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FAR 02

29 sept - 1 oct 2017 Cuevas del Pino Villarrubia de Cรณrdoba


FAR 02

29 sept - 1 oct 2017 Cuevas del Pino Villarrubia de Cรณrdoba


© Copyright 2018 Scarpia Editorial www.foroarterelacional.com Primera edición Febrero de 2018 Textos: sus autores Coordinación de contenidos: Noelia Centeno, Patricia López Magadán y Fran Pérez Rus Maquetación y diseño de cubierta: Fran Pérez Rus Fotografías: Didáctica expandida Editores de textos: Noelia Centeno, Patricia López Magadán y Fran Pérez Rus Equipo FAR 02: Antonio Blázquez, Noelia Centeno, Arturo Comas, Claudia Frau, Patricia López Magadán, Paloma Montes López, Miguel A. Moreno Carretero y Fran Pérez Rus ISBN: 978-84-943369-2-8 Depósito legal:

un proyecto con colaboración con


Introducción 15 Foro 02 Jaron Rowan 39 Foro 03 Debate abierto 63

Foro 01 Nuria Güell 27 Presentación El Respirador 55 Didáctica expandida 83

II Convocatoria Isabel León 93 Foro extendido 101 Participantes 115


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Antonio Blázquez Arturo Comas

Noelia Centeno Claudia Frau

Equipo FAR Patricia López Magadán Miguel A. Moreno Carretero

Paloma Montes López Fran Pérez Rus

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Introducción

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La ruptura ¿Por qué la ruptura? Texto: Noelia Centeno


La ruptura ¿Por qué la ruptura? La naturaleza ya no es lo que se abarca desde un punto de vista distante al que el observador puede saltar idealmente para ver las cosas “como un todo”, sino el ensamblaje de entidades contradictorias que deben ser compuestas como un conjunto. __ Bruno Latour

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En la primera edición de FAR surgieron en el foro, tangencialmente a la idea de sostenibilidad cultural, muchas preocupaciones comunes inherentes a las tensiones e incertidumbres que surgen de dos parámetros opuestos en la creación artística actual: el individualismo y la flexibilidad. Desde la tendencia individualista del concepto de arte y el artista, la noción de arte colaborativo constituye una contradicción en sí misma. La demanda de singularidad artística no se reconcilia con la conciencia social y el compromiso de una comunidad. Esta es quizás una de las razones por la que a una parte de los profesionales del arte todavía les cuesta aceptar el desarrollo del arte relacional como una posibilidad de ruptura y traspaso ante cuestiones como: la indefinición de la utilidad del arte, la desconexión entre los artistas y el público general, los dilemas de la relación


mercantil del arte y los procesos de institucionalización, entre otras. En paralelo, están emergiendo nuevos tipos de infraestructuras, soportes y procesos culturales autónomos en torno a la idea del arte como motor de transformación social, más flexibles e híbridos, que cuestionan el valor de la institución como único ente piramidal. La publicación que tienes entre tus manos es un resumen visual y textual de lo acontecido en FAR 02: La Ruptura. Traspasando el Terreno. Un mapa vivencial y de voces multicapa que sitúa como punto de partida cuestiones previas alrededor de la idea de ruptura. Y registra una serie de reflexiones empáticas derivadas del desarrollo de sus actividades: la cena colaborativa, cortesía de todas y todos los participantes; el concierto de Dúo AnDerín, en colaboración con el Ayuntamiento de Córdoba; la didáctica expandida “Esto no es otro grupo de WhatsApp”, dirigida por Antonio Blázquez y Paloma Montes; los foros de la artista Núria Güell y el investigador y agitador cultural Jaron Rowan; la sesión de cinefórum “Las misiones pedagógicas”; la presentación de la revista El Respirador, seguida de un foro de debate abierto entre los participantes de FAR 02; y la performance colectiva orquestada por Isabel León, ganadora de la II convocatoria de Creación FAR. ¿Qué significa una idea de ruptura culturalmente? ¿Es la ruptura una tendencia en el ámbito de la creación artística y la gestión cultural? ¿Cuáles son los nuevos modelos de ruptura? ¿Romper el qué, para qué y por qué? Situados en este deseo de ruptura entre el deseo del yo y lo colectivo, tal y como afirman Pascal Gielen y Paul de Bruyne en la introducción a la compilación de textos Community Art. The Politics of Trespassing (2011), el poder de la idea de traspaso reside en esa idea de lo creativo como potencialidad terapéutica, subversiva, crítica, estética y política. Necesariamente efectiva y de impacto

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en relación con su territorio de acción. En nuestro caso, FAR 02, un foro de encuentro de creadores en el marco inmejorable de Cuevas del Pino en Villarrubia de Córdoba, celebrado los días 29 y 30 de septiembre y 1 de octubre de 2017. Las instituciones no se atreven a cambiar hacia el mundo nuevo que les viene por todas las direcciones. Así que como nadie lo va a hacer por nosotros, creemos que ha llegado la hora de romper con todas las contradicciones que como artistas, comisarios, críticos, investigadores, gestores o educadores culturales nos afectan, traspasando el terreno de la conversación colectiva hacia el ámbito de lo personal. Generando un pequeño archipiélago de reflexiones y aportaciones diversas que desemboca hacia una especie de terapia de grupo. Sí, un espacio utópico, neutro e ideal. Pero un espacio nuestro y necesario. Abierto al conflicto, el intercambio y la convergencia de la diferencia desde la potencialidad de las relaciones humanas. Para expresarnos, compartir saberes y entendernos los unos a los otros. Situándonos desde posicionamientos divergentes que tratan sobre:

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El dinero. ¿Por qué es un tabú hablar de dinero? Porque nos sentimos culpables. De exigir un derecho tan simple como que nos paguen por nuestro trabajo. De perder la oportunidad de participar en proyectos muy interesantes porque no hay presupuesto. De ser menos artista por trabajar en otro ámbito laboral ajeno al arte para sentirnos aliviados económicamente. De confesar que nuestro impacto mediático no se corresponde con los ingresos económicos que percibimos. De tener que posicionarnos entre profesionalización o promoción artística. De vivir del apoyo de familiares o amistades. He aquí el gran debate del arte: cómo pagar las facturas y alimentarte sin traicionar tus ideas. El arte. ¿Para qué sirve el arte? Principalmente es productor de subjetividades y vínculos. De un lado, su valor es intangible:


propicia un goce estético, cuenta cosas que han acontecido, genera identidad colectiva, ofrece perspectiva histórica e incita a la reflexión crítica y a la acción social. De otro, la circulación de mercancías le asigna un precio económico y funciona como motor de desarrollo económico territorial. La mayoría de gente sigue pensando que no sirve para nada. El artista. ¿Cuál es su lugar? La lucha. El creador se debate espiritualmente entre hacer arte por el arte y arte para la transformación social. El creador no hace arte sólo por amor al arte, sino que también come, se relaciona con gente y paga facturas. El creador debe investigar pero tiene que ser productor. El creador es profesional cuando parece que es un buen gestor, no un buen creador. Los proyectos. ¿Cómo nacen, viven y mueren? Nacen de la ilusión o motivación personal, de una persona o un grupo. Viven de la capacidad de trabajo personal sumado al aporte creativo e intelectual de los contenidos. Su evolución suele ser orgánica desde la economía de subsistencia hacia una mayor rentabilidad e inversión económica. En la búsqueda de fórmulas que permitan su sostenibilidad, la salida más lógica a la precariedad es recurrir al apoyo de las instituciones. Mueren por el desgaste de la ilusión, o la nula rentabilidad económica, o los procesos de institucionalización. Los clientes. ¿Dónde están los clientes del arte? No tenemos clientes. Las vías posibles de financiación del arte son la institución o el mercado. Si no existe interés real en la sociedad por visitar exposiciones o centros culturales, igual que tampoco hay una cultura del coleccionismo de arte, no aumenta la demanda de consumo. Los privilegios. ¿Quiénes tienen los privilegios? Tenemos un modelo político, económico, social y cultural que discrimina a las mujeres, a las minorías étnicas, y que está adaptado para las clases medias-altas. Dentro del sector arte, los hombres tienen

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la representatividad en el espacio público, son los que exponen y van a dar charlas. Las mujeres, en general se acaban ocupando de labores de administración, economía de la atención o delegación de cuidados, invisibilizándose del espacio público y, por ende, sin posibilidades de generar mecanismos de compensación. También son invisibles las personas no blancas y no pudientes. Como ves, todo va a ir sobre exploraciones e interactividad. Sobre opciones de vida y pequeñas batallas. De las cuales sólo tenemos una cosa clara: en la próxima edición, por alusiones, tenemos que invitar a un fontanero.

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Foro 01 Núria Güell

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Recetario de arte para interpelar Texto: Núria Güell


Cómplices; privilegios; cuerpo físico, emocional y legal; son los tres puntos alrededor de los cuales gira el trabajo de la artista Núria Güell, y sobre los que mantuvimos una conversación de 3 horas en el primer foro de FAR 02: La Ruptura. Como creadora lo que más le interesa es interpelar al espectador con el conflicto desde una posición ética. Trabaja con las relaciones humanas, los vínculos afectivos e historias de vida. Es en la contradicción donde cree que está la transformación social. De partida le preguntamos qué significaba para ella una idea de ruptura actualmente, como reflexión post-FAR nos propone el siguiente ejercicio:

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Recetario de arte para interpelar 1. Dejarnos afectar y entrar en escena Para el sistema democrático la persona entendida como víctima es un fallo, una realidad no prevista. Su existencia lo complica todo, obliga a encontrar una explicación sobre qué falló, a establecer acciones de reparación, a impartir justicia. Siempre es una amenaza para el sistema que falló, por eso se deslegitiman las voces que se embarcan en un proceso de toma de palabra. El sistema les invita a ser pasivas y las estigmatiza, otorgándoles una dosis de compasión o culpabilizándola para que no se vea que es el sistema el que ha fallado.


Como comentaba al inicio, en mis proyectos busco la interpelación y no la representación, ya que para mí evocar la violencia sistémica no consiste en hablar de las personas identificadas socialmente como víctimas o de añadir su visión a la imagen del mundo, sino que se trata de alterar de raíz nuestra forma de mirarlo y comprenderlo. Esto pasa por dejarnos afectar y a la vez entrar en escena. Igual que la realidad nos afecta, la podemos afectar.

2. Eliminar el estatus de público Para hacer esto, no me interesa la producción de algo nuevo sino la creación de situaciones que permitan romper el sistema inmunitario que conlleva la pertenencia a toda comunidad. La estrategia en la que se basan todos estos proyectos es la de crear encuentros directos con los sujetos de tú a tú, que eliminen la relación establecida entre público y “obra de arte”. Una relación que crea distancia y aísla tanto al espectador como a la obra. Nos hacen ser parte de lo que solo íbamos a mirar desde la distancia que habitualmente la obra de arte ofrece al espectador, a la institución y/o al artista mismo. Es una distancia pensada para que el mecanismo de la mirada o, en otras palabras, el ejercicio de leer, funcione sin salpicarnos. El objetivo de suspender esta relación, aunque solo sea brevemente, es el de comprometer a todos los agentes vinculados, incluyéndome a mí misma como parte del problema. Estos encuentros entre diferentes fuerzas me permite lograr que el público deje de ser público y así cuestionar su posición de mero espectador, como en los proyectos La feria de las

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flores y en Too Much Melanin. De forma involuntaria se convierte en una parte activa de la obra. Es como si el foco de repente lo iluminara a él, y al artista, y a la propia institución, como en el caso de Support Swedish Culture. Con ello busco reproducir la misma lógica que se da en el medio social, donde todos formamos parte, donde todos estamos implicados y tenemos responsabilidades, ya sea activa o pasivamente. Ya sea a través de lo que hacemos o de lo que no hacemos.

3. No representar sino auto-representarse

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Como habéis visto en los proyectos que he mostrado no hay actores que representan ningún guión, sino que las obras performativizan lo que ya es dado, lo que ya existe. Tanto María, la solicitante de asilo político que jugaba al escondite con los ciudadanos suecos, como las cuatro niñas que hacían de guías reinterpretando las obras de Botero, utilizaban el encuentro para confrontar al otro con lo que ellas querían decirles. No había guión, lo que decían cambiaba cada día en función de cómo ellas se sintieran y de quién tuvieran enfrente. No representaba ningún rol sino que se presentaba a ellas mismas tal como ellas decidían. En los encuentros usan la palabra, como vehículo de fuerza y no solo de significado. Es un cuerpo vivo que resuena, que tiene fuerza de afectación más allá de la imagen y la palabra. Es un roce de cuerpo a cuerpo.


4. Descategorizar o fuck el binarismo Es sabido que bajo el auspicio del poder de categorizarnos las identidades en el gran mercado de las diferencias que caracteriza nuestra sociedad, por ejemplo “nosotros/ellos, ciudadanos/ indocumentados”, la dualidad ya no nos orienta, solo nos limita. Son categorías cerradas que solo reafirman la cárcel de lo posible, deshumanizando, exotizando, cosificando, victimizando o esencializando. Lo que busco en el encuentro de tú a tú, de persona a persona, es superar las etiquetas y las identificaciones y posiciones otorgadas socialmente. En mi práctica, trabajo desde las identificaciones para lograr implosionarlas desde dentro, o sea cuestionar las identidades preestablecidas, las identificaciones dadas, las etiquetas y sus imperativos, los presupuestos. Aquí la persona que socialmente se lee como “víctima” deja la posición de objeto de compasión que se le adjudica ser sujeto político, aunque a veces las instituciones se nieguen a aceptar ese reto como en Support Swedish Culture.

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5. La confianza y la complicidad como base para evitar la instrumentalización John Berger decía que hay una gran parte del dolor que no se puede compartir pero que el deseo de compartir dolor sí puede compartirse. Y de esa acción, inevitablemente adecuada, surge una resistencia. Para mi este deseo de compartir dolor, lucha, malestar, solo se puede realizar de una manera ética, a través de la confianza y la complicidad entre las partes. Esto implica para el artista ser muy claro con las intenciones de los proyectos, a nivel ideológico y político para evitar que nadie pueda sentir que se usa su dolor para unos fines que no comparte. No es una alianza simplemente ideológica sino que es afectiva. 32

Y ya para terminar y relacionado con este último punto, lanzo una pregunta relacionada con las instituciones: ¿Cómo pueden las instituciones culturales ser honestas “con lo real” cuando esto implica ir más allá de lo que es moralmente aceptado? Como nos enseñaron los colaboradores de Support Swedish Culture, si nos dejamos guiar por la buena moral se corre el peligro de legitimar acciones bienintencionadas pero generadoras de efectos que pueden ser contraproducentes e intensificar las tensiones. Ya se sabe que la buena moral solo es la protección del status quo y que nuestros futuros solo serán los que seamos capaces de pensar en nuestro presente.


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Foro 02 Jaron Rowan

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¿Por qué son pobres los artistas? Texto: Jaron Rowan + Noelia Centeno


Precariedad versus flexibilidad son las señas que definen actualmente el sector del arte. Si le preguntamos al investigador y agitador cultural Jaron Rowan qué significa para él una idea de ruptura actualmente, nos responde con una preocupación personal: la tensión que existe entre ser un creador o un productor en cultura, qué significan esas dos cosas y cómo se gestionan. En el segundo foro de FAR 02: La Ruptura, Rowan pone sobre la mesa un material en bruto, problemas que está testeando dentro de los orígenes de las políticas culturales y cómo eso se traduce en rupturas que acontecen en la práctica. Para que negociemos un relato colectivo desde el cual traspasar el valor de la cultura. El texto es un resumen de una conversación de 3 horas que partía de la siguiente cuestión:

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¿Por qué son pobres los artistas? Primer problema: bienes rivales y bienes no rivales La Revolución Industrial. Por primera vez hay muchas mercancías a las que poner un precio, y el valor de las cosas es lo que fundamenta la economía política. No es casualidad que El capital (1867) de Marx empiece definiendo qué es el valor de uso y el valor de cambio. El valor de uso es subjetivo, lo que representa para mí una cosa; el valor de cambio, lo que cuesta cuando lo introduzco en una esfera social. A las mercancías es importante asignarle un


valor, ponerle un precio, porque se genera un standard. Pero los sujetos artísticos son una mercancía rarísima, pues su valor de uso es relativo. ¿Cuál sería el valor de uso del Guernika? Nos puede dar goce estético, socialmente nos cuenta algo que ha acontecido, produce identidad colectiva de una nación, tiene cierto valor histórico e incluso podríamos decir que tiene un valor crítico, y además, aunque esté secuestrado del mercado porque pertenece al Estado, tiene un valor de cambio. Todos esos valores conviven y ninguno excluye al otro. El modo de valorar las mercancías se empieza a aplicar para valorar los objetos del arte. Ahí tenemos un problema fundamental. Una silla impone un consumo rival, si yo me quiero sentar tú no puedes, así que mi consumo rivaliza con el tuyo. Es lo que se llama un bien rival. El arte en cambio no. Yo puedo disfrutar de un cuadro, una escultura o una performance, y tú también a la vez, nuestro consumo no rivaliza. Es un bien no rival. Parece una tontería pero es importante, porque el valor de un bien rival disminuye con su uso; en cambio, el objeto artístico, aumenta su valor cuantas más personas lo consumen. Los bienes no rivales necesitan ser constantemente utilizados, pasar de un lado a otro, ser discutidos y comentados. Los bienes rivales no. Y al arte como mercancía le pasa una cosa más. El objeto artístico siempre quiere escapar de sí mismo, es decir, que para llevarte dentro la experiencia del arte no necesitas poseerla. Eso con los bienes rivales es imposible, se llama robo y no está del todo bien visto. Al objeto artístico le encanta regalarse, que otra gente lo mire, exhibirse, pavonearse. Encima hay algo del artista que se va con la obra, regala su mirada y subjetividad. Esto es todo lo contrario a la economía ortodoxa: que los bienes sean rivales, que sean fáciles de comprar y vender, que los poseas en exclusiva y que se gasten rápido. Entonces hay dos paradigmas. El valor intangible del arte, que se contagia, que se regala, que se expande. Y el valor

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tangible de los objetos. Este problema se soluciona de forma muy clara: magnificando al arte. Como se considera que el valor de uso del objeto artístico es bueno porque genera comunidad, identidad, reflexión, crítica, y encima es un bien no rival, se construye un espacio donde el arte se regale a la gente, para que pueda consumirlo de forma colectiva y que su valor aumente y no decrezca. Me refiero a la construcción de los primeros museos, auditorios, óperas, lugares a los que ir de forma colectiva y dejarse contagiar por una obra de arte. Y en el siglo XVIII es una buena solución. Porque si los bienes no rivales del arte son tan raros no los podemos dejar dentro de un mercado tradicional que no sabe gestionarlo, un problema que se arrastra desde el Renacimiento.

Segundo problema: el acceso a la cultura 42

La aparición del Estado es importante. Es el que paga las instituciones, y las instituciones son las que pagan el arte. Un estado necesita sujetos, porque sin sujetos no es un estado. ¿Cómo se produce un sujeto? Educándolo, normalizándolo, creando subjetividad de estado a través de sus instituciones. Para que hagas lo que tengas que hacer, te comportes como tengas que comportarte, y produzcas lo tengas que producir. Y si tú le pagas impuestos, el estado te garantiza cierta seguridad. El acceso a la cultura es un derecho fundamental garantizado por la Constitución, está dentro de los Derechos Humanos y reconocido por la UNESCO. Nace dentro de la política del Reino Unido de la necesidad de educar a los bárbaros para que


aprendan a ser buenos ciudadanos. Los franceses lo copian, y de ahí salimos los españoles. Cuando empezó a reivindicarse el sufragio universal, el británico Mathew Arnold, un alto funcionario de la política de educación escandalizado porque los obreros, bárbaros, pedían votar, escribió un panfleto llamado Cultura y Anarquía (1869). ¿Cómo va a votar alguien que no sabe lo que tiene que votar? ¿Cómo nosotros, el Estado, le podemos dar el derecho a voto a quienes no saben votar? “Contra los bárbaros, cultura”. Arnold define la cultura como lo mejor que se ha pensado y creado. Entonces las instituciones tienen que tener una representación de lo mejor, porque a través de lo mejor, los bárbaros, que aún no son como nosotros, aprenderán a ser mejores. El papel del arte es importante. Dice el alemán Friedrich Schiller, y al cual podríamos llamar el padre del estado cultural, “es a través de la belleza que sea la libertad”. Se define como buen arte aquel que es bello, y contemplar arte bello nos enaltece como sujetos sensibles, nos refina, nos prepara para ser sujetos de estado. Si los artistas tienen que producir para el mercado se olvidarán de la belleza y harán cosas para vender. ¿Cómo vamos a permitir que algo tan bello se contamine por el mercado? Hay que proteger al artista produciendo desde la institución y garantizando el acceso a la institución para hacerse sujeto. Doble movimiento. Ergo, toda esa idea de belleza, verdad y libertad, que está en el centro de la cultura del estado alemán, es el origen de las políticas culturales. Aquí tenemos otro paradigma. Siendo el estado ¿cómo sabemos cuál es el arte bueno y cuál es el malo? El jurista y catedrático Marcos Vaquer, la persona que más sabe en el estado español sobre políticas culturales, dice: “el cúmulo de manifestaciones de la creatividad humana que la sociedad institucionalizada o personificada en el estado atribuye un valor intelectual o estético”. Es decir, que la institución tiene que saber lo qué es buen arte, y

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si no lo hace el estado directamente atribuyendo dos valores: el intelectual, que busca la verdad; y el estético, que busca la belleza -como artistas ya sabéis qué tenéis que hacer para que el estado os reconozca-. El museo produce el buen gusto. Decía Kant sobre el gusto que es “la conformidad con la la ley pero sin la ley”. ¿Qué quiero decir con esto? Que el Ministerio de Cultura no puede decir qué es el buen gusto, pero organiza un foro con los que representan el buen gusto. Y la gente lo aprendemos. Por eso las instituciones no son un edificio, somos nosotros: nuestro gusto, nuestra subjetividad, nuestro imaginario.

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Esto estaba muy bien los siglos XVIII y XIX cuando las prácticas artísticas eran muy pocas y relativamente marginales. ¿El siglo XX qué tenemos? Una explosión de espacios de creación, foros, museos, universidades, bibliotecas, cursos, másters, doctorados… Estamos produciendo creativos a tutiplén, nunca ha habido tantos artistas ni tanto arte. Cerca de los años 60 esa explosión creativa de masas satura a la institución que no tiene dinero ni sitio suficiente para representar a todo el mundo. Este momento coincide también con la crítica más feroz hacia la institución artística que ha habido hasta la fecha. Feministas, comunidades afroamericanas, gays y lesbianas reclamando dónde está su arte. Tenemos otro doble movimiento. Deslegitimación de la institución desde arriba y desde abajo.

Tercer problema: industrias culturales Neoliberalismo. Corriente económica que está floreciendo a finales de los 60 y se impone en los 70, a la que resulta conveniente que ese doble movimiento se de a la vez. No puede ser que el estado esté retirando una mercancía que podría estar


funcionando muy bien. Si el gusto está en manos del estado, el estado nos puede adoctrinar. ¿Qué ente más democrático hay para que el estado no nos manipule? El mercado no institucional. Ahí empiezan las denominadas industrias culturales, concepto que nace en Francia en los 70 y se expande por todo el mundo. Antes empezamos a tener un movimiento obrero masivo en contra del trabajo fordista. En Reino Unido los mineros y los astilleros ocupan las calles. En Francia, los estudiantes de Mayo del 68, creatividad al poder, quieren ser artistas e imaginación. En Italia, exigen el derecho a la precariedad y la intermitencia. La gente sale de las fábricas para dejarse el pelo y las barbas largas, éxodo de las grandes ciudades al medio rural, de los hippies… El primer movimiento global rechazando el trabajo fordista y exigiendo el derecho a la creatividad. Las clases directivas recogen esas ideas muy bien. ¿Queréis precariedad, flexibilidad e imaginación? Pues te vas a llamar autónomo y te vas a inventar tu vida todos los días. 1973. Crisis del Petróleo y primera gran crisis económica europea; en España, época del franquismo tardío, la crisis llega un poco más tarde. Europa se desindustrializa. ¿Cómo vamos a dar trabajo en Europa a estas primeras generaciones de universitarios que no son de la clase alta? Se propone un modelo de industrias culturales que sustituye la fábrica industrial por las denominadas fábricas de la cultura. No es casualidad, ni remotamente, que gran parte de los museos o centros de arte actuales ocupen el lugar de espacios que antes se dedicaban a la producción industrial. Hay miles de ejemplos, como la Tate en Londres, o Matadero y Tabakalera en España. También universidades. Y se empieza a imponer la idea de que los creadores tienen que ser productores, obreros en fábricas de creación. ¿Cómo solucionar la producción de bienes no rivales hacia bienes rivales? Con el invento de la propiedad intelectual, un modelo económico para que el arte y la cultura pueda depender del mercado y no del estado.

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La propiedad intelectual es un monopolio temporal que permite al artista hacer de su obra artística un bien rival. Si pagas, solo tú tienes derecho a reproducirlo. Así que se convierte en una renta asegurada para el creador y empieza a imponerse en la década de los noventa, como el primer plan exportador de creatividad creado por Australia en el año 94, el Created Nation. Pero lo de las industrias culturales no acaba de funcionar, en parte porque no hay ninguna fábrica de cultura que pueda dar empleo a una gran plantilla de creadores que son independientes y van a la suya. Sujetos artistas, artesanos, DJs, etc… En 1996 en el Reino Unido, bajo el apéndice de industrias creativas, se incorporan al listado estructuras más verticales que producen creatividad, como un estudio de cine o una editorial. ¿Cómo podemos hacer que el sujeto creativo se sienta parte de una industria? Le cambiamos el nombre y le llamamos emprendedor.

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Nadie del mundo cultural despierta un día diciendo que quiere ser emprendedor, que quiere producir en lugar de crear. Todos los planes de emprendizaje son públicos y estatales. El cambio de percepción se produce desde dentro del Estado. La administración empieza a mirar a la gente de la cultura como productores en lugar de hacedores, y empieza a interpelarles de manera diferente. De tí depende tu vida económica, si sabes aplicar de forma correcta los mecanismos del mercado, como la propiedad intelectual, vas a sacar una renta a tu creación. Esto genera un límite muy loco, porque las prácticas artísticas y culturales, tienden a escaparse constantemente del marco de la propiedad intelectual. Es decir, por mucha legislación que exista, en el arte las formas de citación son su matriz de ser. Un ejemplo claro es el flamenco, donde gente con una afinidad musical genera palos modulares sobre estructuras rítmicas anteriores que se van transformando. Si pretendes empresarializar el flamenco, y convertir las peñas en empresas para registrar la propiedad de las letras de las


canciones, te cargas el común, ergo, las estructuras rítmicas que todos necesitan para seguir creando. ¿En literatura? No hay ningún libro de alguien que no haya leído un libro en su vida. ¿En arte contemporáneo? Igual.

Cuarto problema: cultura como recurso Aquí empieza una cosa muy loca. El artículo 44 de la Constitución Española dice que todos tenemos derecho a la cultura, no acceso. Los antropólogos dirán que la cultura es todo. Los juristas que son bienes de valor que buscan belleza y verdad. Los comisarios que una cosa es cultura y otra la mercancía. Ergo, esa cosa de garantizar el derecho a la cultura es tan abstracto, porque ya la tienes -sabes hablar-, que es un derecho absurdo. Entonces se reinterpreta con un nuevo verbo que implica acción, y nos dicen que vamos a tener derecho de “acceso” a la cultura. ¿Eso qué significa? Una ruptura. Que se pone una capa de mediación entre la cultura y el ciudadano, la cultura está en un lado y nosotros tenemos que acceder. ¿Cómo se accede a la cultura? La ley es muy ordenada y la divide en dos tipos de derecho: derecho a la creación y derecho a la producción. El acceso a la creación es la capacidad de expresarnos libres de cátedra, sacando algo que llevamos dentro, y dentro está el derecho al acceso a las obras creadas, por eso hay archivos e instituciones que guardan. El derecho de creación es igual a la verdad y la belleza. A medida que va creciendo la popularidad de la cultura el estado no es el único que puede garantizar el acceso, sino también el mercado. Ahí se adscribe el acceso a la producción, porque para producir se debe garantizar un derecho que permita

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al sujeto creador lucrarse dentro del beneficio económico, la propiedad intelectual. Un derecho si no se ejercita se va perdiendo. Y en el ámbito español, los últimos veinte años, hemos visto como los derechos de creación son cada vez más pequeños. Vivimos en tiempos de derecho a la producción, del fomento de industrias creativas, incubadoras de empresas y planes de desarrollo. No quieren creadores, quieren productores culturales. Pasamos de la cultura como un derecho a la cultura como un recurso, que sirve para ganarse la vida o atraer turistas. Un recurso de normalización económica y estética de las ciudades. Ya lo dijo Susana Díaz, que quería chinos.

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La administración te interpela si eres productor de cultura, no creador. Es decir, que beneficia económicamente al gran grupo. Paulatinamente los artistas se empiezan a travestir como empresa para que les hagan caso. Yo lo llamo empresa ficción. Porque bajo la idea de la profesionalización, el creador debe ser un buen gestor. Ahí está la trampa. ¿Un artista profesional es uno que está dado de alta en autónomos o es un buen artista? Núria Güell ha comentado antes sus problemas en el ámbito de la gestión y sin embargo es una artista buenísima. ¿Cómo la tratamos? ¿Como buena creadora o como buena productora? Desde las administraciones planifican recursos y programas que incentivan a la empresa. Estaría muy bien si hubiera un mercado, pero el consumo del arte en España es plenamente institucional, el 95% del mercado lo compran las instituciones. No hay un sector privado de consumo del arte. La administración fomenta el artista emprendedor con el cual sostener su acceso a la producción. El creador para ser un buen profesional tiene que ser una buena empresa ficción dentro de un mercado ficticio. Pero darte de baja y alta como autónomo no es ser un buen profesional. Entonces


tenemos una ficción colectiva donde la profesionalización del sector ha generado muchos chiringuitos, unipersonales y poco sostenibles. Chiringuitos en el buen sentido de la palabra: abres en temporada, cierras cuando no hay gente; al principio quieres vender cosas buenas como tapas de autor, pero al final acabas vendiendo bravas y calamares que es lo que te piden. Entonces desde la propia administración se fomenta un modelo que discrimina, precariza y produce segregación. Porque no todo el mundo puede adaptarse. Las clases más pauperizadas no pueden acceder a las industrias creativas. Si no hay familias que ayudan o se consigue la guita de otro lado, no puedes permitirte ser becario tantos años. ¿Queréis compartir algo? En plan alcohólicos anónimos... Porque creo que muchos compartimos esa sensación de precariedad y angustia en el sector cultural.

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Presentaciรณn El Respirador

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Nuevos tiempos Texto: el Respirador


Admitamos que los tiempos que nos ha tocado vivir en el sector de la cultura no son los mejores que hemos atravesado. Es un hecho. A pesar de ello, la cultura sigue necesitando de propuestas que devuelvan a la vida algunos de estos miembros que, por falta de alimento -económico-, están en un peligroso estado catatónico. Dicen que los malos tiempos agudizan el ingenio y por ello las nuevas iniciativas que están surgiendo relacionadas tanto con el mundo de la cultura como del arte en particular parece que favorecen que entre algo de aire fresco en un mundo que a veces parece hermético. El arte toma las calles, los estudios, y las cuevas si hace falta. Retornar al origen primitivo y casi mágico del arte es volver la mirada a nuestro tiempo de una manera subversiva.

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Dicen que hay que reinventarse o morir. Reinventémonos, aunque suponga volver la mirada atrás para poder seguir avanzando. Algunos aun creemos en el papel como medio para expresar nuestra particular visión del arte. ¿Qué fue de aquellas grandes revistas a las que mirábamos con devoción hace unas décadas? Los tiempos han cambiado y nosotros con ellos. Las redes nos permiten un alcance hasta ahora nunca visto, la información se comparte a nivel mundial en cuestión de segundos y el feedback con el lector es inmediato. ¡Cuántos hubieran querido tener estas herramientas de las que disponemos hoy para hacer lo que amamos: el arte! No nos engañemos, amamos esto del arte. Lo necesitamos como nuestra dosis de medicina para poder entender algo mejor aquello que nos rodea, incluso para sentirnos vivos. Ya sea en papel o en digital creemos aun en la poesía de la palabra escrita, en la potencia de la imagen, en la emoción de la experiencia. Tomemos un respiro. Inspira. Espira. ¿Fácil? Según confesaba Duchamp en una de las entrevistas que le hizo Pierre Cabanne su mejor obra de arte era respirar. Un arte que parte de la vida, que surge del cotidiano. Pongámoslo como norte en


nuestra brújula para no perderlo de vista y que nos dirija a nuevos horizontes. Así, convencidos de esto, comenzamos una andadura que ya va por los tres años y que ha tenido como fruto cinco ejemplares de una revista de más de cien páginas en cada número y una plataforma de arte con web propia. En FAR 02, en el complejo de las Cuevas del Pino en Villarrubia (Córdoba), las redactoras de la plataforma de arte contemporáneo elRespirador, han podido analizar cómo la plataforma ha ido creciendo desde su creación en 2014, su paso a la revista impresa así como la inauguración de la página web en Octubre de 2017. Gracias a un contexto participativo y lúdico en la Facultad de Bellas Artes de Sevilla pudo surgir esta iniciativa en la que un grupo de amigos y artistas conformó el primer núcleo del equipo, al que posteriormente se han sumado Historiadores del Arte o Filólogos. Sin perder de vista el carácter riguroso y académico de las publicaciones se busca un acercamiento del arte contemporáneo a todo tipo de público basado en la importancia del diseño y en la cercanía del estilo. Tras la presentación de la plataforma, se pudo establecer un diálogo entre artistas, comisarios, expertos del sector y otros interesados en la materia, recibiendo una calurosa recepción por parte de los participantes de estas jornadas. Entre todos coincidimos en la dificultad de sacar adelante un proyecto colaborativo de manera altruista tal y como se encuentra actualmente el panorama artístico andaluz. Lejos de caer en el pesimismo, colectivamente debatimos la manera más adecuada de mantener a flote estos proyectos sin cambiar el leit motiv con el que fueron fundados. A pesar de las dificultades económicas para mantener un proyecto de este calibre continuamos con la ilusión del primer día, volcándonos en los contenidos de la web, donde se pueden encontrar desde noticias, las mejores convocatorias nacionales e internacionales a las populares críticas y artículos de

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opinión. Mientras tanto, esperamos el regreso de la publicación física, que vendrá con un diseño renovado y con contenidos inéditos de gran calidad, como las usuales entrevistas a miembros del sector del arte así como los artículos de las firmas invitadas entre las que tenemos nuevas sorpresas. Seguimos respirando.

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Foro 03 Debate abierto

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Después de la presentación de la revista El Respirador, tuvimos un lugar de encuentro común de una hora donde hablar de rupturas y posibles traspasos, desde nuestras inquietudes personales. Arturo Comas_ En todo el foro ha habido un hilo conductor sobre planteamientos éticos. Ayer Jaron nos contaba como el arte se ha convertido en un producto, con todas las complicaciones que eso conlleva. Núria como interpelaba a la moral desde la contradicción. Ahora el Respirador nos ha contado como su proyecto se plantea un momento de ruptura porque no tienen cómo financiarse. Me interesaba en en la conversación poner en común esa tesitura. En el sector del arte hay un doble rasero. Hay gente que prejuzga que seamos artistas pero también fontaneros. El tema del dinero, la financiación, parece que si hablamos de ello ensucia nuestro trabajo. Incluso reconocemos como algo positivo trabajar gratuitamente en algo que no aporta beneficios por el derecho al acceso a la cultura. ¿Debe el artista cobrar por su trabajo? Porque no valoralo es quedarnos atrás. Luchar sí, ¿pero hasta qué punto? ¿A qué precio debe ser la cultura gratuita? ¿Debe el arte ser rentable o no? ¿Cómo lo resolvemos cada uno, si es que lo hemos resuelto? 64

Miguel A. Moreno_ Yo no comparto que sea quedarnos atrás. Creo que hay dos vías, la de la profesionalización o la elaboración de proyectos desde la gratuidad, y ambas son válidas, porque quizás disfrutamos más de una cosa que de la otra. Cada uno tiene que elegir si llevarlo a lo personal o ponerse honorarios. Si yo como artista expongo con un precio económico y otra persona lo hace sin cobrar para promocionarse, se está posicionando en contra de la profesionalización del arte y las buenas prácticas. ¿Cómo conviven esas dos realidades? Marisa Vadillo_ Lo de la gratuidad es genial, pero no es viable. Aunque también es arriesgado hacer esas críticas dentro del


propio sector. Podemos hablar de alguien que trabaja de guardia jurado pero es un artista que te cagas, y esa es su opción para exponer. Creo que nos metemos muchas veces en cosas que son muy personales. El problema está en intentar trabajar desde Andalucía, que está en el culo de Europa, donde no hay un mercado, no hay un público coleccionista, no hay una cultura de visitar exposiciones o de ir al teatro… No es solo que un estado apoye institucionalmente a la cultura. Si no hay interés real en la sociedad, eso repercute claramente en la capacidad que como creador tienes para desarrollarte, a qué precio y en qué condiciones desarrollar tu profesión. Isabel León_ Creo que cada uno pasa por distintas fases a lo largo de su vida y tiene que ver con las circunstancias personales de cada uno. Hay gente que desde el principio tiene un trabajo paralelo, eso no significa que sea menos artista sino que su participación artística no tiene presión económica. Luego está la gente que decide dedicarse solo al arte, con la doble presión que eso supone: querer estar y necesitar cobrar por su trabajo. Es algo muy complejo que tiene que ver con el momento en el que te encuentres. Yo personalmente me he desapegado de la idea de vivir solo del arte y para mí ha sido una liberación total. Eso no significa que me sienta menos artista, ni que vaya a trabajar menos en el mundo del arte, ni que me vaya a implicar menos socialmente, ni que vaya a hacer cosas gratis. Para nada. He decidido tener otro trabajo paralelo que me alivie la angustia económica. Pero también que me quite ese rollo de soy artista. Miguel A. Moreno_ Según la actitud que adoptes también se pueden cambiar realidades. De los proyectos que surgen en los pueblos de Córdoba, dentro del contexto Scarpia, soy de los primeros que me planteo cobrar unos honorarios como comisario, porque con el tema de las subvenciones no estaban obligados.

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Aporté desde mi ejemplo a los antiguos comisarios que lo hacían sin cobrar, y a los nuevos, cambiando el chip a la institución hasta el punto de reconocer que cada comisario debía cobrar unos honorarios. Isabel León_ Claro, obviamente. Siempre lo hago desde la mayor profesionalidad posible cobrando por ese trabajo de gestión de ideas y comisariado, pero no hay suficientemente volumen de trabajo para vivir de ello. Además yo trabajo con un arte efímero que no puedo vender, ni exponer, ni nada. En mi caso no me da. He estado muchos años con ilusión apostando por algo, pero también he necesitado del apoyo de mi familia y pareja. Hasta que un día dije que ya estaba harta de estar sin ingresar dinero, sin aportar, sin invitar yo.

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Lourdes Mondéjar_ Desde mi posición outsider me puedo permitir el lujo de artistear y no ser artista. Perdonad, yo creo que la realidad no es una disyuntiva. Habláis del dinero como si fuera pecaminoso cuando es la gasolina que necesitamos para comer. En cualquier profesión la gente cobra una cuantía económica, pero cuando existe el entusiasmo hay otra aportación intelectual que es gratuita y no está en la nómina. Marisa Vadillo_ Llama a un fontanero, te cobra hasta el desplazamiento. Lourdes Mondéjar_ No sois tan especiales. Hay fontaneros y fontaneros. Algunos a lo largo de los años se han espabilado para estar actualizados, y esa actualización no te la cobran en la factura, te cobra el grifo. Enganchando con la pregunta de Miguel me parece que las dos vías no son contradictorias. Lo que sí veo es que tenéis que vivir, y si queréis cobrar vuestro trabajo os lo tenéis que plantear desde la profesionalización del arte. Ahora bien, cuando se trabaja gratis vale la pena cuestionarse la rentabilidad.


Miguel A. Moreno_ ¿Te refieres a qué rentabilidad tiene emocionalmente? Lourdes Mondejar_ Exactamente. Para abrir campo, hacer público e instituciones… Este mundo está sustentado en el trabajo de muchas personas que no cobran por ello, empezando por nuestras madres. Vosotros como artistas lo tenéis difícil para vivir de vuestro trabajo, porque no es lo mismo ser artista que fontanero, médico o profesor. María Alcaide_ Ante la presión que tiene el artista sobre sí para triunfar o vivir de su arte, quisiera subrayar que también es muy importante la comunicación. Los artistas siempre nos estamos quejando, criticando la precariedad del sector desde la ironía espectacularizada. Tenemos que afrontarlo desde otra perspectiva lingüística. Por ejemplo, en mi web me presento como María Alcaide, artista de traca. Detrás se ve una foto de Zara, y pongo que también trabajo en tiendas de ropa. Yo no tengo ningún problema en decirlo, de algún modo también estoy llevando el arte a mis compañeros de Inditex. Me parece interesante comunicarnos con los demás a otro nivel y no dar la imagen de artista genio. Arturo Comas_ Ese paso que ha dado María es un primer paso para hacer el cambio. Ayer lo decía Roberto, que el primer paso es reconocerlo para respetarnos entre nosotros. A no juzgar ser de un lado o de otro. Que todos estemos hoy hablando de esto es muy importante. Pilar del Pino_ Me produce fascinación estar aquí en contacto directo con la creación. Es esencial hablar de dinero y de la profesionalización. Como dijo Miguel cuando haces un proyecto hay una convivencia de trabajo que biológicamente va creciendo, la creatividad se multiplica y entonces hay que negociar con el mercado si te conviertes en producto o no. Digan lo que digan

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las leyes, como artista te nacen subjetividades. Por un lado está la creación artística que es intangible. Porque ¿cuánto vale la lágrima? ¿Qué vale un mundo de angustias o placeres? Por otro, está el negocio con las instituciones, la vida real, las facturas que hay que pagarle al fontanero. Núria lo dijo bien claro ayer. Es artista y cobra, antes que otra cosa pone eso sobre la mesa, porque no hay más. Siendo todos un equipo la maravilla es la versatilidad, se aprende desde la diferencia, el diálogo y de llegar a acuerdos con pactos, algo que quizás es lo más necesario ahora mismo socialmente. Aprender a pactar y a convivir con nuestras diferencias.

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Noelia Centeno_ Y tan difícil. Aunque al final aquí, desde la diferencia, cada uno estamos hablando de lo mismo. Creo que es muy positivo que nos expresemos para comprendernos unos a otros. Ligando con la temática del foro, al hilo de lo que comentaba Isabel y por aportar desde lo personal, ahora estoy en un proceso de ruptura en mi lucha diaria. Llevo años persiguiendo un objetivo en el ámbito de la investigación universitaria que por las circunstancias del sector no he conseguido. En ese recorrido hay muchas personas que me han apoyado, que han creído en mí, a nivel de cuidados y a nivel económico. Siempre he creído que luchando y haciendo desde la pasión verdadera se consiguen las cosas. Entonces luchas, luchas, luchas. Pero detrás de esa lucha siento que estoy desgastando y extorsionando otras cosas que también son importantes en mi vida, como mi familia. Porque quiero pagar las facturas aliviada creo que ha llegado la hora de abandonar ese romanticismo y presentarme a las oposiciones de secundaria, que nunca había sido mi objetivo pero es el que más se le parece. Si me lo planteo desde la experiencia personal que tengo en el mundo del arte, siempre con la ilusión de revertir las cosas que estoy aprendiendo aquí a otro nivel de lucha más pequeño, puedo mejorar el mundo. Decidir estar o no estar conlleva pérdidas y beneficios colaterales en ambos lados.


Patricia López_ Este juicio que nos hemos inventado no lo entiendo. Sobre lo que dice María de conciliar el trabajo sin que sea parte de tí, nunca me ha dado vergüenza decir en qué trabajo para ganarme la vida. También quería apuntar que ser profesional para mí no es solo cobrar o facturar por lo que haces, ser profesional es llegar al fondo de las cuestiones que te interesan, y para llegar a ese fondo que te interesa como artista necesitas espacio, tiempo y dinero para crear. Yo concibo mi vida como pluriempleada, pero en un futuro aspiro a que ese modelo pueda ser otro.

Isabel León_ Cuando valoras hacer algo no sólo en términos económicos, ¿merece la pena? ¿Qué me aporta como persona y como artista? No tanto por posicionarme, porque cuando trabajo en el ámbito institucional sí cobro. Pero hay un montón de proyectos independientes en los que no. Y a veces tragas con cosas que no son éticas. Rafa Chinchilla_ Al hilo de lo que estáis comentando percibo un poco de agotamiento. Si llevas muchos años peleando por algo y de repente llegas a cierto umbral que no lo vas a conseguir, replantearse un cambio de dirección es lógico porque en vuestras vidas cambian las necesidades. En mi caso personal yo tengo 25 años y no me molesta dedicarme a tope en un trabajo precario. El testigo de la lucha se puede pasar a la generación que viene detrás porque nuestro momento vital es diferente. En el poco tiempo que llevo en el mundo del arte percibo individualidad y rivalidad. Todos nos quejamos tomando cervezas que hay algo que no funciona, pero aunque haya una Asociación de Artistas Visuales de Andalucía no hay sentimiento de unidad, no se hace nada conjuntamente. Miguel A. Moreno_ Pensamos que no se hace nada pero la

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estructura la formamos la unión de personas, no funciona sola, y debemos intentar que siga funcionando. Rafa Chinchilla_ Por supuesto. Además tenemos la ventaja que hay gente en diferentes momentos de lucha. Sólo creo que hay partes de esa lucha que quizás ya no os corresponde, nos podéis pasar el testigo a la generación que venimos detrás con ganas y fuerza de hacer cosas. Gracias a lo que vosotros habéis avanzado, tenemos asumida la lucha actual. Nos hemos posicionado de base. Descansad, porque no lo vais a hacer todo vosotros. Reyi Pérez_ Aquí se está planteando una disyuntiva que creo que no existe. ¿Quién nos dijo que podemos vivir del arte? Yo no soy artista pero el 90% de los artistas que trabajan con Juana Aizpuru, una de las galerías más reconocidas de España, no viven de su trabajo como artista. Álvaro_ Pues no sé que voy a hacer entonces, ¡porque no quiero hacer otra cosa en la vida!

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Reyi Pérez_ Me parece perfecto, cada uno tiene que decidir por sí mismo. Pero si quieres vivir por tu cuenta y no tienes quien te apoye económicamente, tendrás que hacer otra cosa. Es que todos lo hacemos. ¿Cuántos profesores hay que dan clase en un instituto que les encantaría dedicarse al yoga, al running, a pintar o a lo que sea? Todo el mundo debe buscarse un modo de vida productivo. Álvaro_ ¿Por qué? Si yo produzco arte... Reyi Pérez_ Porque la sociedad no considera que tu medio de vida sea productivo. Ese es el problema, tú no puedes luchar con todo el organismo en el que vivimos. Puedes decidir hacer pequeñas luchas, como las que decía Noelia y hablábamos ayer con Núria. Sólo con decir que vamos a ganarnos la vida con el arte es una


lucha insuficiente, porque ¿quién tiene hoy día un mecenas? No podemos convencer a toda España que el arte es importantísimo cuando para el 90% no lo es. Pero sí podemos ganar con pequeñas conquistas. Luego os quería comentar otra cosa. Nos estamos desviando de un tema importante. Vivimos en una era visual y nosotros somos expertos en la imagen y en educación visual. No lo tenemos tan difícil, estamos en el momento en el que tenemos que estar para relacionar nuestro trabajo con lo que más nos gusta. Claudia Frau_ No estoy de acuerdo contigo Reyi. Creo que hemos normalizado demasiado esa actitud de que no se puede vivir del arte. Seguimos en una lucha individual que todos llevamos a cuestas, pero si nos focalizamos conjuntamente la carga va a ser menor. Hay muchos economistas, como Juan Torres, que están avanzando en la investigación del tema de la renta básica y que deberíamos recuperar. Porque otro tema que comentaba Lourdes y que hemos normalizado es el de las madres, estamos levantando un país gratis. Lo que debemos normalizar es que tenemos que cobrar. Eso es lo hay cambiar. Hemos entrado en un conformismo impresionante. ¿Cómo podemos desde el arte propiciar un trabajo común? Roberto Urbano_ Creo que nos estamos desarrollando como artistas en una gran mentira, pensando que podemos vivir del arte. Hay gente que puede hacerlo por circunstancias o mecanismos que a lo mejor los que no llegamos a ello desconocemos. Dentro de esta gran mentira nos retroalimentamos todos. En Facebook, Instagram y revistas como El Respirador -que no la critico-, aparecen nombres de artistas más noveles o consagrados, que su impacto mediático no se corresponde con su situación económica. Nos mentimos entre todos. Llega un momento que te das de bruces en la cara con la realidad y te preguntas ¿voy a seguir así? A mí personalmente, después de una vida precaria, conseguir un puesto de trabajo que me hace la vida

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más liviana ha sido un plus para la calidad de mi obra. A lo largo de mi vida he estudiado, he viajado mucho, me he documentado y he aprendido estrategias, pero descartar la posibilidad de vivir del arte y no tener esa sensación de asfixia económica ha liberado mi proceso creativo. Creo que es hora de despertar y de darnos cuenta que no pasan tantas cosas como parecen, ni que tanta gente vive del arte tan bien como creemos. Susana López_ Esto es algo que ocurre en todas las profesiones. Yo llevo queriendo ser profesora desde los 23 años y no lo he conseguido hasta los 29. Durante esos años he trabajado de otras cosas y nunca me he avergonzado de ello. El hecho de que no habléis de las dificultades económicas que tenéis no sé si es un problema de ego o de presión social, pero no os ayuda. Vocacionalmente siempre he querido ser profesora, así que otra cosa que os quiero transmitir a los que no tenéis otra alternativa, pensarlo bien, porque la enseñanza es una labor muy importante y hay que estar muy motivado.

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Arturo Comas_ Quería hacerte una pregunta. Como dices que esto pasa en todas las profesiones, ¿hay muchos profesores que vivan de ser profesor? Susana López_ Una vez que tienes plaza, todos. Arturo Comas_ Yo es que a artistas que vivan de ser artista no conozco ninguno, o casi ninguno. Esa es la problemática. Como artista novel crees que ese momento de vivir del arte va a llegar algún día, con el tiempo conoces a gente top que en petit comité reconoce que vive de su pareja. En ese momento se cae esa gran mentira que comentaba Roberto. Reyi Pérez_ Todos estamos igual.


Arturo Comas_ No. A lo que yo me refiero es que este estado ficticio no pasa en todas las profesiones. Jorge Martín_ En el sistema capitalista que vivimos si ofreces un producto que la gente necesita, ganas dinero. Vimos ayer como la función del arte es justamente la contraria. Luego está la obsesión bastante interiorizada de crear una obra que es tuya dentro de una marca personal, y eso es una idea muy neoliberal. Yo creo que deberíamos romper con eso y valorar más las prácticas colectivas. La clave para desarrollar la actividad artística es crear estructuras de apoyo entre creadores lo más autónomas posibles. Sonia Pérez_ No creo que sea como dice Arturo, un mal endémico sólo del artista. Si los sueldos fueran públicos, nos daríamos cuenta de la gran mentira que existe también. Yo cuando digo que soy personal educativo del Museo Pompidou queda muy vistoso, lo cierto es que gano 468€ al mes. Claudia Frau_ Pero tienes sueldo… Sonia Pérez_ Claro, pero no es una cuestión de sacar el precariómetro a ver quién está más jodido. Yo gano 500 pavos y tengo dos hijos. Lo mío no es situación precaria, es ser Juan Tamariz. Si a eso le sumas que Rafa quiere jubilar a la generación de Miguel e Isabel, a mí me incinera en el exilio. Vosotros os habéis incorporado al mundo laboral en una situación donde la bonanza económica ya no existía, pero los que venimos de una situación anterior tenemos un sentimiento pesimista brutal. Yo estuve trabajando en la Delegación de Cultura de Jaén las mismas 20 horas de ahora y ganaba cinco veces más, con el agravante que yo ahora trabajo sábados, domingos y festivos, días que mis críos no van al cole. Cuando vino la crisis a mí nadie me avisó y se me ocurrió tener hijos, después de siete años de crianza, cambiar de estado civil, de ciudad y de color de pelo, me incorporé al mercado

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laboral y tuve que reinventarme en otra profesión. Cuando me dijeron el sueldo pensé que esto era Crackovia en 1945. Hemos bajado una serie de escalones de derechos labores que además hemos normalizado. Por ejemplo, cuando apareció la palabra mileurista recuerdo era peyorativa, ahora es una suerte ser mileurista. Encima pertenecemos a un sistema político, social y económico donde lo que se potencia es el individualismo. Pero esta situación no es azar, forma parte de un plan orquestado. Antiguamente las relaciones horizontales fueron el caldo de cultivo de muchas de las revoluciones que se hicieron. ¿Cómo te cargas eso desde el sistema? Convirtiendo a la sociedad en individuo, pero no en el sentido francés del término, ya nos gustaría, sino en el sentido de yo con lo mío y tú con lo tuyo. Así no hay posibilidad de asociarse en una lucha contraria. Al contrario, se potencia la envidia y que no nos alegremos de los triunfos de los demás.

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Marisa Vadillo_ Creo que hay una singularidad clara en el perfil de un creativo que no la tiene el profesor. En nuestra profesión no es que no tengas dinero para vivir ni te paguen por tu tiempo, es que tú pagas tu obra y no tienes para producir. Un profesor no pagaría por dar clase. Yo no soy artista, soy profesora en la universidad, tengo 42 años y 2 hijos también. ¿Eso qué me cuesta? Por mis circunstancias familiares, una clase social bastante baja, me pagué la carrera limpiando casas y de asistenta en un hotel. Tuve suerte y cuando terminé de estudiar Bellas Artes conseguí entrar con una FPU en la universidad. En un momento que era muy peyorativo. Mis compañeros de estudios que estaban exponiendo, y yo a todas horas ocupada con mi tesis doctoral, me decían si me iba a quedar en el sitio más pestoso del planeta. Aparte de tener una vocación muy fuerte, para mí ser profesora ha sido muy liberador. Pues también tenía claro que no servía para estar en el mundo de las inauguraciones, por cuestiones de envidia y competitividad, porque casi no hay recursos y porque no me gusta hablar con


según que gente. Es muy duro pensar que tu comida o la de tus hijos depende de esas relaciones, eso en otras profesiones no se da. Ahora ha llegado un momento, que al margen de lo que produzco, digo que no soy artista. Ni me hace ilusión que me llamen para exponer, ni lo necesito económicamente. Es una decisión personal. Digo que soy profesora porque lo soy. Cuando mis alumnos tienen un éxito, verlos crecer, no está comparado con el MOMA ni con exponer. Lourdes Mondéjar _ Yo me refería a que trabajar gratis pasa en todas las profesiones, incluidos los fontaneros, porque hay una parte que la pone el interés y el entusiasmo. Eso sí, la parte pagada de vuestro trabajo es mínima porque tenéis muy poco pastel para repartir entre muchos. Álvaro_ ¿Entonces matamos a los artistas? Lourdes Mondéjar_ La cosa es lo que hacéis gratis y que este mundo funciona como funciona. Entonces pensad para qué lo hacéis, con qué rentabilidad y objetivos. Yo quise ser artista a los 14 años y no pude, pero tampoco me he pegado un tiro. Claro que tenéis todo el derecho a ser artistas, igual que todo el mundo tiene derecho a ser otra cosa que tenga derecho a ser. Pero en este mundo competitivo no hace falta que os flageléis. Intentad ser un poco prácticos y bajemos un poco el mito del gran artista, pues al final se está muriendo de hambre o le mantiene sus familiares. Núria cuando nos mostró ayer sus trabajos nos dijo que no había que ser pretencioso. El mundo se cambia entre todos, poco a poco. Hay momentos para coordinarse juntos y otros que toca tirar hacia adelante como se puede. Pero es que no hay otra manera. Luego otra cosa, nunca habláis del público, no tenéis clientes y tenéis que crearlos. No la institución que os compre cuadros, sino gente que entre a los museos u os compre obra.

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Álvaro_ Llevamos todo el fin de semana hablando de las instituciones. ¿Por qué? Yo produzco obras de arte que son productos de lujo. Yo quiero que las compren personas. ¿Por qué me tienen que dar a mí las instituciones dinero? Las instituciones no somos todos. ¡Yo no, qué carajo! Yo no quiero dinero de nadie del pueblo porque hay que darles cultura. Yo quiero que la gente compre mi obra porque le guste. Quiero clientes. Yo creo obras de arte que son objetos de lujo. Susana López_ Por responder a Marisa, que sepas que a mí no siempre me ha salido rentable ser profesora. Mi trabajo es transmitir conocimiento, fomentar el pensamiento crítico… Yo he dado clases, que sólo por probar mi metodología y tener experiencia, con el transporte y el material salía a perder. El profesorado está muy idealizado. Marisa Vadillo_ Tienes la obligación de convertirte en el profesor que tú hubieras deseado tener. Y eso cuesta mucho.

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Arturo Comas_ Por supuesto no pretendía quitarle valor a la labor del profesorado, lo que quería resaltar es que la problemática del artista, del gestor, del comisario o del mundo cultural en general, no tiene nómina ni estabilidad laboral. Somos nuestros propios mecenas. Lo decía antes Marisa, no sólo tenemos que trabajar para vivir, también para pagarnos las obras. Marisa Vadillo_ Pasa menos en comisariado. Reyi Pérez_ ¿Cuántos comisarios hay en Andalucía que vivan de ser comisario? Arturo Comas_ Está claro que hay una problemática. Si nos reunimos y ponemos en común es para construir e intentar mejorar. Hacer un cóctel con todos estos conocimientos y


experiencias que hemos compartido aquí. Pilar del Pino_ Solo cerrar con dos frases. Cread comunidad, como hizo el Equipo 57. Porque aquí en Córdoba, en el 57, existía algo de lo que ahora mismo queremos sustentarnos.

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II Convocatoria Isabel Leรณn

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Metรกfora de una ruptura Texto: Isabel Leรณn

Proyecto seleccionado para la II Concocatoria de Creaciรณn FAR


“Metáfora de una ruptura” es una propuesta de acción colectiva que parte de la idea principal del II Foro de Arte Relacional, y toma los dos verbos del título como punto de partida para crear una performance basada en estas dos acciones: romper y traspasar. Se trata de trasladar estas dos ideas al plano físico, a lo vivencial, a lo experiencial y a lo personal… a través de la ejecución neutral de estos verbos, utilizando diferentes materiales y objetos como metáforas (o símbolos) de aquello con lo que queremos romper. Me interesa el arte que parte de lo aparentemente insignificante; de imágenes, conceptos y materiales sencillos, de lo cotidiano, de lo cercano, de lo accesible... Del arte de acción o performance art me me apasiona la fuerza de propia forma, de la acción en sí: la presencia y la utilización del espacio, del tiempo y de los materiales… Al unir estas dos ideas, surgen propuestas como esta; acciones sencillas, aparentemente evidentes, donde surge la poesía a partir de la manera de llevarlas a cabo y del contexto en el que se insertan.

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Creo que los cambios se producen de dentro a fuera, partiendo desde lo más cercano e inmediato y extendiéndose por capas a nuestro alrededor: yo, mi pareja y/o familia, mis amigos y compañeros de trabajo o proyectos, mi barrio o mi pueblo, mi ciudad, mi país, mi mundo… Efecto mariposa, quizá. Coherencia, seguramente… No creo en las revoluciones ni en los cambios si no parten de uno mismo, por esta razón, esta propuesta invita a reflexionar sobre “¿qué quiero romper yo en vida? ¿qué tengo que traspasar? ¿qué puedo hacer desde mi individualidad?”. Por otro lado, cuando hablamos de “relacionarnos” (arte relacional) de nuevo cobra importancia esta misma idea: ¿cómo nos relacionamos con nosotros mismos? ¿tiene que ver la manera en la que me relaciono conmigo con cómo soy con los demás? ¿por qué me interesa personalmente el arte en el que es importante


la relación que establezco con otros? Así pues, “Metáfora de una ruptura” propone mirar hacia nosotros mismos como punto de partida de una reflexión más amplia en relación al arte y nuestra situación como artistas. La propuesta tuvo una fase de preparación que incluía una toma de contacto previa vía mail con los participantes en el taller, en la que se les explica muy brevemente la idea, y donde se les pide que busquen y traigan al Foro un material para romper y/o traspasar, que esté relacionado con algún aspecto personal sobre las ideas de ruptura y/o traspaso... Hubo personas que no recibieron el mail, por lo que decidieron su material y su acción allí mismo, durante el foro. Parte del mail que se les envió fue el siguiente: “El material en sí no tiene por qué ser algo que realmente quieras romper (o sí), como por ejemplo una tesis doctoral, la fotografía de alguien… Piensa también en materiales que sean como una metáfora (o un símbolo) de algo más sutil… por ejemplo, romper con una actitud infantil y utilizar espaguetis porque te remite a la infancia, o caramelos. No importa que el material tenga una relación “obvia” con aquello con lo que queremos romper, basta con que para ti signifique algo y tenga una conexión personal. Sin embargo sí es importante tener en cuenta las cualidades plásticas de aquel material u objeto que elijamos; debe ser algo que nos ofrezca la posibilidad de ser roto o traspasado durante 40 minutos aproximadamente; debe ser un material con el que podamos recrearnos en la acción de romper y/o traspasar... Por ejemplo, un film transparente (que podría significar aquello que tenemos delante y existe pero no queremos ver) podemos colocarlo entre dos columnas (estructurales o nuestras propias piernas, por ejemplo) y podemos atravesarlo con nuestros dedos, poco a poco, con nuestra mano, nuestra lengua, la cabeza, con el cuerpo… Piensa en el material u objeto y cómo quieres romperlo

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(a lo mejor quieres utilizar un pequeño martillo para romper caramelos)... Por último, es básico tener en cuenta el contexto y el entorno en el que vamos a trabajar (las Cuevas del Pino), así que mira las fotos del lugar, quizá te sugiera a la hora de elegir tu elemento. Y ten en cuenta elegir un material que puedas recoger y limpiar, ya que es responsabilidad de cada uno recoger lo que haya utilizado, sin dejar rastro.” El primer día del encuentro, hubo una breve presentación de la acción y el sábado, en los huecos y descansos, realicé pequeños encuentros con los participantes para tratar cuestiones relacionadas con la acción de cada uno; con su material, el lugar para trabajar, la presencia, el tiempo…

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“Metáfora de una ruptura” tuvo lugar el domingo por la mañana dentro de la propia cueva, en la que participamos unas 17 personas, con una duración de unos 30 minutos. Cada cual eligió un lugar y se concentró en su acción de romper y/o traspasar ese objeto. Eran muchas acciones simultáneas en las que compartimos el mismo espacio, tiempo e intención. Era una sólo acción vertebrada en otras muchas… Cada cual lo experimentó y sintió desde su propia realidad; algunas acciones fueron catárticas, otras íntimas, otras duras, otras sutiles… pero todos compartimos una misma energía. Durante la preparación sufrí un poco con esta propuesta porque no tuve suficiente tiempo con los participantes para compartir mi intención y definir todos los aspectos detenidamente, sin embargo me sirvió como ejercicio de desapego y confianza… Desapego del resultado y de cómo cada persona se acercara a esta experiencia, y confianza en la propuesta en sí y en el trabajo de los participantes.


Personalmente, disfruté mucho con todo el trabajo y me siento satisfecha del proceso (a pesar de la falta de tiempo) y sobre todo del resultado y del feedback recibido. Creo que tanto las personas que tomaron parte activamente en la acción como los que asistieron de público disfrutaron de ella. Yo, personalmente, me enfrenté a fantasmas personales con los que intento romper cuando aparecen… fue liberador.

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Didรกctica expandida

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Esto no es otro grupo de whatsapp Texto: Antonio Blรกzquez + Noelia Centeno


“Esto no es otro grupo de WhatsApp” se plantea como una actividad relacional entre todos los participantes al foro, en paralelo pero al margen del resto de contenidos y actividades de FAR 02. Desde el inicio hasta el fin de las jornadas, y a través de sus teléfonos móviles, se propuso la interacción colectiva dentro de un grupo recién creado de WhatsApp en el que se incluyeron a todos los asistentes. Sin demasiadas pautas preestablecidas, se informó que no era el típico grupo, ni tenía una función informativa o práctica de las propias jornadas. También se indicó que tenían que recurrir a contenidos visuales en lugar de a mensajes de texto, bien con fotos propias o con imágenes adoptadas del mundo virtual que se considerasen oportunas compartir. A partir de ahí, libertad absoluta para comunicar lo que cada uno quisiera y con la frecuencia que estimásemos oportuno. Se podía tomar con seriedad o como un juego, dependiendo del propio carácter, y quizás como un experimento para ver qué podía ocurrir.

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Con estas explicaciones, fuimos subiendo una serie de imágenes en cadena durante el fin de semana. Creando un caleidoscopio visual de ideas, a veces inconexas, y en ocasiones, como reacciones a las anteriores. Cerradas o abiertas a múltiples interpretaciones, actuando como señales metafóricas de lo que estaba acaeciendo durante el foro en un plano real. En su conjunto suponen un colección heterogénea de imágenes, reflejo del carácter también plural del grupo y de las relaciones preestablecidas entre sí o de las nuevas relaciones que estaban surgiendo. Siendo la convivencia en FAR 02 el componente común que las une. Al finalizar la acción performativa propuesta por Isabel León, los participantes visualizamos las imágenes en una proyección en bucle dentro de la cueva. Más allá de poner en común reflexiones sobre la propia actividad, y aportar opiniones de porqué habían


o no interactuado, el ejercicio no fue muy entendido dentro de su contexto de acción física. Recuperar dichas imágenes en la publicación cobra más sentido. Relacionadas las imágenes con una dinámica paralela y tangencial a los contenidos, funcionan como un atlas de gran empaque visual que incluye tejidos, espacios y relaciones más amplias y complejas. Esa acción espontánea de subir una imagen que a priori no tiene ningún fin, cruzada a las demás capas del foro, funciona como un dispositivo que interpela el espacio físico y geográfico como acción de ruptura y traspaso hacia el lugar simbólico: un ensamble de ideas y pensamientos.

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Foro extendido

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Conversaciรณn en Espacio Lavadero Granada, 5 de diciembre de 2017


Bartolomé Cazorla (B) Regina Pérez Castillo (R) Jara Doncel Malia (J) Fran Pérez Rus (F) Miguel Ángel Moreno Carretero (M) Patricia López Magadán (P) Jose Ángel Zaragoza (JA) P_ Bueno pues contadnos lo que queráis contar, mentid como bellacos o no. La idea es que podamos conversar un poco sobre conclusiones o ideas que queramos sacar a la luz ahora con la distancia de FAR 02 R_ Aquí venimos a decir la verdad, sinceridad sinceridad (risas) P_ ¿Sobre la localización y los espacios qué pensáis? 102

R_ Yo encuentro que ha habido más convivencia en las casas que en la edición anterior, la propia arquitectura de las casas daba lugar al encuentro, la cueva era magnífica. B_ (desde la posición de haber escogido la opción camping) Estaba guay ser un marginado allí en la chabola, un mundo a parte, con sus propias reglas. F_ ¿Crees que se pudo generar un tipo de diferencia social cuevacasa? B_ Es desde la coña, yo no me sentí mal.


P_ ¿Generó una distancia? R_ Para mí que yo dormía en la casa sí que generó distancia F_ De hecho hubo gente que se metía en las casa, eso fue un acuerdo entre los participantes R_ El espacio del año pasado era menos chulo, pero el entorno no es totalmente determinante, a pesar de que este año era un entorno espectacular, el año pasado la convivencia tenía mayor relevancia, al final te apañas con las instalaciones... Yo preferiría todo el mundo durmiendo en el mismo espacio. P_ En FAR 01 también había una distancia, había una sala/ habitación grande arriba y diferentes habitaciones compartidas abajo. F_ En FAR01 el encuentro era forzado porque todo sucedía en el mismo edificio, en esta ocasión había más espacios de tránsito, había que moverse de las habitaciones a la cueva, etc. R_ Sí pero lo relacional tiene algo de forzar ese encuentro... P_ Encontré que en esta edición la gente no interactuaba tanto como en la primera, como que ya había ciertos grupos que se habían creado de la primera edición de FAR, y quizás ese reparto por casa hizo que se evidenciaran más estas cuestiones

B y R _ Que las comidas estén predefinidas, controladas podría ayudar a esta interacción y además si se retrasan las comidas se retrasa toda la programación

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P _ Los tiempos sí que deberían ajustarse más, estoy de acuerdo R _ Por eso en fuente agria, las comidas propiciaban el conocerse, todos juntos F _ Por otro lado, ¿la cena colaborativa la seguís viendo bien? R, B, J _ Sí sí, eso es lo mejor para comenzar. P _ En cuanto a los ponentes, artistas, dinámicas, ¿nos queréis contar algo sobre eso? R _ Nuria Güell me pareció super adecuada para lo que es FAR, porque su discurso y su forma de ser de la propia artista conectaba emocionalmente mucho con la gente que estábamos allí. Jaron Rowan, me pareció muy interesante todo lo que contaba, sin embargo el formato de su discurso era más académico. Ese formato no lo veo para FAR, me pareció un placer escucharlo pero para FAR tenéis que buscar un perfil más como el de Nuria. La charla llegaba más allá del foro.

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P _ De hecho Nuria nos comunicó que le encantaría quedarse y que se sentía muy a gusto con todo el grupo. No marcó ninguna distancia entre ella y los participantes. M _ También nosotros lo enfocamos desde ponentes del campo de la teoría y crítica de arte, y por otro lado artistas que hablen de su práctica. B _ Lo de Nuria es que era un chantaje emocional, que todo el mundo sale super emocionado por el tipo de obra que ella hace. Es más una especie de terapia pisco-social que como que te toca mucho. R _ Yo pienso que FAR, que viene de Scarpia tiene un componente


de lo relacional muy importante, entonces eso hay que tenerlo en cuenta, por eso el formato diálogo da más pie a que esto sea más relacional B _ Es que yo pondría a dos personas debatiendo hasta que se odien, un debate intenso. M _ A lo mejor que confluyan los dos ponentes del foro, uno participe por la mañana, otro por la tarde y al día siguiente un debate entre ambos. R _ Yo creo que lo más interesante del foro de Jaron fue al final cuando la gente preguntó y él respondía. P _ Sin embargo, tanto Scarpia como FAR siempre han tenido un componente de teoría o discurso más unidireccional dentro de los eventos. M _ También supongo que por la complejidad de gestionar que si al artista o ponente se le paga poco, ¿cuánto se le puede demandar? Como que siempre está el componente de no querer complicarle la vida, que supongo que nosotros también fallamos en eso. Deberíamos ponerlos más en situación, o que se conozcan entre ellos con anterioridad. JA _ Pero el artista también se debe adaptar al sitio en el que está, puede adaptar su discurso. P _ Por ejemplo Nuria habló conmigo para presentarme qué me parecía la propuesta de dinámica que traía, porque como le habíamos requerido que presentase un foro dinámico se preparó una dinámica, aunque luego los participantes prefirieron que ella siguiera comentando su trabajo. Pero ella estaba preocupada

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porque no sabía qué público tenía, si les iba a interesar o no. M _ Sería quizá enfocar eso que hicimos con Nuria pero adaptarlo al formato parejas. R _ FAR para mi es un acto de reivindicación política también, vosotros lo que hacéis es que digamos obligáis a la gente que viene a parar su ritmo diario y conocerse y hacer una actividad relacional, entonces las personas que van a hablar tienen también que tener eso en cuenta. Yo estaba sentada con Lourdes y con Sonia y ellas imponían su dinámica de yo te voy a interrumpir y te voy a parar en tu discurso porque yo quiero saber esto ahora. F _ No si con eso no hay ningún problema, la gente puede intervenir cuando quiera. Nosotros más que nada estamos condicionados por la temporalidad de los ponentes, a Nuria le hubiera encantado poder quedarse todo el fin de semana pero se tuvo que ir. Se intenta gestionar que eso no ocurra pero la disponibilidad no siempre es la que querríamos

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J _ Y claro no solo en las ponencias, si no que esa presencia sea en al convivencia también, que es lo interesante. F _ Esto es una evolución, una experiencia, nosotros llevamos dos años en realidad, son pruebas piloto a ver cómo salen, por eso nos interesa vuestra postura para ir limando y mejorar hacia donde vamos tirando. Pero sí es cierto que contamos con un equipo humano que se va moviendo, que tiene su agenda apretada y es cierto que no podemos exigir más cuadrícula. M _ ¿Cómo veis el sitio? Todos: [ya hemos dicho que muy bien]


R _ Yo siempre que pueda iré a FAR, y a mi me gusta que vosotros saquéis a la gente a una localización diferente. P_ ¿Y sobre el proyecto que planteó Isabel León? B _ Un 10 para mi. J _ Es que disfrutaron más los que no eran artistas que los que sí. Porque a los que si eran hasta les molestaba. A mi por ejemplo me molestaba y por eso no participé, preguntamos si podíamos estar pero al no participar se nos dijo que no M _ Eso es parte de su metodología F _ Isabel es muy restrictiva a la hora de trabajar, entonces también queríamos preguntaros qué sensación habíais tenido con ella. R _ A mi me gustó mucho participar y para mí fue una cosa como super positiva, estoy de acuerdo contigo Barto, pero me sentí un poco obligada a participar, ósea, yo no había recibido el mail por las razones que sean, entonces fue llegar allí y venga venga, elige el objeto, elige que me lo tienes que decir ya. Yo quería que fuese una cosa simbólica y no me había traído nada de casa entonces cogí lo primero que se me ocurrió, no tenía ninguna simbología para mi sin embargo en el proceso de la performance adquirió mucho sentido para mi porque me volqué muy emocionalmente en la performance J _ Os volcasteis todos muy emocionalmente. M _ Ella también supo generar un ambiente propicio para eso y crear una energía íntima

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R _ Como si aquello fuese sagrado J _ Yo al principio también tenía ganas de participar y tenía pensado el objeto pero me lo rechazó y yo cómo pero si esto es super personal y me vas a decir que no puedo poner esto, ¡sí hombre! Para colmo que vale la performance no es mia pero me has pedido una colaboración y te lo digo y no te gusta… R _ Yo creo que sus maneras, esas maneras así restrictivas que ayudaron a generar una ambiente sagrado, muy ritual dentro de la cueva, pero creo que ella no supo llevar a la gente, decir hacedlo atractivo. B _ Yo rompo una lanza a su favor, yo creo que realmente no tuvo tiempo. Ella iba amargada porque los tiempos no estaban a su favor, entonces iba buscando los huecos para hablar con la gente y pues si como participante has sabido buscar eso huecos todo iba muy fluído. Pero si creo que tuvo mucha precariedad en el tiempo J _ A mí bueno la propuesta no me parecía muy original, como muy obvio lo de romper y traspasar un objeto, un poco flojo. 108

R _ Ya a mi tampoco me pareció muy orginal pero yo estaba allí y estaba super dentro y para mí funcionó F _ Sí es cierto que de todas las propuestas la más acertada era la de Isabel, en cuanto a dinámica, a relacional y a participación activa, ella supo hacer las bases de la convocatoria suyas. M _ A mí me gustó mucho cómo ella fue capaz de conducir esa energía para crear los que ella quería. Eso lo sabe hacer ella y de eso aprendo mucho. Cómo ella es capaz de crear imagen, fotografía, yo lo valoro en esas dinámicas muy clásicas.


F _ A ver qué se nos queda por comentar… R _ No hemos hablado de la didáctica expandida que propusieron Paloma y Blázquez F _ Era un grupo de WhatsApp en en que simultáneamente al evento se generaban otro tipo de relaciones P_ Limitado a imágenes en principio aunque más tarde hubo gente que escribió… Bueno contadnos R _ La dinámica me pareció muy flojilla, es más la dinámica de FAR 01 que aún siendo para familias yo la vi mucho más interesante aunque solo estaba viendo sin participar. Venían familias y cada familia tenía un color, entonces se intercambiaban los miembros de unas familias con los de otra y tenían que hacer dinámicas y yo creo que fue muy interesante, que la gente se involucró que los niños se lo estaban pasando bien. Lo de este año me parece una solución muy rápida y poco preparada, y la gente pues lo nota. Porque pudiendo hacer cosas chulas ya que la gente que vamos a FAR pues queremos participar… B _ Es que no sé muy bien qué esperaban con eso. En el contexto de FAR como que no se le encontraba sentido. P _ Para mi generó una interferencia rara, presentaron una cuestión rápida, de la cultura visual rápida que presta el Whatsapp, estábamos trabajando en una cueva sin cobertura y había que buscar un hueco para participar. B _ Sí pero eso no tiene nada de didáctica. Yo voy a decir una cosa, yo me lo pasé super bien porque es mi formato, puedo sacar cosas super interesante de cómo se generan las dinámicas de los grupos de WhatsApp pero no puedo estar de acuerdo con que eso se me

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venda como una didáctica, estoy totalmente en contra de eso. R _ Claro el problema es que a nosotros no nos hizo mella, a mi me hizo mella lo de Isabel…. Pero por qué, ¿porque es sintomático de nuestro tiempo? No, tú tienes que excavar ahí. Explorar otra perspectiva. Es que ya tengo otros 8 grupos de whatasapp interfiriéndome mientras estoy en FAR no necesito otro grupo, necesito que eso sea realmente una dinámica, artístico, que sea algo significativo y ellos hicieron una labor de aliño que no profundizaron en eso. P _ En cuanto a didáctica no nos queda otra más que trabajar más y cuestionar siendo exigentes y críticos con nosotros mismos. R _ También pensado que cobráis una matrícula, que la gente espera que pasen cosas significativas. F_ Bueno, esto es una cosa que evoluciona…

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B _ Quedar para hacer cosas, quedar para pensar, eso es importante y es lo que es FAR. Eso hoy en día es los que nos puede salvar, quedar para contar tus mierdas, no sé bien de qué nos puede salvar pero eso es la clave: quedar para F _ Eso es lo que pretendemos R _ Eso sí que lo conseguís F _ Y además que la gente está pagando una matrícula así que queremos que os quedéis pero bien quedaos. R _ Que conseguir que la gente pague para quedar es un logro también, pero bueno eso tiene que ver con que vosotros sois unas personas que tenéis una energía así muy guay y sabes que el tipo


de personas que van son afines y que te van a gustar. P_ Sobre que sea en espacios rurales y periféricos, ¿os resulta mucha lata tener que moveros o lo verías en una ciudad…? R _ No debe ser en la ciudad, la ciudad te distrae, tiene mucho ruido y Andalucía tiene muchos lugares no urbanos muy chulos para hacer FAR.

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Participantes FAR 02

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Listado de participantes FAR 02 29 - 30 septiembre y 1 octubre 2017 Villarrubia de Cรณrdoba, Cรณrdoba


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María Alcaide, artista visual Ángeles Alcántara Sánchez, artista plástico Francisco Arco Aguilera, artista plástico Antonio Blázquez, artista visual, docente y gestor cultural Irene Bellón Doña, docente Bartolomé Cazorla Arévalo, filósofo Fali Bioque Rivera, artista visual y docente Noelia Centeno, historiadora del arte y gestora cultural Rafael Chinchilla, artista visual Arturo Comas, artista visual y gestor cultural Jara Doncel Malia, artista visual Claudia Frau, artista visual y gestora cultural Álvaro J. González, pintor Nuria Güell, artista visual Isabel León Guzman, artista Patricia López Magadán, artista visual y gestora cultural Susana López Magadán, docente Andrea López Tyrer, asistente Jorge Marín García , arquitecto Lourdes Mondéjar, doncente y artista visual Paloma Montes López, artista visual, docente y gestora cultural Miguel Ángel Moreno Carretero, artista visual y gestor cultural Carmina Oltra, agitadora cultural José Joaquín Pastor Barrios, comercial Sonia Pérez Alvarado, gestora cultural Reyi Pérez Castillo, investigadora y crítica de arte Marta Pérez Martínez, redactora de elRespirador Fran Pérez Rus, artista visual, docente y gestor cultural Pilar del Pino López, pintora Maria Teresa Ponte Santiago, historiadora del arte Jaron Rowan, investigador y agitador cultural Laura Segura Gómez, artista visual Miguel Torralba, artista visual Roberto Urbano, escultor Marisa Vadillo, artista visual y docente Celia Valero Amil, redactora de elRespirador Manuel Zapata, artista visual

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un proyecto en colaboraciรณn con

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FAR 02  

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