{' '} {' '}
Limited time offer
SAVE % on your upgrade.

Page 1

Scheidegger & Spiess Kunst I Fotografie I Architektur Frühjahr 2020


Wichtige Neuerscheinungen 2019 Matisse – Metamorphosen

Herausgegeben vom Kunsthaus Zürich

Erstmals veranschaulicht dieses Buch Verwandlungen, Parallelen, und Rückkoppelungen zwischen dem plastischen und dem malerischen und zeichnerischen Werk von Henri Matisse (1869–1954). In Verbindung mit seinen unterschiedlichen lnspirationsquellen – Aktaufnahmen, afrikanische und antike Vorbilder – sowie Fotografien, die den Künstler als Bildhauer zeigen, entsteht so ein faszinierendes Bild der bisher weniger bekannten Seite des französischen Meisters.

In Zusammenarbeit mit dem Musée Matisse, Nizza Broschur 232 Seiten, 169 farbige und 37 sw Abbildungen 22 × 27 cm 978-3-85881-650-4 Deutsch 978-3-85881-836-2 Englisch 978-3-85881-840-9 Französisch sFr. 49.– | € 48.– ISBN 978-3-85881-650-4

ISBN 978-3-85881-836-2

Deutsch

9

783858 816504

ISBN 978-3-85881-840-9

Englisch

9

783858 818362

Französisch

9

783858 818409

Marke Bauhaus 1919–2019 Der Sieg der ikonischen Form über den Gebrauch

Nicht Funktion und Gebrauch zeichnen das Bauhaus aus, sondern Symbolik. Bauhaus-Gründer Walter Gropius zielte von Anfang an und erfolgreich darauf, aus dem Bauhaus eine Marke zu entwickeln. Es hat ikonische Bildzeichen und einen Stil kreiert, der weder funktional noch sozial ist, aber visuell prägnant. Dieses Buch bietet erstmals einen fundierten Überblick dieser prominenten Markenbildung und -verwendung.

Philipp Oswalt Broschur 336 Seiten, 488 farbige und 330 sw Abbildungen 20 × 28 cm 978-3-85881-620-7 Deutsch 978-3-85881-856-0 Englisch sFr. 39.– | € 38.– ISBN 978-3-85881-620-7

ISBN 978-3-85881-856-0

Deutsch Englisch

9

783858 816207

9

783858 818560

Design from the Alps 1920–2020 Tirol Südtirol Trentino Herausgegeben von Claudio Larcher, Massimo Martignoni und Ursula Schnitzer In Zusammenarbeit mit Kunst Meran Gebunden 460 Seiten, 327 farbige und 39 sw Abbildungen 23 × 29 cm 978-3-85881-649-8 Deutsch / Englisch / Italienisch ISBN 978-3-85881-649-8 sFr. 49.– | € 48.–

9

783858 816498

Die erste umfassende Darstellung von Produktion und Kultur modernen Designs in dieser grenzübergreifenden dynamischen Region des Alpenraums. Sie reicht von den Experimenten eines Fortunato Depero im Secondo Futurismo über Pioniere wie Gino Pollini in der Zwischenkriegszeit und berühmte Designer wie Lois Welzenbacher, Clemens Holzmeister und Ettore Sottsass bis in die unmittelbare Gegenwart. Reich illustriert spürt es den zahlreichen Akteurinnen und Akteuren dieser heterogenen und doch kollektiv starken Szene nach.


Gestaltet von Weiersmüller Bosshard Grüninger WBG, Lisa Greuter

Eine intellektuelle Autobiografie des bedeutenden Schweizer Architekten Marcel Meili, die zum Nachdenken über eigene familiäre und Mentalitäts-Prägungen anregt

Leinenband ca. 128 Seiten, ca. 206 farbige und sw Fotografien 18 × 24 cm 978-3-85881-675-7 Deutsch ca. sFr. 39.– | € 38.–

Eine Kultur- und Sozialgeschichte des Engadins mit ungewohnter Perspektive

Erscheint im März 2020 ISBN 978-3-85881-675-7

9

Intellektuelle Autobiografie und Reflexion über die Entwicklung des Engadins im 20. Jahrhundert: ein faszinierendes Buch!

783858 816757

Marcel Meili

Steiners Postauto Eine Bildgeschichte Steiners Postauto ist eine Kultur-, Mentalitäts- und Sozialgeschichte des Engadins. Re­ cherchiert und geschrieben hat sie der bekannte, 2019 verstorbene Schweizer Architekt Marcel Meili. Ausgangspunkt ist ein Originalabzug der Auf­nahme Postauto ob Silva­ plana des legendären Fotografen Albert Steiner, die Meili seinem 92-jährigen Vater geschenkt hatte. Damit verband er die Recherche und das Sinnieren über die Veränderung des Blicks, der Wahrnehmung, der Verkehrsinfrastruktur, des sozialen Raums und des Freizeit- und Alpentourismus der Region, in der seine Eltern eine zweite Heimat gefunden hatten. So entstand eine höchst anregende, sehr persönlich gehaltene Betrachtung über das Hochtal Engadin und seine Entwicklung angesichts von Tourismus und verkehrskultureller Erschliessung im 20. Jahrhundert. Zugleich ist Steiners Postauto auch eine Art intellektuelle Autobiografie Marcel Meilis, in der dieser über seine eigenen familiären und Mentalitäts-Prägungen nachdenkt. Wir verlegen dieses Buch, das Meili 2007 nur als Privatdruck für seine Eltern und einen engen Freundeskreis publiziert hatte, zum ersten Todestag Marcel Meilis im März 2020. Marcel Meili (1953–2019) war einer der wichtigsten Architekten der Schweiz und einer der Wortführer im architektonischen und urbanen Diskurs des Landes.

Scheidegger & Spiess Herbst 2019

3


were developing. It valued the “supremacy of pure artistic

LYUBOV POPOVA.

feeling” over the visual depiction of objects. Constructiv-

Fabric Design Sketch. Ca. 1923–1924. Museum of Modern Art – Costakis collection

ists such as Nikolai Suetin and a number of other indus-

11

Large Coffee Pot. 1923. Painting on porcelain according to the design project of Nikolai Suetin. State Porcelain Factory, Petrograd.

(MOMus, Thessaloniki).

trial artists borrowed little from Suprematism’s theory, but

42

1. FURNITURE AS ART The artist-planners who designed furniture and interiors in the 1920s had more artistic skill than technical mastery. In their works, utilitarian purpose and func-

Museum of Modern Art – Costakis collection (MOMus, Thessaloniki).

they adapted its visual motifs in their furniture projects:

tional development were superseded by experiments

its characteristic patterns, simple geometry of forms and

with form and the search for the new.

spatial organization. Occasionally this resulted in rather

Nikolai Suetin, a student of Kazimir Malevich, is known

basic interpretations of Suprematism in simple household

primarily as an outstanding master of artistic porcelain,

objects, such as decorative furniture covers made of fab-

but his interests as an artist extended much further. He

rics whose patterns were based on Suprematist paintings.

developed his own language of design, notable for its fo-

Futurism, with its origins in Italy, Cubism (mostly its

cus on the correlation of shapes and on the harmony of

painting and sculpture) and other artistic currents of the

tone and colour among them. Suetin looked for forms and

early 20th century also had considerable influence on the

new solutions for his furniture projects; in his drawings

formation of Constructivism.

and draughts, he solved issues more closely related to art

In 1925, members of the creative association LEF (Left

than to engineering and construction. His sketches refer-

Front of the Arts) set up the official creative organization

ence the Suprematist works and sculptural architectonics

of Constructivists, OSA (Organization of Modern Archi-

of his teacher Malevich. Interestingly, the coffin in which

tects); its members included Alexander Rodchenko, Var-

Malevich was buried in 1935 was made after drawings

vara Stepanova, Kazimir Malevich, the Vesnin brothers,

by Suetin; it took the form of a Suprematist architecton.

Ivan Leonidov, Moisei Ginzburg, and others. OSA members developed a functional design method based on the scientific analysis of how structures worked.

Unlike many students and teachers at VKhUTEMAS–

by their immediate purpose, with no element performing a purely decorative

VKhUTEIN, who concentrated on the interaction of form

function. The planners worked with the form of the object as though it were

6

and function in the object, Suetin pursued a more formal

a mechanism to serve the user.

The stellar roll-call of OSA members and the uniqueness

international design. The ideas of these avant-garde art-

graphic accomplishments. His work had a huge impact on

parts than on either their aesthetic correlation or their colour and tonal com-

al role in Soviet furniture design is much less well known.

Therefore, it makes sense to reflect on the work of the avant-garde figures through

1920 is generally regarded as the year when the first ad-

Working with Varvara Stepanova, Rodchenko carried out

both the prism of art and function. In this context, art should be understood as the

vocates of Constructivism began their search for new art

a ground-breaking experiment with the creation of ex-

sphere of experiment, the search for new forms, with no utilitarian goals at its foun-

forms. Central to the movement was the idea of aban-

pressionist stage sets for the Meyerhold Theatre produc-

dation, whereas function is always about the utilitarian, the serial and the mass.

doning the “metaphysical essence of idealistic aesthet-

43

the formation of new ideas in art and design, but his pivot-

binations.

importance continues today.

From the book of Selim KhanMagomedov Suprematism i arkhitektura. (Suprematism and Architecture). 2007.

avant-garde, is known above all for his photography and

depend more on the construction and technical connection between their

ists influenced art throughout the 20th century, and their

Project of an armchair. 1927.

Alexander Rodchenko, one of the masters of the Soviet

moved further away from the realm of art; their expressive qualities came to

OSA an important role in the development of Soviet and

NIKOLAI SUETIN.

and decorative approach in his projects.

One may conclude that furniture projects became more utilitarian as planners

of the projects developed under its banner guaranteed

tion of Tarelkin’s Death. The play was the third in a trilogy

ics”.7 The Constructivists were determined to give all art

by Alexander Sukhovo-Kobylin. Written in 1869, it made

a material purpose and they set themselves the following

a mockery of tsarist bureaucracy and became an iconic

tasks: the destruction of abstract and old forms of art and

production when staged by Vsevolod Meyerhold in 1922.

the development of a rational structure of the artwork.

Theatrical stage props constitute a completely separate

Their programme, written by Alexei Gan, was presented

sphere of furniture design. Because they are designed as

on 1 April 1921 at the plenary session of the GINKhUK

part of the set for a particular performance, their form

50

51

86

\

87

\

The complex consisted of 3 separate buildings: a 6-storey building with residential individual “cells” for

HOUSING COMMUNES

Communa 33 flat. Kitchen unit.

by Elizaveta Likhacheva

The oak block contains kitchen, hidden behind folding doors and a wardrobe with washing machine and cleaning storage. A curtain embedded in this block separates the bedroom and bathroom from the living zone making them more cosy and private.

&

one person, a 7-storey building with

“ COMMUNA 33 ” — a

2-3 room apartments for families and

compact multifuctional flat

a communal unit with the laundry

by Studio Bazi.

room, gym and public canteen. On

85

the roofs of the 1st and 2nd buildings, connected by a bridge-crossing, it was planned to place the solariums and playschool.

KONSTANTIN MELNIKOV and V. KUROCHKIN. Gosplan garage in Moscow (1934-1936). Photograph late 1930s.

74

Communa 33 flat. Zone of the living room.

83

Communa 33 flat. Bedroom. A round window in the small bathroom gives a view to the street making it more open.

86

Schusev State Museum of Architecture.

different piece, with different visual characteristics; but the person who sits on it still uses it as a chair—in other words, still uses it for its designated purpose. A comparison of these two projects, which were created in the same year, shows that a number of different concepts coexisted and interacted with one Communa 33 flat.

another in furniture design of the 1920s. On the one hand, both Suetin and

Zone of the living room. View on the stairs.

Morozov emphasized the construction of the object, but on the other, they

84

used different techniques to the same end. In the case of Suetin’s suite, formal function matters—that is, the various parts of the object are held together by their colour and shape, which are determined by their function, but their proportions are based more on the compositional-decorative idea than on constructive need. On the contrary, with Morozov’s table construction takes precedence over form: the transforming structure is dictated by its technical requirements and consists of many constructional intricacies. The concepts behind these two projects can be seen as the two poles of Soviet furniture design of the 1920s to the beginning of the 1930s, and it was by oscillating between the two that the search for new furniture forms would continue: from Suprematism’s expressionist approach to object design to

MIKHAIL BARSHCH, IGNATY MILINIS, VLADIMIR VLADIMIROV, MIKHAIL SINYAVSKY, ALEXANDER PASTERNAK, S. V. ORLOVSKY, LYUBOV SLAVINA.

Communa 33 flat. Built-in wardrobe, integrated under the stairs.

Schusev State Museum of Architecture.

114

\

75

Project of the housing commune on Gogolevsky Boulevard in Moscow (1929-1931).

Constructivism and Rationalism.

115

“The furniture is to serve as a simplified set for different performances. Figure 1 shows a chair, its sides made up of two frames joined by two hinges that are also attached

122

EL LISSITZKY (Lazar Lisitsky). The “combination furniture”. 1929. From the book of Selim Khan-Magomedov

102

Suprematism I arkhitektura. (Suprematism and Architecture). 2007.

to the seat. The chair can be folded when required; the sides fold in and the seat lifts up against the back of the chair. When folded the chair is flat, making it easy to transport when the theatre is on tour and when there are a number of chairs on stage,

MOISEI GINZBURG, IGNATY MILINIS.

usually a small stage, they can be folded and stored in the wings, thus saving space.

Residential house on Novinsky Boulevard in Moscow (Narkomfin House, 1928-1930). Architectural Model of N. A. Yunusov, 1988.

Figures 4 and 5 show possible combinations for the folding chair: a sofa, carriage seat, etc. If required, the shape of the chair can be changed or given a particular style; a canvas cover can be sewn to fit the chair, and then painted in a particular style to give

103

Schusev State Museum of Architecture collection.

it a different appearance or character, as shown in Figure 2. Figures 6 and 7 show stool covers painted in a variety of ways. Figure 8 shows the transformation of the table into an orator’s podium. The table is made in the same way as the chair, with two side frames that fold inwards, and crosswise folding frames fixed with loops on the upper horizontal bars of the main frame of the

also be effectively adapted for everyday life, whereby

table. The crosswise hinged frames assume

individual objects in different combinations performed

the position shown by the dotted lines when

various functions. El Lissitzky’s “combination furniture”,

the table is required, whilst when the podium is required, they assume the position indicated in the drawing (a bar fastening on one side). The table top is made separately. In order to climb up to the podium there is a small set of steps attached at one side of the table.”59

for example, was derived from a similar conceptual approach, as were different furniture projects by various designers of the 1930s right through to the 1980s. I. Lobov’s model for a cabinet-display case for displaying and keeping books and illustrated magazines and brochures fits into the categories of both furniture and exhibition equipment. The Red Niva magazine supplement again published a detailed description of this piece: The club cabinet-cum-display case is mostly intended for books. The upper part of the cabinet comprises four shelves designed to hold 200 books. The double doors are to be used for the display of photographs or photo-montages, which can be inserted on two different planes on both sides of the doors. The first is attached with hinges to the body, while the second is inserted in slots into the first:

136

87

123

Vom Konstruktivismus über Art déco zurück zu Avantgarde und Bauhaus: Das sowjetische Design wandelte sich im Takt der Zeit

137

VLADIMIR MESHCHERIN. Sketch of an armchair for the twin-hulled catamaran hydroplane Express (OSGA-25). 1937

180

S. AIRAPETOV, V. UTKIN, K. SHEKHOYAN, S. TIKHOMIROV, O. VELIKORETSKY.

276

Interior of the Berezka store in Moscow. Photograph by Mikhail Churakov, 1962. State Museum of Architecture collection.

for the hydroplane had different forms: some were very dynamic in appearance, their frames made from curved lines of tubular metal that seemed to bend as it rose along the seat and its back, simultaneously creating a feeling of

Twin-hulled catamaran hydroplane Express (OSGA-25). Exterior and Interior. Sochi, 1930s.

182

safety and security.25 are smooth and the suspended tables of the sideboard, with their expressive ceiling fastenings, resemble the natural organic forms of plants. The table-top is suspended on a cylindrical rod fixed to a point on the floor and attached to the ceiling; this allows for a significant increase in the usable area of the cabin and facilitates the easy movement of passengers and the rearrangement of the seats. The look of the fittings is complemented by the shiny material used for the wide cylindrical supports and table-tops. The chairs

During the construction of the watercraft, limited serial production was set up for individual elements—chairs, tables, windows, and the stylish hooks and handles inspired by the teardrop shape of the vessel’s own aerodynamic silhouette. To create these elements, a volumetric method of moulding from metal or plastic was used, a production technique not yet widely used in the field of transportation. The hydroplane ran the passenger line between Yalta and Sevastopol in the Crimea, and also made regular

VLADIMIR MESHCHERIN. Sketches of interiors for the twinhulled catamaran hydroplane Express (OSGA-25). Sochi. 1937. Museum of history of the city of Sochi.

181

trips on the high-speed line from Sochi to Sukhumi on the Black Sea. It could carry up to 150 passengers at a speed of 80 km/hour.26 It was destroyed in 1941, during the German occupation of Odessa. The furniture of the 1930s made far greater use of the expressive characteristics of metal, responding both to fashion and developments in industry, while Western Art

A. ANISIMOV, A. KONSTANTINOV, M. BASKAEV, M. KUTSEVOL, N. ORLOVA.

Deco used a great many glass and metallic elements. In the decade, mass-production furniture developed very

Interior of Aelita cafe at Oruzheiny Lane in Moscow. Photograph by Alexey Alexandrov, 1961.

slowly; production was more often undertaken as limited quantity serial orders or as single items.

220

221

306

\

PROPAGANDA FURNITURE

307

ALEXANDER SHIPKOV.

Khleba Kommunizma

Interior project of t wo-level apartment.

(Breads of Communism).

Arkhitektura SSSR (Architecture of USSR) Magazine No. 11. 1976.

The furniture set Breads of Communim was created for Mikhail Kalinin

303

tion, which had been such a feature of the tapered-leg furniture of the 1950s and ’60s, completely disappeared. As part of its developing international relations, the Soviet Union in the 1970s began to export an array of goods

housing commune in the city of

to socialist bloc countries and Western Europe (Zenit

Smolensk by Igor Krestovsky, the

cameras, various wrist watches such as the Glory, Flight,

prominent sculptor and professor at

Ray and Rocket, VEF radios, Zil refrigerators, Moskva

the Academy of Fine Arts in Leningrad (now Saint-Petersburg). The creation

and Lada cars). Furniture, however, was not suited to the

of housing commune was a unique

export market—on the contrary, it was imported in large

architectural and social movement

quantities from the countries of Eastern Europe.

in the Soviet Union of the 1920s -

A landmark event was the foundation in 1987, on the in-

1930s, which displayed a new fashion

itiative of Yuri Solovyev, of the Union of Designers. The

of collective living, propagated by French philosopher Charles Fourier. The apartments of the Mikhail Kalinin

A set of new upholstered furniture. Estonian SSR Tallinn Research and Production Furniture Association “Standard”. Photograph by Endel Tarkpea, 1976.

housing commune in Smolensk were assigned to department officers of the Academy of Agriculture, which determined the title of the furniture group as Khleba Kommunizma (Breads of Communism). The furniture

TASS photographic archive.

created for the public areas of communal houses are almost totally lost, thus the set of furniture Khleba Kommunizma is considered to be the only full surviving set of such interiors.

taboo, which had lasted so many years, against the very word “design”, was finally lifted. Designers were now given the opportunity to open their own studios and to work the hours they wanted.29 This undoubtedly encouraged greater freedom of expression, despite the Union of Designers’ position as a State organization under the auspices of Gosplan. By the end of the 1980s, there were around eighty individual studios in the USSR. The inauguration

IGOR KRESTOVSKY. Sketches for Khleba Kommunizma (Breads of Communism) furniture set. 1937.

of the Union of Designers had little direct effect on furni-

187

ture production in the USSR, but it was undoubtedly very significant in a broader sense, because it stimulated the growth of individual project designs that were not aimed

Private collection

226

227

277

State Museum of Architecture collection.

334

335

304


Vorworte von Kristina Krasnyanskaya, Elizaveta Likhacheva und Christina Lodder

Erster umfassender Überblick zu sowjetischer Innenarchitektur und sowjetischem Möbeldesign aus sieben Jahrzehnten, basierend auf umfangreicher Forschung in erst seit Kurzem zugänglichen Archiven

Gestaltet von Sabine Hahn Gebunden 448 Seiten, 257 farbige und 171 sw Abbildungen 24 × 30 cm 978-3-85881-846-1 Englisch sFr. 99.– | € 77.–

Reich illustriert, überwiegend mit bisher noch nie veröffentlichten Bildern und Dokumenten Ein Referenzwerk und eine wertvolle Quelle für Wissenschaftler, Händler, Sammler und Design­ liebhaber

Erscheint im Januar 2020 ISBN 978-3-85881-846-1

9

783858 818461

Kristina Krasnyanskaya, Alexander Semenov

Soviet Design From Constructivism to Modernism. 1920–1980

Sowjetisches Design wird häufig als massiv, unergonomisch und uniform bewertet. Ab den 1920er-Jahren und hinter dem Eisernen Vorhang entwickelten sich jedoch etliche Stile, die diesem Bild widersprechen und deren zum Teil schwierige Beziehungen zum Regime in diesem Buch aufgerollt werden. Sie reichen vom Konstruktivismus, Rationalismus und Suprematismus über den sozialistischen Klassizismus hin zum sowjetischen Art déco der 1930er-Jahre, das vor 1946 vom Austausch mit ausländischen Architekten und Künstlern profitierte. Nach dem für die Massen produzierten modernistischen und funktionalen Mobiliar der 1950er-Jahre kehrten bald Einflüsse der frühen Avantgarde und des Bauhauses in das sowjetische Design zurück. Der Niedergang des Regimes schliesslich führte zu visionären Arbeiten einer neuen Designergeneration. Erstmals bietet dieses Buch, basierend auf Material aus erst seit Kurzem zugänglichen Archiven und mit einer Vielzahl an bisher unveröffentlichten Dokumenten, einen umfassenden Einblick in die innenarchitektonischen Leistungen zwischen revolutionärer Avantgarde und sozialistischem Modernismus. Kristina Krasnyanskaya ist Kunsthistorikerin und Gründerin der Heritage Gallery in Moskau. Sie kuratierte 2015 die Ausstellung Soviet Design: From Constructivism to Modernism: 1920s–1960s in Zusammenarbeit mit dem Moskauer Schtschussew-Museum für Architektur. Alexander Semenov ist Experte für sowjetisches Design und wissenschaftlicher Mitarbeiter an der Staatlichen Stieglitz-Akademie für angewandte Kunst und Design in St. Petersburg. Er hat zahlreich zu Mobiliar und Innenarchitektur aus der Sowjetzeit publiziert.

Scheidegger & Spiess Frühjahr 2020

5


Burri komplett: Erstmals wird sein gesamtes Werk zu­sam­men­ geführt, mit zahl­reichen bisher unveröffentlichten Arbeiten


Herausgegeben von Mélanie Bétrisey und Marc Donnadieu

René Burri ist einer der be­ deutendsten Fotoreporter des 20. Jahrhunderts

Mit Beiträgen von Mélanie Bétrisey, Daniel Bischof, Clara Bouveresse, Marc Donnadieu, Julie Enckell Julliard, Werner Jeker, Hans-Michael Koetzle und Bernard Plossu

Neue, sehr persönliche Monografie über den berühmten Schweizer Fotografen René Burri Zeigt neben bekannten Bildern reichhaltiges bisher unveröffentlichtes Material aus Burris Nachlass

In Zusammenarbeit mit dem Musée de l’Elysée, Lausanne

Präsentiert u.a. Burris eigene Entwürfe für Buchgestaltungen, Ausstellungsprojekte, Reisetagebücher, Collagen und Aquarelle

Gestaltet von Studio Marie Lusa Gebunden ca. 240 Seiten, ca. 220 farbige und 60 sw Abbildungen 21 × 27 cm 978-3-85881-661-0 Deutsch 978-3-85881-845-4 Englisch ca. sFr. 49.– | € 48.–

Erscheint zur Ausstellung René Burri, Explosions of Sight im Musée de l’Elysée, Lausanne (29. Januar bis 3. Mai 2020)

Erscheint im Februar 2020 ISBN 978-3-85881-661-0

Deutsch

9

783858 816610 ISBN 978-3-85881-845-4

Englisch

9

783858 818454

Die französische Ausgabe erscheint bei Éditions Noir sur Blanc, Lausanne

René Burri – Explosion des Sehens Der Schweizer Fotograf René Burri (1933–2014) war dort, wo Geschichte stattfand. Seit 1955 Mitglied von Magnum Photos, fotografierte er in Südostasien und im Mittleren Osten und dokumentierte den Vietnamkrieg in den 1960er-Jahren, den Sechs­ tagekrieg (1967) und den Jom-Kippur-Krieg (1973). Reisen führten ihn nach Japan und China, durch Europa, Nord- und Südamerika. Sein aussergewöhnliches Gespür für Menschen, deren Persönlichkeiten und Lebensumstände ermöglichten es ihm, Berühmtheiten ebenso wie gewöhnliche Leute zu porträtieren. Das Musée de l’Elysée in Lausanne beherbergt die Fondation René Burri, die 2013 zur Bewahrung und Erschliessung seines Archivs gegründet wurde. Anlässlich einer Ausstellung im Frühjahr 2020 erscheint das Buch, das aus dieser einzigartigen Quelle schöpft. Zum ersten Mal überhaupt führt es Burris bekanntes fotografisches Werk zusammen mit bisher unveröffentlichten Dokumenten, Ausstellungsprojekten, Reisetagebüchern, Zeichnungen und Aquarellen, Buchentwürfen sowie anekdotischen Erinnerungen seiner Wegbegleiter. Mélanie Bétrisey ist Asssistenzkuratorin am Musée de l’Elysée in Lausanne und betreut dort das Archiv René Burri. Marc Donnadieu ist Chefkurator des Musée de l’Elysée in Lausanne.

Scheidegger & Spiess Frühjahr 2020

7


Eine Autodidaktin entwickelt ihre eigene Position: Aenne Biermanns moderner Bildstil brachte Laienkunst und Avantgarde zusammen


Herausgegeben von Simone Förster und Thomas Seelig

Aenne Biermann zählt zu den bedeutendsten Fotografinnen Deutschlands der Vorkriegszeit und der europäischen Fotogeschichte

Mit Beiträgen von Simone Förster, Olivier Lugon, Stefanie Odenthal, Rainer Stamm, Katharina Täschner und Anna Volz

Die umfassende Monografie präsentiert bislang kaum bekannte historische Bildpublikationen und neu entdeckte Archiv­materialien

In Zusammenarbeit mit der Stiftung Ann und Jürgen Wilde, Pinakothek der Moderne, München und dem Museum Folkwang Essen

Zeigt das Werk Aenne Biermanns als ein Beispiel für Moderne­ strömungen jenseits der Zentren der Avantgarde

Gestaltet von Nicola Reiter

Thematisiert das Selbstverständnis bürgerlicher Frauen in Bezug auf künstlerische Produktion und individuelle Entwicklungen

Broschur ca. 208 Seiten, ca. 140 farbige Abbildungen 21 × 27 cm 978-3-85881-673-3 Deutsch ca. sFr. 39.– | € 38.–

Erscheint zur Ausstellung Aenne Biermann. Vertrautheit mit den Dingen im Museum Folkwang Essen (20. Februar bis 1. Juni 2020)

Erscheint im Februar 2020 ISBN 978-3-85881-673-3

9

783858 816733

Aenne Biermann Fotografin

Aenne Biermann (1898–1933) zählt zu den festen Grössen der Fotografie der 1920erund 1930er-Jahre. Im Gegensatz zu Fotografenkolleginnen wie Florence Henri, Germaine Krull oder Lucia Moholy erfuhr sie weder eine künstlerische Ausbildung noch verkehrte sie in den Avantgardekreisen der Grossstadtzentren – und obwohl sie nur wenige Jahre fotografierte, entwickelte Biermann einen eigenen, signifikant modernen Bildstil, der sie innerhalb kürzester Zeit als Vertreterin der zeitgenössischen Avantgardefotografie etablierte. Sie richtete ihre Kamera auf Pflanzen, Dinge, Menschen und Alltagssituationen. Mittels klarer Strukturen, präziser Kompositionen mit Licht und Kontrast sowie enger Bildausschnitte entlockte sie den Motiven ihres persönlichen Umfelds eine besondere Poesie und vermittelte, wie sie 1930 schrieb, eine «Vertrautheit mit den Dingen». Die Monografie präsentiert das Werk Aenne Biermanns als ein Beispiel für Moderneströmungen jenseits der Zentren der Avantgarde und thematisiert die Verflechtungen von Laienkunst und Avantgardefotografie in den 1920er-Jahren wie auch das Selbstverständnis bürgerlicher Frauen in Bezug auf künstlerische Produktion und individuelle Entwicklungen. Simone Förster ist Kuratorin der Stiftung Ann und Jürgen Wilde, Pinakothek der Moderne, München. Thomas Seelig ist Leiter der Fotografischen Sammlung am Museum Folkwang Essen.

Scheidegger & Spiess Frühjahr 2020

9


SOHO, MANHATTAN 5/20/1981

20

MANHATTAN 5/20/1981

21

ROCKPOINT PARK, LAKE ERIE 6/10/1981

62

VERMONT 5/30/1981

26

PORT DOVER 6/11/1981

63

VERMONT 5/30/1981

27

FAST FOOD, ST. LOUIS 6/15/1981

76

FAST FOOD, ST. LOUIS 6/15/1981

77

Fotografische Experimentierlust: Simone Kappelers Amerika-Roadtrip als Akt der Befreiung

ELK CITY, OKLAHOMA 6/23/1981

96

ELK CITY, OKLAHOMA 6/23/1981

97

ELK CITY, OKLAHOMA 6/23/1981

100

TRAIL DRIVE IN THEATRE, AMARILLO, TEXAS 6/24/1981

101

WHITE SANDS 6/28/1981

110

ALAMOGORDO 6/28/1981

111


Fotografien von Simone Kappeler

Erstmalige Publikation von Simone Kappelers Amerika-Bildern von 1981

Mit einem Text von Peter Pfrunder In Zusammenarbeit mit Codax Publisher, Verlagsplattform für Fotokunst

Dokumentiert die Wiederbe­ gegnung der Fotografin mit ihrer eigenen Sicht auf Amerika von 1981

Gestaltet von Markus Bosshard und Jürg Trösch

Simone Kappeler zählt zu den profiliertesten Foto-Künstlerinnen der Schweiz

Gebunden ca. 210 Seiten, ca. 250 farbige und sw Abbildungen 24 × 34 cm 978-3-85881-679-5 Deutsch / Englisch ca. sFr. 69.– | € 68.– Erscheint im Februar 2020

ISBN 978-3-85881-679-5

9

783858 816795

Simone Kappeler – America 1981

Ende der 1970er-Jahre rebelliert die Jugend in Zürich, eine ganze Generation sucht das «Neue». Die Fotografin Simone Kappeler lässt 1981 die helvetische Enge hinter sich und bricht zu einem Roadtrip nach Amerika auf: die Autoreise als Akt der Befreiung. Im Gepäck hat sie neben einer Hasselblad und einer Kleinbildkamera auch eine Polaroidkamera, mit der sie spontan und unbeschwert fotografieren kann. Auf der Reise ergänzt sie die Ausrüstung durch viele Billigkameras. Schnappschussartige Bilder entstehen, skizzenhaft und beiläufig, unbefangen, direkt und hemmungslos. Was zählt, ist der Augenblick, das unmittelbare und sinnliche Erlebnis, das Lied der Sehnsucht nach Freiheit und Unabhängigkeit. Erst 35 Jahre später beginnt Kappeler, das ganze Material zu sichten und neu zu interpretieren. Die für dieses Buch getroffene Bildauswahl und die Komposition der rund 250 wiedergegebenen Bilder offenbaren trotz Experimentierfreude eine konsistente Haltung und künstlerische Handschrift. Kappelers Blick auf Amerika von 1981 hat bis heute nichts von seiner Frische verloren. Simone Kappeler, geboren 1952, bildete sich nach einem Universitätsstudium von 1975 bis 1979 an der Schule für Gestaltung in Zürich (heute Zürcher Hochschule der Künste ZHdK) zur Fotografin aus. Sie lebt und arbeitet als freischaffende Künstlerin in Zürich. Peter Pfrunder ist Direktor der Fotostiftung Schweiz in Winterthur.

Scheidegger & Spiess Frühjahr 2020

11


Ein Jahrhundert Elefantentradition im Schweizer National-Circus Knie


Herausgegeben von Franco Knie und Kurt Müller

Für Generationen gehörten die Knie-Elefanten und ihre Auftritte in der Manege und ihre Märsche durch Städte und Städtchen der Schweiz fest zum Jahresablauf

Mit einem Geleitwort von Franco Knie, einem Vorwort von Stephan Hering-Hagenbeck und Texten von Kurt Müller

Das Buch lässt nostalgische ZirkusErinnerungen unzähliger Schweizerinnen und Schweizer aufleben und veranschaulicht die Entwicklung hin zu einer zeitgemässen Elefantenhaltung

In Zusammenarbeit mit Knies Kinderzoo, Rapperswil-Jona Gestaltet von Bonbon

Elefantenhaltung und -zucht sowie das Engagement für den Schutz wildlebender Elefanten des Circus Knie geniesst in Fachkreisen grosse Anerkennung

Broschur ca. 200 Seiten, ca. 120 farbige und sw Ab­bildungen 17 × 23 cm 978-3-85881-677-1 Deutsch ca. sFr. 49.– | € 48.–

Die Haltung von Wildtieren in Zoos und Zirkussen ist gleichzeitig ein weitherum zunehmend kontrovers diskutiertes Thema

Erscheint im März 2020 ISBN 978-3-85881-677-1

9

783858 816771

100 Jahre Knie-Elefanten Geschichte und Perspektiven der Elefantenhaltung in Wort und Bild

Die Elefantenauftritte des 1919 gegründeten Schweizer National-Circus Knie gehören zu manch einer Kindheitserinnerung. Seit seinen Anfängen sind die Dickhäuter fester Bestandteil des Showrepertoires. Mit der Entscheidung von 2015, die Elefanten aus dem Programm zu nehmen und sie stattdessen in den grosszügigen Elefantenpark Himmapan in Knies Kinderzoo, Rapperswil-Jona zu integrieren, ging eine Ära zu Ende. Das sorgfältig gestaltete Buch zum Jubiläum zelebriert noch einmal die Elefantentradition im Circus Knie und lässt so all die nostalgischen Erinnerungen aufleben. In historischen Bildern, bunten Zirkusplakaten, Seiten aus den Programmheften und Fotoporträts der Elefanten und Tierlehrer wird die Geschichte der Elefanten von 1920 bis 2020 und damit die Geschichte dieses weit bekannten Generationenbetriebs erzählt. Das Buch wirft derweil auch einen Blick in die Zukunft: Textbeiträge informieren über die heutige, zeitgemässe und möglichst artgerechte Elefantenhaltung und das damit verbundene Thema Elefantenschutz. Kurt Müller ist Kurator für den Zirkuszoo und Knies Kinderzoo in Rapperswil-Jona.

Scheidegger & Spiess Frühjahr 2020

13


Alles fährt Ski: Das Postkarten­buch illustriert auf heitere Weise die rasante Entwicklung des Skisports seit den 1950er-Jahren Weiterhin lieferbar:

Schöne Berge 978-3-85881-585-9 Deutsch sFr. 24.– | € 24.– ISBN 978-3-85881-585-9

9

783858 815859

Bikini in den Bergen 978-3-85881-481-4 Deutsch sFr. 24.– | € 24.– ISBN 978-3-85881-481-4

Kerbhölzer, Knochenschlitten, Kuhherden 978-3-85881-501-9 Deutsch ISBN 978-3-85881-501-9 sFr. 24.– | € 24.–

9

783858 815019

9

783858 814814


Herausgegeben vom Alpinen Museum der Schweiz

40 heitere und zum Nachdenken anregende Bilder aus sieben Jahrzehnten Skikultur auf Postkarten zum Heraustrennen und Verschicken

Mit Beiträgen von Beat Hächler, Sepp Odermatt, Christian Rohr und Stefan Hächler

Mit vier Begleittexten, die den rasanten Aufstieg des Skifahrens als Freizeitbeschäftigung nachzeichnen

Gestaltet von 2xGoldstein 40 farbige und sw Postkarten zum Heraustrennen und Textheft mit 24 Seiten zusammen in Fest­ einband 12,5 × 16,5 cm 978-3-85881-668-9 Deutsch ca. sFr. 24.– | € 24.–

Erscheint zur Ausstellung Fund­ büro für Erinnerungen. Nr. 1: Ski­ kultur im Alpinen Museum der Schweiz (16. Februar 2020 bis 14. Februar 2021)

Erscheint im Februar 2020 ISBN 978-3-85881-668-9

9

783858 816689

Schnee von gestern Fundstücke zur Skikultur. Ein Postkartenbuch

Was verbindet man mehr mit der Schweiz als Ski! Dieser Tatsache widmet sich der nunmehr vierte Band der beliebten Postkartenbücher, herausgegeben vom Alpinen Museum der Schweiz. Ganz nach der Devise «Alles fährt Ski» bietet Schnee von ges­ tern auf 40 Bildern und anhand von drei Begleittexten einen vielfältigen Einblick in die Sammlung des Museums, die zahlreiche Objekte rund um das Thema Ski sowie Fotografien aus dem Fotoarchiv der Kunstanstalt Brügger, Meiringen (1878–1994), umfasst. Die Kunstanstalt war auf Werbe- und Auftragsfotografie in den Bereichen Tourismus, Hotellerie und Gastronomie spezialisiert und dokumentiert mit ihren Fotografien die rasante Entwicklung der Ski-Freizeitkultur von ihren Anfängen bis zu ihrer Etablierung als Breitensport ab den 1950er-Jahren. Beat Hächler ist seit 2011 Direktor des Alpinen Museums in Bern. Stefan Hächler ist seit 2010 Sammlungskurator im Alpinen Museum der Schweiz. Sepp Odermatt ist Ski-Kommentator beim Schweizer Fernsehen SRF und Direktor a. i. von Seilbahnen Schweiz. Christian Rohr ist Professor für Umwelt- und Klimageschichte am Historischen Institut der Universität Bern sowie Mitglied des Oeschger Centre for Climate Change Research in Bern.

Scheidegger & Spiess Frühjahr 2020

15


KĂźnstlerische und wissenschaftliche Antworten auf existenzielle globale Herausforderungen


Mit Beiträgen von Nadine Olonetzky, Gabriela SchaepmanStrub, Konrad Steffen, Thomas Stocker und Benedikt Wechsler

Eine künstlerische Reflexion über den Klimawandel am Beispiel der rasch abschmelzenden Gletscher in den Alpen und auf Grönland

Gestaltet von HübnerBraun

Texte renommierter Wissen­ schaftler vermitteln den gegenwärtigen Stand der Klima- und Gletscherforschung in einer für Laien zugänglichen Sprache

Broschur 272 Seiten, ca. 137 farbige und sw Abbildungen 24 × 32 cm 978-3-85881-665-8 Deutsch / Englisch / Grönländisch ca. sFr. 65.– | € 58.–

Beleuchtet aktuelle künstlerische Bewegungen im Kontext der globalen Klimadebatte Erscheint zu den Ausstellungen Martin Stützle und Fridolin Walcher – Des Gletschers Kern im Kunsthaus Glarus (12. Januar bis 1. März 2020) und Grönland 1912 im Landesmuseum Zürich (6. Februar bis 13. April 2020)

Erscheint im Januar 2020 ISBN 978-3-85881-665-8

9

783858 816658

Martin Stützle, Fridolin Walcher

The Glacier’s Essence Grönland – Glarus: Kunst, Klima, Wissenschaft Die Gletscher in den Alpen und auf Grönland schmelzen seit Jahrzehnten. Die globale Erwärmung beschleunigt ihren Schwund in alarmierendem Ausmass. Der Schweizer Geophysiker Alfred de Quervain (1879–1927) vermass als Erster den Glarner Claridengletscher und führte 1909 und 1912 bedeutende Forschungsexpeditionen nach Grönland durch. Glarus und Grönland: Der Künstler Martin Stützle und der Fotograf Fridolin Walcher machten die Glarner Gletscher zum Thema ihrer Werke und begleiteten im Mai 2018 Schweizer Umweltwissenschaftler auf einer neuen Grönlandexpedition. Ihre Fotografien, Radierungen und Performances entstanden vor dem Hintergrund wissenschaftlicher Fakten, sprechen jedoch die Sinne und Gefühle direkt an. The Glacier’s Essence präsentiert die Essenz von Gletscherkernbohrung und Kunst und nimmt de Quervains Faden auf: Im Anschluss an ein Vorwort von Benedikt Wechsler, Schweizer Diplomat und Mitinitiator der Expedition von 2018, geben die Geografin und Evolutionsbiologin Gabriela Schaepman-Strub, der Glaziologe Konrad Steffen und der Klima- und Umweltphysiker Thomas Stocker Einblick in den neusten Stand ihrer Forschung. Die Kunstpublizistin Nadine Olonetzky beleuchtet Martin Stützles und Fridolin Walchers Arbeiten und die aktuelle Bewegung der Klimakunst. Martin Stützle bildete sich an der Schule für Gestaltung Bern aus und hat eine Lehre als Steinmetz absolviert. Er lebt und arbeitet als freischaffender Künstler in Ennenda im Kanton Glarus. Fridolin Walcher ist als freiberuflicher Fotograf tätig. Er lebt in Nidfurn, Kanton Glarus.

Scheidegger & Spiess Frühjahr 2020

17


p. 239

p. 400

Pres. No.5

p. 245

[scene] III.V fleeing in a helicopter with the nuclear briefcase

p. 158

p. 196

Pres. No.49

Pres. No.26

Pres. No.50

Pres. No.29

Pres. No.53

Pres. No.30

Pres. No.55

Pres. No.31

Pres. No.67

p. 111

[scene] III.IX looking at a spaceship in a lab

Pres. No.7

p. 260

p. 419

p. 200

[scene] III.X talking to a highranking officer as a hologram

p. 179

p. 79

p. 358

p. 404

p. 359

p. 54

Pres. No.151

115

Pres. No.128

114

getting out of Air Force One

getting out of Air Force One Pres. No.142

Pres. No.117

Part B

Part B

Pres. No.79

drinking water

Pres. No.19

87

86 Pres. No.129

Part B

Pres. No.153

Pres. No.61

drinking through a straw

Pres. No.79

Pres. No.25

drinking milk

bloodied

bloodied Pres. No.148

Part B

Part B

Part B

Pres. No.117

75

74

21

20 Pres. No.98

Pres. No.26

Von keiner realen öffentlichen Figur gibt es mehr fiktionale Repräsentationen als vom amerikanischen Präsidenten

139

138

Pres. No.97

Pres. No.158

Part B

Pres. No.24

Part B

Pres. No.79

Part B

Part B

Pres. No.23

Pres. No.22

p. 427

p. 200

Pres. No.70

Pres. No.47

p. 218

p. 414

Pres. No.23

Pres. No.12

p. 310

p. 124

[scene] III.VI in a meeting with the officer who is carrying the nuclear briefcase in a bunker being briefed with confidencial files talking to an inmate

Pres. No.39

behind their desk in the Oval Office, talking to the staff

p. 123

Pres. No.11

Part B

[scene] III.VIII in the Oval Office talking to her staff incredulous reading files greeting foreign politicians in a video conference working on a computer drinking alcohol

behind their desk in the Oval Office, talking to the staff

[scene] III.IV figthing with a lightsaber with an alien

Part B

p. 360

Pres. No.2

The Alien [type three]

p. 227

Part A

The Alien [type three]

p. 325

[scene] III.VII in bed with her husband talking to her husband

Part A

[scene] III.III threatened with a weapon screaming

p. 372

injured

injured

in a helicopter

in a floating fridge

Pres. No.98

Pres. No.109

Pres. No.39

Pres. No.87

Pres. No.113

Pres. No.120

in a helicopter

Pres. No.61

Pres. No.56

Pres. No.93

Pres. No.148

Pres. No.153

247

246

197

196


Herausgegeben von Ludovic Balland und Julia Blume

Ein visuelles Kompendium von sechs fiktionalen Typologien des US-Präsidenten in 241 Kategorien der Darstellung

Mit einem Essay von Teresa Rudolf In Zusammenarbeit mit dem Institut für Buchkunst der HGB Leipzig

Ein höchst origineller Zugang zum einstmals mächtigsten und immer noch faszinierendsten öffentlichen Amt der Welt und seiner fiktionalen Darstellung

Gestaltet von Lea Michel Broschur ca. 448 Seiten, ca. 1881 farbige Ab­bildungen 16,5 × 23 cm 978-3-85881-858-4 Englisch ca. sFr. 39.– | € 38.–

Ein Führer durch mehr als fünfzig Jahre Film- und TV-Geschichte aus spezieller Perspektive

Erscheint im April 2020 ISBN 978-3-85881-858-4

9

783858 818584

Lea Michel

The President of the United States of America in Motion Pictures, Series, and TV Movies 164 Presidents in 1881 Illustrations Sorted in 241 Categories Lea Michels Buch richtet seinen Fokus auf die in der modernen westlichen Filmgeschichte wohl am häufigsten dargestellte Figur: den amerikanischen Präsidenten. An insgesamt 164 verschiedenen fiktiven Präsidenten und Präsidentinnen (erstmals 1964 in Kisses for my President) aus Filmen und Serien wie Dr. Strangelove, Independence Day oder House of Cards dekliniert das Bildkompendium das Handlungsspektrum der ehemals wichtigsten Person der Welt – händeschüttelnd, hinter oder vor dem Tisch im Oval Office, aus der Limousine ein- oder aussteigend, im Bademantel. Sechs Präsidenten-Typologien – Father & Husband, Villain, Alien, Clown, Hero, Lover – in 241 Unterkategorien, wie «shaking hands», «looking shocked at a screen» oder «in a video conference with a terrorist», führen das Repetitive, bisweilen Absurde in den Handlungen der (Bildschirm-)Präsidentinnen und -Präsidenten vor und hinterfragen – in der Amtszeit eines Präsidenten, der massiv von der medialen Vermarktung für seine Popularisierung Gebrauch macht – die gegenseitige Beziehung von Fiktion und Realität. Lea Michel studierte Grafikdesign an der Hochschule für Grafik und Buchkunst Leipzig. Aktuell ist sie Unterrichts- und Leitungsassistentin an der ZHdK und ist als selbstständige Grafikerin in Zürich sowie als Teil des Studio HOMI tätig.

Scheidegger & Spiess Frühjahr 2020

19


Radikale Positionen: 35 aufstrebende internationale Fotografinnen und Fotografen im Fokus


Herausgegeben von Lydia Dorner und Pauline Martin

Analysiert Tendenzen und aktuelle Themen der zeitgenössischen Fotografie weltweit

Mit einem Vorwort von Tatyana Franck und Beiträgen von Lydia Dorner und Pauline Martin

Brennende gesellschaftliche Fragen wie Umweltschutz, Gleichstellung, digitale Herausforderung und wirtschaftliche Existenzsicherung bilden sich auch im Schaffen junger Künstlerinnen und Künstler ab

In Zusammenarbeit mit dem Musée de l’Elysée, Lausanne Gestaltet von Camille Sauthier

Erscheint zur gleichnamigen Ausstellung im Musée de l’Elysée, Lausanne (27. Mai bis 6. September 2020)

Gebunden ca. 220 Seiten, ca. 150 farbige Abbildungen 22 × 30 cm 978-3-85881-857-7 Englisch / Französisch ca. sFr. 59.– | € 58.– Erscheint im Mai 2020 ISBN 978-3-85881-857-7

9

783858 818577

reGeneration4 The Challenges of Photography and its Museum for Tomorrow

Nach den drei Ausgaben von 2005, 2010 und 2015 untersucht reGeneration4 des Musée de l’Elysée in Lausanne die Tendenzen fotografischer Produktionen der letzten fünf Jahre und stellt Perspektiven in der Fotografie in Aussicht. Vorgestellt werden Arbeiten von insgesamt 35 internationalen aufstrebenden Künstlerinnen und Künstlern. Gleichzeitig befragte das Museum die ehemaligen reGeneration-Fotografinnen und -Foto­grafen zu ihren individuellen künstlerischen Entwicklungen. Umweltschutz, Gleichstellung, digitale Herausforderung und wirtschaftliche Existenzsicherung: Diese vier Themenkomplexe beschäftigen sie inhaltlich und in ihrer Praxis besonders. Buch und Ausstellung präsentieren und vertiefen die Einblicke und stellen sie den Arbeiten der für reGeneration4 ausgewählten Fotografen gegenüber. Neben einer umfassenden Einleitung konzentrieren sich kurze Texte auf die zahlreich abgebildeten Fotografien der vierten reGeneration-Ausgabe. Pauline Martin ist leitende Ausstellungskuratorin am Musée de l’Elysée, Lausanne. Lydia Dorner ist Assistenzkuratorin am Musée de l’Elysée, Lausanne.

Scheidegger & Spiess Frühjahr 2020

21


Tis DVD is fo

r priv

ate v

iew

ing

onl

ya

nd

it is

pr

ot

ec

te

d

by

co

py

rig

ht .A ll

rig hts re se

Architektur der Unendlichkeit

ihn ausüben. Diese ziehen ihn an und interessieren ihn emotional, weil sie ihn persönlich ansprechen. Der Mensch, der eine Kirche betritt, will zur Ruhe kommen. Seine Stimmungen sollten ausschwingen und dann von der Atmosphäre des Raums aufgefangen werden. Der Besucher sucht zunächst sich selbst, seine Geschichte, seine Stimmungen und seine Fragen. Die Erweckung der eigenen Erfahrung ist die Voraussetzung für jegliches Tasten und Ringen über sich hinaus. Das Schweigen ist der Anfang des Fragens, die Leere ihr Grund. In sie hinein schwingt alles Bewegte und Gesehene aus. Auch die Zeit verlangsamt und dehnt sich hier. Im Schweigen taucht der Mensch in seinen Grund ein und sucht Stand im «ewigen Jetzt». Der leere, sakrale Raum gewährt hier – mitten in derart gefüllter Zeit – Einkehr und Halt. Er legt den Weg aus, auf dem sich die Frage als Sein entfaltet. Es ist die Frage als Frage. Auch sie gehört wie das Schweigen fundamental zum menschlichen Leben selbst. Nur wenn der Mensch sich selber fraglich wird, wenn er in sich hineinblickt und sich von sich selbst erlöst, kann er sich verstehen: an seinem Ort in Raum und Zeit, in der Frage nach sich selbst und in der nach seiner Freiheit. Der Mensch stellt Fragen, ohne sie auszusprechen. Er kann sie nicht umgehen, denn sein Leben selbst ist die Frage. Die Räume solcher Fragen werden im Film geöffnet. Peter Zumthor öffnet gleich zwei, die Feldkapelle und das Kolumba Museum. Mit der

rv

ed .P ub

lic perf

orm anc

Architecture of Infinity

es, b

roadc

astings a re prohibited.

A Film by Christoph Schaub Scheidegger & Spiess

Er spricht in seiner Muttersprache von den Erinnerungen an seine Kindheit, von seiner katholischen Erziehung, der Sonntagsmesse mit der Familie, der prägend geheimnisvollen Kirche in Matosinhos, seinem Geburtsort. Was ihn als Kind faszinierte, waren die hohen Fester seiner Heimatkirche. Später trat zu den eigenen Fragen etwas Neues hinzu, die eigene Gestaltung. Sie führte zu den weissen Kirchen, die das Werk bestimmen sollten, die offenen Plätze und die Innenräume mit ihren geradezu schwebenden Wänden. Andere Wege ist Peter Märkli gegangen. Schon vor seinen Reisen von Burgund an den Atlantik entdeckte er die romanischen Kirchen in der Saintonge, ihre Geschichte und Masse und Grammatik; ihr Sein in der Zeit, vom Aufriss zum ständigen Weiterbau bis zur Umkehr – in Einbruch, Ruinen, Brocken und Sand. Erde zu Erde, Asche zu Asche. Doch was er im Sinn hatte – der Weg über Proportionen zum Rhythmus, vom Bauen mit Steinen zu den Tönen und Gesetzen der Musik! Die eigene Grammatik der Architektur führte ihn auf seinen eigenen Weg von der Archaik ins Innere der Welt, ins Jetzt und Heute. Wir erfahren, wie dieser Architekt mit seinem Projekt von einer Zeit in die andere wandert. Das Ergebnis ist keine Kirche, es ist ein Raum, in dem Kunst ausgestellt wird. Aber es ist auch kein Museum. Es ist einfach ein Raum, virtuos verzweigt – eigens entstanden für die dauerhafte Präsentation vieler

in sich ruhender Figuren von Hans Josephsohn. Geballte Statik, dynamisiert von einem «Architekten der Zeit», vom Jazz-Schlagzeuger Jojo Mayer. Seine Performance lässt die Wände tanzen, erregt den Raum, emotionalisiert die Skulpturen, überführt das Sehen der Augen in massloses Staunen und in Farben, die man nur ganz persönlich sehen kann. Dieser Film konzentriert seine Bilder nicht auf die Dokumentation von Architektur, sondern offenbart seine Räume als schwebende Visualisierungen von Atmosphären. In sehr mattem, fast schon verlöschendem oder eben erst aufgehendem Licht zeigen sie sich im Ganzen, in Tiefenschärfe und feinsten Nuancen. Was Christoph Schaub in seinem Film erzählt und was er untersucht, das bringen seine Bilder ans Licht, sie entdecken neue Räume, innere Bilder. Sie überführt die persönliche Erregung von Architekten, Künstlern und Musikern zu freien Assoziationen. So eröffnen sie Blicke für eine tiefe Nachdenklichkeit. Alles Erleben wird so gewissermassen spiegelnd wie spielerisch in die Eigenwelt des Betrachters überführt, ins Erinnern wie ins Fantasieren, ins Errichten seiner eigenen Binnenwelt. Damit sind Architektur, Kunst, Musik und Tanz bei ihrer eigenen Sache angekommen: das Sehen umzukehren, den Sehenden auf sich selbst zu verweisen und eigene, masslos sakrale Räume zu öffnen.

level because they speak to him personally. Tose who enter a church are seeking a state of peace. Tey want their emotions to settle and be absorbed by the atmosphere of the space. At first, visitors seek themselves, their story, their moods, and their questions. Te awakening of one’s own experience is the precondition for any attempt—desperate or tentative—to reach beyond the self. Silence is where questioning begins; emptiness its foundation. All emotion, all that we have seen enters into it and draws to a halt. Even time slows down and begins to stretch in this space. Enveloped by silence, we immerse ourselves in our foundations and seek a place in the ‘eternal present’. Te empty, sacred space grants reflection and relief—in the midst of such densely packed time. It lays out the path on which the question unfurls as existence. It is the question qua question. Like silence, it too belongs fundamentally to human life itself. It is only when we begin to question ourselves, when we glimpse inside ourselves and release ourselves from ourselves that we can truly understand ourselves: our position within time and space, the question of who we are and what makes us free. As humans, we pose questions without uttering them aloud. We cannot avoid them, because our life itself is the question. Te film opens up the spaces for such questions. Peter Zumthor opens two of them: the Feldkapelle

and the Kolumba museum. With the Feldkapelle, he opens up a liminal space. He speaks of spaces that offer us protection and yet also create a feeling of expansiveness. Boundaries begin to dissolve and we gain a sense of the infinite. Zumthor’s small house of God reflects his vision of a meditative space in which we are left alone with ourselves. Te other space is the large Kolumba museum in Cologne, which stands on the site of the ruins of the old St. Columba parish church— a site rich in history. With its high ceilings, Zumthor gives voice to this history, which he stages in a very emotive manner, positioning the reconstruction of the building in its own light. In God’s light? In a mystical light? Te juxtaposition of both mysticism and questioning is the core of all of life’s energies—and yet its certainties are always fluctuating. Constantly alternating between question and answer, caught between knowledge and faith, forever broken by doubt, the human being traces the inner evidence of finitude, seeks to keep it alive in active contemplation, in silence, and in wordless questions. But can we find our way to such an atmosphere? In the film, the white walls of the Church of Santa Maria in Marco de Canaveses in the north of Portugal light up. Te church is the work of Alvaro Siza Vieira. In the voiceover, we hear how the space seems to dissolve as a clear boundary. Is the architect trying to make the infinite tangible? He speaks in his native

Jojo Mayer

Musiker, Schlagzeuger / Musician, drummer, New York, USA

Speaking Spaces. Christoph Schaubs Architecture of Infinity Friedhelm Mennekes

Friedhelm Mennekes is a Catholic theologian, priest, and art expert. He has written numerous books on questions of religion and art.

Cristina Iglesias

Born in 1963. A Swiss drummer residing in New York, who has worked with jazz greats such as Dizzy Gillespie, Nina Simone and John Zorn. He has his own band called “NERVE”.

Geboren 1956. Eine spanische Installationskünstlerin und Bildhauerin, die in Torrelodones, Madrid lebt und arbeitet. Sie arbeitet mit vielen Materialien, darunter Stahl, Wasser, Glas, Bronze, Bambus, Stroh. Born in 1956. A Spanish installation artist and sculptor, who lives and works in Torrelodones, Madrid. Her work is comprised of a variety of materials, including steel, water, glass, bronze, bamboo and straw.

Artists like Eduardo Chillida (1924– 2002) distinguish between geometric spaces and artistic spaces. Te latter is the very thing that we as humans need in order to envision and discover ourselves. Each of us has to design, construct, and furnish this space for ourselves. To begin with, this artistic space is a site where certain things appear: the volumes, the walls, and the objects that demarcate the space. Between and within these elements is emptiness. Te formal purpose of the space is revealed by the activity of people, that is, by their intentional interaction with it. Sacred space differs from this kind of artistic space—it is a hallowed site of reflection. I would like to mention three of its dimensions in terms of the functions of the space: it ‘carries us away’, it gathers, and it excites. Human beings need these kinds of sites—ones that offer a chance to escape the acoustic and visual noise of everyday life—and enter a space where silence reigns and where it is possible to truly listen and to experience one’s inner reality. In this space, we can retreat within ourselves, in silent contemplation, and distance ourselves from the outside world. In his new film about sacred spaces, Christoph Schaub uses a broad definition of architecture. Above all, he seeks to understand sacred spaces in terms of their effect, focussing his attention on the fascination that churches inspire in him. Tey appeal to him and interest him on an emotional

Eine filmische Reise durch Zeit und Raum: Christoph Schaub erkundet mit der Kamera das Wesen der Spiritualität in der Architektur

James Turrell

Peter Märkli

Geboren 1943. Der wichtigste amerikanischer Land-Art- und LichtKünstler. Er setzt sich in seinem reichen Schaffen hauptsächlich mit dem Verhältnis von Raum und Licht auseinander.

Geboren 1953. Studium an der ETH Zürich. Von 2002–2015 bekleidet er eine Professur an der ETH Zürich. Seit 2013 Visiting Professor an der MARCH School of Architecture in Moskau. Er führt sein eigenes Büro in Zürich.

Künstler /Artist, Flagstaff, USA

Architekt /Architect, Zürich, CH

Künstlerin /Artist,Madrid, ES

Geboren 1963. Ein in New York lebender Schweizer Schlagzeuger, der unter anderem mit Jazzgrössen wie Dizzy Gillespie, Nina Simone und John Zorn arbeitete. Hat seine eigene Band «NERVE».

Kapelle öffnet er eine Schwellensituation. Er spricht von Räumen, die uns Schutz geben und gleichzeitig ein Gefühl von Weite schaffen. So entstehe eine Entgrenzung, eine Ahnung für das Endlose. Zumthors kleines Gotteshaus entspricht seiner Vorstellung von einem meditativen Raum, in dem man auf sich selber zurückgeworfen wird. Der andere Raum ist das grosse Kolumba Museum in Köln. Es steht auf dem Ruinenfeld der alten Pfarrkirche zur heiligen Kolumba, ein Ort, beladener mit Geschichte. Zumthor bringt sie zum Sprechen mit einer hohen Überdachung. Er inszeniert sie sehr emotional, die Rekonstruktion des Bauwerks in einem eigenen Licht. In Gottes Licht? In mystischem Licht? Das Nebeneinander von beidem, Mystik und Fragen, ist der Kern aller Energien für das Leben – und bleibt doch in den Gewissheiten schwankend. Im ständigen Wechsel von Frage und Antwort, eingespannt zwischen Wissen und Glauben, dauernd gebrochen im Zweifel, konturiert der Mensch die innere Evidenz des Letzten, sucht sie in gefüllter Einkehr, im Schweigen und in wortlosen Fragen wach zu halten. Doch findet er zu solchen Atmosphären? Schon leuchten im Film die weissen Wände der Kirche Santa Maria in Marco de Canaveses im Norden Portugals auf. Sie stammt von Alvaro Siza Vieira. Aus dem Off hört man, wie sich der Raum als klare Begrenzung aufzulösen scheint. Versucht der Architekt hier das Unendliche spürbar zu machen?

Born in 1943. Te most prominent Land Art and Light artist in the U.S. His rich body of work predominantly deals with the relationship between space and light.

Born in 1953. Studied at the ETH in Zurich. From 2002-20015, he worked as a professor at the ETH Zurich. Since 2013, Visiting Professor at the MARCH School of Architecture in Moscow. He runs his own architectural firm in Zurich.


Gestaltet von Hi – Visuelle Gestaltung (Megi Zumstein)

Ein neuer thematischer Film über Architektur des renommierten Schweizer Regisseurs Christoph Schaub

DVD mit Begleitbuch in Festeinband Film in Originalfassung mit Untertiteln Deutsch, Englisch und Französisch total 85 Min., farbig

Mit den Architekten Peter Zumthor, Peter Märkli und Álvaro Siza Vieira, dem Musiker Jojo Mayer und den Kunstschaffenden James Turrell und Cristina Iglesias

Begleitbuch mit Text Deutsch und Englisch, ca. 24 Seiten 14 × 19,5 cm 978-3-85881-916-1 sFr. 39.– | € 39.–

Das Begleitbuch bietet einen Text des Theologen und Kunstsachverständigen Friedhelm Mennekes SJ sowie ein Interview mit Christoph Schaub

Lieferbar ISBN 978-3-85881-916-1

9

783858 819161

Architektur der Unendlichkeit Die Magie sakraler Räume. Ein Film von Christoph Schaub

Zeitlichkeit wohnt jedem Ding und Wesen inne und transzendiert, je nach Anschauung, ins Unendliche. Wie kann ein solches Phänomen in Bilder übersetzt werden? In seinem Film setzt Christoph Schaub in einer persönlichen Reise durch Zeit und Raum bei seiner Kindheit an, als seine Faszination für sakrale Bauwerke und sein Staunen über Anfang und Ende begannen. Gemeinsam mit den Architekten Peter Zumthor, Peter Märkli und Álvaro Siza Vieira, den Kunstschaffenden James Turrell und Cristina Iglesias und dem Schlagzeugvirtuosen Jojo Mayer ergründet Schaub die Magie sakraler Räume, deren Definition hier weit über kirchliche Bauten hinausgeht. Architektur der Unendlichkeit sucht Spiritualität in Bau- und bildender Kunst, aber auch in der Natur und hebt sie über Denkgrenzen hinaus. Eine leicht schwebende Kamera lässt uns eintauchen in traumwandlerische Bilder, nimmt uns mit auf eine (be-)sinnliche Reise in räumliche Weiten, führt unseren Blick in die Unendlichkeit des Sternenhimmels und in die Tiefe des Meeres. Christoph Schaub, geboren 1958, ist einer der wichtigsten Schweizer Filmregisseure. Zu seinen bekanntesten Werken zählen der Spielfilm Giulias Verschwinden (2009) und seine Dokumentarfilme zum Thema Architektur wie Peter Zumthor spricht über seine Arbeit (2017) oder Bird’s Nest – Herzog & de Meuron in China (2008).

Scheidegger & Spiess Frühjahr 2020

23


Herausgegeben von Giuliana Altea und Antonella Camarda

Untersucht die Freundschaft zwischen dem italienischen Künstler Costantino Nivola und Le Corbusier

Mit Beiträgen von Richard Ingersoll und Marida Talamona

Fördert das Verständnis der Entwicklung von Le Corbusiers bildnerischem Schaffen und dessen Ein­f luss auf die Rezeption seines architektonischen Werks in Amerika

In Zusammenarbeit mit dem Museo Nivola, Orani Gestaltet von Studio Incipit, Mailand Gebunden ca. 184 Seiten, ca. 125 farbige und 25 sw Abbildungen 22 × 28 cm 978-3-85881-848-5 Englisch 978-3-85881-853-9 Italienisch ca. sFr. 39.– | € 38.–

Eine Freundschaft trägt Früchte: Der sardische Künstler Costantino Nivola trug eine stattliche Sammlung an Werken seines Freundes Le Corbusier zusammen

Erscheint im Januar 2020 ISBN 978-3-85881-848-5

Englisch

9

783858 818485 ISBN 978-3-85881-853-9

Italienisch

9

783858 818539

Le Corbusier Lessons in Modernism

Le Corbusier und Costantino Nivola lernten sich 1946 in New York kennen, wo der aus Sardinien stammende Plastiker seit 1939 im Exil lebte. Le Corbusier arbeitete zu der Zeit zusammen mit einem Team rund um den Brasilianer Oscar Niemeyer am Projekt für das UNO-Hauptquartier. Aus der Begegnung entstand eine lebenslange Freundschaft zwischen dem Architekten und dem Künstler, in deren Verlauf Nivola eine Sammlung von 300 Zeichnungen, sechs Gemälden und sechs Skulpturen Le Corbusiers zusammentrug. Dieses Buch erläutert die Geschichte der Sammlung und deren Bedeutung. Es fördert damit ein besseres Verständnis für die Entwicklung von Le Corbusiers bildnerischem Schaffen und für dessen Einfluss auf die Rezeption seines architektonischen Werks in Amerika. Giuliana Altea ist Professorin für zeitgenössische Kunstgeschichte an der Universität in Sassari und Präsidentin der Fondazione Nivola in Orani, Sardinien. Antonella Camarda forscht über Kunstgeschichte an der Universität in Sassari und ist Direktorin des Museo Nivola in Orani, Sardinien.

Scheidegger & Spiess Frühjahr 2020

24


Herausgegeben vom Kunsthaus Zürich

Stellt die am wenigsten bekannte Figur der Künstlerfamilie Giacometti ins Zentrum

Mit einem Essay von Casimiro Di Crescenzo

Zeigt Ottilia und ihren Sohn Silvio Giacometti im Spiegel ausgewählter Werke von Giovanni und Alberto Giacometti

Gestaltet von Sabine Hahn Broschur ca. 128 Seiten, ca. 50 farbige und 50 sw Abbildungen 17 × 23,5 cm 978-3-85881-672-6 Deutsch ca. sFr. 25.– | € 25.–

Erscheint zur gleichnamigen Ausstellung im Kunsthaus Zürich (7. Februar bis 3. Mai 2020)

Die unbekannte Schwester: Ottilia Giacometti in Gemälden, Zeichnungen und Skulpturen von ihrem Vater Giovanni und ihrem Bruder Alberto verewigt

Erscheint im Februar 2020 ISBN 978-3-85881-672-6

9

783858 816726

Ottilia Giacometti – Ein Porträt Werke von Giovanni und Alberto Giacometti

Ottilia Giacometti, Schwester von Alberto, Diego und Bruno Giacometti, ist die am wenigsten bekannte Figur der Künstlerfamilie. Fast dreissig Jahre nach der der gemeinsamen Mutter Annetta gewidmeten Ausstellung La mamma a Stampa rückt das Kunsthaus Zürich nun Ottilia in den Fokus, die bereits mit 33 Jahren bei der Geburt ihres Sohnes Silvio 1937 verstarb. In rund 70 Gemälden, Zeichnungen und Skulpturen des Vaters Giovanni und des ältesten Bruders Alberto Giacometti skizzieren Ausstellung und Buch ein facettenreiches Porträt Ottilias als Kind, Jugendliche und junge Frau. Diesen Werken werden Bildnisse Silvios zur Seite gestellt, die zwischen 1937 und 1944 von Alberto Giacometti angefertigt wurden. Ergänzt wird die Bilderschau durch einen Essay des Giacometti-Experten Casimiro Di Cres­cenzo und eine Auswahl unveröffentlichter Dokumente. Casimiro Di Crescenzo ist freischaffender Kunsthistoriker und lebt in Venedig.

Scheidegger & Spiess Frühjahr 2020

25


Equilibre: Mit diesem Bild definierte sich die grosse Avantgardistin Sophie Taeuber-Arp als Malerin

Weiterhin lieferbar:

Sophie Tauber-Arp Heute ist Morgen 978-3-85881-432-6 Deutsch 978-3-85881-757-0 Englisch sFr. 59.– | € 58.–


Herausgegeben von Angelika Affentranger-Kirchrath

Eine fundierte Studie zu diesem Schlüsselwerk im Schaffen Sophie Taeuber-Arps, einer der wichtigsten Künstlerinnen der abstrakten Moderne

Gestaltet von Arturo Andreani Gebunden ca. 96 Seiten, ca. 40 farbige Abbildungen 21,5 × 25 cm 978-3-85881-662-7 Deutsch / Englisch ca. sFr. 29.– | € 29.–

Die Reihe Schlüsselwerke der Schweizer Kunst findet nach einer Pause nun bei Scheidegger & Spiess ihre Fortsetzung

Erscheint im Februar 2020 ISBN 978-3-85881-662-7

9

783858 816627

Walburga Krupp

Sophie Taeuber-Arp – Equilibre Schlüsselwerke der Schweizer Kunst

Die Allround-Künstlerin Sophie Taeuber-Arp (1889–1943), für die der Begriff des Ge­ samtkunstwerks gelebte Realität war, begann ihre künstlerische Laufbahn mit textilen Gestaltungen, Perlarbeiten und Holzobjekten, bevor sie sich ganz der Malerei zuwandte. Das kleinformatige Gemälde Equilibre (1931) steht symbolhaft am Beginn dieser neuen Phase und verweist zugleich auf Vergangenes und Künftiges. Mit diesem Werk löste sich Taeuber-Arp von ihrer bildhaften Formensprache mit abstrakt-figurativen Elementen und einer reichen Farbigkeit. In der Folge entwickelte sie in der Konzentration auf Rechteck, Quadrat und Kreis und dezidiert gesetzte Farben ein vielfältiges Werk in Malerei, Relief und Zeichnung. Im vorliegenden Band geht Walburga Krupp auf die Schlüsselrolle dieses Werks ein. Sie zeigt anhand einer fundierten Studie auf, inwiefern Equilibre nicht nur auf den Bildcharakter früherer Arbeiten verweist, sondern darüber hinaus auch einen Ausblick auf die künstlerischen Themen der Folgejahre birgt. Walburga Krupp war lange Jahre Kuratorin der Stiftung Hans Arp und Sophie Taeuber-Arp e.V. in Rolandseck. Sie ist Mitherausgeberin der 2020 erscheinenden Briefedition Sophie Taeuber-Arps und Co-Kuratorin der grossen Retrospektive der Künstlerin, die im Herbst 2020 im New Yorker MoMA gezeigt wird, mit weiteren Stationen im Kunstmuseum Basel und in der Tate Modern, London.

Scheidegger & Spiess Frühjahr 2020

27


RĂźschegg: Wendepunkt in Motivik und kĂźnstlerischen Verfahren im Schaffen des grossen Fotorealisten


Gestaltet von Arturo Andreani

Eine fundierte Studie zu diesem Schlüsselwerk im Schaffen Franz Gertschs

Gebunden ca. 96 Seiten, ca. 40 farbige Abbildungen 21,5 × 25 cm 978-3-85881-663-4 Deutsch / Englisch ca. sFr. 29.– | € 29.–

Franz Gertsch ist einer der wichtigsten Schweizer Künstler der Gegenwart und weltweit stark beachteter Vertreter des Fotorealismus Die Reihe Schlüsselwerke der Schweizer Kunst findet nach einer Pause bei Scheidegger & Spiess ihre Fortsetzung

ISBN 978-3-85881-663-4 Erscheint im Februar 2020

9

Erscheint pünktlich zum 90. Geburtstag des Künstlers

783858 816634

Erscheint zur Ausstellung Franz Gertsch: Die Siebziger im Museum Franz Gertsch in Burgdorf (21. März bis 16. August 2020) und im LENTOS Museum in Linz (2. Oktober 2020 bis 10. Januar 2021)

Angelika Affentranger-Kirchrath

Franz Gertsch – Rüschegg Schlüsselwerke der Schweizer Kunst

Rüschegg ist das erste Landschaftsmotiv, das der 1930 geborene Schweizer Künstler Franz Gertsch im Holzschnittverfahren ausgeführt hat. Nicht nur deswegen nimmt es eine Schlüsselrolle in seinem Schaffen ein. Nach seinem Umzug ins Bernische Schwarzenburgerland 1978 dauert es noch zehn Jahre, bis sich die neue ländliche Umgebung in seiner Kunst niederschlägt und er mit Rüschegg beginnt. Als Panoptikum von Franz Gertschs ganz eigener Naturvorstellung vereint dieses Schlüsselwerk somit bereits Vergangenes und noch Bevorstehendes innerhalb seines künstlerischen Schaffens. In diesem Band setzt sich Angelika Affentranger-Kirchrath ausführlich mit der besonderen Rolle von Rüschegg auseinander und zeigt auf, inwiefern sich darin frühere Arbeiten Gertschs widerspiegeln und zeitgleich bereits später entstandene Gemälde antizipiert werden. Das Buch gründet unter anderem auf einem persönlichen Gespräch zwischen dem Künstler und der Autorin. Angelika Affentranger-Kirchrath lebt und arbeitet in Zürich als freie Autorin, Kunstpublizistin und Kuratorin. Sie ist die Verfasserin der Werkmonografie Franz Gertsch – Die Magie des Realen, die 2004 im Benteli Verlag erschienen ist, und Kuratorin der Franz-Gertsch-Ausstellungen in Burgdorf und Linz.

Scheidegger & Spiess Frühjahr 2020

29


Herausgegeben von Ralph Gentner und Markus Jakob

Ein neuer Blick auf die bemerkenswerte moderne Architektur der Stadt Bern, jenseits der weltbekannten Altstadt

Mit Beiträgen von Markus Jakob, Ulrich Loock, Yorick Ringeisen und Dieter Schnell

Der erste Überblick über die Wohnbauten der frühen Moderne in Bern

Fotografien von Thomas Telley und Adrian Scheidegger

Schliesst eine Lücke in der Literatur über die Berner Architektur

Gestaltet von Sofie’s Broschur ca. 96 Seiten, ca. 120 farbige und 30 sw Abbildungen 16,5 × 24 cm 978-3-85881-635-1 Deutsch ca. sFr. 29.– | € 29.–

Ein Spaziergang durch Bern ausserhalb der berühmten Altstadt: Das erste Kompendium zur Architektur der 1930er-Jahre in den Berner Aussenquartieren

Erscheint im März 2020 ISBN 978-3-85881-635-1

9

783858 816351

Bern modern Berner Wohnbauten der 1930er Jahre in den Quartieren

Seit den späten 1920er-Jahren hielt eine zurückhaltende Moderne Einzug in den Berner Städtebau. Es entstanden Wohnhäuser, die einen Auftritt haben, ohne aufdringlich zu wirken. Sie strahlen eine gewisse Noblesse, auch eine Urbanität aus, die nach 1940 verloren ging. Diese Architektur spielt im Stadtbild eine wichtige Rolle, wurde indessen noch nie genau untersucht. Der vor Langem ausgewanderte Berner Autor Markus Jakob spürt den über dreissig Häusern spazierend nach, im Breitenrain, im Kirchenfeld, im Mattenhof, in der Länggasse und anderswo. Die Fotografen Thomas Telley und Adrian Scheidegger begleiten ihn mit unkonventionellen Aufnahmen. Das Buch wirft einen so liebevollen wie kritischen Blick auf die heutige Gestalt der Stadt. Als Kompendium der Wohnbauten der 1930er-Jahre ergänzt es die vorhandenen Dokumentationen über bekanntere Zeugnisse der Moderne in Bern, wie etwa Bauten von Otto Salvisberg oder Hans Brechbühler, die hier nur gestreift werden. Die Autoren tragen zu diesem vielschichtigen Bild der Berner Stadtteile bei, die authentische, charakterreiche Quartiere sind. Versucht wird nicht zuletzt, daraus auch Lehren und Perspektiven für die stadtplanerische Zukunft zu ziehen. Ralph Gentner, Architekt und Partner im Büro Atelier 5 in Bern. Herausgeber mehrerer Bücher über das Atelier 5 sowie des Bands Café du Commerce über das bekannte Berner Bohème-Restaurant. Markus Jakob, freier Autor, publiziert seit 1972 in zahlreichen Zeitungen und Zeitschriften, lebt seit 1984 in Barcelona. Autor und Co-Autor mehrerer Bücher über Bern und Barcelona, oft mit dem Schwerpunkt Architektur.

Scheidegger & Spiess Frühjahr 2020

30


Herausgegeben vom Kunsthaus Zürich

Veranschaulicht die bauliche Entwicklung des Kunsthaus Zürich

In Zusammenarbeit mit der Einfachen Gesellschaft KunsthausErweiterung

Erzählt höchst anschaulich die Architekturgeschichte des bald grössten Schweizer Kunstmuseums

Gestaltet von Stefan Hunziker Corti, Büro4 Broschur ca. 80 Seiten, ca. 70 farbige und sw Abbildungen sowie Pläne 19,2 × 23 cm 978-3-85881-676-4 Deutsch 978-3-85881-859-1 Englisch 978-3-85881-860-7 Französisch sFr. 19.– | € 19.–

Die spannende Entwicklung des Kunsthaus Zürich und seiner Vorläufer in den letzten 170 Jahren

Erscheint im Januar 2020 ISBN 978-3-85881-676-4

Deutsch

9

783858 816764 ISBN 978-3-85881-859-1

Englisch

9

783858 818591 ISBN 978-3-85881-860-7

Französisch

9

783858 818607

Benedikt Loderer

Die Baugeschichte des Kunsthaus Zürich 1910–2020 Mit der Eröffnung des Erweiterungsbaus des Kunsthaus Zürich, entworfen von David Chipperfield Architects Berlin, wird das Kunsthaus Zürich zum grössten Kunstmuseum der Schweiz. Bevor das Haus 2021 bezogen wird, blickt das Kunsthaus in diesem Buch nun auf die wechselvolle Geschichte der Liegenschaften zurück, die in Zürich seit Mitte des 19. Jahrhunderts als Kunsthäuser dienten. In chronologischen Kapiteln erzählt der Schweizer Architekturkritiker Benedikt Loderer die verschiedenen Etappen, bis das Kunsthaus 1910 am Heimplatz heimisch wurde, in einem Bau des berühmten Architekten Karl Moser. Seither wurde das Kunsthaus mehrfach ergänzt, und es gab zahlreiche Versuche zur visionären Gross-Erweiterung, bis das Kunsthaus mit dem Chipperfield-Bau nun endlich im 21. Jahrhundert Massstäbe setzen kann. Höchst anschaulich erzählt und mit vielen Bildern und neugezeichneten Plänen der verschiedenen Erweiterungsetappen seit 1910. Benedikt Loderer ist Mitgründer und war 25 Jahre lang Mitherausgeber der Architekturzeitschrift Hochparterre. Zudem ist er seit Jahrzehnten unter seinem Nom de guerre «Stadtwanderer» einer der bekanntesten Architektur- und Urbanismuskritiker der Schweiz.

Scheidegger & Spiess Frühjahr 2020

31


Mehr als nur Gestein: Kalk ist auf vielfältige Weise eine Grundlage der Bündner Baukultur und prägt das Handwerk bis heute


Herausgegeben von Myriam Gallo und Christof Rösch

Eine vielschichtige Auseinandersetzung mit Kalkgestein als natür­ licher Ressource und Baumaterial sowie als ästhetischem Gegenstand

In Zusammenarbeit mit der Fundaziun NAIRS Mit Beiträgen von Nott Caviezel, Ulrich Fritz, Myriam Gallo, Anne Krauter Kellein, Raimund Rodewald, Christof Rösch, George Steinmann und Carlo Vagnières

Beleuchtet die Verwendung von Kalk aus historischer, kultureller, ästhetischer und ökologischer Perspektive

Gestaltet von PIN (Samuel Bänziger, Rosario Florio und Larissa Kasper) Gebunden 106 Seiten, 116 farbige und 12 sw Abbildungen 24,5 × 32,5 cm 978-3-85881-671-9 Deutsch sFr. 39.– | € 38.– Erscheint im Januar 2020 ISBN 978-3-85881-671-9

9

783858 816719

Chalchera – Kalk in Transformation Natur, Handwerk und Kunst ausgehend von einem historischen Kalkofen im Engadin Ein historischer Kalkofen im Unterengadin bildet den Ausgangspunkt dieses Projekts der Fundaziun NAIRS, das sich auf vielfältige Weise dem Kalkgestein als natürlicher Ressource, Baumaterial und ästhetischem Gegenstand nähert. Der mit dem Ofen gewonnene Brandkalk bildet historisch eine wichtige Grundlage der Baukultur Graubündens. Handwerk ist immer auch eine Kulturtechnik – das bilden die Beiträge dieses Buchs ab. Neben der Geschichte des Kalkbrennens und der Rolle des Kalks innerhalb der Baugeschichte gehen die Texte auf weitere Anwendungen ein, etwa als Haarfärbemittel in der Antike oder als Desinfektionsmittel, sowie auf die heutige Verwendung in der Industrie und das Verhältnis von Mensch und Kalk. Ein Gespräch mit dem Künstler George Steinmann verortet die Bedeutung des Gesteins in der Debatte um Ökologie. Die kraftvolle Bildserie Intangible von Myriam Gallo schliesslich bildet die vielschichtige Natur im Farb- und Bewegungsspektrum des Kalkgesteins, von berstend zu erstarrt, ab. Myriam Gallo ist Kunstschaffende und hatte 2017 das Atelierstipendium an der Fundaziun NAIRS inne. Seit 2017 ist sie für die Kuration und Programmation des Berner Off-Space Sattelkammer hauptverantwortlich. Christof Rösch ist Direktor und künstlerischer Leiter der Fundaziun NAIRS. 2017 wurde er mit dem Bündner Anerkennungspreis für seine Arbeit als Architekt und Künstler sowie als Miterfinder und Leiter der Fundaziun NAIRS gewürdigt.

Scheidegger & Spiess Frühjahr 2020

33


Gestaltet von Teo Schifferli

Erste umfassende und reich illus­ trierte Studie zum zeichnerischen Werk Varlins

Broschur 132 Seiten, 130 farbige und 12 sw Abbildungen 18 × 23 cm 978-3-85881-664-1 Deutsch sFr. 39.– | € 38.–

Macht das breite Spektrum von Varlins Schaffen als Zeichner deutlich, das Skizzen, Studien, Karikaturen, Servietten- und Briefzeichnungen, Lithografien, Pinselzeichnungen und Collagen umfasst

Erscheint im Januar 2020 ISBN 978-3-85881-664-1

Reflektiert am Beispiel Varlins das Medium Zeichnung allgemein 9

783858 816641

Wo und wann immer Varlin unterwegs ist, zeichnet er Menschen: blitzschnell, überaus pointiert und schonungslos

Ulrich Binder

Varlin als Zeichner Varlin, 1900 in Zürich als Willy Guggenheim geboren und 1977 im bündnerischen Bondo verstorben, hat sich vor allem als Maler und Porträtist bekannter Persönlichkeiten wie Max Frisch, Friedrich Dürrenmatt oder Ernst Scheidegger und Hulda Zumsteg einen Namen gemacht. Sein zeichnerisches Schaffen hingegen blieb bisher weitgehend unbekannt. Skizzenbücher waren Varlins ständige Begleiter, in denen er seine Eindrücke festhielt und Bildkompositionen, Ausschnitte oder ungewöhnliche Blickwinkel erprobte. In den frühen Jahren entstanden akademische Studien und Aktzeichnungen, später sind es visuelle Satiren und Impressionen seiner Reisen, die sich in unzähligen Reisejournalen niederschlugen. Begleitet von zahlreichen Farbabbildungen nähern sich Ulrich Binders Texte dem grafischen Werk Varlins über dessen künstlerische Mittel, die von Feder und Kohle über Kugel- und Faserschreiber bis zu Servietten oder Kunstkatalogen als Träger seiner Zeichnungen reichen. Ulrich Binder ist seit 2007 Dozent und wissenschaftlicher Mitarbeiter an der Zürcher Hochschule der Künste. Als freier Autor und Kurator ist er mitverantwortlich für zahlreiche Ausstellungen und Publikationen.

Scheidegger & Spiess Frühjahr 2020

34


Herausgegeben von Christoph Vögele

Erste Publikation zu Albert Ankers Zeichnungen und Aquarellen seit 1989

Mit Beiträgen von Robin Byland, Isabelle Messerli und Christoph Vögele

Vertiefende thematische Essays zu Ankers Werdegang und zeichnerischem Werk

In Zusammenarbeit mit dem Kunst­museum Solothurn

Albert Anker zählt zu den bekanntesten und beliebtesten Schweizer Künstlern des 19. Jahrhunderts

Gestaltet von Guido Widmer, Zürich

Erschienen zur gleichnamigen Ausstellung im Graphischen Kabinett des Kunstmuseum Solothurn (bis 16. Februar 2020)

Gebunden 152 Seiten, 118 farbige Ab­bildungen 22 × 28 cm 978-3-85881-660-3 Deutsch sFr. 49.– | € 48.– Lieferbar ISBN 978-3-85881-660-3

9

Kaum öffentlich zu sehen: Albert Anker als Zeichner und Aquarellmaler

783858 816603

Albert Anker Zeichnungen und Aquarelle

Albert Anker (1831–1910) ist einer der bekanntesten Schweizer Maler überhaupt. Seine Ölgemälde mit Porträts und Szenen des Volkslebens sind in zahlreichen Museen permanent ausgestellt. Deutlich weniger bekannt ist dagegen sein Schaffen auf Papier, dem nun erstmals eine Übersichtsausstellung gewidmet wird. Bei den Zeichnungen in Bleistift, Kohle und Tusche sowie den Aquarellen handelt es sich nicht nur um virtuose, rasche Skizzen und stimmungsvolle Impressionen, sondern auch um detailliert ausgearbeitete Blätter. Darunter finden sich zum Beispiel die Illustrations-Studien zur 1894 bis 1902 erschienenen Ausgabe der Werke Jeremias Gotthelfs. Die neue Monografie umfasst Albert Ankers ganzen Schaffensraum von den präzisen Zeichnungen des klassizistischen Frühwerks bis zu malerischen Arbeiten in Tusche und Wasserfarbe, denen er sich in seinen letzten Jahren fast ausschliesslich widmete. Aquarelle mit stimmungsvollen Landschaften dokumentieren seine verschiedenen Reisen, Studienblätter seine Tätigkeit als Illustrator und Fayence-Maler. Qualitativ hochstehende eigenständige Blätter zeigen ihn als meisterhaften Zeichner von Menschen und deren Lebensraum. Christoph Vögele ist Kunsthistoriker und seit 1998 Konservator des Kunstmuseums Solothurn. Autor zahlreicher Publikationen und Kurator vieler Ausstellungen zur Schweizer Gegenwartskunst.

Scheidegger & Spiess Frühjahr 2020

35


Herausgegeben von Thomas Schmutz

Sorgfältig gestaltetes, eigen­ ständiges Buch, das die Wahlverwandtschaft der beiden Künstler zum ersten Mal erfahrbar macht

Mit Beiträgen von Thomas Schmutz und Hans-Peter Wittwer

Erscheint zur gleichnamigen Ausstellung im Kunsthaus Interlaken (4. März bis 10. Mai 2020)

Gestaltet von Bonbon Broschur ca. 96 Seiten, ca. 55 farbige Ab­bildungen 20 × 26 cm 978-3-85881-666-5 Deutsch ca. sFr. 29.– | € 29.–

Sorgfalt, Beharrlichkeit und eine tiefe Verbundenheit: Peter Somm und Adolf Dietrich im überraschenden Dialog zweier eigenständiger Künstlerpersönlichkeiten

Erscheint im März 2020 ISBN 978-3-85881-666-5

9

783858 816665

Peter Somm und Adolf Dietrich: Eine Wahlverwandtschaft Der 1940 geborene Schweizer Künstler Peter Somm ist von den Arbeiten des aus dem Thurgau stammenden Malers Adolf Dietrich (1877–1957) bereits seit seiner Jugendzeit in der Ostschweiz zutiefst fasziniert. Diese Anziehung spiegelt sich in seinen abstrakten und konstruktivistischen Werken wider: Ein sorgfältiger, beinah meditativ ausgeführter Bildaufbau und die Beharrlichkeit in der Umsetzung verbindet die beiden Künstler in ihrem Schaffen. Sie haben den gleichen Pulsschlag. Das Buch gibt Einblick in diese besondere Wahlverwandtschaft, indem es Schlüsselwerke der beiden Künstler gegenüberstellt und somit die tiefe Verbundenheit, die ihrem Schaffen zugrunde liegt, nachzeichnet. Peter Somm und Adolf Dietrich: Eine Wahlverwandtschaft enthüllt erstmals diesen künstlerischen Dialog und dokumentiert in prägnanter Weise das Schaffen Adolf Dietrichs – Hauptvertreter der Naiven Malerei sowie der Neuen Sachlichkeit –, dessen Stil die Arbeiten von Peter Somm so nachhaltig geprägt hat. Thomas Schmutz ist Kunsthistoriker, Kurator und Provenienzforscher. Bis 2018 war er als Kurator und stellvertretender Direktor am Aargauer Kunsthaus tätig.

Scheidegger & Spiess Frühjahr 2020

36


Herausgegeben vom Kunsthaus Zürich

Präsentiert bislang kaum bekannte Zeichnungen wichtiger italienischer Meister der Renaissance und des Barock

Mit Beiträgen von Jonas Beyer, Michael Matile u.a.

Referenzwerk zu italienischen Altmeisterzeichnungen in der Sammlung des Kunsthaus Zürich

Gestaltet von Lena Huber Broschur ca. 128 Seiten, ca. 57 farbige Abbildungen 17 × 23,5 cm 978-3-85881-678-8 Deutsch sFr. 25.– | € 25.–

Erscheint zur gleichnamigen Ausstellung im Kunsthaus Zürich (31. Januar bis 26. April 2020)

Erscheint im Januar 2020 ISBN 978-3-85881-678-8

9

783858 816788

Virtuosität auf Papier: Zeichenkünste von Raffael bis Guercino

Die Poesie der Linie Italienische Meisterzeichnungen

Die Sammlung von italienischen Altmeisterzeichnungen am Kunsthaus Zürich ist ein bislang ungehobener Schatz. Einige der prominentesten Künstler zwischen Renaissance und Barock, darunter Raffael, Palma Vecchio und Correggio, sind im Bestand der Grafischen Sammlung mit exquisiten Zeichnungen vertreten. Erstmals wurde nun eine breitere Auswahl von Blättern einer eingehenden Untersuchung unterzogen. Der daraus hervorgegangene Band versteht sich ebenso als künftiges Referenzwerk für diesen Teil des Museumsbestands wie auch als Begleitbuch der gleichnamigen Ausstellung im Kunsthaus Zürich. Das Projekt entstand in Kooperation mit dem Kunsthistorischen Institut der Universität Zürich. Jonas Beyer ist seit Januar 2018 Kurator an der Grafischen Sammlung im Kunsthaus Zürich. Zuvor war er als wissenschaftlicher Mitarbeiter und Ausstellungskurator an der Hamburger Kunsthalle tätig. Michael Matile ist seit April 2018 Dozent am Kunsthistorischen Institut der Universität Zürich. Zuvor war er langjährig als Konservator und Ausstellungskurator an der Graphischen Sammlung ETH Zürich tätig.

Scheidegger & Spiess Frühjahr 2020

37


Herausgegeben von Roland Scotti

Zeigt neue Arbeiten der Schweizer Textil-Künstlerin Nesa Gschwend

Mit Beiträgen von Stefania Pitscheider und Roland Scotti

Erscheint zur gleichnamigen Ausstellung in der Kunsthalle Ziegelhütte Appenzell (bis 15. März 2020)

In Zusammenarbeit mit der Heinrich Gebert Kulturstiftung Appenzell – Kunstmuseum Appenzell / Kunsthalle Ziegelhütte Gestaltet von Sabine Hahn Gebunden ca. 144 Seiten, ca. 100 farbige Abbildungen 19,5 × 25 cm 978-3-85881-674-0 Deutsch / Englisch ca. sFr. 35.– | € 29.–

Tradition und Avantgarde: Nesa Gschwend schafft mit ihren Arbeiten ein zeitloses Abbild der condition humaine

Erscheint im Januar 2020

ISBN 978-3-85881-674-0

9

783858 816740

Nesa Gschwend – Memories of Textiles

Die 1959 in St. Gallen gebore Künstlerin Nesa Gschwend verbindet in ihrem Werk handwerkliche Traditionen wie Sticken, Nähen und Knüpfen mit avantgardistischen und performativen Techniken des Kunstschaffens. Sie gehört zu den profiliertesten Künstlerinnen der Schweiz, die in ihrem Werk Individualität und Gemeinschaft reflektiert und aktiv gestaltet. In ihren Arbeiten Human oder den Relations verarbeitet Gschwend autobiografisch aufgeladene Materialien wie Haare oder Kleidungsstücke, die ihrer eigenen Familie entstammen. Sie verflicht damit das Materielle mit der geistigen Substanz der Erinnerungen, überführt das subjektive in das kollektive Gedächtnis. Das Kollektiv ist auch essenzieller Bestandteil ihrer Arbeit Living Fabrics, einer textilen Installation, die aus partizipativen Performances mit Personen aus verschiedenen sozialen Schichten und Nationen entstanden ist. Aus dem Zusammenspiel von Künstlerin und Mitwirkenden haben sich vielgestaltige Objekte entwickelt – Sinnbilder für die Notwendigkeit des Miteinanders. Roland Scotti, Kurator und Geschäftsführer der Heinrich Gebert Kulturstiftung Appenzell (Kunstmuseum Appenzell/Kunsthalle Ziegelhütte). Zahlreiche Publikationen zur Kunst der klassischen Avantgarde, zur Kunst der 1960er-Jahre, zur zeitgenössischen Malerei und zur Geschichte der Fotografie.

Scheidegger & Spiess Frühjahr 2020

38


Herausgegeben von Dorothee Messmer, Katja Herlach und Claire Hoffmann

Eine Retrospektive des drei Jahrzehnte umfassenden Schaffens der bedeutenden Schweizer Gegenwartskünstlerin

Mit Beiträgen von Damian Christinger, Basil Fahrländer, Sabine Fellner, Katja Herlach, Claire Hoffmann, Susanna Koeberle, Déborah Laks, Dorothee Messmer, Stefanie Steinmann und Nives Widauer

Ihre Werke und kollaborativen Projekte sind regelmässig in internationalen Einzel- und Gruppenausstellungen zu sehen

In Zusammenarbeit mit dem Kunstmuseum Olten und dem Centre culturel suisse. Paris Gestaltet von Emanuel Tschumi

Streifzug durch stimmungsvolle Arrangements: Nives Widauer lädt in die Villa Nix und präsentiert ihre Installationen und Werke

Gebunden 192 Seiten, 102 farbige und 9 sw Abbildungen 21 × 27 cm 978-3-85881-659-7 Deutsch / Englisch sFr. 49.– | € 48.– Lieferbar

ISBN 978-3-85881-659-7

9

783858 816597

Nives Widauer VILL A NIX

Nives Widauer: VILLA NIX bietet einen Überblick des drei Jahrzehnte umfassenden Schaffens dieser wichtigen Protagonistin der Schweizer Gegenwartskunst. Wie der Titel schon anklingen lässt, hat Widauer mit der Villa Nix ein imaginäres Heim für ihre Kunst erschaffen. Anspielend auf ihren Künstlernamen – Nix und Nives sind Variationen des lateinischen Begriffs für Schnee – lässt das Buch die Leserinnen und Leser in die Vorstellungswelten der Künstlerin eintauchen und ihre Installationen und Werke erkunden. In den Räumen, die dem Buch sein Gerüst verleihen, hat Widauer ausgewählte Werke zu stimmungsvollen Arrangements zusammengestellt. So wird jedes dieser Buch-Zimmer zu einem Ort der Erinnerung, mit den ihm spezifischen historischen und kulturellen Konnotationen. Einleitende Texte und Gespräche reflektieren den Charakter der Räume und die ihnen innewohnende Kunst. Dorothee Messmer ist Direktorin des Kunstmuseum Olten. Katja Herlach ist Kuratorin und stellvertretende Direktorin am Kunstmuseum Olten. Claire Hoffmann ist Kuratorin für visuelle Künste, Design und Architektur am Centre culturel suisse in Paris.

Scheidegger & Spiess Frühjahr 2020

39


Herausgegeben von Richard Overstreet und Neil Zukerman

Das massgebende Referenzwerk zu Leonor Fini, der bedeutenden Protagonistin des Surrealismus

Mit Beiträgen von Richard Overstreet, Peter Webb und Neil Zukerman

Bietet das erste komplette Werkverzeichnis ihrer Ölgemälde Mit einer prägnanten, aktualisierten Biografie Finis des Kunsthistorikers Peter Webb sowie einer umfassenden Bibliografie

Gestaltet von Studio Incipit, Mailand 2 Bände in Schuber, gebunden Total ca. 672 Seiten, ca. 1160 farbige Abbildungen 24 × 30 cm 978-3-85881-843-0 Englisch ca. sFr. 380.– | € 350.– Erscheint im April 2020 ISBN 978-3-85881-843-0

9

783858 818430

Die Selbstbestimmte: Das Werkverzeichnis der Ölgemälde von Leonor Fini

Leonor Fini Catalogue Raisonné of the Oil Paintings Leonor Fini (1907–1996) war eine aussergewöhnliche Persönlichkeit in der Kunstszene des 20. Jahrhunderts. Obwohl sie 1936 an der berühmten Ausstellung Fantastic Art, Dada and Surrealism im Museum of Modern Art in New York teilnahm und mit Künstlern wie Max Ernst, Georges Bataille und Jean Cocteau befreundet war, liess sie sich nie von der surrealistischen Bewegung vereinnahmen. Sie legte viel Wert auf ihre Unabhängigkeit, bildete sich selbst weiter und war bekannt für ihren provokativen Stil und ihre Eleganz. Fini war neben ihrer Tätigkeit als Malerin auch eine leidenschaft­ liche Illustratorin, Autorin und Designerin für Theater, Ballett, Oper und Kino. Dieser reich illustrierte Catalogue raisonné zeigt mehr als 1100 Ölgemälde der Künstlerin und wird ergänzt durch Beiträge der Fini-Experten Richard Overstreet und Neil Zukerman sowie eine aktualisierte Biografie Finis des britischen Kunsthistorikers Peter Webb. Richard Overstreet ist Künstler und Kunsthistoriker. 1998 gründete er das Leonor-Fini-Archiv in Paris. Neil Zukerman führt in New York die CFM Gallery. Er hat sich auf das Werk Leonor Finis spezialisiert und ist Autor mehrerer Bücher über sie. Peter Webb ist Kunsthistoriker und hat umfassend zu Kunst und Künstlern des 20. Jahrhunderts publiziert. Er lehrte am Coventry College of Art sowie am Hornsey College of Art und an der Middlesex University in London.

Scheidegger & Spiess Frühjahr 2020

40


Herausgegeben von Antonella Camarda

Lawrence Weiner ist ein Pionier der Konzeptkunst

Mit einem Gespräch mit Lawrence Weiner

Präsentiert eine sprachbasierte Installation Lawrence Weiners im Museo Nivola in Orani, Sardinien

In Zusammenarbeit mit dem Museo Nivola, Orani

Mit einem Interview mit dem Künstler über sein Schaffen

Gestaltet von Studio Incipit, Mailand Broschur ca. 144 Seiten, ca. 30 farbige Abbildungen 16 × 22 cm 978-3-85881-847-8 Englisch / Italienisch ca. sFr. 39.– | € 38.–

Sprache vermittelt Assoziationen: Lawrence Weiners konzeptionelle Arbeit eröffnet weite Interpretations­räume

Erscheint im März 2020 ISBN 978-3-85881-847-8

9

783858 818478

Lawrence Weiner Attached by Ebb and Flow

Lawrence Weiner, geboren 1942 in New York, ist eine Schlüsselfigur der frühen Konzeptkunst, dessen Werk sich durch die Verwendung von Sprache als künstlerisches Medium auszeichnet. Seine Installation Attached by Ebb and Flow im Ausstellungspavillon des Museo Nivola in Orani auf Sardinien verweist auf die Gezeiten und steht in Beziehung zur Erfahrung von Exil und Umsiedlung des sardischen Künstlers Costantino Nivola wie auch zur aktuellen Flüchtlingskrise im Mittelmeer. Auf Wände appliziert, stehen sich Übersetzungen des Werktitels aus dem Englischen ins Italienische und in das lokale Sardu gegenüber. Die unterschiedlichen Wörter und Satzgefüge eröffnen mannigfache Lese- und Interpretationsmöglichkeiten – basierend auf den kulturell und geografisch verschiedenen Assoziationen, die an die Sprachen geknüpft sind. Antonella Camarda forscht über Kunstgeschichte an der Universität in Sassari und ist Direktorin des Museo Nivola in Orani, Sardinien.

Scheidegger & Spiess Frühjahr 2020

41


Carole A.

FEUERMAN Fifty Years of Looking Good

Scheidegger & Spiess 4

5

(both too numerous to count), the selection aims at decisions made by Feuerman that, in this friend’s opinion, are revealing of her committed, deliberate and self-confident way of thinking. Few artists are so closely identified with their own works as this courageous modern sculptor.

1. In November 1975, Feuerman received a coveted commission to design a cover for National Lampoon magazine Famous for its attention-grabbing covers, the avant-garde Lampoon knew Feuerman’s designs for record covers and rock concert publicity, including the Rolling Stones. Since the theme was “Work,” she illustrated the saying, “Keep your nose to the grindstone.” But rather than a painting in her usual style, she changed her technique entirely. The Lampoon cover is a close-up photograph of her first ever lifecast of a model’s face, realistically painted with spurts of blood. The graphic impact is exciting, even terrifying. Her willingness to take such a risk was typical of her fearlessness.

2. The story of Catalina began on a beach in 1977

Keep your nose to the grindstone Carole painting Grande Catalina, 1981

When Carole Feuerman turned to sculpture in 1978, she took Hyperrealism in a new direction: she got personal. Photorealism, the term used for paintings, had made its debut in the 1960s as an off-shoot of Pop Art. Richard Estes’ paintings of subway cars and Duane Hanson’s sculpture of a supermarket housewife in curlers were overt satires of junk-food culture. There was an implicit irony in the idea of a handmade art vaunting the objectivity of photographs. Born in 1945, Feuerman was a full generation behind Duane Hanson (1925–1996) and a few years younger than John De Andrea (born 1941), the two sculptors with whom she ultimately came to comprise the leading trio of American Hyperrealists. Although Hanson and De Andrea were important 1960s precedents for her realism, Feuerman’s sculptures reflected her deeper affinity with the sympathetic narratives of the monochromatic statues by George Segal (1924–2000). She chose the name of Catalina, because islands represent isolation from other lands. “When a swimmer submerges into the water they escape the stresses of the outside world, and they emerge cleansed and invigorated.” The water beads up on the swimmer’s glowing arms and shoulders, yet Catalina is not about the

14

15

46

47

Elegante, verträumte Schwimmerinnen: Carole A. Feuermans lebensechte Figuren begegnen uns als präzise gefasste Momentaufnahmen

Fifty Years of Looking Good John T. Spike

In August of 1977, a young, talented illustrator sat down on Jones Beach, Long Island, to do some thinking. At thirty-two years old, Carole Feuerman was ten years into an award-winning career as a commercial artist in New York City. Married and divorced, with three children, she was working day and night to keep all the pieces together. Now she was also contemplating a major change. Could she leave illustration behind and begin a new career in the arts, as an independent sculptor of her own ideas? Sitting on the beach, she saw a swimmer emerging from the sea, waterdrops streaming down her face. “She looked proud, like she had just accomplished something great. With goggles, hair slicked back, I saw her step out of herself and come into a new reality. Then I figured out how to do it. That woman gave me the idea to make my first swimmer sculpture, Snorkel.” Three years later, she made a second swimmer, this time sparing the snorkeling props, and focusing her attention on the young woman’s radiant, glistening face. She gave the sculpture the name of an island, Catalina. Fifty Years of Looking Good is the fourth substantial book about Feuerman’s career, which has been on a continuous upward trajectory for decades now, as these copious pages will attest. Her childhood propensity towards art, family history, schooling, success as an illustrator, and first two decades in sculpture were admirably described in an essay by Eleanor Munro in her first book, Feuerman Sculptures, 1999 (2nd rev. ed., 2010). Through the years, Feuerman’s work has also received attentive interpretations by leading critics such as Robert Kuspit, John Yau, Peter Frank, David S. Rubin, Stephen C. Foster, Edward Rubin, not to mention the present writer. After fifty years it seems right to single out a few “defining moments” in the career of this important living artist. These moments mostly take place over years: indeed the last, no. 7 in this list, is still underway. Rather than exhibitions or sales

60 Zaros_99 (2).jpg

Chrysalis - Detail, 2017

12

13

70

71

lowres_IMG_0164. JPG lowres_Allesandro Moggi photo of Carole Feuerman Magda detail 2.jpg

118

119

96

97


Herausgegeben von John T. Spike

Die bisher umfangreichste Monografie über die wichtige amerikanische Künstlerin Carole A. Feuerman

Mit Beiträgen von Claudia Moscovici und John Yau Gestaltet von Evelina Laviano

Reich illustrierter Überblick des fünf Jahrzehnte umfassenden Schaffens mit über 200 Werken

Gebunden 192 Seiten, 120 farbige Ab­ bildungen 24 × 30 cm 978-3-85881-844-7 Englisch sFr. 65.– | € 58.–

Feuerman ist eine massgebende Pionierin des Hyperrealismus in der Plastik

Erscheint im Januar 2020 ISBN 9783858818447

9

783858 818447

Carole A. Feuerman Fifty Years of Looking Good

Carole A. Feuerman gehört mit Duane Hanson und John De Andrea zu den amerikanischen Protagonisten der hyperrealistischen Plastik. Die 1945 geborene Künstlerin absolvierte ihre Ausbildung in New York und Philadelphia und begann ihre bildnerische Karriere als Illustratorin, bevor sie sich in den 1970er-Jahren erfolgreich der Skulptur zuwandte. Ihr Werk wurde in zahlreichen Einzel- und Gruppenausstellungen in Galerien, Museen und an Kunstmessen in Amerika, Europa und Asien gezeigt. Während fünf Jahrzehnten hat Feuerman lebensechte, vornehmlich weibliche Figuren geschaffen, die uns als erstarrte Momentaufnahmen begegnen. Im Gegensatz zum historisch aufgeladenen Motiv der Badenden ist bei Feuermans Schwimmerinnen nicht der Körper Inhalt der Betrachtung. Er dient vielmehr als Ausdrucksmittel und Formwerdung eines Geisteszustands. Dieses Buch ist der bisher umfangreichste Überblick zu Feuermans Œuvre. Reich bebildert, zeigt es die Virtuosität der Künstlerin und die Vielfalt an Materialien und Medien, derer sie sich bedient. John T. Spike ist ein amerikanischer Kunsthistoriker. Er lebt und arbeitet in Italien als Kurator, Autor und Dozent sowie als Kritiker zeitgenössischer Kunst.

Scheidegger & Spiess Frühjahr 2020

43


Herausgegeben von Gitte Ørskou

Erste umfassende Monografie zum bedeutenden dänischen Künstler Michael Kvium

Mit Beiträgen von Brooke Lynn McGowan und Gitte Ørskou

Bietet einen Überblick seines gesamten Werks in Malerei, Zeichnung, Druckgrafik und Skulptur

Gestaltet von Studio Incipit, Mailand Gebunden ca. 304 Seiten, 296 farbige und 8 sw Ab­bildungen 24 × 30 cm 978-3-85881-849-2 Englisch ca. sFr. 85.– | € 77.– ISBN 978-3-85881-849-2 Erscheint im Februar 2020

9

Eine sonderbare Maskerade: Michael Kvium zeigt die Abgründe des Menschen und der westlichen Kultur

783858 818492

Michael Kvium A Retrospective

Das vielfältige Werk des 1955 geborenen dänischen Künstlers Michael Kvium umfasst Malerei, Druckgrafik, Zeichnung und Aquarell, Skulptur wie auch Performance und Bühnenbilder. Seine Arbeiten, welche die Abgründe der westlichen Kultur zur Schau stellen, erinnern zuweilen an Comicstrips oder Fortführungen barocker Gemälde. Groteske Gestalten, die teilweise als Selbstporträts gelesen werden können, gehören zu den Hauptmotiven Kviums. Der Künstler präsentiert uns ihre fragilen Körper in unmittelbarer Nähe, stellt sie ins Rampenlicht seiner Arbeiten. Festgehalten in einem pastosen Farbauftrag, ziehen die närrischen Wesen den Blick auf sich und wecken zugleich Ekelgefühle. Diese erste umfangreiche Monografie bildet die gesamte Karriere Kviums seit den 1980er-Jahren ab und zeigt seine zahlreichen Werkstränge, von den frühen Experimenten bis zur Kritik an der gegenwärtigen westlichen Gesellschaft. Gitte Ørskou ist eine dänische Kunsthistorikerin und Direktorin des Moderna Museet in Stockholm.

Scheidegger & Spiess Frühjahr 2020

44


Herausgegeben von Nicole Schweizer Mit Beiträgen von Robert Ireland, Agathe Jarczyk und Geneviève Loup

Erste umfassende Monografie zum Gesamtwerk von Jean Otth

In Zusammenarbeit mit dem Musée cantonal des Beaux-Arts Lausanne

Jean Otth war ein bedeutender Wegbereiter der Videokunst in der Schweiz

Gestaltet von Adeline Mollard Broschur ca. 160 Seiten, ca. 100 farbige und sw Abbildungen 20 × 26 cm 978-3-85881-855-3 Englisch / Französisch ca. sFr. 39.– | € 38.– Erscheint im Juni 2020

Erscheint zur Ausstellung Jean Otth. Les espaces de projection im Musée cantonal des Beaux-Arts, Lausanne (19. Juni bis 13. September 2020)

Jean Otth Works 1964–2013

ISBN 978-3-85881-855-3

9

783858 818553

Jean Otth (1940–2013), ein Pionier der Videokunst in der Schweiz, begann Ende der 1960erJahre die visuellen Möglichkeiten der neuen Technologien zu nutzen: Dias als projizierte und entmaterialisierte Bilder, das Fernsehen und seine Sprache, die bewegliche Natur des Videos. Es sind stets Fragen der Repräsentation selbst – oder ihre Abwesenheit –, die im Mittelpunkt seiner Studien stehen. Neue Technologien und klassische Referenzen der Kunstgeschichte treten in seinen Werken in ein Wechselspiel und verknüpfen Tradition und Mythos mit modernen visuellen Experimenten. Diese reich bebilderte Monografie präsentiert erstmals Jean Otths fotografisches, videografisches und zeichnerisches Œuvre.

Herausgegeben vom Musée cantonal des Beaux-Arts Lausanne Mit Beiträgen von Bernard Fibicher, Catherine Lepdor, Camille LévêqueClaudet, Laurence Schmidlin, Nicole Schweizer und Camille de Alencastro Gestaltet von Simone Farner und Naima Schalcher Gebunden 248 Seiten, 226 farbige Abbildungen 16,5 × 23 cm 978-3-85881-851-5 Französisch 978-3-85881-850-8 Englisch sFr. 29.– | € 29.– Erscheint im März 2020 ISBN 978-3-85881-851-5

Französisch

9

783858 818515 ISBN 978-3-85881-850-8

Englisch

9

783858 818508

Ein Handbuch zur bemerkenswerten Sammlung des MCBA in Lausanne Offenbart neue Einblicke in die Geschichte des Museums und seiner bedeutenden Bestände Zum Blättern und Stöbern für Zuhause oder im direkten Kontakt mit den Werken beim Besuch im Museum

Musée cantonal des Beaux-Arts Lausanne – Guide de la collection Dieser Sammlungsführer lädt dazu ein, die Sammlung des Musée cantonal des Beaux-Arts Lausanne (MCBA) – 1841 gegründet und seit Oktober 2019 im markanten Neubau der Architekten Barozzi Veiga beheimatet – zu entdecken. Die beeindruckenden Bestände des Museums umfassen vielfältige nationale wie internationale Kunstwerke vom 14. Jahrhundert bis in die heutige Zeit. Das Handbuch bietet zu jeder der 212 Werkpräsentationen einen konzisen Kommentar zur Entstehungs- sowie Rezeptionsgeschichte. Diese Präsentationen werden von einem ausführlichen Essay der Chefkuratorin Catherine Lepdor begleitet, die den Weg des MCBA zu dieser bedeutsamen Sammlung von ihren Anfängen bis heute nachzeichnet. Scheidegger & Spiess Frühjahr 2020

45


Eine herausragende Kunstsammlerin im Dialog

Strukturen und Dynamiken im Werk dieser Schlüsselfigur der Performance-Kunst

Der innere Spiegel Gespräche mit der Kunstsammlerin Ursula Hauser 978-3-85881-631-3 Deutsch sFr. 39.– | € 38.–

Psychoanalytikerin trifft Marina Abramović Künstlerin trifft Jeannette Fischer 978-3-85881-546-0 Deutsch 978-3-85881-794-5 Englisch sFr. 19.– | € 19.–

Kunstproduktion und Aktivismus im Schatten der schweren Krankheit

Aus dem Leben einer Kastanie: Felix Studinkas gezeichnetes Baum-Tagebuch

United by AIDS An Anthology on Art in Response to HIV / AIDS 978-3-85881-839-3 Englisch sFr. 49.– | € 48.–

Chestnut Journal 978-3-85881-628-3  Deutsch / Englisch sFr. 49.– | € 48.–

E-Book 978-3-85881-917-8 PDF 978-3-85881-918-5 EPUB sFr. 9.90 | € 9.–

Christoph Schaubs grossartige filmische Collage über Peter Zumthor, sein Schaffen und seine Inspirationen Peter Zumthor spricht über seine Arbeit Eine biografische Collage 978-3-85881-914-7 Deutsch 978-3-85881-915-4 Englisch sFr. 39.– | € 39.–

Reliefs und monumentale Skulpturen: Das erste Buch zu Hans Arps Werken im Zusammenhang mit Architektur

Peter Zumthor im Gespräch mit Mari Lending über Geschichte, Zeit, Ort und Erinnerung in seinem Werk

Public Arp Hans Arp – Architekturbezogene Arbeiten 978-3-85881-652-8 Deutsch sFr. 39.– | € 38.–

Die Geschichte in den Dingen 978-3-85881-558-3 Deutsch 978-3-85881-805-8 Englisch 978-3-85881-812-6 Französisch sFr. 29.– | € 29.–

Ausgewählte Bauten von Ruch & Partner Architekten, die mit ihren Interventionen in historischen Engadiner Häusern bekannt wurden Close-up – Ruch & Partner Architekten 1994–2018 978-3-85881-553-8 Deutsch 978-3-85881-797-6 Englisch sFr. 150.– | € 140.–

Scheidegger & Spiess Backlist 46


Die Neuausgabe einer massgeblichen Monografie über Max Bill

Die globale Ausstrahlung dieser Ikone der europäischen Moderne

Max Bill: ohne Anfang, ohne Ende 978-3-85881-578-1  Deutsch / Englisch sFr. 49.– | € 48.–

Bauhaus Imaginista Die globale Rezeption bis heute 978-3-85881-623-8 Deutsch sFr. 65.– | € 58.–

Raffinierte Techniken und grosse Künstler: ein vertiefter Einblick in die Welt der Druckgrafik

Eine Einführung in Schaffen, Wirkung und Nachlass des bedeutenden Kunsthistorikerpaars

Kleines Handbuch der Druckgrafik 978-3-85881-638-2 Deutsch 978-3-85881-832-4 Französisch sFr. 29.– | € 29.–

Die Welt der Giedions Sigfried Giedion und Carola Giedion-Welcker im Dialog 978-3-85881-610-8 Deutsch 978-3-85881-819-5 Englisch sFr. 99.– | € 97.–

Mit Liebe zum Detail: Die Rück­führung von Le Corbusiers letztem Bauwerk in den Originalzustand Pavillon Le Corbusier Zürich Restaurierung eines Architektur-Juwels 978-3-85881-493-7 Deutsch 978-3-85881-852-2 Englisch sFr. 39.– | € 38.–

Tomas Wüthrichs einmaliger Einblick in das Leben der Penan

Von Verführung und Vergänglichkeit: Anna Halm Schudels Blumenbilder

Doomed Paradise Die letzten Penan im Regenwald von Borneo 978-3-85881-642-9  Deutsch / Englisch sFr. 49.– | € 48.–

Blossom 978-3-85881-621-4  Deutsch / Englisch sFr. 59.– | € 48.–

Jetzt komplett: die massgebliche Monografie über die herausragende Avantgarde-Designerin Charlotte Perriand Complete Works 978-3-85881-746-4  Volume 1 978-3-85881-747-1  Volume 2 978-3-85881-748-8  Volume 3 978-3-85881-778-5  Volume 4 Englisch sFr. 120.– | € 120.– pro Band

Scheidegger & Spiess Backlist 47


Scheidegger & Spiess Niederdorfstrasse 54 8001 Zürich Tel. +41 (0)44 262 16 62 www.scheidegger-spiess.ch info@scheidegger-spiess.ch

Vertrieb Patrick Schneebeli Tel. +41 (0)44 253 64 53 p.schneebeli@scheidegger-spiess.ch

Marketing Domenica Schulz Tel. +41 (0)44 253 64 56 d.schulz@scheidegger-spiess.ch

Presse und PR Chris Reding Tel. +41 (0)44 253 64 51 c.reding@scheidegger-spiess.ch

Verlagsleitung Thomas Kramer Tel. +41 (0)44 253 64 54 t.kramer@scheidegger-spiess.ch

Auslieferungen

Vertreter

Schweiz AVA Verlagsauslieferung AG Centralweg 16 8910 Affoltern a.  A. Tel. 044 762 42 00 Fax 044 762 42 10 avainfo@ava.ch

Schweiz Sebastian Graf Graf Verlagsvertretungen GmbH Uetlibergstrasse 84 8045 Zürich Tel. 079 324 06 57 sgraf@swissonline.ch

Deutschland, Österreich, Belgien, Luxemburg, Niederlande GVA Postfach 2021 37010 Göttingen Deutschland Tel. +49 (0)551 384 200-0 Fax +49 (0)551 384 200-10 bestellung@gva-verlage.de

Österreich Stefan Schempp Verlagsvertretungen Wilhelmstrasse 32 80801 München Deutschland Tel. +49 89 230 777 37 Fax +49 89 230 777 38 stefan.schempp@mnet-mail.de

Deutschland Hans Frieden c / o G.V.V. Groner Strasse 20 37073 Göttingen Tel. 0551 797 73 90 Fax 0551 797 73 91 g.v.v@t-online.de

Michael Klein c/o Vertreterbüro Würzburg Huebergasse 1 97070 Würzburg Deutschland Tel. +49 931 174 05 Fax +49 931 174 10 klein@vertreterbuero-wuerzburg.de

Scheidegger & Spiess ist Mitglied von SWIPS, Swiss Independent Publishers

Der Verlag Scheidegger & Spiess wird vom Bundesamt für Kultur mit einem Strukturbeitrag für die Jahre 2016–2020 unterstützt.

Stand Januar 2020 Die angegebenen Franken-Preise sind unverbindliche Preisempfehlungen für die Schweiz inklusive MwSt. – Die angege­benen Euro-Preise sind gebundene Ladenpreise für Deutschland inklusive MwSt. und unverbind­liche Preisempfehlungen für Österreich. Für Preise, Beschreibungen und Erscheinungstermine bleiben Änderungen und Irrtum vorbehalten. Umschlagbild: Inneneinrichtung an der All-Union Competition for the Best Model Furniture for Residential and Public Buildings © All-Union Ausstellungskatalog, 1972. Aus dem Buch: Soviet Design. From Constructivism to Modernism. 1920–1980, siehe S. 5.

Jan Groover, Photographer Laboratory of Forms Herausgegeben von Tatyana Franck In Zusammenarbeit mit dem Musée de l’Elysée, Lausanne Gebunden 192 Seiten, 130 farbige und 15 sw Abbildungen 21 × 27 cm 978-3-85881-838-6 Englisch ISBN 978-3-85881-838-6 sFr. 49.– | € 48.–

9

783858 818386

Erstmals betrachtet eine umfassende Monografie das gesamte Schaffen der Künstlerin Jan Groover (1943–2012), von den Anfängen als Autodidaktin in den USA bis zu ihren späten Jahren Frankreich. Es zeigt ihre eigene ästhetische Haltung, die von den frühen fotografischen Experimenten über die im Studio sorgfältig komponierten Stillleben bis zum erneuten Experimentieren mit alten Fototechniken wie Platindruck und mit Grossformatkameras des frühen 20. Jahrhunderts zum Ausdruck kommt.

Profile for Frank Niederländer

Scheidegger & Spiess, Frühjahr 2020  

Scheidegger & Spiess, Frühjahr 2020

Scheidegger & Spiess, Frühjahr 2020  

Scheidegger & Spiess, Frühjahr 2020