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Nº 1 Diciembre 2011

Un lugar efímero y libre

¿Qué quisieras antes de morir?

Propuestas de estilo sin volverte loco

El mago de la cámara

Aprende a Usar un SRL sin tener una


Nº 1 Diciembre 2011

Un lugar efímero y libre

¿Qué quisieras antes de morir?

Propuestas de estilo sin volverte loco

El mago de la cámara

Aprende a Usar un SRL sin tener una

En esta primera edición de BUP queremos mostrar a nuestro público que somos una revista que apuesta por las tendencias de la cultura urbana y entrega al lector una serie de propuestas de arte, diseño, fotografía, moda y música. Además la revista pretende actualizar al lector en estos temas ya que cuenta con un excelente equipo de trabajo entregado a llevarle al lector artículos de calidad. Esperamos entonces que hagan de esta revista una guía para conocer las tendencias de la cultura urbana pero sobretodo esperamos, disfruten con cada artículo de la misma.

Editor

José Thomas

Editor ejecutivo

Pepe Aguirre

Asistente editorial

Carolina Cordero

Redacción Jefe de redacción

Alicia Rodriguez

Redactores

Sofía Ricaurte Sebastián Molina

Sean bienvenidos. Arte Director de arte

Manuel Díaz

Ilustración

Miguel Torres Catalina Urrutia

Diseño Director diseño

Gabriela Valarezo

Diagramación

Julián Silva

Fotografía

José Thomas Director 4 BUP

Coordinador de fotografía

Alejo Bueno

Fotógrafos

Anabela Freire Chicho Ruiz


Arte ¿Quién es Banksy? pág. 6 La Madriguera Tóxica pág. 8

Diseño Pierre Lota pág. 11 Antes de Morir... pág. 12

Foto Simulador SRL pág. 14 Eugenio Recuenco pág. 16

moda Jingle Bell Rock pág. 18 Pants on Fire pág. 19

musica Especial: Riot Girls pág. 21 BUP 5


Arte

Nadie sabe quién es, dónde vive ni cómo trabaja. Ni siquiera si es una persona o un colectivo. Pero su obra ha conquistado las ciudades. Desde que saltó a la fama en la década de los noventa, su trabajo ha buscado recuperar el espacio callejero. Sus creaciones han llegado a los museos y han despertado el deseo de los coleccionistas. Estas páginas retratan los trabajos de Banksy que, sin duda alguna, hacen historia. Las calles han sido tomadas por multinacionales que transmiten sus mensajes regularmente y por medio de automatismos. El street art rompe ese círculo vicioso utilizando métodos tan rústicos como un spray y reclama la pertenencia de ese universo de cemento a un colectivo distinto, al que le importan un pito los mensajes emitidos por el gran hermano: es finalmente un folio en blanco que puede ser usado hasta la extenuación sin repetirse nunca, en perpetua reivindicación. “El street-art no es como otros movimientos artísticos, no recibe subvenciones, ni está patrocinado por ricos. Por eso sería una vergüenza que acabara como cualquier otro arte:

atrapado en las vitrinas de un museo o en las paredes de las casas de los que nunca tendrán problemas de dinero”. El que se expresa de esa manera no es un cualquiera, se trata del mismísimo Banksy. El inglés es -sin ninguna duda el rey del arte urbano y el secreto mejor guardado de un mundillo que genera millones de dólares gracias a la obsesión de un buen número de coleccionistas que pasan de Damien Hirst a Banksy sin solución de continuidad. “No creo que el arte sea nada especial, es, simplemente, una parte más de la industria del entretenimiento. Además, 6 BUP


Arte demasiado arte es exclusivo y deliberadamente difícil de comprender, ya sea expresionismo abstracto o grafiti ilegible al estilo salvaje”, reflexiona el británico. Banksy se hizo famoso por sus stencils (plantillas), que empezaron a aparecer como moscas a principios de los noventa. La historia dice que el artista se unió a algunos colegas en el Londres de finales de los años ochenta para bombardear la ciudad desde sus entrañas, dejando el metro forrado de pintadas que reivindicaban un mundo distinto, menos encorsetado... o al menos esa era la idea. Banksy pronto optó por la rama más política del arte urbano, un arte en constante interacción con la sociedad que trata de establecer un diálogo con la misma. De hecho, sus acciones más salvajes han tenido que ver con sus asaltos a la Tate Modern de Londres, donde colgaba sus propios cuadros en galerías sumando al visitante en el desconcierto, o su publicitado incidente en Disneylandia, donde dejó un muñeco ataviado como un prisionero de Guantánamo en uno de los lugares más transitados por los visitantes. En 2005 se atrevió con uno de los últimos símbolos del encarnizamiento de la situación en Gaza y Cisjordania: el famoso muro de la vergüenza, una gigantesca estructura que envuelve a palestinos con paredes de hasta ocho metros de altura. Banksy dejó su marca en el muro con un sinfín de pintadas de carácter militante donde no dejaba títere con cabeza y que algunos radicales en Israel consideraron casi una declaración de guerra: “No sé si es posible ser ‘un artista político’, el arte requiere tanto ego y egoísmo, que, finalmente, se convierte en una carrera que a los que realmente atrae es a los gilipollas. Quizá yo pueda ser más político que otros artistas, pero no es mucho decir, la verdad”, remacha el grafitero más mediático. Las ditirámbicas reflexiones de Banksy sobre el arte le han convertido en un tipo incómodo, rico, pero incómodo. Lo curioso es que su invisibilidad -nadie sabe realmente si su biografía es un invento, si realmente nació en Bristol o si es uno o son varios tipos ha conseguido que su reputación sea del tamaño de la India. Su primera exposición en Los Ángeles, sin ir más lejos, se convirtió en la mayor concentración de famosos jamás vista en un evento en un barrio de clase media de la ciudad californiana: Brad Pitt, Angelina Jolie, Jude Law o Robert Downey Jr. se dejaron caer por allí con la chequera y el bolígrafo, y Banksy se trajo un elefante customizado (uno de verdad, se entiende). Todo fue cubierto por algunos de los medios de comunicación más grandes del mundo, a los que hasta hace 30 segundos les importaba bien poco el arte urbano y cuyos espectadores consideraban a los integrantes del movimiento grafitero como simples degenerados, enemigos del orden y la limpieza. Todo eso se acabó... al menos en la gama alta del sector.

Si quieres conocer más acerca de su trabajo, visita su página web www.banksy.com

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Arte

Como cultores de un arte que saben que es efímero, están completamente abiertos a que los visitantes que lleguen a la Madriguera, de visita o para tomar los talleres que ahí se imparten, pinten sobre lo que ellos han pintado; es la mecánica bajo la cual trabajan. El colectivo Los Fenómenos gestiona esta casa para habilitar talleres y mostrar su obra. Con esta, ya son cuatro las madrigueras tóxicas que se han inaugurado en Quito. Pero Los Fenómenos (un colectivo de arte urbano) esperan que sea la última o que por lo menos les dejen quedarse ahí por un rato largo, y no los saquen corriendo con acusaciones tan absurdas como las prácticas satánicas, con las cuales ya los despidieron de su segunda casa en La Mariscal. ¿Para qué quieren quedarse? Para pintar, obviamente, pero sobre todo para generar nuevos proyectos artísticos, en todos los soportes imaginables, pero desde una base estable, que funcione a la vez como taller experimental y como galería. Esta cuarta Madriguera Tóxica (ubicada en una de las esquinas de la Manuel Larrea y José Riofrío), se inauguró la semana pasada y será una de las paradas obligatorias de quienes participen del Detonarte, pues ahí será uno de los ‘after party’. Sin embargo, Infame y MS -dos miembros del colectivo formado por 12 artistas- se apresuran a aclarar que la Madriguera no tiene nada que ver con el Festival, aunque formará parte por estos días. Los Fenómenos tienen una idea más ambiciosa: establecerse como una suerte de laboratorio -autofinanciado- del arte que se ve en la calle. ¿No es contradictorio mostrar arte de la calle, es decir urbano, en un espacio cerrado? Sí y no, pero eso no les importa, porque ellos seguirán tra8 BUP

bajando afuera y usarán el segundo piso de la Asociación de Negros del Ecuador (Asone), que es donde funciona la Madriguera, a manera de bocetero y de útero donde gestar y tratar de hacer realidad todo lo que se les cruce por la cabeza. Como cultores de un arte que saben que es efímero, están completamente abiertos a que los visitantes que lleguen a la Madriguera, de visita o para tomar los talleres que ahí se imparten, pinten sobre lo que ellos han pintado; es la mecánica bajo la cual trabajan: “Pintar y dejar ir, somos desprendidos”, dice Infame. MS completa la idea: “Terminamos, tomamos una foto y si ya está registrado nos olvidamos, eso está ahí para que la gente haga lo que quiera”. No fue difícil ubicar La Madriguera Tóxica, uno de los tantos lugares, como paredes públicas o puentes de Quito, donde un grupo de jóvenes se juntan para pintar, grafitear, hacer ‘stencils’; en fin, para dejar fluir la cultura del ‘street art’. Suerte, nombre artístico de una de los pintores, que ganó hace poco el premio Artaq de París, que consagra cada año a los artistas más representativos de la evolución de las artes urbanas, me dijo: “es una casa esquinera color chicle”. En efecto, la casa de tres pisos tenía el color del helado sabor ‘pitufo’ que comía de chica; un celeste empalagoso e inolvidable. Al llegar llamé a Suerte, para que abriera la puerta. “Te tiro las llaves” me dijo; enseguida, apareció en el techo y con tino me las lanzó para que pudiera agarrarlas. Con maña, abrí la cerradura de la puerta metálica y entré por un largo y oscuro callejón. Ahí me recibió Pin8, otro de los artistas. Pasamos por un patio y fuimos por unas escaleras estre-


Arte chas y viejas. Subimos un piso, subimos dos, hasta llegar al tercero. Una ventana sin vidrio y una puerta pequeña de madera fueron el preámbulo a un mundo lleno de colores, texturas, olores y gente amigable, divertida y sincera, que desde hace un año se junta a pintar. Sonaba una canción de Emir Kusturika. “Hola, ¿cómo andan?”, dije. “¡Heeeey, qué buena onda que estés aquí!”, me contestaron. Después de esa cálida bienvenida cada uno regresó a lo suyo. Empecé a dar vueltas por el lugar. Eran tres ambientes y una terraza. Había unos 15 chicos pintando, otros, sentados en un improvisado asiento de tablas de madera, esperaban su turno o simplemente estaban ahí para mirar y pasar un buen momento. Incluso había un chico subido a una patineta, haciendo un par de trucos. Algunas veces la dejó caer y causó uno que otro sobresalto. Las paredes del lugar estaban llenas de historia. Estas, como otras paredes de la ciudad, hacen de lienzos gigantes que son utilizados una y otra vez. Paredes llenas de colores, mensajes, percepciones, sensaciones, esfuerzo y dedicación. Obras para admirar y, por ahí, también para sentir un poco de envidia de su habilidad y dominio del dibujo. La casa, con pisos de madera y techo de eternit, tenía regados por todo lado pinceles, latas de espray, brochas, tarros de pintura, botellas de plástico, tablas de madera y uno que otro mueble viejo. Cerca de la terraza, Nart pintaba parado arriba de un viejo microondas. Cualquier objeto es útil para facilitar el trabajo. Las bases de las botellas servían como recipientes de pintura, los baldes -dados vuelta- como asientos. Hasta las tapas de los esprays servían como vasitos para tomar algo. A medida que pasaban las horas, La Madriguera Tóxica empezó a llenarse de gente que llegaba para mirar el despliegue de colores y técnicas. Como a un museo. Si antes el ánimo era relajado y amigable, ahora con más gente, lo era mucho más. Me sentí en una reunión de amigos. En la tarde, a esa hora en la que la luz natural no es suficiente y la luz artificial tampoco lo es, uno de los chicos armó guerra de pintura. Todos, a excepción mía (de casualidad estaba en la terraza), tenían pintura de pies a cabeza. En el cese al fuego armaron una conexión eléctrica para poder seguir pintando. Terminaron las conexiones y decidí que era hora de irme. “¿A dónde vas? ¡Quédate, si esto recién empieza!”, me dijeron. Me despedí con la mano y salí.

Si quieres hechar un vistazo, la Madriguera Tóxica está en la calle Manuel Larrea OE2 - 76 Y José Riofrío

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Diseño

1 objeto en 1 minuto Pierre Lota es un diseñador que pretende democratizar el diseño de objetos cotidianos y como tal, nos da todas las instrucciones para realizar sus inventos. Ahora mismo es la sensación de internet en Francia con miles de visitas en su web. Su premisa es la sencillez y la rapidez: menos de un minuto para realizar un objeto a partir de material reciclado que además, destaca un resultado bastante elegante. Aquí la web de Pierre Lota dónde econtrarán un vídeo de casi 5 min con 8 diseños muy fáciles de hacer en el que podemos ver cómo cajas de zapatos, botellas o revistas, como esas de decoración que invaden nuestras casas, pasan a transformarse en curiosas mesitas, jarrones, sujetalibros, relojes o perchas. ¡Disfrútenlo! http://www.pierrelota.com/1objeten1minute/

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Diseño

Candy Chang es una artista, diseñadora y urbanista que hace que las ciudades más cómodas para la gente. Before I die es un proyecto interactivo de arte público que transforma los espacios abandonados en un lugar constructivo en el que podemos descubrir las esperanzas y los sueños de la gente que nos rodea. Es fácil quedar atrapado en el día a día y olvidar lo que realmente le importa. Con la ayuda de amigos y vecinos, Candy conviertió el lado de una casa abandonada en su barrio de Nueva Orleans en un pizarrón gigante donde los residentes pueden escribir en la pared y compartir lo que es importante para ellos. Antes de morir es un proyecto interactivo de arte público que transforma los espacios abandonados en un lugar constructivo en el que podemos descubrir las esperanzas y los sueños de la gente que nos rodea. También es un recordatorio para nosotros de lo que es más importante para uno mismo. Es una pregunta que Candy comenzó a hacerse después de perder a alguien a quien amaba mucho, y ella cree que el diseño de nuestros espacios públicos puede reflejar mejor lo que importa a nosotros como comunidad y como individuos. Desde lo divertida y creativa a lo reflexiva y conmovedor, las respuestas d3e la gente en la pared eran muchas más de las que Candy jamás hubiera imaginado: Antes de morir quiero ... cantar para millones de personas, ver a mi hija teniendo su postgrado, comer una ensalada con un alien, ver a las hojas cambiar muchas veces, ser el calvario de alguien, cocinar un soufflé, sostenerla una vez más, cantar hip hop, ayudar a muchos niños, ver cómo 12 BUP

soy yo cuando sea viejo, decirle a mi madre Te Amo, hacer las paces con Ohio, abandonar todas las inseguridades, ser completamente yo mismo, evaporarme en la luz ... El proyecto fue presentado en Oprah Magazine y The Atlantic lo llamó “simplemente uno de los proyectos comunitarios más creativos nunca.” Después de recibir muchas peticiones de personas en todo el mundo, ella y sus colegas del Centro Cívico crearon un “kit de ayuda antes de morir” para ayudar a crear una pared en otras comunidades. Gracias a su pasión, este proyecto participativo de arte público se está convirtiendo en un movimiento global y expandiéndose por ciudades de todo el mundo, incluyendo Amsterdam, Portsmouth, Querétaro, Almaty, San Diego, Lisboa, Brooklyn, y más allá. Actualmente estamos desarrollando un nuevo sitio para ofrecer las paredes de todo el mundo, así como recursos adicionales - que estad atentos! El proyecto está creciendo cada día y juntos podemos mejorar el diseño de espacios públicos en nuestras comunidades que nos ayudan a vivir mejor nuestras vidas.


Diseño

Candy Chang es una artista, diseñadora y urbanista a la que le gusta hacer que las ciudades sean más cómodas para la gente. Nombrada como “Live Your Best Life” Héroe Local por Oprah Magazine, es apasionada por la redefinición de las maneras en las que compartimos información en el espacio público para mejorar nuestros barrios y nuestro bienestar personal. Como becario de TED Senior y Fellow de la Innovación Urbana, ha sido reconocida como una líder en el desarrollo de nuevas estrategias para repensar el diseño de nuestras ciudades para una mejor calidad de vida. A través de numerosos proyectos interactivos que combinan el arte de la calle con el activismo social y la planificación urbana, ha abierto la participación ciudadana en el espacio público y la disposición de las personas con maneras fáciles e innovadoras para tener una voz. En un proyecto llamado “la búsqueda de nuevo el amor”, ella reutilizó un edificio abandonado en Alaska como un archivo de recuerdos de los residentes y sus esperanzas. En “me gustaría que esto sea” propuso que la gente llene pegatinas y que expresen lo que quieren en los escaparates vacíos, y se está desarrollando una herramienta en línea llamada Neighborland para ayudar a moldear el desarrollo de los barrios. Desde que realizó su tesis sobre la comunicación local en el espacio público, ha experimentado de muchas maneras para que esto suceda. Sus padres emigraron de Taiwan a los EE.UU. y se crió en los campos de maíz de Texas. Después de años viviendo en Nueva York y Helsinki, ahora vive en Nueva Orleans, donde es amante de los porches, las palmeras, y los ventiladores de techo mientras trabajan en proyectos. Ella cree que una de las mejores cosas en la vida es pasar tiempo en lugares públicos con la gente que amas. También cree que el diseño de estos espacios puede reflejar mejor lo que es importante para nosotros como comunidad y como individuos.

Mira todos sus proyectos en www.candychang.com

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Foto

CameraSim se ha propuesto enseñarte, a través de la práctica, a usar una SLR de la manera correcta. Con este simulador bastante realista, podrás descubrir la infinidad de efectos que la combinación de controles como luz, ISO y apertura; entre otros, ofrecen. Este es un lugar para aprender a usar una cámara SLR y tomar mejores fotos. No se necesita el último modelo ni el mejor equipo para tomar buenas fotos, pero una cámara SLR digital brinda más posibilidades creativas que cualquier cámara de apuntar y disparar. Si no tienes una cámara SLR, este es un gran lugar para probar y prácticar con una SLR y aprender más acerca de éstas. Si ya dispones de una cámara SLR, pero simplemente la utilizas en modo “automático”, como si se tratara de una cámara de apuntar y disparar, entonces no la estás aprovechando al máximo. Es hora de aprender a utilizarla realmente.

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Prueba el simulador gratuitamente en camerasim.com


Foto

Además de su pasión por lo estético, a través de sus fotografías, este mago de la cámara nos transporta a otra realidad. Con mujeres siendo su eje central, Eugenio Recuenco juega con la fotografía de moda hacíendola superar sus límites. Escribir sobre la obra de Eugenio Recuenco es difícil si uno pretende no caer en tópicos ni alabanzas fáciles, y es muy fácil si a uno le basta con destacar la calidad, la abrumadora creatividad y la interminable inspiración que ofrece a otros fotógrafos con sus trabajos, o si le basta con relatar la gigantesca lista de clientes de primera línea con los que ha trabajado. Para cualquier fotógrafo, o simplemente para los amantes del buen arte, recorrer el trabajo de Eugenio Recuenco representa un examen de humildad y una experiencia llena de asombro e inspiración, una prueba de que el arte en la publicidad está en su mejor momento, y de que la lucha que todo artista afronta en al ámbito comercial puede ganarse con buenas dosis de pasión, creatividad y destreza técnica. En la obra de Eugenio Recuenco se mezclan el pop, el comic, la publicidad, la pintura y, por supuesto, el cine. De hecho su estilo ha sido definido en algunas ocasiones como “cinematográfico”. Como buen fotógrafo de moda, la mujer ocupa un papel fundamental en su obra y todas sus atmósferas suelen tener un punto de irrealidad. Combina unos buenos vestuarios con cuidados escenarios teatrales, lo que hace de él un fotógrafo con un estilo muy definido. Ver sus fotos, en algunas ocasiones, es como trasladarse a un cuento o a una película, siempre con una historia detrás. Es uno de los fotógrafos favoritos entre muchos directores de arte y creativos de agencias de publicidad. Sus fotografías han recibido numerosos premios (entre ellos el V Premio ABC de fotografía por su obra “Concepción, Parto, Juego y Educación”) y ha trabajado con algunas de las marcas 16 BUP


Foto de moda más prestigiosas. ¿Cómo te iniciaste en la fotografía de moda? Terminé Bellas Artes en la especialidad de pintura pero cursé todas las asignaturas posibles de Audiovisuales, al mismo tiempo que en mis cuadros iba incorporando fotos. Esas fotos fueron tomando fuerza y espacio en el cuadro. Poco a poco, sin darme cuenta, me estaba haciendo más fotógrafo. Al terminar Bellas Artes te enfrentas a un mercado, y ya que tienes que comer, pues elegí la moda porque la veía como más creativa. ¿Cuál es el desarrollo de tu proceso creativo? ¿Lo tienes todo estudiado o dejas algo de espacio para la improvisación? Preparo y estudio al máximo el tema y la historia de mis fotos. Luego, dos días antes, empiezo a olvidad casi todo y el día de la sesión intento ir con la cabeza lo más virgen posible y lo más despejada para poder agarrarme a cualquier cosa que ocurra en la sesión. Siempre me encanta improvisar. El trabajo anterior es un poco la red para no hacerte demasiado daño en caso de que no funcionen. ¿Cuál de tus proyectos te ha dado mayor satisfacción? Todos en los que me he visto involucrado desde el primer momento de creación del concepto. Me horroriza la publicidad por lo encorsetada que está. Todo tiene que estar previsto de antemano y cuando te dan un boceto me quiero morir. Por eso siempre esas fotos son predecibles y la improvisación y el acto creativo el día de la sesión están muertos. Sólo queda técnica y la verdad es que no me sobra. ¿Cuál es el tipo de fotografía que más te atrae? Diferencio fotos, no tipos. En las fotos como en la música, me gusta todo, si es bueno. Siguiendo con las semejanzas ¿Qué relación tiene tu fotografía con la pintura clásica? Creo que la luz. En los cuadros clásicos tenían un punto de luz que iluminaba la escena. Yo suelo utilizar en muchos casos lo mismo. Un punto luminoso, dos al máximo. Casi nunca utilizo luces de contra ni tampoco relleno las sombras, que dan una sensación más fotográfica. Si a eso le añades un decorado antiguo, pues la semejanza es grande. ¿En que estás trabajando ahora? ¿Cuál será tu próximo proyecto? Fotos y fotos. Y como ilusión, hacer las películas que tengo en mi cabeza. Creo que se puede hacer cine bueno y barato. Estoy terminando 2 videoclips y preparando otro más. Además en junio se estrena la ópera de Les Hugonotes en Nueva York y estoy encargado de realizar la puesta en escena. Es todo en lo que estoy trabajando. A nivel fotografía tengo en mente poder terminar la serie “Sueños” y hacer realidad los dos proyectos de fotoinstalación (Naufragio y Paraíso) El único problema: el tiempo.

Para ver más de su increible trabajo entra a www.eugeniorecuenco.com

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Moda

¿Has ido de compras últimamente? ¿No? Esto es lo que te estás perdiendo: Miles de personas luchando para comprar el último iPod ede la percha, niños gritando, y chicas arranchándose las ofertas, todo al ritmo de renovado y remezclado de las canciones de Navidad que de alguna manera siempre son las mismas en cualquier tienda a la que vayas. Suena divertido, ¿no? Afortunadamente, hay una solución a tus problemas de compras navideñas, y la estás mirando justo ahora. Para que esta Navidad tenga tu estilo te traemos propuestas que te mantendrán abrigado en esta fría temporada sin tener que soportar todo el drama del centro comercial. Check it out!

Gorro de lana en Tennis. 25 $

Bufanda de lana en Tennis. 30 $ Sweater estampado en Tennis. 65 $

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Botas de Cuero en Hugo Boss. 180 $


Moda

La moda masculina nunca se ha escapado de la gran renuncia en el siglo 19 a todo lo colorido, decorativo y divertido. Sin embargo los pantalones de color deberían son una oportunidad para desafiar a la sobriedad sin renunciar a la formalidad de la chaqueta o un suéter convencionales casual. Hace quince años, “Primary Colors” significaba política, debido a la novela escrita en forma anónima por Joe Klein. Pero últimamente en Estados Unidos, la frase ha adquirido otro significado: pantalones brillantes en tonos que chisporrotean que se ofrecen para usarlos no sólo en vacaciones. Este es el primer período en la historia reciente en el que los colores vivos han llegado al vestuario masculino convencional por debajo del cinturón cada par más brillante que el anterior. Pantalones de jengibre vino de Band of Outsiders, melón maduro a partir de D &G; naranja intenso de Bottega Veneta. Y si ese toque violento parecía demasiado contraste con la parte superior neutral, siempre existía la posibilidad de ir entrajetado de color. Dior Homme tenía un traje rojo de pies a cabeza, y Jil Sander un cóctel de coral y naranja.

de colores estilo rock / hip-hop. Pero la mayoría de los hombres eran tan tímidos que se dejaron a sus esposas y novias estrenar los suéteres de cachemir en tonos elegantes como el albaricoque y lila, en un esfuerzo por convencer a los escépticos de que los pasteles pueden ser heterosexuales.

Un traje de colores brillantes hace una declaración de moda grandes, y es difícil creer que nunca tendrá éxito en el invierno en el mundo occidental. Pero ser real. Comenzó el año pasado con las versiones de lujo de los pantalones vaqueros, desde entonces tienen un look más sofisticado de marcas como Acné, que ofreció pantalones azul marino, turquesa y púrpura en el otoño de 2011 muestra. Puede ser un lento goteo de estilo, pero lo que se lleva esta temporada el fin de semana aún puede invadir la semana de trabajo.

La moda masculina ha llegado, de alguna manera, desde los inicios delicados - pero pasará un tiempo antes de que los pantalones naranjas se usen en la oficina. Los pantalones de color deberían ser como las medias de fantasía en el armario masculino: una oportunidad para desafiar a la sobriedad sin renunciar a la formalidad de la chaqueta o un suéter convencionales casual. Hay una plantilla para esto en Inglaterra: los pantalones de piel de topo. Cuando era niña pensaba que los pantalones con un aterciopelado, provienían de pieles de criaturas subterráneas. Sin embargo, el tejido de algodón es en realidad una adaptación de la moda masculina del terciopelo: más duro, más duradero, pero a menudo de colores vívidos.

Hace poco en una exposición de moda que se ejecuta a través en el Palacio de Versalles en Francia, donde la ropa del siglo 20 y 21 creada por gente como Martin Margiela, Alexander McQueen o Vivienne Westwood están en una disputa con trajes del siglo 18. Olvídese de los vestidos de fiesta bombachos: es la levita en colores Mozartean, chalecos bordados, medias de fantasía y zapatos de hebilla que se ven tan fabulosos - por lo menos para las mujeres. La moda masculina nunca se ha escapado de la gran renuncia en el siglo 19 a todo lo colorido, decorativo y divertido. Reconozcamos que el sentido común sugiere que los estilos de vida cambiantes requieren diferentes tipos de ropa: de ahí el polvo de color gris plata peluca se transformó en el traje de color gris plateado Zegna. ¿Pero por qué el hombre del siglo 20 tuvo que ser totalmente suave al vestir? A través de los años 1970 y 80 de haber habido una carta

Esa fue la misma época, cuando la corbata se convirteron en una narración de sala de juntas - todos esos graciosos y coloridos animales de Hermès (piensa en conejos) para demostrar que los hombres de traje podría ser deliciosamente atrevidos.

El sexo es, por supuesto, el alma de los pantalones de fantasía. ¿Por qué un hombre vistiría de rojo, sangre, verde pavo real o narnaja peligro a menos que fuera a llamar la atención sobre su mitad inferior, en la edad adulta? La mayoría de los pantalones de colores son de ajuste fino, bien formados y adaptados. Si la moda nueva de lo brillante sobrevive el invierno gris, sombrío, habrá otro choque de color en la tienda para hombres en la próxima primavera: el renacimiento de la camisa hawaiana. Desde que Miuccia Prada se acercó al mundo de negocios en patrones tropicales para el verano de 2011, los hombres han estado comprando y usando la colección femenina. Una camisa hawaiana con pantalones de color sin duda sería un voto para las elecciones primarias. BUP 19


Música

Encabezan las listas de las más pedidas. Las mujeres son una pieza clave en el mundo de la música, por eso te presentamos un especial de riot girls en la música: chicas rebeldes, osadas y malcriadas. Empezamos el especial con dos vocalistas magníficas. Florence Welch de Florence and the Machine y la inigualable y guapísima rapera Mala Rodriguez.

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Música

Con su voz poderosa y letras que van desde la descaradas ‘a kiss with a fist is better that none’ a oscuras y desconcertantes ‘get your filthy fingers out of my pie’, Florence de Florence and the Machine es una vocalista magnética con sonido único.

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Música

Cansada de una sesión de fotos que ha tomado mucho de su tiempo, Florence Welch de Florence and the Machine está en una cena con su novio mientras habla con nosotros. El año pasado ha sido uno grande para Florence. Ella firmó con Island Records, lanzó su álbum debut Lungs (6 de julio en el Reino Unido, octubre 20 en los EE.UU.), ganó el premio de la Crítica en los Brit Awards (los ganadores anteriores incluyen a Adele), en toda América del Norte las entradas de sus conciertos se agotaron, y apareció en programas de moda de MTV con Alexa Chung. Ha sido un torbellino de giras, de prensa y entrevistas, todo el mundo quiere un pedazo de ella. Sin embargo Florence está ahora en su hogar cocinando, o algo así. “Realmente no cocino, solamente armo platos”. No es que ella no pueda cocinar es solo que, como Florence afirma, no tiene capacidad de atención. Con su voz poderosa y letras que van desde la descaradas ‘a kiss with a fist is better that none’ a oscuras y desconcertantes ‘get your filthy fingers out of my pie’, Florence de Florence and the Machine es una vocalista magnética con sonido único. En este momento, Florence parece un poco distraída. A lo largo de la entrevista trata de responder a las preguntas y de reir con su novio, como buscando un equilibrio

que será, indudablemente, un tema constante durante los próximos años de su vida. Creció en Camberwell, Londres, Florencia y tiene una gran herencia artística. Su abuela, Colin Welch, era una ex editora de The Daily Telegraph y su madre Evelyn Welch, es profesora de Estudios del Renacimiento y Decana Académica de las Artes en Queen Mary, y era buena amiga de Andy Warhol, anduvieron de parranda juntos en Studio 54 . Florence por su parte, abandonó la escuela de arte para dedicarse a la música. Su padre trabaja en publicidad y llevó a Florencia alrededor en una caravana cuando ella estaba de gira por primera vez. Para Florencia, su madre es la realista, su padre es el soñador. Pero al crecer, en el Reino que produjo aspirantes a estrellas pop como Lily Allen, Adele y Amy Winehouse, estaba lejos de ser normal para Florencia. Cuando era un adolescente sus padres se divorciaron. Su madre se casó con el vecino de al lado y las dos familias a vivieron juntas, lo que significa seis adolescentes, que ya se conocían entre sí, bajo un mismo techo. Florence admite que habían problemas. “Todos tenían distintos tipos de pensamiento y formas de hacer las cosas en familia, y cada familia sentía que sus tradiciones familiares estaban siendo pisoteadas por los otros”, dice Florence. “Nos convertimos en una especie de enemigos del hogar.” Cuando era adolescente, ella también era muy experimental y salía de fiestas mucho. “Tal vez crecer en Londres, en general, me ha ayudado a ser más sabia en la calle, pero por otra parte, nunca sé dónde estoy”. Sin embargo ella parece haberse encontrado en la música. Y por ahora, la mayoría de los que saben de Florence, a saber que ella fue “descubierta” por Mairead Nash, la vocalista del popular dúo de Queens DJ Noize, y ahora su manager, en el baño por cantar una canción de Etta James. Florence se sentía perdida y mal, y ahora es todo lo contrario. La gente la quiere. No sólo su novio, que estuvo probablemente feliz una vez que terminó la entrevista.

Mas noticicas de esta genial chica y su banda en florenceandthemachine.net

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Música

“Decidí ser La Mala porque tengo una visión particular de los acontecimientos y los hechos que me rodean. Tenía algo que decir y tenía que decirlo alto y claro. Como mujer defiendo un rap adulto, odio esta cosa de tener a la mujer como a una niña eternamente, llamarla como ‘muñeca’, no soy una muñeca, soy una mujer” La entrevista previa no parece haberle dejado muy buen sabor de boca. La Mala Rodríguez (Jerez de la Frontera, 1979) aparece con un ceño que da miedo. Unas gafas enormes apenas dejan entrever una mirada entre cansada y aburrida. La cosa no pinta nada bien... hasta que la rapera andaluza empieza a darle a las aceitunas -traídas directamente desde Málaga- y al zumo de naranja natural. Primera sonrisa. ¿Por qué decidió ser La Mala? Porque tengo una visión particular de los acontecimientos y los hechos que me rodean. Tenía algo que decir y tenía que decirlo alto y claro. Habla despacio, masticando cada palabra. Le sale natural. Desde que siendo una adolescente un vecino del barrio sevillano de La Macarena le pasó una maqueta a golpe de rimas, el ritmo de su existencia lo ha marcado el hip hop: “Siempre me había gustado escibir, la poesía. Encontré la manera de expresarlo”. Crítica e incorformista, a veces mal hablada y con un toque inocente que se resiste a perder, no le gusta ver el mundo en condicional. “Hay mucha mierda en nuestro maravilloso panorama social”. Siempre, eso sí, es directa. Usted habla mucho de compromiso, pero ¿cuál es el suyo? (Esboza una sonrisa pícara) No fallarme a mí misma. No mirarme al espejo y sentir asco, como le pasa a mucha gente. Madre de dos hijos, cuando se apagan los focos La Mala se transforma en María. “Tengo muy bien diferenciadas las dos realidades”, explica después de pensarse 30 segundos la respuesta. “Si no fuera así, tendría un problema y todo sería más complicado”. Después de un aterrizaje algo tenso, la conversación fluye ya relajada. Da un pequeño sorbo al zumo y termina con las aceitunas. ¿Qué enciende a La Mala? La intolerancia. Cuando te pones en la piel de otra 24 BUP


Música persona cambias de parecer. Puedes hacerlo con el que está robando, con ese racista hijo de puta... Hay falta de conciencia en nuestra sociedad. En plena promoción de su cuarto trabajo, ‘Dirty Bailarina’, no pone límites a su arte. “Yo quiero conquistar a todo el público”. Nada de etiquetas ni estereotipos. “Me gusta pensar que mi arte es libre, aparece y toca a la gente”. ¿De qué le gusta hablar y nunca le preguntan? De [Eduardo] Punset. Me gusta la ciencia, me atrae el estudio de la naturaleza, las matemáticas... Asegura que con los años ha ganado “armonía” y que cada trabajo es una búsqueda constante de la que trata de aprender. “Con el tiempo, vamos incorporando cosas a nuestra vida y dejamos otras en el camino”. Dice que este disco la ha ayudado a conocerse un poco de puertas hacia dentro. A punto de dar las dos de la tarde, y cómodamente sentada en la primera planta del restaurante Aderezo, situado en un barrio tranquilo del norte de la capital, reconoce que le encanta comer. “Hago muy bien los potajes”. La Mala ya no parece tan mala. Se muestra más como María, la de su gente. Ni rastro del ceño. Posa para la foto con estoica paciencia. Por cierto... ¿Y si un día se cansa de ser La Mala? No creo, uno no se cansa de ser uno mismo. Yo me quiero mucho.

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