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UNSOLO CUERPO ARTE CONTEMPORÁNEO EN LOS PAÍSES DEL MERCOSUR


Ese puente mágico, bonito y digno llamado Mercosur

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l correlato de los Estados Unidos emergiendo como potencia hegemónica naciente a partir del siglo XIX fue, de hecho, el hundimiento por décadas de la posibilidad de algún modo de estrechamiento de vínculos entre los Estados y los Pueblos hermanos del resto del continente suramericano/ caribeño. Así las cosas, el nacimiento y consolidación de los Estados Unidos como potencia mundial fue en buena parte posible gracias a la conformación de lo que podríamos llamar los Estados Desunidos de América. Pero la resistencia activa de Nuestra América comenzó a alumbrar y vivir otras realidades: junto a la CELAC, ALBA, UNASUR y PETROCARIBE, el Mercado Común del Sur - MERCOSUR - es también una de nuestras buenas nuevas. Pero la complexión de una nueva arquitectura regional fundada en la re-unión y complementariedad de nuestros Pueblos, violentamente fraccionados desde la conquista y la colonización, no es ni puede ser puramente económica. Así como se nos desmembró desde la economía, el comercio y la diplomacia, también en gran medida se nos quebró, se nos desgarró desde la identidad, la cultura y el arte. Por ello celebramos el gesto bonito y, más que necesario, imprescindible de comenzar a rencontramos desde los territorios de nuestro espíritu común. Nuestro Aliento Nuestro-Americano, emblematizado y alquimizado en el trabajo de esos magos y magas de la relación y la comunión que son y han sido siempre nuestros artistas, nuestros cultores, nuestros nuevos shamanes y shamanas de la integración, de la re-unión. Nuestro Padre Libertador Simón Bolívar ya decía: "Yo deseo más que otro alguno, ver formar en América la más grande nación del mundo, menos por su extensión y riqueza, que por su libertad y gloria". No otro fue el deseo más preciado de nuestro Comandante Eterno Hugo Chávez Frías y lo es hoy del Presidente Maduro y de los dignatarios de los países miembros del bloque: contribuir a reunificar una gran nación hecha de hombres y mujeres, iguales y libres, independientes y soberanos, dignos y prósperos. La muestra de artes plásticas “Un solo cuerpo. Arte Contemporáneo en los Países del Mercosur”, es parte de ese proyecto de encontrarnos desde una nueva visual y una nueva realidad geopolítica y espiritual. En definitiva, desde una nueva y genuina historia. La historia de una nueva especie humana, como decía Bolívar: ni india, ni africana, ni europea, sino nacida de la argamasa creativa de todos nuestros sustratos civilizatorios. Por eso el trabajo, más bien el alumbramiento de nuestros artistas es importante. Porque MERCOSUR no es tanto un territorio geográfico o una ruta de mercancías. Es un territorio tejido de historias y de sueños que nuestros creadores y creadoras ya vienen vislumbrando y cristalizando desde la alquimia de sus talleres. Eso es MERCOSUR: un taller de y para las experiencias. Un taller para la soberanía. Un taller para la dignidad. Un taller para la suculenta creación colectiva. Un taller para la refundación de nuestra prosperidad y nuestra camaradería subcontinental. Un taller para la paz. Bienvenidos sean pues los artistas. Bienvenidos sean los bonitos y las bonitas en busca de alumbrar una Patria bonita como quizo Alí Primera. Haga cada quien su parte de deber y nadie podrá vencernos, decía ese gran artista y patriota José Martí. Hagamos pues de la semilla que todavía es MERCOSUR nuestra parte de deber por la integración. Integración de nuestras diferencias, de nuestras coincidencias, de nuestra gente, de nuestra historia, del destino de nuestras presentes y futuras generaciones. MERCOSUR, decía Hugo Chávez, es el motor más grande que tiene Suramérica. Hoy vemos en esta muestra que ese motor también viene cargado de colores, de perspectivas, de pasados y presentes y futuros entrejuntados gracias a la complexión ético-estética que palpita y chisporrotea en los horizontes palpitantes y estremecedores de nuestros creadores y creadoras. MERCOSUR también es estos corazones diciéndose, latiendo y acercándose. Es la redención de lo borrado. Es la reflexión sobre las mil formas de violencia resistidas y resignificadas. Es la ciudad doliente y lluviosa. Es cada uno de nuestros cuerpos haciéndose de nuevo un solo cuerpo frente a un gran paisaje común por demasiado tiempo arrebatado.

Isabel Cristina Delgado Arria Embajadora Representante Permanente ante el MERCOSUR República Bolivariana de Venezuela


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Un solo cuerpo en vísperas de beso Walter Benjamin refería en su célebre ensayo sobre “El narrador” que básicamente había dos modos de narrar. Modos que coincidían, por cierto, con los dos tipos de asumir la existencia humana. Por un lado estaba el narrador que emprendía un viaje y muchos años después retornaba al pueblo natal con el firme propósito de relatarlo. Por otro lado, quedaba el otro tipo de narrador quien, pese no haber salido nunca de su aldea natal, atesoraba el viaje de experiencia del terruño, mientras esperaba sentado la vuelta del viajero. Me parece que este croquis de la experiencia de vida y de la narración sagazmente advertido por Benjamin condensa de algún modo la historia de los países y los Pueblos del Sur. Producto de la empresa colonial y luego neocolonial cada país y cada uno de nuestros pueblos vivió su propio viaje, pero quedándose a la vez confinado y ajeno al resto. Y es recién ahora cuando venimos a comenzar a relatarnos, a re-narrarnos lo vivido/ lo sufrido/ lo resistido en ese infinito ínterin que va desde el recóndito pero de muchos modos palpitante tiempo prehispánico y el universo de sentido y experiencia actual. Este macro-relato de viaje siento que hace de hilo conductor silencioso de gran parte de los lances imaginativos y hermenéuticos de nuestra vasta y multisápida aventura estética. Rene Char veía que el poema es el amor realizado del deseo que permanece deseo. Mutatis mutandi, el arte es hoy acaso para nosotros, los pobladores del Sur, también la ocasión de un amor —suspendido desde hace mucho tiempo— que a la vez que se comienza a realizar, permanece siempre deseo. Por ello los corazones de Ana Laura Cantera no sólo hablan de una experiencia de pareja como podría apresuradamente pensarse. El Otro en el amor y en el arte es siempre también colectivo, histórico, trans-generacional. Los corazones extirpados, mortificados y des-contextualizados de Ana Laura Cantera o de Manuel Finol Cavalieri palpitan, mas no para sí mismos. Pulsan por y para el Otro. Como una vez dijo Rabindranath Tagore: "Deja que mi amor te rodee como / la luz del sol, y que, aún así / te de libertad iluminada". Caso análogo formula el video de los umbrales del beso tierno, lentísimo, carnal, cuasi pornográfico, de Sebastian Elsinger. La ambigüedad de la identidad sexual de los personajes y el primerísimo primer plano del beso no hacen sino subrayar la centralidad del lance amoroso por sobre cualquier diferencia. Pero el deseo de rescate de otra vida en el Otro asimismo es rastreable en la performance de Ángela Barbour, quien con su viaje a sus antepasados migrantes europeos reactualiza la erótica de un encuentro en la historia personal/ familiar/ nacional suprimida, problemática aunque transformativa, sin duda alguna. Un mirada fija y en primer plano a la tierra que pisamos en tanto que territorio compartido/ desdeñado/ degradado signa el trabajo reflexivo de Natalia Rondón, en un proyecto que aspira poner ese montoncito de tierra patria en viaje, en nomadismo, en extra-territorialidad. Así mismo la fijeza de parte de un cierto discurso noticioso, objeto fetichista o diarismo negro —incluso en medio del metódico desdibujar de nuestra historia, rastreable en el planteo de Luján Funes— también nos habla de un ansia por recuperar un apego al prójimo perdido en clave de ternura por el país y restitución del sentimiento de patria. Un proletario sufriente que es en nuestra historia latinoamericana a la vez perseguido político, explotado económico y alienado cultural.


En ese punto, el uruguayo Boris Romero nos cubre y devela volúmenes amordazados y silenciados de los torturados en los regímenes totalitarios del Sur, en clave de estética industrial. Esculturas sólidas y pesadas con apariencias de blandos cuerpos aún palpitantes. Pero la urgencia de encuentro/ requerimiento/ beso con el Otro asume un carácter a la vez tierno y sedicioso en la performance de Argelia Bravo, al religar los discursos de la desnudez femínea, el intimismo de la relación madre/ bebé al momento de amamantar y el discurso público devenido entonación dulzonamente alterada en himno nacional. En una línea similar a la ensayada por Bravo tenemos la propuesta de Silvia Gai, quien exhibe una serie de delicados bordados en crochet blanco, meticulosamente almidonados en azúcar y aliñados de coágulos encarnados sangre, que contrastan con la arquitectura espectacularizada de una suerte de colección de corazones disecados/ serializados/ martirizados. Vicente Aranaga trabaja, en cambio, una línea de viaje entre espiritual e irónica hacia el Otro a partir de una serie de neo-altares, profana, abstracta y luminosa, confeccionada a partir de desperdicios de la ciudad. Salomón Reyes retoma el tema del cuerpo mortificado pero en clave de recusación a la fetichización del cuerpo femíneo “perfecto” como mercancía para satisfacer el rito consumista del mercado patriarcal capitalista. Una joven modelo acosada por cuchillos en movimiento funda la metáfora del cuerpo asediado del colectivo nacional/ global atenazado/ degradado por la voracidad de la industria cultural masiva. Raquel Pellicano denuncia esta misma sociedad de consumo a partir de una serie de fotogramas en gran formato de impresionantes paisajes de apacible mar, tachados por la irrupción omnipresente de mercancías devenidas plástico/ porquería. Escaleras que no conducen a ninguna parte, edificios vaciados de pobladores, faros que alumbran la desolación, portones tapiados y ciudades fantasmas son el expediente mediante el que Gabriel García Martínez da centralidad a su crítica frente a la creciente deshumanización de la sociedad moderna. Mario Sarabí en cambio prefiere hacer una anatomía de rostros en gran formato, adrede emborronados, desdibujados y enmascarados de cicatrices como artilugio para denunciar el creciente materialismo y deshumanización de una sociedad post-aurática. Operación parecida formula Edgar Álvarez Estrada al retomar una cita de la calamitosa imagen inmortalizada por Arturo Michelena, del prócer de la independencia americana, Francisco de Miranda, durante su prisión en La Carraca. La imagen ahora hiper-dramatizada, a modo de denuncia, resplandece en la cúspide de un ermitaño risco o en el fondo anónimo de una suerte de socavón. El brasileño G. Fogaça retoma la instantaneidad del carnaval como metáfora de la fragilidad de la vida humana. El tratamiento pictórico gestual y expresionista remite a los planteos críticos a la sociedad capitalista formulados a partir del dadaísmo, el futurismo y el surrealismo.

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Lucas Bambozzi hace un gesto análogo al patentizar las condiciones infrahumanas de existencia de todos los excluidos del planeta. La villa miseria o rancho desvencijado miniaturizado —al epicentro de su cavilación plástica— devuelve al espectador el malestar frente a la naturalización de la pobreza y el descarte humano como realidades tolerables. Alejandro Curtto y Luíz Martins formulan asimismo una invectiva a la sociedad de consumo al transfigurar desechos ferrosos en ingentes pájaros mecánicos o, en el caso de Martins, neo-objetos anti-utilitarios. Ambos artistas recusan el proyecto capitalista de elevar a la mercancía a la dignidad de la condición humana, al tiempo que degradan al hombre al lugar de la peor de las mercancías, como ya advertía Marx. Preocupación análoga la del artista Gustavo Alamón, quien transcurre por la invención gélida de una sociedad gerenciada por robots. Acaso como cierre de esta expedición de miradas descuella la propuesta entre video-plástica y conceptual de Agustina Mihura quien construye una suerte de caricia de miradas entre dos amigas —emplazadas a 10 mil kilómetros de distancia— quienes ensayan filmar durante 5 minutos el deseo de encuentro mutuo, auxiliadas por un par de brújulas. La metáfora del deseo hecha horizontes diferentes, pero acoplados en el espacio deseante de un continente en trámite de re-conocerse de nuevo, resume acaso la multiplicidad de miradas al cuerpo- ciudad –continente, gestados en esta singular muestra.

Morella Jurado Directora General Museo Alejandro Otero


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“No tenemos otra alternativa que la integración para insertarnos con posibilidad de éxito en este mundo globalizado, para sacar a nuestros pueblos del atraso y la miseria, y llevar adelante un verdadero proyecto nacional, latinoamericano, de desarrollo integral, a un mundo en equilibrio y, por tanto, en paz” Hugo Rafael Chávez Frías 4 de mayo de 2006


Argentina

Sebastian Elsinger Reside en Buenos Aires. Es director de cine y artista visual, egresado de la Universidad del Cine. Estudió Artes Visuales en el Instituto Universitario Nacional del Arte (IUNA) y en KARTS Universidad Nacional de Artes de la República de Corea. En 2010 fue seleccionado para participar del Buenos Aires Talent Campus y en 2011 para el Laboratorio de Cine de la Universidad Di Tella y de NVA (Nuevo Video Argentino), muestra de video arte en el Centro Cultural Itau. También ha participado de las siguientes muestras: Cultura y Media 6 (Centro Cultural General San Martín, Buenos Aires), Fase 4: Encuentro de Arte y Tecnología (Centro Cultural Recoleta, Buenos Aires), Muestra Universal Arte Américas (Miami, EEUU), Con Pasión (Galería Marta Traba, Memorial de América Latina, São Paulo, Brasil), The Winter of Our Decay (AWA Gallery, Amsterdam, Netherlands) y en la selección oficial de cortometrajes del Buenos Aires Festival Internacional de Cine Independiente.

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“El Beso” El beso pertenece a la serie de videos “Edison”, piezas inspiradas en las primitivas películas cortas y simples que Thomas A. Edison produjo para su invento el Kinetoscopio. El retrato de esta pareja de jóvenes de Buenos Aires, con su particular imagen y estilo contemporáneos, los muestra en una expresión universal de amor y sexualidad que se relaciona con otros besos del cine del pasado — como la película de Edison — y funciona como registro para el futuro. El espectador, al observar sus cuerpos en cámara lenta, puede apreciar en detalle cada uno de sus gestos. Esta percepción naturalmente imposible transforma lo cotidiano en una experiencia épica y sensible.


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El Beso. De la serie Edison 2011 Video Monocanal 2.45 minutos (loop)

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Brasil

Raquel Pellicano Reside en Brasília. Licenciada en Artes Plásticas por la Universidad de Brasília (UnB), es fotógrafa y artista visual, con producción autoral y experimentaciones en lenguaje fotográfico. Dicta cursos de fotografía y dirige el estudio y la galería del Espaço f/508 de Fotografia. Comercialmente ha fotografiado diversos editoriales de moda, con trabajos publicados en las revistas Vogue Brasil, Trip y Tabu. Desarrolla actualmente los proyectos “Remanescências”, “Desmanches” y “Pertencimentos”. Ha realizado las siguientes exposiciones: “Idas e vindas | VIS FOTO” en el Campi de la Universidad de Brasília (2011); “Segundos cristalizados” en el Espaço Piloto UnB (2011); “Possível utopia contemporânea” en el Espaço Cultural Zumbi dos Palmares, Brasília (2012); “Babilônia Norte” en el Espaço Cena Brasília (2012); y “Projeto 508 Horas” en el Espaço f/508 de Fotografia (2012).

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“Pertencimentos” Según Aaron Siskind, en Histoire de la photographie (París: PUF, 1979), p.116: El objeto entró en la imagen en un cierto sentido; fue fotografiado directamente, pero, con frecuencia, es irreconocible; fue retirado de su contexto normal, disociado de sus vecinos normales y colocado, a la fuerza, en un nuevo sistema de relación. La serie "Pertencimentos" se sustenta en la creencia subjetiva de un origen común que une a distintos individuos. Ellos piensan en sí mismos como miembros de la colectividad en la cual los símbolos expresan valores, miedos y aspiraciones. Con el desplazamiento del objeto cotidiano usual, perteneciente a la rutina, busco remitir a las memorias del colectivo y resignificarlas, dado que los signos son adaptados a una nueva realidad.


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Pertencimentos 2013 Fotografía Digital 60 x 90 cm Impresión fine-art Papel Canson Edition Etching Rag 310g

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Uruguay

Gustavo Alamón Reside en Montevideo. Inicia sus estudios en la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la Universidad de la República, con los artistas A. Ribeiro y Miguel A. Pareja. Es cofundador de “El Grupo Tacuarembó”, de destacada actuación en la vida cultural del Uruguay. Realizó más de 150 exposiciones en Uruguay y en el exterior. En América del Sur se destacan su participación en la VII Bienal de Arte de Valparaíso y en la Bienal de São Paulo de 1983. A partir de 1987 sus obras son expuestas en diversas ciudades europeas. Sus pinturas recorren Suecia, Finlandia, Alemania, Suiza, Italia y España. Obras suyas integran los acervos del Chase Manhattan de New York, la Biblioteca Nacional de España, el MAN de Santiago de Chile y de Asunción en Paraguay, de los Cuatro Museos RALLI (Punta del Este, Santiago de Chile, Marbella y Cesárea) y en varios Museos del Uruguay (Museo Nacional de Artes Plásticas y Visuales, Museos Departamentales de Rivera, Treinta y Tres, Rocha, San José). Ha recibido el Gran Premio Nacional de Pintura en el 47 Salón Nacional de Artes Plásticas del Uruguay, el 1er Premio en la III Bienal de Pintura Uruguaya, el 2º Premio en la Bienal Internacional de Arte de Valparaíso y ha sido condecorado por el Ministerio de Cultura de Francia como Caballero de las Arte y Letras de Francia.

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“Los Robots de Alamón” Son formas de un universo que pronto ha de ser así, si esa concepción de que la virtud más importante de la vida en sociedad es la que proviene de la ejecutividad y practicidad, si ello se cumple, muy pronto veremos en el mundo hombres convertidos en extrañas máquinas programadas para cumplir funciones específicas, sin poder aportar nada, el hombre-cifra, el supernumerario de la vida. Mis cuadros pretenden ser una alerta a la humanidad sobre el gran riesgo que corre el hombre contemporáneo, de dejar de usar el cerebro para pensar y al aferrarse al concepto de que las cosas se arreglan en base a esas dos virtudes, que lo son, siempre y cuando acompañen a los ideales, al ingenio, a la creación artística, a los valores humanos que cada hombre posee. Triste sería que mis cuadros se convirtieran en simples espejos donde los hombre del mañana se vieran y no solamente cuadros-testimonio de lo que pudo haber sido.


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Burocracia 1988 Óleo sobre tela 130 cm x 97 cm

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Venezuela

Vicente Aranaga Cursó estudios en Corrientes Experimentales de la Escultura en la UPV de Valencia, España. Obtuvo la licenciatura en Artes, mención Escultura, por el Instituto Universitario de Estudios Superiores de Artes Plásticas Armando Reverón de Caracas, Venezuela. Ha realizado las siguientes exposiciones individuales: “Orgánico e inorgánico” en el Museo Sacro de Caracas (1998); “Retablos” en el Espacio UNUS de Caracas (1999); “Nunaña” en la Sala Naranja de Valencia, España (2002) y “Cestou” en la Galeria ve Dvore. Veseli nad Moravou de la República Checa (2008). Diversas son las exposiciones colectivas en las que ha participado, tanto en Venezuela como en Colombia, España y República Checa.

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“Retablos” El gesto, mi huella, la huella de la calle, de la casa, la forma, el contenido. La manera de entender, de organizar mi pequeña existencia. De convertir mi diálogo de lo interno con lo externo en una ofrenda. Con esta disposición y sus accidentes surge la serie "Retablos".


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Retablo II 2001 Ensamblaje: Yeso, resina, hierro, luz, materiales diversos 80 cm x 41 cm x 30 cm

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Argentina

Silvia Gai Reside en Buenos Aires. Artista plástica y diseñadora de joyas. Desde mediados de la década de los noventa trabaja con objetos que revalorizan los géneros artísticos o las artesanías tradicionalmente utilizadas por mujeres. Sus obras más conocidas son los órganos humanos de lana tejidas al crochet. En 1998 expuso su trabajo "Black Dream" en la Fundación Federico Klemm de Buenos Aires. En el 2000 expuso "Esculturas y Fotografías" en la Galería Diana Lowenstein Fine Arts de Buenos Aires y en 2001 en la Diana Lowenstein Fine Arts de Miami. En 2003 realizó otras tres exposiciones individuales: “Donaciones” en la Fundación Federico Klemm y en Metrovías de Buenos Aires, y "Cnidarios" en la Galería Doque de Barcelona, España. También ha compartido espacios expositivos en Argentina, Estados Unidos, Brasil y Holanda.

“Cuerpos precarios” El tejido es lo que constituye nuestro cuerpo, es la tela que da forma a nuestros órganos. El tejido puede restaurarse frente a una herida, pero su anomalía determina el origen de lo enfermo, la latencia de la muerte. El tránsito final de la vida es uno de los temas que atraviesa la obra, pero esto no aparece a la vista del espectador, siempre está velado. Bajo la sana y blanca apariencia de los órganos se esconden puntos que se corren, nódulos y melismas que se esconden. La obra de Gai demanda una mirada que escudriña, que observa atentamente, como la del científico. Entabla un diálogo duro con el espectador sobre aquello que se prefiere silenciar, que se busca eludir, ocultar y que tiene que ver con lo enfermo: lo que nos afecta a todos por igual, más allá de las diferencias de clases, géneros, edades y etnias. El corazón, ese órgano solitario, fragmento de un cuerpo perdido, recuerda a los exvotos, a las promesas realizadas a vírgenes y santos por algún sufrimiento en relación con la enfermedad. En el caso de Argentina, estas ofrendas suelen realizarse en placas de plata de pequeño formato, la cuales se pinchan con alfileres en almohadones de terciopelo rojo o bordó, situados en iglesias y capillas. Mientras el exvoto es un agradecimiento por el milagro realizado, el órgano en la obra de Gai es el augurio de un mal, de algo que cambió su naturaleza y, en consecuencia, que cambia el destino del individuo. María Laura Rosa

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Donaciones – Corazón 2002 Tejido crochet con hilo macramé blanco, lana y yeso 50 cm x 30 cm x 10 cm

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Brasil

Lucas Bambozzi Artista multimedia e investigador en nuevos medios. Produce videos, instalaciones, performances audiovisuales y proyectos interactivos, con trabajos exhibidos en más de 40 países. Condujo actividades pioneras ligadas al arte en Internet en Brasil entre 1995 y 1999 en el espacio cultural Casa das Rosas de São Paulo. Fue curador y coordinador de eventos como Sónar SP (2004), Life Goes Mobile (Nokia Trends 2004 e 2005) y Motomix 2006, Red Bull House of Art (2009) y Lugar Disssonante (2010). Ha participado también en eventos colectivos como Mídia Tática Brasil (2004), Digitofagia (2005) y Naborda (2012). Fue artista residente en el CAiiA-STAR Centre/i-DAT (Planetary Collegium) y concluyó su Maestría en Filosofía por la Universidade de Plymouth en Inglaterra con la tesis “Public Spaces and Pervasive Systems, a Critical Practice”. En el 2010 fue premiado en el Ars Eletronica en Linz/Austria por el proyecto “Mobile Crash” y en 2011 realizó una retrospectiva de sus trabajos en el Laboratorio Arte Alameda, en Ciudad de México. En 2012 participó de las exposiciones Tecnofagia (Instituo Tomie Ohtake, SP) y de la Bienal Zero1 (San José, EUA) con trabajos comisionados por los organizadores. Es creador y coordinador del Festival arte.mov – Arte em Mídias Móveis (2006-2012) y del Labmovel, un vehículo creado para actividades experimentales y artísticas en espacios públicos (2012) que recibió en el 2013 mención de honor en el Prixars, del Ars Electronica.

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“Puxadinho II” “Puxadinho II” fue montada como una pequeña casa improvisada, en los espacios externos del galpón de la Escuela de Artes y Oficios de São Paulo, por ocasión de la exposición “Paralela”, con curaduría de Paulo Reis, en 2010. La construcción tiene una estética precaria, hecha a partir de material encontrado en contenedores de basura y sobras de maderas. En este espacio cerrado y contenido, dos pantallas LCD son empleadas como ventanas que vehiculan dos videos en que puertas y ventanas son forzadas de dentro hacia afuera, como si alguien estuviese intentando salir de ese ambiente cerrado. Las imágenes y el sonido (recargado y contenido) que salen de dentro de la pequeña casa, abordan el choque entre la esfera pública y la privada, a través de una situación emblemática, que ansía ocupar el espacio externo.


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Puxadinho II 2010 DVD, pantallas LCD y construcción en madera compensada y restos encontrados en contenedores de basura 5 minutos cada canal

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Uruguay

Gabriel García Martínez Ingresa al Foto Club Uruguayo en 1987 y en 1989 obtiene el primer premio y mención especial en el Tercer Concurso Montevideo Joven de la Intendencia de Montevideo. Al año siguiente participa en la muestra retrospectiva Foto Evento del Foto Club Uruguayo en el Subte Municipal y en el Salón 50° Aniversario. En el año 1991 trabaja como docente de laboratorio en el Foto Club y reportero gráfico en el diario El Observador. Obtiene el primer premio en la 5ta Muestra Nacional de Plásticos Jóvenes. En el año 1996 se concreta el proyecto “7 fotógrafos por Montevideo”, que culmina con una exposición en el Atrio del Palacio Municipal y con la publicación de un libro que incluye la totalidad de la obra expuesta. También ese año es publicado el libro “Miradas” en el 5to Aniversario de El Observador. A partir de 2001 se desempeña como co-editor fotográfico en El Observador. Desde 2005 es fotógrafo del Centro de Fotografía (CdF) y docente del Foto Club Uruguayo en el área digital. Sobre esta temática ha impartido talleres y conferencias en Uruguay y el exterior entre los que se destaca “Introducción a la digitalización de fotografía patrimonial” organizado por el CdF y el Centro Cultural de España.

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“Eusapia” El ensayo fotográfico “Eusapia” parte de un acercamiento a la ciudad de Montevideo tomando como base un texto de “Las ciudades invisibles”, de Ítalo Calvino. Por mera observación, el mundo de los vivos y el de los muertos se revelan juntos. El Cementerio Central y su relación con las zonas habitadas del centro de la ciudad es el escenario de este trabajo. Los muertos reproducen el mundo de los vivos y los vivos reproducen su mundo para los muertos, en una simetría tal que es difícil distinguir unos de otros. Esta simetría incluye la arquitectura material tanto como la intangible: hay edificios, hay avenidas, hay clases sociales a ambos lados del muro. En "Eusapia" algo que se inicia como un ejercicio fotográfico casi poético termina convirtiéndose en una reflexión sobre nuestro modo de vida.


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De la Serie Eusapia 2009-2012 Fotografía en captura analógica, película ILFORD HP5. Impresión en Plóter Epson K3 sobre papel Premium Luster 62 x 62 cm

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Venezuela

Natalia Rondón Reside en Barquisimeto. Realiza estudios de arte en la Escuela Cristóbal Rojas de Caracas, donde obtiene el título de Técnico Medio en Arte Puro, Mención Escultura (1993 – 1996). Estudia Grabado y Fotografía en la Escuela de Artes Plásticas Martín Tovar y Tovar (Barquisimeto, 1997 – 1999). En 2006 obtiene el título de Licenciada en Arte, especialidad pintura, por el Instituto Universitario de Estudios Superiores de Artes Plásticas Armando Reverón (IUESAPAR). Actualmente termina la Maestría en Museología en la Universidad Nacional Experimental Francisco de Miranda del Estado Falcón. Trabaja en el taller de Harry Abend desde el año 1991 hasta 1993. Ha participado en seminarios, simposios, conferencias sobre el arte y la estética, el arte contemporáneo y tendencias del arte actual, nacionales e internacionales. Su actividad expositiva comienza en el Salón Cristóbal Rojas de Caracas de 1995. La obra está representada en colecciones privadas de Venezuela e internacionales y ha sido premiada en los Salones Nacionales Héctor Rojas Meza (Estado Lara); Municipal Juan Lovera (Caracas); Carmelo Fernández, Museo Camelo Fernández, (Estado Yaracuy); Salón de Churuguara, Ateneo de Churuguara (Estado Falcón); IV Bienal de Maracaibo (Estado Zulia). Actualmente expone en la Galería GBG ART Caracas.

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"Cartografía portátil, objetos de viaje" La obra plástica como cartografía y objeto de viaje. La obra vinculada a la naturaleza, al viaje, la ciudad, a lo real cotidiano, a los numerosos códigos que se despliegan a la vista del transeúnte de la ciudad, las situaciones, las acciones, la memoria, la historia de los lugares y los no lugares, de lo público y lo privado, del espacio y de la temporalidad, de la relación que mantiene el individuo y la colectividad con su medio ambiente. El mapa tiene un lugar significativo en la obra. A través de objetos de viaje e imágenes cartográficas intervenidas, se transforma la connotación de mapa de ubicación, sin embargo estas últimas, dispuestas en forma de desplegables que aparentan ser guías de recorridos o mapas desgastados por el uso continuo, aludiendo también al deterioro del territorio, dejan ver al espectador una cartografía existente que desorienta y reorienta, pero también pudiera tratarse de una imagen cartográfica observada en un desplazamiento o trayecto por la ciudad o viaje, ambas opciones colocan al individuo en una situación que como sujeto inteligible le invita a desarrollar una acción con autonomía y libertad. Situaciones que se gestan en lo real cotidiano, que circundan al individuo. La ciudad pertenece a lo geográfico, pero también a lo físico y lo social.


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Pequeños pensamientos que estaban guardados 2013 Pigmentos sobre tarjeta de plástico y objeto maleta Medidas Variables

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Argentina

Agustina Mihura Estudió Artes Visuales en el Instituto Nacional del Arte (IUNA) en Buenos Aires, con especialización en pintura. En 2010 realizó la residencia artística Changdong Art Residency en Corea del Sur, coordinada por el museo de Arte Contemporáneo de Seúl y en 2012 la Artist Residency Enschede (ARE) en la ciudad de Enschede, Holanda. En 2013 recibió la beca Robert Sterling Clark Foundation Fellowships for Latin American & African Artists, para realizar la residencia artística en Vermont Studio Center, USA. Expuso su obra en Argentina de manera individual y colectiva en el Centro Cultural Borges, Centro Cultural General San Martín, Galería Ruth Benzacar, Museo de Arte Contemporáneo de Bahía Blanca, Centro Cultural de España (CCEBA), entre otros, y participó en muestras internacionales en Corea del Sur y Holanda.

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“Este sos vos” Es el resultado de una acción que decidí llevar en el 2011. Le pedí participar a mi amiga y artista Jaeon Kwon, que vive en la ciudad de Seúl. La idea era simple: coordinar un día y un horario en que las dos al mismo tiempo realizaríamos en conjunto la siguiente acción: buscaríamos un lugar elevado en la ciudad (ella en Seúl, yo en las antípodas: Buenos Aires), miraríamos en direcciones encontradas en la distancia (ella al suroeste y yo hacia el noreste) y durante 5 minutos nos miraríamos en la distancia, mientras que con una cámara filmaríamos lo que nuestros ojos viesen. El resultado de esta acción son dos videos, a primera vista sólo dos paisajes de ciudades, pero hipotéticamente a 17.000 km más allá de la imagen está la otra persona, enfrentada mirando a cámara. Entonces no es un paisaje sino un retrato.


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Este sos vos 2010 Instalación video HD con texto con instrucción y brújula 5 min Colaboración: Jaeon Kwon

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Brasil

G. Fogaça Reside en la ciudad de Goiânia, capital del estado de Goiás. Pintor autodidacta. Inicialmente recibió la influencia de Goiandira do Couto, destacada pintora brasileña de paisajes al óleo, pero conocida internacionalmente por su trabajo con arenas de más de 550 colores. Del paisajismo, Fogaça condujo la fuerza de su paleta hacia el tema urbano, creando su propio estilo para entregar no sólo una mirada de la ciudad presente sino también un mensaje a la conciencia de los ciudadanos.

G. Fogaça acostumbra pintar ciudades en azul, nocturnas y fugaces, aceleradas por el tránsito y el reflejo de los anuncios lumínicos, sus planos cinematográficos, de ángulos y trazos gestualmente expresionistas, nos perturban; pero ahora ha preferido acercar el objetivo para captar ese fragmento de la cotidianidad que no siempre vemos por más evidente que sea, y lo hace desde el absurdo y la ironía, a través de personajes que han mutado hacia lo grotesco, como si en aquella ciudad azul, aludida en un fondo casi abstracto, los hombres y mujeres mutantes estuvieran de carnaval.

Ha expuesto de forma individual y colectiva en importantes salones, museos y galerías brasileñas y extranjeras, como la Galería de Arte Casa Thomas Jefferson, Brasília; Pontificia Universidad Católica de Temuco, Instituto Cultural de Providencia y la Universidad Tecnológica Metropolitana, Chile; - L'espace d´exposition de Guaran, Lectoure, Francia; Galería La Ronda, Palma de Mallorca; Sala Entel, La Paz; Galería de Arte de la UNICAMP y el Museo de Arte Contemporáneo de Campinas “José Pancetti”, São Paulo; Galería Portinari (Funceb), Buenos Aires; Galería Luz y oficios – Centro Provincial de Artes Plásticas y Diseño, La Habana; Espace Ocktogen, Saint-Ghislain, Bélgica; Esserman International Acura, Miami; Espaço Furnas Cultural, Rio de Janeiro; Galería de Arte Contemporáneo, el Museo de Arte y la Galería Itaú de Goiânia.

Dayalis González Perdomo

En el año 2010 recibió el Premio FUNARTE – Programa Rede Nacional Funarte Artes Visuais, 2010 – Projeto “Arte Contemporânea no Vale do Araguaia” y en 2013 ha sido seleccionado por el Consejo Provincial de las Artes Plásticas de La Habana, con el “Projeto 2 x Brasil”.

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“As meninas”


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As meninas 2013 Óleo sobre tela 180 cm x 155 cm

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Uruguay

Mario Sarabí

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“Máscaras y menosprecio”

Reside en Casa Blanca, Paysandú. Es autor de los libros de poesía “La Maga y otros manifiestos” (2007), “Desde el jardín de Anubis” (2008, junto a Javier Dos Santos), “Príncipes del Talión” (muestra de escritores uruguayos, 2009) y “Semen” (2010, libro-objeto, con poemas y dibujos). En narrativa publicó, ensayos, cuentos y las novelas “Matar a López” (2011) y “El arcón de los intrusos” (2013). Desde 2009 edita, junto a Jandra Pagani, la revista Hipoética.

Las obras corresponden a una serie de grandes formatos, en las que hay puesto particular énfasis en los problemas de figura y fondo, abstracción y figuración. Valiéndose de la técnica inaugurada por Pollock (dripping), posiblemente agotada en él mismo y considerada un baluarte de la pintura abstracta, se busca, en estas máscaras, una figuración realista para el espectador si la obra se mira a cierta distancia, con la homogenización de los colores y el realce de luces y sombras, además de seguir patrones de chorreado que otorgan a la imagen una sensación de volumen.

Como artista plástico ha realizado exposiciones colectivas e individuales en diversas salas de su país y en Europa. Obras suyas forman parte de colecciones particulares e institucionales dentro y fuera del Uruguay. Es Codirector de la Fundación Niños Amigos del Patrimonio para la República Oriental del Uruguay.

En sentido contrario, si el espectador se acerca a la obra, se encontrará con la abstracción en colores puros. De esta manera, sin apartarse del “tema”, es posible alcanzar una pintura que sea, a la vez, “pura” y anecdótica. Por otra parte, es evidente que estas pinturas se enmarcan fluidamente en el ventarrón del arte contemporáneo y aportan una manera novedosa de alcanzar una figuración en la que, como es sabido, la pintura como materia no deja de ser lo verdaderamente importante del arte pictórico.


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Con aretes y sin perlas 2012 Acrílico sobre Tela 185 cm x 155 cm

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Venezuela

Manuel Finol Cavalieri Reside en Caracas. Cursó estudios de mención Pintura, en el Instituto Universitario de Estudios Superiores de Artes Plásticas Armando Reverón en Caracas. Ha participado en numerosas exposiciones de las cuales podemos destacar: “Artistas del Lado Oeste” en el Museo Jacobo Borges; el “XII Salón Anual de Pintura Luís Alfredo López Méndez” de Caracas; el “Salón de Caracas Juan Lovera” Caracas; el “Salón de Artes Plásticas Alejandro Otero”; “Conocer Reconociéndose” en el Museo Jacobo Borges; “Artistas Venezolanos” en la Galería Iberoamericana Francisco Neder de República Dominicana; “Trópicos” en la Galería del Consulado de Venezuela en Nueva York; “Artistas de Miranda” en la Sala Pequiven de Caracas; “6 En Punto” en la Galería Minotauro; “Armonía 11 X 15" en la Galería La Cuadra Creativa; el “III Festival Venezolano de Diapositivas, Arte Social Claudio Perna”; la “Megaexposicion II Arte del Siglo XXI” en el Museo Arturo Michelena; “Homenaje a Jesús Soto” en el Instituto Venezolano de Investigaciones Científicas; “Eufemismos Imperiales” en el Museo Jacobo Borges; el “El Dorado Hoy” en la Galería de Arte Nacional; “Revisiones de América Latina” en la Galería del Consulado de Venezuela en Nueva York; “La Sangria” en la Fundación Celarg, entre otras. Además. ha desempeñado como docente y facilitador en Arte en diversas instituciones educativas y culturales, desde el año 2000 ejerce como diseñador gráfico y fotógrafo para numerosos proyectos y en distintas instituciones.

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“Paisajes” Me interesa la reconstrucción de los recuerdos. Los recuerdos de orden afectivo con los paisajes que de alguna manera se graban dentro de mi memoria visual, corporal y sentimental. Estos “Paisajes” no son de ningún lugar específico y no pertenecen a una geografía determinada, pero se inscriben en ella por reconocer algunos de sus principios ordenadores, fuerzas compositivas, marcas, huellas. Me preocupo por ciertos elementos naturales detonantes de realidades que a veces pasan desapercibidas. Creo en el ser humano y su entorno geográfico. Mi motivación esencial con el paisaje natural es aquella que me da puntos de referencia – o de partida – de orden plástico y de orden emotivo a la hora de afrontar el hecho pictórico.


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De la Serie Razón y Surco 2009 Mixta sobre madera 220 cm x 160 cm

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Argentina

Ana Laura Cantera Reside en Buenos Aires. Licenciada y Profesora en Artes Visuales con orientación en Pintura por el Instituto Universitario Nacional del Arte (IUNA). Realizó la Maestría en Tecnología y Estética de las Artes Electrónicas en la Universidad Nacional de Tres de Febrero (UNTREF), en la que se encuentra preparando su tesis de posgrado sobre la relación del hombre con la naturaleza. Es también investigadora en proyectos científicos y/o artísticos de innovación tecnológica en el IUNA, en la UNTREF, y es becaria del Centro de Experimentación e Investigación en Artes Electrónicas dependiente de la Universidad Nacional de Tres de Febrero. Ha participado en exposiciones nacionales e internacionales, entre las que se pueden mencionar Con Pasión Paixão & Arte. Brasil- Argentina, en la Galería Marta Traba de la Fundación Memorial de América Latina, en São Paulo, Brasil; Metáforas para abrazar al mundo, IV Edición de Arte y Sustentabilidad, en Praxis International Art, en Buenos Aires; FASE 4: Encuentro de Arte y Tecnología, Centro Cultural Recoleta, Buenos Aires. Participó además en la Residencia Artística de la Mutuca (RAM) 2013, Belo Horizonte, Brasil, y en la Residencia NUVEM — Estación Rural de Arte e Tecnología 2013, Río de Janeiro, Brasil.

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"Parasitoides" Es una instalación que sintetiza la relación entre el hombre y su entorno, representada por palpitaciones de un corazón con movimientos autorregulados por medio de un sistema mecánico de motores y engranajes. El objeto es parte de un work in progress que involucra micro-ecosistemas expuestos a condiciones antinaturales de agua y temperatura. Los diferentes estados generados son los responsables de controlar el ritmo de las palpitaciones, a partir de sensores y microcontroladores.


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Parasitoides 2012 Instalación mecánico/electrónico Dimensiones variables

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Brasil

“Com_unidade”

Ângela Barbour Reside en São Paulo. Artista Plástica. PhD en artes Visuales por la Universidade Estadual Campinas, São Paulo (UNICAMP). Master en artes en la Escola de Comunicações e Artes da Universidade de Sâo Paulo (ECA USP), donde también se ha licenciado en Artes Visuales. Además de su actuación como artista, ejerce actividad como curadora y productora cultural, como Directora de la Galería Marta Traba de la Fundação Memorial da América Latina. Allí fue una de las creadoras del proyecto Céu Aberto de atención a las personas con necesidades especiales, donde desarrolló la metodología de imágenes táctiles para las personas con discapacidad visual. Uno de sus trabajos, incluso, ha sido incorporado al Museo de Louvre.

Ângela Barbour ha trabajado en su tesis de doctorado los movimientos migratorios de las poblaciones, la búsqueda humana y los sufrimientos que de ella surgen. En este trabajo crea un personaje llamado Esther, una maleta que viaja en busca de la comprensión de su historia. El principio de las investigaciones ha envuelto experiencias vivenciadas en la persona del otro. Barbour estudió incluso los antiguos centros de desinfección en Sâo Paulo y Buenos Aires, instituciones que acogían a los inmigrantes en su llegada a las Américas y que se constituyeron en espacios de grandes sufrimientos, pues las personas que parecían enfermas eran recluidas en cuarentena y alejadas de sus familias. Ângela crea a Esther como la posibilidad de dar voz a estas personas que por algún motivo dejaron sus países en búsqueda de algo. El concepto de su trabajo se ajusta al tema de pesquisa del Proyecto SAVIAS que, como un hilo conductor, busca las relaciones del Árbol Genealógico Humano General a través de las creaciones de artistas; por este motivo fue invitada para la Muestra Savias en el Museo Qorikancha, en Cusco Perú. Esther, una mujer judía polonesa, viene a las Américas con su familia, que huye de la segunda guerra mundial, y aún niña construye su vida acá y se casa con un alemán. La comprensión de lo que ha pasado en su vida se da a través de la presentación de la performance de la artista en el lugar de la muestra, donde los objetos de la maleta cuentan la historia de su vida y de muchas otras presentes en ellos. En esta historia la artista investiga durante el proceso cada vez que realiza una nueva presentación y con cada nuevo objeto que incluye en la maleta. Este proceso ha sido construido en las ciudades de São Paulo, Buenos Aires, Tatuí, La Habana y Cusco.

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En Qorikancha, Esther fue al encuentro de sus ancestrales y, dado que se trata de un trabajo en proceso, ni siquiera la propia artista tiene previsto lo que va a encontrar. Viene a Caracas en una real búsqueda de significados para incorporarlos en su trabajo y presentarlos al público en su intervención y performance.


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Com_unidade 2013 Performance

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Uruguay

Boris Romero Licenciado en arte por la Escuela Nacional de Bellas Artes del Uruguay. Escultor. Ha participado en diversas exposiciones del Uruguay y del extranjero. Entre estas últimas se cuentan su participación en la Bienal de La Habana en 2009 y en la del Mercosur, realizada en Porto Alegre, Brasil, en 2011. Ha sido galardonado con el Segundo Premio World Trade Center – MVD (2011); Primer Premio en Volumen ''ESPACIAL'' (2012); y Mención especial, Primer monumento al periodismo (2012), entre otros. Sus muestras individuales más destacadas son “Echovolsa” (2008), “Viento” (2008), “Blanco+Blaco” (2009), “Reactor en suspenso” (2010), “Totemis” (2010), “Heridas infinitas” (2011) y “Distorsiones urbanas” (2013).

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“Esculturas” En las esculturas de Boris Romero el volumen se genera desde el adentro hacia el afuera, conquistando el espacio y la tridimensionalidad, de superficies muy sensuales y tensas, interrumpidas solamente por pliegues de diferentes espesores, que son una invitación al tacto, siempre de colores brillantes, provocativos e intervenidas por lingas de acero sobre la superficie.


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foto obra

Dos 2013 Resina poliéster, tintas, linga de acero 50 cm x 30 cm x 10 cm

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Venezuela

Edgar Álvarez Estrada Reside en Caracas. Su infancia transcurrió entre Caracas y el interior del país, específicamente Valle de La Pascua ya que su padre era perseguido político durante la dictadura de Pérez Jiménez y a veces la familia debía vivir clandestinamente. Su padre fue el principal impulsor de su trabajo, era un gran amante del arte y veía en él facilidad para la pintura y la plástica, alentándolo a estudiar e investigar el mundo de las artes plásticas. En su hogar siempre se hizo propaganda política clandestina, su padre creó numerosas publicaciones durante el período pérezjimenista e inclusive después. “Yo veía cómo manejaban los multígrafos, la serigrafía, y aprendí mucho de eso”, recuerda. Su madre era ama de casa, pero siempre estuvo ligada al arte de alguna manera ya que todos en la familia eran muy sensibles al arte. Cruz Álvarez García, un escultor de finales del siglo XIX, formaba parte de ese linaje. Posteriormente, estudió Artes Gráficas en la Escuela de Artes Plásticas de Caracas. Luego entró a la educación formal e ingresó al liceo Fermín Toro ubicado en el centro de la ciudad. También realizó cursos de Ilustración en el Instituto de Diseño. Ha hecho exposiciones en casi todos los museos de Venezuela, así como en París, Madrid, Nueva York, Washington, Bogotá y Uruguay. Actualmente desarrolla un trabajo sobre la Guerra en Irak.

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“Como siempre” En esta propuesta de Álvarez Estrada interesan las figuras históricas, pero para su reinterpretación incluso desde la mirada de grandes pintores como el venezolano Arturo Michelena. Ese es el caso de Miranda sin la presencia de Miranda, la presencia de la cama de Miranda sin Miranda es una forma de retratarlo en su soledad, en su mundo interior, en sus debates internos. Pero en esta reinterpretación el tema deriva en el artefacto: la cama. Hay diferentes temas relacionadas con este artefacto, la cama con todo lo que significa, allí uno nace, muere, agoniza. De lo íngrimo porque cuando no hay nadie sobre ella –sobre la cama- te da la sensación de una soledad subrayada, de lo íngrimo y solo. Cuando pones una cama sola sin nadie que la habite, es la soledad máxima porque la cama está asociada a todo, al calor del cuerpo, al amor, al parto, a la muerte, a la enfermedad. La cama sin nada es la soledad.


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Como siempre 2008 Acrílico sobre Tela 110 cm x 130 cm

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Argentina

Alejandro Curtto Reside en la ciudad de Merlo, provincia de Buenos Aires. Escultor autodidacta. De niño trabajó en un taller de herrería y aprendió el oficio. En el año 2000 comenzó su etapa creativa. Su primera muestra la realizó en la colectiva del Jardín Botánico de Buenos Aires en el 2007 y desde entonces ha sumado nueve exposiciones individuales a su trayectoria artística, en diferentes galerías y espacios culturales de Buenos Aires. Su trabajo escultórico, elaborado fundamentalmente con rezagos de hierro, vidrios y plásticos, está vinculado al tema ambientalista y a la defensa de la cultura nacional.

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“Evolución Turpial” ¿Por qué tanto avasallamiento, destrucción, trueques vulgares e intereses? Destruimos y matamos vida. Día a día desaparecen ecosistemas autóctonos. ¿Por qué tanta falta de respeto hacia la naturaleza? Cacería furtiva, pesca indiscriminada, contaminación de ríos y suelos. ¿De qué forma hay que expresarse para que alguien detenga esto?. Mi corazón cansado vierte sangre sobre mis obras y lamento hoy no poder crear flores... Si miran hacia arriba hay un flamenco, tiene riendas y estribos para llevarlos a un lugar de ensueño donde ellos anidan y dan "vida" con mucha esperanza. Hago esculturas con cosas y objetos que la gente descarta o tira, mayormente chatarra. Gran parte de mi obra trata sobre la problemática ambiental en este planeta y apunta hacia el litoral argentino. Verán muchos peces y animales autóctonos al borde de la extinción, también algunos personajes de la historia argentina, como ángeles, duendes y aborígenes.


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Evolución turpial 2013 Ensamble de metales 210 cm x 140 cm x 50 cm

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Brasil

Luiz Martins Reside en São Paulo. Pintor y escultor, reside en São Paulo. Pintor y Escultor. Estudió artes visuales en la Facultad de Bellas Artes de São Paulo, iniciando su carrera en 1995. Su obra ha sido expuesta de forma individual y colectiva en diversas galerías y espacios culturales de Brasil y del exterior, entre los que se cuentan el Museu Brasileiro da Escultura en São Paulo, la Galería Art Mark y la Galería Plank en Viena, la Galería Pamenkalnio en Lituania, la Galería Odriozone en Polonia, la Galería do Forte en Portugal y el Salón de Artes del Mercosur en Buenos Aires.

“Serie Serigrafía 2013” Luiz Martins inventa series de objetos, familias temáticas, cubiertos por epidermis intrigantes, verdaderas pieles que revelan semejanzas entre sí, a veces geométricas, a veces vibraciones ópticas. La atmósfera generada por estos objetos tiende un puente con lo cotidiano debido al uso de materiales vulgares y al método de trabajo del artista, que reelabora la visualidad de lo conocido para proponer una vivencia. Martins es un experimentador, inventor de nuevos seres, creador de lo inusitado. La invención metafísica. Sus formas tridimensionales y bidimensionales acentúan la intencionalidad de su investigación, la búsqueda de nuevas visualidades y el deseo de mirar despierto. Vestimenta, vibración, franjas paralelas, ritmos, relaciones entre partes, cuerpos diferenciados. El inventor procura una nueva mirada. Él lo define de esta manera: Mi trabajo se basa en la estética de la búsqueda de reflexión sobre la vida, teniendo como incentivo toda la herencia cultural y expresiva del hombre para comunicarse con el Otro a través de un lenguaje simbólico. No posee funcionalidad ni objetividad, sólo emoción.

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Sin título 2013 Acrílico témpera sobre papel de algodón 112 cm x 70 cm

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Uruguay

Salomón Reyes Nacido en México, aunque residente en Uruguay donde ha fundado la productora audiovisual Saladero 19. Es Director-Guionista y Creador Audiovisual, especializado en teatro, lenguajes escénicos y diseño de proyectos escénicos multimedia. Su último trabajo, “La última vez” es un cortometraje filmado en Salto, Uruguay, actualmente en postproducción. En cine tiene participaciones como actor en largometrajes y series. Como realizador ha diseñado varios cortometrajes y documentales. Como artista visual obtuvo el primer premio del Art Fest World Trade Center (México, 2005) con su intervención arquitectónica “Perpetuum”. Ha obtenido varias veces el apoyo del FONCA en México y el Programa Internacional IBERESCENA. Actualmente presenta y produce el proyecto escénico “Mikroteatro de vampiros” en el litoral uruguayo y prepara la gira de su espectáculo multimedia “La perfección comienza un jueves” por Colombia y Ecuador. También es curador de la muestra audiovisual del Festival Arte y Juventud pautado para septiembre 2013 en la ciudad de Mercedes, Uruguay.

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“Knives” Hay momentos en que quisieras arrancar de tajo lo que odias de tu cuerpo. Pero no todo lo que se desea se cumple. Lo que quieres desechar de ti sigue ahí, vivo, latente. “Knives” es un diálogo sensual entre mujer y cuchillos de carnicero, entre el límite del corte útil y el desechable. Es un deseo suicida de transformarte. Esta pieza se creó en marzo de 2012 durante la residencia artística en Uruguay de la actriz venezolana Moyra Ángeles. Fue filmado en la isla desierta de Almería sobre el Río Uruguay, frente al pueblo Casa Blanca.


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Knives Video Digital y Stop Motion 2012 Actriz: Moyra Ángeles Maquillaje y Vestuario: Valeria Schneider Edición y Montaje: Natalia Bagnasco

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Venezuela

Argelia Bravo Reside en Caracas. Ha desarrollado su investigación en las artes visuales de manera transversal con el video documental y el activismo transfeminista y ecofeminista, asumiendo las prácticas artísticas como un ejercicio político desde la creación. Bravo define su práctica artística como una "trocha transindisciplinaria contra la sumisión, una actitud militante de vida por la vía creativa, que puede desestabilizar y proponer nuevas rutas de conocimientos y prácticas liberadoras frente a los saberes instituidos". De 2002 a 2011 desarrolló un complejo trabajo junto a la comunidad trans, que fue resumido en la exposición individual “Arte social por las trochas, hecho a palo, patá y kunfú”, en la Sala RG de la Fundación CELARG. A partir de 2007 comienza una nueva investigación -aún en curso- a propósito de la problemática de soberanía alimentaria. Crea el Comando María Moñitos como una suerte de plataforma artística de lo que define como "investigación-creaciónacción-participación". El primer experimento cristalizará en la muestra expositiva “Aula 7, escuela de cuadros y pepas”, en el Museo de Arte Contemporáneo de Caracas. Entre sus reconocimientos más importantes están el Premio Nacional de Cultura Mención Artes Plásticas 2010, dos menciones especiales en el Primer Festival de Cine de la Diversidad FestidivQ en 2011 por dos producciones documentales, y en 2012 es homenajeada en el mismo Festival por sus aportes al campo del documental y la visibilización de las luchas sexo-diversas, especialmente por el documental “Pasarelas Libertadoras”. En la XX Bienal Internacional de La Habana participa con la acción “Rosado bravo, arrecho y enfurecido”.

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“A continuación el Himno Nacional…” Esta trilogía de piezas representa una suerte de “declaración de guerra” y un llamado a la descolonización de nosotros los “otros”, como culturas tercerizadas frente a las hegemónicas, así como el ejercicio de la soberanía cultural, corporal y territorial, a partir de la insubordinación ante los saberes patriarcales, androcéntricos y eurocéntricos instituidos, que han servido de armas de dominación y exterminio de nuestras culturas. La “teta” y la “cuchara” en las representaciones de estas rebeldes vírgenes, “sostienen”, “sustentan” en su regazo, el arma más mortífera contra la indolencia del capitalismo y sus tentáculos de apropiación, expoliación, privatización y mercantilización de la vida misma: la soberanía alimentaria y por tanto cultural, que brota de la leche de las mujeres y el cultivo de la semilla nativa. Por último y con sencilla solemnidad, tres mujeres encapuchadas en un video, arrullan a sus niños con el Himno Nacional de la República Bolivariana de Venezuela mientras su irrepetible receta aniquila a la Nestlé.


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A continuación el Himno Nacional 2012 Videoperformance Con la participación de Lactarte Cooperativa 04':08'

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Argentina

Luján Funes Reside en Buenos Aires. Licenciada en bioquímica por la Universidad del Sur. Inicia su actividad artística en 1986. Se formó con Enio Iommi, Anibal Carreño, Alicia Romero y Rodolfo Agüero y posteriormente con Andrea Juan, Rodrigo Alonso, Juan Carlos Romero y Valeria González. Ha estudiado filosofía con J. P. Feimann, R. Foster y Ricardo Álvarez. Ha expuesto en muestras colectivas en Argentina, Cuba, Brasil, Bolivia, Chile, Canadá, Colombia, Estados Unidos, España, Italia, Hungría, Perú, Portugal y Uruguay. En 2002 ganó el Primer Premio de la II Bienal de Gráfica Latinoamericana. En 2006 fue becaria de Intercampos II, Fundación Telefónica. En 2007 y 2009 fue seleccionada para la Bienal Internacional SIART de Bolivia, donde obtuvo mención de honor a la obra “El Kiosko – Hemeroteca de Funes” (2009). En 2010 participó del Laboratorio de Investigación en Prácticas Artísticas Contemporáneas LIPAC, del Centro Cultural Ricardo Rojas (Buenos Aires). Su obra “Ovnis en la nación” pertenece a la colección del Museo de la Memoria de La Plata y las obras “Celebración (Ensayo)” y “Celebración (Estudio)” forman parte de la colección Castagnino-Macro en Rosario, Argentina. Sus últimos trabajos son videos, instalaciones, intervenciones urbanas, muestras e investigaciones gráficas, estudios hemerográficos y performances.

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“Funes y yo” Funes el memorioso, Borges y yo. La invención de un ser singular, carente de olvido; la sospecha común de que vivimos postergados detrás del personaje que representamos en público. Sin duda, portar el apellido de Irineo habilita a Luján a jugar con las dos otredades más inquietantes imaginadas por el escritor argentino. Juego subversivo, porque si la acumulación incontable de documentos evoca la memoria infalible del orillero Funes, la tinta presurosa y la barbotina espesa delatan una urgencia que no puede reducirse a pura información. Juego subversivo, porque si Borges encuentra un verdadero ser del otro lado del espejo, Luján construye un personaje en el pequeño abismo de un vestido que ya no cierra. Acumular para exorcizar. Tapar para develar. Allí donde el hombre descansa en la autenticidad de una biografía, ella compone, con figuras comunes – madre, bioquímica, señora burguesa, artista visual – un espacio de redención amorosa de aquello que nos duele mirar. Valeria González


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FALTA

El Kiosco- Hemeroteca de Funes 2009-2013 Video-instalación Dimensiones variables según instalación

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Agradecimientos por su gran apoyo a: Embajada de la República Bolivariana de Venezuela en Argentina Embajada de la República Bolivariana de Venezuela en Uruguay Ingrid Berens Isabel Delgado Alí Rodríguez Araque Andrés Mejías Luis Delgado Adriana Tovar Naty Vásquez Hindu Anderi Rodolfo Porras José Francisco Fonseca Marcondes Viviane Nunes Enok Sacramento Malu da Cunha Luisa Díaz


MINISTRO DEL PODER POPULAR PARA LA CULTURA Fidel Barbarito Hernández FUNDACIÓN MUSEOS NACIONALES Presidenta Vivian Rivas MUSEO ALEJANDRO OTERO Directora General Morella Jurado Directora de Procesos Museológicos María Rengifo Director de Integración Comunitaria y Educación Nelson González Leal

Infocentro

Servicios Generales

Analista de Soporte Técnico Melvin Bautista

Asistente Ejecutivo Planta Física María Dianora Rodríguez

Centro de Documentación y tienda Peggy García

Museógrafos I Rafael Berrios Emanuel González Atuve Landazabal Santos Escobar

Asistente de Eventos Karen Salazar Gestión Interna Jefe especialista de administración Mariluz Villalba Analista III María Abreu

Asistente Ejecutivo Nancy Perdomo

Recursos humanos

Mensajero Motorizado Daniel Quintero

Analista Especialista III Mirla Linares

Comunicador Social Especialista III Ana María Dos Santos

Analista III Edgar Tejada

Conservación Especialista I José Rodríguez

Asistente Ejecutivo Mirtha Aquino

Jefe Especialista de Museografía Daniel Trujillo

Departamento de Seguridad

Mantenimiento Jefe Especialista de Mantenimiento Ernesto Herrera Jardinero José Gregorio García Auxiliar de Mantenimiento Ángela Vera

UNSOLO CUERPO ARTE CONTEMPORÁNEO EN LOS PAÍSES DEL MERCOSUR

Registrador I Indara Barrios Simón Conde Proyectos Especiales Comunitarios Magaly Delfín Jefe Especialista de Investigación Indira Aguilera Investigador I Jhonny Fung Asistente III Edith Peña

Exposición No 1245 Jefe Especialista de Seguridad Francisco Cedeño

Septiembre de 2013

Oficiales de Seguridad Freddy García Pablo Rivero Guillermo Mujica Carlos Rivero

Curaduría Morella Jurado

Supervisores de Seguridad José Ramón Pérez José Acosta Walter Conde Ángel Suárez Jimmy Melani

Diseño Gráfico Manuel Finol Cavalieri

Museografía Edgar Ernesto González

Corrección de textos y traducción del portugués Nelson González Leal Impresión Coop. La Quinta Publicidad

Educación Jefe especialista de Educación Evelio Salcedo Educador I Fernando Aranguren

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Guía Docente Nathaly Guevara Carmen Pérez

Tiraje 500 ejemplares © Fundación Museos Nacionales Museo Alejandro Otero, 2013


Foto: Cortesía Yuri Liscano

MUSEO ALEJANDRO OTERO

30 AÑOS 1983-2013

El Museo Alejandro Otero se encuentra ubicado en el Complejo Cultural La Rinconada, en uno de los sectores más populares de Caracas -como es la parroquia Coche- y se constituye como la alternativa cultural del suroeste de la ciudad capital. El edificio sede del MAO, construido por iniciativa del Instituto Nacional de Hipódromos entre 1980 y 1983, es una edificación moderna y funcional proyectada por los arquitectos venezolanos Hugo Dávila y Pedro J. Mendoza. Lo conforman dos triángulos cerrados, revestidos de mármol travertino, unidos a un eje central y un gran ventanal de vidrio reflexivo y transparente que forman un imponente atrio triangular. Cuenta con seis salas de exposición distribuidas en tres plantas, un centro de documentación sobre arte contemporáneo, un Infocentro, una tienda de arte, restaurante y estacionamiento con vigilancia. El museo lleva el nombre de Alejandro Otero como homenaje póstumo a uno de los artistas venezolanos más significativos del siglo XX. La Colección FMN que resguarda el MAO actualmente está constituida por 284 importantes obras de arte moderno y contemporáneo de 116 artistas nacionales y extranjeros, entre quienes destaca la obra del maestro Alejandro Otero. Asimismo, mantiene bajo su custodia la Colección del Instituto Nacional de Hipódromos que está compuesta por 508 obras de 236 artistas, tanto extranjeros como venezolanos de gran importancia para la historia de la plástica universal como Arturo Michelena, Héctor Poleo y Armando Reverón, entre otros.

Martes a viernes de 9 am a 4:30 pm Sábados y domingos de 10 am a 5 pm La Rinconada Autopista Valle-Coche, salida La Rinconada Av. Intercomunal Valle-Coche .Caracas, Venezuela Teléfonos: 058 + 0212 + 6821814 / 0102 / 0941 E-mail: museotero@cantv.net


Rif-G-20005432-6

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Catalogo mercosur  

Catálogo da mostra "Un solo cuerpo Arte Constemporáneo en los páíses del Mercosur". Com os artistas G. Fogaça, Raquel Pellicano, Ângela Barb...

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