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ARQUITECTURA CON BALANCE: ARDITTI + RDT ARCHITECTS | PREVIEW SALONE DEL MOBILE MILANO 2018 | ESPECIAL BAÑOS | MACROTENDENCIAS: BINOMIOS CREATIVOS


Directora General

CONSEJO EDITORIAL

Editora en Jefe Greta Arcila

Presidencia honoraria

greta.arcila@glocal.mx

Gina Diez Barroso

Asistente de dirección

Consejeros honorarios

Caly Pérez

Ar turo Aispuro Coronel

caly@glocal.mx

Miguel Ángel Aragonés Jorge Arditti

Editora

Ar turo Arditti

Mar tha Lydia Anaya

Juan Carlos Baumgar tner

mar tha@glocal.mx

Fernando Camacho Nieto Carmen Cordera

Editora de arte

Héctor Esrawe

Sandra Montiel

Jorge Gamboa de Buen

sandra.montiel@glocal.mx

Juan Manuel Lemus

Portada en homenaje a Arditti + RDT Architects por Jorge Medina

Beata Nowicka Editor Macrotendencias

Carlos Pascal

Germán Velasco

Gerard Pascal Ariel Rojo

Coordinación editorial

Sagrario Saraid

Itayedzin Aragón itayedzin@glocal.mx

Contabilidad Víctor Villareal

Coordinación de video Eduardo Ramírez

Gerente de ventas Eduardo Rodríguez

Colaboradores

eduardo.rodriguez@glocal.mx

Jorge Medina José Margaleff Gabriel González Duilio Rodríguez Lisa Heller Rober to Zamarripa

Portada Macrotendencias por JORGE MEDINA

Contacto glocal.mx info@glocal.mx Manchester 13, piso 1, Col. Juárez, Delegación Cuauhtémoc, Ciudad de México. Teléfono 52(55) 55.33.68.18

Glocal Design Magazine es una publicación de Color y Espacio Editorial S.A. de C.V. Revista Bimestral: abril-mayo 2018. Publicación protegida por la Ley de Propiedad Industrial y la Ley Federal de Derecho de Autor. Número de Certificado de Reserva otorgado por el Instituto Nacional del Derecho de Autor: 04-2013041513043400-102. Número de Certificado de Licitud de Título y Contenido 15894. Editora Responsable: Greta Vanessa Arcila Romero. El contenido de los artículos y de los anuncios es responsabilidad de los autores y de las empresas. Todos los derechos reservados. Domicilio: Mánchester 13, Piso 1, Col. Juárez, Delegación Cuauhtémoc, C.P. 06600, México, D.F. Distribución: Comercializadora GBN S.A. de C.V., Calzada de Tlalpan 572, despacho C-302, colonia Moderna, delegación Benito Juárez, 03510, México, D.F., Tel. 5618-8551. Impresa en: Preprensa Digital, S.A. de C.V., Caravaggio 30, Col. Mixcoac, C.P. 03910. Del. Benito Juárez. México, D.F. Tel 5611-9653.

Créditos de moda en portada: Vestido Grinko Milan 1 Aretes Thalitha 1 Collar Martacarmela Sotelo


El legado de la perfección La vida es un constante reto y cambio.Y del mundo de las industrias creativas, podríamos escribir libros y libros de cómo momentos de experimentación o sorpresa cambiaron el rumbo de, inclusive, generaciones. Hoy presentamos en portada a una de las familias creativas más queridas en el medio arquitectónico y que con su visión tan humana de abordar cada proyecto han logrado cambiar el skyline de nuestro México.Yo conocí a los Arditti hace 22 años cuando en la editorial que trabajaba me habían invitado a coordinar un libro. Llegué casi al final del proceso y para mí ya no faltaba prácticamente nada. Estábamos en la oficina cuando me mandaron llamar de la imprenta pues había algo mal. Me paralicé en ese momento. A los 10 minutos estaba entrando por la puerta Arturo Arditti para pedir un cambio en el libro, pues la foto que él había enviado no era la correcta para el texto. Se detuvo todo hasta comprobar que la prueba de color estaba igual a la fotografía. Ahí conocí el grado de perfeccionamiento de los Arditti. Lo mismo en un viaje al que nos invitaron a España, ellos eran los primeros en llegar a las citas y los que más se involucraban con las personas y con los materiales que nos llevaban a conocer; su grado de curiosidad era tal que muchas veces teníamos que esperar a los Arditti hasta altas horas de la noche.

Y así cada proyecto, para el Museo Memoria y Tolerancia viajaron por casi todos los museos del mundo que abordaban ese tema, para saber y reconocer cómo hacer el mejor proyecto posible siempre pensando en cómo llegar a lo más profundo del ámbito humano a través de sus proyectos. Su pulcritud en obra y la selección de materiales que va de un cálido silencioso a un frío abrazador, hacen que los usuarios de sus obras se pierdan en sí mismos y disfruten al máximo de la magistral manera de utilizar la luz natural y sus sigilosas alturas. Hoy es un honor para Glocal Design Magazine que Arditti + RDT Architects sean nuestra portada, pues son el sinónimo perfecto de identidad asumida y de grandeza de espíritu. También, tenemos a grandes mujeres de México que nos hablan de su espacio más íntimo y por ende, en donde más sueñan.Y si de mujeres se trata, les presentamos a las grandes protagonistas de este año durante el Salone del Mobile o Milano Design Week. Me despido no sin antes dar gracias a la industria del diseño mexicano que me ha abrazado en momentos tan complejos, gracias a ustedes soy y por ustedes Glocal Design Magazine ahora evoluciona; no se pierdan nuestro lanzamiento de Design Films y de nuestro nuevo sitio web. GRETA ARCILA Editora en jefe

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Greta Arcila

@gretaarcila

arcilagreta


Contenido 02 DIRECTORIO 03 EDITORIAL 07 AGENDA 10 MISCELÁNEA 12 LIBRO

Lenguaje de color 14 TECHNO

16 TEXTIL

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Arte, diseño gráfico y tecnología 18 TALENTOS INTERNACIONALES

DISEÑO + CIUDAD

Tela, resinas, vidrio soplado y acero tejido

RESTAURACIÓN

20 TALENTOS NACIONALES

Diversidad para proponer

32 Historia e infraestructura 34 Funcionalidad contemporánea 36 SU ESPACIO

Iker Ortiz

ACTUAL

40 ENFOQUE

22 Ratatouille

Arditti + RDT Architects

24 Zú 26 Herman Miller 27 Victoria Ambar DISEÑO + EMPRESA 30 Arte y minimalismo

veneciano

50 SALONE DI MOBILE MILANO ENTREVISTAS 58 Cristina Celestino 62 Elena Salmistraro 66 Gisella Borioli 70 Margriet Vollenberg

Foto José Margaleff

Diseño libre de cables


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ESPECIAL BAÑOS 76 Casa F12 | Miguel de la Torre 78 Casa P29 | vgz arquitectura y

diseño 80 Departamento BSF | ARQMOV Workshop 82 Casa Risco | Elena Talavera 84 Departamento Altaire I | Elías Kababie ENTREVISTA 86 Covadonga Hernández ESPACIOS PÚBLICOS 92 Centro Cultural Teopanzolco 94 Memorial Naval 96 Parque La Mexicana

RESIDENCIAL 98 Casa Cuernavaca |

Tapia Mc Mahon 102 Casa Paraíso | DCPP Arquitectos 108 MACROTENDENCIAS COLUMNAS 114 Juan Carlos Baumgartner 115 Dolores Martínez Orralde

116 ENGLISH TEXT

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Foto Duilio Rodríguez

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Fotos cor tesía

A GEN DA

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La primera exposición monográfica de Wyn Evans en México detona una experiencia sensorial en los espectadores


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AGENDA

COLECCIÓN DE MOMENTOS. DISEÑO EN MÉXICO 1999-2015

Foto Sofia Ontiveros, Cor tesía: Museo Nacional de Ar te

Hasta el 27 de mayo Bajo la curaduría de la diseñadora Cecilia León de la Barra, esta muestra colectiva plantea la producción del diseño industrial mexicano de las últimas décadas como un conjunto coherente de objetos que dan testimonio de las innovaciones y tendencias del periodo comprendido entre 1999 y 2015, además de evidenciar la carencia de una colección institucional de diseño hecho en México, así como un espacio temporal para la generación de conocimiento y comprensión de la historia, no sólo aquella que subyace en cada uno de los objetos, sino también del contexto social y económico en que fueron generados, siendo parte importante de lo que representan.

CARAVAGGIO. UNA OBRA, UN LEGADO Hasta el 20 de mayo En colaboración con los Museos Capitolinos de Roma, Italia, se presenta la exposición que indaga en el legado tenebrista del artista a través de una de sus pinturas iniciales La buenaventura, obra de 1596 que marca la pauta para exponer 16 obras de colecciones nacionales y una instalación multisensorial. Bajo la curaduría de Abraham Villavicencio y Alivé Piliado se conforman tres núcleos que hacen hincapié en la apropiación del caravaggismo en Europa y los recursos plásticos del artista. MUSEO NACIONAL DE ARTE Tacuba 8, Centro Histórico Cuauhtémoc, CDMX munal.mx

MUSEO UNIVERSITARIO DEL CHOPO Dr. Enrique González Mar tínez 10, Santa María la Ribera Cuauhtémoc, CDMX chopo.unam.mx

CANDIDA HÖFER EN MÉXICO

MUSEO AMPARO 2 Sur 708, Centro Histórico, Puebla, Puebla museoamparo.com

Muestra dedicada a los registros fotográficos que la fotógrafa alemana realizó durante su estancia en nuestro país en octubre de 2015, ella junto a su equipo llevaron a cabo un recorrido de 20 días a través de Jalisco, Guanajuato, Estado de México, Puebla, Oaxaca y Ciudad de México, para retratar quince edificios icónicos, la serie lleva por título En México. Durante sus tomas fotográficas, Candida se usa una metodología estricta, buscando la simetría en tomas frontales o con un punto de fuga bien definido, además de su especial interés por hacer registros de espacios públicos o privados icónicos, libres de la presencia humana. En estos “retratos espaciales”, denominados así por la fotógrafa, confluyen planos y colores, así como las relaciones de orden y desorden, mismos que permiten al espectador adentrarse en las obras y descubrir los lugares tal como son.

Fotos cor tesía

Hasta el 9 de julio


AGENDA

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CERITH WYN EVANS Hasta el 6 de mayo A través de doce piezas producidas en los últimos diez años, la primera exposición monográfica de Wyn Evans en México detona experiencias sensoriales y temporales en el espectador y lleva al límite las nociones de percepción, cognición y realidad. Con un montaje que responde específicamente a la arquitectura del museo, las obras actúan como catalizadores creando líneas visuales o de sonido que atraviesan los espacios de exposición, estableciendo una especie de diálogo o un “concierto” entre ellas. Centrada en la instalación a gran escala E = C = L = I = P = S = E (2015), que permanecerá suspendida del techo en el patio central del museo. Para el artista, la muestra se trata de un “experimento con recursos fluidos”.

MUSEO TAMAYO Paseo de la Reforma 51, Bosque de Chapultepec, Miguel Hidalgo, CDMX museotamayo.org

BAS PRINCEN. IMAGE AND ARCHITECTURE Hasta el 5 de agosto Muestra del artista holandés aclamado por su fotografía de arquitectura y paisajes urbanos. Cada una de las obras fotográficas a gran escala encapsula diferentes facetas de las exploraciones de Princen sobre la relación entre arquitectura e imagen. Para esta exposición, el también diseñador industrial y arquitecto, ha utilizado fotografías a gran escala y su técnica de impresión especialmente desarrollada en papel de arroz japonés para crear algo más que la mera representación de un edificio. En su lugar, la imagen pretende ser percibida como un objeto material real en sí mismo. Bas Princen pertenece a una nueva generación de fotógrafos que a su manera hacen referencia a la llamada «Nueva Topografía».

MEMORIAS DEL SUBDESARROLLO: EL GIRO DESCOLONIAL EN EL ARTE DE AMÉRICA LATINA, 1960-1985 Hasta el 9 de septiembre Unos 400 objetos de más de 50 artistas provenientes de ocho países de América Latina, se reúnen para examinar el importante cambio de paradigma que se produjo en la cultura y las artes visuales entre principios de los 60's y mediados de los 80's. Durante ese periodo, intelectuales y artistas cuestionaron modelos culturales y estéticos impuestos, incorporando, desde expresiones populares y vernáculas a su producción. La muestra presenta obras de Lola Álvarez Bravo, Lina Bo Bardi, Antonio Caro y Antonio Manuel, entre otros. MUSEO JUMEX Miguel de Cervantes Saavedra 303, Granada, Miguel Hidalgo, CDMX fundacionjumex.org

VITRA DESIGN MUSEUM GALLERY Charles-Eames-Str. 2, D-79576 Weil am Rhein design-museum.de


MISCELÁNEA

NOUVEL LIMITED Nouvel Studio

Proveniente de la división de piezas únicas y limitadas de Nouvel Studio, donde se empujan al límite las características de manufactura del vidrio, acercando el resultado al arte. En esta edición, la primera que oficialmente lleva el nombre de Nouvel Limited, se invitó a tres diseñadores a trabajar en colaboración junto a los artesanos, dando como resultado piezas que contrastan el vidrio soplado con materiales rígidos, donde el equilibrio se mantiene sólo por contrapeso. nouvelstudio.com

Foto cor tesía de las marcas

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MISCELÁNEA

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RE_C1 Y RE_C2 Todomuta Studio

Ambas piezas hechas en cerámica y cuero son la antesala de la serie Re-Collectors, esculturas totémicas de aluminio. Los modelos que fueron utilizados se reconfiguraron para formar parte del proyecto White, Pink & Barro de Casa Gutiérrez Nájera, donde se plantean reflexiones en torno al carácter de los objetos, los materiales y los procesos que hacen que pasen de ser una idea a piezas tangibles. todomuta.com casagutierreznajera.com

BALANCE Joel Escalona

Colección que cuenta parte de la vida profesional del diseñador, pues en diez piezas se tomaron en cuenta distintos oficios tradicionales, técnicas artesanales, tecnologías industriales y materiales que se han explorado en su estudio en distintos momentos. Cada pieza, de configuración única, es un acercamiento a las características del material y los procesos necesarios para producirla, el hilo conductor es la tipología, que se alteró en escala para poder jugar con su equilibrio físico, visual y conceptual. joelescalona.mx

SOLITARIOS #003 Guilherme Wentz

Edición limitada de veinte floreros que reducen su capacidad a una sola flor u hoja. La colección, comisionada por Ángulo 0, es resultado de una serie de estudios que el diseñador brasileño sostuvo, inspirado en los tallos de las plantas con la idea de introducir a la naturaleza en casa con un método poco convencional y mucho más delicado. Cada uno de los vasos es cortado y doblado a mano para posteriormente darle un acabado plateado. guilhermewentz.com angulo0.com


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LIBRO

Lenguaje de color Monografía dedicada a BEATRIZ MILHAZES que presenta el característico estilo de la pintora brasileña. artista en significado y esplendor, disponible en dos ediciones: de colección y de arte, ambas numeradas y firmadas por Milhazes. En sus páginas se muestran más de 280 piezas representativas que se integran a un ensayo que analiza a profundidad su trabajo, escrito por David Ebony, el registro de una conversación entre el editor del libro, Hans Werner Holzwarth y la artista, un diccionario poético con los motivos clave de Milhazes y una biografía detallada, escrita por Luiza Interlenghi; cada capítulo está separado con ilustraciones creadas específicamente para el libro, a manera de collages pintados con diferentes papeles y objetos. Al interior de las páginas abundan símbolos de la vida cotidiana brasileña: el carnaval, el arte tradicional y motivos desde el barroco al pop, todo dispuesto en una armoniosa coreografía visual. –IA taschen.com

Fotos cor tesíaTaschen

Enclavado en un estuche de gran formato, se presenta la edición de Beatriz Milhazes, un libro de tapa dura con 480 páginas dedicadas completamente a una revisión cronológica del trabajo de la artista, cuyo estilo es una fusión de la abstracción moderna y los colores vibrantes de su país natal. Pero dentro de la atmósfera colorida que se relaciona con la artista, en este libro también se encuentra un paraíso perdido con tintes más oscuros, para lograr este equilibrio en su obra Milhazes desarrolló una técnica especial a finales de la década de 1980 que consiste en pintar sus motivos sobre láminas de plástico que, una vez secas, pega sobre los lienzos. Desde 1990, Milhazes ha diversificado su técnica de trabajo, ha realizado serigrafías, collages con envolturas de dulces y toda clase de papeles, esculturas, intervenciones y exploraciones corporales. En la publicación, dirigida por la editorial Taschen, se exploran las fases del trabajo de la

La edición contó con la dirección de arte y edición del diseñador de libros, Hans Werner Holzwarth.


“En la perfección de la mesa, está el éxito del anfitrión”. Vajilla Pomona Tane


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TECHNO

Diseño LIBRE de cables El estudio Mobile Island ha desarrollado una serie de cargadores y accesorios modulares con un solo cable que los alimenta de energía.

El equipo creativo de Mobile Island está conformado por estudiantes que se especializan en diseño de productos, inicialmente se trataba de un proyecto de exhibición de graduación en la Universidad de Hongik en Seúl, Corea del Sur y creado para agregar nuevo valor al combinar la tecnología inalámbrica con el diseño. Este producto fue planeado para resolver el problema de carga de cualquier dispositivo inalámbrico existente, ya que cada uno debe ser conectado por separado, dando paso a conexiones complicadas y desordenadas. La propuesta de Mobile Island consiste en dos grupos de objetos para mejorar esta experiencia: por un lado, está Ground un conjunto de cargadores wireless, baterías portátiles y superficies para lápices o clips, que se conectan entre sí para crear un área de carga personalizable y compatible con Building, la línea de accesorios de usos básicos para cualquier espacio de trabajo: lámparas, ventiladores, cargadores vía USB y bocinas con bluetooth.

En conjunto ambas líneas tienen la capacidad de cargar varios productos a la vez y pueden crear espacios útiles para salas de estar, combinando las bocinas con charolas de madera o bien en una oficina, combinando el ventilador y una batería auxiliar, también puede servir en una habitación, uniendo una lámpara con alguna de las bandejas de madera. El área de carga también es compatible con móviles, lo que ha facilitado que el equipo creativo exhiba sus productos en diversos eventos junto a Samsung, como la edición pasada de IFA en Berlín, Alemania; por ello han despertado el interés de los amantes del diseño y la tecnología para producir ambas líneas a través de un financiamiento colectivo, el lanzamiento definitivo será en junio próximo. –AMG mobile-island.com

Fotos cor tesía Mobile Island

Mobile Island se ha ido gestando desde el 2016, cuando fueron seleccionados para los Festivales de Diseño de Busan y Seúl en Corea del Sur.


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TEXTIL

Formas y puntos abstractos se combinan de manera armรณnica y dan como resultado figuras y paisajes que dan pie a querer sentir sus texturas.


TEXTIL

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ARTE, diseño gráfico y tecnología Wallpapers de grabados extravagantes que hacen posible cualquier fantasía imaginable al transformar los espacios en galerías personales.

Fotos cor tesía Texturae

Texto ANA LAURA MUÑOZ

CON PATRONES y grabados que reúnen las visiones de artistas y diseñadores gráficos como Cody Hoy, Costance Guisset, Delfino Sisto Legnani, Elsa Boch, Diseño Frontal, Studio Amour, Boccaccini Meadows, Roxana Azar y Senem Oezdogan, la marca italiana de wallpapers Texturae se presenta una vez más durante la semana del diseño de Milán 2018. Diseños que se convierten en tramas concretas, murales y propuestas vanguardistas de paneles de ‘papel pintado’ para quienes gustan de atreverse y tomar el riesgo de experimentar con ideas revolucionarias, así es cómo se describen los temas gráficos creados exclusivamente para la firma por sus diversos autores. No se trata de papel tapiz o fondos de pantalla comunes, sino de una gama de ilustraciones únicas y grabados extravagantes que hacen posible cualquier fantasía imaginable, al transformar los espacios en galerías personales. Esta es la esencia de Daniele Morabito y Dario Pulitanò, empresarios de Reggio Calabria y fundadores de Texturae en 2016, quienes unen arte, diseño gráfico y tecnología para crear “sueños que remodelan los lugares y perspectivas que dan vida a los espacios”. “Nuestros wallpapers no están

hechos sólo para cubrir los entornos, las paredes o las ventanas, sino que interpretan las sugerencias de quienes viven ahí con ideas que seducen su imaginación”, dicen Morabito y Pulitanò, haciendo hincapié en que sus colecciones se pueden realizar en látex, fibra de vidrio y lona magnética. Los materiales se seleccionan de acuerdo con las necesidades del entorno que habrá de transformarse y bajo el cumplimiento de las normativas europeas de protección de salud y el medio ambiente. Un punto importante es que cada wallpaper está impreso con la tecnología más avanzada, lo que permite que puedan ser utilizados incluso en entornos sanitarios y bajo condiciones de humedad sin que pierdan su colorido e impacto a la vista y el tacto. En Milán, la sala de exposición montada por la firma de mobiliario Paradisoterrestre en conjunto con Texturae en Via Sirtori evoca un auténtico Club de los años 70’s, en el que algunas de las novedades de sus wallpapers cobran vida bajo la curaduría de Pierre Gonalons. texturae.it


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NUEVOS TALENTOS

Tela, resinas, vidrio soplado y ACERO TEJIDO Texto

Studio Truly Truly fue muy bien recibido en SaloneSatellite 2017 con Column, una serie de lรกmparas tipo tรณtem con fuente de luz LED..

Foto Floor Knaapen / Retrato Pim Top

ANA LAURA MUร‘OZ


NUEVOS TALENTOS

EL ESTUDIO de diseño con sede en Rotterdam, Truly Truly fue fundado por los diseñadores australianos Joel y Kate Booy en 2013. La pareja ha hecho mancuerna de una forma excelente y aunque han sentado base en Holanda, originalmente provienen de Brisbane, Australia, donde primero estudiaron y luego dieron clases de diseño gráfico y tipografía por algún tiempo en la Universidad de Griffith Queensland College of Art. Cuando Joel Booy fue aceptado en la Academia de Diseño de Eindhoven, el dúo se mudó a los Países Bajos para expandir su práctica de diseño al espacio tridimensional. El gran salto para el equipo llegó en 2014, antes de que Joel se graduara de su licenciatura en Estudios de Diseño Industrial, cuando fue seleccionado por IKEA para desarrollar una pieza para la marca. Esta colaboración fue un sofá deconstruido para la colección IKEA PS 2017, que consta de un marco de metal y 18 cojines que pueden ser reemplazados y reordenados infinitamente. Los textiles se han convertido en una de las pautas de Truly Truly con colecciones como The Translation (2015), una alfombra diseñada para el Textiel Museum en Tilburg, Países Bajos y Soundskins (2017), una serie de cubiertas tricotadas creada para las bocinas y altavoces de Sonos, entre otros proyectos que incorporan la afinidad del dúo por la tela. Sin embargo, el despacho también aborda el diseño y el arte con piezas de mobiliario, iluminación e incluso instalaciones individuales, y con la manipulación de materiales como resinas, vidrio soplado y acero tejido. En Milán, Salone Satellite 2017 fue su primera oportunidad para presentarse, siendo muy bien recibidos con Daze, una serie de mesas laterales de acero revestido y Column, una colección de lámparas tipo tótem hecha de pisos de linóleo y aluminio anodizado con una fuente de luz LED oculta en la parte superior. Este 2018, a principios de enero, Joel y Kate Booy crearon Cilón, un sistema de siete luminarias decorativas que presentaron durante IMM Cologne, Alemania, en colaboración con la marca de iluminación australiana Rakumba. studiotrulytruly.com

Foto Alexander Popelier

Fotos Studio Truly Truly

“Hacer las cosas de manera adecuada, honesta y artística es el manifiesto que nos envuelve”: Joel y Kate Booy, fundadores de STUDIO TRULY TRULY.

Las mesitas Daze (arriba) están compuestas de volúmenes arquitectónicos con sutiles hendiduras; mientras que Cilon para Rakumba (abajo derecha) propone un nuevo lenguaje en luminarias.

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NUEVOS TALENTOS

Diversidad para proponer “La parte más emocionante de hacer diseño en México es que hay diversidad, eso nos deja experimentar y tener un panorama de trabajo amplio”: Xavier Loránd.

La botella Vendetta para Bruni Glass fue un parteaguas para la carrera de Xavier Loránd.

Texto

DAVID ROMERO

PLATICAMOS con el diseñador veracruzano, con una taza de café de por medio, sobre su trabajo y las motivaciones que lo han llevado a tener su propio estudio, hacer proyectos diversos junto a la industria nacional que cada vez se apoya más del diseño local para tener mejores productos, que es el objetivo que nos mueve a muchos: lograr que el diseño sea un puente para mejorar la vida de las personas y la economía de la industria. Curiosamente, Xavier no tenía interés en ser diseñador, fue en un suceso casual que conoció la profesión: “me fui a vivir a Londres con un amigo. En el trabajo, Bombay Shappire nos dio una cata para identificar sabores en la ginebra, a quien era mi jefe le dieron un kit para diseñar una serie de vasos para el concurso Inspiring Creations, él era diseñador industrial. Le propuse que me dejara participar en ese concurso porque me había llamado mucho la atención y aunque no gané, quedé dentro de los finalistas del Reino Unido, para

entonces ya estaba viendo cómo irme a estudiar a España, aunque no precisamente diseño”. Un amigo de Loránd fue quien le aconsejó revisar el programa de estudios y finalmente decidió estudiar diseño de producto en el Istituto Europeo di Design en Madrid, España, eso fue en 2010. Le preguntamos qué proyecto del pasado mira con orgullo y sin dudar respondió: “Ya para terminar la universidad, hice una botella de vidrio para Bruni Glass, una empresa italiana, fue en un concurso que se celebra cada dos años entre universidades europeas, eso fue un parteaguas porque tuve el primer lugar de entre miles de propuestas de toda Europa, tan sólo en mi salón se hicieron cerca de 400 bocetos, de los que se enviaron 80, entre ellos el mío, es un proyecto que cumplía con los fines comerciales, entró a su catálogo y me pagaron por ello”. Sobre la parte que más le interesa a Xavier del diseño, hablamos de los materiales, “del diseño

me gusta que puedes ir navegando en diferentes tipologías con tu estilo, sin duda prefiero los materiales nuevos, la innovación en materiales te permite proponer, por ejemplo con la silla que hice para Inédito del año pasado utilicé un material que se estaba usando como recubrimiento o aislante térmico, porque se obtiene de desperdicios, lo que logramos es que el material se viera armónico en una pieza de mobiliario, además el desperdicio se regresa a la trituradora y se procesa de nuevo”. Independientemente de que Xavier Loránd estudiara fuera de México, él decidió regresar a nuestro país, sin idea de cómo empezar a buscar trabajo encontró espacio como Diseñador Senior en el estudio de Ariel Rojo, eventualmente eligió abrir su propio estudio de diseño que actualmente está por cumplir dos años y del que podemos esperar más. xavierlorand.com


NUEVOS TALENTOS

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Además de los proyectos propios de su estudio, Xavier colabora con marcas para crear experiencias; como Tesella, instalación hecha para Masisa.

Fotos cor tesía Loránd Studio

La silla Cycle está hecha de un aglomerado hecho con residuos reciclados, material relativamente nuevo de IUSA.

Mobiliario Lúdico, hecho para Colección Zafra en colaboración con Raúl de la Cerda y Rodrigo Noriega, presentado en Inédito 2016.


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Senderos simétricos Ratatouille | Luca Nichetto | Suecia

Luego de los excelentes comentarios que le han llovido a Luca Nichetto para su restaurante pop-up Ratatouille, el equipo del diseñador ya analiza seriamente la posibilidad de hacer una versión permanente de ese espacio que, por primera vez, se instaló en el Victoria Hall como parte de la Stockholm Furniture & Light Fair 2018, llevada a cabo en febrero pasado. “De pronto me encontré frente a un lugar inmenso, de casi 2,000 m², para convertirlo en un proyecto temporal que al mismo tiempo fusionara las áreas de restaurante con la de reuniones de negocios y auditorio. La idea era que los visitantes a la feria se toparan con un sitio en el que pudieran detenerse a tomar un almuerzo rápido y les contagiara del mood ideal para hacer una parada corta, leer, platicar, hacer llamadas telefónicas o trabajar un rato en su computadora y contestar mails para después partir hacia el resto de los pabellones que integraban la exposición”, cuenta el diseñador, quien confiesa se inspiró en el ambiente del Circo Romano –como sitio histórico-social para comer, deleitarse y ver espectáculos–. Así, Ratatouille se describe

como un espacio abierto de forma ovalada, en el que los senderos simétricos y las áreas funcionales rememoran los jardines franceses, adornados en su perímetro con elementos monumentales que evocan las ruinas de Stonehenge. Se trata de un viaje visual que, a decir de Nichetto, aunque fue temporal hizo referencia a diferentes épocas, mezcladas con detalles inspirados en películas de ciencia ficción y de los cómics de los que él mismo se declara fan. Los visitantes tuvieron la oportunidad de encontrar algunas de sus piezas representativas como el sofá modular Isole, diseñado con Nendo para &tradition o las butacas Murano de Offecct y Pala de Artifort, y también de explorar los manjares preparados por la chef Lina Ahlin que regularmente atiende el restaurante Agrikultur de Estocolmo. El detalle más curioso y favorito del lugar fueron los ratones que se encontraban escondidos entre los muebles del restaurante, los cuales hicieron un guiño a la película de Pixar del mismo nombre y que se convirtieron en el gesto más acertado y divertido para relajar el ambiente de la Feria. –ALM

Stockholm Furniture & Light Fair 2018 125 30 Stockholm, Suecia nichettostudio.com


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Fotos Tamara Uribe

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Escenario de degustación

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Zú | Arkham Projects | Yucatán

En este proyecto los platillos son los actores principales y el espacio es el escenario para deleitar a los comensales/espectadores con historias culinarias que se baten entre lo cosmopolita y lo regional, por ello la cocina de Zú es una cocina del mundo, cuya esencia local está arraigada a las manos de Mérida, Yucatán, lugar donde se encuentra ubicado. Los espacios dentro de Zú cuentan diversas historias, dependiendo de dónde se ubique el comensal tendrá diferentes sensaciones porque se crearon atmósferas únicas a través de varias combinaciones de materiales, alturas y mobiliario que colaboran para redondear este concepto. Dividido en dos plantas, el proyecto ofrece espacios para diferentes tipos de comensales, en la planta baja se encuentra un área de doble altura contenida por una caja de tabique blanco, un ambiente abierto donde se puede disfrutar de un ambiente familiar. A su lado se encuentra

el bar, un espacio acogedor rodeado de madera, donde la iluminación y musicalización invita más a la convivencia entre amigos. En la planta alta se encuentra un área de baja altura que tiene la posibilidad de cerrarse para servir en eventos privados. Sobresalen las celosías de estética regional, que recuerdan al tramado textil presente en el traje típico de las mujeres yucatecas. Las celosías y mamparas interpretan un papel importante, que es el de la privacidad, protegiendo a los usuarios del asoleamiento natural y de la vista de otros comensales. Esta obra de 520m² trae consigo una serie de materiales y colores discretos, dedicados al deleite gastronómico, su equilibrio genera una identidad única, con atmósferas dinámicas para contar todas las historias en las que cada comensal quiera participar. –IA

Calle 32 #352 Fraccionamiento Xaman-Tan 97113, Mérida, Yuc. arkhamprojects.com zurestaurant.com


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ACTUAL | SHOWROOM

Vivir los espacios Herman Miller | Nuevo León

Definitivamente nunca será lo mismo ver los productos en un catálogo o en internet a poder vivirlos. Esa es la idea del nuevo showroom de Herman Miller en Monterrey, donde la empresa estadounidense recrea su concepto de living office con el objetivo de que sea ‘un punto de vivencia tangible’ para la marca y la gente compruebe que la calidad de vida de los seres humanos en cualquier ámbito –ya sea en su oficina, escuela o en casa– va en concordancia con el uso de mobiliario y espacios diseñados para mejorar la convivencia e incentivar su creatividad. Fue en Monterrey donde la empresa abrió sus primeras oficinas en México hace 30 años y de ahí se expandieron hacia la capital del país con un primer showroom. La apertura de una segunda plaza en la ciudad regia obedece al crecimiento exponencial que ha tenido la marca en el norte del país; su ubicación dentro de Parque Arboleda, uno de los centros comerciales más importantes en los alrededores de San Pedro Garza García, se alinea con la cultura de

sustentabilidad de la compañía, pues el diseño de más del 40% de ese espacio comercial está compuesto por áreas verdes y recreativas para los visitantes.“No nos vemos como una empresa que sólo vende muebles para oficina, sino como un aliado para que la gente mejore su calidad de vida con nuestros productos. La nueva sede –con más de 400 m² de exhibición– está pensada para que las personas vivan la experiencia Herman Miller en toda la extensión de la palabra a través de la exposición de nuestro portafolio de mobiliario y también con las herramientas de innovación, investigación y soluciones de diseño que ofrecemos para las áreas de trabajo”, dice Arturo Mota, gerente del showroom en Monterrey. Mucha gente no sabe que algunos de los productos más conocidos de la compañía con sede en Michigan, se lanzaron hace 40 o 50 años, pero siguen tan vigentes y aspiracionales como antes, y es que sus piezas se han pensado no solamente en términos de buen diseño sino también en aspectos como tecnología, ergonomía y funcionalidad. –ALM

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ACTUAL | SHOWROOM

Av. Roble 660, Parque Arboleda Monterrey, Nuevo Leรณn hermanmiller.com.mx

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ACTUAL | SHOPPING

Victoria Ambar es una joyería a la que sus creadores: Carlos Faci y Marina Leboreiro le tienen un cariño muy especial, pues el dueño de la tienda los buscó particularmente para encargarles la remodelación del espacio “como un regalo para la gente de Chiapas”. Se trabajó con mucha pasión y se tardó poco más de un año en proyectarse el diseño integral de los 40 m² en los que diversos anaqueles se distribuyen de manera diferente a la tradicional, exhibiendo exquisitas piezas de joyería hechas con ámbar. “Cada detalle se planeó con muchísimo cuidado con la idea de resaltar un lugar mágico dentro de otro destino aún más exótico como San Cristóbal de las Casas, que en sí mismo atrapa a sus visitantes porque encierra folklore, cultura, historia, color, tradiciones e incluso contrastes”, cuentan Faci y Leboreiro, quienes se dieron el tiempo para conocer a los lugareños, así como sus costumbres, sitios históricos y gastronomía, con la intención de empaparse del amor de un pueblo. Faci relata que fue durante esos paseos en los que se percataron de toda la magia que hay detrás de los telares de Chiapas; “es una una fusión muy peculiar que se da entre la parte indígena y los extranjeros que han llegado a vivir a San Cristóbal de las Casas, la cual quisimos rescatar haciendo este ejercicio de respeto hacia la gente y los textiles”. Por eso, en la tienda resalta un telar que ocupa todo el espacio y rinde homenaje a los artesanos chiapanecos; además de displays y motivos que hablan de sus orígenes y de cómo comprenden ellos el Universo. “Los muros –agrega Leboreiro– están hechos de una pasta especial que creamos. Agarramos bonches de tierra de Chiapas y nos pusimos a hacer decenas de mezclas con crestuco hasta llegar al compuesto que queríamos y a los colores que nos gustaron como los tonos gris-beige y gris que componen la atmósfera”. Victoria Ambar muestra lo que es la esencia del pueblo chiapaneco con un diseño que empuja a explorarla y a descubrirla”. –MLA

Muros grises y telares

Real de Guadalupe Col. Centro San Cristóbal de las Casas, Chiapas facileboreiro.com

Fotos Jaime Navarro

Victoria Ambar | Faci Leboreiro | Chiapas


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DISEÑO + EMPRESA

Arte y minimalismo VENECIANO Anteojos hechos pieza por pieza, sin soldaduras ni pegamentos y mucho menos tornillos: Roberto Carlón, fundador de MICROMEGA, ha trabajado en esto desde hace muchos años. Entrevista MARIAN FINCK

Técnincamente son lentes muy ligeros, confortables, sin soldaduras ni pegamentos. ¡Nunca se rompen! y esa característica los hace únicos.


DISEÑO + EMPRESA

Fotos cor tesía Micromega

“LA FANTASÍA no tiene límites, sobre todo cuando la inspiración se encuentra en el arte y en el minimalismo veneciano”, cuenta el creador de los anteojos más ligeros del mundo, Roberto Carlón, que después de 13 años en México y con 7 boutiques de su marca: Micromega –repartidas entre la Ciudad de México, Monterrey, Mérida y Guadalajara–, recién reinauguró la tienda que opera en el Centro Comercial Santa Fe. Este renovado espacio es una réplica exacta de la boutique de Micromega en Venecia, Italia; por eso, reproduce fielmente la esencia, originalidad y estilo italiano de la que es la primer tienda de la marca en el mundo. Fue en 1999 cuando Roberto Carlón creó la empresa Micromega en Venecia, para luego traerla a nuestro país en el 2005 con la intención de presentar nuevos procesos en la fabricación de lentes para cambiar el concepto de la óptica tradicional por medio de la elaboración de anteojos completamente personalizados y con un peso menor a un gramo. “Es importante subrayar que técnicamente nuestros lentes son muy ligeros, confortables, sin soldaduras ni pegamentos y mucho menos tornillos. ¡Nunca se rompen!, y eso es una característica que los hace únicos. Se diseñan pieza por pieza haciendo un análisis personalizado de la biometría, anatomía, perfil y gusto de cada usuario; por lo que se podría decir que cada Micromega es irrepetible y siempre es creado por primera vez”, enfatiza Carlón. Agrega que él mismo sigue diseñando y ha creado varios de los modelos que forman parte del catálogo de la boutique de Santa Fe. Es una tarea en la que, desde su punto de vista, se pone una especial interacción al momento de pensar en el prototipo de un producto, como los anteojos, que no sólo contribuyen a mejorar la calidad de vida de las personas y a su salud visual, sino que también se integran al look y a las tendencias de moda conforme las que van evolucionando las gafas normales. “Son anteojos hechos a mano, pero conforme innovadoras técnicas que le dan otra visión a la óptica tradicional”, finaliza Carlón. micromega.com.mx

Micromega ofrece nuevos procesos en la fabricación de lentes que cambian el concepto de la óptica tradicional.

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DISEÑO + CIUDAD

Con un color rojo ocre, Frontón México recobra su estilo art decó y presencia emblemática en la Ciudad de México, pero ahora con la infraestructura que requiere. Entrevista MARTHA LYDIA ANAYA

Fotos cor tesía Frontón México

Historia e infraestructura


DISEÑO + CIUDAD

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Luego de una serie de calas, se logró detectar el color original de los muros del inmueble para restaurar la cantera y cancelería de madera, que estaba podrida por el abandono de más de 20 años.

“ERA UNA CONSTRUCCIÓN muy lastimada por el tiempo, nada sencilla de rescatar por el abandono y su falta de mantenimiento durante más de veinte años”, cuenta José Moyao, director de Moyao Arquitectos, que le ha dado una nueva imagen al Frontón México y no sólo ha rescatado de su deterioro a este emblemático edificio de la colonia Tabacalera frente al Monumento a la Revolución en la Ciudad de México, sino que además le ha inyectado vida al convertirlo en un Centro de Entretenimiento, donde ahora se pueden disfrutar desde conciertos hasta bailes, presentaciones, pasarelas de moda y otro tipo de eventos sociales y culturales, además de los habituales partidos de jai alai para los que originalmente fue construido en 1929. Moyao agrega que la segunda etapa del proyecto ya está en ejecución con la construcción de un hotel de unas 100 habitaciones, el cual se espera esté listo en dos años más, además de un sky lounge con vista al Monumento a la

Revolución y otras amenidades; mientras tanto la operación del frontón como está en estos momentos no se interrumpe para nada. Explica que los tres principales retos para restaurar el recinto se resumen en: primero, asumir su valor patrimonial, histórico y cultural, para lo cual tuvieron que trabajar de la mano con el INBA y la Seduvi; segundo, elaborar una propuesta que asegurara la rentabilidad del espacio, pues la inversión para la rehabilitación supera hasta ahora los 35 millones de dólares; y tercero, presentar un proyecto arquitectónico acorde a la normatividad y necesidades del siglo XXI. “Así, luego de una investigación documental y una serie de calas, logramos detectar el color original del inmueble para restaurar la cantera y la cancelería de madera, que estaba podrida y fue sustituida con un PVC alemán que requiere un mantenimiento más accesible y da la apariencia y textura original. También recreamos el hall de acuerdo con varias fotografías y el frontis, de

piedra de Chiluca color verde, lo pintamos de negro con la idea de darle un toque de elegancia al nuevo espacio. La malla ciclónica que protegía al público era fija y se cambió por una que funciona como un telón y puede subirse; asimismo, las gradas de concreto se demolieron para sustituirse por unas que son retráctiles y permiten modificar la disposición de los asientos y aumentar la capacidad del inmueble de 1,700 a 4,000 espectadores. Parece sencillo, pero fue un trabajo arduo, meticuloso y para el cual nos asesoramos con antropólogos y especialistas, como el arquitecto Gabriel Mérigo quien es experto en el rescate de edificios de estilo art decó”, relata Moyao. Aún queda pendiente la colocación de una bandera en la fachada como en el edificio original, pero ese símbolo se pondrá hasta cuando se termine la comercialización del inmueble, revela el arquitecto que también ha remodelado Foro Sol y Pepsi Center WTC, entre otros. frontonmexico.com.mx


La restauración de los detalles arquitectónicos rememoran una época y honran el lenguaje creativo de Barragán.

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Foto Rafael Gamo

RESTAURACIÓN

Despieces evidenciados por juntas de latón y rodapiés en las escaleras que se empatan con los zoclos de terrazo original son elementos que se ajustan al diseño histórico del edificio.


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SU ESPACIO

Bohemio por naturaleza y enamorado del diseĂąo y la arquitectura, Iker Ortiz nos abre las puertas de su casa.


SU ESPACIO

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Viviendo en diseño “Estar en casa es el momento más agradable del día, siempre queremos pasar más tiempo aquí. ¡Es nuestro refugio!”: Iker Ortiz y Luisa Huacuja. Entrevista ITAYEDZIN ARAGÓN

Fotos GABRIEL GONZÁLEZ

Mobiliario de Ricardo Casas y piezas cerámicas de Alonso Cartú han ido aderezando el espacio de la pareja.

PASAMOS UNA TARDE con Luisa Huacuja e Iker Ortiz, ambos diseñadores y pareja que lleva cuatro años creando su espacio, un lugar que armoniza diseño local y global, al respecto ambos nos compartieron: “tenemos la fortuna de conocer y colaborar con más diseñadores, tenemos cuchillos de Laura Noriega, los tenemos siempre a la vista para usarlos, también tenemos dos piezas cerámicas de Alonso Cartú, con quien colaboramos para hacer las piezas de metal, también está el mobiliario de Ricardo Casas o los bancos de Panorámica. Tratamos siempre de tener cosas de gente que conocemos, de amigos, porque nos gusta que haya historia en los objetos de nuestra casa”.

Naturalmente, cada tanto invitan amigos a pasarla en su casa que, aunque es un lugar pequeño tiene espacio suficiente para que todos tengan un lugar y que éste sea agradable. “Nuestros amigos tienen mucho que ver, por ejemplo, Ricardo Casas, que viene muy seguido, nos ha ayudado a crear este espacio, aunque no se trate de un proyecto de interiorismo intencional, porque entre Luisa y yo nos hemos dejado llevar por nuestros gustos”, puntualiza Iker. Luisa, con una sonrisa en el rostro, nos dijo: “en fines de semana no somos muy tempraneros, nos gusta levantarnos relajados, cuando estamos solos nos preparamos buena comida, ponemos la mesa, música, y tratamos de disfrutar nuestro espacio de forma sencilla”.


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SU ESPACIO

Los diseñadores han ido armando poco a poco todos los rincones de su departamento, abundan las piezas de diseño y siempre buscan conocer a sus creadores.

Le preguntamos a la pareja si tienen alguna colección, Iker nos respondió: “Al ser diseñadores siempre estamos buscando objetos que sean distintos, siento que eso ha hecho que compaginemos en gustos y nos volvamos locos con cosas diferentes”. Luisa e Iker, viajan constantemente y gracias a esos viajes han ido alimentando su hogar, específicamente su biblioteca que cuenta con una colección dedicada al diseño de joyería y de empaque, del que ella es fiel fanática. La sala es donde la pareja pasa más tiempo, pues aquí pueden degustar vino, leer, pasar el tiempo juntos y disfrutar música, pues para ellos es necesario tenerla en casa. Las piezas de diseñadores y artistas abundan en el departamento de lo pareja, entre los que ya hemos mencionado también se encuentra Pirwi, Héctor Falcón, Jorge Yazpik, Tania Zaldivar, Orfeo Quagliata, Moisés Hernández, entre otros. Luisa nos comentó: “poco a poco hemos ido armando este espacio con detalles”. ikeror tiz.com


SU ESPACIO

“Disfrutamos nuestro espacio con buen humor y rodeados de amigos". "Nos tomamos la vida con calma En la casa siempre hay música y eso es algo que nos gusta mucho": Luisa Huacuja.

Un juego de cuchillos, creado por Laura Noriega, resalta en un lugar especial del comedor y evoca la admiración entre colegas.

“Los cuadros que tenemos de Hugo Ortega son mis preferidos”: Iker Ortiz

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ENFOQUE

“El ejemplo de humanidad y honradez de nuestro padre, Mauricio Arditti, han sido los valores que cuidamos día a día y que conllevamos con mucha responsabilidad y compromiso social”: JORGE Y ARTURO ARDITTI.

Arquitectura con balance Entrevista MARTHA LYDIA ANAYA

Retratos DUILIO RODRÍGUEZ


"El primer ingrediente que mi papá, Mauricio Arditti, nos inculcó desde niños fue a tratarnos como hermanos antes que sólo ser socios y arquitectos".


Foto Arturo Arditti

Corporativo Reforma Diana


ENFOQUE

LUEGO DE UN LARGO CAMINO satisfactoriamente recorrido con vastos proyectos armados y un cúmulo de experiencias de invaluable valor emocional, Jorge y Arturo Arditti comparten en una sola y contundente frase el legado de su padre, don Mauricio Arditti: “Amor por nuestra hermandad”. “El primer ingrediente que mi papá nos inculcó desde niños fue una educación de cómo ser y tratarnos como hermanos antes que sólo ser socios y arquitectos. Ese valor, importancia y privilegio de contar uno con el otro es lo que nos ha hecho crecer como seres humanos, y cuando esa enseñanza y emoción la llevamos al campo profesional caemos en la cuenta de que somos excelentes socios, hermanados desde la infancia”, cuenta Arturo, quien reconoce que se ha familiarizado con la arquitectura de manera progresiva y muy natural con el paso de los años. “Mi papá decía que si decidíamos ser arquitectos, lo primero que teníamos que hacer era sacarnos ‘una radiografía del hígado’ porque es una profesión difícil y un ramo complicado, en el que el tiempo siempre va en contra y se depende de gente y de factores que no están bajo control la mayor parte de las veces. Sin embargo, tuvimos la facilidad de hacer equipo con él y ese camino recorrido nos ha ayudado a comprender y a apasionarnos cada vez más por esta profesión”. “Efectivamente –interviene Jorge en la plática–. Todo nace en casa, a temprana edad; nunca hemos sentido a la arquitectura como una simple actividad profesional, sino que desde niños la hemos visto como una pasión que nos ha motivado y contagiado con mucho ímpetu para crear grandes proyectos y generar espacios que trasciendan. Recuerdo que cuando éramos pequeños me encantaba ir con mi papá y con mi hermano a las obras, a pegar tabiques y a estar en los momentos de los colados moviendo varillas; tenía la facilidad para dibujar y mentalmente copiaba muchas de esas cosas que vivía, para luego ir a la oficina paterna a sentarme en los restiradores a hacer trazos y trazos. Fue un impacto interesante que,

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La química familiar ha nutrido a los Arditti de una ética profesional invaluable. "Sabemos respetarnos para tomar las decisiones más adecuadas".

“Nunca ningún negocio se va a anteponer a nuestra hermandad y tampoco habrá proyecto que nos divida”.

a mi parecer, facilitó que mi padre nunca tuviera que forzarnos a ser arquitectos, sino que fue algo que se dio y fue fluyendo con el tiempo”. La química familiar entre Jorge y Arturo los ha nutrido de una ética profesional invaluable: “Sabemos respetarnos y marcar muy bien las líneas de lo personal y lo profesional para tomar las decisiones más adecuadas y llegar a un balance correcto. Esa es la clave que nos ha ayudado a trascender en la parte profesional. Si bien no tuvimos una influencia directa y fuerte o de imposición por parte de nuestro padre para ser arquitectos, sí cuando decidimos dedicarnos a la misma profesión que él, estuvo muy contento y su ejemplo de humanidad y honradez han sido los valores que cuidamos día a día y que conllevamos con mucha responsabilidad. Dicho en palabras metafóricas: Es como llevar un trazo en su forma y magnitud a la parte social con la honestidad y hermandad que nuestro padre nos inculcó. Nunca ningún negocio se va a anteponer a nuestra hermandad y tampoco habrá proyecto que nos divida”.

EL ARTE DE EMPATAR OPINIONES Con este balance con el que los Arditti han trabajado, hablar de su trabajo, de su trayectoria, de los proyectos que han realizado y de cuáles han sido los más complicados e incluso los más divertidos en su ejecución, se vuelve una pregunta de respuesta ágil e ingeniosa.


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ENFOQUE

Foto Jaime Navarro

“Mi papá decía que para ser arquitecto, lo primero es sacarse ‘una radiografía del hígado’ porque es un ramo complicado”

to que tiene que ser; a veces las mejores ideas surgen en las situaciones menos pensadas o más inoportunas, eso nos pasa mucho. Sí tenemos propuestas básicas, que peloteamos en un inicio y que ocasionalmente hacen que las cosas se den con mucha fluidez. Pero no ocurre todo el tiempo”. Ambos coinciden en que las constantes en su quehacer son: ser siempre profesionales, éticos, honrados, comprometidos y auténticos. “De alguna manera, estar muy al pendiente de toda la serie de ingredientes por los cuales estamos trabajando y esforzándonos a cada minuto. Eso es lo que queremos ir forjando como legado de nuestra experiencia profesional, la cual vemos como una integración de un largo recorrido. Y es que en la vida no hay una meta única sino que se trata de un proceso que se va armando en el día a día con lo que haces y te hace sentir pleno”. El punto medular recae en hacer una arquitectura con balance. Se trata, como bien argumentan los Arditti, de crear proyectos que trasciendan y en los que se vean implicados ciertos lineamientos de responsabilidad y compromiso hacia el cliente y la sociedad. “Se debe tener la suficiente madurez para evidenciar una responsabilidad veraz con el bienestar de las personas y con el planeta

Museo Memoria y Tolerancia Recubrimiento Exterior del Cubo: Jan Hendrix

Foto Paúl Czitrom

Para Arturo, el Museo de Memoria y Tolerancia no sólo es uno de los más reconocidos sino también en el que menos dificultades han tenido para empatar opiniones. “Contrario a lo que la gente pueda pensar –dice–, es una obra para la que no tuvimos diferencia alguna a pesar de la complejidad y las soluciones técnicas e infinidad de detalles arquitectónicos que implicaba. Por el contrario, de repente se puede presentar una propuesta más sencilla que puesta sobre la mesa nos cuesta más trabajo desarrollar. Lo cierto es que no hay ningún límite para hacer sugerencias, las dificultades que se han dado en ciertos casos son más por cuestiones de cómo se va desarrollando algún proyecto en sí; a veces, la parte de los reglamentos se vuelve más compleja de lo normal por temas de autorizaciones que dependen de demasiadas instancias y porque tenemos que estar integrando muchísima información. La congruencia de ese tipo de intereses no tiene nada que ver con el tamaño de los proyectos sino con cómo se van dando en la práctica”. En opinión de Jorge: “Hay un componente muy importante en la forma cómo se capta el proyecto y es que a lo mejor no siempre se está al cien por ciento para resolver todos los cuestionamientos. Cada proyecto se detona en el momen-


ENFOQUE

Foto PaĂşl Czitrom

Ciudad Gobierno del Estado de Zacatecas

Foto PaĂşl Czitrom

Ciudad Gobierno del Estado de Zacatecas

Residencial Punta Poniente

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Foto Ar turo Arditti

ENFOQUE

Foto Paúl Czitrom

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CEO “Corporativo Empresarial de Oficinas”

"Nuestra arquitectura incorpora tecnología inteligente y soluciones sustentables".

Corporativo Banorte


Foto Ar turo Arditti

ENFOQUE

Torre Skalia

en su funcionamiento, envejecimiento y mantenimiento del día a día. Eso es algo que nosotros, en particular, queremos transmitirle a las nuevas generaciones”, enfatizan los arquitectos.

CRÍTICOS Y ANALÍTICOS Pero, entonces, ¿cuál es la parte más atractiva de ser arquitecto? “Esta es una profesión de tiempo completo, de ese tipo de actividades de las que no puedes estar desconectado aunque ya estés en casa. Eso nos une mucho y hace que nuestra relación familiar y profesional sea aún más estrecha”, relatan los Arditti, quienes se confiesan adictos al trabajo, al perfeccionismo, a la dedicación, pero sin olvidar la inercia de

"A veces las mejores ideas surgen en los momentos menos pensados".

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convivio fuera de las horas laborales. “Nuestros fines de semana –cuentan– son muy intensos, y eso nos enriquece y nos gusta mucho”. Arturo enfatiza en que si tuviera que elegir entre ser un arquitecto, solo y con la misma trayectoria y todo el éxito para él, o compartir con su padre y con su hermano esas mismas emociones y satisfacciones, sin duda se inclinaría por la segunda opción porque es la más enriquecedora. “No sólo se trata de ganarse un reconocimiento y de que la gente conozca tu nombre, sino de ser críticos en todo momento y analizar las situaciones en las que nos encontremos, los lugares que frecuentamos y hasta de los países que visitamos. Eso crea una dinámica muy interesante y elimina las barreras entre las horas de oficina y las horas de convivencia ”, insiste. La arquitectura de los Arditti ha sido vanguardista y se ha caracterizado por incorporar tecnología inteligente, así como soluciones sustentables y atemporales en sus diseños. Sus obras han sido expuestas y premiadas en diversos países; incluso han sido seleccionados en un par de ocasiones para representar a México en la Bienal de Arquitectura en Venecia, considerado como el evento de arquitectura más importante a nivel mundial: su primera participación fue en 2014 en el Palazzo Mora y la segunda en 2016 en el Palazzo Bembo, donde el evento fue dirigido por el arquitecto Alejandro Aravena (Premio Pritzker 2016). Para ellos, su mayor preocupación se podría resumir en cómo hablar de estética y de formas, de materiales y colores, de moldear espacios, que son los temas que literalmente ‘llevan en la sangre’ desde la cuna y que los hacen mirar siempre hacia el futuro. ardittiarquitectos.com


ADVERTORIAL

UN LIBRERO HECHO CON LAMINADO EN COLOR CHROME YELLOW Y OTROS DETALLES DEL ESPACIO HABLAN DEL MATERIAL.


ADVERTORIAL

Trabajo y creación Con entornos funcionales y estéticos, Formica® Surfaces Studio comparte la innovación, tendencias e inspiración de la marca de laminado decorativo. Formica® Surfaces Studio es un espacio conformado por diferentes ambientes en donde las superficies que se exhiben expresan innovación y tendencia. La experiencia inicia desde la escalera que muestra en su lateral la superficie Oak Fiberwood mientras que en la pared principal se aprecia Formica Bubble Science, una superficie en la que el diseño se inspira en la mezcla de tintas que se combinan con burbujas de jabón sopladas sobre papel de grado industrial que, en esta ocasión, está combinada con follaje verde, reciclado, que transmite serenidad y armonía, naturaleza y sustentabilidad. Las puertas de los espacios de Formica® Surfaces Studio exponen diferentes superficies que van desde los tonos suaves y neutros como Just Rose y Danish Maple hasta los diseños Paper Terrazzo (Tinted y Tonal), amigables con el ambiente, que rescatan fragmentos de papel manufacturado de colores sólidos de laminado Formica que de lo contrario hubieran sido desechados. En la puerta del baño se aprecia la superficie Paint Scrape Sky que está inspirada en el arte y que muestra el color libremente y sin restricciones, revelando la mano del artista. En el interior, el muro principal está revestido con Oak Fiberwood que enmarca el mueble de baño fabricado con la superficie sólida en color Luna Sand.

El acceso a Formica® Surfaces Studio contempla una puerta corrediza que ha sido diseñada con White Marble Herringbone y algunos detalles en Matrix Blue, superficie que remite a lo clásico; y que converge de forma perfecta con la superficie Chrome Yellow, que también forma parte del diseño. En los muros se muestran las superficies White Painted Wood, Just Rose, Green Slate, Green Slate Birchply y Winter Sky, colores con diseños y texturas atractivas que invitan al tacto y a la interacción. Dentro del espacio resaltan las superficies de Writable Surfaces: LoveWords y el diseño Black ChalkAble™ que brindan la oportunidad de plasmar una experiencia creativa que invita a la convivencia. El mobiliario en este estudio está conformado por un gran librero hecho con laminado decorativo en color Chrome Yellow y mesas creadas con tres diferentes superficies y colores: Just Rose, rosa difuminado neutro; Enamel, inspirado en el color artesanal que era utilizado para pintar maquinaria y herramientas en los inicios de la época industrial, y el laminado Cooper Stratos de la línea DecoMetal®. formica.com/es/mx/trade

Fotos Eduardo Ramírez / cor tesía Formica

LA VERSATILIDAD Y FUNCIONALIDAD DE LAS DISTINTAS SUPERFICIES DE LAMINADO FORMICA SE MUESTRA EN MUROS E INCLUSO PIEZAS DE MOBILIARIO.


Fotos cor tesĂ­a de las marcas

Piezas exquisitas de diseĂąo esparcidas por los pasillos del Salone del Mobile en MilĂĄn.


PREVIEW SALONE

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Colecciรณn One to One por Armando Bruno


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PREVIEW SALONE

Quattro Gambe por Design Francesco Faccin para-EXTO

N01 por Nendo para Fritz Hansen

Fotos cor tesĂ­a de las marcas

Negative Space Vases por Arik Levy para Citco


PREVIEW SALONE

Banca Spine de Space Copenhagen para Fredericia Furniture

Coffee Table por Laura Meroni para Echo

Dining Table por Jacobsen para Essential Home

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PREVIEW SALONE

Kidman Pouf de VG New Trend para Artemest

Tapete por Angelina Askeri para Tapisrouge

Sofá Suave por Marcel Wanders para Vondom

Fotos cortesía de las marcas

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PREVIEW SALONE

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Colecciones Tangent y Softpond de Nendo para Atelier Swarovski

Instalaciรณn Breath of Light por Preciosa Lighting


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PREVIEW SALONE

Foto Mattia Balsamini

Colecciรณn Pivot por Giacomo Moor para Spotti Edizioni Milano

Pouf LAN de Neri & Hu para GAN

Candela Concreteworks de Jorge Diego Etienne


PREVIEW SALONE

Foto DelfinoSistoLegnani

Jarrones de Nathalie Du Pasquier para Bitossi

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Retrato Fabrizio Polla Mattiot - Ateliermistral

"Creo en la calidad tรกctil de los materiales y de lo que pueden evocar".


ENTREVISTA

CRISTINA Celestino

Foto Daniele Iodice

“Para mí, Brera es uno de los distritos más fascinantes y estimulantes de Milán, y se convierte en eso y mucho más durante el Fuorisalone”.

Separè para Nilufar

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ENTREVISTA

ESTE 2018, Cristina Celestino es una de las tres embajadoras –junto con Elena Salmistraro y Daniele Lago– del distrito de diseño de Brera, en donde presenta la reinterpretación del histórico tranvía milanés de 1928, transformado en un salón de viajes por las calles. ¿Cómo se siente ella con esta nueva asignación dentro del Salone del Mobile di Milano, la feria de diseño más esperada del mundo cada año? Celestino responde: “Estoy muy contenta con el papel que se me ha dado y no niego estar entusiasmada con la idea de mostrar mi nuevo proyecto personal Corallo, un tranvía que he reinterpretado según mi gusto, pero de una manera contemporánea pues se trata de un proyecto interior totalmente hecho a medida, precioso e inesperado para un medio de transporte. Para mí, Brera es uno de los distritos más fascinantes y estimulantes de Milán, y se convierte en eso y mucho más durante el Fuorisalone. Esto va muy de la mano con lo que pienso que es el diseño empático, pues cuando dibujo un objeto, la empatía y la capacidad de ponerse en los zapatos de los demás es importante. Creo en la calidad táctil de los materiales, de lo que pueden evocar, de la emoción dada por los colores y las telas. La empatía en el proyecto significa imaginar la forma en que las personas pueden experimentar espacios y objetos, creando un escenario que también contemple sus emociones”. Además de Corallo que circulará en el distrito de Brera, Celestino también presenta una colección de mesitas para Gebrüder Thonet Vienna llamada Caryllon; un sillón para Nilufar Gallery; una nueva colección de revestimientos para Fornace Brioni y el sistema de iluminación Abricó para Sergio Rossi. Cada uno de ellos demuestra su tenacidad para experimentar con distintos materiales y poner su trabajo de investigación en concordancia con lo que le piden sus clientes. “Muy a menudo, las empresas me dan una libertad extrema para expresarme en mi lenguaje de diseño. Me dan una sesión informativa y con base en eso comienzo mi investigación, aunque en el centro del proyecto siempre trato de poner al cliente y su historia. Mi investigación parte de

“La EMPATÍA en un proyecto de diseño significa imaginar la forma en que las personas pueden experimentar espacios y objetos, creando un escenario que también contemple sus emociones”.

la historia y el legado de la empresa, tratando de centrarme en sus códigos estilísticos, materiales y mano de obra. Como ejemplo, me recuerda el trabajo que he desarrollado para Fendi con The Happy Room, o incluso para Sergio Rossi para quien diseñé el interior y la colección de muebles para su nuevo concepto de boutique”, relata la diseñadora. Fue en 2012 cuando Celestino fue seleccionada para participar en el Salone Satellite con su propia marca de diseño Attico; después de esa experiencia lo que ha sucedido ha sido ‘efecto cascada’. Pero, en esos momentos ¿qué esperaba de su carrera y cuánto de lo que eran planes, sueños o sólo ideas se han convertido en realidad? Ella misma cuenta: “Siempre he trabajado mucho, sin ponerme objetivos precisos y sí aprovechando al máximo las diversas oportunidades que se me presentan. Mi carrera en el diseño interior ha sido relativamente rápida, considerando que he estado haciendo este trabajo de tiempo completo desde que nació mi hija en 2013. Estoy feliz de haber logrado conquistar mi espacio en el mundo del diseño, y de que mi trabajo y mis esfuerzos sean reconocidos”. El estilo de diseño y el trabajo detallado que hace Cristina con los materiales han sido clave en su trayectoria. “Yo me describo a mí misma con un estilo de diseño narrativo. Narrativa tanto desde mi experiencia como en comparación con el producto en sí. Siempre hay una referencia a algo que crea una historia emocional. Por ejem-

plo, el rizo de cobre de la pantalla de la lámpara de la colección Bon Ton para Torremato evoca el cierre de un pendiente. En cambio en el caso de Calatea, el sillón diseñado para Pianca cuya forma recuerda la forma de una hoja, el atractivo es la naturaleza. Lo que más me gusta es sorprender al espectador y que éste pueda usar mis artículos, como el diseño de los atomizadores para Penthouse (Seletti a partir de 2013); los dispensadores de vidrio soplado que se asemejan a las botellas de perfume de antaño o Alice, una lámpara de mesa diseñada para Budri y que es un anillo de mármol y ónix. En todos los ejemplos anteriores, Celestino pone en evidencia su personalidad intrépida para experimentar con vidrio, cuero, fibra de carbono, resina, telas etc. “Me gustan todos los materiales, sería muy difícil elegir uno favorito. Lo que más me atrae es el hecho de que se pueden manipular y siempre trato de llevar al límite las características de cada uno de ellos para luego modular y transformar la forma del producto. Trabajar con nuevos materiales siempre es un desafío para mí, y eso siempre termina por convertirse en un ‘nuevo amor’. Por ejemplo, antes de la experiencia con Fornace Brioni (para la cual trabajo como directora de arte desde 2016) nunca había usado terracota y cuando hablamos de ésta solemos pensar en algo antiguo y rústico, así que intenté reinterpretarla dándole nuevas formas y colores. Por otra parte, particularmente, del vidrio de borosilicato, sé muy bien que es un poco más que otros materiales, esto porque he mantenido una muy buena relación con mi artesano de vidrio desde los días de los atomizadores en el 2012”, concluye. cristinacelestino.com


Fotos Cristina Celestino studio

Con el tren Corallo, Celestino reinterpreta un medio de transporte.

Inspirada en las cuevas renacentistas, Giardino delle Delizie para Fornace Brioni combina sedimentos calcรกreos y conchas.


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ENTREVISTA

"Pensar que hace sólo siete años era una joven creativa en ciernes y ahora represento al distrito de diseño Brera".

Fotos cor tesía

ELENA Salmistraro


Entre los proyectos que Elena Salmistraro presenta en Milán, destaca uno para Bosa que está dedicado al trabajo de los maestros del diseño italiano.


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ENTREVISTA

El baño BluBleu es el primer proyecto ambiental de Salmistraro.

DESDE que Elena Salmistraro ha participado en el Salone del Mobile di Milano siempre ha sido para ella un evento que le provoca grandes expectativas y emociones encontradas. “Fue en 2011 cuando pisé por primera vez este gran escenario; fui seleccionada para ser parte de Superstudio Basement, un famoso evento de FuoriSalone donde en ese entonces presenté objetos completamente autoproducidos, como The lankies›s family y Deux âmes. Para mí, el Salone era un objetivo casi inalcanzable. Pero después de unos meses mis proyectos fueron seleccionados para la exposición: El nuevo diseño italiano, que ha hecho escalas en muchas capitales del mundo; desde ese día, debo admitir que los logros y satisfacciones se han ido incrementando. En 2017, por ejemplo, me honraron con el reconocimiento al mejor diseñador emergente”, platica Elena Salmistraro, quien para esta nueva edición de la feria ha sido designada como Embajadora del diseño italiano en el mundo y también tiene el honor de representar al distrito de diseño Brera junto a sus colegas Cristina Celestino y Daniele Lago. “Pensar que hace sólo siete años era una joven diseñadora en ciernes, y hoy me siento llena de orgullo al ser la portadora de un lenguaje universal como lo es el diseño. Esto me hace creer que en la vida sólo tienes que luchar para hacer tus sueños realidad”, agrega Salmistraro. Para la edición de este 2018, la diseñadora presentará diversos proyectos, incluyendo uno de Bosa que trata de una obra dedicada a los maestros del diseño italiano; otro en el que trabaja con mármol y tonos de piedra al estilo Sicilia para Lithea; nuevos fondos de pantalla para Londonart; también mostrará su primer proyecto ambiental dedicado al baño BluBleu, así como un taburete para Mogg y dos mesas de bar para Stone Italiana, además de las nuevas alfombras diseñadas para cc-tapis que ampliarán la colección ya anticipada en Maison et Objet en París. “Un logro muy importante es que finalmente voy a cumplir un camino recorrido entre la escultura de instalación y el diseño de cuadros con un

“No me considero una diseñadora clásica o canónica; desde que era una niña siempre he sido artística, pero el enfoque que le he dado al diseño de producto es una forma de evolución estilística para mí”.

proyecto para Timberland, que forma parte del distrito de diseño de Brera, del cual soy embajadora y al que me he dedicado en cuerpo y alma”, enfatiza Salmistraro. La artista admite que su trabajo es muy personal, muy visceral y que la refleja desde muchos puntos de vista. “No me considero una diseñadora clásica o canónica; desde que era una niña siempre he sido artística, pero el enfoque que le he dado al diseño de producto es una forma de evolución estilística para mí. Siempre he tratado de crear objetos que puedan colocarse en el borde entre el arte y el diseño, y con mucha sinceridad, a menudo son el resultado de un proceso creativo que comienza con la pintura”. “Honestamente –continúa la diseñadora–, me atraen todos los materiales, me gusta descubrirlos, tocarlos y cuando es posible también trabajarlos. Como dije antes, mi enfoque del diseño es muy visceral, por lo que necesito saber lo que trabajo desde todos los puntos de vista. Tal vez, por eso a lo largo de los años mi relación con los materiales más flexibles y versátiles (primero papel y luego cerámica) se ha hecho cada vez más fuerte y necesaria, hoy en mi estudio tengo un pequeño taller de cerámica que incluye un horno”. A manera de anécdota, Salmistraro comparte que de todos los proyectos que ha realizado hasta ahora, uno de los más interesantes ha sido

el del estante simple Nubila para B-line. “Puede parecer extraño, pero este ha sido un proyecto que encontré complicado. Debo admitir que el enfrentamiento con la esencialidad de las líneas y formas necesarias para la realización de una estantería me desplazó por completo. En contraste, los Primates hechos para Bosa ha sido uno de los proyectos más divertidos; todo nació por casualidad, casi por diversión; seguí el proceso creativo más natural para mí, comencé con algunas ilustraciones para llegar al objeto tridimensional tratando de mantener el mismo lenguaje estilístico, fue pura experimentación”. Elena aún no conoce México, pero sin duda es uno de los lugares que le gustaría visitar lo antes posible. “Tengo un fuerte vínculo con la pintura y, especialmente, con Frida Kahlo, que ha influido mucho en mi forma de entender el arte y también inconscientemente en la ropa. Siempre me ha gustado la forma en que usa los colores y especialmente su habilidad de hacer que lo ‘tradicional’ sea contemporáneo. Hago esta premisa porque estoy convencida de que el diseño mexicano tiene mucho que decir y creo que el punto de partida es precisamente la reinterpretación de la tradición de una manera contemporánea”, concluye la diseñadora. elenasalmistraro.com


Fotos cor tesĂ­a

ENTREVISTA

En el panel Monreal para Lithea, la artista trabaja con mĂĄrmol y piedra al estilo Sicilia.

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ENTREVISTA

GISELLA Borioli "Se acercan los 20 años de Superstudio Più y no me canso de comunicar el diseño de una forma renovada y diferente".


ENTREVISTA

CADA EDICIÓN del Salone del Mobile di Milano, Superstudio Più se renueva. Esta vez no es la excepción y presenta un ambicioso proyecto llamado Only the best, que redunda en la idea de contar con ‘la mejor ubicación’ de todos los tiempos para los proyectos más interesantes que miran hacia el futuro. Esto, además de poner atención a proyectos de tecnología enfocados en el medioambiente, la sostenibilidad y el bienestar a través de exposiciones como Smart City, Design in the age of experience, Material Village y otras más, y contar con la propuesta de una nueva forma de exhibición con ‘mobiliario vivo’ con Superloft, un hogar real curado por completo por Giulio Cappellini y en el que se mezclan todos los elementos de la vida cotidiana, como libros, arte, objetos extraordinarios o recuerdos personales. También hay un enfoque especial en Japón con la gran exposición de Nendo y el desfile de pequeñas y grandes propuestas de sus diseñadores emergentes o famosos. Se suma un enclave completo de compañías exitosas, start-ups y centros de promoción del diseño Made in Japan que llegan a Central Point para un itinerario a través

del espacio y el tiempo. Kawai, en colaboración con el artista de la luz Takahiro Matsuo, exhibe la instalación poética Crystal Rain donde un piano con un extremo transparente, creado para celebrar los noventa años de la compañía, flota sobre un vaso de agua que genera una cascada ligera para cada nota. Y Yokohama Makers Village, una red de compañías especializadas en la producción de metal ubicada en el área de Yokohama, está de regreso con Reflection/Shadow para explorar las características del material en un juego de reflejos y sombras. Pero aún hay mucho más. “Siempre le damos un poco más de protagonismo a los materiales más innovadores y con mayor rendimiento, además de que también investigamos las relaciones con el arte que, esta vez, se refleja en la exposición Art Design Design, creada por nosotros mismos”, cuenta Gisella Borioli, quien se confiesa emocionada de sentir cómo se acercan los veinte años de Superstudio Più y la creación, en 2000, del nuevo Fuorisalone, una nueva forma de comunicar diseño y darle su lugar a un concepto que renueva e integra lo tradicional en una feria tan importante como lo es la de Milán.

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El punto de inflexión este 2018 es Only the best, curada en colaboración por Giulio Cappellini.

La destreza para empatar las propuestas de artistas noveles y famosos del arte y del diseño se desvela en Discovering, creada por Elena Rurua.


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ENTREVISTA

En Transparente es el nuevo color de Madea Milano, el metacrilato es el protagonista.

“Mirando siempre hacia el futuro, pero sin olvidar el pasado; intento todos los años renovar por completo nuestro evento de diseño, alineándome con las últimas tendencias, las intuiciones y las propuestas más importantes. El punto de inflexión este 2018 es sin duda Only the best y esta es la razón por la que quería, de nuevo a mi lado, a Giulio Cappellini como director de arte y protagonista”, dice Borioli. Uno de los recursos clave de Superstudio Più ha sido su destreza y capacidad para empatar marcas, industria, artesanos noveles y famosos, arte y diseño. ¿Cómo lo han logrado? Borioli enfatiza: “No somos snobs. Buscamos calidad e innovación donde sea que estén. A menudo ofrecemos espacios y posibilidades a jóvenes talentos y creativos valiosos que no podrían enfrentar los costos de un evento como el que se

organiza en Milán cada año. Hemos apadrinado a muchos artistas, ¡ahora somos superestrellas! Al mismo tiempo buscamos las grandes marcas internacionales porque saben que somos un lugar de absoluto prestigio y que nos movemos con competencia y calidad”. Superstudio Più nació como el lugar de la “comunicación avanzada” para responder a la necesidad de una visibilidad nueva y diferente de sectores como el arte, moda, diseño, innovación y creatividad en general. Borioli rememora que “durante la primera parte de nuestras vidas, mi esposo –Giulio Cappellini– y yo fuimos periodistas, directores de arte, editores; conocíamos bien el mundo de la impresión y la comunicación y comprendimos que necesitábamos algo diferente. En el 2000 sentimos la necesidad de ir más allá con un lugar que sirviera para desfiles de moda,

exposiciones, puesta en escena, espectáculos, eventos en una perspectiva cultural-comercial completamente nueva. Nos dimos cuenta de que muchos jóvenes talentos no podían encontrar espacios en la ciudad para darse a conocer; es por eso que nos hemos dedicado a esos artistas, estilistas, diseñadores, directores, videastas, coreógrafos… todos vanguardistas y visionarios. Así es cómo en los edificios de la antigua General Electric hemos encontrado ‘el hogar’ en el que realizar nuestro sueño”. Borioli comparte que ha estado en México un par de veces. “Me resulta un país vital y recuerdo con placer el mar de Cancún, lo más antiguo en Oaxaca, Yucatán y Teotihuacán. Regresaría a todos esos lugares, sobre todo ahora que la Ciudad de México es la Capital Mundial del Diseño”. superstudiogroup.com

Fotos cor tesía

“Todos los años renuevo por completo nuestro evento de diseño, pero mirando hacia el futuro y siempre alineándome a intuiciones, tendencias y propuestas”.


ENTREVISTA

Superloft curada por Giulio Cappellini mezcla elementos de la vida cotidiana.

Icone Luce es protagonista en la casa imaginaria Superloft, en la que también están otros maestros del diseño Made in Italy.

De la colección Toptun para FAINA resalta el pequeño sillón de fieltro con brazos, diseñado por Viktoria Yakusha,

Living Divani Rod Bean de Piero Lissoni forma parte de los objetos que integran Superloft.

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ENTREVISTA

MARGRIET Vollenberg

Fotos cor tesía

La marca Ventura ha explorado el mundo durante mucho tiempo; el único cambio es que ahora también ocupa nuevos espacios en Milán.


ENTREVISTA

DURANTE OCHO AÑOS, Ventura Lambrate destacó como el lugar donde toparse con lo mejor del diseño no descubierto, emocionante y contemporáneo durante el Salone del Mobile di Milano. En 2018, Lambrate ya no existirá; en su lugar, es sucedida por Ventura Future. “Es importante darse cuenta de que el final de Ventura Lambrate no es la conclusión de los proyectos de Ventura. El hecho de que hayamos decidido alejarnos del área de Lambrate en Milán no significa que deseemos lograr algo diferente este año. Todavía tenemos la intención de ayudar a diferentes tipos de diseñadores a encontrar una forma de perfilarse en un entorno que les permita forjar futuras colaboraciones. Cuando comencé en Milán hace veinte años, noté que sólo los diseñadores bien establecidos lograban organizar su negocio a través de plataformas de alta calidad. Vi esto como un desarrollo preocupante; después de todo, es la próxima generación la que tiene la capacidad de cambiar el mundo del diseño con sus conceptos e inventiva. Con Ventura Projects nuestro objetivo es reunir creatividades de ideas afines y ofrecer el escenario a diseñadores emergentes, marcas y estudios creativos que cada vez

más presentan nuevas formas de trabajar, vivir y desarrollarse. Nuestros últimos proyectos en Milán son simplemente una continuación de estas actividades”, aclara respecto del tema, Margriet Vollenberg, fundadora de Ventura Projects. La marca Ventura ha explorado el mundo durante mucho tiempo, estableciendo proyectos en lugares como Londres, Berlín, Kortrijk, Nueva York y, más recientemente, Dubai. “El único cambio –agrega Vollenberg– es que ahora también estamos ocupando nuevos espacios en

Lambrate ya no existirá; es sucedida por Ventura Future, que mostrará el impacto de las nuevas tecnologías.

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Milán. Como organizadores de eventos de tal magnitud, este es un cambio bienvenido y esperamos que los visitantes a la feria compartan esta experiencia. Por otra parte, la primera edición de Ventura Centrale superó con creces nuestras expectativas y no tengo ninguna duda de que las presentaciones de los expositores seleccionados para Ventura Future sorprendan al público de la misma manera que con su fantástica gama de proyectos inspiradores”. Lo nuevo de este año es el espacio de unos 4,500 m² de los impresionantes espacios FuturDome dentro de Ventura Future, que anteriormente fue un punto de encuentro del Movimiento Futurista. “Ahí se exhiben diseños experimentales y creativos, así como colaboraciones significativas. Por ejemplo, tenemos HH, una visión de diseño holandés sobre la salud y la felicidad –con el apoyo de la Embajada holandesa en Italia– que cuestiona el impacto social, ético y cultural de las nuevas tecnologías en nuestra vida diaria, al tiempo que presenta soluciones que posiblemente mejorarán la calidad de vida. También tenemos muchas escuelas reunidas en el edificio de la Universidad y estamos dando la bienveni-

UM Project usa muebles interconectados para crear una microred doméstica, alimentada por energía solar.


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ESPECIAL BAÑOS


ESPECIAL BAÑOS

Santuarios dedicados a la intimidad que rompen con el tabú de que son los espacios olvidados del interiorismo. Textos MARTHA LYDIA ANAYA

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Amplitud con mármol blanco Casa F12 Miguel de la Torre Arquitectos San Ángel, CDMX Fotos

JORGE GARRIDO

El baño es el espacio más íntimo y privado en una casa, pero también el más olvidado la mayor parte de las veces. Es un cuarto en el cual las personas se asean, y en el más estricto funcionalismo, cualquier espacio que tenga los tres elementos básicos: regadera, lavabo y water closet (WC) es considerado un baño. Pero qué pasa cuando encontramos elementos que sorprenden como materiales, iluminación y entradas de luz y aire; el baño deja de ser un simple cuarto de aseo para transformarse en un espacio habitable, de reunión, comunicación, meditación, descanso, reflexión y tranquilidad. En Casa F12 –una obra que surge de la intervención a una residencia de finales del siglo XIX, cuyo terreno de 850 m² probablemente perteneció al ex Convento de Nuestra Señora del Carmen, aunque no hay información que lo valide–, la sensación al entrar a su baño es de mucha amplitud, más de la que en realidad tiene. Esto lo logramos usando un solo material para muros y pisos: mármol blanco. Las divisiones entre los espacios y el patio son de vidrio transparente, lo que da la impresión de ser un solo lugar. El patio se pierde por la continuidad de los materiales y se entiende como tal al percatarse de que no tiene techo. La pieza principal es una pileta al centro del baño que vestibula espacialmente los espacios y que además sirve como una gran banca hacia todos los rincones.  migueldelatorre.com


Cuando se encuentran elementos que sorprenden como materiales, iluminaciĂłn y entradas de luz y aire; el baĂąo deja de ser un simple cuarto de aseo para transformarse en un espacio habitable.


ESPECIAL BAÑOS

Foto xxxxxxxxxx

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Mármol, espejos y piedra natural Casa P29 vgz arquitectura y diseño CDMX Fotos

RAFAEL GAMO Iluminación y ventilación naturales hacen toda la diferencia para que un baño se vea impecable. Esos dos elementos son parte de la estrategia que el equipo de vgz arquitectura y diseño nunca pasan desapercibidos en sus proyectos, sobre todo cuando se trata de un espacio íntimo y personal como el cuarto de baño, en donde lo más importante es que las personas que lo usan se sientan cómodas, libres y aseadas. “Para el baño de la recámara principal de Casa P29 usamos mucho mármol, espejos y piedra natural como reglas generales; cuidamos detalles como usar placas completas de mármol y evitar las juntas en los materiales (porque se ensucian y se manchan) con la idea de que el espacio siempre se vea impecable, limpio y fresco. Hay ventanas que conectan el lugar con espacios verdes en los exteriores, y eso es un elemento que le da una vista y efectos espectaculares a este baño, pues brinda la sensación de estar en medio de árboles cuando en realidad es un sitio muy discreto”, cuenta Verónica González Zavala de vgz arquitectura y diseño, quien enfatiza que la composición del proyecto integral de Casa P29 se logró vinculando todos los espacios por medio de diversas entradas, jardines y/o terrazas, y es el concreto el que funciona como estructura y acabado a la vez, agregándose a una paleta de diversos materiales como vidrio, madera, piedra y concreto. vgzarquitectura.com

Mármol, espejos y piedra natural son la regla general para que los baños siempre se vean impecables, limpios y muy frescos.

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Lo funcional con amenidades tecnológicas Departamento BSF ARQMOV Workshop Santa Fe, Ciudad de México Fotos

JAIME NAVARRO

Pensar en el proyecto arquitectónico y el diseño de un baño siempre es divertido en el sentido de que son espacios que dicen muchas cosas de la persona que los usa y de lo que necesita en su cotidianidad. Hay quienes requieren algo muy básico y funcional, pero también hay quienes exigen muchas más amenidades, como pantallas de televisión empotradas, sistemas

de audio y espejos electrificados para que no se empañen. “Lo importante es que el baño es un lugar de la casa que siempre va a tener ‘algo particular’ de cada persona”, dice Fabio Correa al platicar de cómo en el proyecto de Departamento BSF, la petición más importante de la familia –una pareja mexicano-española que en su convivencia mezclaba diferentes costumbres y culturas– fue colocar una tina de baño para el uso habitual y de tratamientos corporales con aromaterapia y música. Así, la tina es protagonista en este espacio y aprovecha las vistas espectaculares del departamento hacia un campo de golf y el bosque de Santa Fe; claro que la disposición en general de la habitación permite apreciar esos aspectos externos a través de ventanales enormes e incluso desde las áreas de descanso. Esto se complementa con un área de regadera que cuenta con iluminación de cromoterapia y un uso de materiales de gustos modernos, contemporáneos y más atrevidos, como el muro detrás de los lavabos que es una loseta de cemento de colores tridimensionales que brinda una textura bastante fuerte al ambiente, además de maderas de encino y nogal para los muebles y mármol arabescato y rasva, que componen una gama cromática cálida que equilibra las superficies de muros y pisos. arqmov.com


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Hay quienes requieren algo muy básico y funcional en un baño, pero también hay quienes exigen amenidades, como pantallas de televisión empotradas, sistemas de audio y espejos electrificados para que no se empañen.

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El uso de espejos en el cuarto de baño es un elemento de interiorismo muy importante porque ahí nos reflejamos y hacemos las reflexiones diarias de la edad y del tiempo que va pasando.


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La paz de encontrarse consigo mismo Casa Risco Antonio Farré + Elena Talavera Ciudad de México Fotos

CECILIA DEL OLMO

Desde hace tiempo el arquitecto Antonio Farré y la diseñadora de interiores Elena Talavera ya habían tenido la inquietud de colaborar juntos; Casa Risco los reúne por primera vez como en una especie de yin-yang en el que dos fuerzas se complementan. Él representa la parte del proyecto arquitectónico de la residencia y la interpreta con una personalidad de trazos fuertes y minimalistas, usando materiales como la madera, piedra y cristal en proporciones gigantescas; mientras que ella

se encarga de los detalles y asume el reto de darle una sensibilidad más humana al espacio. Talavera explica que “la recámara principal (donde está el baño) es el lugar donde más horas pasamos al día; por eso, el cuarto de baño se ha convertido en una atmósfera de convivio y de encuentro con uno mismo en la que el tema de los espejos es demasiado fuerte porque ahí nos reflejamos, cuestionamos y hacemos las reflexiones diarias de la edad y del tiempo que va pasando”. En el baño de Casa Risco hay espejos para verse reflejado todo el tiempo y se aprovecha la iluminación de tal manera que sea un remanso, un lugar de paz para encontrarse consigo mismo. “Lo que más resalta –enfatiza Talavera– es que se trata de un baño masculino, por lo que era importante conservar un aire varonil, pero al mismo tiempo acogedor. Otro detalle importante es que a este espacio se le anexó una parte dentro del jardín, lo que le da la sensación de estar en medio de la naturaleza. Por eso, usé muebles hechos como de ‘rebanadas de madera’ y no mobiliario plástico ni frío que rompiera con la idea de darle continuidad a esa sensación de sentirse acogido dentro de un espacio de grandes alturas”. elenatalavera.com

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ESPECIAL BAÑOS

El mármol y la porcelana son la materia prima que, en la adecuada combinación, dan la mejor bienvenida a un espacio tan personal como el cuarto de baño y vestidores.


Ambiente cálido que genera tranquilidad.

Santuario de tranquilidad e intimidad Departamento Altaire I Kababie Arquitectos CDMX

Fotos

LGM STUDIO

“Tranquilidad, limpieza e intimidad son las sensaciones que debe inspirar un cuarto de baño más allá de las actividades comunes para las que ha sido creado”, dice Elías Kababie al reconocer al mismo tiempo que dicho espacio ha adquirido un papel cada vez más protagónico en el programa arquitectónico y el diseño de una casa, gracias a la privacidad y ambiente de relajación que ofrece. La estética, originalidad y las ventajas de ciertos materiales hoy se pueden acoplar muy bien a estas percepciones sin dejar de lado la funcionalidad de los elementos clave que componen el cuarto de baño y sus vestidores, como grifería, lavamanos y otros accesorios. Para Kababie, el mármol y la porcelana son la materia prima que, en la adecuada combinación, dan la mejor bienvenida a un espacio tan personal, en donde higiene y confort son prioritarios. En el proyecto de Departamento Altaire I, lo que más pedía la familia era un ambiente cálido y armónico que generara tranquilidad sin perder modernidad. Deseaban que todos los espacios expresaran su esencia a través de las diferentes texturas, colores y mobiliario seleccionado cuidadosamente para ellos; por eso, la premisa del proyecto integral fue la generación de espacios abiertos y versátiles que pudieran cambiar de públicos a privados mediante una transición sutil. Se usó una paleta de colores más oscuros e intensos para contrarrestar el mobiliario y transmitir elegancia. “Con esta selección de materiales e iluminación logramos que el baño principal se convirtiera en un verdadero santuario que se complementa con el diseño de un amplio vestidor”, finaliza el arquitecto. kababiearquitectos.com


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ENTREVISTA

Privacidad en espacios abiertos

“La realidad es que ‘todo es válido’ en el interiorismo de un baño porque es donde gozas tu intimidad sin ataduras”: COVADONGA HERNÁNDEZ. Entrevista MARTHA LYDIA ANAYA

Retrato JOSÉ MARGALEFF

Fotos proyectos HÉCTOR VELASCO FACIO


ENTREVISTA

CON 15 AÑOS de trayectoria, Covadonga Hernández –fundadora de MarqCó– ha explorado la forma de vida y el estilo personal de quienes habitan ciertos espacios, para luego transformarlos y que hablen por sí solos. Comparte que en este camino de inspiración en el que ha realizado decenas de proyectos, particularmente para residencias y casas de descanso, justo uno de los espacios que más ha evolucionado en el tiempo es el área de baños y vestidores, que sería el lugar más íntimo de una casa. ¿CUÁLES SON LOS CAMBIOS MÁS NOTORIOS EN EL DISEÑO DE INTERIORES DE UN BAÑO-VESTIDOR? Ahora la gente quiere disponer de lugares más amplios y más abiertos, en los que incluso no haya puertas y pueda disfrutar de esos momentos tan especiales de libertad que se da cuando se toma su tiempo de darse un baño, arreglarse para antes de ir trabajar o simplemente para relajarse con unos minutos en plena privacidad. Tan es así que

el área de baño-vestidor se han ido integrando en una sola e incluso llegan a ser de más del doble del tamaño de una recámara principal. Hay ciertos proyectos en los que el cliente pide dos áreas de Water Clóset (WC) por separado: una para el esposo y otra para la esposa, con la idea de que cada quien disponga de su espacio sanitario personal y absoluta intimidad para no ser molestado, pero comparten el área de lavabo, regadera y tina de tal forma que en algunos casos hasta he llegado a colocar un sofá o una pequeña mesa acompañada de sillones cómodos en donde puedan sentarse a conversar los temas del día a día. ¿QUÉ ELEMENTOS DE DISEÑO O IDEAS SERÍAN LA CLAVE PARA LOGRAR UN CUARTO DE BAÑO IDEAL? Tomando en cuenta que estamos hablando de un espacio que en algunos casos llega a ocupar mucho lugar físico en metros cuadrados dentro de una casa, habría que considerar que esa condicionante supone también la atención a una

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diversidad de detalles de interiorismo, como el uso de tinas espectaculares, espejos muy grandes, variedad de texturas en pisos y muros, tapetes grandes para caminar descalzo, luminarias tanto de luz natural como indirecta que lo mismo funcionen para maquillarse o rasurarse, espacio suficiente para moverte y abrir y cerrar cajones de muebles etc. Incluso hay quienes no descartan la idea de incluir libreros en las áreas de descanso compartidas con la intención de contar con revistas o publicaciones para leer en los momentos de relax o también disponer de una sala de estar adornada con obras de arte en la que puedan recibir invitados. La música, por ejemplo, es un detalle que antes no era tan notorio pero que ahora sí es muy solicitado el hecho de equipar el baño con un sistema de audio para cuando se esté usando. Podría decir que hay solicitudes ‘fuera de proporción’ según lo que quiera cada persona, y la realidad es que ‘todo es válido’ porque se trata del espacio en el que gozas tu intimidad sin ataduras.

Hay quienes no descartan la idea de incluir obras de arte y libreros, e incluso sistema de audio para hacer más agradables los momentos limpieza.


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ENTREVISTA

El área de bañovestidor se ha ido integrando en una sola e incluso llegan a ser de más del doble del tamaño de una recámara principal.

¿CUÁLES SON LOS MATERIALES EN TENDENCIA PARA EXPERIMENTAR CON EL DISEÑO DE INTERIORES DEL BAÑO-VESTIDOR? Cada día hay más opciones de materiales, colores y texturas que aportan las diferentes marcas especializadas en el mercado para jugar y experimentar en cuanto al interiorismo residencial. Lo que está increíble es que ‘todo se vale’ y que en cada proyecto existe la oportunidad de fusionar opciones distintas. El mármol sigue siendo el must para forrar con placas completas los pisos y muros de un baño y está muy en tendencia el uso de platos de ducha, gracias a los que en la regadera te cae el agua como si fuera lluvia y la sensación al tomar un baño es una delicia. La madera también se usa mucho para forrar algunos rincones y es un material muy acogedor, aunque a veces a la gente aún le da un poco de miedo recurrir a ésta por su mantenimiento.

Para mí, el mármol es un material que da muchas posibilidades para crear el interiorismo de un baño, como ese sentido de calidez que se puede tener con mangueras de calefacción para lograr que esté a buena temperatura y puedas caminar descalzo por todo el espacio; también en lo personal me gusta mucho jugar con las texturas y combinar madera y mármol, o de repente un mosaico veneciano. ¿CÓMO SE EMPATA EL TEMA DE SUSTENTABILIDAD CON EL DISEÑO DE UN BAÑO? En el corto plazo va a ser aún más notorio cómo los baños se están abriendo paso en la era de la sustentabilidad en aras de combinar estética y funcionalidad. El diseño y la tecnología de mobiliario, aditamentos y accesorios que ofrecen las distintas marcas cada vez está más encaminado al ahorro de energía y de agua, y en cuanto a mate-

riales algo que en estos momentos está entrando mucho es el uso de ‘piedras hechizas’, las cuales se trabajan con polvo de mármol y resinas con la idea e generar piedras que son artificiales, pero muy parecidas a lo natural con sus vetas y texturas. Lo habitual es irse por lo natural, pero a veces el uso de mármol es complicado y costoso; por eso, las piedras hechizas están siendo una maravilla pues se pueden tener del color que quieras y además brindan una muy buena temperatura al tacto y son mucho más accesibles. En Estados Unidos ya se están usando muchísimo y no dudo que en pocos años también sean una opción recurrente en México. marqco.com


ENTREVISTA

El mármol sigue siendo el must para pisos y muros de un baño y está muy tendencia el uso de platos de ducha, gracias a los que en la regadera te cae el agua como si fuera lluvia y la sensación al tomar un baño es una delicia.

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Espacios Públicos Indispensables para crear comunidad, la variedad en espacios de este tipo puede variar entre museos, centros culturales y parques. He aquí una selección breve que lo ejemplifica.

Foto Jaime Navarro

Textos ITAYEDZIN ARAGÓN


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Centro Cultural Teopanzolco fue ganador del American Architecture Prize 2017 en Diseño Arquitectónico.


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ESPACIOS PÚBLICOS

El Centro Cultural Teopanzolco se encuentra en Cuernavaca y su diseño arquitectónico fue una suma de Isaac Broid y PRODUCTORA, ambos despachos de la CDMX. En conjunto, el proyecto establece un diálogo continuo entre la vida cultural contemporánea y la presencia del pasado.


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Centro Cultural Teopanzolco

El proyecto para el nuevo Centro Cultural Teopanzolco se despliega frente a la zona arqueológica homónima; por este motivo, ambos despachos plantearon dos estrategias fundamentales: potenciar la relación con el sitio prehispánico y generar un espacio público significativo. El edificio del Centro Cultural, cuya área construida es de 7,000 m², se organiza a través de dos elementos: una planta triangular que contiene los programas públicos como vestíbulos, servicios, taquillas, guardarropas y auditorio, y una plataforma que lo rodea alojando las zonas privadas de operación como camerinos, bodegas, zonas de armado, entre otras. La cubierta principal del Centro Cultural está integrada por una gran rampa escalonada que baja sustancialmente el impacto visual del nuevo edificio y genera una gran explanada que funciona como la cubierta de la sala principal del auditorio, y contiene otra explanada más pequeña que es la cubierta del vestíbulo principal. Ambas plataformas, de forma triangular, descienden en direcciones opuestas y crean un juego visual de planos inclinados que puede apreciarse durante todo el recorrido. El vestíbulo principal tiene aberturas permanentes dispuestas estratégicamente que permiten una ventilación cruzada, evitando el uso de sistemas eléctricos de acondicionamiento térmico. El eje de composición de la planta triangular del acceso se dispuso intencionalmente en el mismo eje de la pirámide principal. El inmueble está rodeado por una plataforma horizontal que sirve como mirador hacia la ciudad morelense y la zona arqueológica, del que destaca un gran basamento con una serie de patios, uno de ellos se hunde frente al acceso secundario del auditorio y crea un pequeño teatro al aire libre, ideal para generar actividades con una dinámica más fluida, conectada con el contexto arquitectónico y climático. Esta solución programática genera espacios exteriores diversos y resuelve accesos secundarios al interior del auditorio o a la misma plataforma. El diseño arquitectónico del proyecto estuvo a

Fotos JAIME NAVARRO

cargo de Isaac Broid + PRODUCTORA (Carlos Bedoya, Víctor Jaime, Wonne Ickx, Abel Perles) con la colaboración de Gerardo Galicia, Pamela Martínez, Josué Palma, Alonso Sánchez, Rosalía Yuste, Antonio Espinoza, Diego Velázquez, Gerardo Aguilar, Lucrecia Sodo, Jesús Minor, Juan Pablo Pérez, Oswaldo Delgadillo, Mariana Toro, Valeria Alvarado y Eitan Vázquez. El diseño estructural estuvo a cargo de Colinas del Buen (Efrén Franco y Selene Cortés), las ingenierías: Taller M2 (José Madrid), además de la asesoría teatral de Alejandro Luna e Itzel Alba, la asesoría acústica de Cristian Ezcurdia y ARUP (Jaume Soler). El diseño de iluminación fue de Luz y Forma y la asesoría bioclimática fue de Bioarquitectura (Gerardo Velázquez Flores). isaacbroid.com productora-df.com.mx

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ESPACIOS PÚBLICOS

MEMORIAL NAVAL Fotos JAIME NAVARRO

La edificación está conformada por un cuerpo prismático montado sobre un talud de tierra dividido por dos muros de concreto.

En un predio con topografía irregular y ocupado por jardines, se encuentra el Memorial de la Heroica Escuela Naval Militar Antón Lizardo, en el municipio de Alvarado, a 32 kilómetros del puerto de Veracruz. La edificación está conformada por un cuerpo prismático montado sobre un talud de tierra dividido por dos muros de concreto, en la planta baja se despliega un patio con espejos de agua y al centro se plantó una escalinata que dirige al visitante al interior del Memorial, del conjunto se erige una torre de 35 metros, que funciona como faro y mirador. El proyecto se divide en dos zonas principales: el basamento que contiene los accesos, las zonas de servicio y equipamiento y la parte alta con las áreas de exhibición, ambas zonas contemplan accesos y sus respectivas áreas de servicios y circulaciones. En los espacios de exhibición que componen el proyecto museográfico coordinado por Margen Rojo, se exponen pinturas, navíos a escala y objetos personales de miembros destacados de la Marina mexicana. El edificio además de mantener la memoria de los héroes navales de México, honra valores como el deber, la lealtad, el honor y el patriotismo.

Proyecto que se integra a una plaza conmemorativa, ubicada en Boca del Río en el estado de Veracruz y desarrollado por Picciotto Arquitectos.

Para el proyecto de 2,700 m², el despacho Picciotto Arquitectos, contó con la colaboración de Arco Radial para los cálculos estructurales, BIOE en el diseño de instalaciones, Eric Hernández en el cálculo de HVAC, Ambiente Arquitectos realizó la arquitectura de paisaje, Katorce Spacios la colocación de envolventes, además de la colaboración de Francisco Vázquez, Pentágono y Tedd. El equipo de proyecto estuvo integrado por José Picciotto, Abraham Picciotto, Enrique Anaya, Gabriela Rivera y Juan Hernández. El edificio respeta los materiales y colores del espacio existente, desde su desarrollo se planteó realizar una reducción en el consumo de energéticos convencionales y lograr una estética contemporánea y sobria, que hace uso de materiales cerámicos, desde el punto de vista frontal el proyecto se diluye de manera discreta con su entorno urbano, como una pieza que resguarda la memoria. picciotto.com


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El proyecto de 2,700 m² sirve como memorial, resguarda y exhibe pinturas, navíos a escala y objetos personales de miembros destacados de la Marina mexicana.

El edificio respeta los materiales y colores del espacio existente, con un toque contemporáneo.

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PARQUE LA MEXICANA Fotos FRANCISCO GÓMEZ SOSA

Recientemente inaugurado, el parque La Mexicana representa una parte de la arquitectura pública nueva en la CDMX, llegar a su inauguración fue resultado de una larga negoción entre la comunidad de la zona con la autoridad de la ciudad, ya que la extensión de 29 hectáreas inmersas en Santa Fe estaba destinada a un proyecto de vivienda. La zona fue explotada como mina durante 50 años, a raíz de sus excavaciones terminó siendo un enorme socavón, un hueco de 70 metros de profundidad en un área de 40 hectáreas, de las que el 70% se dedicaron al parque y el 30% a vivienda privada, además se logró que los promotores inmobiliarios construyeran a cuenta de sus terrenos el parque y la infraestructura necesaria. Fue justo ese encuadre social, político y económico lo que sustentó la posibilidad de creación de un nuevo parque en la Delegación de Cuajimalpa, un área de crecimiento acelerado sin parques o espacios públicos. En su comunicación oficial, Grupo de Diseño Urbano, enuncia: “La Mexicana es un proyecto

El circuito de tartán, ideal para correr, complementa los ejes trasversales de recorrido trazados para tejer peatonalmente la zona.

de arquitectura de paisaje y arquitectura a gran escala, que planteó reciclar una herida ambiental para, por medio de su transformación, convertirla en un espacio verde, recreativo, comunitario, lúdico y accesible a todo mundo: niños, jóvenes, adultos y mayores.” El plan maestro constó de 420,000m2, cuyo desarrollo estuvo a cargo de GDU + VMA, la coordinación del proyecto por parte de GDU tuvo la dirección de Mario Schjetnan, la coordinación de Fabián Tron y la forestación y jardinería por Jessica Navarrete, mientras la coordinación por parte de VMA estuvo a cargo de Ángeles Miranda. Dentro del diseño del parque se desarrollaron ejes primordiales para conseguir un espacio accesible, por un lado, un eje hídrico que se extiende longitudinalmente y que capta el agua de lluvia en una “biozanja” que la infiltra y conduce hacia un nuevo lago. Por otro lado, existe un eje peatonal que atraviesa todo el parque y que deja al alcance de sus habitantes diferentes actividades, dispuestas en plataformas que aprovecharon la topografía del lugar y ofrecen jardines con actividades específicas: áreas infantiles, jardines de reposo, áreas para mascotas, miradores, anfiteatro y skatepark, que se complementan con un circuito de tartán, una ciclopista y un andador, sitios que dan al parque una condición de movimiento. Existe también un eje poético, que sustenta la belleza, alegría y libertad a través de dos lagos y cascadas, además de 2200 árboles y 20 variedades de plantas que pronto volverán el paisaje erosionado en un lugar de acogimiento, con asoleamientos, sombras, colores y aromas. gdu.com.mx victormarquez.com


ESPACIOS PÚBLICOS

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En Santa Fe, zona que se caracteriza por la presencia de edificios corporativos y habitaciones, se desarrolló el parque La Mexicana por Mario Schjetnan y Víctor Márquez.

La Mexicana es un proyecto de arquitectura de paisaje y arquitectura a gran escala. El parque ofrece plataformas para descanso y recogimiento


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RESIDENCIAL

Concreto aparente y madera CASA CUERNAVACA | TAPIA MCMAHON | CIUDAD DE Mร‰XICO

Fotos RAFAEL GAMO

En la soluciรณn arquitectรณnica fue importante considerar el tema de sostenibilidad integral, el reciclamiento y reutilizaciรณn de materiales.


RESIDENCIAL

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RESIDENCIAL

Se reutilizó parte de la cimentación existente de mampostería de piedra brasa, trabes y losa como cimentación adicional a la requerida. Tabique rojo es el material principal de la fachada del patio posterior.

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RESIDENCIAL

Naturaleza en sensaciรณn CASA PARAรSO COUNTRY CLUB | DCPP ARQUITECTOS | MORELOS

Fotos RAFAEL GAMO

El concepto arquitectรณnico propone una casa de una sola planta que se abre hacia la calle en la parte del frente y hacia el paisaje en la parte posterior, planteada sin bardas ni muros.


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RESIDENCIAL

Planteada sin bardas ni muros, el concepto arquitectónico de esta residencia se basa en una sola planta.

CASA PARAÍSO es una casa de fin de semana dentro de un fraccionamiento privado cerca de Cuernavaca. Al situarse en un predio plano con vecinos de dos niveles en ambos lados, se aprovecha la vista de la parte posterior hacia el campo de golf y las montañas. El concepto arquitectónico aborda una casa de una sola planta que se abre hacia la calle en la parte del frente y hacia el paisaje en la parte posterior, fue planteada sin bardas ni muros medianeros, solamente con límites de vegetación baja y árboles que permiten introducir la naturaleza circundante a la casa en sensación. El esquema en planta y en sección se basa en una serie de muros y trabes orientados en dirección a las vistas que delimitan los diferentes espacios y necesidades, seccionado por un eje único de circulación en el sentido largo del predio. Ambas fachadas tienen una condición cambiante dependiendo los requeri-

mientos de luz en el interior, solucionada con cortinas exteriores de malla sombra que generan un efecto de transparencia en el interior. Por último, una sola cubierta contiene y ordena el proyecto y todo lo que pasa en planta, resuelto a dos aguas por normativa del fraccionamiento. LCMX desarrolló su propuesta de mobiliario utilizando líneas simples y funcionales, partiendo de una idea de eficiencia en los procesos de producción, y con el objetivo de resaltar los contrastes de los materiales utilizados en el proyecto: madera, acero, granito y concreto. Cada pieza de mobiliario fue creada con especial atención en los detalles desde el diseño hasta su ejecución, combinando procesos de producción artesanales y contemporáneos. dcpp.mx


RESIDENCIAL

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SegĂşn los requerimientos de luz, las cortinas de malla sombra pueden generar un efecto de transparencia.


MA C RO TEN DEN CIAS formica.com/es/mx


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MACROTENDENCIAS

Biocompuestos inteligentes Smart Organic: sintético y natural

Hombre y naturaleza se unen para mejorar científicamente y refinar los recursos naturales. La tendencia Smart Organic de Formica se adueña de esta conciencia ambiental y crea compuestos biológicos inteligentes. El binomio creativo formado por Lorena Vieyra y Ad Hoc, Juan José Nemer y Mauricio Álvarez, desafían las ideas preconcebidas sobre los productos reciclados con sus propuestas de set y mobiliario expuestas dentro del recién renovado Frontón México. ®

Fotos JOSÉ MARGALEFF Editor de sección GRETA ARCILA Y GERMÁN VELASCO


MACROTENDENCIAS

Materiales: Laminados decorativos marca Formica® Vestido MAYA HANSEN 1 Corset MAYA HANSEN 1 Zapatos REBECA MIRANDA 1 Accesorios de THALITHA

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AD HOC Color, energía y materiales sustenta bles

¿Cómo resumen su experiencia de trabajar con Smart Organic? Fue un proceso bastante interesante y divertido que, al principio, representó un reto porque son materiales naturales combinados con las cualidades de los sintéticos con los que Juan José Nemer y Mauricio Álvarez –fundadores de Ad Hoc– no están acostumbrados a trabajar. “Usamos más las maderas, los materiales pétreos y las herrerías, pero la idea (cuando platicamos con Lorena Vieyra) fue evidenciar el material en todos sus frentes y laterales, y explotar esa facilidad de transformación que tiene”, cuentan Nemer y Álvarez. Por eso, se alejan de lo que normalmente se hace con los laminados (ya sea cubiertas de cocina o paneles) y proponen un par de mesitas que valorizan los materiales de Formica® en sus diferentes formas. “La inspiración surgió desde el primer día en que todos nos juntamos en equipo y envolvieron a Lorena con una gran lámina, fue entonces que quisimos darle a nuestra propuesta ese perfil de exponer las características del material, haciendo algo distinto. adhoc.mx

Materiales: Laminados decorativos marca Formica® Vestido LORENA SARABIA 1 Poncho RECREO SAN MIGUEL 1 Botines Vintage 1 Collar MARTACARMELA SOTELO


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MACROTENDENCIAS

LORE NA VIEYRA Perspectivas, sombras y colores Una sucesión de paneles que se interceptan entre sí con la idea de ampliar las posibilidades de perspectiva y al mismo tiempo generar distintas sombras según el juego de luces, es lo que Lorena Vieyra crea con los materiales de la tendencia Smart Organic de Formica que tienen la apariencia de piedras, colados de concreto y granito que se visualizan en el acabado TERRAZZO. “Lo que quise fue evidenciar el uso de un material que ‘pretende ser, pero que no es’; de ahí su apariencia sólida, pero en realidad es ligero y maleable. Jugué con distintos planos para brindar una sensación de contraste entre lo vacío y lo lleno, y cree un set en donde se pudiera contener un objeto (la pieza de mobiliario creada por Ad Hoc); también confronté la superficie del TERRAZZO con la de color con la intención de hacer un juego de tonos y explotar el potencial del material”, platica Vieyra luego de su experiencia de colaborar en un ejercicio creativo para el que fue la primera vez que experimentaba con los materiales de Formica. vieyrarquitectos.com Materiales: Laminados decorativos marca Formica® Abrigo BENITO SANTOS 1 Pantalon YOSHUA HERRERA 1 Collar MARTACARMELA SOTELO 1 Zapatos REBECA MIRANDA


Modelo Kristina para @newicon Management Styling: Jorge Maceo Pelo y maquillaje: Cinthia Martinez Asistente de pelo y maquillaje: Renata Flores Asitente de fotografía: Carlos Arellano Agradecemos a Frontón México por facilitarnos sus instalaciones para la sesión fotográfica. frontonmexico.com.mx


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COLUMNA

Diseño como herramienta disruptiva Por JUAN CARLOS BAUMGARTNER Ilustración ZAMARRIPA

TODAVÍA RECUERDO, no hace muchos años, cuando terminando la prepa era momento de tomar la decisión de qué estudiar, sentía la angustia de varios de mis amigos. De la noche a la mañana había que tomar una de las decisiones más trascendentes en la vida, si bien a todos nos preguntaron infinidad de veces: ¿Qué vas a ser de grande? Hasta ese momento, pocos nos habíamos cuestionado de verdad qué queríamos ser. Afortunadamente desde que tengo uso de razón siempre quise ser arquitecto; por lo que, ese momento crítico fue algo muy natural para mí, pero para varios amigos fue sumamente estresante y me pregunto si hoy se arrepienten de la decisión que hayan tomado. Particularmente, recuerdo a uno de mis amigos que cuando se le ocurrió decirle a sus papás que quería ser diseñador, posiblemente ni siquiera tenía tan claro qué tipo de diseñador quería ser. Sus papás literalmente pusieron el grito en el cielo: ¡Cómo diseñador! ¿Por qué les hacía esto? ¿Quién lo mantendría el resto de su vida? ¿Por qué habiendo carreras tan trascendentes como leyes o ingenierías, él quería ser diseñador? Casi como si fuera un pecado o lo hiciera por flojera de enfrentarse a “una carrera de verdad”. Mi amigo terminó estudiando otra profesión, “una carrera de verdad” y a la fecha yo podría asegurar que se arrepiente. Pero lo interesante de esta y otras muchas anécdotas parecidas es entender el contexto que por décadas rodeó a las profesiones creativas y de diseño. Con qué poca seriedad un grupo enorme de la sociedad ha tomado a las carreras de diseño, y qué consecuencias ha tenido esto en la sociedad y en los mismos diseñadores. Creo que en muchas ocasiones inclusive las mismas escuelas de diseño han sido cómplices de esta

@zamarripa.mx

poca seriedad, y cuando digo poca seriedad me refiero al rigor con el que nos cuestionamos la trascendencia del diseño en la sociedad, la habilidad de cambiar el mundo mediante el diseño. Soy uno de los convencidos de que el diseño es un catalizador, una gran herramienta para cambiar las cosas que no nos gustan del mundo; pero para lograrlo tenemos que cambiar la cultura y la forma de entendernos como diseñadores. Tendremos entonces que exigirnos, a todos los que formamos este gremio, el que seamos los primeros en tomarnos en serio la responsabilidad de mejorar al mundo. Sólo empezando por nuestra propia casa podremos entonces exigirles a los padres de miles de posibles estudiantes de diseño que ellos se tomen en serio también a la profesión. Sólo empezando por la casa podremos entonces lograr que en otros campos de la sociedad se valoren nuestros procesos como herramientas de innovación. Sólo empezando por la casa podremos entender que diseñar no se limita a espacios y objetos, sino que en realidad el diseño es un cristal mágico con el que podemos ver el mundo como podría ser y no sólo como es.

Afortunadamente esta idea de que los procesos de diseño tienen cualidades que pueden ser aprovechadas en muchos otros ámbitos ha desatado un movimiento alrededor del mundo, la mayoría lo llaman Design thinking y es justamente eso: condensar los procesos de diseño de forma tal que se puedan utilizar para resolver problemas complejos, problemas no necesariamente limitados a diseño en su definición tradicional. Hoy, así encontramos países que han decidido hacer política pública con visión de diseño, y no es sólo un tema de forma sino de fondo. Es así como hoy encontramos empresas que se dedican a dar consultoría a industrias, como la de la medicina, para tratar de encontrar curas a enfermedades mediante herramientas de diseño. Afortunadamente comienza un movimiento que tiene la posibilidad de posesionar a las industrias creativas en un papel relevante en las sociedades, ayudando a hacer del mundo un sitio más empático y respetuoso para las generaciones de nuestros hijos. Es una responsabilidad que en nuestras manos esta no desperdiciarla. @baumgarj


COLUMNA

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Museo Nacional de Arquitectura Por DOLORES MARTÍNEZ ORRALDE Ilustración ZAMARRIPA

LOCALIZADO en el tercer nivel del emblemático Palacio de Bellas Artes, espacio articulado como una extensión de la Dirección de Arquitectura y Conservación del Patrimonio Artístico Inmueble del Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura, el Museo Nacional de Arquitectura fue concebido desde su origen como un centro de documentación y divulgación para el estudio y conocimiento de la arquitectura mexicana, de sus monumentos artísticos y espacios urbanos, propiciando un apoyo fundamental en la promoción y difusión de sus valores patrimoniales y culturales, contribuyendo en la concientización de todos los actores involucrados en el tema de la conservación del patrimonio cultural. Después de haber hecho dos exposiciones previas, fue inaugurado oficialmente el 26 de enero de 1984 por el arquitecto Juan Urquiaga Blanco, entonces a cargo de la Dirección de Arquitectura, con la exposición Francisco J. Serrano, mostrando planos originales, fotografías y croquis de este notable ingeniero civil y arquitecto mexicano. La concepción del museo fue resultado del esfuerzo de un grupo de trabajo de arquitectos, investigadores, técnicos y manuales que contribuyeron de una u otra forma para acondicionar este espacio, incluyendo el juego museográfico con todas las limitaciones de circulación derivadas de la forma original de la planta que ocupa, logrando un sitio para la expresión de la arquitectura nacional e internacional. Sin perder de vista el aspecto didáctico, en este espacio se han gestado muestras con una variada temática, desde las que incluyen en el guión curatorial el espacio urbano de una ciudad o de un barrio, mostrando la problemática que ello implica; o bien planteando el recuento historiográfico de la obra de un autor en particular,

@zamarripa.mx

Promover las corrientes de la arquitectura mexicana contemporánea es una de las tareas de este espacio cultural. aprovechando lo rico y variado del quehacer profesional de muchos arquitectos y constructores, para conocimiento del público en general. Este espacio ha sido testigo de la presencia de la arquitectura del pasado o bien de producción contemporánea, nacional o internacional, donde el visitante recibe el mensaje cultural que le transmiten y provocan el material que contempla con una mirada renovada: planos arquitectónicos, pinturas, maquetas, dibujos y croquis

originales se entrelazan en un recorrido visual, en algunas ocasiones, apoyando con antiguas fotografías en tono sepia que nos transportan al pasado, evocando el recuerdo de dónde venimos y obligar a la mente a reconocer, en medio del asombro, a notables arquitectos y constructores como actores fundamentales de la producción arquitectónica de nuestro país, más allá de la nostalgia. Todo es parte de la memoria urbana y de la historia de nuestras ciudades, con la intención de provocar un instante de reflexión sobre la importancia de su preservación y aprendamos a conciliar la modernidad con nuestro pasado, no estático ni muerto, sino vivo y funcionando, garantía de supervivencia. Tradición y modernidad en convivencia permanente, premisa constante en las actividades del Museo Nacional de Arquitectura, elementos que sirven de complemento a la cátedra del alumno interesado que acude al llamado de la arquitectura, recorriendo formas, espacios y atmósferas, información que capitaliza en la búsqueda de un lenguaje propio que le permita desarrollar su creatividad.


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COVER STORY ARCHITECTURE WITH BALANCE “The example of humanity and honesty of our father, Mauricio Arditti, have been the values that ​​ we take care of day by day and that we carry with much responsibility and social commitment”: Jorge and Arturo Arditti. “Never any business is going to put our brotherhood before and there will be no project to divide us”. “My dad said that if we decided to be architects, the first thing we had to do was take ‘an x-ray of the liver’ because it is a complicated bouquet”. After a long path satisfactorily traveled with vast armed projects and a wealth of experiences of invaluable emotional value, Jorge and Arturo Arditti share in a single and forceful phrase the legacy of his father, Mr. Mauricio Arditti: “Love for our brotherhood”. “The first ingredient that my father instilled in us since childhood was an education about how to be and treat us as brothers rather than just being partners and architects. That value, importance and privilege of having one with the other is what has made us grow as human beings, and when that education and emotion we take to the professional field we realize that we are excellent partners, twinned since childhood “, Arturo, who recognizes that he has become familiar with architecture in a progressive and very natural way over the years. “My dad said that if we decided to be architects, the first thing we had to do was take ‘an x-ray of the liver’ because it is a difficult profession and a complicated field, in which time always goes against and depends on people and factors that are not under control most of the time. However, we were able to team up with him and that journey has helped us to understand and to become more and more passionate about this profession”. Jorge intervenes in the conversation. Everything is born at home, at an early age; We have never felt architecture as a simple professional activity, but since childhood we have seen it as a passion that has motivated and infected us with a lot of impetus to create great projects and generate spaces that transcend. I remember when we were little I loved going with my dad and my brother to the works, to stick partitions and to be in the moments of casting moving rods; I had the facility to draw and I mentally copied many of those things that I lived, and then I went to the father’s office to sit down in the tables to make strokes and strokes. It was an interesting impact that, in my opinion, made it easier for my father to never force us to be architects, rather it was something that happened and flowed over time”. The family chemistry between Jorge and Arturo has nourished them with an invaluable professional ethic: “We know how to respect ourselves and to mark very well the lines of the personal and professional to make the most appropriate decisions and reach a correct balance. That is the key that has helped us transcend in the professional

part. Although we did not have a direct and strong influence or imposition on the part of our father to be architects, yes when we decided to dedicate ourselves to the same profession as him, he was very happy and his example of humanity and honesty have been the values ​​ that we take care of every day. day and that we carry with much responsibility. Said in metaphorical words: It’s like taking a stroke in its form and magnitude to the social part with the honesty and brotherhood that our father instilled in us. Never any business is going to put our brotherhood before and there will be no project that divides us”.

The art of matching opinions With this balance with which the Arditti have worked, talking about their work, their trajectory, the projects they have carried out and which have been the most complicated and even the most fun in their execution, becomes an agile response question and ingenious. For Arturo, the Museum of Memory and Tolerance is

not only one of the most recognized but also in which they have had the least difficulty in matching opinions. “Contrary to what people may think,” he says, “it is a work for which we had no difference despite the complexity and technical solutions and infinity of architectural details involved. On the contrary, suddenly you can present a simpler proposal that put on the table we find it difficult to develop. The certain thing is that there is no limit to make suggestions, the difficulties that have occurred in certain cases are more for questions of how a project is developing itself; Sometimes, the part of the regulations becomes more complex than normal due to authorizations issues that depend on too many instances and because we have to be integrating a lot of information. The congruence of this type of interests has nothing to do with the size of the projects, but with how they are carried out in practice”. In Jorge’s opinion: “There is a very important component in the way the project is captured and it is that maybe it is not always one hundred percent to solve all the questions.


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Each project is detonated at the moment it has to be; Sometimes the best ideas arise in less thoughtful or more inopportune situations, that happens a lot. We do have basic proposals, which we rally at the beginning and that occasionally make things happen very smoothly. But it does not happen all the time”. Both agree that the constants in their task are: to be always professional, ethical, honest, committed and authentic. “In a way, be very aware of the whole series of ingredients that we are working on and striving to every minute. That is what we want to forge as a legacy of our professional experience, which we see as an integration of a long journey. And in life there is no single goal but it is a process that is being put together on a daily basis with what you do and makes you feel full”. The core point lies in making an architecture with balance. It is, as the Arditti argue, to create projects that transcend and in which certain guidelines of responsibility and commitment towards the client and society are involved. “You must have enough maturity to demonstrate a truthful responsibility with the well-being of people and with the planet in its functioning, aging and day-to-day maintenance. That is something that we, in particular, want to transmit to the new generations “, the architects emphasize.

Critical and analytical But, then, what is the most attractive part of being an architect? “This is a full-time profession, that kind of activities that you can not be disconnected from even if you’re already at home. That unites us a lot and makes our family and professional relationship even closer”, the Arditti relate, who confess to being addicted to work, to perfectionism, to dedication, but without forgetting the inertia of living outside working hours. “Our weekends are very intense, and that enriches us and we like it a lot.” Arturo emphasizes that if he had to choose between being an architect, alone and with the same trajectory and all the success for him, or share with his father and his brother those same emotions and satisfactions, he would undoubtedly favor the second option because It is the most enriching. “It’s not just about earning a recognition and that people know your name, but about being critical at all times and analyzing the situations in which we find ourselves, the places we frequent and even the countries we visit. This creates a very interesting dynamic and there is no real barrier between office hours and hours of coexistence”. The architecture of the Arditti has been avant-garde and has been characterized by incorporating intelligent technology, as well as sustainable and timeless solutions in their designs. His works have been exhibited and awarded in various countries; They have even been selected a couple of times to represent Mexico at the Architecture Biennial in Venice, considered the most important architectural event in the world: their first participation was in 2014 at the Palazzo Mora and the second in 2016 at the Palazzo Bembo, where the event was directed by the architect Alejandro Aravena (Pritzker Prize 2016). For

them, their biggest concern could be summarized as how to talk about aesthetics and shapes, materials and colors, to mold spaces, which are the subjects that literally ‘carry in their blood’ from the cradle and that make them always look towards the future.

PÁG. 58 CRISTINA CELESTINO COLORS AND FABRICS THAT PRODUCE EMOTIONS “To me, Brera is one of the most fascinating and stimulating districts in Milan, and it turns into that and much more during Fuorisalone.” “Empathy in a design project means imagining how people may experience spaces and objects, creating a setting that also considers their emotions.” This 2018, Cristina Celestino is one of three female ambassadors –together with Elena Salmistraro and Daniele Lago– from the Brera design district, where she presents a reinterpretation of Milan’s 1928 historic streetcar: a mobile salon traveling through the streets. How does she feel about this new assignment in the Salone del Mobile di Milano, the world’s most anticipated annual design fair? “I am very happy with the role I have been given, and I don’t deny being excited about the idea of presenting my new personal project Corallo, a streetcar that I have reinterpreted to my taste but in a contemporary way. It’s a totally tailor-made interior project that is lovely and unexpected for a means of transportation. To me, Brera is one of the most fascinating and stimulating districts in Milan, and it turns into that and much more during Fuorisalone. This goes right along with what I think design empathy is. When I draw an object, empathy and the ability to put myself in others’ shoes are important. I believe in the tactile quality of materials, in what they can evoke, in the emotion produced by colors and fabrics. Empathy in a project means imagining how people may experience spaces and objects, creating a setting that also considers their emotions.” Besides Corallo, which will be making the rounds in the Brera district, Celestino also presents Caryllon, a collection of small tables for Gebruder Thonet Vienna; a sofa for Nilufar Gallery; a new collection of facings for Fornace Brioni and the Abricó lighting system for Sergio Rossi. Each one reflects her tenacity in experimenting with different materials and putting her investigative efforts together with what her clients ask of her. “Quite often companies give me a lot of freedom to express myself in my own design language. I have me an information session with them, and start my investigation based on that, always trying to put the client and their story at the center of the project. My investigation begins with the company’s history and legacy, trying to focus on its stylistic codes, materials and labor. As an example, I recall The Happy Room I developed for Fendi and even the interior and furniture collection I designed for Sergio Rossi’s new

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boutique concept,” the designer tells us. In 2012, Celestino was chosen to take part in the SaloneSatellite with her own design brand Attico. That experience had a cascade effect. But, what was she looking forward to back then from her career and how many of her plans, dreams or just ideas have actually happened? The way she tells it is: “I’ve always worked a lot, without setting precise goals yet making the most of the various opportunities that come my way. My career in interior design has been relatively fast, considering that I have been doing this work full time since my daughter was born in 2013. I am happy to have carved out my space in the world of design, and that my work and efforts are recognized.” The design style and detailed work that Cristina does with materials have been pivotal in her career. “I describe myself as having a narrative design style, narrative as much from my experience as vis-à-vis the product itself. There is always a reference to something that creates an emotional story. For instance, the copper curl on the Bon Ton collection lampshade for Torremato brings to mind the closing of something that was pending, whereas in the case of Calatea, the armchair she designed for Pianca, which is shaped like a leaf, the attraction is nature. What I like most is to surprise viewers and for them to be able to use my articles, like the atomizer design for Penthouse (Seletti since 2013); the blown glass dispensers that resemble old-fashioned perfume bottles, and Alice, a table lamp designed for Budri that is a marble and onyx ring. In all these examples, Celestino displays her bold personality for experimenting with glass, leather, carbon fiber, resin, fabrics etc. “I like all materials, so it would be very hard to choose a favorite. What appeals to me the most is the fact that they can be manipulated, and I always try to take the features of each one of them to the limit and then adjust and transform the product’s form. Working with new materials is always challenging and always ends up turning into a ‘new love’. For example, before the experience with Fornace Brioni (for whom I have been art director since 2016) I had never used terracotta, and whenever it comes up we tend to think about something old and rustic, so I tried to reinterpret it through new shapes and colors. On the other hand, particularly, I am well aware that borosilicate glass is a material I have worked with a little more than, since I have had a very good relationship with my glass artisan since the days of the atomizers in 2012,” she wraps up.

PÁG. 62 ELENA SALMISTRARO To think that just seven years ago she was a young budding designer and today she is an Ambassador of Italian Design in the World and also represents the Brera design district in Milan. “I don’t consider myself a classical or canonical designer. I’ve always been artistic ever since I was little, but the focus I’ve given product design is a kind of stylistic evolution for me.”


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Once Elena Salmistraro became a part of the Salone del Mobile di Milano, she always feels great expectations and lots of emotions around the event. “In 2011, I first came to this great stage. I was selected to be part of Superstudio Basement, a famous FuoriSalone event where, at that time, I showed completely self-produced objects, like The Lankies’s family and Deux âmes. To me, the Salone seemed beyond my reach. But after a few months, my projects were selected for the New Italian Design exhibition, which has made its way to many world capitals. From that day on, I have to admit that the accomplishments and satisfactions have steadily increased. In 2017, for example, I was honored with the award for best emerging designer,” relates Elena Salmistraro, who, for this new edition of the fair has been named an Ambassador of Italian Design in the World and also enjoys the honor of representing the Brera design district, along with her colleagues Cristina Celestino and Daniele Lago. “To think that just seven years ago I was a young budding designer, and today I am so proud to represent a universal language like design. That makes me believe that in life you just have to fight to make your dreams come true,” Salmistraro adds. For this 2018 edition, the designer will present several projects, including one she did for Bosa that is dedicated to the masters of Italian design; a Sicilian-style project with marble and tones of stone, for Lithea; new wallpapers for Londonart; her first environmental project, focusing on the BluBleu bathtub, as well as a stool for Mogg and

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two bar tables for Stone Italian, in addition to new carpets designed for CC Tapis, which will expand the collection already foreseen at Maison et Objet in Paris. “A major achievement is that I am finally going to complete a path I have traveled between installation sculpture and painting design, with a project for Timberland that I have put my heart and soul into and that is part of the Brera design district, for which I am an ambassador.” The artist admits that her work is very personal, very visceral and a reflection of herself from numerous points of view. “I don’t consider myself a classical or canonical designer; I’ve always been artistic, ever since I was little, but the focus I’ve given product design is a kind of stylistic evolution for me. I’ve always tried to create objects that are on the edge between art and design, and very sincerely, they are often the result of a creative process that starts with painting.” “Honestly,” the designer continues, “I’m drawn to all materials. I like to discover them, touch them and when I can, also work with them. As I said before, my design focus is very visceral, so I need to know what I’m working with from every point of view. Maybe that’s why over the years my more flexible and versatile relationship with materials (first paper and then ceramics) has gotten stronger and more necessary. In my studio, I now have a small ceramic workshop equipped with a kiln.” Salmistraro anecdotally shares that of all the projects she has done to date, one of the most interesting has been the simple Nubila shelf for B-line. “It may seem strange, but

that project was complicated for me. I must admit that confronting the essentiality of the lines and shapes needed to produce a shelf shook me up. In contrast, Primates, designed for Bosa, was one of the most fun projects. It all came about by chance, almost for fun. I followed my most natural creative process, starting with illustrations to get to the three dimensional object and trying to maintain the same stylistic language. It was pure experimentation.” Elena has not yet been to Mexico, but it is definitely one of the places she would like to visit as soon as possible. “I have a strong connection with painting and especially with Frida Kahlo, who has strongly influenced my way of understanding art and also unconsciously in clothes. I have always liked the way she uses colors and especially her ability to make what is ‘traditional’ contemporary. I make this assumption, because I am sure that Mexican design has a lot to say, and I think the starting point is precisely reinterpreting tradition in a contemporary way,” the designer concludes.

PÁG. 66 GISELLA BORIOLI SKILLED IN CONNECTING BRANDS, ART AND DESIGN “Constantly looking toward the future without forgetting the past, every year I try to totally revamp our design event in step with the latest trends, intuitions and approaches.”


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“The inflection point this 2018 is Only the Best, and it is why I wanted Giulio Cappellini with me again in a major role as art director.” For every edition of the Salone del Mobile di Milano, Superstudio Più is revamped. This time is no exception, as it presents an ambitious project called Only the Best, which revolves around the idea of having ‘the best location’ of all time for the most interesting future-looking projects. Besides spotlighting technology projects focused on the environment, sustainability and wellbeing through exhibitions like Smart City, Design in the Age of Experience, Material Village and others, it proposes a new ‘living furniture’ exhibition form with Superloft, a real home completely curated by Giulio Cappellini and involving all the elements of daily life, such as books, art, unusual objects and personal mementos. Another special focus is on Japan, with the Nendo exhibition and the display of small and large projects by both famous and emerging designers. That is joined by a full enclave of successful companies, start-ups and promotion centers for Made in Japan design that come to Central Point for an itinerary through space and time. Kawai, in collaboration with light artist Takahiro Matsuo, exhibits the poetic installation Crystal Rain, where a piano that is transparent at one end, created to celebrate the company’s first 90 years, floats on a glass of water that produces a slight cascade for each note. And Yokohama Makers Village, a network of companies specialized in metal production and located in the Yokohama area is back with Reflection/Shadow to explore features of the material, through an interplay of reflections and shadows But there’s plenty more. “We always spotlight the most innovative and efficient materials more than others, and we also research relationships with art, reflected, this time, in the exhibition Art Design Design that we created ourselves,” explains Gisella Borioli, who says she’s excited about getting close to Superstudio Più’s 20th anniversary and the creation, in 2000, of the new Fuorisalone, a new way of communicating design and giving a place to a concept that renews and incorporates traditional aspects at a fair as important as Milan. “Constantly looking toward the future without forgetting the past, every year I try to totally revamp our design event, in step with the latest trends, intuitions and approaches. The inflection point this 2018 is Only the Best, and it is why I wanted Giulio Cappellini with me again in a major role as art director,” Borioli declares. One of Superstudio Più’s key resources has been its skill and capacity for bringing brands, industry, new and celebrated artisans, art and design together. How have they accomplished it? Borioli emphasizes: “We aren’t snobs. We seek out quality and innovation wherever they are. We often offer spaces and possibilities to young talents and worthwhile creatives who wouldn’t be able to deal with the costs of an event like the one organized in Milan every year. We have sponsored many artists; now we’re superstars! At the same time we look for big international brands because they know we are an absolutely prestigious place and we move competence and quality.” Superstudio Più emerged as the “advanced communication” place to respond to the need for new and different visibility for sectors like art, fashion, design, innovation and creativity in general. Borioli recalls that:

“During the first part of our lives, my husband –Giulio Cappellini– and I were journalists, art directors, editors. We were very familiar with the world of printing and communication and realized that we needed something different. In 2000, we felt the need to go beyond, with a place that could be for fashion shows, exhibitions, performances, shows, events with a completely new cultural-commercial perspective. We were aware that many young talents couldn’t find spaces in the city to show their work, and that is why we have focused on those artists, stylists, designers, directors, videographers, choreographers… all visionary innovators. That is how we found a place in the former General Electric buildings for ‘the home’ where we could fulfill our dream.” Borioli shares that she has been in Mexico a couple of times. “To me it’s a vital country, and I joyfully remember the sea in Cancún, the remains of antiquity in Oaxaca, Yucatán, and Teotihuacán. I would go back to all those places, especially now that Mexico City is the World Design Capital.”

PÁG. 70 MARGRIET VOLLENBERG The Ventura brand has explored the world for a long time. The only change is that now it also occupies new spaces in Milan. “The goal of Ventura Projects is to bring together likeminded creativities and offer the stage to emerging designers, brands and creative studios that keep introducing new ways of working, living and developing.” “The next generations are the ones that can change the world of design with their concepts and inventiveness.” For eight years, Ventura Lambrate stood out as the place to find the best undiscovered, exciting and contemporary design during the Salone del Mobile di Milano. In 2018, Lambrate will no longer exist; instead, it will be succeeded by Ventura Future. “It is important to realize that the end of Ventura Lambrate is not the conclusion of Ventura projects. The fact that we have decided to distance ourselves from the Lambrate area in Milan does not mean that we want to accomplish something different this year. We still intend to help various kinds of designers find a way to stand out in an environment that enables them to shape future collaborations. When I started in Milan 20 years ago, I noticed that only the well-established designers managed to organize their business through high quality platforms. I saw this as a worrisome development; after all, the next generation is the one that can change the world of design with its concepts and inventiveness. With Ventura Projects, our goal is to bring together like-minded creativities and offer the stage to emerging designers, brands and creative studios that keep introducing new ways of working, living and developing. Our latest projects in Milan are simply a continuation of those activities,” Margriet Vollenberg, Ventura Projects founder, explains. The Ventura brand has explored the world for a long time, setting up projects in places like London, Berlin, Kortrijk, New York and more recently, Dubai. “The only change,” Vollenberg adds, “is that now we are also moving into new spaces in Milan. As organizers of events of that size, this is a welcome change, and we hope that visitors to the fair share the experience. Furthermore, the first edition

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of Ventura Centrale surpassed expectations by far, and I have no doubt that the presentations of the exhibitors chosen for Ventura Future will amaze the public just as its fantastic range of inspiring projects did.” What’s new this year is the 4,500 m2 of impressive FuturDome spaces within Ventura Future, which previously was a meeting point for the Futurist Movement. “Experimental and creative designs are exhibited there, as well as meaningful collaborations. For example, we have HH, a vision of Dutch design on health and happiness –with the support of the Dutch Embassy in Italy– that questions the social, ethical and cultural impact of new technologies in our daily life, at the same time solutions that possibly improve quality of life are presented. We have also gathered many schools in the University building and are welcoming new brands like BEEM Lights and Lucia Light. What’s more, we are part of the lineup of several ‘daydream teams’ such as Ecopixel and Eco-Oh! that introduce a brand new material, made 100% out of trash, with the hope of inspiring others to develop their own ideas and products.” As for Ventura Centrale, Vollenberg emphasizes that this time it has heavy-duty names like the magazine Surface in collaboration with David Rockwell and 2x4 and DesignWorks by Eileen Fisher and curated by Lidewij Edelkoort. With the recently added project by acclaimed Italian artist Franco Mazzucchelli, we will explore public art itineraries on the one hand, but will also offer a temporary home with The Diner, a place people can enjoy any time during the fair.” The founder of Ventura Projects takes advantage of a pause to mention our country and congratulate Mexico City for being the 2018 World Design Capital and for hosting the Alliance Graphique Internationale annual congress (the most important meeting in the world for graphic designers) next September. “I think that these two events highlight Mexico’s creative vitality. Closer to home: I am anxiously awaiting the presentation of the Anahuac University School of Design here in Milan. The exhibition, The Tradition of Innovating, shows the results achieved through the convergence of students, professors and designers (Silvino López Tovar and Marion Friedman) and skilled artisans who worked with raw materials like ceramic and obsidian. I think that schools are an excellent way to see what is happening in a country socially, economically, culturally and esthetically. I don’t know a lot about Mexico as a country, but it is always interesting to see the different perspectives of culture and tradition in design.”


OBJETO GLOCAL

Foto cor tesía

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El museo personal Falmer Hers & His | Sjoerd Vroonland | Revised

Todo el mundo necesita espacio para reflexionar, revisar y enamorarse de la vida una y otra vez. Todos necesitan donde resguardar los tesoros personales que se van acumulando día a día, el registro de lo que somos y de lo que fuimos, por ello existen baúles y demás mobiliario de almacenamiento como Falmer Hers & His para Revised, marca originaria de los Países Bajos, que ha sido lanzada recientemente. El lanzamiento ocurrió después de dos años de investigación, desarrollo y compromiso, en el que los fundadores y directores creativos Suzy y Casper Vissers invitaron al diseñador Sjoerd Vroonland para crear en exclusiva la primera colección, cuyo estilo es moderno, elegante y cálido, con formas y detalles suaves y orgánicos. “Nos esforzamos por traer intensos sentimientos de calidez, tranquilidad y pertenencia al mundo

personal de cada persona. De los muebles a la iluminación, de la decoración de pared al suelo, a través de nuestros diseños creamos ambientes con un sabor contemporáneo, promoviendo una forma de vida más serena y conmovedora”, explicaron los fundadores. Falmer Hers es un armario para «Ella» hecho de madera maciza y paneles chapados. El exterior cuenta con un espejo giratorio con recubrimiento de polvo. Por su parte, Falmer His está dedicado a «Él», hecho en los mismos materiales con la diferencia de que el exterior tiene un gancho de madera maciza. Ambos presentan en su interior una gran variedad de cajones y barras en madera maciza y tienen acabado en laca mate sobre roble o nogal. –IA revised.com


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Glocal Design Magazine No. 44 Portada Homenaje a Arditti + RDT Architects por Jorge Medina  

Arquitectura con Balance: Arditti + RDT Architects / Preview Salone del Mobile Milano 2018 / Especial Baños / Macrotendencias: Binomios Crea...

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