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HISTORIA DEL ARTE PORTFOLIO Salva Sรกnchez Escuela de Arte San Telmo


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índice 1 2 3 4 5 6 7 8 9 10 11 12 13

La Prehistoria 2 Arte Egipcio 8 Arte Griego 14 Arte Romano 26 Arte Paleocristiano 38 Arte Bizantino 44 Arte Hispanomusulmán 52 Arte Románico 64 Arte Gótico 78 El Renacimiento 90 Arte Barroco 110 El Romanticismo 122 El Realismo 130


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el arte prehistórico Contexto histórico Conocemos como Prehistoria el tiempo que transcurre desde el inicio de la evolución humana hasta la invención de la escritura, durante este tiempo la arqueología es la única forma de saber cómo vivían nuestros antepasados más remotos. La Prehistoria se divide en cuatro períodos:

paleolítico (Piedra Antigua) - 780.000 – 10.000 a.C.

Durante esta etapa el hombre es pescador, cazador y recolector. Utiliza herramientas basadas en piedras talladas, hueso y palos. Lleva una vida nómada y comienza a utilizar el fuego. Se subdivide a su vez en: Paleolítico Inferior Paleolítico Medio Paleolítico Superior

mesolítico

(Piedra Media) - 10.000 - 8.000 a.C. En esta etapa nos empezamos a volver más sedentarios, debido al fin de las glaciaciones.

neolítico (Piedra Nueva) – 4.000 – 2.500 a.C.

Etapa marcada por el descubrimiento de la Agricultura. En esta etapa el ser humano descubrió la ganadería y la agricultura, aunque siguiera siendo cazador-recolector. Este hecho le permitió volverse sedentario y construir los primeros poblados, además de mejorar la calidad de sus herramientas y comenzar a desarrollar el tejido y la cerámica.

edad de los metales – 2.500 a.C. Que se dividen a su

vez en: Edad del Cobre Edad del Bronce Edad del Hierro En esta época se produce una especialización del trabajo, apareciendo los Jefes y más grupos sociales. Esto se sabe porque eran enterrados con sus respectivos ajuares. Se empiezan a ver manifestaciones artísticas como Dólmenes, Menhires… En Oriente Medio aparecen las primeras civilizaciones que terminarían por inventar la escritura en torno al 3.000 a.C.

Contexto Artístico Durante este período de tiempo, nos encontramos con diferentes representaciones artísticas que, en aquél tiempo tenían más una función mágica que estética. Tales representaciones son:

arte mobiliar

Consistente de objetos que podían ser transportados, tales como objetos personales, esculturillas de marfil y cerámica… Dichos objetos tenían en su mayoría funciones rituales o mágicas, eran llevados a los Agregation sites, lugares de intercambio cultural donde cada uno mostraba sus propios objetos y la función que tenían. Entre ellos destacamos las diversas representaciones de Venus en estatuillas o relieves en las que primaba la representación de la exhuberación de la mujer y la fecundidad, por eso eran representaciones femeninas anchas de caderas, con voluminosos pechos y prominentes vulvas (la mayoría de ellas sin pies, puesto que se piensa que se hincaban en la tierra durante los rituales). En ellas, el rostro quedaba relegado a un segundo plano y estaba, la mayoría de las veces, oculto.

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conclusiones

Son pinturas polícromas, independientes y superpuestas. No conforman escenas, representan a figuras estáticas, la figura humana es casi inexistente, se encuentran en lugares apartados (Santuarios).

arte rupestre levantino

Situamos estas representaciones artísticas en el Mesolítico. Son unas representaciones únicas, no se dan en ningún otro lugar del mundo excepto en la zona levantina española. Estas pinturas se encuentran en abrigos rocosos debido a que el hombre se vuelve sedentario y vive al aire libre. La pintura se vuelve monócroma (negro o rojo) y muy esquemática. Se representan escenas y no figuras aisladas, en su mayoría escenas domésticas, de caza, rituales o de danza. Tienen un valor narrativo de sus vidas, aunque también son de función mágica. Arte Mobiliar: Venus de Lespugue, Willendorf y Laussel, respectivamente

arte rupestre

El 90% de las manifestaciones europeas de arte rupestre las encontramos en la zona franco-cantábrica (cuevas de Lascaux y Altamira). Este arte se realizaba sobre las paredes de las cuevas cuando la glaciación comienza a desaparecer. Para llevar a cabo esta representaciones usan pigmentos naturales, caolín (cal usada para dar zonas blancas), sangre y grasas animales. El agente pictórico que usaban eran sus propios dedos, pinceles de pelo de animal, buriles, etc. Y se servían de las irregularidades de la roca para conseguir mayor volumen. Los temas que más representaban son: Animales (Caballos y Bisontes). Signos de carácter hermético, que aparecen solos o asociados (signos textiformes, puntiformes, zigzagueantes y aflechados). Manos en negativo (representando el orgullo de ser bípedo y tener las manos libres). La mayoría de las interpretaciones estaban asociadas a: Magia simpática (para propiciar las situaciones que se representaban). Sexual, donde el bisonte representa a la mujer y el caballo al hombre, según la teoría de Leroi Gourham.

Diversas escenas de representaciones de Arte Rupestre de la Escuela Levantina.

Diversos ejemplos de Arte Rupestre de las cuevas de Lascaux (Francia) y Altamira (España).


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La arquitectura megalítica

arquitectura ciclópea de las islas baleares

La arquitectura megalítica se desarrolló durante el Neolítico y la Edad de los primeros Metales. Se llama Megalitismo por las construcciones arquitectónicas con grandes bloques de piedra, estas construcciones son solo explicables gracias a la Revolución Neolítica, cambios económicos y sociales, introduciendo el descubrimiento de la agricultura.

Se desarrolla más tarde, durante la Edad de Bronce. Destacan: Talayot: Torre-vigía o atalaya de forma troncocónica con función defensiva y de almacenaje de alimentos. Taula: Pieza vertical sobre la que descansa otra horizontal a gran altura, de función ceremonial. Naveta: Debe su nombre a la forma de nave o barco invertido que tiene, fueron viviendas familiares.

MEGALITISMO ATLÁNTICO

Se extiende por toda Europa, la función de estas construcciones es funeraria, aunque también ritual o astronómica (Stonehenge), hablamos de: Menhires: Megalito único hincado en el suelo verticalmente cuya finalidad es fijar el alma de los muertos. Si aparecen en hileras se denominan Alineamientos, y si aparecen en círculo, Crómlech. Dólmenes: Formado por dos o más menhires sobre los que se apoya una losa horizontal, en el interior de los dólmenes se entierran a los fallecidos. Pueden ser simples, o de corredor y suelen estar cubiertos por túmulos de tierra. El proceso de realización comienza en la cantera, donde se extraían los bloques de piedra y eran transportados sobre rodillos al lugar elegido, donde se realizaba una excavación para después dejar caer los bloques verticalmente y enterrarlos. Los bloques horizontales eran cubiertos de tierra hasta arriba para poder subir la losa horizontal.

Naveta des Tudons

Alineamiento de Carnac

Talayot

Crómlech de Stonehenge

Dolmen de Dombate

Taula de Torralba

Tipología de Dólmenes Dolmen de Menga

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el arte egipcio La arquitectura egipcia La civilización egipcia se caracteriza por ser de carácter fluvial y base agraria, la vida de los egipcios gira en torno al Nilo y esto influye en su religión, organización y arte. El culto a los dioses y la vida de ultratumba son los temas principales de las manifestaciones artísticas egipcias. En Egipto, el faraón, además de ser el rey, estaba considerado como un Dios en la Tierra. Los períodos de la historia egipcia:

IMPERIO ANTIGUO: 2.600 – 2.100 a.C. IMPERIO MEDIO: 2.000 – 1650 a.C. IMPERIO NUEVO: 1.500 – 1.000 a.C. CONQUISTA POR ALEJANDRO MAGNO: 332 a.C. ÉPOCA PTOLEMAICA: 31 a.C.

CARACTERÍSTICAS DE LA ARQUITECTURA EGIPCIA

Construcción en piedra. Colosalismo. Predominio de masa sobre vano. Arquitectura arquitrabada, basada en líneas rectas. Columnas egipcias (elemento sustentante, pueden ser: loti-

Pirámide escalonada de Zoser

formes, papiriformes, campaniformes, y palmiformes).

arquitectura funeraria egipcia

Mastabas: El tipo más antiguo de enterramiento, la tumba de los primeros faraones, con forma de pirámide truncada. Pirámides, compuestas por: - La pirámide - Pirámides secundarias para familiares - Templo funerario - Templo del valle - Calzada procesional - Barcas solares - Recinto amurallado

Pirámide acodada de Snefru Mastaba de “El Faraun”

Conjunto funerario de Giza


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Evolución de la arquitectura funeraria egipcia

Hipogeos: Característicos del Imperio Nuevo, con moti-

vo de garantizar la inviolabilidad de las tumbas, se empiezan a excavar estas en las laderas de las montañas, añadiendo múltiples galerías y cámaras.

arquitectura religiosa: los templos

Templo de Luxor. Avenida de esfinges (Templo al aire libre)

Semiespeo de Hatshepsut (Templo en la ladera de una montaña)

Son otro tipo de edificio construido en piedra que debido a su importancia y carácter sagrado debían perdurar eternamente, servían como santuario para rendir culto a uno o varios dioses egipcios, o podían tener una función funeraria dedicado a un faraón muerto. Los clasificamos en: Templos al aire libre (exentos), como el templo de Luxor. Semiespeos: Templos mitad excavados en la ladera de una montaña, mitad al aire libre. Como el semiespeo de la reina Hatshepsut. Espeos: Excavados en la ladera de una montaña, como el Espeo de Ramsés II.

Los templos estaban constituidos por: -Una avenida de esfinges. -Un acceso entre dos pilonos y dos obeliscos. -Un patio descubierto (sala hípetra. Hasta aquí podía entrar el pueblo). -Una gran sala con columnas (sala hipóstila. A partir de aquí sólo podía entrar el faraón o los sacerdotes). -Una pequeña cámara sagrada. -Un lago sagrado. -Templos menores anexos. -Una muralla perimetral.

Sección de un templo exento


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La escultura egipcia La escultura egipcia tiene las siguientes características: - Hieratismo. - Jerarquización reflejada en el tamaño de las figuras. - Piedra como material. - Policromía, a pesar de una gama pobre de colores. - Suponían un soporte para el alma (ka). - Canon de los 18 puntos. - Ley de la claridad (ausencia de naturalismo en las representaciones). - Ley de frontalidad (un solo punto de vista). - Convencionalismos (la supremacía del difunto). - Idealización. - Falta de perspectiva. Los 3 órdenes arquitectónicos

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La pintura egipcia No es un arte independiente, estará supeditado a la arquitectura, usando temas de carácter religioso, festivos y cotidianos a modo narrativo. Se solía usar para decorar los muros y consistían en representaciones donde predominaban la frontalidad y el hieratismo, con una paleta pobre de color. Las características formales son las mismas que las de la escultura.

Libro de los muertos

Danzantes de la tumba de Nebamun

Barca de la muerte egipcia

Tumba de Nebamun


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griegos son: Dórico: caracterizado por una columna con fuste estriado, sin basa. Capitel formado por equino, collarino u ábaco cuadrado. El entablamento se divide en tres franjas, arquitrabe liso, friso con triglifos y metopas y rematando el entablamento, la cornisa. La proporción de las columnas es de seis veces el diámetro de su base. *FOTO ORDEN DORICO*** Jónico: Más esbelto que el dórico, su proporción es de nueve veces el diámetro de base, presenta un fuste con acanaladuras y una basa. El capitel tiene dos volutas y un entablamento dividido en tres franjas horizontales, friso corrido y cornisa. Este orden debe su nombre a las Jonias. *FOTO ORDEN JONICO*** Corintio: Es igual que el jónico pero presenta una proporción de diez veces el diámetro de su base, y hojas de acanto en lugar de volutas. *FOTO ORDEN CORINTIO***

La arquitectura griega

el arte griego La civilización griega La base de la civilización griega la encontramos en dos civilizaciones anteriores que habitaron la península griega: La civilización cretense y la micénica. Las ciudades griegas e llamaban polis, eran ciudades-estado donde sus habitantes tenían la conciencia de pertenecer a un mismo pueblo, pues realizaban competiciones atléticas, compartían creencias religiosas, etc. En algunas polis griegas como Atenas surgirá la democracia. A nivel cultural, la concepción del universo por parte de los griegos era la de una estructura geométrica y matemática, por ello el arte debía mantenerse fiel a esa

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estructura, respetando los principios de proporción y equilibrio. El secreto de la belleza radicaba en la armonía. El pensamiento griego es racionalista, lo que nos lleva a pensar que eran una civilización antropocéntrica. Las etapas de la civilización griega son:

Arcaica (VIII – VI a.C.) Clásica (V – IV a.C.) Helenismo (Reinado de Alejandro Magno – Conquista romana).

La arquitectura griega tiene las siguientes características: - Es adintelada, elementos horizontales descansan sobre elementos verticales. Se realiza en piedra. - Era policromada, aunque hoy día se hayan perdido los colores. - Busca una armonía visual basada en las matemáticas, con refinamientos ópticos si hacen falta. - Proporción, medida y equilibrio. - Basada en la escala humana Estos elementos dan lugar a la creación de los órdenes arquitectónicos, un conjunto de reglas a la hora de construir edificios (generalmente templos). Buscan la proporción y la armonía de los edificios. En un templo, los elementos principales de su fachada son: - Pedestal o crepidoma: Consistente en un basamento escalonado donde se sitúa el edificio.

Los escalones inferiores se llaman estereóbatos y el superior estilóbato. - La columna suele ser estriada y con acanaladuras, en su parte superior se sitúa el capitel, y en la inferior la basa. - El entablamento reposa sobre el capitel, formado por arquitrabe, friso y cornisa. Encima del entablamento se sitúa el frontón triangular.


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el teatro

Los 3 órdenes arquitectónicos griegos son:

La acrópolis de Atenas Es el ejemplo más perfecto de la arquitectura clásica, es el recinto sagrado de la polis de Atenas, había sido destruida hacia el 480 a.C. durante las Guerras Médicas con los persas. Pericles empezó su reconstrucción en la segunda mitad del siglo V.

Dórico: caracterizado por una columna con fuste estriado, sin basa. Capitel formado por equino, collarino u ábaco cuadrado. El entablamento se divide en tres franjas, arquitrabe liso, friso con triglifos y metopas y rematando el entablamento, la cornisa. La proporción de las columnas es de seis veces el diámetro de su base.

Jónico: Más esbelto que el dórico, su

proporción es de nueve veces el diámetro de base, presenta un fuste con acanaladuras y una basa. El capitel tiene dos volutas y un entablamento dividido en tres franjas horizontales, friso corrido y cornisa. Este orden debe su nombre a las Jonias.

el templo

Se construye siguiendo los órdenes arquitectónicos, en él se alberga la figura del Dios. Suelen tener una planta rectangular dividida en pronaos (pórtico) naos (donde se sitúa la estatua del Dios) y Opistodomos (parte posterior). Todo edificio se cubría con un tejado a doble vertiente. Según el número de columnas, nos podemos encontrar los siguientes templos:

Templo de Atenea Niké: Pequeño templo de orden jónico anfipróstilo y tetrástilo. Se dispuso construirlo con el tratado de paz de los persas.

Corintio: Es igual que el jónico pero

presenta una proporción de diez veces el diámetro de su base, y hojas de acanto en lugar de volutas. Se accede a ella a través de la Vía Sacra o de las Panateneas, que desemboca en los Propileos. En el interior de la acrópolis encontramos edificios como el Partenón, el templo de Atenea Niké y el Erecteion:

Propileos: Doble pórtico rectangular cuyos frentes son hexástilos de orden dórico. Se adapta perfectamente a las irregularidades del terreno.

Tipología de edificios griegos Los edificios griegos de mayor importancia son el templo y el teatro.

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Es un conjunto arquitectónico destinado a las representaciones dramáticas, se suele situar en una colina inclinada y consta de varias partes: Graderías: Gradas que se apoyan en la falda de la colina, se desarrollan en más de medio círculo. (A) Orchestra: Espacio circular en el centro para acoger a los coros. (C) Skenae: Escenario. (B)

Según la disposición de las columnas: In antis (dos columnas entre los muros de la pronaos). Próstilo (delante). Anfipróstilo (delante y detrás). Perípetero (rodeando el templo). Pseudoperíptero (rodeando el templo, adosadas a la pared). Díptero (rodeado de una doble columnata). Monóptero (tholos, de planta circular).

Erecteion: Edificio de gran originalidad en la arquitectura griega debido a que se tuvo que adaptar a las irregularidades del terreno.

Dístilo (2) Tetrástislo (4) Hexástilo (6) Octástilo (8) Decástilo (10)

tholos


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Partenón: El templo más importante de la Acrópolis, se

realizó en el 447 a. C. momento de esplendor de Pericles, en su ejecución intervinieron Ictinos, Calícrates y Fidias. Se trata de un templo dedicado a la diosa Atenea Parthenos, fundadora de Atenas, es dórico, octástilo y períptero. La cella está dividida en dos naves por una columnata dórica. El opistodomo es un cuadrado con cuatro columnas jónicas, siendo uno de los primeros edificios en mezclar órdenes. Está pensado para ser visto oblicuamente, pues tiene correcciones de perspectiva como el espacio entre columnas o curvatura en las esquinas del estilóbato. Los elementos decorativos que tiene son:

- En las metopas: Relieves sobre Gigantomaquia, Centauromaquia, Amazonomaquia y Troyanomaquia. - En el friso vemos una procesión religiosa en honor a Atenea (procesión de las panateneas), donde las mujeres les llevaban ofrendas a la diosa. - En los frontones tenemos el nacimiento de Atenea por un lado y la batalla con Poseidón por el otro lado.

El helenismo Se inicia con la muerte de Alejandro Magno y termina con la Conquista de Grecia por Roma. Es una época de expansión de las fronteras griegas, haciendo que la cultura se extienda por amplias regiones.

la arquitectura helenística

Como características podemos destacar un mayor colosalismo, suntuosidad y enriquecimiento de los edificios, los órdenes pierden su rigidez y se hacen muchos cambios en ellos, mezclándose distintos materiales. Se dará importancia a los edificios concebidos para uso y disfrute público, como el teatro.

Planta del Partenon

Teatro de Epidauro

Vista oblicua del Partenon

Estatua crisoelefantina de Athenea Parthenos

Altar de Zeus en Pérgamo

La escultura griega Constituye la manifestación artística más importante del arte griego. Se han conservado pocos originales, la mayoría eran copias romanas. Esta escultura estaba policromada. La escultura griega se centrará en:

Características y elementos formales: El relieve: Según su grosor puede ser alto (si las figuras resaltan sobre el plano más de la mitad); medio (si sobresalen la mitad) y bajo (si sobresalen menos de la mitad de su grosor).

La conquista del movimiento. La conquista del realismo

Relieve en frisos del Partenon Procesión de la panateneas

El bulto redondo: Escultura exenta, trabajada mediante la

talla en piedra o fundida en bronce con la técnica de la cera perdida. Materiales y técnicas: En principio se usaba la madera, que será sustituida por la piedra. También usaban el bronce para la técnica de la cera perdida, dichas esculturas de bronce tenían piedras preciosas, esmaltados, togas… Relieve de Centauromaquia

Adecuación de los relieves al frontón triagular

Escultura de Poseidon en bronce


Korai

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Instrumental: Hasta el siglo V sólo se usará el cincel y la

maza, por ello las esculturas anteriores serán bastante rígidas, sin el principio de diartrosis, carentes de movimiento totalmente. A partir del siglo V las esculturas van adquiriendo movimiento, expresión, detallismo… Temas: Predominio de la figura humana, se idealiza al hombre en una belleza no real, haciendo pasar al hombre, a través de la razón por la perfección física y un equilibrio espiritual, por este motivo las esculturas suelen ser inexpresivas. El ARS (acción) mejora la naturaleza mediante la TEKNÉ (técnica). Para esto se rige un canon, un sistema de relaciones matemáticas entre las diferentes partes del cuerpo, una especie de regla de proporciones que asegure la representación perfecta. El Liebo de Antíctera Para llegar a esta representación, la figura evoluciona en estos cuatro aspectos: La belleza, idealizada. La expresividad, un paso más, como exteriorizado. Fusión entre físico y espiritual. El movimiento, ganando viveza muscular. El volumen frente al planismo de la escultura anterior. Se buscan diferentes puntos de vista, se cuidan las perspectivas.

períodos de la escultura griega

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Significa “muchacha”, mantienen las características compositivas y expresivas de las masculinas, pero aparecen vestidas con largas y ceñidas túnicas. Suelen tener una mano libre y la otra en la cadera, el pelo se recoge en trenzas geométricamente ordenadas.

Transición al Clasicismo: Comienza a abandonarse la rigidez, brazos separados del cuerpo y piernas dobladas, giro de la cabeza para destruir la simetría y la utilización del bronce permite hacer posiciones distintas, pero su expresión sigue siendo ausente (sofrosyne). Comienza a aparecer el contraposto, posición que deja todo el peso del cuerpo en una pierna dejando la otra flexionada, mientras que los brazos hacen lo contrario que las piernas, en busca del equilibrio. Es un camino hacia el movimiento. Además también aparece el principio de diartrosis (cómo insertar las extremidades inferiores y superiores al tronco de forma que no parezcan maniquíes o robots) Korai del Peplo

ARCAICO (VIII – V a.C.) CLÁSICO (V – IV a.C.) HELENÍSTICO (III – II a.C.) PERÍODO ARCAICO Características: - Escultura de tamaño natural. - Predominio de la figura humana. - Desnudo masculino como exaltación de la belleza física y mental, las femeninas aparecen vestidas, pues se considera la línea curva como algo negativo y la recta como algo positivo, fluidos femeninos negativos y masculinos positivos. (1º desnudo de la Hª del Arte: La amante de Praxíteles). - Escultura con carácter sagrado, serán esculturas de atletas que pasarían a ser “dioses” o “semidioses”. Las korai serán sacerdotisas. - Influencia orientalizante, sobre todo egipcia. - Figuras representadas: Kuros y Korai. - El material utilizado es la piedra calcárea y el mármol.

Jinete de Artemisón

Kuroi Significa “muchacho”, son atletas divinizados por haber acumulado victorias o realizar algo extraordinario. No representan a nadie en concreto, son héroes. Mantienen los convencionalismos de los períodos anteriores (frontalidad, rigidez, abstracción geométrica, quietud, ejes de simetría muy rígidos, estatua bloque, hieratismo…) Son estatuas votivas (ofrenda).

Moscóforo

Auriga de Delfos Kuros Guerreros de Riace

Caballero Rampin


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SEGUNDO CLASICISMO (Fuerte empuje hacia el naturalis-

ESCULTURA CLÁSICA Primer clasicismo (Mirón, Fidias y Policleto) – V a.C. Segundo clasicismo (Paraxíteles, Escopas y Lisipo) – IV a.C.

mo, temas religiosos se vuelven cotidianos, los dioses se humanizan y aparecen nuevos prototipos de belleza ideal).

Praxíteles

Se busca la belleza física y espiritual, se siguen haciendo estudios matemáticos dando lugar a un canon ideal. Se consigue naturalismo en la anatomía, armonía de las partes y del todo y contraposto, evitando la simetría. En los relieves, el cuerpo se adapta a la forma, como por ejemplo en el friso del Partenón. Temas representados: Dioses y Héroes.

Trabaja en mármol y bronce, representa a dioses como hermosos seres humanos, sus estatuas transmiten emociones líricas (Charis), presentan un modelado suave Sfumato, el cabello se abulta más, con mayor claroscuro, aparición de la Curva Praxiteliana (disposición amanerada de las figuras), trabaja el mármol como si fuera carne (calidades matéricas), creando texturas blandas y poco definidas y dando cierta femineidad, introduce el erotismo con dosis de picardía y humor. Algunas obras suyas son: Hermes con Dionisios niño, Apolo Sauróctono (Apolo matando a un bicho de la oscuridad, mas afeminado que Hermes aún), y Venus de Cnido (Representa a la diosa del amor saliendo del mar, con un atractivo claramente erótico, no vulgar. Se considera el primer desnudo femenino individual del arte griego).

Mirón Broncista. Discóbolo representa a un atleta justo en el momento de lanzar el disco, la postura no es forzada sino armoniosa, dos curvas se combinan, una que une las dos manos y cuyo centro está en la cabeza, y la otra que va desde la cabeza a la rodilla. Constituye un estudio del movimiento contenido, pero no afecta a la serenidad e inexpresión del rostro, que junto al cabello resultan arcaicos.

Venus de Cnido

Hermes con Dionisios

Escopas

Discóbolo

Escultor por antonomasia del Pathos, inicia un interés por el dolor, la exploración de los sentimientos, expresándose a través de gestos alterados, tensión en las figuras, desequilibrio. Sus obras se han perdido casi todas. Destacamos la Medane Danzante, con la cabeza inclinada hacia atrás, el torso totalmente torcido, actitudes violentas en la composición corporal: Los ojos hundidos, la boca entreabierta, los ropajes aparecen movidos por el viento y las figuras siguen un esquema de S, para generar mayor tensión).

Fidias Escultor clásico por excelencia, influyó en todo el arte de su época. Destaca por su técnica de los paños mojados (dejar caer tejidos de manera que se entrevea la anatomía), flexibilidad en las representaciones (sensación de vida interna) y llenas de nobleza por la contención (sofrosyne). Combina distintos planos de relieve para mejorar el efecto de perspectiva. Algunas de sus obras son: Atenea Partenos, Atenea Lemnia, Zeus de Olimpia, relieves del Partenón.

Frontón del Partenon, escultura crisoelefantina de Anthenea Partenos y Metopa de Centauromaquia Medane Danzante

Policleto

Lisipo

Broncista, trabaja el principio de diartrosis, el contraposto y la belleza objetiva, que reside en la proporción en base al canon de las 7 cabezas. Algunas de sus obras son: - Doríforo: Atleta que porta una lanza, es el ejemplo más claro de su canon. El autor no se preocupa por la expresión de los sentimientos ni por la naturalización del cabello. - Diadúmenos: Representa a un artista que se ata una cinta a la cabeza, rompe la rigidez de la postura propia del arcaísmo con un esquema en forma de X. - Amazona del capitolio. Doríforo

Técnico, no le importaba el sentimiento en su obra, con enorme variedad de puntos de vistas, intenta superar el canon de Policleto, alargando la figura a 8 cabezas, es uno de los primero retratistas antes de las máscaras mortuorias romanas. De sus obras destacamos: - El Apoxiómeno (Atleta quitándose la grasa y sudores de los brazos, en contraposto, con un canon más largo y (algo nuevo) avanzando los brazos al espectador. Es una obra realizada para ser contemplada desde diversos puntos de vista. - Hércules Farnesio: Muestra a un héroe con una piel de tigre bajo el brazo cansado, pensativo.

Diadúmenos Apoxiómeno

Hércules Farnesio

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Escuela Ateniense o Neoática 24

Discípulos de los escultores del período clásico (Praxíteles, Escopas y Lisipo), copian los modelos clásicos del siglo V y IV (Venus de Diodalsas) y retratan personalidades filosóficas del momento (Sófocles, Séneca, Demóstenes…)

ESCULTURA HELENÍSTICA (SIGLOS III – II a.C.) Destacan cuatro escuelas:

Atenas (neoática) Alejandría Pérgamo Rodas

Características generales: - Surgen escuelas individuales artísticas. - Progresivo realismo, mentalidad más escéptica. - La naturaleza como modelo para el arte. - Temas patéticos y crueles. - Actitudes dramáticas en los dioses tradicionales. - Alegorías: ríos, ciudades con forma humana. Los momentos de crisis mayor es cuando la mentalidad del ser humano se agudiza y resurge un arte mayor. El período Helenístico va desde la muerte de Alejandro Magno (323 a.C.) hasta la conquista de Grecia por Roma. Sus características se pueden expresar a través de la crisis de las polis, que deja un marco en el que el hombre se educa en unos valores individuales.

Frente al idealismo clásico se produce una reacción realista que lleva a la representación de lo grotesco. Los temas son amplios y variados, temas tradicionales tratados con mayor dramatismo o temas más vulgares (naturalistas). Existe una preocupación por el movimiento, las figuras se retuercen y adoptan actitudes de gran patetismo. Buscan el volumen y la multiplicidad de puntos de vista. Finalmente, frente a la unidad de estilo aparecen nuevas escuelas.

Escuela de Alejandría Sincretismo, combinación entre elementos egipcios y elementos griegos. Escuela que sigue las directrices de Praxíteles, con tendencia a lo grotesco dada la reproducción de personajes enanos. Además reproducirán alegorías, como el río Nilo y sus afluentes.

Escuela de Rodas

Niño de la espina

Hermafrodita

Niño de la Oca

Seguirá a Lisipo, escultor de Alejandro Magno, en busca de un movimiento exacerbado. - Laoconte: Realizado por Agesandro, Polydoro y Athenodoro. Inspirado en un sacerdote que desaconsejó la entrada en Troya del caballo de madera. Se trata de un solo bloque de mármol de dramatismo. Es un modelo de mártir cristiano que inspiró a Miguel Ángel. La musculatura del padre en contraste con los hijos. Postura retorcida y diagonal. - Victoria de Samotracia, con un perfecto estudio anatómico, plasma perfectamente el movimiento, la forma de “cortar el aire” que tiene la proa de un barco.

Escuela de Pérgamo (Asia Menor) Monumentalismo, debido a un momento de tensión política. Esta escuela será la número 1 en representación de situaciones críticas y patéticas, con gran interés por lo etnográfico (personajes exóticos). Temas como la muerte se tratan heroicamente. Algunas obras son: - Gálata Moribundo. - Torso de Belvedere. - Venus de Milo.


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el arte romano Introducción El arte romano se caracteriza por ser un arte ecléctico, se trata de un arte práctico, en busca de la utilidad; propagandístico, pues está al servicio del emperador y servía como medio de difusión de su poder. Además, lo instauraban en todos los pueblos que conquistaban. La arquitectura romana determina tres principios que se siguen estudiando hoy en día: Venustas (Belleza estética). Utilitas (Funcionalidad). Firmitas (Solidez).


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La arquitectura romana Tenemos que destacar una serie de revolucionarias novedades en la Arquitectura: Hormigón (opus caementicium) Era barato de producir, permitía construir con rapidez, poco coste y eficiencia. Era un material pobre que normalmente había que enmascarar. Piedra (a veces mármol) generalmente para monumentos. Ladrillo (opus latericium) Distinto tamaño y disposición, de gran ligereza. Para realizar grandes edificios en poco tiempo hacían castillos para construcciones. Además, introdujeron algunas innovaciones respecto a los elementos sustentantes:

Además, construyeron vías, puentes, acueductos y cloacas. Éstas últimas eran impermeabilizadas con betún para que no se filtraran las aguas fecales por las paredes, aun así… No debía de oler muy bien en Roma.

Muros. Columnas y pilares: Se mantienen los órdenes clásicos y se

inventa el Orden Toscano (Dórico con basamento y fuste liso) y el Orden Compuesto (mezcla del Jónico y del Corintio). Además se superponen los órdenes según la planta del edificio. Entablamento Adintelado: Cubiertas a dos aguas. Techumbre abovedada: Usando arcos de medio punto, bóvedas de cañón, anulares y de media naranja.

Ábsides. Combinan lo estático (una cubierta arquitrabada) con lo dinámico (la curva de un arco de medio punto, que además hace de “refuerzo” en la construcción).

tipos de bóvedas: De cañón. Arista. Anular. De media naranja .

Vía romana

(Arriba) Cloaca romana - (Abajo) Acueducto de Segovia (foto de época)

grandes construcciones

La organización de las ciudades se basa en el plano Hipodámico griego, una construcción ortogonal basada en el campamento militar romano previo a la conquista de la ciudad. (Calle de Norte a Sur “CARDUS”; Calle de Este a Oeste “DECOMANUS”) En la intersección de ambas calles principales queda el FORO, la plaza principal. Cerca de éste estarán todos los edificios para uso y disfrute del ciudadano (termas, basílicas, etc.).

El foro romano es una construcción propagandísti-

ca que encargaban los emperadores romanos como muestra de su poder, todos tienen en común una serie de elementos: Una estatua ecuestre en el centro de un pórtico rodeado de columnas y con 4 puertas (para que el ciudadano pudiera entrar por todas ellas), la Basílica (lugar donde se impartía justicia y con una función comercial), etc.

Foro romano

Los templos seguirán siendo el hogar del Dios y los rituales se realizarán fuera. Serán construcciones más estilizadas que las griegas, con menos detalles y relieves que además irán sobre un pedestal la gran mayoría. El paradigma del templo romano es el Panteón. Templo romano


Panteón: Edificio que aúna una planta rectangular con una circular mediante un espacio de transición, estaba dedicado a los 5 planetas, al Sol y a la Luna. La parte circular del edificio está divida en un tambor con tres líneas de imposta, que sostendrán una bóveda de media naranja que presenta un orificio (óculo) en su parte superior central por la que entra la luz. El Panteón fue construido para ir ubicado en una plaza. En su interior combina diferentes materiales pétreos de gran riqueza, y lo lineal con lo curvo, otorgándole así mayor dinamismo. Combinarán elementos constructivos griegos (frontones, cornisas) con otros romanos. La cúpula está horadada con casetones para aligerar su peso, estos casetones van disminuyendo de tamaño hasta llegar al óculo. Los empujes se reparten gracias a estos casetones hasta llegar a los pilares.

edificios de recreo

(Termas, teatro, anfiteatro y circo)

Termas: Tenían varias plantas (frigidarium, Caldarium

y Trepidarium), además tenían bibliotecas (una griega y otra latina), teatro y zonas para fomentar las relaciones de los ciudadanos. Funcionaban con un sistema de calderas subterránea. Teatro: No aprovechan la ladera de una montaña como los griegos, levantan un muro y sujetan las gradas por un sistema de túneles. Cada arco de medio punto forma una bóveda de cañón que llega hasta la Cávea y encima de cada bóveda construyen los asientos. Estas gradas están vinculadas por pasillos que se llaman Vomitorios. La orquesta es semicircular, puesto que le daban menos importancia a la música y al coro, en beneficio de la interpretación. El escenario es rectangular y está decorado.

Termas de Caracalla

(Izquierda) Teatro de Mérida - (Abajo) Teatro de Itálica


Anfiteatro: Es elíptico y estaba formada por la unión de

dos teatros, cada planta presenta un orden arquitectónico clásico distinto. Primero dórico, jónico y corintio. En un nivel subterráneo, presentaba sistemas de poleas que abrían trampillas para las bestias durante los espectáculos. A veces, incluso, el suelo del anfiteatro era anegado de agua para representar batallas navales (Naumaquia).

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Coliseo Romano, el anfiteatro por excelencia.

arquitectura civil

La Basílica: Con función legislativa y función comercial. Edificio de invención romana totalmente rectangular. En la cabecera se sitúa el ábside. En el año 313, gracias al Edicto de Milán por el emperador Constantino I, el Cristianismo se legalizó, y los cristianos tomaron la basílica como modelo de edificio para sus celebraciones religiosas. Las Villas Romanas: Situadas en las proximidades o afueras de la ciudad, eran grandes casa con patios centrales de dos plantas, tenían muchas habitaciones, pocas ventanas y gran decoración y lujo (equivalente al cortijo andaluz). El patio central se llamaba Atrio, en el cual había un “estanque” que recogía el agua de lluvia llamada Impluvium. En el tejado del atrio está el Compluvium. Desde el patio salen las habitaciones de las cuales la más importante es el comedor, llamado Tablinium, decorado con mosaicos. En la parte trasera estaba el jardín, llamado Hortos. Las Villas situadas céntricas, en la ciudad, se llamaban Domus, caracterizadas por una fachada muy austera, sin apenas ornamentos y escasas ventanas. Insulae: Eran las casas romanas, a modo de pisos y con varias plantas. Estaban separadas por tabiques de madera, lo cual era peligroso en caso de incendio. El primer piso era como un almacén, que también se aprovechaba para fines comerciales. A partir del segundo piso construían la vivienda.

Basílica de Majencio

Villa Romana

Circo: Lugar don-

de se celebraban las carreras de cuadrigas, de gran tamaño y planta elíptica, podía acoger hasta 200.000 romanos (es el caso del Circo Máximo).

Circo Máximo

Insulae Romana

Insulae Romana


edificios conmemorativos romanos

La escultura romana

encargado por el emperador Augusto para celebrar la paz y la unificación del imperio. Esta realizado en mármol de Carraca y lleno de relieves vegetales y conmemorativos que hablan del proceso de unificación llevado a cabo por Augusto. En su interior hay un altar para realizar sacrificios.

Monarquía 753 - 509 a.C. República 509 – 27 a.C. Imperio 27 a.C. – 476 d.C.

Altares: Ara Pacis. Pequeño altar de planta rectangular

Es un arte ecléctico, propagandístico (del poder del emperador) y pragmático, pues es un mero vehículo por el cual canalizar los ideales políticos del Estado, debe ser propaganda del Poder. La escultura romana estará realizada en su mayoría por artistas griegos, esclavos o emigrantes, que realizarán numerosas copias de obras griegas para las colecciones privadas de los patricios y jardines de las villas. Se produce una importación del arte griego, convirtiéndose Roma en la sede más importante del Helenismo. El carácter romano realista y práctico prefiere lo específico y lo actual, y llevan al gusto el retrato individualizado, frente a la generalización. Los géneros de mayor desarrollo serán el relieve histórico y el retrato, realizado en materiales como mármol y bronce.

el retrato romano

Ara Pacis

Arcos del triunfo: Conmemora la victoria del emperador, en un principio eran de madera pero luego se realizaron en piedra, tienen base rectangular y varias alturas, la primera es donde se sitúan los arcos, de 1 o 3 vanos. La parte superior llamada ático es donde se sitúan las inscripciones y relieves que definen el motivo de construcción de dicho arco. En las bóvedas que generan los arcos se crean casetones o exedras. El arco de Tito combina una estructura adintelada con una abovedada, algo que da más firmeza y equilibra dinamismo y estatismo. Narra la conquista de Jerusalén y la entrada triunfal de Tito en Roma después de ella. El arco de Constantino, de 3 vanos y con características constructivas similares al de Tito. Columnas conmemorativas: Tienen la misma función que el arco, con el aspecto de una columna sustentante pero de mucha mayor altura. Presenta un relieve de forma helicoidal ascendente que van narrando las historias de las conquistas del emperador. Tiene varias funciones: Conmemorativa, funeraria e indica la altura de la colina antes de rebajarla.

Arco de Tito

Motivado por el interés de los romanos por inmortalizarse y que los familiares recordasen a sus difuntos para honrar su memoria. Tiene su origen en las “imágenes maiorum” de cera, pasarán a la arcilla y finalmente al mármol. Las primeras imágenes reproducían únicamente de la cabeza al cuello y en el S I d.C. el busto se amplió al pecho y los hombros. A mitad del S. II d.C. son de media figura, sedentes, en pie o a caballo. Los retratados aparecen como si estuvieran vivos (pues los romanos eran supersticiosos y no les gustaba mencionar la muerte), incluyendo virtudes y defectos, sin idealizar al personaje (representación naturalista).

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En la época imperial se impone el retrato que homenajea al emperador y su familia, exaltándolos como autoridad máxima y realizando copias para distribuirlas por todo el imperio. Realizaban esculturas de cabezas de los emperadores que iban sustituyendo por las cabezas de los emperadores antiguos, así se ahorraban tiempo y dinero. Estos retratos de personajes poderosos tienden más al idealismo que los anteriores.

Período Republicano. La mayoría de los artistas son griegos, que trabajaran bajo las directrices del arte romano, se representarán personajes públicos y privados, con rostros expresivos, enérgicos, fuertes, decididos… poniendo en manifiesto la personalidad del retratado. El busto será corto y a veces triangular, bastante planitud en las representaciones, extremado realismo y estaban realizados en bronce o en piedra policromados.

Columna Trajana

Retrato de Bruto

Patricio romano con los retratos de sus antepasados Arco de Constantino


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Período Imperial

El relieve histórico

El retrato se idealiza buscando la grandeza del personaje, esa trascendencia divina que se le atribuía al emperador. Era una idealización sin que se perdieran los rasgos más característicos del personaje. El prototipo se fija durante el reinado de Octavio Augusto. Encontramos tres tipos de retrato: - Imagen togata, con toga. Busca resaltar la idealización en el rostro. - Imagen thoracata, como jefe militar o cónsul, con indumentaria militar. Por ejemplo: el Retrato de Augusto de Prima Porta. El original era en bronce, pero el que se conservó fue uno en mármol policromado con colores naturales, toma como modelo el Doríforo de Policleto, tiene el brazo derecho extendido, arengando a las tropas, la coraza está llena de relieves alusivos a la paz augusta y en la parte interior hay una figura infantil sobre un delfín, alusiva al origen divino de la familia Julia. - Imagen apoteósica, heroizado o como divinidad, desnudo, con corona de laurel y el atributo de algún dios, como el de Claudio divinizado. Retratos ecuestres, donde se representaba el carácter militar de los emperadores. Aunque eran muy abundantes y solían presidir los foros, han desaparecido casi todos y sólo se conserva uno, el de Marco Aurelio (El sabio). Fue el último de los llamados 5 buenos emperadores romanos, es considerado como una de las figuras más representativas de la filosofía estoica. Este único retrato se encuentra en Roma y está hecho en bronce. Posteriormente, serviría como modelo de todos los retratos ecuestres desde la Edad Media hasta el S. XX.

Era utilizado en los monumentos conmemorativos romanos, tenía carácter alegórico, mitológico, pero sobre todo, histórico. Se trata de relieves narrativos normalmente policromados que estacarán por su alto nivel técnico, con un modelado preciso y gran detallismo. Se solían realizar para conmemorar una victoria, con carácter propagandístico. En ellos había una capacidad perspectiva. Las figuras en primer plano aparecerán en altorrelieve, más sobresalientes, mientras que la del segundo y tercer plano aparecerán en medio y bajo relieve respectivamente. Esto crea un orden jerárquico de las figuras con las más importantes delante. Hay un ritmo compositivo a la hora de plasmar los distintos personajes, relacionándolos unos con otros y llegando numerosas veces al Horror Vacui. Los tres mejores ejemplos de relieve histórico romano los tenemos en: - El Ara Pacis: Altar realizado en el 13 a.C. para conmemorar la paz tras la guerra de las Galias y de Hispania. En él aparece una magnífica procesión, en la que se encuentran Augusto con su familia, cortesanos, etc. - El Arco de Tito se realizó en el 81 d.C. para conmemorar la victoria del emperador sobre el pueblo judío; en uno de los relieves vemos al emperador triunfante entrando en la ciudad. En el otro relieve se ve el momento en el que el ejército entra en la ciudad con los símbolos que han tomado al pueblo judío. - La Columna Trajana, realizada en el siglo II, narra las guerras frente a los dacios (actuales rumanos). La columna estaba coronada por una estatua de Trajano, todo el fuste está decorado con relieves en sentido helicoidal, continuo e histórico-narrativo.

Augusto de Prima Porta

En el relieve también se advierte una evolución: se pasa del Estilo Pictórico, de modelado y realismo plenamente conseguidos, con varios planos, etc., a los ejemplos de fines del Imperio, de estilo hierático en los que las figuras, frontales y rígidass, se yuxtaponen. Estas carcterísticas serán la base del arte cristiano, que está a punto de surgir.

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Relieves columna Trajana

Relieves arco de Tito

Retrato ecuestre del emperador Marco Aurelio

Augusto Pontifex Maximus

Emperatriz Livia, esposa de Augusto y modelo de esposa romana.

Las manifestaciones pictóricas eran menos comunes, destacamos La Villa de los Misterios (arriba) y el Retrato del Panadero Próculo y su esposa (abajo). Ambos encontrados en Pompeya.


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el arte paleocristiano Durante los dos primeros siglos de su existencia, el cristianismo se tuvo que enfrentar a un clima de hostilidad que derivó en violentas acciones anticristianas como las del emperador Nerón y en la aparición, ya a comienzos del siglo III d. C., de los primeros edictos imperiales contra el cristianismo que provocaron las célebres persecuciones. Estas persecuciones se pueden interpretar como un mecanismo de defensa de un Imperio Romano en crisis que intentaba rescatar las tradiciones religiosas romanas para frenar la expansión cristiana que suponía una radical renovación.

Antes del 313 – Arte marginal con carácter popular Después del 313 – Arte imperio romano-cristiano Es el arte de los primeros cristianos, hasta la caída de imperio romano. Es un arte que no invirtió en formas nuevas, con raíces en el mundo romano y oriente.Se trata de un arte clandestino, que, a pesar de la creencia popular, no se reunían en las catacumbas a orar.

Éstas eran tumbas con pinturas donde se forjó la iconografía cristiana, con elementos muy simbólicos: - Paloma, pavo real, espiga, vid y pez. - Episodios del Antiguo y Nuevo Testamento. - Cristo el Buen Pastor / Maestro. - Virgen como madre. - Iglesia como figura orante que reza por todos. Tras el Edicto de Milán se legaliza el Cristianismo como religión oficial, pero no es hasta el 380, con el Edicto de Tesalónica que no se convierte en la religión oficial del imperio. El período entre un edicto y otro se caracteriza por la existencia de libertad religiosa y la creciente expansión del Cristianismo, recuperándose la Basílica romana (tribunal de justicia - Dios es justo) como edificio de culto cristiano.


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Expresiones artísticas anteriores al Edicto de Milán

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El primer arte cristiano es un puente entre dos culturas, la clásica de la antigüedad y la cristiana medieval, con un fin estrictamente religioso y una adaptación de los temas antiguos paganos a los nuevos contenidos religiosos. Tiene un fuerte carácter didáctico y pedagógico, mostrando la religión como algo que libera y el cristianismo como medio para adoctrinar a los fieles. Sigue la línea marcada por el arte romano, con tendencia a la esquematización conceptual. Es un arte anticlásico, con gran contenido simbólico y expresivo. Presenta una narración clara y concisa, importa su significado y para ello recurre a símbolos, que dota de un significado cristiano. La simbología cristiana comienza unificando la tendencia realista romana y la abstracción oriental.

SÍMBOLOS - Pez: Jesús Cristo hijo de Dios. - Ancla: Símbolo de la cruz y solidez. - Crismón: Círculo con letras griegas X P. - Pavo real: Inmortalidad. - Vid y Espiga: Eucaristía. - Aves: Alma. - Parra: Fuente de vida. - Cordero: Cristo como víctima sacrificada para salvar a la humanidad.

Las Catacumbas

TEMAS - Cristo como el Buen pastor o el Buen maestro, Adán y Eva, Madre con niño… - Temas del antiguo testamento. - Temas paganos.

El Buen Pastor

Inicialmente no hay una arquitectura característica del nuevo espíritu cristiano. Los oficios religiosos de estos primeros tiempos se realicen en casas particulares (domus eclesiae) debido a la escasez de recursos económicos. Van surgiendo los cementerios cristianos que serán construcciones subterráneas (catacumbas) formadas por estrechas galerías (ambulacrum) en cuyas paredes se excavan nichos rectangulares para las tumbas. Estas tumbas se llamaban loculi si eran rectangulares, y arcosolia si eran semicirculares. Los espacios donde se cruzaban las galerías se llamaban cubículos, eran más amplios, y por lo general servían de enterramiento a mártires o a personalidades destacadas de los cristianos. Estos espacios, también llamados criptas, tenían las paredes decoradas con las pinturas y símbolos religiosos ya mencionados antes.


Expresiones artísticas posteriores al Edicto de Milán

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La Basílica De planta rectangular, en forma de cruz latina. Los elementos arquitectónicos llevan la mirada del espectador al altar. Las basílicas eran muy escasas de detalles por fuera, con un aspecto tosco y pesado, mientras que en sus interiores había una decoración muy rica. La nave central, con cubierta de madera a dos aguas y ábside semicircular, era más ancha y alta que las laterales con cubierta de una sola agua. Esta diferencia entre nave central y naves laterales daba lugar a la colocación de un cuerpo de ventanas (claristorio). El altar se situaba delante del ábside, al final de la nave central y debajo de él podía hallarse una cripta en la que se solía custodiar los restos de algún santo o mártir. El nartex o pórtico exterior, especie de vestíbulo que señala el acceso al interior del templo, y el atrium o patio porticado, se hallaban ubicados a los pies del edificio. Son edificios con un gran simbolismo que va desde la asimilación de la planta de la basílica con el cuerpo de Cristo, como la de entender la nave como el camino hacia Dios.

Planta de basílica de San Pedro

Basílica de San Pablo

Los Mosaicos La iconografía que caracterizará al arte paleocristiano se adaptará a las nuevas necesidades religiosas, y sus características estilísticas se alejarán del realismo clásico y darán paso al expresionismo de un arte figurativo en el que predominará el carácter simbólico y que sentará las bases iconográficas del arte que luego se desarrollará a lo largo de toda la Edad Media. - Se pasara de una temática muy simbólica y críptica, por efecto de la clandestinidad a una temática más gloriosa y triunfante después de la aceptación y oficialización de la nueva fe por parte del Imperio. - En el arte paleocristiano la pintura mural tendrá un gran desarrollo y fue importante en la decoración de las paredes de los cubículos y de lo arcosolios en las catacumbas. Los temas serán los mismos mencionados anteriormente, estos temas sentarán las bases de la religión y la cultura cristiana tal como la conocemos hoy en día.

Basílica de Santa Sofía

Diferentes mosaicos paleocristianos

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el arte bizantino El arte bizantino es el continuador del arte paleocristiano oriental, algo que es posible gracias a la división del Imperio Romano y la fundación de Constantinopla. Las causas de este cambio fueron la supremacía económica de la zona oriental, la mejor situación estratégica de la ciudad frente a la presión de los pueblos bárbaros y el mayor empuje del cristianismo en estos territorios. El Imperio Romano se había convertido en un amplio estado difícil de gobernar, lo que llevó a su división. En el año 395 el Imperio Romano de Occidente, con capital en Roma, sucumbirá a las invasiones bárbaras, fragmentándose en nuevos estados. Por su parte el Imperio Romano de Oriente, que pasará a llamarse Imperio Bizantino, con capital en Constantinopla, se mantendrá independiente durante toda la Edad Media hasta su conquista por los turcos en 1453 y se convertirá en una gran influencia sobre el Occidente medieval. Al igual que el paleocristiano, el bizantino es un arte principalmente religioso. La autoridad del emperador o basileus (rey de reyes) era revestida de carácter sagrado e intervenía con frecuencia en asuntos religiosos (cesaropapismo). En el Imperio Bizantino hay dos etapas bien definidas. La Primera Edad de Oro tiene lugar durante los siglos VI y VII y en ella sobresale la época del emperador Justiniano (527-565) caracterizada por un destacado auge cultural. El siguiente período comienza en la segunda mitad del siglo IX, y finaliza con la toma de Constantinopla por los cruzados venecianos en el año 1204. El esplendor de Bizancio termina cuando los turcos conquistan Constantinopla en 1453.

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Primera Edad de Oro arquitectura bizantina

La arquitectura bizantina se caracteriza por una influencia romana, el empleo de materiales como la piedra y el ladrillo y un gran lujo interior, a base de mármoles y mosaicos, mientras que el exterior transmitía sensación de pobreza. Construían cúpulas y bóvedas que sustentaban sobre pechinas (triángulos esféricos o curvilíneos), que también eran ricamente decoradas. Estas pechinas iban sobre columnas que incluían un nuevo elemento decorativo, el cimacio. En todos estos elementos constructivos la decoración era fundamental.

La basílica de Santa Sofía de Constantinopla se presenta

como la obra cumbre y el ejemplo más singular de la arquitectura bizantina y en cuya construcción puso Justiniano su máximo interés concibiéndola como su basílica particular. La edificación de este templo se llevará a cabo en la década de los treinta del siglo VI (532-537) siendo reconstruida como consecuencia de los daños causados por los terremotos de los años 553 y 557. El emperador impuso la Sabiduría Divina como advocación de esta grandiosa basílica, levantada sobre el solar que había ocupado una primera iglesia de este mismo título y que se había destruido. Los arquitectos de esta gran obra fueron Antemio de Tralles e Isidoro de Mileto. El primero de ellos, matemático, sería el autor del proyecto y el segundo, en su calidad de ingeniero, se encargaría de hacerlo realidad. Ambos partieron de la herencia técnica y constructiva de la antigüedad clásica, de ahí que el estudio y diseño de la planta se conciba como una fusión del modelo basilical occidental y el modelo centralizado oriental que dio como resultado una planta de cruz griega, que a su vez engloba y configura una planta de tres naves coronada por tribunas.

La gran cúpula central, de 31 m de diámetro y 55 m de altura, se sostiene sobre cuatro pechinas, dos medias cúpulas de gran tamaño y éstas últimas a su vez descansan sobre otras dos más pequeñas situadas en los ángulos. Esta multiplicación de cúpulas crea, como en este caso, un novedoso sistema de soportes encadenados que se reparten el peso de la gran cúpula central y supone un rasgo definitorio de la arquitectura bizantina. Las naves laterales, divididas en dos pisos, se cubren de bóvedas de arista y se separan de la nave central por arquerías de medio punto que se asientan sobre columnas y pilares. La diafanidad del espacio interior, fruto de la concepción de la luz como un elemento integrador y a la que contribuyen los abundantes vanos que se abren en los muros por encima de las tribunas y en los nichos de las cúpulas, gira en torno a la espectacular cúpula central cuyo sistema de soportes, que le hace dar la sensación de estar suspendida en el aire, facilita también la presencia de numerosas ventanas en su base. La riqueza decorativa a base de mármoles policromos y de artísticos mosaicos aumenta la grandiosidad del edificio que, pese a la enormidad de sus dimensiones, ofrece en su exterior una disposición equilibrada y ágil de las formas constructivas como consecuencia de un acertado juego de volúmenes. El simbolismo de esta arquitectura es complejo: la cúpula es a la vez el cielo y la iluminación divina. El suelo es la tierra y el espacio interior es el lugar de los rituales y sirve de unión con Dios en presencia del Emperador, que propicia esa unión. En 1453, con la caída de Constantinopla (la actual Estambul) en manos de los turcos, la basílica de Santa Sofía quedó convertida en mezquita, añadiéndosele nuevos elementos como los minaretes exteriores, sufriendo su decoración interior intervenciones desacertadas que disminuyeron el esplendor original.


Segunda Edad de Oro

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En la Segunda Edad de Oro el modelo de iglesia que predominará será el de planta de cruz griega con cinco cúpulas. En este período la influencia bizantina llega a Italia, como podemos comprobar en la iglesia de San Marcos de Venecia. Parte de una planta de cruz griega (con todos los brazos iguales), que complementan con un atrio en los pies para asemejarlo más a la cruz latina. La decoración estará presente dentro y fuera del edificio, con fondos dorados, mosaicos, etc. Catedral de San Marcos (Venecia)

Santa Sofía en Kiev El arte bizantino evolucionará en oriente de forma distinta, viéndose cúpulas bulbosas, un claro ejemplo es la catedral de Santa Sofía de Kiev.


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Los Mosaicos Bizantinos En el siglo VIII se produjo un grave conflicto motivado por la profusión de imágenes, llamado el movimiento iconoclasta, que se opuso a estas imágenes. Finalmente, la emperatriz Irene aceptó las representaciones musivarias. El mosaico romano que se usaba para decorar el pavimento se usará en el arte bizantino para decorar los muros, convirtiéndose en un arte figurativo al servicio de la arquitectura. Incorporan teselas de piedra vítrea y piedras semipreciosas, introduciendo el oro en los fondos (desmaterizándolos y restándoles perspectiva, reforzando el concepto de cesaropapismo), dando importancia a la divinidad del emperador o la emperatriz. En la ejecución de los mosaicos bizantinos se combinaban dos técnicas: opus tesselattum y opus vermiculatum. La primera, empleada en el relleno de las figuras, consistía en el uso de teselas cúbicas iguales aunque de distintos tonos, mientras que la segunda se utilizaba para contornear ya que las teselas se elaboraban con una forma precisa y determinada. La iconografía se hace de acuerdo con los directrices imperiales: Cristo es representado en el ábside como Cosmocrátor (Iglesia de San Vital, Rávena), creador del; la Virgen Theotocos, sentada y con el Niño en brazos, siempre con santos y ángeles adorándolos. Se caracterizan también por ser representaciones minuciosas, con influencia de la luz. Serán figuras muy inmóviles, hieráticas y rígidas, sin ninguna intencionalidad naturalista, prestando especial atención a resaltar los ojos, coronas, broches y demás símbolos característicos, todas estas representaciones de gran gama Detalle del mosaico de Justiniano cromática.

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Mujer de Justiniano con su séquito Es a mediados del siglo IX, superada ya la crisis iconoclasta, cuando se llega a una nueva Edad de Oro y se consolida la estética bizantina y su iconografía, estilizándose las figuras y perdiendo algo del hieratismo anterior. Ahora se agrupan en conjuntos, con una localización jerárquica en función de la categoría del personaje representado, que también influirá en tamaño de las figuras. De esta manera Cristo Pantocrátor (Cristo sentado en el trono, Cristo en Majestad o Todopoderoso) ocupará siempre las zonas superiores, apareciendo la figura de la Virgen (siempre con el Niño) en un espacio próximo. La ubicación más terrenal se destinará a representaciones de los santos. Al final del imperio bizantino, la pintura sobre tabla (icono) sustituyó al mosaico.

Justiniano y su séquito

Pantocrátor de la Iglesia de Santa Sofía


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arte hispanomusulmรกn


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Introducción El Islam nace en la península arábiga en el siglo VII d. C., dos siglos más tarde de la desaparición definitiva del Imperio Romano de Occidente, donde pasan a instalarse los pueblos germánicos, que crearan reinos primero y el imperio Carolingio después; mientras que en oriente, estará el imperio Bizantino. Junto a estas culturas germánicas y bizantinas, el Islam se expandirá también, a orillas del Mediterráneo, que será el principal punto de unión entre dichas culturas. Arte hispano-musulmán, andalusí o hispano-árabe son los nombres que se le han dado al arte islámico que se desarrolló en al-Ándalus (la España musulmana) entre los siglos VIII y XV. Dada la limitación religiosa (aniconismo islámico) que afecta a la escultura y la pintura, su manifestación principal fue la arquitectura andalusí; aunque las artes suntuarias, como la cerámica andalusí, eboraria, orfebrería, textil… Tuvieron un extraordinario desarrollo. A pesar de ser un arte oriental, asume elementos romanos, cristianos y visigodos, lo que lo convierte en un arte ecléctico, además, es un arte oficial, anónimo y lujoso de rapidez constructiva. Es un arte basado en el agua y la naturaleza, mezclando gran variedad de materiales diferentes y creando espacios interiores cómodos y frescos. Durante la estancia árabe en la península ibérica, podemos diferenciar varios períodos, pero desarrollaremos los más importantes, que son:

- Arte Califal - Arte Almohade - Arte Nazarí En la época del arte califal la principal obra fue la Mezquita de Córdoba, en el arte almohade la Giralda de Sevilla y en el arte nazarí la Alhambra de Granada. Muy vinculados al arte andalusí están dos peculiares estilos artísticos de la Edad Media española: el arte mozárabe (el de los cristianos bajo dominio musulmán, o emigrados desde al-Ándalus a los reinos cristianos del norte, donde influyeron de forma notable en el pre-románico local) y el arte mudéjar (el de los musulmanes bajo dominio cristiano, muchos de ellos especializados en artesanías de la construcción -albañiles, carpinteros, estuquistas-, que caracterizó estilos híbridos denominados románico-mudéjar y gótico-mudéjar, y dejó una gran influencia en estilos de transición al renacimiento español). Hasta 1492, en que desaparece el reino nazarí de Granada, en al-Ándalus se mantuvieron unas condiciones culturales peculiares que le diferenciaron tanto del Islam oriental como del arte europeo. La conquista árabe no supuso la extinción de las comunidades cristianas y judías, llegando muchos de ellos conformar comunidades numerosas en grandes ciudades como Mérida, Toledo, Valencia, Córdoba, Sevilla, Granada, Almería o Málaga.

La ciudad musulmana La ciudad musulmana crece sobre la base de una anterior, acomodándose al espacio y con una estructura interna diferente al modelo de ciudad romana. Esta estructura se basaba en: Extramuros: Musalla (espacio para la oración en ciertas fiestas) y Musara (lugar público para el entrenamiento militar y ejercicios ecuestres), además, también estaba el cementerio. En un extremo, la Alcazaba o ciudadela, lugar de residencia del príncipe o señor de la ciudad (Alcázar). La medina: Similar al foro romano, en ella encontramos la mezquita, el zoco, la alhóndiga, los baños públicos, etc. La medina podía tener su propio recinto amurallado, y en torno a ella crecían los Arrabales, barrios amurallados donde la población se agrupaba por creencias religiosas, lugar de origen, actividad comercial… Al tener la ciudad un plano irregular, el caos del trazado impedía la existencia de espacios libres, dando un aspecto abigarrado que crece por yuxtaposición.


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La arquitectura árabe Los árabes, al ser nómadas, no tenían tradición ni técnicas constructivas propias, sino que iban adoptando los modelos existentes en las zonas conquistadas. La mayoría de sus edificios son de escasa altura y están compuestos por elementos: Elementos Sustentantes: Pilares, columnas de fuste delgado, capiteles (dóricos, cúbicos o de mocárabes) y arcos de herradura, lobulados, peraltados de mocárabes, de arcos entrecruzados… etc. Elementos Sustentados: Cubiertas de madera labrada, bóvedas de crucería o cúpulas (califales, gallonadas, de mocárabes o bulbosas). Las fachadas exteriores son austeras y de gran simplicidad. La decoración tiene un papel fundamental en el arte islámico, ocupando todo el espacio (horror vacui), siendo exuberante y variada. Emplean materiales como el yeso, la madera, la cerámica o la piedra, reiterando una serie de motivos (geométricos, de lacería, de ataurique…)

Tipos de capiteles y de arcos del arte islámico Decoraciones en cubierta de madera

Decoraciones vegetales (de ataurique)

Decoraciones caligráficas

Decoraciones geométricas


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Los edificios principales de la arquitectura islámica son las mezquitas y los palacios:

Para los elementos de soporte, se reutilizaros columnas de edificios religiosos anteriores, habiendo que añadir pilares a las columnas debido a la escasa altura. Las cubiertas nos e apoyan ni en pechinas ni en trompas, sino sobre arcos cruzados que partiendo de una base cuadrada, forma un octógono sobre el que se apoya la cúpula. El exterior es sobrio, con 18 puertas repartidas y decoración en las entradas con arcos de herradura ciegos sobre un arco de herradura con alfiz más grande. La decoración interior se caracteriza por el empleo de la piedra caliza y la diversidad de motivos decorativos, así como la alternancia de colores en las dovelas, los arcos polilobulados que se cruzan, los juegos de luces…

Mezquitas: Era el lugar de reunión y oración de la comu-

nidad musulmana, además del lugar donde se impartía justicia. Su estructura parte de la casa de Mahoma y debía estar orientada siempre hacia la Meca. Se compone de: - Patio o sahn, un espacio abierto sin techo y rodeado de arcos. En el centro del sahn hay una fuente llamada sabil, que suele estar cubierta. - Minarete, una torre construida a uno de los lados del patio que sirve para llamar a la oración. - Un espacio cubierto, formado por el Haram (sala de oración), la Quibla (muro orientado hacia la Meca), el Mihrab (nicho abierto en la quibla, es el lugar más sagrado de la mezquita), la Maqsura (espacio cerrado delante de la quibla para que el califa y la familia puedan orar y el Mimbar (púlpito movible para recitar versículos del Corán).

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Diferentes fases en la construcción de la Mezquita de Córdoba

Palacios: Era el lugar de residencia del alcázar, suelen tener un exterior muy pobre que contrasta con la gran riqueza arquitectónica y decorativa de su interior. No son edificios simétricos. Constan de; - Alcazaba: Parte militar y defensiva. - Maxuar: Lugar donde se administraba justicia. - Serrallo: Lugar para celebrar ceremonias. - Harén: Habitaciones privadas. - Jardines de recreo.

Etapas del arte Hispano Musulmán período cordobés o califal (s. viii – xi) Es el período de mayor esplendor y formación del arte musulmán en la península. Las mayores obras se realizan en la ciudad de Córdoba, siendo la mezquita su máximo exponente. En este período se adoptan técnicas del arte hispanorromano, como la doble arquería superpuesta, la alternancia de piedra y ladrillo en las dovelas, el sistema adintelado y abovedado y el aparejo a soga y tizón. Del arte visigodo adopta el arco de herradura. El arte califal añade cúpulas de crucería, el alfiz y gran variedad de arcos El resultado es una síntesis de tres culturas y religiones

peninsulares. Destacamos la Mezquita de Córdoba y el Palacio de Medina al-Zahra.

La Mezquita de Córdoba Reúne las características propias de las mezquitas clásicas, es una mezquita hipóstila que se construyó en varias fases, sobre la Basílica visigoda de San Vicente. Está mal orientada, ya que la quibla mira hacia el sur y no hacia el este. Se construyó con aparejo romano, a siga y tizón, y la horizontalidad es una de sus principales rasgos. Se caracteriza por tener cuatro etapas de construcción:

Interior y exterior de la Mezquita de Córdoba


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Palacio de Medina al-Zahra

La Torre del Oro era una

Construido en el año 96 por el califa ABD al-Rahmán III al norte de Córdoba. Se trata del edificio civil más importante del período Califal. Era un impresionante palacio ubicado en un lugar con mucha pendiente, algo que hizo que se tuviera que organizar en diferentes terrazas superpuestas. En su interior había una mezquita, baños, jardines públicos y estancias para la familia real, de entre los que destacamos el Salón Rico, lujosamente decorado. Este palacio fue abandonado en la época de Al-Mansur y posteriormente destruido por los almohades.

torre defensiva situada frente al río Guadalquivir, de planta octogonal y exenta del recinto amurallado. Estaba recubierta de azulejos que producían destellos dorados con los rayos del Sol. Es un claro ejemplo de la importancia de la arquitectura militar para el arte Almohade.

período nazarí (s. xiii - xv) Es un estilo que se inicia a finales del siglo XIII y comienza con la derrota almohade en la batalla de las Navas de Tolosa (1212) que deja reducida el área musulmana al Reino de Granada. Se trata de un arte plenamente formado y de carácter puramente ornamental que buscaba logar un efecto de riqueza por encima a la solidez de la construcción. En el arte nazarí la mezquita pierde peso frente al palacio, que, a pesar de ser sobrios y pobres en el exterior, enmascaran interiores de gran riqueza. De ellos, el más importante es la Alhambra de Granada. Salón Rico

período almorávide y almohade (s. xi - xiii) Es un estilo que se inicia en el siglo XI, tras la debilidad de las taifas ante los reinos Cristianos, esto provocó las invasiones de los pueblos procedentes del norte de África. Destacan los imperios almorávide y almohade. Los almorávides se caracterizaban por unas construcciones muy austeras, solo construían mezquitas sin elementos decorativos. Es un arte muy ligado al de las taifas. Con el tiempo introduce rasgos estilísticos de gran trascendencia, como son

los mocárabes o la red de rombos. Los almohades presentan una decoración más simple, dejando partes del muro a la vista, heredando la red de rombos y los mocárabes y con gran gusto por la simetría. La capital artística almohade fue Sevilla, donde construyeron una mezquita de la que hoy en día solo quedan el Patio de los Naranjos y la Giralda (antiguo minarete de la mezquita).

La Giralda es una torre de planta

cuadrada, decorada con arcos lobulados y red de rombos en los laterales y con arcos lobulados ciegos y ventanas en el centro, enmarcadas en arcos polilobulados. Capitel nazarí Las cubiertas serán todas las usadas hasta entonces, destacando las bóvedas de mocárabes y predominando el sistema adintelado. La profusa decoración que efectuarán serán atauriques, epigrafías, de lacería, alicatados, yeserías, maderas…

Cubierta con mocárabes

Las características del arte nazarí son el empleo de arcos de medio punto peraltados y angrelados, además de arcos polilobulados. Los soportes utilizados son la llamada Columna Granadina, con plinto y basa, fuste liso y delgado, de mármol; rematada con varios collarinos sobre el que reposa el capitel, con un cuerpo poligonal cilíndrico y adornos de lacería; y un cuerpo encima cúbico con decoración de mocárabes y atauriques.


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La Alhambra de Granada Tenía una doble función, la de residencia del gobernador y de sede de la administración. No tenían fachada principal ni tampoco un eje que estructure las dependencias. Se organiza en un patio rectangular rodeado de recintos alargados, en el centro hay un estanque o fuente y los patios presentan siempre elementos vegetales. Su estructura es la siguiente: - Alcazaba o fortaleza - Mexuar o zona administrativa para impartir justicia - Zona palaciega o serrallo, en torno al Patio de los Arrayanes - Zona de la vivienda o Harén, en torno al Patio de los Leones La decoración es algo predominante en la Alhambra, todas las paredes están decoradas, convirtiendo al muro en un encaje de yeso. Las dependencias más decoradas se encuentran en torno al Patio de Los Leones, donde el papel del agua es tan importante como el de la decoración y la Sala de las Dos Hermanas.

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EL ARTE ROMÁNICO


La Arquitectura Románica

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Casi todos los elementos de la Arquitectura Románica son herederos de los estilos anteriores, básicamente el romano (de ahí le viene el nombre). Pero aportan un sentido nuevo, importando más sus valores espaciales que su apariencia formal. Es un arte fundamentalmente religioso, pero también hay construcciones civiles, palacios y castillos. Manifestaciones pictóricas y escultóricas están totalmente subordinadas a la arquitectura. La principal función de este arte es didáctica, pretendía adoctrinar a un gran número de fieles analfabetos. Los edificios de este estilo artístico son generalmente oscuros, macizos, aptos para la meditación. Predomina el macizo sobre el vano. Estos edificios serán básicamente de piedra (para proteger del fuego, ya que la mayoría de estructuras civiles eran de madera). Se repetirá un patrón concreto en la mayoría de ellos (como la planta de cruz latina o basilical), esto llevaba a la especialización de diferentes cuadrillas de trabajadores, como pedreros, canteros o escultores que no firmaban sus obras como si fueran artistas, pero dejaban unas señas conocidas como marcas de cantero. La mayoría de los edificios serán monasterios e iglesias, destacando las iglesias de peregrinación. Los elementos formales arquitectónicos coinciden con los romanos, estos son:

elementos sostenidos

- Arco de medio punto. - Arcos fajones (transversales al eje) o formeros (paralelos al eje). - Bóveda de cañón. - Bóveda de arista. - Bóveda de cuarto de circulo (ábside).

Introducción El arte románico es un estilo totalmente autónomo, no será el resultado final de un proceso continuo, sino que va a tender a un posible origen francés, italiano, alemán y centroeuropeo. Durante el siglo XI empezará, alcanzará su plenitud en el siglo XII y coexistirá con el gótico en el siglo XIII. Presenta una relativa unidad en el estilo, pero según la zona, se darán unas características más concretas y otras. Por eso se le llama Un Primer Estilo Internacional de la cultura Occidental (de una Europa unida por el cristianismo, pero bastante castigada por invasiones bárbaras, por epidemias, etc.). Para la constitución del románico es necesario un arte de base romano, una herencia bárbara (de los celtas, los germanos…), una influencia bizantina y, finalmente, una influencia islámica (sobre todo del arte califal de Córdoba). El contexto histórico será el de una sociedad feudal, basada en un mundo rural y pobre, acechada por el hambre. Existía una división estamental: Nobleza: Arte civil (Castillos) Clero: Arte religioso (Templos y monasterios)

Pueblo

A partir del siglo XI habrá mayor estabilidad política

una recuperación económica a raíz del fin de las invasiones y el aumento del comercio de lujo. La iglesia cobrará nueva fuerza, estableciendo un monopolio casi exclusivo sobre la cultura. Las circunstancias que favorecieron la expansión de este arte fueron: - El Milenarismo (Terror al Juicio Final de los años 1000 y 1033, el Apocalipsis). - Expansión de las órdenes religiosas (Orden de Cluny y Orden Cistercienses), que serán las que sienten las bases de las características representativas del Arte Románico. - El auge de los caminos de peregrinación y de las peregrinaciones (El afán por conservar las reliquias, cuantas más y más raras, mayor publicidad para la iglesia. Había cierta competición sobre qué iglesia tenía las mejores reliquias) Destacan tres núcleos de peregrinación: Santiago, Roma y Jerusalén. - Las cruzadas, expediciones que emprendieron los cristianos de Europa Occidental en los siglos XI y XII para rescatar Jerusalén y el sepulcro de Cristo. Se recuperarán las Tierras Santas por intereses políticos y comerciales, habiendo supremacía del papado frente a las monarquías feudales.

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elementos sustentantes

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- Muros de sillería reforzados con contrafuertes con predomino del macizo sobre vano y con escasa iluminación interior. - Contrafuertes. - Pilares compuestos reforzados por contrafuertes. - Columnas sin canon definido, con fustes muy cortos. - Capiteles con formas vegetales, figuras humanas, seres fantásticos, monstruos o demonios…

fachadas

- La decoración se situará en los pies y extremos del crucero, enmarcadas por dos torres. - Las portadas serán abocinadas (con forma de embudo) gracias al uso delas jambas y las arquivoltas, todas ellas con decoración escultórica. - Presencia de horror vacui.

tipología

- Iglesias y catedrales: Predominio de la iglesia de planta de cruz latina. Iglesias de peregrinación e iglesias con planta basilical. - Monasterios: Cobran gran importancia en la sociedad medieval. Difusores de la cultura y el arte. (Toda familia noble que se preciara debía ingresar a uno de sus hijos en un monasterio, además de dar una dote, generalmente, de tierra) Desarrollan una serie de edificios: Claustro, Sala capitular, Celdas… - Arquitectura civil: Palacios urbanos y castillos.

los muros

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Son el elemento principal de cierre y de soporte, con muy pocos vanos para evitar el debilitamiento del mismo, reforzados con contrafuertes y además pilastras (el equivalente del contrafuerte en el interior del edificio), sobre las que descansarán los arcos fajones.

las ventanas

Los vanos son abocinados (se ensanchan de cara al interior mientras de que el exterior se cierran, se estrechan), esto es un residuo de ese gran miedo generado en la Edad Media. Además, dota de misterio y secretismo a la iglesia.

los pilares

Serán junto al muro el principal elemento de soporte del edificio. Irán evolucionando desde un sencillo pilar cruciforme hasta formas más complejas, siendo siempre robustos para sustentar las pesadas cubiertas. Todos tenían un gran núcleo central cuadrado. Son pilares compuestos que evolucionaran hacia una complejidad mayor en el Gótico.

arcos

Partiendo del arco de medio punto, si subimos el punto de arranque obtenemos el arco peraltado. Cuando estos arcos no tienen función de vano, sino que son una simple ornamentación de la fachada, se denominan arcos ciegos.

Proceso de construcción de una iglesia románica

las bóvedas

- La bóveda de cañón será la protagonista. Heredada del arte romano y formada por la sucesión de muchos arcos de medio punto en el espacio. Para construirlas emplearán unas piezas denominadas cimbras, de madera, que se encargaban de sostener todas las dovelas sin caerse hasta que la pieza llamada clave fuera puesta. Además, el uso de contrafuertes para ayudar a la sujeción de estas bóvedas era muy común. Los arcos fajones reforzaban la bóveda, siendo más apreciables y estando más en relieve, los arcos formeros no sobresalen, sino que conforman la bóveda en sí. Finalmente era cubierto con un tejado a dos aguas. Del cruce de dos bóvedas de caños nace la bóveda de arista.

las cúpulas

En el espacio central de la iglesia (donde la nave es “cortada” por el transepto), siempre se cubre con una cúpula, otorgándole más iluminación e importancia a ese espacio. Las cúpulas están sustentadas sobre trompas (especie de abanico en una esquina que actúa de elemento transitorio en una fachada totalmente recta) y pechinas (que distribuyen los empujes a ambos lados). La cúpula vista desde el exterior pasará a llamarse cimborrio.

capiteles

Se abandona cualquier clasicismo en favorecimiento de motivos vegetales, rompiendo la clásica hoja de acanto, abstrayéndola… Apareciendo seres antropomorfos o fantásticos (alusivos al bestiario medieval) y apareciendo también representaciones figurativas humanas narrando escenas del Antiguo y Nuevo testamento (llamándose así “de carácter historiado”), con monstruos y demonios en ellas. Se trata de obras con un claro sentido didáctico que “educaran” a la analfabeta población.

las torres

Se construyen en las zonas laterales de las iglesias o en el cimborrio. A veces aparecen torres exentas, como es el caso de la de Pisa. La gran mayoría son de planta cuadrada, pero también las habrá con planta circular, octogonal, etc. Suelen ser construcciones más esbeltas con mayor cantidad de vanos. En Francia las fachadas suelen tener forma de “H” mientras que en Italia la torre-campanario se encuentra separada del edifico.


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El Arte Románico en España

la decoración

La Península Ibérica tenía en la Edad Media una enorme complejidad política y cultural, ya que en el sur se encontraba el estado musulmán de Al Ándalus y en el norte, los pequeños reinos cristianos se unificaron para impulsar la Reconquista.

- Dientes de sierra. - Arquillos ciegos. - Almenillas. - Ajedrezados. - Entrelazados. - Baquetones en zigzag. - Puntas de diamante en los arcos. - Billetes. - Besantes. - Clavos.

primer románico catalán

: A finales del siglo X, con una arquitectura similar a la de la zona de la Lombardía (Norte de Italia), con modelos de iglesias pequeñas, de planta basilical y con cubiertas planas, de madera la mayoría, excepto los ábsides. Decoradas en su exterior con arquillos, bandas lombardas… Además de la torre campanario, un elemento diferenciador. Algunos ejemplos son: San Clemente de Tahull: De influencia lombarda, se trata de una iglesia de tres naves, de planta basilical con tres ábsides, pilares cuadrados, arcos de medio punto y cubiertas de madera. En su exterior presenta decoraciones con bandas lombardas y arquillos ciegos. Presenta, además un campanario bastante esbelto. San Martin de Frómista: Se mantiene la forma de planta de cruz latina, conformado por tres naves y dos torres de planta cilíndricas a ambos lados del edificio. La zona del transepto, que estaría destacado del resto del edificio, se cubrirá con un cimborrio. Hay predominio del macizo sobre el vano, es una construcción vasta. San Isidoro de León: De finales del siglo XI, se sitúa sobre una antigua iglesia visigoda en homenaje a San Juan, en 1059. Presenta además una cripta o panteón real de planta cuadrada con bellísimas pinturas, por lo que se le denomina Capilla Sixtina del Románico. En su interior presenta arcos polilobulados de influencia islámica.

El objetivo era romper con esa planitud y robustez de los muros.

las plantas

- Cruz Latina: Formada por una o varias naves longitudinales y un gran transepto que sobresale. Se crean deambulatorios o girolas o nuevas capillas absidiales. - Basilical: Tres naves con transepto. - Poligonal: Forma poligonal. - Cruz griega: Todas sus alas de igual dimensión. Planta central.

Iglesia y campanario de San Clemente de Tahull Diferentes tipos de planta

la iglesia de peregrinación

Heredera de la iglesia que promulga la orden cluniasciense. Un claro ejemplo de ellas es Santiago de Compostela.

Capitel de San Martin de Frómista

San Martin de Frómista

Pórtico de la Glora. Santiago de Compostela

Abadía de Cluny

Panteón Real de San Isidoro de León

San Isidoro de León

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Catedral de Zamora: Se caracteriza por ser una cúpula ga-

“LAS IMÁGENES SON PARA LOS ILETRADOS LO MISMO QUE LAS PALABRAS PARA LOS QUE SABEN LEER” – San Gregorio.

llonada (dividida por nervios) que compartimentan el espacio en cascos. Esta elevada sobre pechinas y la cúpula presenta relieves a modo de escamas.

La Escultura Románica CARACTERÍSTICAS GENERALES

románico puro del camino de santiago:

A partir del siglo XI. Penetran las influencias del románico francés gracias a la existencia de los caminos de Santiago. Destacan Navarra, Soria y la Escuela del Duero.

El Monasterio Es una unidad de explotación agropecuaria que pertenece a una comunidad monástica. En la Edad Media y, por tanto, en la época del románico hubo monasterios que pertenecieron a muchas órdenes. La más importante es la benedictina. Dentro de los benedictinos hubo dos ramas: los cluniacenses que fundaron el monasterio de Cluny y los cistercienses que fundaron el monasterio de Cîteaux. Los cistercienses criticaron la riqueza y el exceso decorativo de los monasterios cluniacenses, por esa razón, los capiteles de los monasterios cistercienses no narran historias, no están decorados. Todo monasterio tiene unas partes que se encuentran en torno a un claustro o patio porticado: La iglesia: Espacio divido para el rezo de los monjes ordenados y los legos. Los monjes cluniacenses tendrán cabeceras con ábsides y los cistercienses tendrán un testero plano.

Esquema de un monasterio

Monasterio de Silos

La subordinación de la escultura a la arquitectura. Función pedagógica. Son biblias pétreas que nos cuentan todas las sagradas escrituras. Crean miedo en el espectador (terror del año 1000, cristo vengador…) Tendencia a rellenar todo el espacio compositivo, horror

Catedral de Zamora

vacui. Figuras rígidas, hieráticas e inexpresivas. Adaptación de los personajes al marco arquitectónico. Uso de la perspectiva jerárquica, a mayor importancia del

El claustro: Es un patio ajardinado y porticado rodeado

de cuatro galerías con arcos sobre columnas, comúnmente pareadas, que conectaban con otras dependencias. El claustro era el lugar de reflexión de los monjes y será el núcleo central de monasterio. La sala capitular: Lugar para tomar acuerdos. El refectorio: Lugar para las comidas en común. Tenían enfermería (con su propia farmacia) y hospedería para los visitantes. La cocina: Con un horno de pan y calefactorio.

Dormitorios comunes. Scriptorium: Lugar dedicado al trabajo de los copistas,

ilustradores y traductores.

Dependencias para los novicios.

Los monasterios se construían lejos de los núcleos urbanos ya demás abarcarán una gran extensión de territorio.

Reconstrucción del monasterio de Cluny

Claustro de Silos

Claustro de Silos

personaje, mayor tamaño. Uso de la policromía (hoy perdida en casi todas las obras). Antinaturalismo, anatomías defectuosas, alargamiento de figuras, contorsiones imposibles… Falta de perspectiva y ausencia de fondos arquitectónicos o paisajes.

Las figuras no se relacionan entre sí. Mandorla, símbolo de poder divino.

La escultura en relieve alcanza una importancia fundamental en el Románico, ya que es un complemento al edificio. La escultura de bulto redondo, por otro lado, es mucho menos frecuente, y los temas se centran en el Cristo crucificado o la Virgen Theotocos. No solo decora, sino que instruye al cristianismo al pueblo. El templo no es sólo un lugar para que se reúnan los fieles, sino también un centro de adoctrinamiento a los analfabetos, dichas esculturas se adaptan

a todo tipo de marcos, ya sean capiteles, jambas… La iconografía es principalmente religiosa, con temas extraídos del antiguo y del Nuevo testamento, o de las hagiografías (la vida de los santos y los mártires, con especial interés en representar el martirio).

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portadas del las iglesias

El pantocrátor o Cristo en Majestad (Maiestas Domini).

Hijo de Dios sentado en un trono con el evangelio en la mano izquierda y bendiciendo con la derecha, envuelto en la mandorla mística.

Tetramorfos (los cuatro evangelistas, o sus representaciones animales rodeando a Cristo): - León: San marcos. - Ángel: San Mateo. - Toro: San Lucas. - Águila: San Juan.

Serafines, ángeles. En frisos horizontales y superpuestos aparecen personajes que acompañan a Cristo. El juicio final, con los 24 ancianos del Apocalipsis de San Juan. La Virgen como una gran matrona (madre de Cristo). La crucifixión. En las jambas siempre se representarán a santos u otros motivos. Las arquivoltas con motivos geométricos, vegetales, figuras humanas con posiciones poco naturales, adaptándose al marco que conforma la arquivolta.

Pentecostés de Santo Domingo de Silos: Destaca el antinaturalismo, la isocefalia (cabezas alineadas a la misma altura), rasgos muy marcados y expresionistas, rigidez e hieratismo. Santa fe de Conques: La arquitectura es la actividad

dominante, bajo la cual se subordina la escultura monumental como un complemento y desarrollándose preferentemente en las portadas. En ella se representa el Juicio Final, con Cristo separando los destinados al paraíso de los que irán al infierno. Un buen detalle es la representación de los pecados capitales.

Pórtico de la Magdalena de Vézelay: También representa el

Juicio Final, con Cristo con los brazos abiertos separando los que van al cielo de los que van al infierno. En el parteluz aparece la imagen de San Juan Evangelista. Es muy similar al de San Lázaro.

Santa Fe de Conques Partes de la portada de una iglesia románica El Bestiario es una serie de animales muy recurridos también en las portadas y que conforma un programa iconográfico medieval. Cada animal tiene una función, representa algo, y estos animales son utilizados para transmitir un mensaje. Hay dos tipos:

ANIMALES QUE MANIFIESTAN EL BIEN:

- Las aves, compradas con el alma, por la ascensión. - El León o el Águila, símbolo de nobleza, fuerza. - Grifos (animal con cabeza y alas de águila y cuerpo de león), como guardianes de entradas.

ANIMALES QUE MANIFIESTAN EL MAL:

- El mono, la caricatura grotesca del hombre. - La serpiente, símbolo del pecado. - La liebre y el conejo, asociado con la lujuria y la fertilidad. - El jabalí y el cerdo, sucios, lujuriosos y perezosos. - La cabra, el macho cabrío. - El dragón románico, un ave con cabeza perruna de grandes ojos y cuencas profundas, amenazante. Su cola es de serpiente. - La arpía, cuerpo de rapaz, busto femenino. - La sirena, cuerpo femenino y cola de pez, representa la seducción y el atrapamiento de los placeres carnales, al igual que las arpías. - Los basiliscos, encargados de transportar el alma de los condenados al infierno. - Los centauros, simboliza la brutalidad y la lujuria.

Pentecostés de Santo Domingo de Silos

Santa Magdalena de Vézelay

La catedral de Santiago de Compostela: - Pórtico de las Platerías: Es diferente a los anteriores, ya que no en él no existe un tímpano con una escena principal, sino dos más pequeños. Aparecen imágenes relacionadas con la vida de Cristo. Es muy conocido el detalle de la mujer adúltera o los arcos polilobulados de influencia mozárabe. - Pórtico de la Gloria: Fue realizado por el maestro Mateo en el siglo XII. El pórtico tiene tres vanos que se corresponden con cada una de las naves. En el vano central se encuentra el tímpano principal con Cristo como juez en el Juicio Final y como majestad (Pantocrátor), dentro de la mandorla o almendra mística. En torno a él se encuentran los Evangelistas, ángeles con los atributos de la Pasión de Cristo, los elegidos y, en

Pórtico de la Gloria, Catedral de Santiago

las arquivoltas, los 24 ancianos del Apocalipsis. En las jambas vemos a los apóstoles a un lado y a los profetas al otro. En el parteluz se encuentra la imagen de Santiago sobre una columna que representa el árbol de Jessé, una alegoría sobre la genealogía de Cristo. En la parte trasera del parteluz arrodillado y mirando al altar se encuentra representado el maestro Mateo pidiendo perdón por el atrevimiento que supone representarse a sí mismo.

Pórtico de las Platerías, Catedral de Santiago


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Bóvedas del panteón de los reyes de la basílica de San Isidoro de León. Pintura al temple donde las figuras se van adap-

Majestad Batlló. Escul-

tura exenta, de madera policromada, con un tratamiento muy geométrico en los pliegues de la ropa, los cabellos, el rostro… Todo de una forma muy arcaica.

La Pintura Románica Tenía un papel instructivo, al igual que la escultura, además de revestir los conjuntos arquitectónicos, con función ornamental. La técnica usada por antonomasia será la Pintura al fresco, aunque también habrá Miniaturas en libros, Tapices y tablas (frente al altar). Destacará la importancia del dibujo, los trazos gruesos, que encierran colores intensos pero planos. No se usa la luz ni se practica la perspectiva, son obras planas. Suelen ser bastante expresionistas con tendencia a la esquematización y disposición las unas junto a las otras. Si se quiere destacar alguna en concreto, se aumenta su tamaño. Es una pintura antinaturalista con gran tendencia a la abstracción, donde las figuras aparecen planas, hieráticas y frontales. La Pintura Románica en España Los dos focos principales de la pintura románica en España son:

Representaciones pictóricas en San Clemente de Tahúll

tando sin ningún orden ni intencionalismo al marco arquitectónico. En este panteón, los cánones clásicos desaparecen.

- Cataluña: (San Clemente de Tahull y Santa María de Tahull). - Castilla y León: (Panteón de los reyes de San Isidoro de León).

San Clemente de Tahúll: El ábside tiene una representación

considerada como la cumbre de la pintura románica catalana. Los artistas eran de procedencia italiana. Se trata de un fresco donde el Pantocrátor ocupa una gran parte del ábside. Cristo sujeta con la mano izquierda un libro que dice “ergo sum lux mundi” y con la mano derecha en posición de bendecir. El rostro de Jesús presenta rasgos hieráticos, está inscrito dentro de la mandorla, de color azul intenso y con las letras Alfa y Omega griegas. Fuera encontramos el tetramorfos. La representación de la Virgen es muy parecida a la del Pantocrátor, presenta las mismas características generales. En lugar del tetramorfos, aparecen unos monarcas de los condados catalanes rodeando a la Virgen.

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el arte g贸tico

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El Arte Gótico Características Generales

Es el arte que se difundió en Europa después del arte románico durante la Baja Edad Media. En muchos aspectos es una continuación suya. Nació en Francia, en la región de París, desde donde se extiende al resto de Europa, se desarrolla desde finales del siglo XII hasta el siglo XV. Durante el Gótico se va a producir una evolución del pensamiento, el hombre deja de obsesionarse sólo por Dios y descubre al hombre y a la naturaleza que le rodea, se hace “naturalista”. Fue decisiva la vuelta a la filosofía aristotélica, gracias a la obra de Santo Tomás de Aquino. También fue importante la Orden del Císter, que será decisiva en la difusión del Gótico, regulando desde el principio la arquitectura de sus templos. El estilo gótico está asociado al crecimiento de las ciudades producido por el desarrollo económico del comercio y de la artesanía. A estas ciudades se les llama

81 burgos y a sus habitantes burguesía. Las catedrales van a ser los edificios más representativos de la arquitectura gótica, núcleo principal de la ciudad y centro de la vida medieval, de gigantesco tamaño, construidas durante largos períodos de tiempo. Aunque también se construirán palacios, lonjas, universidades. Podemos ver las siguientes etapas en su evolución: El Gótico Arcaico, aún etapa de transición. El Gótico Clásico, durante el siglo XIII. El Gótico Final, desde el siglo XIV. El Gótico Flamígero, que en algunos lugares se prolonga hasta el XV, caracterizado por el exagerado gusto por la decoración.

LAS GRANDES CATEDRALES GÓTICAS

La Arquitectura Gótica Las Catedrales

Es el edificio más representativo. Aunque sea la Casa de Dios, suelen estar dedicadas a la Virgen. Su belleza, altura y luminosidad son una ofrenda a Dios. La verticalidad, la y esbeltez de la arquitectura gótica, simboliza el deseo de ascensión hacia Dios. Con las innovaciones arquitectónicas del Gótico el muro pierde su papel estructural, siendo sustituido por las vidrieras, que le otorgan mucha más luminosidad. Principales elementos constructivos

El arco apuntado u ojival

La bóveda de crucería, de nervios u ojival Destacarán los pilares baquetonados, los soportes más característicos del gótico Se trata de un pilar cuyos elementos se complican al multiplicarse los nervios de las bóvedas. El arbotante es un arco exterior adosado a los muros que tiene función decorativa y además recoge los empujes oblicuos y los lleva a los contrafuertes.

Francia. El Gótico Arcaico. El contrafuerte o estribo es el encargado de trasladar los empujes del edificio al suelo.

El pináculo, corona el contrafuerte y contribuye a contra-

rrestar los empujes laterales con su empuje vertical.

La decoración. La tracería gótica, se trata de motivos decorativos geomé-

tricos que enmarcan o cierran los vanos. Los temas vegetales poseen un fuerte naturalismo. Las representaciones animalísticas, las de seres fantásticos y bestias monstruosas. Destacan las gárgolas que se colocan sobre los tejados y sirven de desagües. La representación de la figura humana.

Catedral de Nôtre-Dame de París (1163-1250): Grandiosa, de cinco naves más dos de capillas laterales, doble girola, transepto que no sobresale. Todavía encontramos claros arcaísmos como el uso de columnas como soporte y de la tribuna como en el Románico. La fachada occidental, con su triple pórtico abocinado con arcos apuntados, rosetón y torres gemelas, y las capillas radiales de la girola son ya del siglo XIII.

Catedral de Nôtre-Dame


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El Gótico Clásico (siglo XIII)

El resto de Europa

Ya con todas las características de los templos del gótico, destacan de este período los siguientes ejemplos: La Catedral de Chartres, gran altura y fachada con sus torres desiguales.

La arquitectura gótica alcanzó un especial desarrollo en países como Alemania o Inglaterra, como es el caso de la catedral de Colonia (Alemania). En líneas generales en casi toda Europa, excepción de la región italiana, se mantuvieron los modelos franceses. En Italia el gótico sólo fue aceptado en sus aspectos decorativos, pudiéndose hablar de un goticismo “a la clásica”, ya que se mantienen generalmente los arcos de medio punto, los vanos pequeños y escasos, con predominio del muro, remarcando el predominio de la horizontalidad. Además desde el inicio del siglo XV, será sustituido por la estética renacentista. De los más puros ejemplos italianos: la Catedral de Siena y la Catedral de Santa María dei Fiori de Florencia.

Catedral de Chartres

La Catedral de Reims, con una espléndida fachada de gran riqueza decorativa. Fue la catedral más importante de Francia, donde se hacía la consagración de los reyes franceses. La Sainte-Chapelle de París, caracterizada por su ligereza y luminosidad debido a que los muros son completamente sustituidos por vidrieras. Se construyó para albergar la corona de espinas de Cristo, que fue traída desde Jerusalén en una Cruzada. La cubierta es una bóveda de crucería de color azul con estrellas que simboliza el cielo. Los nervios se apoyan en los pilares que están adornados con baquetones azules y rojos. Bajo la Sainte Chapelle hay otra capilla que era la cripta y que estaba dedicada a la Virgen.

La Sainte-Chapelle

LAS GRANDES CATEDRALES ESPAÑOLAS DEL GÓTICO

El Pleno Gótico del siglo XIII: el Gótico castellano-leonés.

Catedral de Burgos

Catedral de Toledo

Sobresalen las tres catedrales españolas de más clara influencia del Gótico clásico francés, pese a las peculiaridades del Gótico hispánico: La Catedral de Toledo, es una de las más grandes de España, no respeta tanto el modelo francés. Sólo tiene una torre, es más horizontal y está coronada por un frontón. El interior es típicamente gótico, siguiendo el modelo de Notre Dame de París. La Catedral de Burgos, sigue el modelo de Chartres, tiene tres naves con estrecho transepto muy saliente, profundo presbiterio, girola única, grandes capillas absidiales, pilares baquetonados para recoger los nervios de las bóvedas ojivales y triforio ciego al exterior, y destaca por sus agujas y cimborrio, ya del siglo XV. La Catedral de León, sigue el modelo de Reims, la más francesa de todas, de tres naves, profundo crucero, largo presbiterio, girola y capillas absidiales de planta poligonal; es la más calada con grandes ventanales con vidrieras, triforio abierto al exterior y amplísimo claristorio, sustentado todo gracias a robustos contrafuertes exentos y dobles arbotantes.

Catedral de León

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La Escultura Gótica

El gótico del siglo XIV: el Gótico Mediterráneo. Enlazan con las del sur de Francia; cuando son iglesias pequeñas tienen nave única, capillas entre los contrafuertes, cabecera sencilla y sin girola. Se caracterizan por su menor decoración, su mayor horizontalidad, tienen planta de salón. La Catedral de Barcelona La Catedral de Gerona La Catedral de Palma de Mallorca, de enormes proporciones en el que predominan las líneas verticales por la abundancia de contrafuertes y su escasa separación; es también una de las más anchas de Europa, de tres naves con capillas entre los estribos. . La nave central es ligeramente más alta, por lo que rompe un poco el modelo. La planta es un poco diferente ya que no tiene girola sino un triple ábside. El exterior tiene un aspecto de fortaleza muy austero, que servía para amedrentar a los piratas berberiscos que en esta época surcaban el Mediterráneo.

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CARACTERÍSTICAS

Se aleja del hieratismo y la frontalidad del Románico. En el siglo XIII se pone de moda un tipo alargado, de plie-

gues y ornamentos muy sencillos.

Sonrisa estereotipada y cierto amaneramiento. En el siglo XIV las figuras se alargan, es el denominado

“estilo internacional”, de estética idealista. En el siglo XV triunfan tipos macizos y pesados, de un mayor realismo. Las figuras aparecen con rasgos individualizados. En las composiciones con varias figuras éstas se comunican entre sí. Gusto por lo anecdótico, por los detalles. La temática sigue siendo fundamentalmente religiosa.

Las figuras se independizan del marco arquitectónico.

Las portadas son cada vez más grandes y recargadas, cayendo en el “horror vacui”.

Algunos ejemplos son: La Portada central de la Catedral de Chartres En el Pórtico Real de la fachada occidental encontramos la transición entre el Románico y el Gótico, como se puede apreciar en las estatuas columnas de con reyes y reinas del Antiguo Testamento que están en las jambas. Las Portadas de la Catedral de Reims Representa el mayor logro en cuanto al naturalismo clásico en este periodo del gótico francés. En este templo trabajó el que se ha denominado “Maestro de la Sonrisa” pues esculpió a sus personajes con una marcada tendencia a lo amable, a la bondad En España podemos destacar al Maestro Mateo, en el Pórtico de la Gloria, con sus apóstoles levemente sonrientes y “conversadores”.

Catedral de Mallorca

El Gótico Tardío (siglo XV)

LA ARQUITECTURA GÓTICA CIVIL

Como características generales de esta etapa podemos citar: la preferencia por plantas rectangulares, sin girola; los soportes muy delgados; las bóvedas cada vez más complejas; la profusa decoración. La Catedral de Sevilla es uno de los templos cristianos más grandes, de planta rectangular. No tiene torres, sino que se aprovecha el alminar de la mezquita almohade que existía con anterioridad en el lugar, la Giralda. El Gótico Flamígero o Isabelino en Castilla Las influencias van a ser sobre todo flamencas, destacando su riqueza decorativa, basada en la tracería flamígera y en la decoración heráldica. Destaca la portada retablo, donde las fachadas se convierten en auténticos retablos escultóricos. El Colegio de San Gregorio de Valladolid es un ejemplo de las portadas retablo. La fachada se caracteriza por su recargamiento de ornamentos, poblada de monstruos y vegetación exuberante.

Además de las grandes catedrales góticas, surgen ayuntamientos, universidades, lonjas comerciales, palacios, hospitales, etc. Que se inspiran en los modelos de la arquitectura religiosa, pero cada tipo de edificio presenta rasgos propios en función de su funcionalidad o simbolismo político.

Portada de la Catedral de Reims

Esculturas de la portada de Reims

Catedral de Siena

Ayuntamiento de Bruselas

Ángel Sonriente de Reims


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LA ESCULTURA EXENTA

La Pintura Gótica

Cristo Crucificado

CARACTERÍSTICAS DE LA PINTURA GÓTICA

No impasible como los románicos, los góticos se muestran atormentados por el dolor y el sufrimiento de la Pasión. El artista gótico hace de la Crucifixión un instante patético, que pretende emocionar. Un ejemplo es el Cristo del Santísimo o del Cementerio.

El Gótico busca otros soportes y técnicas. Al principio el protagonismo será casi exclusivamente de las vidrieras y de la iluminación de libros con miniaturas, desarrollándose en una fase más avanzada la pintura sobre la tabla. El retablo será el soporte gótico por excelencia, evolucionando al pasar de una tabla a dos “díptico”, tres “tríptico” o a muchas, “políptico”. El dibujo tiene una gran importancia, y dará paso al modelado.

La Virgen con el Niño La Virgen no aparece impasible, inmóvil y frontal, como Trono de Dios; ni el Niño también frontal, inexpresivo y autoritario, como en el Románico. Ahora esta composición se humaniza extraordinariamente, la Virgen se siente maternal, se gira, sonríe, juega o habla con el Niño, como cualquier madre. Un buen ejemplo es la Virgen Blanca de la Catedral de Toledo.

La luz contribuye a destacar el volumen. El interés por la perspectiva. La composición se vuelve simétrica.

Las formas de expresión reflejan un nuevo ideal estético hacia el naturalismo. La temática es fundamentalmente religiosa.

Se desarrolla el retrato. Tiene un carácter narrativo y una finalidad didáctica y de-

NUEVOS GÉNEROS, RETABLOS Y SEPULCROS

vocional.

PRINCIPALES ESCUELAS DE LA PINTURA GÓTICA

Los retablos

La pintura italiana del Trecento: Florencia y Siena.

La obra más original de la escultura gótica europea son los retablos. El retablo es un armazón de madera o alabastro que se divide en franjas verticales o “calles” y franjas horizontales, pisos o “cuerpos”, formando recuadros, llamados casas o encasamientos, donde se alojan estatuas exentas, relieves o pinturas con escenas referentes al santo titular del templo, la Virgen, Cristo o los Evangelios. Pueden tener piso superior denominado ático. La parte inferior o pedestal se denomina “banco”, a veces acompañada por una franja inferior llamada “sotobanco”. El Retablo Mayor de la Catedral de Toledo, en el que intervinieron los principales escultores y pintores de la época, es una de las obras más importantes del siglo XV, ya de transición al Renacimiento.

Virgen Blanca de la Catedral de Toledo

Características generales del estilo: En Italia se mantiene el protagonismo de las pinturas murales al fresco. Riqueza cromática.

Retablo de la Catedral de Toledo

Los sepulcros Algunos ejemplos destacados: La Tumba de Philippe Pot, se trata de uno de los monumentos funerarios más fascinantes del final de la Edad Media, en el que podemos atisbar rasgos renacentistas en su insólita composición, monumentalidad y expresividad. El Sepulcro del Doncel de Sigüenza, muy original porque no representa al difunto yaciente u orante, sino en actitud naturalista, leyendo ligeramente incorporado.

Sepulcro del Doncel de Sigüenza

La Anunciación

Naturalismo en la representación de un espacio tridimensional. La característica principal de la Escuela de Siena es su dulzura y elegancia y la búsqueda de la belleza pura concentrada. La monumentalidad de las figuras, que van a tener proporciones humanas, es característica de la Escuela de Florencia.

Escuela de Florencia. Giotto

Es el gran iniciador del espacio tridimensional en la Pintura Europea, en sus obras, que se caracterizan por la evidente observación de la naturaleza, adoptó el lenguaje visual de escultores al darle volumen y peso a sus figuras.

Escuela de Siena. Simone Martini

Desarrolló un gran interés por los efectos de perspectiva, reflejo de las tendencias vigentes en la época, como podemos ver en La Anunciación.

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Escuela de los Primitivos Flamencos Los artistas que hoy en día conocemos como Primitivos flamencos desarrollarían un estilo pictórico propio, caracterizado por un exacerbado naturalismo y un extraordinario cuidado del detalle. Sus obras, principalmente pinturas al óleo sobre tabla. Los flamencos fueron los creadores del cuadro de caballete al ir simplificando el retablo hasta reducirlo a una sola tabla. Desarrollan escenas de la vida cotidiana en los temas religiosos, con un fuerte simbolismo. Se ven favorecidos por la aparición de una nueva clientela, la burguesía, que se convierte en promotora de obras artísticas. Destacamos artistas como Jan y Humberto Van Eyck, Roger Van Der Weyden, o Patinir, Memling, Gerad David o El Bosco.

El Bosco Políptico de la Adoración del Cordero Místico: Pintada como un cúmulo de mensajes, de alegorías y de recreaciones evangélicas. El Matrimonio Arnolfini: Retrata a un acomodado matrimonio burgués del Flandes de la época donde el pintor esconde algunas claves necesitadas de interpretación puesto que objetos vulgares son alegorías de virtudes, el perrito significa la fidelidad, estar descalzos la intimidad, etc.

Rogier Van der Weydem Va a dedicar especial atención a los detalles, el vivo colorido y el realismo de las figuras, pero a esto se debe añadir el dramatismo que caracteriza sus escenas, como elemento esencial de su pintura. Un claro ejemplo es El Descendimiento.

Inspirado en la cultura popular, los refranes, los dichos, las costumbres y leyendas. Destaca la minuciosidad en el detalle, el gusto por la variedad y riqueza del color además del cuidado por la perspectiva. Pero sobre todo la originalidad en el tratamiento del tema, al dar a los objetos de uso cotidiano un sentido diferente y convertir las escenas en momentos delirantes, llenos de simbolismos, con imágenes inquietantes, absurdas y fantásticas; todos sus cuadros están impregnados de un sentido del humor burlesco. El Jardín de las Delicias: En la tabla de la izquierda se presenta la creación del hombre; en la central los placeres y pecados del mundo; y el castigo infernal a todos esos pecados en la de la derecha; se considera una sátira moralizante sobre el destino de la naturaleza humana.

Hermanos Van Eyck Los hermanos Van Eyck, Hubert y Jan, iniciadores de la escuela flamenca, son conocidos en particular por el uso extenso que hacen del óleo. En su obra confluyen elementos de una tradición en muchos aspectos aún medieval junto a arriesgadas novedades formales e iconográficas de una sorprendente modernidad, que introduce paulatinamente en su obra.

El Descencimiento

Políptico del Cordero Místico

Matrimonio Arnolfini

Parte central del Jardín de las Delicias

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el renacimiento


El Quattrocento

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LA ARQUITECTURA DEL QUATTROCENTO Características:

Toman como fundamento las formas básicas geométricas claramente perceptibles: círculo, cuadrado, cubo, etc., mostrando especial preocupación por las proporciones matemáticas de las construcciones, tanto en las estructuras como en las plantas establecen unas relaciones simples de longitud, altura y profundidad, conseguidas a partir de módulos y de minuciosos cálculos matemáticos, existiendo un equilibrio entre las dimensiones de la planta y la altura, sin predominar lo vertical sobre lo horizontal. Otra característica es el interés por la perspectiva; la segunda mitad del siglo se distingue por la abundante y menuda decoración.

Los Arquitectos del Quattrocento

Filippo Brunelleschi

El Arte Renacentista INTRODUCCIÓN Movimiento artístico y cultural que aparece a finales de la Edad Media y que supone una vuelta a los valores estéticos, culturales y morales del mundo clásico. Es un movimiento cultural paralelo los grandes cambios geográficos (descubrimiento de América), políticos (monarquías autoritarias europeas), científicos (aparición de la ciencia moderna), culturales (aparición de la imprenta), filosóficos (recuperación del humanismo filosófico clásico), económicos (desarrollo comercio mundial) y sociales (asentamiento de la burguesía y la nobleza cortesana), que van a dar lugar a la aparición de la Edad Moderna. Nace en Italia, pues contaba con innumerables restos del Antiguo Imperio Romano, de los que los humanistas sacarán las mejores enseñanzas; además, en Italia nunca se perdió el espíritu clásico. Cronología del renacimiento en Italia El Trecento Siglo XIV El Quattrocento Siglo XV El Cinquecento Siglo XVI El Manierismo Siglo XVI (final) El Renacimiento será universal, extendiéndose desde Italia al resto de Europa. Pero no será uniforme y homogéneo, en cada país la tradición local condicionará su desarrollo y lo llenará de matices.

El Racionalismo: La realidad es comprendida a través de la razón y los artistas investigan racional y científicamente ciertos aspectos de la arquitectura, la pintura o la escultura antes de llevar a cabo sus obras. La desaparición del anonimato artístico: Se comienza a valorar al autor, basándose a partir de ahora la Historia del Arte en los artistas en lugar de en las obras de arte. La figura del mecenas: Son los protectores de los artistas, quienes los incentivan, los animan a crear e incluso en ocasiones los mantienen. Son miembros de familias acaudaladas sensibilizados con el arte (los Médici, Uficci, Rucellai, Pitti o Strozzi, en Italia o los Mendoza en España). Los tratadistas, críticos y biógrafos: Aparecen los teóricos del arte, que recogen en su obra escrita las experiencias artísticas pasadas y presentes. El estudio de los modelos clásicos: Además de estudios teóricos, los artistas del Renacimiento estudian directamente los modelos clásicos. El estudio de la naturaleza: El Renacimiento supuso también el descubrimiento de la naturaleza, que se hace patente en los fondos de la pintura o el esfuerzo por representar la anatomía. Pero se trata de un naturalismo idealizado, se representa la idea perfecta de cada ser, persona o cosa, no apareciendo imperfecciones ni deformidades. Las ideas antropométricas: orden, proporción y armonía: La figura humana será el centro de interés de la obra de arte, que seguirá siempre sus proporciones, sus medidas.

Es la figura más significativa de la arquitectura del Quattrocento, auténtico creador del estilo renacentista: Presta especial interés a las proporciones. Intentó dedicarse a la escultura, pero su fracaso en el concurso para las segundas puertas del baptisterio de Florencia le llevó a la arquitectura, tras estudiar los restos clásicos en Roma. Cúpula de Santa María dei Fiori de la Catedral de Florencia, Se inspira en la cúpula del Panteón de Agrippa. La cúpula consta de dos cascarones, el exterior de más altura para ejercer un empuje más vertical; además utiliza ladrillos huecos para aligerar el peso. Iglesia de San Lorenzo. Inspirada en las basílicas romanas, de planta de cruz latina, pero desglosada en compartimentos cuadrados (volúmenes geométricos), se remarca la belleza en la proporción entre las partes del edificio. Palacio Pitti. Modelo de palacio típicamente renacentista, sin la torre característica de los góticos. Destaca su aspecto de solidez gracias a los paramentos de sillares almohadillados y al predominio de la horizontalidad.

Esquema de la cúpula de Santa Maria dei Fiori

Santa Maria dei Fiori

Palacio Pitti

CARACTERÍSTICAS GENERALES El Humanismo y antropocentrismo: El Humanismo cambia la concepción medieval del hombre, el hombre vuelve a ser el centro de todas las cosas.

Iglesia de San Lorenzo


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León Battista Alberti

Erudito y estudioso de la Antigüedad, escribe varios tratados, entre ellos “De re aedificatoria”. para Alberti la belleza radica en los principios matemáticos, en las proporciones de sus partes y en las formas geométricas. Algunas de sus obras son: Templo Malatestiano de Rímini. Recubrimiento de la iglesia de un convento franciscano. Templo inacabado en el que transpone los elementos clásicos. Templo de San Andrés de Mantua.

Templo de Rimini

Puertas del baptisterio de Florencia San Andrés de Mantua

LA ESCULTURA DEL QUATTROCENTO Características

El sentimiento clásico aparece antes en la escultura que en la arquitectura, ya en la Europa Gótica. En el Trecento, en Siena y Pisa, la familia Pisano difunde ya un arte naturalista y moderno. Utiliza materiales nobles como el mármol y el bronce, con los que se alcanza gran perfección. Los protagonistas son el hombre y la naturaleza, acentuándose el naturalismo. La escultura renacentista se caracteriza por la proporción, la simetría y el canon; aunque continúa siendo fundamentalmente cristiana se subordina el simbolismo religioso a la consecución de la belleza, centrando su interés en la belleza formal de las figuras, estudiando así mismo la anatomía a través del desnudo y el retrato.

San Andrés de Matua

Lorenzo Ghiberti El primer gran escultor enteramente renacentista, aunque inicia su estilo con muchas supervivencias formales del mundo del gótico internacional: Segundas Puertas del Baptisterio de Florencia. Puertas con escenas evangélicas fundidas en bronce, tanto el marco como la composición conservan elementos del Gótico internacional, curvas de las figuras y paisaje acartonado, pero también innovaciones clásicas, como el volumen. Terceras Puertas de la Gloria del Baptisterio de Florencia. Auténtica revelación de la escultura renacentista. El relieve se convierte en un espacio tridimensional, consiguiendo los efectos de profundidad graduando los volúmenes y la definición de los contornos. Utiliza la técnica del “schiacciato” o aplastado, que da mayor sensación de profundidad a la composición.

Donatello Es el más importante escultor del siglo XV, busca siempre representar al hombre lleno de vida, mostrando su capacidad de captación de los valores humanos en sus figuras. Algunas obras suyas son: San Marcos y San Jorge para la Iglesia de Or San Michele Hay que resaltar la profundidad psicológica a la hora de retratar el carácter de San Marcos: honestidad, sinceridad. San Jorge está en pie, armado, representa la juventud desafiante y altanera que anuncia la “terribilitá” miguelangelesca. David de bronce: Joven pensativo y melancólico con el sombrero típico toscano, la composición es plenamente clásica, apareciendo desnudo, en contraposto, desnudo. El Gattamelata, Padua: Retrato ecuestre del “condottiero” Erasmo de Narni, recordando a los mejores retratos romanos del género, en particular el de Marco Aurelio.

David de bronce


LA PINTURA DEL QUATTROCENTO Características

El precedente fundamental hay que buscarlo en la figura del Giotto, el gran maestro del siglo XIV. Sigue siendo el fundamental el tema religioso, pero ahora tratado en ocasiones como si fuera profano, tema que también se cultiva, junto con el mitológico, y como reflejo del individualismo de la época se generaliza el retrato. La luz se maneja cada vez con mayor perfección, sobre todo para captar los volúmenes, el color no es resultado de la luz, sino una superficie coloreada acotada por la línea. El dibujo es el elemento capital, por lo que los contornos

son nítidos.

El pintor del siglo XV está obsesionado sobre todo por la captación de la profundidad, por la perspectiva, utilizando para conseguirla los paisajes y las arquitecturas. Se busca la belleza idealizada, evidente sobre todo en los desnudos.

Gattamelata

Gattamelata

San Marcos

San Jorge

La Anunciación

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Fra Angelico

Representa una continuidad del espíritu religioso medieval que se reviste de las formas nuevas, con un uso sobrio de la perspectiva, de los elementos decorativos y arquitectónicos del repertorio clásico, de la luz, de la anatomía y de una nueva su concepción del volumen. La Anunciación: En este tema puede desplegar su dulzura y temperamento tranquilo. Equilibrio en los paisajes, líneas y colores (dibujo y colorido suaves) y claros ejemplos de arquitecturas pictóricas.


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Tomasso Masaccio

Sandro Botticelli

Masaccio es el creador de una sensibilidad poderosa y monumental, totalmente desligada de todo recuerdo gótico. Representa la afirmación del nuevo estilo, como Brunelleschi o Donatello lo representan en la arquitectura y en la escultura. Tributo de la moneda: En la primera de ellas la sensación de espacio y atmósfera se halla absolutamente conseguida. Busca la unidad de composición, centralizada, aunando distintas escenas que se suceden en el tiempo, subordinándolas al grupo central, mediante un punto de vista perspectivo monofocal.

Es la personalidad más famosa de la segunda mitad del siglo XV. Dibujante exquisito, refinado y nervioso, es el creador de unas maravillosas composiciones mitológicas de líneas ondulantes y contornos precisos. Se aparta de las investigaciones formales y espaciales renacentistas y recuerda las formas de la pintura del gótico lineal. Algunas de sus obras son: El Nacimiento de Venus: Es característico su dibujo de trazos nerviosos, el movimiento que agita a sus figuras, las formas ondulantes, la tristeza y melancolía de sus rostros, los paisajes primaverales, la profundidad, la glorificación del cuerpo humano desnudo. No le interesa el espacio ni la perspectiva, el fondo es sólo un pretexto decorativo. Alegoría de la Primavera: Sin perspectiva renacentista, carece de profundidad, lo que acentúa la sensación de irrealidad. La Piedad.

Piero della Francesca

Maestro revolucionario que anticipa los valores del siglo siguiente, es sin duda la cumbre en la investigación espacial del Quattrocento, consiguiendo armonizar lo científico con la belleza de las formas y del uso de la luz como elemento expresivo y simbólico. La Flagelación de Cristo: Combina las proporciones y la perspectiva, una de sus mayores preocupaciones, junto con las posibilidades de la luz y con el colorido veneciano.

La Piedad La Flagelación de Cristo

El Tributo de la Moneda

Andrea Mantegna

Se interesa por restos arqueológicos y trata a las figuras como si fueran estatuas, acentuado por el color que les da un aspecto pétreo (telas duras y figuras escultóricas). Cristo yaciente: Tema principal el escorzo de Cristo, con un punto de vista muy bajo, lo que le da su carácter monumental.

Cristo Yaciente

Nacimiento de Venus

Alegoría de la Primavera


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El Cinquecento

Miguel Ángel Buonarroti

El Manierismo que se inicia a partir del segundo tercio de siglo se define como una reacción anticlasicista, que rompe las simetrías y proporciones clásicas con libertad e imaginación, y así prepara el terreno al barroco. Será Miguel Ángel el artista que marcará la pauta para el inicio del Manierismo al utilizar el lenguaje formal clásico con una mayor libertad.

LA ARQUITECTURA DEL CINQUECENTO Características:

El Cinquecento italiano se divide en un periodo de Clasicismo puro, todavía renacentista durante las primeras décadas. Le sucede el Manierismo, que dominará la segunda mitad de siglo. La capitalidad del arte pasa de Florencia a Roma, bajo el mecenazgo de los Papas y para demostrar el poder creciente de la Iglesia. Se utilizan con mayor rigor los órdenes clásicos; es un arte solemne y monumental, predominando la medida, el equilibrio y la proporción. Se impone el uso de plantas centralizadas con cúpula símbolo del orden divino existente en el universo. En el Manierismo predomina la búsqueda de la innovación.

Obras en Florencia La escalera de la Biblioteca Laurenciana.

Obras en Roma Escaleras de la Biblioteca Laurenciana

Los Arquitectos del Cinquecento

Donato Bramante

Se inicia bajo las formas anteriores pero cambia hacia un nuevo clasicismo. Se interesa por problemas de geometrismo, perspectiva y simplicidad. Para ello, fue reduciendo la arquitectura a la estructura, sin añadidos decorativos, logrando un resultado sobrio y solemne. Utiliza de forma predominante el orden dórico. San Pietro in Montorio: Este templo es encargado por los Reyes Católicos de España para conmemorar la toma de Granada, y se ubica en el lugar donde, según la tradición, fue ejecutado San Pedro. Es un pequeño templo circular rodeado de columnas lisas en el piso bajo. Proyecto de San Pedro del Vaticano: Bramante se convierte en el arquitecto oficial del Vaticano y es la basílica de San Pedro su principal proyecto. Varios papas encargaron proyectos de levantar un nuevo templo más acorde con los nuevos tiempos. De planta de cruz griega, con cuatro brazos iguales y cuatro entradas, con una gran cúpula en el centro, sobre alto tambor de columnas clásicas, cuyo peso es contrarrestado por otras bóvedas laterales. En el proyecto aparece rodeada de torres y torrecillas que finalmente no se realizarán. Los trabajos se interrumpieron por la muerte del Papa Julio II en 1513, y de Bramante al año siguiente. La dirección de las obras pasaría a Rafael, quien intentaría implantar una planta de cruz latina, hasta que más tarde Miguel Ángel se ocupe de las obras e vuelva al plano central.

San Pietro in Montorio Cúpula de San Pedro del Vaticano

Plana original de San Pedro del Vaticano San Pietro in Montorio

Plaza del Capitolio

San Pedro del Vaticano: Retomó la planta central de Bramante, pero dejó una sola entrada principal. Levanta la cúpula sobre tambor, fijando el modelo definitivo de cúpula en occidente, con poderosos contrafuertes subrayados por parejas de órdenes corintios, que se continúan en los nervios de la cúpula, que es de doble casquete, como la de Brunelleschi. La obra transmite sensaciones de tensión, fuerza, volumen, dinamismo, monumentalidad y colosalismo. Sensaciones próximas a la nueva mentalidad manierista y efectista de mediados del XVI. Ordenación de la Plaza del Capitolio en Roma.

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Andrea Palladio

LA ESCULTURA DEL CINQUECENTO

La Villa Capra (la Rotonda): Es una de sus famosas casas de campo trazadas como templos clásicos: de planta de cruz griega inscrita en un cuadrado y cúpula; con cuatro fachadas idénticas, como pórticos de templos. Frontones y estatuas acróteras, aparecen en la fachada. Destacamos ademas:

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Características:

Su ideal arquitectónico aparece en su obra “Los cuatro libros de Arquitectura”; muy características de su obra son la sucesión rítmica de arcos entre dinteles y el hecho de coronar las fachadas con esculturas. Sus principales obras las realizó en Vicenza donde edificó múltiples palacios y villas para la rica burguesía.

La escultura adquiere total independencia de la arquitectura. Se mantiene el interés por la Antigüedad clásica, por el desnudo y el tratamiento de la anatomía, el equilibrio de las composiciones, etc. A pesar de todo, irán dando paso a una grandiosidad monumental y simplificadora. Empiezan a manifestarse el movimiento y la monumentalidad.

Los Escultores del Cinquecento

Miguel Ángel Buonarotti Villa Capra Piedad, detalle del rostro

La Iglesia de San Jorge de Venecia. El Teatro Olímpico de Vicenza.

Miguel Ángel es el prototipo universal del escultor, capaz de expresar en mármol cualquier concepto, idea o propósito, aun el más complejo. Sus figuras son siempre grandiosas, monumentales y muestran una gran vitalidad. De personalidad llena de rebeldía e idealismo, pasó su vida tras la busca de la Idea de Belleza, sus figuras no son reales, sino ideales. Sus primeras obras son aún clásicas, e irán evolucionando en favor del movimiento, hasta llegar a reflejar gestos y actitudes delirantes, sentando las bases del Manierismo y anticipando el Barroco. Pietá del Vaticano: Obra de perfecto equilibrio entre una concepción monumental, de volúmenes puros y cerrados, y un acabado refinadísimo y delicado; de belleza neoplatónica y composición racional, triangular. David: Desnudo heroico, de tamaño mayor que el natural, realizado sobre un enorme bloque de mármol. En él apreciamos los rasgos de su arte: la “terribilitá”, el carácter terrible y amenazador de sus figuras; la tensión de la anatomía, el movimiento contenido y centrípeto, con los miembros hacia adentro, dando la sensación de que la figura está viva.

Villa Capra

La Piedad

Teatro Olímpico de Vicenza

Villa Capra

Iglesia de San Jorge

David, detalles


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LA PINTURA DEL CINQUECENTO

El Sepulcro del Papa Julio II: El Moisés y los Esclavos El Moisés: motivo central de la tumba, obra capital de fuerza contenida y grandiosidad terrible.

Características:

Muchos artistas se trasladan a Roma. Mejor manejo del color. Los contornos se difuminan en un intento de captar la perspectiva aérea. La luz difusa anterior se sustituye por un claroscuro más

Capilla funeraria de los Médicis: Una de las tumbas se destinó a Lorenzo II de Medici; la otra a Giuliano de Medici. Ambas se concibieron como representación de dos actitudes yuxtapuestas: la de Lorenzo, contemplativa, introspectiva; la de Giuliano, activa, extrovertida. Es la contraposición alegórica de la Vida Activa y de la Vida Contemplativa tal como las caracterizaban los filósofos neoplatónicos. La Pietá de la Catedral de Florencia y La Pietá Rondanini: En los últimos años de su vida siente una fuerte religiosidad, por lo que se sentirá atraído por el tema de la Piedad. Las últimas que realiza son dramáticas, cada vez muestran mayor dolor y desesperación.

Bautismo de Cristo

La Virgen, Jesús y Santa Ana

contrastado, ya con zonas en sombra. Las formas no tienen ya una apariencia tan plana como antes. Hay un deseo de claridad y grandiosidad. Ya no hay obsesión por la perspectiva. Los paisajes se enriquecen, son más variados, unos luminosos, otros neblinosos o crepusculares, etc. Los temas siguen siendo variados: religiosos, alegóricos, mitológicos, retratos, escenas históricas, etc.

Los Escultores del Cinquecento

Leonardo da Vinci

Ha sido considerado siempre el arquetipo de hombre renacentista por su pasión por todas las formas del saber; fue científico, escritor y artista. Discípulo de Verrochio, se siente especialmente pintor e ingeniero. Como pintor su gran creación es el “sfumato”, artificio pictórico que consiste en prescindir de los contornos netos y precisos del Quattrocento, y envolverlo todo en una especie de niebla imprecisa, que difumina los perfiles y produce una impresión de inmersión total en la atmósfera. Tuvo muchísimos imitadores, como Rafael o Correggio. Algunas de sus obras son:

El Moisés

Monna Lisa, detalle

Bautismo de Cristo. La Virgen de las Rocas. Última Cena: Composición muy cuidada, introduce un nuevo sentido de equilibrio, grupos que gesticulan y expresan diferentes sentimientos en sus rostros, sólo Cristo permanece quieto y silencioso. La Gioconda o Monna Lisa: Dibujo difuminado mediante suaves contrastes de luces y sombras que además prestan volumen y un aire enigmático a las figuras, logra un “esfumado” perfecto. La suave y enigmática sonrisa produce esa misma impresión poco precisa, susceptible de interpretaciones diversas. La Virgen, el Niño Jesús y santa Ana. La Monna Lisa

Pietá Rondanini

Tumba de los Medici

La Última cena

La Virgen de las Rocas

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Rafael Sanzio

Miguel Ángel Buonarroti

Es un artista que lleva a su perfección los descubrimientos de los anteriores, siendo quizá el artista que mejor supo absorber y sintetizar los diversos estilos que había en las escuelas pictóricas del Quatrocento, y siendo también considerado como el máximo representante del clasicismo y el equilibrio en la pintura occidental, en oposición a Miguel Ángel, considerado un artista más manierista, desequilibrado, violento. Algunas de sus obras más conocidas son:

Sus figuras conservan la importancia del dibujo, el deseo de movimiento y la apariencia más escultórica que pictórica. Algunas obras suyas son: Tondo Doni. Sagrada Familia Frescos de la Bóveda de la Capilla Sixtina.- Los temas que aparecen en la bóveda son nueve historias del Génesis, desde la Creación hasta el Diluvio Universal, flanqueadas por Ignudi (desnudos, que hacen referencia la los pueblos paganos de la antigüedad), Profetas y Sibilas (anuncio de la llegada del Mesías y la Redención) en la bóveda, y en los lunetos y en las esquinas relatos y personajes bíblicos. Todo en poderosas arquitecturas fingidas que añaden profundidad y monumentalidad a las escenas. Sus figuras están cargadas de dinamismo, con un volumen escultórico, grandiosas y de expresión terrible.

Desposorios de la Virgen La Virgen del jilguero: Composición piramidal y unitaria de la Virgen, San Juan y el Niño, enlazados con gestos y miradas. Es uno de sus temas preferidos y que más fama le dieron: “las madonnas. Las Estancias Vaticanas, donde destaca La Escuela de Atenas: Considerada la obra maestra de Rafael y el prototipo de la pintura del Alto Renacimiento por su armonía y perfección: perspectiva, composición de gran número de personajes, fuerza expresiva de los gestos, colorido, etc.

Tondo Doni Creación de Adán El Juicio Final de la Capilla Sixtina

Los Desposorios de la Virgen

Detalle del Juicio Final

La Escuela de Atenas

La Capilla Sixtina

La Creación de Adán

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LA ESCUELA VENECIANA

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Características:

Esta escuela se caracteriza por su culto al color, que siempre prevalece sobre el dibujo. Los grandes maestros son Giorgione, Tiziano, Veronés y Tintoretto.

Prefieren la forma a los contornos. Giorgione

Sus obras están compuestas por una figura o un grupo de figuras integradas en paisajes amplios. Utiliza una luz suave y tamizada, más destinada a crear una atmósfera determinada dentro de la composición que a definir los objetos dentro de la escena: La Tempestad Venus dormida Concierto Campestre

Tiziano Figura principal de la escuela veneciana, discípulo de Giorgione. Es el maestro de las formas blandas y redondas, de los desnudos femeninos e infantiles, sobre todo en composiciones de temática mitológica. Su paleta evolucionó en sus últimas obras hacia una factura cada vez más pastosa, más gruesa: Retrato de Carlos V con su perro Carlos V en Mühlberg La Bacanal

Carlos V y su perro

La Tempestad

La Bacanal

Carlos V en Mühlberg

Venus Dormida


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arte barroco


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El Arte Barroco CARACTERÍSTICAS Es el período del arte occidental comprendido entre los años 1600 y 1780. Se caracterizó principalmente por la colosalidad de las dimensiones, la opulencia de las formas y la excesiva de-

coración.

En el Barroco, la obra de arte es un medio de acción destinado a impresionar al hombre. Es un arte efectista y teatral. Fue una especie de expresión propagandística; el absolutismo monárquico (Francia, España, Austria, Inglaterra) y la Iglesia de la Contrarreforma lo utilizaron como manifestación de su grandeza, mostrando mediante el arte que en ellos está la “Verdad” y el “Poder”. Nace en Roma, a partir del arte renacentista y manierista del Cinquecento. Su difusión por Europa hace que podamos diferenciar tres modelos de barroco: El Barroco de la Contrarreforma: Extendido por los dominios de los Habsburgos, (Imperio Austriaco, Flandes), Italia y España, cuyas temáticas coinciden con la finalidad de comunicar exaltadamente los postulados del Concilio de Trento (Contrarreforma). El Barroco del Absolutismo: Desarrollado en Francia y a partir de la entrada de los Borbones en España, de carácter más clásico, con una finalidad de actuar como argumento convincente del poder real.

La Arquitectura Barroca CARACTERÍSTICAS:

El Barroco protestante: Desarrollado en los Países Bajos

Adquieren importancia el dinamismo y la teatralidad. Prima la superposición de planos y volúmenes Comienzan a proliferar las plantas alabeadas (elípticas y ovaladas) como es el caso de las iglesias de Bernini y Borromini. El palacio barroco se halla organizado en tres plantas y en lugar de concentrarse en un sólo bloque cúbico, como el renacentista, parece extenderse ilimitadamente, en varias alas, sobre el paisaje, en una repetición interminable de columnas y ventanas. El más emblemático es el Palacio de Versalles, del arquitecto francés Mansart.

(Holanda), e Inglaterra, dirigido a una clientela de carácter burgués, con una predilección por los temas costumbristas, naturalezas muertas, interiores, paisajes y escenas religiosas de finalidad reflexiva para ser contemplados en el hogar.

El Barroco tiene dos etapas: Pleno o maduro (1600-1680)

Tardío o rococó (hasta 1750)

Arquitectura barroca en Italia El centro de la arquitectura barroca italiana será la ciudad de Roma.

Carlo Maderno

Maderno es uno de los más importantes arquitectos del periodo de transición, durante las primeras décadas del barroco romano. San Pedro del Vaticano: Prolonga la planta de la cruz griega por la parte de los pies, llegando así a un compromiso entre el tipo de cruz latina y el de cruz griega y levanta una gran fachada, desarrollándola longitudinalmente y no en altura para así admirar la cúpula de Miguel Ángel. Cúpula de San Pedro del Vaticano En el Barroco pleno destacamos a Bernini y Borromini.

Gian Lorenzo Bernini Escultor, arquitecto y pintor, se inspira en Miguel Ángel y en la Roma antigua. Su arquitectura será sencilla, pero de gran monumentalidad, multiplicando el dinamismo y la decoración. Sus principales obras arquitectónicas son: Baldaquino de San Pedro del Vaticano: Esta obra, a mitad de camino de la arquitectura y la escultura, de 29 metros de altura y recargada con abundantes elementos decorativos. Columnata de la Plaza de San Pedro del Vaticano: La plaza que se forma es concebida como un gran atrio destinado a la celebración de ceremonias masivas, dotándola de una gran teatralidad y la escenografía. Iglesia de San Andrés en el Quirinal: De planta elíptica, al igual que la cúpula, con el eje mayor paralelo a la puerta, en la fachada un pórtico con un entablamento curvo, convexo, y volutas que sostienen el escudo de la familia papal.

Baldaquino de San Pedro del Vaticano

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Arquitectura Barroca en Francia En Francia los reyes absolutistas de la dinastía borbónica Luis XIII y Luis XIV pusieron las artes al servicio del sistema político mediante la organización de las Academias, que controlaban el desarrollo literario y artístico. Palacio de Versalles: El arquitecto Le Vau, al que remplazó Mansart, el pintor decorador Le Brun y el diseñador de jardines Le Nôtre convirtieron Versalles en el prototipo de los futuros palacios europeos del siglo XVIII.

Columnata de San Pedro del Vaticano

San Pedro del Vaticano

San Andrés del Quirinal

Francesco Borromini Fue precursor de las plantas en elipse, fachadas teatrales, en las que a los elementos cóncavos, corresponden otros convexos. Sus principales obras arquitectónicas son:

Interior del palacio de Versalles

Iglesia de San Carlo alle Quatro Fontane en Roma: Situado en una esquina de dos estrechas calles, busca sorprender al paseante con una fachada dinámica y llena de contrastes. Iglesia de San Ivo della Sapienza en Roma.

San Andrés del Quirinal

Palacio de Versalles

San Carlo alle quattro Fontaine

San Ivo della Sapienza

Jardin de Versalles

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La Escultura Barroca CARACTERÍSTICAS:

Las esculturas estaban hechas para sorprender, conmover e impresionar a los espectadores. El desequilibrio alcanza en las esculturas barrocas su máximo nivel. Las esculturas barrocas buscan la máxima expresividad Se recurre al naturalismo más descarnado. El movimiento se convierte en una auténtica obsesión de los escultores barrocos. Los materiales que usaban eran el mármol blanco y el bronce, aunque en España el material más usado va a ser la madera policromada.

Escultura barroca en Italia Gian Lorenzo Bernini Bernini, arquitecto y escultor casi exclusivo del Vaticano, del papa Urbano VIII, siendo su influencia enorme a lo largo de los siglos XVII y XVIII. Sus esculturas se caracterizan por un profundo naturalismo, por la búsqueda de calidades texturales, por emplear el movimiento, etc.

Rapto de Proserpina, detalle

El rapto de Proserpina Apolo y Dafne: Se representa el momento en el que la ninfa se metamorfosea en laurel, produciéndose una dicotomía entre el movimiento y la quietud, por un lado, y lo pulido y lo rugoso, por otro. David: Representado en plena acción, con el cuerpo retorcido y el rostro extremadamente expresivo. Éxtasis de Santa Teresa: Muy efectista y teatral, el pesado cuerpo de la santa aparece sobre las nubes, algo insólito en escultura, destacando además los pliegues y ligereza de la túnica; Bernini nos ofrece de nuevo una imagen momentánea: el momento en que el ángel levanta el dardo para volverlo a clavar e insuflar de amor por Dios a Teresa. Fuente de los Cuatro Ríos de la Plaza Navona de Roma.

Rapto de Proserpina

Apolo y Dafne

David

Fuente de los Cuatro Ríos

El éxtasis de Santa Teresa


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La Pintura Barroca

La pintura en Flandes En Flandes adquieren gran importancia los grandes lienzos de altar, cuya temática insistía mucho en la vida de los santos y en las representaciones de los Sacramentos, que rechazaba el protestantismo.

CARACTERÍSTICAS:

Se caracterizan por las composiciones desequilibradas Crean una gran sensación de movimiento e inestabilidad. Las formas son voluptuosas y exageradas. El color se convierte en el principal protagonista de la pintura. Se crea el espacio mediante el uso del tenebrismo. La técnica protagonista es la pintura al óleo sobre lienzo. Los temas favoritos deben buscarse en la Biblia o en la

Rubens Además de pintor, fue diplomático; realizó misiones diplomáticas de importancia por toda Europa y le sirvió para aprender y conocer la obra de los grandes maestros del Renacimiento, como Miguel Ángel y Tiziano, u otros contemporáneos, como Caravaggio, Aníbal Carracci y Velázquez.

mitología grecorromana. Pintura barroca en Italia

Retrato ecuestre del duque de Lerma: Este retrato ecuestre abandona el estatismo de épocas anteriores, al disponer la montura en escorzo, dando profundidad a la composición. El Descendimiento de la Cruz.

Aníbal Carracci, quien junto a su hermano Agostino y su primo Ludovico formaron el núcleo de la escuela boloñesa. Trasladado a Roma pintó los Frescos de la bóveda de la Galería del Palacio Farnesio de Roma, protagonizados por un escenario arquitectónico plagado de escorzos y puntos de vista forzados por la perspectiva.

Las Tres Gracias: Las Tres Gracias no fueron para Rubens más que una excusa para pintar tres sensuales figuras femeninas, reproducción de las exuberantes formas de sus habituales modelos.

Caravaggio Personaje de vida turbulenta, llegó a tener que abandonar Roma por haber matado a un hombre. Desarrolló con gran maestría la técnica del tenebrismo, consistente en exagerar los contrastes lumínicos mediante la utilización del claroscuro.

Baco

Baco: Muestra una paleta muy clara. En ella se percibe la ambigüedad sexual y la sensualidad, fundiéndola con la captación naturalista de los objetos. Judith degollando a Holofernes.

Retrato ecuestre del Duque de Lerma

La vocación de San Mateo: La obra más claramente tenebrista del pintor, la luz cruza la estancia en una diagonal que ilumina a las figuras teatralmente; además en ella se aprecian el resto de sus características compositivas.

Judith degollando a Holofernes

Las Tres Gracias

La vocación de San Mateo

El descendimiento de la Cruz

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La pintura barroca en Holanda La pintura holandesa del presenta una caracterización muy diferente a la flamenca. En primer lugar, está destinada a una clientela de comerciantes y burgueses acomodados, lo que dirige la mayor parte de la producción pictórica a decorar los interiores de sus hogares. Los temas predominantes fueron el paisaje, el retrato, las escenas de género y los bodegones.

Rembrandt Artista que realizó la mayor parte de su producción en Ámsterdam, donde alcanzó muy pronto la fama y el éxito. Se mostró como uno de los más grandes genios artísticos de la Historia: El retrato, realista y de profunda penetración psicológica, fue su género preferido, destacando en este caso sus autorretratos y los retratos colectivos de corporaciones; también le atrajeron los temas religiosos, los paisajes y, más raramente, los mitológicos. Además de óleos también destacó como autor de un gran número de grabados y dibujos. Sus principales obras son: Lección de anatomía: Es el primer retrato de grupo pintado por Rembrandt. El cuadro muestra una lección de anatomía con un grupo cirujanos impartida por el doctor Nicolaes Tulp y sobresale por su realismo y los contrastes lumínicos que provoca una luz potente y clara. La ronda de noche. El buey abierto en canal: La composición logra una perfecta representación de la cruda realidad. Buey Abierto en Canal

Detalle de la Ronda de Noche

Lección de Anatomía


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el romanticismo


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El Romanticismo

Algunos de los artistas románticos más importantes son:

Es un movimiento artístico y cultural que se inicia en el siglo XVIII y alcanza su plenitud en la primera mitad del siglo XIX. Consiste en un grito a la libertad que refleja los sentimientos de rebeldía y sigue la independencia de Grecia del Imperio Otomano, a la caída de Napoleón y a la consolidación de los regímenes políticos de la Restauración, que intenta borrar todo vestigio de la Revolución Francesa. Se caracteriza también por un asentamiento de la burguesía y un creciente liberalismo y auge de los nacionalismos (liberación de los pueblos).

THÉODORE GERICAULT La Balsa de la Medusa: Presenta dos composiciones triangulares. Narra la historia de una fragata francesa que naufragó frente a las costas africanas. El capitán se fue en los barcos salvavidas y abandonó a su tripulación (149 hombres) a su suerte. Sólo sobrevivieron 10, el resto murió debido al canibalismo y a la locura, los últimos 5 murieron al tocar tierra. Se trata de una obra de gran realismo, para la que Théodore viajó a las costas de Normandía a estudiar las mareas, realizó una reconstrucción de la barca y visitó hospitales para estudiar cuerpos de enfermos y difuntos. Supone una protesta política a la corrupción reinante en el país tras la caída de Napoleón.

CARACTERÍSTICAS

Es el arte abanderado de los ideales Revolucionarios. La razón deja de importar, a favor de los sentimientos. Busca conmover al espectador. Existe una actitud de huida, se prefiere lo distinto, lo pintoresco, lo exótico. Se desarrolló el orientalismo y el costumbrismo. Se huye hacia el futuro y hacia el pasado. Se valora la emoción, en busca de lo individual y lo objetivo. Importancia del color en detrimento del dibujo. Los cuadros se llena de luz, luces brillantes. Composiciones dinámicas, gestos dramáticos. Culto al paisaje no solo para mostrar sentimientos, sino también para desplegar colores luminosos y encuadrar los grupos humanos. El artista deja de estar sometido al poder y esto favorece su emancipación de las artes académicas. Surge el mito del artista como genio solitario, incomprendido y fracasado.

La Balsa de la Medusa

EUGÉNE DELACROIX Será el portavoz del pintor romántico francés. Su padre fue ministro de asuntos exteriores durante el Directorio, esto lo hizo educarse en un ambiente selecto, codeándose con George Sand, y Frederic Chopin. Logró la fama en el Salón de París en 1822, tratando de manera magistral la mancha de color, en detrimento del dibujo. Realizó viajes exóticos a Marruecos, Argel y España motivado por su gusto por lo oriental. La Libertad Guiando al Pueblo: Representa una visión desalentadora para la fe al mostrarse la Catedral de Nôtre Dame rodeada de una nube de pólvora. Composición triangular donde el juego de miradas es clave. Delacroix, autorretrato

LOS PRINCIPALES TEMAS Paisajes de aspecto salvaje y misterioso. Desastres naturales. Lucha de la humanidad por la supervivencia frente a la naturaleza. Asuntos exóticos, dramáticos, melancólicos, de temor o de pasión, políticos (escenas de revoluciones…) Obsesión por la muerte y la soledad. Retratos.

Detalle de la Libertad Guiando al Pueblo Libertad Guiando al Pueblo

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Otras obras conocidas de Delacroix son:

De sus obras, destacamos:

La Muerte de Sardanápalo: Compositivamente incorpora una diagonal que va desde el ángulo superior izquierdo al inferior derecho. Muestra el interior de un harem (influencia oriental), con un violento uso de la técnica del claroscuro y preferencia por los tonos cálidos, aun así, bien contrastados.

El Hundimiento del Esperanza: Muestra un resto del hundido buque Esperanza, en un paisaje totalmente helado, donde las placas de hielo dotan de agresividad a la obra. Muestra como la magnitud de la naturaleza es capaz de vencer al ingenio del hombre. Algo propio del espíritu Romántico.

La Barca de Dante. Estudio de Cabeza (Muchacha sentada en un cementerio): Representa una evolución en su obra, realizando un retrato a través de manchas de color, y no del dibujo de líneas.

El Caminante sobre el Mar de Niebla: Inspirada en el verso del Goethe “Sobre todas las cumbres esta la paz.” Nos muestra la fragilidad del ser humano frente a la salvaje naturaleza. Abadía en el Robledal. Eldena Ruin.

Estudio de Cabeza

Caminante Sobre el Mar de Niebla

La Barca de Dante

Abadía en el Robledal

La Muerte de Sardanápalo

CASPAR DAVID FRIEDRICH Es uno de los grandes exponentes del romanticismo alemán, se le considera el autor por antonomasia de representaciones de la naturaleza, ruinas, iglesias… Sus figuras suelen aparecer de espaladas al espectador, haciéndolo partícipe de la composición. Sus paisajes emanan luz.

Friedrich, autorretrato

El Hundimiento del Esperanza

Eldena Ruin

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JOHN CONSTABLE Es un paisajista importantísimo dentro de la historia del arte, el pasiaje es el principal protagonista de sus obras, desplazando la figura humana y representando sentimientos a través de la naturaleza. Será de gran influencia en el impresionismo. El Carro de Heno: Muestra un punto de vista elevado que nos lleva la atención al carro. Contrasta el frío de una mitad del cuadro con el calor de la otra.

El Carro de Heno

WILLIAM TURNER De sus obras destacamos: Lluvia, Vapor y Velocidad: Es la primera vez en la historia del arte en la que se representa a la locomotora como un elemento digno. Con un trazo rápido y emborronado representa la lluvia, el vapor y la velocidad. Tormenta de Nieve y Vapor a la Entrada de un Puerto: Se abandona la mímesis en busca de algo nuevo. La Lucha Contra el Temerario: Muestra a dos embarcaciones en lucha. Composición equilibrada, con el dramatismo de la lucha a un lado y una plácida puesta de sol al otro. El Gran Canal. Tormenta de Nieve y Vapor en la Entrada de un Puerto La Lucha Contra el Temerario

Lluvia, Vapor y Velocidad

El Gran Canal


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el realismo


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El Realismo

Pintores Realistas

Movimiento artístico que busca mostrar la veracidad del mundo sensible (representar la realidad tal y como es). Alcanza su máxima expresión en Francia durante el siglo XIX, de ahí se extiende a toda Europa.

GUSTAVE COURBET Los Picapedreros: Nos muestra dos movimientos contra-

puestos que equilibran la composición. Son personajes de extracción humilde (anónimos), nos dan la espalda. Simboliza la vida malgastada en la alienante del trabajo, es un cuadro con función de denuncia social.

CARACTERÍSTICAS Rompe con el academicismo en las representaciones. Es un proceso gradual aunque rápido, existe una continuidad del Romanticismo al Realismo. Presta atención a la realidad con deseo de cambiarla, motivados por los problemas sociales.

Las Cribadoras de Trigo: Nuevamente nos muestra personajes anónimos que nos dan la espalda. Lo que realmente interesa es lo que está sucediendo.

LOS PRINCIPALES TEMAS

La Mujer en las Olas: Se empieza a dar un tratamiento distinto a la figura de la mujer.

Cualquier asunto puede ser objeto de interés. La vida cotidiana en la ciudad o en el campo. La intimidad y los paisajes. El mundo del trabajo, los problemas sociales. El desencanto por los fracasos revolucionarios.

El Sueño: Muestra a una pareja de mujeres que duermen Courbet, autorretrato

tras haber mantenido una relación lésbica. También se las ha conocido como La Pereza y La Lujuria (representadas en dos jarrones distintos sobre la mesita de noche).

Buenos días, Sr Courbet: El autor se autorretrata en un encuentro con dos amigos. El Entierro de Ornans: Una obra donde aparece cada uno de los personajes típicos del pueblo (sacerdotes, sepultureros, burgueses y revolucionarios…) Muestra una escena no idealizada donde sobresale un crucifijo oscuro al fondo, en una composición rectangular y en la que los personajes eran vecinos de su pueblo. Los representó a todos feos, por eso se le considera a Courbet un pintor socialista. El Estudio del Pintor: Aparecen personajes a ambos lados

Detalle del Ángelus

Detalle del Ángelus

Las Cribadoras de Trigo

El Levantamiento

El Entierro de Ornans

del propio artista y la modelo. (La representación del bien y el mal en cada extremo). Para ello crea un tondo central en la composición de la obra y dos cuadrados a ambos lados. Es un cuadro con muchos elementos y en el que cada uno de ellos tiene un significado concreto, como la calavera, el niño, etc…

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JEAN-FRANÇOIS MILLET Las Espigadoras: De temática campesina, con tonalidades

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terrosas y figuras inclinadas en escorzo, simbolizando el sometimiento a la tierra. La figura de un caballo representa la abundancia, contrastando con la pobreza.

El Ángelus: Muestra la parada en la cosecha de un matrimonio para rezar. Evidencia de la no renuncia de la fe a pesar de las pésimas condiciones de vida que tenían. Muestra unas cabezas bajadas y tristes, de nuevo con colores terrizos y gusto por el detalle. oncreto, como la calavera, el niño, etc…

El Ángelus Buenos días, Sr Courbet

La Mujer en las Olas

El Sueño

Los Picapedreros

El Taller del Pintor

Las Espigadoras

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HONOR’E DAUMIER Vagón de Tercera Clase: Muestra el agobio y apretujamiento de la clase obrera en un vagón de tren.

El Levantamiento: Con una pincelada rápida y suelta muestra un acto de revolución, sin necesidad de ir a lo minucioso. La Lavandera: Escena en la que la mujer se dobla para co-

ger a su hija (que la está ayudando) de la mano. Daumier es considerado el artista por antonomasia en la representación de personajes humildes

La Muerte de Ofelia.

Vagón de Tercera Clase

La Muerte de Ofelia

La Lavandera

El Levantamiento


Salva Sรกnchez

HistoriadelArte  

Maquetación del portfolio con el temario la asignatura Historia del Arte. Escuela de Arte de San Telmo - Málaga

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