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TEATROS DEL CANAL, TU AGENDA DE TEATRO, MÚSICA Y DANZA

VIVA MADRID

UNA ANTOLOGÍA DE LA ZARZUELA CON LA ORQUESTA Y CORO DE LA COMUNIDAD DE MADRID

DIRECCIÓN MUSICAL: MIGUEL ROA / MANUEL COVES

UNA OBRA DE ALBERT BOADELLA

DEL 14 AL 30 DE MARZO 2014

CON ARTURO FERNÁNDEZ

ENSAYANDO DON JUAN

DEL 6 DE FEBRERO AL 2 DE MARZO 2014

CICLO LOPE DE VEGA

EL PERRO DEL HORTELANO

EL CASTIGO SIN VENGANZA

DIRIGIDO POR LAURENCE BOSWELL

DIRIGIDO POR ERNESTO ARIAS DEL 20 DE FEBRERO AL 16 DE MARZO 2014

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DIRECCIÓN Y EDICIÓN GDT Ediciones S. L. c/ Juan Bravo 3-A. 28006 Madrid. Tel. 91 436 74 43 REDACCIÓN redaccion@revistagodot.com, Álvaro Vicente alvarovicente@revistagodot.com, Sergio Díaz sergiodiaz@revistagodot.com, Rubén González DIRECCIÓN COMERCIAL Marisa Navajo marisanavajo@revistagodot.com MAQUETACIÓN Y DISEÑO David Hinarejos FOTOGRAFÍA Karlos Sanz COLABORADORES Rafa Romero de Ávila, María Rivas, Irene L. Navarro, Juan Vinuesa. IMPRIME Exce Consulting Group DEPÓSITO LEGAL M-37604-2010 La propiedad intelectual prohibe la reproducción total o parcial de textos e imágenes sin el consentimiento del autor, si necesitas algo avísanos. Godot no se responsabiliza de la opinión de sus colaboradores. Si te quieres deshacer de la revista, recicla por favor. @RevistaGodot

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Sumario. Febrero 2014

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palabra de

La Liga de las Artes

noticias

entrevista

José Pedro Carrión y Valery Tellechea

El viaje a ninguna parte

reportaje

entrevista

cartelera

fotosíntesis / palabras funambulistas

Entrevista Eva Isanta

en portada

Dalí versus Picasso

reportaje

Fundación Siglo de Oro

reportaje

Ensayando Don Juan / El arte de la entrevista

reportajes

reportajes

Nippon-Koku / Curro Vargas

Paco Azorín

estrenos

cartelera

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reportaje El Caballero de Olmedo

entrevista

Enric Benavent

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Palabra de... La Liga de las Artes

Contra la privatización y por la autogestión El pasado 17 de diciembre, en una reunión celebrada en el Centro Cultural El Torito de Moratalaz (Madrid), se constituyó LA LIGA DE LAS ARTES, un equipo de trabajo conformado por distintos profesionales de las artes escénicas que pretende impulsar acciones concretas y contundentes que rompan la dinámica monopolizadora y excluyente impuesta por las administraciones públicas respecto a la gestión de los teatros. Este es su MANIFIESTO: A raíz de las noticias publicadas en los medios de información sobre la inminente externalización de la gestión de los teatros públicos municipales de Madrid, manifestamos nuestro más absoluto rechazo a la forma en que este proceso pretende llevarse a cabo, y desde luego a su contenido. Los teatros municipales, al igual que los estatales y regionales, deben administrarse en función de un PROYECTO CULTURAL que los llene de contenido y los rentabilice en los términos en que deben ser valorados, es decir, atendiendo a los objetivos para los que fueron creados y equipados: el enriquecimiento de los ciudadanos, la reflexión permanente sobre su entorno, y la exhibición pública y accesible de manifestaciones artísticas diversas. El actual equipo de gobierno municipal está decidido a hacer prevalecer los criterios económicos sobre cualquier otro, en cualquier materia, y especialmente en la cuestión artística y cultural. Está olvidando, incluso, sus propios planteamientos del comienzo de legislatura. Ha suspendido los ‘Premios Villa de Madrid’, y está privatizan-

Manifiesto

do la gestión de numerosos espacios culturales de forma más que cuestionable, fomentando los monopolios y cerrando múltiples vías de trabajo y competitividad para los artistas madrileños. Por miedo, por desconocimiento, por desidia o por ambición mal dirigida, hasta ahora la actitud mayoritaria de la profesión teatral ha sido la de criticar en los bares y callar en los despachos y asistir, así, como meros espectadores a los caprichos de políticos, funcionarios, gestores o directores que, en muchos casos, no tienen idea de lo que es el teatro, ni el servicio público, ni el arte, ni la convivencia, ni la cultura. La realidad es que no somos meros espectadores: somos creadores y profesionales con experiencia y formación. ESTÁ EN NUESTRAS MANOS romper la dinámica del silencio y la dinámica de la inacción. ESTÁ EN NUESTRAS MANOS controlar la gestión pública en materia cultural y controlar los desmanes que se cometen. ESTÁ EN NUESTRAS MANOS decir No, así no se hacen las cosas. ESTÁ EN NUESTRAS MANOS denunciar los concursos públicos tramposos, e impedir que se lleven a cabo. ESTÁ EN NUESTRAS MANOS establecer fórmulas nuevas y colectivas de autogestión en los teatros públicos. ESTÁ EN NUESTRAS MANOS abrir los teatros que están cerrados. ESTÁ EN NUESTRAS MANOS contribuir activamente a la recuperación de los espacios públicos de la ciudad de Madrid, y del resto del Estado.

http://ligadelasartes.blogspot.com.es


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Fotosíntesis alfonso lara

Casa de un Premio Nobel ¿Existen otros temas en este país aparte de la descomposición, el abandono, la estafa, la mediocridad, el robo, la vulneración de derechos…? La casa -hermosa casa- de un Premio Nobel se cae a pedazos en Madrid. Tenemos tantos, ¿verdad? En otra parte quizá sería un museo. Aquí, desde luego, es el vivo retrato del Estado de las cosas. Lo que quieren para la Cultura. Lo que quieren para nosotros.

Alfonso Lara. Actor, director y guionista español. Resiste en Madrid.


Palabras funambulistas

Tu país está

feliz :) Le robo el título a Antonio Miranda sin derecho alguno, pero es que algunas de las nostalgias malparidas que vienen haciéndose polvo contra nosotros estos días son heredadas de sus versos. El teatro es capaz de convertir la oscuridad en una forma más de rechazar la ceguera, como si existiera un modo de sobrevivir a esa clase de luz hecha para no dejar distinguir jamás el final del tunel. Puede escoger de entre todos los desastres aquel que peor nos sienta y reventarlo sin más sobre nuestras cabezas, o puede hacerte reir, presionar torpemente los nervios que nos revelan crueles, egocéntricos, contestatarios o irresolublemente infantiles y rasguear con fuerza inconveniente esa dificultad amarga de enfrentarnos a quiénes somos. Puede también llevarnos lejos, y traer el extremo opuesto del mundo frente a nosotros (si es eso lo que queremos, claro...) Pero lo que no puede ni jamás podrá hacer es constituirse por sí solo como algo mejor ni más humano que la sociedad de la que y por la que vive. Los hijos huérfanos del ladrillo deberíamos saber cuánto le debe la realidad actual a la costumbre sistemática que hemos tenido de evadirla en el pasado. Y aquéllos que quisieron hacerlo de una manera especialmente elegante también se decantaron, entre otras cosas, por el teatro. Es injusto juzgar las cosas por lo que

María Rivas de Bufalá

no son. Que existan distintos tipos de propósitos detrás de un proyecto teatral que los diversifique no supone sino una riqueza cultural que debemos agradecer, pero personalmente y desde un punto de vista del todo subjetivo también me emociona que nos encontremos tan al borde de una de las pocas lecturas positivas que nos permiten los tiempos de crisis: la imposición de un cambio. No se trata ahora de buscar en cada grupo al Rajatabla de la Venezuela de los 70, pero depende de la actitud del propio espectador que se dé el contexto para que esos fenómenos sucedan. Me viene pasando últimamente que cada vez que me paro a revisar a principios de mes las nuevas propuestas me dejo la espalda en carreras de escalofríos que superan incluso lo que hace décadas era para mí una mañana de reyes. Quiero desde aquí agradecer a los muchos responsables de esos escalofríos su compromiso de revertir el ejercicio que habitualmente empapa al teatro con los sudores del mundo y hacernos partícipes de un escenario en el que es el teatro el que se derrama álgido sobre el mundo, utilizando nuestra sed como fuerza principal de su corriente. “Una sociedad se define no sólo por lo que crea, sino por lo que se niega a destruir.” John C. Sawhill

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Noticias

x Chiuti

¿Quién dijo miedo?

23 FERIA EUROPEA DE ARTES ESCÉNICAS PARA NIÑOS Y NIÑAS Setenta compañías procedentes de Argentina, Bélgica, Francia, Bulgaria, Holanda, Italia y de 15 comunidades autónomas de nuestro país mostrarán sus últimos espectáculos en la vigésimo tercera edición de FETEN que tendrá lugar entre los días 16 y 21 de febrero en Gijón. Danza, ópera, teatro de actores, títeres y objetos, magia, espectáculos musicales, circo, clown o adaptaciones de cuentos, entre otras disciplinas, protagonizarán la programación de la cita escénica asturiana, consolidada como uno de los principales encuentros para el análisis, la reflexión y conversación entre profesionales del sector escénico. Entre todos los trabajos, destacan los siete estrenos absolutos que la organización ha incluido en la programación de la nueva edición. Como ya es habitual, las compañías seleccionadas optarán a los premios al Mejor Espectáculo, Mejor Dirección, Mejor Interpretaciones Masculina y Femenina, Mejor Texto, Mejor Escenografía y Mejor Vestuario y Caracterización. La Feria está organizada por la Fundación Municipal de Cultura, Educación y Universidad Popular y el Ayuntamiento de Gijón y cuenta, entre otros, con el patrocinio del INAEM, la Consejería de Educación, Cultura y Deporte del Principado de Asturias y Liberbank. feten.gijon.es

Convocatorias Festival de Almagro La 37 edición del Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro que tendrá lugar en el mes de julio empieza a calentar motores abriendo las tres convocatorias para la presentación de propuestas escénicas. Las que opten a estar en la Programación oficial tienen hasta el 28 de febrero para presentar sus solicitudes. Los que quieran participar en el IV Certamen Internacional Almagro Off tendrán como fecha límite el 10 de marzo y los que quieran presentarse al III Certamen Internacional Barroco Infantil hasta el 3 de marzo. Podéis encontrar las bases de estas convocatorias en su web: www.festivaldealmagro.com

Lo leí hace muchos años en una revista especializada en cine: “cualquier película con Kiti Mánver dentro nos gusta más”. Lo aplicaría al teatro, en el que tan difícil es verla últimamente. O a mí me lo parece. Aunque todo apunta a que este verano podremos verla de nuevo. No puedo darles muchas pistas, pero sí puedo avanzarles que el texto es un clásico y que llegará muy bien acompañada a los escenarios. Así que ya me parece una buena noticia. Ésta vez no lo hará de la mano de Juan Carlos Rubio, que parece haberse convertido en su autor y director fetiche aunque seguro que algo se traerán entre manos para más adelante. Aprovecho para recomendarles que visiten la web de la actriz, se la ha ‘currado’ ella y hay que valorar su esfuerzo. También preparan regreso a los escenarios, los dos, la divertida y singular pareja formada por Petra Martínez y Juan Margallo. Cuando digo ‘los dos’, quiero decir que serán los dos los que actúen. Solos, en principio, aunque muy bien acompañados por algún artilugio que dará juego cómico. Lo están escribiendo juntos ahora y va a llamarse Chis pum. Les espera con los brazos abiertos el CDN. Y nosotros, sus fieles espectadores que pensamos que unas semanas sin ellos se nos hacen muy largas. En el CDN podremos ver también a una singular pareja dónde las haya: Carmen Machi y Javier Gutiérrez en esa versión tan ‘soprano’ que va a montar Andrés Lima sobre el clásico de Shakespeare y que atenderá al nombre de Los Mácbez. Forman buen equipo, qué quieren que les diga. Y darle la vuelta a una tragedia de este peso tiene su “aquel”. Reconozco haber disfrutado mucho de ambos actores en cada función que he visto porque engrandecen lo que hacen. Y con Lima he asistido, no siempre, a verdaderas clases de teatro. Así que el producto me interesa sobremanera, no puedo negarlo. Su otrora acompañante en Ay, Carmela (¿vuelve? ¿qué ha pasado con Jorge Sanz?) Marta Ribera también estrena pronto. 101 canciones para cortarse las venas con Víctor Ullate Roche bajo la dirección del autor del libro, Manu Berástegui. Siempre estamos dispuestos a reírnos. Hasta del desamor. Me despierta tanta curiosidad como la película que va a dirigir Miguel del Arco. Estoy casi por decirles que me alegro de que este maravilloso ser abandonase la interpretación para tomar otros derroteros profesionales porque no me da más que satisfacciones. Y en los tiempos que corren, eso es impagable.


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En Portada

Atrapados Eva Isanta vuelve al teatro para encerrarse en la cámara acorazada de un banco junto al director de la sucursal (Mauricio Bautista) y el chico de los recados (Víctor Palmero), en una obra escrita y dirigida por Alejandro Melero

Desde el 30 de enero

Teatro Alfil

¿Por qué estás en este montaje? Pues por lo visto Alejandro Melero escribió la obra pensando que el personaje de Rosa era yo, fíjate qué bonito. Nunca antes me había pasado. Me dijo que había cosas que no había visto de mí y que quería verlas. ¿Pero no os conocíais? No, no. Primero contactó conmigo a través de mi representante y luego me vinieron a ver a Microteatro, que estaba yo haciendo Tacones enanos, y luego fui yo a ver otra función suya en La casa de la portera que se llamaba Nuestro hermano. La obra me encantó y él me cayó muy bien. ¿Y qué te pareció Atrapados tras la primera lectura? Un poco rara, me la tuve que leer varias veces, porque no la entendía bien. ¿Rara en qué sentido? Porque la función tiene una línea argumental muy clara y luego tiene tres ensoñaciones que provoca cada uno de los tres personajes. Pero de pronto no se sabe muy bien qué pasa, porque en las ensoñaciones entran nuevos personajes. Son como tres pequeñas funciones dentro de la función. ¿Pero tienen que ver con lo que se está contando o no? Sí, claro, todo se termina hilando, pero de primeras te descoloca un poco, porque cambia hasta el género. Son como saltos temporales y de género dentro de la función. A Alejandro le gustan mucho estas mezclas. Y luego tiene un universo particular como autor que a mí me gusta mucho, es muy reconocible. Maneja como un código de personajes recurrente. Por ejemplo, le interesa el tema de la amargura en la mujer y siempre hay un personaje femenino amargado. ¿Qué otros temas se ponen en juego? Los tres personajes, como bien dice el título, están atrapados. Pero no están atrapados sólo por la situación física de estar encerrados en la cámara acorazada de un banco, sino que en realidad la situación externa lo que muestra al final es que cada uno de los personajes descubre que está atrapado en su vida, como lo estamos un poco todos, sea por una situación económica, por una situación emocional o sentimental, por

La obra El que más o el que menos está atrapado por algo, ¿no? Quien esté libre de pecado que tire la primera piedra. O que revise su relación con las entidades financieras. Vamos, con los bancos. Esta obra tiene como punto de partida una situación extrema: alguien ha entrado en una sucursal bancaria para perpetrar un atraco. El director, como única escapatoria, se encierra en la cámara acorazada, llevándose consigo a dos personas que se encuentra en su huída: la directora de recursos humanos y el chico de los recados. Y ahí arranca Atrapados, con tres personas encerradas en el sancta santorum de un banco, donde se guarda el tesoro de Alí Babá, todo ese dinero que, sumado -si pudiera sumarse-


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reportaje

una situación laboral... Todos tenemos nuestros atrapamientos. Y Rosa, mi personaje, ha cifrado todo en su trabajo, un trabajo que quería que fuese altruista, para ayudar a los demás, y se da cuenta de que al final se le ha vuelto en contra... ¿Cuál es su trabajo? Ella es psicóloga y lo que quería era ayudar a la gente a morir, estar en una residencia cuidando a la gente, formar una familia, dice ella, con las personas que se están despidiendo de la vida y sus acompañantes. Esa es su vocación y durante un tiempo de su vida la desarrolla, pero luego por circunstancias x, que no sabemos, se ve trabajando como jefa de recursos humanos en un banco. Que en principio es una persona que elige a la gente para trabajar, pero ella entra en el banco realmente para echar gente a la calle. En lugar de estar construyendo está destruyendo, y lleva dos años atrapada en esa situación y no es feliz. Y es en la situación extrema que plantea la obra cuando ella se da cuenta... Claro, porque esto le obliga a tomar una serie de decisiones. Los tres toman decisiones y rompen con cosas de su vida, porque todos están de algún modo aislados. Me viene la palabra alienación a la cabeza... no sé por qué. Es que la obra podría llamarse Alienados perfectamente. Y lo que propone Alejandro es un recorrido del atrapamiento a la liberación a través de la consciencia. Es cuando tomas consciencia cuando puedes actuar, cuando puedes cambiar. Álvaro Vicente y Rosa Arroyo Puedes leer la entrevista completa en www.escenagodot.com

muestra una cifra mareante, impensable. Hipotecas, préstamos, planes de pensiones, desahucios, embargos... el 95% de la población vive atrapada en la tupida red bancaria, con mayor o menor desahogo, pero atrapada. Y además, muchos están atrapados en relaciones que no desean, en vínculos que se mantienen por interés, en dinámicas de infelicidad abonadas por la fuerza de la costumbre y el miedo al cambio.

De la comedia al drama y viceversa Partiendo de esa situación, que no es más que un símbolo, Atrapados desarrolla una historia a tres bandas que tan pronto se pone intensamente dramática como permite el relajo y la carcajada. El director lo dice, va de un extremo a otro, lo dramático es muy dramático y lo cómico muy cómico. Se habla de temas importantes, de la incomunicación, de como las jerarquías desdibujan la personalidad de los individuos. Pero uno puede y debe reírse de todo esto sin perder de vista su seriedad. Del final no diremos nada, sólo que es positivo y esperanzador. La catarsis no es patrimonio exclusivo de la tragedia.


reportaje

Del 8 de febrero al 9 de marzo

Teatro Pavón

La Compañía Nacional de Teatro Clásico y el Teatro Lliure coproducen uno de los mejores y más intensos textos de Lope de Vega con Lluís Pasqual como director e interpretado por las jóvenes compañías de las dos instituciones junto a la actriz Rosa María Sardá

FOTOS: Ros Ribas

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ope de Vega

Considerado como uno de los más grandes escritores españoles de la historia, sólo superado por Cervantes. Fue un prolífico poeta, novelista y dramaturgo que produjo miles de obras y es famoso por revolucionar el teatro español del siglo XVII, apartándolo de las estrictas reglas que gobernaron el género en épocas anteriores. Su objetivo principal era entretener a la audiencia, lo que demuestra que era muy consciente del tiempo en que vivía, en el que el teatro se estaba convirtiendo en un gran entretenimiento de masas.

ituada en la categoría de ‘Dramas basados en el Romancero’ dentro de la inmensa producción de Lope de Vega, la obra es, quizás, la más lírica del autor a la par que una de las más trágicas. Lluís Pasqual, el actual director del Teatre Lliure, con quién coproduce la Compañía Nacional de Teatro Clásico este proyecto, se encarga de la dirección de un texto que no le es ajeno: “En 1992 la dirigí en la Cour d’Honneur del Palacio de los Papas de Avignon. La monté, por supuesto, en francés. Y aunque era una magnífica traducción, siempre me quedaron ganas de poder respirarla en su lengua original”, comenta Pasqual de un texto en el que vemos “al Lope más épico, al Lope popular y desvergonzado -pero- con la lírica más elegante y más conmovedora al servicio del gran poema del amor roto”. El director realiza el montaje con la Joven Compañía Nacional de Teatro Clásico y La Joven Kompanyia del Lliure y con Rosa María Sardá que interpretará a Fabia. Una colaboración que nos da una nueva oportunidad de disfrutar de una de las más bellas creaciones del autor en la que consigue envolver de misterio y convertir en tragedia una pequeña anécdota histórica: la muerte de don Juan de Vivero, caballero de la Orden de Santiago, olmedano y regidor de Olmedo, en el camino de Medina del Campo a Olmedo, a manos de Miguel Ruiz (vecino también de Olmedo) en 1521. A partir de esa semilla Lope deja volar su imaginación y elabora su propia historia de amor, celos y desafío entre dos rivales, situándola en el reinado de Juan II en torno al 1420 para beneficiarse de un ambiente más propicio al medievalismo y al mundo de la violencia, el fatalismo y la magia. Así nos presenta la historia de Don Alonso (caballero de Olmedo) que le pide ayuda a su criado Tello para conquistar a Inés a través del personaje de Fabia que acepta ayudarles para que se enamoren. Sin embargo, Rodrigo, el prometido de Inés, y su hermano Fernando lo impedirán asesinando a Alonso. Finalmente, gracias a Tello, serán ajusticiados y condenados a muerte por tal fechoría.

oven Compañía Nacional de Teatro Clásico / La Joven Kompanyia

a Obra Basada como otras del mismo autor en una canción popular, Lope no llegaría a verla nunca impresa. Quizá porque desde 1625 hasta 1635 las autoridades no concedieron permiso para editar comedias ni novelas en el Reino de Castilla. Por los motivos que fuera el texto de la obra no se publicó hasta después de la muerte de éste, en 1641. Durante los siglos XVIII y XIX fue pieza escasamente apreciada. Solo a finales del XIX se inició, con el estudio de Menéndez Pelayo, una revalorización que llega hasta nuestros días.

La CNTC creó en 2007 la denominada ‘La Joven’, una compañía que alberga a actores menores de 27 años. Este es el segundo año de la tercera promoción formada por 16 actores y actrices que salieron de 520 candidatos. Parte de la Joven Compañía se une esta vez a la Joven Kompanyia del Teatre Lliure, creada esta temporada, en la búsqueda de nuevas formas de encuentro, aprendizaje y creación desde el punto de vista artístico, así como nuevas fórmulas de producción que hagan sostenibles este tipo de experiencias. Ambas iniciativas cubren el vacío que encuentran para el ejercicio de la profesión los intérpretes jóvenes que con una sólida formación teatral aún tienen una trayectoria corta por las dificultades que encuentran en su realidad laboral.


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Entrevista

Enric Benavent Desde el 31 de enero

Teatro Infanta Isabel

Protagoniza El cojo de Inishmaan de Martin McDonagh que sigue su andadura en Madrid, ahora en el Teatro Infanta Isabel, dirigido por Gerardo Vera y rodeado de un fantástico elenco con Marisa Paredes, Terele Pávez, Irene Escolar y Ferran Vilajosana, entre otros

Continuáis en Madrid. ¿Quiere decir que la cosa va bien? Hemos llenado todos los días. Está funcionando muy bien y esperamos en el nuevo teatro seguir igual. Estamos ante una obra en la que destaca el volumen de personajes y lo bien definidos que están todos ellos. Está llena de personajes que llamamos ‘bombón’ porque incluso los más pequeños tienen momentos espléndidos. El mío y el de Irene Escolar, por destacarte dos, son de los que durante toda la obra crees saber cómo son y en un momento dado el autor es capaz de romper todos los esquemas que te habías hecho de ellos. El mes pasado hablábamos con Irene y nos contaba el aire de Bienvenido Mr. Marshall que tenía todo el argumento. Totalmente. Todo se desencadena porque Hollywood va a rodar una película en un pueblo pobre en el que no tienen ni siquiera cosas para cultivar y en el que por ejemplo mi personaje daría cualquier cosa por conseguir media docena de huevos. En un sitio así se ve como algo irreal que se pueda rodar allí una producción de un millón de dolares. Sin embargo, eso conlleva unas expectativas que no terminan de cumplirse.

FOTOS: Javier Naval

Y que nos dice mucho del tono de la obra... Sí, porque la historia tiene mucha crueldad y mucha ternura. La presencia de la enfermedad y la triste vida del chico con los padres que desaparecen, luego le quiere matar quien se hace cargo de él... Podría ser un melodrama en todo orden si no estuviera escrito como lo está que es dándole a todo un matiz con un tono de comedia políticamente incorrecta en la que se ponen sobre la mesa temas como el papel de la iglesia, la pederastia, la violencia contra la mujer...

El cojo de Inishmaan Martin McDonagh dibuja en esta comedia negrísima un complejo paisaje humano en el que da una extraordinaria vuelta de tuerca a los estereotipos irlandeses, reconocibles, violentos y llenos de provocación y de misterio: Johnnypateenmike, el alcahuete vocinglero; su nonagenaria y borracha madre; Helen, la atractiva y belicosa amada de Billy; Kate, la tía sensible que habla con las piedras; la otra tía, Eileen, resignada y fuerte como la tierra; Bartley, obsesionado con los telescopios; o Babbybobby, el barquero sensible y solitario. Un lugar donde nadie es lo que parece y en el que todos los personajes giran en torno a Billy el Cojo, que refleja lo mejor y lo peor de cada uno.

Tras Un enemigo del pueblo, te vuelves a poner a las órdenes de Gerardo Vera. Tras su paso por la dirección del Centro Dramático Nacional donde coincidistes con él: ¿cómo lo ves ahora? ¿Más relajado? En aquella época era su segunda producción como director de la entidad y quizás tenía más presión sobre todo lo que hacía. El primer día de ensayos de esta obra me dijo que ahora estaba menos invasivo y es verdad, aunque nunca lo ha sido mucho. Le veo con mucha seguridad ganada a pulso, por ejemplo ahora, tiene tres producciones en cartel que son tres éxitos de público. Además, Gerardo ya se ha convertido en un referente de las Artes Escénicas de este país. En el elenco, ¿cómo se está llevando esa mezcla entre veteranos y jóvenes interpretes? Magníficamente. Creo que a raíz del dibujo tan bien definido de los personajes también nosotros hemos aprendido a relacionarnos y todos estamos muy involucrados con la historia. Los más jóvenes han encontrado en Gerardo, que no es nada didáctico, a alguien que dándoles mucha libertad también les aconseja mucho sobre temas técnicos. David Hinarejos


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Entrevista

Valery Tellechea y Jose Pedro Carrión UN MATRIMONIO UNIDO POR EL TEATRO

FOTOS: Da Maia Nogueira

Esta pareja de actores vive en febrero un momento profesional muy dulce. Tellechea interpreta el monólogo La Douleur de Marguerite Duras, un montaje codirigido por Juan Caño y el Premio Nacional de Teatro, José Pedro Carrión, a quien también podremos disfrutar en su faceta de actor en Hécuba.

Hécuba.

Del 6 al 23 de febrero en el Teatro Español

El clásico de Eurípides en versión de Juan Mayorga llega protagonizado por Concha Velasco encarnando a una madre anegada por el dolor de la pérdida, dispuesta a derramar el cáliz de la venganza sin compasión alguna sobre quienes arrebataron la vida de sus hijos. Dirigida por José Carlos Plaza revivirá la desventura de la reina destronada a quien la guerra de Troya hizo esclava y poso de amargura y de la que cuenta la leyenda que estremeció a los propios dioses con su sufrimiento. Junto a Velasco y Carrión están Juan Gea, Pilar Bayona, María Isasi y Alberto Iglesias, entre otros.

La Douleur. Del 14 al 23 de feb. en el Círculo de Bellas Artes Marguerite Duras, novelista, guionista y directora de cine francesa, nos traslada con este texto a los trágicos días en los que espera el retorno de su marido, Robert Antelme, deportado a un campo de concentración. Es una mirada de mujer en un momento histórico, trágico por la monstruosidad de la barbarie nazi. Un horror que el ser humano sólo puede asumir como crimen colectivo. Un documento único de la literatura de posguerra y una joya de la escena contemporánea. Interpretada por Valery Tellechea, es un gran ejercicio contra el olvido.


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¿Qué nos cuenta La Douleur? VALERY- Una historia de amor y amistad en una época sembrada por la muerte. Estamos en el año 45 en París, finalizando la II guerra mundial, en medio del holocausto, y nos encontramos con un pensamiento lúcido que alude a la responsabilidad de cada uno como ciudadano. Las palabras de Marguerite iluminan el siglo XXI. ¿Qué ha sido lo más difícil de poner en pie este papel? V- Distinguir entre el dolor y la pena, evitar la autocompasión, y sin duda, la soledad en el escenario. Te dirige José Pedro, tu marido. Ha sido una aventura fácil gracias a la complicidad o se hace real el dicho de que la confianza da asco… V- Está siendo una aventura fascinante. Nuestra relación está basada en el amor, en el respeto y la confianza que tenemos el uno en el otro. En lo personal y en lo profesional. José Pedro y yo llevamos tiempo trabajando juntos, no solo en las obras que hemos puesto en pie, además es mi maestro, y vamos mejorando cada día en la búsqueda de un lenguaje común. Además, en esta ocasión contamos en el equipo de dirección con Juan Caño, autor de esta maravillosa versión. Ha sido un trabajo a 3 bandas. Para mí, los mejores ensayos han sido aquellos en los que hemos conseguido ponernos de acuerdo en no estar de acuerdo. J.P. CARRIÓN- A mí me emociona ver a una actriz comportándose en el escenario como un ser humano, envuelto en sus miserias y con el coraje y la determinación de encontrar su propia liberación. Es una gozada compartir desde la sala su desarrollo, día a día un poco mejor en un proceso que le apasiona. Ya tiene a Marguerite en el alma y la veo sorprenderse a sí misma, cuando le brota la Duras, con un texto duro, del que está enamorada por un flechazo que araña la inteligencia y la sensibilidad. José Pedro, a principios de febrero entras con Hécuba al Teatro Español tras cosechar grandes éxitos en diferentes plazas por España, incluido el Festival de Mérida. ¿Qué está suponiendo Hécuba para ti? J.P. C- Resumiendo, jamás había visto el poder de una gran actriz española como Concha Velasco, que con los parlamentos de Eurípides, (400 aC. ¡Casi ná!), hilados con palabras de Mayorga, ponga en pie a la gente que clama en el teatro como si fuera el Parlamento. Yo escucho ese desahogo de la gente cada noche. Desde luego el texto tiene tela. Cada día admiro más a ‘La Velasco’ y estar a su lado es un premio. ¡Qué mujer noble... y lista como el hambre! Cuéntanos sobre tu Ulises. ¿Ha sido fácil meterte en su piel?

J.P. C- Ulises me tiene muy entretenido y José Carlos Plaza también, por las cosas que me pide. Ahora represento al ser humano y su aventura maravillosa en una obra, donde la Gran Madre Hécuba termina maldiciendo a la especie. Actual. Brutal. Fascinante. Te vemos en grandes producciones teatrales, en televisión y además, Valery y tú tenéis una compañía, Vivero Teatro, con la que ponéis en marcha proyectos increíbles que hemos podido ver en el circuito off de Madrid. ¿Esto surge de la crisis, de la pasión o de ambas cosas? J.P. C- Diciendo la verdad, con sólo tres personas y un par de maletas estoy cumpliendo mi sueño: hacer un teatro doméstico entre seres humanos, donde la palabra nos dé mejor vida. ¿Cuál es vuestra visión de lo que está pasando actualmente con las políticas culturales, y más concretamente con el Teatro? V- Aunque ya es sabido por todos, es necesario repetirlo: el IVA. Un hachazo a traición a un sector con tantas dificultades. Dificultades para llamar la atención de la gente precisamente por la falta de ‘políticas culturales’. No se trata sólo de dar ayudas o subvenciones, en determinados circuitos es necesaria la visibilidad. Es muy difícil llegar a una ciudad y sin ser mediático pasar la media de 30 o 40 espectadores, muchas veces porque ni siquiera saben que hay programación. Lo que más echo en falta en este momento son estrategias para la creación de público. J.P. C- Cada día que pasa perdemos la oportunidad de incluir el teatro en la educación, que, aún a largo plazo, renovaría el interés y el enganche que despierta en quien lo practica. Entretanto, en vez de exigir, andamos mendigando lo que es una obligación del Estado. Y eso sucede porque nos quedamos colgados en un mundillo de actores, muy individualista y domesticable, y no ejercitamos nuestros derechos como personas y ciudadanos que somos, aunque lo ignoremos o nos lo solapen. Pero en la Democracia todos somos responsables de lo que nos corresponde. Hécuba y La Douleur: dos apuestas muy dispares para este mes en Madrid. No hay que perdérselas por… V- Porque después de tantos años, incluso siglos, seguimos siendo víctimas y verdugos de nosotros mismos. Quizá ellas, con su historia, puedan iluminar un poco nuestro camino. J.P. C- Y porque sería una buena inversión, alimentando el espíritu, ahora, que cuesta tanto conseguir cada euro. Irene L. Navarro También podéis ver nuestra entrevista en video a Concha Velasco por su papel en Hécuba en www.escenagodot.com


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reportaje

Dalí

Un genio, dos genios, tres genios. Juan Carlos Pérez de la Fuente dirige la obra en la que Arrabal concita a los dos artistas españoles más universales Del 12 de febrero al 16 de marzo

s versu

Naves del Español - Matadero

Picasso Juan Carlos Pérez de la Fuente vuelve sobre el teatro de Fernando Arrabal. A este paso se va a convertir en el director que más monta al pequeño gran hombre que habita en París y juega al ajedrez. Muy recordadas son sus puestas en escena de El cementerio de automóviles y de Carta de amor (como un suplicio chino). Ahora llega Dalí versus Picasso, un ejercicio no exento de surrealismo del bueno, del histórico, no de ese que dicen albergar las obras chabacanas que infrautilizan los términos surrealista y absurdo. Pero esos son otros López, que diría mi madre, surrealista ella también. Esta obra, en la que Antonio Valero da vida al genio de Málaga y Roger Coma hace lo propio con el genio de Figueres, se podría resumir muy bien en una frase del propio Dalí, que dijo que “sólo hay dos cosas malas que pueden pasarte en la vida: ser Pablo Picasso o no ser Salvador Dalí”. De este encuentro,

está claro, van a saltar chispas azules y relojes blandos, grandes masturbaciones y meretrices cubistas. Encuentro que sucede en un salón destartalado del París de entreguerras, en 1937, y donde también concursan las voces de las musas, o sea, de Gala y de Dora Maar, y el macho cabrío de Picasso, Barrabal. La obra se vertebra sobre la discusión de ambos pintores a raíz de las obras que ambos han dedicado a la Guerra Civil (Premonición y Guernica) en vísperas de la inauguración de la Exposición Internacional de París. España acanallada se parte la boca contra sí misma y en la ciudad del Sena los artistas se atacan y se defienden, curioso paralelismo. Arrabal levanta -como un camión levanta el polvo- todo el intenso patetismo de unos personajes atados a su destino, creadores de mundos y personajes que son lo que no son o no son nada de lo que dicen ser. Al final, sólo puede quedar uno, ¿o qué?. A. Vicente

El autor El niño superdotado, peterpánico de gafas superpuestas que mira la realidad desde las muchas lentes posibles, es un clásico del teatro y la literatura, el último superviviente de la vanguardia escénica de la segunda mitad del siglo XX. Creativo y libre, imaginativo y genial, ha escrito más de cien piezas desde las inolvidables Picnic (1952) y Fando y Lis (1958) hasta este encuentro de genios que se completa con otro que también acaba de componer, Diálogo en el Kremlin, donde los que se encuentran cara a cara son Stalin y Wittgenstein. ¡Cuánta lucidez e inteligencia en cuerpo tan pequeño!


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reportaje

El viaje a ninguna parte

Del 14 de febrero a 6 de abril

Teatro Valle-Inclán

FOTOS: David Ruano

El CDN adapta la novela del maestro Fernando Fernán Gómez y nos invita a realizar un intenso viaje por la profesión teatral de la mano de la directora Carol López

Bonita, triste, cómica, conmovedora, didáctica... quizás son adjetivos que puedan resultar ñoños o simplones, y obviamente lo son, pero, ¿no lo somos todos cuando algo te toca muy dentro y desarma toda la batería de misiles anti-sensiblería que venimos cargando y revisando en defensa de una imagen más culta o cool? Y digo esto porque es muy complicado que la historia de esta compañía teatral no haga (o lo haya hecho ya) brotar de cualquier espectador alguno de los adjetivos anteriormente citados (aunque sea en privado). Tanto la novela de Fernando Fernán Gómez como la adaptación que él mismo dirigió para el cine (inolvidable José Sacristán como Carlos) nos invitaron a iniciar un viaje inolvidable y nos demostraron que estábamos ante uno de los artistas más completos e inspirados que ha dado este país en el siglo pasado, como lo fue Fernán Gómez. El peso de hacernos revivir sensaciones pasadas -y para los iniciados creárselas-, esta vez sobre el escenario recae sobre los hombros de la catalana Carol López, autora y directora, entre otras, de la premiadísima Germanes (estrenada en castellano como Hermanas). Para ello ha contado con la versión escrita por Ignacio del

Moral que “ha concentrado la historia en la llegada del hijo y en cuando se disgrega la compañía”, nos comenta López. La directora está encantada con este nuevo proyecto en el que deja de lado su faceta de dramaturga para abordar “una función que me va, primero porque me pone mucho Fernán Gómez y luego porque sus historias a la vez que tocan muchos temas tienen un estilo muy popular. No había leído la novela pero la película me había gustado mucho y ahora que me la he leído, porque nuestra versión se basa en ella y no en la película, estoy encantada de lo complicado que está siendo llevarla a escena. Hemos buscado un código muy teatral para que funcione y creemos que lo hemos conseguido”.

Una visión pesimista sobre el teatro La novela relataba el recorrido vital de una compañía de teatro itinerante desde el comienzo del franquismo hasta que los cines casi acaban por completo con estas pequeñas ‘troupes’. La figura central es Carlos, un hombre de mediana edad al que acompañan su padre, su hijo, una prima jovencita, otra prima, su novia y un amigo. A lo largo de este viaje tendrán


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que ir amoldándose a las circunstancias de la época y algunos de ellos deciden tomar otro camino y abandonar el teatro. Para alguien tan amante del teatro como Carol López, la responsabilidad de llevar este texto a escena es mayor porque es muy consciente de que “es un espejo de lo que es esta profesión” siendo, como es la obra, una visión muy pesimista de su realidad. “Para mí es muy triste el final de Carlos, porque todos los que nos dedicamos al teatro lo hacemos por amor al arte, porque tenemos ganas de contar, porque tenemos una necesidad, pero en el fondo esperamos que haya un mínimo reconocimiento a nuestro trabajo y poder vivir de él. Sin embargo, el protagonista de este viaje no llega ni a pisar un escenario de verdad, sólo ha hecho caminos sin llegar a nada aunque sueñe que lo ha descubierto Mihura, que ha estado con actrices famosas de la época o que se ha movido por un mundo de glamour... porque esta profesión tiene estas dos vertientes, puede ser la cosa más glamurosa o puede ser la cosa más vagabunda del mundo. Da mucha pena ver todo esto. Es una obra que narra muy bien la realidad de esta profesión en la que hay un tanto por ciento tan pequeño al que le va bien, en la que los privilegiados son minoría”.

Una metáfora sobre la cultura Antonio Gil como Carlos y Miguel Rellán como Arturo, su padre, encabezan un reparto en el que también es-

Sabías que...

tán Andrés Herrera, Olivia Molina, Amparo Fernández, José Ángel Navarro o Tamar Novas. Todos ellos forman una auténtica familia, el eje alrededor del cuál gira todo y por eso “de lo que se trata es de ser capaces de que el público los vea como tal, que esta familia tenga alma y que quieras acompañarles en este viaje emocional”. Aspectos como el contexto en el que ocurre la historia en la novela y en la película han perdido importancia en esta adaptación porque “aunque es cierto que hay una pátina en el texto que te remite a una época, a mi me gustaría que nuestro montaje fuera más atemporal y fomentar la idea de que esta compañía es una metáfora de la cultura hoy en día. Yo veo a esta compañía y lo que les ocurre tiene un paralelismo claro. Su forma de hacer teatro está agonizando por la venida del cine o los seriales de la radio igual que ahora la forma de hacer teatro tradicional tiene los días contados si siguen las cosas así. Por eso están saliendo otras formas de llevarlo a cabo, casi regresando a ese teatro itinerante, apareciendo espacios en los que mostrar tu trabajo a diez espectadores”. En un momento de la obra el personaje de Miguel Rellán afirma: “El teatro no morirá nunca”. Tal y como lo conocemos quizás sí, pero mientras gente como el protagonista Carlos Galván o como la directora Carol López lo sigan llevando en las venas adquirirá nuevas formas para seguir adelante y la ausencia de finales felices se quedarán sólo para algunas historias que nos cuenten. David Hinarejos

En la versión cinematográfica de 1986 aparecía Miguel Rellán como el Dr. Arencibia y curiosamente ahora él interpreta en teatro al personaje de Don Arturo que en la película hacía Fernán Gómez. Aunque para la versión teatral se han dejado fuera muchas partes de la novela, Carol López ha insistido en hacer su particular homenaje a Fernán Gómez manteniendo uno de los diálogos más famosos del personaje de Don Arturo durante el rodaje de una película en la que participa y su desternillante ¡Señorito!


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reportaje

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Fundación Siglo de Oro

años

RAKATá celebra su décimo aniversario como compañía programando dos de los montajes más conocidos de Lope de Vega y empezando a trabajar en la nueva obra descubierta de uno de nuestros grandes referentes literarios

Si hay una época que hay que conmemorar siempre que se pueda es la de nuestro Siglo de Oro, esas páginas de la Historia que nuestro país escribió con letras inolvidables de tinta imperecedera. La Fundación Siglo de Oro (RAKATá), dedicada a la difusión nacional e internacional de los autores del Siglo de Oro, celebra su 10º aniversario, y para conmemorarlo rinden homenaje al gran Lope de Vega exhibiendo dos de los textos más reconocidos del ‘Fénix de los Ingenios’: El castigo sin venganza (foto de la izquierda) y El perro del hortelano (foto de la derecha), dos puestas en escena emblemáticas que en su momento marcaron un hito para el proyecto teatral de la compañía. Ambas producciones serán exhibidas alternativamente en los teatros que visiten en la gira que inician este mes de febrero. Los primeros teatros que acogerán los montajes serán el Teatro Echegaray de Málaga del 5 al 16 de febrero y Teatros del Canal de Madrid del 20 de febrero al 16 de marzo. Posteriormente realizarán una gira nacional e internacional donde visitarán escenarios de Roma, Verona, Venecia, Neuss, Londres y Washington. Las funciones teatrales se complementan en cada plaza con diversas actividades como ciclos de conferencias, talleres, una exposición, acciones en centros educativos y la edición y publicación de textos.

El perro del hortelano contará con la dirección del británico Laurence Boswell, gran especialista en los clásicos del Siglo de Oro. El castigo sin venganza será dirigido por Ernesto Arias cuyas puestas en escena se están especializando en textos clásicos donde destaca su gran sensibilidad y conocimiento del verso. El elenco con el que cuentan ambos directores está formado por Elena González, Rodrigo Arribas, Jesús Fuente, Alejandra Mayo, Alejandro Saá, Julio Hidalgo, Daniel Acebes, Alicia Garau, Andrés Bernal, Silvia Nieva, Pablo Cabrera y Diego Santos.

Y el gran regalo final Y como colofón iniciarán en este aniversario los ensayos y trabajos de investigación para el estreno de Mujeres y criados, la recién encontrada obra inédita de Lope de Vega por Alejandro García Reidy, investigador del grupo Prolope de la Universitat Autónoma de Barcelona. La presentación oficial de este texto tendrá lugar en los próximos meses en la Biblioteca Nacional de España y la Fundación Siglo de Oro (RAKATá) realizará su primera lectura pública. Por el mero conocimiento siempre es un acierto acercarse a esta época gloriosa de nuestra historia literaria y teatral, pero si se realiza de la mano de quienes más y mejor conocen y representan este Siglo se convierte en todo un placer para los sentidos.


reportaje

Los Teatros del Canal nos traen de la mano de su director Albert Boadella una nueva vuelta de tuerca de Don Juan Tenorio con Arturo Fernรกndez

Del 6 de feb. al 2 de marzo

Teatros del Canal

FOTOS: Owain-Shaw

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Zorrilla Don Juan

Los Teatros del Canal de la Comunidad de Madrid presentan el estreno absoluto de su nueva producción creada y dirigida por su director artístico Albert Boadella. Tras su personal aproximación a la música clásica con El pimiento Verdi y Amadeu ahora le toca el turno al teatro clásico de José Zorrilla y a su Don Juan Tenorio pasar por la batidora creativa de Boadella. Basándose en una versión libre de Eduardo Galán sobre el famoso texto, el director nos trae una de esas historias de teatro dentro del teatro en la que una joven y moderna directora se propone montar un Don Juan Tenorio concebido desde una óptica contemporánea. Su empeño es demostrar la caducidad del personaje, pues según sus razones el mito es hoy totalmente ficticio, anacrónico y machista. Ella considera los versos y las situaciones como simples residuos de un mundo desaparecido. La teoría podría funcionar razonablemente bien, pero en el casting toma una arriesgada decisión: contrata al actor Arturo Fernández para el personaje del comendador Don Gonzalo. A partir de ello, la intrépida directora se enfrentará a una ardua tarea con el fin de mantener su tesis. Una tarea que se complica considerablemente al intentar realizarla frente al experimentado actor, que va desbaratando con sus acciones cada uno de los principios de la joven directora. El reparto, salido de un proceso abierto de casting (menos Arturo Fernández para el que Boadella escribió específicamente el papel), lo componen Sara Moraleda, Mona Martínez, Janfri Topera, David Boceta, Jesús Teyssiere y Ricardo Moya. A estas alturas no conocemos mucho más de lo que deparará el encuentro de dos figuras escénicas tan dispares, en apariencia, como Fernández y Boadella, pero lo que sí podemos afirmar es que la originalidad de la propuesta no nos dejará indiferentes. ¿Están obsoletos los valores de Don Juan?.

Es sabido que José Zorrilla, como la directora de este Ensayando Don Juan, tampoco le tuvo mucho aprecio a su personaje ni a lo que representaba y no dudó en hacer manifestaciones en contra de él. Queda para la historia una redondilla que leyó en el escenario tras el estreno de la memorable puesta en escena de Don Juan Tenorio realizada en el Teatro Español el 8 noviembre de 1879. Os lo reproducimos en parte, desde que narra su regreso a España tras 22 años en el extranjero. No tiene desperdicio. “Al volver de tierra extraña, me hallé que había en España vivido por mi Don Juan. Comprendí en su plenitud de Dios la suma clemencia: Don Juan había en mi ausencia borrado mi ingratitud. Monstruo sin par de fortuna, mientras yo de España huía, en España me ponía en los cuernos de la luna. Y ni fuerza ni razón han podido derribar tal ídolo del altar que le ha alzado la opinión. Pero hablemos con franqueza hoy que todo coadyuva para aquí se me suba a mí el humo a la cabeza: Desvergonzado galán, siempre atropella por todo y de atajarle no hay modo; ¿qué tiene, pues, mi Don Juan? Del fondo de un monasterio donde le encontré empolvado, yo le planté remozado en mitad de un cementerio: y obra de un chico atrevido que atusaba apenas bozo, os parece tan buen mozo

porque está tan bien vestido. Pero sus hechos están en pugna con la razón, pero tal reputación ¿qué tiene, pues, mi Don Juan? Un secreto con que gana la prez entre los don Juanes; el freno de sus desmanes: que Doña Inés es cristiana. Tiene que es de nuestra tierra el tipo tradicional; tiene todo el bien y el mal que el genio español encierra. Que, hijo de la tradición, es impío y es creyente, es balandrón y es valiente, y tiene buen corazón. Tiene que es diestro y zurdo, que no cree en Dios y le invoca, que lleva el alma en la boca, y que es lógico y absurdo. Con defectos tan notorios vivirá aquí diez mil soles; pues todos los españoles nos la echamos de Tenorios y si en el pueblo le hallé y en español le escribí y su autor el pueblo fué... ¿por qué me aplaudís a mi?”. José Zorrilla


El arte de la entrevista 28

reportaje


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El pasado no avisa al escupir Alicia Hermida, Luisa Martín, Ramón Esquinas, Elena Rivera... y una cámara, protagonizan esta obra de Juan Mayorga que dirige Juan José Afonso

La experiencia más inocente puede desembocar en la mayor de las tragedias. Una hija, una madre, una abuela. Cecilia, la hija, intuye junto a su madre las interesantes reflexiones que puede aportar su abuela y decide entrevistarla para un ejercicio de clase. Una cámara. Respuestas. Y no se necesita más para destrozar una familia. Éste es el tierno pero macabro factor desencadenante de El arte de la entrevista de Juan Mayorga (reciente Premio Nacional de Literatura Dramática por La lengua en pedazos), montaje que ha programado el Centro Dramático Nacional. Juan José Afonso firma la dirección de un reparto compuesto por Ramón Esquinas, Alicia Hermida, Luisa Martín y Elena Rivera. Lo que podría haber sido un día corriente se transforma, por culpa de la cámara, en una serie de confesiones que desmantelan años de estructura familiar para dar paso a un nuevo orden. A un límite muy fino entre morir y renacer. Según nos cuenta Mayorga, esta entrevista genera en la abuela (Alicia Hermida) “un golpe de memoria, de imaginación o de fantasía” y nos muestra que “el pasado está absolutamente abierto”. El autor concluye con una lúcida y sugerente reflexión: “siempre buscamos esperanza en el futuro pero, ¿por qué no lo hacemos en el pasado?”.

Animales escénicos El reparto representa el pacto intergeneracional que necesita la cultura de este país. Según el director,

Del 21 de feb. al 13 de abril

Teatro María Guerrero

Juan José Afonso, “desde la primera lectura el equipo nos sorprendió con una química más familiar que profesional, con una inquietante y hermosa forma común de relacionarse”. Afonso, además, reconoce que “el trabajo de un director es mucho más fácil si el texto y el reparto poseen esta calidad” y termina con un apunte a tener en cuenta: “el personaje de la abuela es un ser humano que está al final de su vida y eso le lleva a hablar sin ambages ni pudores ante la cámara. A exprimir su libertad”. La pieza se estrenó en Avilés el pasado mes de diciembre y ahora se programa en Madrid durante siete semanas que incluyen un encuentro con el público el 13 de marzo al finalizar la función. Al igual que en El chico de la última fila, del propio Mayorga, el texto tiene como protagonista a un ejercicio escolar y parte de la ingenuidad para adentrarse en el dolor. Al preguntarle sobre la presencia de la inspiración, tras tantos años de oficio, el dramaturgo nos cuenta que, en la vida “el teatro te asalta por todas partes, sólo hay que estar atento” y comparte: “el otro día escuché a un padre decir a su hijo que él jamás pudo completar un álbum de cromos cuando era pequeño. Ahí hay una historia”. En El arte de la entrevista, con solo lanzar la pregunta “¿cuál es tu película favorita?” esta familia iniciará un descenso a los infiernos enmascarado por una de las armas más mortales: la risa. Juan Vinuesa


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reportaje

Marcos Morau crea La Veronal en 2005, un colectivo formado por artistas procedentes de distintos ámbitos culturales cuya finalidad es la búsqueda de nuevos soportes expresivos. Fue galardonado con el Premio Nacional de Danza en 2013. En 2014 aterriza en las Naves del Español con una pieza creada para la Compañía Nacional de Danza. Sólo tiene 31 años (son estas las cosas que a uno le hacen cuestionarse qué ha estado haciendo con su vida) y es una de las figuras más reconocidas dentro del mundo de la danza. La Veronal está creando una serie de trabajos que toman como punto de partida un país o una ciudad del mundo. Las piezas no se constituyen como obras documentales que describen el país, sino que se sirven de los elementos que el topónimo proporciona para llevar a cabo una idea. Ahora esta idea gira en torno al país del Sol naciente.

Japón en Matadero Imaginemos a un grupo de altos cargos de algún ejército en un lugar extraño, supuestamente poderosos, pero sin nadie a quien dirigirse o mandar, ni

soldados, ni civiles, ni rehenes, ni siervos. Aislados de cualquier idea de civilización, estos dirigentes anónimos están fuera de juego, fuera de la idea de batalla. La figura emblemática de Yukio Mishima y su estrecha relación con las ideas de Fascismo y Belleza, ayudan a entender que tal vez no exista mucha diferencia entre nosotros y ese grupo bélico imaginariamente neutralizado. Tal vez todos esperamos agazapados en nuestro rincón para un siguiente paso que ansiamos dar pero que nos aterroriza (¿Gamonal?). El montaje camina en torno a la idea de sociedad y autoridad para poner en duda lo que somos, dónde estamos y la naturaleza de nuestro comportamiento dentro del juego social del que inevitablemente somos cómplices. Es Japón, cuya paradoja es el gran individualismo de los habitantes de un país superpoblado, pero es cualquier rincón del mundo industrializado en el que no nos pertenecemos ni a nosotros mismos ni sabemos quiénes somos o qué vida queremos de verdad vivir.

NIPPON-KOKU Del 8 al 16 de febrero

Matadero-Naves del Español


Entrevista

FOTOS: David Ruano

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Paco Azorín Tras múltiples paradas por escenarios nacionales llega a Madrid el imponente Julio César dirigido por Paco Azorín y protagonizado por Mario Gas, Tristán Ulloa y Sergio Peris-Mencheta ¿Siempre hay que aportar algo nuevo a un clásico? Es un peso que está siempre ahí aunque tenemos la suerte de que esta obra no se ha realizado muy a menudo. Creo que en los últimos 50 años se ha hecho seis veces. De todas formas pienso que si no intentara hacer algo nuevo no merecería la pena hacerlo. Entonces, yo lo que he intentado es aportar mi visión personal del montaje. Y creo que hemos conseguido que el público se olvide que está delante de una obra clásica respetando a Shakespeare pero sin tenerle miedo. Lo hemos hecho dejando el texto en primer término, explicándolo bien para que se entienda, porque estamos ante un discurso de ideas. Sergio Peris-Mencheta nos confesaba hace poco que Shakespeare en teatro normalmente le aburría. ¿Cuál es la receta para no aburrir con textos tan densos? Hay que intentarlo. Nosotros hemos hecho una versión con menos personajes porque de montar todo el texto tal cual sería una función de cuatro horas y nuestro

Hasta el 2 de marzo

Teatro Bellas Artes

montaje dura 90 minutos exactos con un ritmo trepidante. Enseguida se presenta a César y se ve a alguien muy contradictorio, después aparecen sus defensores y detractores, pronto sucede el asesinato porque muere en el centro de la función y enseguida vienen los dos monólogos principales: el de Bruto que defiende por qué le ha matado y el de Marco Antonio acusándole. Mucha gente que lo ha visto hasta ahora nos ha reconocido el éxito del ritmo que le hemos impuesto. Sales de dirigir el Festival de Shakespeare en 2006 ya con la idea de montar algo del autor. Pero, ¿por qué ésta en particular? Primero por intuición y luego porque igual que me veía preparado para hacer esta función no me veía todavía haciendo un Rey Lear o un Macbeth que son obras de más profundidad y contrariamente a eso ésta todo el mundo sabe que es mucho más sencilla. Es una obra que no tiene la riqueza del lenguaje de otras porque aquí lo importante es lo que pasa, cómo está contado


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y el juego discursivo. Yo notaba que esta obra podía hacerla bien y, además, veía que tenía una reflexión sobre el poder y sobre cómo nos dejamos convencer el pueblo por lo que nos dicen los políticos que creo que ahora ocurre de una manera flagrante y hacía al texto muy actual. Vemos una escenografía muy limpia, muy simbólica. ¿Se ha impuesto a tu faceta como escenógrafo la de director? ¿Sabes qué ocurre? Que he tenido la suerte de contar con Mario Gas, Sergio Peris-Mencheta y Tristán Ulloa encima del escenario. El primero, para mí, la mejor persona de teatro que conozco; Sergio, un actor de una fuerza y vitalidad tremenda; y a alguien tan mental o reflexivo como Tristán. Realmente hubiera sido una necedad hacer un montaje más escenográfico. Desde el primer momento que supe que contaba con ellos tuve la idea de algo muy sencillo pero que a la vez es importante porque es muy simbólica: las sillas, que representan al pueblo, y el obelisco, que preside el escenario, que es el poder y un símbolo fálico porque estamos ante un mundo controlado por los hombres. Durante la función nos vamos cargando estos dos elementos a la par y lo que simbolizan se va destruyendo. Tres actorazos, pero que también son directores teatrales, ¿eso facilita o complica tu labor? El proceso ha sido óptimo tanto del telón hacia fuera como hacia dentro. Ha habido una buena energía constante. Quizás ahí me pongo la única medalla, en haber sabido conjugar lo que cada uno de ellos podía aportar. Lejos de ser un problema, su faceta como directores nos ha ayudado mucho.

Julio César

La gran pregunta: ¿Monarquía o República? No es fácil responderla y el montaje no lo hace. Si uno estudia a Shakespeare descubre que él mismo elude posicionarse sobre si el asesinato fue un magnicidio o un tiranicidio. Y si él no lo hizo, no lo íbamos a hacer nosotros. La grandeza de esta obra es que te enseña las razones tanto de los partidarios de una cosa como de la otra y te puedo asegurar que entiendes a las dos partes. Te das cuenta que el mundo no es tan maniqueo como nos lo explican, no es el blanco y el negro o la izquierda y la derecha. Es una obra muy bipolar y es importante mantener esa característica con un equilibrio exacto para que el público decida. ¿Cómo se saca adelante en la actualidad un montaje de ocho actores, con lo que supone? Desde la inconsciencia más absoluta. Somos 15 personas en gira y es una locura. Lo cierto es que hemos tenido mucha suerte porque no hemos parado casi ninguna semana desde que se estrenó y la han visto ya más de 40.000 espectadores, y las que quedan hasta verano. Y aún así al final iremos lo comido por lo servido, imagínate si no hubiera ido tan bien. Es una locura, los apoyos públicos son meramente anecdóticos y gracias al Teatro Circo de Murcia o al Festival de Mérida que nos han ayudado. Al final tienes que mirarlo de otra manera: hemos creado trabajo para mucha gente durante un año y medio y estamos muy contentos de la función que hacemos. También te digo que nos hemos tomado tanto cariño todos que como somos tan inconscientes a lo mejor tocaría montar el mismo equipo otro Shakespeare (Risas). David Hinarejos

Cayo Julio César, político y militar romano, vivió y murió hace más de dos mil años. Sin embargo, la controversia sobre las circunstancias de su muerte ha llegado hasta hoy con una nitidez asombrosa. Su popularidad contemporánea se la debe en parte a Shakespeare quien, con su obra, nos mostró un personaje con mayúsculas y una historia de ideales y traiciones de primera categoría. El texto enfrenta dos maneras distintas de entender el poder público -como Monarquía o como República- recreando la histórica conspiración en contra del dictador romano y su homicidio en los Idus de marzo (del año 44 a. C.) por una nobleza dividida y enfrentada por la consecución de cargos públicos. El Julio César bajo la versión (sobre una traducción de Ángel Luis Pujante), dirección y escenografía de Paco Azorín cuenta con un potente elenco actoral, en el que destaca la presencia del veterano Mario Gas (Julio César), junto a los no menos conocidos Sergio Peris-Mencheta (Marco Antonio), Tristán Ulloa (Bruto) y José Luis Alcobendas (Casio), entre otros.


Curro Vargas

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reportaje

FOTO: David Ruano Imágenes de ensayo

Nueva producción del Teatro de la Zarzuela en la que Graham Vick será el encargado de trasladarnos esta historia repleta de sangre y tragedia

Del 14 de febrero al 2 de marzo

Teatro de la Zarzuela

En su camino hacia una mayor internacionalización, el director del Teatro de la Zarzuela, el italiano Paolo Pinamonti, ha invitado para dirigir la escena de la obra de Ruperto Chapí a Graham Vick, que debuta en este teatro acompañado de Guillermo García Calvo y Martín Baeza-Rubio en la dirección musical y con un elenco encabezado por Saioa Hernández / Cristina Faus (Soledad); Milagros Martín (Doña Angustias); Andeka Gorrotxategui / Alejandro Roy (Curro Vargas) o Emilio Sánchez (Timoteo). Drama lírico en tres actos de Joaquín Dicenta y Manuel Paso Cano y con música de Chapí, en 1984 ya tuvo otra puesta en escena en el Teatro de la Zarzuela dirigida en aquella ocasión por Francisco Nieva. Estamos ante uno de los más emblemáticos títulos del repertorio lírico español del siglo XIX que, pese a su importancia, ha sido escasamente representado en las últimas décadas. Una obra sobre la obsesión del amor y la muerte, que en esta ocasión se hace sin cortes, como se representó en su estreno, allá por 1898 en el Teatro Circo de Madrid. Una obra ambiciosa, con vocación operística, que Chapí compone en la cima de su carrera y en la que vertió todo su talento y profunda sabiduría musical. El texto es una pieza sofisticada, llena de matices y complejos niveles de lectura, un rico estudio de los comportamientos humanos que encierra un profundo debate ético y moral. Además, toda la obra está atravesada por una afilada crítica de las costumbres y la tradición, como la novela en la que está basada -El niño de la bola, de Pedro Antonio de Alarcón-, detrás de cuya apariencia, a menudo festiva e inofensiva en su espíritu comunitario, subyace un núcleo de oscuridad, podredumbre moral y violencia. En ella se nos narra cómo el padre de Soledad busca para su hija un novio rico, a pesar de que ella quiere a Curro Vargas quien, por su parte, la desea hasta el infinito. Ante la situación, Curro decide ir en busca de fortuna y volver a buscarla, pidiéndole que le espere. Pero Soledad, por orgullo, no espera y cuando Curro regresa se ha casado con Mariano.

El director Quizá porque nació en 1953 en la ciudad de los Beatles, Liverpool, el amor por la ópera de Vick se distancia de las teorías clasistas. Responsable de la reapertura del nuevo Covent Garden en 1999 y fundador de la Birmingham Opera Company, entre otros muchos méritos, Graham Vick, ha permitido gracias a las giras de su compañía que el pueblo ‘llano’ pueda disfrutar de producciones antes reservadas a un público más elitista. Vick se ha convertido por méritos propios (y algunas polémicas) en una figura clave de la escena lírica regalándonos algunos de los mejores momentos del género de los últimos 50 años.


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estrenos

La magistral novela de Umberto Eco popularizada por la versión cinematográfica dirigida por Jean-Jacques Annaud en 1986 y protagonizada por Sean Connery y Christian Slater llega ahora al teatro protagonizada por Juan Fernández y Juan José Ballesta. Bajo la dirección de Garbi Losada y la adaptación de José Antonio Vitoria, quienes han conseguido resumir una obra de más de 700 páginas y adaptarla para el teatro con el beneplácito del escritor italiano Umberto Eco y con una curiosa escenografía en la que un gran libro preside el escenario abriéndose y desplegándose para cada escena. La que fuera primera novela del semiólogo italiano nos lleva a la Edad Media, concretamente al siglo XIV. Fray Guillermo de Baskerville y su alumno Adso de Melk tratan de descubrir cuál es el misterio que se esconde detrás de las sucesivas muertes ocurridas en una abadía benedictina. A medio camino entre el género policíaco, la crónica medieval y la alegoría, este drama sorprende con golpes argumentales y la acertada descripción de la época.

El nombre de la rosa

Autostop

Desde el 5 de febrero

Teatro Nuevo Apolo Hasta el 18 de febrero

Teatro Lara ¿Te atreverías a amarme tal y como soy? ¿Qué sucede realmente cuando amamos? ¿Cambia algo en nosotros? ¿Nos transformamos? ¿Deseamos trasformar al otro? ¿Sabemos realmente quién es nuestra pareja o en realidad estamos amando una proyección irreal que la propia pareja perpetúa en su afán por agradar al ser amado? ¿Hasta dónde conocemos a nuestra pareja y hasta dónde nos conocemos a nosotros mismos? ¿Saca el amor lo mejor de nosotros? ¿O también lo peor? Una mujer, un hombre, una carretera y un juego… Mentxu Romero y Juan Caballero interpretan a Dana y Jupe, una joven pareja en su viaje de vacaciones. Un viaje que sacará a la superficie aspectos inesperados de los personajes, que hará que se planteen muchas dudas y algunas respuestas no serán las esperadas. Este es el argumento de lo nuevo de The Zombie Company, que lanza su décimo montaje coincidiendo con su décimo aniversario. Escrito por Carlos Bé y dirigido por Fran Arráez, estamos ante una historia de amor crítica con los enfoques destructivos de una relación y la posibilidad de dejar de ser uno mismo.


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El Pretendiente al Revés

Del 6 de febrero al 9 de marzo

Teatro Fernán Gómez

El clímax es la parte más importante de un cuento que normalmente se presenta en el desarrollo pero también se puede presentar al final. De la mano de los protagonistas los espectadores sacarán a flote sus emociones más dispares: amor no correspondido, soledad, miedo, lujuria, desesperación, angustia y por supuesto la comicidad que sobrevuela toda la obra. El espectáculo representa un puzzle de historias y dependerá del público saber dónde ponen cada una. La obra ha sido una auténtica revelación dentro del círculo teatral madrileño.

Con versión, dirección y protagonismo de José Maya, nos llega esta comedia de Tirso de Molina en la que el Duque de Bretaña, esposo de Leonora, está prendado y vive un apasionamiento irrefrenable por Sirena, Marquesa de Belvalle. Con el pretexto de que tras la muerte del Marqués, padre de Sirena, encargase la custodia de ésta al padre del Duque, éste viene a por ella y decide llevarla a la corte de Bretaña y así poder seducirla. Sirena es de naturaleza sencilla y apegada a la tierra y a pesar de no ser de su agrado, y de conocer las intenciones del Duque, accede a partir con él.

Clímax! Hasta el 29 de marzo

Teatro Alfil

Canciones de Miedo y Risas

22 y 23 de febrero

Teatro Sanpol

El viejo castillo de la Familia Scalofrini es el lugar perfecto para recibir a las visitas y demostrar que el Miedo y la Risa están más cerca de lo que pensamos. Un divertidísimo y escalofriante espectáculo para acercarnos a la música moderna de una manera lúdica y atractiva. Más de 15 instrumentos en escena para traer jazz, swing, rock, pop o cabaret con seres reales y otros no tanto y leyendas de dudoso origen. Canciones originales y populares específicas para el público familiar con juegos musicales participativos, narraciones inquietantes y divertidas.


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estrenos

Thriller que Roberto Bolaño ideó al calor de un relato corto de Kafka, Josefina la Cantora o El pueblo de los ratones. Àlex Rigola, quien ya adaptó con gran éxito la meganovela 2666 del escritor chileno, lleva este cuento al teatro. Gestada en la Schaubühne de Berlín y estrenada en la pasada Bienal de Venecia, El policía de las ratas invita al espectador a reclamar el espacio para el brillo personal y creativo de cada uno, a ser algo más que una pequeña pieza en la contabilidad de los poderes políticos y económicos. Lo individual, lo ‘raro’ y lo ‘extraño’ deben existir junto a lo colectivo.

El policia de las ratas Hasta el 23 de febrero

Teatro Abadía

Oneguin.

Commentaries Del 14 al 16 de febrero

Teatros del Canal

Jacobo Dicenta da vida al Buscón de Francisco de Quevedo, un clásico de nuestra literatura. El Buscón es la personificación de España, es el pícaro español, adornado de las virtudes y defectos de los que quieren ver cuanto antes solucionada su existencia. Entre el siglo XVII y el XXI hay, a primera vista, mucha diferencia, sin embargo, leyendo a Quevedo, estudiando el comportamiento de la administración del Estado, de la economía, de las clases sociales, de las ambiciones y anhelos de los españoles, se encuentran tantas similitudes que nos parece mentira.

El Buscón Desde el 4 de febrero

Teatro Infanta Isabel

Original obra de investigación teatral basada en la novela escrita en verso de Alexander Pushkin Yevgeny Onegin. Internacionalmente reconocido como un maestro de la escena contemporánea, el director letón Alvis Hermanis cosecha aplausos allá por donde pisa no sólo gracias a la calidad de las obras que aborda, sino también por su continua investigación a la hora de imprimir un carácter propio sobre las tablas, basado en la creatividad y en el deseo de unir diferentes lenguajes y modos de hacer teatro, siempre con un estilo híbrido e innovador.


39

Pegados, un musical diferente

Desde el 7 de febrero

Teatro Maravillas La historia de dos jóvenes que se conocen en una discoteca y por esas cosas del azar y la testosterona, terminan consumando el acto sexual en un vulgar lavabo. La historia podría terminarse así, como así terminan muchas historias nocturnas de jóvenes, música y alcohol. Pero nuestros protagonistas se encontrarán con un problema con el que no contaban: justo al final de su musical y sexual encuentro, el chico no consigue sacar su aparato sexual del interior de la chica. Literalmente están pegados. Después de una serie de artimañas sin éxito buscando el modo de despegarse, deciden ir a un hospital. Y aquí es donde empieza nuestra historia. Los dos se encuentran en una misma cama del hospital, unidos, esperando al doctor y con la única compañía de una enfermera que no parece darle

mucha importancia al asunto. La espera será eterna, el doctor no llegará hasta el final de la función. ¿Por qué? Pues porque casualmente el doctor es, al mismo tiempo, el pianista del musical, y si deja su sitio en el piano, el espectáculo no podría realizarse. Los dos protagonistas estarán pegados y condenados a entenderse y a conocerse durante esa larga espera en el hospital. Una espera tensa, alocadamente cómica y por encima de todo, musical. Un musical de pequeño formato para tres actores y un pianista, que cuenta con un texto fresco, moderno y rápido, y una serie de canciones que van desde las melodías románticas de una balada a piano y una sola voz, a los rítmicos compases de una salsa moderna, pasando por duetos que homenajean al musical más clásico.


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cómicos

Javier Cansado Martes de Febrero

Teatro Cofidis

Como en casa ni hablar

Faemino y Cansado vuelven con ¡Como en casa ni hablar!, su último, absurdo y polipondurrítico espectáculo. Tuvimos la oportunidad de hablar con el 50% de este fantástico dúo

Faemino y Cansado consiguen con este nuevo espectáculo la extra-madurez. Recordemos que la madurez ya la alcanzaron hace bastantes años. Concretemos, ¿en qué consiste ¡Como en casa ni hablar!?: Parodia del cómico ´lasvegiense´, parodia del mimo ´circosoliense´, parodia de la atracción ´cruceriense´, parodia del ´cuentachistiense… y mucho salero. Creado entre la soledad de los campos y collados de Soria y la algarabía frenética de la Cava Baja de Madrid ¡Y se nota!

¿Qué hace falta para que te sientas como en casa? Simplemente mi bata de seda, mi sillón de orejas y los Ramones sonando a todo trapo.

¿Es difícil ser absurdo con lo absurda que resulta la realidad informativa todos los días? La realidad es una competidora desleal. Cultiva el absurdo. Afortunadamente sin gracia.

El éxito (a Faemino y Cansado) os acompaña desde hace años pero os habréis cruzado con alguien a quién no le hiciéseis ni pizca de gracia, ¿no? Una vez unos jóvenes, pero no tan jóvenes, nos tiraron una piedra. El último saludo en el teatro lo hacemos con la luz encendida y siempre vemos algún rostro que si pudiera nos tiraría una piedra.

También estás con Ilustres Ignorantes con Coronas y Colubi ahora en Teatro. ¿Es otro tipo de humor porque son otros acompañantes? Cambia sobre todo la velocidad. Con Faemino no descanso. En ilustres me da tiempo a elaborar ideas y contarlas con sosiego. En los dos soy yo.

El humor de Faemino y Cansado se basa sobre todo, en mi opinión, en un mundo interior algo extraño que compartís. ¿Hay muchos traumas detrás de esa manera de ver la realidad? El artista y por ende el humorista es un ser politraumatizado. Su profesión es terapia.

¿En la ignorancia está la felicidad? Claro que sí. Pero dicen los sabios que las cotas de placer que se alcanzan desde la sabiduría son mejores. Yo prefiero el estado alfa. ¿Cuál es la receta para no cansarse de hacer reír? Tener politraumas psicológicos y que te paguen para compartirlos. DHL


41

Toni Moog

Sara Escudero

Miércoles de febrero a las 20.30 h.

26 de febrero

Pequeño Teatro Gran Vía

Teatro del Arte

“Hola soy Toni Moog y tengo tattoos!” Así comienza Toni sus monólogos. Este peculiar monologuista -con la colaboración de Eva Cabezas-, hará reir hasta a los presos con este nuevo monólogo plagado de estupideces volantrombólicas, cochinadas, barbaridades y un sin fin de paridas enormes.

Sara dejó medicina para dedicarse al mundo del humor. Ese fue su primer gag. Desde entonces vive escribiendo, subiéndose a todo tipo de escenarios e incluso dando talleres de Risoterapia. Fue ganadora del Certamen de Monólogos de 2011 de El Club de la Comedia. Para Escudero, el humor. Es un modo de vida.

Álvaro Velasco

Mon-gólogos

12 de febrero

Miércoles de febrero a las 21.30 h.

Teatro del Arte

Sala Samotracia

El cómico mostoleño hace un repaso humorístico de la situación de un país que no sale de la cuesta de Enero de 2007. Grandes catástrofes como los políticos, el Hermano Mayor o el electrolatino son los temas que disecciona en un show que supone un soplo de aire fresco en la nueva escena de la comedia española.

Cuatro cómicos sacudirán nuestras mentes sin compasión y de manera irreversible. Carmen (salida reprimida), Dr. Chema Chemical (científico del caos), Klaus (maestro en instrucciones absurdas) y SuperMiguel (superhéroe de barrio) componen este combo humorístico que llenará de carcajadas la Sala Samotracia.


42

cartelera BELLAS ARTES

Díez Labín. Cía. Rakatá-Fundación

Fernández de los Ríos, 42.

Marqués de Casa Riera, 2. Tfno.:

Siglo de Oro. M a V 20.30 h. D 19

Tfno.: 91 448 16 27. M: Queve-

91 532 44 37. M: Banco de España,

h. Los sábados varios horarios.

do, Canal, Islas Filipinas.

Sevilla. www.teatrobellasartes.es

Desde el 20 de feb. 24-10,5 €

EL POLICÍA DE LAS RATAS

JULIO CÉSAR

EL CASTIGO SIN VENGANZA

De Roberto Bolaño. Dir.: Àlex

De William Shakespeare.

Dir.: Ernesto Arias. Cía. Rakatá-

Rigola. X a V 20 h. S 19 y 21 h. D

Dir.: Paco Azorín. Con Mario Gas,

Fundación Siglo de Oro. M a

19 h. Hasta el 23 de feb. 24-17 €

Sergio Peris-Mencheta, Tristán

V 20.30 h. S 18 h. D 19 h. Des-

LA PUNTA DEL ICEBERG

Ulloa. X a V 20.30 h. S 19.30 y 22 h.

de el 27 de feb. 24-10,5 €

De Antonio Tabares. Dir.: Sergi Belbel.

D 19 h. Hasta el 2 de marzo. 26-22 €

Con Montse Díez, Pau Durà, Nieve de

3 EN IMPRO

CIRCO PRICE

Medina, Chema de Miguel, Luis Mo-

Cía. Impropar. V 22.30 h. 15 €

Ronda de Atocha, 35. 91 527 98 65.

cartelera

TEATRO DE LA ABADÍA

M: Embajadores, Atocha, Lava-

reno, Eleazar Ortiz. M a S 20 h. D 19 h. CASER CALDERÓN

piés. www.teatrocircoprice.es

Atocha, 18. Tfno.: 91 420 37

MAGIA POTAGIA

TEATRO ALFIL

97. M: Tirso de Molina-Sol.

Con Juan Tamariz. 7 y 8 de

Pez, 10. Tfno.: 91 521 45 41. M: Santo

www.teatrocalderon.com

feb. a las 20.30 h. 26-15 €

Domingo, Gran Vía, Noviciado.

PASEN Y BEBAN

IV FESTIVAL INTERNACIONAL

www.teatroalfil.com

Con Enrique San Francisco,

DE MAGIA

ATRAPADOS

Denny Horror y Javier Nava-

Varios magos. De X a V 20.30 h.

Dir.: Alejandro Melero. Con Eva

re. V y S 22.30 h. 35-15 €

S 18 y 20.30 h. D 12 y 19 h. Del 19

Isanta, Mauricio Bautista, Víctor

MONTY PHYTON

de feb. al 9 de marzo. 26-15 €

Palmero. J 22.30 h. V 20 h. 20-16 €

L´Om Imprebís e Yllana. M a V 20

SÓLALA

h. S 17 y 20 h. D 18.30 h. 30-25 €

CÍRCULO DE BELLAS ARTES

Cía. Pez en Raya. Con Cristi-

PINOCHO (INF.)

Alcalá, 42. 913 60 54 00. M:

na Medina. J 20 h. 20-16 €

D 12 h. 15-8 €

Banco de España, Sevilla.

Del 26 de feb. al 30 de marzo. 24-17 €

BROKERS

www.circulodebellasartes.com

De Yllana. X 20 h. 21 y 28 de

CANAL

LA DOULEUR

feb. a las 22.30 h. 26-19 €

Cea Bermúdez, 1. Tfno: 91

De Marguerite Duras.

IMPROVISA TÍO!!!

308 99 99. Metro: Canal.

Dir.: Jose Pedro Carrión.

De Improclan. X 22.30 h. 20-16 €

www.teatrosdelcanal.com

14, 15, 16 y 22 de feb. a las 22 h.

CLÍMAX

EMILIA

Con Alicia Fernández, Nicolás

De Claudio Tolcachir. Con Gloria

COFIDIS

Gaude, María González y Gonza-

Muñoz, Malena Alterio, Alfonso Lara,

Alcalá, 20. Tfno.: 91 532 06 16. M:

lo Kindelán. V 22.30 h. 20-16 €

Daniel Grao y David Castillo. M a S

Sevilla. www.gruposmedia.com

NO SON MANERAS DE

20.30 h. D 19 h. Ha. el 9 de feb. 25-13 €

EL LAZARILLO DE TORMES

TRATAR A UNA DAMA

ONEGUIN. COMMENTARIES

Con Rafael Álvarez ‘El Brujo’. Desde

Dir.: Pablo Muñoz-Chápuli.

Dir.: Alvis Hermanis. Con The New Riga

el 3 de feb. L 20.30 h. 30-20 €

S 20 h. D 18 h. 22-16 €

Theatre . 14 y 15 de feb. a las 20.30

LOCOS POR EL TÉ

h. 16 de feb. a las 18.30 h. 19-7 €

Dir.: Quino Falero. Con María

AMAYA

ENSAYANDO DON JUAN

Luisa Merlo, Rocío Calvo, Es-

Pº General Martínez Campos,

Albert Boadella. Con Arturo Fernán-

peranza Elipe. X a V 20.30 h. S

9. Tfno.: 91 593 40 05. M: Igle-

dez, Mona Martínez, Sara Moraleda,

19 y 21.30 h. D 19 h. 28-16 €

sia. www.teatroamaya.com

David Boceta. M a S 20 h. D 18.30

¡COMO EN CASA NI HABLAR!

UNO, PEQUEÑO Y LIBRE

h. Hasta el 2 de marzo. 25-15 €

Con Faemino y Cansado.

Con Pedro Ruiz. X y J 19 h. V

EL PERRO DEL HORTELANO

M 20.30 h. 32-20 €

21 h. S y D 18.30 h. 65-15 €

Dir.: Laurence Boswell y Rafael

PK2. QUE DIOS NOS PILLE CONFESADOS


43

De Eurípides. Versión de Juan

GALILEO TEATRO

feb. a las 23 h. 20 €

Mayorga. Dir.: José Carlos Plaza.

Galileo, 39. Tfno.: 91 448 16 46

ILUSTRES IGNORANTES

Con Concha Velasco, José Pedro

M: Quevedo, Moncloa.

Con Javier Coronas, Javier

Carrión, Juan Gea, Pilar Bayona,

www.gruposmedia.com

Cansado y Pepe Colubi. 21

Alberto Iglesias, Luis Rallo. De M

EL CHICO DE LA ÚLTIMA FILA

de feb. a las 23 h. 25-16 €

a V a las 20 h. S 18 y 21 h. D 19

De Juan Mayorga. X a V 20.30 h.

A NEW YORK FAIRY TALE (INF.)

h. Hasta el 23 de feb. 22-5 €

S 19 y 21.30 h. D 19 h. 22-16 €

S 16.30 h. 14-10 €

MORENTE MÁS MORENTE

JAQUE A LO IMPOSIBLE

LA LEYENDA DEL UNICORNIO (INF.)

24 y 25 de febrero. 20h.

Con Mago Jaque. V 22.30 h. 20 €

cartelera

Con Dani Mateo. 14 de

LA RATITA PRESUMIDA (INF.)

D 12.30 h. 16 € FERNÁN GÓMEZ

Cía. T-Gràcia S 16.30 h. D 12.30 h.

COLISEUM

Plaza Colón s/n. Tfno.: 91 436

Gran Vía, 78. Tlfno.: 91 542 30 35. M:

25 40. M: Colón, Serrano.

INFANTA ISABEL

Plaza de España, Santo Domingo,

www.teatrofernangomez.com

Barquillo, 24. Tfno.: 91 521 02 12.

Noviciado. www.arteria.com

EL PRETENDIENTE AL REVÉS

M: Banco de España, Chueca.

HOY NO ME PUEDO LEVANTAR

De Tirso de Molina.

www.gruposmedia.com

Dir.: David Ottone. Con Dani Diges,

Dir.: José Maya. Con José Maya,

EL COJO DE INISHMAAN

Andrea Guasch, Claudia Traisac,

Alicia González, Muriel Sánchez,

De Martin McDonagh.

Adrián Lastra, David Carrillo, Ana

José Bustos, José Troncoso,

Dir.: Gerardo Vera.

Polvorosa, Canco Rodríguez, Alejandro

Tony Madigan. X a S 20.30 h.

Con Marisa Paredes, Terele Pávez,

Vega, Beatriz Ros, Xavi Navarro.

D 19.30 h. 16-14 €

Enric Benavent, Irene Escolar,

De M a J 20.30 h. V 18 y 22.30 h.

UNA VIDA ROBADA

Marcial Álvarez, Ferran Vilajosa-

S 17 y 21.30 h. D 18 h. 140-22 €

Dir.: Julián Fuentes Reta y Antonio

na, Teresa Lozano, Adam Jezierski

Muñoz de Mesa. Con Asunción

y Ricardo Joven. X y J 20.30 h. V

COMPAC GRAN VÍA

Balaguer, Ruth Gabriel, Carlos

20 h. S 18 y 21 h. D 19 h. 30-16 €

Gran Vía, 66. Tfno.: 91 541 55 69. M:

Álvarez-Novoa, Liberto Rabal. De

EL BUSCÓN DE QUEVEDO

Santo Domingo y Plaza de Espa-

M a S 19.30 h. D 18.30 h. 18-12 €

De Francisco de Quevedo. Dir.: Daniel

Pérez. Con Jacobo Dicenta. M 20.30 h.

ña. www.gruposmedia.com MARTA TIENE UN MARCAPASOS

FÍGARO

¿HACEMOS UN TRÍO?

De Los Hombres G. X y J 20.30 h.

Doctor Cortezo, 5. Tfno.: 91

Dir.: Zenón Recalde. Con Natalia

V y S 18 y 22 h. D 18 h. 150-29 €

360 08 29. M: Sol-Tirso de Moli-

Millán, Marta Valverde y Alberto

na. www.gruposmedia.com

Vázquez. 21 y 28 de feb. a las 23.30 h.

CONDE DUQUE

EL CAVERNÍCOLA

HOY ES MI CUMPLE. EL MUSICAL (INF.)

Conde Duque, 11. Tfno.: 91 480

De Rob Becker. Con Nancho Novo.

D 12.30 h. 14 €

04 01. M: Ventura Rodríguez.

J y V 20 h. S 18 y 20 h. D 18 h. 18 €

www.condeduquemadrid.com

LOS HOMBRES SON DE

KARPAS TEATRO

MARTE Y LAS MUJERES DE VENUS

Santa Isabel, 19. Tlfno.: 91 539 62

ESPAÑOL

Dir.: Nancho Novo. Adaptación:

36. M: Atocha, Antón Martín.

Príncipe, 25. Tfno.: 91 360 14 84.

Paco Mir. Con Sinacio. M y X 20.30

www.karpasteatro.com

M: Sol, Sevilla, Antón Martín.

h. De J a S 22 h. D 20 h. 18 €

COMO UNA ROSA ENTRE LOS DIENTES

www.teatroespanol.es

EL GATO CON BOTAS. EL

De Alberto Roldán. Cía. Tunan-

CUESTIÓN DE ALTURA

MIAUUU...SICAL (INF.)

te Teatro. J 20.30 h. 15-12 €

De Sandra García Nieto. Dir.:

S 12 h. 16 €

ARSÉNICO EN BROOKLYN

Rubén Cano. Con Tomás Pozzi

EL FANTÁSTICO MUNDO

Dir.: Manuel Carcedo Sama.

y Martiño Rivas. M a S 20.30 h. D

DE DIVERPLAY (INF.)

V 20.30 h. 15-12 €

19.30 h. Hasta el 16 de feb.

D 12.30 h. 16 €

EL PERRO DEL HORTELANO

HÉCUBA

de Lope de Vega. Dir.: Ma-


44

cartelera LLUVIA DE ÁNGELES SOBRE PARÍS

www.teatromaravillas.com

lar Karpas S 19 h. 15-12 €

De Alfonso Sastre. Dir.: Antonio

EL CRÉDITO

ELOÍSA ESTÁ DEBAJO

Malonda. 5 de feb. a las 22 h.

De Jordi Galcerán. Dir.: Gerardo Vera.

DE UN ALMENDRO

AUTOSTOP

Con Luis Merlo y Carlos Hipólito. X y J

de Enrique Jardiel Poncela. Dir.:

Dir.: Carlos Be. 4, 11 y 18

20.30 h. V y S 19 y 21 h. D 19 h. 26-21 €

Manuel Carcedo Sama. Cía.

de feb. a las 22 h.

PEGADOS, UN MUSICAL DIFERENTE

Titular Karpas. S 21.30 h. 15-12 €

LAS HERIDAS DEL VIENTO

Dir.: Victor Conde. Con Xavi Melero

LA SEÑORITA JULIA

Dir.: Juan Carlos Rubio.

y Patricia Paisal. V y S 23 h. 18 €

de August Strindberg.

L 20 y 22 h. 18 €

EL LIBRO DE LA SELVA. EL MUSICAL (INF.)

Dir.: Manuel Carcedo Sama. Cía.

LA ABDUCCIÓN DE LUIS GUZMÁN

De María Pareja y Alejandro

Titular Karpas. D 19.30 h. 15-12 €

Dir.: Pablo Remón. Con Ana Alon-

Olvera. D 12.30 y 16.30 h. 12 €

BLANCANIEVES Y LOS 7 ENANITOS (INF.)

so, Francisco Reyes y Emilio Tomé.

Dir.: Manuel Carcedo Sama.

12, 19 y 26 de feb. a las 22 h.

MARÍA GUERRERO

Cía. Titular Karpas.

LOS MIÉRCOLES NO EXISTEN

Tamayo y Baus, 4. Tfno.: 91 310 15

S y D 12 h. 10-8 €

Dir.: Peris Romano. V 22 h.

00. M: Colón, Banco de España.

EL GATO CON BOTAS (INF.)

S 23 h. D 20 h. 18-10 €

www.cdn.mcu.es

Dir.: Manuel Carcedo Sama.

MIS PRIMERAS CUATRO

KAFKA ENAMORADO

Cía. Titular Karpas.

ESTACIONES (INF.)

De Luis Araújo. Dir.: José Pascual.

S y D 17 h. 10-8 €

De Ara Malikian. 9 de feb. 12 h. 16-12 €

Con Beatriz Argüello, Jesús No-

LOS ROCKIDS (INF.)

guero, Chema Ruiz. M a S 19 h.

LA STRADA GRAN VÍA TEATRO

De Desdecero Producciones. 8

D 18 h. Hasta el 2 de marzo.

San Bernardo, 5. Tlfno.: 91 542

y 23 de feb. a las 12 h. 16-12 €

EL ARTE DE LA ENTREVISTA

95 18. M: Plaza de España,

100% BURBUJAS (INF.)

De Juan Mayorga. Dir.: Cuco Afonso.

Santo Domingo, Callao.

Cía. Made in Jabon. Con David Vega.

Con Ramón Esquinas, Alicia Hermida,

www.teatrolastrada.com

1 y 16 de febrero a las 12 h. 16-12 €

Luisa Martín, Elena Rivera. M a S 20.30

JAMMING SHOW

DÍAS DE NOCILLA Y MAGIA (INF.)

h. D 19.30 h. Desde el 21 de febrero.

V y S 23 h. 18-8 €

De Nacho Diago. Cía. Arden Produc-

LA GOLFA DE JAMMING

ciones. 2 de feb. a las 12 h. 16-12 €

cartelera

nuel Carcedo Sama. Cía. Titu-

MARQUINA Prim, 11. Tfno.: 91 532 31 86. M:

S 23.59 h. 18-7 €

VENIDOS A MENOS

LA LATINA

Banco de España, Colón, Chueca.

Con David Ordinas y Pablo Puyol.

Plaza de la Cebada, 2.

UNA BODA FELIZ

7 y 14 de febrero a las 23.59 h.

Tfno.: 91 365 28 35. M: La Latina.

Dir.: Gabriel Olivares. Con Antonio Mo-

UNA SEMANA NADA MÁS

www.teatrolalatina.es

lero, Agustín Jiménez, Francesc Albiol,

Dir.: Gabriel Olivares. Con Ma-

THE HOLE2

Juan Solo y Celine Tyll. M a J 20.30 h.

ría Castro, Antonio Hortelano,

Con Álex O’Dogherty. De M a

V y S 19 y 21.30 h. D 18.30 h. 25-18 €

César Camino. X y J 20.30 h.

J a las 20.30 h. V 20 h. S 19.30

V y S 19 y 21 h. D 19 h.

y 23 h. D 20 h. 30-14 €

LARA

LOPE DE VEGA

Paseo Chopera, 14. Tfno.: 91

Corredera Baja de San Pablo, 15. Tfno:

Gran Vía, 57. M: Santo Domingo,

473 09 57. M: Legazpi.

91 523 90 27. M: Callao, Gran Vía,

Callao, Plaza de España.

DALÍ VS PICASSO

Santo Domingo. www.teatrolara.com

El REY LEÓN, EL MUSICAL

De Fernando Arrabal.

BURUNDANGA

M a J 20.30 h. V y S 18 y 22 h. D 20 h.

Dir.: Juan Carlos Pérez de la Fuente.

MATADERO MADRID. LAS NAVES DEL ESPAÑOL.

Con Antonio Valero y Roger Coma.

De Jordi Galcerán. Dir.: Gabriel Olivares. Con Eloy Arenas, Mar Abascal, Bart

MARAVILLAS

M a S 20.30 h. D 19.30 h.

Santana, Mar del Hoyo y Fran Nortes.

Manuela Malasaña, 6. Tfno.: 91 446

Del 12 de febrero al 16 de marzo.

M a V 20 h. S 19 y 21 h. D 18 h. 25-20 €

84 00-05. M: Bilbao, San Bernardo.

20-16,50 €


45

NIPPON-KOKU

Clásico y La Joven Kompanyia.

19 y 21.30 h. D 19 h. 25-12 €

Cía. Nacional de Danza.

X a S 20 h. M y D 19 h.

LOS PAYASOS DE LA TELE

Dir.: Marcos Morau y La Veronal.

Hasta el 9 de marzo.

Con Fofito, Rody y Mónica Aragón. S y D 12 y 16.30 h. 24-20 €

Del 8 al 16 de febrero.

cartelera

PEQUEÑO TEATRO GRAN VÍA MUÑOZ SECA

Gran Vía, 66. Tfno.: 91 541 55 69. M:

RIALTO

Plaza del Carmen, 1. Tfno.: 91

Santo Domingo y Plaza de Espa-

Gran Vía, 54. Tfno.: 91 541 91 66. M: Ca-

523 21 28. M: Sol, Gran Vía.

ña. www.gruposmedia.com

llao, Plaza de España, Sto. Domingo.

YO, QUEVEDO

ESPINETE NO EXISTE

LA CENA DE LOS IDIOTAS

De Moncho Borrajo. X y J 19.30 h. V

Con Eduardo Aldán.

De Francis Veber. Dir.: Juan José

21 h. S 18.30 y 21.30 h. D 18 h. 20-18 €

V 20 y 22.30 h. S 19 y 21.30 h.

Afonso. Con Josema Yuste, David

D 19 h. 24 €

Fernández, Félix Alvarez ‘Felisuco’,

NUEVO APOLO

TONI MOOG

Esperanza Lemos, José Luis Mos-

Plaza Tirso de Molina, 1. Tfno.: 91

X 20.30 h. 18 €

quera y Natalia Ruiz. X y J 20 h. V y

369 06 37. M: Tirso de Molina.

ESCUELA DE MAGIA (INF.)

S 19.30 y 21.30 h. D 19 h. 30-23 €

EL NOMBRE DE LA ROSA

Con El Mago Murphy.

De Umberto Eco. Dir.: Garbi Lo-

S 17 h. D 12.30 h. 18 €

VALLE-INCLÁN

Plaza de Lavapiés s/n.

sada. Con Juan Fernández, Juan José Ballesta. X y J 20 h.

PRINCIPE GRAN VÍA

Tfno. 91 505 88 01.

V 20.30 h. S 19 y 22 h.

Tres cruces, 8. Tfno.: 91 531 85 14.

M: Lavapiés, Embajadores.

D 19 h. 30-18 €

M: Gran Vía, Callao, Sol

www.cdn.mcu.es

TOC TOC

AMANTES

NUEVO TEATRO ALCALÁ

Dir.: Esteve Ferrer. Con Ana Frau, Miguel

De Vicente Aranda. Dir.: Álvaro

Jorge Juan, 62. Tfno.: 91 435 34

Foronda, África Gozalbes, Fran Sariego,

del Amo. Con CMarta Belaustegui,

03. M: Goya, Príncipe de Verga-

Inge Martín, Sara Moros. M a J 20.30

Marc Clotet, Natalia Sánchez. M a

ra. www.teatroalcala.com

h. V y S 20 y 22.30 h. D 19 h. 20-12 €

S 19 h. D 18 h. Hasta el 23 de feb. EL VIAJE A NINGUNA PARTE

CONFESIONES DE MUJERES DE 30 Con Meritxell Huertas, Mónica Pérez

REAL

De Fernando Fernán Gómez.

y Yolanda Ramos. X a V 20.30 h. S

Plaza Isabel II s/n. Tfno.: 91 516 06 06.

Dir.: Carol López. Con Amparo

17.30 y 20.30 h. D 18.30 h. 23-20 €

M: Ópera. www.teatro-real.com

Fernández, Antonio Gil, Andrés

CAMPANAS DE BODA

BROKEBACK MOUNTAIN

Herrera, Olivia Molina, José Án-

Con La Cubana. M a J 20.30

Libreto de Annie Proulx.

gel Navarro, Tamar Novas, Miguel

h. V 21 h. S a las 18

Música de Charles Wuorinen.

Rellán, Camila Viyuela. M a S 20.30

y 22 h. D 18 h. 45-17 €

Hasta el 11 de feb.

h. D 19.30 h. Desde el 14 de feb.

EN ESENCIA

ALCESTE

Con Ángel Garó. J a S

De Christoph Willibald Gluck.

TEATRO DE LA ZARZUELA

22.30 h. D 20.30 h. 20 €

Dirección musical: Ivor Bolton.

Jovellanos, 4.

GISELA Y EL LIBRO MÁGICO (INF.)

Dirección de escena: Krzysztof War-

Tfno.: 91 524 54 00. M: Sevilla.

V 17.30 h. S y D 12 h.

likowski. Del 27 de feb. al 15 de marzo.

http://teatrodelazarzuela.mcu.es

PAVÓN

REINA VICTORIA

De Joaquín Dicenta y Manuel

Embajadores, 9. Tlf.: 91 539 64 43.

Carrera de San Jerónimo, 24.

Paso Cano. Música: Ruperto Chapí.

M: La Latina, Tirso de Molina

Tfno.: 91 369 22 88. M: Sol, Sevilla.

Dir. Musical: Guillermo García

EL CABALLERO DE OLMEDO

EL GRAN FAVOR

Calvo y Martín Baeza de Rubio.

De Lope de Vega.

Dir.: Manuel Gancedo. Con José

Dir. Escena: Graham Vick.

Dir.: Lluís Pasqual. Con Joven

Luis Gil y Mauro Muñiz de Ur-

X a S 20 h. D 18 h.

Compañía Nacional de Teatro

quiza. X y J a las 20 h. V 21 h. S

Del 14 de feb. al 2 de marzo.

CURRO VARGAS


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Formación

Becas Godot

La Revista Godot, en colaboración con el Instituto del Cine Madrid y el portal Soloactores.com, que también se suma a la iniciativa, abre una convocatoria para optar a becas que cubren el 30% del precio total del primer curso de la Diplomatura de Interpretación para Cine y TV que se desarrollará entre marzo y octubre de 2014 en el Instituto del Cine Madrid

La formación de actores y actrices para cine y Tv es la especialidad del Instituto del Cine Madrid desde hace más de 10 años. Como han demostrado las sucesivas promociones salidas de esta escuela, los alumnos son capaces de crear y desarrollar sus personajes en las siempre difíciles condiciones de un rodaje y aprovechando todos los recursos del lenguaje cinematográfico. La escuela dispone de instalaciones con la última tecnología y profesiona-

les de producción (platós, cámaras, iluminación, salas de edición, etc.) y los alumnos de interpretación trabajan en colaboración con los de las diplomaturas de Guión, dirección o fotografía.

Becas para el Primer Curso. Becas para conocerse a sí mismo Las Becas que ofrece esta iniciativa conjunta son concretamente para el primer curso de la Diplomatura, que lleva como título genérico Conocerse a sí


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mismo. Las asignaturas de este primer nivel tienen una doble orientación: hacia la creación dramática (Interpretación, Danza, Expresión Sonora) y hacia la destreza física (Acrobacia, Cuerpo y Gesto). Se pretende que el alumno pueda medir, desarrollar y corregir sus capacidades de interiorización, ritmo, equilibrio, fuerza, energía, expresión y proyección para acabar descubriendo el perfil de actor o actriz en el que quiere convertirse. Para ello son muy importantes los entrenamientos, improvisaciones y rodajes previstos en el Plan de Prácticas que se desarrolla en la segunda mitad del curso, tras el parón veraniego.

Metodología El sistema de aprendizaje y formación de actores del Instituto del Cine Madrid privilegia la práctica

actoral sobre la teoría. Se pretende que los alumnos se formen en un proceso constante que incluye conocer-interpretar-valorar-corregir-volver a interpretar. De esta forma, el alumno ocupa siempre el centro y el lugar más destacado del proceso de formación. La tarea de los profesores consiste en ofrecer las claves, la experiencia y la información y en orientar y ayudar a cada alumno a descubrir el camino para la “construcción” de un actor o actriz, cuyo trabajo sea eficaz y honesto, y pueda transmitir verdad actoral.

Consulta las bases y rellena el formulario de solicitud en www.escenagodot.com/paginas/BASES-CONVOCATORIA-DE-BECAS


Godot febrero 14