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A Little Beat... #100 PRIMAVERA 2011 SPRING 2011 Publicación trimestral Quarterly Publication Depósito Legal: V-1547-2001 Dirección: Gonzalo Pérez a.k.a. GNZ gnz@alittlebeat.com Coordinación Editorial: Amanda Gómez Portada, diseño y maquetación: GNZ Publicidad/Advertising: Amanda Gómez +34 963 275 494 alb.amanda@alittlebeat.com Contacto/Contact: +34 963 275 494 info@alittlebeat.com Colaboradores/Contributors: Amanda Gómez, Claudio Artieda, Fernando Fernández Hevia, From Here To Fame, GNZ, Julien Altenloh, Larry ACR, Lukasz Polowczyk aka RQM (big up brother!), Mike Castello, MTNWorld, Plan B, Sento. (No nos responsabilizamos de las opiniones vertidas por nuestros colaboradores.) www.alittlebeat.com


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Portada / Cover “10” by Mike Castello Editorial Index CHRIS DE LUCA Entrevista / Interview JUAKALI Entrevista / Interview CHIEF Entrevista / Interview LAHE Entrevista + Reportaje / Interview + Report RETROSPECTOR Reportaje / Report 99 PORTADAS / 99 COVERS Reportaje / Report ABA SHANTI I Entrevista + Reportaje / Interview + Report SENTO TFP Entrevista + Reportaje / Interview + Report HÁZTELO TÚ MISMO / DO IT YOURSELF Entrevista / Interview Trapitos & Gadgets Rags & Gadgets La Receta de Amanda Amanda’s Recipe

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una entrevista de GNZ

Hablar de Chris de Luca es hablar de música electrónica europea de vanguardia en estado puro. Chris fue parte, junto a Michael Fakesch, durante más de una década, del mítico dúo de productores Funkstörung, una de las piezas claves en el desarrollo de la música IDM, y pioneros en cuanto a sus incursiones en el mundo del hip hop y el pop, con un pie siempre puesto en el futuro electrónico. Con una carrera plagada de éxitos, con referencias en sellos como !K7, Compost Records, Musik Aus Strom, Acid Planet y muchos más, saltaron definitivamente a la fama internacional después de sus remezclas para artistas como Björk, Wu-Tang Clan, Speedy J, Plaid, o incluso Jean Michel Jarre. En 2006 el dúo se disolvió y Chris dio comienzo a una nueva etapa en su carrera. De las cenizas de Funkstörung surgió su

colaboración con Phon.O, que desembocó en el nacimiento de CLP (Chris de Luca vs Phon.O), y siguieron más éxitos, colaboraciones y remixes de artistas de primera fila del panorama internacional. Chris incluso hizo una incursión en la industria americana del Hip Hop como productor en un importante estudio de Detroit. El final de la primera década del siglo XXI trajo nuevos cambios para Chris, su retorno a Berlín, y el relanzamiento de su carrera en solitario, además del nacimiento de Be Bonkerz!, el sello que dirige junto a Leg-No y que acaba de publicar su último trabajo, “Word Up!”, motivo principal por el que nos hemos puesto en contacto con él para compartir unas palabras, y que de paso nos explique qué es lo que nos depara el futuro acerca de Chris de Luca.

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Antes de empezar, no temas… no voy a preguntarte sobre Funkstörung. Me imagino que debes haber respondido a todas las preguntas posibles sobre ese tema después de todos estos años. Pero sí hay una cosa que me gustaría saber de esa época. ¿Qué sientes al mirar atrás? ¿Te das cuenta de que habéis sido el origen de profundos cambios en la música electrónica? ¿Por aquel entonces, erais conscientes de que estabais rompiendo tantas fronteras? Bueno, en esos tiempos hacíamos nuestras movidas, sin darnos cuenta de que estábamos haciendo algo “especial”. Para nosotros era algo obvio jugar y experimentar con todas las nuevas posibilidades que ofrecían los ordenadores y todos esos plug-ins, efectos e historias. Probar nuevas formas de crear música era algo totalmente nuevo y excitante. Recuerdo una vez en el estudio que cambiamos todos y cada uno de los golpes de la batería, usamos mil efectos distintos y

alteramos cada una de las programaciones, y al final teníamos un tema nada repetitivo. Y simplemente era porque era muy divertido de hacer. No seguíamos ninguna regla ni nada por el estilo. Tras este pequeño recordatorio, seguimos adelante. Acabas de publicar tu último trabajo, una canción titulada “Word Up!” y publicada a través de tu sello Be Bonkerz! ¿Qué puedes contarnos de este tema? ¿Cómo lo definirías? En los últimos años he vuelto a trabajar de nuevo en música orientada a los clubs. Nuestros primeros temas con Funkstörung eran temas Techno, y eso forma parte de mí y siempre lo hará. Mi proyecto CLP junto a Phon.O ya seguía esa dirección, al menos nuestro EP llamado “Ain’t Nobody Cooler” publicado en Boyznoize Records. “Word up!” es mi apuesta personal por el lado más Techno de mis proyectos actuales.

La referencia se completa con tres remezclas de “Word Up!” a cargo de Mikix The Cat (Trouble & Bass), del dúo Super Super y de Plastic Little. Cuéntanos un poco más sobre estos artistas y dinos porqué los elegiste para los remixes. Siempre me ha gustado la música de Mikix The Cat, es muy dura y sucia, justo como me gusta. Super Super me ofrecieron hacer un remix, así que vi lo que hacían y me gustó mucho su estilo. Plastic Little es un tío genial de Philadelphia a quien conocí durante la gira de CLP por los Estados Unidos hace un par de años. Era un tío majo y nos enseño algunos de sus temas, que eran alucinantes. Por aquel entonces ya pensaba que molaría que nos hiciera una remezcla, y ahora lo hemos hecho. Y qué me cuentas de Be Bonkerz? “Word Up!” es la segunda referencia del sello que llevas junto a Leg-No, tras el enorme EP de xXxXx (duo formado por Commixx y Knixx) titulado “Ekko Tech”. ¿Cómo surgió la idea de crear tu propio sello? ¿Y qué tal


Leg-No está funcionando? Bueno, por una parte Leg-No y yo estuvimos hablando sobre lo agobiante que puede llegar a ser ir preguntando a los sellos, o mandando maquetas, y de lo fácil que sería hacerlo nosotros mismos. Por otra parte pensábamos en la cantidad de artistas buenos que teníamos alrededor, pero curiosamente ninguno colaboraba entre ellos. Nuestra visión del sello es tener una buena pandilla de artistas que molen, y trabajar juntos y ayudarnos los unos a los otros de diferentes formas. También me encanta descubrir nuevos talentos. En los últimos años he recibido muchísimas maquetas muy buenas de artistas totalmente desconocidos, y cuando les preguntaba dónde las iban a publicar la mayoría de ellos me contestaba que eran incapaces de encontrar un sello para publicarlas. Ahora yo me puedo hacer cargo de eso. :)

¿Tienes alguna referencia programada para 2011 con Be Bonkerz que puedas adelantarnos? Si tenemos alrededor de 7 u 8 referencias preparadas para este año, más o menos. Los siguientes serán de Leg-No feat. Knixx, de Mekka Kong (ex-Bugati Force), Chris de Luca, Baunz (segundo EP), xXxXx (segundo EP), Dj Myrla, y algunas más… Háblanos de uno de tus últimos proyectos… ¿qué pasa con CLP? ¿Sigues trabajando con Phon.O o te dedicas completamente al sello y a tus trabajos en solitario? Hace ya un tiempo que dejamos de trabajar como CLP. Simplemente decidimos que cada uno trabajara en sus movidas en solitario después de que tuviera que irme a Detroit, en 2009, a trabajar en los estudios

“Allure Sound”, como productor de Hip Hop. Por aquel entonces no estaba seguro de cuando volvería a Europa y obviamente Phon.O tuvo que seguir su camino. Otro proyecto que nos ha gustado mucho ha sido tu colaboración con RQM en su último EP. ¿Cómo surgió la colaboración con Lukasz? Sí, nos conocemos desde hace mucho tiempo, y es un tío con muchísimo talento. Me pidió que le hiciera un remix, cosa que me apetecía mucho ya que de verdad me gusta mucho su estilo. Así que no dudé ni un instante. Haría cualquier cosa por ese hermano. Da la sensación de que existe una gran comunidad artística con base en Berlín intentando mover las cosas adelante trabajando en común… es eso cierto o es sólo una apariencia?


álbum juntos, que será de un rollo más Hip Hop abstracto. ¡Estoy seguro de que se va a salir! Y voy a empezar otro proyecto con Leg-No que estará más orientado al Hip Hop de club. Como nos comentabas antes, en 2009 pasaste medio año trabajando como productor en los Estados Unidos, en los estudios Allure Sound de Detroit (que tiene clientes como Pharoahe Monch, Eminem, Dr. Dre, Slum Village, Jadakiss y muchos otros…). ¿Qué puedes contarnos de esa experiencia? Fue muy interesante ver cómo trabajan en los grandes estudios, y también fue bueno conocer algunos mc’s y productores de Hip Hop de Michigan y salir por ahí con ellos. Fue una experiencia muy buena, pero al mismo tiempo están todos un poco apalancados en la forma de producir de la vieja escuela. Casi todas las veces que le ponía uno de mis beats a un MC, se quedaban un poco confundidos y se enfadaban porque el ritmo no tenía la clásica estructura de hip hop, o porque los sonidos eran demasiado electrónicos. Era una risa ver sus caras mientras escuchaban mis beats.

Es interesante escuchar eso, porque creo que la gente aquí no trabaja realmente en conjunto. Muchos artistas por aquí parecen asustados de la competencia, de la rivalidad. Sólo la escena de minimal parece tener una gran orgía en marcha… jejeje Echando un vistazo atrás a tu carrera musical hay algo que nos llama la atención. Parece que eres mucho más productivo cuando estás trabajando con alguien. Quiero decir, que tus publicaciones en solitario son muy pocas si las comparamos con tus publicaciones colaborando con otros artistas en diferentes proyectos… ¿te sientes más cómodo trabajando junto a alguien? La mayoría de las veces he disfrutado mucho trabajando con un compañero, es más divertido, haces bromas en el estudio, o te ríes de las experiencias

divertidas durante las giras. Simplemente es más divertido compartir esas cosas. Por supuesto que también es bueno para intercambiar ideas, como una partida de ping pong, lo que es genial. Pero actualmente, aparte de Funkstörung que por supuesto fue el inicio de mi carrera musical, la colaboración con Phon.O fue algo que sucedió por accidente. Después de que Funkstörung nos separáramos todavía tenía unos cuantos bolos contratados como tal y mi agente de contrataciones me pidió que buscara un MC o una segunda persona, porque el público esperaba a dos personas sobre el escenario. Mientras íbamos de gira con Phon.O empezamos a pensar en hacer un EP juntos, y acabamos haciendo muchísimo más que eso. ¿Estás planeando alguna nueva colaboración? RQM y yo estamos trabajando ahora mismo en un

Después de eso volviste a Berlín, el nexo central del flujo de información musical que recorre toda la corriente innovadora europea… porqué crees que Berlín es una ciudad tan importante para la música de vanguardia? Creo que el principal motivo por el que todo tipo de artistas viene a Berlín es porque todavía es barato y asequible, y puedes hacer tus cosas y ser creativo. Por supuesto también el ambiente de la ciudad, que ya es una gran fuente de inspiración para muchos artistas. Y hablando de innovación musical… qué escuchas actualmente? ¿Alguna recomendación? La verdad es que no escucho tanta música. Después de un día entero trabajando con música, de verdad que disfruto el silencio. Unas últimas palabras para nuestros lectores… Muy pronto llegarán muchos más temazos! Palabra!


an interview by GNZ

When we talk about Chris de Luca we talk about European avant-garde electronic music in a pure state. Chris was the half, besides Michael Fakesch, of the prestigious duo of producers Funkstörung, a key element for IDM music development, and pioneers with their incursions in Hip Hop and Pop, always keeping an eye on the future of electronic music. Their career, plenty of success with releases in labels like !K7, Compost Records, Musik Aus Strom, Acid Planet and many more, they definitely reached worldwide success after their remixes for Björk, Wu-Tang Clan, Speedy J, Plaid, or even Jean Michel Jarre. In 2006, the duo split, and Chris started a new era in his musical career. From the ashes of Funkstörung raised his collaboration with Phon.O, which leaded to the birth of CLP (Chris de Luca vs Phon.O), and followed with more success, collaborations, and remixes for A-class artists from the international panorama. Chris even made an incursion in the American industry of Hip Hop working as a producer for an important studio from Detroit. With the end of the first decade of 21st Century, new changes came for Chris, his return to Berlin, and the re-launch of his solo career, besides the birth of Be Bonkerz, the label he runs alongside Leg-No, where he has released his latest work, “Word Up!”, the main reason why we got in touch with him, to share some words, and to ask him what can we wait from Chris de Luca in the future.

First of all, don’t be afraid… I won’t ask you about Funkstörung. I guess you might have answered all the possible questions about this subject after all this years. But there’s still one thing I would like to know about these times. How do you feel when you look back? Do you realize you’ve been the originators of huge changes for electronic music? And at these times, were you conscious that you were breaking so many boundaries? Well, at that time we just did our thing without realizing that we were doing something “special”. For us it was very obvious to play and experiment around with all those new possibilities with a computer and all those plug-ins, effects and stuff. It was so new and exciting to try out new ways to create music. I remember times in the studio were we just started to change every single hit on the drums, we used so many different effects and programmed every bar different, that at the end it was a non repetitive track. And that was just because it was so much fun to do. We didn’t follow any rules or whatever. After this short reminder, let’s move forward. You’re actually releasing your latest work, a tune called “Word Up!” released through your label Be Bonkerz! What can you tell us about this new tune? How would you define it? In the last few years i started to work again on some club oriented music. Our first tracks as Funkstörung were techno tracks and this is just one part of me and always will be. My other project CLP together with Phon.o was going this direction already, at least our EP called “Ain’t Nobody Cooler” on Boysnoize Records. “Word Up!” is actually my personal take on the techno side of both of my former projects. The release comes with three remixes of “Word Up!” by Mikix The Cat (Trouble & Bass), the duo Super Super and Plastic Little. Tell us a little more about these artists and why did you choose them for the remixes? I always liked Mikix The Cat’s music, it is very ruff and

dirty, just what i like. Super Super offered me to do a remix, so I checked them out and I really liked the style they do. Plastic Little is a very cool guy from Philadelphia whom I met on our CLP USA tour around two years ago. He was a cool guy and he showed us some of his own tracks and they were amazing. Back then I was thinking already that it would be cool to have a remix by him and now we did it. And what about Be Bonkerz! ? “Word Up!” is the


Another project we really loved was your collaboration with RQM on his latest release… How did the collaboration with Lukasz came up? Yeah, we know each other since a long time now and he’s such a cool talented guy. He asked me for a remix which I was definitely up for as I really love his style. no doubt! I’ll do everything for that brother. second release of the label you run alongside Leg-No, after the huge “Ekko Tech” EP by xXxXx (Comixxx and Knixx). How the idea of creating your own label came up? And how’s the label working? Well, on one side Leg-No and I were talking about how annoying it can be sometimes to ask labels or send demos out and that it would be just very easy to do it on our own. On the other hand we were also thinking about how so many cool artists are around, but no one really works together. Our idea of the label is to have a cool gang of good artists and also work together and help each other out in different ways. I also love it to discover new talented artists. In the last few years I received so many good demos from unknown artists and when I asked them where they gonna release it, most of them told me they can’t find a label for it. Now I can take care of it. Do you have any scheduled releases for 2011 with Be Bonkerz you can advance to us? Yes, we have around 7 or 8 releases lined up for this year so far. The next ones will be by Leg-No feat. Knixx, Mekka Kong (ex-Bugati Force, Chris de Luca, Baunz (second EP), xXxXx (second EP), Dj Myrla and so on… Tell us about one of your latest projects… what’s happening with CLP? Do you keep working with Phon.O or are you entirely focused on Be Bonkerz and your solo releases? We stopped doing CLP a while ago. We just decided to work on our solo stuff again after I left for Detroit in 2009 to work on some hip hop productions for “Allure Sound” Studios. At that time I wasn’t sure when I’ll come back to Europe and obviously Phon.O had to move on himself.

It seems there’s a huge artistic Berlin-based artistic community making things move forward working together… is this real or it’s just apparently? That’s interesting to hear, because I think that people here don’t really work together. A lot of artists here seem to be afraid of the rivalry. Only the minimal scene seems to have a big gangbang going on. Looking back in your musical career there’s one thing calling our attention. You seem to be more productive when you’re working with someone else. I mean your solo releases are very few compared with your ‘collaborative’ releases with different projects… do you feel more comfortable working with someone else? Most of the time I’ve enjoyed working with a partner as it is more fun, telling jokes in the studio or just laughing about funny experiences on tour. It’s just more fun to share those things. But of course it is also good for exchanging ideas like a ping pong game which is very great. But actually besides Funkstörung which of course was the beginning of my music career, the collabo with Phon.O just happened on accident. After the split of Funkstörung I had a few live gigs lined up as Funkstörung and my booking agent asked me to bring an mc or a second person as people would expect two people on stage. While touring with Phon.O for a while we started thinking about making an EP together and we ended up with much more than that. Are you planning any future collaboration? RQM and I are currently working on an album together which will go more in the abstract hip hop direction. I’m very sure that this is going to be killer! And I’ll start another project with Leg-No which will be based more in the club hip hop direction.

In 2009, you spent half a year working as a producer in the United States, at the Detroit based studio Allure Sound (with clients like Pharoahe Monch, Eminem, Dr. Dre, Slum Village, Jadakiss and many more...). What can you tell us about this experience? It was very interesting to see how they work in big studios and also to meet a few Michigan hip hop mc’s and producers and hang out with them. It was a very nice experience but on the other hand they are all a bit stuck in that old fashioned way of production. Almost every time I played a beat of mine to a mc, they were a bit confused and irritated because it didn’t have the classic hip hop beat structure or the sounds were too electronic. It was too funny to see their faces while listening to my beats. After this you came back to Berlin, the central nexus in the flow of musical information that is fuelling the current innovative climate in Europe… Why do you think Berlin is such an important city for the avantgarde music? I think the biggest reason why all kinds of artists come to Berlin is that it is still cheap and affordable and you can do your thing and be creative. Of course it is also the vibe of the city itself which gives a lot of artists big inspirations. And dealing with musical innovation… what are you listening to actually? Any recommendation? I’m not listening to music that much. After a day working on music i really enjoy the silence. ;) Last words for our readers… Some more hot tracks coming soon your way! WORD UP!


una entrevista de GNZ

Juakali es la voz cantante de las noches Dub War de Nueva York. Este cantante y MC de origen caribeño, concretamente de la isla de Trinidad pero afincado en Los Ángeles, ejerce de maestro de ceremonias de las primeras veladas y las más importantes dedicadas al Dubstep en los Estados Unidos, desde sus inicios en 2005.

Ahora, Juakali acaba de sacar a la calle su último trabajo, un EP titulado “Freak You Back” publicado por el sello Foreign Familiar, para el que ha vuelto a rodearse de lo mejorcito del panorama internacional de productores, contando con Plastician y Stagga para los dos temas originales del EP, y con DLX y Tes La Rock para las remezclas.

Juakali ha experimentado en primera persona la evolución de este sonido en el continente norteamericano, y ha construido un estilo original a la hora de enfrentarse a un micro, labrándose desde muy joven una carrera brillante, arropado siempre por los subgraves más poderosos y escoltado por productores de primera fila.

Todo un guerrero del Dubstep al que hemos entrevistado para que nos hable de su último EP, de sus experiencias en la escena Dubstep norteamericana y de sus próximos proyectos.

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Lo primero, preséntate ante nuestros lectores. ¿Cómo te llamas y dónde vives? Juakali, pero puedes llamarme Jua. Actualmente vivo en Los Ángeles, California. ¿Cuáles fueron tus primeros pasos como artista? La primera vez que pisé en serio un escenario sería con unos 14 años, como parte de un grupo de baile llamado Spoil Brattz en Trinidad. Ganamos una serie de concursos, incluyendo un show a nivel nacional que se llamaba “Party Time”. ¿Y cuando empezaste a cantar? ¿Recibiste alguna formación musical? Empecé cantando un poco con un grupo de Hip Hop / Spoken Word que se llamaba Second2Last, allá por el 96. Mi primera canción se llamaba “War” y la representé en el Nuyorican Poet’s Café de la ciudad de Nueva York… Me pregunto si todavía tengo el flyer… Estuve en el coro del colegio y en el coro de la iglesia hasta que tuve 16. Y también recibí un año de clases de guitarra, de los 10 a los 11 años. Eso es todo. ¿Qué significa Juakali? ¿Y porqué elegiste ese nombre? La traducción literal de Juakali es “sol caliente”. En Kenia, Jua Kali también hace referencia a los hombres de negocios de un sector económico informal. También quiere decir crear algo de la nada. Un amigo cercano me llamó Jua después de verme actuar. Así que yo no elegí ese nombre. Recuerdo que cuando le comenté a una amiga que si montaba un proyecto en solitario lo llamaría Jua, ella me enseñó todos los diferentes significados y asociaciones. Aunque tu sonido recuerde al estilo del reggae, roots y dancehall, has construido un estilo propio y personal a la hora de cantar. ¿Cómo se lo definirías a alguien que nunca te haya escuchado? En el 2005, cuando estaba enviando mi maqueta, tuve ese problema y llamé a la música que hacía “dreadbass” más como un desafío hacia la peña antes de que lo escucharan, porque sabía que lo que estaba intentando

hacer no encajaba en ninguna categoría. Supongo que ahora mucha gente me considera un artista de Dubstep. Realmente no me importa demasiado la categoría donde me sitúe la gente, mientras pueda sacar mi música ahí fuera. Descubrimos tu trabajo a través de las fiestas Dubwar en Nueva York. Has sido testigo directo de la evolución del Dubstep en los Estados Unidos, como anfitrión y MC residente de esas sesiones. ¿Cómo

dirías que ha evolucionado la escena Dubstep en los Estados Unidos desde las primeras fiestas en 2005? Hay muchos más artistas, promotores, agentes y fans a causa del factor “cool”, de la moda, de los conciertos y del sonido. Está empezando a encajar en la gran Máquina Americana de la Música. Dónde acabará todo esto es lo que nos preguntamos todos. Personalmente, espero que a la peña no se le suba mucho a la cabeza y que no empiecen a producir música condicionada


por “la máquina”. De lo que se trata y lo importante son los sonidos innovadores, el arte, el crecimiento y la longevidad. Me imagino que ser anfitrión de unas sesiones como las Dubwar te habrá permitido conocer a muchos artistas de todo el planeta. ¿Cuál es el artista que más te ha sorprendido? ¿Y porqué? ¿Sorprendente? Supongo que Burial fue una sorpresa para todos nosotros cuando publicó su disco. Algunos ya habíamos escuchado y defendido su música mucho antes de que la prensa se fijara en él. Aquello fue bastante fuerte. También me sorprendí mucho cuando descubrí lo joven que era Skream. ¡Tuvimos que colarle de extranjis en el club para que actuara en el primer aniversario de Dubwar! ¿Hay algún artista que haya llamado tu atención últimamente? Hay bastantes, la mayoría peña con la que me gustaría trabajar. Como yo, no son artistas de Dubstep exclusivamente. Pacheko, Knight Riderz, DJG, Breed, Nate Mars, Little Dragon, Zuzuka Ponderosa, MC Zulu, Spoek Mathambo, Spektrums, Wrexile, DLX, Memory 9… Acabas de publicar en Febrero un nuevo trabajo a través del sello Foreign Familiar. Es un nuevo EP, titulado “Freak You Back”. ¿Cómo lo definirías? Profundo, Oscuro y Peligroso. Los temas de “freak you Back” han sido producidos por Plastician, Stagga y Monky, y también incluyes dos remixes de Tes La Rok y DLX. Trabajas con productores de todo el mundo… cuéntanos cómo ha sido el proceso de grabación del EP. ¿Cómo conociste a los productores y dónde grabaste los temas? Conocí a Plastician en 2006 en el Rothko (ahora cerrado) en Nueva York, con Skepta y Jammer. Fue la primera fiesta Dub War que tenía un invitado especial. El invitado era Kode 9. Plastician tenía un tema sin nombre, que colgó para libre descarga en otoño de 2010 y animó a los colegas

a pillarlo y a cantar encima, para después volverlo a colgar. Una especie de colaboración comunitaria, si quieres. Me gustó lo que el tema me hacía sentir así que decidí grabarlo correctamente. Se lo mandé, y le encantó. Así que le pedí permiso para publicarlo. Mi último EP, Smoke Clears, tiene un formato particular – 2 temas originales, y 2 remezclas de una de las canciones. Decidí seguir adelante con ese enfoque de nuevo. Con eso en mente, pregunté a unos cuantos productores a los que yo creía que les podría flipar el tema, para ver si les interesaba hacer un remix. Tes La Rok (a quien conocí en 2007 cuando actué en DMZ y Rinse) y DLX (a quien conocí en el evento Smog en Los Ángeles en 2008) se apuntaron. En mi tercer EP – Come from Yard, colgué una a capella de “Hear Them Say” para descarga gratuita. Stagga la pilló, produjo “Science of Skank” y lo publicó. Mantuvimos el contacto desde entonces, y más adelante me mandó un tema llamado “Chillsky” que había co-producido con su colega Monky. ¡Me flipó! Le pregunté si podía escribirle una letra y publicarlo junto a “Freak You Back” como un EP. Y me dio su bendición. Escribí esa canción (justo después del Outlook Festival) en el estudio de Memory9 en Milán. Y la grabé en los Small Room Studios con Jon Renzin en cuanto llegué a los Estados Unidos. He grabado todas mis voces con Jon desde que vivo en Los Ángeles. ¿Qué planes tienes para 2011? ¿Algún proyecto que puedas adelantarnos? Pues regresar al Outlook Festival en Croacia, del 1 al 4 de Septiembre. Tengo un single que se llama “Crossin” listo para salir a finales de primavera, o principios de verano, y también un video para “Tha Chillski”. ¿Quieres añadir algo? Un saludo para Pete Doell de Universal Mastering West por masterizar “Freak You Back” en las nuevas salas ZR Acoustics. GRANDE!

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an interview by GNZ

Juakali is the leading voice of New York’s Dub War nights. This Caribbean rooted singer and MC, from the island of Trinidad but living in Los Angeles, is the master of ceremonies of the first and the most important Dubstep nights in the United States of America, since it’s beginning in 2005. He has lived the evolution of this sound in the North American continent in his own skin, and has built an original style when he faces the microphone, working hard since very young to create a brilliant career, always wrapped up warm by the most powerful subbasses, and guarded by first line producers. Now Juakali has just released his last work, an EP called “Freak you Back”, released by the Foreign Familiar label, and he has get surrounded, one more time, by the best producers of the International panorama, counting on Plastician and Stagga for the production of the two original tracks included in the EP, and with DLX and Tes La Rok for the remixes. A true Dubstep warrior we interviewed to talk about his latest EP, about his experiences in the American Dubstep scene and his upcoming projects. First of all, let’s introduce you to our readers. What’s your name and where do you live? Juakali, you can call me Jua. I currently live in Los Angeles, California How were your first steps as an artist? The first time I seriously graced the stage was around 14years old as a part of a dance troop called Spoil Brattz in Trinidad. We won a series of competitions

And when did you start singing? Did you receive any musical formation? I started singing a bit with a hip hop/ spoken word group known as Second2Last around ‘96. Ha, my first song was called “War” and I performed it at the Nuyorican Poet’s Cafe in New York City... I wonder if I still have the flyer? - I was in my Elementary School choir, church choir, until I was 16. Had a year of guitar lesson from 10 -11 years old... that’s about the size of it.

Even if your sound reminds of the reggae, roots & dancehall style, you have built your own and personal way of singing. How would you define it to someone who has never heard you? In ‘05 when I was sending out my demo, I had that problem and I called the music I was doing ‘dreadbass’ as more of a challenge to folks before they listened because I knew then that what I was attempting to do didn’t fit into any category. I guess now a lot of people consider me a dubstep artist. It doesn’t really matter that much to me what category folks put me in, as long as I can get my music out there.

What does Juakali mean? And why did you choose such a name? The literal meaning of Juakali is ‘hot Sun’. In Kenya Jua Kali refers to the informal economic sector - trades men. It also means to create something out of nothing. A close friend called me Jua after seeing me perform. So you see I didn’t choose the name. I remember telling a friend of mine that when I do a solo project I’m going to go by Jua, she schooled me on the multiple meanings and associations.

We first heard about your work through the Dubwar nights in New York City. You have witnessed the evolution of Dubstep scene in the United States hosting the Dub War events as a resident MC. How would you say you’ve seen the Dubstep scene in the United States develop since the first parties in 2005? There are a lot more artists, promoters, agents and fans because of the ‘cool’ factor, the ‘it’ factor, the gigs, the hype and the sound. It is beginning to enter the

including a then nationally syndicated show called ‘Party Time’


American Music Machine. Whether it will go all the way is anyone’s guess. Personally, it’s my hope that folks don’t get too starry eyed and start making music that is driven by the ‘machine’. It’s all about cutting edge sounds, artistry, growth and longevity. I suppose that hosting a night as Dubwar has helped you to know many artists from all over the world. Who is the most surprising artist you have ever known? And why? Surprising? I guess Burial was a surprise for all of us when his album came out. A few of us heard and championed his music long before the press snatched it up. So it was a bit much at the time. I was surprised when I found out how young Skream was. We had to sneak him into the club to play DubWar’s 1st Birthday! Are there any new artists you’ve got your eye on at the minute? There are a few, mostly folks I would like to work with. Like me, they are not exclusive to dubstep. Pacheko, Knight Riderz, DJG, Breed, Nate Mars, Little Dragon, Zuzuka Ponderosa, MC Zulu, Spoek Mathambo, Spektrums, Wrexile, DLX, Memory 9…

You’ve just released a new work via Foreign Familiar on February 2011. It’s a new EP, called “Freak you Back”. How would you describe it? Deep, Dark & Dangerous The tracks from “Freak you back” have been produced by Plastician, Stagga & Monky and it also features two remixes by Tes La Rok and DLX. You work with producers from all over the world… Tell us how the recording process of the EP was. How did you meet the producers and where did you record the tracks? I met Plastician in 2006 at Rothko (now closed) in New York City with Skepta and Jammer. It was the first Dub War that had a special guest. The guest was Kode9. Plastician had an untitled track that he made available for download Fall 2010 and offered folks to hop on it with a vocal and re-upload the tracks. A sort of community building, if you will. I was feeling what I came up with and decided to properly record it. I sent it to him, and he loved it. I asked if I could put it out. My last EP, Smoke Clears, has a particular format - 2 original tunes, 2 remixes of 1 of the tunes. I decided to go with this approach again. With that in mind, I asked a few producers who I thought could flip the original on its head if they were interested in doing a remix. Tes La Rok (who I met in 2007 when I performed at DMZ

and Rinse) and DLX (who I met at a SMOG event in LA 2008) were up for it. On my 3rd EP - Come From Yard, I offered the a capella for “Hear Them Say” as a free download. Stagga snatched it, produced and released “Science Of Skank”. We kept in touch from then on and he sent me a tune he called ‘Chillski’ with co-production from his mate Monky. I loved it! I asked if I could write to it and release it along with ‘Freak You Back’ as an EP. He gave me the blessing. I wrote that tune (just after Outlook Festival) at Memory9’s studio in Milan. Recorded it at Small Room Studios with Jon Rezin as soon as I got stateside. I’ve been recording all my vocals with Jon since living in LA. Which are your plans for 2011. Any upcoming project you can tell us about? A return to Outlook Festival in Croatia Sept 1-4! I have a massive single called “Crossin” coming out late Spring – early Summer and a video for “Tha Chillski”. Would you like to add something else? Shouts to Pete Doell over at Universal Mastering West for mastering “Freak you Back” in the new ZR Acoustics® rooms. BIG!


una entrevista de GNZ / fotos: Claudio Artieda & Julien Altenloh

A pesar de su juventud, Chief lleva más de una década produciendo hip hop desde Lausanne, su ciudad natal en Suiza, a orillas del lago Léman. Chief se ha labrado una carrera musical que lo ha situado como uno de los productores más importantes del país helvético, colaborando con lo más selecto de la escena Hip Hop local durante sus primeros años como productor, para posteriormente dar el salto al panorama internacional y trabajar codo con codo con artistas de primera fila. “Drone Beats & Electric Waves” es su último trabajo. Un disco donde el pasado y el futuro se dan la mano, donde los beats de Chief dejan de ser meros patrones rítmicos para convertirse en canciones íntegras, y lejos de ser un recopilatorio de beats más, la maestría de Chief a la producción ha logrado hilar tema tras tema, mostrando la amplitud de miras de este joven productor, sin miedo a incurrir en terrenos más electrónicos acordes a los tiempos que vivimos. A nosotros nos encantó “Drone Beats & Electric Waves” desde su primera escucha, y no nos hicieron falta más motivos para ponernos en contacto con Chief y someterle a un cuestionario para que nos hablara de su último disco, de sus orígenes, y de hacia donde dirige sus pasos.


¿Qué planes tienes para 2011 en cuanto a actuaciones en directo? Pinchar seguro, quizá algún show en vivo a finales de año, ya te digo estoy trabajando en eso. Y por otro lado me iré de gira con algunos raperos con los que estoy grabando ahora mismo, para promocionar sus publicaciones.

Vamos a presentarte a nuestros lectores. ¿Cuál es tu nombre, tu edad y de dónde vienes? Soy Chief, de Lausanne, Suiza, y tengo 29 años. Soy beatmaker y dj, y llevo mi propio sello discográfico Feelin’ Music. La primera cosa que nos pasó por la cabeza cuando escuchamos tu música fue: “Tío, le gusta Dilla”…¿no es cierto? Si es así, como influenció tu música el trabajo de Jay Dee? ¿Puede que con su sonido suave y orgánico? Sí, me gustan muchos de los temas que produjo Jay Dee, es parte de mis influencias. Claro que Jay Dee influenció al Hip Hop en general y fue un pionero en el género, así que obviamente muchos beatmakers fueron influenciados por su sonido, directa o indirectamente. También creo que a veces la gente tiende a decir demasiado que éste o aquel beatmaker ha sido influenciado por Jay Dee, definitivamente él comenzó algo, y después muchos productores usaron eso para hacer algo fresco e innovador. Acabas de titular tu último trabajo, titulado “Drone Beats & Electric Waves”. Nos ha encantado. Nos suena a beats de la vieja escuela mirando al futuro… ¿qué nos contarías de este LP? Para mí este álbum hace de nexo de unión entre la producción de beats clásica y algo más futurista, como bien dices. Yo vengo de hacer temas para raperos o cantantes, así que esa es la perspectiva con la que suelo producir, siempre basado en samplers, etc… pero por otra parte escucho mucha música diferente y quería hacer instrumentales que pudieran ser escuchadas como canciones por sí mismos. Es una especie de mezcla de ambas cosas, me lo han dicho ya varias veces, gente distinta, y eso creo que es muy positivo. Sí, es un álbum instrumental… ¿por qué? Quería hacer un disco instrumental desde hace mucho tiempo, da una libertad total. Cada vez más algunos de los temas que produzco de mis producciones no encajan para los raperos, y a veces pienso que no necesito

voces. Tengo planeado hacer más y más movidas instrumentales en solitario, pero por descontado que seguiré trabajando con raperos también. ¿Has recibido las críticas que esperabas? Si, definitivamente. Mucho entusiasmo, así que estoy contento. Con un proyecto de este tipo nunca sabes qué esperar, puede que sea “demasiado electrónico” para la gente del Hip Hop, o no lo demasiado electrónico para la gente de la electrónica, ya sabes a lo que me refiero. Pero he recibido un feedback muy positivo tanto de la escena Hip Hop como de la electrónica, así que me alegro. ¿Y qué hay de los shows en directo? ¿Cómo llevas tu música a un escenario? Por el momento no hago directos propiamente dichos, pero es algo en lo que estoy trabajando. Pincho un montón, y ya hace un tiempo que vengo utilizando una fórmula que es algo así como una mezcla entre pinchar y hacer beats en vivo.

En el pasado has colaborado con artistas de primera fila como Blu, Moka Only, John Robinson, Kissey Asplund, Dynas, Co$$, Les Nubians, Just Brea, Sene, o Abstract Rude… por nombrar algunos… y también has producido discos enteros para diversos artistas… ¿Cómo te sientes más cómodo, trabajando sólo o en compañía? Son dos cosas totalmente distintas, hasta el año pasado prácticamente trabajaba solo con raperos, así que hacer un álbum en solitario fue algo muy refrescante, podía hacer las cosas a mi manera, sin restricciones o sin necesidad de tener en cuenta elementos externos. Pero en lo que respecta a os raperos, ahora prefiero profundizar más en las colaboraciones. Ahora mismo estoy trabajando en varios álbumes que estarán producidos enteramente por mí. Así, puedes colaborar de verdad, en un plano más amplio, y conseguir cosas mejores. Todavía me gusta hacer colaboraciones puntuales, pero prefiero hacer cosas en solitario, o centrarme en un proyecto con un artista. ¿Estás preparando alguna nueva colaboración? Sí, estoy trabajando en 3 discos ahora mismo, dos con raperos, otro con una cantante femenina. ¡Pero de momento no puedo decirte más al respecto! Los publicaremos a lo largo del año. También he estado haciendo beats para Co$$ que publicará su disco este año, y remezclas para Can’t Fake/Georgia Anne Muldrow… Háblanos de Feelin’Music... Feelin’Music es mi sello, lo creé básicamente para publicar mis propios proyectos con gente con la que estaba trabajando, y con el paso de los años se convirtió en un sello en toda regla, en el sentido de que


no sólo publico mis movidas, también material de otros artistas. ¿Cómo surgió la idea de crear tu propio sello? En un momento dado estaba haciendo diferentes colaboraciones, pero ni yo, los artistas con los que trabajaba teníamos contrato con ningún sello, por aquel entonces no teníamos contactos para conseguir acuerdos, así que decidí fundar mi propio sello. Empecé vendiendo CD’s en tiendas, de mano en mano, y por correo… con los años conseguimos buenos acuerdos de distribución internacionales, distribución digital,… También curré con otros sellos, pero no estaba muy contento en la mayoría de los casos (no siempre), a veces no tienes ni idea de lo que está pasando, y prefiero mantener cierto control, en cierta forma. ¿Qué tipo de referencias estás publicando con Feelin’Music? ¿Y qué planes tienes con tu sello para el futuro… alguna referencia que puedas adelantarnos? Es música que me gusta, ése es el principal aliciente, no se trata de hacerse grande ni nada por el estilo, no estoy haciendo nada comprometido. Acabo de firmar con dos jóvenes productores suizos llamados Jazzo & Melodiesinfonie, su sonido cuestiona muchas ideas establecidas, son innovadores, estoy muy contento de tenerlos en mi lista. Lanzaremos su Ep de debut en Abril. Las siguientes referencias de este año tardarán un poco más, serán los discos que produje con los raperos. ¡Hablaremos de esto en la próxima entrevista! Hemos conocido tu trabajo a través de las redes sociales… ¿qué importancia le otorgas a los nuevos modos de comunicación para el desarrollo de tu carrera? ¡Son muy importantes! Las redes sociales son una ayuda enorme a la hora de promocionar tus actividades y crear conciencia sobre lo que estás haciendo. También tienen un aspecto interactivo hacia tus “fans” que a la gente le encanta. Las redes sociales son una parte importantísima en todas las campañas


promocionales que hacemos con cada referencia de Feelin’Music. Claro que los métodos y los medios tradicionales son también muy importantes, pero las redes sociales aceleran el proceso de difusión de la información y muchas veces ayudan a conseguir cobertura en diferentes medios. ¿Y qué piensas de la situación actual de la industria musical? ¿Qué opinas de la cultura y la música gratuitas, y cómo crees que acabará esta situación? ¡Algo está cambiando! No lo veo como una industria moribunda, simplemente está cambiando, y hoy por hoy puede resultar confuso por la velocidad del cambio. El mercado físico se está volviendo muy duro, y a veces cuando te enteras de las veces que se han descargado tus movidas gratis, te puedes volver loco. Por otra parte, tenemos muchos más medios para comunicar al mundo lo que hacemos, y puedes hacer gran parte del trabajo tú mismo, sin tener que gastar mucho dinero en empresas que te ayuden a tener notoriedad. No hay ninguna fórmula secreta, pero con el clima actual hay que intentar varias cosas diferentes y hacerlo tal y cómo lo sientas, encontrar tus propias vías para promover tus cosas. Claro que estamos cada vez más involucrados en las contrataciones, publicación y merchandising… así que intentamos estar en armonía con la situación actual de la industria musical. Pero pienso que como artista o como sello básicamente tienes que publicar buena música, y ser listo y creativo cuando se trata de la promoción y el marketing de una publicación. No pienso que sea nuestra responsabilidad llegar con una estrategia para reformar la industria musical al completo, si te centras en proyectos de calidad y traes buenas ideas para desarrollarlos, entonces el trabajo duro obtendrá su recompensa, al menos así es la forma en la que nosotros lo hacemos. ¿Qué artistas estás escuchando en la actualidad? ¿Alguna sugerencia? Mayer Hawthorne, Dibiase, Oh No & Alchemist

(Gangrene), Moka Only “Xmas 2011”, Lee Fields “My world”, Madlib “Medicine Show Vol.5” y por supuesto nuestro nuevo fichaje Jazzo & Melodiesinfonie! ¿Unas últimas palabras para nuestros lectores? Muchas gracias por la entrevista y por el apoyo, aseguraos de escuchar nuestras próximas referencias, 2011 nos trae muchas cosas buenas!


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an interview by GNZ pictures: Claudio Artieda & Julien Altenloh

Despite his youth, Chief has been producing Hip Hop for more than a decade now from Lausanne, his hometown in Switzerland, on the banks of Lake Léman. Chief has built a musical career placing him as one of the most important Swiss beatmakers, working alongside the most prolific artists of the local Hip Hop scene on his first years as a producer, to jump later to the international panorama and work with A-list artists. “Drone Beats & Electric Waves” is his latest release. It’s a record where past and future hold hands, where Chief’s beats become much more than simple rhythm patterns, turning into songs on their own, and far from being another beats compilation, Chief has managed to achieve a whole concept, showing the open mind of this young producer, not afraid of entering electronic fields, according to the days we a re living. We loved “Drone Beats & Electric Waves” since the first time we listened to it, and we didn’t need any more reasons to get in touch with Chief, and make him some questions about his latest release, about his origins, and about his future direction. Let’s introduce you to our readers. What’s your name, your age and where do you come from? I’m Chief, from Lausanne, Switzerland and I’m 29 years old. I’m a beatmaker and dj, and I run my label Feelin’ music.

The first thing we thought when we listened to your music was: “Man, he likes Dilla”… is this true? If so, how did Jay Dee work influence your sound? Maybe his organic and smooth style? Yeah I like a lot of the tracks that Jay Dee produced, so it’s part of my influences. Then again Jay Dee influenced hip-hop in general and was a pioneer in the genre, so obviously a lot of beatmakers have been influenced by his sound, indirectly or directly. So I think that sometimes people tend to say that this or that beatmaker has been influenced by Jay Dee a little too much, he definitely started something, and then many beatmakers used this to make something fresh and innovative. You have just released your latest work, called “Drone beats & Electric Waves”. We’ve loved it. It makes us feel like ‘old school’ beats looking towards the future… What would you like to tell us about the LP? For me this album makes a link between classic beatmaking and something more “futuristic” as you say. I come from making beats for rappers or singers, so that’s the approach I’m doing beats, always based on samples, etc… on the other side, I’m listening to a lot of different music and wanted to do instrumentals which could be listened to like tracks of their own. So it’s a kind of a mix of both, I’ve been told that many times by various people, which I think is very positive. It’s an instrumental album… why? I’ve wanted to make an instrumental album for a long time, it allows a complete freedom. More and more some of my productions don’t quite fit for rappers, and sometimes I think just don’t need any vocals. I plan to do more and more instrumental solo stuff, but of course still work with rappers as well. Did you get the feedback you expected? Yeah definitely, lots of enthusiasm so I’m glad. With that kind of project you never know what to expect, it’s kind of “too electronic” for the hip-hop guys, and not enough electronic for the electronic guys, you know

what I mean. But I got positive feedback from both the hip-hop and electronic worlds, so I’m glad. What about live shows? How do you play your music on a stage? At the moment I’m not doing proper live shows, but this is something I’m working on. I dj quite a lot, and for a while now I have used a formula which is somewhat of a mix between djing and live beatmaking. Do you have any plans regarding live shows for 2011? Djing for sure, maybe some live shows later in the year, I’m working on it. Otherwise I might tour with rappers I’m currently recording with, to support the releases. In the past, you have done many collaborations with first row artists like Blu, Moka Only, John Robinson, Kissey Asplund, Dynas, Co$$, Les Nubians, Just Brea, Sene, or Abstract Rude… just to mention a few… and you have also entirely produced some albums for different artists… how do you feel more comfortable, working alone or in company? It’s two entirely different things, until last year I mainly


And how did the idea of creating your own label come out? At some point I was doing different collabos, but myself or the artists I was working with were not signed to any label, at this time we didn’t really have the connections to get signed so I decided to found my own label. When I started we were mainly selling CDs to stores, hand to hand, or via mail orders,… and over the years we got proper international distribution deals, digital distribution,… I also did stuff on other labels, but I wasn’t so happy about it in most (not all) cases, sometimes you just don’t know what’s going on, I prefer to keep some kind of control.

worked with rappers, so it was kind of refreshing to do an album alone, I could just do things the way I wanted to without restrictions or having to take outside elements in consideration. But regarding rappers, these days I prefer to get deeper into the collaborations; I’m now working on several albums which will be entirely produced by me. This way, you can truly collaborate to a greater extent, and achieve something better. I still like to do one off collabos, but I prefer to either do solo stuff, or focus on one project with one artist. Are you preparing any future collaboration? Yeah I’m currently working on 3 albums, two with rappers, one with a female singer, but I can’t talk too much about that for now! The albums will be released later this year. Otherwise I’ve been doing beats for Co$$ who will release his album later this year, remixes for Can’t fake/Georgia Anne Muldrow,… What’s Feelin’Music? Feelin’ music is my label, I basically started it to release my own projects with the people I was working with, and over the years it became a proper label in the sense that I’m not just releasing my own stuff, but also material from other artists.

What kind of releases are you publishing with Feelin’Music? And what plans do you have for the future with your label, any upcoming releases you can advance us? It’s music I like, that’s the main incentive, it’s not really about getting big or anything like that, I’m not doing any compromising on this. I’ve just signed two young Swiss beatmakers called Jazzo & Melodiesinfonie, their sound is very challenging and innovative, I’m happy to have them on the roster. We will release their debut Ep in April. The next releases will come a bit later this year, it’s going to be albums with rappers, that I produced. Let’s speak about this in the next interview! We have known your work through the social networks… what importance do you attach to the new ways of communication to develop your career? For sure they’re very important! Social networks are a huge help to promote your activities and raise awareness for what you’re doing. It also has this interactive thing with “fans” that people really enjoy. Social networking is a big part of the promo campaigns we do for any Feelin’ music releases, of course traditional medias and the whole blog thing is very important too, but social networks speed up the process to spread infos on your stuff and often help you to get coverage on different medias.

And what do you think about the actual situation of the music industry? What do you think about free music and free culture, and how do you guess this situation is gonna end? It’s definitely changing! I don’t see it like a dying industry, it’s just changing, and these days it can be confusing as it’s moving super fast. Physical market is getting tough, and sometimes when you see how many times your stuff has been downloaded for free, it can get you mad. On the other hand, you have many more ways to communicate to the world about what you do and you can do a big part of the work on your own, without having to spend too much money with companies to help you get exposure. There’s definitely no secret formula, but with the current climate you just have to try different things and do however you feel it, find your own ways to promote your stuff. We are of course more and more involved in booking, publishing, merchandising,… so we definitely try to be in phase with the current music industry situation. But I think that as an artist or label you basically just have to put out good music and be smart and creative when it comes to promoting/marketing a release. I don’t think it’s our responsibility to come up with a strategy to reshape the whole music industry, if you focus on quality projects and come up with good ideas to develop them then the hard work will pay, at least that’s the way we do it. What artists are you listening to actually? Any recommendation? Mayer Hawthorne, Dibiase, Oh No & Alchemist (Gangrene), Moka Only “Xmas 2011”, Lee Fields “My world”, Madlib “Medicine Show Vol.5” and of course our new signing Jazzo & Melodiesinfonie! Last words for our readers? Thanks for the interview and the support, make sure you check our forthcoming releases, we’ve got lots of good things coming in 2011!


una entrevista de Amanda Gómez

Lahe es Ana Langeheldt, y es de Sevilla. Lahe es una artista plástica multidisciplinar, pero siente desde muy joven esa pasión tan especial e inexplicable por los aerosoles y los muros en blanco, que todo amante del graffiti conoce. La obra de Lahe es muy diversa, abarca desde el graffiti a la pintura más clásica, pasando por la ilustración, el collage, la fotografía o la escultura, pero a pesar de esa variedad técnica, mantiene una línea de coherencia. Observando sus trabajos, uno empieza a interesarse por el imaginario de esta artista, por su fantástico mundo interior, repleto de personajes surrealistas y de simbolismo, un mundo que sale a la luz gracias a la mejor herramienta de Lahe, la más precisa, sus manos. No importa la técnica, no importa el soporte, ni el lugar, lo que realmente importa es la pasión que pongas en ello. Y de pasión por el arte, Lahe sabe mucho.


¿Cuándo empezaste a dibujar? ¿De dónde te vino esa afición? No tengo una idea cierta de cuando ni por qué empecé a dibujar, pero sí recuerdo estar desde siempre dibujando donde fuera. Recuerdo que en casa de mi abuela había una puerta en el armario del salón que abría y estaba llena de almanaques, cartones de camisas y superficies que ella veía y me iba guardando para cuando iba los domingos los cogiera para dibujar. Mi primer cuadro lo realicé muy joven también, cambié unos patines que me regalaron por mi comunión por un maletín de óleos y ahí creo que ya no me pude separar nunca de mis amigos los pinceles. También creo que he tenido suerte con mi familia, mi tío por ejemplo siempre se preocupó de llevarme a ver exposiciones y ya desde muy pequeña vieron que me gustaba esto y se preocuparon de no quitármelo de la cabeza. ¿Cómo y cuándo tuviste tu primer contacto con el mundo del graffiti? Mi primer contacto visual fue pues allá por el 93-94, me hacía mis tags y esas cosas, pero todo quedó ahí. Un poco más tarde ya empecé a ver los primeros murales en lo que era por aquel entonces el Hall of


Fame de Sevilla: “el muro de San Bernardo”, que eran dos manzanas llenas de murales y que daba la casualidad que veía de camino a casa de mi abuela todos los domingos. Recuerdo alguna vez pasar en el coche y ver a la gente pintando y pensar, eso lo hago yo. Y mira...

idea que tenga en mente preconcebida, empezar a trabajar directamente el final, aunque normalmente nunca acaba siendo ni de lejos lo que había pensado. A veces tengo soportes ahí y lo cojo y me pongo a lo que salga, o busco uno específico y sobre lo que me inspire voy trabajando, pero sin orden concreto.

¿Cuándo decidiste que querías hacer parte de él? ¿Qué fue lo que más te atrajo? No fue tampoco una decisión premeditada, simplemente lo que pasaba es que por una circunstancia u otra no pude hacerlo antes. Fue más tarde de lo que realmente hubiera querido, en el año 2001. No sé qué fue realmente lo que más me atrajo, solo sé que sentí algo que no es comparable a ninguna otra técnica. Con el añadido de encontrar en él amigos de verdad, para toda la vida.

También haces escultura… ¿Por qué te lanzaste con esta disciplina? No es que realice muchas esculturas, tengo algunas piezas de pequeño formato, pero es una espinita que tengo ahí clavada. Fue en la facultad también cuando me di cuenta que realmente me gusta mucho (me quedé con las ganas de aprender a tallar piedra y madera), me encata darle volumen y cuerpo a mis creaciones. Es una gozada trabajar directamente con la mano sobre el volumen del resultado, realizar una obra en tres dimensiones es muy distinto que en dos. Trabajas directamente con las manos sobre el volumen, quitando, poniendo, el tacto. Es otra cosa totalmente distinta. Realmente me gustaría realizar más pero me es difícil dividirme el tiempo entre tantas cosas...

¿Con quién(es) aprendiste las técnicas del graffiti? Hombre aprender, aprendí yo sola. Llevarme al sitio donde comprar la pintura y al primer muro, con Fafa. Él es el culpable! jajaj ¿Cómo fue ese proceso de aprendizaje? Lo recuerdo como muy caótico, no podía controlar lo que quería mi cerebro con la que liaba en la pared. Pero una vez que le cogí el truco a la presión del bote y a jugar con las boquillas, ya lo demás fue rodado. Perteneces a una de las crews sevillanas más activas, SPL (Sprays Platinum), junto a Fafa, SrGer, Mosterland, Joe King, Caracol, Yor, Tinatha, Slam, Largo, Wen, Nowet , BigBambú, Iper ¿Cómo os organizáis a la hora de trabajar juntos? Somos muchos en el grupo y realmente en pocas ocasiones quedamos para pintar todos una producción juntos. Entre nosotros hay gente más activa y otros que menos, dado que ya por la edad y obligaciones pues hay realmente que sacar en ocasiones tiempo donde no lo hay. También entre nosotros en ocasiones pintamos más con unos u otros por cercanía (dado que algunos viven actualmente fuera de Sevilla) o porque nos

comunicamos mejor. Yo suelo pintar casi siempre con SrGer porque es con quien mejor me complemento y dependiendo del día con uno u otro... no sé, no es una organización metódica tampoco, se queda, quien se apunte o quien esté en el momento y se va a pintar... no tiene más. Estudiaste Bellas Artes en Sevilla… ¿Qué te aportó tu paso por un ciclo académico? Pues me aportó la base de todo, el saber encajar y dibujar a gran escala (cosa que me ayudó mucho en el graffiti), me aportó buenos amigos, buenos ratos de patio y cafetería y el saber realmente lo que quiero y lo que no en el mundo artístico y todo lo que ello conlleva. A la hora de pintar, realizas tus obras con diferentes técnicas y sobre diferentes soportes (cuadros sobre bastidor, graffiti en muros, collage de papel, diseño gráfico, ilustración….). ¿Cómo es tu proceso creativo? ¿Tienes una obra en mente y buscas un soporte adecuado para ella? o ¿Tienes un soporte y en función de él creas una obra? Depende del día, de cómo me levante y si estoy preparando algo concreto. Pero por regla general no me gusta trabajar con boceto, porque no me queda el resultado luego igual de fresco. Prefiero, sobre una

¿Qué te aporta cada una de estas formas de crear tu obra: pintar en tu estudio, graffiti en la calle y la escultura? No puedo realizar diferenciaciones entre pintar en el estudio, graffiti en la calle o escultura; solo sé que los tres me provocan stress y relax a partes iguales. Lo hago todo por necesidad, no por entretenerme. A pesar de tu trabajo tan variado, se puede apreciar que sientes cierta predilección por plasmar personas, personajes, muñecajos, y seres mil… ¿Qué es lo que más te atrae retratar, o plasmar, a través de tus obras? Realmente no pienso en lo que quiero retratar o reflejar, simplemente me sale así de extraño. Tengo mis momentos más realistas, más surrealistas...


¿Qué proyectos tienes entre manos? El proyecto más inmediato será la primera exposición colectiva de 0034 Gallery (www.0034gallery.com), web con la que colaboro junto a Mosterland y Srger, desde hace tres años. Ésta se titula Supernova SN2011a, en la cual reuniremos a dieciséis artistas entre los cuales hay importantes representantes del graffiti nacional, así como otros artistas no menos importantes, la cual se realizará en Valencia en sala La Minúscula y cuya inauguración será el próximo día 1 de Abril. En Julio tengo un proyecto de exposición personal con el colectivo Iam Ink and Movement en Madrid, y otra más adelante en Montana Shop & Gallery en Madrid, pero esto ya será en Diciembre... A parte sigo colaborando con 0034Gallery y con la marca de ropa PushCollection de la cual formo parte junto a Srger y Nowet, y nada, seguir trabajando y pintando hasta que se me caigan las manos! Dinos 10 artistas a los que, en tu opinión, no debemos perderles la pista. ¿Solo diez? ¡Uf! Me lo ponéis difícil... voy a poner más, lo siento! James Jean, Todd Schorr, Femke Hiemstra, Vania,

Tyler the Creator, Sozyone, SrGer, D.O.C.S, Flai, Aryz, Dems, NAsser Wahab, Rosh, Pro, Rois, Fafa, Edzumba, Spok, San... ¿puedo seguir? ¿Quieres añadir algo? Micro libre…. Aquí podéis ver mis trabajos: www.laheworks.com y.... mmmm no se, respetad si queréis ser respetados, es lo único que se me ocurre ahora mismo.


me into many art exhibitions, as since I was a little girl he noticed I loved it, and they worried to keep this in my head. How and when did you get in touch with Graffiti for the first time? My first visual contact was back in 93-94, I already made some tags and all this stuff, but nothing else happened. A few later I started watching the first wall pieces in the Seville’s Hall of Fame at this moment, “the wall of San Bernardo”, two blocks plenty of murals I used to pass by each Sunday, on my way to my grandmother’s house. I remember passing by in the car, watch the people painting and think for myself: “I can do this…”. See…

an interview by Amanda Gómez

Lahe is Ana Langeheldt, and she’s from Seville, Spain. Lahe is a plastic multidisciplinary artist, but she feels since very young this special and unstoppable passion for spray-cans and blank walls, perfectly known by any graffiti lover. Lahe’s works are very diverse, gathering Graffiti, classic painting, illustration, collage, photography or even sculpture, but despite this technical variety, her collection keeps coherent. Observing her works, you start asking yourself about her imaginary, her fantastic inner world plenty of surreal characters and symbols, a world she captures and manifests with her best tool, her hands. Technique doesn’t matter, nor the medium, nor the place. What really matters is the passion you put on it. And Lahe knows a lot about passion for art.

When did you decide you wanted to be a part of it? What was the most attractive for you? It was not a deliberate decision; I just couldn’t make it before due to the circumstances. It was around 2001, much later of what I would have liked. I’m not sure of what attracted me; I just felt something you can’t compare to any other technique. Besides the fact I also found there true friends, the everlasting ones.

When did you start drawing? Where does this hobby come from? I don’t have an accurate idea of when and why I started to draw, but I remember being always drawing, everywhere. I remember there was a door in my grandmother’s living-room closet I used to open, there she gathered calendars, pieces of cardboard from shirt’s packaging, and a lot of stuff she saw around and took for me to draw in on Sundays when I visited her. I painted my first canvas at a very young age, I swapped a pair of rollerskates I got for my first communion for an oil paint’s wallet, and since that moment I could never get away from my friends the brushes. I guess I’ve also been very lucky with my family, my uncle, for example, always took care of me, and took

Who taught you the technique of graffiti? Well… learning, I learnt by myself. But the one who took me where to buy paint ad to my first wall, it was Fafa. He’s the one to blame on. Hehehe. And how was this learning process? I remember it very chaotic; I couldn’t control what my brain wanted to do, so I messed up the walls. But once I controlled the spray pressure, and playing with the caps, the rest was easier. You belong to one of the most prolific crews from Seville, SPL (Sprays Platinum), alongside Fafa, SrGer, Mosterland, Joe King, Caracol, Yor, Tinatha, Slam, Largo, Wen, Nowet, BigBambú, Iper… How do you manage to work together? We are a very large group, and we really work all together in very rare occasions. There are some


people more active than others in the crew, because of the age and the commitments we have to find time from where there’s nothing. We also use to work together some times because of the proximity (as some of us actually live out of Seville) or because we have better communication. I use to paint with SrGer because we complement each other very good, and depending of the day I paint with others… I don’t know, we don’t have any organized method, we arrange a meeting, and the one who’s around there joins us… nothing else. You have studied Fine Arts in Seville… what did you learn from this academic journey? The basis of everything, how to fit things, and drawing in a big scale (what really helped me into graffiti); it also brought me good friends, good playground and cafeteria moments, and I learnt what I really wanted and what I don’t want from the artistic world and everything involved with. When painting, you use different techniques and different supports, (canvas board, graffiti on walls, paper collage, graphic design, illustration…) How is your creative process? Do you have an idea in your mind and look for the right support for it? Or you choose support first and then make the piece? Depending of the day, of my mood, and if I’m preparing something specific. I don’t like to work with sketches, as the result is not as fresh. I’d rather start working, with an idea already in my mind, right at the end, but normally the result is not by far what I’ve thought. Sometimes I have the surface, the support, I take it and start working without even thinking, to see what happens, or I look for something specific and start working what it inspires me, but without an order. You also make sculptures… Why did you start this discipline? I don’t make as much sculptures, I’ve got a few small pieces, but it’s a thorn in my self-esteem. At the University I realized I really love sculpture (I was left with the desire of learning to sculpt stone and wood), I love

to give volume and shape to my creations. It’s a bliss to work directly with your hands on the volume of the final result, to make a 3 dimension piece is very different of the two dimensions. You work the volume directly with your hands, taking out, adding, touching. It’s a totally different thing. I would love to make more sculptures, but it’s difficult to find time for so many things… What provides you each of these ways of creating a piece: painting at the studio, street graffiti and sculpture? I can’t make any difference between painting on the studio, street graffiti or sculpture; I just know they all cause me stress and relax, in equal parts. I do all this for a need, not as a hobby. Despite your diverse works, we can notice you’re especially fond of characters, portraits, dummies, and thousands of strange beings… What do you prefer to depict in your works? I really don’t think what I want to depict or show; it comes as weird as this to me. I have some realistic moments, and more surreal ones… Which projects are you actually handling? The closest one is the first collective exhibition of 0034 Gallery (www.0034gallery.com), the website

I’m working with for 3 years now, alongside SrGer and Mosterland. It’s called “Supernova SN2011a”, and we’ll gather 16 artists, including some of the most important names from Spanish graffiti. It’ll take place in Valencia at La Minúscula venue, the opening is the next April, the 1st. I’m also heading a solo show for June, with the IAM (Ink And Movement) collective from Madrid, and another solo exhibition at Montana Shop & Gallery Madrid, but this one will be in December… Besides this I’m working with 0034 Gallery and with PushCollection clothing company, alongside SrGer and Nowet, and nothing else, to keep working and painting until my hands fall down! Name 10 artists you think we must keep an eye on… Only ten? Ufff! You’re making things difficult to me… I’m going to name a few more… I’m sorry! James Jean, Todd Schorr, Femke Hiemstra, Vania, Tyler the Creator, Sozyone, SrGer, D.O.C.S, Flai, Aryz, Dems, NAsser Wahab, Rosh, Pro, Rois, Fafa, Edzumba, Spok, San... ¿May I follow? Is there something you would like to add? Free microphone… You can check my works here: www.laheworks.com And… mmmm… I don’t know, respect if you wanna be respected, that’s the only thing coming to my mind right now.


un reportaje de PlanB / fotos: GNZ

A Little Beat cumple 100 números. Los jefazos me piden que haga una retrospectiva de mi experiencia escribiendo en tan, ahora si, mítica publicación. No sé como saldrá este artículo porque después de, creo que, mas de siete años escribiendo en el zine, más de 70 artículos sobre hip-hop, graffiti, turntablism, cine y sobre el mundo del rap en general, será la primera vez que escriba sobre mis experiencias y no sobre la de otros. Los recuerdos son confusos en algunas ocasiones y épocas, así que me perdonen algunos si los hechos que cuento no son exactamente así o cambio nombres y lugares a mi antojo. Las líneas de tiempo son confusas… Hace mucho tiempo, cuando empezaba a pinchar más o menos en serio y era imberbe, empecé a comprar discos en una tienda especializada en drum and bass y techno en Valencia. Se llamaba Emot Records, habían abierto no hace mucho y ya les había comprado vinilos de manera on-line pero no había tenido contacto con ellos. Por aquél entonces la tienda la regentaban Cham, Vicente y Pau. La familia Gorila Club estaba en pleno apogeo y no

parte de arriba de la tienda y posteriormente a dos minutos de donde residía en Valencia. La gente a la que seguía acabaron siendo amigos. Confieso que antes de involucrarme en todo esto ya era seguidor de la revista, porque era la única manera de estar conectado e informado no sólo de cómo estaban las cosas en Valencia, sino también de saber cómo estaba el patio en España, e incluso más allá de nuestras fronteras. Internet aún no era una herramienta al alcance de todos, y ni mucho menos con las velocidades de hoy en día… La sección de rap de la revista la llevaba el señor Furry, que se escribía buenos artículos de gente como J Dilla paraban de hacer bolos. Hablo de The Drama, Rakka, Gabb, Ser-Beat, Chola, Frogg, Belmon2, Grass, etc… Hablo de llevar su música a Monegros, Viña, Sonar… Tenían sus oficinas muy cerca de la tienda. Controlándolos, porque necesitaban ser controlados, las cosas como son, estaban Mañez, Luis Cadenas y Gonzalo. Como solía ir muchas tardes a la tienda, solíamos ir a un pequeño horno a merendar, por aquel entonces pesaba como veinte kilos más, una cosa llevo a la otra y acabé conociéndolos a todos. Posteriormente sus oficinas y la redacción de ALB se mudaron a la

PlanB & Furry


o Slum Village. Esto, que ahora sería una cosa normal, hace siete años para mí era extraordinario. No todos los días podías leer sobre estos titanes en castellano. Por aquel entonces Furry ya era el papi verdadero de todo (enhorabuena amigo!!). Furry emprendió un viaje sin billete de vuelta a Inglaterra y su sitio quedó vacante en la revista, que ya empezaba a tener una repercusión muy seria. Un día me armé de coraje y les propuse escribir un artículo, a ver qué les parecía, pero en ningún momento pensé que me lo publicarían. En esa época me sentía muy bien sólo con que supiesen que existía. Puede sonar todo lo pelota que queráis, pero cuando te has pasado dos años de tu vida encerrado en una habitación, pinchando un estilo que sólo crees que conoces tú, y de golpe, descubres que hay más gente que está haciendo lo mismo a un nivel profesional, la sensación era indescriptible. Redacté sobre 2Pac… no más de 600 palabras y GNZ lo publicó y me animó a que lo siguiese haciendo. Como premio me invitaron a una fiesta en The Face con Maldini & Vegas de Bad Company, Patife, el malogrado Sideral y Addiction. A raíz de esa fiesta y de mis continuas visitas a Emot entablé mucha amistad con Dani aka Dj Frogg, con el que acabé pinchando muchísimas tardes en su casa, hablando de música, de la vida. Me enseñó muchísimo viéndole pinchar. Por aquel entonces me daba vergüenza poner música para más de tres personas… llegaron las vacaciones, y la temporada estival y el clubbing valenciano… pues como que no se llevaban muy bien. Todos nos despedimos por un par de meses. Empezaba un nuevo curso, el verano llegaba a su fin y estaba en Gandia con ganas de volver a ver otra vez a toda la familia. Recibí una llamada de Gonzalo, en la que me avisaba que Dani había sufrido un grave accidente de coche. Dani se nos fue. Esta parte la escribo con claridad, porque para mí es como si hubiese pasado ayer. Intentamos de todas las maneras posibles asistir a su funeral en Tarifa, pero nos fue imposible. Eso me unió, más si cabe, a la familia Gorila en general y a ALB

morirnos. De manera literal. El leviatán del asfalto también escribía sus desvaríos en la ALB. Lo digo porque mucha gente no se acuerda de esto. Llegamos a la sala Hot y estaba cagado de miedo. Pánico escénico elevado al cubo. Recuerdo como Chola me tranquilizaba y se hartaba a reírse a partes iguales. El set no acabó mal del todo, y poco tiempo después Chola me dedicó una parte de su artículo mensual de D&B en el zine que me ayudó muchísimo en hacerme un hueco en la escena valenciana, que en aquellos años era la más potente del país. Fue todo un detalle compadre! Dani aka Dj Frogg

en particular. El número en el que le rendíamos tributo lo conservo casi nuevo. Contando algún vinilo y una foto, son los únicos recuerdos físicos que conservo de un excelente Dj, pero sobre todo de un buen amigo al que quería (y quiero) como un hermano. Insisto, Dani pinchaba mejor hace ocho años que muchos hoy en día. Me sigo acordando de él cada vez que pincho, los dos dedos índices al aire cada vez que empiezo son mi manera de rendirle tributo. Frogg 4 Ever!!

Después la cosa se desmadraría un poco. Empecé a viajar por toda España, pinchaba con internacionales bastante a menudo, fiché por Bassline Abuse, había bolos para todos… todas estas vivencias fueron acompañadas siempre con Gonzalo presionándome para que entregase el artículo mensual. En honor a la verdad he de decir que soy bastante formal y suelo ser de los primero en entregar. Plan B & Dillinja

Mi “carrera” en la revista empezó casi al mismo tiempo que la de dj. Oscar Barila me ofreció un bolo en la segunda sala de la ya desaparecida Le Club, en Valencia. ¡Gracias Oscar por aquella oportunidad! El bolo salió bien, y un mes después los amos de este medio me ofrecieron pinchar en uno de sus aniversarios… que metían 800 personas sin despeinarse. Tengo dos grandes recuerdos de ese día. El primero fue la cena previa a la fiesta en el Pato Mareao para todos los colaboradores de la revista. Me acababan de operar de una muela y sólo podía comer sopas, mientras el resto de golfos comían entrecot. Estaba jodido y hambriento. De todos los allí reunidos, emergió la figura de Charly Álvarez (Gigatron) que vaso en mano y puesto en pie se dedicó a hacernos reír hasta

El cuarto aniversario (2005) de la revista junto con Dillinja también merece unas cuantas líneas. Creo recordar que fue la primera vez que compartí cabina con un dj/productor internacional de primerísimo nivel. Vamos de los que un día pinchan en Australia y al día


siguiente están en Rusia… para que nos entendamos. El sitio elegido fue la Hot y allí se montó un sarao de los que quitan el hipo. Dillinja decidió beberse casi entera una botella de Jack Daniels (sin hielo ni nada). Lógicamente, su nivel de mezclas (no muy alto por otro lado) fue descendiendo al mismo ritmo que descendía el líquido de la botella. Muy simpático, buen productor, pero esa noche no fue muy profesional. La resaca que tenía al día siguiente también fue simpática. Tengo muy buenos recuerdos del Tour de ese aniversario. Se hizo una especie de mini tour por la Comunidad Valenciana y Murcia. En la fiesta de Alicante recuerdo que dormimos en un hotel de estos de carretera. GNZ y Amanda fueron muy amables y me dejaron dormir en la litera de arriba. Teniendo en cuenta que puedo llegar a levantarme tres o cuatro veces al servicio en una noche, aquello fue una auténtica odisea por no decir putada. Cada vez que tenía que bajar de la litera hacía un escándalo enorme porque no sé por qué extraña razón siempre acababa cayéndome.

Hubo más aniversarios… en el Puerto de Valencia celebramos nuestro séptimo año de existencia al borde del mar Mediterráneo, en plan evento de tarde/noche y cena con barra libre de cerveza. Un sitio y un horario diferente, pero que valió la pena, además compartimos un buen rato con Chelis, DJ2D2 y Aqeel; o la visita

Simon “Bassline” Smith & GNZ

de Simon “Bassline” Smith en el sexto cumpleaños. Destacaría de esta fiesta que en la room 2 fue una de las primeras veces que se pudo escuchar Dubstep en Valencia en una sala de calidad, los pioneros fueron 23Hz & Numaestro. Y es que si por algo tuviese que definir la revista, sería por su apuesta total por los nuevos sonidos y la búsqueda constante de artistas que irrumpen en la escena o música experimental. Yo sinceramente creo que a veces se pasan y todo (risas!!). Para finalizar… No sé muy bien como acabar el texto. Supongo que me toca hablar del presente y qué espero del futuro… Como ya me he extendido intentaré sintetizar un poco. Básicamente, los años fueron pasando y cada uno ha ido haciendo su propio camino. Muchos de los Gorilas ya no viven en Valencia. Muchos de los promotores se dedican a otros negocios, y lo entiendo porque es un trabajo que quema una barbaridad. La mayoría de salas que vivieron, en mi opinión, una época magnifica en cuanto a la electrónica en VLC ya no están, hablo de salas como Le Club, donde los viernes se vivían unas fiestas increíbles, con la gente pegada a la cabina, o Republicca donde pudimos ver a grandes dj’s de todos los estilos, y cuya fiesta de Fallas era una cita obligada en la agenda de todo clubber valenciano. Muchos hemos ampliado la mente, lo reconozco… en aquella época éramos bastante cerrados, la revista abandonó definitivamente el formato físico para pasar al digital ampliando muchísimo tanto la temática como su tamaño. Eso ha supuesto que los artículos sean el

Plan B

doble de largos y tengas la posibilidad de no dejarte nada en el tintero como pasaba anteriormente. Pero a pesar de todos estos cambios, A Little Beat resiste ahora y siempre al invasor. En lo personal ha sido, y será, un placer seguir colaborando en esta revista por el tiempo que me dejen. Sólo me queda dar las gracias a Gonzalo y Amanda por el apoyo incondicional, a toda le gente que sigue ésta revista, a los que han asistido a las fiestas, a los que me han parado alguna vez para felicitarme por un artículo (reconforta un montón!) y a ti, por leer hasta el final. ALB hace 100 números!! ALB inmortal!!


I wrote about 2Pac… no more than 600 words, and GNZ published the article, and encouraged me to continue. As a reward they invited me to a party at The Face club in Valencia, with Bad Company’s Maldini & Vegas, Patife, the deceased Sideral, and Addiction.

a report by PlanB

A Little Beat is 100 issues old. The bosses ask me to make a retrospective about my experience writing in such a mythical magazine. I don’t know how this is gonna end, because after seven years writing in this mag, more than 70 articles about Hip Hop, graffiti, turntablism, cinema and the Rap world in general, it’s gonna be the first time I write about my own experiences and not about the other’s.

times I weight 20 kilos more, and one thing took e to another, so I ended knowing all of them. Later on they moved their offices to another building near the shop, and later on at 2 minutes from where I lived in Valencia. The people I was following turned into friends.

Memories are confused sometimes, so I beg your pardon if the facts are not quite as I tell, or if I change any name or places in my own way. Timelines are blurred...

I must confess before getting involved into all this, I was already a fan of the magazine, because it was the only way to get connected and informed about how things were in Valencia, but also in Spain, and furthermore over our frontiers. Internet was not an accessible tool back in the days, even less at the connection speed we enjoy today…

A long time ago, during my beardless youth, while I was starting to mix seriously, I used to buy records in a shop in Valencia, specialized in Technno and D&B. It was called Emot Records, they had opened recently, and I had already bought records online, but never had the chance to meet them. It was managed by Cham, Vicente and Pau. The Gorila Club family was also at the peak of their career, and they didn’t stop making shows. I’m talking about The Drama, MC Rakka, Gabb, Ser-Beat, Chola, Frogg, Belmon2, Grass, and so on… I’m talking about taking their music to Sonar Festival, Monegros Desert Festival or Viñarock… Gorila crew and A Little Beat had their offices at the upper floor of the shop. Controlling all of them, because these guys needed some control, truth might be said, were Sergio Mañez, Luis Cadenas and Gonzalo aka GNZ. As I went to the shop very often in the afternoon, we used to go to a near bakery, to take a snack; at these

The magazine’s Rap section was then led by Mr. Furry, who used to write about people as J Dilla or Slum Village. Now, this is an absolutely normal thing, but seven years ago this was extraordinary for me. You don’t read in Spanish everyday about such huge artists. In these days Furry was already the true daddy of all this (congrats mate!). Furry started a journey to the UK without a return date, and his place in the mag was vacant, and the mag was getting bigger and bigger attention. One day, I plucked up courage and offered myself to write an article, to see what their opinion about it, but I never thought they would publish it. In this time I just felt really good knowing they knew about my existence. It might sound creep, but when you’ve been two years of your life shut in your room, playing music you think you’re the one to know, and suddenly you find more people doing the same, at a professional level, the feeling was indescribable.

As a result of this party and of my continuous to Emot, I began a good friendship with Dani aka Dj Frogg, I ended mixing many times in his house, talking about music, and about life. He taught me so much just watching him mix. Then I was embarrassed playing music for more than 3 people… summertime arrived, holidays, and summer and clubbing scene in Valencia… they never really fit. We said goodbye for a couple of months. Then the summer ended, a new year started and I was in Gandia, looking forward to see the family again. Gonzalo called me, telling me Dani had a serious car accident. Dani passed away. I can remember these times clearly, for me it’s just like if this had happened yesterday. We tried our best to attend to his funeral in Tarifa, but we couldn’t make it. This joined me even more to the Gorila family in general and to the A Little Beat family in particular. I still keep the tribute issue as good as new. Apart some vinyl and a picture, these are the only material memories I keep from an excellent dj, and a better friend I loved (and still love) as a brother. I insist, Dani mixed much better eight years ago than many others today. I’ve got him in my mind every time I mix, that’s why I point to the sky with my two fingers when I start a set, this is my tribute. Frogg 4 Ever!!!! Mi “career” in the magazine started almost at the same time than my musical career as a dj. Oscar Barila offered me a set in the second room of Le Club (already closed), in Valencia. Thanks Oscar for this opportunity! The gig was right, and one month later the masters of this mag offered me to play in their anniversary… they used to move around 800 people without effort. I have two great memories from this day. The first one is the dinner we had all the magazine contributors at a bar called “El Pato Mareao”. I’ve just had a tooth surgery and I could just eat soup, and those bastards


the most important scene in Spain in these days. This was nice compadre! Later, the thing went a little wild. I started travelling around Spain, playing shows with international dj’s really often; I signed with Bassline Abuse, there were gigs for everybody… all this experiences always accompanied by Gonzalo’s pressure to submit my monthly article. To be truthful I must say I’m very responsible and I use to submit among the firsts. The magazine’s fourth anniversary (2005) with Dillinja also deserves a few lines. I guess this was the first time I shared stage with a first-row artist. The kind of artists one day are in Australia, next day in Russia… so that we understand each other. The venue was Hot, in Valencia, and the party was crazy and massive. Dillinja decided to drink almost a whole Jack Daniels’ bottle (no need for ice…). As natural, his mixing skills (not so high) felt at the same rhythm the liquor dropped from the bottle. He was very kind, a nice producer, but this night he wasn’t very professional. Next day hangover was also very kind.

eating entrecote. I was fucked and hungry. Among those present, emerged the figure of Charly Álvarez (Gigatron), glass in hand, stood up and made us laugh till death. Literally. The concrete leviathan also wrote his crazy stuff for ALB. I’m saying this because some people don’t remember. We arrived to the venue, called Hot, and I was shitscared. Stage fright cubed. I remember how Chola tried to calm me down and laughed his ass out, equal parts. The set wasn’t so bad finally, and a short time after Chola wrote an article in his monthly D&B section which helped me a lot to find my place in the local scene,

I keep very good memories from this anniversary tour. We made a kind of tour around the Valencia Community (Alicante, Castellón and Valencia) and Murcia. In Alicante, I remember we slept in a road hotel. GNZ and Amanda were so kind they let me the upper bed of a bunk. Knowing I can wake up 3 or 4 times in a night to go to the toilet, this was a freaking odyssey, not to say a fuck up. Each time I had to get down the bunk, I made a crazy row, and I don’t know why, but I felt all the times. There were more anniversaries… in the Valencia’s Port we celebrated our seventh year of existence, at the shore of the Mediterranean Sea. It was an afternoon / night event including dinner and free beer. A different place and a different timing, but it was worth the change, we shared good moments with Chelis, DJ2D2 and Aqeel; or the Simon “Bassline” Abuse visit for our sixth birthday. I might emphasize this was the first party in Valencia where we could listen to Dubstep in a decent sound system, it happened in the room2 and

the responsible were 23Hz & Numaestro. If I had to define the magazine for whatever reason, if would enhance his total support for the new sounds, and the continuous search of emerging artists from the experimental scene or into advanced music. I sincerely think they sometimes exceed themselves… he he he. To finish… I’m not sure of how I should end the article. I guess I might talk about the present and my expectations for the future. I’ll try to synthesize a little. Basically, years kept passing by and we have all followed our own ways. Many members of the Gorila Club don’t live actually in Valencia. Many promoters are into different business, and I can understand as it’s an exhausting and stressing work. The majority of the clubs (in my opinion) who shared these glorious times for electronic music in Valencia, doesn’t exist anymore. I’m talking about venues like Le Club, and their astonishing Friday’s parties, with the crowd stuck to the dj both, or Republicca, where we had the opportunity to see very important artists of different styles, and their Fallas party. A must for any Valencian clubber. We have opened our mind; I can’t deny… we were very narrow minded back in the days, the magazine definitely abandoned its physical issue to turn into a digital magazine online, widening the subject matters and the size. Due to this the articles are longer, and you have the chance not to forget anything and go deeper in the subjects. But despite all this changes, A Little Beat resists, holds out against the invader, now and always. Personally it’s been and it will be a pleasure to keep working in this magazine as long as they let me. I just have to thank Gonzalo and Amanda for their unconditional support, and to all the people following this mag, to all the ones who came to the parties, to all those who stopped me any time to congratulate me on my article (it’s so comforting!), and to you, for reading till the end. ALB is 100! ALB Immortal!


by Mauro Z. Rictemm


by Ricardo Lodro単o www.Inklude.com


by Laura Silleras


by delaCrew www.delacrew.net

by Rakka Fukka


by Mike Castello www.castellostallion.com

by Hanem

by Luis GarcĂ­a-Fayos

by Joao Lelo


by Sike Style Designs sikestyle.com

by Javier Bañón Hernández

by Sandrine Pagnoux www.sandrinepagnoux.com

by Homeless Crew www.homelesscrew.com


by Impe Corp. www.impecorp.com

by Funkforward

by Rosita www.rosita1983.com

by DJ2D2


by Flextatowa www.flextatowa.com

by Kipon www.kipon.es

by alvvino www.alvvino.

by JDubs


by Maduo www.mmaadduuoo.com

by Sr. Crรกneo www.srcraneo.com

by Mankey

by Silence Television www.silencetv.com

by Velckro Artwork www.velckroartwork.com


una entrevista de Larry ACR / fotos: Fernando Fernández Hevia

Recomiendo encarecidamente a quien jamás haya asistido a una sesión de sound system a la jamaicana, que lo haga. Aunque sólo sea por una vez en su vida. La primera reacción será probablemente de asombro. Puede que le cause impacto visual. Quizá se acompañe en un primer momento de una cierta incomodidad asociada a un ligero dolor en los oídos al encontrar la música excesivamente alta o estridente, pero muy pronto se sentirá vibrando con uno más, integrado a las mil maravillas en una turba de zombis alienados y perfectamente manipulables que sienten como el sonido del bajo y la batería que emana de los altavoces artesanales les golpea el estómago sin miramientos y se acompasa con el latido de su corazón.

Aba Shanti, el pequeño gran hombre que comanda la torre de control y los varios miles de vatios que de ella emanan, es consciente del inmenso poder que tiene entre manos cuando manipula el preamplificador o selecciona de su impresionante colección de 12” los plásticos con mensaje consciente para infundir vibraciones positivas, entregar su discurso espiritual y establecer una singular comunión con un público que lo agradece de manera reiterada en las preceptivas pausa entre canción y canción. Palabra, sonido y poder. Pura vibración del alma y del cuerpo.


A mediados de los ochenta comienzas a actuar para Jah Tubby´s Sound en calidad de deejay bajo el nombre de Jasmine Joe. ¿Quién te introdujo en la escena del sound system, cómo llegaste a cantar para Jah Tubby´s y cuáles fueron las lecciones principales que aprendiste de la experiencia con ese sound system en concreto? El modo en que aprendimos eso está estrechamente ligado a nuestro hogar, puesto que mi padre tenía un sound system. Cuando vinimos a Inglaterra, construyó un pequeño sound system, porque en aquellos primeros años cuando la gente venía del Caribe, se reunían y celebraban fiestas en sus casas; así que mi padre asumió como propio que él se encargaría de suministrar la música. Así que mi introducción al sound system viene desde mi niñez. Crecer en el escenario con mis hermanos, construyendo pequeños altavoces, reuniendo material… En realidad aprendimos el concepto de nuestro padre. Fue un caso de gente con afinidades que se reunía, aportaban un pequeño capital inicial, en torno a 15 centavos y al final de la semana acudían a comprarse discos y amplificadores. En ese marco, sólo creces y creces y creces. A través de esta experiencia, porque tenía experiencia encargándome del sound, fue como conecté con Tubby´s y me convertí primero en vocalista para él. Aprendí muchísimo en torno a Tubby´s porque, como sabes, Tubby´s es bueno fabricando amplificadores, tenía un sound system muy muy potente en aquellos tiempos y se encargaba de fabricar parte de los sound systems. Musicalmente era bueno también, así que era capaz de mantener el nivel de muchos de los clásicos que los grandes sounds hacían sonar y quizá impartirles algunas lecciones sobre sonido o calidad. A finales de los ochenta la escena musical había cambiado de algún modo con la aparición de material enfocado en su mayor parte al dancehall, así que Tubby´s se retiró del primer plano y ahí fue cuando comenzamos a cortar dubplates y masterizar. Antes de comenzar a llevar el sound como Aba Shanti, solíamos alquilar un sound a gente del calibre de Stone Love, Killimanjaro o Black Scorpio, así que no llevábamos el sound propiamente dicho, por lo que me obligué a ello. Bueno, siempre tuve nociones

sobre cómo tocar música, sobre cómo manejarme en el micrófono, podía seleccionar música…Siempre tuve esa intuición de querer salir y poner roots, mi primer amor, más que seleccionar otros géneros, así que le planteé a Keith que me gustaría llevar el sound fuera y me dijo “Sí, si tienes claro el concepto, ve a por ello”. Y en 1990 actuamos en el Carnaval de Leicester y alquilamos un generador. Aparecimos y actuamos durante 13 horas seguidas en el parque, así que se puede decir que ese fue el nacimiento y formulación de Aba Shanti y desde entonces no hemos parado. Tras algunos años de aprendizaje, te decides a emprender un camino propio con tu sound system. ¿Por qué asumes este riesgo? ¿Estaba de algún modo relacionado con tu afiliación al culto rastafari? ¿Cómo era la escena reggae británica en aquel tiempo en que decidiste comenzar como Aba Shanti I? Rastafari ha sido siempre mi amor y pasión, porque desde que era joven iba a ver a Shaka y similares. Y la

palabra de Rasta siempre estuvo en mi casa a través de la música que mi padre compraba, porque mi padre compraba un montón del material habitual para una fiesta en Reino Unido, pero también material cultural: The Meditations, Burning Spear y los temas de Dennis Brown y Bob Marley con aquellos mensajes serios, así que siempre estuvo presente en nuestro aprendizaje y mucha de la música negra de la época era cultural, espiritual, sobre las luchas negras de la época, así que siempre tuvimos ese fundamento, antes incluso de comenzar con Aba Shanti. Mucha de la música que escuchábamos mientras crecíamos como niños como niños estaba cargada de significado y aquella música se mantuvo con el paso del tiempo, puesto que mucha de ella ha sido reeditada y muy vendida a posteriori. Buena parte de tus seguidores son jóvenes blancos mientras rasta habla sobre la emancipación de los esclavos negros y el retorno a la tierra prometida, África. ¿Existe algún tipo de contradicción con el mensaje que estás difundiendo? ¿Puede la


espiritualidad del mismo alcanzar a otras religiones e, incluso, a los ateos? Piensa acerca de lo que he dicho: no puedes tener, como dice Lostfield, paz, amor, unidad y armonía hacia todos y no-discriminación y luego, discriminar a la gente por su raza, credo o color, porque todo lo que consigues es reimponer otra suerte de persecución hacia gente que ya ha sido perseguida. La gente que dice cosas así, mantiene esa mentalidad del divide y vencerás. Soy una persona que piensa en el futuro y ahora no me encuentro aquí sólo para educar a un sector de gente. En este momento si dos sectores de gente deben convivir y trabajar juntos, no puedes trabajar sólo con uno, el otro no lo entenderá, porque ahí es donde se origina esa clase de conflictos. Quieres saber sobre reggae, nosotros lo hicimos crecer y lo elevamos, así que quien mejor para enseñarte sobre reggae que la gente que lo creó. Otra cosa: ha sido probado que el origen de la civilización se encuentra en África, entonces todos somos africanos. Así que somos toda la misma gente y puede que haya tribus

diferentes, pero somos toda la misma gente. Ese es el motivo por el que estamos aquí, para promoverlo y reforzarlo. Ha sido demasiada negatividad, así que debemos pensar en positivo ahora. Y en cuanto a los problemas cotidianos, debemos tratar con ellos y resolverlos porque la gente puede tener concepciones erróneas sobre rasta y quizá de hermano a hermano o gente distinta está razonando, pensando en lo que rasta es. Nosotros traemos este tipo de conflictos. ¿Podrías recordarnos, etapa por etapa, el proceso de construcción de tu propio sound system? ¿En qué sentido lo habéis remodelado desde los comienzos? Bueno, lo hemos cambiado por completo desde los comienzos. Desde los comienzos hemos actuado de manera muy libre. Debo admitir que teníamos menos equipo, pero mayor fuerza por aquel entonces. En aquella época teníamos dos amplificadores: en uno sonaban los graves, el otro lo incorporábamos de manera libre, así que teníamos muchos sonidos graves y luego teníamos los medios y los agudos y podíamos

lograr grandes cosas con aquello. Y aquello fue nuestro equipo principal con el que salimos durante años. Aquel era el gran sound que Tubby´s había hecho y lo mantuve durante años. Aquel era el esbozo de lo que puedes ver ahora, la presión del sonido, ese tipo de cosas. En aquellos tiempos, éramos la gran cabeza visible de los sounds. Aba Santhi está considerado como un miembro de la escena británica de sound system junto a Jah Shaka, Jah Tubby´s, Iration Steppas o Channel One. En términos de sonido y mensaje, ¿qué hace distinto acudir a una de tus sesiones de lo que sería aparecer en alguna de los previamente mencionados? ¿Qué hace a Aba Shanti genuino y distintivo del resto? Todos somos genuinos y distintivos. Esa es la belleza del mensaje. Existen muchos mensajes que son divulgados con diferentes interpretaciones, así que diría que ninguno de nosotros es mejor que el resto. Nos lleva a todos nosotros trabajo y entrega difundir la palabra con el mayor impacto. Aba Shanti sólo puede estar en un


sitio en un tiempo concreto. Shaka sólo puede estar en un sitio en un tiempo concreto. Channel One sólo puede estar en un sitio en un tiempo concreto. Pero si todos nosotros actuamos al mismo tiempo, difundiendo el mismo mensaje, el trabajo está siendo llevado a cabo. Así que te diría que todos tenemos nuestros atributos, nuestra manera única de difundir la palabra. Supongo que estarás habituado a asistir a sesiones de otros sound systems como parte del público de cara a sondear el nivel de otros sound systems y para aprender de ellos y sus recursos. ¿Cuál es la mejor sesión a la que has asistido y por qué te transmitió tanto a ti? Bueno, la mayoría del tiempo estamos ocupados, así que no tengo demasiadas oportunidades de comprobar lo que los otros chicos están haciendo. Tan sólo espero que sea lo que sea lo que hagan, sea positivo y refuerce la meta hacia la que todos trabajamos. Hay gente nueva que se introduce en la escena y tienen que acercarse a los veteranos para aprender y nosotros, los veteranos, también podemos aprender de los jóvenes, puesto que ellos tienen un toque diferente. Ellos pueden parecen un pelín más rápidos que el tempo al que nosotros estamos habituados, pero es el mensaje de lo que se trata, mientras el mensaje sea difundido… Hay un montón de gente que sólo está haciendo cortes dub instrumentales. Una buena proporción de los jóvenes que conocemos se están centrando en las habilidades musicales, así como en el mensaje, por lo que tratan de implementar, de unir los dos elementos, porque hay demasiado dub-dub-dub-dub-dub. Necesitas tener una buena pieza de música con una buena parte vocal que la acompañe. Me pregunto cómo es la relación entre los sound systems previamente mencionados del panorama reggae británico y tú. Quiero decir, ¿todo el mundo ayuda al otro ofreciendo, por ejemplo, consejos útiles sobre aspectos técnicos del sound system o existe algún tipo de sana competición de cara a ofrecer a la audiencia algo diferente cada noche? ¿Ves la palabra conocimiento? La palabra conocimiento

está ahí para ti. Si quieres encontrar algo, debe ir a por ello, de igual modo que si quieres entrevistarme, vienes a entrevistarme. Si necesitas saber algo, la habilidad de cada uno es ir, sondear y encontrar. Como he dicho, cada uno tenemos nuestra manera de interpretar un buen sonido, cada uno tenemos nuestra manera de interpretar buena música, pero también tenemos nuestra manera de interpretar una buena vibración. Para algunos, una buena vibración es que todo el mundo bote, pero otros no quieren hacer eso, no quieren ir a un baile, quieren meditar. Así que su nivel de disfrute no es inferior al tuyo. Sólo quieres expresarte de un modo distinto. Aba Shanti se desarrolla como Aba Shanti. Éste es el modo como yo lo veo y cómo quiero expresarlo. El modo en que otros tienen sus respectivos sounds, es el modo en que ellos lo ven y quieren expresarlo. Cada hombre hace lo suyo de un modo distinto y todos nos complementamos porque todos hacemos el trabajo de Jah. Si la sesión que estás ofreciendo no está yendo tan bien como la planteaste, ¿existe algún truco o canciones en particular que seguramente selecciones de cara a estimular a la gente? ¿Cómo adaptas la sesión dependiendo en la reacción del público o del lugar en el que actúes -si se trata de un club modesto, un festival o un centro cultural-? La manera de sondear algunas veces es la siguiente: tú has venido a ver a Aba Shanti, ¿a qué viniste? Viniste a disfrutar, así que mi trabajo es asegurarme de que disfrutas, que lo pasas bien, pero, fundamentalmente, que aprendes algo. Al principio, cuando entras, tienes un comienzo, tienes un intermedio y al final aprendes algo que puedes aplicar. De acuerdo, pusiste esto y esto y esto…incluso si comparo estos temas con los de años atrás, puedo saber lo que está haciendo: está contando una historia. Ahora nos encontramos con el roots en el punto medio. Desde ahí puedo cambiar la historia de mi pasado a mi presente, donde he implementado cambios en la manera en que se está desenvolviendo la música y compañeros iluminados me han ayudado en mi camino, me han proporcionado la música. Podemos comenzar por los noventa -cuando


empezamos- y puedo trasladarte a épocas pasadas tal que cuando salgas, estés satisfecho. Se trata de educación y de hacer que la gente sienta el poder de la música y la gente aprenda inglés escuchando música. Desde hace cinco años una recién nacida escena de sound system está emergiendo en países con ninguna tradición previa en la materia, como Francia, Alemania, Italia o, incluso, España. ¿Cuáles pueden ser las razones tras estas apariciones y de qué manera puede un sound system veterano como el tuyo ayudar para fortalecer estas escenas emergentes? ¿Les darías algún consejo útil en este sentido? Bueno, la reemergencia que comentas, se debe al poder del mensaje y al poder del sound system. Cuando crecíamos, tener un sound system era lo mismo que, traducido a equipamiento actual, tener una Xbox, una play station, un iPod, un iMac o algo parecido. Para nosotros tener un sound system, era nuestro amor, nuestra pasión, nuestra alegría, pero también nuestra miseria, porque no siempre es felicidad: en ocasiones es doloroso, causa riñas familiares, disputas. No es deseable para todo el mundo. Algunos lo lograrán y otros no. Pero el hombre que cree realmente en lo que hace y expande el mensaje dentro de lo que vosotros estáis adoptando -porque estáis adoptando un elemento roots, no estáis adoptando un elemento dancehall, estáis adoptando un elemento de sonido roots rastafari, así que el mensaje y el poder deben estar incluidos en ello-. La gente ahora construye los sound systems para propagar la música a lo largo del mundo, porque en aquellos años los sound systems estaban ahí porque las emisoras de radio no emitían la música que ellos querían escuchar. Así que los países que hoy adoptan la cultura del sound system, están poniendo la música que quiere escuchar a la gente que quiere escucharla. ¡Y encuentras que antes no existía público y ahora tienes un movimiento! ¿Por qué el mensaje consciente irradiado desde la escena roots y dub no alcanza audiencias mayores mientras las letras consumistas, sexistas y, en

ocasiones, homofóbicas de los deejays del dancheall consigue ser radiadas en casi cualquier parte a lo largo del mundo? ¿Será posible que el reggae recupere el mensaje revolucionario que tuvo en los setenta o le llevará algún tiempo hacerlo? Bueno, está ahí de cualquier modo. No se ha ido. No te confundas con los setenta y todo eso. Está ahí. Depende de que quiera ser escuchado o no. Ese es el problema. Las luchas universales han sido luchas universales desde siempre, no importa el tipo de persona que seas, siempre se han basado en raza, credo, religión, sexo… Los grandes negocios controlan la gran música y controlan los medios, así que si no quieren que un cierto género musical se escuche, no lo airean. Así que no oirás nuestro material en radios comerciales, lo escuchas en radios menos comerciales o en emisoras piratas. Así que no se trata de que uno erradique al otro, se trata de que mientras la gente no escuche la música... Hicimos una sesión en Ding Wash conmemorando el 20º aniversario en Septiembre del año pasado y la gente apareció, una amasijo de gente que iba a Ding Wash y un hombre comentó “nunca he ido a un baile, pero quiero seguir a esta banda por siempre” y ese es el poder que la música puede tener: si la gente llega a escuchar la música, llegarán a sentir el mensaje. A eso es a lo que nos dedicamos: publicamos la información, pero no estamos diciendo que la tomes. Si alguien la toma, es maravilloso. Y ese es el motivo por el que tenemos que estar ahí haciendo esto, porque sabemos que tenemos un baúl de oro y no nos vencerán, no nos rendiremos. Tenemos fe en esto, lo amamos. Lo que encontramos en nuestro camino es lo siguiente: nosotros, la gente negra, lo amamos; ahora nosotros, la gente del mundo, lo amamos y lo abrazamos. Eso es lo que nos ha hecho venir a Madrid esta noche. Si consideramos Babilonia o el sistema capitalista como nuestro enemigo común, ¿en qué sentido puede el reggae, a través de su mensaje consciente, cambiar la mentalidad de la gente para hacerles lo suficientemente revolucionarios de cara a colaborar para derribar el sistema y construir una


nueva realidad más respetuosa con el medio y las personas? ¿Cómo debería ser esta realidad? Me encanta esta pregunta. El tema es que la música por sí misma no cambia el mundo. Es la gente que escucha música la que cambia el mundo. En la Edad Media en Inglaterra había gente que solía ir de pueblo en pueblo tocando instrumentos y narrando historias sobre lo ocurrido, las últimas novedades en la ciudad, tenían trovadores y juglares que cantaban canciones sobre lo que le ocurrió al rey Juan, al sheriff de Nottingham de Robin Hood y aquello cambiaba la mentalidad de la gente. En Jamaica cuando irrumpieron los sound systems, estos eran básicamente las noticias de cabecera, porque los deejays de los sound systems contaban a la gente lo que ocurría en áreas concretas, ya que no aparecía en los periódicos. Y no se trata tanto de derribar el sistema, como de hacer a la gente consciente de lo que el sistema está provocando para que puedan cambiarlo. No puedes derribar algo mientras no intentes edificar algo en su lugar. Así que no se trata de destrucción, sino de cambio. Mientras en mi opinión el reggae ha ayudado a difundir el mensaje rasta a lo largo del mundo, aún hay miembros de dicho culto que opinan que la única música rasta en sentido estricto son las sesiones de percusión nyahbingi. ¿Cuál es tu opinión sobre esto? ¿Crees útil el reggae para difundir la palabra rasta? ¿De qué manera ha cambiado el mensaje rasta desde que te iniciaste en ello? El viejo lema del rastafari es paz, amor y comprensión, así que si te propones ser un rasta, debes ser paz, amor y comprensión hacia todos, así que no puedes volverte atrás y decir “mientras no seas negro o hayas tocado nyahbingi, no eres rasta”. Música rasta es cualquiera que un rasta interprete, sea clásica, rock, jazz… No significa que tengas que definir la música rasta como nyahbingi. La música rasta es cualquier música que transmite el mensaje de paz y amor. Es como un árbol. Un árbol tiene muchas raíces y ramas. Nyabingi es la orden, la base, porque es como un árbol, un árbol crece y diferentes partes brotan de él.

Existen en la actualidad dos formatos diferentes en que Aba Shanti puede ser disfrutado. Uno es, obviamente, el sound system; el otro, la banda de directo The Shanti-Ites. ¿Qué puede la banda ofrecer al público que no puede ofrecer el sound system y viceversa? La música en vivo. Tan simple como eso: la música en vivo. El material que escuchas cuando produzco a Shanti-Ites y me escuchas a mí retocando el sonido, no puede ser interpretado en directo. Los medios están construidos por músicos, no por alguien que lo fija usando una secuencia, loops y similares. Está compuesto y arreglado. Mi hermano Blood Shanti ha estado tocando la batería durante treinta años, ha actuado con los grandes de Jamaica. Es muy disciplinado en la música que elabora. Gran parte de ello se refleja en la música cuando escuchas una producción de Shanti-Ites.

Para los neófitos, ¿cómo explicarías el significado del estilo King David? ¿En qué sentido puede tu sound system o las ediciones del sello Falasha ser descritos como tal? King David era un pastor, la luz del sol y un guerrero. Y dependiendo en lo que la situación requería, así se comportaba. Así que lo que hacía era súplicas al señor, escribía canciones, las canciones de King David, pero cuando tenía que ser un guerrero, lo era. David no era sólo un escritor de poemas y canciones, también era un gran guerrero porque estaba preparado para morir por lo que creía, para defender en lo que creía. Así que si escuchas la música, especialmente la del sello Falasha, tenemos música que es principalmente de meditación. Puedes sentarte y escucharla. La gente dice que tiene un aire jazz y la puedes escuchar tres, cuatro veces y te provoca sensaciones diferentes cada vez. Por ejemplo, anoche actuamos poniendo una canción editada hace dieciséis años -“Positive Vibes”-.


Cuando la editamos, la gente no parecía interesada en ella. Ahora, cuando la ponemos, la gente pregunta cuándo va a ser editada. Les decimos “tiene quince años”. Tiene un uptempo, one one one drop, tse tse tse tse y si te fijas en cualquier clase de guerrero, sean los indígenas de América o los guerreros masai de África, cuando emprenden la marcha hacia una guerra o batalla, el tempo con el que comienzan es calmado y va elevándose, tse tse tse tse. Ese es el estilo guerrero: ese golpe tan marcado que imprimen. También queremos preguntarte por la palabra “Relatives”, escrita en uno de tus altavoces. ¿Cuál es la historia tras ella? Son los tipos a los que les compro los altavoces, que son parientes -relatives, en inglés-. Todo es relativo. No dejan de preguntarme por ello y yo sólo les digo “es sólo un nombre”. No guarda relación con nada. Si tú quieres relacionarlo con algo, depende de ti. Te sorprendería a lo que lo relaciona la gente. Hay mucha rumorología por ahí… Buena parte de los seguidores del reggae vinculan tu sound system con la celebración anual del Carnaval de Notting Hill. ¿Recuerdas la primera ocasión en que lo visitaste? ¿Qué lo hace distinto de asistir a cualquier otra sesión que ofrezcas? Sintetiza la experiencia de Notting Hill, porque durante años el Carnaval de Notting Hill ha pasado por disturbios. El Carnaval es parte de nuestro crecimiento, ser capaz de acercarse a las calles de Notting Hill, sacar tu sound afuera y darle a la gente algo, porque han estado viniendo durante el año a apoyarte, tenemos a gente volando desde todas las partes del mundo… Comenzamos a actuar en el Carnaval en 1993 e incluso la primera ocasión en que actuamos, la carretera se llenó, porque están Channel One, Jah Observer, Aba Shanti… Cuarenta y un sound systems y sólo tres de roots. Es la manera en que queremos contribuir al Carnaval como rastas. Tienes a Saxon, tienes todo tipo de sounds diferentes actuando en el Carnaval, pero nosotros representamos en lo que estamos involucrados y tenemos el seguimiento de la gente que

viene a la actuación a mostrar su apoyo. Aman lo que hacemos. También es una demostración de que a pesar de la raza, credo o color, no discriminamos, porque cuando vas a Notting Hill, ves a todo el mundo. Es una combinación. Miras al público de Notting Hill y tienes la carretera atestada de gente, no puedes moverte, pero la gente se queda ahí y baila desde el momento en que comenzamos hasta que terminamos y hay jóvenes, viejos, blancos, verdes… No importa. Gente que entra en el final malo de Notting Hill y les lleva todo el día alcanzar donde estamos y nos encuentran recogiendo, ¡se ponen a llorar! Este año, el domingo no pudimos actuar, probablemente debido a la potencia del sonido. Alguna gente decía “me ha arruinado el día”. Se sentían arruinados. ¡Estaban cabreados! Y era por las circunstancias… Eso lo resumen bien. Si alguien quiere presionarme para que le explique qué es Aba Shanti,

le sentaría frente al ordenador y le diría “ve a YouTube o mira este DVD”. Míralo durante una hora. No quiero que lo mires y te fijes sólo en el público. Quiero que escuches la combinación de música y mensaje juntos y compruebes la vibración de la gente y obtendrás la imagen completa de lo que se trata. Ponemos música, pero es el público quien crea la vibración. Es un camino de dos sentidos. ¡Había tanta energía ahí! Hay un video en YouTube donde camina desde arriba con su cámara y mientras se adentra en el set, ¡puedes sentir la energía a través de la cámara! Conforme se acerca, se escucha más y más alto y puedes sentir la energía a través de la gente. En el momento en que se encuentra en el medio… Eso es lo que me realiza: cuando veo a todo el mundo sintiendo la vibración, la gente se anima con el mensaje positivo.


an interview by Larry ACR pictures: Fernando Fernández Hevia I would strongly recommend for the ones who have never attended a Jamaican sound system session, to do so. At least once in its life. The first reaction will probably be of astonishment. It may cause visual impact. It might at first be accompanied by a certain discomfort associated with a slight pain in the ears as a result of finding the music too loud or strident, but he will soon feel vibrating as anyone else wonderfully integrated in a crowd of alienated and perfectly manipulated zombies who feel how the drum and bass emanating from the speakers box hits their stomachs ruthlessly and it paces with the beat of their hearts. Aba Shanti, the little big man who commands the control tower and the several thousand watts emanating from it, is aware of the immense power he has in his hands when handling the pre-amplifier or selecting from an impressive collection of 12” the vinyl with a conscious message to infuse positive vibrations, to deliver his spiritual speech and to establish a unique communion with an audience that appreciates it as shown repeatedly in the mandatory pauses between songs. Word, sound and power. Pure vibration for the soul and the body.

In the mid eighties you began acting for Jah Tubby´s Sound as a deejay under the name of Jasmine Joe. Who introduced you to the sound system scene, how did you get to sing for Jah Tubby´s and what are the main lessons you learned from the experience with that concrete sound system? The way we learn that it´s tight from home ´cause my father had a sound system. When he came to England, he built a little sound system ´cause back in the early days when the people came from the Caribbean; they will get together and have parties in their houses, so obviously my dad took it upon himself that he will supply the music so my introduction to sound system is from childhood state. Growing up on the stage with my bredrens, building little boxes, putting staff together… We ready got our concept from our father and stuffs like that. It was a case of like-minded people, getting together, putting a little subscription money, maybe 15 pence, at the end of the week they will go and buy records, amplifiers. Within that, they just built and

built and built. Through that experience, ´cause I had experience with messing with sound that´s when I linked up with Tubby´s and I became a mic man for him first. I learn a lot from being around Tubby´s because, as you now, Tubby´s is good with making amplifiers and had a very very heavy sound system back in the days, very very phenomenal mould the head of most of the sounds that where there at the time. Musically, he was good as well, so a lot of the classics the big sounds were playing, he was able to keep up with them and maybe teach them a few lessons about sound, quality and stuff like that. In the late 80´s the music scene kind of changed: the more dancehall-orientated stuff coming in, so Tubby´s really took a back seat and that´s when we started doing dub-cutting and mastering. Before I actually started taking the sound out as Aba Shanti, we used to hire a sound so like to the lots of Stone Love, Killimanjaro, Black Scorpio, so we didn´t take in the sound off, so I forced myself…well, I´ve always had a vibe of playing music, I really got mic skills, I can select


music…I always had this vibe that I always wanted to go out and play roots, as my first love, more than playing other genres of music, so I put it to Keith that I would like to take the sound out and he said: “Yeah, if you got a concept, go for it”. And in 1990 we played at Leicester Carnival and we hired a generator, just turned up and we played for 13 hours on the park, so that was the kind of birth and formulation of Aba Shanti and since that we never looked back since. After some years of learning you decided to go by your own starting up your own sound system. Why did you assume that risk? Was it somehow related to your embracement of the Rastafarian Cult? How was the UK reggae scene at the time you decided to start as Aba Shanti I? Rastafari has always been my love and passion, ´cause since when I was a young man, we would go to Shaka and stuff like that. And the world of Rasta was always in my house with the music that my dad used to buy, ´cause my dad would buy lot of the normal party stuff at UK parties, but cultural stuff as well: The Meditations, Burning Spear, the Dennis Brown´s and the Bob Marley´s tunes that had serious messages on them, so that was always in our learning and a lot of the music back then was cultural-based, it was spiritualbased, it´s about the black struggle at the time, so we always had that kind of basis already, even before we started Aba Shanti. Growing as children a lot of the music that we heard was meaningful and that music had stood the test of time ´cause a lot of them are being repressed now and very sold after. Many of your followers are white skinned youths while Rasta talk about the emancipation of the black slaves and the return to the promised land, Africa. Is there any kind of contradiction with the message you are spreading? Could the spirituality of it reach other religions or even atheists? Think about what I´ve said: you can´t have, as Lostfield says, peace, love and unity and harmony to all and non discrimination and then discriminate people against race, creed and color, because all you´re doing is

reimposing another strata of persecution on people who already is been persecuted. People who say things like this keep this kind of divide and conquer mentality. Bwoy, I´m a future-thinking person and right now I´m not just here to educate one set of people. This moment if two set of people have to live and work together, you can´t tool up one and other don´t understand ´cause this is where you always get this class thing. Bwoy, you wanna know about reggae music, we grow and bun it and raise it, so who better to teach you about reggae music than the people that created it. And another thing: it´s been proven that the crave of civilization is Africa, therefore we´re all Africans. So we´re all the same people and there might be different tribes, but we´re all the same people. That´s what we are here to promote and reinforce man. Too long the negativity, so we have to think positive now. And the little easy man´s squeezems, we have to deal with them and put the things to back ´cause people have misconceptions about Rasta and maybe from bredrin to bredrin or different people they´re reasoning depending on what level their thinking is of what Rasta is about. We´ll bring all this kind of conflicts in things. Can you remember for us stage by stage the process of building your own sound system? In which sense have you changed it since the beginning? Well, we´ve totally changed it from since the beginning. From since the beginning we were playing like freeway. I must admit we had less equipment, but we had more force then. Back then he had two amplifiers: one amplifier was playing base, one amplifier was freehand incorporated in one case, so we have a lot of upper base side and then you have a mid side and a top side and we could play top skills out of that. And that was like our main set that we could go out for years. Now that was the top sound what Tubby´s had made and I took over for years. That was the blueprint really of what you could see happening now, the sound pressure, that kind of things…Back then we were a vast stepper head of lot of sounds. Aba Shanti I is considered to be a member of the UK sound system scene, along with Jah Shaka, Jah

Tubby´s, Iration Steppas or Channel One. In terms of sound and message, what makes it different to attend one of your sessions from what it would be to appear at one of the aforementioned? What makes Aba Shanti genuine and distinctive from the rest? We´re all genuine and we´re all distinctive. That´s the beauty of the message. There are many messages that come out with many messages and different interpretations, so I would say none of us is better than none. It takes all of us to work and deliver this word for it to have more impact. Aba Shanti could only be in one place at one time. Shaka could only be in one place at one time. Channel One could only be in one place at one time. But if all of us are going out at the same time, delivering the same message, then that work is getting carried. So I would say, we all have our own attributes, we all have our unique way of delivering the word. I suppose you´re used to attending other sound system´s session as part of the audience in order to seek the other sound systems level and to learn from them and their resources. What is the best session you have attended and why did that session transmit so much to you? Well, lot of the time we´re busy, so I don´t get much chance to really check out what the other guys are doing, but I could only hope that whatever they´re doing is positive and it reinforces what all are working towards. You got new people that are coming into the scene and they need to come amongst the elders and learn and we, the elders, can also learn from the youngsters as well, ´cause they´ve got a different touch on things. They might seem a bit more faster than the tempo that we are used to but, bwoy, it´s all about the message: as long as the message is getting through… You got a lot of the people that are just making click track dubs. A good portion of the youngsters that we know, they are focusing on musical ability and word sounds as well, so the try to implement, bring the two elements together, ´cause there´s a lot of dub-dub-dub-dub-dub. You need to get a real good piece of music with a real good vocal to go with it.


I wonder how is the relationship among you and the aforementioned sound systems involved in the UK reggae scene. I mean, does everyone help each other giving, for example, useful advices referring to technical aspects of the sound system or is there some kind of healthy competition in order to offer the massive something different each night? You see the word knowledge? The word knowledge is there for you. If you want to find something, you´re gonna go for it, like if you want to interview me, you´ve come to interview me. If you need to know something, the ability of one is to go and seek and find. As I´ve said we all have our own way of interpreting good sound, we all have our own way of interpreting good music, we also have our own way of interpreting a good vibe. To some people a good vibe is everybody bouncing off the ceilings, to some people they don´t want to do that, they don´t want to come to a dance, they want to meditate. So his level of enjoyment is no lesser than yours. You just want to express yourself in a different form. Aba Shanti sound set as Aba Shanti sound. This is the way how I see it and I want to bring it across. The way how the others have their sounds is the way that they see it and they want to bring it across. Each man does it´s thing a little way different and we´re all complementing each other ´cause we are all doing Jah work. If the session you´re playing isn´t going as well as you expected, are there any sound tricks o songs in particular that you will surely play in order to liven the massive up? How do you change your session depending on the massive´s reaction or on the place you are playing -whether it´s a small club, a festival or a cultural yard-? The way how it can panner sometimes is that you´ve come to Aba Shanti, now why have you come for? You come for enjoy, so now my job is to make sure that you enjoy, you have a good time, but fundamentally you learn something. At the beginning, when you came in, you had a start, you had a middle and you had an end that you learn something you could set back on things. Allright, you play such and such and such…even if I go and equate this tunes back to years now, I can see what

he´s doing: he´s telling a story. Now we´ve meet roots at midpoint, from there I can change the story from my past to my present where I´ve actually implemented changes in the way on how everything is going on with our music and lightminded bredrins has helped me along the way, they have given me music that bwoy, we can start from the nineties when we started up and I can bring you to the early days that you know when you leave you´re satisfied man. And it´s about education and making people say bwoy, the power´s in the music and people learn English listening to music. From a five period´s time a new born true sound system scene is emerging in countries with no previous tradition in this matter such as France, Germany, Italy or even in Spain. What could be the reasons behind these appearances and in which way could a veteran sound system like you help them in order to strengthen their upcoming scenes? Would you give them any useful advices in this sense? Well, with the reemerging as what you´re saying bwoy, that´s the power of the message and this is the power of sound system. When we were growing, having a sound was like to today´s equipment, like having an Xbox, having a play station or having and iPod or having and iMac or something. For us to have a sound system, that was our love, that was our passion, that was our joy, that was our misery, ´cause it´s not always happiness: sometimes is painful, sometimes it causes family riffs, it causes a lot of family breakdowns. It´s not desirable for anyone to do. Some will make it and some won´t make it. But the man who´s really true to what he´s doing and spreading that message within what you guys are adopting now, ´cause you´re adopting a roots element, you´re not adopting a dancehall element, you´re adopting a roots Rastafari element of sound, so bwoy that message and that power has to be in there. People are now building the sound systems to prorogate music around the world, so back in the days sound systems were there because the radio stations didn´t air the music they wanted to hear. So by other countries today adopting the sound system culture, they´re playing the music that they want to hear to

the people who want to hear it. And you´re finding that bwoy before you didn´t have any audience, you´ve got a movement! Why doesn´t the conscious message irradiated from the roots and dub scene reach wider audiences while the consumerist, sexist and sometimes homophobic lyrics spoken by the dancehall deejays get to be radiated almost everywhere around the world? Would it be possible to recover the revolutionary message reggae had in the seventies or it will still take time to do so? Well, it´s there anyway. It haven´t go. Don´t be confused about the seventies and all that. Is there. It´s whether it wants it to be heard or not. That is the problem. The thing is universal struggles are been universal struggles as far back as you can go, it doesn´t matter what kind of person you are, it´s always been based on race, creed, religion, sex… Big business controls big music and they control the media, so if they don´t want a certain genre of music to be heard, they don´t air it. So you don´t hear our stuff on commercial radio, you hear it on the less commercial and the pirate stations so therefore is not one will eradicate the other, is just that unless people hear the music... We did a live session in Ding Wash for the 20th year in September last year and people turned up, just like a sort of crowd of people going into Ding Wash and one man said “I´ve never been to a dance but I want to follow this band forever and ever” and that´s the power music can had: if people get to hear the music, they get to feel the message. That´s what we´re about: we´re putting the information out, but we´re not telling you to take it. If one person takes it, it´s lovely man. And that´s why we had to be out doing this, ´cause we know we got that bowl of gold and bwoy, we´re not defeating, we´re not giving up. We have faith in this, we love this. What we find in our way before: we, the black people, love it; now we, the people of the world, we love it and we embrace it. That´s what makes us come to Madrid tonight. Considering Babylon or the capitalist system as our common enemy, in which sense could reggae


Rasta music is whatever a Rastaman plays whether it´d be classical music, rock music, jazz… It doesn´t mean that you have to define Rasta music as nyahbingi, Rasta music is any music that conveys the Rasta´s peace and love message. That´s as the tree, man. Tree has many roots and branches. Nyahbingi is the order, we now say bwoy well that´s the basis ´cause it´s like a tree, a tree grows and different things spring of it.

through its conscious message change the people´s mind and make them revolutionary enough in order to help us knock it down and built a new reality more respectful towards the environment and the people? How should this new reality look like? I love that question. The thing about music itself, it doesn´t change the world. It´s people who listen to music that change the world. So if you were in the Middle Ages in England, it used to have people that go from town to town playing instruments and telling stories about what happened, the latest news from the city, they´ve got troubadours or minstrels, they sing songs about what happened to King John, the Sherriff of Nottingham from Robin Hood and that changed the minds of the people. In Jamaica when sound systems came out, they broke forth, were basically like headline news, ´cause the deejays that were on the sound systems would tell people what was happening in certain areas ´cause it wasn´t in the papers and it

is not so much to tear down the system, but to make people aware of what the system is doing so that they can change the system. You can´t tear something down unless you would try to build something in its place, so it´s not about destruction, it´s about change. While in my opinion reggae music has helped to spread the Rastafari message worldwide, there are still members of that cult that think the only proper Rasta music is the nyabingi percussion sessions. What is your opinion of this matter? Do you feel reggae is useful for the Rastafari movement to spread its word? How has the Rastafarians message changed since you began in it? The old slogan of Rastafari is peace, love and understanding, so if you propose to be a Rasta, then you must be peace, love and understanding to everyone, so you can´t turn round and say unless you´re black or unless you´re playing nyahbingi, that´s Rasta music.

There are actually two different formats in with Aba Shanti could be enjoyed. One is obviously the sound system, the other being The Shanti-Ites live band. What can the band offer to the massive that can´t be offered by the sound system and vice versa? Live music. As simple as that: live music. The stuff that you hear that we produce as The Shanti-Ites and you hear me playing on the sound, can´t be played live. The mid is built with musicianship, is not someone setting that, using a sequence there and using loops and stuff like that. It´s composed, it´s arranged. My brother Blood Shanti is been playing drums from thirty years, he´s been playing with all the Jamaican greats. He´s very articulate in the sort of music that he makes. A lot of it reflects in the music when you hear a Shanti-Ites production. For the newcomers, how would you explain the meaning of the King David style? In which sense could your sound system or your label Falasha´s releases be described as that? King David was a shepherd, he was a sun lighter and he was also a warrior. And it depended on what the situation required what he became. So what he did is supplications onto the lord, he wrote songs, the songs of King David, but when he had to be a warrior, he was. David was not only a writer of poems and songs, he was also a great great warrior ´cause he was ready to die for what he believed in, to defend what he believed in. So if you listen to music, we have genres, we have styles, especially in Falasha´s, we have a level of music which is fairy meditative, you can sit and listen to it, “it´s got a very jazz feel”, a lot of people say and you can hear it three, four times and it does something


different to you every time. For example, I´ve played last night a tune released sixteen years ago -“Positive Vibes”-. At the time we released it, people didn´t seem to be interested in it. Now when we play people ask when is that going to be released. We say “it´s fifteen years old”. That´s got a more uptempo, one one one one drop, tse tse tse tse and if you look to any king of warrior, whether it be the native indigenes in America or the massai warriors in Africa, when they get ready to go to war or fight, the tempo that they start up on, starts at a very low gradation and it builds up, tse tse tse tse and that´s warrior style: that chocking beat that goes through. We also wanted to ask you about the word “Relatives” written on one of your speaker boxes. What´s the story behind that? It´s just some guys that I buy the boxes from and they are relatives. Bwoy everything is relative still. Everybody

keeps asking me about, I just say “It´s just a name”, it doesn’t really relate to anything. If you want to relate it to something bwoy, it´s up to you. You´ll be surprised what some people relate it to, we have some rounder speakers behind there or something like that… Most of the reggae followers link your sound system to the annual celebration of the Notting Hill Carnival. Can you remember us the first time you visited it? What makes it different from attending any other session you have played in? Yeah, it just summarize the whole Notting Hill experience, because for years Notting Hill Carnival, we´ve been through the years of the disturbances. Carnival is just part of our growing up, to be able to get to the streets on Notting Hill, bring your sound out and give the people back something ´cause they have come all year to support you, we have people flying from all over the world, coming in... We started doing Carnival

in 1993 and even from the first year we did it, the road blood down there ´cause we have Channel One, Jah Observer, Aba Shanti… It´s forty one sounds and only three roots sounds in it. It´s something that we want to contribute to the Carnival as rasta. You´ve got Saxon, you´ve got all different sounds that are playing at the Carnival, but we´re representing what we´re on and we´ve got the following that people come down there to show their support. They love what we do. Also it´s the manifestation that regardless of race, creed, color, we don´t discriminate, ´cause when you get to Notting Hill, you see everybody. That is a combination. You look at the Notting Hill crowd and you have a road block of people, you can´t move but people stay there and dance from the time we start ´till the time we finish and there´s young, old, white, green… It doesn´t matter. People that they´ve come in on the wrong end of Notting Hill and it took them all day to get to us and we´re packing up, they´re in tears man! On Sunday this year we didn´t get to play ´cause probably the power…some people say “Oh man, that mess me up”. They were just ruined. That was it. They were upset man! And for certain circumstances, but… That really just summarizes it up. If anyone really wanted to press me on what Aba Shanti is about, I´ll sit them in front of their computer and I´ll say “go on YouTube or watch this DVD”. Watch it for ´bout an hour. I don´t want you to watch it and just look at the crowd, I just want you to listen to the combination of music and the message put together and check the vibe of the people and you´ll just get a full picture of what it´s about. We play the music but it´s the crowd who create the vibe. Definitely man. It´s a two-way street. Serious energy on them days. Such an energy down there. There´s one clip on YouTube where he walks from the top with his camera, as he´s walking down onto the set, you can just feel the energy through the camera man! As it gets closer and closer, it gets louder and louder, you can feel the energy at the people. By the time he gets in the middle of it…that´s what does it for me: when I see everybody´s feeling a vibe, they´re liven there with the positive message.


una entrevista de MTN-WORLD Fotos por cortesía de Sento y From Here to Fame Publishing The Fantastic Partner, The King of Swing, SENTO TFP (North Bronx, NYC), es uno de esos escritores irrepetibles por varios motivos. Él ha sido el modelo a seguir de decenas de miles de escritores en todo el mundo. Ese ejemplo de graffiti writer en mayúsculas, un auténtico maestro del estilo, completo, dinámico, un camaleón del lettering al que siempre puedes identificar. No importa si escribe SENT, SENTO, WERD, DAMP, DEPH, RATSO, ERB o TENTH. Siempre en el graffiti, siempre currándoselo con dedicación plena, compartiendo momentos al lado de escritores como CASE2, NEON, CAVS, KEY, GHOST, KET, MILK, KAMI o DELTA en diferentes épocas de su vida y representando siempre DAMAGE INC & TFP. Aprovechamos la ocasión que nos brindó la editorial alemana FROM HERE TO FAME y el lanzamiento de su bibliografía a través de On The Run Books para traerlo a nuestras Montana Shops en Madrid y Barcelona. La saga continúa...


¿Cómo y en qué momento entró el graffiti en tu cabeza para no salir nunca más de ella? Dibujaba desde que estaba en la escuela primaria. Se veía graffiti por todas partes y desde entonces no he parado. Viendo tu archivo fotográfico es realmente impresionante ver que tu segunda pieza en un tren (1983) ya tenia una composición equilibrada y un estilo más o menos definido. ¿Practicaste mucho sobre el papel antes? ¿Te ayudaron tus estudios en Art & Design del high school? Antes de ir al escuela superior ya había hecho algunos cosas en el barrio, poniendo mi tag, pero sin duda la escuela superior me puso en contacto escritores de cada rincón de la ciudad. Conocí algunas personas guays en mi trayectoria que compartieron ideas conmigo. ¿Cómo fue esta transición del papel al tren y adaptación al uso del spray como herramienta de dibujo? La verdad se encuentra en trasladar la idea del papel al tren, si no puedes hacer eso, nunca serás un escritor de estilo, solo un aficionado. Hay que pintar frecuentemente para desarrollar control y técnica con el spray, y para eso se necesitan años de experiencia. ¿Qué momentos en tu carrera como escritor recuerdas como los de mayor actividad? Diría que de mediados de los 80 hasta los mediados de las 90 fue la época más atareada para mí. ¿Puedes describirnos estas épocas? De 1983 a 1987 Cuando hice sobre todo trenes y alturas. Muchas noches sin dormir, pintando, sacando fotos, y currando justo lo necesario para poder comprar toda la pintura que necesitaba para hacer lo que realmente me gustaba. De 1988 a 1995 Fue cuando cambié de los trenes sucios (“dirty trains”)

a los trenes limpios (“cleans”). También aporté mucha energía en trenes de mercancías y muros. Me hacía gracia cuando la gente me decía que habían visto trenes míos en otras partes de los Estados Unidos. Me di cuenta de que pintar en muros tenía más sentido ya que podía poner más detalles y durarían más que los trenes limpios. Empecé a viajar por Europa y vi todo lo que estaban haciendo por ahí; me encantaba la energía que estaban poniendo en el graffiti. De 1995 a nuestros dias Fue una época de cambios para mí. A finales de los 90 me empecé a preguntar hacia dónde iba mi vida. Entonces, a medida que me iba acercando al cambio de milenio vi que hacer algunos cambios para mejorar

mi futuro. En esta fase pintaba cada vez menos porque tenía que encajar todas las piezas de este rompecabezas. Diría que estos 5 últimos años han sido buenos. Intento vivir con un mínimo de estrés y pintar siempre que pueda sin dejar de ser creativo. Siempre se puede mejorar, entonces es cuando la saga continúa... En términos de estilo, muchos escritores han seguido las influencias de otros writers originales, pero ¿cuál es tu caso?, ¿de quién recibió influencia Sento? Claro que saco influencia del graffiti en general, pero también de otros muchos tipos de arte, como el surrealismo, arte moderno, arte comercial, cómics, tattoo, etc...


He pintado con muchas marcas de pintura y veo que en referencia a la fabricación de sprays para arte los Estados Unidos llevan un retraso respecto a Europa y otros países. La mayoría de lo que tenemos aquí está hecho para uso doméstico o industrial. Hay demanda, pero las empresas norteamericanas no ven el potencial, o les da igual. Yo todavía utilizo Rusto, pero para piezas es difícil lograr esos pequeños detalles que puede lograr con pintura para el arte. Trains, top to bottoms, end to ends, whole cars, whole trains, rooftops, playgrounds, handball courts, walls under the bridges, metal shutters... ¿Cada cosa tiene su momento? Todas las superficies son buenas si puedes acceder a ellas. Yo soy un delincuente de igualdad de oportunidades. Nos comentabas que incluso “restaurabas” algunas de tus piezas para que “duraran para siempre”... Si puedo coger una pieza y mantenerla viva todo el tiempo que pueda lo haré, pero sólo en ciertas lugares que creo que merecen la pena, como azoteas y muros sé que no van a borrar en mucho tiempo. TFP Crew. ¿Cuántos partners lo componen en la actualidad? ¿De cuantos países diferentes? No los cuento, pero tenemos gente en muchas países diferentes. ¿Quién recuerda “the king of swing” como su mejor “pareja de baile”? Me divierto mucho cuando pinto con Kami. ¿Cuántas de tus amistades del graffiti has conservado “para siempre”? Todavía conservo amistades que han durado más de 20 años. La clave es mutar el estilo, que cambie constantemente, pero que se siga reconociendo como propio ¿no?

Creo que todos los escritores que llevan tiempo haciendo graffiti han desarrollado un tipo de firma que dice “esto soy yo”. Hay a algunas personas, no muchas, a las que les gusta cambiar constantemente. La mayoría prefieren seguir con lo que les dan un poco de reto pero les resulta cómodo. ¿Cuándo empezaste a introducir caracteres? Empecé a hacer caracteres a mediados de los 80. Los hago cuando siento que es el momento apropiado de hacerlos y cuando encuentran su sitio dentro de lo que estoy haciendo. Floralife, Krylon... Tu que has pintado con todo tipo de marcas, ¿cómo has vivido la evolución técnica de estos productos? ¿Qué es lo que más valoras en ellos?

¿Qué ves en el graffiti de hoy? Supongo que hoy en día el graffiti es diferente por una cuestión de tiempo, sobre todo en el caso de los trenes. Cada vez hay más seguridad en todo el mundo, y en la mayoría de los lugares, si tienes suerte, tendrás tan sólo 20 minutos. Creo que es por eso que las piezas en trenes tienen una apariencia más sencilla. Ahora veo desde muros con piezas de arte con muchos detalles, hasta piezas sucias y chungas. Creo que graffiti seguirá siendo un tipo de arte, abierto a todo el mundo, como era cuando yo crecí. ¿En qué momento te encuentras dentro de él ahora? ¿Cuáles son tus planes? Hoy día pinto porque me gusta, entonces no hago planes. Vivo cada día en el presente, para ver lo que se me presenta.


How and when did graffiti come so permanently into your life? I been drawing since I was in grade school. Graf was everywhere and once I started I never stopped. Seeing your archive of photography, it really seems like your second piece, on a train (1983), already had such a balanced composition, and a style which was already more or less defined. Did your Art & Design studies in high school help? Before going to high school I had already done a few things in the hood and was taggin but no doubt high school exposed me to more writers from all over the city. I met some cool people along the way who shared ideas and outlines w/ me. an interview by MTN-WORLD Pictures by Sento and From Here to Fame Publishing The Fantastic Partner, The King of Swing, SENTO TFP (North Bronx, NYC), is an irreplaceable writer, for various reasons. He has been the one to look up to and follow for dozens of writers around the world. This fine example of a graffiti writer, in capital letters, is an authentic style maestro, versatile, dynamic, a chameleon of the very lettering which always makes him identifiable whether he writes SENT, SENTO, WERD, DAMP, DEPH, RATSO, ERB or TENTH. Always doing something related to graffiti, and always working with dedication, he has shared some of his fine moments alongside writers like CASE2, NEON, CAVS, KEY, GHOST, KET, MILK, KAMI and DELTA during different eras in his life, always representing DAMAGE INC & TFP. And we’re taking advantage of the opportunity provided by the German publishers, ‘FROM HERE TO FAME’, and the launch of SENTO’s bibliography by ‘On The Run Books’, to bring him to our Montana Shops in Madrid and Barcelona. The saga continues...

How was the transition from paper to train, and the adaptation to the use of spray as a tool for drawing? Paper to train is the truth, if u can’t transition u will never be a style writer just a pretender. You have to paint on the regular to be develop spray control and technique, it takes time. Which moments in your career as a writer do you remember as being the busiest? I would say the mid 80’s to mid 90’s were busiest for me. Could you describe these periods to us? From 1983 to 1987 Was mostly trains for me and some walls/ rooftops. Lots of sleepless nights painting then catching pictures and all the work in getting enough paint to do what u wanted. From 1988 to 1995 Was going from the dirty trains to the clean trains. More energy into the freights and walls also. I saw more sense in doing more walls where I could do more detail and it would last longer than on the clean trains. I also got a kick when people told me they saw my stuff on the frights somewhere in the U.S. I started travelling

to Europe and I got to see all that was happening out there and I really loved the energy people were putting into graf out there. From 1995 to present day Was a transitional time for me. I was still painting in the late 90’s but thinking about where my life was heading. So as we approached the new millenium I had to make some life changes so as to have a better future. Painting slowed down as I put the pieces of the puzzle together. I would say the last 5 years have been good for me. I try and live a low stress life and paint when I can and try staying creative. There is always room for improvement so the saga continues.... In terms of style, many writers have followed the influence of other original styles, but how is it in your


of these products to be? What is that you most value in them? I’ve painted with many different brands of paint and what I see is that American paint is far behind Europe and other countries when it comes to art spray. Most of what we have here is still mostly for home and industry. The demand is here but the U.S. companies don’t see the potential or just don’t care. I still use Rusto but for pieces it’s hard to get the detail u get with the art sprays. Trains, top to bottoms, end to ends, whole cars, whole trains, rooftops, playgrounds, handball courts, walls under the bridges, metal shutters... Each subject has its moment, would you agree? All surfaces are good whenever u can get to them. I’m an equal opportunity offender. We’ve been told that you restore some of your pieces, so that ‘they last forever’... tell us about that. If I can get to a piece and keep it alive for as long as possible I will do it. But that’s only in certain spots that I think deserve it like a rooftop or a wall that will last and not get buffed for a long time.

case? Where does Sento’s influence come from? I get influence of course from Graf in general but from all types of art such as Surrealism, modern art, commercial art, comics, tattoo, etc. TFP; how many partners does it have right now? And from how many countries? I don’t keep count but we have people in many different countries. Who does the ‘king of swing’ remember as his best ‘dance partner’? I had a lot of fun painting with Kami. How many of your graffiti friendships have truly been ‘for always’? I still have friendships that have lasted over 20 years.

The key is in style evolution, a style which changes constantly, but which remains familiar to the writer... would you say that that’s correct? I think all writers that have been around for a while have developed a kind of signature style that says “This is me”. Although there are those that are into constant change they would be in the minority because many people stick to whatever flavor they are comfortable with but still has an element of challenge. When did you begin to introduce characters? I started doing characters in the mid 80’s and do them whenever the feeling is there and it fits with what I’m doing. Floralife, Krylon... you’ve painted with all brands of product. How have you seen the technical evolution

What’s your opinion on the graffiti of nowadays? Graf nowadays is different I guess because for many people it’s a time issue. Especially for trains. Security is tighter in many places all over the world and more often than not you might have 20 minutes if you’re lucky. That’s why I think a lot of train pieces look simplified. As far as walls I see all kinds of work from super detail art to downright dirty and nasty so I feel good that graf will continue being an artform open to everyone just like it was when I was coming up. What stage are you at with graffiti now? What are your plans? I paint nowadays because I enjoy it so I don’t make plans. I live life one day at a time and see what it brings.


una entrevista de Larry ACR

Para un músico, formar parte de una banda puede suponer un sinfín de ventajas (sentirse arropado y aconsejado por otros músicos, complementarse y cooperar para alcanzar objetivos en común, alimentarse constantemente del aprendizaje compartido), pero también entraña múltiples contratiempos y adversidades (dificultades de coordinación para ensayar o concretar actuaciones, discusiones sobre cómo organizarse a nivel interno o hacia dónde dirigirse como banda). Es por ello que algunos activistas de la música jamaicana en el estado han optado por emprender caminos en solitario con la voluntad de canalizar inquietudes personales sin comprometer a otros o haciéndolo tan sólo de un modo ocasional, obligándose así a profundizar en el autoconocimiento, la disciplina, a responsabilizarse del trabajo propio y a aceptar las limitaciones de uno mismo para materializar una idea. La gran mayoría de los encuestados lo consideran una experiencia enriquecedora y estimulante, así que dejemos que sean ellos quienes lo expliquen con sus propias palabras.


porqué lo empecé a hacer pasa básicamente por la libertad total de dar rienda suelta a mis ideas sin tener que dar explicaciones a nadie en ningún momento. Hago los temas exactamente como yo quiero que sean y luego hago que suenen como me apetece. Es una sensación muy satisfactoria y completamente diferente a la experiencia en grupo con los Cabrians u otras bandas.

1. ¿Por qué y bajo que premisas te planteas emprender un proyecto en el que tú eres responsable de tocar todos los instrumentos y en última instancia de la producción musical de tu trabajo?

2. Las facilidades son muchas: libertad total de horarios, trabajar sin ningún tipo de presión exterior o prisa alguna, por nombrar algunas. Por desgracia, adversidades también hay bastantes: es un proceso muy lento, es difícil gestionar las grabaciones con las colaboraciones y aparte, los costes del disco no se reparten entre 10 personas, sino que son todos para ti.

2. ¿Qué facilidades y adversidades te plantea un proyecto en solitario respecto a una banda al uso integrada por varios músicos en el que cada uno se ocupa y responsabiliza de su respectivo instrumento? 3. ¿Qué lección/es has obtenido del trabajo en solitario y qué te ha tocado aprender sobre la marcha mientras llevabas a término el proyecto? 4. ¿En qué medida te han apoyado, aconsejado o ayudado los músicos con los que compartes o has compartido banda a materializar este proyecto y cuál es su opinión al respecto del mismo? 5. ¿Por qué crees que el trabajo que desarrollas por tu cuenta no tiene cabida en el repertorio que habitualmente desarrollarías con tu banda? 6. ¿Aconsejarías a otro músico que tomara el camino en solitario, aunque fuera de manera temporal? ¿Qué crees que puede aportarle o serle de utilidad de esta experiencia?

mr. freak ska

MR. FREAK SKA (Matarò) www.myspace.com/mrfreakska

1. En mi caso no es exactamente como dices. Al principio, en mis primeros temas en solitario, sí que me encargaba yo de todos los instrumentos que aparecían. Eso me limitaba bastante, ya que muchas veces tenía que hacer uso de sonidos pregrabados o sintetizados, ya que hay instrumentos como la batería o los vientos que prácticamente no sé tocar. Actualmente yo me encargo de grabar guitarras, algunos bajos, voces, coros, percusión, harmónicas... lo demás lo dejo a colegas más hábiles con sus instrumentos. Lo que sí que siempre me he encargado yo es de las grabaciones, producciones y mezclas de los temas. El

3. En este primer disco he aprendido sobretodo en el proceso de composición de temas, faceta que casi no había tocado con mi banda. También me ha servido mucho para perfeccionar mis técnicas de grabación a nivel microfonía y posicionamiento. He aprendido mucho a mezclar mis grabaciones, ya que en casi año y medio que llevo con el disco he ido cambiando de software plugins (ecualizadores, compresores, reverbs, delays...) y he ido mejorando las canciones paulatinamente. 4. Me han apoyado y ayudado muchísimo. Aparte, muchos han colaborado en la grabación del disco, que por cierto se titulará “Ska Casolà” [ska casero] y tendrá 17 temas. He contado con la ayuda inestimable de casi todos los componentes de Cabrians, así como otros de Flight 404, Space Invaders, The Penguins, The Oldians, Bandits, Soweto, Lord Kaya, The Jupiterians y un largo etcétera. Todos los que han podido escuchar el disco han estado encantados con él, me han felicitado y me han animado a seguir adelante. Les parece una gran idea el hacer un disco de música jamaicana clásica al estilo cantautor y cantado en catalán. Se comenta que será una bocanada de aire fresco para la escena jeje.


6. Rotundamente sí. Lo primero que aprenderán es a valorar el trabajo en común, el darse cuenta de lo mucho que facilita todo el tener dos o tres aliados en un proyecto. Lo segundo, claro está, creo que sería a trabajar contigo mismo, a ser tu quien decide, a darle mil vueltas a algo o no darle ninguna, a escoger en qué momento está acabado un tema y por qué, a tocar otros instrumentos (aunque sea de una manera muy rudimentaria, como es mi caso). En definitiva, creo que es una experiencia muy enriquecedora, perseguir una idea hasta encontrarte con ella o abandonar en el intento. Como bien dice un gran amigo: “un músico siempre es un hombre y su sueño”.

5. Principalmente porque el idioma principal de The Cabrians es el inglés, mientras que yo canto todos mis temas en catalán. Aparte, los temas de mis canciones son bastante absurdos y en clave de humor y creo que no encajarían muy bien en nuestro repertorio. 6. Lo aconsejaría sin ningún tipo de duda. Es una manera de poder sacar todo lo que llevas dentro, todas tus ideas, sin ningún tipo de censura o complejo. Simplemente y como muy bien dices en el título del artículo...do it yourself!!!

DR. JAU (Alicante) www.drjau.org

1. La respuesta es sencillísima, vivo en una ciudad (Alacant) en la que la escena jamaiquina es mínima, además de centrarse únicamente en el reggae/ dancehall, con una nula actividad en lo que a ska y rocksteady se refiere (ahora lo llaman “sonidos oldies”, ¿no?), que es lo que desde un principio a mí más me interesa. Y, claro, encontrar músicos no es nada fácil por estas tierras. Tenía y tengo muchas canciones y demasiado tiempo libre. Esto, junto con algunos conocimientos de grabación y algo de equipo en casa, hizo que ocurriera. Fue un proceso lógico y natural. 2. Facilidades, básicamente, no tener que discutir con nadie. Y adversidades, básicamente dos: por un lado la evidente falta de destreza con los diferentes instrumentos. Si con la guitarra, que es mi instrumento, ya estoy limitado, ¡ni te cuento con la batería o la voz! Por otro lado, el “estar solo” te obliga a ser tu quien se responsabiliza de todo y eso es un compromiso muy fuerte ante lo que estás creando, no hay segundos puntos de vista, nadie más que tú te obliga a cuestionarte cada paso que das y, evidentemente, si el resultado es un marrón enorme, es única y exclusivamente tuyo.

zuri

dr. jau

3. Aprendido, un montón de cosas, pero la más importante, que es agotador: componer, tocar, grabar, producir, diseñar, editar, distribuir... 4. Creo que absolutamente en todos los aspectos he pedido opinión a ciertas personas, personas en las que confío, que creo que su criterio es válido, me conocen y saben aproximadamente que camino estoy andando y como quiero recorrerlo. Y sí, todos ellos son músicos con los que comparto o he compartido proyecto. 5. Gran parte de ese trabajo sí tiene cabida en alguna de las bandas en las que estoy. De hecho, en algún directo hemos incluido alguno de esos temas, pero hay otros que creo más difíciles de encajar, bien por frikis, bien porque se mueven en una esfera mas intima y tocarlos en formato de banda numerosa, los descontextualizaría para mal.

ZURI (Málaga) www.zuri.es

1. Porque es la parte de la música que más me apasiona: componerla, grabarla y producirla. Además, dispongo de los medios y la capacidad para llevarlo a cabo con garantías y creo que suma personalidad al proyecto. Si no lo hiciera, sería como dejarme en el plato el bocado que más me gusta. 2. La adversidad es que toda la responsabilidad y el trabajo recae sobre uno mismo, además de la


5. En mi caso, comencé con Akatz en 1992. Me fui creo que en el 98 o por ahí, aunque seguía como técnico y volví en 2003, más o menos durante un año, hasta que me fui a vivir al extranjero. Akatz siempre ha sido más de ska que de reggae y yo más de reggae que de ska. Además, también tengo temas más electrónicos, o incluso solo con la guitarra. El ska me encanta, pero me pican también otras cosas.

inversión económica y se necesitan muchas horas de dedicación. La facilidad podría venir a la hora de tomar decisiones: al haber menos puntos de vista, aparecen menos conflictos. 3. A nivel técnico aprendo muchísimo en cada grabación, es un trabajo de continua investigación y muy apasionante. También he sacado en claro que está muy bien contar con opiniones externas a lo largo de la producción que pueden aportar cosas que por ti mismo no alcanzas a ver.

6. Pues sí, la verdad es que puede ser muy enriquecedor. Aunque hay que estar dispuesto a emplear mucho tiempo y tener la capacidad de encerrarte solo muchas horas.

4. En el escenario cuento con la banda catalana Ranking Soldiers, su aportación ha sido notable y ha venido a la hora de trasladar los temas al directo. Se sienten totalmente partícipes de este proyecto y muy ilusionados porque la comprensión y la libertad a la hora de montar el show, es total. 5. Es que no lo creo así, lo mismo que realizo en solitario, podría realizarse en banda perfectamente. De hecho, en el directo actuamos como una banda a todos los efectos. No estoy en solitario por ese motivo, simplemente ha sucedido así. 6. La verdad es que no lo sé. Yo creo que ambas maneras de trabajar están muy bien. Lo principal es tener buena comunicación y gente alrededor que empuje en una misma dirección. Si no es así, lo mejor es trabajar en solitario.

EURIDIA (Bilbao) www.euridia.net

1. Supongo que por no depender de nadie. No tener que andar detrás de la gente. Aunque también me parece muy importante la total libertad que da para afrontar los temas y las letras. 2. Como contras, supongo que el compartir con

CARLOS DINGO (Granada) www.myspace.com/carlosdingo euridia

gente parte de las horas de trabajo, el llegar a puntos musicales donde no imaginabas, las risas, la compañía... A favor, el olvidar las constantes discusiones que ralentizan el ritmo, las ausencias de los ensayos, el tener que interpretar algo que no has compuesto tú mismo. 3. Al estar solo, has de ser metódico para vencer la pereza. Es como ir a hacer deporte: con amigos es mejor, más divertido. Si ya has quedado, no puedes escurrir el bulto y tienes que levantarte del sofá. Creo que también debo decir que da más perspectiva global de la música y el sonido y permite convertirte en “arquitecto” musical, encajando las piezas con un “porqué”. 4. Mucho, me han ayudado mucho. Sé que todos estarían dispuestos a echar un cable, gente encantadora, pero en principio sólo he tenido que apoyarme en ellos dependiendo del instrumento que toquen. ¡Estaba claro que no iba a empezar a aprender a tocar la trompeta!

1. La labor creativa es algo difícil de mantener en una sola dirección. He ido creando temas que no siempre se adaptaban a las necesidades de Red Soul Community. Compongo temas de corte muy diferente, tengo varios proyectos con los que dar salida a todas estas composiciones y en el caso de este trabajo en particular, “Ska is Dangerous”, la verdad es que añoraba mucho la música ska y componer de forma más directa con la guitarra, darle más protagonismo a este instrumento. Como la demo que grabé tuvo gran repercusión al salir incluido el tema “Guerrero Apache” en el recopilatorio de Pork Pie “United Colors of Ska”, me decidí a grabar un LP completo aprovechando unas vacaciones de verano soporíferas en mi ciudad. En definitiva, grabé este disco porque quería divertirme. 2. La ventaja principal es la velocidad a la hora de componer. Los temas de este disco los fui componiendo a la vez que los grababa, fue como una jam. No tenía ni idea de lo que iba a salir del estudio y eso fue lo más divertido. A veces es realmente agradable dejarse llevar por el torbellino creativo sin tener que compartir tu opinión con nadie más. Por otro lado,


mucho una composición, siempre le he pedido consejo a ella, ya que suele dar siempre con el error que no deja respirar al tema.

traje de uña nueva

5. En primer lugar, porque se trata de un repertorio instrumental y en segundo lugar, el disco se ve influido por gran cantidad de estilos que no tienen cabida en Red Soul. 6. Se lo aconsejaría a todos los que sepan divertirse con la música. A todos aquellos que tienen algo que aportar y que distinguen lo que es el amor por la música real y no sólo por el entorno que se desarrolla alrededor del negocio musical. ¿Y qué les aportará? Todos los que aman la música saben que componer un buen tema, un buen arreglo, una buena melodía, te alegra el día y que esa fuerza generadora es el mejor motor. ¿Qué más se puede pedir? carlos dingo

tenía las limitaciones de no ser un virtuoso con todos los instrumentos, pero gracias a la labor en Red Soul, donde me vi obligado a aprender a tocar el órgano, me sentía con la suficiente destreza para enfrentarme a todo esto. 3. Pues la verdad me hubiera gustado hacer la grabación de otro modo. No he tenido los medios más adecuados, ni la posibilidad de contar con demasiado tiempo, pero sólo había dos opciones: hacerlo o no. Me decidí a hacerlo y creo que el resultado ha sido un disco sincero y divertido. La verdad que nunca me había embarcado en un proyecto tan grande y los problemas con el ordenador han sido lo más desesperante, lo cual me demostró que trabajar con los instrumentos analógicos será siempre mejor que con los instrumentos vst, aunque no siempre se puede tener un Hammond B3 en el salón de casa!!! 4. Bueno, la única persona que ha estado al corriente de todo el proyecto ha sido Isa, ya que vivimos juntos y además colabora en algunos temas. Cuando me veía perdido en algún arreglo o no sabía si estaba saturando

TRAJE DE UÑA NUEVA

(Murcia) www.myspace.com/trajedeunanueva 1. En mi caso, pienso que por la inmediatez y la libertad de creación. Aparecen ideas, a veces “a borbotones” y necesito materializarlas sin tener que pasar por un proceso de exposición y posterior ejecución. 2. Lógicamente, la organización de cualquier evento se simplifica bastante, viaje, alojamiento, etc. Por otra parte, el hecho de aparecer solo sobre un escenario, sin nadie que te escude, sin un amigo con el que compartir ese gran momento de creación, puede llegar a ser algo bastante triste y frustrante. 3. Sobre todo, algo de organización personal, de disciplina autoimpuesta. Llega un momento en que llega a ser necesaria si vives rondando el caos y el

desorden. Trabajando solo, aunque parezca paradójico, se aprende a tener una visión musical de conjunto, una perspectiva de los arreglos y la conveniencia del uso de ciertos recursos que difícilmente se puede desarrollar en un ensayo con seis personas sonando con prisa y a la vez. 4. Sus consejos, como músicos y principalmente como melómanos, hacen que no pierdas la perspectiva y saber qué paso será el siguiente. Valoro, sobre todas las demás, la opinión de aquellas personas con la que tengo el placer de crear.


5. Quizás por la aridez de lo que canto y a veces suena. De todos modos, a veces, por petición del resto de la banda, incorporamos algo de material propio al repertorio de la formación. 6. Si así lo siente, adelante. Encontrará una magnífica vía de exploración de recursos y limitaciones, fundamental para llevar a buen puerto cualquier proyecto conjunto. Merece la pena, de una forma o de otra, seguir siempre aprendiendo, nunca acaba la búsqueda.

FEELIN´ FEL (Madrid) www.myspace.com/feelingfel

1. Creo que por la simple necesidad de seguir creando. En la mente de un músico surgen ideas contantemente y yo tengo el privilegio de tener un estudio casero donde poder plasmarlas. Cuando pienso en grabar algo, primero me dedico un pequeño tiempo de introspección para saber exactamente qué estilo de música, qué tipo de mensaje y qué tipo de acordes o línea de bajo concuerdan con la emoción que siento y que quiero transmitir. Mis premisas son el seguir trabajando, crear y transmitir. 2. ¿Facilidades? Pues quizás el poder plasmar justo lo que quería. Pienso una línea de bajo o una línea vocal y la grabo. Simplemente, funciona más rápido. Por otro lado, en casi todos mis proyectos colabora alguien de Emeterians, La Mongoose Band o ajeno. ¿Adversidades? En primer lugar, se disfruta la música mucho más en compañía. En segundo lugar, hay muchas ideas que surgen y simplemente no las puedo ejecutar (como un solo de guitarra o una línea de vientos). 3. Muchas. Sobre todo me ha ayudado a conocerme mejor a mí mismo, a saber mejor lo que quiero y a poder transmitir mejor gran parte de lo que llevo dentro. También me ha hecho profundizar más en cada estilo y

feelin’ feel

a aprender de cada instrumento, uno por uno. 4. Mi familia personal y musical me ha estado apoyando todo este tiempo y hacen que cada día tenga más fuerzas para seguir en este difícil mundo de la música. Unos colaborando con sus instrumentos, otros con sus comentarios y otros con sus oídos atentos. 5. En algunos casos es así, pero en otros muchos no. Varias han sido las ideas que nacieron en casa y que luego se han llevado al local y que forman parte de nuestros repertorios y discografía. Otras simplemente son demasiado personales. 6. Claro que sí, pero no a costa de dejar los otros proyectos. Para mí hay dos grandes caminos en la vida, cada uno con sus infinitos senderos: el camino en solitario hacia la compresión de uno mismo y la aceptación y el camino acompañado, que es el que más aporta. Creo que en la vida hay que caminar por ambos.


MR. FREAK SKA (Matarò) www.myspace.com/mrfreakska

an interview by Larry ACR

For a musician, being part of a band can offer a host of advantages (to be surrounded and advised by other musicians, to complement and cooperate to achieve common goals, to be constantly feed by the shared learning), but also involves multiple setbacks and adversities (difficulties to coordinate in order to rehearse or to define concerts, discussions on how to organize internally or where to address as a band). That´s the reason why some activists of the Jamaican music in Spain have chosen to undertake the work alone with the intention of channeling personal concerns without compromising others or just doing so in certain occasions, forcing themselves to deep in self-knowledge, discipline, to take responsibility for their job and to accept their limitations to materialize an idea. The vast majority of respondents considers it an enriching and stimulating experience, so let them be the ones to explain it in their own words.

1. Why and under which assumptions did you plan to undertake a project in which you are responsible for playing all the instruments and at last of the music production of your work? 2. Which facilities and adversities does a solo project present in contrast with a band composed of musicians in which each one takes care and is responsible for its instrument? 3. What lesson/s you have achieved with the solo work and what have you learned on the way while you were carrying out the project? 4. In which sense musicians with whom you share or shared a band have supported, advised and helped you to realize this project and what is their opinion of it? 5. Why do you think the work that you develop yourself has no place in the repertoire that you will normally develop within your band? 6. Would you advise other musicians to take its path alone, even temporarily? What do you think he can find useful from this experience?

1. In my case it is not exactly as you say. At first, in my first solo pieces, I was in charge of all the instruments appearing. That limited me a lot, because I often had to make use of prerecorded or synthesized sounds, as there are instruments like the drums and the winds that I hardly know how to play. I´m currently in charge of recording guitar, some bass, vocals, backing vocals, percussion, harmonicas... leaving the rest to colleagues better skilled with their instruments. What I have always been responsible for is the recording, producing and mixing of the tracks. The reason why I started to make it relies basically on the total freedom to vent my ideas without having to give explanations to anyone at any time. I do the tracks exactly as I want them to be and then I make them sound as I crave. It´s a satisfactory feeling and completely different from the experience with Cabrians or any other bands. 2. There are many facilities: total freedom of schedules, to work without any external pressure or hurry, to name but a few. Unfortunately, there are plenty of adversities: it is a very slow process, it is difficult to manage recordings with its collaborations and apart from that, the album costs aren´t shared between 10 people, but they are all for you. 3. In this first album I’ve learned especially in the process of composition of songs, a facet I had hardly played with my band. I have also done much to improve my skills at the microphone recording and positioning. I learned a lot to mix my recordings, because in almost a year and a half with the album I’ve been changing software plugins (EQ, compresors, reverbs, delays ...) and I have been improving the songs gradually. 4. They have supported me and helped a lot. Besides, many have worked in the recording of the album, which for instance is called ‘Ska Casolà’ [homemade ska] and


will feature 17 tracks. I had the invaluable help of almost all the components of Cabrians as well as others from Flight 404, Space Invaders, The Penguins, The Oldians, Bandits, Soweto, Lord Kaya, The Jupiterians and so on. All who have heard the album have been delighted with it, congratulating me and have encouraged me to keep on going. It seems to them a great idea to make an album of classic Jamaican music singer-songwriter style and sung in Catalan. Is said to be a breath of fresh air to the scene hehe.

alone” forces you to be you the one who is responsible for everything and that’s a very strong commitment to what you are creating, there are no second points of view, nobody but you forces you to question every step you take and, obviously, if the result is a huge shit, it is uniquely and exclusively yours.

5. Mainly because the main language for Cabrians is English while I sing all my songs in Catalan. Besides, the subjects of my songs are pretty absurd and humorous and I think it wouldn´t fit very well into our repertoire.

4. I believe that in absolutely all aspects I’ve asked for opinion to certain people, people in which I trust, whose approach is valid, who know me and somehow know the way I’m walking by and how do I want to go through it. And yes, they are all musicians with whom I share or shared project.

6. I would advise it without any doubt. It’s a way to get everything out of you, all your ideas, without any censorship or complex. Just as you well say in the title of the article...do it yourself!

DR. JAU (Alicante) www.drjau.org

1. The answer is quite simple, I live in a city (Alacant) in which the Jamaican scene is minimal, in addition to being focused exclusively on the reggae/dancehall, with no activity concerning ska and rocksteady (the now called oldies), which was what interest me the most since the beginning. And, of course, finding musicians is not that easy in these lands. I had and still have many songs and so much free time. This, along with some knowledge of recording and some equipment at home, made it happen. It was a logical and natural process. 2. Facilities, basically not having to argue with anyone. And adversities, basically two: first the apparent lack of skills with the different instruments. If with the guitar, my instrument, I’m already limited, what could I say about the drums or the voice! On the other hand, “being

3. I´ve learned a lot of things, but the most important, that it is exhausting: to compose, to play, to record, to produce, to design, to edit, to distribute...

5. Much of this work does have a place in any of the bands where I am. In fact, we have included some of the tracks in a concert, but there are others that I believe are more difficult to fit in, either by geeks, either because they belong to a more intimate sphere and touching them in large-band format, would decontextualize them for the worse. 6. Absolutely. The first thing you learn is to value working together, realizing how much easier it is to have two or three partners in a project. The latter, of course, I think it would be to work with yourself, to be the one who decides to give many turns to something or not giving any, to choose when a song is currently finished and why, to play other instruments (even in a very rudimentary way, as my case). In short, I think it’s a very enriching experience, pursuing an idea until you meet it or abandoning the attempt. As stated by a great friend, “a musician is always a man and his dream”.

ZURI (Málaga) www.zuri.es

1. Because it is the part of music I love the most: to write, record and produce it. In addition, I have the means and ability to carry out with distinctions and I think it adds personality to the project. If I didn’t do it, it would be like leaving the best bite on my favorite plate. 2. Adversity is that all the responsibility and the work relies on oneself, as well as economic investment and it requires many hours of dedication. The facility could come when making decisions: having fewer points of view, there are fewer conflicts. 3. At the technical level I learn so much from every recording; it is a continuous work of research and very exciting. I have also made clear that it is very good to have outside views over the production that can contribute in a way you wouldn´t get to see by yourself. 4. On stage I´m backed by the Catalan band Ranking Soldiers; their contribution has been remarkable and has appeared at the time of taking the songs to direct. They feel totally involved in this project and very excited because the understanding and the freedom to organize the show is total. 5. I don´t think so, the same I do alone could perfectly be done within in band. In fact we act live as if we were a band for all purposes. I’m not alone for that reason, it has just happened that way. 6. The truth is I don´t know. I think that both ways of working are fine. The main thing is to have good communication and people around to push in the same direction. If not, it’s better to work alone.

CARLOS DINGO (Granada) www.myspace.com/carlosdingo


1. The creative work is difficult to maintain in a single direction. I’ve been creating tracks that do not always suit the needs of Red Soul Community. I compose songs of very different styles, I have several projects that provide an outlet for all these compositions and in the case of this particular work, “Ska is Dangerous”, the truth is that I yearned ska and composing more directly with the guitar, giving more leadership to this instrument. As the demo I recorded had a considerable stir, as the song “Apache Warrior” was included in the Pork Pie compilation “United Colors of Ska”, I decided to record a full LP profiting a soporific summer holiday in my city. In short, I recorded this album because I wanted to have fun. 2. The main advantage is the speed at the time of composing. I compose the songs of this record while I was recording them; it was like a jam session. I had no idea what was going to come out of the studio and that was the most fun. Sometimes it’s really nice to go with the creative whirlwind without sharing your opinions with anyone else. On the other hand, I had the limitations of not being skilled with all instruments, but thanks to the work on Red Soul, where I was forced to learn how to play the organ, I felt with enough dexterity to deal with all this. 3. Well, I really wanted to do the recording otherwise. I have not had the best means, or the possibility of having more time, but I only had two choices: to do it or not. I decided to do it and I think the outcome has been a sincere and funny album. Actually I had never embarked on such a large project and computer problems have been maddening, which showed me that working with analogue instruments will always be better than VST instruments, although it´s not always possible to have a Hammond B3 in the living room! 4. Well, the only person who has been aware of the whole project has been Isa, because we live together and is also featured on some tracks. When I looked lost in some arrangement or did not know if it was saturating a composition, I have always asked her for

her advice, because she always points at the error that doesn´t let the song breathe. 5. First of all, because it is all about an instrumental repertoire and secondly, the album is influenced by many styles that have no place in Red Soul. 6. I would advise it to all those who know how to have fun with music. To all those who have something to contribute and who distinguish what is real love for music and not just the environment that evolves around the music business. And what will it bring them? Everyone who loves music knows that to compose a good song, good arrangement, a good melody gladden the day and that that generating force is the best motor. What else could you ask for?

EURIDIA (Bilbao) www.euridia.net

1. I guess not to depend on anyone. Not having to go after people. But I also think it is important the complete freedom it gives to deal with the songs and lyrics. 2. As disadvantages, I suppose that to share the working hours with people, to reach musical points you couldn´t dream of, the laughter, the company... In favor, to forget the ongoing discussions that slow pace, the absence at rehearsals, having to interpret something you haven´t composed by yourself. 3. To be alone you have to be methodical to overcome laziness. It’s like doing sports, it is better to do them with friends, more fun. If you’ve an appointment, you can´t pass the buck and you have to get off the sofa. I think I also have to say it gives a more global perspective of music and sound and help you to become a musical “architect”, fitting the pieces for a reason. 4. A lot, it has helped me a lot. I know everyone would be

willing to bail out, lovely people, but in principle I’ve only had to rely on them depending on the instrument they touch. It was clear I was not going to start learning how to play the trumpet! 5. In my case, I started with Akatz in 1992. I think I left in 1998 or so, but remained as technician and I returned in 2003, more or less over a year until I moved abroad. Akatz has always been more ska than reggae and I was more of reggae than ska. In addition, I have more electronic tracks, or even just made with the guitar. I love ska, but also other things are attracting me. 6. Yes, the truth is that it can be very enriching. Although one must be willing to spend much time and have the ability to lock you up for several hours.

TRAJE DE UÑA NUEVA

(Murcia) www.myspace.com/trajedeunanueva 1. In my case, I think the immediacy and freedom of creation. Ideas appear, sometimes “bubbling” and I need to materialize them without having to go through a process of exposure and subsequent execution. 2. Logically, the organization of any event is greatly simplified, travel, accommodation, etc. Moreover, the fact appear alone on stage, with no one backing you, without a friend with whom to share this great moment of creation, can become something quite sad and frustrating. 3. Above all, some personal organization, self-imposed discipline. There comes a time when it becomes necessary if you live surrounded by chaos and disorder. Working alone, although it may seem paradoxical, you learn to have a musical vision from an overall perspective of the arrangements and the convenience


of the use of certain resources that you can hardly develop in a rehearsal of six people playing in a hurry and simultaneously. 4. Their advice, as musicians and foremost as music lovers, make you not to lose the perspective and to know what would be the following step. I value above all others, the opinion of those people with whom I have the pleasure of creating. 5. Perhaps because of the aridity of what I sing and sometimes sound. Anyway, sometimes, at the request of the rest of the band, we incorporate some original material to the band´s repertoire. 6. If he feels like it, go ahead. He will find a wonderful path of exploration of resources and limitations, fundamental to bring to fruition any joint project. It´s worth, on one way or another, to keep learning always as the search never ends.

FEELIN´ FEL (Madrid) www.myspace.com/feelingfel

1. I think that for the simple need to keep on creating. Constant ideas arise in the mind of a musician and I have the privilege of having a home studio where you can translate them. When I think about recording something, I first dedicate a little time for introspection in order to find out exactly what style of music, what kind of message and what type of chords or bass line suit the excitement I feel and I want to convey. My premises are to continue to work, create and transmit. 2. Facilities? Well, perhaps being able to express just what I wanted. I think of a bass line or a vocal line and record it. It just works faster. On the other hand, almost in all my projects someone from Emeterians, La Mongoose Band and others help. Adversities? First of all, music is more enjoyable in the company. Secondly,

there are many ideas that arise and I just can´t execute them (as a guitar solo or a brass line). 3. Many. Especially it has helped to know myself better, to learn more about what I want and to convey better much of what I have inside. It also made me go deeper into each style and learn from each instrument individually. 4. My personal and musical family has been supporting me all this time and makes me to have more strength to continue in this difficult world of music. Some help with their instruments, others with their comments and others keeping their ears opened. 5. In some cases yes, but in many others no. Several were ideas born at home and then have been taken to the rehearsal and are now part of our repertoire and discography. Others are just too personal. 6. Sure, but not at the expense of leaving the other projects. For me there are two ways in life, each with its infinite paths: the alone path toward self understanding and acceptance and the road together, which is the largest contributor. I think in life you have to walk through both.


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la receta de amanda / amanda’s recipe

Ingredientes (6 personas)

INGREDIENTS (6 serves)

- 5 ó 6 huevos (294 gr.) - 150 gr. de azúcar glass - 200 gr. de mantequilla (blanda/pomada) - 110 gr. de harina floja - 220 gr. de chocolate negro en tableta (o chocolate con leche) - 5 gr. de cacao en polvo - 3 gr. de canela - 1,5 gr. de sal

- 5 or 6 eggs (294 g) - 150 g powdered sugar - 200 g Butter (soft but not melted) - 110 g flour - 220 g black chocolate (milk chocolate can also be used) - 5 g cocoa powder - 3 g cinnamon - 1,5 g salt DIRECTIONS

ELABORACIÓN Coge un bol grande y mezcla con la batidora la mantequilla pomada con el azúcar glass hasta que blanquee. Añade los huevos y sigue batiendo. Agrega entonces, poco a poco, la harina y la canela, bate hasta que la mezcla ligue. Incorpora entonces el chocolate fundido (lo puedes fundir en el microondas o al baño maría), el cacao en polvo y la sal. Mezcla bien todos los ingredientes y dispón la masa obtenida en los moldes de aluminio. Deja que se enfríen e introdúcelos en el congelador. Para preparar los coulant de chocolate no hay que descongelarlos; sácalos del congelador 5 minutos antes de hornearlos, mientras se precalienta el horno a 180º C / 200º C (según cada horno la temperatura varía por lo que te aconsejamos que vayas haciendo pruebas hasta que te guste más el resultado de la cocción) y cuando haya tomado la temperatura, introduce los moldes entre 12 y 15 minutos. El coulant de chocolate se podría decir que es una magdalena mal hecha, su exterior se cuece y queda como un bizcocho, pero su interior queda líquido. Te aconsejamos que vayas haciendo diferentes tiempos de cocción y así averigües cómo te gusta, si más o menos cocido. Cuando estén cocidos, quítales el molde de aluminio y sirve enseguida…lo puedes acompañar con una bola de helado de vainilla, nata montada, frutos secos,….y lo que a ti se te pueda ocurrir!!

Mix well with a mixer the butter and the powdered in sugar in a big bowl. Add the eggs and keep mixing. Pour the flour and the cinnamon slowly, until the mixing binds. Melt the chocolate (you can do it in a microwave, or simmering in a double pan) and add to the mix, with the cocoa pwder and the salt. Mix all the ingredients together, and prepare the table with the aluminum moulds (like the cupcakes moulds). The pour the mix in the moulds and let them cool before putting them in the freezer. You don’t need to defrost the “coulant” to cook it. Take it out from the freezer 5 minutes before baking, while the oven preheats to 180ºC or 200ºC (depending of the oven you use, you’ll need to do some testing before you find the perfect point of cooking). Once the oven is hot, bake the coulants for 12 / 15 minutes. A coolant is like a cupcake baked wrong, the outer side is baked, but the core keeps liquid. We suggest to try different baking times, until you find the baking level you prefer. Once baked, take out the moulds and serve… you can garnish with vanilla ice cream, cream, dried fruits or all you can imagine!!


A Little Beat #100  

Primavera / Spring 2011

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