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realtà alternativa chiostro del bramante roma 2011

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francesco visalli FRANCESCO VISALLI was born in 1960, the son of a postal worker and a teacher. He grew up in one of the poorest and most notorious areas of Rome, the “Borghetto Prenestino”, made infamous by Pier Paolo Pasolini’s “Ragazzi di Vita”. His father died when he was 14 years old, an event which deeply affected his life. Francesco, an only child, was forced to look for a job to support his mother and pay for his studies. One of the teachers at the technical school he attended found him a place in his firm, which enabled him to enrol in a faculty of architecture and go to live by himself at the age of 19. Francesco was determined, but he was also very young, and work, study and a house demanded commitment and sacrifices. His degree, which would provide him with a better life, was still in the distant future and he felt angry. He was troubled, very alone and afraid; but preferring not to dwell on his own feelings, he sought distraction in sex, drugs and bad company, and become a political extremist. Then, when he was 21, he fell in love with a woman and followed her to Los Angeles: this was just the first of many transformations that would occur in his life. The woman he loved was rich and he lived surrounded by comfort. He continued to work, completing his studies, until he began to feel suffocated by the woman and her wealth. So he left everything and returned to Rome, where he could start afresh. Free and finally qualified, he set up a studio in his house, dedicating himself totally to his work. At 25 years of age, he finally met the woman that was to be his great love. They married and he began a spiritual journey with her that changed him profoundly, helping him to find the deep meaning of his life in the Catholic faith. The courage, faith and great strength of his marriage helped him to open up his professional life to success; he started his first design company, which produced important work in Italy and abroad, and then, still by himself, created two more companies. These were years of great victories, of economic fortune, of esteem and praise from many people, that were always accompanied by his deep faith and love for his wife. They were also years of miracles that he would never have dreamed of, such as the three children he had with his wife, even though medical opinion had declared him completely sterile. Then, at 43 years of age, everything ended; Francesco fell into bitter delusion, lost his faith, saw everything fall apart and left his wife: these were his years of exile. He continued to work, but knew that he was not free, experiencing disappointment, failure, frustration, sickness and solitude. He finally threw in the towel and closed everything down, spending his time doing nothing: he was now 50 years old and had lived more than enough; what was the point of continuing, if everything was finished? This was his darkest hour. On the night of 11 October, 2009, however, everything changed once more. Francesco picked up a pen and began to draw things he had never seen before. He spent the entire night drawing, continuing the next day, the following night and so on, for days on end. Francesco’s hand, as if guided by something divine, was rapidly moving around the white sheet of paper of its own joyful accord, producing fantastic drawings. Colours burst out and unusual shapes came to life from his hands. After a few weeks, the drawings became paintings. Although he had no knowledge of painting technique, he acquired it by working, finding within himself a style that already had its own very precise expressions and definition, which was his style. Each painting is a new discovery, and he deliberately keeps no records, does not study, has no desire to learn from others and does not look at the great masters, in order not to be conditioned by those that have preceded him. Visalli works like an erupting volcano, continuously drawing and painting whatever his instincts tell him. He passes through the classic creative phases, first producing the drawing and then choosing and applying the colours, without letting himself be encumbered by thought and without any mediation, almost as if in a trance. The relationship between the shapes and colour combinations in his paintings is the product of a harmony that is never deliberately sought, but discovered by chance each time. It is as if he unwraps each canvas to discover the colours that are already there, simply waiting to be revealed by him. He is amazed by the finished pictures that suddenly appear in front of him, like newly discovered portions of an unknown land, which is this strange new reality that he is living. Visalli did not consider and decide on painting as an alternative to his former profession; painting erupted into his life and chose him. His shapes and geometry are defined by a subtle white line that runs between the colours, which never touch each other. The line is left by the canvas, because it is the canvas that designs the painting; his falsely seraphic figures form a subtle aperture between the eye of the observer and the soul of their creator, who, as if hiding from himself, “wants” to calm the vortex of his dramas and victories behind those distant and rather absent forms; or else hurl himself courageously towards new and infinite horizons, where beyond one heaven lies another, in scenes of a cosmic reality. He obtains incongruous results, rather like quietly shouting at the top of one's voice, a freezing heat or a whirling stillness. His paintings bring to light his past and future life, without his involvement, like a flurry of pangs and torments viewed through the wrong end of a pair of binoculars, always moving a bit further beyond the heart, in an “Alternative Reality”.

francesco visalli

biography

francesco visalli realtà alternativa chiostro del bramante roma 2011

ISBN 978-88-6052-404-1

(Biography edited by “Ich Traume”) (I. € V. 2 A 5 . i ,0 nc 0 lu sa )

9 788860 524041

EDITORIALE GIORGIO MONDADORI

francesco visalli biografia FRANCESCO VISALLI nasce nel 1960, figlio di un impiegato delle poste e una maestra. Cresce in uno dei quartieri più poveri e malfamati di Roma, quel “Borghetto Prenestino” reso noto dai ragazzi di vita di Pierpaolo Pasolini. A 14 anni perde il padre e questo evento segnerà profondamente la sua vita. Francesco è figlio unico ed è costretto a cercarsi un lavoro per sostenere la madre e pagarsi gli studi. Uno dei professori della scuola per geometri che frequenta gli trova un impiego presso il suo studio, permettendogli così di iscriversi alla facoltà di architettura e, all’età di 19 anni, di andare a vivere da solo. Francesco è determinato, ma è anche molto giovane, il lavoro, lo studio e la casa esigono impegno e sacrifici, la laurea, che gli porterà una vita migliore, è lontana e lui si sente rabbioso. Spaventato e così solo, ha paura, ma preferisce non ascoltarsi e cerca il rumore del sesso, della droga e delle cattive amicizie, diventa un estremista politico. Poi, a 21 anni, s’innamora di una donna e la segue a Los Angeles: è solo la prima delle tante trasformazioni che si succederanno nella sua vita. La donna che ama è ricca e lui vive tra gli agi, continua a lavorare e completa gli studi fino a che non sente che lei e la sua ricchezza lo soffocano e allora molla tutto e torna a Roma, dove libero e finalmente laureato, può ricominciare allestendo uno studio in casa e dedicandosi totalmente al suo lavoro. A 25 anni, incontra finalmente la donna che sarà il suo grande amore, la sposa e con lei da inizio ad una ricerca spirituale che lo segna profondamente e gli permette di trovare nella fede cattolica il senso profondo della sua vita. Il coraggio, la fede e la grande forza dell’unione matrimoniale, gli permettono di spalancare la sua vita professionale al successo; nasce la sua prima società di progettazione, con la quale realizza grandi opere in Italia ed all’estero, poi, ancora da solo, fonda altre due società. Sono gli anni delle grandi vittorie, delle fortune economiche, della stima e degli omaggi ricevuti da tanti, sempre accompagnato da una fede profonda e dall’amore per la sua donna. E sono anche gli anni di miracoli che mai avrebbe sognato, come i tre figli avuti con la moglie, anche se la medicina ufficiale lo considera completamente sterile. Poi a 43 anni tutto finisce, una cocente delusione perde Francesco che non ha più fede, vede tutto rompersi e lascia la moglie: sono gli anni dell’esilio. Francesco continua il suo lavoro ma sa di non essere libero, sperimenta delusioni, fallimenti e frustrazioni, malattie e solitudine, poi abbandona la partita e chiude tutto, trascorrendo il suo tempo facendo niente: ormai ha 50 anni e ha vissuto troppo, perché continuare se tutto è finito? Ecco la notte più buia. Ma in quella notte dell’11 ottobre 2009 tutto cambia di nuovo. Francesco prende in mano una penna e inizia a disegnare cose mai viste prima, disegna tutta la notte, il giorno dopo e la notte successiva e continua così per giorni e giorni. Come guidata da qualcosa di divino, la mano di Francesco, felicemente libera da lui, corre veloce sulla carta bianca e scopre disegni fantastici. Sotto le sue mani esplodono i colori e insolite geometrie prendono vita. Dopo poche settimane i disegni diventano dipinti, la tecnica pittorica gli è sconosciuta ma lui la impara dipingendo, scoprendosi dentro uno stile che ha già espressioni e confini molto precisi e che è il suo stile. Ogni quadro è una nuova scoperta, e lui, volutamente, non si documenta, non studia, non vuole apprendere da altri, non guarda ai grandi maestri, perché non vuole essere condizionato da chi lo ha preceduto. Visalli lavora come un vulcano in eruzione, disegna e dipinge incessantemente quello che l’istinto gli detta, passa attraverso le classiche fasi creative, dal disegno e poi alla scelta e applicazione del colore, senza lasciarsi intralciare dall’intelletto, senza nessuna mediazione, quasi in trance. Nei suoi quadri il rapporto tra le forme e le combinazioni cromatiche, è figlio di un equilibrio mai cercato e ogni volta trovato fortuitamente. Come se scartasse ogni tela per scoprire i colori che, già presenti, aspettano solo di essere rivelati da lui. Rimane sbalordito davanti al quadro finito che improvvisamente gli si mostra, come fosse un nuovo frammento, appena scoperto, di quella terra sconosciuta che è questa nuova strana realtà che sta vivendo. Visalli non ha ponderato e scelto di dipingere come alternativa alla passata professione, è la pittura, che irrompendo nella sua vita, ha scelto lui. Le sue forme e geometrie sono definite da una sottile linea bianca che corre tra i colori i quali non si toccano mai, linea che è lasciata dalla tela, perché è la tela che disegna il dipinto; le sue figure fintamente serafiche sono un sottile diaframma tra l’occhio dello spettatore e l’animo del creatore che, come a nascondersi da se, “vuole” smorzare il vortice dei suoi drammi e delle sue vittorie dietro quelle forme lontane e un po’ assenti; oppure il lanciarsi con coraggio verso nuovi orizzonti infiniti, dove dietro un cielo c’è un altro cielo, scenari di una cosmica realtà. Ottiene opposti risultati, come potrebbero essere una calma urlata a squarciagola, una gelida arsura, una vorticosa immobilità. I suoi quadri, senza la sua partecipazione, rendono manifesta la sua vita passata e futura, un turbinio di spasimi e tormenti vissuti come dalla parte sbagliata di un binocolo, sempre spostati un po’ più in la dal cuore, in una ”Realtà Alternativa” (Biografia a cura di “Ich Traume”)


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francesco visalli realtĂ alternativa a mia madre | to my mother

EDITORIALE GIORGIO MONDADORI


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mostra personale | solo exhibition


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francesco visalli realtĂ alternativa roma dal 5 agosto al 10 settembre vernissage venerdĂŹ 5 ago finissage sabato 9 set chiostro del bramante via della pace

francescovisalli.it

b>ad

a cura di giovanni faccenda in collaborazione con giulia leporatti progetto di uros gorgone catalogo editoriale giorgio mondadori


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francesco visalli realtà alternativa A cura di | Cureted by Giovanni Faccenda in collaborazione con | in collaboration with Giulia Leporatti Chiostro del Bramante, Roma 5 agosto - 10 settembre 2011 5th august - 10th september 2011 Testo critico di | Critical text by Giovanni Faccenda Catalogo opere | Catalogue of paintings Giulia Leporatti Coordinamento generale | General co-ordination Uros Gorgone Foto opere | Photos paintings Marco Tinari Foto tavolozze | Photos palettes Pietro Guglielmino/img.lab Progetto grafico | Original design Armando Trionfetti Agenzia di comunicazione | Advertising and public relations b-ad> Roma Ufficio stampa | Press office Allegra Seganti, Flaminia Casucci Realizzazione editoriale | Editorial production b-ad> Impaginazione | Pagination Livia Sanseverino CAIRO PUBLISHING Direzione e Redazione | Administration and Editorial Corso Magenta, 55 20123 Milano, Italia Tel. 02433131 www.cairoeditore.it/libri

Redazione | Editorial Marco Boglioni Federica Porri Trasporti e allestimento | Transportation and installation Marco Pilati

ISBN 978-88-6052-404-1 Fotolito | Photolithography AG Media, Milano Stampa | Printing Cromografica Europea srl, Rho (Milano) Distributore esclusivo nelle librerie | Exclusive distribution to bookstores Messaggerie Libri S.p.A. Via Verdi, 8 - 20090 Assago (Milano) Copyright © 2011 Cairo Publishing srl Testi e foto Francesco Visalli | Text and photographs Francesco Visalli Riproduzione vietata, tutti i diritti riservati dalla legge sui diritti d’autore. Reproduction prohibited. All legal intellectual property rights are reserved.

Traduzioni | Translations Translated srl and Yasmin Randle Assicurazione | Insurance Ferbrokers S.p.A. Italiana Assicurazioni L’artista ringrazia | The artist thanks Giovanni Faccenda Giulia Leporatti Uros Gorgone Armando Trionfetti Elios Inverno Carlo Motta Marco Pilati Patrizia Polonio Balbi Emanuela Napoli


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6 Testo critico di | Critical text by Giovanni Faccenda

10 Miraggi dell’esistenza | Mirages of existence Testo critico di | Critical text by Giovanni Faccenda

14 Conosci te stesso (?) | Know thyself (?)

20 Parole d’artista | The artist’s words

23 Opere | Paintings

sommario | contents

Intime entità di un’altra dimensione | Intimate beings of another dimension


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Giovanni Faccenda Vi sono uomini i cui territori di escursione prediletti appartengono ad una natura immaginaria. Portati per temperamento verso il sogno (ad occhi aperti), a questo sovente si abbandonano per ritrovare appigli vitali, salutari quanto stimolanti. La realtà, per un simile, privilegiato genere di individui, è soltanto una rigida convenzione: un perimetro chiuso come le mura di un carcere dal quale indovinare ciò che c’è oltre. Non conoscevo fino a poco tempo fa, per mia ignoranza, il lavoro di Francesco Visalli. Un’amica preziosa, sensibile e illuminata – Luana Baraccani –, mi ha offerto lo spunto per colmare questa criticabile lacuna: una serie di riproduzioni subito eloquenti della bontà di dipinti aventi, fra gli altri, un merito peculiare: quello di essere originali. Pur diffidando, da sempre, delle impressioni ricavate da foto o moderni ausili digitali – la pittura esige altro tipo di contatto visivo, dal vero e diretto –, quei parziali riferimenti mi hanno immediatamente convinto ad approfondire la conoscenza dell’opera di Visalli, figura appartata e nobile in uno scenario contemporaneo dove brillano, purtroppo, altre e certo meno talentuose comparse. Superato l’intrigante approccio epidermico, le tele, abilmente portate a compimento da un pittore al quale non difettano talune coraggiose arditezze espressive, mostrano luoghi che non sono luoghi e uomini che non sono uomini. Diresti, piuttosto, guardando con la necessaria profondità ad essi, che si tratta di dimensioni e di entità vive nella mente di un artista, la cui maggiore urgenza è trasferire le medesime in una prospettiva squisitamente allusiva. In quelle forme accentuate, estranee a qualunque connotazione geografica o fisiognomica, albergano invero illusioni e scorie che evocano una nascosta esistenza, presente e passata: quella di Visalli. La figurazione echeggia cavernosi fremiti personali, nell’affermarsi di un miraggio iconografico che appare perfino terapeutico: si manifesta nella ricchezza di simboli trasfigurati, di scene abitate da miti ed archetipi, di un’aura sopraggiunta per pacificare intime irrequietezze o risvegliare trasognati abbandoni. Anche scorrendo rapidamente, con la memoria, l’ultimo secolo dell’arte, non è dato di incontrare alcuna fondata discendenza. Convergono, naturalmente, in una cifra creativa caratterizzata da un’evidente abilità immaginifica, i semi fecondi di una stagione surrealista meritoriamente visitata da Visalli nei giusti termini, senza, ovvero, quelle adesioni dolciastre, talvolta perfino simmetriche, che conducono al pericoloso precipizio dell’epigonato. In questo senso, giova semmai segnalare qualche altra nobile relazione, più a ritroso nel tempo, in cui, sfumati quanto si vuole, si riverberano tuttavia riflessi di ordine quattrocentesco e trecentesco, che rimandano agli esempi, illustri, di Paolo Uccello e Piero della Francesca, prima, Duccio di Buo-

Intime entità di un’altra dimensione «L’uomo in fondo ama quello che maggiormente gli ricorda queste visioni quasi subcoscienti, queste visioni che sono il suo mondo segreto, sconosciute agli altri e che nessuno può togliergli, perché questo mondo egli lo ha nel suo cervello». Giorgio de Chirico, Paesaggi, «L’Illustrazione italiana», Milano, 24 maggio 1942.

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ninsegna e Simone Martini, poi. Un esempio: L’alba di Madame Chisciotte – in modo, magari, del tutto inconsapevole – non racchiude, forse, una remota suggestione germinata dal Guidoriccio da Fogliano dell’impareggiabile Simone senese? È un uomo colto, Visalli: ha viaggiato, vissuto e letto. Dalla somma delle sue esperienze, umane e spirituali, discende il solido sostrato filosofico che accende di una luce particolare ogni sua composizione. Pittore visionario, ama comunque arricchire ogni rappresentazione di un arcano sapore esistenziale, misto di fragranze distinte: l’aspro e il dolce vi si mescolano, dando luogo ad un continuo senso di straniamento che interviene in chi guarda, stupito ed affascinato, i suoi quadri. Restano e si riaffermano questi, peraltro, quali ambiti pittorici colmi di domande irrisolte e, parimenti, fatti accertati, come conviene a chi è portato, per indole, ad interrogarsi costantemente e a non risparmiarsi nulla nella ricerca, difficoltosa e sconfinata, di quanto costituisca verità ultima. La mèta è questa. Dipingere, allora, significa indagare equilibri mentali instabili, rapporti umani precari, cosa rimanga nell’anima – e perché – come reminiscenza perennemente florida, capace di condizionare a tal punto, nel bene e nel male, il presente ed il futuro di un uomo. Da Diogene a Freud, passando per Nietzsche e Schopenhauer, varie e ricorrenti, dunque, sono le soste che costellano il vasto percorso intellettuale di Visalli. Giorgio de Chirico, da giovane, ebbe a scrivere: «Siamo viaggiatori sempre pronti per nuove partenze». Ma Itaca, per Odisseo, è lontana, e al ritorno si frappongono ostacoli di ogni tipo. Li conosce, Visalli, e sa quali monti, mari, secche, tempeste e perigli occorre affrontare per riuscire soltanto ad immaginare il sole dietro la montagna. Vive di questa rigogliosa radice onirica, una pittura – la sua – entro cui rassodano, certo, tante cicatrici indelebili, ma anche il tepore di raggi che gli hanno dischiuso la soglia di quelli che sarebbero stati i suoi nuovi giorni. Mi è caro infine pensare, vorticando con la fantasia, per quanto invitano, seducenti, a fare quelle sue antropomorfe entità – così le ho prima definite –, che egli abbia finalmente trovato la propria dimora elettiva in un’ideale Isola di Pasqua, altra rispetto a Rapa Nui, dove gli enormi Moai, orientati tutti verso un’unica direzione, sanno i segreti sconosciuti al mondo e a sera li raccontano sottovoce a chi, come Visalli, ha cuore ed orecchi per udirli.

Firenze, marzo 2011

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Giovanni Faccenda There are some men whose most cherished landscapes belong to an imaginary nature. Temperamentally driven towards dreaming (with their eyes open), they often lose themselves in it to find vital footholds, which are as salutary as they are stimulating. The reality, for this privileged kind of individual, is merely a rigid convention: a closed perimeter like the walls of a prison from where they can guess what lies beyond. Until a little while ago, out of ignorance, I knew nothing of the work of Francesco Visalli. Then, a most valued, sensitive and enlightened friend, Luana Baraccani, presented me with an opportunity to fill this lamentable gap - a series of reproductions that instantly expressed the merits of paintings which, amongst other virtues, possess one in particular: namely, that they are originals. Despite having always been wary of impressions derived from photos or modern digital devices – painting demands another type of visual contact, real and direct – I was immediately persuaded by those partial references I had seen to look further into the work of Visalli - a solitary, noble figure in a contemporary landscape where, sadly, other and certainly less talented figures tend to shine. Having got past the intriguing impact of their surface, the canvasses, ably brought to fruition by a painter who does not lack certain brave expressive audacities, show places that are not places and men who are not men. One might say instead that, after looking at them in sufficient depth, one sees dimensions and beings that live in the mind of an artist whose most urgent need is to transfer them using exquisitely allusive perspective. Those accentuated forms, alien to any type of geographical or physiognomic connotation, indeed are home to illusions and waste that evoke a hidden existence both present and past that of Visalli. The depiction is an echo of cavernous personal tremblings, by establishing an iconographic mirage that appears almost therapeutic: it manifests itself in the richness of transfigured symbols, scenes inhabited by legends and archetypes, with the presence of an aura to pacify intimate troubles or awaken dreamy abandonments. Even a rapid examination of the last century of art fails to produce any legitimate lineage. They bring together, naturally, in a creative figure characterised by an obviously imaginative ability, the fertile seeds of a surrealist season meritoriously treated by Visalli in the right measure, without, that is, those cloying adhesions, at times even symmetrical, that lead to the dangerous abyss of epigonism. In this sense, it is worth pointing out some other noble connections from further back in time, which, as hazy as they might be, nevertheless reverberate with reflections of the fourteenth and fifteenth centuries, evoking, first, the distinguished examples of Paolo Uccello and Piero della Francesca and then, Duccio di Buoninsegna and Simone Martini. An example: L’alba di Madame Chisciotte (Madame Quixote’s Dawn) – doesn’t this work contain a faint suggestion, perhaps even un-

Intimate beings of another dimension

“Man basically loves that which most reminds him of these almost subconscious visions, these visions which are his secret world, unknown to others and which no one can take away from him, because he keeps this world in his brain”. Giorgio de Chirico, Paesaggi, ‘L’Illustrazione italiana’, Milan, 24 May 1942.

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knowingly, originating from Guidoriccio da Fogliano by the incomparable Simone Martini? Visalli is a cultured man. He has travelled, lived and read. From the sum total of his experiences, human and spiritual, flows the sound philosophical substratum that gives each of his works a particular light. A visionary painter, who nevertheless loves to enrich every painting with an arcane existential flavour, a mixture of distinct fragrances: the sour and the sweet combine to give birth to a continuous feeling of alienation that comes to those who look at his paintings in spellbound astonishment. These remain and reaffirm themselves, moreover, as pictorial settings full of unanswered questions and, at the same time, established facts, as is appropriate for those who are inclined, by nature, to constantly question themselves and spare nothing in the difficult and endless pursuit for what constitutes the ultimate truth. This is the goal. Painting, therefore, means exploring unstable mental equilibriums, precarious human relationships and what remains in the soul – and why – as a perennially flourishing recollection, capable of conditioning to such an extent - for good or for bad - the present and the future of a man. From Diogenes to Freud, with Nietzsche and Schopenhauer along the way, the interludes with which Visalli’s extensive intellectual journey is peppered are therefore varied and recurrent. As a young man, Giorgio de Chirico once wrote: “We are travellers always ready for new departures”. However, for Odysseus, Ithaca is far away and his return is hindered by all sorts of obstacles. Visalli knows them and knows what peaks, seas, arid lands, tempests and perils need to be overcome in order just to imagine the sun behind the mountain. He feeds off the strong roots of his dream and his is a way of painting in which so many indelible scars have undoubtedly hardened, but where the warmth of the sun's rays have also opened up the threshold for what were to become his new days. Finally, it is dear to me to think, flitting around with my imagination, that, although those anthropomorphic beings - that’s how I labelled them earlier – are seductively calling us to do, he has finally found his chosen home on the perfect Easter Island, different from Rapa Nui, where the gigantic Moai, all facing in the same direction, know the hidden secrets of the world and in the evening they divulge them whispering to those who like Visalli, have a heart and ears to listen to them.

Florence, March 2011

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Giovanni Faccenda Miraggi dell’esistenza

«Da dove venga questo spazio in me non lo so.» Wislawa Szymborska, Grande numero, 1976

Torno a scrivere dell’opera di Francesco Visalli in coincidenza di una mostra destinata a costituire uno snodo decisivo nella carriera di questo apprezzato pittore. Non è soltanto l’importanza della sede, prestigiosissima, deputata ad accoglierla – ovvero il Chiostro del Bramante in Roma –, ma la consistenza stessa di quanto attentamente selezionato per l’occasione: in pratica, il lavoro dell’artista dalla fine del 2009 ai giorni a noi più prossimi. Quello che a qualcuno potrebbe sembrare un marginale riferimento cronologico è, al contrario, un dato fortemente emblematico: in circa due anni di febbrile attività, tra idilli, crisi, ansie, diffuse trepidazioni, Visalli non ha dipinto che una ventina di quadri: sempre più grandi per dimensioni, a dire il vero. In uno scenario artistico come quello attuale, contraddistinto da ingenti produzioni, necessarie per soddisfare i bulimici appetiti del mercato, un ragguaglio del genere attesta la bontà dell’impegno di un autore evidentemente disinteressato a simili consuetudini. Del resto, ogni risvolto della florida creatività di Visalli collima informato da una profondissima urgenza endogena: cercare tra i misteri radicati nella propria anima quelli, tanto seducenti e imperscrutabili, della pittura. Dipingere, così, diventa per lui una sorta di esercizio psicoanalitico insistito in quell’umbratile ambito della memoria dove l’esistenza deposita una moltitudine di scorie sempre toniche. Ne è pervaso il racconto, evocato, talvolta, da immagini che diresti familiari (Osteria, Le nozze, Rimpianto e speranza, Colazione da Tiffany, nn. 1, 2, 3, 6 del catalogo), tanto queste sono prossime al quotidiano di ciascuno: identico, ad esempio, è il senso di solitudine che è dato provare a chi si trovi a consumare solitario un pasto in un locale o a sedere, senza alcuna compagnia, in una panchina all’aperto. Resiste, tuttavia, l’idea di un raccoglimento che, per Visalli, è anche momento basilare: gli serve per fare chiarezza in se stesso, oppure per trovare, nel proprio caleidoscopio interiore, i semi, ubertosi, di figurazioni incombenti. Che egli rappresenti soprattutto ciò che nascostamente lo riguardi – anche attraverso curiose personificazioni, così come era solito fare, peraltro, Giorgio de Chirico –, risalta eloquente in talune vagheggiate composizioni (Musicista letterato, Poeta errante, nn. 4, 5). Ma sono principalmente i fondali, ai quali Visalli affida il ricordo dei luoghi che lo hanno accolto durante i suoi innumerevoli viaggi (Paesaggio 1 – Il borgo, Rimembranze, nn. 7, 8), a raccontarci, sottovoce, di nostalgiche avventure, perigli remoti e, finanche, della varietà di emozioni, fatalmente sospese tra la sofferenza e la gioia, divenute, adesso, appigli narrativi indispensabili. Il tempo, la vita, le esperienze hanno contribuito ad accentuare la sensibilità di Visalli, temperando, nell’intimo, le frizioni che hanno scosso talora i nervi più scoperti. Certo passato, a un tratto, riemerge così con l’effigie sibillina di una donna nella quale ne indovini cento altre (Doppiezza, Essa, Ella, Lei, Colei, nn. 9, 10, 11, 12, 13): affiora ossessiva – questa enigmatica presenza – dal peculiare ordito grafico, tra gradazioni cromatiche e trasparenze che esibiscono, tacite, le considerevoli qualità del pittore. Non è dato naturalmente

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sapere chi sia costei, e, in ogni caso, una sensazione analoga a quella avvertita al cospetto della Gioconda di Leonardo, vi aleggia intensa: l’ermetico rispecchiamento emotivo di chi l’ha ritratta. Anima gemella (n. 18), Infinita storia d’amore (n. 20)? Altro. Entità mentali di una «realtà alternativa» elucubrata dall’estro di Visalli. In questo modo nascono e trovano realizzazione le sue Visioni (nn. 14, 15, 16). Colori come stati d’animo vi convergono allagando di fascino prospettive oniriche abitate da miti e archetipi. Foreste di simboli 1. – le avrebbe dette Baudelaire –, nelle quali forme antropomorfe, affini ai Moai tipici dell’Isola di Pasqua, vivono una virtualità parallela. Una stasi inverosimile governa in spazi silenti che paiono appartenere ad una geografia lunare, quasi Visalli avesse inteso sigillare, in un compendio immaginifico, i singoli accadimenti di una lunga storia, riletta, ora, attraverso l’allegorica architettura di un mosaico, le cui tessere, frastagliate, suggeriscono domande irrisolte, asperità insuperabili. Di più: incrinati equilibri sentimentali che si riverberano, copiosi, all’interno di una riflessione colma di ciò che resta di illusioni ormai incenerite e incanti lontani (Pan d’oro, Alba di Madame Chisciotte, nn. 17, 19). Improvvisa, interviene nella pittura una bava tragica. Sciama dai versi di Wislawa Szymborska, La stanza del suicida (n. 21): Certo pensate che la stanza fosse vuota. E invece c’erano tre sedie con robusti schienali. Una lampada buona contro il buio. Una scrivania con sopra un portafoglio, giornali.². […] Un amico intellettuale si è suicidato senza lasciare nulla di scritto: nella stanza, restano soltanto i suoi oggetti a parlare di lui. Metafisica delle cose: Visalli ne partecipa lo spirito ancestrale e, insieme, il dominio eterno, prendendo spunto dal doloroso racconto lirico di una poetessa incline – come Leopardi – al pessimismo cosmico: […] Finiranno tra i rifiuti le scarpe, scomode testimoni. Il violino verrà preso dall’allievo meno dotato. Saranno tolti dagli spartiti i conti del macellaio. Le lettere della povera madre finiranno in pancia ai topi.³. […] Dinanzi ad un tale caos, divenuto anch’esso cosmico (n. 22), può essere utile e persino salutare riporre tutto in una grande Valigia (n. 23). Metterci dentro le città, i paesi, la gente, e ancora gli animali, i fiumi e gli alberi che hanno riempito di stupore o di malinconia i nostri occhi; i fremiti che hanno acceso o spento il cuore; le speranze sopravvissute fino al precipizio della verità o della disperazione. E partire. Per un viaggio – vero o immaginario, non importa – che abbia, come queste intriganti pitture di Visalli, un unico ordine: l’antico motto inciso sull’architrave del portale del tempio di Delfi. Gnōthi seautón (Conosci te stesso). Firenze, giugno 2011.

1. C. Baudelaire, Corrispondenze, da I fiori del male, 1857. 2. W. Szymborska, La stanza del suicida, da Grande numero, 1976. 3. W. Szymborska, Il classico, da Ogni caso, 1972.

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Giovanni Faccenda Mirages of existence

«I do not know where this space inside me comes from» Wislawa Szymborska: A Large Number, 1976

I return to writing about the work of Francesco Visalli on the occasion of an exhibition illustrating a decisive point in the career of this appreciated painter. The venue for the event, the prestigious Bramante Cloister in Rome, is itself important, but so is the actual content of the work chosen for display: his entire artistic production from the end of 2009 to the present day. In fact, what some may regard as a marginal interlude is a highly significant period in his career. In about two years of feverish activity, including times of happiness, crisis, and anxiety, Visalli has barely produced twenty paintings, of an ever-increasing size. In the current creative climate, characterized by the prolific production required to satisfy the insatiable market demands, Visalli stands out as an artist who is clearly uninterested in following such trends. The results of Visalli’s flourishing creativity relate to a deep internal urge: to explore, among the dilemmas rooted in his soul, the alluring and impenetrable mysteries of painting. Thus, painting becomes for him a sort of psychoanalytical exercise located in that subtle area of the memory where life deposits a mass of salutary detritus. There is the pervasive storyline, sometimes inherent in images that evoke the familiar (Tavern, The Wedding, Regret and Hope, Breakfast at Tiffany’s: numbers 1, 2, 3, and 6 in the catalogue). These are situations close to everyone’s daily life: such as the sense of solitude that overwhelms us when eating a solitary meal in a restaurant, or sitting alone on a bench in the open air. Nevertheless, there is a persistent idea of meditation, which is also a basic element for Visalli: he uses it to clarify his own thoughts, or to find, within his own inner kaleidoscope of ideas, the fertile seeds of impending creation. He principally represents events in which he is covertly involved: even using strange forms of personification, in the manner of Giorgio de Chirico. This is clearly evidenced in some of his contemplative works (Literate Musician, Wandering Poet: numbers 4 and 5). However, these are essentially the backdrop for Visalli’s memories of places he has visited during his many travels (Landscape 1 – The Village, Remembrances: numbers 7 and 8). He whispers us nostalgic stories of adventure, of far-off dangers, and of a whole range of emotions, from suffering to joy, now transformed into useful pretexts for storytelling. Life, experience, and the passage of time have all helped to develop Visalli’s sensitivity, mitigating the inner friction which sometimes shattered his most exposed nerves. The past suddenly re-emerges in the sibylline image of a woman in whom a hundred others can be distinguished (Duplicity, She, She, Her, She who: numbers 9, 10, 11, 12, and 13). This enigmatic presence crops up obsessively in a strange network of creativity, which with its subtle gradations and clarity of colour, demonstrates the considerable aptitude of the artist. We are never permitted to know, of course, who “she” really is, and so we experience a feeling analogous to that we experience in the presence of Leonardo’s “Giaconda”: the strange emotional mirroring of the artist and his subject (Kindred Soul (no. 18), Infinite Love Story (no. 20)? The mental construct of an «alternative reality» created by Visalli’s inspired imagination.

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In this way, his Visions (numbers. 14, 15, and 16) have been conceived and created. They are like states of mind converging together and spreading a fascinating, dreamlike atmosphere populated by myths and archetypal figures. Forests of Symbols1 – as Baudelaire would have said –, in which anthropomorphic forms, like the Moai found on Easter Island, exist in some parallel reality. An incredible stillness prevails in silent regions which seem to belong to a lunar landscape, as if Visalli´s aim had been to contain, in one highly imaginative volume of work, all the individual events of a long history, reread, now, in the allegorical structure of a mosaic, whose individual broken pieces suggest unanswered questions and insuperable obstacles. More than this: there are the reverberations of broken feelings inside a reflection filled with whatever now remains of shattered illusions and distant spells (Pan d’Oro, Madame Quixote’s Dawn: numbers 17 and 19). Suddenly, a tragic element intervenes in the work, taken from the verses of Wislawa Szymborska, The Suicide’s Room (no. 21): I’ll bet you think the room was empty. Wrong. There were three chairs with sturdy backs. A lamp, good for fighting the dark. A desk, and on the desk a wallet, some newspapers². […] An intellectual friend killed himself without leaving any sort of note behind: in the room there remains his personal objects to speak about him. The metaphysics of things: Visalli interprets their ancestral spirit and, at the same time, the eternal world, drawing inspiration from the mournful lyrical tale of a female poet who tends, like Leopardi, towards cosmic pessimism: […] The shoes will end up in the bin, uncomfortable witnesses. The violin will be take from the least able student. The butcher’s bills will be erased from the score. The letters of the poor mother will end up in the rats tummies³. […] In the face of such chaos, which has also become cosmic (no. 22), it might be useful and even salutary to put everything into one big Suitcase (no. 23). Let’s pack into it the city, the countries, the people, and then all the animals, the rivers and the trees, the sight of which has filled us with amazement or with melancholy; the palpitations which have started or stopped our hearts; the hopes that have survived until the abyss of truth or desperation. And let us leave. For a journey– real or imaginary, it doesn’t matter – which should have, like these intriguing pictures by Visalli, a single command behind it: the ancient saying carved into the architrave of the portal at the Temple of Delphi: Gnōthi seautón (Know Thyself).

1. C. Baudelaire, Corrispondence, from Les Fleurs du Mal, 1857. 2. W. Szymborska, The Suicide's room, from Grande numero, 1976. 3. W. Szymborska, The Classic, from Could Have, 1972.

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conosci te stesso (?) Il tempo che impiego a realizzare ogni singola opera, mi appare simile alla gestazione. Mai potrò lontanamente immaginare cosa sia una gravidanza, ma credo che il tormento, l’estasi, la sofferenza, la gioia, la distruzione, la voglia di vivere e di morire, il turbinio di emozioni che provo nell’anima e nel ventre mentre dipingo, possa essere simile ad essa. Ogni quadro finito è un figlio che non mi appartiene, ha una sua anima, una sua personalità, un suo carattere e un suo linguaggio: emana la sua essenza. Vivo due fasi creative distinte, prima il disegno e poi la pittura. Ma è errato dire “creative”. In realtà non creo niente, ma esploro e poi scopro. In questa funzione non esiste Francesco, non esiste Visalli, ma solo la guida di uno spirito che non controllo, usa il mio corpo per esplodere come un vulcano inarrestabile. Nel mentre vedo altri mondi, vedo le emozioni e le sensazioni materializzarsi, come vivere una trasformazione dallo stato gassoso a quello solido. Sento voci, gente che parla e mi racconta di scenari appartenenti ad altre dimensioni, da me vissute come reali e ad esse partecipo in una concreta realtà alternativa. E sono costretto a farlo, per non vedere la banalità e la noia di questo mondo nel quale vivo ormai come un alieno alienato. Banale e noioso tutto quello che mi circonda e che questo mondo propina, divulga e impone. Nel sentirmi alieno non dico di essere superiore o di vivere la verità, ma semplicemente la non appartenenza a questa dimensione. E’ qualcosa di soprannaturale che mi cattura nel corpo, nell’anima, nel cuore e nella mente. Non avverto più il trascorrere del tempo, ma appartengo al tempo, allo spazio, al cosmo e in esso fluttuo. Ecco cosa accade mentre dipingo. Poi finisce, poi torna, poi finisce ancora e torna ancora….ed io muoio e rinasco ogni volta. E’ sempre una devastazione, interiore ed esteriore. In continuo conflitto dicotomico, vivere e morire contemporaneamente; due entità, dapprima nette e contrapposte, che misteriosamente non si sdoppiano ma si fondono, per crearne una nuova consustanziale: una realtà alternativa. Non so quanto di questo sia reso visibile nei quadri che vengono fuori, la sola cosa che so è che questa, e solo questa, è la mia unica ed ultima vita. La tela… la tela è un ventre; il disegno… il disegno su di essa sono le ovaie; la tavolozza… la tavolozza sono i testicoli; il colore… il colore è lo sperma; il pennello… il pennello il pene che feconda la tela; il quadro… il quadro terminato è l’essere che viene alla vita. Così si compie il ciclo della vita ed ogni volta io sono colui che muore e rinasce. Non so come cazzo spiegarlo… probabilmente sono solo impazzito e un unico interrogativo rimane: chi disegna e dipinge la mia vita?

francesco visalli

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know thyself (?) The time I use to create each single piece seems to me to resemble a gestation period. I cannot even begin to imagine what it is like to be pregnant, but I think the torment, the ecstasy, the suffering, the joy, the destruction, the desire to live and die, the whirlwind of emotions that I feel in my soul and in my gut while I paint could be similar to a pregnancy. Every finished painting is a child that does not belong to me, it has its own soul, its own personality, its own character and its own language: it emits its own essence. I go through two distinctive creative phases, first drawing and then painting. But it is wrong to use the term “creative�. In reality I don't create anything, I just explore and then discover. In this sense Francesco does not exist, Visalli does not exist, but only a guiding spirit which I do not control, it uses my body to erupt forth like a volcano. Meanwhile, I see other worlds, I see the emotions and the sensations materialize before me, like going through the transformation from a gaseous state to a solid state. I hear voices, people that talk to me and tell me of scenes that belong to other dimensions, which I experience as real, and through them I take part in a concrete alternative reality. I am forced to do this in order not to see the banality and the drudgery of this world, which I now live in as an alien. Everything that surrounds me and everything that this world has to offer and forces upon us is banal and boring. In considering myself an alien I do not mean that I am superior or own the truth, I simply do not belong in this earthly dimension. Something supernatural captures my body, my soul, my heart and my mind. I do not feel the passing of time, but I belong to time, to space, to the cosmos and I float within it. This is what happens when I paint. Then it stops, comes back, stops again and then comes back again...and I die and am born again. It's always an inner and outer destruction in a continuous dichotomous conflict, living and dying simultaneously; two clear and conflicting entities that mysteriously do not split but rather merge to create a new being: an alternative reality. I do not know how much of this can be seen in my paintings but the only thing that I know is this, and only this: it is my one and only life. The canvas....the canvas is a uterus; the drawings....the drawings on the canvas are the ovaries; the palette....the palette is the testicles; the colour....the colour is the sperm; the paintbrush....the paintbrush is the penis that impregnates the canvas; the painting...the finished painting is the being that comes to life. Thus the cycle of life is fulfilled and every time I am the one that dies and comes back to life again. I don't know how the fuck to explain it...maybe I'm just crazy and only one question remains: who draws and paints my life?

francesco visalli

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parole d’artista

the artist’s words

… non sono il Pittore … non sono l’Artista… sono semplicemente uno strumento. I quadri realizzati e quelli che spero verranno, sono l’espressione di un’anima profonda a me ancora sconosciuta che opera in assoluta libertà, alla quale ho solo prestato la mano. Uno spirito interiore che non sapevo di avere… è emerso improvvisamente, non mi ha avvisato, non ha dato cenni di presenza, è esploso come un vulcano annientandomi. Volevo morire e non potevo trovare morte migliore. I quadri non li faccio, appaiono. Inizio a disegnare senza sapere dove arriverò, applico i colori senza sceglierli… tutto si rivela a me manifestandosi liberamente e per puro istinto. Solo dopo aver terminato un quadro mi rendo conto del risultato, resto incredulo ed è sempre una sorpresa, una nuova scoperta. Mai ho dipinto in vita mia e mai ho pensato di farlo. Non seguo un percorso di ricerca, tantomeno voglio trasmettere un messaggio attraverso la pittura… e mi auguro che tutto resti tale, cioè libero ed umile. Non saprei dire realmente ogni quadro cosa rappresenta; generato istintivamente, ne intuisco l’ispirazione a posteriori, a quadro finito. Con la libertà che ho vissuto nel farli, spero che chi li guarda, altrettanto liberamente, possa trovarci qualcosa che gli appartiene, una qualsiasi sensazione, un’emozione, vederci quello che vuole e che più desidera.

… I'm not the painter... I'm not the artist... I am simply a tool. The paintings that have been finished, and those I hope are still to come, are the expressions of a deep soul that remains a mystery to me. It works with complete freedom, I merely lend it the use of my hand. It's an internal spirit I never knew I had... it emerged unexpectedly, without any warning. It showed no signs of its presence then exploded like a volcano, annihilating me. I wanted to die and I couldn't have found a better death. I don't create the paintings, they appear. I start drawing without knowing where it will lead me, I apply the colours without even choosing them... all is revealed to me as it materializes freely and by pure instinct. It is only when a painting is finished that I understand the result. I'm stunned and it's always a surprise, a new discovery. I have never painted in my life and I never thought of doing so. I don't aim to follow a particular line of exploration, nor do I want to convey a message through the painting... and I hope it remains that way, which is to say, free and humble. I'm not really able to explain what each painting represents; they are generated instinctively, I view the inspiration behind them a posteriori, through the finished painting. Having experienced great freedom in making them, I hope that those who see them, with equal freedom, are able to find something in them that belongs to them, a sensation, an emotion, and that they see what they want and most desire.

… un solo grazie… grazie a Dio.

… there is just one person to thank… God.

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a cura di | curated by Giulia Leporatti

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catalogo delle opere | catalogue of paintings

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01 osteria | tavern olio su tela | oil on canvas 60 x 42 - 2009

traccia - ottobre 2009

tavolozza

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1. Osteria, 2009 Olio su tela, cm 60 x 42. Si sovrappongono piani di «solitudine» entro lo spazio isolato della scena di Osteria; volumi geometrici e lineari definiti da campiture cromatiche omogenee, si staccano dalle pennellate decise del fondo azzurro, sottolineando il distacco vissuto dal soggetto rispetto alla realtà. Un uomo solo seduto al tavolo, di fronte a una bottiglia e un bicchiere di vino rosso, pare rifugiarsi in un’angosciosa intimità evidenziata dal nero della sedia che lo sovrasta e permea le superfici del suo volto. Perfino la purezza del bianco sul corpo sembra essere fallace apparenza, quando il colore che cede ai vortici del pennello si sfalda lasciando emergere il blu sottostante. In secondo piano si staglia un’indefinita figura luminosa, il cui unico rapporto con il protagonista dell’opera è forse il richiamo cromatico nell’occhio di quest’ultimo, che si deforma verso il basso quasi a suggerire una nascente lacrima. In alto a destra grafiche fiammelle rosse e ocra rompono lo scenario fluido come scintille di calore, metafore di pensieri affogati nel bruciore dell’alcool. 1. Tavern, 2009 Oil on canvas, 60 x 42 cm. There are superimposed layers of «solitude» in the isolated room depicted in the Tavern. Geometric, linear shapes, set against a backdrop in a single colour, break away from the decisive brush-strokes of the blue ground, emphasizing the detachment of the subject’s existence from reality. A single man seated at a table, facing a bottle and a glass of red wine, seems to be withdrawing into a personal agony, underlined by the darkness of the chair which looms over him and permeates the surface of his face. Even the pure white of his body seems illusory in its appearance, when the colour which yields to the swirling brush-strokes breaks up to reveal the underlying blue. In the background, a vague, luminous figure is shown, whose only relationship with the subject of the piece is possibly an echo of colour reflected in his eye, which drifts downwards in a way almost suggesting a tear. In the top right hand corner, red and ochre-coloured flames break into the watery backdrop like hot sparks: symbolizing thoughts being drowned in the fumes of alcohol.

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02 le nozze | the wedding olio su tela | oil on canvas 69 x 77 - 2009

traccia - ottobre 2009

tavolozza

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2. Le nozze, 2009 Olio su tela, cm 69 x 77. Due vite si giurano amore di fronte alle persone più care, nello spazio divenuto sacro proprio per la celebrazione del vincolo eterno. Siamo chiamati ad essere spettatori privilegiati di tale promessa, gli unici in grado di vedere i luccichii dorati negli occhi degli sposi, mentre gli invitati si dispongono alle loro spalle lungo linee prospettiche suggerite dal pavimento. Si apre la strada che condurrà le due anime insieme verso un futuro tanto atteso, e quei desideri di un avvenire luminoso si cristallizzano nel portone sul fondo. Il bianco e il nero delle figure è sobriamente ravvivato dal bouquet della sposa e dalla composizione floreale a destra. Intervalli di un azzurro energico tra gli archi, sono campiture di atmosfera fresca e vivace come le emozioni degli innamorati. L’intensità del momento è incontenibile, rompe l’architettura a sinistra tingendo il suo spessore di rosso, il colore della passione. Tuttavia questa lacerazione e il bianco della porta spezzata, sono allo stesso tempo vie d’accesso al dubbio che solo un legame solido nel tempo potrà davvero scongiurare. 2. The wedding, 2009 Oil on canvas, 69 x 77 cm. Two lives pledge their love for each other in front of their nearest and dearest, in a space which has taken on a sacred quality to celebrate this eternal bond. We are summoned to be privileged witnesses of this vow, the only ones to see the golden sparks in the couple’s eyes, while the guests are arranged behind them in lines following the diminishing perspective of the paved floor. The road which will lead these two united souls to their eagerly anticipated life together opens up, and those desires for a bright future are crystallized in the doorway in the background. The black and white of the figures is subtly brightened by the bride’s bouquet and the floral decoration on the right. The splashes of strong turquoise between the arches in the background provide a fresh lively atmosphere, reflecting the feelings of the lovers. The intensity of the moment is uncontrollable; it breaks the construction on the left, staining it with red, the colour of passion. Nevertheless, this rent in the fabric, together with the white of the broken door, are simultaneously means of access for that element of doubt that can only really be suppressed by a bond forged over time.

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03 rimpianto e speranza | regret and hope olio su tela | oil on canvas 48 x 70 - 2009

traccia - ottobre 2009

tavolozza

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3. Rimpianto e speranza, 2009 Olio su tela, cm 48 x 70. Ancora una volta Visalli costruisce la scena per favorire il coinvolgimento dello spettatore. L’invito a penetrare la dimensione emotiva dell’opera ci è posto dal personaggio principale seduto sulla panchina in primo piano: il corpo violaceo contratto in una posa di sofferenza; l’espressione annientata nei pensieri di tempi perduti; una lacrima dorata solca di tristezza il nero del volto. La seduta è il confine di uno stato d’anima dal quale le tre figure di spalle vengono escluse. Una divisione sottolineata dai colori: cupi per chi vive afflitto nel rimpianto; oro per chi è estraneo alla solitudine del protagonista. La composizione è costruita con straordinario equilibrio cromatico, il blu e il nero delimitano la scena mentre caldi aranci e ocra si schiudono dalla fascia centrale dilatandosi attraverso i rami dell’albero. Proprio quest’ultimo potrebbe costituire la speranza di ritrovare la felicità, di attingere simbolicamente a quella linfa vitale che la corteccia offre, seguendo le geometriche fronde verso l’ignoto azzurro svelato dagli archi. 3. Regret and hope, 2009 Oil on canvas, 48 x 70 cm. Once again, Visalli constructs a scene which requires the participation of the onlookers. The invitation to enter the emotional dimension of the work is extended by the main figure seated on a bench in the foreground. His purplish body is twisted in an attitude of suffering; his expression is shattered by thoughts of lost time, with a golden tear running sadly down his black face. The bench forms the barrier to a state of mind from which the three figures behind are excluded. This sense of division is underlined by the difference in colour: sombre tones for the being afflicted by regret; gold for those exempted from his solitude. The composition of the work is distinguished by an extraordinary balance of colours, with blue and black framing the scene, while warm oranges and ochre leap out at us from the central section, extending into the branches of the tree. It could be just this which constitutes the hope of rediscovering happiness, of symbolically tapping into that vital sap provided by the bark of the tree, and of following the geometric branches towards the blue unknown revealed between the arches.

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04 musicista letterato | literate musician olio su tela | oil on canvas 70 x 50 - 2009

tavolozza

traccia - ottobre 2009

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4. Musicista letterato, 2009 Olio su tela, cm 70 x 50. Visalli ha incaricato il Musicista letterato di intonare un inno all’Arte e alla cultura che è sostegno di tutte le sue forme espressive. Il protagonista in primo piano ha due libri sottobraccio, richiami dello studio necessario a una valida produzione artistica; i capelli spettinati di chi non ha tempo per le cure esteriori perché completamente dedito a un’interiorità creativa; il manto dorato che lo avvolge di originalità. Alle sue spalle due chitarre daranno voce a brillanti pensieri mentre le note fluttuano nel cielo solcato dalle linee sinuose di un pentagramma immaginario. La composizione ha origine su un piano concreto dove risiede la figura principale; da qui la realtà sfocia in una proiezione fantastica che vede il materializzarsi dell’inventio su uno spazio fertile di colori, terreno idoneo ad accudire la neonata melodia. In alto il blu diviene spartito per il libero componimento musicale, metafora dello spirito che si eleva durante l’ascolto di una sinfonia coinvolgente. La scena è dunque la felice testimonianza di un uomo che si realizza nell’Arte, vera regina delle sue idee. 4. Literate musician, 2009 Oil on canvas, 70 x 50 cm. Visalli has appointed the Scholar musician to sing an ode to art, and to the culture which sustains all forms of expression. The subject in the foreground has two books under his arm, reminding us of the study required for proper artistic output; hes uncombed hair of someone who has no time for tending his external appearance because he is completely dedicated to a creative inwardness; and a golden cloak to signify his originality. Behind him, two guitars give voice to his brilliant thoughts, while the notes flutter in the sky, furrowed by the sinuous lines of an imaginary stave. The composition rises from a solid base where the principal figure is standing. From here, reality turns into a projection of the imagination, where invention materializes in a space full of colour, the perfect environment for nursing the new-born melody. Above, the blueness is split apart by the free musical element, emblematic of the spirit soaring during a powerful symphonic performance. The scene is therefore the joyful testimony of a man who fulfils himself in Art, the true monarch of his inspiration.

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a mio figlio Samuele | to my son Samuele

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05 poeta errante | wandering poet olio su tela | oil on canvas 70 x 50 - 2009

traccia - ottobre 2009

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5. Poeta errante, 2009 Olio su tela, cm 70 x 50. Il vento silenzioso scuote le fronde dell’albero spoglio e solleva la sciarpa del Poeta errante. Lo scenario di una notte «galattica» è il non-luogo in cui la figura si è spinta alla ricerca di una valida ispirazione. Campiture di tinte omogenee si estendono entro forme delineate di bianco; piani definiti che si incastrano per dare vita alla composizione di grande espressività. Le stelle, tanti punti bianchi di varie dimensioni, bucano il cielo nero e offrono barlumi di profondità al quadro privo di sfumature volumetriche e accenni di spazio. Visalli spinge i colori al massimo della piattezza nell’intento di ricreare la sensazione di smarrimento che il soggetto ha scelto di vivere vagando senza meta nella notte. Tre fasce orizzontali dividono la tela: in basso l’azzurro suggerisce il cammino del poeta su una strada acciottolata; il rosso intermedio è un panorama acceso al quale rivolgere lo sguardo; il cielo è terso e concede un po’ di luce al viaggio intrapreso. La figura è pronta a muoversi ancora, mentre l’albero arancione sembra opporsi a tale tendenza e porge i suoi rami alla luna. 5. Wandering poet, 2009 Oil on canvas, 70 x 50 cm. The silent wind shakes the bare branches of the tree and lifts the scarf of the Wandering poet. The setting of a «galactic» night is the non-place in which the figure is impelled to wander in search of true inspiration. Backdrops painted in single colours extend between shapes outlined in white; distinctive planes which interlock to give vitality to this highly expressive composition. The stars, a series of white dots of varying sizes, perforate the sky and give a hint of depth to a painting without the usual indications of volume and space. Visalli pushes the colours to their maximum flatness, in order to recreate the feeling of loss that the figure has chosen to endure, wandering aimlessly though the night. Three horizontal bands divide the canvas: at the bottom, the blue strip suggests the poet’s path along a stony road; the red in the centre is a burning landscape which attracts the eye; the sky is bright, allowing the traveller a little light for his journey. The figure is preparing to move on again, but the orange tree seems opposed to such an idea and stretches its branches to the moon.

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a mio figlio Gioele | to my son Gioele

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06 colazione da tiffany | breakfast at tiffany’s olio su tela | oil on canvas 83 x 120 - 2009

traccia - ottobre 2009

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6. Colazione da Tiffany, 2009 Olio su tela, cm 83 x 120. Il classico del cinema offre lo spunto per una riflessione sulla modernità in cui il sogno di ricchezza è un desiderio mai appagato e finisce per condurre a uno stato costante di insoddisfazione. La protagonista siede al prezioso tavolo purpureo sul quale sono esposti gli oggetti che è pronta a possedere. Evidente il richiamo alla Hepburn nell’accenno al tubino nero e ai guanti, qui bianchi per contrasto, ma soprattutto nell’inconfondibile sigaretta col bocchino che Visalli accende di tinte vivaci. Sola, accanto a una sedia vuota, fuma dando le spalle a due enigmatiche figure che sembrano esserle complici, sotto gli occhi di chi osserva con un po’ di invidia la sua ricca apparenza, ignaro di un’interiorità triste e vuota. Colori brillanti dominano con eleganza l’interno della scena, mezzi efficaci per la proiezione di una dimensione che è tutta esteriore. Per contro fuori c’è un mondo schermato da vetrate giallastre, dove fantasie cromatiche si annullano nell’unico tono prevalente; una realtà fatta di persone comuni, bramose inconsapevoli della pochezza di una felicità finta. 6. Breakfast at Tiffany’s, 2009 Oil on canvas, 83 x 120 cm. The cinema classic prompted the artist to reflect upon contemporary life, where the appetite for wealth is a desire which can never be wholly requited, leading to a constant state of dissatisfaction. The subject of the painting is seated at a precious purple-coloured table, on which the objects she is prepared to possess are set out. There is a clear reference to Hepburn in the black sheath dress and the gloves white by contrast, but above all in the unmistakable cigarette holder, which Visalli paints in vivid colours. Alone, next to an empty chair, she is smoking- turning her back on two enigmatic figures who seem to be her accomplices. They regard her with a degree of envy for her rich appearance, ignorant of her inner sadness and emptiness. The internal setting is dominated by bright colours, an effective means of illustrating a dimension that is wholly external. By contrast, there is another world screened out by the yellowish windows, where fantastic images blend into the single tone. This is a reality made up of ordinary people, greedy for riches, but ignorant of the pettiness of this artificial happiness.

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07 paesaggio 1 - il borgo | landscape 1 - the village olio su tela | oil on canvas 40 x 397 - 2009

traccia - ottobre 2009

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7. Paesaggio 1 – Il borgo, 2009 Olio su tela, cm 40 x 397. Tutta l’originalità di Visalli si estende nella panoramica grandangolare de Il Borgo. Sulla scia delle grandi pitture di città ideali, l’artista individua un punto di fuga centrale che orienta razionalmente il suo visionario progetto: una piccola semisfera verde all’orizzonte sembra essere il sole che ordina la scena e ha acceso il cielo di un magico tramonto verde. Da qui la composizione si costruisce secondo un andamento centrifugo che articola la figurazione moltiplicandone gli elementi in prossimità delle estremità laterali. Il piccolo villaggio è un mosaico di tasselli rossi e arancioni coronati da tetti blu come pagode e si dispone in profondità lungo un sottile ruscello; sulla piatta distesa azzurra si ergono sequenze di archi deformi ed alberi viola ricchi di rami spogli. Gli uccelli aprono le ali al vento che immaginiamo accompagnarli nel volo e agitare l’elica sull’alta torre, mentre il tempo muove con lentezza le lancette dei due orologi. Spettatori di un mondo tranquillo, tre eleganti personaggi si fermano ai confini del paese irreale quasi a volerne preservare l’idillio. 7. Landscape 1 – The Village, 2009 Oil on canvas, 40 x 397cm. All of Visalli’s creative originality is on display in his wide-angle vision of The Village. Adopting the example of great paintings of ideal cities, the artist identifies a central vanishing point which helps give rational organization to his visionary progect: a small green semi-circle poised on the horizon appears to be the sun, giving order to the scene and lighting up the sky with a magical green sunset. From here, the composition is built up in a spinning pattern which structures the design, multiplying the elements within it towards the extremities of both sides. The little village is a mosaic of red and orange tiles, crowned by blue roofs like pagodas, and disappearing into the distance along the banks of a small stream. On the flat blue expanse stand a series of crooked arches, and a number of violet-coloured trees with a jumble of bare branches. The birds open their wings to the wind, which we imagine accompanying them in their flight, and it shakes the vane on the tall tower, while time slowly moves the hands on the two clocks. Witnesses to a tranquil world, three smart-looking people pause on the outskirts of this imaginary village, almost as if they want to preserve the idyll.

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08 rimembranze | remembrances olio su tela | oil on canvas 85 x 120 - 2009

traccia - ottobre 2009

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8. Rimembranze, 2009 Olio su tela, cm 85 x 120. Lo spazio di Rimembranze è avvolgente come un ricordo che avverti ancora vivo. La realtà del personaggio in primo piano cede il posto alla profondità di uno stato mentale al quale Visalli ha libero accesso; i pensieri divengono forme e colori, metafore di una dimensione non esclusiva del protagonista ma oggettivamente riferibile ad ognuno di noi. Una curva di archi, dal viola all’arancione, è la struttura archetipica dal sapore quasi sacrale, fondamento di un passato comune segnato dalle crepe del tempo, che perpetua la sua immagine nel presente. Numerose sono le porte che sfociano nella campitura blu dalla quale attingere reminiscenze o proiezioni di sogni futuri. La scia verde alle spalle della figura è il terreno «erboso» di ricordi a lei più prossimi, mentre il cielo scuro non si illumina di stelle ma intesse una rete di fiori gialli, costellazione di momenti da rimembrare. L’andamento circolare della composizione suggerisce l’unità istauratasi tra le esperienze personali, la memoria collettiva e il presente vissuto dal soggetto dell’opera. 8. Remembrances, 2009 Oil on canvas, 85 x 120 cm. The space in Remembrances wraps around us, like a memory that lingers on. The reality of the person in the foreground surrenders to the inner depths of a mental state to which Visalli has free access. The individual’s thoughts are transformed into shapes and colours, exemplifying a situation not exclusive to the subject but objectively attributable to each one of us. A series of arches, from violet to orange, is an archetypal structure with an almost sacred aura, the basis of a common past indicated by the cracks of time, perpetuating its identity into the present. There are many gateways opening onto the blue background, from which to draw reminiscences or project future dreams. The green wake curving behind the figure is the «grassy» terrain of closest memories, while the dark sky is not lit up by stars but interwoven with a network of yellow flowers, constellations of moments of remembrance. The circular movement of the composition suggests cohesion is established between personal experiences, collective memory, and the present experience of the subject of the work.

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09 doppiezza | duplicity olio su tela | oil on canvas 60 x 49 - 2009

traccia - ottobre 2009

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9. Doppiezza, 2009 Olio su tela, cm 60 x 49. Visalli sublima la dicotomia caratteristica delle sue tele in un’opera che è immagine stessa del dualismo umano: essere e apparire, volere e dovere spaccano la figura e lo spazio circostante. A destra tutto è preciso e disteso: il volto blu ha i tratti di un’espressione serena e composta; i capelli sono sciolti in delicate tinte viola e scivolano sul busto che è un blocco porpora decorato da linee bianche e curve. A sinistra l’ordine è infranto: i colori si fanno cupi e le forme più spigolose; la bocca si spalanca di rosso con una smorfia che contrae la guancia sollevando lo zigomo; la chioma si spezza annullando i riflessi corposi in brandelli di campiture piatte; il corpo è un’insieme di forme appuntite il cui incastro geometrico spinge in alto la spalla accelerando il processo di frantumazione in atto. Lo sfondo segue le fisionomie delle due metà: leggerissimi tratti ondulati fanno vibrare armonicamente l’oro di destra mentre a sinistra l’ocra scende verso marroni sempre più scuri lungo l’angolosa scala cromatica. Doppiezza è un grido di disagio soffocato da una maschera di benessere apparente, l’interiorità costretta a sgretolarsi perché privata di ogni libero sfogo. 9. Duplicity, 2009 Oil on canvas, 60 x 49 cm. Visalli expresses a typical dichotomy of his paintings in a work which itself is an image of human dualism. Substance and appearance, will and duty, divide both the figure and the surrounding space. On the right, everything is carefully laid out and precise: the blue face has a serene, composed expression; the loose hair is coloured a delicate mauve, tumbling onto a purple breast decorated with white curving lines. On the left, on the other hand, the order is shattered: the colours become dark and the shapes more angular; the red mouth is open in a grimace which contorts the cheek and raises the cheekbone; the hair is torn apart, reducing the rich tresses into shreds on a flat backdrop. The body is a collection of pointed shapes, whose geometric joints force the shoulder upwards, increasing the process of break-up. The background echoes the expressions of the two halves: gently waving lines vibrate in harmony with the gold on the right; while on the left, the ochre descends into brown, in an angular scale of darkening colours. Duplicity is a cry of distress, suffocated by a mask of apparent wellbeing, the inner self forced to disintegrate because it is deprived of every outlet.

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10 essa | she olio su tela | oil on canvas 75 x 50 - 2011

traccia - ottobre 2009

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10. Essa, 2011 Olio su tela, cm 75 x 50. Essa si inserisce tra le riflessioni pittoriche compiute da Visalli per una serie di diverse figure femminili. Il titolo resta vago poiché non intende identificare un soggetto preciso, quanto proporre uno tra i modelli universali di donna. Come sempre l’artista non si è fermato a un’osservazione superficiale ma ha espresso sulla tela un concetto ben più complesso di identità interiore resa manifesta da specifici connotati esteriori. Di certo l’espressione sorridente della protagonista ci fa sperare che un qualche equilibrio psico-fisico sia stato raggiunto. A confermarlo sono le forme e i colori dello sfondo, così stranamente tenui per la tavolozza dell’artista, delicati nell’irradiarsi in tante materiche fiammelle verso i confini del quadro. Netto è il contrasto con i toni decisi della figura, la cui pelle bruna e luminosa accende l’atmosfera di un rassicurante tepore mediterraneo. Visalli, però, non cede a facili interpretazioni e arricchisce l’opera di nuovi interrogativi: riaffiora, infatti, quello sdoppiamento tipico vissuto dai suoi personaggi, nei capelli che da neri divengono rosso porpora, nell’occhio che scivola verso il basso e nel busto che si allarga in un volume asimmetrico, rispetto al collo sottile e allungato. 10. She, 2011 Oil on canvas, 75 x 50 cm. She is one of the pictorial studies completed by Visalli as part of a series of different female figures. The title remains vague because he does not wish to identify a precise subject, but rather to offer us one of the universal models of woman. As always, the artist has not restricted himself to a superficial observation, but has expressed a much more complex concept of inner identity on this canvas, indicated by specific external characteristics. The smiling expression of the subject certainly makes us hope that she has reached a state of psycho-physical equilibrium. The shapes and colours in the background seem to confirm this: strangely delicate compared to the artist’s usual palette, radiating outwards in subtle flames towards the edges of the picture. They make a sharp contrast with the definite colours of the figure, whose glowing brown skin lends an atmosphere of reassuring Mediterranean warmth. Visalli, however, does not fall victim to facile interpretations, and enriches the work with some new questions: in fact, that typical double life of many of his characters resurfaces here, in the hair that turns from black to reddish purple, in the eye sliding downwards, and in the asymmetric breasts framing the long, thin neck.

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11 ella | she olio su tela | oil on canvas 100 x 63 - 2011

traccia - ottobre 2009

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11. Ella, 2011 Olio su tela, cm 100 x 63. Un’immagine densa di contrasti rivela la complessità del nuovo tipo femminile a cui Visalli dedica un ritratto. Lo sfondo, trattato con un modulo geometrico alveolare, familiare al repertorio segnico dell’artista, conduce a uno spazio bianco accecante che lascia aperte future possibilità e allo stesso tempo pare inghiottire tutto ciò che è già stato impresso sulla tela. Il corpo di Ella è un abbozzo privo di braccia che non rinuncia però ad alcuni dettagli esteriori, quali lo scialle sull’abito bordeaux, un angolo di calda solarità in mezzo al mare di tinte fredde, e la collana di pietre azzurre, prezioso gioiello in cui riconoscere un’elegante femminilità. La fisionomia del volto è fatta di tratti sottili ed ambigui, che si confondono con il gelido pallore epidermico soffocato dalla folta chioma violacea. Quest’ultima mostra un’asimmetria che rimarca il profondo dualismo, già riscontrato nello sdoppiamento dei tratti somatici, caratteristico dei personaggi di Visalli. Tuttavia l’espressione appare complessivamente tranquilla e il fondo, filtrato dal reticolo bianco, nonostante quel vuoto apparentemente insanabile, regala spiragli di un sereno azzurro cielo. 11. She, 2011 Oil on canvas, 100 x 63 cm. An image rich with contrasts reveals the complex nature of the new type of woman to whom Visalli has dedicated this portrait. The background, made up of geometric honeycomb shapes, a familiar tool of the artist, leads us to a dazzling white space. This leaves open future possibilities but, at the same time, seems to devour everything that has been put down on the canvas. The body of She is an outline without arms, although she is still allowed certain external details: such as the shawl over her bordeaux dress, a hint of real warmth in a sea of cold tones, and the necklace of blue stones, a precious item of jewellery which hints at her feminine elegance. The features of the face are composed of thin, ambiguous lines, which merge into the icy pallor of the skin, covered by the thick mane of violet hair. This also displays an asymmetry, which demonstrates the profound dualism, already encountered in the split characteristics which typify Visalli’s subjects. Nevertheless, the expression on the face seems generally tranquil and, despite the apparently irreconcilable empty space, the background, viewed though the white lattice-work, gives us glimpses of a clear blue sky.

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12 lei | she olio su tela | oil on canvas 70 x 50 - 2011

tavolozza

traccia - ottobre 2009


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12. Lei, 2011 Olio su tela, cm 70 x 50. Il fascino di una femminilità dalle forme accattivanti si tinge di mistero nella fisionomia appena accennata del volto di Lei. L’incarnato roseo si mostra prezioso tra le geometrie concatenate del busto ed è un angolo di delicata nudità nella confusa sovrapposizione di piani: dal nero al blu, passando per il rosso e il viola, quella sorta di corazza si costruisce in una prospettiva che non riesci a cogliere nei colori che Visalli stende a tratti fluidi, talvolta materici, sfruttando a pieno gli effetti concessi dal pennello. Emerge il ritratto di una donna forte e sicura della sua fisicità, che libera con disinvoltura la folta chioma rossa in una cascata di morbide onde tra le quali si incastonano pietre azzurre. Lo sfondo pare un «campionario» di sabbie e argille presentato in campiture cromatiche corpose, lo scenario terreno da cui ha origine tanta bellezza. Ci scopriamo nuovamente attratti dall’essenza «bipolare» della figura, nella compresenza di elementi freddi e caldi, di forme taglienti e flessuose con cui Visalli ha plasmato un’entità profonda e complessa che ci lascia ancora sul limite della piena comprensione. 12. She, 2011 Oil on canvas, 70 x 50 cm. The fascination of a seductive type of femininity is tinged with mystery in a face whose features are just hinted at in She. The pinkish flesh revealed between the geometric lines of the breasts is a hint of delicate nudity amongst the confusing overlapping of the various planes. From black to blue, through red and violet, the figure’s breast-plate is built up in a perspective which is not fully discernible in the colours that Visalli applies in fluid, sometimes solid, strokes, exploiting all the effects the brush can afford him. There emerges the portrait of a woman who is both strong and secure in her physical being, casually unleashing the thick red mane of her hair in a cascade of soft tresses, studded with blue stones. The background looks like a «pattern-book» of types of sand and clay, presented in thick wads of colour, the earthly setting from which so much beauty has sprung. Again, we find ourselves drawn to the «bipolar» nature of the figure, in the joint presence of the cold and hot elements, and of the angular and supple forms with which Visalli has modelled a profound and complex being, leaving us once more on the edge of total comprehension.

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13 colei | she who olio su tela | oil on canvas 70 x 50 - 2011

traccia - ottobre 2009

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13. Colei, 2011 Olio su tela, cm 70 x 50. Visalli prosegue l’indagine sui ritratti femminili e giunge a un nuovo esito pittorico in cui resta vivo quel carattere introverso ed enigmatico che contraddistingue le sue figure. Colei ha l’aria di una donna fragile che tenta di nascondere le proprie debolezze dietro ad un’apparenza imperturbabile. Le chiome, sciolte in piacevoli passaggi cromatici viola, sono così lunghe da avvolgerle il collo, tanto da trasformare i capelli in un morbido turbante che cinge la testa e le spalle in un intrigo di infinite pieghe. Il fondo è un mosaico di tasselli irregolari, un reticolo di frammenti verdi che dai toni scuri in alto a sinistra scende verso il lato opposto seguendo una gamma sempre più chiara. Le superfici vibrano per le modalità con cui l’artista stende la materia pittorica, nell’alternare tratti omogenei ad altri in cui rende visibili le incidenze del pennello. Il processo di frantumazione sembra investire a poco a poco anche la protagonista a partire dalla guancia che mostra già un’epidermide squamosa. Forse è il segno di certe esperienze dolorose che minano la personalità del soggetto proprio nel volto, cicatrici che sfigurano quella parte fisica in cui ognuno riconosce a pieno la propria identità. 13. She who, 2011 Oil on canvas, 70 x 50 cm. Visalli pursues his investigation into female portraiture and reaches a new pictorial goal in depicting that introvert and enigmatic character which so typifies his female figures. “She who” gives us the impression of a fragile woman who is trying to conceal her weakness behind a mask of imperturbability. Her mane of hair, painted in pleasing shades of violet, is so long that it envelops her neck, transforming her locks into a soft turban which wraps her head and shoulders in an intricate scheme of folds. The background is a mosaic of irregular pieces: a network of green fragments starting with dark shades in the top left-hand corner and descending through a range of lighter shades to the opposite side. The surfaces seem to pulsate, due to the manner in which the artist has applied his material, alternating areas of flat colour with others where one can clearly see the brushwork. The process of shattering seems gradually to assail the subject herself, starting with her cheek, which already has a scaly appearance. Perhaps it is a sign of certain hurtful experiences which have damaged the subject’s personality through her face: scars which disfigure that part of the body in which each of us fully recognizes his own identity.

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14 visioni 1 - isola del tesoro | vision 1 - treasure island olio su tela | oil on canvas 85 x 120 - 2009

traccia - ottobre 2009

tavolozza

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14. Visioni 1 - Isola del tesoro, 2009 Olio su tela, cm 85 x 120. Trepidano esotiche suggestioni nella fantasia di Visalli ed approdano figure ieratiche nel paesaggio onirico dell’Isola del tesoro. Lo spazio dell’opera si rigenera in repentini cambi di scenario e sperimenta una molteplicità di punti di vista che annullano i confini di una dimensione squisitamente mentale. Il tempo necessario ad esplorare la superficie del dipinto non è tuttavia sufficiente ad individuare un ordine prospettico dominante, poiché la scena ha la peculiarità di essere fluida come il pensiero dell’artista visionario che la crea. La tavolozza è un contrasto di toni caldi e freddi che dividono la composizione a metà, riproponendo quel dualismo a cui Visalli ci ha abituati nella forma di uno sdoppiamento cromatico. Il tramonto di rossi e arancioni indora le rive presidiate da moderni Moai e diviene un paradiso sotterraneo per anonimi personaggi, spettatori e al contempo attori della visione, in piedi sul limite precario di un precipizio in lenta frantumazione. Prosegue la narrazione attraverso un terreno fitto di reminiscenze legate da un filo nero intervallato da sfere blu; quella conduttura sfocia nell’atmosfera «urbana» di un tunnel in costruzione, ulteriore strada per una meta al momento sconosciuta. 14. Visions 1 – Treasure Island, 2009 Oil on canvas, 85 x 120 cm. Certain exotic suggestions invade Visalli’s imagination, landing these stately figures in the dreamlike landscape of Treasure Island. The space within the work is revitalized by sudden changes of scenery and experimentation with multiple points of view which break down the barriers of our typical mental constructs. The time required to explore the surface of the painting is nevertheless insufficient to allow us to identify a dominant perspective, as the scene has a strange quality of fluidity, like the ideas of the visionary artist who created it. The palette is a contrast of warm and cold tones, which split the composition in half, pursuing that dualism to which Visalli has accustomed us in the form of divided colours. The red and orange sunset gilds the defensive shoreline of these modern Moai and becomes an underworld paradise for anonymous individuals, spectators and, at the same time, actors in the scene, who are standing on the perilous edge of a slowly crumbling precipice. The story continues through a landscape crowded with memories tied to a black line interspersed with blue spheres. This pipeline leads into the «urban» setting of a tunnel under construction, another road to a destination as yet unknown.

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15 visioni 2 - notturno di girasoli | vision 2 - night of sunflowers olio su tela | oil on canvas 99 x 139 - 2011

traccia - ottobre 2009

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15. Visioni 2 – Notturno di girasoli, 2011 Olio su tela, cm 99 x 139. Una distesa illimitata di fiori segue il taglio trasversale dell’opera che pare espandersi oltre i confini della tela verso il cielo di un’atmosfera universale. Il paesaggio dell’anima sa accogliere molteplici suggestioni e Visalli prospetta scenari di respiro sempre più ampio per visioni che assurgono a una condizione atemporale. Notturno di girasoli manifesta una dicotomia che è la chiave dell’equilibrio compositivo del quadro: al fitto «tappeto» floreale, irrigato da solchi paralleli nei quali penetra l’acqua pura del ruscello, corrisponde un terreno «irrazionale», movimentato da piccole alture e depressioni che la vegetazione ha coperto solo in angolo. Una realtà doppia che si esplica anche nelle figure che la abitano: in primo piano due anime inseparabili sembrano scolpite nel cristallo grezzo in corpi solidi percorsi da sfaccettature geometriche, che assorbono i riflessi lunari e divengono portatori di luce evanescente; sul fondo totem monolitici di volti neri si ergono nel territorio desertico di campiture viola, riproduzioni di una medesima impronta facciale che accomuna tutte le figure della notte misteriosa, in quanto entità di dimensioni spirituali parallele. 15. Visions 2 - Night of sunflowers, 2011 Oil on canvas, 99 x 139 cm. A limitless expanse of flowers borders the sideways tear through the painting, which seems to expand beyond the limits of the canvas towards a universal sky. The landscape of the soul can contain many possibilities, and Visalli offers us scenes of ever increasing breadth for visions which aspire to a timeless condition. Night of sunflowers displays a dichotomy which is central to the compositional balance of the picture. The thick floral «carpet», irrigated by parallel furrows fed by the pure waters of the stream, is offset by a corresponding «irrational» landscape, composed of little rises and depressions only covered by vegetation in one corner. This double reality is also reflected in the figures who live in it. In the foreground, two inseparable souls appear to be carved from rough crystal, their solid forms covered in geometric facets which absorb the moon’s rays and make them sources of a faint luminescence. In the background, monolithic totems with black faces stand in the empty land of the violet background, bearing the same facial expression that unites all the figures of the mysterious night, as beings with parallel spiritual dimensions. .

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16 visioni 3 - ex viale | vision 3 - former avenue olio su tela | oil on canvas 120 x 169 - 2010

traccia - ottobre 2009

tavolozza

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16. Visioni 3 – Ex viale, 2010 Olio su tela, cm 120 x 169. La scena di Ex viale si apre sulla profondità di un tunnel dai toni vivaci e dalle forme attraenti. A vegliare sulla strada non ci sono alberi secolari ma figure di donne dai corpi appena abbozzati e le acconciature elaborate, come tronchi scarni che generano chiome rigogliose color oro. Ognuna sembra destarsi dall’immobilità di una posa imperturbabile per osservare colui che intraprenderà il percorso visionario che Visalli propone. I volti malinconici parlano di ricordi lontani forse racchiusi in quell’Ex del titolo che richiama la memoria di qualcosa che non è più. La scala, che si addentra verso edifici avveniristici nel mistero della prospettiva centrale, è simbolo stesso di un viaggio attraverso i sedimenti dell’anima, rappresentati da un avvicendarsi di piani variopinti. Nel cielo corre un arcobaleno rassicurante fino alla meta, affiancato da una brillante superficie alveolare e da un muro di soffici trame cristalline. Mirabili i contrappunti cromatici giocati sulle diagonali: gli azzurri del piano e i rossi delle architetture a sinistra si riflettono invertiti nel «puzzle» e negli abbozzi di muro a destra. Un originale ordine compositivo al quale Visalli affida l’espressione di tutto il suo estro. 16. Visions 3 - Former avenue, 2010 Oil on canvas, 120 x 169 cm. The scene of “Former avenue” opens in the depths of a tunnel, with vibrant colours and pleasing forms. There are no ancient trees lining the street, but instead some figures of women with vaguely outlined bodies and elaborate hairstyles, like bare trunks that have sprouted luxurious gold crowns. Each of them seems to be awakening from a state of passive immobility to observe whoever wishes to undertake the visionary journey that Visalli offers us. The sad faces speak about far-off memories, perhaps in reference to that “former” of the title, recalling something that exists no more. The stairway, which leads us towards futuristic buildings in the mysterious central perspective, is a symbol itself of a journey through the layers of the soul, represented by an alternating pattern of multi-coloured shapes. In the sky, a reassuring rainbow leads us to our destination, flanked by a brilliant honeycombed surface and by a wall of soft crystalline fabric. The contrapuntal colours of the diagonal surfaces are wonderful: the blues on the planes and the reds of the constructions on the left reflect each other in an inverted «puzzle» and in the outlines of the wall on the right. It is a highly original composition, to which Visalli devoted all his expressive creativity.

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17 pan d’oro olio su tela | oil on canvas 265 x 33 - 2010

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17. Pan d’oro, 2010 Olio su tela, cm 265 x 33. La scelta originale di un formato così «estremo» risponde alle esigenze di un’opera dalle evidenti simbologie. Il motivo ascensionale su cui si dispongono i piani della composizione acquisisce una maggiore rilevanza espressiva grazie al taglio verticale della tela. Il Pan d’oro costituisce lo zoccolo basamentale per l’acrobatica torre umana su cui svetta la punta con la quale solitamente si decora l’albero di Natale. Una fitta distesa di fiori accoglie il dolce tipico delle feste e lascia il posto al terreno arido viola procedendo verso il fondo. L’incastro delle numerose figure è un graduale percorso cromatico che va dai toni caldi propri della terra, agli azzurri del cielo e i blu della notte. Lungo la scalata compaiono oggetti dorati come tanti addobbi, allegorie di vita quotidiana e di una prosperità sempre più affermata, evidente nel tradizionale ferro di cavallo e nel moderno simbolo dell’Euro. Anche il cielo partecipa al percorso di salita intrapreso dalla variopinta collettività, fino ad annullare l’intensità del blu per le delicate velature che accompagnano il volo leggero degli uccelli. 17. Pan d’oro, 2010 Oil on canvas, 265 x 33 cm. The original choice of such an «extreme» shape was in response to the needs of an evidently symbolic work. The ascending motif on which all the forms of the composition are arranged takes on a greater expressive significance as a result of the vertical shape of the canvas. The Pan d’oro constitutes the plinth for the human tower of acrobats, topped by the pointed ornament normally used to decorate the Christmas tree. A thick bed of flowers surrounds the celebratory cake, giving way to an arid violet landscape which stretches into the background. The network of many figures follows a gradual evolution of colour, from warm tones at ground level to the light blue of the sky and the indigo of night. Among the rising forms appear a number of golden objects like baubles, symbolic of daily life and of growing prosperity, as in the traditional horseshoe and the modern symbol of the Euro. The sky also participates in the ascent undertaken by the multi-coloured team, changing from deep blue to the delicate shades accompanying the free flight of birds.

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18 anima gemella trittico | twin soul olio su tela | oil on canvas 90 x 65 - cad. - 2010

tavolozza

traccia - gennaio 2010

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18. Anima gemella, 2010 Trittico, olio su tela, cm 90 x 65 cad. Il trittico è l’esito pittorico di una riflessione sulla simmetria, in quanto relazione di corpi spiritualmente speculari e corrispondenza formale di elementi compositivi. L’utilizzo del frammento come modulo costruttivo è una scelta che richiama la magia di un incontro tra due anime legate in un «incastro» perfetto. Tasselli rossi, viola e azzurri compongono gli sfondi per i ritratti delle tre coppie e debordano oltre i confini delle cornici ocra invadendo lo spazio dei vicini amanti, rafforzando ulteriormente il sentimento di unione che permea l’intera superficie. Le fisionomie delle figure sono segni scavati nella materia cromatica, teste prive di dettagli caratterizzanti che si fondono nel medesimo pensiero. I corpi sono sbozzati in numerose sfaccettature ed uno per coppia esce dal proprio riquadro, accennando forse un desiderio di leggera evasione rispetto all’esistenza vissuta nel rapporto esclusivo con l’altro. La geometria sovrintende le strutture dell’opera, disegna i tratti dei soggetti e scandisce con le sue linee ogni minimo passaggio di tono. 18. Kindred Soul, 2010 Triptych, Oil on canvas, 90 x 65 cm. each. The triptych is the pictorial outcome of a reflection on symmetry, in relation to bodies which reflect each other spiritually, and the corresponding formal elements of the composition. The use of the fragment as a constructional element is a choice which relates to the magic in a meeting of two souls bound together in a perfect union. The backdrops for the portraits of the three couples are composed of red, violet and blue pieces which spill over into the space of the adjoining lovers, further emphasizing the feeling of union which permeates the entire composition. The features of the characters are just lines eroded into the coloured surface: heads deprived of any personal characteristics which melt into the same thought. The bodies are sketched out in numerous facets, and one in each couple spills outside the frame, perhaps hinting at a desire to escape a little from an existence lived exclusively in relationship with the other. The geometry dominates the structure of the work, delineates the features of the subjects, and controls by its lines every slightest change of tone.

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19 alba di madame chisciotte | madame quixote’s dawin olio su tela | oil on canvas 117 x 278 - 2010

traccia - febbraio 2010

tavolozza

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19. Alba di Madame Chisciotte, 2010 Olio su tela, cm 117 x 278. L’opera è una rivisitazione al femminile del classico di Cervantes. La protagonista è infatti l’eroina a cavallo di un destriero bianco, in posa di fronte all’aprirsi di un paesaggio variopinto pronto a svelarle infinite strade di avventura. L’intrepida figura è abbigliata d’oro e verde brillante, indossa il cappello come uno scultoreo turbante da cui scendono ciocche di capelli intrecciate a nastri viola, che impreziosiscono anche gli scintillii della sua lancia. Madame Chisciotte ha il fascino di una guerriera rinascimentale avvolta nell’ampio mantello, protetta dai volti familiari impressi nello scudo; è un personaggio positivo che si è lasciata alle spalle il fitto bosco di rami scheletrici e cammina su un vivace sentiero floreale. Ad attenderla c’è un’alba «liquida» che effonde la sua luce nei colori dell’acqua e nell’unione sublime di due gocce, un simbolo di amore proprio al centro della tela, l’augurio ideale per intraprendere un lungo viaggio. I mulini paiono stregati in un contorcersi sinistro ma la protagonista non sembra temerli. Il cielo si divide tra un reticolo «astronomico» sullo sfondo nero e il tetto di arcobaleno e fantasie di un mondo inesplorato nel quale ella sta per compiere il suo trionfale ingresso. 19. Madame Quixote’s Dawn, 2010 Oil on canvas, 117 x 278 cm. This work is a reinterpretation of the woman in the classic story by Cervantes. The subject is indeed the heroine astride a white steed, posed in front of an unfolding multi-coloured landscape ready to offer her many different routes to adventure. The intrepid figure is dressed in gold and brilliant green, wearing a hat like a sculpted turban from which strands of hair interwoven with violet ribbons escape, which also decorate her shining lance. Madame Chisciotte has the attraction of a Renaissance warrior, wrapped in her ample cloak, and protected by the images of her family impressed into her shield. She is a positive individual who has left the dense forest of skeletal trees behind her, and is following a colourful road strewn with flowers. Awaiting her is a «liquid» dawn, diffusing its light into the colours of the water and into the sublime fusion of the two drops, the symbol of love right at the centre of the canvas, and the perfect omen for the start of a long journey. The windmills look like witches in their sinister contortions, but the protagonist does not seem to fear them. The sky is divided between an «astronomical» grid against a black background and a rainbow firmament above the imaginary, unexplored world into which she will make her triumphal entry.

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20 infinita storia d’amore | endless love story olio su tela | oil on canvas 113 x 283 - 2010

traccia - febbraio 2010

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20. Infinita storia d’amore, 2010 Olio su tela, cm 113 x 283. Non c’è una coppia di amanti ad inscenare l’Infinita storia d’amore, ma una trama di simboli riconducibili alla spiritualità cristiana supportata dalla fede millenaria per l’amore di Dio. Il paesaggio mistico è dominato dall’intensità dell’oro che si accende di vera luce nel sole all’orizzonte e nell’icona femminile a sinistra, figura a metà strada tra Maria, pura e aggraziata, e Maddalena penitente, con le chiome mosse e vibranti che ricordano l’espressività della scultura donatelliana. Un cielo da Giudizio Universale scuote lo sfondo dei dodici Apostoli che con Gesù si affacciano sulla voragine aperta nella stratigrafia rossa del terreno, e scrutano la profondità di una dimensione infernale a loro moralmente distante. L’arcobaleno atmosferico diviene un fenomeno umano e tinge la moltitudine di sagome a destra che condividono una storia iconografica comune: la chiesa, la croce, la distruzione del tempio pagano. Nella collettività di fedeli c’è un intruso che Visalli ha dipinto di nero e bianco, la nota discordante a cui l’artista non rinuncia e vi affida ancora una volta i suoi intenti di suscitare l’ennesimo interrogativo. 20. Infinite Love Story, 2010 Oil on canvas, 113 x 283 cm. There is no loving couple to populate the Infinite Love Story but rather an assemblage of symbols relating to Christian spirituality, and faith in the love of God over the millennia. The mystical landscape is dominated by the intensity of the gold, illuminated in the true light of the sun on the horizon and in the iconic female figure on the left. She seems half-way between the Virgin Mary, pure and gentle, and the penitent Mary Magdalene, with her soft, shimmering hair, reminiscent of Donatello’s sculptures. The sky of the Last Judgement shakes the heavens behind the twelve Apostles who, together with Jesus, face the open abyss in the red layers of earth and gaze into the depths of an underworld from which they are morally far removed. The rainbow on the right turns into a mass of humanity, colouring the many figures who share a common history of symbolic interpretation: the church, the cross, the destruction of the pagan temple. In the gathering of the faithful, there is an intrusive figure painted in black and white, the discordant note which Visalli always includes, and which affirms once again his intention to provoke a debate.

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21 la stanza del suicida | the suicide’s room olio su tela | oil on canvas 120 x 170 - 2010

traccia - ottobre 2009

tavolozza

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Wislawa Szymborska La stanza del suicida Certo pensate che la stanza fosse vuota. E invece c'erano tre sedie con robusti schienali. Una lampada buona contro il buio. Una scrivania con sopra un portafoglio, giornali. […] nel cassetto un'agenda. Pensate che non ci fossero i nostri indirizzi? Pensate che mancassero libri, quadri, dischi? […] I moralisti, nomi scritti a lettere d'oro sui dorsi ben conciati. Lì accanto i politici stavano ben ritti. E quella stanza non sembrava priva di vie d'uscita, magari la porta, né senza prospettive, magari la finestra. Gli occhiali da vista erano sul davanzale. Una mosca ronzava, ossia era ancora viva. Pensate che almeno la lettera spiegasse qualcosa. E se vi dico che non c'erano lettere e noi gli amici -tanti - ci ha tutti contenuti la busta vuota appoggiata a un bicchiere.

Wislawa Szymborska The suicide’s room I'll bet you think the room was empty. Wrong. There were three chairs with sturdy backs. A lamp, good for fighting the dark. A desk, and on the desk a wallet, some newspapers. […] a notebook in a drawer. You think our addresses weren't in it? No books, no pictures, no records, you guess? […] The moralists with the golden syllables of their names inscribed on finely tanned spines. Next to them, the politicians braced their backs. No way out? But what about the door? No prospects? The window had other views. His glasses lay on the windowsill. And one fly buzzed---that is, was still alive. You think at least the note tell us something. But what if I say there was no note--and he had so many friends, but all of us fit neatly inside the empty envelope propped up against a cup.


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21. La stanza del suicida (da una poesia di Wislawa Szymborska), 2010 Olio su tela, cm 120 x 170. La tela trasforma in immagini le parole della scrittrice polacca. Visalli coglie l’intensità del testo poetico e dipinge una stanza piena di oggetti e di persone ma drammaticamente silenziosa per quella busta che il suicida ha lasciato vuota proprio al centro della rappresentazione. Ritornano le cose descritte dalla Szymborska, come le tre sedie con robusti schienali, i quadri e i libri; ci sono le vie d’uscita, la porta e la finestra, ma la prospettiva che offrono è il desolante grigiore di un groviglio di rami secchi; percepisci il dolore nel volto degli amici e l’incomprensione per un gesto così estremo che lascia senza parole coloro a cui l’artista non ha dipinto nemmeno la bocca. Nella tavolozza predominano le tinte viola alternate al chiarore del bianco e dell’ocra, in un equilibrio cromatico funzionale all’evocazione di un’atmosfera che avverti ancora sospesa tra la vita e la morte. Ed è forse l’anima del defunto quella figura lucente che Visalli ha collocato in angolo a sinistra su uno spaccato di fondo nero con un albero azzurro spoglio, spettatore ultraterreno di un inaspettato calore umano, arrivato purtroppo con decisivo ritardo. 21. The Suicide’s Room (from a poem by Wislawa Szymborska), 2010 Oil on canvas, 120 x 170 cm. The canvas transforms the words of the Polish writer into images. Visalli uses the intensity of the poetic text and paints a room full of objects and people which is dramatically silent because of the envelope that the victim has left empty, right in the centre of the picture. It contains the items described by Szymborska, like the three chairs with strong back-rests, the paintings and the books. There are ways out of the room, the door and the window, but the view they offer is one of depressing greyness of a tangle of dead branches. You can feel the sadness in the faces of his friends and their incomprehension at such an extreme gesture: the loss of words in those who Visalli has symbolically depicted without mouths. The artist has used mainly violet tones, alternating with the lightness of white and ochre, obtaining a balance of colour which serves to evoke an atmosphere still suspended between life and death. It is possible that we can see the soul of the dead man in the shining figure Visalli has placed in a corner on the left, set against a broken black ground with a bare blue tree: an otherworldly spectator with unexpected human warmth, sadly arriving too late.

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il tema Uros Gorgone

A scuola per fare il tema di italiano ci davano due o tre ore di tempo. Non ricordo bene. Forse erano due. E già da lì battevo la penna sul foglio quasi fino alla fine. Non la fine del foglio ma del tempo che li separava. E’ che c’avevo un posto lontano da dove prendevo le parole. “Padronanza della lingua italiana” diceva la maestra “scarpe più comode” gli rispondevo io. Eppure la maggior parte dei miei temi iniziava bene, direi molto bene. Proseguiva poi bene, veramente. Tutti però si inciampavano sull’orlo delle due ore e lì rimanevano inchiodati, più precisamente estinti dentro il suono della seconda campanella. Se poi questo avveniva in coincidenza con un qualunque segno di punteggiatura di sola coincidenza si sarebbe trattato. I miei pensieri erano di certo molto più lontani di quanta strada un bambino potesse fare in due ore di gambe secche a susseguirsi. “Ripetizioni” diceva la maestra “Mica tutte le parole ti aspettano dietro l’angolo” dicevo io. “Cazzo” dicevo sempre io ma un po’ più stancamente. D’estate comunque prendevo ripetizioni di italiano e spesso entravo nei negozi a provare nuovi modelli di scarpe. Una notte di tanti anni dopo mi sono ritrovato ricurvo su un foglio bianco per quello che doveva essere il mio ultimo tema. La maestra era morta ormai anni prima. Nessuno mi avrebbe contato il tempo ma per me era comunque finito. Quella notte decisi che mi sarei ucciso. Con tranquillità però. Insomma neanche sentivo più il dolore. Non sentivo proprio niente. Mica facile da spiegarlo, poi, il niente. Insomma dovevo scrivere quest’ultima cosa. Morire senza lasciarsi dietro neanche una mezza idea di finale mi sembrava quanto meno disadorno. Non era necessario riempire almeno due facciate di foglio protocollo anche se ripiegato anche se scritto largo. Nessuno alla fine avrebbe contato le parole. Ci si sarebbe concentrati su altro. Magari sul loro peso. Il pensiero mi raggelò. Iniziai così a battere la penna sul foglio. Sentivo la voce del sud della mia maestra del sud che chiamandomi per nome mi ricordava che la padronanza della lingua italiana non era una spremuta di limoni asciutti. Erano passati anni, lei era pure morta, tra poco pure io e questa cosa dei limoni ancora non si era palesata chiara. Forse stava a significare solo che dovevo essere più prolifico di parole e di pensieri finiti. Forse. Forse dovrei ringraziare le persone che che che mica stavo ritirando un premio. Signore e signori grazie per avermi portato e sostenuto fino a qui. No. Che cazzo ringrazi Francesco. Magari sarebbe stata meglio una frase secca e asciutta come quelle degli aforismi di Oscar Wilde. Una bella frase ad effetto tipo “non è colpa di nessuno sono solo inciampato”. Un po’ british diciamo e diciamo pure che di british mica conoscevo tanta gente io. No. Andiamo sul classico. I motivi, potrei scrivere il perché del mio gesto. Farlo sapere insomma. E magari farlo sapere prima anche a me avrebbe potuto essere di qualche utilità. Peggio che a scuola, pensavo. Intanto la penna aveva smesso di battere sul foglio sempre bianco. Ora tracciava delle linee più o meno precise. Scarabocchi. Almeno avrei potuto scrivere le mie ultime volontà. Cercai quindi di metterle in ordine di importanza. Le mie ultime volontà ecco. Mi accorsi con un certo disagio che non ne avevo e su quel preciso pensiero mi resi conto che non c’era momento più onesto per morire. Avrei scritto un semplice testamento. Una lista di oggetti con a fianco una lista di nomi. Mica una cosa complicata. La mattina seguente mi svegliai che ero ancora vivo. Sul tavolo, sotto di me, sul tavolo tutto intorno a me c’erano decine di scarabocchi e qualche disegno. Parole niente. Li guardai per giorni. Poi iniziai a dedicarmi a loro. E ancora adesso è così. L’arte mi ha salvato la vita? Questa mi sembra una domanda del cazzo. L’unica cosa di cui sono sicuro è che dovrei riprendere con le ripetizioni di italiano.

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composition at school Uros Gorgone

When we had to write an Italian composition at school, they gave us two or three hours. I can’t remember exactly. Maybe it was two. I used to scratch at the paper with my pen right to the end. Not the end of the page, but the end of the time given us. The words seemed to come from some distant place. “More mastery of the Italian language”, said our teacher. “More comfortable shoes, please”, said I. Nevertheless, most of my essays started off well, really very well. And they continued well, too. But they always tripped and fell when the two hours were up, and there they lay riveted, or rather suffocated by the sound of the second bell. If this occurred at the same time as some sort of punctuation mark, it would just be a coincidence. My ideas certainly stretched a lot further than the distance a child could travel in two hours, with tired legs moving forward automatically. “Repeat work”, said the teacher. “There are plenty of words waiting just round the corner”, I replied. “Shit”, I always said, but more wearily each time. In the summer, however, I did do extra classes in Italian and I was often able to go in the shops to try on some new types of shoes. One evening, many years later, I found myself bent over a blank sheet of paper for what was to be my very last essay. The teacher had by then been dead for several years. Nobody would be marking out the time for me, but my time was up anyhow. That night I determined I would die. Quite calmly, however. I didn’t feel the pain any more. In fact, I felt nothing. It is not easy to explain, this sense of nothingness. Well, I had to write this one last thing. Dying without leaving even half an idea behind seemed, to say the least, rather stark. I didn’t need to fill a good two sides of foolscap paper, even if they were folded and written large. Nobody was going to count the number of words. They would be concentrating on something else: like on the weight the words carried. The thought chilled me. I began scratching my pen on the paper. I heard the far-off voice of my teacher in the south, calling me by name and reminding me that mastery of the Italian language was not a drink of bitter lemon. Many years had passed since she died, soon I would be dead too, and this business of the lemon still hadn’t become clear to me. Maybe it was just supposed to mean that I should write more words and finish off my thoughts. Maybe. Perhaps I had to thank the people I was receiving this prize from. “Ladies and gentlemen: thank you for guiding me and supporting me to this point in my life”. No. What shit it would be to thank Francesco. It would be better to come out with some witty, dry comment like an Oscar Wilde aphorism. An elegant phrase like: “It’s nobody’s fault, I just tripped up”. A bit British, let’s say, although I must admit I don’t know many British people. No. Let’s go down the traditional road. The reasons: I could write about the reasons for my actions. Let him know. And even let him know first that he might have been some use, even to me. This is worse than at school, I was thinking. Meanwhile, my pen had stopped scratching on the white sheet of paper. I was now tracing some more or less exact lines. Scribbles. At least I had been able to put down my last wishes. So I tried to put them in order of importance. There we are: my final wishes. I realized with a sense of unease that I didn’t really have any, and with that precise thought in my mind I also realized that there couldn’t be a more honest moment to die. I had intended to write a simple will: a list of objects with a list of names alongside. Not really a complicated task. The next morning I woke up still alive. On the floor, under me and all around me there were dozens of scribbles and a few drawings. No words at all. I gazed at them for days. Then I began to concentrate my attention on them. And that’s how it still is. Did art save my life? That sounds like a bloody stupid question to me. The only thing I’m sure of is that I’d better take up those extra Italian lessons again.

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22 caos cosmico | cosmic chaos olio su tela | oil on canvas 190 x 290 - 2010

traccia - maggio 2010

tavolozza

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22. Caos cosmico, 2010 Olio su tela, cm 190 x 290. Il Caos cosmico che Visalli prospetta sulla tela sottende in realtà un ordine superiore che regola la compresenza di diverse «isole» spaziali per mezzo di un equilibrato schema cromatico e formale. La composizione sembra il frutto di un variopinto horror vacui in cui l’accostamento di tinte calde e fredde accende le campiture di luce e fa vibrare la superficie fluttuante del terreno in formazione. I colori invadono i diversi strati di un’immaginaria crosta terrestre non ancora assestata, che alterna paesaggi naturalmente compiuti ad aridi scenari rocciosi: cavalli dai manti perlati e le chiome d’oro si stringono sotto le palme viola di un’oasi sospesa; una torretta deforme si erge su una striscia di verde che si fa più intenso e vivace salendo le alture verso i barlumi del cielo dorato; in primo piano due grandi massicci pietrosi, uno blu e l’altro rosso, sono scalfiti in numerose sfaccettature, talvolta scavati in profondi cunicoli che sospetti abitati da creature primordiali. A destra tutto si semplifica nelle sfumature verdi della rete alveolare che conduce verso il fondo di una notte stellata, l’angolo di universo che è teatro di un continuo fluire cosmico. 22. Cosmic chaos, 2010 Oil on canvas, 190 x 290 cm. The Cosmic chaos that Visalli depicts on the canvas in fact implies a superior order, which regulates the simultaneous presence of various spatial islands by means of a formally balanced scheme of colours. The composition appears to be the result of a multi-coloured “horror vacui” (fear of emptiness) in which the combination of warm and cold tones floods the background with light and gives a shimmering appearance to this floating world in formation. The colours fill the various layers of an imaginary earth’s crust not yet put to order, which alternates naturally formed landscapes with arid rocky scenes. Horses with pearly coats and golden manes stand under the violet palms of a floating oasis; a crooked tower rises on a strip of green which becomes increasingly bright and vibrant as it rises in hillocks towards the gleaming, golden sky. In the foreground, stand two huge rocky masses, one blue and the other red: they are cut into numerous facets, perhaps mined from deep caves which may be inhabited by primordial creatures. On the right, all becomes simpler in the green tones of a honeycomb network leading into the depths of a starry night, the corner of the universe which is the arena for this continuous cosmic flux.

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23 la valigia | the suitcase olio su tela | oil on canvas 172 x 288 - 2010

tavolozza

traccia - maggio 2010

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23. La valigia, 2010 Olio su tela, cm 172 x 288. Visalli spinge al massimo la sua indagine interiore proponendo una composizione in cui la dicotomia tipica dei suoi lavori cede il posto a uno spazio interamente simbolico. La Valigia è sorretta da una grande mano che scende dall’alto forando l’ultimo strato della dimensione in cui essa svela il suo contenuto, aprendosi sugli squarci variopinti che si irradiano nella prospettiva centrale. Le pareti grigie generano un ambiente freddo e asettico in cui tante piccole sagome di uomini si uniscono formando le iniziali dell’artista “FV”. Tre di loro assumono le pose del non vedere, non ascoltare e non parlare, simboleggiando forse un’incapacità comunicativa che ha caratterizzato la storia passata dell’autore, le cui vicende negative sono racchiuse entro il cuore «metallico» della rappresentazione, ferito di rosso ma aperto su vivaci scenari di speranza: a sinistra un paradiso esotico abitato da cavalli ospita la scena romantica di due innamorati abbracciati di fronte a un’alba luminosa; a destra c’è un mondo in costruzione, gli edifici di una nuova interiorità in fase di assemblaggio con i solidi mattoni bianchi che ancora fluttuano in aria. Il viaggio intimo intrapreso dall’opera procede seguendo le strisce di cielo variopinto verso l’orizzonte di un futuro tutto da immaginare. 23. The Suitcase, 2010 Oil on canvas, 172 x 288 cm. Visalli pushes his interior investigation to the limit, offering a composition in which the typical dichotomy of his works gives way to an entirely symbolic space. The Suitcase is held by a large hand descending from above, perforating the final layer of the dimension in which it reveals its contents, opening onto the multi-coloured strips that radiate outwards from the central perspective. The grey walls of the case give it a cold, ascetic appearance, and in it the shapes of little men combine to form the artist’s initials: “FV”. Three of these figures adopt the poses of see, hear, and speak no evil, perhaps symbolizing the incapacity to communicate which characterized the past history of the artist. His negative experiences are locked in the «metallic» core of the representation: wounded with red but opening onto the vibrant scenes of hope. On the left, an exotic paradise inhabited by horses provides the romantic setting for two lovers embracing in front of a luminous dawn: on the right, there is a world in construction, the building blocks of a new inner world in construction, with solid white bricks still floating in the air. The personal journey undertaken in the work continues its course by following the strips of multi-coloured sky towards a future open to the imagination.

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24 le nozze 2 | wedding 2 olio su tela | oil on canvas 119 x 132 - 2011

traccia - ottobre 2009

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24. Le nozze 2, 2011 Olio su tela, cm 119 x 132. Visalli propone una nuova versione de Le nozze aumentando le dimensioni della tela, apportando variazioni cromatiche ma lasciando intatto il disegno compositivo. Gli sposi mantengono identica la posa ma indossano abiti bianchi illuminati dai riflessi dorati dell’arancione e dell’ocra, così come gli invitati che l’artista ha arricchito di accorgimenti estetici, qualche ricciolo tra le chiome e alcune note di colore per ravvivare la schiera di sagome bianche e nere. La tavolozza si è impreziosita di toni caldi e sfumature brillanti nell’interno dell’edificio e negli scenari che si aprono tra gli archi, abbandonando l’originaria essenzialità per sviluppare l’aspetto più vivace e passionale del sentimento celebrato nell’opera: a destra l’azzurro si è disteso nell’armonia di un cielo terso mentre a sinistra un reticolo alveolare si accende di colore, amplificando l’effetto della forza incontenibile che ha rotto l’architettura rivelandone un intenso spessore rosso. Le due estremità cromatiche e formali, simbolo della complessità propria di un vincolo eterno, si trovano in equilibrio nel paesaggio svelato dal portone, finalmente aperto verso il futuro che le due anime hanno deciso di condividere. 24. The wedding 2, 2011 Oil on canvas, 119 x 132 cm. Visalli offers a new version of “The wedding”, enlarging the dimensions of the canvas, introducing colour variations but leaving the compositional design intact. The couple maintain the same pose, but are wearing white clothes, lit by gilded reflections of orange and ochre; similarly the guests, whom the artist has adorned with some aesthetic touches, some curls amongst the hairstyles, and some notes of colour to enliven the group of black and white figures. The colour-scheme has been enriched with warm shades and shining tones inside the building and in the scenes that open up between the arches, abandoning the original basic quality to develop the more lively and passionate nature of the emotions celebrated in the work. To the right, the blue extends into the harmony of the clear sky, while on the left a honeycomb pattern is lit by colour, intensifying the effect of the unstoppable force that has shattered the building, revealing a wide area of brilliant red. The two extremes in terms of colour and formality, symbolic of the complexity of the eternal bond, achieve a balance in the landscape revealed through the front door, finally open towards the future that the two souls have decided to share together.

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25 attesa | waiting olio su lino | oil on linen 160 x 256 - 2011

traccia - aprile 2011

tavolozza

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25. Attesa, 2011 Olio su lino, cm 160 x 256 La superficie pittorica risplende di un’ariosità nuova, favorita dal taglio della composizione che si apre nella luminosità dei raggi lunari. Sotto il tenue astro violaceo si schiude la natura doppia dell’opera, in bilico tra la leggerezza delle sedie bianche sospese nel cielo verde a sinistra e la complessa geometria di volumi che solca lo sfondo di destra. Uno specchio d’acqua incorniciato da rocce è il panorama che si offre alla vista del personaggio seduto sotto il portico. Avvertiamo il tempo che si consuma con straordinaria lentezza nell’attesa di qualcosa o di qualcuno che dovrà occupare la sedia vuota. Alle spalle dell’uomo una fragile presenza femminile resta inosservata, in piedi dietro un vetro dai riflessi lilla. La scena si dilata nella sospensione dell’attimo che precede l’incontro dei due protagonisti, alimentando la trama di incognite. A delimitarne la profondità spaziale due elementi che segnano i confini di un’immaginaria diagonale prospettica; all’orizzonte l’ovale lucente pare una lampadina su un eccentrico tronco elettrico mentre in primo piano le fronde rosse rivelano una «scala» cromatica di tinte calde e solari, forse il presagio di attesi momenti felici.

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25. Waiting, 2011 Oil on linen, cm 160 x 256 The painted surface shines with a new airiness, aided by the cut of the composition that opens up in the brightness of the moonbeams. The dual nature of the work unfolds under the pale purple star, poised between the lightness of the white chairs suspended in the green sky on the left and the complex geometry of volumes that cross through the background on the right. A pond framed by rocks is the panorama facing the figure sitting on the porch. We feel time passing by with extraordinary slowness, waiting for something or someone to occupy the empty chair. Behind the man, a fragile female presence goes unnoticed, standing behind a window with purple hues. The scene expands in the suspension of the moment that precedes the meeting between the two protagonists, fuelling the plot of the unknown. Delimiting the spatial depth, two elements mark the boundaries of an imaginary diagonal perspective; on the horizon the shining oval seems like a lamp on an eccentric electric trunk while the red foliage in the foreground reveals a "ladder" of colour with warm solar shades, perhaps the harbinger of expected happy times.

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...to be continued...

Finito di stampare nel mese di Luglio 2011 presso | Printed in July 2011 at Cromografica Europea s.r.l., Rho (Milano)


realtà alternativa chiostro del bramante roma 2011

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francesco visalli FRANCESCO VISALLI was born in 1960, the son of a postal worker and a teacher. He grew up in one of the poorest and most notorious areas of Rome, the “Borghetto Prenestino”, made infamous by Pier Paolo Pasolini’s “Ragazzi di Vita”. His father died when he was 14 years old, an event which deeply affected his life. Francesco, an only child, was forced to look for a job to support his mother and pay for his studies. One of the teachers at the technical school he attended found him a place in his firm, which enabled him to enrol in a faculty of architecture and go to live by himself at the age of 19. Francesco was determined, but he was also very young, and work, study and a house demanded commitment and sacrifices. His degree, which would provide him with a better life, was still in the distant future and he felt angry. He was troubled, very alone and afraid; but preferring not to dwell on his own feelings, he sought distraction in sex, drugs and bad company, and become a political extremist. Then, when he was 21, he fell in love with a woman and followed her to Los Angeles: this was just the first of many transformations that would occur in his life. The woman he loved was rich and he lived surrounded by comfort. He continued to work, completing his studies, until he began to feel suffocated by the woman and her wealth. So he left everything and returned to Rome, where he could start afresh. Free and finally qualified, he set up a studio in his house, dedicating himself totally to his work. At 25 years of age, he finally met the woman that was to be his great love. They married and he began a spiritual journey with her that changed him profoundly, helping him to find the deep meaning of his life in the Catholic faith. The courage, faith and great strength of his marriage helped him to open up his professional life to success; he started his first design company, which produced important work in Italy and abroad, and then, still by himself, created two more companies. These were years of great victories, of economic fortune, of esteem and praise from many people, that were always accompanied by his deep faith and love for his wife. They were also years of miracles that he would never have dreamed of, such as the three children he had with his wife, even though medical opinion had declared him completely sterile. Then, at 43 years of age, everything ended; Francesco fell into bitter delusion, lost his faith, saw everything fall apart and left his wife: these were his years of exile. He continued to work, but knew that he was not free, experiencing disappointment, failure, frustration, sickness and solitude. He finally threw in the towel and closed everything down, spending his time doing nothing: he was now 50 years old and had lived more than enough; what was the point of continuing, if everything was finished? This was his darkest hour. On the night of 11 October, 2009, however, everything changed once more. Francesco picked up a pen and began to draw things he had never seen before. He spent the entire night drawing, continuing the next day, the following night and so on, for days on end. Francesco’s hand, as if guided by something divine, was rapidly moving around the white sheet of paper of its own joyful accord, producing fantastic drawings. Colours burst out and unusual shapes came to life from his hands. After a few weeks, the drawings became paintings. Although he had no knowledge of painting technique, he acquired it by working, finding within himself a style that already had its own very precise expressions and definition, which was his style. Each painting is a new discovery, and he deliberately keeps no records, does not study, has no desire to learn from others and does not look at the great masters, in order not to be conditioned by those that have preceded him. Visalli works like an erupting volcano, continuously drawing and painting whatever his instincts tell him. He passes through the classic creative phases, first producing the drawing and then choosing and applying the colours, without letting himself be encumbered by thought and without any mediation, almost as if in a trance. The relationship between the shapes and colour combinations in his paintings is the product of a harmony that is never deliberately sought, but discovered by chance each time. It is as if he unwraps each canvas to discover the colours that are already there, simply waiting to be revealed by him. He is amazed by the finished pictures that suddenly appear in front of him, like newly discovered portions of an unknown land, which is this strange new reality that he is living. Visalli did not consider and decide on painting as an alternative to his former profession; painting erupted into his life and chose him. His shapes and geometry are defined by a subtle white line that runs between the colours, which never touch each other. The line is left by the canvas, because it is the canvas that designs the painting; his falsely seraphic figures form a subtle aperture between the eye of the observer and the soul of their creator, who, as if hiding from himself, “wants” to calm the vortex of his dramas and victories behind those distant and rather absent forms; or else hurl himself courageously towards new and infinite horizons, where beyond one heaven lies another, in scenes of a cosmic reality. He obtains incongruous results, rather like quietly shouting at the top of one's voice, a freezing heat or a whirling stillness. His paintings bring to light his past and future life, without his involvement, like a flurry of pangs and torments viewed through the wrong end of a pair of binoculars, always moving a bit further beyond the heart, in an “Alternative Reality”.

francesco visalli

biography

francesco visalli realtà alternativa chiostro del bramante roma 2011

ISBN 978-88-6052-404-1

(Biography edited by “Ich Traume”) (I. € V. 2 A 5 . i ,0 nc 0 lu sa )

9 788860 524041

EDITORIALE GIORGIO MONDADORI

francesco visalli biografia FRANCESCO VISALLI nasce nel 1960, figlio di un impiegato delle poste e una maestra. Cresce in uno dei quartieri più poveri e malfamati di Roma, quel “Borghetto Prenestino” reso noto dai ragazzi di vita di Pierpaolo Pasolini. A 14 anni perde il padre e questo evento segnerà profondamente la sua vita. Francesco è figlio unico ed è costretto a cercarsi un lavoro per sostenere la madre e pagarsi gli studi. Uno dei professori della scuola per geometri che frequenta gli trova un impiego presso il suo studio, permettendogli così di iscriversi alla facoltà di architettura e, all’età di 19 anni, di andare a vivere da solo. Francesco è determinato, ma è anche molto giovane, il lavoro, lo studio e la casa esigono impegno e sacrifici, la laurea, che gli porterà una vita migliore, è lontana e lui si sente rabbioso. Spaventato e così solo, ha paura, ma preferisce non ascoltarsi e cerca il rumore del sesso, della droga e delle cattive amicizie, diventa un estremista politico. Poi, a 21 anni, s’innamora di una donna e la segue a Los Angeles: è solo la prima delle tante trasformazioni che si succederanno nella sua vita. La donna che ama è ricca e lui vive tra gli agi, continua a lavorare e completa gli studi fino a che non sente che lei e la sua ricchezza lo soffocano e allora molla tutto e torna a Roma, dove libero e finalmente laureato, può ricominciare allestendo uno studio in casa e dedicandosi totalmente al suo lavoro. A 25 anni, incontra finalmente la donna che sarà il suo grande amore, la sposa e con lei da inizio ad una ricerca spirituale che lo segna profondamente e gli permette di trovare nella fede cattolica il senso profondo della sua vita. Il coraggio, la fede e la grande forza dell’unione matrimoniale, gli permettono di spalancare la sua vita professionale al successo; nasce la sua prima società di progettazione, con la quale realizza grandi opere in Italia ed all’estero, poi, ancora da solo, fonda altre due società. Sono gli anni delle grandi vittorie, delle fortune economiche, della stima e degli omaggi ricevuti da tanti, sempre accompagnato da una fede profonda e dall’amore per la sua donna. E sono anche gli anni di miracoli che mai avrebbe sognato, come i tre figli avuti con la moglie, anche se la medicina ufficiale lo considera completamente sterile. Poi a 43 anni tutto finisce, una cocente delusione perde Francesco che non ha più fede, vede tutto rompersi e lascia la moglie: sono gli anni dell’esilio. Francesco continua il suo lavoro ma sa di non essere libero, sperimenta delusioni, fallimenti e frustrazioni, malattie e solitudine, poi abbandona la partita e chiude tutto, trascorrendo il suo tempo facendo niente: ormai ha 50 anni e ha vissuto troppo, perché continuare se tutto è finito? Ecco la notte più buia. Ma in quella notte dell’11 ottobre 2009 tutto cambia di nuovo. Francesco prende in mano una penna e inizia a disegnare cose mai viste prima, disegna tutta la notte, il giorno dopo e la notte successiva e continua così per giorni e giorni. Come guidata da qualcosa di divino, la mano di Francesco, felicemente libera da lui, corre veloce sulla carta bianca e scopre disegni fantastici. Sotto le sue mani esplodono i colori e insolite geometrie prendono vita. Dopo poche settimane i disegni diventano dipinti, la tecnica pittorica gli è sconosciuta ma lui la impara dipingendo, scoprendosi dentro uno stile che ha già espressioni e confini molto precisi e che è il suo stile. Ogni quadro è una nuova scoperta, e lui, volutamente, non si documenta, non studia, non vuole apprendere da altri, non guarda ai grandi maestri, perché non vuole essere condizionato da chi lo ha preceduto. Visalli lavora come un vulcano in eruzione, disegna e dipinge incessantemente quello che l’istinto gli detta, passa attraverso le classiche fasi creative, dal disegno e poi alla scelta e applicazione del colore, senza lasciarsi intralciare dall’intelletto, senza nessuna mediazione, quasi in trance. Nei suoi quadri il rapporto tra le forme e le combinazioni cromatiche, è figlio di un equilibrio mai cercato e ogni volta trovato fortuitamente. Come se scartasse ogni tela per scoprire i colori che, già presenti, aspettano solo di essere rivelati da lui. Rimane sbalordito davanti al quadro finito che improvvisamente gli si mostra, come fosse un nuovo frammento, appena scoperto, di quella terra sconosciuta che è questa nuova strana realtà che sta vivendo. Visalli non ha ponderato e scelto di dipingere come alternativa alla passata professione, è la pittura, che irrompendo nella sua vita, ha scelto lui. Le sue forme e geometrie sono definite da una sottile linea bianca che corre tra i colori i quali non si toccano mai, linea che è lasciata dalla tela, perché è la tela che disegna il dipinto; le sue figure fintamente serafiche sono un sottile diaframma tra l’occhio dello spettatore e l’animo del creatore che, come a nascondersi da se, “vuole” smorzare il vortice dei suoi drammi e delle sue vittorie dietro quelle forme lontane e un po’ assenti; oppure il lanciarsi con coraggio verso nuovi orizzonti infiniti, dove dietro un cielo c’è un altro cielo, scenari di una cosmica realtà. Ottiene opposti risultati, come potrebbero essere una calma urlata a squarciagola, una gelida arsura, una vorticosa immobilità. I suoi quadri, senza la sua partecipazione, rendono manifesta la sua vita passata e futura, un turbinio di spasimi e tormenti vissuti come dalla parte sbagliata di un binocolo, sempre spostati un po’ più in la dal cuore, in una ”Realtà Alternativa” (Biografia a cura di “Ich Traume”)

Profile for Francesco Visalli

Francesco Visalli - Realtà Alternativa - Roma 2011  

Catalogo Realtà Alternativa - Chiostro del Bramante - Roma 2011

Francesco Visalli - Realtà Alternativa - Roma 2011  

Catalogo Realtà Alternativa - Chiostro del Bramante - Roma 2011

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