Issuu on Google+

37 1er trimestre 2009 > 1ste trimester 2010

Revue trimestrielle de la Fondation belge de la Vocation Driemaandelijks tijdschrift van de Belgische Stichting Roeping

Belgique – België P.P. – P.B. Bruxelles X – Brussel X BC 10044 P405389


edito

Als rode draad voor deze eerste Vocatio van 2010 hebben we ‘muziek’ gekozen. Muzikale roepingen zijn er in uiteenlopende vormen, die zich heel verschillend verklanken: opera, muziektheater, vioolbouw, dramaturgie, rockmuziek en orgel. Een nieuw jaar betekent ook vijftien nieuwe laureaten. We stellen ze aan u voor in een speciale editie van Vocatio, die eind mei verschijnt.

C’est la musique qui constitue le fil rouge de ce premier Vocatio de la nouvelle année. Vocations placées sous un même thème musical, mais avec des sons très différents : opéra, théâtre musical, lutherie, dramaturgie, musique rock et orgue. L’année 2010 nous apportera quinze nouveaux lauréats. Ils vous seront présentés fin mai, dans une édition spéciale du Vocatio. En attendant, je dirais : « Musique ! »

“Music, maestro!”

Cordialement,

Vriendelijke groeten. Camille Delbecque

Camille Delbecque

Graag uw opmerkingen en suggesties via > vocatio@stichtingroeping.be.

Vos remarques et suggestions sont les bienvenues à l’adresse suivante : > vocatio@fondationvocation.be.

C o u verture France de Griessen, lauréate en 2003, est chanteuse, musicienne, comédienne et artiste pluridisciplinaire. Elle a sorti son premier album, Billy, en 2005 sous le nom de Teen Machine. Depuis 2006, elle collabore avec Shanka (No One Is Innocent, Destruction inc.) et a réalisé en 2009 un EP solo soutenu par la division culturelle de la SACEM, intitulé Six Uses For a Heart, dont l’univers musical mêle rock poétique, grunge, punk et country folksong revisité.

C o v er France de Griessen was laureate in 2003. Ze is zangeres, muzikant, actrice en multidisciplinair kunstenares. Haar eerste album, Billy, bracht ze in 2005 uit onder de naam Teen Machine. Sinds 2006 werkt ze samen met Shanka (No One Is Innocent, Destruction Inc.). In 2009 heeft ze met de steun van de Division Culturelle de la SACEM een solo-EP uitgebracht met als titel Six Uses For A Heart. Daarin creëert ze een muzikaal universum, doorspekt met poëtische rock, grunge, punk en herwerkte countryfolksongs. > www.myspace.com/ francedegriessen > http://francedegriessen. bigcartel.com/

© M. Holden Warren > www.mholdenwarren.com

1 5 11

De ene roeping roept de andere op… | Quand une vocation en vient à en susciter une autre… Judith Vindevogel Deux vocations ancrées autour du Canal Saint-Martin | Twee laureaten verenigd rond de Canal Saint-Martin Cindy Castillo & Lise Bruyneel Dirigeren in de Verenigde Staten | Direction d’orchestre aux États-Unis Kristof Van Grysperre

Visite d’un atelier de lutherie | Atelierbezoek: vioolbouw Jessica De Saedeleer

19

News

15

> www.fondationvocation.be > www.stichtingroeping.be


Judith Vindevogel wende haar beurs aan om auditie te doen aan de Guildhall School of Music and Drama in Londen. Daar kreeg ze het advies om lessen te volgen in verschillende disciplines, om zowel haar vocale techniek te vervolmaken, als gestalte te geven aan haar muziektheatrale aspiraties. Zo kwam ze voor het eerst in contact met de Alexandertechniek, die haar leven een nieuwe wending zou geven. > Vanwaar de drang om zelf les te geven in de Alexandertechniek? “De Alexandertechniek bleef steeds weer opduiken in mijn creatieve loopbaan. Een paar jaar na mijn eerste kennismaking bij Ruth Murray in Londen, raadde Malcolm King me aan om een paar maanden intensief les te volgen bij Eliane Lefèbvre, wat ik ook gedaan heb. Malcolm zelf, die als solist en zangcoach aan de Munt verbonden was, volgde op dat moment de lerarenopleiding bij Elizabeth Langford. Zij heeft de techniek in België geïntroduceerd en heeft de eerste Belgische school voor leraren in de Alexandertechniek opgericht. In de jaren dat ik les volgde – eerst bij Eliane in Brussel, later bij Christel Bobine in Antwerpen – werd de Alexandertechniek voor mij meer en meer een referentiekader. Ik begon te beseffen dat de techniek mij bepaalde inzichten gaf, die ik naar andere disciplines kon meenemen. Toen vijf jaar geleden in Sint-Job een tweede school werd opgericht, was voor mij de stap naar het volgen van een lerarenopleiding snel gezet.” > Kun je wat meer uitleg geven over de Alexandertechniek? “Het is niet evident om de techniek in woorden te omschrijven, laat staan hem samen te vatten. Dat heeft te maken met de complexe interne organisatie van ons organisme. Ons zelfregulerend systeem houdt ons constant in balans. Het probleem is dat wij voortdurend met dat systeem interfereren, waardoor ons hele gestel steeds meer overbelast raakt en onder druk komt te staan. De stress die onze prestatiegerichte maatschappij met zich brengt, versterkt de interne spanningen nog. Een tweede, ermee samenhangend gegeven is dat we tijdens het opgroeien en het aanleren

van nieuwe vaardigheden steeds dezelfde bewegingspatronen herhalen. Daardoor ontwikkelen we gewoonten die zich diep in ons neuromusculair systeem verankeren. Daarom zijn ze ook moeilijk af te leren. De Alexandertechniek leert je hoe je ‘slechte’ gewoonten kunt ‘afleren’. Zo creëer je voor jezelf ruimte om op een andere manier te leren bewegen, zonder dat je natuurlijke balans verstoord of belast wordt. De Alexandertechniek is dus een praktische leermethode, die je letterlijk ‘aan den lijve’ moet ondervinden.” > Hoe verliep je opleiding? “Ook die is hoofdzakelijk praktijkgericht. Het eerste jaar leer je hoe je efficiënter kunt omgaan met jezelf. Vergelijk het met het leren stemmen van je eigen instrument. Alexander noemt dat ‘the use of the self’. Letterlijk: de manier waarop je jezelf ‘gebruikt’. Je leert je eigen gewoontepatronen te herkennen door kritische zelfobservatie en dagelijkse manuele feedback van je leraren, en je leert hoe je ze kunt doorbreken. In het tweede jaar wordt veel aandacht besteed aan het gebruik van de handen. Niet exclusief uiteraard, want het blijft belangrijk om je hele organisme als samenhangend geheel te zien. Een juist gebruik van de handen is voor een leraar in de Alexandertechniek echter van groot belang. In het derde jaar ga je pas echt met mensen werken. Het theoretische gedeelte bestaat voornamelijk uit het lezen van de vier boeken van F.M. Alexander, die de techniek heeft ontwikkeld, en een inleiding in de anatomie. Interessant vind ik ook dat het leerproces na de opleiding niet ophoudt. Voor een leraar in de Alexandertechniek is leren een ‘ongoing process ‘, dat hem of haar zowel geestelijk als fysiek in beweging houdt.”

ter

© Stef Depover

De ene roeping roept de andere op…

thea k e i z u m

Judith Vindevogel Leeftijd 46 jaar Roeping muziektheatermaker Beurs van de Belgische Stichting Roeping in 1986 Woont in Antwerpen Beroep artistiek leider Walpurgis Judith Vindevogel studeerde twee jaar filosofie aan de VUB en twee jaar toneel aan Studio Herman Teirlinck. Tevens volgde ze verschillende masterclasses, gaande van opera tot Alexandertechniek. Ze droomde van podia waar muziek en theater samen evenwaardig aan bod zouden komen. In 1989 richtte zij daartoe het muziektheatercollectief Walpurgis op. In dat collectief tracht zij samen met onafhankelijk werkende acteurs, zangers en muzikanten een wisselwerking aan te gaan. Alle betrokken makers hebben een evenwaardige stem. Eind 2009 behaalde zij een diploma als lesgever in de Alexandertechniek. > www.walpurgis.be

vocatio

1


Wie was Frederick Matthias Alexander en hoe is de Alexandertechniek ontstaan? De Australische acteur is in de tweede helft van de 19de eeuw geboren. Stemproblemen zetten hem ertoe aan minutieus te onderzoeken hoe hij zijn stem gebruikte. Hij ontdekte dat een complex netwerk van niet efficiënte gewoonten hem verhinderden zijn spreektechniek te veranderen of te verbeteren, omdat zij diep in zijn neuromusculair systeem verankerd waren en functioneerden als automatische reflexen. Na jaren van zelfobservatie, zelfstudie en experimenteren leerde hij hoe hij die gewoonten kon stoppen. Aanvankelijk paste Alexander zijn bevindingen en inzichten enkel toe op zichzelf, maar algauw raakten ook andere mensen, in het bijzonder kunstenaars, pedagogen, wetenschappers en artsen, gefascineerd en overtuigd van het algemeen belang van Alexanders techniek. Alexander leidde mensen op als leraar en gaf les tot aan zijn dood in 1955. Vandaag wordt de Alexandertechniek wereldwijd onderwezen en toegepast, niet alleen in de kunsten, maar ook in de sport en in het bedrijfsleven. (Bron: www.walpurgis.be)

> Wie kan de techniek beoefenen? “Ik ben ervan overtuigd dat zowat iedere westerling met lessen in Alexandertechniek gebaat zou zijn. Steeds meer mensen krijgen vroeg of laat te maken met fysieke of psychische problemen, die niet alleen hun levenskwaliteit maar ook hun dagelijks functioneren belemmeren. Veel van die problemen zijn te vermijden, als mensen van jongs af zouden leren bewuster met zichzelf om te gaan. Als muziektheatermaker zie ik uiteraard vooral de grote waarde van de techniek voor de kunstensector. Ik ontmoet steeds vaker (jonge)

vocatio

2

zangers, acteurs en muzikanten die verschrikkelijk hard hun best doen, maar weinig besef hebben van de negatieve invloed die een voortdurende lichamelijke en geestelijke belasting heeft op de kwaliteit van hun werk. Bij sommigen laat zich dat onmiddellijk gevoelen. Zij blokkeren, krijgen blessures, rugpijn, stemproblemen of klachten als RSI (repetitive strain injury) enzovoort. Bij anderen manifesteren de problemen zich pas veel later. De Alexandertechniek mag, wat mij betreft, een basisvak worden in alle conservatoria. In sommige Europese landen is dat trouwens al het geval.”


Quand une vocation en vient à en susciter une autre…

usica m e r t â thé

> D’où vient votre souhait d’enseigner la Technique Alexander ? « La Technique Alexander m’a accompagnée au fil des années de ma carrière créative. Quelques années après mon premier contact avec la Technique Alexander auprès de Ruth Murray, à Londres, Malcolm King, attaché à la Monnaie en tant que soliste et coach vocal, m’a conseillé de suivre des cours intensifs durant quelques mois chez Éliane Lefèbre. J’ai suivi son conseil et j’ai poursuivi ensuite ce cursus à Anvers. Au fil des années, la Technique Alexander est devenue pour moi un cadre de référence de plus en plus important, et je me suis rendu compte que je pouvais utiliser ces connaissances dans d’autres disciplines. Voici cinq ans, une seconde école de

© Stef Depover

Judith Vindevogel utilisa sa bourse pour se présenter à une audition à la Guildhall School of Music and Drama de Londres. On y lui conseilla de suivre des cours dans plusieurs disciplines afin de perfectionner sa technique vocale et de donner forme à ses aspirations musicales et théâtrales. C’est ainsi qu’elle découvrit la Technique Alexander, qui donna un nouveau tournant à sa vie.

l

Judith Vindevogel

Technique Alexander a ouvert ses portes près d’Anvers. Ma décision d’y suivre une formation fut vite prise. »

Âge 46 ans

> Pourriez-vous donner quelques explications concernant la Technique Alexander ? « Il n’est pas facile de définir cette technique par des mots, ni de la synthétiser brièvement. La difficulté vient du fait que notre organisme est organisé d’une manière complexe au niveau interne. Le système se régule lui-même et essaie constamment de nous garder en équilibre. Le problème est que nous interférons constamment avec ce système de régulation, ce qui engendre une pression croissante de notre corps. Ces tensions internes

Vocation La création de théâtre musical Bourse de la Fondation de la Vocation en 1986

Judith Vindevogel avec l’actrice Simonne Moesen

Vit à Anvers Profession Directrice artistique de WALPURGIS Après deux ans de philosophie à la VUB, et deux ans de théâtre au Studio Herman Teirlinck à Anvers, Judith Vindevogel a suivi diverses master classes, allant de l’opéra jusqu’à la Technique Alexander. Son rêve était d’allier sur scène musique et théâtre. Ainsi, elle fonde le collectif de théâtre musical WALPURGIS en 1989. Son objectif est d’y créer une interaction entre acteurs indépendants, chanteurs et musiciens, tous ayant le même poids dans la production. Fin 2009, elle a obtenu son diplôme d’enseignante en Technique Alexander.

© Stef Depover

> www.walpurgis.be

vocatio

3


Qui était Frederick Matthias Alexander et comment est née la Technique Alexander ? F. M. Alexander était un acteur australien, né dans la seconde moitié du XIXe siècle. Suite à des problèmes de voix répétés, Alexander entama une recherche minutieuse sur la manière dont il se servait de la sienne. Il découvrit qu’un réseau complexe d’habitudes inefficientes l’empêchaient de modifier ou d’améliorer sa technique vocale parce qu’elles étaient ancrées profondément dans son système neuromusculaire et fonctionnaient comme des réflexes automatiques. Après plusieurs années d’observations et d’études sur soi-même, il appris comment briser ces habitudes. Très vite des artistes, des pédagogues et des scientifiques ont montré de l’intérêt pour ses découvertes. Alexander forma plusieurs professeurs et continua d’enseigner jusqu’à sa mort, en 1955. Aujourd’hui, la Technique Alexandre est enseignée dans le monde entier, tant dans le monde des arts que dans le monde sportif ou du travail. (source : www.walpurgis.be)

sont amplifiées par le stress causé par notre société méritocratique. Une seconde donnée, liée à cela, est que, durant notre croissance et notre apprentissage de nouvelles aptitudes, nous répétons les mouvements de la même manière. À cause de cela, des habitudes se développent qui s’ancrent profondément dans notre système neuromusculaire. C’est pourquoi il est difficile de corriger ces habitudes. La Technique Alexander nous apprend comment les perdre. Vous créez ainsi pour vous-même l’espace qui vous permet de bouger d’une autre manière, sans que votre équilibre naturel soit perturbé ou mis sous pression. De ce fait, la Technique Alexander est une méthode d’enseignement pratique que vous devez littéralement sentir au corps le corps. » > Quelle est la structure de cette formation ? « Essentiellement pratique. Durant la première année, on apprend comment se comporter de manière plus ‘efficace’. On pourrait comparer cette première année à l’accordement de notre propre instrument. Alexander appelle cela ‘the use of the self’. Littéralement : la manière dont vous vous ‘utilisez’. On apprend à reconnaître ses modèles d’habitudes par une observation critique de soimême et par le feed-back manuel quotidien des

vocatio

4

enseignants. Ils nous apprennent à désapprendre ces habitudes. Durant la seconde année, l’accent est mis sur l’utilisation des mains. Mais pas exclusivement des mains, car il est important de concevoir son organisme comme un ensemble cohérent. Une juste utilisation des mains est impérative pour l’enseignant en Technique Alexander. Ce n’est que durant la troisième année que nous travaillons sur des personnes. La partie théorique consiste essentiellement en la lecture des quatre livres écrits par F.M. Alexander (fondateur de la Technique), et d’une introduction en anatomie. Ce que je trouve passionnant, c’est que le processus d’instruction ne se termine pas après la formation. En effet, pour un enseignant en Technique Alexander, l’apprentissage est une démarche sans fin, qui lui permet de maintenir la vivacité physique et mentale. » > Qui peut exercer cette technique ? « Je suis convaincue que beaucoup de gens en Occident pourraient bénéficier de quelques leçons de la Technique d’Alexander. En effet, de plus en plus de nos contemporains sont confrontés tôt ou tard avec des problèmes physiques ou psychologiques qui ont des répercussions sur leur qualité de vie et leur fonctionnement au quotidien. Beaucoup de ces problèmes pourraient être évi-

tés si l’on apprenait dès l’enfance à être conscient de soi-même. Il est vrai qu’en tant que créatrice de théâtre musical, je remarque surtout l’importance que pourrait avoir la Technique Alexandre au sein du secteur des arts. Je rencontre de plus en plus de jeunes acteurs, chanteurs et musiciens qui ne se rendent pas compte de l’influence négative que peut avoir une pression physique et mentale constante sur la qualité de leur travail. Certains rencontrent très tôt des difficultés sous forme de blocages, maux de dos, problèmes de voix, etc. Chez d’autres, elles ne se manifestent que beaucoup plus tard. Selon moi, la Technique Alexander pourrait devenir une matière obligatoire dans tous les conservatoires, comme c’est déjà le cas dans certains pays d’Europe. »


Deux vocations ancrées autour du Canal Saint-Martin

t age m i ’ orgue e l e d urgie t a m a r d

© Matthieu Kipp.

Nous sommes tous interprètes ! Car qui dit interpréter dit traduire le monde extérieur en soi. Interprétation de paroles, de silences, d’images, de partitions… Certains ont fait d’une forme créative d’interprétation leur métier, comme Lise et Cindy. Leur vision de l’interprétation se nourrit de savoir, de sensibilité et d’expériences ; voici quelques clés croisées de leurs parcours.

5


©Jonathan Castillo

Lise Bruyneel

Cindy Castillo

Âge 32 ans

Âge 29 ans

Vocation La dramaturgie d’opéra Bourse de la Fondation de la Vocation en 2005

Vocation L’orgue Bourse de la Fondation de la Vocation en 2008

Vit à Paris

Vit à Paris

Profession Dramaturge de l’image

Profession Organiste

Après avoir obtenu deux diplômes supérieurs en violoncelle et musique de chambre au Conservatoire de Bruxelles, Lise Bruyneel décroche une licence en histoire de l’art et archéologie à l’ULB. Elle se tourne ensuite vers l’opéra, où elle découvre le métier qui rassemble ses passions et ses compétences, celui de dramaturge. Après un passage à Berlin et à Amsterdam, Lise travaillera trois saisons durant aux côtés de Gérard Mortier, à l’Opéra national de Paris, où elle sera responsable artistique des éditions ou dramaturge de l’image. Depuis cet automne, Lise poursuit cette activité à titre indépendant.

Après des études d’orgue au Conservatoire royal de Bruxelles, au Conservatoire national de Région de Strasbourg, et une licence en musique (spécialité orgue) à l’Institut de Musique et de Pédagogie de Namur, Cindy est admise en 2006 dans la prestigieuse classe d’orgue du Conservatoire supérieur de Paris. Dans le cadre de cette formation, elle a passé un an au Japon en tant qu’organiste en résidence à la salle de concert de Sapporo. En ce moment, elle termine sa dernière année à Paris. Son souhait est d’aider à la vivification du monde belge de l’orgue par la popularisation de son instrument, l’enseignement à l’Académie de Woluwe-SaintLambert ainsi que des concerts originaux et personnalisés.

> www.lafabriquedesregards.eu

vocatio

6

Le travail. Cindy aux claviers ; une affiche de Lise dans une gare / Het werk: Cindy aan het klavier en een affiche van Lise in een station.

Cindy > J’ai découvert l’orgue au début de l’adolescence et j’ai tout de suite été conquise par cet instrument plein d’intelligence et de magie. Le grand coup de foudre ! Fascinée par cette machine fantastique, j’ai très vite décidé d’en percer les secrets afin de pouvoir à mon tour le maîtriser et le faire résonner tout autour de moi. Lise > Je suis devenue dramaturge de l’image en risquant des chemins de traverse, avec l’interprétation comme fil rouge, des escales fondamentales et certaines personnalités marquantes comme maîtres à penser/maîtres de vie. Au commencement… Cindy > Apprendre à jouer de l’orgue, c’est surtout apprendre à développer sa capacité d’adaptation ! L’orgue est, rappelons-le, un instrument fort complexe sur lequel on doit pouvoir jongler avec les mains comme avec les pieds. Instrument non standardisé, il peut aller du petit instrument à un clavier jusqu’au monumental tableau de bord de sept claviers actionnant des milliers de tuyaux et produisant des milliers de sons… Tout un orchestre ! Un tel instrument ne se rencontre dès lors que dans de vastes lieux souvent insolites, tels les cathédrales (Notre-Dame de Paris), les salles de concert (Walt Disney Concert Hall), les châteaux (Versailles)… C’est bien connu, un organiste ne possède pas, par la force des choses, son propre instrument mais on peut dire néanmoins que toutes les orgues du monde sont un peu à lui. Ces invitations au voyage ne sont pas sans charme et font vite oublier notre dépit de ne pas pouvoir étudier « at home » en pantoufles et peignoir… Lise > De mon côté, c’était le contraire : je me trimballais partout avec mon violoncelle sur le dos, le partenaire, le confident le plus intime. J’ai appris une manière extrêmement généreuse d’envisager l’instrument, l’interprétation, la vie, auprès d’Edmond Baert, au Conservatoire de Bruxelles. Je rêvais d’intégrer un grand orchestre symphonique, j’ai donc continué ma formation auprès du


violoncelliste solo du Berliner Philharmoniker à Berlin. Mais c’est là que j’ai dû arrêter, en raison d’une blessure comparable à celles des sportifs de haut niveau. Le grand saut Cindy > J’ai choisi l’orgue ou l’orgue m’a choisie, c’est selon. Études supérieures, d’abord au Conservatoire de Bruxelles avec Jean Ferrard, puis à Namur avec Benoît Mernier. J’aurais pu m’arrêter là, mes diplômes sous le bras. Mais il me semblait important d’aller « ailleurs », d’effectuer un voyage du même type que celui qu’entreprenaient les peintres ou les musiciens des temps anciens. Temps nécessaire de l’éloignement, temps nécessaire pour la découverte de soi face à d’autres réalités. Lise > C’est dans cette même idée que j’ai ressenti le désir de repartir. Mon étape berlinoise m’avait donné la fièvre de la découverte d’autres cultures, de l’expérience d’être étranger dans une ville que l’on s’approprie petit à petit, de l’apprentissage d’autres modes de vie, de pensée, de langage. J’étais néanmoins revenue à Bruxelles, pour amorcer mon grand tournant. Je m’y étais plongée dans l’histoire de l’art, une autre façon d’interpréter la culture européenne. Un de mes professeurs, Manuel Couvreur, m’y a appris l’interdisciplinarité. Il m’a guidée, à sa manière à la fois extrêmement libre et très scientifique, vers des portes de sortie de ce carcan de surspécialisation qui est l’un des grands défauts de notre temps. J’ai donc refait mon baluchon, d’abord pour le « voyage en Italie » à Rome, passage obligé pour l’historien d’art et l’archéologue, mais ensuite pour un retour à Berlin, d’où j’étais partie bien avant d’en ressentir l’envie. J’y ai travaillé pendant un an au Staatsoper, à la découverte des métiers de l’opéra, lieu historique de la mixité artistique, où je sentais que je pourrais développer une nouvelle forme d’interprétation créative, éloignée du violoncelle tout en restant musicale. Il ne

m’a pas été difficile d’y trouver mon métier, celui de dramaturge. Qui participe à la programmation, conseille le metteur en scène par le fruit de ses recherches, suit la production jusqu’à la première et rédige le programme. Ne me restait qu’à trouver les moyens de le devenir… Found in translation Cindy > Pour moi, ç’a été d’abord Strasbourg, puis Paris et son illustre Conservatoire. Nouveaux maîtres, nouvelles techniques, nouvelles modes, etc. Olivier Latry, organiste à Notre-Dame, m’a alors proposé une expérience hors du commun. Être l’organiste européenne en résidence de la salle de concert de Sapporo au Japon pour la saison 2008-2009. J’ai tout de suite accepté et me suis lancée tête baissée de l’autre côté de la planète ! Depuis dix ans, cette splendide salle de concert invite chaque année un jeune organiste issu du Conservatoire de Paris pour donner vie au grand orgue français qui s’y trouve. Mon emploi du temps : donner des récitals, faire des présentations de l’orgue, donner des cours d’initiation à l’orgue, des classes de maître, des conférences, collaborer avec le chœur et l’orchestre… et puis bien sûr, vivre au rythme du Japon. Grands chocs, tout d’abord dans la perception même de l’instrument. L’orgue au Japon est un instrument de concert et non d’église, et l’organiste est une star. Le public, nombreux – il se compte par centaines voire par milliers, en est friand et ne se lasse pas d’écouter l’instrument-roi lors de concerts de deux heures… La foule qui se presse pour les autographes en fin de concert en dit aussi très long. Quel engouement ! Dans de telles conditions, transmettre sa passion est un véritable plaisir. Grands chocs aussi d’avoir été ainsi plongée dans une tout autre culture, un autre esprit, un autre mode de vie. Chaque jour s’est déroulé avec intensité. Mes idées s’y sont enrichies, mon esprit s’est ouvert et je suis revenue de là-bas avec une énergie accrue pour ma passion et des tas de nouveaux projets…

Lise > Je suis allée beaucoup moins loin, mais mon ressenti n’est guère éloigné du tien : une immersion passionnée ! Grâce à la bourse de la Vocation, j’ai pu continuer ma formation « home made » de dramaturge auprès de metteurs en scène et de maisons d’opéra. Je me suis promenée en Europe avec deux valises, pendant un an : d’abord à Paris, puis à Stuttgart, Berlin, Bruxelles et enfin Amsterdam. Chaque fois autour d’une production, donc pour deux mois. Une année très intense, où je repartais alors que je m’étais à peine adaptée à un nouvel environnement. Ce rythme soutenu s’est cependant calmé, je suis alors restée à Amsterdam pour six mois avec l’équipe fantastique de Jossi Wieler avec qui j’avais travaillé à Stuttgart, qui était ravi de pouvoir collaborer avec une dramaturge parlant le néerlandais. Enfin, c’est l’Opéra de Paris qui m’a contactée. Il existait dans l’équipe de Gérard Mortier un poste de dramaturge de l’image : il effectuait le même travail que les dramaturges mais produisait des images au lieu des textes habituels – affiches, brochures, magazines, cartes postales, etc. Je me suis enfin sentie totalement à ma place, libérée des contraintes linguistiques qui étaient de vrais obstacles à un parcours de dramaturge classique : on me demandait partout d’avoir la langue locale comme langue maternelle (ce qui, ironie du sort, aurait pu fonctionner à Paris…). J’étais heureuse de tisser de vrais ponts entre arts visuels et arts de la scène, de faire se rencontrer des mondes qui communiquent beaucoup trop peu. Enchantée de produire des résultats concrets, de voir « mes » images tapisser les murs du métro parisien, de la ville, même de la gare du Midi à Bruxelles… Quand on a joué un concert, en effet, le public sait que c’est vous qui étiez sur scène. Alors que je peux me promener incognito et regarder d’un air espiègle ceux qui observent les affiches. Autour du canal De manière assez inattendue, nous vous retrouvons toutes les deux à Paris.

vocatio

7


Rendez-vous Chez Prune en bordure du Canal Saint-Martin.

Cindy > Grâce à la bourse de la Vocation, j’achève cette année mes études au Conservatoire de Paris et prépare mon retour à Bruxelles avec mes nouveaux projets de concerts métamorphosés. Lise > Le concert classique peut en effet emprunter de nouvelles voies. Pour l’instant, je travaille sur l’« emballage » de la musique en offrant des images qui parlent, qui invitent le public, qui suggèrent plus qu’elles ne montrent, bref en proposant une communication qui rajoute du sens et de la cohérence, à mille lieues des photos de mode que l’on trouve de plus en plus souvent pour « vendre » des interprètes. Depuis que j’ai quitté l’Opéra de Paris, lors du départ de Gérard Mortier, c’est ce que je fais en tant qu’indépendante pour la salle Pleyel et la Cité de la Musique à Paris, ou pour le Concertgebouw de Bruges par exemple, mais aussi pour de jeunes artistes tels le Quatuor EnAccord, dont je conçois le premier CD. Cindy > Ma révolution se fera en dépoussiérant l’orgue, en lui enlevant son odeur de sainteté, en soulignant son aspect fantasmagorique, en le rendant plus accessible, plus populaire, en créant des passerelles entre diverses formes artistiques, comme avec la danse, la vidéo, la littérature… Un premier concert du genre aura lieu cet été à l’église de Notre-Dame de la Chapelle à Bruxelles, en collaboration électronique avec le compositeur Claude Ledoux. L’orgue est un instrument qui peut faire rêver les petits comme les grands. Lise > C’est là que nous nous rejoignons totalement. Mes envies de pluridisciplinarité ne s’arrêteront pas, dans le futur, à la dramaturgie des images. J’aimerais étendre la réflexion à la nature même du concert. Repenser le lieu et la manière, le rapport entre musicien et public, les interactions possibles entre les arts. Peut-être dans la lignée de certaines expériences avant-gardistes berlinoises ? Nous resterons toutes deux à Paris jusqu’à l’été, puis nous verrons de quoi l’avenir sera fait ! Lise Bruyneel et Cindy Castillo

vocatio

8

Lise Bruyneel

Cindy Castillo

Leeftijd 32 jaar

Leeftijd 29 jaar

Roeping operadramaturgie Beurs van de Belgische Stichting Roeping in 2005

Roeping het orgel Beurs van de Belgische Stichting Roeping in 2008

Woont in Parijs

Woont in Parijs

Beroep beelddramaturge

Beroep organist

Na haar hogere diploma’s viool en kamermuziek aan het conservatorium van Brussel behaalde Lise Bruyneel een licentie in de kunstgeschiedenis en de archeologie aan de ULB. Via haar interesse voor opera ontdekte ze het beroep van dramaturg, waarin haar passies en talenten als vanzelf samensmolten. Na verblijven in Berlijn en Amsterdam werkte Lise drie seizoenen naast Gerard Mortier aan de Opéra National de Paris. Zij was er artistiek verantwoordelijke voor de uitgaven en beelddramaturg. Sinds de voorbije herfst zet ze die activiteit op zelfstandige basis voort.

Cindy Castillo studeerde orgel aan het Conservatoire Royal de Musique in Brussel en het conservatorium van Straatsburg. Zij behaalde ook een licentie in de muziek (specialiteit orgel) aan het Institut de Musique et de Pédagogie van Namen. In 2006 werd zij toegelaten tot de prestigieuze orgelklas van het Hoger Conservatorium van Parijs. Daar kreeg ze de kans om een jaar naar Japan te gaan als organist in residentie aan de concertzaal van Sapporo. Momenteel beëindigt zij haar laatste jaar in Parijs. Zij ijvert voor de heropleving van de Belgische orgelkunst door te proberen haar instrument populair te maken, via het onderwijs en door middel van originele, persoonlijke concerten.

> www.lafabriquedesregards.eu


Twee laureaten verenigd rond de Canal Saint-Martin

turg a m a r d eld

be orgel

ie en

Wij zijn allen vertolkers! Wie ‘vertolken’ zegt, zegt immers: de buitenwereld vertalen. Het vertalen van woorden, stiltes, beelden, partituren… Sommigen hebben van een creatieve manier van vertolken hun beroep gemaakt, zoals Lise en Cindy. Hun visie op vertolken is gevoed door kennis, gevoeligheid en ervaringen. Ziehier kruiselings enkele sleutelmomenten uit hun loopbaan.

Cindy > Toen ik aan het begin van mijn tienertijd het orgel ontdekte, was het meteen liefde op het eerste gezicht. Ik was onmiddellijk gefascineerd door de magie van die fantastische machine. De beslissing was snel genomen: ik wilde de geheimen ervan ontsluieren en het instrument onder de knie krijgen om het rond mij te doen weerklinken. Lise > De rode draad in mijn loopbaan is steeds ‘vertolking’ geweest. Via enkele omwegen en ontmoetingen met markante figuren, die als ‘denkmeesters’ gediend hebben, ben ik beelddramaturge geworden.

beetje van hem. Het rondreizen heeft uiteraard zijn charmes; het doet je al snel vergeten dat je niet thuis in kamerjas en pantoffels kunt oefenen. Lise > Bij mij was het net omgekeerd. Ik zeulde mijn cello, mijn intiemste vertrouweling, overal mee naartoe. Ik droomde ervan om bij een groot symfonisch orkest te kunnen spelen. Na bij Edmond Baert les gevolgd te hebben aan het conservatorium van Brussel, heb ik mijn opleiding voortgezet bij de solocellist van de Berliner Philharmoniker in Berlijn. Daar ben ik moeten stoppen vanwege een kwetsuur, vergelijkbaar met die van sporters op hoog niveau.

De eerste stappen… Cindy > Orgel leren spelen is vooral je aanpassingsvermogen ontwikkelen. Het orgel is immers een heel complex instrument; je moet met zowel je handen als je voeten kunnen ‘jongleren’. Het instrument is niet gestandaardiseerd: het kan klein zijn, met één klavier, of monumentaal, met een bedieningspaneel van zeven klavieren die duizenden buizen activeren, die samen duizenden klanken voortbrengen… Kortom, een heel orkest! Je komt het instrument dan ook enkel tegen op ongebruikelijke plekken, zoals in kathedralen of kastelen. De organist heeft dus geen eigen instrument, maar alle orgels van de wereld zijn een

De grote sprong Cindy > Ik koos voor het orgel, of het orgel koos mij. Het is maar hoe je het bekijkt. Ik volgde hogere studies, eerst bij Jean Ferrard aan het conservatorium van Brussel, vervolgens bij Benoît Mernier in Namen. Met mijn diploma’s op zak had ik toen kunnen stoppen, maar het leek me belangrijk om ‘elders’ te gaan en een reis te maken, zoals schilders en muzikanten in vervlogen tijden dat deden, om afstand te nemen en mezelf te ontdekken. Lise >Vanuit diezelfde idee voelde ik de drang om opnieuw te vertrekken. Mijn verblijf in Berlijn had mij de koorts gegeven om andere culturen te ontdekken, de ervaring op te doen van je vreemdeling

Grande bâche pour l’Opéra Bastille / Grote affiche voor de Opera Bastille

te voelen in een stad die je stap voor stap verkent, en andere talen en levens- en denkwijzen te ervaren. Ik was nochtans naar Brussel teruggekomen om er mijn nieuwe leven aan te vatten. Ik was in de kunstgeschiedenis gedoken, een andere manier om de Europese cultuur te vertolken. Een van mijn professoren, Manuel Couvreur, heeft me er geïnitieerd in de interdisciplinariteit. Hij heeft me gegidst, op zijn extreem vrije en toch heel wetenschappelijke wijze, om uitwegen te vinden vanonder het juk van de overspecialisatie, die zo eigen is aan onze tijd. Ik heb dus opnieuw mijn hebben en houwen bijeengepakt, eerst voor een Italiëreis, met Rome als verplichte stop voor elke kunsthistoricus en archeoloog, maar daarna voor een terugkeer naar Berlijn, waar ik naar mijn gevoel veel te snel vertrokken was. In mijn jaar bij de Staatsoper heb ik de operaberoepen ontdekt. Historisch is de opera dé sector bij uitstek van de artistieke mix. Ik voelde dat ik er een nieuwe manier van creatief vertolken kon ontdekken, afwijkend van de cello, maar toch muzikaal. Ik ontdekte al snel mijn roeping: de dramaturgie. Je neemt deel aan de programmatie, geeft raad aan de regisseur vanuit de resultaten van je opzoekwerk, volgt de productie tot aan de première en schrijft het programma. Ik moest enkel nog uitzoeken hoe ik het kon worden!


Reistijd: Cindy in Sapporo, Lise in Berlijn / Le temps des voyages : Cindy à Sapporo, Lise à Berlin.

Found in translation Cindy > Na een periode in Straatsburg belandde ik in het bekende conservatorium van Parijs. Nieuwe meesters, nieuwe technieken, nieuwe stijl… Van Olivier Latry, organist aan de Notre-Dame, kreeg ik het voorstel om voor het seizoen 2008-2009 Europees organist in residentie te worden van de concertzaal van Sapporo in Japan. Ik heb die kans met beide handen gegrepen en ben op avontuur getrokken naar de andere kant van de wereld. Sinds tien jaar krijgt jaarlijks een jonge organist van het conservatorium van Parijs de uitnodiging om er het Franse orgel tot leven te brengen. Mijn taken waren: soloconcerten geven, presentaties over het orgel geven, initiatiecursussen en masterclasses begeleiden, samenwerken met het koor en het orkest… en natuurlijk leven op het Japanse ritme. Dat zorgde voor grote schokken, eerst en vooral in de perceptie van mijn instrument. Het orgel is er een concertinstrument, geen kerkinstrument, en de organist is er een ster! Het Japanse publiek is verzot op het orgel, met als kers op de taart de handtekeningensessies na het concert. Wat een geestdrift! Het was een plezier om mijn passie op die manier te kunnen doorgeven. Een grote schok ook was het ondergedompeld worden in een totaal andere cultuur, een andere denk- en leefwijze. Het waren intense dagen. Mijn ideeën zijn verrijkt, mijn geest is geopend. Ik ben teruggekomen met hernieuwde energie voor mijn passie en met tal van nieuwe projecten. Lise > Ik ben dichter bij huis gebleven, maar heb dezelfde passionele onderdompeling gevoeld. Dankzij de beurs van de Stichting Roeping heb ik mijn ‘home made’ opleiding als dramaturg kunnen voortzetten bij regisseurs en operahuizen. Een jaar lang heb ik Europa doorkruist, van Parijs via Stuttgart en Berlijn naar Brussel en uiteindelijk Amsterdam, telkens voor opdrachten van korte duur. Het was een intens jaar, waarin ik telkens

vocatio

10

Organist only: toegang tot het orgel in Kitara, waar Cindy een jaar was. Decor van Winch Only. Lise was als stagiaire betrokken bij de dramaturgie / Organist only : entrée de l’orgue à Kitara, où Cindy a vécu un an. Décor de Winch Only, lors d’un stage de Lise à la dramaturgie.

weer vertrok, voor ik me aan mijn nieuwe omgeving had kunnen aanpassen. Ik ben uiteindelijk zes maanden in Amsterdam gebleven, waar ik samengewerkt heb met het team van Jossi Wieler, met wie ik in Stuttgart gewerkt had. Hij was opgetogen dat hij met een Nederlandstalige dramaturg kon samenwerken. Tenslotte heeft de Opera van Parijs contact met mij opgenomen. In het team van Gerard Mortier was een vacature voor een beelddramaturg. Dat is hetzelfde werk als dat van de dramaturg, maar met beelden in plaats van met de gebruikelijke teksten: voor affiches, brochures, magazines, postkaarten enzovoort. Ik voelde me eindelijk op mijn plaats. Ik was gelukkig verbanden te kunnen leggen tussen visuele en podiumkunsten, twee werelden die te veel apart functioneren. Ik kon concrete zaken voortbrengen en ‘mijn’ beelden terugvinden op de muren van de Parijse metro, in de stad of zelfs aan het Brusselse Zuidstation… Zalig om tijdens anonieme wandelingen in de stad een schalkse blik te kunnen werpen op de mensen die de affiches bekijken. Rond het kanaal Vrij onverwacht bevinden Cindy en Lise zich allebei in Parijs. Cindy > Dankzij de beurs van de Stichting kan ik er dit jaar mijn studies afronden. Ik bereid mijn terugkeer naar Brussel voor, met nieuwe projecten voor gemetamorfoseerde concerten. Lise > Het klassieke concert kan inderdaad nieuwe wegen inslaan. Momenteel werk ik rond de ‘verpakking’ van de muziek: sprekende beelden die het publiek uitnodigen, door meer te suggereren dan dat ze tonen. In het kort: een communicatie die zin en samenhang toevoegt, ver weg van de modefotografie, die steeds meer vertolkers verkoopt. Sinds mijn vertrek bij de Opera van Parijs, samen met Gerard Mortier, werk ik als zelfstandige, onder andere voor de Salle Pleyel en de Cité de

la Musique van Parijs of het Concertgebouw van Brugge, maar ook voor jonge artiesten, zoals het Quatuor EnAccord, wier eerste cd ik ontwerp. Cindy > Mijn persoonlijke revolutie wordt het ‘afstoffen’ van het imago van het orgel, door de heilige geur die eromheen hangt, te verwijderen, het fantasmagorische aspect ervan in de verf te zetten, het instrument toegankelijker en populairder te maken, en zo bruggen te slaan tussen uiteenlopende artistieke vormen als dans, video, literatuur… Een eerste concert in dat genre zal in de Brusselse Notre-Dame de la Chapelle plaatsvinden, in elektronische samenwerking met de componist Claude Ledoux. Het orgel kan groot en klein doen dromen. Lise > Op die manier sluiten wij volledig bij elkaar aan. Mijn behoefte aan multidisciplinariteit zal niet stoppen bij de beelddramaturgie. Ik zou mijn reflectie willen uitbreiden naar de aard zelf van het concert: de plaats en de manier waarop, de relatie tussen muzikant en publiek, mogelijke interacties tussen de kunsten, wie weet in de lijn van sommige avant-gardistische projecten uit Berlijn? Cindy en Lise blijven beiden in Parijs tot de zomer. Wie weet, wat er daarna komt! Lise Bruyneel en Cindy Castillo


Dirigeren in de Verenigde Staten

dirigere

n

Na elf jaar in de Verenigde Staten gestudeerd en gewerkt te hebben als pianist, dirigent en vocale coach, keerde Kristof Van Grysperre in september 2009 terug naar België. Een uitgelezen kans om hem te ontmoeten en het te hebben over zijn ervaringen aan de andere kant van de oceaan.

> Vanwaar de beslissing om terug te keren? “Die lag niet bij mij. Indertijd ben ik onder meer met de hulp van een Fulbright-beurs naar Amerika vertrokken. Die beurs is bijzonder, omdat het een uitwisselingsbeurs met de Verenigde Staten is met als voorwaarde dat je, eens je studies volbracht zijn, terugkeert naar je land van herkomst om je kennis daar te gebruiken. Ik ben uitzonderlijk lang in de Verenigde Staten gebleven, omdat ik tot tweemaal toe uitstel gekregen heb. Ik kreeg immers de kans om interim operadirigent te zijn aan de universiteit waar ik gestudeerd heb; daarna werd ik vrij onverwacht music director van de Baltimore Opera Studio (Young Artist Program). De Fulbright-commissie oordeelde dat ik die beide

kansen niet kon laten liggen. Vorige zomer echter viel de beslissing dat ik voor minimum twee jaar terug naar België moest. Die terugkeer kwam niet volledig ongelegen, want de culturele sector in Amerika heeft zwaar onder de financiële crisis geleden. Anders dan bij ons worden culturele instellingen immers niet door de staat gesubsidieerd, maar door privé-sponsoring. Bijgevolg zijn op heel korte tijd verschillende operahuizen over de kop gegaan. Ik blijf wel nauw in contact. Mijn gezelschap Intimate Opera blijft bestaan en in februari keer ik terug om de castings te doen voor volgend seizoen en voor workshops die deze zomer plaatsvinden. Ik zal ook voorbereidingen treffen voor de opera Tosca, die ik in april dirigeer. Het zal

Kristof Van Grysperre Leeftijd 36 jaar Roeping dirigent Beurs van de Belgische Stichting Roeping in 1994 SongFest 2009 (Opera Summer Workshop): groepsfoto met zangers / photo de groupe avec les chanteurs.

Woont in Izegem Beroep dirigent, pianist, leraar Kristof Van Grysperre studeerde aan de conservatoria van Gent en Luik. Hij behaalde er de hogere diploma’s in respectievelijk kamermuziek en piano. Met zijn beurs kon hij zich verder bekwamen als pianist en dirigent. Hij studeerde orkestdirectie in Den Haag en behaalde twee Master of Music-graden en een Doctorate of Musical Arts aan de USC Thornton School of Music in Los Angeles. Hij werkte tot voor kort als artistiek directeur, dirigent, pianist en stemcoach voor verscheidene operahuizen in de Verenigde Staten. Sinds september woont hij weer in Izegem. Hij geeft momenteel pianoles aan de academies van Ieper en Veurne. > www.vangrysperre.com

vocatio

11


afhangen van de professionele kansen die ik hier krijg, of ik definitief hier blijf of niet.” > Heb je grote verschillen ondervonden in de manier van lesgeven in de Verenigde Staten? “Ja, toch wel. Het onderwijs in België is veel theoretischer, toch in de jaren negentig, toen ik studeerde. Er was een vrij strikte relatie tussen leerling en leraar. Je nam zowat letterlijk over wat de leraar verkondigde, en je moest de leerstof uit het hoofd leren. In de Verenigde Staten ligt de nadruk op het vormen van een eigen opinie. Het lesgeven is praktischer, waarbij de leraar de leerlingen ‘stuurt’ in hun actieve zoektocht naar kennis. Kritisch denken en discussies worden aangemoedigd. Voor mij was dat een hele openbaring én aanpassing. Ook tijdens de pianolessen kwamen de verschillen naar boven. In Europa verwacht men van klassieke muzikanten dat ze alles ‘stilistisch correct’ uitvoeren. In Amerika springt men losser om met de uitvoeringen; men stimuleert er dat je er je eigen gevoel in steekt en zo jezelf ontplooit. Stilistisch nemen ze het niet zo nauw; ze hechten meer belang aan of het stuk goed klinkt en of de sfeer overeenkomt met wat de componist bedoeld heeft.“ > In de Verenigde Staten was je zowel music director als dirigent. Wat is het verschil tussen beide functies? “De music director kun je best vergelijken met wat wij kennen als de artistiek directeur, zij het dat het bij ons toch vaak om een grotendeels administratieve functie gaat. De music director van een operahuis leidt de repetities van het prille begin tot de definitieve voorstelling. Hij dirigeert ook zelf de stukken. In eerste instantie kiest hij samen met het bestuur het werk dat opgevoerd

vocatio

12

Uitvoering van L’Elisir d’Amore voor Opera Pacific (maart 2006) / Interprétation de L’Elisir d’Amore pour l’Opera Pacific (mars 2006)

zal worden. Vervolgens kiest men een regisseur, in functie van de stijl van de opvoering: klassiek ‘realistisch’, meer avant-gardistisch of modern. Die keuzes worden ongeveer één tot twee jaar op voorhand gemaakt. Samen met de regisseur bepaalt de music director het concept van de voorstelling. Vervolgens zijn er audities voor de zangers. Zij worden niet enkel op hun zangkwaliteiten gecast, maar eveneens op uiterlijk en stijl, in functie van het personage dat zij moeten vertolken. In het begin zijn de repetities enkel muzikaal, met pianobegeleiding en onder leiding van de dirigent. Daarna volgen repetities op dramatisch vlak, met de regisseur erbij. Vanaf dan is er een constante wisselwerking tussen de regisseur en de dirigent, waarbij zij elkaar bijsturen. In de laatste week voor de voorstelling wordt met het volledige orkest gerepeteerd; de zangers worden erbij gehaald, en er volgen twee generale repetities met de belichting en de kostuums. Het is dus een heel proces, dat enorm boeiend en leerrijk is om mee te maken. Als dirigent daarentegen ben je meer een werknemer, die pas tijdens de laatste drie weken van het hele proces bij het team komt. Het is veel moeilijker om dan nog een stempel op de voorstelling te drukken. Desondanks blijft dirigeren absoluut fenomenaal. Het blijft een onbeschrijflijk gevoel!“


Direction d’orchestre aux États-Unis

rche o ’ d n o i direct

stre

Après avoir étudié et travaillé onze ans durant en tant que pianiste, chef d’orchestre et coach vocal aux États-Unis, Kristof Van Grysperre revint en Belgique en septembre dernier. Il partage avec nous ses expériences outre-Atlantiques lors d’une rencontre à Izegem.

> Pourquoi ce retour après tant d’années ? « La décision du retour ne m’appartenait pas. À l’époque, j’étais parti aux États-Unis grâce, entre autre, à l’aide d’une bourse Fulbright. Cette bourse hors du commun est une bourse d’échange : elle permet en effet de faire des études en Amérique mais pose comme condition un retour au pays en fin d’études afin de partager les connaissances acquises. J’ai eu la chance de rester plus longtemps aux Etats-Unis grâce à deux sursis successifs. En effet, j’ai eu l’occasion d’être directeur d’orchestre d’opéra ad interim à l’université où j’étudiais et, par la suite, je suis devenu de manière assez inattendue music director du Baltimore Opera Studio (Young Artist Program). La commission Fulbright a jugé que c’étaient là des opportunités à ne pas laisser passer. L’été dernier, elle a décidé que je devais revenir en Belgique

Coaching vocal / vocale coaching.

pour une période d’au moins deux ans. En fin de compte, ce retour forcé tombait plutôt bien, car le secteur culturel en Amérique a beaucoup souffert de la crise économique. En effet, contrairement à l’Europe, les institutions culturelles aux États-Unis sont subsidiées non par l’État mais par des sponsors privés. Par conséquent, plusieurs maisons d’opéra ont dû déposer leur bilan. Je garde néanmoins un contact proche. Ma troupe ‘Intimate Opera’ continue à exister, et je retourne aux États-Unis en février afin de faire les castings pour la prochaine saison et pour des workshops qui auront lieu l’été prochain. J’y ferai également les préparatifs en vue de l’opéra Tosca, que je dirigerai en avril. En fonction des opportunités professionnelles que je trouverai ici, je resterai définitivement en Belgique. »

Kristof Van Grysperre Âge 36 ans Vocation La direction d’orchestre Bourse de la Fondation de la Vocation en 1994 Vit à Izegem Profession Chef d’orchestre, pianiste, professeur Kristof Van Grysperre a obtenu les diplômes supérieurs de musique de chambre et de piano aux Conservatoires de Gand et de Liège. Grâce à sa bourse de la Fondation, il a pu se perfectionner comme pianiste et chef d’orchestre. Il a fait des études de direction d’orchestre à La Haye, et obtenu deux Master of Music degrees et un Doctorate of Musical Arts à la USC Thornton School of Music de Los Angeles. Il a travaillé en tant que directeur artistique, chef d’orchestre, pianiste et coach vocal pour différentes maisons d’opéra aux États-Unis. Depuis septembre, il habite à nouveau à Izegem. Pour l’instant, il donne des cours de piano aux Académies d’Ypres et de Furnes. > www.vangrysperre.com

vocatio

13


Répetition de La Tragédie de Carmen pour la Intimate Opera Company (mai 2009).

> Avez-vous remarqué de grandes différences dans la manière d’enseigner aux États-Unis ? « Oui. L’enseignement en Belgique est envisagé d’une manière beaucoup plus théorique, en tout cas pendant les années nonante, quand j’y étudiais. Il existait une relation assez stricte entre les élèves et le professeur. Nous reprenions presque littéralement ce qu’il déclamait, et nous étions obligés d’apprendre tout par cœur. Aux États-Unis, on met l’accent sur la formation d’une propre opinion. La manière d’enseigner est plus pratique ; le professeur agit en tant que guide dans la quête active du savoir. Discussions et pensées critiques sont encouragées. Ce fut pour moi un grand changement et une révélation. Les cours de piano étaient eux aussi différents. En Europe, on attend des musiciens classiques qu’ils interprètent les morceaux d’une manière stylistiquement correcte. Aux États-Unis, il existe une certaine souplesse à ce niveau : on estime qu’il faut y mettre une touche personnelle afin de se développer. L’essentiel étant la sonorité de la pièce, et un souci de l’esprit voulu par le compositeur. » > Vous avez exercé la fonction de music director et de chef d’orchestre. Quelle est la différence ? « La fonction de music director est comparable à celle d’un directeur artistique. Néanmoins, cette fonction est souvent assez administrative. Le music director d’une maison d’opéra dirige les répétitions du début à la fin et exerce également

vocatio

14

Répétition avec la hautboïste Lot Demeyer (août 2009) / Repetitie met hoboïste Lot Demeyer (augustus 2009)

la fonction de chef d’orchestre. Il commence par choisir avec le conseil l’œuvre qui sera présentée. Puis le metteur en scène sera sélectionné en fonction du style de la représentation. Celle-ci sera montée de manière classique et réaliste, ou d’une façon plus avant-gardiste et moderne. Ces décisions sont prises un à deux ans d’avance. Le concept de la représentation sera défini par le music director et le metteur en scène. Puis suivront les auditions des chanteurs. Ceux-ci ne seront pas seulement sélectionnés pour leurs qualités vocales, mais également en fonction de leur physique et de leur style par rapport au rôle. Les répétitions débutent avec les chanteurs accompagnés au piano, sous la direction du chef d’orchestre. Viennent ensuite des répétitions au niveau dramatique avec le metteur en scène. À partir de là, il y aura un échange constant entre le metteur en scène et le chef d’orchestre, pendant lequel ils se corrigent l’un l’autre. Durant la semaine qui précède la première, les répétitions se font avec l’orchestre complet accompagné des chanteurs, et deux répétitions générales avec l’éclairage et les costumes. C’est donc tout un processus captivant et instructif, passionnant à vivre. Le chef d’orchestre, par contre, a une position différente, plus proche de celle d’un employé qui rejoint l’équipe lors des trois dernières semaines. Cela implique qu’il lui est beaucoup plus difficile d’imprimer son empreinte personnelle sur la représentation. Le métier de chef d’orchestre reste toutefois phénoménal, c’est une expérience inexplicable ! »


Visite d’un atelier de lutherie

lutherie

Septembre 1999 : colloque « Matières et musiques » à Cluny. Jessica y rencontre des facteurs de divers instruments (lutherie, flûte à bec, pianoforte et guitare) et assiste à des conférences d’organologues, de restaurateurs et de facteurs d’instruments. Ce sera un tournant décisif dans sa vie ; elle trouvera ainsi la manière d’allier son désir d’arts plastiques à la musique : la facture instrumentale. La lutherie : un choix réfléchi « Le plus évident aurait peut-être été d’opter pour la facture de flûtes à bec, car j’en ai joué pendant des années. Mais, malgré mon intérêt du début, l’aspect technique de sa fabrication (le tournage, principalement) ne m’attirait pas du tout. La sculpture du bois, les assemblages et les diverses possibilités de régler un violon (par les épaisseurs des différentes parties, le positionnement des pièces mobiles comme l’âme et le chevalet…) m’attiraient davantage, me donnant l’impression d’une plus grande liberté d’expression en tant que facteur. Contrairement à ce que l’on pourrait penser, il n’est pas indispensable de pratiquer l’instrument pour être un bon facteur. Il est par contre indispensable d’avoir une bonne écoute, non seulement du son mais également des besoins exprimés par le musicien, et de pouvoir tester les capacités sonores de l’instrument. Le reste se fait en collaboration avec les musiciens. Personnellement, j’ai la chance d’avoir un compagnon violoniste, ce qui nous permet à tous deux d’intéressants échanges ! » La naissance d’un violon « Pour mettre au point un instrument, il faut compter à peu près trois cents heures de travail. La première étape consiste à choisir le bois. La densité, la régularité de croissance et celle des fibres en sont les critères principaux. Les deux essences principales utilisées en lutherie sont l’érable et l’épicéa. Chaque partie du violon a une fonction spécifique, dont découle le choix du matériau. Par exemple, la table d’harmonie est en épicéa originaire des Alpes Dolomites, un bois qui amplifie rapidement et facilement les vibrations ; c’est d’ailleurs celui que l’on utilise pour les tables d’harmonie de la plupart des instruments à cordes ; des parties nécessitant une rigidité plus importante, comme la caisse de résonance, ou le

Jessica De Saedeleer

chevalet, qui doit résister à 30 kg de pression des cordes, sont en érable originaire de France ou des Balkans ; tandis que la touche, qui doit résister au frottement des cordes souvent filées de métal et à la pression des doigts, est en ébène, le bois le plus dense que nous utilisions mais qui, en tant que bois tropical, est une essence maintenant protégée car menacée d’extinction. »

Âge 28 ans Vocation La lutherie Bourse de la Fondation de la Vocation en 2007

Projets en cours et à venir… « Outre la construction et la vente de mes instruments et quelques travaux de restauration, j’ai pris récemment beaucoup de plaisir à communiquer ma passion en ouvrant mon atelier à des élèves de musique ainsi qu’en animant des conférences sur la lutherie et l’histoire du violon. L’origine et l’évolution du violon étaient d’ailleurs le sujet de mon mémoire de fin d’études de musicologie. Saviez-vous que, jusqu’à la fin du XVIe siècle, le violon était l’instrument des trouba-

Vit à Bruxelles Profession Luthier

Tracé du contour sur le fond / Het uitzetten van de omtrek op het onderblad

Jessica a longtemps joué de la flûte à bec. Elle se tourne ensuite vers le violon et part pour Crémone, où elle étudie la lutherie. Parallèlement, elle décroche une licence en musicologie à l’ULB. Entre 2000 et 2007, elle suit plusieurs stages auprès du luthier Thomas Bertrand, à Bruxelles. Depuis décembre 2008, elle gère sa propre activité au sein de son atelier situé à Bruxelles, agrémentant le travail manuel et solitaire par quelques activités au sein du MIM. > www.jdesaedeleer.com

vocatio

15


Volute sculptée / uitgebeidelde krul.

Le manche et la volute / De hals en de krul

vocatio

16

dours, des couches populaires de la société ? Ce n’est qu’à partir du XVIIe siècle qu’il est devenu le ‘roi des instruments’ et l’instrument des rois ! Et c’est également au cours du XVIe siècle que la forme en a été standardisée, probablement grâce à l’application de principes mathématiques déjà utilisés pour la fabrication des luths – et connus dans les autres arts. Depuis septembre 2009, j’anime quelques visites guidées au Musée des Instruments de Musique de Bruxelles, ce qui me permet de partager mes connaissances théoriques et pratiques avec des publics très variés. Pour le reste, je continue à me perfectionner en lutherie : j’ai suivi entre autre des stages de dessin, de vernis et d’archèterie. En ce moment,

j’effectue des recherches sur les cordes et leurs différents matériaux. J’aimerais ainsi donner l’occasion à des musiciens de venir tester divers types et combinaisons de cordes afin de parvenir à leur son idéal, unique à chaque instrument et à chaque musicien… reflet de chaque personnalité. Les cordes peuvent supporter plusieurs types de tensions, et ont donc un grand effet sur le son. Comme le prix d’un jeu de cordes de violon avoisine les 50 €, il n’est pas toujours possible pour les jeunes musiciens de se lancer dans l’expérimentation systématique des cordes. Un autre projet qui me tient à cœur est la conception d’un quatuor à cordes dans le courant de l’année 2010. »


Atelierbezoek: vioolbouw

vioolbo

uw

September 1999, symposium «Matières et musiques» in Cluny: Jessica De Saedeleer ontmoet instrumentenbouwers (strijkinstrumenten, blokfluit, pianoforte en gitaar) en woont conferenties bij van muziekspecialisten, restaurateurs en instrumentenbouwers. Het is een keerpunt in haar leven, want ze ontdekt dé manier om haar interesse voor plastische kunsten te verenigen met muziek, met name in de instrumentenbouw. Vioolbouw: een weloverwogen keuze “Dat ik voor het maken van blokfluiten gekozen zou hebben, lijkt misschien evidenter, omdat ik die jaren bespeeld heb. Het technische aspect, vooral het draaien, trok me echter absoluut niet aan. Het maken van een viool en de verschillende fases ervan, zoals het beeldhouwen van het hout, het assembleren en de manieren om een viool te regelen, gaven mij de indruk van een grotere expressievrijheid. In tegenstelling tot wat je misschien zou denken, is het immers niet onontbeerlijk dat je het instrument zelf bespeelt om een goede bouwer te zijn. Wel essentieel is dat je een goed gehoor moet hebben, niet alleen inzake klank, maar ook inzake de noden van de muzikant. Het overige regelwerk doe je samen met de muzikanten. Ik heb het geluk dat mijn partner violist is, wat voor een interessante wisselwerking zorgt.” De geboorte van een viool “Je moet ongeveer driehonderd werkuren rekenen, voordat een instrument op punt staat. De eerste stap is de keuze van het hout. De dichtheid en de regelmatigheid van de groei en van de vezels zijn de belangrijkste criteria. De twee voornaamste houtsoorten in de vioolbouw zijn de esdoorn en de spar. Ieder onderdeel van een viool heeft een specifieke functie, die de keuze van de houtsoort bepaalt. Het klankbord bijvoorbeeld is in sparrenhout, afkomstig van de Dolomieten en de Alpen. Die houtsoort versterkt de trillingen snel en gemakkelijk. Delen die een grotere hardheid vereisen, zoals de klankkast of de kam (die aan dertig kilo druk van de snaren moet kunnen weerstaan), zijn in esdoorn, afkomstig uit Frankrijk of de Balkan. De toets, die bestand moet zijn tegen de wrijving van de snaren (meestal in metaal gewikkeld) en aan de druk van de vingers, is in ebbenhout.”

Jessica De Saedeleer

Lopende en komende projecten “Naast instrumenten bouwen, verkopen en restaureren, communiceer ik graag over mijn passie. Voor muziekstudenten houd ik opendeurdagen in mijn atelier, en ik geef lezingen over vioolbouw en de ontstaansgeschiedenis van de viool. De oorsprong en de evolutie van de viool waren overigens de onderwerpen van mijn eindverhandeling tijdens mijn studies in de musicologie. Wisten jullie trouwens dat de viool tot het einde van de 16de eeuw het instrument van de troubadours was, dus van de lagere maatschappij? Pas vanaf de 17de eeuw is ze de ‘koningin der instrumenten’ geworden en het instrument van de koningen! Eveneens in de 16de eeuw is de vorm van de viool gestandaardiseerd, waarschijnlijk door toepassing van de wiskundige principes die al op de bouw van luiten werden toegepast.

Leeftijd 28 jaar Roeping vioolbouw Beurs van de Belgische Stichting Roeping in 2007 Woont in Brussel Beroep vioolbouwer

Het atelier van Jessica

Jessica speelde lang blokfluit. Later wendde ze zich tot de viool en ze vertrok naar Cremone om er snaarinstrumentenbouw te studeren. Daarnaast behaalde zij een licentie in de musicologie aan de ULB. Tussen 2000 en 2007 volgde zij verschillende stages bij de vioolbouwer Thomas Bertrand in Brussel. Sinds december 2008 oefent zij haar activiteit als vioolbouwer op zelfstandige basis uit in haar eigen atelier in Brussel. Het manuele, teruggetrokken werk in haar atelier vult zij aan met een aantal activiteiten in het MIM. > www.jdesaedeleer.com

vocatio

17


De verschillende stappen van het bouwen van een viool / Les différentes étapes de la conception d’un violon

Sinds september 2009 gids ik in het Muziekinstrumentenmuseum van Brussel. Zo kan ik mijn theoretische en praktische kennis delen met een gevarieerd publiek. Voor de rest blijf ik me vervolmaken in de vioolbouw. Ik heb onder andere teken-, vernis- en strijkstokstages gevolgd. Momenteel ben ik onderzoek aan het doen naar de snaren en de verschillende materialen die ervoor worden gebruikt. Met die kennis zou ik muzikanten de kans willen geven om allerlei types en combinaties van snaren te testen, zodat zij hun ideale klank kunnen vinden, eigen aan het instrument

vocatio

18

en de muzikant. De snaren kunnen immers tal van spanningen verdragen en hebben dus een groot effect op de klank. Een stel snaren kost om en bij vijftig euro; voor jonge muzikanten is het dus niet evident om er systematisch mee te experimenteren. Een ander project dat me voor 2010 nauw aan het hart ligt, is het bouwen van een kwartet van snaarinstrumenten.”


news Ana Torfs

Expo ALBUM/TRACKS A

Annelies Verbeke

© Ana Torfs

Toneelstuk RAIL GOURMET

Displacement, Ana Torfs, 2009, installatie met diaprojecties 27.02 > 18.07 Expo solo K21, Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen, Düsseldorf > www.anatorfs.com

Charlotte Geldof

Charlotte Geldof bedacht voor kunstencentrum Recyclart het concept en het traject van deze Brusselse promenadologie. Het is geen geleid bezoek en geen wandeling met historische uitleg maar een ervaringswandeling. Het gaat er dus eigenlijk om om met nieuwe ogen te kijken naar wat je in je dagelijkse omgeving altijd al gezien hebt en waarvoor je ondertussen bijna ‘blind’ geworden bent. Om de gekende omgeving als nieuw en verrassend te ervaren, wordt gebruik gemaakt van een tekst die de deelnemers vooraf moeten lezen en waarmee ze hun wandeltocht moeten interpreteren. Praktisch: het traject is in het noordwesten van Brussel uitgestippeld en de wandeling duurt ongeveer drie uur. Het traject wordt niet vooraf bekendgemaakt; er is wel een ontmoetingspunt bepaald, dat het het openbaar vervoer bereikbaar is. Het traject zal ‘over de schreve’ gaan, met name de grens tussen het Vlaamse en het Brusselse Gewest. De groepen bestaan uit maximum tien deelnemers. Er zijn vier wandelingen: op 14 en 16 april van 17 tot 20 uur, en op 21 en 23 april van 19 tot 22 uur. Enkele dagen voor het vertrek krijgen de ingeschrevenen de tekst gemaild, die ze voor de wandeling moeten lezen. Gelieve bij uw inschrijving te vermelden welke taal u verkiest, zodat we daar zoveel mogelijk rekening mee kunnen houden met het oog op de samenstelling van de groepen. Inschrijvingen tot en met 6 april op dirk@recyclart.be (€ 5)

©affiche: Mario Debaene

Promenadologie met Recyclart in april

Annelies Verbeke schreef met Rail Gourmet een nieuwe theatertekst voor en in nauwe samenwerking met acteursgroep Wunderbaum. Het stuk is geïnspireerd op het emballagebedrijf onder het station Brussel-Zuid, waar de maaltijden voor de Thalys worden ingepakt. Het is een grootstedelijk drieluik, dat op locatie gespeeld wordt. Jens Bouttery (Kamp Jezus) speelt live muziek. 10 > 13.03 — KVS, Brussel (op locatie) 24 > 27.03 — Monty, Antwerpen (op locatie) > www.wunderbaum.nl > www.anneliesverbeke.com

> www.magnificentsurroundings.org > www.recyclart.be

vocatio

19


Stéphane Olivier

Transquinquennal

news

Fabio Wuytack

© Aaron Reed

Persona non grata

23.02 > 06.03 à 20h30 / Mercredis à 19h30 — Capital Confiance Théâtre Varia, Grande salle

Lancering van een nieuwe dvd van Persona non grata, beschikbaar via www.fabiowuytack.com. Deze documentaire over het indrukwekkende levensverhaal van Fabio’s vader viel opnieuw in de prijzen: Best Human Rights Film / Flanders Latin American Film Festival Best Editor / International Documentary Film Festival of Uruguay Best Documentary Director / International Documentary Film Festival of Uruguay

Dmitri Rouwet

Eliot Lawson

Internationale workshop over vulkanische meren

©Mashid Mohadjerin

Viool

7.03 > 11u — met Enigma, CC Wilrijk 19-20.03 > 15u — met Biancho Nero, Warande (Turnhout) 21.03 — met pianiste Nel Swerts, CC Kapelle 29.03 > 20u — met Biancho Nero, CC Malbeek 2.05 > 15u — Galerij Nordon, Regentschapsstraat (Brussel)

> www.eliotlawson.com

vocatio

20

10 > 19.03 — 7th Workshop on Volcanic Lakes Organisatie: Commission of Volcanic Lakes (CVL), Costa Rica Logo©Marta Iorio

Transquinquennal et le groupe Toc, deux collectifs théâtraux réunis en une joint-venture exceptionnelle, plongent dans le vaste champ de « la crise » et se donnent pour mission de la sortir de son étrangeté économique. Comme on nous l’annonce chaque jour depuis le printemps dernier, la crise a envahi notre actualité et alimente les conversations au Café du Commerce. Là comme ailleurs, la confiance, fondement de l’économie mondiale, est mise en doute. Au-delà des effets et enjeux économiques de la crise, quels rapports humains vont se trouver modifiés par la mise en échec du lien de confiance sur lequel reposent l’argent et toute notre économie ? Quels seront ses impacts sur l’organisation même de notre société ? Comment rétablir la confiance, à partir de quels éléments la reconstruire ? Pour examiner ce qui est mis « en crise » et lui donner une forme spectaculaire, Transquinquennal et le groupe Toc ont élaboré un business plan qui a mis en présence de nombreux intervenants de divers horizons : économistes, philosophes, commerçants, travailleurs sociaux, historiens… Depuis septembre 2009, les deux compagnies se sont se sont engagées dans un processus de création qui les emmènera au spectacle final en février, au Théâtre Varia. Chacune des quatre étapes de travail préliminaires à Marseille, Charleroi, Namur et Bruxelles a déjà donné le jour à une forme courte élaborée avec un invité pratiquant une discipline étrangère au théâtre (vidéaste, plasticien). En février 2010, la forme plus (ob)longue qui apparaîtra après quatre semaines de répétitions ne sera pas une compilation des étapes présentées auparavant ; mais, inévitablement, celles-ci auront emmené l’équipe sur certaines pistes, vers certains nœuds de réflexion qui se retrouveront peut-être dans le spectacle. Si le spectacle Capital Confiance sera bientôt présenté à un large auditoire, il n’en sera pas classique pour autant. Une simple volonté : saisir l’occasion que la remise en question de l’ordre des choses accorde à la pensée. Écriture et mise en scène : Transquinquennal + Groupe Toc ( Bernard Breuse, Miguel Decleire, Marie Henry, Raphaël Noël, Stéphane Olivier, Hervé Piron, Anne Thuot, Mélanie Zucconi). réservations 02 640 82 58 > www.transquinquennal.be


Anouk De Clercq

news

Residentie & expo

Inge Spinette

Oops wrong planet © Anouk De Clercq

Piano

01.01 > 01.05 — Residentie in de Cité des Arts, Parijs 16.04 > 20.06 — Expo Body Sound Stichting Liedts-Meesen, Gent (zebrastraat) samengesteld door Christine Van Assche, curator Centre Pompidou (FR) mei > juli — Expo Event Horizon Centre for Contemporary Photography, Melbourne (AU) 20.05 > 08.08 — Expo Correspondence MUHKA, Antwerpen

5.05 — recital met Hendrickje Van Kerckhove (sopraan), Luxemburg 9.05 — recital met Jan Michiels en vocaal quartet: Hilde Coppé,Els Mondelaers,Yves Saelens, Jan Van der Crabben / Liederen van R. Schumann 16.5 — recital met Jan Michiels en Tetra Lyre, 4-handig, kasteel van Gaasbeek 19.5 en 28.05 — recital met Hendrickje Van Kerckhove (sopraan) > www.ingespinette.be

> www.portapak.be Gwendoline Robin

Expo et performance

Jean-Pierre Deleuze

Compositeur

Se référant à l’exorde qui ouvre l’Art poétique de Paul Verlaine, le compositeur Jean-Pierre Deleuze évoque les liens étroits qu’il entretient, dans sa création musicale, avec la poésie, et tout spécialement celle de Jacques Crickillon, auteur majeur de chez nous, dont l’œuvre appelle implacablement la réconciliation de l’homme avec la nature. Cette mutation de la matière poétique en matière sonore s’éprouve tout particulièrement avec la reprise de la mise en musique du poème intitulé Léthamorphos XXI. Cette œuvre pour voix et piano, créée en 1996, sera encadrée de pièces pour flûtes à bec et flûtes traversières avec, en création, un « écho » à la Ballade de Lorna de l’Our, dernier appel irrésistible du poète au compositeur. Avec Els Crommen (voix), Fabian Coomans (piano), Grégory d’Hoop (flûtes à bec) et Éric Leleux (flûtes traversières).

© LA Centrale Galerie.

7.03 > 11h30 Espace Senghor, Centre culturel d’Etterbeek > www.senghor.be

Performance faite à Montréal au Bain St-Michel, septembre 2009, Festival VIVA 1.05 > 15.06 — Participation à la MANIF’ D’ART 5, Québec, Centre d’Art Actuel. > www.inter-lelieu.org > www.manifdart.org. > www.gwendolinerobin.be

vocatio

21


Nicolas Deletaille et Catherine Lebrun

news

Ensemble Mendelssohn

Aurélie Charneux et Adrien Lambinet

Klezmic Zirkus

David Reiland

Direction d’orchestre Sortie du nouvel album 13, chemin des mandarines sur le label homerecords.be. Concerts 31.03 — Mazy, N8 Jazz 03.04 — Fontaine-l’Evêque, La bouteillerie 10.04 — Bozar, Bruxelles, dans le cadre de Balkan Traffic

25.04 > 11h — MIM, Bruxelles Programme : Carl Reinecke (Quintette à clavier opus 83 en La majeur), JeanPierre Deleuze (Quintette à clavier Vue sur le jardin de lumière), Richard Strauss (Capriccio pour sextuor à cordes), Bohuslav Martinu (Sextuor à cordes). Ensemble Mendelssohn : Daniel Rubenstein, Elisabeth Wybou, Mate Szücs, Nicolas Deletaille, Catherine Lebrun, Pierre Feraux. > http://mendelssohnensemble.site. voila.fr

> www.klezmic-zirkus.be > www.myspace.com/klezmiczirkus

Hubert Boone

Optreden Limbrant

Le nouveau CD de l’Ensemble Lucilin, sous la direction de David Reiland, consacré au compositeur luxembourgeois Alexander Müllenbach est disponible sur www.eshop.cna.public.lu. Le CD contient des premiers enregistrements de pièces du répertoire de musique de chambre du compositeur. Il est accompagné d’un livret de 24 pages comportant des notes sur les pièces, rédigées par le compositeur.

LIMBRANT : Katia Verheyen (dwarsfluit), Veerle Houdart (klarinet), Greet Verhulst (contrabas), Andries Boone (viool, mandoline), Rony Deprins (accordeon), Hubert Boone (viool) > www.limbrant.be

22

Duo Aton & Armide

Nicolas Deletaille

CD

20.03 — Folkbal zoals geen ander met het ensemble Limbrant, Kampenhout Programma 19 > 20 uur — Kinderbal (vanaf ca. 10 jaar), met een dansinitiatie 20.15 > 20.45 uur — dansinitiatie voor volwassenen 21 > 24 uur — Folkbal met Limbrant. Halverwege is er een intermezzo door muzikanten van de drie fanfares van de gemeente. Sporthal van Berg, Schoolstraat 2, 1910 Berg (Kampenhout). Toegang gratis.

vocatio

Sara Picavet + Benjamin Glorieux

19.03 > 12h30 Piknikmusic, Ars Musica, Flagey Programme autour de la figure de Schumann et du romantisme chez les compositeurs contemporains (création de Dominique Bodson ; œuvre récente de Magnus Lindberg ; Schumann ; Holliger). > www.flagey.be 11.04 > 17h Atelier Marcel Hastir Rue du commerce 51 Bruxelles

Enregistré en août, septembre et octobre 2008 au Centre culturel Quasimodo à Bossut, ce CD comprend quatre œuvres marquantes du répertoire pour violoncelle seul de la première moitié du XXe siècle. Gaspar Cassadó : Suite pour violoncelle seul Eugène Ysaye : Sonate opus 28 pour violoncelle seul György Ligeti : Sonate pour violoncelle seul Zoltán Kodály : Sonate opus 8 pour violoncelle seul Disponible via www.nicolasdeletaille.com


Eliane Reyes

Piano

news

Elric Petit

Prix et Salone di Mobile (Milan) 15 > 20.03 — Tournée à Kiev, Saint-Pétersbourg et Moscou en récital piano solo Œuvres de Bacri, Lysight, Stehman, Jongen, Ravel, Debussy, Chopin et Tansman

Elric Petit vient de remporter avec son bureau BIG-GAME le « Best domestic design » décerné par le prestigieux magazine anglais Wallpaper. Ils ont eu ce prix grâce au portemanteau SIGNS qu’ils ont dessiné pour l’entreprise japonaise KARIMOKU. SIGNS Versatile, playfull and bold simplicity, this coat stand changes its appearance with the use: Pivotable arms fold out from a stem and seem to from the signs an archaic alphabet. A hidden magnetic mechanism lets the arms snap back to their original position when they are not used.

24.03 > 21h Paris (Archipel, Salle bleue) Récital partagé avec Rebecca Chaillot Œuvres de Schumann et Chopin 18.04 > 17h Boulogne-sur-Mer Œuvres de Prokofiev, Bartok et Enescu > www.violonsdelapaix.fr

14 > 19.04 — Salone di Mobile, Milan BIG-GAME y présentera le porte-manteau SIGNS chez KARIMOKU, la lampe BALL chez TAMAWA, le miroir BLUR chez FELD, et une série de nouveaux produits chez MOUSTACHE.

30.05 > 20h Atelier Hastir, Bruxelles Avec Elisabeth Deletaille (violon) Eliane Reyes se produira avec le violoniste Lorenzo Gatto (2e prix Reine Elisabeth 2009) lors de la tournée Rising Star. Cette tournée l’emmènera dans les salles les plus prestigieuses de toute l’Europe. Pour plus d’info, consultez > www.eliane-reyes.com.

Vincen Beeckman

Jetty Roels

Expo Kevin & Jessica

Indische tempeldans

©Wim Desmet

21.03 Malines, avec Lorenzo Gatto (violon)

16.05 > 11h Schwetzinger Festspiele (Allemagne), avec Lorenzo Gatto Beethoven, Schnittke, Saint-Saëns, Ysaïe, Prokofiev

©Vincen Beeckman

24.04 Bruxelles, Théâtre Saint-Michel, avec Lorenzo Gatto (violon)

06.03 > 03.04 — Galerie Cerami Il s’agit d’une exposition de photographies où toutes les personnes photographiées portent le même prénom : Kevin pour les garçons et Jessica pour les filles. Ce fil conducteur nous amène dans des univers fort différents : du fan de catch à l’homme d’affaire, de la majorette à la danseuse de capoeira. Les portraits réalisés en toute simplicité, tout en banalité même à certains égards se lisent à la lueur des prénoms des photographiées. Comme s’ils composaient une société, un groupe… une meute invisible.

29.04 > 9u30 tot 16u — Evenement ter gelegenheid van de “Internationale dag van de dans” Diverse multiculturele en hedendaagse dansvormen: open lessen voor kinderen, demonstraties, voorstellingen, straatmuzikanten Gratis in Gentse binnenstad Coördinatie : Jetty Roels ITI Vlaams centrum danscomité “D’oude Kapel vzw“ Gentse dienstencentra Info : jetty.roels@skynet.be

> www.galeriecerami.be

vocatio

23


Carine Fol

Art en Marge devient/wordt art & marges musée-museum

news

Sofie Saller

Supermarkt shopping

Nathalie Houtman

Flûte

Œuvre de/werk van Adolf Wölfli

28.03 > 17h — maison Lismonde (Dwersbos, 1, 1630 Linkebeek) 20.05 > 20h — avec l’Ensemble Sirocco, collégiale de Nivelles Concerto de chambre de Vivaldi Ce programme donnera lieu à un enregistrement pour le label ORF.

Ann Vancoillie

Duo “V!’P Performs!”

14.04 > 14u30 — Concert met Rudy Van der Veken (Marimba) Van Bach tot Pärt Een reis door de muziekgeschiedenis, twee houten vertellen: gestreken, geslagen, verstrengeld U.D.L. Brugge Stadshallen Belfort

« Plus qu’un changement de nom et de statut, la mutation d’Art en Marge en art & marges musée est le reflet d’une évolution à la fois artistique et sociétale. Tout en respectant les racines et le passé du centre fondé en 1984 (…), ce changement contribue à destigmatiser (sans distinction) les œuvres issues des marges de l’art. Le « & » étant une conjonction qui rassemble l’art et les marges sans les assimiler. Cette approche remet en question la ghettoïsation de l’art brut et outsider, et répond à notre volonté de ne pas réduire les artistes que nous défendons à leur altérité anonyme. (…) » Carine Fol / « De verandering van Art en Marge naar art & marges museum is niet enkel een naamsverandering, maar ook de weergave van een artistieke en maatschappelijke evolutie. Deze wijziging houdt rekening met de wortels en het verleden van het centrum dat in 1984 (…) opgericht werd (…). Zij draagt tegelijkertijd bij tot de onvoorwaardelijke opheffing van het stigma waaronder de werken afkomstig uit de marge van de kunstwereld lijden. Het koppelteken “&” brengt kunst en marges samen, zonder ze evenwel met elkaar te assimileren. Die aanpak haalt de Art brut en de outsiderkunst uit hun getto en vertolkt onze wil om de kunstenaars die wij verdedigen niet te beschouwen vanuit hun anonieme “anders zijn”.(…) » Carine Fol L’agrandissement et le nouvel aménagement des locaux à la rue Haute permettent de présenter conjointement des expositions temporaires et un accrochage d’une partie de la riche collection dans des conditions muséales optimales. Cette collection, exclusivement constituée de dons, compte à ce jour plus de 2.500 œuvres d’artistes belges et internationaux. Elle reflète parfaitement la philosophie du centre qui a toujours visé la promotion d’artistes de l’ombre : personnes psychologiquement fragilisées ou handicapées mentales, ou encore artistes isolés et étrangers aux milieux artistiques professionnels. / Dankzij de uitbreiding en de nieuwe inrichting van de ruimten zullen tijdelijke tentoonstellingen en een selectie uit de rijke collectie samen getoond kunnen worden in optimale museale omstandigheden. De vaste collectie, die uitsluitend bestaat uit schenkingen, telt vandaag ruim 2500 werken van binnen-en buitenlandse kunstenaars. Ze weerspiegelt perfect de filosofie van ons centrum, dat steeds kunstenaars in de schaduw heeft willen promoten: psychiatrische patiënten, personen met een beperking of geïsoleerde kunstenaars die niet gekend zijn in professionele artistieke milieus. 12.03 > 06.06 — Musik Oblik Lors de l’exposition Musik Oblik le « art & marges musée » explore le monde des sons et du silence en présentant les œuvres d’artistes qui déploient des univers sonores étonnants comme par exemple Adolf Wölfli. / De tentoonstelling Musik Oblik stelt werken voor van kunstenaars met verrassende visuele en sonore leefwerelden.

8.03 > 10u30 en 13u30 — Carrefour SintAgatha-Berchem i.s.m. CC De Ploter 11-12.03 > 10u30 en 13u — GB Molenbeek i.s.m. de Vaartkapoen 17.03 > 15u en 17u — GB Heist op den Berg, i.s.m. CC Zwaneberg 24.04 > 15u en 17u — GB ’t Pand, Waregem, i.s.m. CC De Schakel Supermarkt Shopping is een unieke dansvoorstelling voor kinderen en hun familie die gaat over en gespeeld wordt op locatie in de supermarkt. In kleine groepjes maken de kinderen een tocht door de winkel en ontmoeten onderweg… zes dansers. Voor meer info en video’s van de voorstelling > www.keskiespace.be.

Pierre Erler

Expo Abbaye de Stavelot

12.02 > 06.06 — Face à face : le masque dans la BD En collaboration avec le Musée international du Carnaval et du Masque de Binche, dans le cadre de l’année à thème BD 2010 Wallonie-Bruxellles.

> www.artenmarges.be > www.abbaye-stavelot.be

vocatio

24


Fondation belge de la Vocation Sous le haut patronage de Sa Majesté la Reine Fabiola

Belgische Stichting Roeping Onder de hoge bescherming van Hare Majesteit Koningin Fabiola

Place de l’Albertine 2, 1000 Bruxelles Tél. 02 213 14 90 | Fax 02 213 14 95 E-mail : info@fondationvocation.be Site internet : www.fondationvocation.be KBC 733-0396758-58 Le secrétariat est ouvert lundi, mardi et jeudi de 9h à 12h30 et de 13h30 à 17h, mercredi et vendredi de 9h à 12h30.

Albertinaplein 2, 1000 Brussel Tel. 02 213 14 90 | Fax 02 213 14 95 E-mail : info@stichtingroeping.be Website : www.stichtingroeping.be KBC 733-0396758-58 Het secretariaat is open op maandag, dinsdag en donderdag van 9.00 tot 12.30 uur en van 13.30 tot 17.00 uur ; op woensdag en vrijdag enkel van 9.00 tot 12.30 uur.

Secrétariat | Secretariaat

Vocatio

Déléguée générale | Algemeen afgevaardigde Sylviane Jacquet de Haveskercke > jacquet@fondationvocation.be > jacquet@stichtingroeping.be

Rédaction | Redactie Camille Delbecque > vocatio@fondationvocation.be > vocatio@stichtingroeping.be

Assistantes | Assistentes Bernadette Stevens Régine de Renesse

Graphisme | Vormgeving Marie-Hélène Grégoire > mhgregoire@skynet.be

Collaboratrice | Medewerkster Nicole Gautier

Relecture | Herlezing Françoise Osteaux, Jan H. Verbanck

Communication | Communicatie Camille Delbecque > delbecque@fondationvocation.be > delbecque@stichtingroeping.be

Éditeur responsable | Verantwoordelijke uitgever Alain Philippson Albertinaplein 2 place de l’Albertine Bruxelles 1000 Brussel

Avec le soutien de la Chancellerie du Premier Ministre | Met de steun van de Kanselarij van de Eerste Minister

La composition du conseil d’administration est disponible sur le site / De samenstelling van de raad van bestuur is beschikbaar op de website. > www.fondationvocation.be > www.stichtingroeping.be

L’action en faveur des lauréats est soutenue par la Fondation Bernheim | De actie ten voordele van laureaten wordt gesteund door de Stichting Bernheim.



Vocatio 37 - 2010