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GeTXOPHOTO 2012

Argazki jaialdia / Festival de fotografĂ­a / Photography festival

antolatzailea / organiza organiza / antolatzailea

babesleak / patrocinan


Argitalpen honek GETXOPHOTO 2012ren egitarau artistikoa bildu eta laguntzen du. Arduraduna berriro ere Frank Kalero izan da. Hiru urtez Jaialdiaren komisario bezala aritu ondoren, agur esaten du aurten hirugarren gorazarre bat eskainiz, Umeei gorazarre. Horrela, hiru urteko zikloa ixten dugu. Programazioari dagokionez bizitzaren garai ezberdinetan gizakiaren askatasunaren irudia eskaintzen ahalegindu gara, horixe izan da lokarria. 2010ean, egungo krisialdi ekonomiko itogarriaren efektuak sentitzen hasiak ginenean, Aisiari gorazarre izan zen aukeratutako gaia; aisia, nagusiok behin inolako betebeharrik ez dugunean, pertsona gisa errealizatzeko egin behar dugun guztia burutzeko bizi dugun denbora da. Hurrengo urtean, 2011n, Zaharrei gorazarre izan zen aukeratutako gaia, garai ukatu eta ez maitatua, zeinean gizakiak osasuna eta oroimena izanez gero, denbora asko izan ohi du -behintzat denbora geldoa- benetan den bezalakoa agertzeko. Zikloa Umeei gorazarre-arekin ixten da, antza erabat askeak eta zoriontsuak garen garaia, ondoren bizitzak ezartzen dizkigun betebehar eta eginkizunik gabea. Gezur hutsa. José Saramagok zioen hura ekarri nahi izan dugu gogora, hau da, bizitzan barrena bidaian goazela garai batean izan ginen ume horrek lagunduta. Gainera aurten GETXOPHOTOk sei urte beteko ditu. Oraindik umeak gara. Ala ez?

Esta publicación acompaña y recoge la programación artística de GETXOPHOTO 2012. El responsable ha sido Frank Kalero, quien después de tres años ejerciendo como comisario del Festival se despide ofreciendo un tercer elogio, Elogio de la infancia. De esta manera cerramos un ciclo de tres años que a nivel de programación ha tenido como nexo el hecho de intentar ofrecer un retrato de la libertad del ser humano en las diferentes etapas de la vida. En 2010, cuando comenzaban a sentirse los primeros efectos de la asfixiante crisis económica actual, el tema elegido fue Elogio del ocio; el ocio es, por excelencia, el tiempo en el que los adultos, libres de obligaciones, intentamos realizarnos desarrollando todo aquello que deseamos. Al año siguiente, en 2011, el tema elegido fue Elogio de la vejez; un periodo negado y poco deseado en el que el ser humano, si dispone de salud y memoria, también cuenta con mucho tiempo -o al menos, lento- para mostrarse tal como es. El ciclo se cierra este año con un Elogio de la infancia, etapa en la que al parecer somos absolutamente libres y felices sin las obligaciones y los condicionantes con los que nos va cargando la vida. Nada más lejos de la realidad. José Saramago decía que uno camina en la vida acompañado por el niño que fue. Por cierto, este año GETXOPHOTO cumple seis años. Todavía somos unos niños. ¿O no?

This publication accompanies and includes the artistic programming for GETXOPHOTO 2012. Frank Kalero has been responsible for the show and, after three years presiding as Festival curator, he makes his farewell offering a third tribute, In praise of childhood. And so we close a three year cycle whose leitmotif has been to offer a portrait of the liberty of human beings during their different life stages. In 2010, when the first effects of the present asphyxiating economic crisis were making themselves felt, the theme chosen was In praise of leisure; the time of leisure is par excellence when adults, now free of obligations, attempt to realise themselves doing what they have craved after. The following year, 2011, the theme chosen was In praise of elderly, a denied and not much loved period when humans, if they are in possession of good health and memory, also have plenty of time at their disposal -or at least of slow time- to show who they actually are. The cycle draws to a close this year with In praise of childhood, a stage when we appear to be absolutely free and happy, without any obligations and constraints to weigh us down. Nothing could be further from the truth. José Saramago said that we walk our life’s path in the company of the child we once were. GETXOPHOTO, by the way, is six years old this year. And still just kids. Don’t you reckon?


FRANK KALERO. KOMISARIOA Haurtzaroa giza izaeraren egoerarik zitalena da, heriotzarenaren ondoren Pierre de BĂŠrulle Kardinala, XVII. mendea

Haurtzaroa ez da naturarentzako existitzen, soilik gizaki modernoarentzat existitzen da. Orain dela gutxi erabiltzen genituen haurtzaroa, haurtzaro lapurtua edo galdutako paradisua bezalako kontzeptu beroak. Umeen premiek ez zuten inor arduratzen Errenazimentuaren aurretik. Gizaki potentzial soilak ziren, azpiko egoera batetik goiko beste egoera batera fluktuatzen ari ziren homunkuluak, Tomas de Aquino-ren teorien arabera. Naturarentzat ama izatea baino ezer komunagorik ez zegoen. Hainbat seme-alaba edukitzen ziren gutxi batzuk nagusi izatera helduko ziren itxaropenarekin, istripu, gaixotasun eta gehiegikeriak tarteko. Epe hori gaindituta, emankorrak izango ziren gurasoentzat. Horretara eramaten zuen adinak ez zuen garrantzirik, igarotze ez-emankor soila zen, eta kostuak eragiten zituena. Industria-iraultzarekin puer ex machina etorri zen. Lurrun-piztiek umea mendetako krisalidatik askatuko dute. Ekoizteko ez da horrenbeste ume langilerik beharko. Ume langabetu ugari agertu zen eszenan. Eskolatzeak arnasa eman zien lan-jardun amaitezinak zituzten gurasoei, eta eguneko zati batean umeak egoteko leku itxi bat. Jan Amos Comenius-ek bidea prestatu zuen “irakatsi dena denei� goiburuarekin eta pedagogiaren eta irakaskuntza unibertsalaren aita eta liburu ilustratuaren asmatzaile bihurtu zen. Jean-Jacques Rousseau-k ideia berberak berrindartuko zituen geroago burgesen artean. Horri landa-exodoa gehitu behar zaio, landa-eremua pisu txikitxikiengatik aldatzea, non umeak lau hormen artean bizi diren beren gurasoekin, kontaktu estuagoa sustatuz. Medikuntza modernoak umeen heriotza-tasa murriztu zuen. Antzina, heriotz-tasa altua zela-eta, ez zuten gomendatzen semealabekin afektiboki elkartzea horiek biziraun eta hazi egingo zirela ziur egon arte. Orain bai, gurasoak beren sema-alabak samurtasunez maite ditzakete, jaiotzen direnetik hezitu eta denbora eskainiz. Ofizialki, haur kontzeptua 1924. urtean sortu zen Eglantyne Jebb-en eskutik (Save the Children-en sortzailea) Genevako Deklarazioarekin; 1959. urtean etorriko zen Haurren Eskubideen Deklarazioa. Hortik aurrera haurtzaroa definitu, mugatu eta babestuko da. Gizartea umetu egingo da eta eskolak, horretan, oinarrizko eginkizuna izango du instituzioen laguntzarekin; gizartea berreziko dute eta gurasoei hiritar bihurtu diren beren seme-alabak nola tratatu azalduko diete. Haurtzaroa epe zital izatetik askok utzi ere nahi ez duten espazioa izatera pasako da, eta aldi berean, nerabezaroarekin nahasten da espazio irreal batean, estereotipoz eta merkatu kontsumistatik irtendako aldez aurretik pentsatutako portaeraz betea.

Adingabeak babestuz eta zainduz haurtzaroaren ideia estandarizatu duten hainbat instituzio sortu ditugu. Ondorioz umea era dramatikoan aldendu da helduen mundutik eta oso izaki ahula bihurtu da, eta horren erantzule gizarte osoa da. Umeak erabiltzen ditugun gainontzeko kontzeptuetatik banantzen dituen horma psikologiko bat sortu dugu. Helduak haurtzaroaren inguruan duen ideia beren semealabengan proiektatu du, bere estereotipoak, fantasiak eta dementziak proiektatu ditu eta arau, haurtzaindegi, ipuin-liburu eta parke tematiko itxura eman die. Ume guztiei sinestarazi die hori dela haurra izatea. Eta heldua kontsumoko gizarte batean bizi denez, bere seme-alaba piramide trofikoaren tontorrean jarri du. Haurra sakratua eta ukiezina da eta zuzentasunaren politikak egin du gainontzekoa, seme-alabak beren gurasoengandik aldenduz eta merkaturantz bultzatuz. Haur-psikiatren kontsultak beteta egotea da gure zibilizazioikurra. Horrek erakusten du helduen grinak eta beldurrak modu eraginkorrean proiektatu direla haurraren adimenean. Idiosinkrasia besterik ez dena patologia bihurtzen da, gurasoek piztia kontrolatzeko duten beldurrarengatik. Modernotasunak mugak eraitsi ditu horma berriak eraikitzeko. Antsietatea, arretafalta, desoreka obsesibo-konpultsiboa, hiperaktibitatea eta baita anorexia ere. Askeagoak dira, umeagoak dira, baina inoiz baino gaixoago daude. Baina gaitz horiek soilik batzuentzat dira errealak, zorionekoentzat. Haur gehienek gerretan borrokatzen dute, prostituitu egin behar izaten dute edo gosez hiltzen dira, hori bai, arreta-faltaren arazorik gabe. Mariano Narodowski pedagogo ospetsuak haurtzaro hiperrealizatu eta desrealizatuari buruz hitz egiten du. Lehenengoan teknologia eta ondasun materialak eskura duten, nahi dutena momentuan asetzen duten eta frustrazioa onartzen ez dakiten umeak egongo lirateke. Bigarrena kaleko umeena da, bizirautea nahi badute haurtzaroa lehenbailehen utzi behar dutenak; baztertuak, tratu txarrak jasaten dituztenak eta independenteak. Errenazimentuaren aurretik haurtzaroa ez zen arteen helburu, ez zegoen ordezkatua eta horrek erakusten du garai hartan haurtzaroari egiten zitzaion mespretxua, edo soilik ez zegoela diferentziarik adin bat eta bestearen artean. Horren adierazle izan daitezke gizon helduaren gorputza duten umeak. Gaur egun haur-unibertsoa kulturaren parte da, baina helduak, bere katalizatzailearen bitartez, transkribatzen du fase hori. Haurrak ez du inoiz horrelakorik egingo, besteak beste ikusle gisa aspertu egingo gintuelako, soluzio formal zein eduki intelektualarengatik, nahiz eta samurra izan. Artearen haurunibertso iluna autorearen paradisu galduaren erreberberazio neuronala da. Batzuk helduak izaten jolasten, beste batzuk umeak izaten jolasten.


FRANK KALERO. COMISARIO La infancia es el más vil y abyecto estado de la naturaleza humana, después del de la muerte Cardenal Pierre de Bérulle, siglo XVII

La infancia no existe para la naturaleza, solo para el hombre moderno. Hace poco que manejamos conceptos calientes como infancia, infancia robada o paraíso perdido. Las necesidades de un niño no importaban a nadie antes del Renacimiento. Estos eran simples hombres en potencia, homúnculos fluctuando de un estado inferior a otro superior según las teorías de Tomás de Aquino. Para la naturaleza no había nada más común que ser madre. Se tenían varios hijos con la esperanza de que unos pocos se abrieran paso a la edad adulta entre accidentes, enfermedades y abusos. Superado este período, serían productivos para los padres. La edad que llevaba a ello era irrelevante, un simple tránsito improductivo y generador de costes. Con la Revolución Industrial acontece el puer ex machina. Las bestias de vapor liberarán al niño de su crisálida secular. Ya no es necesaria tanta mano de obra infantil para producir. Una legión de niños desocupados entra en escena. La escolarización supone un respiro para los padres volcados en jornadas laborales eternas y un lugar donde tenerlos encerrados durante una parte del día. Jan Amos Comenius, que se había encargado de allanar el camino con su lema “enseña todo a todos”, se convierte en el Padre de la Pedagogía, de la enseñanza universal y en inventor del libro ilustrado. Jean-Jacques Rousseau posteriormente reforzaría las mismas ideas entre los burgueses. A esto se suma el éxodo rural, el cambio del campo por pisos diminutos donde los pequeños conviven entre cuatro paredes con sus padres, promoviendo un contacto más estrecho. La medicina moderna reduce la mortalidad infantil. Antaño, debido a la alta mortalidad no era recomendable vincularse afectivamente con los hijos hasta que quedara claro que iban a sobrevivir y crecer. Ahora sí, los padres ya pueden volcarse en amar con ternura, educar e invertir en sus hijos desde el principio de sus vidas. Oficialmente, el concepto niño nace en 1924 de la mano de Eglantyne Jebb (fundadora de Save the Children) con la Declaración de Ginebra, seguido de la Declaración de los Derechos del Niño en 1959. A partir de ahí la infancia se define, acota y salvaguarda. La sociedad se aniña y la escuela juega un rol básico en ello ayudada por las instituciones, las que se encargarán de reeducar a la sociedad y explicar a los padres cómo tratar a sus hijos, ya convertidos en ciudadanos. La infancia pasa de ser un período indeseable a convertirse en el espacio del que muchos no quieren salir y, a la vez, se confunde con la adolescencia en un espacio irreal, lleno de estereotipos y conductas preconcebidas que emanan en su mayoría del mercado consumista.

Hemos creado toda una serie de instituciones que han estandarizado la idea de infancia, protegiendo y tutelando a los menores. El efecto ha sido que el niño se ha alejado del mundo del adulto de un modo dramático y se ha convertido en un ente extremadamente frágil, del que toda la sociedad es responsable. Hemos creado un muro psicológico que separa a los niños del resto de conceptos que manejamos. El adulto ha proyectado su idea de infancia sobre sus hijos, ha proyectado sus estereotipos, fantasías y demencias y les ha dado forma de norma, de jardín de infancia, de libro de cuentos y de parque temático. Ha hecho creer a todos los infantes que eso es ser niño. Y como el adulto vive en una sociedad de consumo, ha colocado a su hijo en la cúspide de la pirámide trófica. El niño es sagrado e intocable y la política de lo correcto ha hecho el resto, alejando a los hijos de sus padres y empujándolos al mercado. Consultas de psiquiatras infantiles llenas es nuestro símbolo de civilización. Es la prueba de que las ansias y los miedos del adulto han sido proyectados eficazmente sobre la mente del niño. Lo que no es más que idiosincrasia se convierte en patología por el miedo de los padres a controlar a la bestia. La modernidad ha derrumbado los límites para crear nuevos muros. Ansiedad, déficit de atención, trastorno obsesivo-compulsivo, hiperactividad, incluso anorexia. Son más libres, son más niños, pero están más enfermos que nunca. Pero estos trastornos son reales solo para unos cuantos, para los más afortunados. La inmensa mayoría de niños sigue combatiendo en guerras, prostituyéndose o muriendo de hambre, eso sí, sin problemas de déficit de atención. El prestigioso pedagogo Mariano Narodowski habla de infancia hiperrealizada y desrealizada. La primera es la de los niños con acceso a tecnología, bienes materiales, satisfacción instantánea de deseos y con nula tolerancia a la frustración. La segunda es la de los niños de la calle, los que precisan abandonar la infancia cuanto antes si quieren sobrevivir; los excluidos, maltratados e independientes. Antes del Renacimiento la infancia no era objeto de las artes, no estaba representada en modo alguno y este hecho puede ilustrar el desprecio que se otorgaba a esta etapa o, simplemente, que no existían diferencias entre una edad y otra. Muestra de ello pueden ser los niños con cuerpo de hombre adulto. Hoy en día el universo infantil forma parte de la cultura, pero siempre es el adulto quien, a través de su propio catalizador, transcribe esa fase. Nunca será el niño quien lo haga, entre otras cosas porque nos aburriría como espectadores, tanto por su solución formal como por su contenido intelectual, por muy tierno que pueda ser. Es así que el oscuro universo infantil del arte no es más que la reverberación neuronal del paraíso perdido del propio autor. Unos jugando a ser adultos, los otros jugando a ser niños.


FRANK KALERO. CURATOR Childhood is the vilest and the most abject state of nature after that of death Cardinal Pierre de Bérulle, 17th century

Childhood does not exist for nature, only for modern man. Only recently did we start handling hot concepts such as childhood, stolen childhood or paradise lost. No-one before the Renaissance was bothered about the needs of a child. They were simply men in the making, homunculi fluctuating from a lower to a higher state, in accordance with the theories of Thomas Aquinas. For nature nothing was more usual than being a mother. They had several children in the hopes that a few of them would traverse the passage to adulthood, through accidents, diseases and abuses. Once this period was overcome, they would be productive for their parents. The time of life that took them through that journey was irrelevant, no more than an unproductive and costly transition. Along with the Industrial Revolution came the puer ex machina. The iron horses would free children from their secular chrysalis. There was no longer the need for so much child labour in order to produce. A legion of idle children emerged onto the scene. The advent of schooling provided a respite for parents submerged in their never-ending working day, and a place to have them shut away for part of the day. Jan Amos Comenius, who had taken on the role of trail blazer with his motto of “teach everything to everyone”, became the father of pedagogy and universal education, and the inventor of the illustrated book. At a later date Jean-Jacques Rousseau was to reinforce the same ideas among the bourgeois. Coupled with this was the rural exodus, swapping the countryside for tiny flats where the little ones lived together with their parents between four walls, resulting in closer contact. Modern medicine reduced infant mortality. In the old days, due to the high mortality rate, emotional bonding with children was not too advisable until it became clear that they were going to survive and grow. Now parents are able to throw themselves into the tenderness of loving, educating and investing in their children right from the start of their lives. Speaking in official terms, the child concept came into being through Eglantyne Jebb (founder of Save the Children) with the Geneva Declaration of 1924, followed by the Declaration of the Rights of the Child, in 1959. That was the point when childhood was defined protected and safeguarded. Society got with child and, in that sense, the school played a basic role, with the support of the institutions that would be responsible for re-educating society and explaining to parents how they should treat their children, in their new status as citizens. Childhood ceased to be an undesirable period, becoming a place that many did not wish to leave, while, in turn, it melded with adolescence in an unreal space, full of stereotypes and preconceived behaviours that mostly emanated from the consumerist market.

We have created a whole series of institutions that have standardised the notion of childhood, protecting and overseeing minors. The effect has been that children are at a dramatic remove from the adult world, transformed into extremely fragile beings for which all society is responsible. We have constructed a psychological wall that separates children from the rest of the concepts we work with. Adults have projected their idea of childhood onto their children in a rush of stereotypes, fantasies and dementias, all of it standardised in the shape of the garden of childhood, the storybook and the theme park. They have made all the little ones believe that that is being a child. And, since adults live in a consumer society, they have placed their sons and daughters at the apex of the trophic pyramid. The child is sacred and untouchable, and political correction has done the rest, distancing children from their parents and thrusting them in the direction of the market. A full child psychiatry office is our symbol of civilisation. It is the living proof that adult angst and fear have efficiently cast their shadow over children’s minds. A mere idiosyncrasy is turned into pathology by parents’ fears and the need to control the beast. Modernity has knocked down boundaries only to create new walls. Anxiety, attention deficit, obsessive-compulsive disorder, hyperactivity, even anorexia. They are more free, they are more childish, but they are more sick than ever. But these disorders are only real for a few, for the most fortunate. The immense majority of children still fight in wars, prostitute themselves or are dying of starvation, though, of course, they do not suffer from attention deficit. The prestigious educationalist Mariano Narodowski talks of hyperaccomplished and non-accomplished childhood. The former refers to children with access to technology, material goods, instantaneous satisfaction of desires and nil tolerance of frustration. The second category is about street children, those who have to leave their childhood behind as soon as they possibly can if they want to survive; excluded, battered, and independent. Before the Renaissance, childhood was not the object of the arts’ attention, it was not represented in any way; this fact may illustrate the contempt this life stage was accorded, or it might simply be the case that no differences existed between one time of life and another. A sign of that might reside in those boys who had adult male bodies. Today the child’s world forms part of culture, but it is always adults who, via their own catalyst, transcribe that stage. Children will never be the ones to do it because, amongst other reasons, we would be bored as spectators, both by the formal solution offered and by the intellectual content, whatever touching appeal it might exhibit. So the obscure universe of children’s art is merely the neuronal reverberation of the actual author’s paradise lost. Some playing at being adults, others playing at being children.


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IN THE PLAYROOM

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SMOKING KIDS

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DAUGHTERS

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DREAMS OF FLYING

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THE BIRTHDAY PARTY

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THE PINK AND BLUE PROJECT

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PINK DREAMS & GROWING UP

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The Adventures of Guille and Belinda and the Enigmatic Meaning of Their Dreams

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Montrealen (Kanada) jaio zen 1967. urtean. Ohorez graduatu zen Argazkilaritzan Rhode Island School of Design-en. 2000. urtean, Los Angelesera joan zen eta bertan bizi da orduz geroztik. 2007an Photo aldizkari frantsesak berrogei argazkilari garaikide onenetariko gisa aukeratu zuen. Publizitateko argazkilari moduan hainbat multinazionaletarako egin du lan, hala nola Microsoft, Polaroid, Sony, Disney, Fox eta Pepsi. Bere estilo bereziak eta ukitu zehatzak joerak markatu dituzte azkeneko urteetan publizitatearen eta erretratuaren arloan. Jill-en argazkiak Time, Newsweek, Wired, Los Angeles Times, The Sunday Times, Entertainment Weekly eta beste argitalpen batzuetako azaletan agertu dira. Monkey Portraits, Bear Portraits eta End Times liburuak argitaratu ditu. End Times negarrez agertzen diren umeen lehen plano estilizatu eta hiperrealek eztabaida eragin zuten 2006. urtean. Negarrarazteko lehenengo gozokiak eskaintzen zizkieten eta gero kendu. Portaera ez etikoa eta umeen abusua bezalako alegatu ugari entzun behar izan zituen Jill-ek. Ama izanik, Jill-ek kontrakoa dio eta argazkian irteten diren umeek ez zutela inolako kalterik jasan adierazi du. Argazkilari honentzat erretratu horiek Bush-en administrazioarekin eta Estatu Batuetako fundamentalismo kristauarekin sentitzen zuen frustrazioa islatzen dute.

Nacida en Montreal, Canadá, en 1967. Se gradúa con honores en Fotografía por la Rhode Island School of Design. En el 2000 se muda a Los Angeles, donde reside desde entonces. En 2007 es seleccionada por la revista francesa Photo en la lista de los cuarenta fotógrafos contemporáneos más relevantes. Como fotógrafa publicitaria ha trabajado para multinacionales como Microsoft, Polaroid, Sony, Disney, Fox o Pepsi, entre otras. Su peculiar estilo y su meticuloso retoque han marcado tendencia durante los últimos años en el mundo de la publicidad y del retrato. Sus fotografías han aparecido en las portadas de Time, Newsweek, Wired, Los Angeles Times, The Sunday Times, Entertainment Weekly y varias otras publicaciones. Ha publicado los libros Monkey Portraits, Bear Portraits y End Times. Los estilizados e hiperreales primeros planos de niños llorando que componen End Times fueron motivo de gran controversia en 2006. La técnica para hacerles llorar consistía en ofrecerles caramelos, para arrebatárselos posteriormente. Fueron muchos los alegatos de conducta poco ética, e incluso de abuso infantil, que llegaron a su galería. Ella, que es madre, asegura lo contrario e indica que los niños fotografiados no fueron dañados de ninguna manera. Para Jill estos retratos reflejan la frustración que sentía con la administración Bush y con el fundamentalismo cristiano en los Estados Unidos.

Born in Montreal, Canada, in 1967. Honours Graduate in Photography from the Rhode Island School of Design. Moved to Los Angeles in 2000, where she has been living since that date. Chosen in 2007 by the French journal Photo as one of the forty most relevant contemporary photographers. She has worked as an advertising photographer for multinationals such as Microsoft, Polaroid, Sony, Disney, Fox and Pepsi, amongst many others. Her peculiar style and meticulous editing have set a trend over recent years in the world of advertising and portraiture. Her photographs have appeared on the front covers of Time, Newsweek, Wired, Los Angeles Times, The Sunday Times, Entertainment Weekly and various other publications. Has published Monkey Portraits, Bear Portraits and End Times. The hyper real stylised close-ups of children crying that make up End Times led to huge controversy in 2006. The technique for making them cry consisted in offering them sweets, which were then taken away from them. Many allegations of conduct bordering on the unethical and even of child abuse were made to the gallery. Jill, who is a mother, argues to the contrary and insists that the children portrayed were not harmed in any way. For her, these pictures reflect the frustration she felt towards the Bush administration and Christian fundamentalism in the United States.

Copyright Jill Greenberg courtesy of ClampArt Gallery, NYC P 14 ARMAGEDDON. P 15 EARTH. P 16 TORTURE. P 17 REVELATIONS. P 18 LEAD TRAIN. P 19 MERCURY. P 20 UNLESS. P 21 FAITH.

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New Yorken jaio zen 1950. urtean. Roger-ek prestakuntza eklektikoa du: Ekonomia Mineralean doktoregoa du Coloradoko Unibertsitatean eta Psikologian lizentziatu zen Berkeleyko Unibertsitatean. Gaur egun Johannesburgon bizi eta bertan egiten du lan. Hainbat liburu argitaratu ditu, eta horien artean nabarmentzekoak dira Photo Poche bilduma ospetsuak dedikatu zion monografikoa, Animal Abstraction, Roger Ballen Photographs 1969-2009, Boarding House eta Outland. 2001ean argazki-libururik onenaren saria jaso zuen PhotoEspaña-n eta 2002an urteko argazkilari izendatu zuten Rencontres d´Arles-en. Azkenaldian urteko klip musikal onenetarikoarekin harritu gaitu, I fink u freeky, Die Antwoord taldearentzat eginikoa. Bere lana Berkeley Art Museum, Frantziako Bibliotèque Nationale, Centre Georges Pompidou, MoMA edo Londreseko Tate Britain-eko bilduma iraunkorretako parte da.

Nacido en Nueva York en 1950. Roger cuenta con una formación de lo más ecléctica: doctorado en Economía Mineral por la Universidad de Colorado y licenciado en Psicología por la Universidad de Berkeley. Actualmente vive y trabaja en Johannesburgo. Entre sus publicaciones destacan los libros Roger Ballen, de la prestigiosa editorial Photo Poche, así como Animal Abstraction, Roger Ballen Photographs 1969-2009, Boarding House y Outland. En 2001 obtuvo el premio al mejor libro fotográfico en PhotoEspaña y en 2002 fue nombrado fotógrafo del año en los Rencontres d´Arles. Últimamente nos ha sorprendido con uno de los clips musicales más interesantes del año, I fink u freeky, para el grupo Die Antwoord. Su obra forma parte de las colecciones permanentes del Berkeley Art Museum, la Bibliotèque Nationale de France, el Centre Georges Pompidou, el MoMA y la Tate Britain de Londres.

Bere lanak fotoperiodismotik unibertso pertsonalaren sorkuntzara eboluzionatu zuen, eta etengabe harritzen du artearen mundua. Ikuslea emozionalki liluratzen duten konposizio paregabea sortzen duten egiturak, objektuak, animaliak, pertsonaia asaldatzaileak eta elementu grafikoak. Bere irudiak azaltzen ahalegintzea alferrikakoa da, irudi horiek beste diziplina batera eraman ezin den kontatzeko modu bati dagozkiolako. Ballen-ek pintura, eskultura eta argazkia erabat berria den beste zerbait sortzeko erabiltzen ditu.

La obra de Ballen evolucionó del fotoperiodismo a la concepción de un universo personal desde el que sorprende constantemente al mundo del arte. Texturas, objetos, animales, personajes perturbadores y elementos gráficos crean composiciones únicas que cautivan emocionalmente al espectador. Intentar explicar sus imágenes es un esfuerzo inútil ya que éstas pertenecen a una forma de contar que no puede ser traspasada a otra disciplina. Ballen recurre a la pintura, la escultura y la fotografía para crear algo totalmente nuevo.

Born in New York in 1950. Roger’s background is extremely eclectic: he doctored in Mineral Economy at the University of Colorado and graduated in Psychology from the University of Berkeley. Currently lives and works in Johannesburg. He has published several books, including the special edition devoted to him by the prestigious collection Photo Poche, Animal Abstraction, Roger Ballen Photographs 1969–2009, Boarding House and Outland. In 2001 he obtained the award for the best photographic book in PhotoEspaña and in 2002 he was named photographer of the year at the Rencontres d´Arles. Recently he surprised us with one of the most interesting musical clips of the year, I fink u freeky, for the group Die Antwoord. His work forms part of the permanent collections of the Berkeley Art Museum, the Bibliotèque Nationale de France, the Centre Georges Pompidou, the MoMA and the Tate Britain in London.   His work evolved from photojournalism to the conception of a personal universe with which he constantly impresses the art world. Textures, objects, animals, disturbing characters and graphic elements create unique compositions that emotionally captivate the spectator. It would be a futile endeavour to attempt to explain his images, for they come from a way of telling that cannot be translated into another discipline. Ballen uses painting, sculpture and photography to create something completely new.

P 22 MIMICRY, 2005. P 23 HEAD INSIDE SHIRT, 2001. P 24 CONCEALED, 2003. P 25 SCAVENGING, 2004. P 26 WILD CHILD, 2003. P 27 ROOM OF THE NINJA TURTLES, 2003. P 28 COLLISION, 2005. P 29 GIRL IN WHITE DRESS, 2002.

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IN THE PLAYROOM

Kanadan jaioa, argazkilaria eta arte-zuzendaria da. Jonathan-ek arte-zuzendari gisa egin du lan ikusentzunezko hainbat produkziotan. The Maiden danced to Death (2010) pelikulako produkzio-diseinatzailea izan zen. Artea eta zine-produkzioarekin duen harreman hori argi islatzen du argazkiak erabiltzen dituen eszenaratze zainduetan. Beti erabiltzen ditu erreferentzia ikoniko, literario, zinematiko eta herrikoiak, umeen imajinazioaren alderik ilunena esploratzeko prest. In the Playroom seriearen irudiak umeek beren unibertsoak sortzen dituzten espazioaren metafora narratiboa dira. Egunerokotasunean biltzen duten datu eta esperientzietatik abiatuta mundua ulertzen lagunduko dien informazioa irudikatu eta asimilatzen duten lekua. Jonathan-ek bere jokoak elikatzen dituen irudikari herrikoia eguneratu du, helduek adimen inozo eta ahuletatik aldendu nahi dugun guztiarekin: komunikabideek egunero denbora errealean ematen dituzten albisteak. Maitagarrien ipuin berriak dira eta jokoaren bitartez prozesatzen dute informazioa haurrek. Eta informazio hori gogor aldatu da, ez delako gehiago sorgin eta iratxoz osatzen. Orain terroristak eta modeloak dira.

Nacido en Canadá donde ejerce de fotógrafo y director de arte para diversas producciones audiovisuales. Fue diseñador de producción de la película The Maiden danced to Death (2010). Esta relación con el mundo del arte y la producción cinematográfica se ve claramente reflejada en sus cuidadas puestas en escena a la hora de crear sus fotografías. De esta manera, sus referencias icónicas, literarias, cinemáticas y populares siempre se disponen a explorar el lado más oscuro de la imaginación de los niños. Las imágenes de su serie In the Playroom son una metáfora narrativa del espacio donde los niños crean sus propios universos. El escenario sobre el cual, a partir de los datos y experiencias que almacenan en su día a día, representan y asimilan la información que les ayudará a entender el mundo en el que viven. Jonathan ha actualizado el imaginario popular que alimenta sus juegos con todo aquello que los adultos nos obsesionamos en mantener apartado de lo que consideramos sus ingenuas y débiles mentes: las noticias que los medios arrojan diariamente en tiempo real. Son los nuevos cuentos de hadas y el juego es el método por el que los niños procesan la información. Y esa información ha cambiado drásticamente, pues ya no se compone de brujas y duendes; ahora son terroristas y modelos.

Born in Canada, works as a photographer and art director. In the latter capacity Jonathan has been involved in several audiovisual productions. He was the production designer on the film The Maiden danced to Death (2010). This relation with the art world and film production is clearly reflected in his impeccable staging in the creation of his photographs. There are always iconic, literary, cinematic and popular references, on a journey to explore the darkest side of children’s imagination.   The pictures in his series In the Playroom constitute a narrative metaphor for the space where children build their own universes, or the stage where, through the experiences they store away in their day to day, they represent and assimilate the information that will help them understand the world they live in. Jonathan has updated the popular imaginary that feeds their games with everything we adults insistently strive to keep at a remove from what we deem to be their weak naive minds: the daily news that the media pump out in real time. These are new fairy tales and play is the method whereby children process information. And that information has drastically changed, for it is no longer made up of witches and goblins. Now it’s about terrorists and models.

P 30 A BOO GRAVE. P 31 THE TWINS. P 32 SEAL HEART. P 33 DEAR LEADER. P 34 LASHES. P 35 AMERICAN IDOL. P 36 DIANA´S DEAD. P 37 VEGAS WEDDING.

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SMOKING KIDS

Brugge-n (Belgika) jaio zen 1980. urtean. Sint-Lukas Brussels University College of Art and Design-en Argazkilaritza ikasten ari zela soziologian interesatzen hasi zen, bizimodu ezberdinetan, eta estereotipoen adierazpenak nola eragiten duen bizitzan bertan. Graduatu eta gero publizitatean lan egiten hasi zen. Orduz geroztik multinazionalen kanpainetan egin du lan, hala nola Renault edo Nestlé. Pinturan eta komikietan inspiratuta, bere argazkietan asko zaintzen ditu detaileak eta umore fina erabiltzen du surrealismo ukituarekin. Smoking Kids egunero bi zigarropakete erretzen dituen bi urteko haur indonesiarraren bideo ezagunean inspiratu zen. Bideoak Mendebalde eta Ekialdearen arteko ezberdintasun kulturalen inguruan pentsarazi zion, eta erretzea soilik helduei gordetako jarduera dela. Frieke-k erretzearen ekintza isolatu nahi zuen, ume bat erretzen ikusteak ikuslearengan eragiten duen eragin surrealaren bitartez. Kasualitatez, seriea erakutsi zuen lehen aldian Belgikako gobernuak tabernetan erretzea debekatzen zuen legea onartu zuen, eta horrek, askatasun murriztuaren sentsazioa ekarri zuen eta baita helduek haurren pareko tratua jasotzen zuten ideia ere. Eztabaidarik ez eragiteko, Frieke-k gezurrezko zigarroak erabili zituen estudioan. Horrela, klarionek edo gazta-tirek zigarroena egiten zuten, eta kea kandela edo intsentsutik zetorren.

Nacida en Brujas, Bélgica, en 1980. Mientras estudiaba Fotografía en SintLukas Brussels University College of Art and Design, comenzó a interesarse por la sociología, por los diferentes estilos de vida y en la influencia de la representación de estereotipos en diferentes facetas de la vida. Después de graduarse trabajó en publicidad para campañas de multinacionales como Renault o Nestlé. Inspirada por la pintura y los cómics, sus fotografías denotan un cuidado exquisito de los detalles y un humor delicado con toques de surrealismo. Smoking Kids se inspiró en un conocido vídeo de un niño indonesio de dos años que fuma dos paquetes de cigarrillos al día. El vídeo le hizo plantearse las diferencias culturales entre Oriente y Occidente y el hecho de que fumar sea una actividad reservada únicamente para adultos. Frieke quería aislar el acto de fumar en sí mismo a través del efecto surreal que causa en el espectador la visión de un niño fumando. Casualmente, la primera vez que expuso la serie el gobierno belga aprobó una ley que prohibía fumar en bares, con la consiguiente sensación de libertad restringida y la idea de que los adultos recibían un trato infantil. Para no crear controversia, Frieke utilizó cigarrillos falsos en el estudio. Así, tiza o tiras de queso hacían de cigarrillos, mientras que el humo provenía de velas o incienso.

Born in Brugge, Belgium, in 1980. While she studied Photography at Sint-Lukas Brussels University College of Art and Design, she started to be interested in sociology, in different life styles, and how the representation of stereotypes influences facets of life. After graduating she began to work in advertising. Since then she has worked on campaigns run by multinationals such as Renault and Nestlé. Inspired by painting and comics, her photographs display an exquisite feel for detail and a delicate sense of humour tinged with surrealism.   Smoking Kids was sparked off by a wellknown video of a two-year old Indonesian boy who smokes two packs of cigarettes a day. The video made her think about the cultural differences between East and West and the fact that smoking is an activity reserved solely for adults. Frieke wanted to isolate the act of smoking in itself through the surreal effect that is produced in the spectator on seeing a child smoking. By coincidence, the first time she exhibited the series, the Belgian Government passed a law that prohibited smoking in bars, leading to the sensation that freedoms were restricted and the idea that adults were being treated as children. So as not to create controversy, Frieke used false cigarettes in the study. So, chalk or strips of cheese stood in for cigarettes, whilst the smoke came from candles or incense.

P 38 RINGLINGS. P 39 THE GASPER. P 40 FAG ASH LILL. P 41 PIPE WITH CONTEMPT. P 42 BELGA GIRL. P 43 CLASSIC RED. P 44 THE BOUGEAOISE HOLDER. P 45 TO THE END.

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DAUGHTERS

Oslon (Norvegia) jaio zen 1963an. Marrazketa eta Diseinu Grafikoa ikasi zituen, eta baita Argazkilaritza ere Oslon. Bere lana Nordic Light Photo Festival, Fundació Forum eta Fotografiskan erakutsi da. Lens Culture International Exposure Awards-en eta Leica Oskar Barnack Award-en ohorezko aipamen bana jaso zituen. 2007an bere portfolioak onenaren saria jaso zuen Rencontres d´Arles-en. Bi liburu argitaratu ditu, Surrounded by no one eta Daughters, eta biak argitaratu ditu Trolleybooks-ek. Daughters seriean Margaret-ek, izugarrizko intimitatearekin, Eskandinavian bere alabak umeak zirenean pasatako udak erakusten dizkigu. Proiektuari 1993an ekin zion eta 2002ra arte jarraitu zuen, baina alabak helduarora iritsi zirenean argitaratu zuen lana. Margaret-ek bere alaben baimena izan nahi zuen. Uda unibertsalera eramaten gaituzte irudi hunkigarriak dira hauek, non bi umeek Escandinaviako folkloreko izaki gisa jolasten duten, natura ilun batek babestuta eta mehatxatuta.

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Nacida en Oslo, Noruega, en 1963, donde estudió Dibujo y Diseño Gráfico en Strommen y, años después, Fotografía en la School of Photography. Su trabajo se ha expuesto en el Nordic Light Photo Festival, la Fundació Forum y Fotografiska. Recibió una mención honorífica en el Lens Culture International Exposure Awards y otra en el Leica Oskar Barnack Award. En 2007 su portfolio fue elegido como el mejor en los Rencontres d´Arles. Ha publicado dos libros, Surrounded by no one y Daughters, ambos editados por Trolleybooks de Londres. En su serie Daughters, Margaret presenta con una intimidad abrumadora los veranos que pasó en Escandinavia con sus hijas cuando eran niñas. El proyecto se inició en 1993 y continuó hasta el año 2002, pero no fue sino hasta que sus hijas alcanzaron la edad adulta que el trabajo fue publicado. Margaret quería asegurarse de que tenía el consentimiento y permiso explícito de sus hijas. Sus imágenes son conmovedoras y transportan al espectador a un verano universal en el que las dos niñas juegan como criaturas del folclore escandinavo, pero protegidas y, al mismo tiempo, amenazadas por una oscura naturaleza.

Born in Oslo, Norway, in 1963. Studied Drawing and Graphic Design and, later on, Photography, in Oslo. Her work has been shown at the Nordic Light Photo Festival, Fundació Forum and Fotografiska. Received an honorary mention at the Lens Culture International Exposure Awards and other in the Leica Oskar Barnack Award. In 2007 her portfolio was chosen as the best in the Rencontres d´Arles. Has published two books, Surrounded by no one and Daughters, both published by Trolleybooks. In her Daughters series Margaret shows us the summers she spent in Scandinavia with her daughters when they were small, offering moments of striking intimacy. The project began in 1993 and continued until 2002, but the work was not published until they reached adulthood. Margaret wanted to ensure that she first received explicit permission and consent from her daughters. They are moving images that transport us to a universal summer where the girls play like creatures from Scandinavian folklore, protected and threatened by nature in its darkness.


DREAMS OF FLYING

Kolonian (Alemania) jaio zen 1977an. Bere argazki-lana eta bere gurasoen (zinemagilea eta haur-terapeuta) eraginaren artean lotura estua dago. Hamahiru urterekin bere aitaren ildoari jarraitu zion, argazki kamera bat hartu eta era guztietako “truku magikoekin” esperimentatuz. Gero Londresera joan zen bizitzera eta Argazkilaritzaren Teoria eta Historian lizentziatu zen Surrey Institute of Art and Design-en. Young Photographers United-eko zuzendaria izan zen; Photodebut-en sortzailea eta zuzendaria eta Diva aldizkariko eta Pocko agentziako argazki-zuzendaria. 2007an The photographer´s office kolektiboa sortu zuen. Urte berean PhotoEspaña liburu onenaren saria jaso zuen Dreams of Flying liburuarengatik. 2010ean Joop Swart Masterclass-erako hautatu zuten. Basamortua zakur baten gainean zeharkatzen edo galdutako altxorrak ozeano hondoan bilatzen, bere argazkiek galdutako haurtzaroaren nostalgia errealitate bihurtzen dute. Bere gurasoen eragin nabarmenarekin, lan hau haurtzaroaren eta jolasaren irudikapen bisualean oinarritzen da. Haur-liburu klasikoetan eta superheroi modernoetan inspiraturik, Dreams of Flying etengabe eboluzionatzen ari den lana da; 2002an ekin zion lan horri eta behin eta berriz sartzen ditu Alemaniako hegomendebaldeko bere auzoko haurrak.

Nacido en Colonia, Alemania, en 1977. Existe una fuerte conexión entre el desarrollo de su trabajo fotográfico y la influencia de sus padres, un cineasta y una terapeuta infantil. A los trece años siguió los pasos de su padre tomando una cámara y experimentando con toda clase de “trucos mágicos”. Después de estudiar Pedagogía para niños con discapacidades en Friburgo, Jan se mudó a Londres, donde se licenció en Teoría e Historia de la Fotografía por el Surrey Institute of Art and Design. Fue director de Young Photographers United, fundador y director de Photodebut y director de fotografía de la revista Diva y de la agencia Pocko. En el 2007 fundó el colectivo The Photographer’s Office y recibió el premio PhotoEspaña al mejor libro por Dreams of Flying. En 2010 fue nominado para la Joop Swart Masterclass. Cruzando el desierto montado sobre un perro o buscando tesoros perdidos en el fondo del océano, sus fotografías convierten la nostalgia de la infancia perdida en realidad. Claramente influenciado por sus padres, este trabajo se basa en la representación visual de la niñez y el juego. Inspirado en los libros infantiles clásicos y en modernos superhéroes, Dreams of Flying es un trabajo en constante evolución que comenzó en 2002 y que involucra a los niños de su vecindario, una y otra vez, en el sudoeste de Alemania.

Born in Cologne, Germany, in 1977. The development of his photographic work is strongly connected with the influence of his parents: his father was a film-maker and his mother a child therapist. At the age of thirteen he followed in his father’s footsteps, picking up the camera and experimenting with all sorts of “magic tricks”. Later on he moved to London, graduating in the Theory and History of Photography from the Surrey Institute of Art and Design. He was the director of Young Photographers United; founder and director of Photodebut; and photography director of the journal Diva and the Pocko agency. In 2007 he founded the collective The photographer’s office. That same year he received the PhotoEspaña award for the best book, for Dreams of Flying. In 2010 he was nominated for the Joop Swart Masterclass.   Crossing the desert astride a dog or searching for missing treasure in the depths of the ocean, his photographs make nostalgia for lost innocence come true. Clearly influenced by his parents, this work is rooted in the visual representation of childhood and play. Inspired by classic children’s books and by modern superheroes, Dreams of Flying is a constantly evolving work that began in 2002 and involves neighbourhood children, over and over again, in the south west of Germany.

P 54 THE JUMPERS. P 55 THE PETER PAN. P 56 ASTRONAUTEN. P 58 THE SUPERMAN. P 59 THE TARZAN AND JAN. P 60 THE DIVER. P 61 BUTTERFLIES.

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THE BIRTHDAY PARTY

Australian jaioa, Parisen bizi eta egiten du lan 1990az geroztik. Arte Ederrak eta Argazkilaritza ikasi zuen Brisbaneko Queensland College of Art-en. Laurogeigarren hamarkadan argazkifinko gisa egin zuen lan Sydney-ko ABC telebista katearentzat. Bere lanak Londresen, Parisen, Miamin, New Yorken, Txinan, Irlandan, Mexikon eta Brasilen erakutsi ditu, eta The Sunday Times, PDN, Eyemazing, Milk, Bloom eta Zoomeko azaletan ere argitaratu dira. Bere lehen liburuak, Bordello, Karl Lagerfelden hitzaurrea izan zuen. Bigarrena, The Birthday Party, hirugarren ediziora iritsi da. Bere erretratuak Elton John, Michael Wilson, Alan Siegel, Lawrence Schiller, DZ Bank, Museum of Fine Arts Houston edo George Eastman House-n bildumetan daude. Alegiazko urtebetetze-festa batean umeak buruzagi bihurtzen dira beren imajinazioa askatuz. Mundu anarkista da hori, ume horiena soilik. Aginduak emateko heldurik ez dago eta haurrek agintzen dute. Vee-k alaba gazteenari eta haren lagunei atera zizkien argazkiak urtebetetze horren aitzakiarekin, eta era guztietako mozorro eta osagarriak erabili zituen irudi atenporalak sortzeko. Partehartzaileek beren alter ego propioak sortzen dituzte argazkietan, non helduen jarrera eta begirada zirraragarriak diren.

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Nacida en Australia, vive y trabaja en París desde 1990. Estudió Bellas Artes y Fotografía en el Queensland College of Art de Brisbane. En los años ochenta realizó trabajos de foto fija para la cadena de televisión ABC en Sydney. Ha expuesto en Londres, París, Miami, Nueva York, China, Irlanda, México y Brasil. Su trabajo ha sido publicado en las portadas de The Sunday Times, PDN, Eyemazing, Milk, Bloom o Zoom, entre muchas otras. Su primer libro, Bordello, contó con el prefacio de Karl Lagerfeld. The Birthday Party es su segundo libro y va por la tercera edición. Sus retratos forman parte de las colecciones de Elton John, Michael Wilson, Alan Siegel, Lawrence Schiller, DZ Bank, Museum of Fine Arts Houston y George Eastman House, entre otras. Durante una fiesta de cumpleaños imaginaria, los niños se convierten en jefes que dan rienda suelta a su imaginación. Este es un mundo anarquista que pertenece solamente a ellos. No hay adultos para dar órdenes y los niños mandan. Vee fotografió a su hija más joven y a sus amigos con la excusa de este cumpleaños. Para crear imágenes atemporales, utiliza todo tipo de disfraces y accesorios. Los participantes crean sus propios alter ego en una serie de fotografías en las que la pose y la mirada adulta resultan sobrecogedoras.

Born in Australia, she has lived and worked in Paris since 1990. Studied Fine Arts and Photography at the Queensland College of Art in Brisbane. Worked in the 1980s as a still photographer for the ABC television channel in Sydney. Has exhibited in London, Paris, Miami, New York, China, Ireland, Mexico and Brasil. Her work has been published on the front pages of The Sunday Times, PDN, Eyemazing, Milk, Bloom, and Zoom, amongst many others. Her first book, Bordello, carried a preface by Karl Lagerfeld. The Birthday Party, her second book, now celebrates its third edition. Her portraits form part of the collections of Elton John, Michael Wilson, Alan Siegel, Lawrence Schiller, DZ Bank, the Houston Museum of Fine Arts and George Eastman House.   During an imaginary birthday party, the children become the bosses, giving free rein to their imagination. This is an anarchist world that belongs solely to them. There are no adults to give orders and the children are in charge. Vee photographed her youngest daughter and her friends with the excuse of this birthday, using all sorts of costumes and accessories to create timeless images. The participants create their own alter ego in a series of photographs in which the adult pose and gazes they adopt are quite awesome.  


THE PINK AND BLUE PROJECT

Seulen (Hego Korea) jaio zen 1969. urtean. Pinturan graduatu zen Seuleko Arte Ederren Unibertsitatean eta Argazkilaritzan Seuleko Hongik-eko Unibertsitatean. New Yorkeko School of Visual Arts-en Argazkilaritza sailaren titulua ere jaso zuen. Bere lana Seoul Museum of Art, Washington-go Library of Congress edo Houston-go Museum of Fine Art-en bilduma iraunkorrean dago. Bere argazkietan objektuak pilatzearekiko obsesioa nabarmentzen da. Aurreko serieek horren fede ematen dute: Zoo, Natural History Museum edo Space-ManSpace. JeongMee-k bere alabarekin hasi zuen The Pink and Blue Project, alabak bost urte zituenean. Kolore arrosaren zale amorratua zen, eta soilik arropa arrosa jantzi eta kolore horretako objektuekin jolastea nahi zuen. Geroago konturatu zen bere alabaren kasua bakarra ez zela, baizik eta nahiko ohikoa zela herrialde osoan. JeongMee-k pelikulako Hasselblad kamera bat erabiltzen jarraitzen du eta irudiaren objektu guztiak ordenatzeko prozesuari esker lan-prozesu zehatza sortzen du, hori bere argazkietan islatzen delarik. Bere lanak ikuspegi kritikoa eskaintzen digu, kontsumo-merkatuak generoestereotipoak era zentzugabean nola sortzen dituen azalduz.

Nacida en Seúl, Corea del Sur, en 1969. Se graduó en Pintura por la Universidad de Bellas Artes y en Fotografía por la Universidad Hongik. En Nueva York recibió un nuevo título por el Departamento de Fotografía de la School of Visual Arts. Su obra forma parte de las colecciones permanentes del Seoul Museum of Art, de la Library of Congress de Washington y del Museum of Fine Art de Houston, entre otros. En su trabajo se evidencia su obsesión por la acumulación de objetos. Sus series anteriores dan fe de ello: Zoo, Natural History Museum o Space-ManSpace. JeongMee inició The Pink and Blue Project con su hija, cuando ella tenía cinco años de edad. Estaba apasionada por el color rosa, tanto que sólo quería vestir ropa rosa y jugar con objetos del mismo color. Más tarde se percató de que el caso de su hija no era excepcional sino que era bastante común en el resto del país. JeongMee sigue utilizando una cámara Hasselblad de carrete, a través de la cual va ordenando todos los objetos de la imagen para crear unos resultados meticulosos y detallados que se reflejan en sus fotografías. Un trabajo que nos ofrece una visión crítica sobre cómo el mercado de consumo genera estereotipos de género de un modo absurdo.

Born in Seoul in 1969. Graduated in Painting from the University of Fine Arts in Seoul and in Photography from Hongik University, also in Seoul. She later received a new degree from the Photography Department of the School of Visual Arts in New York. Her work forms part of the permanent collections of the Seoul Museum of Art, the Library of Congress in Washington and the Museum of Fine Art in Houston, among others. Key to her practice is her drive to accumulate objects. This is illustrated by previous series of hers: Zoo, Natural History Museum and Space-Man-Space. JeongMee began The Pink and Blue Project with her daughter, when she was five years old. She was crazy about the colour pink, to a point where she only wanted to dress in pink clothes and play with objects of the same colour. JeongMee realised later that her daughter was no exception and that this preference of hers was pretty usual in the rest of the country. The artist still uses a Hasselblad film camera, which, combined with the process of ordering all the objects in an image, creates a meticulous detailed approach to work that is reflected in her photographic end product, which offers a critical view of the absurd way in which the consumer market generates gender stereotypes.

P 70 SEHYUN. P 71 JIMIN. P 72 SEYOON. P 73 JIYEON. P 74 KARA-DAYEOUN. P 75 SEUNGHYUK. P 76 HOJUN. P 77 SEOHYUN.

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PINK DREAMS & GROWING UP

Milanen (Italia) jaio zen 1971n. Paolak Londresen ekin zion argazkilari karrerari Camberwell College of Arts-en Diseinu Grafikoko ikasketak amaitu eta gero. The Guardian, The Sunday Times Magazine edota Penguin Publishersekin kolaboratu du. 2003an Bartzelonara joan zen bizitzera, eta bertan bizi da gaur egun. Bertan ekin zion Espainiako transexualen bizitzaren inguruko proiektu pertsonalari. Descubrimientos PhotoEspaña-ko finalista izan zen The waiting room seriearekin. Besteak beste CaixaForum, PhotoMiami, Berlineliste eta Art Madrid-en erakutsi ditu bere lanak. FotoPress´07 beka irabazi zuen eta Marco Pesaresi saria ere bai, 2009. urtean. Aukeratutako irudiak haurtzaroari buruzko bi proiektu ezberdinetakoak dira, Pink Dreams eta Growing up. Paolak umeei begiratzen dien modu intimoak lotzen ditu, xalotasun eta esperientzia, haurtzaroa eta helduaroa, fantasia eta errealitatearen arteko muga lausoa erregistratuz. Argazkilari honek haur bakoitzaren atzean ezkutatzen den heldu potentziala aurkitu nahi du, bere irudiekin adin horretako amets eta gatazkak aztertuz.

Nacida en Milán, Italia, en 1971. Paola inicia su carrera fotográfica en Londres después de terminar sus estudios de Diseño Gráfico en el Camberwell College of Arts. Ha colaborado con The Guardian, The Sunday Times Magazine y Penguin Publishers. En 2003 se mudó a Barcelona, donde sigue viviendo, y comenzó su proyecto personal sobre la vida de los transexuales en España. Fue finalista de Descubrimientos PhotoEspaña con su serie The waiting room. Ha expuesto entre otros en CaixaForum, PhotoMiami, Berlineliste o Art Madrid. Fue ganadora de la beca FotoPress’07 y recibió el premio Marco Pesaresi en el 2009. Las imágenes seleccionadas pertenecen a dos proyectos distintos sobre la infancia, Pink Dreams y Growing up. Están unidas por el modo íntimo en que Paola observa a los niños, registrando la difusa frontera entre inocencia y experiencia, niñez y madurez, fantasía y realidad. La fotógrafa trata de encontrar al adulto potencial que se esconde detrás de cada niño, analizando con sus imágenes tanto los sueños como los conflictos propios de esta edad.

Born in Milan, Italy, in 1971. Paola began her photographic career in London after concluding her studies in Graphic Design at the Camberwell College of Arts. She has collaborated with The Guardian, The Sunday Times Magazine and Penguin Publishers. In 2003 she moved to Barcelona, where she still lives, and started her personal project around the life of transsexuals in Spain. She was a finalist in Descubrimientos PhotoEspaña with her series The waiting room. Has exhibited at the CaixaForum, PhotoMiami, Berlineliste and Art Madrid, among others. Won the FotoPress’07 scholarship and received the Marco Pesaresi award in 2009.   The images selected come from two different projects on childhood, Pink Dreams and Growing up. They are linked by Paola’s intimate approach as she observes children, registering the blurred boundary between innocence and experience, childhood and maturity, fantasy and reality. The photographer seeks to find the potential adult that lurks in every child, analysing with her images both the dreams and the conflicts that mark this age of life.

P 78 BEATA, 2008. P 79 GALA, 2009. P 80 THE BEAUTY CONTEST, 2009. P 81 SUPERALEX, 2008. P 82 LUCIEN AND BEATA, 2008. P 83 GALA, 2010. P 84 OSCAR, 2010. P 85 VINCENT, 2008.

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The Adventures of Guille and Belinda and the Enigmatic Meaning of Their Dreams

New Yorken jaio zen 1968an. Beka ugari jaso ditu, hala nola Alicia Patterson, Harvard-eko Unibertsitateko Robert Gardner, National Geographic-ena, Hasselblad Fundazioarena, eta baita Guggenheim Fundazioarena ere. Joop Swart Masterclass-erako (1998) aukeratua izan da eta Rencontres d´Arles-en Discovery Award-ekin (2006) saritua. New Yorkeko Yossi Milo galeriak eta Magnum Agentziak ordezkatzen dute. Bi liburu argitaratu ditu, The adventures of Guille and Belinda and the Enigmatic Meaning of their Dreams eta On the Sixth Day. Bere lana MoMA-ren, International Centre of Photography-ren, San Francisco Museum of Modern Arten edo Buenos Aireseko Arte Moderno Museoaren bilduma iraunkorretan dago. Guille eta Belinda, serie honetako protagonistak, Buenos Airesetik 300 kilometrora dagoen Maipú-n baserri batean bizi diren bi lehengusina dira. Umeekin oso harreman intimoa zainduz, Sanguinettik 1999az geroztik kolaboratu du eurekin, eta haurtzarotik helduarorako iragaite psikologiko eta fisikoari laguntzen dioten fantasia, itxaropen eta beldurretan inspiratutako irudiak jaso ditu. Seriea bost urtetan egin zuen eta eguneroko baserri-giroak erretratatzen ditu, non nesken hauskortasuna eta umetasuna baserri-giroaren zakartasun eta maskulinotasunarekin nahasten dituen.

Nacida en Nueva York en 1968. Ha recibido numerosas becas como la Alicia Patterson, la Robert Gardner de la Universidad de Harvard, la de National Geographic, la de la Fundación Hasselblad, así como la de la Fundación Guggenheim. Ha sido seleccionada para el Joop Swart Masterclass (1998) y reconocida con el Discovery Award de los Rencontres d´Arles (2006). Está representada por la galería neoyorkina Yossi Milo y por la Agencia Magnum. Ha publicado dos libros, The adventures of Guille and Belinda and the Enigmatic Meaning of their Dreams y On the Sixth Day. Su obra forma parte de las colecciones permanentes del MoMA, del International Center of Photography, del San Francisco Museum of Modern Art y del Museo de Arte Moderno de Buenos Aires. Guille y Belinda, las protagonistas de esta serie, son dos primas que viven en una granja familiar de Maipú, a 300 kilómetros de Buenos Aires. Tras cultivar una íntima relación con las niñas desde 1999, Alessandra captura sus imágenes inspiradas en las fantasías, las expectativas y los miedos que acompañan la transición psicológica y física de la niñez a la edad adulta. La serie fue realizada en el transcurso de cinco años y retrata escenas rurales diarias, donde también se mezclan la fragilidad y candidez de las chicas con lo abrupto y masculino del contexto rural.

Born in New York in 1968. Has received numerous scholarships, including the Alicia Patterson, Robert Gardner of Harvard University, National Geographic, Hasselblad Foundation and Guggenheim Foundation Fellowships. Was selected for the Joop Swart Masterclass (1998) and recognised with the Rencontres d´Arles Discovery Award (2006). She is represented by the Yossi Milo Gallery in New York and by the Magnum Agency. Alessandra has published two books, The adventures of Guille and Belinda and the Enigmatic Meaning of their Dreams and On the Sixth Day. Her work forms part of the permanent collections of MoMA, the International Center of Photography, the San Francisco Museum of Modern Art and the Buenos Aires Museum of Modern Art. Guille and Belinda, the stars of this series, are two cousins who live on the family farm in Maipú, 300 kilometres from Buenos Aires. Cultivating a close relationship with the girls, Sanguinetti has collaborated with them since 1999, capturing images inspired by their fantasies, and the expectations and fears that accompany the psychological and physical transition from childhood to adulthood. The series was made over the course of five years and portrays daily rural scenes, where the fragility and ingenuousness of the girls blends with the abrupt masculine side of the country context.

P 86 THE COUPLE, 1999. P 87 FIVE MINUTE ANGST, 2002. P 88 THE BLACK CLOUD, 2000. P 89 OPHELIAS, 2002. P 90 THE ANSWER, 2002. P 91 THE MADONNA, 2001. P 92 UNTITLED, 2004. P 93 TIME FLIES, 2005.

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TWO

1983an jaio zen Txekiar Errepublikan. Publizitatea ikasi zuen Zlin-eko Tomas Bata Unibertsitatean. Bere lana erakusketa askotan ikusi ahal izan da, hala nola Rencontres d´Arles-en, ParisPhoton, LOOK3 Jaialdian, Fez-eko Jaialdian, Washington-go FotoWeek-en, Aperture Foundation-en eta Bratislavako Argazkilaritza Hilean. Orain dela gutxi Prix de la Photographie saria irabazi du. Bere lana Lausanne-ko Musée de l´Elysée, Txekiar Errepublikako PPF Art eta Lurmutur Hiriko Michaelis School of Fine Art-eko bilduma iraunkorretan dago. Bere irudi asaldatzaileek egileak modan eta erretratuan duen interesen eragina dute, non askotan kitsch delakoaren ertzeetan esperimentatzen duen. Two seriean, Terezak Doppelgänger kontzeptu iluna ikertzen du, bizirik dagoen pertsona baten tolesdura fantasmagorikoa definitzen duen hitz alemaniarra. Ni-aren inguruko gaiek arduratzen dute, nola ulertzen dugun gure burua. Bakarrik ote gauden edo izaki bakartiak ote garen galdetzen du. Emozionalki ez ezik fisiologikoki ere gure pareko antzekorik ba al da? Biki guztiak dira egiazkoak ala nesken alter ego gisa sortuak izan dira? Argazkilariak fikzioa eta errealitatea bereizten dituen lerro fina bilatzen du.

Nacida en 1983 en la República Checa. Estudió Publicidad en la Tomas Bata University de Zlin. Su trabajo se ha podido apreciar en varias exposiciones, entre las que destacan los Rencontres d´Arles, ParisPhoto, el Festival LOOK3, el Festival de Fez, el FotoWeek DC de Washington, Aperture Foundation y el Mes de la Fotografía de Bratislava, entre otros. Recientemente ha ganado el Prix de la Photographie. Su obra se encuentra en las colecciones permanentes del Musée de l’Elysée de Lausanne, del PPF Art de la República Checa y de la Michaelis School of Fine Art de Ciudad del Cabo. Sus perturbadoras imágenes están influenciadas por el interés de la autora en la moda y el retrato, donde a menudo experimenta los límites de lo kitsch. En la serie Two, Tereza investiga el oscuro concepto del Doppelgänger, vocablo alemán que define el doble fantasmagórico que acompaña a una persona viva. Se ocupa de las cuestiones del yo y de cómo nos percibimos. Se pregunta si estamos solos o somos seres solitarios. ¿Podría existir alguien tan similar a nosotros, tan parecido, no sólo emocional sino fisiológicamente? ¿Son todas las gemelas verdaderas o han sido creadas como un alter ego de las chicas? La fotógrafa busca la delgada línea que separa ficción y realidad.

Born in 1983 in the Czech Republic. Studied Advertising at the Tomas Bata University in Zlin. Her work has been on show in a great number of exhibitions, including her participation in the Rencontres d´Arles, ParisPhoto, the LOOK3 Festival, the Festival of Fez, FotoWeek DC in Washington, Aperture Foundation and in the Bratislava Month of Photography, among others. She was recently awarded the Prix de la Photographie. Her work is to be found in the permanent collection of the Musée de l’Elysée in Lausanne, PPF Art in the Czech Republic and in the Michaelis School of Fine Arts in Cape Town. Her disturbing images are influenced by the author’s interest in fashion and portraiture, where she often experiments on the borders of kitsch. In the series Two, Tereza investigates the dark concept of the Doppelgänger, a German word that defines the ghostly look-alike of a living person. She explores questions of the ego and of how we perceive ourselves. She muses on whether we are alone or are solitary beings. Might someone exist who resembles us this much, is so similar, not just emotionally but physiologically? Are all the twins genuine or have they been created as an alter ego of the girls? The photographer walks the thin line that separates fiction and reality.

P 94 FROM SERIE TWO, Nº 13. P 95 FROM SERIE TWO, Nº 5. P 96 FROM SERIE TWO, Nº 7. P 97 FROM SERIE TWO, Nº 12. P 98 FROM SERIE TWO, Nº 10. P 99 FROM SERIE TWO, Nº 2. P 100 FROM SERIE TWO, Nº 3. P 101 FROM SERIE TWO, Nº 6.

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AMERICAN GIRLS

Varsovian (Polonia) jaio zen 1984. urtean. 2008an Estatu Batuetara emigratu zuen, eta New Yorken instalatu zen. Bertan bizi eta lan egiten du gaur egun. Herrialdez aldatu aurretik Ilona-k zine-industrian egiten zuen lan argazkilari, efektu berezien makillatzaile eta produkziozuzendari moduan, eta pelikuletan, iragarkietan, bideo musikaletan, serietan eta antzerkian parte hartu zuen. Hainbat zuzendarirekin kolaboratu du, hala nola Jonathan Glazer, Roman Polanski edo Andrzej Wajda. Mary Ellen Mark eta Joel Meyerowitz argazkilariekin ere egin du lan, eta azken horrekin dihardu gaur egun. 2012ko PDN Award-eko irabazleetako bat da. American Girls American Girl Dolls jabeen modu berberean pertsonalizatu daitezkeen panpinak dituzten neskato amerikarren erretratuek osatzen dute; erreplika zehatza, ahizpa bikia. AntiBarbie-tzat hartzen dira. Ilona-rentzat, nahiz eta egokitzen diren, panpin horiek beti dira berdinak. Zerbait bakarra eta kustomizatua edukitzea ilusio hutsa da. Panpin horiek neskato horien bizitzaren parte dira, beren nortasunaren berrespenerako garrantzitsua den unean, eta hori, paradoxikoki, jostailuarengan proiektatzen dute. Estereotipoak eta genero-rolak berriz ere betikotzen dira jolasaren bitartez.

Nacida en Varsovia, Polonia, en 1984. Emigró a Estados Unidos en 2008 y se instaló en Nueva York, donde actualmente reside y trabaja. En Polonia, Ilona se había dedicado a la industria del cine como fotógrafa, maquilladora de efectos especiales y directora de producción, llegando a participar en películas, anuncios, vídeos musicales, series y también en obras teatrales. Entre los directores con los que ha colaborado destacan Jonathan Glazer, Roman Polanski y Andrzej Wajda. También ha colaborado con fotógrafos como Mary Ellen Mark o Joel Meyerowitz, con quien trabaja en la actualidad. Es una de las ganadoras del PDN Award de 2012. American Girls es una serie de retratos de niñas americanas con sus American Girl Dolls, unas muñecas que se pueden personalizar hasta igualarse con sus propietarias: una réplica exacta, una hermana gemela. Se las considera las anti-Barbies. Para Ilona, por mucho que se adapten, estas muñecas son siempre las mismas. La idea de poseer algo único y customizado es pura ilusión. Las muñecas forman parte de la vida de estas niñas en un momento importante de la reafirmación de su personalidad, la que paradójicamente proyectan sobre el juguete. De nuevo, los estereotipos y el rol de género se perpetúan a través del juego.

Born in Warsaw, Poland, in 1984. Emigrated to the USA in 2008, settling in New York, where she presently lives and works. Before changing countries Ilona worked in the film industry as a photographer, special effects make-up artist and production director, participating in films, commercials, musical videos, various series and even in the theatre. Among the directors she has collaborated with are figures such as Jonathan Glazer, Roman Polanski and Andrzej Wajda. She has also worked together with photographers including Mary Ellen Mark and Joel Meyerowitz, with whom she is involved at the moment. She was one of the PDN Award winners for 2012.   American Girls is a series of portraits of American girls, with their American Girl Dolls, dolls that can be personalised to a point where they are the same as their owners; each an exact replica, a twin sister. They are considered to be anti-Barbies. For Ilona, however much they are adapted, these dolls are always the same. The notion of possessing something unique and customised is pure illusion. The dolls form part of the life of these girls at an important point where the reaffirmation of their personality is concerned, which they paradoxically project onto the toy. Once again gender stereotypes and roles are perpetuated through play.

P 102 KAYLA, MA, 2012. P 103 LEXI, NY, 2012. P 104 JENNA, MA, 2011. P 104 TIFFANI-AMBER, NY, 2011. P 105 ARIANE AND MERIDIEN, NY, 2011. P 105 JENNA, NY, 2011. P 106 MOLLEEN, NY, 2012. P 106 RYLAN, NY, 2012. P 107 GILLIAN, NY, 2011. P 107 HANNAH, MA, 2012. P 108 SARAH, NY, 2012. P 109 SOPHIA, NY, 2012.

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ANIMAL AFFINITY

New Jerseyn jaio zen 1957. urtean. Arte Ederretan eta Argazkilaritzan lizentziatu zen New Yorkeko Pratt Institute-n. Bere lana hainbat instituzio ospetsuren bilduma iraunkorren parte da, hala nola, Metropolitan Museum of Art eta MoMA (New York) edo Smithsonian American Art Museum (Washington). Bere lana finalista izan da 2010ean Hyères-eko Moda eta Argazki Jaialdian, National Geographic-en urteko mintegian aurkeztu zuten eta, aurten, master talk batean Charlottesville-ko LOOK 3 Jaialdian. Hiru liburu argitaratu ditu, Like us. Primate Portraits, Dog Watching eta Amelia´s World, azken hau Aperture-k editatutakoa. Robin-ek Animal Affinity argazkiproiektua bere alaba Ameliak hiru urte zituenean hasi zuen. Lan berri horrek munduan gehien maite dituen bi gaiak batu zituen: bere alaba eta animaliak. Serie horrekin Schwartzek argazki-genero berri bat sortu zezakeen: familia-erretratua espezie desberdinen artean. Bere alaba animalia ezberdinekin lotuz, irudi familiarrak eta zoragarriak sortzen ditu. Argazkietan ama-alabak animaliekiko duten afinitatea partekatzen dute eta animaliak gizakiekin batera existitu ez ezik eskubide osoz interaktuatzen duten espazioa sortzen dute.

Nacida en Nueva Jersey en 1957, se licenció en Bellas Artes y Fotografía en el Pratt Institute de Nueva York. Su trabajo integra las colecciones permanentes de prestigiosas instituciones como el Metropolitan Museum of Art y el MoMA de Nueva York, y el Smithsonian American Art Museum de Washington. Su obra ha sido finalista en el Hyères 2010 Festival International de Mode et de Photographie. Recientemente fue presentada en el Photography Seminar de la National Geographic y, este año, en un master talk en el Festival de Fotografía LOOK3 de Charlottesville. Ha publicado tres libros, Like Us. Primate Portraits, Dog Watching y Amelia’s World, este último editado por Aperture. Robin inició su proyecto fotográfico Animal Affinity cuando su hija Amelia tenía sólo tres años de edad. Este nuevo trabajo aunaría las dos cosas que más ama en este mundo: su hija y los animales. Con esta serie, Schwartz podría haber creado un nuevo género fotográfico: el retrato familiar entre diferentes especies. Vinculando a su hija con una variedad de animales, produce imágenes que son a la vez familiares y fantásticas. En sus fotografías, madre e hija comparten su afinidad por el reino animal y crean un espacio donde los animales no sólo coexisten con los humanos sino que interactúan con pleno derecho.

Born in New Jersey in 1957, she graduated in Fine Arts and Photography from the Pratt Institute in New York. Her work forms part of the permanent collection of prestigious institutions including the Metropolitan Museum of Art and the MoMA (New York), and the Smithsonian American Art Museum (Washington). She was credited as a finalist at the Hyères Festival of Fashion and Photography in 2010, was presented at the annual National Geographic seminar, and also appeared this year in a master talk at the LOOK3 Festival at Charlottesville. She has published three books, Like us. Primate Portraits, Dog Watching and Amelia’s World, the latter published by Aperture.   Robin started her photographic project Animal Affinity when her daughter Amelia was only three years old. This new work brings together the two things she most loves in this world: her daughter and animals. With this series, Schwartz might have created a new photographic genre: the family portrait straddling different species. Associating her daughter with a variety of animals, she produces images that are both familiar and charged with fantasy. In her photographs, mother and daughter share their affinity for the animal kingdom and create a space where animals not only coexist with humans but interact on equal terms.

P 110 GRAYHOUND HAIR, PARIS. P 111 JACOB. P 112 PETE. P 113 CARRIAGE HOUSE WATERFALLS. P 114 RASCAL, ALBINO WALLABY. P 115 SHIBA, TWO YEARS LATER. P 116 WALTER´S FOREST. P 117 DEER BUTT.

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TRANSLATIONS

Vilvoorde-n (Belgika) jaio zen 1972an. Amsterdameko Fotoacademie-n graduatu zen. 2009an FOTO8 aldizkariaren People´s Choice Award-eko irabazlea izan zen. 2008an Arles-eko Chouchou sarietarako hautatu zuten, 2009an Fotomuseum Winterthur-eko Emerging Artist-etarako, 2009ko Talent Latenterako eta Harry Pennings sarietarako 2011n. Urte horretan Sem Presser Fonds beka lortu zuen eta 2012an Mondriaan Foundation-ena. Bere lana, besteak beste Utrecht-eko Fotodok-en, New York Photo Festival-en eta Foto8 Summer Show-n erakutsi du. Hainbat urtetan zehar Sofie-k Hegoafrika, India, Mali, Brasil, Islandia eta Groenlandiara bidaiatu du. Herrialde horietan bere serietan agertzen diren umeak erretratatu ditu, ume horientzat ingurune propioa sortuz. Translations izenarekin aurkezten ditu bere argazkiak, eta argazkilari gisa umeak beren ingurune eta eguneroko influentzietatik bakantzen ditu, estudioaren intimitatean eta bere adierazpenetan oinarriturik, umeek beren izaera indartu dezaten. Aldi berean, Sofie-k ume horiek bizi ziren espazio hutsak erretratatu zituen; irudi horietan barne eta kanpo-munduak, batak bestea islatu eta elkarri eragiten diote.

Nacida en Vilvoorde, Bélgica, en 1972. Se graduó en la Fotoacademie de Amsterdam. Sofie fue ganadora del premio People’s Choice 2009 de la revista FOTO8. Fue nominada para el premio Chouchou de Arles en 2008, el Emerging Artist del Fotomuseum Winterthur en 2009, el Talent Latent en 2009 y el Harry Pennings en 2011. Fue becada por el Sem Presser Fonds en 2011 y por la Mondriaan Foundation en 2012. Su obra ha sido expuesta, entre otros, en el Fotodok de Utrecht, el New York Photo Festival y el Foto8 Summer Show. Durante varios años Sofie viajó con su cámara por Sudáfrica, India, Mali, Brasil, Islandia y Groenlandia. En esos países fotografió a los niños de sus series, creando para ellos un entorno propio. Bajo el nombre de Translations presenta sus retratos, en los que, como fotógrafa, trata de aislar a los niños de su entorno e influencias diarias para que, en la intimidad del estudio y centrada en sus expresiones, ellos puedan potenciar su propio carácter. Paralelamente, Sofie fotografió los espacios –vacíos– donde vivían esos niños, consiguiendo imágenes donde el mundo interior y exterior se reflejan y se influencian mutuamente.

Born in Vilvoorde, Belgium, in 1972. Graduated from the Fotoacademie in Amsterdam. Sofie was the winner of the People’s Choice Award 2009 organised by the magazine FOTO8. She was nominated for the Chouchou award in Arles in 2008, the Fotomuseum Winterthur Emerging Artist in 2009, the Talent Latent in 2009 and the Harry Pennings Award in 2011. She received grants from the Sem Presser Fonds in 2011 and the Mondriaan Foundation in 2012. Her work has been exhibited at the Fotodok in Utrecht, the New York Photo Festival and the Foto8 Summer Show, among others.   Over various years Sofie travelled round South Africa, India, Mali, Brazil, Iceland and Greenland. In those countries she photographed the children in her series, creating for them an environment of their own. Under the name Translations she presents their portraits, in which, as the photographer, she tries to isolate the children from their setting and from daily influences so that, as she concentrates on their expressions in the intimacy provided by the studio, they can articulate their own character. In parallel, Sofie photographed the spaces –when empty– where these children lived, attaining images where the inner and outer world mutually reflect and influence one another.

P 118 SCHOPKEEPER 1. P 119 AIRPORTWORKER 1. P 120 SCHOPKEEPER 2. P 121 HUNTER. P 122 TEACHER. P 123 SCHOPKEEPER 3. P 124 ACTRICE. P 125 AIRPORTWORKER 2.

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KINDRED SPIRITS

Parisen jaio zen 1969. urtean. Wincheringen-en (Alemania) bizi da bere senar Gareth eta Madoc, Malen eta Emrys seme-alabekin, eta bertan egiten du lan. Bere erretratuak aldizkari, liburu eta album musikaletan argitaratu dira. Bere lana Frantzian, Espainian, Alemanian eta Luxemburg-en erakutsi du eta nazioarteko hainbat sari irabazi ditu, hala nola New Yorkeko International Photography Awards eta Pariseko Prix de la Photographie. Jacqueline-k hainbat argazki-baliabiderekin egiten du lan, digitalak zein analogikoak, eta baita XIX. mendeko argazki-teknikekin ere. Argazkilari autodidakta da. Gaur egun, 2013an argitaratuko duen, Kindred Spirits monografia prestatzen dihardu. Kindred Spirits seriearen irudien bitartez Jacqueline-k haurtzaroa eta, hedaduraz, bizitza ospatzen duen alegatu bisuala egiten du. Argazkilaria, momentu honetan, bere seme-alabak nola hazten diren eta bere gurasoak nola zahartzen diren ikusten ari da. Denboraren ezinbesteko joatea eta bizitzaren iheskortasuna gogoratzen diguten kontrako bi. Nostalgia dosi handiarekin, Jacqueline-k familia-albuma sortu du, bere seme-alaben etorkizuneko memoriarentzat maleta, denboraren joatea ulertzen eta hautematzen lagunduko diena, Jacquelinentzat berarentzat ere orain hain presente dagoen gertaera.

Nacida en París, Francia, en 1969. Vive y trabaja en Wincheringen, Alemania, con su marido Gareth y sus tres hijos, Madoc, Malen y Emrys. Sus retratos han sido publicados en portadas de revistas, libros y álbumes musicales. Su trabajo ha sido expuesto en Francia, España, Alemania y Luxemburgo y ha ganado varios premios internacionales, como el International Photography Award de Nueva York o el Prix de la Photographie de París. Jacqueline es autodidacta y trabaja con distintos medios fotográficos tanto digitales como analógicos, así como con técnicas fotográficas del siglo XIX. Actualmente prepara la monografía Kindred Spirits que se publicará en 2013. A través de las imágenes de su serie Kindred Spirits, Jacqueline hace un alegato visual que celebra la infancia y, por extensión, la vida. La fotógrafa se encuentra en un momento en el que observa cómo sus hijos maduran mientras que sus padres envejecen. Dos opuestos que recuerdan el inexorable paso del tiempo y la fugacidad de la vida. Con grandes dosis de nostalgia, Jacqueline crea un álbum familiar, una maleta para la futura memoria de sus hijos que les ayudará a entender y apreciar el transcurso del tiempo, un hecho que para ella es muy presente.

Born in Paris, France, in 1969. Lives and works in Wincheringen, Germany, with her husband Gareth and their three kids, Madoc, Malen and Emrys. Her portraits have been published on the covers of magazines, books and musical albums. Her work has been shown in France, Spain, Germany and Luxembourg and has won various international awards, including the International Photography Awards of New York and the Prix de la Photographie in Paris. Jacqueline works with different photographic mediums, both digital and analogue, as well as with photographic techniques from the 19th century. She is a self-taught photographer. Currently preparing her monograph Kindred Spirits, which will be published in 2013.   Through the images in her series Kindred Spirits Jacqueline delivers a visual argument that celebrates childhood and, by extension, life. The photographer is going through a time of life where she observes her children reaching maturity whilst their parents start to age. Two opposites that are a reminder of the inexorable passing of time and the fleeting nature of life. With a rich vein of nostalgia, Jacqueline creates a family album, a travel case for the future memory of her children that will help them to understand and appreciate the passage of time, the essence of which she feels so much right now.  

P 126 GATEKEEPER, 2011. P 127 TRISKELE, 2011. P 128 CROSSED HANDS, 2011. P 129 MALEN, WINCHERINGEN, 2011. P 130 TYRES, 2011. P 131 MADOC, MALEN & EMRYS, HELFANT, 2011. P 132 MADOC, HELFANT, 2011. P 133 IVY, 2011.

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DADDY & I

Guangzhou-n (Txina) jaioa 1976an. Beijing-eko Arte Akademian graduatu zen eta baita Londreseko Royal College of Art-en ere. Besteak beste Chinese Contemporary Art Awards, Beck´s Future Award eta Creative Capital Awardetarako hautatua izan da. Bere lana mundu osoan ikusi ahal izan da, eta nabarmentzekoak dira Berlingo Deutsche Guggenheim Museum-en, Hanburgoko Kunsthalle Museum-en, Bartzelonako Miró Museoan, Pittsburgh-eko Andy Warhol Museum-en edo New Yorkeko Queens Museum of Art-en egindako erakusketak. Bere autobiografia, An Empire Where the Moon Light Never Fades, best-seller izan zen Txinan 2009. urtean.

Nacida en Guangzhou, China, en 1976. Se graduó en la Academia Central de Arte de Beijing y en el Royal College of Art de Londres. Ha sido nominada para los premios de la Chinese Contemporary Art, Beck’s Future y Creative Capital, entre otros. Su trabajo se ha podido ver por todo el mundo. Destacan sus exposiciones en el Deutsche Guggenheim Museum de Berlín, Kunsthalle Museum de Hamburgo, Museo Miró de Barcelona, Andy Warhol Museum de Pittsburgh o Queens Museum of Art de Nueva York. Su autobiografía, An Empire Where the Moon Light Never Fades, fue best-seller en China en 2009.

1991n Txinak adopzio-legea malgutu zuenez geroztik, familia estatubatuarrek 55.000 haur txinatar baino gehiago adoptatu dituzte, horietatik ia denak neskak. Daddy & I lanak familia horietako batzuk erretratatzen ditu, alde etniko eta kulturalek guraso eta alabei nola eragiten dieten eta horrenbeste aurreiritzi dituen gizartean familia berriei nola begiratzen diegun esploratuz. Argazkilariak, bere erretratuetan, etorkizuneko emakumetik datorren botere femeninoa eta aita helduarekiko harremana indartzen ditu. Baina alde formal horiez gain, O Zhangek Txinak nazio gisa duen ahaleraren, mendebaldeko egoera berrietara egokitzeko ikasteko duen ahalmenaren inguruko alegoria sortzen du, independizatzeko adin helduari itxaroten ari den aita batek adoptaturik.

Desde que en 1991 China flexibilizó su ley de adopción, las familias estadounidenses han adoptado más de 55 mil bebés chinos, de los cuales casi todas son niñas. Daddy & I retrata a algunas de estas familias, explorando cómo afectan los distintos aspectos étnicos y culturales especialmente a padres e hijas y cómo miramos a las nuevas familias en una sociedad con tantos prejuicios. La fotógrafa potencia en sus retratos el poder femenino que emana de la futura mujer y la relación con el padre maduro y la espera de la mayoría de edad para independizarse. Pero aparte de estas cuestiones formales, O Zhang crea una alegoría acerca del potencial de China como nación, su poder de adaptación a las nuevas circunstancias aprendiendo de Occidente.

Born in Guangzhou, China, in 1976. Graduated from the Beijing Central Academy of Art and the Royal College of Art in London. Has been nominated for the Chinese Contemporary Art Awards, Beck’s Future Award and the Creative Capital Awards, among others. Her work has been on show all over the world, those of particular importance being exhibitions at the Deutsche Guggenheim Museum in Berlin, the Kunsthalle Museum in Hamburg, the Museo Miró in Barcelona, the Andy Warhol Museum in Pittsburgh and the Queens Museum of Art in New York. Her autobiography, An Empire Where the Moon Light Never Fades, was a best seller in China in 2009.   Since the flexibilisation of China’s adoption law in 1991, North American families have adopted more than 55,000 Chinese babies, almost all of whom were girls. Daddy & I portrays some of these families, exploring the way that different ethic and cultural aspects affect fathers and daughters in particular and how we perceive the new families within a society prone to so many prejudices. In her portraits the photographer dynamises the female power that emanates from the future woman and the relationship with the mature father. But, these formal questions apart, O Zhang creates an allegory about the potential of China as a nation, and its capacity to adapt to new circumstances by learning from the West, adopted by a father and waiting to ripen into the age of independence.

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ULTRANIÑOS

Zaragozan (Espainia) jaio zen 1965ean. Autodidakta, 1992an hasi zen argazkilaritzan. Gaur egun Espainiako publizitateko argazkilari emankor eta sortzaileenetakoa dugu. Publizitateagentziarik garrantzitsuenentzat egiten du lan, hala nola S,C,P,F, BBDO edo TBWA-rentzat. Besteak beste Renault, Vueling, Adidas, Honda, Nike, Movistar, Iberdrola eta Athletic de Bilbaorentzat egin ditu publizitate-kanpainak. Bere lana nazioarteko hainbat jaialditan aintzatetsi dute, besteak beste Cannes Lions, Donostiako El Sol edo Laus sarietan. Ultraniños serieko irudietan oso haur gazteak agertzen zaizkigu heroi perfektu moduan. Grabitateari aurre egiten diote eta beren gorputza eta emozioak kontrolatzeko gai dira. Diziplinatuak eta indartsuak dira; etorkizuneko kiroleliteko parte dira. Helduek asmatutako jokoetan irabazteko entrenatu dituzte, baina, jakin gabe, horien biktima bihurtu dira. Gladiadore berriak dira, eta beren gurasoek animaturik, mundo osoari gozaraziko diote beren akrobaziekin.

Nacido en Zaragoza, España, en 1965. De formación autodidacta, se inicia en la fotografía a partir de 1992. Radica en Barcelona y en la actualidad es uno de los fotógrafos de publicidad más prolíficos y creativos de España. Trabaja para algunas de las agencias de publicidad más importantes, como S,C,P,F, BBDO o TBWA y ha realizado campañas publicitarias para empresas como Renault, Vueling, Adidas, Honda, Nike, Movistar, Iberdrola, Beefeater, Athletic de Bilbao, entre otras muchas. Su trabajo ha sido reconocido internacionalmente en los festivales Cannes Lions, El Sol de Donostia y en los premios Laus. Las imágenes de la serie Ultraniños muestran criaturas que a pesar de su corta edad ya son héroes perfectos. Ellos desafían la gravedad, son capaces de controlar su cuerpo y sus emociones. Son disciplinados y fuertes, forman parte de la futura élite deportiva. Están entrenados para vencer en juegos inventados por hombres adultos, de los que, sin saberlo, se han vuelto víctimas. Son los nuevos gladiadores que, animados por sus progenitores, deleitarán al mundo entero con sus acrobacias.

P 142 DIETMAR. P 143 GINA. P 144 GERARD. P 145 CARLA. P 146 SARA. P 147 NICO. P 148 MARÍA. P 149 LAIA.

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Born in Zaragoza, Spain, in 1965. From a self-taught background, he started out in photography in 1992. He is currently one of the most prolific and creative advertising photographers in Spain. Works for some of the most important advertising agencies, including S,C,P,F, BBDO and TBWA. He has carried out advertising campaigns for companies such as Renault, Vueling, Adidas, Honda, Nike, Movistar, Iberdrola, and Athletic de Bilbao, amongst many others. His work has been internationally recognised at the Cannes Lions and El Sol de Donostia Festivals, and in the Laus awards.   The images in the series Ultraniños show us creatures that, despite their tender years, are already perfect heroes. They defy gravity, and are able to control their bodies and their emotions. Disciplined and powerful, they make up part of the future sporting elite. They are trained to win in games invented by adult men, whose victims they have unwittingly become. They are the new gladiators who, egged on by their progenitors, will delight the whole world with their acrobatics.


ALBUM

Hondarribian (Euskal Herria) jaio zen 1979an. Argazkilaritza ikasi zuen Kataluniako Institut d´Estudis Fotogràfics-en eta New Yorkeko International Center of Photography-n. Horrez gainera, masterra egin zuen Proiektu eta Teoria Artistikoetan PhotoEspaña-n eta Madrileko Unibertsitate Europarrean. Hainbat arte-egoitza eta galeriatan erakutsi du bere lana, taldeka zein bakarka, besteak beste Madrileko La Casa Encendida-n, Donostiako Koldo Mitxelenan, New Yorkeko Studio 304-n, Berlingo HBC zentroan eta Bartzelonako Sala d´Art Jove-n. Gaur egun Bartzelonan bizi da eta argazkilaritzako irakaslea da bertan. Album seriean Jonek historian zehar argazkilaritzak gehien indartu duen objektua, eta aldi berean, amateur eta anekdotikoaren esferara baztertua izan den objektua ikertzen du: familiaalbuma. Bere burua akuri gisa erabilita eta bere familia-albuma osatzen duten irudietatik abiaturik, egileak dimentsio bisual berri batean murgiltzen gaitu, aurpegirik gabeko oroitzapenean. Ukitu arduratsuarekin irudi fantasmagoriko bihurtzen diren denborazko erregistroak, ekintza sinple horrekin denborazko erregistro horietara hurbiltzeko modu berri bat eskatzen diguten eszena arruntak.

Nacido en Hondarribia, País Vasco, en 1979. Estudió Fotografía en el Institut d’Estudis Fotogràfics de Catalunya y en el International Center of Photography de Nueva York, además de un máster en Proyectos y Teorías Artísticas por PhotoEspaña y la Universidad Europea de Madrid. Ha expuesto en diversos centros y galerías de arte, tanto en muestras colectivas como individuales, entre los que destacan La Casa Encendida de Madrid, el Koldo Mitxelena de Donostia, el Studio 304 de Nueva York, el centro HBC de Berlín y la Sala d’Art Jove de Barcelona. Actualmente vive en Barcelona donde se dedica a la enseñanza de fotografía. En la serie Album, Jon investiga el objeto que más ha potenciado la fotografía a lo largo de la historia y el que, a la vez, ha sido siempre relegado a la esfera de lo amateur y de lo puramente anecdótico: el álbum de familia. Usándose a sí mismo como conejillo de indias y a partir de las imágenes que conforman su álbum familiar, el autor nos conduce a una nueva dimensión visual: la del recuerdo sin rostro. Registros temporales que con el cuidadoso retoque se convierten en imágenes fantasmagóricas. Escenas normales que con esta simple acción nos reclaman una nueva forma de aproximación a estos registros temporales.

Born in Hondarribia, Basque Country, in 1979. Studied Photography at the Institut d’Estudis Fotogràfics in Catalunya and at the International Center of Photography in New York, in addition to taking a Master’s Degree in Artistic Theories and Projects, via PhotoEspaña and the European University of Madrid. Has exhibited both collectively and individually at various art centres and galleries, including La Casa Encendida in Madrid, the Koldo Mitxelena in Donostia, Studio 304 in New York, the HBC centre in Berlin and the Sala d’Art Jove in Barcelona. Currently living in Barcelona where he works as a teacher of photography. In the Album series Jon investigates the subject that powered photography the most from its very beginnings, yet was always relegated to the amateur sphere and considered to be purely anecdotal: the family album. Using himself as guinea pig through pictures that make up his family album, the author introduces us to a new visual dimension, that of faceless memory. Time registers that through careful editing become phantasmagoric images. Normal scenes that as a result of this simple action insist they be approached in a new way.

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Ya son casi tres años de lo nuestro. No sé si fue un flechazo o uno de esos amores que se cocinan poco a poco. Me fijé desde el primer día en tu mirada... y tú en la mía. Descubrimos enseguida que nos gustaban las mismas cosas. Tú también eres un amante de los imposibles, un nostálgico... Y no hemos parado de hacer cosas desde que nos conocimos. Siempre me has animado a creer en mí. Y estoy seguro de que no sería quién soy, ni estaría donde estoy si no fuera por ti. Este año quiero ir a por todas. No sólo con lo que ya sabes. Tengo muchas otras ideas y alguna que otra sorpresa para ti. 3 años. 12 números. Más de 50 fotógrafos emergentes publicados. Si estás con nosotros, nuestro compromiso con el papel, continúa. -

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Inprimaketa eta produkzio grafikoa / Impresión y producción gráfica / Printing and graphic production Estudios Durero Muntaia / Montaje / Staging KG Montajes Laborategia / Laboratorio / Laboratory Zear Diseinua / Diseño / Design IS Creative Studio Irudiak / Ilustración / Illustration Guchagucha Art Collective Komunikazioa / Comunicación / Communication Simple Comunicación Webaren programazioa / Programación web / Web programming Orlando Barrón Testuak / Textos / Texts Frank Kalero, Daniel Sáenz, Begihandi Itzulpenak / Traducciones / Translations Dave Passingham (english), … Eta Kitto Euskara Elkartea (euskara) Inprimategia / Impresión / Printed by Artes Gráficas Palermo Azaleko argazkia / Imagen de portada / Front cover The Black Cloud, 2000 © Alessandra Sanguinetti © Irudien egileena © De los autores de las imágenes © Authors of images ISBN 978-84-615-1409-0 Lege Gordailua / Depósito Legal / Legal Deposit BI-1746-2011

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