Asímismo portales dedicados a la literatura publican en Internet textos completamente inéditos de escritores que cuentan con un buen puñado de lectores de sus libros de papel. Otro ejemplo es Libranda, plataforma de distribución de libros electrónicos impulsada por Santillana, Planeta y Random House Mondadori que cuatro meses después de su puesta en marcha agrupaba ya 90 sellos. No cabe duda de que las editoriales están intentando acelerar el lanzamiento simultáneo de sus novedades en formato digital y en papel para que la oferta legal esté a la altura de la demanda. ¿El gran problema? Que España, junto a Francia, cuenta con los e-books más caros del mundo. Eso, claro, también tiene que cambiar.


VinylRecorder T560

Fabrica tus propios vinilos

Hace tiempo que Android ya no es un sistema operativo pensado sólo para teléfonos móviles. De hecho, queda más que demostrado con este Walkman NW-Z1000 Series, un reproductor multimedia pensando en mirarle a los ojos al Ipod Touch. Se trata de un dispositivo táctil hecho para amantes de la música, por amantes de la música. Destaca por su muy buena calidad de sonido y un sistema de altavoces xLOUD, conexión inalámbrica, pantalla táctil de 10,9 cm (4,3”). Una de sus curiosidades, lanza contenidos a otros dispositivos compatibles con DLNA. Más datos: 156 gramos de peso, 20 horas de reproducción continuada de música o 5 horas para video, y capacidad de reproducir video FULL HD. Muy recomendable.

Lo de pasar tu música en MP3 o CD a vinilo ya viene de viejo. Pero, ¿y si te fabricas tus propios discos? Porque sí, puedes hacerlo. Sólo necesitas 3.200 € y un aparatito, este VinylRecorder T560. Se trata de un dispositivo que te permite precisamente eso, crearte tus propios vinilos e incluso sacarte de la manga ediciones especiales con colores. Ahora bien, si buscas un gadget de aspecto como de diseñador, el VinylRecorder T560 no es para ti. Se parece más a un invento hecho por un par de geniecillos en su garaje. De hecho, se trata de un objeto que tienes que montarlo tú mismo a partir de un kit de equipo básico (el que cuesta esos 3.200 euritos que comentábamos antes) ¿Pero sabes qué? Funciona. Y eso, al fin y al cabo, es lo que importa.

Acer Iconia Tab A100

Sennheiser IE800

Adroid tablet

Lujo auricular

Y otro dispositivo más que trabaja con el sistema operativo de Google. En este caso hablamos del nuevo Acer Iconia Tab A100, una tableta que ofrece una portabilidad inigualable combinada con el más alto rendimiento. Con una pantalla de 7” y un peso de sólo 410 gramos, esta estilizada y compacta tableta resulta particularmente cómoda para sujetarla con una sola mano. Y como es tan compacta, puedes guardarla en el bolsillo y llevar tu mundo online donde vayas.

Hoy vamos de exclusivos. Y, en ese sentido, pocos auriculares le pueden hacer sombra a esta maravilla de Sennheiser. Porque si buscas unos cascos de alta gama, los IE800 van a estar a la altura. Su precio no está al alcance de todos (599€ del ala). Pero a cambio te llevas a casa los auriculares internos de canal con el trasductor de banda ancha más pequeño que existe en ésta categoría de auriculares. En otras palabras, 7 mm de diámetro con un sonido excelente Extra Wide Band y un nuevo sistema de alta fidelidad con un rango de frecuencias que oscilan entre los 8 y los 45.000 HZ.

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Sony Walkman NW-Z1000 Series

Walkman para android


MODAGADGETS Eastpak Funny Faith

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TEXTO ANA TOMÁS

GADGETS

Con las mochilas, bolsas y maletas de la colección Funny Faith de Eastpak no tendrás que escoger entre la diversión y la devoción. Eastpak sigue empleando la temática religiosa para crear una colección de lo más original, dentro de los modelos para esta primavera/verano 2012: camisetas con ilustraciones religiosas adaptadas a la actualidad, junto a las mochilas, bolsas y maletas con cruces urbanas estampadas sobre fondo negro. Una línea de ropa, mochilas, bolsas y maletas con la que podrás viajar a cualquier parte del mundo sin perder el oremus ni, tampoco, el estilo urbano. www.eastpak.com

Urban Factory Accesorios chic

Protest Boardshorts de alto rendimiento Protest presenta en su colección primavera/verano 2012 una línea técnica de boardshorts de alto rendimiento que destaca por su concepto y funcionalidad, adaptada a las necesidades de los riders. Diferentes largos para varios estilos se adaptan a estampados en bloques de color y locura gráfica que, aunidos a altas prestaciones y a un patrón más estrecho y sofisticado, hacen de esta prenda la mejor opción para las sesiones de surf. Entre sus características técnicas destacan el tejido elástico 2-way stretch que maximiza la libertad de movimiento, el tejido especial Dobby que previene erupciones, tela de malla y bragueta de licra para más comodidad y ligereza, y un cierre con cordón ultra-plano para reducir los roces y mantener el boardshort en posición. Sin dejar de lado el cordón para las llaves, un útil gadget incorporado. www.protest.eu

La marca francesa de bolsas, mochilas y complementos Urban Factory ha sacado al mercado dos gadgets muy prácticos. Por un lado, la bolsa para cámaras de foto Betty’s Bag, que puede ser confundida con un bolso muy trendy, aunque su interior contiene separadores que protegen la cámara y puede albergar hasta dos objetivos. El otro accesorio, Vicky’s Bag, reconcilia el concepto de bolso y funda de portátil o tablet en uno solo, ya que ofrece un compartimento para los objetos personales y otro interior para proteger el ordenador. Para ponerle la guinda al pastel, la bolsa se puede llevar como maleta, cogida por sus asas, o como bolso, colgada por la correa. www.urban-factory.com

Pajaritas El último hit Uno de los accesorios más masculinos y elegantes de toda la vida, la pajarita, está ganando terreno a la clásica corbata fina estilo mod. Estas lazadas, colocadas estratégicamente sobre el cuello, ganan posiciones en los looks más chic de la temporada, y no nos referimos únicamente a mezclarlas únicamente con un traje de noche o un esmoquin, sino a la atrevida combinación diurna con camisas de cuadros e incluso con camisetas de tirantes. Claudia Font (knittaluv. blogspot.com.es), profesora de ganchillo en Duduá y en la cafetería Cosmo de Barcelona, ha creado una línea de pajaritas hechas a mano y de punto que son el último hit. De venta en Etsy (www.etsy. com/listing/97338960/nice-handknittedcotton-bow-tie) y en las tiendas Chandal y Ada de Barcelona, son un accesorio que seguro que las chicas robarán al novio y viceversa.


MODA

Delikatissen Blog de decoración estilo nórdico El interiorismo minimalista busca la reducción a lo esencial para favorecer el sentimiento de ingravidez, de tranquilidad, de metamorfosis con el ambiente. Nacida en los sesenta, época de experimentación y evasión esteticista, esta corriente artística podría definirse como “lo máximo en lo mínimo”. En decoración hablamos pues de tonos neutros, con notas de color puntuales y muy estudiadas; mobiliario simple en metacrilato o madera, con formas geométricas puras; y tejidos 100% naturales. En sintonía con esta corriente, que causa furor en Escandinavia, el blog Delikatessen, con ejemplos de casas maravillosas, nos ofrece soluciones para decorar nuestras casas huyendo de la ostentación y buscando la riqueza en la precisión de los acabados, el orden y el purismo estructural y funcional. Let’s dress our space in a delikatissen and scandinavian mood: www.delikatissen.com

Gio-Goi Tu propia isla Gio-Goi, la marca creada por los responsables del club Hacienda de Manchester y favorita entre los músicos ingleses, se dispone a vestir a los chicos este verano en sus periplos por tierra, mar o aire. Sea en estaciones de tren, embarcaderos o aeropuertos, a una orilla u otra del canal de La Mancha, Gio-Goi propone las rayas marineras como leitmotiv bajo el sol. Puedes viajar a tu propia isla con las clásicas rayas en sudaderas y camisetas, así como con otras que se bañan en un hipnótico efecto degradado del que no podrás apartar la vista. Ni a babor ni a estribor.

A Casa Portuguesa Nuevo local en el Eixample barcelonés Desde la primera apertura en Gràcia en el 2006, A Casa Portuguesa ofrece una oferta gastronómica cuidada, eligiendo productos de calidad, poniendo el máximo cuidado en su confección, y presentando sabores auténticos de raíz portuguesa a precios accesibles. La nueva A Casa Portuguesa del Eixample barcelonés, en la calle Aragón 111, es un espacio con cocina abierta todo el día donde se podrá saborear una gran variedad de “petiscos” portugueses, hacer un café con un pastelito de Belém en una de las terrazas o cenar un bacalao portugués a la brasa en un ambiente relajado mientras se asiste a un concierto de Fado. www.acasaportuguesa.com

TEXTO ANA TOMÁS

Civic Duty desembarca por primera vez en España. Las colecciones para este verano se mantienen fieles a la línea de Civic Duty, fabricadas en Tyvek, un material 100% reciclable, de textura muy similar al papel reciclado y utilizado por primera vez en calzado. Se trata de un material ligero, transpirable, resistente e impermeable. “Este material y el uso de tintes ecológicos convierten estas zapatillas en la opción más ecofriendly para esta temporada. Una apuesta completamente rompedora y socialmente comprometida de la marca neoyorquina”, apuntan desde la compañía.

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Civic Duty 100% reciclable

El barrio de Gracia en Barcelona siempre está un paso por delante de las tendencias, y ahora ofrece más que nunca una razón para merodear por sus calles los sábados y domingos para terminar reponiendo fuerzas con el brunch que ofrece, todos los sábados y domingos, La Pequeña. El local no ha tardado en ganarse una clientela habitual, que se deja caer para probar sus infusiones y pasteles o para degustar una copa acompañada de una tapa gratis. Ahora, además, podrán gozar de batidos y vermouths a media mañana acompañados de desayunos de tenedor todos los fines de semana. El diminuto local situado en Travessera de Gràcia, cultiva el mimo por los pequeños detalles, como se aprecia en la sonrisa imperturbable de su clientela. Y es que ahora el local ofrece otra razón para sonreír: una vez al mes, uno podrá disfrutar de un mercadillo de ropa vintage a cargo de la marca Rot y de Liebre X Gato.

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La Pequeña Mercadillo vintage


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TEXTO ANA TOMÁS

MY OWN SHOW

MODA

MY OWN SHOW ...le noir est une couleur El pasado mes de febrero, y por primera vez dentro de MI Milano Prêt-àPorter, la feria de la moda italiana y de los diseñadores emergentes, se celebró la nueva edición de My Own Show. Nacido en el 2006, My Own Show es un concurso internacional ideado y promovido por el Istituto Europeo di Design, quien selecciona cada año a los mejores estudiantes recién licenciados de los cursos de Moda del Network IED y los lleva a debutar con sus propios proyectos en Milano Moda Donna. Los vencedores de este año en la categoría Diseño de Moda han sido Sante Bozzo, Vincenzo Lattanzio e Inés Vilagut, provenientes de las sedes IED de Roma, Milán y Barcelona. A su lado, Francesca Lancia, vencedora de la categoría Estilismo y recién licenciada en Comunicación de la Moda en IED Roma. Sante, Vincenzo, Inés y Francesca fueron escogidos por un jurado de expertos en el sector, presidido por Franca Sozzani –directora de Vogue Italia y miembro del Advisory Board IED Italia– por la creatividad y la transversalidad de sus proyectos, por el trabajo de investigación en combinación con la delicadeza en la elaboración y por la gran coherencia proyectual. En el espacio del proyecto Mipap+, el área de MI Milano Prêt-à-Porter dedicada a la sinergia entre la creatividad y la industria, IED presentó tres colecciones cápsula producidas para My Own Show gracias a dos prestigiosas empresas de la moda italiana como son Falber-Moschillo y Valentino Fashion Group. Ambas hace años que creen en el proyecto My Own Project y se aproximan a los jóvenes estilistas respaldándoles en la producción de sus outfits.

Entrevistamos a la ganadora española, Inés Vilagut de IED Barcelona, que presentó “Le noir est une couleur”, una colección para hombre producida por Faber-Moschillo. El proyecto nace del estudio del color negro y del cuerpo. El uso refinado de tejidos pesados y ligeros, y el recurrir a líneas limpias, genera a la vez opacidad y transparencia, creando un efecto de movimiento y dinamismo en las capas. ¿Cómo fue tu experiencia en el IED? Han sido unos años de mi vida muy intensos, pero ya estaba preparada para eso. La Escuela ha sido mi casa, mi familia, mi todo durante tres años. Lo más estimulante, tras mi paso por el IED, ha sido la oportunidad que la escuela me ha dado de poder conocer cualquier otro tipo de disciplina. De poder trabajar mano a mano con otros campos, no sólo moda. ¿Qué representa para ti haber ganado My Own Show y cómo ha sido tu experiencia con Falber-Moschillo? Ha sido un aprendizaje absoluto sobre el funcionamiento real del sector de la Moda en la actualidad y concretamente en Italia. En dos meses he sido consciente de lo que supone trabajar con una empresa real, grande, seria y profesional. He podido ver el ritmo frenético con el que trabajan pero siempre con el control más riguroso. Describe tu proyecto. “Le noir est une couleur” se inspira en el movimiento a partir de una mancha negra y buscar una luz nueva para darle vida. Esta luz es el cuerpo humano, busco experimentar con el color poniendo algo estático, la mancha negra, para crear movimiento.


MODA

KEDS ...décadas marcando estilo A punto de cumplir el centenario de su nacimiento, la clásica marca americana de zapatillas aterriza en nuestro país con lo mejor de la cultura pop de Estados Unidos para tus pies. Con una premisa básica y sencilla, la apuesta de calzado de Keds acierta de pleno con la combinación de materiales clásicos como la goma y la lona, como en su primer modelo, “The Champion”, disponible en una amplia selección de colores para combinar en todas las ocasiones. La histórica marca de zapatillas empezó a ser conocida por el gran público en los años 20 cuando los jugadores de baloncesto, de fútbol y de tenis empezaron a lucir sus Keds en la pista, combinando comodidad y estilo. Y es que el glamour cotidiano que desprende la marca viene de lejos: en la década de los años 50 y 60, la versatilidad de este calzado y su corte clásico resultaba irresistible para cualquier estilismo casual de las estrellas de cine más admiradas, como Greta Garbo, Paul Newman, Marilyn Monroe o Audrey Hepburn: todos ellos grandes iconos de estilo. Tal vez ellos ya sabían el secreto, y es que no se trata de excederse. Menos es más. Más tarde se unieron al club de incondicionales de los Keds John Lennon y Yoko Ono así como la familia Kennedy, tal vez lo más parecido a la realeza en los Estados Unidos. Toda una democratización del estilo.

Por si toda esta fama no fuera suficiente, no hay más que fijarse en algún episodio de series ochenteras como “Salvados por la campana” o en películas como “Dirty Dancing” para ver que las Keds no han parado de triunfar en ninguna década. Siguen siendo un clásico. Y lo que les queda. Keds y sus sneakers –así es como se apodó a las Keds por su suela de goma, silenciosa al desplazarse– prometen armar mucho alboroto al aterrizar en España con su colección de zapatillas clásicas, vistosas, diferentes y únicas. Nunca calzarse unas zapatillas había sido tan elegante.

CHAMPION CVO

CHAMPION CVO CANVAS

EUR 50

EUR 55

CHAMPION CRINKLED LE ATHER

CHAMPION CVO ARMY T WILL

EUR 90

EUR 55

KEDS TEXTO ANNA TOMÁS

En las décadas de transformación que fueron los años 60 y los 70, los Keds se mantuvieron intactos y más populares que nunca, en la cresta de la ola. Emblemáticos grupos de rock como The Ramones, que las usaron en la portada de su primer disco en el año 1976, se hicieron con un par de zapa-

tillas todoterreno Keds como parte imprescindible de su vestuario. Aquellas zapatillas fueron un lienzo donde imprimir su personalidad y, por qué no, un guiño lleno de admiración por las cosas bien hechas.

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TEXTO ANA TOMÁS

HI-HIRVI

MODA

HI-HIRVI ...el culto a las camisetas Las t-shirts o camisetas, igual que los jeans, han pasado de ser un fondo de armario a ser las prendas imprescindibles de cualquier outfit. Pero lo original no es exclusivamente aquello que innova, sino justamente lo contrario, aquello que, tal y como se entendía en la Grecia clásica, permite regresar a los modelos originales para perfeccionarlos en un proceso sin fin, de avance hacia un ideal estético identitario. Las camisetas de Hi-Hirvi son una efervescencia creativa que demuestra que los clásicos serán siempre modernos. Hay miles de influencias tipográficas y estéticas... 20.000 leguas de viaje submarino para hacer emerger lo mejor del pasado y surfearlo hacia una ola contemporánea perfecta. Sergio Serrano es el alma de Hi-Hirvi. Trabajó durante años como diseñador gráfico de Neo2 para finalmente crear su propio estudio de diseño mmaadduuoo. com, junto al también ilustrador Héctor Losa. La atracción de ambos por las camisetas ha crecido con ellos. “Las t-shirts cuentan con un diseño directo y cotidiano. Cada día millones de jóvenes visten una camiseta, y otros tantos reciben el impacto de sus diseños. Las nuestras quieren interpelar al mundo, en el sentido oceánico del término. Hi-Hirvi es street, graffiti, música, neón, nórdico, skate, colores, ilustración, diseño, y mil influencias más”. Hablamos de una firma pequeña que avanza cual zorro sabio. Ya han estado en el showroom de El Ego de Cibeles, en Dress Up (Barcelona) y en Living Room (Málaga). Asimismo, han colaborado con otros ilustradores como Depeapa o con diseñadores como Caroleta, creadora de la colección de chica para este verano. ¿Dé donde nace tu pasión por el diseño gráfico? De pequeño ya me atraían las tipografías en los carteles de las tiendas de la calle y los logotipos varios. Luego vino el graffiti, toda la revolución que suponía expresarte por ti mismo y que el resto de la gente pudiese ver tu trabajo. El diseño gráfico fue una evolución natural con la que me sentía cómodo.

¿Cómo recuerdas tu adolescencia? Graffiti 100%. Todos los amigos pintaban y era una buena forma de expresarte. Mi evolución hacia el diseño fue gradual y orgánica. Decidí dejar atrás los muros y meterme de lleno en el diseño gráfico. Me puse a estudiar y a experimentar, sobre todo a la hora de elegir influencias y de hacerme con un estilo propio. Trabajé durante 4 años aproximadamente en Ipsum planet, diseñando Neo2 y trabajando para clientes como Lois, Pull&Bear, Nike, etc... Supongo que ahí empezó mi curiosidad por la moda. Más tarde decidí juntarme con Héctor Losa y montar mmaadduuoo.com. ¿Qué te inspira? La calle, sin lugar a dudas. Los graffiti, la música, el skate, los colores... callejear, ese es el verbo. ¿Y cuáles son vuestros referentes? Me encanta pasarme el día descubriendo diseñadores, ilustradores, música, etc. en internet. Es increíble poder ver lo que está haciendo cualquier artista de cualquier parte del planeta. Cada día soy fan de alguien distinto. Hoy, por ejemplo, me ha encantado escuchar la maqueta de Crayo Laser, un grupazo de Santander que hace psicodelia; también he redescubierto a Toro y Moi que los tenía abandonados. Además me ha encantado lo último que ha pintado Copi, un artista-ilustrador madrileño con el que tengo ganas de colaborar. ¿Cuál es la esencia de la nueva colección para chico? Vamos a ser un poquito más macarras. Recuperamos alguno de los colores que nos hacen visibles y con los que asociamos nuestra marca (azul zafiro, verde jade, morado). También apostamos por algunos tejidos de más gramaje. En definitiva nos volvemos un poco más rudos. Últimamente estamos escuchando mucho hip hop, ¡ahí la clave! http://www.hihirvi.com


MODA

PUBLICIDAD AL DESNUDO o de cómo Dios nos trajo al mundo ¿Qué mejor que una cara bonita para anunciar un artículo de lujo? Pues un cuerpo bonito. Muchos de los diseñadores ‘top’ hace tiempo que lo tienen claro y que se esmeran en hacer más caja gracias a pectorales cincelados, masculinos y femeninos, pero la jugada no siempre les sale como querrían. Yves Saint Laurent ya era un reputado modisto de alta costura cuando en 1971 decidió posar desnudo para publicitar su primera fragancia, YSL Pour Homme. Habían pasado los disolutos y atrevidos años 60 y una década aún más licenciosa había empezado, pero sí, aquello fue un escándalo de todos modos porque era la primera vez que alguien de la talla de Saint Laurent se atrevía a hacer publicidad como Dios le trajo al mundo. Tras la cámara se escondía su amigo Jeanloup Sieff.

Quizás han tardado más en hacerlo, pero las chicas también han prestado su cuerpo serrano a la publicidad. La niña bonita de Calvin Klein siempre ha sido Kate Moss, pese a las críticas que despierta su imagen (que si yonqui, que si anoréxica...), aunque la marca también ha recurrido a las carnes de Eva Mendes. Otras ‘tops’ que se han desnudado para un anuncio han sido Naomi Campbell para Dolce & Gabanna, Heidi Klum para Astor, January Jones para Versace, Mariacarla Boscono para YSL y Sophie Dahl para el perfume Opium de esta misma marca, polémica como ninguna por su orgásmica postura. Fue en el 2000. Las cosas no han cambiado tanto desde 1971. Todas estas campañas se asemejan en que se han hecho en blanco y negro con una finalidad, básicamente: darle al cuerpo un cariz de elegante eternidad, de estatua áurea digna de venerar. El escritor Mark Twain dijo que la gente desnuda “tiene muy poca o nula influencia en la sociedad”. Que se lo pregunten a los publicistas de todos estos anuncios.

AL DESNUDO

Saint Laurent, que con su voz cándida, su sensibilidad extrema y sus diseños elegantes había conquistado las tarjetas de crédito de todas las señoronas asiduas a la alta costura, les estaba ofreciendo a sus maridos un poco de él: su fragancia al desnudo. La polémica revivió 40 años después, cuando Tom Ford, director artístico de YSL, lanzó en Francia e Inglaterra un “homenaje” al desnudo de Saint Laurent, aunque muchísimo más explícito: Samuel Dekeber, vicecampeón del mundo de aikido, promocionaba el nuevo perfume de la casa, llamado M7, de frente y en cueros, con toda su virilidad como protagonista. Y cabe preguntarse: ¿Quién se fijó en el discreto bote de colonia con tal paisaje a la vista? Pues nadie, pero qué más da, porque el M7 se vendió a pares. Esa es la grandeza de la desnudez: donde algunos ven depravación la mayoría captamos belleza, sensualidad, sexo, provocación y queremos oler como nos aseguran que huele el cuerpazo del anuncio.

En España mostraron una versión mucho más recatada, anodina y convencional del M7, con Dekeber tumbado y su pectoral izquierdo en primer plano. El famoso desnudo de Saint Laurent ha tenido otros famosos... llamémoslos homenajes, llamémoslos plagios, con una campaña firmada por Dolce & Gabbana eyewear, en la que David Gandy imitó la pose de Saint Laurent, como lo hizo el español Jon Kortajarena para vender unas gafas de Tom Ford, diseñador muy dado, por cierto, a transitar por la fina línea que separa lo sensual de lo burdo usando a la mujer como un mero accesorio en muchos de sus anuncios.

TEXTO ANNA TOMÁS 04 73


625 líneas Black Mirror

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Black Mirror ENTROPY IN THE UK Manipuladla con cuidado, en esta caja palpitante hay tres radiografías del futuro cercano que golpean como una patada de karate en la nuez. Después de convertir la casa de “Gran Hermano” en la Colina de la Hamburguesa zombie, Charlie Brooker vuelve a afilarse los caninos con una de las series más biliosas del 2011. Un producto extraño, distópico y venenoso que se apoya en una inquietante poesía futurista y carga contra el sometimiento a las nuevas tecnologías. El nombre no engaña, en el espejo opaco que nos contempla no hay lugar para el optimismo. Texto

Óscar Broc

E

n estos tiempos de saturación y frenesí seriófilo, resulta complicado encontrar, entre las montañas de excrementos catódicos, títulos que te sacudan las entrañas con toda la mala leche del universo. Series que te cojan con los pantalones a la altura de los tobillos, te dominen a su antojo y tensen las riendas hasta hacerte daño. Para tales menesteres, en el siempre desagradecido arte de joder vivo al prójimo y hacerle pensar al mismo tiempo, los británicos tienen una predisposición genética que les hace especialmente peligrosos. Esa retorcida sensibilidad se traduce muchas veces en ficciones televisivas de filo cortante que rebanan la moral y la corrección política como si fueran pedazos de mantequilla en plena canícula. “Black Mirror” hace pupita. Obligatorio manipularla con guantes de malla para evitar laceraciones dactilares. Hay que estar alerta porque muerde como una cabrona. Su estreno en Channel 4 a finales de 2011, en plena euforia navideña, fue como un sopapo malintencionado en la jeta de Santa Claus. El creador del engendro, Charlie Brooker, ya demostró en “Dead set” que la crítica profunda y sosegada no estaba hecha para sus carnes. En aquella miniserie se encargaba de poner en su sitio al circo de los realities televisivos, llenando de zombies la casa de “Gran Hermano” y convirtiendo a su presentadora y cobayas en alpiste adiposo para muertos vivientes. Brooker es un especialista en agitar el cerebro del espectador, ya nadie puede dudarlo después de la polvareda y las buenas críticas que ha generado el proyecto que nos ocupa. Al igual que los zombies de “Dead set”, la crítica a cara de perro vuelve a convertirse en el motor de un bulldozer que utiliza como combustible la provocación y el impacto visual. “Black Mirror” triunfa sobradamen-

te en ese terreno, te aprieta el escroto con saña, pero al mismo tiempo planta una semilla de duda, inquietud y amargura en tu cerebro. Para conseguir su propósito, la serie se basta con desplegar tres episodios de una hora en los que rocía con tabasco las llagas de una sociedad tecnodependiente. Los capítulos no tienen nada que ver entre ellos, están dirigidos por tres realizadores distintos y son autoconclusivos, pero comparten rasgos y objetivos comunes. Todos están ambientados en una realidad alternativa, acaso ubicada en un tiempo futuro no muy lejano, una distopía con inquietantes postales de lo que nos espera a la vuelta de la esquina (calendario maya mediante). El tríptico esconde también escalofriantes reflexiones sobre la mella que la tecnología y las redes de comunicación de masas han hecho en el pensamiento independiente y el espíritu crítico del ciudadano medio. También propone visiones apocalípticas sobre el peligro potencial que suponen las nuevas vías de comunicación en las manos equivocadas. Y sobre la invasión que dicha tecnología está protagonizando en páramos de nuestra intimidad que hasta ahora no estaban al alcance de nadie, pero no tardarán en poder ser visitados y profanados a placer por cualquiera. El capítulo incial, “The national anthem”, es a todas luces el más provocador e impactante. El primer ministro de Inglaterra debe colmar un chantaje imposible: la princesa de Inglaterra (Lady Di muy presente en la historia) ha sido secuestrada por unos desconocidos. Las exigencias de los malhechores son anonadantes, pues obligan al mandamás de Downing Street a sodomizar a un tocino en directo —en emisión televisiva sin interrupciones ni montajes falsos— para

salvar la vida de la chica. Las redes sociales, la caja tonta y YouTube se convierten aquí en actores principales de un drama grotesco con final de mascletá. Son el alimento viciado de una sociedad necesitada de morbo que se regocija, no sin cierta culpabilidad, en algo tan horrible. Resulta difícil recuperarse del impacto, incluso horas después del final. En el segundo capítulo, “15 million merits”, entra en escena una realidad orwelliana en la que unos chicos apresados tienen que ganar créditos pedaleando cada día en una bicicleta estática; créditos que les ayudarán a participar en un show televisivo estilo “FactorX” para salvar su vida y ganarse la libertad. Control obsesivo de las masas, publicidad extrema, pérdida del pensamiento individual, crítica rabiosa al adocenamiento de la generación reality, vidas prefabricadas, “1984” y “Un mundo feliz”, versión 2.0. El último episodio, “The entire history of you”, es quizás el más profundo. En este futuro próximo, los humanos pueden almacenar sus recuerdos en un chip implantado en su cabeza y luego revivirlos como si estuvieran grabados en un DVD. Imágenes que están al alcance de cualquiera y que, revisitadas una y otra vez, pueden cambiar por completo nuestra visión de la realidad e incluso las relaciones que mantenemos con nuestros seres más cercanos. ¿Cómo se puede vivir en una sociedad sometida a un ojo que todo lo ve y todo lo graba? ¿De qué sirven los recuerdos, pues? No hace falta explicar más. “Black Mirror” es un rara avis en la televisión actual, un experimento que funciona y va directo a los centros de dolor de nuestras entendederas. Impacto y reflexión. Una maravilla que se puede degustar desde el pasado lunes 30 de abril, a partir de las 22:15, en TNT. Bienvenidos (o no) al futuro.


in & out Clubbing BCN C/ ARC DEL TEATRE, 3. TEL. 93 318 59 66. Techno-house, incursiones en el electro y la música disco. Miércoles, invitados internacionales. Vie-Sab., sesiones con el DJ residente Robert X. Todas las noches de 23.30 a 5 h.

SALA RAZZMATAZZ 2. C/ PAMPLONA, 88. TEL. 93 272 09 10 Tech-house, hard techno y techno con los residentes MouseUp, Undo, Vicknoise, además de las residencias de James Holden, Felix da Housecat, Miss Kittin o Tiga. H: Vie-Sab. y vísperas de festivos de 1 h. a 5 h. Entrada única a Razz Club: 15 € (c/i).

SALA APOLO. C/ NOU DE LA RAMBLA, 113. TEL. 93 301 00 90 La meca del eclecticismo: house, techno, breakbeat y pop electrónico, según el día. Alberga residencias de Kompakt, Bpitch Control, Bungalow, Cristian Vogel, etc. Nitsa selectors: Fra, Marc Piñol, DJ Coco y Graham. H: Vie-Sab. y vísperas, a partir de las 24.30 h. Precio: 12 € (c/i).

Clubbing Madrid electro-pop, deep house y leftfield de mano de MouseUp, Undo, Vicknoise); Rex (technopop). H: vie-sab. y vísperas de festivos de 1 a 5 h. Entrada única: 12 € (c/i). www.salarazzmatazz.com

B LOUNGE @ HOTEL BARCELÓ RAVAL RBLA. DEL RAVAL 17-21. TEL. 93 320 14 90 El lugar más cool de la ciudad, el nuevo punto de encuentro de Barcelona. Tapas sorprendentes, extensa carta de cócteles y la mejor música. Terraza Plaza Manuel Vázquez Montalbán. Jueves, viernes y sábados DJ en directo de 23 h a 02 h. Entrada libre. www.BarceloRaval.com

C/SANTA ANNA 14, L’HOSPITALET. T. 93 337 76 16. Más de 25 años ofreciendo la alternativa desde L’Hospitalet. Conciertos de pequeño formato y sesiones de DJs... de la mano de los DJs Jordi Monamí, Marty Mcfly, Crtl+alt+supr, Gato. Actuaciones musicales en pequeño formato. www.depositolegal.com.

@ SALA APOLO. C/NOU DE LA RAMBLA, 113. Residencia semanal para la noche de los jueves en el Apolo. Powder Room acoge las mejores noches de deep funk, breaks y rare grooves en Barcelona. H: todos los jueves, de 24.30 a 6 h. 9 €.

C/ FONTRODONA, 33 (BCN). TEL: 93 441 80 15 Antigua nave industrial convertida en enorme y comfortable lounge club. Urban & soulful music + laid-back atmosphere + underground attitude. www.maumaunderground.com. H: jueves 23 - 2.30 h., vie-sáb 23 - 3 h., domingos tarde (excepto verano).

SALA CITY HALL C/ RAMBLA CATALUNYA, 4. Lun: Internacional Party. Mar: Budah Hall Night. Mie: Pigs & Diamonds. Jue: Club 4 (techno & minimal techno). Vie: 100% Uhm Underground (tech-microfunk). Sab: Pure City Nights (house, deephouse, latin). Dom: Zen Club (techhouse/ electro).

C/ ALMOGÀVERS, 122. TEL. 93 272 09 10 5 clubs en un mismo espacio: Razz Club (Viesab. DJ Amable y Dj Gato, el mejor indie y rock de todos los tiempos. Jue. Bongo Palace (latin house); Pop Bar (vie-sab. lo mejor en pop, electro y sixties); The Loft (tech-house, hard techno y techno); Lo*Li*Ta (techno-pop,

C/ LINCOLN, 15. T. 93 238 07 22 Martes: Glitter and Glamour. Miércoles: Strawberry & Chocolate. Jueves: Buziós - Brazilian soul. Viernes y Sábado: 3 floors open- hip hop and R&B, house music, classic garage 80’s-90’s. www.ottozutz.com

C/ VALLDONZELLA, 40 / PLAZA MILANS, BARRIO GÓTICO. Tel. 627 73 30 81 En el bar Manchester se dan cita amigos y seguidores de la música de los 80 y 90 y sus tendencias más brit. Desde Joy Division hasta Placebo, pasando por The Smiths y Happy Mondays.

RAMBLAS, 27. T. 93 301 16 289 INFO@BOULEVARDCULTURECLUB.COM Boulevard Club, ubicado en La Rambla, donde antes se encontraba Fellini, ofrece la localización más céntrica y de más fácil acceso al público. House, techno, electrónica, hip hop, R’n’B, rock... DJs residentes: D’Julz (Bass Culture, París), Andre Buljat (4line, Indigo Raw) y Dr. Barry (BLV). http://boulevardcultureclub.com

C / ESCUDELLERS BLANCS, 3 (BARRI GÒTIC) Con una acertada mezcla de graffiti, videos, skate y grunge. Su amplia sala alberga cómodamente a los personajes más diversos de la fauna barcelonesa, que se pierden entre detalles y acordes, cubatas y chupitos, chicas y kickflips. A tres pasos de la turística Plaza Real se esconde el secreto mejor guardado del Gótico, Nevermind. Abierto todos los días hasta las 3 h. www.nevermindbcn.com

SALA 1 AV. CARRILET 235 - SALA 2 AV. CARRILET 301, L’HOSPITALET. T. 93 337 06 02 La Salamandra es el espacio de referencia de las noches de L’Hospitalet. Dos salas que ofrecen la mejor programación de conciertos y sesiones de DJs de la escena indie y mestiza. Sala 1: Musicollage con Nafentt & Darkomedia. Sala 2: Indie-pop-electro con YoSET & McFly, visuals de High Distortion & Mon Feijóo. H. Abierto todos los viernes, sábados y vísperas de 24 a 6 h. Entrada única: 8 € (c/i). Gratis hasta las 2 h. www.salamandra.cat

C/AMPLE, 46 (GOTICO) T 663 710 095 El bar rockero por excelencia en el centro de Barcelona. Casi tocando Correos se encuentra este sitio con aires de estación de metro abandonada donde cada día, entre riffs y whiskey, se dan cita aquellos que llevan el rock en la sangre. Todos los días desde las 19 h a las 2.30 / 3 h www.bollocksbcn.com

Clubbing Bilbao C/ RAFAEL DE CASANOVA, 3. SANTA COLOMA DE GRAMENET. [M] L1 SANTA COLOMA La Sala Pop tiene una programación semanal de conciertos cuidadamente seleccionados dentro de la escena independiente tanto catalana como estatal. Los conciertos se realizan viernes y sábado pero la sala ofrece sesiones de indie, pop, rock, electrónica a cargo de DJ Oki One y programación cultural los domingos. H: mie-dom 19 - 3.30 h. www.myspace/popclubsantacoloma

EN SANTANA 27. POL.IND.SANTA ANA. TELLERÍA 27. BOLUETA. WWW.FEVER.ES Pink Fever: tecnopop & electropop. Gold Fever: pop-rock & hits. Black Fever: hip-hop, reggae, soul & funk. Blue Fever: tech house & tecno. Desde su inauguración en 2005, Fever se ha convertido en el club de referencia del norte de la península. Una iniciativa de ocio de calidad incontestable que sitúa a Bilbao en el pelotón de cabeza europeo de la cultura del baile. H: Vie y Sab 24 h, 12€ c/i.

@ LA RIVIERA - Pº VIRGEN DEL PUERTO S/N. @ HEINEKEN - C/ PRINCESA , 1. Actualmente es el club de referencia en Madrid por su excelente e inagotable programación dedicada al indie rock y la electrónica, con residencias de sellos como Ed Banger Records y DJ sessions de Boys Noize, Rex The Dog, Felix Da Housecat, Steve Aoki, Peter Hook... www.intromusica.com

C/BAILÉN 16, 28005. MADRID ContraClub es un bar donde coinciden varias tipologías de noctámbulos con un denominador común: su gusto por la calidad y variedad musical. ContraClub pretende romper barreras entre disciplinas y generaciones, ser un lugar de encuentro de artistas y un escaparate para todo tipo de espectáculos de calidad. Un lugar abierto y dispuesto a juntar funk con flamenco, cabaret con música electrónica. X y J de 22 a 05:30 h. V y S de 22 a 06 h. www.contraclub.es

C/FOMENTO 30 (MADRID) Desde 1997 el Home Bar es un referente para los amantes de la música. El pop, la electrónica y el indie son el eje central de las sesiones de nuestros DJs, desde los clásicos imprescindibles hasta las últimas novedades. En el Home podrás escuchar desde Depeche Mode, REM o The Smiths hasta White Lies, Hot Chip y Temper Trap, pasando por Placebo, Massive Attack, Muse, Royksopp, Radiohead, Ladytron, Foo Fighters, Interpol... Abierto los viernes y los sábados a las 23h.

Clubbing Galicia COMPLEJO PLAYA CLUB. AVENIDA DE LA HABANA, ESTADIO DE RIAZOR (LA CORUÑA). WWW.PLAYACLUB.NET Pop, indie y electrónica. Más de 60 conciertos de música alternativa al año. Sesiones los jueves, viernes, sábados y vísperas de festivos desde las 3 h. +info en www.playaclub.net


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Cine Mia Hansen-Løve

Mia Hansen-Løve

PRIMER AMOR

Un año después de que “Le père de mes enfants” deslumbrara en el Festival de Cinema d’Autor de Barcelona (el D’A), nos reencontramos con Mia Hansen-Løve con motivo del estreno de “Un amour de jeunesse”, que inaugura la segunda edición de este mismo certamen. Hablar con ella siempre es un inmenso placer, destila la belleza de la inteligencia. Texto

Philipp Engel

L

as tres primeras películas de Mia Hansen-Løve forman una trilogía compacta, tanto en la forma como en el fondo. Pero en contraste con “Tout est pardonné” (2007) y “Le père de mes enfants” (2009), donde prácticamente no aparece el amor físico, “Un amour de jeunesse” (2011) nos habla de cómo ese primer amor, tan doloroso para todos, puede acabar siendo positivo para algunos, los que destilan inteligencia. “Quería mostrar que la protagonista sale reforzada de la profunda crisis que atraviesa. Encuentra su vocación y se convierte en una persona más fuerte, enriquecida por la experiencia. La película tiene mucho que ver con mi vida, con el momento en el que me convertí en cineasta, cuando descubrí que era una necesidad, algo en lo que intenté volcar lo mejor de mí misma”. ¿No tiene miedo de que la gente haga una lectura biográfica demasiado literal del film? Me da un poco igual. Y más aquí, en el extranjero, donde me siento más libre. La gente no me conoce, no sabe nada de mi vida. La verdad es que la película es tan sincera y tan real que no puedo hablar de ella más que como de una película autobiográfica. Todas mis películas están inspiradas en cosas que he vivido, aunque luego, cuando escribo, me siento muy libre de traicionar la verdad. Eso es la ficción. Sí, aunque no es lo mismo que una novela. El que escribe puede mantenerse fiel a la verdad en un 100%, mientras que aquí es el actor quien

acaba dando entidad al film con su aura y su personalidad. Es una presencia que no es la mía, y esa distancia me resulta apasionante. Consigues alejarte de ti mismo y al mismo tiempo sientes como accedieras a un nivel superior de verdad. La distancia entre lo vivido y lo filmado es el espacio de la ficción, y el abismo que separa el cine de la literatura. Ella sin embargo ni escribe, ni dirige, se reconstruye a sí misma. La arquitectura se impuso como la forma más pertinente de contar esta historia. Acababa de hacer una película sobre el cine y quería explorar un terreno que me fuera menos familiar, y el cine y la arquitectura tienen mucho en común. Es un trabajo en equipo y una manera de vivir que abarca todas las artes. No podría haberme hecho pintora o escritora, son disciplinas muy solitarias. El cine me salvó, y me puso los pies sobre la tierra. En cambio, cuando sólo escribía, temí volverme loca. Un mundo a caballo entre París y el campo. Sí, en la segunda parte del film, cuando ella se ha abierto al mundo, incluso filmo la ciudad de otra manera. Los planos se hacen más grandes, más generales, y también escogí lugares en los que había mucha gente, quería que la ciudad entrara más en el film. El gusto por rodar en las calles de París me viene de “Le père de mes enfants”, y quería reencontrarme con la energía y la poesía que me produjo rodar en un entorno urbano tan vivo.

¿Y el campo? Hay un diálogo constante campo/ciudad. Nací en París, en un pequeño apartamento sombrío de una planta baja y oía constantemente la gente que entraba y salía. Los señores que sacaban el perrito a pasear... Era bastante claustrofóbico. Y en verano nos íbamos a la casa donde he filmado “Un amour de jeunesse”, en Ardèche, y era un momento de maravillamiento absoluto. El río, el lago que aparece en el film, son lugares a los que voy desde siempre. A mí también me llevaban al campo, y me aburría como una ostra. Yo también un poco, supongo. Pero la frontera entre el aburrimiento y la poesía es muy fina. Mi padre me dijo una vez que el aburrimiento forma la imaginación, y creo que en parte tenía razón. Creo que la mirada que tengo hoy, el instinto que tengo para rodar la naturaleza, mis capacidades como cineasta vienen más de aquellos momentos de aburrimiento que de las películas y los libros que he leído. ¿Y a dónde se dirige esa mirada, ahora que ha concluido esta magnífica trilogía? Acabo de terminar un guión que he escrito con mi hermano, que es DJ. Trata sobre la generación marcada por la música electrónica. En este caso, por el house garage en particular. Narra el ascenso de un DJ y de su grupo de amigos en la noche parisina, desde los 90 hasta ahora. No existe todavía una película que refleje aquella aventura colectiva. Pero no será fácil de producir, tres horas y media, dos partes, dos películas. Muy caro. No sé cómo lo haremos.



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cine

Columna

Texto

Óscar del Pozo

Albert Fernández

“Los Vengadores” DE JOSH WHEDON (EE.UU., 2012)

“Moonrise Kingdom” DE WES ANDERSON

Si no has visto este tráiler aún, es que vas demasiado a lo tuyo, prefieres el huerto ecológico al facebook, o que simplemente no te interesa nada. El Campamento Ivanhoe, el dorado verano de 1965, Edward Norton en pantalones cortos, adolescentes (raros) enamorados huyendo hacia lo salvaje, y la palabra “awkward” cubriéndolo todo. El nuevo prodigio del director de “Los Tenenbaums. Una falimia de genios”, “Rushmore” o “Life aquatic” logrará que todos los indies del mundo vistan como boyscouts y se lleven el tocadiscos a la playa.

el cine que viene “American pie: El reencuentro”

“Miel de naranjas”

DE JON HURWITZ

DE IMANOL URIBE

Esta podría ser la última palada en la tumba de la comedia americana transgresora. Ahora que las revolucionadas carcajadas que provocaban los enredos de Greg Mottola o Judd Apatow empiezan a dejar de atronar en la sala, alguien ha tenido la catastrófica idea de volver a la base, a la genuina inmadurez, “American pie”. Ahí están, la reunión de viejos amigos del instituto, la vieja tradición masturbatoria americana y las bromas que cansan.

Tal vez si al buen Uribe se le ocurriera rodar una “Crónica del rey pasmado 2.0”, con un buen primer plano del careto compungido de Juan Carlos después de lo de Iñaki, lo de Froilán y lo del elefante, algunos no tendríamos que vencer el tedio bajo el proyector. Como insiste con sus historias de la España criminal, ubicando esta vez la trama en un joven militar en los años 50, pues cuesta resistir el bostezo.

“Sombras tenebrosas”

DE OLIVIER MARCHAL

“Les lyonnais”

DE TIM BURTON

La cabellera de Tim Burton vuelve a crepitar. Una vez más, ha conseguido destilar sus esencias artísticas para versionar una de sus series favoritas de niño. La ambientación gótica y el fantasma de Edward Gorey se pasean por esta fábula horrorosa donde una bruja condena a un playboy soberbio a convertirse en vampiro. Los habitantes de esta mansión fantasmal son Johnny Depp, Michelle Pfeiffer y, claro, Helena Bonham Carter.

Se nota que Olivier Marchal fue en su momento un policía francés. Una película tras otra, el director repite sus obsesiones y su cine rememora con ficticia desviación sus años en el cuerpo. Esta vez, se introduce en la piel de un veterano criminal, Edmond Vidal, alias ‘Momon’, tiempo ha retirado, que deberá volver a las andadas, sin poder evitar avasallarnos con flashbacks de sus añorados 70. Definitivamente, Marchal debería hablar con Lluc Oliveras.

“Infiltrados en clase”

“Men in black 3”

DE PHIL LORD Y CHRIS MILLER

DE BARRY SONNENFELD

Ejem: ¡aquí está el fabuloso equipo creativo tras “Lluvia de albóndigas”! Mmmm, ¿cómo?, ¿oigo risas? Vamos, no me negaréis que aquella peliculilla de dibujos donde la comida caía del cielo no acertaba con su parodia catastrofista. Sé que algo más arriba rajaba de la nueva comedia yanqui, y aquí el prota no es otro que Jonah Hill haciendo de poli imbécil, en misión encubierta en el insti, pero... ¡vamos!

Por favor, ¡ya es muy viejo eso de monotorizar la actividad extraterrestre en la Tierra! “Caiga quien caiga” se acabó, volvió a empezar y volvió a acabarse. Ya nadie quiere ver a Will Smith desde que se lo tragaron los zombies mutantes. Y Tommy Lee Jones, ¿las gafas de sol otra vez? ¡Basta de saltos temporales! Por Stan Lee, ¿estos tíos no se dan cuenta de que ahora Los Vengadores son los amos del cotarro?

“Profesor Lazhar”

“Rock of ages”

DE PHILIPPE FALARDEAU

DE ADAM SHANKMAN

Este film nominado a mejor película extranjera en los últimos Oscar se aparece como una suerte de “El club de los poetas muertos” para las nuevas generaciones. Pero si algo se escurre a priori como mayor acierto en la historia de ese profesor de primaria argelino que da clase a unos niños peculiares es su sutileza y parsimonia, la carencia de histrionismos, esa aureola poética que se sugiere, sin berrear como Robin Williams.

Tierno, ¿eh? Un musical ubicado en los años 80, que recorre la vida de dos jóvenes que persiguen sus sueños en la gran ciudad. Una película que suena a Def Leppard y Twisted Sister, que empieza como una balada y crece en un crescendo de coros hasta convertirse en un gran festival de cameos, con Tom Cruise en pantalones de cuero, firmando los pechos artificiales de una fan excitada. Repugnante, ¿eh?

Gran idea del departamento de márketing de Disney: un preestreno de “Los Vengadores” en el que, a cambio de ver la película dos semanas antes del estreno, se exige a los fans que acudan disfrazados de Iron Man, Thor, Capitán América, Hulk, Ojo de Halcón o La Viuda Negra. Dicho y hecho, el domingo 15 por la mañana, el cine Callao de Madrid proyecta por primera vez la cinta en España y consigue, explotando el lado más freak del asunto, una nota ‘simpática’ al final de casi todos los telediarios del día. Publicidad Gratis. Los atribulados fans, ajenos al hecho de ser utilizados con tan perversos fines, posan en la alfombra roja. Predominan los varones con pinta de haber satisfecho con los cómics buena parte de sus fantasías onanistas de adolescencia. Y después, el plato fuerte. Las dos partes de “Hulk”, las dos de “Iron man”, “Thor” y “Capitán América: el primer vengador” sólo habían sido un preámbulo para esta aventura que pretende anular el déjàvu del espectador de blockbusters con el infalible argumento de “los superhéroes de Marvel juntos por primera vez”. Un decepcionante prólogo, que plantea la estupidez de la trama (Loki, hermano de Thor, quiere dominar el mundo) de la forma más convencional posible, pone en guardia al espectador escéptico. Pero después, sorpresa, ese mismo y resabiado espectador no tendrá más remedio que bajar la guardia ante el show. “Los Vengadores” es más de lo mismo, pero mejor. La estrategia de Joss Whedon, guionista y director del film, pasa por la ironía y el humor. Ironía amable, humor cómplice. Nada de relecturas ‘adultas’ de los arquetipos, nada de pretensiones autorales. Su ambición está varios escalones por debajo de la de Sam Raimi, y alguno más del grandilocuente Christopher Nolan. En realidad, parece más interesado en dejar su impronta en el guión, explotando el potencial cómico de la guerra de egos que supone tener a tanto superhéroe junto. Así, un Robert Downey Jr. pletórico acaba coronándose rey de la función, sin despreciar a un Chris Evans con complejo de inferioridad intelectual y al alter-ego verde de Mark Ruffalo, inesperado protagonista de varios gags. Jugando descaradamente la carta de lo lúdico, cumpliendo a rajatabla los requisitos del cine familiar de gran presupuesto (hay mucha pasta en juego), con un tercer acto tan aparatoso como cabía esperar, Joss Whedon sale airoso de la difícil papeleta de devolver la frescura a tan explotado (sub)género. La mejor película de héroes en mallas desde “Spider-man 2”.

autopsia


cine

“Esto no es una película”

“Kiseki (Milagro)”

DE JAFAR PANAHI Y MOJTABA MIRTAHMASB (IRÁN, 2011)

DE HIROKAZU KORE-EDA (JAPÓN, 2011)

“El hombre sin pasado” DE LEE JEON-BEOM (COREA DEL SUR, 2010)

¿El mundo necesitaba un nuevo Bruce Lee? No lo sé, pero por lo visto, Corea del Sur, sí. Esta sacudida de dos horas de acción drástica y empecinada reyerta enganchó a más de 6 millones de espectadores entre el público coreano, que ovaciona a su protagonista, el actor Wom Bin, por encima de todo. Para lo demás, este film es sólo una carnicería de diseño, donde se cae en los viejos tópicos de policías torpones y rezagados, y mafiosos amanerados, histriónicos y crueles. “Vives en el futuro. Los que viven en el futuro no tienen ninguna oportunidad frente a los que viven en el presente”, dice el protagonista sin pasado de esta odisea de sangre y persecución. Lo grave es que, en su misma línea temporal, los coreanos tenían una película con las mismas premisas de violencia y venganza, pero cotas de ironía y sagacidad muy superiores, “I saw the devil”. Entonces, ¿por qué Corea escogió “El hombre sin pasado”? La respuesta, my friend, está en Bruce Lee. Los coreanos, presumo, querían su propio Bruce Lee. De hecho, si Bruce Lee hiciera películas ahora, se parecerían mucho a esta: un tipo impasible que se lo juega todo por dar con su vecinita de diez años (!?), estéticas escenas de acción y persecuciones por Chinatown. Un héroe que avanza a través de secuenciás sombrías y viscosas, entrecortadas por ráfagas de rayos carmesí surgiendo de las heridas. Be blood, my friend. Albert Fernández

Desde su magrittiano título, la última obra de Jafar Panahi destila espíritu lúdico y carácter provocador. La provocación viene dada por su naturaleza clandestina: sentenciado a arresto domiciliario, Panahi elabora, con las herramientas que tiene a su alcance (una pequeña cámara digital, un móvil), un videodiario sobre su situación, la de un cineasta que no puede hacer cine. El hecho de grabarle mientras no filma se convierte así en acto de resistencia y corte de mangas a la censura iraní, la ‘no-película’ deviene en definitivo alegato político. El tono lúdico se asoma en el humor de los detalles cotidianos (esa iguana atrapada entre cuatro paredes) y en el continuo cuestionamiento de la naturaleza de la obra artística (“¿Tú le llamas a esto película?”, increpa Panahi a su compañero). Como el que fue su mentor, Abbas Kiarostami, Panahi se escuda en una aparente transparencia para llevar a cabo una reflexión sobre la propia representación cinematográfica. Más allá de cuestiones políticas y juegos lingüísticos, “Esto no es una película” es, ante todo, una hermosa lección de cine con una utilización magistral del fuera de campo. El brillante final, con esa revolución que transcurre en off, más allá de la cámara del cineasta, es la prueba definitiva; tal vez ‘esto’ no sea una película, pero sí es decididamente cinematográfico. María Adell

Cuando era niño, sabía que al pronunciar tres veces el nombre de nosequé niña muerta frente a un espejo, esta atravesaría la pantalla y vendría a por mí. Como todos, dejaba mis dientes bajo la almohada para que viniese el Ratoncito Pérez, y algunas noches le rezaba a un tal Jesusito de mi vida. En este tipo de inocentes creencias infantiles se basa “Kiseki (Milagro)”, lo último de Hirokazu Kore-eda, donde dos hermanos separados por el divorcio de sus padres, se encomiendan a un clavo ardiendo para reunir de nuevo a la familia. Se dice que en Japón, cuando dos trenes se cruzan a toda velocidad, si asistes a ese instante y pides un deseo, este se cumplirá. Sin pensárselo, ambos se dirigen al punto ferroviario donde se dará la coincidencia junto a un grupo de amigos con sus propias peticiones. “Kiseki” es la película más plácida de Kore-eda, pero su carcasa de film menor no debe llevarnos a engaño, pues el director mantiene intacta su habilidad para extraer belleza de lo más insignificante. Es más, la aceptación final de los dos jóvenes protagonistas a su nueva situación arroja un mensaje que haría temblar los cimientos del Foro de la Familia. Pues a los que cantan eso de “esto es un desmadre, queremos padre y madre”, Kore-eda parece responderles que cualquier modelo familiar es válido mientras haya amor. Gerard Alonso Cassadó

“Un lugar donde quedarse”

“Adiós a la reina”

“El arte de amar”

DE PAOLO SORRENTINO (ITALIA, FRANCIA, IRLANDA, 2011)

DE BENOIT JACQUOT (FRANCIA-ALEMANIA, 2012)

DE EMMANUEL MOURET (FRANCIA, 2011)

Uno de los males de nuestro tiempo son aplicaciones como Instagram. No es relevante lo que puede hacer la cámara, ni siquiera lo que puede encuadrar cada uno, lo que cuenta es que al final todo se arregla con un filtro que añade colores y difumina bordes. En Facebook, poco importa; pero en el cine, es otra cosa. Lejos de la sátira política de “Il Divo”, la anterior película del director Paolo Sorrentino, “Un lugar donde quedarse” se aferra a un viaje para plantear así una estructura a la deriva. Sorrentino llena la película de colores saturados y deja que su actor principal, un apesadumbrado Sean Penn caracterizado como si fuese el cantante de The Cure, deambule sin ton ni son por el relato. Él interpreta a un músico retirado, antigua leyenda del rock, que intenta reconstruir con un viaje por los Estados Unidos el pasado reciente de su padre, un hombre obsesionado con dar caza a un nazi. Nada mejor que el desierto para llenar el cuadro de amarillos, y nada mejor que el viaje para soltarse. Lo mejor de la película termina por ser un espectáculo de David Byrne; pero, claro, eso pertenece a David Byrne, y no al director Paolo Sorrentino. Además, la idea de un Sean Penn a lo Robert Smith y pasado por un filtro de Instagram parece salida de un “Ultrashow” de Miguel Noguera. Violeta Kovacsics

En las antípodas de la biografía pop de Sofia Coppola, Benoît Jacquot se enfrenta al mito de María Antonieta con más destreza y perspicacia de lo que resulta habitual en su irregular filmografía. El director estudia la Revolución Francesa desde los pasillos de la corte, poblados por personajes tan explotados por la realeza como cualquiera, pese a que no sientan simpatía alguna por los sans-culottes. En un Versalles convertido en fortaleza militar, Jacquot observa a la lectora de María Antonieta, una misteriosa Léa Seydoux, subyugada respecto a los caprichos de una reina estúpida y psicótica, a quien interpreta una asombrosa Diane Kruger, en una exhibición técnica no exenta de vulnerabilidad. A la vez, la monarca se encuentra esclavizada por su amor hacia su favorita (Virginie Ledoyen, desaprovechada en el cine actual), con la que establece una especie de relación criptolésbica planteada en una serie de delicadas escenas de complicidad femenina. Pese a cierta dispersión narrativa, la película recobra el pulso y el calado en su tramo final, cuando Jacquot describe la toma de conciencia de los avasallados, a los que deja al borde del abismo revolucionario. Cuando la reina regía sus vidas, por lo menos eran alguien. Sin un astro respecto al que girar, su existencia dejará de tener sentido. Álex Vicente

Hace muchos años que el cine de Eric Rohmer repica en mi cerebro y en mi alma como una campana incesante. Cualquier plasta francés con ganas de pontificar sobre las relaciones de pareja puede otorgarse sin rubor la etiqueta de rohmeriano. ¡Y no! No se admiten comparaciones, lo siento. Claro que de vez en cuando uno se topa con sorpresas del tipo “El arte de amar”, cinta de episodios inspirados por citas que se me antojan inventadas y que transpiran hondos perfumes del creador de “La coleccionista” y “Las noches de la luna llena”. Pues sí, es ésta una cinta deliciosa en la que Emmanuel Mouret afina la puntería y dispara con bala para hacer diana en un ramillete de historias de parejas que se desean, se odian, se pierden y se encuentran en medio de un berenjenal de vaivenes emocionales resuelto con asombrosa precisión y gran calado. Ya sea con el pianista melancólico, la mujer que daría lo que fuera por su mejor amiga, el vecino que nunca acierta con el juego de la seducción o la joven pareja cuyos silencios valen oro, el disfrute es máximo. Es sin duda un film hábil, comercial en el mejor sentido de la palabra, que navega por aguas conocidas pero siempre placientes de bucear. Será un sleeper, ya lo verán. Toni Vall


080/081

libros Enrique Vila-Matas

american most wanted Texto

“El escritor gonzo”

Hunter S. Thompson ANAGRAMA

Philipp Engel Tamara (Anacronic)

Ilustración

Kevin Canty

LAKEPORT (CALIFORNIA), 1953

“N

icotina y cinismo, dos cosas que siempre van unidas… Le dio una calada al puro, pero estaba caliente y le quemó porque estaba consumido por un lado. Lo apagó en el agua y lo tuvo ahí medio minuto, y a continuación lo arrojó a la orilla, lo más lejos que pudo. No era más que hoja, sólo veneno. Se descompondría”. Kevin Canty (“Todo”). Cuando, hace ya demasiado tiempo, me dio la locura de la literatura norteamericana —una locura que pienso que incluso podría llegar a explicar en términos racionales— me imaginé Montana como un cementerio de elefantes. Ahí era donde iban a parar los grandes escritores. “Incendios” y “Rock springs”, los dos primeros libros de Richard Ford que leí y que me emocionaron, transcurrían en ese vasto y despoblado estado cuya geografía se divide entre praderas infinitas y enormes valles coronados por las Rocosas. Carver y Brautigan estuvieron a su vez íntimamente relacionados con Montana, y también, entre otros muchos, Wallace Stegner, padre espiritual de Jim Harrison y de Thomas McGuane, que siguen parcial o totalmente anclados en Montana. McGuane, el de “Quédate con el cambio”, fue tres años consecutivos campeón de rodeo de Montana (retengan este dato), y es una lástima, dicho sea de paso, que el resto de su obra no se haya traducido todavía al castellano. No son pocos en definitiva los críticos y periodistas que, siempre ávidos de etiquetas y titulares, hablan de una hipotética Escuela de Montana, de una Montana Connection o de una Generación Montana. Y es muy probable que el que esto firma, que nunca pisó Montana, acabe esta misma noche soñando con ella, ya que Montana es, ante todo, un territorio mental, o un paisaje literario que se come a los personajes. Esto ocurre en “Todo” (2010), la novela de Kevin Canty recién publicada por Libros del Asteroide, editorial que ya nos brindó, hace unos meses, la novela paradigmática de Montana, “El río de la vida”, de Nor-

man Maclean (1976). Sí, la misma que Robert Redford llevó a la pantalla con un joven Brad Pitt convertido en campeón de la pesca con mosca. Kevin Canty no nació en Montana, pero se inscribió a principios de los 70 en la Universidad de Missoula, Montana, célebre en todo el mundo por sus cursos de Creative Writing, en la que ahora es profesor. Entre nosotros se dio a conocer (es un decir), con su primer libro de relatos, “Ajenos a este mundo” (1994), traducido por Salamandra / Emecé. Otros dos libros de relatos y cuatro novelas después, parece que ya está de vuelta de “Todo”, con un libro azul pálido que se vende como “una novela sobre las segundas oportunidades”. Básicamente, cuenta cómo un hombre y una mujer de mediana edad que llevan tiempo solos acaban por entenderse. Entre tanto, ocurren, por supuesto, más cosas. RL es fundamentalmente un buen tipo que no duda en acoger en su casa a una antigua novia, casada con un desgraciado, que tiene que someterse a un tratamiento de quimioterapia para tratar de esquivar el fatal desenlace, mientras que June, la viuda del que fuera su mejor amigo, trata de hacerse a la idea de que va a vender sus tierras y largarse. También está Layla, la hija de RL, y Edgar, el empleado de la tienda de pesca del mismo que acabará pintando obsesivos retratos de la joven. Aunque eso tan americano de las segundas oportunidades siempre nos ha parecido un tanto cursi, el ramillete de personajes de “Todo” resulta moderadamente simpático y medianamente interesante, aunque lo que nos ha aportado, sobre todo, esta novela de lectura plácida, es el reencuentro con Montana, un paisaje extremo, con su río embravecido y sus grandes extensiones de soledad, con casas vacías de nuevos ricos y esos viejos hippies, propietarios de tierras y cuentas bancarias abultadas, que tratan de hacer algo bueno con sus vidas. “Todo” es, en definitiva y más que nada, la ultimísima actualización de un paisaje mítico.

En esta correspondencia, que bien puede leerse como una hemorragia autobiográfica o un diario con el que el endémico enfermo de rabia buscó paliar su estado abriéndose en canal, el rey del periodismo (entendido como un ejercicio de autoinmolación en el altar de la verdad sobre los parias y los outsiders, así como un desenmascaramiento del fraude en sus infinitas manifestaciones) comenta: “cuando yo tenía 14 años era un cateto bruto y medio idiota que causaba muchos problemas y quería reventar el mundo, sólo porque no me sentía a gusto en él. Ahora miro atrás y creo que con las cosas que hice entonces no cambié nada… pero al menos he aprendido una cosa muy importante en todo este tiempo. Y es que hay que seguir el camino que se traza uno mismo y no seguir los pasos de otros. Recuerda que si sabes hacer una cosa mejor que otros, la vida será para ti muchísimo más fácil en este mundo, un mundo que es muy mezquino, ya lo verás cuando llegues a conocerlo, y montar en una Harley de las grandes es algo que puede hacer mucha gente”. La selección, 250 entre miles de cartas, incluye teórica sobre la esquiva técnica gonzo (irónicamente destripando su propia impostura) y revela el contexto y mecanismos internos de sus feroces obras, pero su máximo asombro surge de contemplar a un autor capaz de todo, de incontables pequeños suicidios, defendiendo a dentelladas su irreductible visión del oficio, una que amalgamara el riesgo y la denuncia, que causara terremotos públicos y llagas privadas, a sabiendas de que el precio era la fabricación en paralelo de un infierno con módulos tales como el alcoholismo, la violencia, el rechazo y el desencanto. Había mucho fuego en las entrañas de un Hunter S. Thompson que maldecía a sus jefes e insultaba a los presidentes de su país en misivas personalizadas, que intentó ser sheriff del condado para traer la libertad al prójimo, que prefirió pasar hambre que traicionar su correosa pluma y que, contra lo que dicta la leyenda, no se drogaba cuando estaba de servicio. Casi muere a resultas de una paliza que le dieron unos Ángeles del Infierno a los que, igual que con el resto de estigmatizados de la sociedad de su país, quiso arrancarles la máscara del demonio que les había colocado el vulgo, no engañándose jamás sobre el hecho de que subirse a una moto con tu objeto de estudio no te convertía en parte de la banda. Los fabricantes del sueño americano le producían miedo y todos los que creían en él, asco. Contra estos parásitos dirigió sus palabras empapadas en queroseno y aquí atendemos a sus motivos para soñar que la indignación fuera la cerilla que las hiciera entrar en combustión. Antonio Lozano


El joven protagonista de la última novela de Enrique Vila-Matas tiene un “Aire de Dylan” (Seix Barral), anda obsesionado con una presunta frase de Scott Fitzgerald (“Cuando oscurece, todos necesitamos a alguien”) y acaba de perder a su padre, un escritor inconformista que se resiste a abandonarle. No es que Vilnius sea clavado a Bob Dylan, tan solo se le parece un poco, tiene un aire, y Vila-Matas también lo tiene. Eso he decidido.

Enrique Vila-Matas ELÉCTRICO

Texto

Philipp Engel

N

o es que Enrique Vila-Matas sea clavado a Bob Dylan, pero “Aire de Dylan” me recordó ese momento, explícitamente citado en la novela, en el que el inasible cantautor americano apareció con “una ruidosa guitarra eléctrica que ninguno de sus adoradores comprendió”. Leyendo algunos pasajes de “Aire de Dylan”, me sentí como uno de esos melenudos que se quedaron con los pelos de punta. No sé qué fue. No sé si fue el tono, aparentemente más ligero, o las radicales rupturas de tono, algunos giros, incluso algunas expresiones inesperadas, la influencia del teatro (el teatro me pone nervioso) o la acción rocambolesca, casi de vodevil. Pero “Aire de Dylan” me cogió desprevenido, y pensé que tal vez había algo premeditado en ello, como si se tratara de una novela escapista, porque “el arte es también escapar de lo que crees que eres o de lo que esperan de ti”. No me consta sin embargo que se trate de una impresión generalizada, aunque Vila-Matas, cuando le pregunto, tampoco me lo niega: “Aún no lo sé, tengo que pensarlo más.

Félix Romeo, desierto Félix Romeo era un pasadizo. Leer sus artículos en prensa, oírlo en la radio o verlo en la tele, cuando presentaba y dirigía “La mandrágora”, y que siempre te descubriera algo nuevo. Ese tipo de pasadizos. Romeo también era un puente que desde Zaragoza tendía la mano a todos y los hacía más escritores, o simplemente felices. Coincidí en un escenario con él. Antes de subir hablamos de literatura y de amor. Me preguntó. Me dio consejos. Sobre el escenario leímos canciones. Los dos le dedicamos nuestras intervenciones a Sergio Algora. Releyendo ahora sus libros me he encontrado con la frase del título. En su momento me recordó a una letra de El Niño Gusano. Ahora el desierto es otra cosa, así nos quedamos después de enterarnos de que había muerto una mañana de

Ahora bien, de lo que sí estoy seguro es de que he tratado de aparecer dónde no me esperaban”. “Aire de Dylan” no es lo que uno espera después de “Dublinesca” (Seix Barral), una novela más sobria llamada a ser, al menos en mi imaginación, la primera parte de una trilogía totalizadora. Cuando se lo comento, Vila-Matas me recuerda la existencia del texto intermedio “Chet Baker piensa en su arte” (Debolsillo): “Recordará usted que en esta nouvelle se busca una fórmula para unir a Joyce con Simenon. Todo indica que la hallé y que el feliz resultado es ‘Aire de Dylan’”. Ni siquiera esta explicación me deja tranquilo, pues pienso que ese equilibrio entre la claridad de lo narrativo y los abismos de la literatura ha sido, desde siempre, uno de los rasgos distintivos de Vila-Matas, un escritor profundamente erudito que nunca es tostón. Y él mismo me lo confirma cuando le digo que algunas páginas recuerdan a “Historia abreviada de la literatura portátil” (Anagrama): “En los dos libros reina la levedad, la ligereza, como ejercicio opuesto a

la gravedad, pesadez insufrible de lo libresco cuando no acepta que una simple corriente de aire casi frío —la primera, por ejemplo, que se cuela por debajo de nuestra puerta al final de verano y nos anuncia el otoño— puede ser también el tema de una novela”. Así que mientras me voy dando cuenta de lo mucho que me gusta “Aire de Dylan”, descubro que VilaMatas simplemente ha aparecido donde no se le esperaba, que es, en el fondo, lo que esperábamos de él. Vila-Matas nos ha sorprendido enchufando su guitarra y, si con ello quería fastidiarnos, se puede hablar ya de un fracaso absoluto. Siendo el Fracaso uno de sus grandes temas, no puedo evitar una nota patética al preguntarle si no siente alguna aprensión al pensar en los auténticos fracasados, aquellos que no han escrito una sola línea que les deje satisfechos: “No puedo ocuparme de todas las almas en pena que va dejando por ahí el Fracaso. En realidad, ni siquiera puedo ocuparme de mí mismo que, como bien dice usted, he fracasado al tener tanto éxito con este libro”.

octubre. Meses después llegó a las librerías “Noche de los enamorados” (Mondadori) acompañada de un librito homenaje donde sus amigos dan buena cuenta de su pasión por la vida y la literatura. Su obra literaria abulta poco, cuatro libros breves, ninguno una novela al uso. “Dibujos animados” (1995) es fragmentaria, retazos de secuencias de su infancia, estampas de vida cotidiana. Después vino “Discothèque” (Anagrama, 2001), una novela de humor negro, coral y kitsch, con los Monegros como escenario, en la que dio rienda suelta a su imaginario. Los dos últimos libros confirman la madurez del escritor. “Noche de los enamorados” es la reconstrucción de un asesinato. Romeo expone los testimonios de todos los que se enfrentaron a la muerte de María Isabel Montesinos en manos de Santiago Dulong. Las palabras de los papeles oficiales, de la policía, prensa, médicos,

jueces. Las palabras que convirtieron en culpable a la víctima. Romeo coincidió con el asesino en la cárcel. Era su compañero de celda. El autor cumplía condena por insumisión, Dulong por homicidio. Nada más conocerle no tuvo reparos en confesarle su crimen. Romeo bucea asépticamente en las vidas de los protagonistas y sigue haciéndose preguntas. Y sobre ellas levanta este trabajo de investigación, como ya hizo en “Amarillo” (Plot, 2008), en el que siguiendo un procedimiento similar, se preguntaba las causas del suicidio de su amigo Chusé Izuel a través de sus textos. “Me siento culpable por casi todo”, decía Romeo en una entrevista. La culpa y la muerte parecían perseguirle en su obra literaria, que se cierra con este libro que en cierto modo contiene todos los demás. Cada vez que he escrito Félix Romeo, mis dedos, confabulados con mi teclado, han escrito Feliz Romeo. Álex Gil


082/083

libros

libros “Días de lectura” Marcel Proust

“Pervezión” Yuri Andrujovich

“Noches de Bocaccio” Juan Marsé

TAURUS

ACANTILADO

ALPABIA

Los clásicos son autores ‘muertos’ que nunca ‘mueren’ porque su literatura se reaviva sola una y otra vez y vuelve a nuestras bibliotecas, lo queramos o no, en distintas y variadas formas: ediciones, revisiones, reinterpretaciones, retraducciones, etc. Así vuelve a llegar a nosotros Marcel Proust gracias a Taurus, que recupera el formato Great Ideas de la Editorial Penguin y nos traduce este genial “Días de lectura”, una pequeña pero gustosa selección de textos a propósito de la lectura y sus consecuencias, o bien, de la obsesión por la lectura y sus causas, tanto da, pues la teoría que aquí predomina es la del lector como ser enfermo, cuya medicina no puede ser otra que la lectura, la evasión, el paseo por el paisaje de otros mundos creados por la imaginación de los otros, y que el enfermo recupera para salir de su monotonía. Proust nos devuelve una idea de enfermedad distinta a la que ocupa las mentes literarias contemporáneas (Roberto Bolaño, David Foster Wallace, Alejandra Pizarnik…) que no se centra tanto en la creación como en la recepción. La literatura, en el enfermo, no ha de ser dada sino recibida. Marcel Proust recuerda su infancia, recuerda sus lecturas preferidas, y a través de una suerte de ensayo o crítica literaria muy personal y diarística nos introduce en lo más íntimo de su día a día, de sus manías lectoras y de su concepción de la literatura. Echo de menos, sin embargo, más páginas para este librito, que aunque es hermoso e interesante deja con hambre al lector. Que quiere más. Mucho más. Porque Proust no está muerto. Luna Miguel

“Tatuajes de criminales y prostitutas” Lacassagne, Le Blond y Lucas

Estos ucranianos están locos. Al menos, Yuri Andrujovich lo está: es un loco, un sátiro, un delincuente, un prestidigitador, un bufón, un embaucador, un ladrón, un, un, un... ¡poeta! ¡Alcen sus voces y con ellas las antorchas! ¡Demos fin a ese irreducto revolucionario cuanto antes, pues, párrafo tras párrafo, este maníaco natural de Ivano-Frankivsk, consigue crecer más y más, y llegará tal vez a convertirse en un gigante de las letras europeas! Sí, acabemos con él antes de que sus artes de engaño narrativo terminen por confundir a más ciudadanos de los que una Academia en sus cabales sería capaz de soportar. ¿Acaso no ha logrado el maldito Andrujovich mantener en vilo a quien se acercaba a ese último engendro suyo de más de trescientas y confusas páginas, “Perverzión”, haciéndoles creer que ese poeta estrambótico, comunista y mordaz del que versa su libro, ese Stanislaf Perfectsky, existió realmente, y que halló la muerte en los canales de Venecia? ¿Quién puede siquiera referirse, o llegar a analizar, una novela que finge ser tantas otras cosas, desde un diario a una grabación, o las actas de un congreso, los testimonios de los asistentes a un absurdo seminario destinado a salvar el mundo, correspondencias, una investigación judicial, o entrevistas en la prensa? No, nadie puede contener ese torrente de perspectivas y plasmaciones artísticas, esa paródica corriente de cacofónicos renglones y variaciones estilísticas. ¡Dios, Yuri Andrujovich es un genio! ¡Acabemos con él! ¡Muerte a la metaliteratura! Albert Fernández

Escrita por Juan Marsé hará ya unos 40 años y recuperada ahora por Alfabia, esta parodia secreta (y no) de la ‘Gauche Divine’ nos descubre el universo de “voces trasnochadas y felpudas” que volaban por las trepidantes noches de la mítica sala Bocaccio de Barcelona. Aquel centro neurálgico de la vida intelectual nocturna de mediados de los 60, principios de los 70, donde los codos se amontonaban encima de la barra y los optalidones nadaban entre lenguas viperinas, dio lugar a un encantador y nada discreto movimiento de la izquierda, a medio camino entre la entelequia y la fantasmada, tal y como hace poco sugería el propio autor en una entrevista a La Vanguardia. Mucho se ha escrito ya sobre las personalidades que militaban en sus filas y conspiraban en horario prohibido: Beatriz de Moura, Juan Benet, Rosa Regás, Joan de Sagarra, Pere Gimferrer, Teresa Gimpera… pero aún así “Noches de Bocaccio” no deja de resultar sorprendente, y por un claro motivo: es uno de los ejercicios de exhibicionismo irónico más lúcidos y descarados jamás escritos. No se pierdan pues, esta pequeña ‘gran’ joya, de talla XS y tapas blanquinegras, sobre el auge y caída de Roberto Amores, un escritor novel llamado a ser “el Proust charnego”. Aunque sólo sea por retener los nombres y los escenarios (Flash-Flash, Tuset Street, Pastís, Jamboree…) de una mitología urbana y nocturna que no volverá pero que no ha dejado de estar omnipresente. Laura Gamundí

“La pesquisa” Juan José Saer

“Al desnudo” Chuck Palahniuk

RAYO VERDE

MONDADORI

ERRATA NATURAE

Las breves historias aquí incluidas están contadas en forma de aguja y transcurren, con mucha tinta, en la piel de personas anónimas que eran consideradas peligrosas a finales del siglo XIX por personalizar su cuerpo de forma irreversible. Los médicos Eugenio Lacassagne, Albert Le Blond y Arthur Lucas realizaron diversos estudios sociológicos que construyen un ensayo clínico a través de diversos cuerpos con estigmas autoinfligidos que marcaban también el alma de sus portadores. La primera parte está dedicada a los tatuajes de criminales: corazones atravesados, anclas, estrellas y puñales ilustran la turbia relación entre el dibujo del individuo y su patología criminal. Algunos iconos imprescindibles del cine psicópata pueden corroborar tal punto: Harry Powell (“La noche del cazador”, 1955) con sus love / hate en los nudillos y su pupilo Max Cady (“El Cabo del Miedo”, 1991) con un sinfin de dibujos con alusiones bíblicas por toda la espalda. La segunda parte se centra en las meretrices. Mucha inscripción dedicada a amantes y a promesas de amor eterno. Jóvenes que, con sus cuerpos decorados, habrían hecho las delicias de Jack el Destripador de haber paseado por el Whitechapel del Londres victoriano. Poco tiene que ver esta visión del tatuaje con la actual, más estética y menos dramática; sólo hay una cosa que no ha cambiado y lo dice Augustine, una prostituta cuya carta recoge el libro y en la que habla de su método para tatuarse: “… ahora depende de la fuerza de la sangre que tenga la persona. La parte que ha tatuado dura hinchada unos ocho días”. Beatriz Montalvo

No se dejen engañar por el título, la pesquisa no es una, sino varias. Saer hace trampas, me explico. “La pesquisa” empieza con elementos de novela negra, todo un capítulo que nos sitúa en París durante las investigaciones que lleva a cabo un cuerpo policial para intentar resolver el caso de un asesino en serie que ha matado a veintisiete ancianas. En la segunda parte, tres amigos se reencuentran en Argentina con la excusa de dilucidar la autoría de un texto encontrado entre las pertenencias de un amigo fallecido en las tiendas griegas, una novela histórica que transcurre momentos antes de que arda Troya. Y una vez planteadas las pesquisas llega el turno de su resolución. De entrada, la novela, de lenguaje denso, puede parecer laberíntica; su estructura pone en duda los complejos andamios de la ficción, jugando con la veracidad de la representación de lo real y planteando la metaficción como base. Así, los giros en la narración, las posibles analogías entre el relato policial y la historia que cuenta el manuscrito encontrado, o incluso las referencias mitológicas, se usan como posible cebo. El desenlace de alguna de las tramas puede parecer previsible, pero el lector acabará enganchado con una novela policíaca que no lo es, y el conocedor de la obra del escritor argentino encontrará los habituales escenarios y personajes del autor. Todo un acierto la apuesta de Rayo Verde, editorial recién nacida, que ha hecho que el catálogo de Saer vuelva a estar en las mesas de novedades. Álex Gil

Gruñido, maullido, gorjeo... “Snuff”. Aullido, rebuzno, chillido... “Pigmeo”. Ladrido, rebuzno, rugido... otro libro de Chuck Palahniuk. En “Al desnudo”, la protagonista de esta nueva novela del autor de “El Club de la Lucha” describe el parloteo de las estrellas de Hollywood como esas bandas sonoras de ruidos selváticos que se oyen de fondo en todas las películas de Tarzán. Y esa es, francamente, la misma sensación que tengo cuando cae un nuevo libro de Chuck Palahniuk entre mis manos. Cada vez que vuelvo a creer en que el escritor de Pasco pueda aportar algo nuevo a su ya nutrida bibliografía vuelvo a encontrarme con los mismos artificios literarios que, sí, nos sorprendieron en historias como “El Club de la Lucha” (1996) o “Monstruos invisibles” (1999), dos novelas del siglo XX, recordemos, pero que con cada nuevo trabajo comienza a indignar más y más. Palahniuk no paró de crecer en los primeros años de la primera década del siglo XXI, con cuatro obras seguidas que lo convertieron en uno de los autores fantásticos más esenciales de su generación (nos referimos a “Nana”, “Diario, una novela”, “Fantasmas” y “Rant”) pero la tontería de “Snuff” puso fin a esa carrera brillante de forma tajante. Ahora sólo podemos disfrutar de un eco de su genio. Como en “Al desnudo”, una historia cruenta sobre la época dorada de la meca del cine que ni sorprende ni escandaliza, sino todo lo contrario, es aburrido. Tratándose de Palahniuk es el peor epíteto que cualquiera le puede dedicar. Manu González




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