Revista Digital La Herida n° 1 - Vol 1.

REVISTA

La herid La herida herida Revista Digital - 1° Edição - Volume 1

ANO 21

Galeria

Galeria de

Mulheres Mulhere

Artistas

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GALERIA DE MULHERES ARTISTAS @galerialaherida

Revista Digital - 1° Edição - Volume 1

GALERIA DE MULHERES ARTISTAS @galerialaherida

Autor: Larissa Cantarino Diagramação: TulaDevi Produçao: Nataly Mendes Galeria de Mulheres Artistas La Herida Revista Digital - 1° edição - volume 1 Goiânia - 2021 1 Bordado. 2 Colagem. 3 Fotografia. 4 Ilustração. 5 Pintura.

ANO 21

EDITORIAL EDITORI A Galeria de Mulheres Artistas – La Herida, é um projeto que surgiu de uma necessidade e inquietação quando eu Larissa Cantarino, ainda era graduanda do Curso de Bacharelado em Artes Visuais na FAV/UFG. Em 2012, através de uma disciplina de Arte e Feminismo eu assisti o documentário W.A.R – Women Art Revolution, produzido pela artista Lynn Hershman Leeson, do ano de 2011. Esse documentário despertou em mim uma tristeza e indignação, por está no fim da minha graduação e nunca se quer ter ouvido sobre o movimento de Arte e Feminismo do final da década de 60. Eu não fazia ideia de quem eram 99% das artistas que ali eram apresentadas. Ficou evidente como a nossa sociedade machista e patriarcal atua no campo das artes, silenciando nossas subjetividades, revelando apenas as representações mulher e do que é feminino. Aceitos culturalmente.

Assim nasce a Galeria de uma necessidade, e de um desejo em construir um espaço, mesmo que virtual, que divulgue, promova e fortaleça o trabalho de mulheres artistas de diversas frentes e áreas de atuação. Dentro dessa proposta nascia em abril de 2016 a Galeria digital de Mulheres Artistas La Herida, uma iniciativa independente na cidade de Goiânia. Em seu lançamento então a galeria promoveu um evento expositivo coletiva com artistas de várias regiões do país, performances e música. Em 2017 realizamos nossa primeira exposição individual, da artista visual Angie, tivemos também a mostra de videoarte e performance, mostra de mulheres artistas negras, mostra itinerante de videoarte. Agora conseguimos concluir um desejo antigo de produzir nossa Revista Digital seguindo nessa missão de divulgar e promover o trabalho de mulheres de forma democrática para o que maior número de artistas sejam contempladas. Nessa nossa primeira edição recebemos mais 150 envios de trabalhos das mais variadas linguagens e técnicas, com isso decidimos soltar 3 edições da revista dividida em dois volumes cada.

Agradeço a todas artistas que estão conosco no início dessa jornada, pelo apoio e por acreditarem em nossa iniciativa, muito obrigada por fazerem parte dessa Revolução!

Vida longa a Galeria e a nossa Revista.

Larissa Cantarino Artista Visual e Criadora da Galeria La herida.

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BORDADO Aiezha Geovana Côrtes

9 19 fotografia

Aline luppi grossi ana bia novais denise ramalho fer d’ ANDRADE FLAVIANA BENJAMIM GIOVANNA PIZZINI GISLAINE COSTA KALI MICHELE MANOEL PAULA FERNANDES

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SUMARIO

colagem Amanda frança Bia Gonçalves daiana terra diana tsonis

~

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~ ilustracao ana kawajiri anne souza juliana lapa Nicole kouts & veronica laminarca samara egle sunsarara tatiana cipoli

57pintura

aline neli ana rosa nabuco cecilia bichucher clara rego Gabrielle ‘Agah’ Haddad JULLY GYEONGMI runa

Galer

Mulh bord Artis bordado

ria de

heres dado

stas

Aiezha 1984, Belo Horizonte, Brasil.

Psicóloga e mestra em Psicologia Social pela UFMGMG. Sua pesquisa transita em diferentes linguagens artísticas. Na literatura produz, poesia, contos, diários, auto -publicações em blog e zine. Pelas Artes Visuais ressalta -se o bordado em papéis, materiais têxteis, suportes e objetos variados. Sua investigação busca aprofundar, problematizar e ressignificar memórias, principalmente em torno do eixo gênero.

Suas experimentações em Artes Visuais, a artista faz uso do bordado como linguagem intertextual entre os universos femininos (em múltiplos sentidos, desde o trabalho doméstico, experiências de gênero e resistências poéticas que estão presentes na história aiezhamartins@gmail.com do bordado) e o campo da arte, para a ressignifica- poeticadoar.com ção da ancestralidade, das mulheridades e de memórias individuais e coletivas.

Bordado

Criada no Vale do Jequitinhonha, na cidade de Capelinha, conhecida como a cidade do café, a cafeicultura e tudo que ela representa em termos patriarcais, foi vivenciado e está presente em sua formação social e individual. Liberdade é composta por um filtro de café que remete à história social, colonial e patriarcal, da qual ainda se estrutura a economia do estado de Minas, a cafeicultura. A técnica escolhida pela artista, bordado sobre cianotipia, é uma técnica alternativa de fotografia dotada de um caráter eminentemente artesanal que à encanta, pois possibilita criar impressões fotográficas a partir da exposição ao sol.

Liberdade (2021) bordado e cianotipia em filtro de café

Revista La Herida

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Geovana Cortes Palmeiras, Bahia 1996) A sua produção parte da escuta do corpo, passa pela tradução do sentir e das emoções em imagens. Geovana vem trabalhando com as linguagens de ilustração, fotografia, bordado, têxtil e aquarela.

A sua tomada de consciência pelo corpo atravessa questões identitárias, de consumo, de impacto ambiental e do ser mulher no mundo. Esse ponto de partida é imaginário, às vezes abstrato e pouco palpável, perpassa pela terra de onde vem, atravessa gerações, pessoas e espaços diversos. É também, a relação que estabelece com o ambiente, uma busca eterna pelo encontro com a natureza em meio ao concreto, paisagens corridas, barulhos externos e internos.

Geovana tem interesse em construir uma narrativa autobiográfica que muda, extravasa e é atravessada pelo contato com a/o outra/o existente e preexistente.

https://geovanacortes.myportfolio.com/ geovanacortes3@gmail.com

Bordado

Os lenços bordados, costurados e engomados por sua mãe quando criança na escola para a disciplina curricular: educação para o lar, são para ela grande expressão do que lhe foi ensinado e como nesse processo ela assimilei o que seria correto, bonito, bem feito e regra. Nesse caminho Geovana se questiona,quais discursos ela reproduz em suas criações e que nada têm a ver com sua postura enquanto mulher no mundo? Como eles estão tão enraizados a ponto de reproduzi-los sem ao menos perceber e poder questionar?

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Detalhe

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RESULTADO DA EDUCAÇÃO PARA O LAR PARA MULHERES OU SANGUE ESTANCADO, 2021 bordado e alfinetes sobre lenços 41,5 x 39,5cm

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Mulh Cola Colagem

Arti

ria de

heres agem

istas

Amanda franca , Amanda França (Amandita), formada em comunicação pela Faap já atuou como fotógrafa e pesquisadora iconográfica na Folha de S. Paulo e Editora Globo.

Suas colagens analógicas e digitais tem como principal inspiração a mulher. Participou da exposição International Collage Art Exhibition, na Galeria Plexi 2019, em São Paulo e a Arte in Box, na Universidade do Papel (2019 -SP). Recentemente foi publicada numa coletânea de colagens na Espanha na publicação feminista Vulva Fanzine e teve colagens publicadas em material didático da Editora Somos Educação (2020).

Colagem

amanditacolagem@gmail.com @amandita_colagem

“Tatuagem” - Colagem Digital, 2020

“Dance” - Colagem Digital, 2021

12 Sua produção de colagens se deu por acaso. A fotografia em si sempre esteve na em sua vida desde a época da faculdade de Comunicação. Certo dia, de férias em casa, resolveu brincar com fotos de revistas e dar um novo significado a elas recortando e colando de modo totalmente instintivo. Desde então não parou mais: fez cursos na área, participou de exposições e feiras de arte, ilustrações pra livros didáticos e capa para um livro de poesia que será lançado em breve. A técnica de colagem é por si só surrealista, lúdica, e através dela, procura sempre passar um conceito, uma mensagem, tendo como principal tema as mulheres.

“São Paulo, mon amour” Colagem Digital, 2020

“Tímida” - Colagem Digital, 2020

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“Amor” - Colagem Digital, 2021

Bia Goncalves , Criada em Duque de Caxias, atualmente mora em Santa Marta, periferia do Rio de Janeiro. Graduada em Artes Visuais pela Universidade do Estado do Rio de Janeiro, está cursando a habilitação em Licenciatura (UERJ).

Possui formação artística por Artistas Latinas –Poéticas Femininas na Periferia e Somos Muitas - Instituto Tomie Ohtake. Desenvolve a pesquisa artística no espaço poético e questionador da Colagem Analógica. Sua pesquisa atual sobre a colagem resgata uma questão importante na arte contemporânea: a possibilidade de um novo olhar para o universo feminino e feminista, trazendo referências da história da arte, bgoncalves.art@gmail.com articulando dores e memórias pessoais, buscando a @biagoncalves.art amplitude do engajamento político, conceitual e cultural.

Colagem

Pensada coletivamente, das imagens que não queremos mais ver, às receitas de cura que temos para nós e para o mundo. A partir dessa preposição, sua colagem é desenvolvida sob uma curadoria a partir de revistas dos anos 50/60, do qual ela seleciona imagens que trazem traumas, que reforça estereótipos sobre o corpo da mulher e que automaticamente anula outros corpos em nossa sociedade. “As imagens que não queremos ver” é sobre identificar imagens que nos machucam, é sobre ter poder de escolher e mostrar imagens que nos representam. É sobre curar!

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Imagens que não queremos ver Colagem Analógica 21 x 29,7 cm (cada) 2021

Daiana terra Artista Visual, comunicadora e escritora. Atuou em diversas áreas culturais, bem como institutos culturais, produção cultural, musical, teatral e cinematográfica, durante sua formação em Rádio e TV. A partir desse contato com diversas manifestações artísticas, decidiu que queria seguir a carreira de artista visual. Graduanda em Artes Visuais, na Unesp de Bauru, realiza pesquisas diaspóricas e as incorpora em seus trabalhos com colagem analógica. Em seus trabalhos, Daiana Terra, ou como assina, Subversiva, tem como sua maior temática o corpo negro. E também levanta questões como: https://linktr.ee/daianaterra ancestralidade, raça, gênero e política. Seu proces- @dai_anaterra @sub___versiva so de criação se dá a partir de recortes extraídos de impressos como: revistas, jornais, folders, zines, folhetos de mercados, exposições, ou qualquer outro impresso (em papel ou não), que julgar interessante.

Colagem

Subversiva abraça o desafio de realizar sua produção com colagem analógica. Através dela, se constrói novos olhares e diferentes narrativas, baseadas em suas vivências e trajetórias artísticas.Na série apresentada a artista ressignifica os corpos negros, e os transporta de um imaginário social, em sua maioria marginalizado, criando novas narrativas, para esses corpos. Ao longo da história, o corpo negro fora negado, principalmente, sua humanidade. Com essa série, nos é oferecido novos estados para esse corpo. Tratam-se de estados que foram retirados, mas que aos poucos vão obtendo de volta.

Série Corpo Dança - Descanso - Pujante

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Diana Tsonis

Colagem

Diana Tsonis é artista visual, poeta e produtora cultural, é formada em Licenciatura em Artes Visuais pela Universidade de São Paulo. Tem uma trajetória não linear e atua em áreas distintas. Em fotografia tem trabalhos que retratam lutas sociais que foram expostas no MIS-Campinas, no campo da ilustração faz desenhos com temáticas feministas expostos na Virada feminista de Jundiai. Atua expressivamente no campo da acessibilidade para pessoas com deficiência visual. Realizou o projeto interdisciplinar Duplo Acesso no no CCSP e a exposição Sair da Superfície no Memorial da Inclusão.

dianatsonis@gmail.com

Nuas entre tudo isso é um projeto formado por uma série com seis fotomontagens realizadas a partir de desenhos desenvolvidos durante sessões de modelo vivo e fotografias tiradas em uma manifestação ocorrida em 2012 na Universidade de SãoPaulo contra a privatização da universidade. Apesar de deslocadas e distantes no tempo as imagens quando unidas pela montagem se flexibilizam e criam novos significados pela sobreposição das imagens. As paisagens tiradas nas fotografias e as figuras das mulheres quando unidas tornam-se atemporais e passam a ter um sentido representativo.

O projeto traz ao debate público dois temas importantes na atualidade: o feminismo e as lutas sociais. O desejo é pensar qual o papel da mulher diante desses conflitos sociais.

A série aborda a nudez da mulher como algo impactante e estimulante da consciência pelo contexto em que está situada. A nudez nesse trabalho é trazer a fragilidade, a verdade nua e crua à tona, é um protesto a violência do estado que oprime a luta por direitos e essas mulheres que transitam entre esses cenários, ora como espectadoras, ora como passantes, como se denunciassem o excesso de violência. A violência parece ilógica diante da mulher nua. Atacar alguém sem armas, sem proteção é extremamente covarde. E isso fica evidente ao ter contato com essas imagens.Uma violência sem razão e nem justificativas.

O projeto Nuas coloca as mulheres como um personagem responsável por acionar um ponto de mutação da sociedade.

NUAS ENTRE TUDO ISSO Fotomontagens

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Galer

Mulh FOTOG Fotografia

Artis

ria de

heres GRAFIA

stas

Aline Luppi Grossi Performer que ganha a vida mostrando a bunda e a banha. Artivista gorda, licenciada em Artes Cênicas - Teatro pela Universidade Estadual de Maringá (UEM). Inserida na nova geração de artistas críticos de seu entorno, e ciente dos modos de fruição das ações artísticas comprometidas com posições subversivas, tem trabalhado sobre pedagogias e construções de sentido não assertivas, ruidosas e que escapam à onda conservadora que tem tomado a nossa época.

Fotografia

alinelupp@hotmail.com linktr.ee/alineluppi @alineluppigrossi

Duo Deusas faz parte do projeto Fotografe-me, em que a artista convida e é convidada viaja pelo Brasil em busca de pessoas interessadas em fotografa-la.

De profissionais que criam varreduras de portfólio a parentes que nunca viram uma câmera para além de fotos no grupo da família. O que á interessa é o visual, tensionar certezas e questionar crenças para dialogar com o corpo gordo e ser arte.

O Projeto “Fotografe-me” vem sedo desenvolvido desde 2019, é uma ação efêmera e constante, sempre mutável e nunca acabada, em que a investigação dos possíveis olhares para seu corpo existam enquanto ação, troca, registro, passagem, diálogos. De fotógrafos profissionais das mais diferentes linguagens, artistas independentes e suas visões estéticas, à sua própria família, sem nenhum interesse ou formação artística. Sem necessariamente resultar em um processo acabado, com registros físicos ou virtuais a artista se coloco a disposição enquanto estudo de formas, volumes, imagens, signos, significados e todas as suas variantes. O valor investigativo reside na troca, nos diálogos entre os diferentes mundos e a quebra de dogmas e paradigmas muitas vezes já inexistentes.

A identidade imagética de suas propostas tendem a partir das relações visuais de volumes e formas do corpo gordo com estruturas da natureza, animais e alimentos, principalmente aqueles arquetípicamente associados ao escárnio com o corpo gordo, como o porco, baleia, sujo, nojento, grande, volumoso, e como estrutura de desobediência busco transformar tais imagens em prazerosas, viciosas, fascinantes, impossíveis de serem desvistas, por meio dos própios elementos e da exploração dos cinco sentidos (tato, olfato, paladar, visão e audição).

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Série Duo Deusas Gaia - Gigantesca e Poderosa.

Mato Grosso - MT/BR. 2021 Photo: Juliane, 36 anos, recepcionista, minha prima.

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Série Duo Deusas Vênus - Personificação da beleza.

Mato Grosso - MT/BR. 2021 Photo: Juliane, 36 anos, recepcionista, minha prima.

ANA BIA NOVAIS Ana Bia Novais é Comunicadora Social, pós graduada em Fotografia e Imagem pelo IUPERJ Artista visual, tem a fotografia como base de seu trabalho e produz intervenções com colagem digital e bordado. Tem experimentado e realizado produções através de instalações materiais e de áudio.

Moradora de Ricardo de Albuquerque, Zona Norte carioca, encontrou ainda na adolescência o autorretrato como ferramenta de aprendizado e investigação do corpo e das técnicas fotográficas. Atualmente utiliza como referência a trajetória de corpos e objetos quase sempre periféricos promovendo novos encontros e narrativas que, muitas vezes ressignificam e deslocam a história de si das pessoas que fotografa e dos territórios que observa.

Sou Autorretrato Polaroid, linha, folha seca e pele 7,5 x 10,5cm novaisanabeatriz@gmail.com @abnovais

Fotografia

O bordado une as imagens como uma representação da força e da delicadeza simultâneas que cada indivíduo carrega em si, com foco no que há de feminino e sensível em cada uma dessas pessoas lidas pela sociedade como masculinas e que são, muitas vezes, reprimidas pelas suas sensibilidades ou endurecidas pelas exigências de uma sociedade patriarcal.

A miscelânea de corpos, palavras, linhas, gestos e olhares busca provocar o espectador a se questionar sobre o que entendemos como masculino e feminino e quais os papéis desses títulos em nossa sociedade. A quem servem e para quê?

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Detalhe Série Rosa para Meninos , 2021 Fotografia instantânea, linha, tecido e esmalte sobre foam Díptico 70 x 50cm cada

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Também deseja gerar identificação com as imagens ou, até mesmo, provocar a imaginação do espectador para buscar dentro de si quais palavras e ações seriam postas em foco caso fizesse parte da série. Assim, podemos dar um passo a mais para longe dos estereótipos de gênero que tanto contribuem para violências psicológicas e físicas enfrentadas diariamente por pessoas que não se permitem enquadrar.

Denise Ramalho Denise Westphalen de Souza Ramalho é formada em Comunicação Social em 2006 pela UniBrasil, com especialização em gestão de negócios em 2009 pela UTFPR, iniciou os estudo em Produção Cênica em 2011 na UFPR. O seu olhar fotográfico esta em desenvolvimento desde a adolescência quando ganhou sua primeira câmera fotográfica, foi no curso de comunicação social que aprendeu sobre a técnica e começou a trabalhar sua linguagem artística, misturando: conceito, maquiagens especiais, tintas, luz e muitas ideias. Denise é responsável por um repertório de fotografia artística cultural que abrange desde termos abstratos a termos mais profundos como: saúde mental, câncer de mama e transcendência dos seres. Com exposições realizadas pela cidade de Curitiba e premiação fotográfica nacional.

www.behance.net/denise_ram37c5/projects

Fotografia

Roxo no Dourado é uma manifestação pela fotografia de maneira subjetiva, os diferentes espectros desse trabalho são norteados com uso da cor, no aspecto grudento em uma pele dourada com a ideia de trazer diferentes maneiras de repensar sobre sentimentos. O que tem dentro apresenta-se para fora? E o que aparece de fora está dentro? Chega a escorrer em uma face e cobre todo o ros¬to. Seria uma defesa? Seria uma agressão? “Melecar-se” é proteção, medo ou liberdade?

Série Conceitual - Roxo no dourado Fotografia

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Fer D'Andrade Fer d’Andrade (SP) é fotógrafa documental independente desde 2008, tendo começado suas atividades na Open University em Kuala Lumpur, Malásia. Viveu na Ásia e na Europa por seis anos, o que contribuiu decisivamente para o desenvolvimento de suas escolhas artísticas. De volta ao Brasil, interessa-se pelas possibilidades de proporcionar uma visão contemporânea às religiões de origem afro-brasileira. Participou da coletiva “Corpo imagem dos terreiros”, com curadoria de Denise Camargo, realizada na Caixa Cultural Brasília, em 2015. Desenvolve ensaios, séries e projetos de fotografia em continuidade. Formada pela Escola Panamericana de Arte de São Paulo em 2011. Integra o Maná Foto Coletivo desde 2019.

Fotografia

fer@ferdandrade.com @ferdandradefoto

MEIO-DIA-MEIA-NOITE Fotografia documental

28 Este ensaio foi exibido no festival Le Rencontre d’Arles deste ano. O texto é da curadora Denise Camargo.

A série “Meio-dia-Meia-noite” vem sendo realizada pela fotógrafa paulista Fer d’Andrade desde 2013 para documentar os passos da divindade Exu. O protocolo para sua ação fotográfica tem a centelha do acaso como bússola. Ao compreender as relações mitológicas da divindade, ela a faz materializar-se em seu cotidiano para coletar o que percebe como seus vestígios, seus traços, seu comportamento no profano das ruas: imagens.

Segundo os mitos compilados por Reginaldo Prandi (2000), sem Exu, orixás e humanos não podem se comunicar. Assim todos devem obrigações a ele que, indistintamente, se diverte com todos e para todos trabalha. Costuma causar confusão, pois, em sua natureza brincalhona, quase irresponsável, inverte a ordem do mundo.

Também chamado de Legba, Bará, Eleguá foi identificado pelos europeus como o diabo, em virtude de seu caráter “suscetível, violento, irascível, astucioso, grosseiro, vaidoso, indecente” (Verger, 1998). Apesar disso tem, igualmente, seu lado bom. Dono das encruzilhadas, sua morada é a rua – pode estar representado, assim, nas coisas mais prosaicas, mais cotidianas, como as festas. É sempre o primeiro a comer e a ser louvado. Come de tudo e deve ser servido de tudo o que for feito. Está sempre à entrada das casas, é um guardião, companheiro oculto das pessoas. É aquele capaz de fazer a noite virar dia. Mensageiro, é a ele que se deve pedir licença para que o movimento das coisas do mundo aconteça.

Em “Meio-dia-Meia-noite” Fer d’Andrade se referencia no candomblé, no qual é iniciada, e honra o legado deixado por seus mais velhos, os fotógrafos como Pierre Verger e Mário Cravo Neto, além de todos nós, os contemporâneos que viemos antes desta jovem e promissora fotógrafa. Como eles, ela dá protagonismo à fortuna visual, simbólica e mítica das tradições. Com isso, propõe a reflexão sobre o contexto cultural e social de um Brasil do século XIX, que respondeu (e ainda responde) à beleza dos espaços sagrados e profanos dos rituais com perseguições policiais e sociais ao longo da história. Na história recente, somam-se, ainda, a castração à liberdade dos cultos impetrada por traficantes e suas relações com as milícias e a intolerância neopentecostal.

Ao colocar seu Exu em exibição procuro evidenciar as ancestralidades que marcam os corpos já preparados para resistir. Como brisa ou ventania, Fer d’Andrade atravessa, invisível, os caminhos que lhe fazem dar visibilidade a Exu. Muito além do mistério, ela procura revelar o seu segredo (auô, diz-se em idioma ioruba): estar ao mesmo tempo em todos os lugares e, como companheiro oculto das pessoas, andar sempre à nossa frente e nos permitir a transformação. Há de se lembrar que é de bom tom saudá-lo: Láròyé!

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“Senhor dos caminhos, nos dê licença”, por Denise Camargo

Flaviana Benjamim Flaviana Benjamin é artista. Tem pesquisa (UFOP/ USP/UNICAMP/FRANCHE-COMTÉ) e trabalhos no Brasil e exterior. Se dedica a poética desconstrutiva como desdobramento artístico e atua nos deslizes das línguas (performance, teatro, dança, fotografia e vídeo). Atualmente se desdobra em atos devorativos nas composições artísticas.

https://issuu.com/flavianabenjamin/ docs/portfolio_2018

Fotografia

Relação do corpo feminino intervindo com eletrodomésticos e móveis que permeiam o imaginário da sociedade em datas comemorativas.

Mulheres que são homenageadas com objetos do lar em momentos de comemoração.

Corpo Doméstico Fotoperformance

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Giovanna Pizzini Giovanna Pizzini natural de São Paulo, é formada em Cinema e Audiovisual pela universidade CEUNSP. Por meio da fotografia, desenho, foto performance, instalação e colagem, a artista investiga o feminino, a memória, a identidade, a natureza e o corpo, dentro do seu espaço emocional e físico.

Propõe reflexões sobre a construção e a desconstrução de imagens de si e seus processos de ressignificações. @giovannapizzini_

Fotografia

“Interessa-me os estudos dentro da psicanálise, o feminino, a memória e o místico primitivo. Busco em minhas vivências, minhas próprias sombras, emerjo em mim em busca do inconsciente. Espaços que chamo de “entre”, que se forma através do dialogo entre duas pessoas, ou entre si mesmo, o espaço do corpo e do que chamamos de lugar, o espaço não visível psicológico entre o imaginário, “real” e o obscuro. “

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Não Lugar II, 2021.

Série : Não Lugar. Foto performance. Impressão a jato de tinta sobre o papel algodão. 42x59,4cm Fotografia técnica:Larissa Forchetto.

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“Em uma ação para a câmera, tenciono meu corpo sobre a terra, cavo, empilho, afasto, como terra, água e no processo exploro a fisicalidade do meu corpo, sua presença, peso, texturas, deidades e me conecto as emoções e memórias disparadas pelo contato da terra com minha pele e digo, eu me pertenço!”

gislaine costa

Fotografia

Gislaine Costa é uma artista multimídia e arteeducadora que vive e trabalha em São Paulo. Os principais suportes que utiliza são a fotografia, desenho, vídeo e a performance.

Investiga o corpo partindo de suas experiências, sobretudo a pele como suporte e interface entre interno e externo, que gera ou revela suas camadas físicas e perceptivas, para falar dos desejos, memórias e transformações.

A natureza também é um tema presente na sua pesquisa, que se funde no corpo com desejo de potência, pertencimento e conexão cíclica.

Seu interesse está na sobreposição de linguagens, em desdobrar-se no tempo e encontrar experiências subjetivas e libertadoras.

Visões, 2016 Performance para câmera

https://www.artistaslatinas.com.br/artistas-1/gislaine-costahttp://cargocollective.com/gyza

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Confecciono uma máscara e a coloco no rosto, faço o movimento de girar, intercalando a face que tem olhos representados, em bordado, com os olhos reais.

Os nativos norte-americanos dizem que a águia voa perto do Sol, significando a iluminação do Grande Espírito, nos ajuda a ver acima da ignorância, para enxergar além.

O processo de girar as máscara, remete a visão 360º da águia, o olhar com amplitude e profundo, e o olhar para dentro exercitando a intuição.

Na máscara existe um lado arquetípico, um lado animal, e o lado humano, por vezes perdido, hipnotizado e que as vezes busca tirar os véus que cobrem uma realidade cega para tentar enxergar o invisível.

kali Kali Kali, é (mer)atriz, performer, dançarina de dança cigana, ex produtora de projeto de arte e saúde mental, escritora de guardanapo, cantora de chuveiro, tarologa rocheda, mochileira das galáxias e garçonete nas horas vagas. Nasceu em Recife, Pernambuco, morou em Buenos Aires e depois de andar pela América Latina, hoje em dia, armou acampamento na casa da sua mãe.

Porque Kali que é Kali é bandoleira.

kalikaliart@gmail.com www.kaliojodetigre.com @kalikaliart

Fotografia

Seu trabalho se inscreve na pesquisa para uma linguagem pós-traumática, onde o drama movimenta afetividades, o trauma lástima o corpo e pós-trauma pega carona nessa cauda de cometa, ver a via-láctea, estrada tão bonita. É com as cores, as lantejoulas, o glitter, os copos de plástico, os altares, as perucas neon que a artista brinca com uma poética visual do camp, do kitsch, do brega, do glamour decadente, mesclado a um trabalho de nonsense, do politicamente correto, das musicas de 80, 90 e inicio 2000, com o pa(t)drão institucional. Trabalhando linguagens como teatro, performance, foto, video e intervenção urbana de maneira autoral, irônica, sarcástica e humorada Kali faz do seu trabalho um glace no bolo de aniversário, que lambuza tudo e quase ninguém come.

Em Memória do Meu Ovário Enfermo é um trabalho artístico de mapeamento da minha menstruação. Tenho um cisto, uma suspeita de endometriose, uma dor que as vezes passa, as vezes me atropela, as vezes me paralisa. Decidi então mapear esse sangue com fotos, textos e videos durante o ano de 2017, com a ideia de conhecer o caminho que esse sangue, de vida e morte, passa e como ele me fala, me soca e me acalenta.

Em Memória do Meu Ovário Enfermo Fotoperformance 2017

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Michele manoel Michele Manoel é fotógrafa com formação em Processos Fotográficos pelo Senac São Paulo e atua nas áreas de fotografia documental, autoral e retratos. Em seu processo de pesquisa, relaciona-se intimamente com a escrita visual, tendo-a como devir-trabalho, e acredita na construção da imagem como processo de experimentação e expressão.

No ano de 2020, teve fotos selecionadas para compor exposições fotográficas organizadas pela Companhia Paulista de Trens Metropolitanos - CPTM e pelo Concurso FotoMantiqueira. Em 2021, foi uma das artistas convidadas para o Programa de Residências Artísticas da Usina da Alegria Planetária, além ter sido selecionada para integrar portfólio publicado pela Vogue Itália. www.mmphoto.com.br michelemanoel.photo@gmail.com

Prisão, sufocamento, dor... Palavras que, soltas, facilmente podem ser objeto de maior repúdio. Mas, e quando escolhemos nos colocar neste não-lugar para acessar o que de pior e melhor habita em nós? Para saber. Para entender. Para acolher.

Para, enfim, encontrar paz e liberdade. Para poder ver beleza, quiçá?

Fotografia

Casulo fala sobre o mergulho em si, sobre o encontro caótico com a própria subjetividade. Fala sobre a violência da linha que precisa atravessar a agulha, sobre a agulha que precisa furar repetidas vezes o tecido, maltratando-o, para que então, enfim, o rasgo seja costurado.

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{Casulo} 2021 Fotografia Digital Admitida por Vogue Itália https://www.vogue.it/en/photovogue/portfolio/?id=219426

Paula fernandes Paula é uma pisciana nascida em Maceió, capital das águas alagoanas e criada em Penedo, às margens do Rio São Francisco. Seculares arruados e antigos casarios a levaram a retornar à capital para se tornar Arquiteta e Urbanista, atuando no campo do Patrimônio Cultural. Há seis anos encontrou na fotografia a possibilidade em materializar e compartilhar o seu olhar para o patrimônio além do tangível, utilizando a câmera como recurso de linguagem para interpretar aquilo que nem sempre é visto, mas que pode ser sentido, atribuindo novos olhares.

Possui trabalhos publicados em jornais, sites, catálogos, além de participações em exposições coletivas.

paulalouise93@gmail.com

Fotografia

Quantas histórias o silêncio de um lugar pode nos contar em uma imagem?

Este ensaio parte de um devaneio poético e fotográfico realizado no ano de 2021 no Edifício Brêda, na cidade de Maceió.

As fotografias integram o romance fictício entre Abelardo, um jovem estudante de engenharia, filho de um notável contador da cidade e Nadir, uma moça que mora no interior e sonha em viver na capital.

Carta para Nadir Fotografia e texto 2021

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Galer

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Ana Kawajiri Ana Kawajiri é artista visual natural de Curitiba-PR. Atualmente reside em São Paulo-SP. Realiza trabalhos em técnicas diversas como pintura, desenho, colagem, arte postal, fotografia, arte objeto, bordado e ilustração. Cursou o técnico em Desenho Industrial para em seguida ir para a Belas Artes. Estudou História da Arte e fez mestrado em Museologia. Sua produção começa por volta de 2004 e continua atualmente.

facebook.com/anakawaj @anakawaj

Ilustração

A série Lida Diária é um conjunto de ilustrações sobre o tema do trabalho. A artista se inspirou nos livros infantis que sua avó guardou do tempo que seu pai era criança, por volta dos anos 50 e 60, com seus desenhos lineares e suas paletas de cores chapadas.

Lida Diária é uma fábula moderna, onde os animais andam em ônibus lotados e trabalham em cubículos de escritório e outras atividades da vida moderna. Ela questiona: “Será que os bichos se sujeitariam às regras que a sociedade impõe à nossa espécie”?

Essas ilustrações foram originalmente publicadas no livro intitulado Lida Diária em 2017, com poemas de Paulo Gabardo. Com a pandemia a artista adaptou os personagens para fiquem de acordo com a realidade atual, inserindo máscaras.

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Os Migrantes Nanquim e guache sobre papel (com edição digital) 2017-2020 29,7 x 21 cm

Revista La Herida

Estágio Nanquim e guache sobre papel (com edição digital) 2017-2020 29,7 x 21 cm

Anne souza Ilustradora/Artista Urbana.

Anne tem 35 anos, nasceu em Recife mas residente em Olinda.

Desde 2011/2012 faz intervenções urbanas com lambe lambe. Também faz muralismo em mutirões de arte urbana. Faz ilustrações em telas,adesivos,murais!!

Ilustrações sobre o feminino que mostram os seus desejos e suas lutas no mundo.

donafiore@hotmail.com @annesouzailustras

Ilustração

Deusas e Sereias são personagens marcantes em suas obras que retratam o feminino em desejos e lutas. Seus trabalhos estão ocupando diversos lugares, como Curitiba, Vitória, Salvador, Belo Horizonte, Goiânia, São Paulo e no Chile em Valparaíso e Santiago.

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Revista La Herida

S/T Látex sobre papel jornal Lambe Lambe Tamanho 97x66 cm Tamanho 48x33 cm - as duas ultimas imagens 2021

Juliana lapa JULIANA LAPA Carpina, Pernambuco, 1985.

Seus trabalhos são trazidos da memória a partir de sua relação com a natureza e com as emoções. É representada pela Amparo 60 Galeria de Arte (Recife/PE).

Autorretrato no Breu,2018, da série Breu, fotografia, 50 x 70 cm www.cargocollective.com/julianalapa

BREU

Ilustração

Breu é uma série de desenhos, fotografias, vídeo, cadernos e sons, iniciados a partir de visitas a florestas da Amazônia em 2015. O sentimento de iminência da morte, o medo e fascínio pelo o mistério da floresta, a vulnerabilidade, a rápida desintegração num ambiente úmido e fértil, foram os disparadores para o trabalho. Ao longo dos anos, o sentimento tomou aspectos de revolução interna, iniciação, jornada alquímico.

Sobre o processo de Breu: O lugar escuro, úmido, a lama, matéria orgânica rica em decomposição. O berço dos vermes, pequenos seres minúsculos que trabalham, trabalham e a vida em potencial pulsante que se reproduz e come a si própria.

O movimento repetitivo da mão que constrói o desenho e que prediz o traço, a definição e a emoção numa busca por algo ainda não sabido até surgir uma outra natureza de exaustão que não brota de mim, mas da imagem que se forma lentamente. É o estado de desenho que desloca a mente para assistir o desenho enquanto fenômeno. Deixando dialogar o que está posto com o que está por vir, sempre andando na linha do limite entre o que pode ser completamente sem sentido para algo novo e que vai injetar muita energia na vida.

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Oferenda 1, 2018 da série Breu, grafite sobre papel, 150 x 115 cm

Oferenda 2, 2017 série Breu, grafite sobre papel, 150 x 115 cm

Caderno Breu, frames do vídeo (https://www.youtube.com/watch?v=39AtvjTlDNo)

Revista La Herida

Estou Viva, 2021 da série Breu, grafite sobre papel, 150 x 120 cm

Nicole Kouts Investigo a multidisciplinaridade das imagens como meio de transporte de crenças ancestrais para tecnologias contemporâneas. Nos espaços ocupados pelo digital e pelo analógico estão mutações de tempo e memória: enquanto telas luminosas operam como portais para a ficção do divino, do self e da infinitude, mídias obsoletas tornam-se a face reversa de fantasmas, identidades e mitos esquecidos. Meu interesse pela arqueologia das mídias e genealogia das imagens parte de uma experiência autobiográfica, como latino-americana, neta de imigrantes, crescida entre o Brasil, a Grécia e a Internet. Dedico-me também ao figurino, cenografia, bonecos/marionetes e projetos experimentais em espaços digitais.

nicolekoutsantonis@gmail.com https://www.nicolekouts.com/ @nicolekouts

Ser Internet (2021) é uma criatura mutante que habita o pequeno cômodo de um website. Sua aparência é gerada randomicamente cada vez que a página é atualizada, a partir de um compilado amorfo de imagens resgatadas em blogs pessoais do início dos anos 2000. Criado pelas artistas Nicole Kouts e Veronica Laminarca, ambas nascidas em 1997, este Ser emerge da nostalgia de uma época de bichinhos virtuais, designs hipersaturados e programações rudimentares: um mundo esquecido dentro da própria Internet. Composto por fragmentos de ruínas, com partes faltando e sentidos esvaziados, este trabalho é o abrigo para um personagem da memória digital.

Podemos dizer que cada ser que aparece em Ser Internet é único, pois a probabilidade de alguém ver um como o seu é de 1 em 10 trilhões.

Ilustração

Segundo a Organização das Nações Unidas (ONU), a população da Terra em 2020 é de aproximadamente 7,79 bilhões. Para que todos os Seres apareçam na tela pelo menos uma vez, em um cenário hipotético, cada pessoa na Terra precisaria atualizar o site 1283 vezes.

Quando o site é acessado, há um contador que indica a quantidade de seres criados desde o lançamento do projeto em 21/02/2021.

Veronica Laminarca

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Veronica Laminarca, 1997, bacharela em artes visuais pela Universidade de Belas Artes do Estado de São Paulo (2018), é artista e fotógrafa residente em São Paulo, SP. Como artista multidisciplinar sua pesquisa explora o lugar da imagem na arte, permeando seus diversos modos de suporte e suas novas expressões diante do constante movimento de digitalização dos tempos atuais.

Em 2021 passou a integrar o grupo de artistas do Acervo Rotativo, projeto criado pelo artista Laerte Ramos.

Ser Internet Website 2021

Acesso à obra: https://serinternet.site/ Link com vídeo de registro da obra: https://youtu.be/TJXx0VqQ2jk

Revista La Herida

veronica.laminarca@gmail.com https://vlaminarca.com/ @outsidethemind

Samara Egle Samara Egle França de Moraes é Arte Educadora, Pedagoga Construtivista, Arte terapeuta, Artista Independente, Mãe da Marina Luz e da Ana Dayo.

Cercada de música, giz de cera, imaginação e papel, em suas experiência a Arte sempre foi o norteador de suas maiores aspirações. Há 14 anos na área da Educação, atuou em capacitação para adultos, em projetos sociais, em escolas tradicionais e, atualmente, na educação infantil construtivista.

Como Arte terapeuta ja esteve a frente de dois projetos vinculados a Secretaria da Cultura para Cata-Vento: Os Movimentos do Invisível , e, workshop para Mulheres em 2015, e em 2019 na Biblioteca Rubens Borba Alves de Morais - Brincando com a Natureza

Ilustração

@sam.egleart

PAREDES MARGINAIS – ARTE POSTAL (CANSON MÉDIO,TINTA ACRILICO GIZ PASTEL, PÁPEIS VARIADOS , LÁPIS AQUARELA) - 2020

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SOLITUDE EQUATORIAL (CANSON MÉDIO, TINTA ACRÍLICO, LAPIS GRAFITE, LAPIS AQUARELA, CANETA PEN 0.4 ) -2020

Revista La Herida

Em seus processos artísticos, Samara resgata a compreensão abundante do desejo de permanecer Mulher como fonte convergente, desencarcerando “ o corpo” da incapacidade humana de habitar os seus vazios ao encarar de frente sua doença social. Seu fazer artístico está ligado ao primordial sublimar o arquétipo do Feminino.

Livre de nomenclaturas, Samara se dedica as gravuras, no momento.

Sunsarara Sun é Arteira Potiguar que através da arte constrói seu processo de autoconhecimento e lugar no mundo. Seus trabalhos abordam temas tabus, caningando a hipocrisia da sociedade careta, catucando a fragilidade masculina, exaltando as corpas com buceta, escarrando deboche sobre esse sistema e gozando cores sobre muros, objetos, estradas e peles

Ilustração

sunsarara@gmail.com ateliesunsarara@gmail.com @sunsarara_ @ateliesunsarara @precaria_ @satie_sara

Autonomia para Gozar Ilustração digital 2021

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Sem título Pintura digital 2020

Revista La Herida

Sem título Pintura digital 2020

Tatiana Cipoli Tatiana Cipoli é Artista visual e Arquiteta, vive e trabalha em São Paulo. Seu trabalho transita entre o desenho, a pintura e a colagem. A cada série a artista propõe uma nova linguagem estética.

Os lugares, suas memórias e a relação de identidade e afetividade entre esses dois elementos são temas recorrentes em seus trabalhos.

httpswww.behance.nettatianacipoli facebook.com/tatianacipoli @tatianacipoli

Ilustração

O retrato de diferentes etapas da vida. O ato de desenhar o próprio rosto como um momento de reflexão do passado, presente e futuro. A fragmentação e a sobreposição dessas imagens. As diversas possibilidades de composição oferecida por esses fragmentos. A formação do “eu”. A representação de um único ser de forma repetida e multiplicada. Os diversos “eu(s)”. O ser formado de fragmentos onde as experiências passadas, as reflexões do presente e os anseios futuros se misturam e se transformam a cada instante e caminham para abstração.

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Revista La Herida

Identidade nº 02 da série “Identidade” Ano: 2016 Técnica/Material: Desenho em papel sulfite ou vegetal e colagem sobre papel.

Dimensão: 55 x 95 cm

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aLINE nELI

Pintura

Aline Neli é multiartista, neuropsicopedagoga, especialista em Metodologia do Ensino de Artes e mestranda no primeiro programa interdisciplinar em Artes, Urbanidades e Sustentabilidade da América Latina pela UFSJ. Aline busca inspiração na vida, na biodiversidade e nas diferentes culturas que acessa. Atuou/atua em diversos projetos educacionais, sociais, artístico-culturais e ambientais. Em suas obras e processos artísticos, ela busca um reencontro com o seu próprio corpo em relação ao mundo e os objetos da natureza e do universo. Aline pinta em conchas, cuias, papel, telas e outros materiais, buscando sempre explorar as diferentes potencialidades de diversas formas e texturas. A artista e pesquisadora atuou por mais de 3 anos na Fundação Casa, prisão que atende crianças e adolescentes de 12 a 17 anos do sexo masculino em conflito com a Lei. Recentemente, a artista atuou como atriz em um projeto de cinema pelo Sesc de Ribeirão Preto/SP que contará a história da região pela perspectiva negra, indígena e trabalhadora e não a história dos barões do Café que permanece até hoje no imaginário popular. A artista também dança nas modalidades de jazz e sapateado e atualmente pesquisa movimentos da dança contemporânea e a dança afro com intuito de se conectar com matrizes, gestos ancestrais e descobrir a própria expansão na dança.

@alineneli

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Revista La Herida

Eu indo ao encontro do único fio de esperança da lira quebrada de George F. Watts Técnica mista Tinta e lápis de cor sobre o papel Dimensão: 297x210 mm Ano: 2021

Ana Rosa nabuco Ana Rosa Nabuco da Fonseca, nascida em Alto Paraiso de Goiás, é artista multimídia e se utiliza de desenho, pintura, animação stop motion, relatos de sonhos e escultura.

Discente de Artes Visuais na UNB, Astróloga, Artista Visual e Arte-Educadora desenvolve sua pesquisa visual pela associação livre da forma e cor, pela exploração do Sub e Inconsciente e da esfera onírica. Seu trabalho procura descobrir uma estética fresca e infantil, brinca com a plasticidade sonora da palavra escrita e falada.

@coisasquesepassam

Pintura

Usualmente o processo de feitura dos trabalhos se dá de forma totalmente espontânea. Falando especificamente do trabalho “Intermitência”, ocorreu durante uma conversa virtual com outra pessoa. Depois de fazer alguns desenhos de aquecimento, eu comecei com o azul diluído e um pincel grande, depois, os pincéis foram diminuindo e a concentração de pigmento aumentando. As palavras me vieram, como lampejo, e ficaram imprimidas na mente, durante todo o processo, posteriormente foram se imprimindo no papel. Eu gosto de pensar que uma palavra contém também os sentidos não descobertos e virtualizados de quando são escritas “incorretamente”, como se fossem faces ocultas da palavra. A palavra “intermitência” em si não está escrita, mas ela é constante na experiência da própria leitura do trabalho, literalmente.

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Revista La Herida

Intermitencia 9/2020. Aquarela sobre papel reciclado. Dimensão: 12x24

Cecilia Bichucher Cecilia é artista visual e poetisa. Explora várias técnicas, como Aquarela, Colagem, Gravura e Bordado e desenvolve uma temática poética tanto na imagem como nas palavras. Nascida em São Paulo, é Bacharel em Artes Plásticas, com especialização em pintura pela Parsons School of Design – Nova York (1985 a 1989) e Licenciatura em Artes Plásticas (1986 a 1989) no Bank Street College. Trazida a Fortaleza em 89, vive; cria filhos, raízes, trabalha e expõe.

@ceciliabichucher

Pintura

Precisamos ainda falar sobre as mulheres… e todas as minorias. Através da sutileza da aquarela, exploro o figurativo num tema sensível a percepção do feminino.

Esta série aborda o tema de quando uma mulher se permitir, após ter que lidar com todas as cobranças externas e internas, estar sozinha. Diferente de como foi retratada na história da arte, ela não que ser desejada, idolatrada, questionada ou confrontada. Hoje, ela quer ter seu direito de ser, sem barreiras físicas e morais paternalistas ou machistas. Permito ao espectador compartilhar deste momento íntimo e particular. Através da aquarela reforço o caráter pessoal do trabalho, sem a necessidade de descrever minuciosidades, deixo a água penetrar o mais íntimo momento. A água é capaz de se fazer presente, sem alarde e sem perturbar o momento.

Série - Deixada Sozinha _ Aquarela sobre papel

Revista La Herida

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clara rego Clara, é natural de Porto, estudou cerâmica dos 14 aos 18 em Portugal, cursou o Superior de Banda Desenhada e Ilustração, em Guimarães. Aos 20, foi para Londres onde trabalhou e estudou Belas Artes, na University of East London.

Durante este período explorei maioritariamente a ilustração digital e serigrafia, assim como um pouco de instalação. De volta a Portugal, eventualmente, começou a trabalhar profissionalmente com azulejaria, durante 5, 6 anos, e no final deste período, montou aos poucos o próprio ateliê, onde retomou a prática de cerâmica. Durante a pandemia, se dedicou 100% à cerâmica e a enveredou também por trabalhos de cenografia e video-projeção da minha arte em peças de dança e teatro, e projetos de cerâmica com a comunidade. Formou nesse ano de pandemia uma associação cultural Selva, junto com Vinicius Ferreira, através da qual temos trabalhado com produção cultural, espetáculos de dança e performance.

www.clara-rego.com @e._.claire_

Pintura

A Arte de Clara está intrinsecamente ligada à criação artística, todas as expressões que explorou até agora, se consolidaram na cerâmica, que a permite imprimir toda sua experiência e conhecimento adquirido em sua trajetória. O seu foco é criar objetos únicos que tragam a fantasia, o lúdico e o surreal para ambientes comuns do cotidiano. Sua maior inspiração são os seres estranhos da natureza, insetos, texturas de répteis, vistas microscópicas, personagens de contos fantásticos e toda a estética que a transporta para o surreal. O seu lema é trazer um pouco de sonho para áreas, muitas vezes, mecânicas do dia-a-dia.

Revista La Herida

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Azulejo

Gabrielle 'Agah' Haddad

Pintura

Gabrielle ‘Agah’ Haddad, é de São Paulo capital. Bacharel em Artes Visuais com licenciatura; trabalhou com educativo/monitoria de exposições em museus e instituições culturais. É pós-graduanda em Arte-Terapia, sendo voluntária de uma ONG local. Participará da 1ª Mostra coletiva da Galeria Madá intitulada “O primeiro gole d’água”, uma exposição física e virtual.

Atualmente a artista, produz nas linguagens da pintura e colagem. Aprimorou-se em tinta óleo espatulada. A técnica é muitas vezes mista, assim mesclando materiais, superfícies, resultando na abstração da própria imagem. Há um caráter de velamento/camuflagem, mistura de tintas, texturas, recortes, traços com a utilização de cores variadas. Seu trabalho faz referência à estética surrealista, se apropriando do olhar onírico, das relações subjetivas acerca do automatismo psíquico. A elaborar por fim intuitivamente, quase como um arranjo processual. Hoje vive na cidade de Londrina.

https://gabrielleagah.wixsite.com/ portfolio gabrielleagah@gmail.com @gabrielleagah

A temática traz a simbologia onírica, dos sonhos, de pólos quentes e frios que se interligam como um todo. Por ser uma técnica com caráter mais abstrato, as formas propositalmente são amórficas, com traços soltos que se mesclam sem necessidade de realismo ou perspectiva exata. O olhar atento da personagem central se contrasta ao seu outro olho fechado, apagado ou obscuro feito uma visão perdida porém interna, que só consegue ser observada intuitivamente. Ela se aquece com a chama da vela em terras desérticas, mas sua mente flutua em ventos longe dali.

O processo não há referencias iniciais, sendo aos poucos finalizado. A principio com toques de tinta óleo com espátula e pinceladas, posteriormente os detalhes foram reforçados com giz pastel oleoso. Enfim foi inspirado em elementos da Natureza, na relação do corpo nesta guerra individual que enfrentamos, de pertencimento perante nossas raízes terrenas versus o espirito livre que voa sem rumo noite afora.

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Revista La Herida

“Menina Cacto-Lua-Vela-Pássaro”, tinta óleo espatulada e giz oleoso sobre tela 50x60cm. 2020.

Jully Gyeongmi

Pintura

JULLY GYEONGMI MA é uma artista sul-coreana residente em São Paulo e em Belo Horizonte e graduada em Artes Visuais pela Universidade Federal de Minas Gerais. Sua poética se encontra na fronteira entre várias mídias. A artista utiliza multimídias – pintura, artes gráficas, fotografia, escultura e performance, entre outras técnicas – para materializar o seu pensamento sobre o relacionamento entre desconhecidos, a conexão que eles fazem entre si e a essência que constrói um indivíduo. Ou seja, realiza pesquisas sobre o indivíduo em si mesmo. A artista utiliza o aspecto da superfície d’água e retratos na pintura; objetos lúdicos, brinquedos ligados à infância e embalagens de guloseimas são utilizados para projetos de fotografia e performances que representam sua pesquisa. Tudo isso, independentemente da técnica de criação dos projetos e obras, gera ligações entre pessoas de culturas diferentes através da empatia provocada por memórias semelhantes, o que constitui seu principal material de trabalho. Inserindo a vida das pessoas nas suas obras, ela tenta se comunicar com todos e, afinal, com a sociedade.

j.art.sensitivity@gmail.com https://jullysart.hotglue.me

Contemplar Pintura acrílica s/ painel 50cm x 40cm 2020

A obra é ‘Entre Eu e Você - Naquele lugar’. É um livro feito com meus textos do diário e minhas pinturas. Livro completo : https://jullysart.hotglue.me/Book

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Revista La Herida

Vivemos numa época em que a comunicação presencial diminui cada vez mais, em que cada um se encerra em seu próprio quarto, comunicando-se através das pequenas telas.

Quanto tempo se passou desde que você trocou algumas palavras com alguém?

Quanto tempo se passou desde que você sentiu solidão nessa sociedade?

Esse diário e as pinturas aqui apresentados foram feitos entre 2017 e 2020 em Belo Horizonte e em São Paulo.

Nos textos do diário, - como eu estou escrevendo uma carta para você a narradora transcreve meus pensamentos surgidos naquele dia, às vezes, também jogo perguntas no texto - ou para você - através da superfície d’água e do caráter dela para me comunicar comigo mesma, com você, com as pessoas ao nosso redor e mesmo com a sociedade.

Assim, através de imagens das pinturas e textos, é possível entender melhor a si mesmo e, finalmente, nos aproximarmos uns dos outros nessa sociedade fria.

Runa Rute Norte (Runa) é escritora e fotógrafa, ultimamente tem se dedicado à crónicas de viagem que podem ser vistas no seu website. Alguns dos seus quadros revelam episódios dessas viagens, viagens essas que normalmente são feitas em bicicleta, sozinha, em destinos por África, Ásia, América, Austrália e Europa.

Atualmente Runa faz mestrado em Pintura na Faculdade de Belas-Artes da Universidade de Lisboa.

www.rutenorte.com

A obra de um artista é uma espécie de diário – dizia Picasso. As pinturas refletem episódios que passam. Vidas e vivências expressas em tela, com tintas e pincéis. Os seus quadros tanto podem remeter para um episódio ocorrido numa viagem – uma memória – como podem falar de comidas, ou do gato que apareceu no telhado. Ou serem simples ideias e conceitos que passam no momento.

Pintura

Runa usa habitualmente acrílico no primeiro layer, e óleo nos seguintes. Complemento com pastel de óleo e barra de óleo. Por vezes desenho a lápis diretamente na tela, antes de iniciar a pintura; outras vezes parte diretamente para as pinceladas, aplicando tinta- em tela ou papel- com pincel, sem qualquer esboço prévio. Raramente pinta com espátulas. A pintura vai sendo construída com layers sucessivos. Ocasionalmente um primeiro e único layer basta. É raro mas acontece. Durante as pinturas realiza abundantes estudos antes de avançar, antes de dar algum passo decisivo, e utiliza o computador para planeamento.

Nem sempre escolhe as cores. Sem olhar, agarra num tubo de tinta ao acaso, dentro da caixa de tintas. A cor que vier, é a que será usada. Mas a cor que vier define qual o ponto do quadro que é pintado. Se vier a cor azul, talvez pinte a parte de cima. Se vier a cor amarela, talvez pinte a parte de baixo. Aqui é um processo intuitivo. Todas as cores são bonitas, e entendem-se entre si, é o olho humano que lhe dá mais valor ou não. E há muitos olhos humanos.

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“Like a Fish in the Water” Acrylic and oil on canvas 70 x 100 cm 2020

“Silver Tears” Oil, acrylic and oil stick on canvas 81 x 116 cm 2020

“Six fingers are better for holding a dog or a cat” Acrylic, oil stick and oil pastel on canvas 81 x 116 cm 2020

“In My Thoughts” Oil and acrylic on canvas 81 x 116 cm

Revista La Herida

“The Crying Caveman” (Winner of an open call and exhibited in Milan Design Week 2021) Acrylic and oil pastel on canvas 81 x 116 cm 2020

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Galeria de

Mulheres MulhereM

Artistas

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