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Festival Iberoamericano de Teatro de Bogotรก XV

El teatro estรก de fiesta. ยกCelebremos!


Contenido Introducciones Evento de inauguración

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Desfile de inauguración

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Teatro de sala

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Homenaje a Shakespeare Clásicos en versión contemporánea El lenguaje cinematográfico en el teatro Danza teatro

XV Festival Iberoamericano de Teatro de Bogotá El teatro está de fiesta. ¡Celebremos!

Junta Directiva Corporación FITB William Cruz Suárez

Equipo de Contenidos

Fotografías

Olga Naranjo

Cortesía de las compañias de teatro

Directora

Presidente

Jineth Ardila

Luis Guillermo Soto

Coordinadora editorial Escritura y/o edición de contenidos

Vicepresidente

Jean Claude Bessudo Luis Guillermo Ángel Correa Jean Guy Moggio M Fernando Gaitán Salom Daniel Álvarez Mikey

Asistente de contenidos Investigación y notas previas

Dirección

Asistente de contenidos Investigación y notas previas

Anamarta de Pizarro

Juanfelipe Sanmiguel

Guillermo Hernández Patiño

Dirección de arte, diseño, diagramación, ilustraciones y collage

Directora Ejecutiva Gerente General

Mario Henao

María Alexandra Aguirre

Natalia Pérez Penagos Diagramación

Imagenes adicionales New York Public Library, Public Domain Collections http://digitalcollections. nypl.org

Wikimedia Commons https://commons.wikimedia.org/ w i k i / M a i n _ Pa g e

Flickr – The Commons h t t p s : / / w w w . f l i c k r. c o m / commons

Impresión Buenos y Creativos www.buenosycreativos.com

— El contenido original de este libro no se puede reproducir sin previa autorización de FITB — ISBN en trámite

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41 53 77 85

Teatro físico y mimo

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Circo contemporáneo y Clown

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Teatro musical y conciertos

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Teatro contemporáneo

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Un Festival creador

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Cuerpos vulnerados y resiliencia Escenarios experimentales y teatro sensorial Dramaturgia infantil, títeres y marionetas Improvisación Narración oral

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Teatro de calle

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Ciudad teatro

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Carpa cabaret

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Evento por la paz

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Evento de clausura

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Teatro por la paz:

de colombia para el mundo El mundo es un escenario, y todos los hombres y mujeres son meros actores. Tienen sus salidas y entradas; y un hombre en su vida interpreta muchos roles. [William Skakespeare, Como gustéis]

Sin duda, Shakespeare –el dramaturgo por

Introducciones

excelencia– tenía razón. El teatro no solo se escenifica en los salones de espectáculos, o en las carpas, o en la calle. El teatro es la vida misma, y nosotros –todos– somos los actores. Tal vez por eso queremos tanto el teatro. Porque representa lo que representamos. Porque nos interpela. Porque nos cuestiona. Porque nos hace reír, pensar y sufrir, según las emociones del libreto. Porque nos recuerda que la vida –con sus parlamentos y sus silencios, con sus dramas y comedias– es la obra que tenemos a cargo, y que de nosotros depende que sea buena o mala, que merezca rechiflas o una ovación de pie. Hace 28 años Fanny Mikey y Ramiro Osorio, junto con otros Quijotes de la cultura, crearon el Festival Iberoamericano de Teatro de Bogotá, con un lema: Un acto de fe en Colombia. Y ese acto de fe se convirtió en mucho más: en el encuentro teatral más grande del mundo, un evento que ya completa 15 ediciones y que hoy sigue su marcha bajo la entusiasta dirección de Anamarta de Pizarro. Como cada dos años, Bogotá respirará teatro, hablará teatro, soñará teatro, y otras manifestaciones de las artes escénicas como la danza y la música. En esta oportunidad el Festival tendrá como invitado especial a México, un país por el que los colombianos tenemos especial afecto, y cerrará con un Concierto por la Paz, que es ahora más pertinente que nunca. Porque este XV Festival Iberoamericano de Teatro de Bogotá coincide –como si un autor benevolente lo hubiera planeado a propósito– con un momento ideal, el momento en que los colombianos nos preparamos para pasar la página del conflicto interno armado y presentar la obra que siempre anhelamos poner en escena: la Paz de Colombia.

Juan Manuel Santos Presidente de la República

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El Festival que convierte a Bogotá en Distrito Cultural de América Latina El Festival Iberoamericano de Teatro de

Bogotá se ha convertido en una de las más importantes plataformas de promoción de ciudad. Cada dos años, lo más selecto de las artes escénicas de Colombia y el mundo, entre directores, grupos y actores de sala y de calle en teatro, danza y circo, se reúnen en la capital. Esta vitrina de las artes escénicas es considerada, junto con el de Aviñón y Edimburgo, como uno de los tres festivales más importantes del mundo y el que mayor impacto genera sobre la ciudad donde se celebra.  El Festival no solo permite proyectar la imagen de una Bogotá creativa, cosmopolita, innovadora e incluyente a nivel nacional e internacional, sino que impacta el desarrollo socioeconómico de la ciudad a través de la generación de empleo, el fortalecimiento del sector teatral y el incremento de los servicios de la cadena productiva del turismo. Además de inspirar nuevos emprendimientos culturales, este certamen metropolitano permite que, por cada peso invertido, se logre un impacto de $4,3 en la vida económica de la ciudad, según un estudio de la Universidad de Los Andes. Esto sin mencionar el impacto que genera en la construcción de ciudadanía, el sentido de pertenencia e identidad. Hablar del Festival Iberoamericano de Teatro de Bogotá es sinónimo de felicidad, de espectáculos que privilegian la participación ciudadana en el espacio público y que facilitan el acceso de la población a una oferta cultural diversa y de calidad. El compromiso de la Administración Distrital, a través de la Secretaría de Cultura, Recreación y Deporte y de sus entidades adscritas, será continuar fortaleciendo este proyecto que trasciende fronteras, democratiza el acceso a la cultura, invita a hablar del desarrollo económico de la ciudad y nos permite soñar con una Bogotá, Mejor para Todos.

Enrique Peñalosa Londoño Alcalde Mayor de Bogotá

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Día a Día Desde el 16 de agosto de 2008, todos los

días sin dejar pasar uno solo, me pregunto y me respondo, sobre el destino del legado que Fanny dejó. Inicialmente porque la inmensa tristeza que me atacó y en el negro y profundo hueco al que me lanzó, lo único que veía era un no futuro. Ella dejó una extensa traza de muchas individualidades, pero sin capacidad para la concordancia. La sincronía era ella. Un par de meses después desperté aguijoneado por una cantidad de sucesos propios de la peor condición humana: la egolatría; en todos los niveles y con pocas excepciones todos querían mantener la obra, pero a condición de capitanearla, y con esa duda presente se desarrollaron los más insólitos eventos, todos estatutariamente cumplidos, como en los ritos de políticos, pero vacíos del fervor con que se abraza una buena causa. Cada vez que recuerdo esos largos meses, me acerco al convencimiento de cuán fácil es equivocarse. Al final, definidas las cosas de la manera como resultaron, para bien o para mal, iniciamos una carrera contra el tiempo y en menos de seis meses Anamarta logro organizar la décimo segunda versión, peluca y piernas rojas, risa blanca, 40% más grande, jubiloso, todos querían participar, una programación como nunca se había visto. Al final, como dijo Tito: “un punto de partida”… otro. Luego el XIII y el XIV, sin libro. Todos generaron alegría para la ciudad, aplausos del público, panegíricos de la crítica, euforia de los oportunistas, reconocimiento de la prensa… y a pesar de las afugias económicas le entregamos a la ciudad su carnaval. Pero por ellas hemos recibido una alta y dolorosa dosis de una muy humana e injusta diatriba, una especie de bullying velado, un acoso que duele por lo injusto e insolidario, y que proviene de quienes deberían ayudar a defenderlo: la cuña que más aprieta es la del propio palo, pero “Sancho, ladran los perros, señal que cabalgamos”, y mientras se mantengan vivos los sueños este legado se mantendrá; por lo menos la vocación de continuar haciéndolo cada dos años. Los nuevos han aprendido que su individualidad funciona en equipo y que la mejor satisfacción es la de la misión cumplida. Los otros aprendieron a jugar en equipo. Al fin y al cabo se acrecienta año tras año el agradecimiento a los que no cesan en su auxilio, a los que no dan la espalda y nos patrocinan, a los que no se amilanan, a mis porfiados compañeros de junta, a los que administran, a los que ejecutan, a los nuevos aliados, pero, sobre todo, a los que no olvidan. Creo que me he, que nos hemos equivocado considerablemente, pero aprendí, aprendimos mayormente. Los que quedamos tenemos que indicarles el camino a los que vendrán. ¡Ojalá lleguen pronto! Yo solo sé que seguiré preguntándome lo mismo. Por fortuna, día a día encuentro una respuesta, no siempre la mejor, pero seguiremos hasta el siguiente día, mes, año ¿décimo sexto? ¡Mil gracias a todos!

William Cruz Presidente de la Junta Directiva del FITB

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El teatro está de fiesta. ¡Celebremos! ¿Por qué el teatro ha de ser una fiesta? En primer lugar, en lo que concierne a nuestro país, para invocar y ojalá este año darle la bienvenida a una paz muy anhelada. Y en segundo lugar, en lo que afecta al resto del mundo, para conjurar las crisis que acorralan y deprimen al ser humano contemporáneo. El teatro y las artes escénicas que se fusionan con él, como la danza-teatro o el performance, quizás por su carácter efímero, o quizás porque como ningún otro arte expone el cuerpo de los artistas en el escenario, es capaz de ir tan lejos como lejos ha llegado el dolor humano, y es capaz de responder a eso que hemos dado en llamar las crisis del mundo contemporáneo con una explosión de formas y géneros que se manifiestan audaces. Pero —y eso es lo sorprendente del teatro—, habla del sufrimiento de la gente en su vida privada o cotidiana y en su vida social o pública con un derroche de imágenes fascinantes, que tienen la contundencia de las artes visuales, o con unos textos llenos de metáforas elaboradas y de razonamientos difíciles, que no tienen nada qué envidiarles a la literatura ni a la filosofía. El Festival Iberoamericano de Teatro de Bogotá ha asumido siempre un “deber de realidad” en su programación, así como se habla hoy de un “deber de memoria”; no porque consideremos que el teatro tenga el compromiso de representar la realidad, sino porque profundiza en ella, la enriquece y la vuelve luminosa con su enorme capacidad de reflexión y de poesía. Hoy en día la versatilidad y la formación integral de los dramaturgos, directores y actores son características que se ponen de relieve en obras asombrosas, que tratan de manera inteligente, bella, e incluso espectacular, las temáticas más significativas de nuestra contemporaneidad. El teatro nos emociona, nos divierte y nos conmueve, pero también nos educa, en la medida en que pone por un momento en el centro de nuestro pensamiento y en el centro de nuestra sensibilidad temas urgentes e imposibles de eludir, como los daños causados por los excesos de la violencia, el sueño frustrado de la migración, el aumento de la pobreza y la desigualdad en el mundo, el duelo sin tregua de las víctimas, o la vigencia de múltiples formas de discriminación y de múltiples formas de violencia de género, la imposibilidad de comunicarnos con el otro y otros tantos malestares de nuestra existencia cotidiana. Pero el teatro nos trae también la esperanza que necesitamos en dosis altas en este momento de reconciliación que busca Colombia, con obras que sacan a pasear nuestra infancia a las calles y a las salas de los teatros, con obras cargadas de la energía juvenil de las danzas urbanas que se toman el espacio público en libertad, con clowns en cuyo mundo fascinante la tristeza y la felicidad se complementan con ternura, o con el movimiento de esos cuerpos con alma que trascienden los límites de la gravedad. 12

México vive un gran momento teatral. Uno de sus síntomas más visibles es que en todas las alfombras rojas hay actores y directores mexicanos premiados. Eso es el resultado de la inmensa creatividad y profesionalismo de sus artes escénicas, pero también de un país con una enorme diversidad cultural que da pruebas de inclusión en el escenario. Con México como País Invitado de Honor el XV FITB hace un reconocimiento a sus grandes dramaturgos y a sus grandes compañías; a los teatristas jóvenes y a los consagrados, a sus versiones actualizadas de los clásicos y a su dramaturgia original y experimental, a su teatro de sala y a su teatro para calle y escenarios no convencionales, a su música y a sus fiestas populares. Desde el otro extremo del mundo, Dinamarca, Finlandia, Islandia, Noruega, Suecia y las Islas Feroe invaden nuestros sentidos con una muy particular visión de la integralidad de las artes escénicas. Tres grandes espectáculos de danza; una obra de teatro físico y una de marionetas; un clown inalámbrico; una versión desbocada de un clásico ruso; un Hamlet musical y un homenaje sueco a una de las películas más amadas de Bergman, traen el escenario nórdico al XV Festival Iberoamericano de Teatro de Bogotá. Para conmemorar los 400 años de la muerte de Shakespeare, el Festival ofrece una programación que mostrará cuán actuales son sus obras en nuestros días. Shakespeare nos habla de las luchas sanguinarias por el poder, de los límites de la codicia de los hombres, de la violencia contra las mujeres y de la discriminación racial. Otro tanto ocurre con las versiones de otros clásicos, que plantean temas como el derecho a la tierra, los despojados del mundo, o que denuncian la corrupción en la política, o el funcionamiento de la justicia como una mercancía; obras que hablan de la confrontación del hombre con la cultura de masas, o que vuelven a preguntarse finalmente qué es un hombre. Un nuevo maridaje entre dos artes que se consideraban antagónicas dan su propia lección de paz con los homenajes que le rinde el teatro al cine italiano, al de Bergman, al expresionismo alemán, al cine de acción, al cine negro y al documental. Otra fusión, ya no tan reciente pero cada vez más sorprendente, es la de las obras de danza teatro y el musical. Aquellos que siguen el Festival alimentan cada dos años su álbum personal, su memoria de las grandes obras que han visto en cada edición, las imágenes de esas obras inolvidables que han marcado o cambiado su percepción de las artes escénicas. Este XV Festival seguro aumentará ese repertorio de nostalgias y alegrías con sus 47 obras internacionales de sala y sus 6 obras gratuitas de calle, con sus 125 obras de sala colombianas y sus 40 obras gratuitas de calle. Hoy, tras 15 ediciones y 28 años de fe en Colombia, desde ese día en que Fanny y Ramiro se aliaron para inventarlo, el Festival sigue ansioso de paz como el resto de los colombianos que —gracias también a los retos que nos exige el teatro— se han educado en la tolerancia por las ideas y maneras de vivir del otro y en el respeto a todas las diferencias. Hoy, el Festival, ansioso como todos de poder presentar una nueva cara del país, una cara alegre y esperanzada, una cara de quinceañero, como la del XV Festival, llena de ilusiones en el porvenir, vuelve a estar de fiesta. ¡Celebremos! No quiero terminar estas palabras sin agradecer el apoyo invaluable de la Junta Directiva del Festival y el compromiso incansable del equipo de trabajo que cada dos años ayuda a convertir este sueño en realidad.

Anamarta de Pizarro Directora Ejecutiva del FITB.

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Con este macroespectáculo surrealista, inspirado en el mítico juicio de Paris, que se produjo a la escala y con los atributos de los dioses olímpicos, se inaugura el XV FITB .

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Afrodita y el juicio de Paris La Fura dels Baus — España — P e r e Ta n t i ñ á A l m e l a

[Director]

La Fura dels Baus trae la manzana de la discor-

dia. Pero no se trata de cualquier fruta prohibida sino de una que pone en contienda a las diosas olímpicas. Desde muy alto desciende este “macroespectáculo surreal ” inspirado en el mítico juicio de Paris, quien ha sido elegido para decidir cuál es la deidad más hermosa: Hera, Atenea o Afrodita. Las tres intentan seducir a su juez, y para lograrlo despliegan ante él su extraordinario poder. En el teatro antiguo se llamaba Deux ex machina al uso de artefactos mecánicos con los que los actores representaban a los dioses con atributos sobrehumanos. Pues bien, esta obra la protagonizan aquellos fantás-

FOTOGRAFÍAS:

NINA BORRELLI Y GIUSEPPE RICCARDI

ticos objetos antropomecánicos que emergen sorpresivamente entre el público y le permiten a Hera elevar una corona de hombres, que también es una jaula, símbolo del poder. O a Atenea hacer que entre la multitud se abra camino una rueda gigante, símbolo de la inteligencia. O a Afrodita mostrarse en su escala de titán, como una marioneta enorme que se desplaza cadenciosamente para ofrecer a Helena, la mujer más hermosa del mundo, que brota desnuda desde una oruga suspendida a varios metros de altura y es recibida por los brazos de Paris, con quien huirá sobre el lomo de un pegaso que galopará por los aires. La obra integra el escenario y el espacio del público, que tendrá que moverse de su sitio para hacerles campo a las maquinaciones divinas. Cada montaje se realiza con artistas de la ciudad que le da la bienvenida a la compañía catalana. Pere Tantiñá, su director, dice que es tan importante la emoción que dejan en los que hacen parte de este espectáculo como la que causan en los espectadores. Buscando una experiencia catártica , y hablar de la vulnerabilidad de los hombres en comparación con los dioses, entre los elegidos en Colombia habrá algunas víctimas del conflicto, que disfrutarán poder elevar su humanidad por los aires.

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El FITB desarrolla una alianza con La Unidad para la Atención y Reparación Integral a las Víctimas, incorporando al show a 60 víctimas que en su camino de reparación han encontrado en las artes escénicas un proceso de fortalecimiento individual y colectivo. La Unidad y su estrategia Unidos Podemos Reparar a las Víctimas implementa con el arte y la cultura un mecanismo de sensibilización de la sociedad frente al proceso de reparación y construcción de paz.

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Desfile de Mariachis

Desfile de

inauguración Desde la primera

edición del Festival Iberoamericano de Teatro de Bogotá, el desfile inaugural ha sido el encargado de contarle a su ciudad que la más grande fiesta de teatro del mundo ha comenzado. Para celebrar sus 15 años, el 11 de marzo de 2016 las ediciones anteriores del Festival le dan la bienvenida al XV FITB. 4 comparsas nacionales, 25 comparsas locales y más de 1.600 artistas llenan de color y alegría y visten de carnaval la vía más importante de Bogotá, la Carrera Séptima, desde la Plaza de Toros de Santamaría hasta la Plaza de Bolívar. El desfile inaugural cierra en el corazón de la ciudad con una serenata quinceañera, al mejor estilo mariachi, para rendirle homenaje a México, nuestro invitado de honor.

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Más de un centenar de músicos, que conforman varios Conjuntos Mariachi de la ciudad, se reúnen para rendirle homenaje con sus sones y rancheras, y el fragor de sus trompetas, a México, el país invitado de honor del XV FITB.

Aainjala Aainjaa

Homero Cortés [Director]

Comparsa de percusión y danza, en la que la cumbia colombiana y la samba–reggae afrobrasileña arman una fiesta de fuerza y vitalidad, dando como resultado un espectáculo innovador, atrevido, lleno de carácter, espontaneidad y magia.

Así baila mi tierra (comparsas andinas) Estampas Juveniles Luis Herrera [Director]

Al ritmo de bambucos, pasillos y sanjuaneros, esta comparsa de Gachetá, Cundinamarca, sonriente saluda al XV FITB, luciendo hermosos trajes típicos y reafirmando la autenticidad e identidad campesina de la región andina colombiana.

Carnaval Dominicano Te a t r o Ta l l e r de Colombia

Juan M. Cristancho y Jenny M. Rojas [Directores]

Inspirada en los carnavales de la ciudad de la Vega de República Dominicana, 12 artistas (8 dragones y 4 músicos) ataviados de coloridos trajes y lindas y auténticas máscaras del carnaval dominicano se mueven al ritmo de una batucada caribe.

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Banda papayasera

La Pepa del Mamoncillo Te a t r o y T í t e r e s

Héctor Ivanot Loboguerrero [Director]

Una banda de músicos payasos interpreta temas originales con ritmos como ska, rock y swing, mientras realizan números de clown, malabares, acrobacia, lucha libre, pulsadas y mucho más.

Comparsa Muskurii

Te r r i t o r i o Te a t r a l / O k i m a D a n z a

Juan M. Cristancho y Jenny M. Rojas [Directores]

Muskurii es una palabra de la cultura indígena Inga que significa “disponerse a soñar”; algo a lo cual nos invita Felipe, un niño apasionado por el arte, que una noche, guiado por su imaginación, vivirá mágicas experiencias en el mundo de sus sueños.


Cuerpo de agua a ritmo de mestizaje

Nuna Raymi

Paola Hernández Ucrós

Dayra Benavides

La Caravana del Hielo

Joyas Blandas

[Directora]

[Directora]

Comparsa ambiental y ancestral que mezcla música de tambores, vientos, danza ritual, biodrama, circo y artes plásticas para enseñarnos a cuidar el agua y los humedales que sostienen la vida del territorio y de nuestros cuerpos. Inspirada en la tradición muisca.

Un personaje fantástico, de solemne traje, mascarón y bastón de mando, ha mutado su ser normal por causa de la locura y el éxtasis del arte, con la llegada de la fiesta más grande del sur de Colombia: los Carnavales de Negros y Blancos de Pasto.

[Obra programada en Teatro de Calle]

El Goce

IL Viandante

Michel Antoni Correa Arévalo [Director]

Divertido y exquisito cóctel de ritmo y movimiento multicultural. Los tambores y el sonido de los trombones, trompetas y saxos invocan esta fiesta pagana, prohibida, profana, con un derroche de alegría, ritmo, movimiento y sensualidad. [Obra programada en Teatro de Calle]

El Niño y las Palomas

S t o n e R i v e r Te a t r o

Nelson León y Daysi Watkiss [Directores]

Tres palomas blancas vuelan sobre el desfile, batiendo las alas con la ayuda de cuerdas y poleas y al ritmo de una banda de vientos; con ellas ellas camina un niño de 3 metros de altura, en esta obra de máquinas y marionetas enormes.

Futurismo Galáctico – zancos en patines Tc h y m i n i g a g u a

César Grande y Venus Albeiro Silva [Directores]

20 músicos actores y actrices en zancos en patines, una invención de Tchyminigagua para el teatro callejero del mundo, son los personajes del futuro que intentan salvar a la humanidad del consumo y la contaminación global.

Gabo eterno

L a Tr o p a d e M e l q u i a d e s . C o l e c t i v o Internacional de Artistas Creación colectiva [Director]

Un carnaval onírico y musicalizado por una banda de gitanos rinde homenaje a la obra de García Márquez. Esta comparsa representa el encuentro de Gabo con su abuelo y con la Catrina en el más allá, en compañía de los personajes de sus obras.

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García multicolor Corporación Cultural Te r c e r A c t o Luis Daniel Castro Arce

Nueve personajes en zancos, con faldas voluminosas y coloridas rinden homenaje a García Márquez, mostrando su riqueza imaginativa, literaria y cultural, e interpretando diferentes ritmos del Caribe colombiano. [Obra programada en Teatro de Calle]

Joropódromo Corporación Cultural DanzaT

Diego Fernando Rojas [Director]

Comparsa llanera, que busca celebrar la cultura de los Llanos colombianos con su danza y su música tradicional: el joropo. DanzaT es uno de los grupos culturales más representativos del departamento del Meta.

Guerrero del fuego

De las entrañas del Galeras al Carnaval Martin Alexander Caicedo Jurado [Creador]

Esta comparsa obtuvo el segundo lugar en el Carnaval de Pasto de Blancos y Negros del 2016. La majestuosidad del Volcán Galeras se representa como un dragón celoso de grandes tesoros, dador de vida y portador simbólico de los 4 elementos vitales.

La pelona se coló en la fiesta… Vida para vencer a la muerte Escuela de Comparsas Alfonso López / Carnavalera Industria Creativa Jhon Manuel Leal Silva [Director]

Una comparsa que celebra el triunfo de la vida sobre la muerte, en la que la muerte encuentra la manera de colarse en la fiesta y hacer de las suyas, en la misma proporción que la risa. [Obra programada en Teatro de Calle]

Maratón por la felicidad

Compañía Namasté

Lorna Catherine Pineda Garzón [Directora]

Simona, Trotamundos y Buzos deciden trabajar en equipo para disipar la lluvia, despejar el cielo y devolverle la diversión y el color al planeta; e inician una maratón de danza y juego por la felicidad, al ritmo de los tambores.

Mil tambores llamadores a la fiesta Fu n d a c i ó n C u l t u r a l p o r A m o r M C Alejandro Ortiz Ramos [Director]

Los tambores llamadores de esta comparsa convocan a una fiesta de reconciliación con nuestros ancestros, en un estallido de alegría y energía colectiva. [Obra programada en Teatro de Calle]

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Ópera pánica

Colegio Salesiano de L e ó n X I I I – Te l ó n X I I I

Personajes 15 añeros

Los personajes de Ópera Pánica, obra ganadora del Festival Estudiantil de Teatro de Bogotá en 2014, harán parte del Desfile Inaugural del XV FITB. Ópera Pánica es una pieza dramática escrita por Alejandro Jodorowsky.

Los Personajes 15 añeros son la imagen del XV FITB; con vestidos coloridos e inspirados en las fiestas de quince, se desplazan bailando y cantando por la ciudad, invitando a todos a hacer parte de la fiesta teatral más grande del mundo: El teatro está de fiesta, celebremos!

Transpersonal, un ser de fiesta y carnaval

Un espectáculo único con diferentes tipos de rodados: bicicletas excéntricas, monociclos, patines, patinetas… Esta comparsa promueve el uso de medios de transporte alternativos no contaminantes y es un homenaje a la Bogotá ciclista.

Álvaro Pinzón [Director]

A s o c i a c i ó n Te a t r o – Danza Pies del Sol Luis Gerardo Rosero [Director]

Un personaje danzante crea un espectáculo de performance que involucra la danza, el teatro, la plástica y la música en una estructura dramática que cuenta una historia llena de símbolos sobre el modo como el hombre vence su propia naturaleza.

Te a t r o N a c i o n a l

Gustavo Herrera y Andrea Mora [Directores]

Tricirko

Zua zaa cirko

Juan Felipe Santamaría y Kathy Suavita [Directores]

[Obra programada en Teatro de Calle]

Un gran sueño–Banda de Marcha Guardia Fantasma

B a n d a d e M a r c h a G u a r d i a Fa n t a s m a Jorge Enrique Elinán Fernández [Director]

Esta comparsa es el sueño de un niño que una noche, arrullado por la música de cuna, se duerme y desata una aventura fantástica en la que él es el villano, hasta que llegan sus súper héroes favoritos a salvarnos a todos.

Tybas en Fiesta

Yo m a s a A l a f i a – A s h e – Fu e r z a y Pa z : E s c u e l a de comparsa de Usme María Cristina Heredia [Directora]

Con 40 actores, bailarines y músicos, esta comparsa se propone re-significar la fiesta, la palabra, la danza, la música, los cuerpos, como un acto cívico de unión, alegría, expresión, comunicación y ciudadanía.

Desfile de la Unidad para la Atención y Reparación Integral a las Víctimas Una comparsa de 300 personas se suman a la fiesta del Festival, al ritmo de un cuerpo musical tipo stomp y batucada.

[Obra programada en Teatro de Calle]

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Ballet Folclórico de la Universidad de Guadalajara (1)

Ballet Folclórico de la Universidad de Guadalajara

página 86

Baños Roma (2) Teatro Línea de Sombra

página 139

(7)

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Burbujas Dramafest:

Muestrario callejero de dramas contemporáneos página 236 Teatro de Babel

Diez mil cosas

Coproducción FITB, Cervantino y Santiago a Mil

México vive

un gran momento teatral. Uno de sus síntomas más visibles es que en todas las alfombras rojas hay actores y directores mexicanos premiados. Eso es el resultado de la inmensa creatividad y profesionalismo de sus artes escénicas, pero también de un país de una enorme diversidad que da pruebas de inclusión en el escenario. El XV FITB hace un reconocimiento a sus grandes dramaturgos y a sus grandes compañías; a los teatristas jóvenes y a los consagrados, a sus versiones actualizadas de los clásicos y a su dramaturgia más original y experimental, a su teatro de sala y a su teatro para calle y escenarios no convencionales. A su música y a sus fiestas populares. Porque con México, país invitado de honor, el Festival Iberoamericano de Teatro de Bogotá está de fiesta, ¡celebremos! [Anamarta de Pizarro]

El Gobierno de México, a través de sus instituciones y organismos vinculados a la cultura (SRE, AMEXCID, Secretaría de Cultura, INBA, FONCA, CONARTE, CNT, Festival de Dramafest, Cultura UDG y Embajada de México en Colombia) participa con doce compañías de teatro y una muestra representativa de música de mariachi, en el desfile inaugural.

página 168

El círculo de cal (3)

Luis de Tavira y la Compañía Nacional de Teatro

página 58

(3) (6)

Memorias de dos hijos Caracol (4) Carretera 45 Teatro

página 200

Mendoza (5) Los Colochos

página 49

Misa fronteriza (6)

Gorguz Teatro y Universiteatro

página 138

Pequeños territorios en reconstrucción Teatro Línea de Sombra

(1)

página 174

(8)

Tristán e Isolda (7) Luis Manuel Aguilar "Mosco"

página 143

Una luna para los malnacidos (8) Unam

página 63

Zaikocirco

Teatro de calle Luna Morena

página 237 (2) (4)

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A Dance Tribute to Ping Pong (1) Jo Strømgren Kompani

página 95

Noruega

Blam! (2)

Kristján Ingimarsson Company

página 106

Dinamarca / Islandia

The Writer (3)

Jo Strømgren Kompani, The Nordland Visual Theater Stamsund & Ulrike Quade Company página 134

Noruega / Holanda

(1)

(5) (2)

Fanny y Alexander (4) Uppsala Stadsteater

página 80

Suecia

Los bajos fondos (5) Dinamarca, Finlandia, Islandia, Noruega, Suecia y las Islas Feroe refrescan nuestros sentidos

con una muy particular visión de la integralidad de las artes escénicas. Tres grandes espectáculos de danza; una obra de teatro físico en la que Hollywood se toma el escenario; una de las grandes compañías que dan vida a las marionetas; un clown inalámbrico; una versión desbocada de un clásico ruso; un Hamlet musical y un homenaje sueco a una de las películas más amadas de Bergman, traen el escenario nórdico al XV Festival Iberoamericano de Teatro de Bogotá. [Anamarta de Pizarro]

Nordisk Kulturfond, Norden Nordic Culture Point, Danish Arts Foundation, Fonds Podium Kunsten Performing Arts Fund NL, Norwegian Ministry of Foreign Affairs, Performing Arts Hub Norway, Kulturradet Arts Council Norway, Swedish Arts Council, Uppsala Kommun.

Teatro Nacional de Finlandia

página 65

Finlandia

Lost in Complete Complete Dance Crew

página 237

Suecia

(4) (3)

(6)

Rain (6)

Det Ferösche Compagnie DFC

página 109

Islas Faroe

ROSE: Rite of Spring – Extended 2 Granhøj Dans

(7) página 92

Dinamarca

The Outsider (8)

TT13, The Amazing Magic Theatre and Espoo City Theatre

página 116

(7)

Finlandia

The Tiger Lillies Perform Hamlet (9) Republique

(9) (8)

página 44

Dinamarca

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Homenaje a Shakespeare La violación de Lucrecia The Tiger Lillies Perform Hamlet Songs of Lear Ella en Shakespeare Los villanos de Shakespeare Otelo Mendoza Romeo y Julieta Los dos Hidalgos de Verona

FOTOGRAFÍA:

MARTIN TULINIUS

The Tiger Lillies Perform Hamlet

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Esta obra

LA VIOLACIÓN DE LUCRECIA

es sobre La violación de Lucrecia, el poema de Shakespeare, pero también es sobre Núria Espert , la Gran Dama del teatro español, quien subió al escenario hace 60 años para robarle al espectador el aliento. Lo primero que vemos en esta obra es que la actriz está Núria Espert / Miguel del Arco sola en su casa, escucha Alina de Arvo Pärt, y se dispone a ensayar una obra; como se está preparando y está sola, ella M i g u e l d e l A r c o [Director] “Este hace todos los papeles. Espert y Miguel del Arco, el director que ella escogió para que espectáculo la guiara, presentan este monólogo en el que la actriz es Tarquino es, y mido mis y Lucrecia a la vez: el violador y su víctima . La catalana, que se ha formado desde que tenía 19 años interpretando a Medea (la traicionada palabras, un asesina de sus propios hijos), y que ha madurado junto a ese personaje acontecimiento complejo, sabe que Medea es Tarquino y Lucrecia a la vez. O que Tar- histórico: algún quino y Lucrecia son, juntos, Medea. Si Lucrecia es poseída a la fuerza día diremos: por la violencia de Tarquino, este es poseído por un deseo infamante que nosotros lo arruinará. Y la actriz es la posesa de ambos. Lucrecia prefiere la muerte a ocultar que ha sido ultrajada. De estábamos los personajes trágicos de Shakespeare, ella es la favorita de Espert. allí, vimos Si Tarquino no es solo un villano, la joven Lucrecia no es solo una a la Espert esposa fiel. Antes de darse muerte, contemplando a la anciana Hécuba en un cuadro que representa la guerra de Troya, Lucrecia será también haciendo Hécuba y hablará por todas las mujeres que han padecido la violen- La violación cia de los hombres convertidos en animales de guerra. de Lucrecia”. La traducción del texto entrega en español la belleza del poema [El País] inglés. Sus palabras me colman la boca , asegura la actriz. Y se nota cuando las dice. La función termina con ella, encarnando al general Colatino, el esposo, quien levanta en brazos la túnica ensangrentada de Lucrecia para yacer a su lado. Pero también, al final, la que parece descansar, arropada por su personaje y por la fuerza del teatro que se levanta en aplausos, es la actriz de vuelta a su casa, es esta gran Núria Espert.

FOTOGRAFÍAS:

JAVIER NAVAL

España

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No miente el título de esta versión contemporánea de El Rey Lear, de la compañía polaca Song of the Goat Theatre, pues efectivamente no solo presenta la obra de Shakespeare, sino que la expresa en las canciones que surgen de esta, compuestas por Jean-Claude Acquaviva y Maciej Rychly para condensar las emocio-

SONGS OF LEAR

No son saltimbanquis

parados en los hombros de un gigante. Es Shakespeare, quien parece haber vuelto en la era de las proyecciones de vídeo, el neopunk y el circo contemporáneo. La era en la que una banda de músicos guasones, The Tiger Lillies, que alguien se ha arriesgado a calificar como antepasados del cabaret punk brechtiano, se encuentra con una de las grandes compañías del mundo, célebre por sus interpretacioRepublique nes visuales de los clásicos del teatro. Siendo inocente, podría uno pensar que en el teatro no hay más que un M a r t i n Tu l i n i u s [Director] punto de vista: el del espectador sentado en su silla. Que no puede ser como el cine, con sobrevuelos, planos cenitales y cámaras en grúas que se elevan sobre las cabezas de los actores. La compañía danesa Republique y la banda inglesa The Tiger Lillies llegan al XV FITB para demostrar cuán equivocada es esta percepción en el inabarcable mundo del teatro contemporáneo. Ya en el primer acto el espectador es sorprendido con un banquete que parece ser visto desde una esquina del techo. Los actores están en la mesa y quien mira parece preguntarse por la gravedad.

Dinamarca

Una de las grandes compañías de teatro del mundo y una banda de culto inglesa interpretan un "Hamlet" tan fiel a Shakespeare como original y actual en su reescritura visual y sonora.

¿A qué lado del escenario se deben caer las cosas?

G r z e g o r z B r a l [Director]

condensa la tragedia de Shakespeare en dos expresiones musicales densamente significativas: “nos recuerda que las palabras son botellas en las que vertemos nuestras emociones, pero que no las contienen completamente”. [The Herald Scotland]

el drama de un padre ciego que no es capaz de diferenciar entre el amor sincero de una de sus hijas y el interés ambicioso de las otras. Y esa situación está puesta en

escena con la música y canciones que los compositores Acquaviva y Rychly presentan en dos expresiones musicales opuestas: el coral litúrgico europeo, cercano a la tradición cristiana oficial, que sirve para dar cuenta de la armonía anterior a la repartición del reino por Lear; y el canto en una lengua antigua de Egipto, el cóptico, lejano y herético, que simboliza la tragedia en el drama.

MARTIN TULINIUS / FOTOGRAFÍA:

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entre sí, sino que se comunican a través del sonido armónico o disonante que requiere la situación. No son solo

El Rey Lear

los parlamentos los que enfrentan al Rey Lear con Cordelia y tampoco es la acción concreta, precisa y física la que opone a las hermanas mayores con la menor: son las voces, el canto y la música las que evidencian

TEXTO :

Pero el espectador no llegará a preguntarse nada, porque la obra simplemente lo hipnotizará con el indefinible canto de sirenas del líder de la banda , que no le permitirá pensar en algo distinto de la futilidad de la existencia. Es decir, en Hamlet. Podemos sentir que caemos en el agua, ser cautivados por las marionetas gigantes, adorar los exper imentos visuales de la compañía danesa y el riesgo de su aclamado director, Martin Tulinius. Pero, de alguna forma, todo este concierto confluye en una maravillosa reescritura de la tragedia de Shakespeare. Una especie de puesta al día, que logra que Hamlet parezca más actual que nunca .

Polonia

PA B L O B U R G O S

THE TIGER LILLIES PERFORM HAMLET

nes de la tragedia en dos formas musicales. Uno de los grandes logros de la puesta en escena es permitir experimentar la tragedia desde una perspectiva que no está sustentada en la palabra, en el texto, sino en la música que genera imágenes y sentido, pues, como afirma el crítico de The Herald Scotland, esta compañía “nos recuerda que las palabras son botellas en las que vertemos nuestras emociones, pero que no las contienen completamente”. Al significado del drama se llega por diferentes vías, y esta obra expone algunas menos usuales, en particular la del diseño sonoro, que es su vehículo expresivo. Ubicados en un semicírculo en el escenario, que llega a ser también instrumento de la obra, los personajes no hablan Song of The Goat Theatre

Esta versión de

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LOS VILLANOS DE SHAKESPEARE Grupo T de Teatro

Colombia

J o r g e H u g o M a r í n [Director]

Los villanos de Shakespeare

es una obra del actor y dramaturgo inglés Steven Berkoff, quien ha encarnado diferentes personajes shakespeareanos y famosos villanos del cine. Para este dramaturgo, representar los papeles de Shakespeare “es una gimnasia con la que expandes la voz, desarrollas la musculatura de la ironía, cargas el corazón, llenas de combustible el depósito de las emociones. Un actor alimentado por las obras de Shakespeare es un animal de teatro diferente”. Precisamente eso es lo que se representa en esta puesta del Grupo T de Teatro, dirigida por Jorge Hugo Marín.

Los clásicos,

esas obras que según la famosa expresión de Italo Calvino,

ELLA EN SHAKESPEARE

Casa Ensamble

Colombia

“nunca terminan de decir lo que tienen que decir”, esos libros “que cuanto más

cree uno conocerlos de oídas, tanto más nuevos, inesperados, inéditos resultan al leerlos de verdad” [Por qué leer los clásicos], parecen exigir siempre su reinterpretación. Despojados del aura de su intemporalidad, son cada vez más actuales cuando se montan en clave con las inquietudes contemporáneas , ya no

solo metafórica sino literalmente, subrayando, por ejemplo, la relación entre el poder y la sangre, la bestialidad de la guerra o las múltiples formas de violencia contra la mujer. Esta última es la linterna que ilumina el montaje de Ella en Shakespeare, interpretado por Alejandra Borrero y Erik Rodríguez, bajo la dirección de Manolo Orjuela, en el que Alejandra Borrero es Desdémona, brutalmente asesinada por un marido celoso; Julieta, despreciada por el hombre que ama; o Cordelia… La obra escoge fragmentos significativos tomados de Otelo, Macbeth, Hamlet, Romeo y Julieta, El Rey Lear y Ricardo III, y forma con sus cuentas un collar que se enrosca alrededor del cuello de las mujeres. La pieza forma parte de la campaña de Alejandra Manolo Orjuela

Borrero contra la violencia de género, llamada Ni con el pétalo de una rosa . Para profundizar aun más en la

actualidad de los temas tratados, e interpelar al espectador de manera directa, el texto se entrecruza con los relatos de víctimas emblemáticas de la violencia de género en Colombia .

La puesta en escena se complementa con el diseño sonoro de León David Cobo y el trabajo audiovisual de José María Ángel para configurar una obra fuerte, pero al mismo tiempo poética y sugestiva.

Alejandra Borrero es Desdémona, brutalmente asesinada por un marido celoso; Julieta, despreciada por el hombre que ama; o Cordelia o Lady Macbeth... en esta obra que a través de Shakespeare nos interpela sobre la violencia de género.

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Jairo Camargo es el encargado de llevar al público por esta galería de personajes perversos. Tras cuatro décadas de experiencia

en teatro, cine y televisión, Camargo no necesita presentación. En este montaje será el ambicioso príncipe jorobado, pero también Yago,

complacido en atormentar a su presa; será la culpa consciente de Macbeth, y también Shylock, el manipulador. Y para “Un actor la sorpresa de muchos, será también Hamlet, el prín-

alimentado por las obras de Shakespeare es un animal de teatro diferente” [Berkoff]. Eso lo demuestra esta obra en la que un solo actor es, sin transiciones, Yago, Ricardo, Macbeth y Hamlet (otro de los grandes villanos de Shakespeare).

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cipe de Dinamarca, porque para el autor de esta obra el personaje más famoso de la dramaturgia occidental es también un villano que no duda en sembrar de muerte su camino hacia la venganza.

De esta forma, Grupo T de Teatro presenta diferentes rostros de la maldad. Y lo hace remontándose a una antigua técnica teatral de origen medieval llamada “Bululú”, en la que un juglar interpreta a muchos personajes cambiando tan solo su voz. Se trata de una pieza de teatro dentro del teatro; por eso el espacio es un escenario vacío en donde el actor”, acompañado del tramoyista, ensaya ser los villanos de Shakespeare” y ejercita su “musculatura de la ironía”.


chilena de la obra de Shakespeare. Ellos, además de encarnar al alférez Yago y a su mujer Emilia, se desdoblan para manipular a los maniquíes de Otelo y Desdémona, disociándose hasta convertirse en

“Combinando eficazmente el teatro visual y de objetos con el de actores, la manipulación de muñecos con la ventriloquía, el arte de la comedia con la comedia dell’arte, este Otelo no da tregua al espectador”.

los siameses de sus muñecos, con una maestría que el crítico de El País no duda en calificar como “algo subyugante y profundamente esquizoide”. La partitura vocal lo demuestra: si la voz que le da Lorca a Otelo es grave y profunda, la de Yago es servil y aguda. Si la voz de Desdémona es limpia y suave, la de Emilia es áspera y cruda. La sincronía de los actores es asombrosa, pues no pocas veces ambos manipulan un muñeco desmembrado, quedándose uno con su cabeza y otro con sus pies y su voz, como en la bella escena del baño de Desdémona. Así como el actor que representa a Yago maneja el muñeco que representa a Otelo, Yago manipula al General. Otelo es el títere de Yago, uno de los villanos más insondables de Shakespeare; su odio sin sentido en esta obra le hace algún guiño al racismo: “Odio al negro”, dice Yago, adaptando el “Odio al moro” shakespeareano. [El País] Dejando a un lado la idea de que el tema de esta tragedia son los celos, esta versión subraya que se trata de un feminicidio. El escenario único y riguroso de la obra, la cama de la habitación de Desdémona, se convierte entonces en el microcosmos del horror de la víctima. Al comienzo de la obra, los dos actores representan a un matrimonio hipnotizado ante la luz azul de una pantalla desde donde se anuncia: “cada vez más y más televisores se encienden a la misma hora para disfrutar del suceso televisivo: el Moro de Venecia”. Así nos advierten que la tragedia ha sido voluntariamente adaptada al lenguaje y a la estructura de una telenovela.

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que habla con la voz de los personajes de Rulfo, que no están ni muertos ni vivos en sus novelas, desesperanzada pero usando las palabras de una rica tradición del habla popular que parece brotar de las entrañas de la tierra para hacerse crudamente sabia, le cuenta sus augurios a una gallina y le anuncia “Tratamos a Mendoza, general de la Revolución Los Colochos Teatro de acercar a mexicana, que llegará a ser gobernador. Macbeth a Rosario, la mujer del general, enterada del con la lengua afilada por el deseo J u a n C a r r i l l o [Director] las personas, augurio, de grandeza que juntos han alimentado, hacerlo un lo convence de traicionar y asesinar a su proyecto pariente y amigo, el gobernador Montaño, para ocupar su posición. Menacepta y ese primer homicidio desencadena esta tragedia a la propio, una doza mexicana , basada en Macbeth . historia que Macbeth trata el tema universal y atemporal de la codicia desmenos doliera a dida y sin sosiego de los hombres. Cada triunfo de Mendoza le ofrece nosotros”. una nueva víctima, que morirá por miedo de que alguien le arrebate [Juan Carrillo] al ambicioso de poder aquello que acaba de obtener. Mendoza , como Macbeth, es una obra sangrienta, no solo porque se desarrolle en medio de varios asesinatos sino porque su simbología gira alrededor de la sangre. La cercanía de la obra mexicana a una realidad violenta, todavía más sombría que la de la Revolución de las primeras décadas del siglo XX, aumenta la pertinencia y actualidad de esta magistral versión contemporánea de Macbeth. La obra, puesta en escena por Los Colochos y adaptada por Antonio Zúñiga y Juan Carrillo, con actuaciones admirables apenas sutilmente acompañadas por austeros y efectivos elementos de escenografía, se sitúa en el corazón del público, en el centro del teatro, y hace partícipes de su desarrollo a los espectadores que se ubican muy cerca del escenario, y que serán los invitados a una fiesta, o los cómplices de las confidencias de Mendoza, o comensales, o feligreses paganos o verdugos.

MENDOZA México

MARIANELLA VILLA

J a i m e L o r c a , Te r e s i t a I a c o b e l l i , C h r i s t i a n O r t e g a [Directores]

FOTOGRAFÍA:

Chile

Una bruja

RAFAEL ARENAS

Viajeinmóvil

animar objetos sigue siendo un misterio aunque todos hayamos jugado gracias a ella. Jaime Lorca y Nicole Espinoza, los grandes actores que representan Otelo, lo saben: ese misterio no resuelto juega un papel inquietante (o dos) en esta versión

FOTOGRAFÍA:

OTELO

La cualidad solo humana de

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Mauricio Arévalo adapta con maestría la tragedia de Shakespeare a una fábula para el público infantil, con altas dosis felinas de colorido, alegría, música y maullidos en los tejados.

ROMEO Y JULIETA: UN AMOR QUE SE CANTA EN LOS TEJADOS

Dos familias de Gatos, los Montesco, de hocico chato, y los Capuleto, de hocico puntudo compartían la

leche y los tejados de Verona hasta que rivalizan por cuestiones de poder. En medio de esta antigua pelea entre familias nacen Romeo Montesco y Julieta Capuleto, y entre ellos nace el amor entre gatos, que los llevará a enfrentar duelos y

Compañía Nacional de las Artes combates felinos para defender la posibi-

Colombia

C é s a r M o r a l e s [Director]

lidad de su amor.

Mauricio Arévalo adapta con maestría la tragedia de Shakespeare a una fábula para el público infantil, que dis-

fruta toda la familia, plena de colorido, alegría, música y maullidos en los tejados. La orquesta en vivo, los coros de los actores, el vestuario animado y un texto hilarante hacen de esta una puesta en escena feliz.

Una clásica puesta en escena de una de las primeras comedias románticas de Shakespeare en la que los malentendidos y enredos de amor son enriquecidos con la aparición de dos de los personajes más graciosos del dramaturgo inglés.

La Compañía Nacional de las Artes presenta una adaptación de una de las primeras come-

dias románticas de William Shakespeare, Los dos hidalgos de Verona . La obra ofrece a los jóvenes, su

público ideal, los elementos que atraviesan el resto de la dramaturgia del genio inglés. Se trata de una historia de enredos amorosos, malentendidos, traiciones y, sobre todo, del valor de la amistad por encima incluso del amor. Dos amigos inseparables, Valentín y Proteo, escogen caminos opuestos para dar cumplimiento a sus deseos: mientras Valentín quiere recorrer el mundo para conocerlo y madurar, Proteo prefiere quedarse en su ciudad natal para casarse con su amada Julia. Sin embargo, Valentín conoce a Silvia en el camino a Milán y se enamora de ella. Proteo ve a Silvia, se enamora de ella, y decide abandonar a Julia y traicionar a Valentín. Valentín sale desterrado de la ciudad en la que vive Silvia, y esta lo sigue, pues está enamorada de él. A ella la sigue Proteo, y a él lo sigue Julia, disfrazada de hombre, pues no ha perdido la esperanza de recuperar su amor. Aunque la resolución de la obra podría ser trágica, la pieza aligera los dramáticos enredos de amor con la presencia de dos de los personajes más cómicos de Shakespeare: los bufones Lanza y Relámpago.

La puesta en escena de esta compañía es clásica; por medio del vestuario de época y la música en vivo busca transportar al espectador a la época de Shakespeare y recuperar para el teatro actual el legado del gran autor inglés.

LOS DOS HIDALGOS DE VERONA Compañía Nacional de las Artes

Colombia

N e l s o n C e l i s [Director]

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Clásicos en versión contemporánea Fausto

La trágica historia de la vida y muerte del Doctor Fausto Medea El círculo de cal Dead Dog in a Suitcase (and other love songs) Un hombre es un hombre Homenaje a Joe Broderick: La última cinta de Krapp Ionesco Suite Una luna para los malnacidos Borís Godunov Los bajos fondos Un Chéjov Tío Vania Te estás volviendo Chéjov Hoy envejecí diez años El enemigo del pueblo La visita de la vieja dama Médico a palos El avaro El Alférez IReal

Borís Godunov, Teatro Et Cetera de Moscú

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FAUSTO

Bajo la dirección de Tomaž

Pandur, la gran

Coproducción de Slovenian compañía de teatro de Eslovenia llega con este magnífico National Theatre Drama Ljubljana Fausto, haciendo gala de un montaje de proporciones y un elevado concierto de tecnología y gótica y 63rd Ljubljana Festival míticas belleza que logrará sorprender a sus más fieles seguido-

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FOTOGRAFÍA:

res con su “teatro de alta definición”. Fiel a la personal estética teatral de Pandur, el esceTo m a ž Pa n d u r [Director] nario de su Fausto es rigurosamente monocromático: toda la escenografía y el vestuario está en la escala de grises a negro, solo interrumpida simbólicamente por un rojo sanguíneo, y recuerda la versión cinematográfica Bajo la y expresionista del Fausto de Murnau. Los personajes dirección de literalmente parecen flotar sobre un oscuro espejo de agua, que bien puede simbolizar “el mar de confusión” Toma� Pandur la en el que se ahoga el hombre, franqueado por dos muros belleza gótica colosales de madera que se abren o se cierran como las y expresionista puertas del infierno y que el Doctor Fausto usa como de este pizarrón en donde se proyectan, como si se tratara de manuscritos esotéricos, las fórmulas de su búsqueda de magnífico sabidurías ocultas. Fausto, El hombre que vendió su alma al diablo, el que concebido descubrió su otro rostro en el rostro de Mefistófeles (que como un en esta obra no llega solo sino como un nómada salido de Mad Max acompañado de su mujer y sus hijos y seguido alquímico por una cuadrilla de diablillos), el que pide que a cambio “teatro de alta de su alma se le devuelva la juventud y se le permita el definición”, acceso al placer y al conocimiento absolutos, es el proflota sobre tagonista de este laboratorio de alquimia , en donde el texto de profundidades existenciales y herméticas de un espejo de una obra inspirada en las versiones de Goethe y de Mar- agua ante lowe se desliza demoniaco en el escenario para hacernos las puertas dudar de los límites entre el bien y el mal. El deseo del infierno del conocimiento, ese que ha llevado a la ciencia a ir más allá de las posibilidades humanas, le hace sentenciar o el ansia de a Fausto: “Siempre se necesita aquello que se ignora y conocimiento. nunca podemos hacer uso de lo que sabemos”.

ALJOSA REBOLJ

Eslovenia

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Colombia

A n i a N o w i c k i y Pa w e l N o w i c k i [Directores]

“Este espectáculo

es una versión contemporánea de la obra clásica La trágica historia de la vida y la muerte del doctor Fausto de Christopher Marlowe, en la que el argumento del clásico se transmuta en la confrontación de un hombre con la cultura de masas, de la que sale finalmente destruido. Bajo la dirección de Pawel Nowicki, solo tres actores les darán vida a los personajes de la obra: Elkin Díaz interpretará a Fausto mientras que los demás personajes serán representados por Ana María Sánchez y Ramsés Ramos. La obra le rinde homenaje a la música de Heinrich Ignaz Franz Biber, nacido en 1644 en Wartenberg dentro del Sacro Imperio Romano Germánico, compositor de las famosas Sonatas del Rosario” [La Ventana Verde].

MEDEA

España

la que el argumento del clásico se transmuta en la confrontación de un hombre con la cultura de masas". [La Ventana Verde]

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La historia de la extranjera Medea,

que se escribió hace más de dos mil años, sigue vigente, y la aclamada interpretación de Ana Belén en el papel Festival Internacional de protagónico acerca al público a una leyenda que trata esencialmente del desequilibrio de las pasiones humaTeatro Clásico de Mérida nas: la fidelidad y el amor se transmutan en venganza, y Pentación Espectáculos en odio enceguecido. La admirada cantante española sorprenderá al público con una Medea memorable que se integra a la lista de roles trágicos en los que se ha desJ o s é C a r l o s P l a z a [Director] tacado como actriz desde hace varias décadas. En esta versión de Medea, el espectador será testigo de una propuesta que integra los contenidos clásicos al teatro contempoAna Belén, ráneo, logrando un espectáculo grandioso e íntimo a la vez. Al respecto dice el dramaturgo, Vicente Molina Foix: “La obra se mueve en dos

La trágica historia de la vida y la muerte del doctor Fausto, en

DAVID RUANO

La Ventana Verde

"La obra es una versión contemporánea del clásico de Marlowe:

FOTOGRAFÍA:

LA TRÁGICA HISTORIA DE LA VIDA Y MUERTE DEL DOCTOR FAUSTO

la admirada cantante española, sorprenderá al público con una Medea memorable, en la que el argumento griego se actualiza de modo “fervientemente infiel”, como el mismo Jasón.

frentes: el sueño heroico y la crudeza intemporal de una crisis de pareja hecha de intereses, miedos y amor violentamente defraudado”. Así, lo eterno humano reposa en el

argumento griego, pero se llena de sentido con una lectura actual que hace énfasis en las relaciones interpersonales más que en lo mítico, y que para el autor identifica su obra con la gran herencia clásica, de la que “hemos querido ser fervientes infieles”. La anécdota es sencilla pero contundente: Medea es la hechicera que traiciona su patria y a su familia por el amor de Jasón. Con sus poderes permite que

este hombre consiga su propósito: el codiciado Vellocino de Oro y, con él, la fama; sin embargo, su marido decide casarse con otra mujer para conseguir el reino de Corinto. En un país que le es extraño, Medea es ultrajada y abandonada, pues pesa sobre ella el decreto real de destierro inmediato que la despoja de todos sus derechos. Deshonrada, asesina a la nueva prometida, degüella a sus propios hijos y huye ante la mirada atónita de un

desolado Jasón, que por ambición provocó la ira de una mujer que le había sido devota.

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DEAD DOG IN A SUITCASE (AND OTHER LOVE SONGS)

Lo que cantan Kneehigh en esta Gran Bretaña revitalizada M i k e S h e p h e r d [Director] versión de La ópera del mendigo es

Dirigida por Luis de Tavira, la Compañía Nacional de Teatro pone en escena una versión libre de El círculo de tiza caucasiano, la última de las obras de Brecht . El círculo de cal comienza con un falso documental en el que alrededor de un círculo se disputan la tierra “¿De quién Luis de Tavira y la Compañía los indígenas que protegen la naturaleza y es la tierra Nacional de Teatro los colonos que viven de talar el bosque. y de quién ¿De quién es la tierra?, se increpan. Una pregunta que Tavira responde con la pará- son los hijos? L u i s d e Ta v i r a [Director] bola de la obra de Brecht: ¿de quién son Son las dos los hijos? preguntas que El argumento gira en torno a la determinación de una criada: se entrelazan salvar al bebé de su ama , la esposa del Gobernador, quien lo ha abandonado para salvar el pellejo en medio de la guerra civil. Pero los pode- en torno a rosos han soltado a sus ejércitos para deshacerse del “heredero”. En el esta obra… La juicio del final, un dilema salomónico sentenciará, según Brecht: “no aproximación el derecho de la criada sobre el niño, sino el derecho del niño a una a una de las madre mejor ”. Asimismo, “la tierra no es de nadie. Uno es de la tierra”, preguntas concluye Tavira. Los recursos escénicos de la obra son sorprendentes y atávicos: la ilumina la dirección corporal expresionista convierte a los actores en marionetas respuesta de (y a los encuadres en cuadros de cómic), que repiten ritualmente una la otra: la tierra gramática de gestos creada para cada personaje. Las máscaras adheridas al rostro y el vestuario grotesco no dejan ver la piel de los 20 actores no es de nadie. que interpretan 69 caracteres. La música y los efectos sonoros que Uno es de acompañan la obra son ejecutados en vivo, fuera de la escena, y com- la tierra”. ponen una coreografía perfecta con los guías y el coro del [Luis de Tavira] pueblo que canta corridos, huapangos y otras canciones compuestas exclusivamente para la obra . La representación es de largo aliento (dura 4 horas); pero usted se mantendrá pegado a su silla gracias al irresistible humor de la pieza, su dinamismo, la música y la genialidad y actualidad de esta obra brechtiana, cuyos postulados revitaliza el director mexicano.

puro rock y lo que vemos es gran cine negro llevado al teatro.

EL CÍRCULO DE CAL

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FOTOGRAFÍA:

SERGIO CERREÓN IRETA

T E X T O : PABLO BURGOS

México

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La compañía

de teatro británica

Kneehigh llega a conjurar los horrores de

aquellos que le temen al teatro o al cine musical. Viene a incendiar con sus actuaciones el escenario de su obra Dead Dog in a Suitcase (and other love songs) y a cantar algunas canciones mientras lo hacen. Lo que cantan es rock , pero lo que vemos parece cine negro llevado al teatro. Un hombre ha sido asesinado, y muere en frente de nuestros ojos dos veces. Sí, esta obra tiene replays y cámara lenta (aunque no tenga cámara). Vemos una y otra vez al asesino, que, dicho sea de paso, asesina al perro antes que al hombre. El perro, que de alguna manera termina en una maleta y en el título de la obra. La obra está basada en La ópera del mendigo, estrenada en Londres en 1728, con tal éxito que con las ganancias se construyó el primer Covent Garden. Sigue siendo la más popular ópera satírica dentro del ambiente anglosajón y es el antecedente del musical moderno. En Alemania fue apropiada, actualizada y popularizada dos siglos después por Bertolt Brecht como La ópera de los tres centavos, con música original de Kurt Weill, cuyas canciones regresaron al inglés convertidas en piezas populares del jazz. Al parecer la obra tiene el don de volver a ser contemporánea. Si la original trataba de bandoleros, ladrones de caminos y prostitutas, y la de Brecht aludía al fascismo, la versión de Kneehigh parece asunto de conspiraciones corporativas y sicarios urbanos; pero da siempre origen a un original Robin-Hood . Dead Dog in a Suitcase (and other love songs) tiene misterios que no lo son para el espectador; un villano al que es fácil amar; un policía que canta rock pesado con un megáfono; bailes en burdeles; un par de títeres; un escenario dinámico de andamio con tobogán; y un perro muerto que pasa casi toda la obra entre una maleta.


UN HOMBRE ES UN HOMBRE

Teatro Libre

Colombia R i c a r d o C a m a c h o [Director]

El Teatro Libre añade a su canónico reperto-

rio su tercera adaptación de una obra de Brecht: Esta vez el turno es para una de las piezas más irónicas y divertidas del dramaturgo alemán: Un hombre es un hombre. Dirigidos por el maestro Ricardo Camacho, los catorce actores en escena, que pertenecen a la nueva generación del Teatro Libre, presentan el clásico con fina ironía, humor negro, música en vivo y teatro de El Teatro Libre acción, en una puesta en escena ágil y contemporánea .

artista colombiano homenajeado en la XV edición del FITB, es uno de esos seres, propios de la ficción, que en la vida real han estado habitados por varias versiones de sí mismo: el Joe de su infancia en

sorprende con esta ágil, musical y contemporánea versión de una de las obras más irónicas y oscuramente divertidas de Brecht, en la que un simple cargador se convierte, “por no saber decir no”, en una máquina de matar.

Australia y el de su juventud en Irlanda quizás no se diferencien mucho del Joe colombiano; pero con seguridad el Joe sacerdote de púlpito (una experiencia teatral en sí misma según sus palabras) debe tener poco que ver con el biógrafo de otros dos curas: Camilo Torres y Manuel Pérez. Otro es el Joe que traduce obras de los grandes autores de teatro en lengua inglesa; pero ese quizá explique al tardío Joe actor: primero en el monólogo Primer amor de Samuel Beckett; después como Brabancio en Otelo (que él mismo traduce); y que a sus ochenta años decidió meterse en la cinta y en el cuerpo del viejo Krapp. La última cinta de Krapp es un monólogo dramático de Samuel Beckett cuyo protagonista es un anciano melancólico, con la voz arruinada , a quien acechan por encima del hombro los fantasmas del pasado. Para celebrar su cumpleaños tiene la costumbre de grabar una cinta de audio en donde queda registrado quién es y qué le

Como homenaje a Joe Broderick se presenta este monólogo de Beckett sobre la imposibilidad de reconocerse en el registro del pasado, porque pocas veces coinciden aquél que alguien es con el que quisiera haber sido.

ocurrió. Pero esta noche, en la semipenumbra, frente a la vieja máquina de grabación, decide escuchar una cinta que grabó 30 años atrás. La obra exige un primer momento de teatro gestual para comunicar las reacciones de Krapp ante lo que escucha, y un segundo momento verbal, que corresponde a la grabación de la cinta de su aniversario actual; lo cual la convierte en una pieza exigente para el actor. El viejo Krapp se burla de la futilidad de sus ilusiones y del fracaso de las ambiciones de su juventud. Pero la obra es también sobre la imposibilidad de encontrarse en el registro del pasado, porque pocas veces coinciden aquél que alguien es con aquel que cree haber sido. En palabras de Krapp: “Acabo de escuchar a ese pobre

CARLOS MARIO LEMA

HOMENAJE A JOE BRODERICK:

LA ÚLTIMA CINTA DE KRAPP

FOTOGRAFÍA:

“Galy Gay, un estibador irlandés que vive en Kilkoa, India, no sabe decir que no. Un día sale a comprar un pescado y en el camino se encuentra con tres feroces soldados británicos que perdieron a su cuarto hombre: Jimmy Jones. Ellos no pueden presentarse sin el soldado restante ante su sargento, el Quinto Sanguinario, y por eso tienen que transformar, en una noche y antes de partir a la guerra contra el Tíbet, al humilde estibador irlandés en Jimmy Jones: la nueva máquina de guerra humana. Pero, ¿un hombre puede dejar de ser quien es? ¿Puede uno convertirse en un brutal asesino de la noche a la mañana? La viuda Begbick, maestra de ceremonias y dueña de la cantina del Ejército Británico, nos demostrará, por medio de música, teatro y alcohol, cómo se transforma a un hombre en otro hombre” [Teatro Libre].

Walter Joseph Broderick,

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Joe Broderick

Colombia

C a m i l o C a r v a j a l [Director]

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hombre que tomé por mí hace treinta años. Difícil de creer que yo haya sido así de estúpido”.


Ionesco Suite, al igual que la pieza

Ella, sostienen una insólita conversación acerca de si un caracol y una tortuga son el mismo animal), La cantante calva (un diálogo desquiciado entre dos parejas Théâtre de la Ville que se incomunican y en donde apenas se menciona de pasada a una cantante calva) y La lección (una pieza en la que E m m a n u e l D e m a r c y - M o t a [Director] la clase de un profesor a su alumna se transforma en una peligrosa lección de autoritarismo). Gracias a esta suite, el espectador podrá acercarse por primera vez o volver a visitar el extraño humor y el estilo dislocado de este gran dramaturgo nacido en Rumania, considerado como uno de los creadores del teatro del absurdo. “Los siete actores que interpretan Ionesco Suite llevan a la audiencia a través de un viaje en órbita por la variada paleta de colores de Eugène Ionesco, por su increíble maestría en los juegos de palabras y su talento poético. La puesta en escena, resultado de un trabajo en conjunto, enmarcado y puntualizado por el director, es un auténtico burlesque… La extrañeza es

Francia

compuesta con extractos de algunas de las grandes obras de Ionesco: Jacques o la sumisión, Delirio a dúo, La cantante calva y La lección.

UNA LUNA PARA LOS MALNACIDOS

AGATHE POUOPONEY

IONESCO SUITE

las grandes obras de Ionesco: Jacques o la sumisión (sobre una familia en la que todos se llaman Jacques), Delirio a dúo (una obra en la que una pareja, Él y

Ionesco Suite está

llevada al extremo en la familia, el matrimonio o en la escuela , que son todas al mismo tiempo irracionales, irreales, absurdas, fantásticas, sangrientas o simplemente ridículas” [François Regnault].

El escenario es como una Luna de

piedra reflejada a la entrada de la granja de Phil Hogan y su hija Josie, quienes reciben la visita del dueño, Jim Tyrone,

y de algún vecino patético a quien sacan

Teatro UNAM despavorido de la escena; o es un pequeño

FOTOGRAFÍA:

musical que le da nombre y que une varias danzas bajo una misma tonalidad, está compuesta con extractos de algunas de

México

anfiteatro en donde tiene lugar el ritual de ocultamientos y revelaciones que es M a r i o E s p i n o s a R i c a l d e [Director] esta versión mexicana del clásico Una luna para los malnacidos, basada en la tragicomedia del Premio Nobel estadounidense, Eugene O’Neill. Los actores son portentosos; y su tono de voz cálido y su dicción perfecta no dejarán que se pierda una sola palabra dicha en el escenario, pues usted no querrá perderse una palabra de esta obra de humor salvaje y amor filial mudo. Los diálogos joviales reproducen el don de insultar de ciertos

FOTOGRAFÍA:

DAVID RUANO

personajes de Shakespeare (como el magnífico Falstaff), y todo el primer acto estará acompañado por el estruendo de las carcajadas, sin que alguna sea causa de un chiste de mal gusto en el escenario. En esa exhibición de ingenio no sabrá si odiar o querer a Phil, el padre boquisucio de Josie; a ella misma, que tiene siempre un palo en la lengua y en su mano para vapulear al que sea; o a Jym, el borracho que disfruta aguijoneándolos para que enseñen su maravilloso arsenal. Los caracteres se van revelando como muñecas rusas tras sus ocultamientos y una mala reputación creada con esmero; el tono de la obra se hace más grave y parece anunciar la imposibilidad de alguna relación honesta entre los tres. Pero el segundo y último acto lo dejará con los ojos empañados ante el descubrimiento de que ninguno es el caso perdido que dice ser frente al otro. La obra abre con el padre y la hija concibiendo los insultos más ácidos para molestarse. Y pretende cerrar de igual modo; pero ese día todos han tenido que hablar de la forma extraña en que se aman, y su máscara de rudeza dejará

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de encajarles.

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Un clásico que toda familia en edad adulta debe ver para sentarse a reír a carcajadas en este círculo estrecho de inteligencia implacable y afectos filiales, aunque nadie esté a salvo de las burlas ingeniosas y despiadadas de los Hogan.


BORÍS GODUNOV

LOS BAJOS FONDOS

Peter Stein

es un enamorado de Rusia, por eso aceptó el desafío de dirigir Borís Godunov, la gran obra trágica del Siglo de Oro ruso, interpretada por los céleTeatro Et Cetera de Moscú bres actores del Teatro Et Cetera de Moscú. Peter Stein es célebre por afrontar desafíos monumentales como director de ópera y de teatro, como el de P e t e r S t e i n [Director] haber puesto en escena Los demonios de Dostoievski, cuya representación se prolonga durante 12 horas. La obra de Pushkin es otro de sus retos, pues el espacio y el tiempo cambian con cada breve acto, que en su mayoría no dura más de dos minutos. El director consideró que esto hablaba de la modernidad de la Uno de los obra y no de su irrepresentabilidad , decidió seguir al pie de la letra al grandes direcautor y el resultado es una puesta en escena cinematográfica con tres escenarios contiguos, que llenan de dinamismo contemporáneo la tores de teatro pieza y contrastan con el clasicismo de la interpretación. del mundo, Basado en ilustraciones y grabados históricos , Stein quiso Peter Stein, una darles vida a algunos de ellos, como en la escena en la que el zar apagran compañía rece hierático y majestuoso, bañado por una intensa luz dorada, que lo hace ver como la figura de un ícono resplandeciente. La escenografía rusa y una es concentrada: una luz dorada sobre fondo negro y el suntuoso traje obra maestra del zar componen este cuadro, pero el resultado es de una profunda de Pushkin se carga simbólica . Cada pequeña escena de la obra es representada con reúnen en esta precisión y rigor semejantes. Baste mencionar que otra de ellas tiene como único decorado la magnífica campana del zar, que el director hizo imponente reproducir a otra escala. puesta en El argumento de la obra de Pushkin es shakespeareano: Borís escena, que se Godunov sufre remordimientos, ama a su pueblo y está estrena interen riesgo de ser depuesto por un impostor. Pero el pueblo sabe que el zar ha manchado sus manos con la sangre nacionalmente de un niño; se comportó como Herodes y no obtendrá en el XV FITB. compasión.

Rusia

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Teatro Nacional de Finlandia

Finlandia

El inicio de Los bajos fondos es hipnótico: un hombre equilibra

como funambulista su borrachera frente a la luz de una vela. Otro trepa a un piso alto, saca de la cama a una mujer ajena y se enreda con ella en un abrazo furtivo. Poco a poco las luces iluminan el despertar de los demás habitantes de ese inquilinato, sus divisiones de alambre y cartón, sus ropas y colchones regados por el suelo.

La obra, que pensamos será de mimo y teatro físico, transcurre en silencio durante los primeros 15 minutos. Ese silencio le da tiempo al espectador para escudriñar a una cuadrilla de gente con mucho pasado (un barón desesperanzado, un actor desmemoriado, una prostituta

J a n n e R e i n i k a i n e n [Director]

enamorada, un ladronzuelo mujeriego, un estafador sarcástico, un anciano sabio e indigente, un yonqui amable en camisón de mujer…), pero con poco futuro. Alguien dice una palabra, a la que le sigue un barullo de voces que hablan a la vez. La obra se mueve en esos contrastes dinámicos entre el silencio y la algarabía, el sótano de los desamparados y el piso de arriba de los propietarios, la vulgaridad y la poesía, la luz y la penumbra, para orquestar una sinfonía teatral que le da un ritmo desbocado a esta puesta en escena de Los bajos fondos, Si usted no el clásico ruso de Máximo Gorki, que se estrenó hace más de 100 años y es cada conoce este vez más vigente, puesto que son cada vez clásico de más los despojados del mundo. Así es como Janne Reinikainen, el Máximo Gorki, esta puesta en director de esta gran compañía, celebró

escena finesa, desbocada y poética, se lo hará ver de tal modo que podrá solo amarlo.

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los 60 años del Teatro Nacional de Finlandia , y sorprendió a los espectadores con

la belleza de la prostituta que se descuelga hacia el suelo desde lo alto de una seda acrobática mientras recita un poema de amor fatal. La música , que interpretan los actores y otros músicos en la trasescena, da orden y sentido a la obra. Los juegos de sonido que pueblan de ecos las voces de los actores, el bello canto de Natasha y la polifonía del grupo subrayan la irónica sublimidad de la pieza .


Cortocinesis hizo

parte de la convocatoria Mirada Paralela de La Maldita Vanidad en la que cuatro compañías

En los dos pisos de la casa de La “Esta singular Maldita Vanidad se presenta Tío Vania, versión de Tío el drama clásico de Chéjov. La obra es otro de los resultados de la convocatoria Vania , finquera Mirada Paralela, que se propuso revisitar y parrandera, es al autor ruso desde la perspectiva de 4 dra- abordada desde maturgos nacionales. la visión de las En esta versión de La Enésima Compañía la acción se traslada del campo mujeres de la ruso a una finca colombiana en donde historia: Elena se celebra una fiesta. Los espectadores y Sonia. Es una se encontrarán en el primer piso con mirada desde lo un Tío Vania pasado de tragos, que los La Enésima Compañía invita a participar de la fiesta y les reparte femenino sobre copas de aguardiente. En el segundo el caos del amor Colombia piso, rodeados de frutas y cantos de y del arte”.

UN CHÉJOV Cortocinesis

TÍO VANIA

Colombia

de artes escénicas se citaron para elaborar nuevas formas de poner en escena a Antón Chéjov. Para Cortocinesis el reto Á n g e l a B e l l o [Directora] implicó el desafío adicional de convertir la dramaturgia de uno de los autores más importantes del realismo ruso en una pieza de danza contemporánea . El resultado es Un Chéjov, basada en el monólogo Sobre el daño que hace el tabaco. Cortocinesis explora a través de sus obras la relación entre el espacio escenográfico, la palabra y el movimiento. En este caso la directora, Ángela Bello,

“Un Chéjov nos ofrece a un personaje con múltiples voces en su cabeza; voces que bailan entre sí, que dialogan, chocan, se escuchan, se interrumpen, se repugnan y se contradicen”. [Blog de Arcadia “Los brazos largos”]

M a r t h a M á r q u e z [Directora]

grillos, el público se enfrentará a los dos

[Portalescena.com] personajes sobre los cuales se ha desplazado el interés de la obra original: “Esta singular versión de Tío Vania,

encontró en el monólogo de Chéjov la sugerencia a “un estado del cuerpo” determinado; impulsos y silencios que les permitieron recoger esas sugerencias físicas para entrar en la intimidad del personaje. Bello identificó a

finquera y parrandera, es abordada desde la visión de las mujeres de la historia: Elena y Sonia . Es una mirada desde lo femenino sobre

el caos del amor y del arte […] Me la paso fritangueando, matando lechonas y despescuezando gallinas. Todo es parranda desde que ustedes llegaron. Viene y viene gente casi todos los días y toca atenderlos” [Portalescena.com]. La directora, Martha Márquez, decidió reescribir la obra y hacer que las mujeres fueran las protagonistas. Por lo tanto, ya no se centra en un profesor fracasado que decide retirarse al campo, en donde tiene largas pláticas con Vania, su cuñado, condenando a vivir en la sombra a su bella mujer, Elena, y a su hija Sonia. Sino que el drama se traslada a las dos mujeres, que son quienes conversan sentadas en dos mecedoras sobre su conciencia de estar “atrapadas en un amor, en un lugar, en una moral” [Martha Vásquez] de los que no pueden escapar.

un ser atormentado y sumergido en un estado angustiante a causa de la abstención, pues ha sido obligado

a renunciar al tabaco. Al comienzo de la pieza, el público se encuentra con el personaje de Chéjov que representa el texto original. Pero muy pronto se rompe el esquema dramático del monólogo para incorporar una danza sobre la lucha interna del personaje, cuya unidad se fragmentará en tres. A partir de ese momento el espectador es invitado a recorrer diferentes espacios de la casa en donde se encuentra con varias escenografías y distintas versiones del protagonista que, en un intento desesperado

por expresarse desplaza el texto (aunque no lo elimina) y lo transforma en una coreografía que lucha por sostener una unidad que cada vez le resulta menos reconocible.

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Una reflexión Te estás volviendo Chéjov es otro de los sobre el oficio del resultados de Mirada Paralela, el ciclo de obras dedicado teatro inspirada a Chéjov en esta primera edición del proyecto de La MalVanidad. Manolo Orjuela tomó elementos de La en La gaviota dita gaviota y La audición y con base en ellos armó una y La audición pieza de metateatro, autobiografía, finísimo humor y de Chéjov. “Todos grandes actuaciones. La gaviota es una pieza que tiene como tema central los conflicsus ingredientes y entre un pequeño grupo de personajes dedicados al teatro están en un punto ytosla de literatura. La audición , por su parte, es un pequeña pieza en la que de excelencia, una joven actriz se presenta frente a un director a quien busca concomenzando por vencer de que la escoja para representar a Nina, uno de esos grandes la actuación de personajes de La gaviota. De La audición Orjuela toma el argumento, ponerse él mismo en escena como director, después de 15 años la chilena Javiera para en los que Orjuela no actuó sino dirigió. La pieza se propone como un Valenzuela y diálogo entre la actriz (la chilena Javiera Valenzuela) y un experimenel colombiano tado director, que se está volviendo… Chéjov, sentados en dos sillas en Manolo Orjuela”. un escenario vacío. [Alberto Sanabria]

“La entrada es un monólogo de cada uno, en parte autobiográfico, en parte ficcional, en el que se descubren intimidades de la vida de un director y una actriz de teatro. Los dos se

TE ESTÁS VOLVIENDO CHÉJOV

Manolo Orjuela

Colombia

M a n o l o O r j u e l a [Director]

ganan al público desde la primera frase con una honestidad que pocas veces se ve en el teatro. Vendrá luego una deliciosa

HOY ENVEJECÍ 10 AÑOS

Coproducción Teatro Colón y La Maldita Vanidad

Papá murió

hace justamente un año. Así comienza Las tres hermanas de Antón Chéjov

y es el punto de partida de esta adaptación de la clásica obra rusa en el con-

texto de la violencia desatada por el narcotráfico durante los años 80. Así presenta La MalJ o r g e H u g o M a r í n [Director] dita Vanidad, en coproducción con el Teatro Colón , su obra Hoy envejecí diez años. A

Colombia

causa del asesinato del padre, general de la policía, y para protegerse del peligro latente en el exterior, la familia ha decidido enclaustrarse en su casa de las afueras de Medellín, en la época en que la ciudad era considerada como la más peligrosa del mundo. Jorge Hugo Marín, dramaturgo y director de la pieza, retoma la atmósfera agobiante del confinamiento de las hermanas en la obra de Chéjov y la traslada a la casa de una familia paisa que ha sucumbido ante el miedo.

e hilarante entrevista entre el director y la actriz, llena de un sarcasmo fino, elegante […]. Y ahí comienza a obrarse el milagro del teatro. De la nada emergen los personajes de esa obra. Nina y Treplev, más vivos que nunca, encarnan en los cuerpos de los actores y empiezan a moverse sobre el escenario como en una magnífica danza teatral, perfectamente acompasada [Alberto Sanabria, ElTiempo.com].

La escenografía evoca a la vez el encierro y la falta de privacidad entre los miembros de la familia, con planos escénicos mutantes y claustrofóbicos, separados por cortinas que velan y desvelan las situaciones representadas de modo naturalista. “En un tono de elegía que recuerda a la tradición heredera de la Coplas por la muerte de su padre de Jorge Manrique, los personajes de esta obra tendrán que saber crecer y adaptarse a un entorno agresivo sin la protección paterna” [La Maldita Vanidad].

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“Papá murió hace justamente un año”. Así comienza Las tres hermanas

de Chéjov y es el punto de partida para crear una adaptación de la clásica obra rusa en el contexto de la violencia colombiana de los años 80”. [La Maldita Vanidad]


Las máscaras son las protagonistas de esta obra

del Teatro Malandro, porque los actores las usan y porque los personajes cambian de rostro según la situación.

Por ejemplo, la empatía entre ellos puede ser solo una máscara, pero también lo puede ser la justicia y todo lo que los rodea. Por eso en esta obra todo se puede trans-

formar en lo que no es y parecer lo que se necesita, incluso la escenografía, y esto es posible gracias a una puesta en escena barroca, plagada de elementos pictóricos que la asemejan a un cuadro viviente. La más-

LA VISITA DE LA VIEJA DAMA Teatro Malandro

Suiza

cara no solo es el dispositivo escénico que usan los O m a r P o r r a s [Director] actores, es la metáfora que construye la obra. La visita de la vieja dama es la historia de una

EL ENEMIGO DEL PUEBLO

mujer que después de 20 años regresa convertida en una millonaria a su pueblo natal, de donde huyó como madre soltera, despreciada por todos. El pueblo ha

“Sueño con una sociedad

caído en la miseria y ve en la visita de su antigua paisana la oportunidad de salir de la ruina. Y esa oportunidad llega, pero a costa de cumplir su venganza: la vieja dama acepta donar cien millones si se le entrega la cabeza de su antiguo amante, causa de su desgracia pues negó ser el padre del hijo que ella estaba esperando. Vuelven también las preguntas que atraviesan los grandes dramas: ¿el bien común debe primar sobre el individual? ¿Tiene un precio la conciencia? ¿Es la justicia una forma de venganza, o la venganza una forma de justicia? Los habitantes del pueblo se sienten confundidos, pues el antiguo amante es hoy uno de los ciudadanos más queridos por todos, y será el futuro alcalde. Pero ante la tentación que les ofrece la vieja dama toda máscara cae, o toda máscara sirve.

liberada del yugo de la propiedad privada , donde los bienes y las riquezas per-

tenezcan por partes iguales a cada uno de sus miembros”. Quien esto afirma es el célebre director de teatro alemán Schaubühne Berlin Thomas Ostermeier; pero ese sueño no es la utopía de un izquierdista nostálgico sino el motor de una extraordinaT h o m a s O s t e r m e i e r [Director] ria idea de teatro: “Quizás la sociedad podría recuperar un poco de confianza en sí misma si se permitiera contar con unos bufones suficientemente osados para ponerle en frente un espejo, cuestionarla y burlarse de ella sin complejos”. Uno de estos bufones osados es Ibsen, autor de El enemigo del pueblo, un clásico de 1883 que Ostermeier actualiza: la obra le habla a nuestra generación, “que tiene el corazón a la izquierda y la billetera a la derecha”.

construcción de lo público. Por eso, en cada puesta en escena de El enemigo del pueblo, la suerte del doctor Stockmann puede cambiar. La misión y el desafío del teatro, como quiere y defiende Ostermeier, se recogen “en ese momento raro en que una acción virtual convoca toda la realidad del mundo”.

[Thomas Ostermeier]

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MARC VANAPPELGHEM

Stockmann se invita a participar al público de la obra ; el teatro se revela entonces como un espacio de

FOTOGRAFÍA:

aguas de un balneario termal, que por su atractivo turístico es la principal actividad económica de la ciudad. Si se hace público que las aguas están contaminadas, el balneario, que atrae turistas y dinero a la ciudad, deberá cerrar. El alcalde logra torcer las voluntades de todos pero no la de Stockmann, su hermano, quien convoca a una asamblea en la que toma la palabra y agudiza su propuesta denunciando a la clase política y el marasmo hacia el cual se conduce a la humanidad. En este momento crítico, la propuesta de Ostermeier revela su profundidad y significado: a la asamblea convocada por el doctor

ARNO DECLAIR / T E X T O : ALEJANDRO BURGOS

El protagonista de El enemigo del pueblo es el doctor Thomas Stockmann, quien descubre la presencia de bacterias nocivas en las

“Quizá la sociedad podría recuperar un poco de confianza en sí misma si se permitiera contar con unos bufones suficientemente osados para ponerle en frente un espejo, cuestionarla y burlarse de ella sin complejos”.

FOTOGRAFÍA:

Alemania

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Omar Porras, el director colombo-suizo, vuelve a ponerse la máscara de la vieja dama para protagonizar y dirigir por tercera vez este clásico de Friedrich Dürrenmat y recordar que la justicia es todavía una mercancía que se puede comprar.


MÉDICO A PALOS

Locomotora Producciones

Médico a palos es una de las comedias más interpretadas de Moliére desde su creación hace 350 años. La versión de La Locomotora Producciones actualiza el lenguaje de la obra del francés, para lograr que sus personajes hablen a la colombiana .

Su protagonista es Sganarelle , un leñador holgazán y cínico, que J o r g e M a r i o E s c o b a r [Director] maltrata a su mujer. Para lograr que su marido reciba un poco de su misma medicina , Martina decide

Colombia

“Todos los personajes de

EL AVARO

Médico a palos

salen de una caja de música. Al principio, parecen muñecos de cuerda, que se mueven al ritmo de unos acordes inocentes, pero no hay nada de cándido en ellos [...] en esta comedia original de Moliére, que Jorge Mario Escobar adaptó en clave de clown”.

Exilia2 Teatro El avaro

Colombia

Víctor Quesada y Álvaro B a y o n a [Directores]

es una de las comedias más penetrantes y divertidas de Moliére. Su tema es la avaricia de Harpagón, un anciano usurero que prefiere obstaculi-

zar la felicidad de sus hijos si aquella no trae consigo la adquisición de nuevos bienes. El humor surge no solo de la ridiculización de la ambición, sino de una serie de enredos amorosos que dan pie a un teatro de equívocos divertidos. Por un lado, Harpagón busca casarse con Mariana, la joven hija de una familia venida a menos; pero ella le ha entregado su corazón a Cleante (hijo del avaro). Al mismo tiempo, la otra hija de Harpagón, Elisa, ama en secreto a Valerio, vasallo del avaro. Pero su padre ha decidido no solo casarse con una mujer joven sino entregar a su hija a un viejo millonario. La solución feliz a este enredo de amores y compromisos llega acompañada de sátira y humor negro. El tema de la codicia desmedida se entrecruza con el conflicto entre padres e hijos y el no menos escarnecido de las pretensiones románticas de un viejo rico sobre una joven pobre. El espectador está invitado a disfrutar de los diálogos de uno de los más grandes autores de la comedia, que hizo del humor un medio sofisticado para hurgar, como dedo en la llaga, en los Una de las defectos de sus contemporáneos. La versión que trae Exilia2 es una adaptación a comedias más cuatro manos entre Víctor Quesada y Álvaro Bayona. Las penetrantes y interpretaciones de los actores se suceden de forma ágil divertidas de en un solo espacio decorado con las posesiones apiMoliére cuyo tema ladas del avaro en uno de sus extremos y enmarcado en un decorado evidentemente falso, que subraya los juegos es la codicia y el de ocultamiento y los rasgos exagerados de los carac- enredo amoroso. teres arquetípicos representados.

aprovechar la oportunidad que le brinda el destino cuando se encuentra con dos pajes del rico Geronte que buscan desesperados a un doctor: convence a los dos sirvientes de que su esposo es un excéntrico médico, que niega su profesión hasta que a palos lo obligan a reconocerla; de otra manera es imposible que acepte prestar sus servicios. Los sirvientes le propinan una buena paliza a Sganarelle, quien acepta ocuparse de la hija de Geronte, que perdió el habla misteriosamente, poco antes [Yhonatan Loaiza, de ser obligada a casarse. El juego de equívocos apenas ElTiempo.com]. comienza y la risa será la cómplice feliz de toda la obra. Según Sandro Romero Rey, esta versión de La Locomotora Producciones es “la apuesta más audaz del grupo bogotano. Consiguieron lo que parecía un esfuerzo vano: darle a una puesta en escena de Moliére el justo

equilibrio entre el clown y el humor verbal, la esencia clásica y el juego inmediato, el rigor y la improvisación, la técnica y la diversión”.

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EL ALFÉREZ IReal Laboratorio Escénico de Univalle

Colombia

Ma Zhenghong y Alejandro González Puche [Directores]

El Laboratorio Escénico de la Universidad

La clásica novela de Eustaquio Palacios, El alférez real, es puesta en escena en esta versión IReal, imaginada entre las ruinas de la míticohistórica Hacienda Cañasgordas y en medio de los conflictos de la Cali actual.

del Valle retomó la clásica pero olvidada novela del caleño Eustaquio Palacios, El alférez real, para poner en escena su versión IReal . No se trata solo de recordar la obra del autor caleño; más bien es una búsqueda por encontrar en las narraciones del pasado formas de comprender las acciones del presente; y la obra de Palacios expone una imagen de la ciudad que, según el Laboratorio, todos los caleños deberían conocer. La historia de Daniel y su amor imposible con Inés, la hija de don Manuel, el dueño de la Hacienda Cañasgordas, que fuera el más poderoso centro cañero y esclavista del Valle, se pone en escena; pero las acciones ya no transcurren en la Arcadia idealizada que describe la novela de Palacios, sino en la Cali actual, urbanizada y poblada de conflictos, en donde la dramaturgia

se ha dispuesto a imaginar los destinos de los personajes de la novela. Por eso esta pieza “no es una adaptación literal de la novela de Palacios sino que propone un relato lleno de ecos de la historia original, en la que los personajes llevan los mismos nombres, pero sus dramas son diferentes. Todo se desarrolla en la actualidad en la hacienda Cañasgordas, que ya vio pasar sus mejores tiempos y es gobernada por Manuel, un hombre que tiene una enfermedad degenerativa y está obsesionado con la novela.

“Es un personaje que, a manera de don Quijote, está perdido en el libro”, dice Puche” [Eltiempo.com].

La dirección y la dramaturgia es de Ma Zhenghong y Alejandro González Puche, la escenografía es del artista plástico Pedro Ruiz, y la música compuesta especialmente para la obra es de Alberto Guzmán y fue grabada por la Banda Sinfónica de Estudiantes de la Escuela de Música de Univalle.

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El lenguaje cinematográfico en el teatro L’Innocente (Celos) Cinema Paradiso Persona a persona Boss “Cara de Toro”

Fanny y Alexander La cabeza del pato

Obras relacionadas que no aparecen en esta sección: Fausto pg.54 / Blam! pg.106 / Novecento pg.140 / Dead dog in a suitcase (and other love songs) pg.59

Fanny y Alexander, Uppsala Stadsteater

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L’INNOCENTE (CELOS)

Desde su fundación, hace 60

años, la Compañía Mladinsko Theatre se ha caracterizado por ser un laboratorio de experimentación interdisciplinaria . Mladinsko Theatre Y la obra que trae al XV FITB no será la excepción. El personaje principal de L’innocente D i e g o d e B r e a [Director] (Celos) no es Tullio Hermil, protagonista de la novela homónima de Gabriele d’Annunzio. Ni el triángulo amoroso en torno al cual gira la pieza. El personaje central es L’innocente, la última película de Visconti. Esta es una La propuesta de Mladinsko Theatre es una puesta en escena puesta en con diseño sonoro: una invención cinematográfica. El resultado hace explotar los límites del escenario, lo dota de una cuarta dimensión, escena le da profundidad, trasciende el decorado intimista de la obra: sillas en teatral con terciopelo, mesitas de madera, copas de cristal bruñido. diseño sonoro En escena solo hay tres actores, pero de repente se encuentran cinematográfico: en un salón lleno de gente; escuchamos risas, unas más distantes que otras, en primer plano. Escuchamos que Tullio ha salido a la calle, que una simbiosis un carruaje de caballos le pasa muy cerca, pero lo vemos permanecer en inquietante con la habitación. Oímos que ellos secretean con personajes a los que nunca la cual Mladinsko vemos. El efecto es fantasmagórico. Theatre le Los actores a veces no hablan entre ellos, pero escuchamos sus conversaciones. Vemos algún movimiento de labios que coincide con rinde tributo una palabra que no pronuncian allí; se limitan a gestos altivos apenas a Visconti. esbozados. De ese modo la pieza logra capturar la melancolía y la ambigüedad moral del mundo de Visconti y d’Annunzio. La obra se centra en la dramática entrada a la modernidad de una aristocracia anacrónica , pero su argumento parece banal: Tullio pretende ser constantemente infiel a una mujer que sea constantemente fiel. Es lo natural. La tragedia final es la consecuencia de que su mundo esté de cabeza: finalmente fiel, no puede soportar, sin degradarse, el descubrimiento de que su mujer le haya sido infiel.

“Existe un lugar

en donde, cuando oscurece, reinicia la vida”. Ese lugar, lo sabemos, son los sueños , tal como lo afirma la compañía italiana La luna nel letto ; pero también, bajo las

Eslovenia

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mismas coordenadas y hecho de la misma sustancia, es el cine. En esa extraordinaria oscuridad se encontrarán los espectadores de esta versión teatral de la película

CINEMA PARADISO La luna nel letto

Italia

Michelangelo Campanale

[Director]

PETER UHAN

AMENDOLGINE PASQUALE / T E X T O : ALEJANDRO BURGOS

FOTOGRAFÍA:

FOTOGRAFÍA:

homónima de Giuseppe Tornatore: Cinema Paradiso.

En el escenario, una pantalla algo ajada de algún cine de barrio; delante de ella, dos o tres filas de esas viejas sillas de madera de los teatros de antaño; sentado en primera fila, el protagonista de la obra. No sería necesario decirlo: se trata de un niño, Totó, El Totó de esta el memorable protagonista de Cinema Paradiso. El versión teatral tema de la película, según recordamos, es la educación de Cinema sentimental del niño de un pequeño pueblo siciliano los años de la posguerra italiana; una educación Paradiso durante no asumida por el Estado ni por la familia de Totó (demaenfrenta, corrige siado ocupados en cuantificar las ruinas de la guerra), y acompaña a los sino por el proyeccionista del cine del pueblo y su magia personajes de las cotidiana, que hace aparecer imágenes delante de los ojos películas que ama: del niño. El Totó del Cinema Paradiso de La luna nel letto

El hombre araña, El resplandor, Regreso al futuro, Los hermanos caradura…

habla sobre las tablas con los personajes de las películas que ama . Los enfrenta, los corrige, los acompaña;

y ellos con sus imágenes hilan poco a poco la historia de una vida, su capacidad de redención y transformación, su verdad. Será importante reconocer que las películas que ama Totó son las películas que nosotros secretamente amamos: El hombre araña, El resplandor, Stand by me, Regreso al futuro, Los hermanos caradura...

Será importante reconocer, en suma, que los ojos de Totó son aquí nuestros ojos y que ellos no están hechos de nostalgia sino de imágenes memorables.

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Fanny y Alexander, ícono de la cultura nórdica y el adiós épico de Bergman al cine, ha sido convertida en

una abundante experiencia teatral por los grandes actores, el dramaturgo y el director de la compañía de teatro de la ciudad en la que el mismo Bergman vivió su infancia: la Uppsala Stadsteater.

Las imágenes de la película hacen parte de la memoria visual de la historia del cine, lo cual convierte en una osa-

Fanny y Alexander descienden con éxito de la pantalla grande al escenario, en esta épica y poética puesta en escena en la que el mundo es visto a través de los ojos de la infancia.

FANNY Y ALEXANDER

Persona

PERSONA A PERSONA

Uppsala Stadsteater

Suecia

L i n u s Tu n s t r ö m

[Director]

día la empresa de hacerla descender de la pantalla grande. Sin embargo el filme del director sueco le ofrece más de un tributo al teatro, lo cual legitima su arribo a la intimidad del escenario: baste mencionar que los padres de Fanny y Alexander viven por y para el teatro, o el discurso de Oscar sobre el “pequeño mundo”. Como en la película, el escenario opuesto de cada uno de los dos actos de la obra subraya la diferencia entre el mundo pletórico y moralmente ambiguo que les proporciona una infancia feliz a Fanny y a Alexander en el seno de la familia Ekdahl, y la vida gris y opresiva que les espera cuando viven bajo el yugo de la autoridad y el fanatismo religioso del Obispo Vergérus.

Ditirambo Teatro

Colombia

Rodrigo Rodríguez

actriz que durante una representación de Electra decide no volver a hablar :

para ella, la palabra ha perdido su credibilidad por causa del horror de la violencia; Alma es su enfermera , pero entre ellas se entabla una relación singular, que perturba los papeles del paciente y el cuidador, del enfermo y el saludable, de la víctima y el culpable. En un principio

se propone como un complemento armónico entre una mujer que habla y otra que escucha. Elisabeth se convierte en la confidente de Alma, y esta ve a la actriz como un modelo con el que quiere confundirse. No obstante, el vínculo entre ellas se quiebra cuando Alma descubre que aunque Elisabeth no habla sí puede expresarse, o incluso contar lo que ella le ha confiado. En ese momento parecen invertirse los papeles y el silencio de Elisabeth se demuestra más elocuente que el discurso de Alma.

El primer acto le hace guiños a la experiencia cinematográfica , recreando las famosas escenas de la película desde el punto de vista infantil: el baile de Navidad, los fuegos artificiales de la aerofagia

del tío Carl, las amorosas correrías nocturnas del tío Gustavo Adolfo, el fantasma del padre que desaparece tras los cuadros de la sala. El segundo acto, en cambio, es poderosamente teatral. Crea una metáfora visual de la opresión, encajonando literalmente a los personajes. Con imágenes contundentes logra transformar el terror que produce el enfrentamiento entre el sadismo del obispo y la rebeldía de Alexander en la liberación final y el regreso poético y mágico al mundo feliz. Usted no tiene que conocer la película para dejarse llevar de una a otra casa, de la de los Ekdahl a la del Obispo, pues la obra le brindará los elementos necesarios para no perderse.

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[Director]

de Ingmar Bergman tiene como protagonistas a un par de mujeres que comparten el retiro de una casa de playa: Elisabeth Vogler es la enigmática

La puesta en escena de Ditirambo Teatro matiza los textos de Bergman y retoma la atmósfera agobiante

de la película. El escenario es una casa, la playa, pero también puede ser algún pabellón psiquiátrico en donde es difícil distinguir entre cuerdos y locos. Las proyecciones de video de la película de Bergman reflejadas sobre el escenario total son la cita y el complemento de una función que tiene como tema la identidad y las distintas tensiones que atraviesan la relación con el otro.

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El grupo Ditirambo Teatro, con casi 30 años de trayectoria, presenta una adaptación de una de las grandes creaciones de la historia del cine europeo: Persona, de Ingmar Bergman.


BOSS “CARA DE TORO”

La cabeza del pato

¿La obra es “un thriller que se sale de la pantalla” o una “obra teatral cinematográfica”? La estética bizarra y el cine negro se imponen de nuevo en el escenario con La cabeza del pato de Santiago Merchant.

Teatro El Paso

Colombia

César Castaño

Boss “Cara de Toro” integra [Director]

la actuación, el canto y el video, a la manera de un seudo-documental en vivo, que “narra la historia de un boxeador

con la ilusión del sueño latinoamericano en La Gran Manzana, el juego de un triunfo mediáticamente vendido “La obra, desde a los países tercermundistas, la figura arquetípica de una fuerza lati- el recurso del noamericana que no ha servido para nada, un retrato del latino con- teatro íntimo, temporáneo que involuntariamente se convierte en el coloso de una esperanza que cayó en la marginalidad y el olvido a causa del consumo” integra la actuación, el [Teatro El Paso]. En la escena, Boss está grabando un documental sobre sí mismo; canto y el video, la cámara, se presume, serían los espectadores frente a los cuales a la manera cuenta su historia. La escena es interrumpida por el grito de “Corten” cada vez que el personaje debe ser censurado por el realizador de de un seudo documental este documental. “Un boxeador latinoamericano que alcanza la gloria en La Gran en vivo”. Manzana, que sabe golpear con tenacidad y furia, como un bisonte [Teatro El Paso] oscuro, a los más temibles contrincantes, pero que cae por nocaut en el primer round, como un niño enfermizo, en la pelea de la vida. Saber ser un púgil pero no saber ser un hombre, domesticar la fama y ser el animal de la indiferencia son las nocivas virtudes de Boss” [Literariedad.com]. Teatro El Paso ha desarrollado varios proyectos de antropología teatral. Su obra, Ricardo III, acaba de ser destacada como uno de los mejores espectáculos de la cartelera teatral de 2014 en Buenos Aires. Boss “Cara de Toro” recibió una beca de creación de Arte Dramático de Pereira, ciudad en donde reside la compañía, cuyo espacio cultural interdisciplinario es una antigua fábrica conocida como La Textilería.

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es “un thriller que se sale de la pantalla” o una “obra teatral cinematográfica”. En esta obra se conjugan elementos del cine negro y del teatro, no solo en su temá-

tica, sino en la combinación cómplice de esos dos lenguajes en el escenario, en una doble experiencia que conduce al espectador, con mucho humor negro, hacia el bajo mundo. “Gregorio Ramírez, un veterano policía secreto, está detrás del extraño caso del barrio rojo, una clandestina zona de tolerancia , en la que desde hace un tiempo aparecen –como brotes de semillas– los cuerpos sin vida de múltiples trabajadoras nocturnas. Ramírez está muy cerca de revelar el siniestro y sistemático acontecimiento, pero su investigación da un giro inusitado al descubrir que tras los inexplicables asesinatos opera un grupo clandestino con el que sin saberlo se verá involucrado” [El Santo]. Santiago Merchant, director y dramaturgo de la obra confiesa buscar su inspiración en escritores como Roberto El Santo Bolaño y en cineastas como David Lynch y Alex de la Iglesia, sus favoritos. Como es característico en la estética bizarra de S a n t i a g o M e r c h a n t [Director] este director, la obra gira en torno al paraL e o n a r d o M a r t í n e z [Director cinematográfico] lelismo entre un criminal y un animal: si el conejo y el pollo son los antihéroes trastornados de sus dos obras anteriores, en este caso el que lleva el pato es el

LA CABEZA DEL PATO

Colombia

principal sospechoso.

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Danza teatro Ballet Folclórico de la Universidad de Guadalajara Una moneda de dos caras Arrabal Attends, attends, attends... (Pour mon père) Flowers for Kazuo Ohno (and Leonard Cohen) ROSE: Rite of Spring- Extended 2 Middlesex Diavolo Architecture in Motion A Dance Tribute to Ping Pong Yo, profero Autorretrato con máscara W.T Factory Noche de perros El carnaval del diablo Tu nombre me sabe a tango Arrebato Salsa Cabaret Obras relacionadas que no aparecen en esta sección: Un Chéjov pg.66

Diavolo, Architecture in Motion

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Para celebrar sus 50 años el Ballet Folclórico de la Universidad de Guadalajara ha preparado "una fiesta de color y sonidos en movimiento". Repertorio: Nayarit, Sones antiguos, fandango, Michoacán, Guerrero y Jalisco.

BALLET FOLCLÓRICO DE LA UNIVERSIDAD DE GUADALAJARA

El Ballet Folclórico de la Universidad

de Guadalajara cumple medio siglo divulgando por el mundo las tradiciones culturales mexicanas

Ballet Folclórico de la Universidad de Guadalajara expresadas en la música y

México

M a e s t r o C a r l o s E . O c h o a [Director]

orquestas en vivo.

JAIME MARTIN

El zapateo sincopado de hombres y mujeres los convierte en instrumentos de percusión en movimiento. El sentimiento de los sones, danzones, corridos y rancheras contrasta con la algarabía de los fandangos, jarabes y cantos de pesca y de labranza . La música del conjunto de mariachi, con su fiesta de vientos y cuerdas de Jalisco, se ganará los aplausos más fervorosos del público con un repertorio de sones y jarabes que todos conocemos. El faldeo multicolor de las danzas tapatías, o el de las de Nayarit , que transforman sus amplias faldas en abanicos, seducirá a todos con el garbo y la coquetería de la mujer mexicana -casada si coronada con flores a la derecha de la cabeza, soltera si las flores van a la izquierda-. Para celebrar sus 50 años el Ballet Folclórico de la Universidad de Guadalajara ha preparado “una fiesta de color y sonidos en movimiento”. [Ballet U de G].

FOTOGRAFÍA:

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en la danza. Su formato, único en su género, es una suma de danza, canto y

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UNA MONEDA DE DOS CARAS

Antonio Canales

España

A n t o n i o C a n a l e s [Director]

ARRABAL

Una moneda de dos caras es

un espectáculo puramente flamenco, en su concepto y en su forma"; es un viaje por la vida de un hombre en cuyo interior se libra un combate entre dos Antonios, entre dos identidades antagónicas. Una es la de Antonio Gómez de los Reyes, un andaluz sencillo, extasiado por el amor y la paternidad y afectado por el dolor de ver a sus seres queridos fallecer. La otra es la de Antonio Canales, el gran bailaor, el coreógrafo, el cantante, el escritor, que trata despótiEl gran bailaor camente a Antonio Gómez, como una exigencia de su artístico. El showman y el hombre real, dos y coreógrafo de recorrido caras de una misma moneda , dos personalidades en un danza flamenca, solo cuerpo, que ha vibrado con diferentes frecuencias, Antonio Canales, y que ha convertido las vivencias efímeras de su vida en cuenta y baila y para el tablao en lo más gratificante de su existencia. espectador se encontrará con un espectáculo de el combate danzaElflamenca en el que vibrará con la energía de un entre sus dos grupo de excelentes músicos y cantaores en vivo, que identidades se enriquece con el duende de la magnífica bailaora:

Estados Unidos / Argentina S e r g i o Tr u j i l l o [Director]

Arrabal es un musical

tipo Broadway, que a ritmo de nuevo tango cuenta la historia de una milonguera ,

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CYLLA VON TIEDEMANN

rece Canales, mi otro yo, con el que he tenido que convivir: un canalla que me martirizaba”.

FOTOGRAFÍA:

La palabra de Antonio Canales es el vehículo de su redención a través del arte. Con esto en mente, ejecuta tres monólogos en el escenario: “En el primero, vestido de comunión, me paseo por mis recuerdos del colegio de los Salesianos en Triana y los primeros zapateaos en casa. Después, de torero, cuento mis primeros pasos como artista. Y, al final, me pongo el sombrero cordobés y apa-

A L O N S O E S PA R T E R O

Mónica Fernández.

FOTOGRAFÍA:

antagónicas: el andaluz sencillo de la vida real y el otro, con el que ha tenido que convivir: “un canalla que me martirizaba”

Sergio Trujillo, Gustavo Santaolalla y John Weidman

Al ritmo de la música de Santaolalla,

solo con la precisión de los pasos de Tango. La dirección y co-coreografía es del colombiano Sergio Trujillo, quien trae por primera vez al país Arrabal uno de sus grandes espectáculos, creado en estrecha colaboración con Julio Zurita (coreógrafo), John Weidman (escritor) y Gustavo Santao- es “una lalla (de Bajofondo). Arrabal demuestra que la intención con la que maravillosa se interprete el vocabulario del Tango puede contar una historia y combinación de expresar camaradería, lujuria, violencia, miedo o amor a través de barri- tango, historia das, empujaditas, mordidas, paradas, alzadas y colgadas; delicadas y elegantes cuando seduce el tango ballet de la joven Arrabal; agresivas y y emoción para contemporáneamente atléticas cuando interpreta Nicole, capaz de extra- una velada viar a cualquiera con los cuchillos en los que convierte sus piernas. Con alucinante”. Ganchos y pataditas milongueras representan con precisión desde un [Stage Door] picadito de fútbol hasta la tortura del padre de Arrabal, uno de los desaparecidos por la dictadura de los años 70 en Argentina. Arrabal sale en busca de la verdad sobre su padre y reconoce el dolor de las madres de la Plaza de Mayo, que bailan una pieza con sus hijos ausentes en una coreografía fantasmal que logrará conmover al más fuerte. Buscándose a sí misma Arrabal se encuentra con el amor y con la milonga , nombre de los salones de baile de la música porteña, en donde mandan por igual el tango tradicional y el nuevo tango. La magnífica Orquesta Bajofonderos, musicaliza toda la obra con 5 músicos en escena , que representan la segunda división de Bajofondo, pioneros en la renovación del tango con los sonidos del jazz, el rock y la electrónica.

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Concebida como una “instalación coreográfica”, la obra es un homenaje a Kazuo Ohno, uno de los creadores de la danza butoh japonesa. Con música de Leonard Cohen y bajo la figura tutelar de Federico García Lorca. [La Compañía Cuerpo de Indias]

El magnífico artista visual,

coreógrafo y dramaturgo belga, Jan Fabre, obtiene parte de su inspiración de aquellos a quienes llama sus “Guerreros de la belleza”. Por muchos años, este ha sido el método de creación de sus proyectos coreográficos para solistas, y tal es la fuente de esta pieza de inquietante belleza: Attends, attends, attends… (Pour mon père).

En la primavera de 2014, Fabre creó

FLOWERS FOR KAZUO OHNO (AND LEONARD COHEN)

ATTENDS, ATTENDS, ATTENDS… (POUR MON PÈRE)

una instalación coreográfica , en la que la interac-

ción del cuerpo de los actores-bailarines con los objetos constituyen la atmósfera ritual de la ceremonia. Flowers for Kazuo Ohno es un réquiem y a la vez una celebración de la vida y obra de uno de los bailarines-creadores más influyenLa Compañía Cuerpo de Indias tes de nuestro tiempo. No se pretende Núcleo profesional hacer un espectáculo de danza butoh, de El colegio del cuerpo sino un homenaje y una aproximación plástico-teatral y de movimiento a Kazuo Ohno” [La Compañía Cuerpo de Indias]. “Este ramo de flores es un homenaje Á l v a r o R e s t r e p o [Director] a ‘seis manos’ para uno de los padres de la danza Butoh (danza de las tinieblas post Hiroshima), Kazuo Ohno y su hijo Yoshito […] y es una forma de devolver las flores que ellos nos enviaron al camerino del Teatro Rokko-Kai. […] fuimos a visitarlos a su casa en Yokohama, donde pasamos uno de

Colombia

Troubleyn / Jan Fabre

Bélgica

J a n Fa b r e [Director]

un solo de danza y performance para el espectacular bailarín Cédric Charron, quien desde

hace más de diez años ha sido una figura estelar de la compañía de Fabre. La pieza de Fabre pone a Charron en escena a dialogar con su padre ya muerto y a ejecutar esta obra de danza y performance para construir un hermoso símbolo acerca de las relaciones filiales. En Attends, attends, attends… (Pour mon père) el hijo le pide a su padre esperar y ser paciente. Le pide que se abra al tiempo del hijo; le pide que se repliegue en su hijo para convertirse en un niño otra vez y prepararse para la muerte. El hijo se revela a sí mismo como

WONGE BERGMANN

los momentos más inolvidables de nuestras vidas: el maestro de 102 años yacía en su lecho, conectado a la vida por un fino hilo de seda [...]. Durante el proceso de creación tuve otro reencuentro fantástico e inesperado: la poesía y la música del gran cantautor canadiense Leonard Cohen [...] otro creador que […] supo hacer

Caronte, el barquero que conduce al padre en su último viaje, que lo hará atravesar de un lado a otro el

río Aqueronte, la laguna Estigia, para dejarlo en el país de los muertos. El bailarín conoce esa ruta nublada de lágrimas como ningún otro, pues en en cada función, la muerte y el renacimiento suceden.

de su edad una obra de arte […]. Les propuse entonces a Marie France y a Ricardo trabajar para este homenaje con música de Leonard Cohen, interpretada por él y por otros grandes artistas: Nina Simone, Antony, las Webb’s Sisters, Anjani, Silvia Pérez Cruz.

El vínculo entre Ohno y Cohen no es aparente y sencillo: mágicamente la figura de Federico García Lorca es la que los une: Kazuo Ohno creo su obra más conocida Admirando a La Argentina en homenaje a la gran Antonia Mercé, llamada La Argentina, bailarina de flamenco, gran amiga de Federico […]. Leonard Cohen es un lorquiano consumado […]. García Lorca fue también para mí, desde antes de descubrir la danza, una figura tutelar e inspiradora” [Álvaro Restrepo].

FOTOGRAFÍA:

Jan Fabre obtiene su inspiración de sus “Guerreros de la belleza”: Cédric Charron es uno de ellos, convertido en esta obra de danza y performance en el barquero Caronte.

“Concebida como

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ROSE: RITE OF SPRING - EXTENDED 2

La primavera se experimenta en el cuerpo de un modo tan bello como implacable, sin que consagración esté exento de disputas y rituales sacrificiales. Los ritos de la de iniciación , de paso, son los protagonistas de este espectáculo de danza contemporánea de la compañía primavera de danesa Granhøj Dans. Esta es su segunda interpreta- Igor Stravinski. ción de La consagración de la primavera de Igor Stravinski. La primera vez se concentró en el cuerpo masculino; en esta oportunidad expresa los cambios que experimenta la mujer que sale de la niñez y entra en la vida adulta. Se trata de una interpretación cruda y alegórica, que con la fuerza expresiva del desnudo narra cómo el

MIDDLESEX Danza Concierto

Colombia

cuerpo es marcado por la diferenciación entre géneros.

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JC MAZO

Ocho mujeres sobre el escenario, siete bailarinas y una pianista , interpretan la pieza de Stravinski. Cinco bailarinas adultas acompañan a las dos más jóvenes en el proceso de transformación que depara lo femenino. La pianista no solo actúa como acompañamiento, sino que participa de la coreografía y, de cierta forma, vigila su ejecución; toca magistralmente dos pianos, uno de media cola y otro de pared, y se desplaza de uno a otro por el escenario observando los movimientos de las bailarinas. Dice el Giornale della danza que tal vez su rol sea también el de vigía de la ejecución de la danza, pues “cada vez que agita magistralmente las manos sobre el teclado, reproduciendo una sección de la partitura de Stravinski, los movimientos ejecutados por las bailarinas toman forma, exteriorizando lo que sienten en su interior”. Esta obra enfrenta al espectador al momento de definición en el que el cuerpo habla y se fija en un lugar. Se trata de un recorrido por un camino anunciado pero no por eso menos impactante, que solo se puede recorrer una vez.

Esta pieza de danza contemporánea

de la prestigiosa compañía residente del Teatro Metropolitano de Medellín dirigida por el maestro Peter Palacio es, ante todo, un regocijo visual y auditivo, pleno de sensualidad y erotismo, tanto como de la melancolía y violencia sofocadas por la capacidad de expresión poética de los bailarines. Con un vestuario que resalta el gesto teatral de transformación del cuerpo masculino en femenino, plásticos enormes y larguísimas capas de sedas que envuelven a los bailarines o se deslizan majestuosas por el escenario, y un manejo de luces que subraya la ambigüedad gestacional de la escena, tres bailarines se despojan de la asexualidad del cuerpo en la danza y sus movimientos aluden a la complejidad de la mutación de la semántica de un cuerpo masculino en la de un cuerpo feminizado. Mientras tanto bailan magistralmente, impelidos por la música en vivo de un piano y un cello que interpretan los movimientos más conmovedores de las Suite para Cello de Bach, así como los adaggios de sus Sonatas. Si por un lado, el vestuario etéreo y queer refina el gesto de la transexualidad, los objetos le devuelven a la historia su peso: los escalones son la vitrina de exhibición para

P e t e r Pa l a c i o [Director]

FOTOGRAFÍA:

Pa l l e G r a n h ø j [Director]

CHRISTOFFER BREKNE

Dinamarca

FOTOGRAFÍA:

Granhøj Dans

Los ritos de iniciación, de paso, son los protagonistas de este bello espectáculo de danza contemporánea, que siguen o interrumpen la partitura musical de La

vender el cuerpo, tanto como el refugio de un ser apesadumbrado. Lo mismo sucede con la chaise longe, que

es a la vez escenario erótico y lugar de manifestación de desprecio por el otro: “a través de todos los elementos involucrados en el montaje [hay] un tratamiento muy delicado y empático de las cuestiones tratadas. […] que evita caricaturizar un proceso que demanda del sujeto una gestación propia, accidentada y autónoma” [Humberto Quijano, elcuerpoespín.net].

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Tres bailarines de danza contemporánea aluden en sus movimientos a la complejidad de la mutación de la semántica de un cuerpo masculino en la de un cuerpo feminizado, impelidos por la música en vivo de las suites y sonatas de Bach.


Desde hace 20 años,

la compañía Diavolo, de Los Ángeles, dirigida por el coreógrafo francés Jacques Heim , presenta su

DIAVOLO ARCHITECTURE IN MOTION

original espectáculo de Diavolo | Architecture in Motion® danzas urbanas, ballet, contemporánea, gimnasia y acrobacia, conocido J a c q u e s H e i m [Director] como Diavolo Architecture in Motion, en donde los artistas interpretan con sus movimientos al

El ingenio versátil

Estados Unidos

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BEN GIBBS

KNUT BRY FOTOGRAFÍA:

Noruega

FOTOGRAFÍA:

límite explosivas metáforas visuales sobre, debajo o atravesados por una arquitectura diavólica, diseñada con piezas arquetípicas como la pirámide, la cúpula o el cubo, la media luna o la rampa, para hablar de la manera en la que el cuerpo ocupa el espacio o es ocupado por el espacio. En uno de los números que traerán al XV FITB, Trajectoire, los bailarines de la compañía suben a bordo de un barco con forma de media luna que se mece de lado a lado, cada vez con mayor intensidad, como llevado por el viento y la marea del océano. Sobre la cubierta de madera de esta bella estructura arquitectónica en movimiento, bailan como si no les costara ningún trabajo mantener el equilibrio mientras se balancean, o se agarran de las barandas de la cubierta y despliegan su cuerpo como banderas paralelas al suelo, o ejecutan saltos de cisne sobre la borda que le robarán el aliento antes de verlos descender grácilmente a los brazos de sus compañeros. Otro de los números que traerán, Transit Space, pone en movimiento rampas de skate “para representar un entorno urbano con espacios físicos y emocionales siempre cambiantes… Estamos en constante movimiento… de la misma manera que los patinadores (skaters) están siempre en tránsito. Ellos siempre están buscando lo que hay delante de sí mismos… Si los skaters se preocuparan por la caída nunca serían capaces de seguir adelante. Deberíamos tratar nuestra vida de la misma manera que los skaters… sintiéndonos libres” (Diavolo). El cuerpo es un mapa, es todo lo que debemos seguir: “Los skaters usan nuestra arquitectura como su propia tierra. Se mueven a través del paisaje de nuestras ciudades como pájaros en migración” (Diavolo).

Los artistas interpretan con sus movimientos al límite explosivas metáforas visuales sobre, debajo o atravesados por una arquitectura “diavólica” diseñada para hablar de la manera en la que el cuerpo ocupa el espacio o es ocupado por el espacio.

A DANCE TRIBUTE TO PING PONG

del coreógrafo Jo Strømgren ha ofrecido dos tributos artísticos al deporte, en los que subraya la belleza de sus movimientos, que no duda en equiparar con los de la danza. Pero sus homenajes nacen preñados de humor negro frente a los Jo Strømgren Kompani componentes perversos de la pasión que despiertan. A Dance Tribute to Football transportaba a los espectadores a las emo- J o S t r ø m g r e n [Director] ciones vividas en un estadio de fútbol, a la belleza de los duelos por la pelota y a las riñas entre jugadores e hinchas. A Dance Tribute to Ping Pong, concentrada y fresca, alude a un deporte que no se puede disfrutar en pantalla porque no se logra ver la pelota. Así mismo, “esta pieza es una pequeña fruta extraña en la escena de la danza contemporánea”, concluye el coreógrafo con evidente ironía.

Con una mezcla extraordinaria entre danza, teatro físico y marionetas, la Jo Strømgren Kompani le rinde un divertido e irreverente homenaje al ping pong.

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¿El ping pong es un juego o es también una filosofía cuando se lo compara con la vida? Un grupo de cuatro estudiantes de ping pong se reúnen alrededor de

una mesa de juego, a los pies de la cual su maestro gurú ronca como un libertino feliz. El gurú es una marioneta que, en una lengua hablada con caricaturesco acento oriental, les transmite a sus estudiantes una filosofía portátil, un licuado de Bruce Lee, Stephen Hawking y Kalil Gibran, que seduce con su aire de sabiduría milenaria, en donde los contrastes entre el yin y el yang, lo masculino y lo femenino, la luz y la oscuridad, y el cielo y el infierno se confunden. Los bailarines ejecutan sus rutinas y gestos acompañados por una magnífica iluminación capaz de crear la ilusión de unos encuadres minúsculos. Se desafían entre sí, rebotan dentro y fuera de la luz. La obra tiene momentos de especial felicidad, como el número en el que siguiendo las notas de Chopin las pelotas de ping pong bailan también, graciosamente manipuladas desde la oscuridad.


AUTORRETRATO CON MÁSCARA La joven bailarina y coreógrafa

Martha Hincapié - Periferic

Alemania – Colombia

bumanguesa, Martha Hincapié, vive y trabaja entre Colombia y Alemania y se M a r t h a H i n c a p i é C h a r r y [Directora] graduó en el país germano en Danzateatro como alumna de Pina Bausch. Ella describe su Autorretrato con máscara como “una obra para cuerpo, muerte, dolor, video, amor y sandía”. En ella, dos bailarines de danza

YO, PROFERO Cortocinesis

Colombia

Esta obra de danza contemporánea

V l a d i m i r R o d r í g u e z [Director] y arte conceptual elabora una gramática de movimientos y de luz que se sobrepone a la gramática de un lenguaje inexistente para ir más allá de la expresión verbal y comunicar su sentido con el cuerpo, el canto o la oración incomprensibles, el grito y el gesto. Todos se complementan para demostrar que la experiencia comunicativa no depende solo de una lengua compartida, sino que, inspirados en las reflexiones del neurólogo Oliver Esta pieza Sacks, “las palabras, las construcciones verbales pueden de danza no transmitir nada, pero el lenguaje hablado esta normalmente bañado de tono. Envuelto en una expresivi- contemporánea y dad que trasciende lo verbal” [Oliver Sacks]. arte conceptual Creada por Vladimir Rodríguez y la compañía Cor- elabora una tocinesis, la obra Yo, profero, ganadora en 2014 de las dos Becas de Creación en Danza más importantes del país (la del Ministerio de Cultura y la de Idartes), tiene

como protagonista al extranjero, al que no entiende o no habla un idioma y no logra comunicarse con los demás.

Sobre un octágono blanco, sobre el cual se proyecta el diseño de luces que conforma también el discurso de la

obra, aparecen cinco personajes, vestidos de negro, susurrando palabras en una lengua quimérica. El octágono se convierte en un escenario de lucha por la aprehensión del sentido. Si la incomprensión inicial se refleja en el contraste entre el vestuario de los personajes y el octágono blanco sobre el cual danzan, a medida que la obra avanza y las situaciones se repiten hasta hacer perceptible su propia lógica, las capas negras se despejan revelando el vestuario blanco de los personajes, que coincide poco a poco con el fondo.

gramática de movimientos y una gramática de un lenguaje quimérico que hablan los personajes para ir más allá de la expresión verbal y comunicar su sentido con el cuerpo.

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contemporánea, videoarte y la música de Anton Berman, quien hace parte del colectivo, se unen para rendirle un homenaje a la pintora mexicana Frida Kahlo. Autorretrato con máscara va más allá de las palabras y pone en escena dos cuerpos que a través de la danza y el video interpretan sin expresionismo el sufri-

miento físico y la fortaleza en distintos cuadros de movimiento, con

un estilo que explora con originalidad y libertad la técnica alemana en la que se ha formado la directora de la pieza. La obra escoge algunos elementos del repertorio simbólico de la mexicana (los autorretratos, la soberanía del dolor físico) y los representa en movimientos limpios y a través del videoarte, que no tiene un lugar decorativo en sus obras sino que hace parte de una derivación consciente hacia la videodanza . Así, en uno de los fragmentos de la obra el cuerpo de la bailarina se convierte en el lienzo sobre el cual se proyecta el universo pictórico de la obra de Kahlo. Otro de sus segmentos trae quizá una de las propuestas corporales y simbólicas más novedosas de la pieza: se trata del número sobre la Muerte, que entra al escenario cargando una sandía y ejecutando una serie de movimientos dislocados que sin duda causarán inquietud en el espectador, antes de descubrir que aquella le ha estado dando literalmente la espalda.

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Esta obra escoge algunos elementos del repertorio simbólico de Frida Kahlo (sus autorretratos, la soberanía del dolor físico) y los representa en movimientos limpios de danza contemporánea y a través del videoarte.


W.T FACTORY LTDA

Colectivo Carretel

Colombia

Nelson Martínez y Mateo Mejía [Directores]

NOCHE DE PERROS

“Un ambiente compartido

dentro de una empresa , con sus cubí-

culos cerrados, sala de reuniones y un gran reloj que delimita el tiempo, sirve de

El Vulgar Teatro

pretexto para hablar de las pequeñas y disimuladas agresiones cotidianas. En

Colombia

W.T Factory Ltda, los bailarines exponen el resultado de un minucioso estudio de los lenguajes y cualidades del movimiento del cuerpo en acciones como ignorar,

[Colectivo Carretel]

y teatro,

de la dramaturga y actriz Adriana Romero y dirigida por Rafael Sánchez, “lleva al R a f a e l S á n c h e z [Director] público por las entrañas de una capital poblada por ciudadanos que se marginan y que ante la indefensión y la rabia que sienten hacia sí mismos y sus congéneres, se transforman en animales gregarios con necesidad de ser escuchados y vistos, perros encerrados en una gran perrera: Bogotá ” [El Vulgar Teatro]. La dificultad de vivir en una ciudad compleja y caótica es expuesta por esta obra ganadora de la beca de creación en equipamientos culturales del Teatro Jorge [El Vulgar Teatro] Eliécer Gaitán. Cinco personajes representan a los habitantes de una ciudad en la que han perdido contacto entre ellos. Son historias de personas solitarias que buscan encontrar una forma de vincularse con los otros y recuperar la humanidad que la ciudad parece haberles arrebatado. Ellos son acompañados por seis bailarines que siempre están juntos para interpretar de manera particular los movimientos de los otros, esos hombres y mujeres que parecen haberse transformado en animales que luchan constantemente entre sí. En un escenario dispuesto a recibir varios objetos móviles que representan jaulas, edificios y laberintos, El Vulgar Teatro recrea la experiencia urbana con el concierto de la iluminación y la fotografía. El afán y la desorientación se convierten en movimientos de danza urbana y contemporánea en una pieza en la que los artistas en escena se mueven al ritmo de la música original compuesta por Binghy (Jorge Lozano), Sergio y Santiago Mejía, integrantes de La 33.

estorbar, excluir, menospreciar, burlar, rechazar ” [Colectivo Carretel].

En un escenario convertido en oficina los bailarines exploran la forma como el cuerpo asimila micro-violencias cotidianas, como ignorar, estorbar, excluir, menospreciar, burlar, rechazar…

Esta obra de danza

Danza, teatro y música urbana se unen en esta “alucinante puesta en escena que lleva al público a las entrañas de una capital poblada por ciudadanos que se transforman en animales gregarios, perros encerrados en una gran perrera: Bogotá”.

Las sillas, los escritorios, los horarios y la disposición de los espacios en una oficina generan formas de convivencia que tienen su expresión en el cuerpo. W. T Factory Ltda obtuvo una Beca de Creación del Ministerio de Cultura que consolida la trayectoria de un colectivo que ha logrado integrar en su creación diferentes disciplinas con las que desarrolla un método de entrenamiento que le permite explorar la danza contemporánea desde diferentes actividades cotidianas que afectan el cuerpo y su

movimiento. En esta obra, los cuerpos marcados por el ritmo laboral y los enfrentamientos cotidianos construyen rutinas que dan cuenta de cómo las micro-violencias afectan el movimiento.

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EL CARNAVAL DEL DIABLO Amparado por la efigie del Diablo, este emblemático grupo de danza contemporánea del país trae un Carnaval de imágenes que evocan cómo ha sido marcado el cuerpo del país por su historia reciente.

L’Explose

L’Explose,

uno de los grandes grupos de danza contemporánea del país, trae

Colombia

una obra sorprendente por su sentido y por su ejecución: El carnaval del Dia-

T i n o F e r n á n d e z [Director]

blo, que además de ser una pieza de danza intensamente significativa en sí misma, evoca a través de diferentes lenguajes

TU NOMBRE ME SABE A TANGO

de expresión (como el baile popular o las marionetas humanas) episodios emblemáticos de la historia que ha marcado recientemente el cuerpo del

país, generando imágenes poderosas. Dirigida por Tino Fernández, con dramaturgia de Juliana Reyes, L’Explose parte de la estructura narrativa que esconde una de las fiestas tradicionales más pin-

L’explose

Colombia

torescas de Colombia, “El carnaval del Diablo” de Riosucio, que conmemora la reconciliación de dos pueblos antagónicos, representada en la efigie del Diablo

T i n o F e r n á n d e z [Director]

como guardián de la paz y de la fiesta. La pieza abre con la festividad, los bailes y la alegría que contagia a los cuerpos en el carnaval; la música

Tu nombre me sabe a tango es una gozosa

simbiosis entre danza contemporánea y tango, entre música y movimiento. Las bailarinas de danza contem-

tropical y los movimientos invitan al goce y a la diversión. El ritmo se interrumpe con la vulnerabilidad de

poránea de la compañía L’explose se calzan los tacones con propiedad y ejecutan con intensidad, precisión y

los cuerpos de un hombre y una mujer, desnudos, despojados de volun-

tad y transformados en marionetas de los otros. La armonía se restaura a través de la unión literal entre los cuerpos, que se transforman en uno solo, se ensamblan, se contraen o se expanden por el escenario como un dragón o una serpiente humana. La fiesta vuelve. Y con ella la alegría de los cuerpos protegidos por el símbolo. Con acertada intuición, el guardián, el diablo, Lucifer, se transfigura al final de la pieza en el “David” de Miguel Ángel Rojas, una de las imágenes de nuestra iconografía artística de la violencia.

sensualidad los pasos del tango en clave contemporánea , junto a dos magníficos bailarines y maestros de tango colombianos de amplia trayectoria: Iván Ovalle

(bailarín de cortes y quebradas de la Compañía Alma de Tango) y Carlos Julio Ramírez (quien lleva más de dos décadas enseñando a los bogotanos a moverse al compás del tango). En el escenario, además de los “fuegos cruzados de amor y desamor” de la dramaturgia que insinúa la pieza, domina la melancólica interpretación de Victoria Sur, que canta grandes clásicos del tango y quien “tiene el gran mérito de sonar a Victoria Sur, cante lo que cante. Porque el asunto con ella no es de géneros, sino de generosidad, de ser siempre genuina con ella y con todos” [página oficial de VS]. Sus interpretaciones se enriquecen al ser contrastadas con las de Edwin Roa, cantante tradicional de la escena tanguera de la ciudad. No obstante, el ritmo y la melodía en el escenario lo imponen el “fueye” de Giovannni Parra y la sonoridad particular de su banda: el Quinteto Leopoldo Federico, con cuyo último álbum ha consolidado su prestigio en la escena del tango internacional, al ser nominado a los Latin Grammy como mejor álbum de tango. Entre el repertorio de tangos cantados e instrumentales que interpretan los bailarines, cantantes (canta también Edwin Roa, con un estilo de interpretación más tradicional) y músicos entrelazados en esta producción de tango contemporáneo de L’explose están A media luz , Cuesta abajo, Escualo, El día que me quieras, Naranjo en flor y Milonga sentimental , junto a algunas de las composiciones originales de Parra.

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Las bailarinas de danza contemporánea de L’explose se calzan los tacones y entrelazan sus piernas a las de dos bailarines de tango, al ritmo del Quinteto Leopoldo Federico y la voz melancólica de Victoria Sur.


SALSA CABARET

ARREBATO

La compañía caleña Swing Swing Latino Latino, dirigida Colombia por “El Mulato”, presenta su L u i s E d u a r d o H e r n á n d e z “ E l M u l a t o ” [Director] espectáculo de salsa La internacionalmente prestigiosa acrobática, compañía de danza caleña Swing Latino, fundada en en el Barrio San Pedro Claver, de Cali, y dirigida bachata, 1999 por Luis Eduardo Hernández, “El Mulato”, presenta pachanga y en Bogotá su gran espectáculo Salsa Cabaret, en el que chachachá, que demuestra por qué han sido siete veces campeones del los ha llevado mundial de salsa en las categorías Grupo Ensamble, y Cabaret Infantil, y por qué Swing Latino ha a compartir Parejas sido varias veces la compañía que acompaña a JLo en escenario su show, con “El Mulato” como coreógrafo oficial. Salsa Cabaret es el show de salsa más emblemácon JLo y ser siete veces tico de este ritmo en su expresión caleña. En formato cabaret , el espectáculo hará que los espectadores campeones de disfruten del tumbao de la salsa de Cali y de la mejor mundiales exhibición de salsa acrobática , al tiempo que comde salsa. prenden cómo la danza impregna la vida de los barrios y

Danza Común

Colombia

Creación Colectiva

La protagonista

de esta obra de la compañía Danza Común, con más de 20 años de trayectoria, es la danza . Se trata de un experimento arriesgado y jovial, tradicional y contemporáneo, que expresa recuerdos en movimientos

y evoca el momento en que cada uno de los bailarines de la compañía se encontró con la danza, acompañados por bailadores de danza tradicional, músicos, cantaoras y video artistas que se han ido sumando a este proyecto culturalmente acogedor, provenientes de Chocó, Magdalena Medio, La Guajira, Atlántico, Risaralda, Meta y Bogotá.

Las experiencias, memorias y saberes tradicionales enriquecen los cuadros vivos que representan en las diversas instalaciones que conforman la escenografía de la pieza, e involucra al público de tal modo que se puede ver inmerso lo mismo en medio de una fiesta callejera que en una clase de ballet.

Esta obra es un arrebato de júbilo por la tradición y lo contemporáneo, “donde los impulsos colombianos mezclados con la danza contemporánea parecieran formar parte de una sola ceremonia de reconfortante solidez”.

comunas de la ciudad. La Escuela de Baile Swing Latino nació con el fin de que la danza fuera una opción de vida para los jóvenes de las comunas 11, 13 y 16, de Cali: una población con altos grados de vulnerabilidad, en donde “El Mulato” ha cambiado para muchos la violencia juvenil en el fuego en los pies del reto de movimientos entre grupos y barrios; el embarazo temprano en la celebración de la destreza y la técnica corporal; el desempleo en una forma profesional de ganarse la vida. La salsa no es solo una serie de pasos de baile, sino una cultura que convoca a personas de todas las edades para conformar una comunidad bailadora . El espectáculo se divide en tres segmentos en los que se desarrollan situaciones en las que la salsa y el baile son los protagonistas. Al final usted sabrá cómo se baila la pachanga en el barrio, la bachata o el chachachá , pero también tendrá tiempo para dejarse contagiar por el ritmo efervescente de la salsa caleña.

[Sandro Romero Rey]

“Una a una van apareciendo historias de la danza ancladas en lugares, ligadas al calor, al río o al mar, historias de familias, de educaciones disímiles, de referencias televisivas, de cuerpos diversos” [Eloísa Jaramillo]. Música del Pacífico, ritmos de la Costa Atlántica, coreografías de Janet Jackson, Prodigy o Vivaldi se suman para expresar este arrebato por la danza. “Lo que parecía un caos termina imponiéndose, hasta consolidarse como una aventura plena de sensibilidad y sorpresas, donde los impulsos colombianos mezclados con la danza contemporánea parecieran formar parte de una sola ceremonia de reconfortante solidez” [Sandro Romero Rey].

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Teatro fĂ­sico y mimo Blam!

Hotel Paradiso

Vai Vem

Rain

Hotel Paradiso, Familie FlĂśz

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BLAM!

HOTEL PARADISO

Kristján Ingimarsson Company

Dinamarca - Islandia

K r i s t j á n I n g i m a r s s o n & S i m o n B o b e r g [Directores]

Lo que verá al comienzo

de esta obra

The Matrix, X-Men y Rambo se

Familie Flöz

Alemania

danesa de teatro físico, mimo, parodia y acrobacia colarán en el es solo un trío de jóvenes encerrados en los cubículos teatro físico estrechos de una oficina y vigilados por un jefe-carcede esta gran lero que no quiere permitirles ninguna distracción. No se deje engañar porque en pocos minutos ellos se trans- compañía formarán en los héroes y villanos de una película de danesa acción que se colará en el escenario del teatro para que para que el este haga literalmente Blam! escenario haga Las bromas entre ellos comienzan con una bola de papel lanzada desde el cubículo del nerd para que rebote literalmente en la carpeta del bravucón y caiga en la papelera del dis- Blam! traído. Ninguno de los tres es lo que parece cuando el jefe les da la espalda durante un segundo. Pero cuando este quiere unirse al juego como un actor de kung-fu, la imaginación de los cuatro oficinistas sube de nivel, y cada uno se apodera de su rol favorito: Rambo, Hulk, Wolverine, Ironman, Neo, y otros tantos héroes del cine y el cómic, están allí para convertir los elementos de oficina en su propio arsenal. Los cuerpos de los actores se sacuden con los golpes, rebotan contra las paredes, se arrojan contra sus oponentes, se estremecen con los disparos, explotan con las bombas, en una ilusión lograda con la

M i c h a e l Vo g e l [Director]

En el vestíbulo del Hotel Paradiso , una mezcla entre Plaza Sésamo y el hotel de Norman Bates, los Muppets se volvieron humanos y cobra-

ron vida (algunos solo para perderla en escena) en esta obra de Familie Flöz, la sensacional compañía alemana de teatro físico y máscaras, que lleva más de 20

años haciendo pensar poéticamente y reír sin reparo a sus espectadores,

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MARIANNE MENKE FOTOGRAFÍA:

Una de sus escenas brillantes sucede alrededor de una mesa con cuatro cowboys a punto de sacar sus pistolas, que arman cigarrillos de post it y juegan póquer con los tacos. De repente mesa y jugadores se vuelcan 90 grados y los espectadores los observan como a través de una cámara dispuesta sobre el escenario. Esta es solo una de las sorpresas que trae esta compañía multitalentosa dirigida por Kristján Ingimarsson.

SØREN MEISNER

coreografía perfecta que forman sus acrobacias con los magníficos efectos de iluminación y el diseño sonoro; pero pese a que Hollywood haya invadido la escena, la obra no perderá el sentido del humor.

FOTOGRAFÍA:

sin decir una palabra en el escenario. El tema de la obra es la sobrevivencia precaria de un hotelito ubicado en una montaña alpina , con una fuente de agua milagrosa que

repara el cuerpo, el alma y la aspiradora. Al hotel lo domina la imagen de su antiguo dueño, que mágicamente desciende de vez en cuando de su retrato para consolar a los suyos y beber un poco de agua; los personajes principales son la anciana madre, que pretende mantener a flote el lugar; el hijo, que quiere dejar todo como está; la hija, que, por el contrario, quiere modernizar el hotel; el cocinero, peligrosamente indiferente a la sangre; el botones que en mala hora se hace cómplice de la hermana; y una criada que guarda muchos secretos entre sus polleras; todos ellos, sumados a los enigmáticos huéspedes del hotel, un ladrón, y una pareja magnífica de detective y asistente, lo harán desistir de querer hospedarse alguna vez en el Hotel Paradiso. Cubiertos con sus expresivas máscaras grotescas, solo 4 actores en escena representan a 20 personajes entrañables, sin que el público perciba su rápida trans-

formación. Al final usted querrá volver a ver la obra para descubrir quién era quién, o solo para volver a disfrutar de situaciones que lo harán evocar a Jacques Tati o a los hermanos Marx. Pero también querrá volver para intentar descifrar cómo crean los actores, solo con su expresión corporal, la ilusión de que su rostro, estático tras la mueca de la máscara, ha cambiado de gesto.

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Usted querrá volver a ver esta obra genial de teatro físico de la gran Familie Flöz alemana, para volver a reírse e intentar descifrar cómo crean los actores la ilusión de que su rostro, estático tras la mueca de una máscara, ha cambiado de gesto.


VAI VEM Gato SA - Casa del Silencio

Portugal – Colombia J u a n C a r l o s A g u d e l o [Director]

Rain, esta pieza dramática, divertida y por momen-

Vai vem es un proyecto teatral luso-colombiano, que

tos enloquecida, de gran belleza y fragilidad expresiva, está inspirada en una leyenda medieval muy difundida en las Islas Faroe. Los protagonistas son dos jóvenes que se aman pero que deben ocultar su afecto ante las

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FOTOGRAFÍA:

colombiano Juan Carlos Agudelo, director de la compañía "Inspirada en la de teatro físico y mimo, la Casa del Silencio, en Bogotá. "Aquí, cuatro personajes, sus historias, un naufragio migración como y alta mar. Encontrar el amor, escapar del pasado, huir territorio visual del deber y hallar un lugar donde sembrar, motivan la y en el teatro decisión de estos seres que, sin tiquetes de regreso, zozobran en un físico como océano inmenso. Un viaje incierto, inacabado e infinito, aparece suspendido en un escenario a través de mínimos relatos que nos recuer- herramienta dan al hombre, tan familiar y enigmático, tan propio como extraño, tan narrativa, la migrante como estático" [Casa del Silencio]. obra presenta a "Vai Vem es un viaje visual en el que el cuerpo y el silencio son los los personajes protagonistas. Inspirada en la migración como territorio visual y en el teatro físico como herramienta narrativa, la obra presenta a los perso- cual sombras najes cual sombras sin tiempo que deambulan cruzando sus historias y, sin tiempo que a manera de caleidoscopio, nos hablan de los desapegos, la ilusión, los deambulan vacíos humanos, los miedos, la soledad, el amor, la vida y los impulsos cruzando sus que nos llevan a partir" [Casa del Silencio]. Definir su título ayuda a descifrar esta obra hecha de insinuacio- historias". [Casa nes poéticas e imágenes oníricas, cuya narración parece ir y volver a del Silencio] un mismo punto: Vaivén es el movimiento alternativo de un cuerpo que después de recorrer una línea en una dirección, vuelve a describirla, caminando en sentido contrario. La obra comienza con cuatro personajes subidos en un barco, en una balsa, sometidos al vaivén de las olas y a los indicios de una tormenta que se avecina . No sabemos si se devuelve al pasado o avanza hacia el futuro para dejar ver el secreto que guarda cada uno. La iluminación y la música crean y sostienen con delicadeza la atmósfera surreal de la pieza. Para Juan Carlos Agudelo “es importante encontrar una estética universal. Eso es el teatro físico. Tiene que tener la capacidad de tocar a un ser humano, venga de donde venga”.

JOSE MONICA

mece a cuatro actores portugueses de teatro físico en la escena de un barco en altamar, dirigidos por el

RAIN

DET FERÖSCHE COMPAGNIE

Islas Feroe

exigencias de una sociedad sustentada en estrictas creen- N i n a K a r e i s L i v i n g s t o n e cias religiosas. Su amor tiene que soportar, además, las [Directora] duras condiciones de vida de la isla. Det Ferösche Compagnie ambienta la leyenda en la década del 50. La evocación teatral del pasado, así como de parajes exóticos y distantes, se combina con música en vivo y danza , en una obra que pone el acento Esta pieza dramática, en el aislamiento y la supervivencia de la pareja cuyo inocente se convertirá en sacrificio. divertida, y amor Esta obra evoca en el espectador las piedras de las por momentos Islas Faroe, y su apuesta estética se configura como poeenloquecida, está sía del movimiento. Nunca se puede estar totalmente inspirada en una seguro de qué va a pasar, pero es seguro que la audiencia a quedar fascinada por las imágenes, la presencia y la leyenda medieval sobre va energía de la pieza. el amor y el sacrificio El trabajo de Det Ferösche Compagnie DFC se ha de dos jóvenes, que caracterizado por elaborar puentes expresivos entre el se expresa a través teatro y otras formas de arte. Su radical y necesaria ha encontrado un equilibrio narradel teatro físico, la interdisciplinariedad tivo en modos y pulsiones de la danza contemporánea , danza y la poesía acompañados por grandiosos juegos visuales y plástien movimiento. cos. Esta característica requiere una disciplina creativa que la directora de DFC subraya: “la compañía funciona colectivamente; lo cual quiere decir que cada miembro es parte del proceso en su totalidad. Desde la investigación hasta el trabajo creativo final. Cada integrante cumple un rol igual de importante, ya sea el de la actuación, la musicalización o el diseño escenográfico”.

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iD - Cirque Éloize

Circo contemporáneo y Clown

FOTOGRAFÍA:PAT R I C K

LAZIC

Slava’s Snowshow iD - Cirque Éloize Paris de Nuit The Outsider Ensueño de Martini Les confinés Cuerpos sin alma Ceniza MK Ultra: circo, chicas y conspiranoia La Real Academia de Las Buenas Maneras Trío El Dorado, la leyenda Pasos de payaso

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SLAVA’S SNOWSHOW

The Snowshow Company Una tormenta de nieve se - Gloria Enterprises UK acerca a Bogotá y tendrá lugar en el Jorge

Rusia

Slava´s Snowshow y

FOTOGRAFÍAS:

A . LOPEZ Y V. MISHUKOV

Slava Polunin son dos leyendas vivas del siglo XXI. El suyo no es solo un espectáculo: es una experiencia de inmersión.

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Eliécer Gaitán, en donde se presentará Slava´s Snowshow, de Slava Polunin , S l a v a P o l u n i n [Director] uno de los creadores de Alegría , del Circo del Sol . Slava es un ícono de la cultura rusa y el clown más prestigioso del mundo. El suyo es un espectáculo visualmente hermoso, ralentizado, sin palabras, cargado de música familiar a los oídos de todos, que deja caer en el escenario el misterio de los copos de nieve, y que a ese ritmo recorre el mundo desde 1993, reinventándose a sí mismo en cada función, según la participación del público y la improvisación de los clowns en escena. Slava´s Snowshow es también una tormenta de emociones, felizmente anárquico en su estructura. Cada corto aborda un sentimiento diferente, que busca desencadenar en el espectador. Es un espectáculo para aquellos a quienes la tristeza causa alegría y la alegría los hace llorar. El propósito de Slava Polunin es despertar al niño interior adormecido en el corazón de los adultos, y que los niños dejen volar su imaginación. Su personaje, Asassai, nació en 1970, y como Charlot, el alter ego de Chaplin, nunca ha sido abandonado por su creador. Slava Polunin siempre ha sido Asassai, que ha evolucionado y ha vuelto a ser un niño junto a su creador, enfundado en su mono amarillo, ancho como un globo sin aire, con zapatillas rojas, nariz de ciruela, ojos tristes y la melena desordenada del genio. Una avalancha de nieve se arrojará desde el escenario, una tela de araña se tenderá sobre las cabezas de los espectadores y balones gigantes serán disputados entre chicos y grandes. Por eso, si usted prefiere jugar como los artistas en este espectáculo, los lugares delanteros serán los mejores; y si lo que quiere es disfrutar contemplativamente del show, elegirá no estar muy cerca del escenario.


PARIS DE NUIT Recirquel Company Budapest

Hungría

B e n c e V á g i [Director]

iD CIRQUE ÉLOIZE

Los impresionantes Paris de Nuit es una voluptuosa invitación a artistas de circo participar de la vida nocturna del París de los años 30. Los impresionantes artistas de circo y teatro físico, y teatro físico, los los bailarines y el swing de los músicos y los cantan- bailarines y el tes de una banda de jazz excepcional (dirigida por el swing de músicos virtuoso pianista y compositor  Peter Sárik), llegan con y cantantes de Recirquel, “la joya de la escena húngara”, a darles vida una banda de a aquellas decadentes pero adorables noches parisinas. Paris de Nuit revela los momentos de ilusión en la jazz excepcional, vida de prostitutas y vendedores ambulantes, vagabundos les dan vida a y amantes ilícitos que despiertan en la cara oscura de la las decadentes ciudad, en una noche de lujuria, amor y soledad,  inspirada en el mundo que capturó la cámara del fotógrafo noches del París húngaro, Brassaï, conocido como “el ojo de París”, de los años 30. quien encontró un espacio de trabajo cómodo e inspirador en la calle y en los  burdeles de lujo de la capital francesa, que a menudo eran propiedad de familias respetables, y que continuaron abiertos como  un vestigio de la belle époque de Toulouse-Lautrec hasta que todos fueron cerrados por causa del fervor piadoso que desató la posguerra de 1946. Los rincones ocultos de Montmartre quedan expuestos en este circo contemporáneo de Hungría, en donde Picasso, Henry Miller, Modigliani, Josephine Baker y Brassaï se hunden en las sombras para dejarle ver los secretos del París que usted hubiera querido conocer.

El Cirque Éloize

llega al FITB recargado de buena energía con iD: un espectáculo audaz e insolente, que renueva las artes circenses con una dosis soberbia de danzas urbanas y música electrónica. El circo de hoy ha olvidado sus carpas rayadas y se Cirque Éloize levanta entre la luz y la penumbra de las calles del centro de una ciudad surreal, sobre cuyas fachadas grafitteadas los artistas desafían la gravedad y le cortarán el aliento, J e a n n o t Pa i n c h a u d mientras los muros se caen y levantan frenéticamente [Director] animados por proyecciones de mapping y 3D. El Cirque Éloize es un circo sin payasos pero con buen humor; y en lugar de animales amaestrados ha traído una mezcla magistral de danza, teatro y poesía. La trama tiene más de un eco de West Side “Si usted está Story, como el amor entre los jóvenes de tribus urbanas buscando opuestas, que se enfrentan en duelos de breakdance un golpe de y hip-hop. En uno de sus números, lo que se insinúa adrenalina... que podía haber sido una pelea callejera con látigos de domadores de circo, se revela como una coreografía de no se puede salto de cuerda que desborda alegría, al ritmo de la ori- perder este ginal banda sonora de trip-hop compuesta especial- espectáculo”. mente para llenar de energía la obra. En otro número, [The Telegraph] contrastan la coreografía que forman la danza del b-boy con los movimientos inverosímiles de la contorsionista. Pero definitivamente de infarto son las proezas que logran estos jóvenes artistas en freestyle, trampowall o en la tradicional gimnasia acrobática llevada a la cima de una pila de sillas listas a desplomarse como una columna de Tetris [según la afortunada imagen usada en The Telegraph]. El Cirque Éloize rinde tributo al talento de los jóvenes artistas urbanos, y nos recuerda que el espacio público no debe ser el territorio del miedo sino el lugar de expresión de identidades culturales diversas y dignas de ser invitadas a escena.

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VALÉRIE REMISE

TAMÁS LÉKÓ

FOTOGRAFÍA:

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Canada

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THE OUTSIDER

TT13, The Amazing Magic Theatre & Espoo City Theatre

Filandia Después de ser clown del Circo del Sol, Martín Pons revive un personaje de su creación, Martini, quien viaja recargado de luz, baúles de sueños y mágicas sorpresas.

bre mago y performer finlandés. Su estilo se inspira en los gestos y expresiones de Buster Keaton o Chaplin, pero su imaginación y creatividad le pertenecen a la época de las pantallas de video, los celulares y la tecnología inalámbrica. De esa mezcla, que Raudaskoski llama “magia técnica”, de la cual es pionero en el mundo, surge una expresión artística inexplorada en sus infinitas posibilidades, que convierte al  arte clásico del mimo  y el clown  en una experiencia futurista.

Esta obra dura setenta minutos pero ha tenido que ser preparada y ensayada en unidades de tiempo mucho más pequeñas que el segundo. Su guión es conciso y la ejecución de Raudaskoski es perfecta. El escenario son dos pantallas de video y una puerta. Por ellas el prota-

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MATIAS CASAL

están allí sino que son imágenes pregrabadas y programadas con antelación. El argumento de la pieza gira en torno a las respuestas de un inocente, de un extranjero, de un outsider que observa el mundo moderno por primera vez. ¿Cómo reacciona frente a la gente y sus hábitos, frente a su capacidad de amar al otro o de hacerle daño? La respuesta quedará flotando en el escenario junto con la sorpresa del público y burbujas de jabón.

FOTOGRAFÍA:

gonista entra y sale de la realidad a la imagen electrónica y viceversa , haciendo olvidar que sus clones no JARI KIPPOLA

Una pieza genial de arte clásico del clown… ¡y del clon! Janne Raudaskoski se multiplica en escena y transita de la realidad al video con tal fluidez que hará parecer simple esta complejísima pieza sincrónica.

Asistir a la evolución

Janne Raudaskoski es un céle-

FOTOGRAFÍA:

S a m i R a n n i l a [Director]

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ENSUEÑO DE MARTINI

de un personaje de clown es una experiencia entretenida para los más chicos y poéticamente encantadora para los más grandes. Martín Pons acaba de darle otra vuelta de Clown Martini tuerca al suyo, después de llevar casi un lustro de gira internacional, encarnando al clown Eddie y a The Dreamer en el show M a r t í n P o n s y M a x i m i l i a n o Tr e n t o Saltimbanco del Circo del Sol . [Directores] El personaje de Pons, su alter ego, se llama Martini y está de gira también, pero ha perdido su equipaje mientras tomaba una siesta. Artista plástico, como su creador, mimo y payaso, en uno de los mágicos momentos de la obra pintará frente al público; pero algunas de sus creaciones crecerán demasiado, escaparán de lienzo y pantalla y darán pasos gigantes sobre el escenario. Como los pasos de este clown argentino, que interactúa con la iluminación de su show, hace trucos de magia , saca una marioneta de una valija de sueños, inunda el teatro con globos de aire y juega con el público de múltiples maneras, en una versión de su arte que es clásica y moderna a la vez. Clásica en su ejecución, en la que rinde tributo a maestros del género, como Chaplin, Buster Keaton, o el mimo Marcel Marceau; y moderna, pues está acompañada de elaboradas proyecciones en multimedia. En una de sus pantomimas Martini encuentra una maleta dentro de otra maleta, y luego otra y otra cada vez más pequeñas, hasta que descubre su propia nariz. Lo mismo ocurre en este show, en el que un número da lugar a otro cada vez más profundo, revelando lo esencial del carácter del mimo y el clown.

Argentina


CUERPOS SIN ALMA

José y Gaby

Colombia José Miguel Martínez y G a b r i e l a D í a z C a r d o s o [Directores]

LES CONFINÉS

Compañía Dos Mundos al-Arte

Francia – Colombia Ye n s e r P i n i l l a [Director]

Les confinés

es un espectáculo de circo contemporáneo presentado por

la joven compañía colombo-francesa Dos Mundos al-Arte. Nació en 2014 cuando dos artistas colombianos, Jonathan Hernández y William Orduz, se encontraron con la artista francesa Céline Bulteau en la escuela profesional de circo

Vértigo en Turín, y tuvieron la visión de

conjugar dos formas de comprender el arte circense para explorar

juntos un modo de fusionar diferentes prácticas en las que el cuerpo está comprometido: el circo, la danza y el teatro. Y eso es lo que realizaron en Les confinés, espectáculo en el que

tres individuos aparecen inicialmente confinados en el mínimo espacio de un cubo o un cajón. Ese confinamiento bien puede aludir

a los límites que le impone al ser humano el mundo exterior, o al miedo desatado por el caos contemporáneo, o a los límites que el hombre se impone a sí mismo. El cuerpo es el gran protagonista, pero es un cuerpo conformado por tres individuos que se apoyan en el cuerpo de los otros y que generan imágenes y metáforas sobre la solidaridad . Por eso el confinamiento que se sugiere en un inicio se convierte en libertad con la unión de fuerzas, impulsos, resistencias, equilibrios, apoyos, contrapesos, confianza… en el despliegue armónico de la destreza de estos tres artistas. Confinado en un mundo en el que estás y no estás, en medio de miles de personas puedes llegar a sentirte solo y frágil, creando así tus propios límites, teniendo como resultado un encierro en tu libertad. Es así como el miedo te aísla en la oscuridad y buscas una luz que te ayude a escapar. En medio del caos tres mentes, tres almas y tres corazones se mezclan buscando esa luz que los guiará hacia la libertad. Tres luces solitarias que buscan fundirse en una sola.

Una pieza de circo contemporáneo en la que esta compañía colombofrancesa crea una metáfora sobre la liberación y la solidaridad, con la unión de fuerzas, impulsos, resistencias, equilibrios, contrapesos… de tres cuerpos que se vuelven uno en escena.

El dúo que conforman El dúo que conJosé y Gaby, José y Gaby forman dos artistas que se formaes un bello ron como gimnastas rítmiespectáculo cos, presenta Cuerpos sin de circo alma, un bello espectáculo circo contemporáneo o contemporáneo de de danza acrobática en el o de danza que proponen un nuevo acrobática lenguaje escénico que en el que surge de la mezcla de las del circo con proponen un acrobacias la danza contemporánea nuevo lenguaje y la gimnasia rítmica. Usted se preguntará por qué esta obra se presenta como un especescénico que surge de la táculo de circo contemporáneo, pues durante los 45 minutos que duran artistas en escena considerará estar presenciando una exhibición de mezcla de las los danza contemporánea y poesía que lo dejará sin aliento. Salvo porque acrobacias las figuras que hacen con sus cuerpos José y Gaby son acrobacias riesdel circo gosas de piso, mano a mano y equilibrio de manos que fusionan muy con la danza bien con la danza y la gimnasia rítmica. que quieren nacer, almas que buscan libertad, cuerpos contemporánea vacíosCuerpos y almas en movimiento; son encuentros que hacen sentir amor, y la gimnasia desesperación, confusión, libertad. Esta obra parte de la intimidad, de rítmica. lo que somos, de lo que nos mueve: el hacer y el sentir, y tiene como resultado una narrativa no-lineal. La fluidez y la poesía inspiran esta obra, en la que desarrollan un nuevo lenguaje que extrae de la danza, la acrobacia, el circo y la puesta en escena elementos sublimes para producir múltiples sensaciones que tocarán al espectador [presentación de la compañía].

¿Qué tanto brilla tu luz en medio de la oscuridad?

[Compañía Dos Mundos al-Arte]

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CENIZA Lucho Guzmán

Colombia

F e l i p e O r t i z [Director]

“La guerra ha estallado y son pocos los refugios seguros. Un soldado logra sobrevivir ocultándose en lo que queda de un circo, encontrando bajo sus ruinas un mundo lleno de magia donde empieza a alimentar la esperanza de ser rescatado. Mientras esto sucede, él descubrirá que este mundo sostenido por mástiles y viejas cuerdas es una fortaleza que protege la vida , aunque no precisamente la suya”. Ceniza es una obra en lenguaje de clown, acompañada de música original.

"Ceniza es una obra en lenguaje de clown, acompañada de música original sobre un soldado que logra sobrevivir a una guerra en lo que queda de un circo, encontrando bajo sus ruinas un mundo lleno de magia" [Lucho Guzmán] .

MKCIRCO, ULTRA: CHICAS Y CONSPIRANOIA

“11 de septiembre de 1960. El experimento 6 de la serie 99 está por iniciar. El objetivo: implantar el programa MK Ultra a un nuevo sujeto experimental, sin su consentimiento previo. El

proceso se desarrolla en un set, adaptado sistemáticamente para aparentar realidades pre-diseñadas que irá viviendo su habitante, la señora Borrego, una ama

Coproducción de La Ventana Producciones de casa objetualizada y animalizada, eley Compañía Dos Puntos gida por haberse postulado a un show tele-

España – Colombia A n d r e a Pa o l a M a r t í n e z y É r i k a O r t e g a [Directores]

visivo, cuyo premio era ser una famosa estrella del tabloide de Hollywood por un día .

Estos estrambóticos devenires se desarrollan entre movimientos acrobáticos, luces de colores y música, que provienen de los sueños y pesadillas más profundas de la hipnótica realidad televisiva. Realidad creada por manos invisibles, pero cuyo ojo todo lo ve” [La Ventana Producciones]. Las décadas del cincuenta y sesenta, marcadas por la Guerra Fría, engendraron conspiraciones dementes a las que condujo el afán de racionalizar la muerte a través del control mental. En este ambiente surgió el programa MK Ultra de la CIA. A partir de esta situación, hoy a todas luces burlesca, La Ventana Producciones propone su espectáculo MK Ultra: circo, chicas y conspiranoia, en el que el experimento es la excusa de la comedia. Ocho mujeres encarnan íconos femeninos de la cultura pop, Marilyn Monroe o Madonna; y arquetipos ancestrales, como la Diosa Venus o Kali, para que la escena se llene de secretos y erotismo filtrados a través de un alto nivel de destreza: danza, malabares, acrobacias de piso, contorsionismo, acrobacias aéreas en cadenas, manipulación de objetos, contact y funambulismo son las técnicas que logran generar la atmósfera hipnótica que ocupará la mente de los espectadores de MK Ultra.

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MK Ultra es un hipnótico espectáculo de circo femenino,o un experimento de control psicológico de La Guerra Fría contado a través de contorsionismos, acrobacias riesgosas y el sueño de ser Marilyn Monroe o Madonna, Venus o la diosa Kali.


LA REAL ACADEMIA DE LAS BUENAS MANERAS

"Una pieza de Compañía Las Buenas Maneras clown, teatro C a t a l i n a d e l C a s t i l l o [DIRECTORA] físico y danza, que reflexiona, a través de la “La Real Academia de las Buecomedia, acerca nas Maneras es una obra cómica en la que de la violencia tres damas de alta alcurnia promueven la el glamour y el buen comporde los códigos etiqueta, tamiento de la mujer moderna. Teatro sociales de físico, danza clásica, malabarismo, comportamiento improvisación y humor, involucran al femenino" público en un juego que reflexiona, a tra[Las Buenas Maneras]

vés del lente de la comedia, sobre la violencia de ciertos códigos sociales de comportamiento y las expectativas culturales del rol de la mujer” [Las Buenas Maneras].

TRÍO Trío Trinidad

Colombia J o h a n Ve l a n d i a [Director]

“Casa E será el lugar

donde tres payasos se rebuscarán la vida a punta de música . El primero es un cantante de restaurante del centro de la ciu-

dad que se inventa enfermedades mortales; el segundo canta en los buses para sacar a su hijo (inventado) del hospital;

y el tercero es un guitarrista frustrado que toca en las calles para pagarse su

semestre en la Universidad Nacional” [Cartel Urbano]. Estos tres personajes se encontrarán para realizar una rutina cómica que se sirve de todas las herramientas del mundo del espectáculo y que resultará ser una divertida y controversial payasada acerca del teatro y de la televisión. Por

medio de la música Johan Velandia, director de la obra, logra conjugar los elementos necesarios para que el público disfrute de un show que no solo conduce a la risa sino a la reflexión sobre el espectáculo como forma de sustento.

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“Johan Velandia presenta una obra en donde se burla del medio teatral y televisivo en Colombia. La obra canta la historia del Trío Trinidad, el cual ofrece sus servicios musicales en serenatas, conciertos, eventos, fiestas y fechas especiales” [Las 2 Orillas]


EL DORADO, LA LEYENDA Artefactos y Garabatos

Malabares, Colombia contorsiones, M a r c e l S a l a m a n c a [Director] volteretas, saltos, piruetas, arabescas y La leyenda colombiana de El Dorado está acrobacias vinculada a la experiencia de la Conquista de América. obstante, hace parte de la mitología de muchos pueaéreas y de piso No blos, que cifran en el hallazgo de un tesoro mágico y convierten la secreto su utopía inalcanzable. Entre nosotros, los conleyenda de El quistadores españoles buscaron sin sosiego un país legenDorado en un dario, famoso por sus incalculables riquezas: El Dorado. el origen de esta creencia reside en la ceremonia espectáculo Pero de consagración de los Zipas o caciques de los Muiscas. circense que se “En el hermoso país de los Muiscas, mueve al ritmo hace mucho, mucho tiempo, todo estaba de la percusión listo para un gran acontecimiento: la corodel nuevo Zipa. Durante seis años y los vientos nación se ha preparado un guerrero para ser eletradicionales de la gido como próximo cacique; ha llegado el música andina día de la ceremonia; será bañado en oro para que se sumerja en la laguna; si sale a flote querrá decir que Bachué ha aceptado que el guerrero se convierta en el nuevo cacique y gobernador de los Muiscas" [Artefactos y Garabatos]. Malabares, contorsiones, volteretas, saltos, piruetas, arabescas y acrobacias aéreas y de piso convierten la leyenda de El Dorado en un espectáculo circense que se mueve al ritmo de la percusión y los vientos tradicionales de la música andina.

PASOS DE PAYASO

deciden abandonar su carpa de circo para irse de ciudad en ciudad, de pueblo en pueblo, compartiendo destrezas que con mucha dificultad logran y que se convierten en un

drama para ellos, ya que también intentan conquistar a la única payasa del grupo, una acróbata de alto nivel, que junto con el público gozará poniéndoles pruebas casi imposibles de cumplir. Pasos de payaso El espectáculo utiliza diferentes técnicas circenses como acrobacias, malabares con objetos (sombreros y claL u c h o G u z m á n [Director] vas), equilibrios, entre otras. Y las conjugan con el arte de la improvisación, en la cual se especializa el director de la compañía, Lucho Guzmán. Toda la obra es amenizada con música original compuesta Tres payasos para la pieza y ejecutada en vivo. La Compañía Pasos de Payasos está compuesta por deciden profesionales de las artes escénicas y circenses egresados abandonar su de la Fundación Circociudad. Sus clowns participaron carpa de circo con un espectáculo dentro del Folk Life para exhibir de Festival en Washington D.C, donde tuviegran acogida por parte del público. pueblo en pueblo ron También han participado en diferentes las destrezas espectáculos de teatro-circo en festivales que con mucha como el FITB y el Festival Internacional de dificultad logran Teatro de Manizales. Han realizado tempoen el Teatro Colón, el Teatro Libre, mientras intentan radas el Teatro Jorge Eliécer Gaitán y han hecho conquistar a la giras por el país llevando sus espectáculos payasa del grupo, de clown a escuelas apartadas de los casuna acróbata de cos urbanos. Pasos de Payaso nació en

Colombia

alto nivel que goza poniéndoles pruebas imposibles

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Tres payasos

125

2009 después de una misión de Payasos sin Fronteras, en la cual dos payasos de

EEUU, uno de Inglaterra, uno de Chile y dos de Colombia trabajaron juntos en una serie de espectáculos en varios orfanatos de la ciudad de Bogotá.


Teatro musical y conciertos Ara Malikian

Catatonia

24 kilates

Milonga en concierto

Obras relacionadas que no aparecen en esta secci贸n: The Tiger Lillies Perform Hamlet pg.44 / Songs of Lear pg.45 / Dead dog in suitcase (and other love songs) pg.59

Catatonia, La J谩cara Mojiganga

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127


“Malikian trata a la música clásica sin reverencia y al violín como una guitarra eléctrica” [El País]. Y cele-

bra en el XV FITB la nominación a los

CATATONIA

Premios Grammy Latino que obtuvo

España

A r a M a l i k i a n [Director]

“Siempre quiero que el violín me divierta, me emocione, me cuente cosas. Si no me divirtiera tocando, haría otra cosa”. [Ara Malikian]

Colombia

nistas más queridos por el público en la actualidad, además de ser un gran intérprete. Ha tocado en las mejores salas de

J u a n C a r l o s M a z o [Director]

concierto del mundo, ha ganado premios de prestigio como violinista clásico y ha sido el solista invitado de orquestas en todo el mundo. Pero no se ha dejado acartonar por la seriedad de la música clásica tradicional, sino que es una especie de rockstar de la música clásica con facha de gitano, afro alborotado y despeinado,

barba, jeans, chaleco en lugar de camisa, que deja ver sus brazos musculosos y cubiertos de tatuajes y pulseras y llena estadios y teatros a donde lo siguen multitudes de jóvenes, adultos y niños que disfrutan su música tanto como su histrionismo y su calidez en el escenario. A Bogotá trae un concierto que es un derroche de virtuosismo y alterna música clásica con popular: ¡de Bach a Radiohead! Su repertorio incluye arias de Bach, un flamenco de Paco de Lucía, la Hyperballad de Björk, el tema central de Pulp Fiction, No surprises de Radiohead…

Para Ara Malikian la música es una forma de diversión: “lo que hago es para el público, no es ni para los programadores, ni para los compañeros ni para el manager; es para el público, que no quiere oír una obra tal como se tocaba hace 300 años. El público paga una entrada para emocionarse. Cuando estoy en el escenario solo pienso en transmitir”.

128

Catatonia es un musical

y una comedia ácida que cautiva con sus actuaciones, con el argumento inesperado, con una banda en vivo dirigida por Rafa Gar-

cía cuyos músicos están vestidos de payasos, y con la estética queer de su escenografía. Todo orquestado para retozar entre los camerinos colmados con los delirios de los actores de un circo decadente, cuyos fenomenos son: doña Mariela, ex reina del chontaduro, abandonada por su marido, que lleva meses sin regresar de un viaje de negocios; un joven huérfano a quien ella ha convertido en su esclavo, que tiene un parecido inquietante con Harry Catatonia es Potter; Solange, una escultural chica trans que esconde más de un secreto; un costeño fugitivo; una burra que un espectáculo sabe sumar; y un mago esquizofrénico adicto a las pasti- musical en el llas y atormentado por su otro yo, un payaso calvo, tras que las estéticas el espejo del camerino. queer y circense Juan Carlos Mazo, dramaturgo y director de la obra, logra equilibrar la tragedia con el humor negro expresan la en este circo itinerante y tradicionalmente dispuesto a esquizofrenia y lo extraño y lo fenomenal. En esta pieza le da vida a decadencia de una diversidad de síntomas mentales que componen las “atracciones” y el repertorio musical de esta lunática experiencia . Doña Mariela, la reina del chontaduro, es Carolina Sabino, encargada de torturar a los

JAVIER TLES

Ara Malikian

La Jácara Mojiganga

FOTOGRAFÍA:

ARA MALIKIAN EN CONCIERTO

con el espectacular concierto que dio para celebrar los 15 años que lleva viviendo en España. El músico de ascendencia armenia, nacido en Beirut, es uno de los violi-

seis personajes de esta puesta en escena de La Jácara Mojiganga, que según palabras de su director tiene más de un eco del teatro de la crueldad de Antonin Artaud.

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sus personajes en una divertida comedia mordaz.


“Conformado por artistas

24 KILATES “Teatrova trae a la escena el circo de las finanzas y sus grandes atracciones: ¡la moneda en la cuerda floja! ¡los capitales en el trapecio! ¡los piratas de cuello blanco en la jaula de los leones!”. [Teatrova]

“Este circo absurdo, el circo

dorado de la economía , nos muestra el

Colombia

TEATROVA «espectáculo» de la crisis de iliquidez, los

Colombia

inversionistas ficticios y los auto-préstamos y desfalcos, cuyos «artistas» son C a r l o s Pa r a d a [Director] embaucadores que hacen malabares con pirámides, créditos, acciones, cheques chimbos y con la plática y el dinero de los ahorradores inversionistas… Es la tragicomedia del engañador y el engañado. Una comedia satírica circense en verso y prosa rimada , que por las artes del teatro dentro del teatro nos muestra una farsa fantástica, grotesca y musical, un baile de enmascarados” [Teatrova]. El dinero, el oro y el capital son los protagonistas de 24 kilates, “Circo de las finanzas” o “alegoría de la economía”. Escrita y dirigida por Carlos Parada, el teatro de máscaras y el musical son los medios elegidos para representar esta tragicomedia en la que las finanzas son un mundo mágico en donde las cosas aparecen y desaparecen. Sin embargo, esa magia es revelada como producto del engaño. Por eso, nada más adecuado que el uso de máscaras por parte de los actores para resaltar los múltiples juegos de ocultamiento aludidos en esta puesta en escena. La máscara es un medio que aparentemente esconde, pero ella misma revela el artificio detrás de la acción, pues resalta el gesto y caricaturiza los actos. Por medio de la máscara, el disfraz y el circo, Teatrova

las interpretaciones del conjunto bailando una de las piezas musicales de su programa , con el fin de entablar

una relación más cercana con el público. De allí toma el grupo su actual nombre. Fagotangueando se ha presentado en las salas Otto de Greiff, Biblioteca Luis Ángel Arango, Auditorio Teresa Cuervo de Bogotá. En noviembre del año 2007, la Secretaría Distrital de Cultura, Recreación y Deporte de Bogotá selecciona a Fagotangueando como uno de los grupos ganadores del concurso “Ciclo de Conciertos - Música de Cámara”. Después de más de ocho años de permanente actividad artística, en 2014 el conjunto se presenta al Premio Nacional de Música para Formatos de Música de Cámara, organizado por el Ministerio de Cultura con el proyecto “Fagotangueando vive Latinoamérica” recibiendo Mención de Honor. En 2015 el grupo es ganador de la convocatoria “Conciertos Temáticos - Sonidos del Mundo” realizado por IDARTES. Viajó a Brasil como grupo invitado en el “Primer Festival Internacional de Fagot UFRJ” realizado en el mes de noviembre de 2015 en Rio de Janeiro” [Fagotangueando].

deforma una realidad para que, paradójicamente, aparezca más clara .

130

MILONGA EN CONCIERTO

de amplia trayectoria nacional e internacional, Fagotangueando es un grupo musical que surgió en el año 2002, producto del interés de su directora, Zulma Bautista, por la música de cámara , con particular énfasis en el repertorio que ofrece la tradición popular de los países Fagotangueando del continente americano. Integrado de manera inicial por un ensamble de cinco Fagotes y Piano, la Z u l m a B a u t i s t a [Directora] pasión de su directora por el tango y la milonga la llevaron a concluir de manera espontánea

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Concierto de tango y milonga, interpretado por el grupo de cámara Fagotangueando,

compuesto por cinco fagotes y un piano.


Teatro contemporáneo The Writer A Family on The Road John Kani's MISSING… Homenaje a Víctor Viviescas: La técnica del hombre blanco Misa fronteriza Baños Roma Novecento Almacenadas Una relación pornográfica Tristán e Isolda Rebú Neva Ascuas y azufre Maratón de Nueva York La secreta obscenidad La paz perpetua Sonrisa de Piraña Luminocidio De profesión maternal Penetrador El silencio de las cosas rotas El diván rojo Huellas digitales La extranjera Homenaje a Beatriz Camargo: Orígenes. Rumbo al sur La Casa Grande La soledad del supremo Test a Turing Homenaje a Críspulo Torres: Canción breve para una ciudad frágil Homenaje a TChyminigagua: Lucho en la gloria

FOTOGRAFÍA:

NAH INU

A family on the road, Teatro Georipae

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A FAMILY ON THE ROAD

Lee Youn-Taek, aclamado director y dramaturgo de Corea, en compañía del diseñador de objetos Lee Yong-Ran,

Teatro Georipae

presenta esta bellísima puesta en escena, como salida de la imaginación de un niño, poblada de figu-

L e e Yo u n - Ta e k [Director]

ras de las pinturas de Lee Young Seob, que se han

Corea

vuelto bidimensionales. La fascinante música en vivo de VANN hará de esta obra una experiencia inolvidable.

Lee Young-Seob es el pintor más amado por los coreanos. Se trata de un artista genial y artísticamente puro, cuya vida fue azotada varias veces por la tragedia.

THE WRITER

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NAH INU FOTOGRAFÍA:

Holanda

nevadas bañadas por una luz fría que se refleja sobre los grandes pliegos de papel U l r i k e Q u a d e y J o S t r ø m g r e n [Directores] que conforman el escenario surreal de esta obra, tiene lugar el encuentro entre una joven estudiante (Ulrike Quade) y Knut Hamsun, el escritor ¿Ulrike Quade noruego sobre quien escribe su tesis, muerto hace más de 60 años. En la primera escena la joven trabaja ante su escritorio sobre maneja a sus este Premio Nobel de Literatura de 1920, enterrado en el olvido a marionetas o se pesar de haber sido considerado como uno de los creadores de la novela entrega a ellas? moderna, antecesor de las pesadillas de Kafka y del monólogo interior de Es una pregunta Joyce. Sus libros fueron quemados en las calles por haber sido simpatizante de Hitler y colaborador de los alemanes durante la ocupación que inquieta nazi en Noruega. Mientras tanto, resuena la voz del Führer, y la joven en esta obra arruga y arroja la hoja en la cual estaba escribiendo: ¿cómo afrontar dirigida por Jo ese aspecto de la vida y la obra del escritor? La ayuda que necesita Strømgren y vienen a dársela el mismo Hamsun, representado por una marioneta de un hombrecito de 60 años con voz aflautada y empequeñecido por dedicada a la la historia; un muñeco de proporciones gigantescas, que lo muestra polémica figura tendido en su lecho de moribundo; y otra marioneta: el joven poeta de un escritor pobre y enfermo, protagonista de El hambre (la obra que le dio fama noruego recién al escritor), y que ha salido de su libro para enfrentar a su creador. La escena del baile con el joven poeta, el beso más apasionado desenterrado que quizá se han dado un títere y una mujer, y las caricias que le da del olvido. el escritor maduro mientras ella duerme y él reflexiona: “Esta es la última etapa del viaje de un escritor: la piel de una mujer desnuda”, le harán pensar si la actriz maneja a sus marionetas o se entrega a ellas. “Váyase”, le pide el poeta queriendo escribir sin que ella lo interrumpa con sus comentarios. “No puedo”, le responde ella: “estoy atascada en usted”.

KNUT BRY

del Círculo Polar, rodeado de montañas

Jo Strømgren Kompani, The Nordland Visual Theater Stamsund & Ulrike Quade Company

FOTOGRAFÍA:

En medio de un paisaje

No obstante, la mayoría de sus pinturas representan la belleza de la naturaleza y un mundo feliz e inocente en donde dominan los colores brillantes: todo lo contrario le ocurría a él en la realidad: se enamoró de una mujer japonesa, a la que se resistía a amar por provenir de una nación que él debía odiar; perdió a su primer hijo a causa de la difteria; fue expulsado a Corea del Sur y separado de su madre, su esposa y su hijo. Al final de sus días tuvo ataques de esquizofrenia y murió en soledad.

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Lee Youn-Taek, aclamado director y dramaturgo coreano, presenta esta puesta en escena salida de la imaginación de un niño y poblada de figuras bidimensionales que escaparon de las pinturas del gran artista trágico de su país.


Como homenaje a Víctor Viviescas se presenta una de sus obras recientes:

Baxter Theatre Centre y University of Cape Town

Sudáfrica

el autor y protagonista de John Kani’s MISSING… es una leyenda. Más conocido como “el abuelo del teatro sudafricano”, concibe esta pieza como un drama político y humano en el que se ponen en juego la esperanza, la lealtad y el concepto de hogar. Una puesta en escena sencilla, enriquecida por

diálogos inteligentes y un sentido del humor exquisito. La fuerza se centra en la trama de la obra: Robert Khalipa nació en la tribu Xhosa de Sudáfrica y por sus convicciones anti-apartheid debió exiliarse en Suecia. Han pasado tres décadas, ya tiene

J a n i c e H o n e y m a n [Directora]

una familia y una vida: su esposa es una rica heredera, y su hija está terminando sus estudios de medicina. Debería ser feliz; no obstante, han pasado nueve años desde la liberación de Nelson Mandela y él sigue esperando ser llamado para formar parte del nuevo gobierno que llevará a su país hacia la paz. Pero la invitación no llega y el culpable es Peter, su antiguo secretario, quien ha decidido usurpar sus privilegios. Aunque la esperanza se contrapone a la decepción de no ser convocado, Khalipa está determinado a volver a su país en cuanto suceda la llamada, y esta determinación afecta su entorno familiar. Su hija, a pesar de haber enfrentado el racismo y la incomprensión, no puede sentirse unida a un lugar lejano del que solo ha oído hablar. Por su parte, Anna intenta entender el deseo de su esposo de abandonar una vida de éxito para volver a una tierra que lo expulsó injustamente. Para John Kani, este es el conflicto de un exiliado: estar siempre en lucha con el lugar que habita porque hogar solo puede ser la patria que le ha sido expoliada. Por eso, Khalipa “permanece como un soldado perdido en la guerra” y está atrapado en el limbo de una vida que se proyecta hacia un futuro incierto.

Escrita y protagonizada por John Kani, “el abuelo del teatro sudafricano”, esta obra presenta con humor e inteligencia exquisitos el conflicto de un exiliado en lucha con el lugar que habita porque hogar solo puede ser la patria que le ha sido expoliada.

alegoría inteligente sobre el pathos de las relaciones políticas, sociales y cotidianas en nuestro país.

136

descubierto que su vida giraría en torno al teatro. No obstante en su dramaturgia le quedó la precisión matemática con las palabras; y en su trabajo como director, la conciencia del funcionamiento mecánico de una pieza compleja . Fundó hace

19 años Teatro Vreve y con él emprendió la tarea de empujar el teatro nacional

más allá de la modernidad que ya había alcanzado, con obras muy contemporá-

HOMENAJE A VÍCTOR VIVIESCAS:

LA TÉCNICA DEL HOMBRE BLANCO Teatro Vreve

Colombia

neas pero puramente teatrales. En sus puestas se destacan el riguroso trabajo V í c t o r V i v i e s c a s [Director] de los actores y la potente manera como hablan sus personajes, así como los varios niveles semánticos que alcanzan sus obras. El FITB le rinde homenaje con la puesta en escena de La técnica del hombre blanco: “Korvan ha cazado a un hombre negro y lo mantiene escondido en el sótano de su casa . […]. La presencia de este inquilino contra su voluntad desatará el resquebrajamiento de las seguridades y certezas y la caída de las máscaras de esa pequeña sociedad que conforman Korvan con su esposa Agnes”. A ellos se suman

OSCAR O'RYAN

MISSING…

John Kani,

FOTOGRAFÍA:

JOHN KANI’S

La técnica La obsesión por terminar que comienza lo debió llevar a del hombre aquello graduarse como Ingeniero Mecánico de blanco una la Universidad Nacional cuando ya había

las otras personalidades en las que se desdobla la pareja para escapar de sí mismos: Roscoe y Maggy. ¿La “técnica” de estos hombres blancos es inventar otros egos que les permitan sucumbir impunemente a sus prejuicios o a sus deseos? El escenario está dividido en dos espacios simultáneos, arriba y abajo, la superficie y el sótano, el consciente y el inconsciente, pero el espacio de la obra no se ubica en un lugar específico, aunque visualmente haya referencias al ambiente rural de Estados Unidos. La obra es una alegoría pero también una hipérbole acerca del modo como se impone el poder del “hombre blanco” sobre sus víctimas. Y debe ser también una alegoría, y para nada una hipérbole, sobre el pathos de las relaciones políticas, sociales y cotidianas en nuestro país. No obstante, esos personajes son “seres solitarios cuya relación con el otro se da dentro de los términos de la mutua destrucción” [Marina Lamus].

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MISA FRONTERIZA

Gorguz Teatro y Universiteatro

México

A l b e r t o O n t i v e r o s [Director]

Baños Roma

Misa fronteriza

es una obra llena de juegos de lenguaje, palimpsestos y reflexión, que invita al espectador a participar con placer en la transgresión

que le ofrece. Una pieza que no se representa sino que se celebra, y que transforma a sus asistentes en feligreses bajo las indicaciones de los oficiantes de esta

liturgia profana. Luis Humberto Crosthwaite, autor de este texto emblemático de la literatura contemporánea mexicana , dice que la suya es “una

En esta Misa

DANI SANDRINI /

TEXTO:

ALEJANDRO BURGOS

fronteriza

Jesús es un guía de desesperados, y su última cena se compone de tortilla y destilado de agave.

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BAÑOS ROMA

En 1974, en lo mejor de su carrera como boxeador profesional, José Ángel “Mantequilla” Nápoles protagonizó el largometraje El Santo y Mantequilla Línea de Sombra Nápoles en la venganza de La Llorona. Ese mismo año, en un combate estelar realizado en Francia, intentó arrebatarle J o r g e A . Va r g a s [Director] a Carlos Monzón su título de campeón de los pesos medianos, siendo Mantequilla Nápoles apenas un peso ligero. Ese año “Mantequilla” Nápoles venció a La Llorona, con ayuda de El Santo, pero perdió con Carlos Monzón. Retirado de las competencias, se fue a vivir a Ciudad Juárez y sobreaguó enseñando boxeo en su gimnasio “Baños Roma”, al mismo tiempo que entraba, por derecho propio, en el territorio del mito. La compañía mexicana Línea de Sombra retoma en Baños Roma la historia de “Mantequilla”, uno de los personajes más importantes de la cultura popular mexicana. Y lo hace generando un gesto teatral de la mayor importancia: “Mantequilla” Nápoles no es el protagonista de

México

un panegírico popular con los consabidos recursos de tragedia de la pobreza, despojo e injusticia ; “Mantequilla” es un vehículo para la

memoria, y para la búsqueda de estos jóvenes actores que convierten su trabajo en un imperativo por conocer su historia. La historia reciente de México en ese laberinto de la soledad que es Ciudad Juárez.

Sobre el escenario se desarrolla una investigación, con archivos, imágenes y objetos del pasado, acompañada con la música en vivo de Los Centauros del Olimpo, periódicos, testimonios, voces y vivencias personales.

FOTOGRAFÍA:

liturgia secular, terrenal, plena de esa maldita felicidad que logra el animal de cantina con el corrido, el bolero y la música de banda”. La obra invita a cruzar muchas fronteras: entre México y Estados Unidos, entre el espectador y la escena, entre el texto sagrado y el laico, entre la ranchera y la música norteña, el mariachi y el cowboy, el humor y la crítica seria, el ritual sagrado y el ritual pagano que es el teatro. Porque él mismo, llegada la hora en que había de cruzar la frontera, habiendo dirigido a los suyos hasta ese lugar donde se decía que no había tanta vigilancia, extrajo los últimos alimentos que le restaban. Y mientras cenaba, tomó la tortilla, la partió y se la dio a sus compañeros, mientras decía: “Tomad y comed todos de ella porque esto es lo último que nos queda y la jornada será muy larga” [Misa Fronteriza]. Un acordeón, un bajosexto y una voz gangosa y sin entrenamiento, “que sepa contar hazañas antiheroicas”, acompañan la obra con música norteña ejecutada en vivo; y rinde también homenaje a José Alfredo Jiménez. Porque En el principio fue José Alfredo y: Si nos dejan nos vamos a vivir a un mundo nuevo. Misa fronteriza es una crítica a la violencia que reina entre Baja California y Nuevo León por el control de “la migra” y por las guerras del narcotráfico; pero también está dedicada a los millones de personas que arriesgan su vida cruzando mares y desiertos en sus desesperados intentos por escapar de la violencia global.

es un combate cuerpo a cuerpo entre los actores de Línea de Sombra y Ciudad Juárez, a propósito del mítico boxeador José Ángel “Mantequilla” Nápoles.

Cada actor es él mismo, intentando entender a Ciudad Juárez, inquiriéndola, odiándola, buscándola, en un combate cuerpo a cuerpo, y poco a poco se va transfor-

mando en su propio personaje memorioso y memorable.

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NOVECENTO Paseo La Plaza

Argentina

J a v i e r D a u l t e [Director]

Novecento es un monólogo sobre un per-

sonaje de leyenda del siglo XX, creado por la ficción del famoso autor de Seda, Alessandro Baricco, en su

Abordada por Darío Grandinetti, esta obra se sube a un transatlántico y mecida por las olas de una magnífica actuación cuenta la Leyenda del

relato teatral sobre la existencia de Danny Boodman T. D. Lemon Novecento, un pianista genial, que compone obras inolvidables, efímeras y melancólicas, inspirado sobre las olas del mar, con las que juega a bordo del piano. Su increíble vida ya había sido llevada al cine por pianista en Giuseppe Tornatore, como la Leyenda del pianista el océano , que en el océano, y cuenta que Novecento, hijo probable nunca conoció el de un par de inmigrantes pobres y aventureros del año mundo pero que 1900, como muchos otros nació y fue abandonado en un inmenso transatlántico, el Virginia, una especie de fue atravesado Titanic en donde puede caber toda la vida de un hombre. por él. Novecento no descenderá nunca de ese barco; aún así, el mundo entrará en él y el pianista descubre la manera de que nada le falte. Javier Daulte, quien dirige esta puesta en escena, afirma: “las leyendas, sabemos, son por definición historias incomprobables. Sin embargo no hay nada que le guste más al teatro que creer en ellas”. La obra es literalmente abordada por Darío Grandinetti, el célebre actor argentino, co-protagonista de Una relación pornográfica, quien encarna a un amigo del pianista, el trompetista que conoce su historia, el testigo que da fe de que es cierta; encarna igualmente a otros personajes que enriquecen el monólogo con la presencia sin estridencias de diferentes caracteres en escena. Cuenta Grandinetti en una entrevista: “Para mí, la esencia de este monólogo es el actor […]. Y lo dice un personaje en esta versión: «Nunca estarás del todo jodido mientras tengas una buena historia y alguien a quien contársela». Novecento ofrece esa oportunidad. Es teatro químicamente puro. Nos está diciendo que para contar no se necesita siquiera estar en un lugar especial, que contar una historia a otro que nos escucha es ya un hecho teatral”.

ALMACENADAS Coproducción Espacio Odeón y Mercedes Salazar

Colombia

J o s é D o m i n g o G a r z ó n [Director]

Esta comedia negra y absurda, protagonizada La señora Benedicta (Laura ha vaciado su vida siendo la jefe magistralmente García) solitaria de la bodega de una fábrica de por Laura García y astas y mástiles de aluminio, convenMercedes Salazar cida de que los ritmos milimétricos de su se pregunta si el trabajo, el austero calendario y el inmenso incesante reloj que reina despóticatrabajo sin sentido emente, es todo lo que importa y necesita. y rutinario es la En palabras de su director: “Lo que en un princibodega en donde pio parece el trámite del relevo de un puesto de trase almacenan bajo, acaso un cambio generacional, en la obra teatral se convierte en una llave maestra que la existencia y “Almacenadas” nos permite, como espectadores, abrir discretamente una los sueños día puerta y penetrar en la aparente simplicidad de un par tras día. de vidas que se cruzan por el azar de la supervivencia. Una mujer mayor, en su ocaso laboral, que se prepara para ceder su puesto, su pequeño reino, su trono, a una joven mujer, que descoloca todo lo que antes estaba perfectamente organizado” [José Domingo Garzón].

La joven es Nin (Mercedes Salazar), fresca e ingenua, quien no sospecha que ella también, vestida de naranja, puede terminar almacenada en la rutina y el vacío de la bodega.

El sentido del humor, la tediosa espera de un camión que llene el vacío de la bodega con los anhelados mástiles y astas de aluminio que justifican la existencia de Benedicta, como en Esperando a Godot, equilibra la obra entre el absurdo y una tragicomedia de la vida cotidiana .

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Colombia

F e l i p e C a n o [Director]

“La historia se centra en una mujer y un hombre que se conocen a través de un anuncio en una revista para cumplir una fantasía sexual. Aquí no hay espacio para el cortejo o una presentación, es una relación que debe ser estrictamente erótica y en la

que ni el trabajo, ni la familia ni los amigos tienen lugar. El clímax de la relación llega cuando, después de varios encuentros, las emociones se intensifican, la fantasía sexual pasa a un segundo plano y entra el amor verdadero. El dilema ahora está en tomar la decisión de comprometerse o abandonarse. ¿Su miedo al amor les permitirá reconocerlo? ¿Es

posible que una relación se quede sólo en el plano sexual? ¿Qué clase de amor es el que se cuela en una relación pornográfica? Tal vez el más auténtico, es aquel que aparece justo allí donde no esperamos que aparezca” [Presentación de la compañía]. Marcela Carvajal y Patrick Delmas protagonizan esta puesta en escena con actuaciones naturales y frescas que ponen en evidencia la fragilidad de las relaciones amorosas. El autor, Philippe Blasband, nació en Teherán en 1964, de madre iraní y padre judío-belga. Pasó dos años en Inglaterra, tres en Estados Unidos, cinco en Bélgica, y cuatro en Irán, hasta que la revolución de 1997 le obligó a trasladarse definitivamente a Bélgica. Estudió cinematografía pero se ha dedicado a escribir. Sus obras se han traducido al italiano, ruso, chino, alemán y holandés. Algunas de sus obras más destacadas son: Una relación pornográfica, llevada al teatro y al cine; Nathalie Ribout; Thomas in Love; De cenizas y humo y El libro de Rabinovitch.

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Un hombre y una mujer se abren paso a través de un muro de barro Luis Manuel Aguilar “Mosco” y emergen a una alberca de lodo. Ambos tienen vendados los ojos y están desnudos. En su conversación reiteran cada L u i s M a n u e l A g u i l a r “ M o s c o ” [Director] cierto tiempo las palabras banales que intercambiaron al inicio de su encuentro, pero tras cada intervalo de repetición se habrán abismado poco a poco, serán cada vez más conscientes de que están desnudos ante el otro. ¿De qué hablamos cuando hablamos de amor?, título de un célebre libro de Carver, es la pregunta que busca responder el dramaturgo y psiquiatra chileno Marco Antonio de la Parra, inspirado en el amor adúltero y trágico entre Tristán e Isolda, la más grande leyenda de amor de todos los tiempos. Un amor que transgrede las leyes y se hace más fuerte que la vida y la muerte. De la Parra escribió una versión contemporá- “Los personajes nea de la leyenda reuniendo a una pareja de amantes están en modernos, casados, con hijos, después de años de no haberse visto. La obra, dirigida por Luis Manuel Aguilar el cieno, “Mosco”, diseñador de la escenografía y la iluminación, padeciendo su pone a Tristán e Isolda a abatirse entre el lodo, en donde pasión, esa que se ungen, se raspan, se enmascaran, se tocan. Es una los regresó al obra de una sola escena, inundada de barro y de palabras, como de palabras están hechos los encuentros de los ex origen, mató su amantes que ya no tienen sexo. Hablan de los recuerdos conciencia y que mantienen vivos, de lo que han olvidado, de la forma los convirtió en y color de su deseo, de su decisión de vivir y de morir, barro moldeado de sus intentos de huir o hacerse daño. Karina Hurtado y Andrés David, los actores que interpretan esta obra, por la lengua como lo afirma el dramaturgo y escritor mexicano Jorge y el sexo Fábregas, están aquí “entregados, rendidos, mimetiza- del otro”. dos en el espacio, hipotérmicos, en carne viva, siendo la [Jorge Fábregas] carne de Tristán e Isolda”.

México

ANTONIETA ROJAS

Marcela Carvajal y Patrick Delmas

TRISTÁN E ISOLDA

Una mujer (Marcela Carvajal) y un hombre (Patrick Delmas) establecen una relación estrictamente erótica. ¿Su miedo al amor les permitirá reconocerlo cuando sus fantasías sexuales pasen a un segundo plano?

FOTOGRAFÍA:

UNA RELACIÓN PORNOGRÁFICA

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NEVA

Kumpania Sputnik & La Pingüinera

Colombia

[Mauricio Arévalo]

C a r l o s C a r v a j a l [Director]

REBÚ Colombia

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DANILO CANGUCU

una pieza de metateatro llena de paradojas: es un divertimento inteligente que hace ver que “toda obra es un embuste " o “es la mentira que devela una verdad, es una falsedad que imprime una idea auténtica”.

El teatro es un lugar privilegiado para la ficción. Allí llega el público para dejarse llevar por más de una ilusión. Esto es lo que se pone en juego en Rebú, obra del dramaturgo brasileño Jô Bilac que el Teatro del Embuste adapta con libertad. Este inteligente divertimento está montado de tal forma que todo lo que ocurre desde el momento en que el espectador ingresa al Teatro Odeón le causará extrañeza. Pese a ello, la trama de la obra se impone y la Coproducción Espacio Odeón ilusión se crea. y Teatro del Embuste Rebú es un drama de época: una pareja de noruegos de fin del siglo XIX recibe la visita de la hermana del marido, que llega con un chivo, que es más bien un M a t í a s M a l d o n a d o [Director] fauno que desata los conflictos latentes en las relaciones de aquella familia. Hasta este punto la pieza parece adecuarse a una obra de teatro tradicional. Pero la aparición de este animal tropical se convierte en el chivo expiatorio de la ilusión teatral: ¿Es verosímil que esa sea la mascota de un noruego?, se preguntan los actores, que de esa forma detienen la ficción con un sentido del humor que le permite al público reírse en varias dimensiones; todos discuten, se reclaman porque alguno ha equivocado el parlamento. Así, la puesta de Matías Maldonado y el Teatro del Embuste desnuda su propia ficción para poner en escena una obra de metateatro, que a la manera de los Seis personajes en busca de autor de Pirandello les recuerda a los espectadores que “toda obra es un embuste”. Pero la apuesta de Rebú no se detiene en la revelación del artificio, sino que la intervención de esa otra realidad sobre la ficción hará finalmente imposible identificar la línea ya muy borrosa que diferenciaba la ilusión teatral de la realidad del teatro, con lo cual vuelve a atrapar al espectador en el gozo afortunado del engaño.

FOTOGRAFÍA:

Rebú es

Esta obra se “Es el 9 de enero de 1905 en Rusia. En el aire sitúa en un frío de San Petersburgo flotan los rumores de una tragedia . Mientras los obreros de la ciudad marmomento posible chan hacia el palacio del zar para protestar, en un teatro histórico local la gran actriz Olga Knipper, viuda de Antón Chécrucial de la jov, ensaya las líneas de El jardín de los cerezos, obra Rusia zarista, maestra del dramaturgo ruso que había sucumbido a la Pero Knipper tiene pánico. La intérprete el Domingo tuberculosis. infalible, la integrante del mítico Teatro de Arte de Moscú, maldice porSangriento, que no le sale su monólogo y porque está segura de que las sanpetersburcuando fueron guesas van a verla fracasar. Esas palabras de confesión son las primeras fusilados líneas de Neva” [Yhonatan Loaiza, El Tiempo.com]. se sitúa en uno de los momentos históricos más imporcientos de tantesLadeobra la Rusia zarista , el Domingo Sangriento, cuando fueron obreros. En fusilados cientos de obreros por protestar. En medio de esa situación medio de esa social, un grupo de teatro ensaya la obra de Chéjov y al mismo tiempo situación, un discuten sobre lo que ocurre a su alrededor y la posición del arte frente la realidad que lo circunda: “Es una obra llena de capas, que no solo grupo de teatro ahurga sobre las dudas y las contradicciones de los actores sino que perensaya una manentemente está aludiendo a la tragedia que sucede obra de Chéjov fuera del teatro” [Yhonatan Loaiza]. Esta obra de Guillermo Calderón ha sido uno y hace una los textos más aclamados en el teatro chileno autocrítica del de reciente. Neva, además, fue montada en el circuito Off hecho teatral. de Broadway de Nueva York y también participó del Chekhov International Theatre Festival de Moscú .

Carlos Carvajal dirige la puesta en escena de esta pieza autocrítica sobre el hecho teatral, con tres actores chilenos invitados.

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ASCUAS Y AZUFRE

“La constructora Luis Ernesto

Bautista y Compañía está involucrada en la muerte de siete personas que invadieron uno de sus lotes. El doctor Ulloa , un abogado rico y de renombre, está dis-

Teatro Libre puesto a hacer lo necesario para que la

Colombia

empresa salga libre de cargos antes de que el caso se haga público. Con la intención D i e g o B a r r a g á n [Director] de declarar inocente a la compañía que representa, el abogado llega al despacho del fiscal Alberto Gálvez. Sin embargo, el fiscal tiene otros planes para él. Lo envuelve en un discurso lleno de cinismo y rencor, recurriendo a amenazas tanto físicas como metafísicas. En esta comedia, los dos personajes, como si jugaran al gato y al ratón, buscan hacer caer al otro mientras revelan el funcionamiento de la justicia en este país”

[Teatro Libre].

El Teatro Libre, fundado en 1973 por Ricardo Camacho, Jorge Plata, Patricia Jaramillo, Germán Moure, Héctor Bayona, entre otros, “es un colectivo estable y permanente de personas unidas por ideales estéticos y éticos, que posibilita el trabajo a largo plazo en los diversos géneros del teatro […]. Su creación y norte fue inspirada por aquellos grupos que desde la antigüedad hasta nuestros días buscaron articular el entretenimiento y la diversión con el enriquecimiento de la vida interior de las personas -un teatro de ideas que desafíe las convicciones del espectador- y que supieron elevar lo que era el mero oficio de ilustrar una obra literaria a la puesta en escena como categoría de arte” [Teatro Libre]. Desde su establecimiento ha montado cerca de 100 obras de autores como Esquilo, Shakespeare, Brecht, Pirandello, T. Williams, Dostoievski, Gógol, Molière, Kundera, Chéjov, Valle- Inclán, Strindberg, entre otros.

El Teatro Libre presenta su nueva comedia, Ascuas y azufre: el

encuentro entre un abogado y un fiscal en el que los dos personajes, como si jugaran al gato y al ratón, revelan cómo funciona la justicia en este país [Teatro Libre] .

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"Dos amigos entrenan para participar de la Maratón de Nueva York y poco a poco son llevados, imperceptiblemente, a una dimensión siempre menos cotidiana y siempre más suspendida… Sorprendente". [El Hormiguero Teatro]

“Dos amigos, Mario y Esteban, están entrenando para participar de la Maratón de Nueva York. Es de noche. Pero

MARATÓN DE NUEVA YORK

es una extraña noche. Entre la fatiga del entrenamiento, la complicidad y El Hormiguero Teatro la amistad de los dos protagonistas, sus chistes, sus discusiones, sus reflexio- G i a n l u c a B a r b a d o r i [Director] nes y recuerdos, las preguntas sobre la vida y la muerte… poco a

Colombia

poco son llevados, imperceptiblemente, a una dimensión siempre menos cotidiana y siempre más “suspendida”… Sorprendente” [El Hormiguero].

“En esta obra, escrita en un lenguaje cotidiano, directo y ágil, aparecen y se cruzan la realidad, algunas visiones, elementos cómicos, realismo y metafísica. ¿Cómo? Están invitados a descubrirlo” [El Hormiguero Teatro].

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LA PAZ PERPETUA

LA SECRETA OBSCENIDAD Coproducción Espacio Odeón y Teatro del Embuste

Colombia

M a t í a s M a l d o n a d o [Director]

Dos hombres se encuentran frente a la entrada

de un colegio de señoritas, vestidos con abrigos grandes y sin pantalones. Son dos exhibicionistas y, según ellos, sus nombres son Carlos Marx y Sigmund Freud . Cada

Quinta Picota

Colombia

Un diálogo delirante entre dos sujetos que son las caricaturas de Carlos Marx y Sigmund Freud, en el que se desnuda nuestra cotidiana y secreta obscenidad en una comedia negra y absurda.

I v á n O l i v a r e s [Director]

“La paz perpetua

sólo se consigue como un pacto entre estados que deciden abandonar el estado de libertad salvaje para formar una comunidad pacífica . Este es el planteamiento de Emmanuel Kant en su libro del mismo

uno se sorprende del otro, o mejor, se siente descubierto por el otro, y entablan un diálogo imposible. Es esta la situación que se plantea el dramaturgo chileno Marco Antonio de la Parra en su ya clásica obra La secreta obscenidad de cada día . Texto que el Teatro del Embuste, bajo la dirección de Matías Maldonado, adaptó para crear una comedia negra que encajara con la realidad bogotana, ubicando a los personajes, no en un barrio de clase alta, como lo propone el realismo del original, sino en un escenario postapocalíptico en el que todo, incluso las personas, son ruinas y escombros, y en el que no es posible pensar en un mañana porque todo parece destinado al olvido, incluso las ideas de estos dos grandes pensadores, así como los actos encomiables o ignominiosos que se hicieron en su nombre. Si para el dramaturgo chileno los exhibicionistas son solo un par de esquizofrénicos, en la versión de Maldonado estos “perversos indigentes pueden ser, a su vez, las traviesas y tristes parodias de… antiguos asesinos convertidos en víctimas, que a su vez son exhibicionistas solitarios, que a su vez son los restos del pensamiento de Occidente” [Sandro Romero Rey].

título. Así reunidos, los seres humanos no pierden su soberanía: son la autoridad máxima. Las decisiones deben ser racionales, vinculadas con el derecho de personas que no debe consistir en un derecho de guerra.

"Una apuesta por la acción, la palabra y la reflexión frente a la identidad humana en situaciones que exacerban sus comportamientos más instintivos y salvajes. Dentro de un universo de ficción suprarrealista sucede una extrema competencia"

Un derecho de guerra va a conducir eventualmente a [Quinta Picota] la paz de los sepulcros: la paz perpetua. La paz perpetua es una apuesta por la acción, la palabra y la reflexión frente a la identidad humana en situaciones que exacerban sus comportamientos más instintivos y salvajes. Dentro de un universo de ficción suprarrealista , sucede una extrema competencia entre aspirantes a ser elegidos como el mejor o morir. Las pruebas cuestionan el valor de la vida bajo la observación

y manipulación permanente de los sistemas de poder”[Quinta Picota]. Quinta Picota es una compañía conformada por actores egresados de la Escuela Teatro Libre de Bogotá , dedicada a la creación escénica independiente desde 2009. Es habitual para Quinta Picota contar con directores, actores y otros artistas invitados, nacionales e internacionales. Es un equipo en donde prima el trabajo actoral como herramienta esencial del espectáculo. Para La paz perpetua deciden trabajar con la dramaturgia de Juan Mayorga (de España) bajo la dirección del también dramaturgo y director mexicano Iván Olivares y con dos actores invitados.

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SONRISA DE PIRAÑA Púrpura Creactivo

Colombia

LUMINOCIDIO

W i l l i a m G u e v a r a Q u i r o z [Director]

En el mundo paralelo de Sonrisa de Piraña

la tristeza es una enfermedad contagiosa que un grupo

Severa Ataraxia

En el mundo

Colombia

de payasos con una sonrisa invertida propaga, y la felicidad es la apariencia más perfecta con la que se logra darle paralelo de la espalda a la realidad. Sonrisa de Púrpura Creactivo presenta esta puesta en escena Piraña la tristeza pletórica de alegorías con la realidad nacional, con la es una enfermedad que obtuvieron una Beca de Residencia Teatral Internacional del Ministerio de Cultura, y una beca de Apoyo a contagiosa que un la Creación Teatral de Idartes. El dramaturgo y director grupo de payasos William Guevara propone una reflexión sobre las formas con una sonrisa de concebir la felicidad y su relación con el poder y la invertida propaga, belleza. En un país agobiado por la Tristeza Organizada , que ha diseminado una enfermedad contagiosa y la felicidad es “que deprime y que se extiende rápidamente creando la apariencia una oleada de suicidios fatales, la primera dama de más perfecta con la república huye de su responsabilidad como esposa del presidente, la que se logra escondiéndose dentro de una burbuja de la cual se resiste a salir, protegiéndose tras la falsa alegría que produce una belleza forzosa . El darle la espalda a día en el que los habitantes de este país se manifiestan en la Cruzada la realidad. Nacional contra el Descontento, el palacio de gobierno es tomado por la Tristeza Organizada y secuestran a la esposa del presidente, buscando a la fuerza un intercambio humanitario para liberar a dos de sus miembros, utilizando un aterrador mecanismo de extorsión” [Teatro R101]. A partir de un estudio en el que se describe la felicidad como un objetivo al que se llega por diferentes vías, Guevara se preguntó cuál era la forma que los colombianos y latinoamericanos consideraban como la más adecuada para alcanzar la felicidad. Para responder a esta pregunta Guevara escribió Sonrisa de Piraña, en la que lo que más importa es una idea sobre el teatro: “El teatro es la oportunidad de jugar un poco con lo que llamo mundos paralelos”.

M a u r i c i o I r a g o r r i [Director]

Esta pieza de humor negro reúne a cuatro personajes en torno a un analista-gurú, interpretados por famosos actores de televisión; los cuatro tienen en común la fobia que padecen a la oscuridad. “Una comedia muy negra que indaga en el miedo a la oscuridad . Cuatro nictofóbicos asisten a un grupo

G L A D Y S PA L A C I O S

de apoyo con la intención de curar su miedo a la oscuridad, pero su esperanza se va desvaneciendo durante las caóticas sesiones con Daniel, el conductor del grupo. El estrés, el dolor y la ira explotarán en el encierro de las sesiones de terapia de las cuales ninguno es capaz de escapar, pero que finalmente los llevarán a ese lugar entre el delirio y la locura en el que tendrán que luchar con sus demonios o ser [Severa Ataraxia] devorados. ¿Quién sobrevivirá cuando muera la última luz?” [Severa Ataraxia]. Las puestas en escena de este grupo buscan romper la ataraxia del espectador y perturbarlo con una puesta en escena teatral que envuelva sus sentidos. El espacio en penumbras de este montaje los prepara para reír y encontrarse con la fobia de estos cuatro dementes que buscan la luz pero están dispuestos a cometer

FOTOGRAFÍA:

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Una comedia muy divertida y muy negra que se ocupa del miedo a la oscuridad, pero que está a punto de cometer un luminocidio. “¿Quién sobrevivirá cuando muera la última luz?”

un luminocidio.

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DE PROFESIÓN MATERNAL

PENETRADOR

“Una pieza salvaje, que expone sin El Anhelo del Salmón anestesia los Colombia conflictos de lo femenino: ser Camilo Carvajal madre, ser hija, El Anhelo del Salmón pre- ser pareja, asumir senta De profesión maternal , una obra la maternidad, de la dramaturga argentina Griselda el abandono, el Gambaro. La obra “narra la historia de Matilde y Eugenia, una madura pareja deseo de familia, homosexual que aguarda ansiosa la lle- la independencia gada de Leticia, hija de Matilde, aban- y el perdón”.

El Camino

Esta obra, basada en Penetrator,

escritor Colombia del escocés Kike Castañeda

Esta obra,

Anthony Neilson, es un relato de horror y humor negro sobre la amistad en tiempos de guerra.

basada en Penetrator, del escritor escocés Anthony Neilson, es un relato de horror y humor negro sobre la amistad en tiempos de guerra . Las caras de los actores servirán como superficie para la proyección de imágenes militares que las transformarán y desfigurarán, en una historia que llevará a este grupo de amigos a enfrentarse a sus miedos y a las acciones del pasado. “Mario y Juanca son dos universitarios que comparten más que el pequeño y destartalado apartamento donde viven. Más allá de la convivencia cotidiana, son cómplices de sus pasiones, sus vicios, y hasta de sus amores. Una noche llega a casa una visita inesperada: Héctor, un viejo amigo de ambos que está prestando el servicio militar obligatorio. Héctor se comporta de manera esquizofrénica, paranoica , hasta que confiesa que lo está persiguiendo un escuadrón especial del ejército: Los Penetradores, una unidad clandestina de exterminio con prácticas escabrosas” [Casa E]. El Camino es una joven compañía teatral conformada por egresados y profesores de la Escuela de Casa E . “En su ADN está la necesidad de apostar por nuevas dramaturgias con puestas en escena contemporáneas, llenas de frescura pero no exentas de contundencia. Un

donada 26 años atrás. Este encuentro,

[El Anhelo del Salmón] este ajuste de cuentas con la vida, es la excusa para que bajo la diestra pluma de Gambaro emerja una pieza salvaje, que expone sin anestesia los conflictos de lo femenino: el ser madre, el ser hija, el ser pareja, asumir la maternidad, el abandono, el deseo de familia, la independencia y el perdón” [El Anhelo del Salmón]. La dramaturga argentina plantea en esta, como en otras de sus obras, un problema individual, tal vez familiar, pero que termina por repercutir en toda la sociedad. De profesión maternal es “una historia dramática que aborda la temática del abandono y la imposibilidad autoimpuesta de amar y ser amado. Una madre fría y totalmente ausente, una hija que esconde un profundo dolor. Un reencuentro, miles de expectativas y preguntas. Una búsqueda desesperada por comprender el pasado, oscuro y desconcertante” [El Anhelo del Salmón].

teatro de tercera vía que además de divertir, cuestiona y provoca al espectador ” [Casa E].

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EL SILENCIO DE LAS COSAS ROTAS La Navaja de Ockham y Cortocinesis

Colombia

K a t a l i n a M o s k o w i c t z [Directora]

Después de Ciudad Babel

(2012), el cuarteto de microhistorias de La navaja de Ockham, Katalina Moskowictz, su directora, volvió a poner en acción este método de composición e invitó a 4 dramaturgos colombianos a trabajar en alianza con la compañía de danza contemporánea Cortocinesis , para montar el quinteto de microrrrelatos que componen El silencio de las cosas rotas, con una beca multidisciplinar de mediano formato otorgada por

Idartes en 2014. La obra reúne a un equipo de artistas de diferentes discipli-

nas: actores, bailarines, animadores de objetos, artistas visuales, 5 dramaturgos y un novelista (uno de los textos se basa en un cuento del español Juan José Millás), con música original compuesta por los

integrantes de La 33: Sergio Mejía, Santiago Mejía y José Miguel Vega. “Una puesta en escena coral intensa y poética , donde la pérdida y el duelo son los protagonistas” [Cortocinesis]. “La desconcertante evaporación de una casa; un hombre perdido en un bosque que intenta sobrevivir al final de su matrimonio; la inexplicable desaparición de un hijo; el terrible relato de una niña que por enésima vez tiene que contar con detalle la forma como fue asesinado su padre sin poder olvidar los ojos del asesino más hermoso del mundo; y finalmente una mujer extraviada que va perdiendo la capacidad de recordar los colores y las palabras hasta olvidarse de sí misma, son las historias que conforman una polifonía que repasa las distintas formas de vivir una pérdida” [kioskoteatral.com]. Cada una de las historias de la pieza es contada con la fusión o el predominio de distintos

"Una puesta en escena coral, intensa y poética donde la pérdida y el duelo son los protagonistas". [Cortoninesis]

lenguajes escénicos: danza contemporánea, títeres de mesa para adultos y actuación.

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EL DIVÁN ROJO Y OTRAS COMEDIAS EN LA TRAMA DE GAITÁN

“Se trata de una comedia

en la que una prestigiosa sexóloga , la doctora María Luisa Dávila, debe

emplear a fondo todos sus conocimientos y estrategias cuando atiende en su consultorio a Carlos Santamaría, un obsesivo de las mujeres y el sexo, que

busca el camino que lo lleve a amar a una sola mujer. La obra es de Fernando Gaitán, reconocido en el mundo

entero por sus telenovelas Betty la Fea, Café con aroma de mujer y Hasta que la plata nos separe, entre otras. Creación y producción de Fernando Gaitán Desde esta última, Gaitán no había vuelto a lanzar una historia original suya, pues había estado dedicado a la producción de diversos dramatizados (A corazón abierto, C a r o l i n a M e j í a Diomedes, y otras 50 producciones). Así que su última “Una comedia obra original es El diván rojo, obra con la que se lanza en la que una al mundo del teatro, en los escenarios de La Trama de prestigiosa Gaitán, y en el marco del XV Festival Iberoamericano de sexóloga, la Teatro Iberoamericano. La obra contará con la actuación de Katherine doctora María Vélez y Cristian Villamil. La dirección está a cargo de otra joven figura teatro: Carolina Mejía; la producción general es de Fernando Gaitán” Luisa Dávila, del [El diván rojo]. debe emplear a “La trama de Gaitán es un centro de entretenimiento que fondo todos sus cuenta con cinco escenarios y un bar restaurante. Tiene como objeconocimientos tivo divertir y entretener al público bogotano, a través de la combinación diversos géneros de las artes vivas con la gastronomía y la rumba. y estrategias de El público tendrá la opción de pasar por las diferentes salas y ver cuando desde obras que duran un minuto hasta musicales, microtramas, atiende en su comedias de diferente duración, performances, danza, stand up, alterconsultorio nando con la presentación de diversos grupos de música en vivo en difegéneros. Todo esto bajo la supervisión y curaduría del reconocido a Carlos rentes escritor y guionista Fernando Gaitán, quien a su vez presentará varias Santamaría, un obras de su autoría. Obras programadas en La Trama de Gaitán durante el XV Festival: Noches eccéntricas, obsesivo de Confesiones de un besólogo, Cupcakes, La cena , las mujeres y el All in , Aftacuando, Si me estima , TV or not TV, Se le sexo”. tiene pero se le demora” [La Trama del Gaitán]. [El diván rojo]

Colombia

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LA EXTRANJERA

HUELLAS DIGITALES

Mi Compañía Teatro Los Malqueridos

Colombia

Con ayuda de dispositivos tecnológicos Andrómeda 3.0 la obra lleva al Colombia espectador a D a n i e l A r i z a [Director] cuestionarse acerca de los El performance digital Huellas digitales sistemas de parte de una investigación sobre el sentido de la poder, control y reclusión como inmovilidad, detención del tiempo y con- disciplina. ¿Quién finamiento. Sin embargo, a través de los medios audio- está preso y quién visuales, cinco reclusos adolescentes transgreden esa definición e interactúan con el público asistente, que está libre: los se transforma a su vez en un ente virtual. Por medio de espectadores o holografías, pantallas gigantes y proyecciones digi- los “performer” tales se logra esta comunión de personas que viven el recluidos en espacio y el tiempo de maneras diferentes. “Huellas Digitales es una experiencia estética y una prisión performática para la que se usan algunas herramientas del Quindío?

M é r i d a U r q u í a [Directora]

Esta obra es un unipersonal

en el que

Mérida Urquía interpreta a varios personajes, y en la que revela, con humor y nostalgia, acompañada por la música (de un lado la de Celia Cruz, el bolero, el son y el guaguancó cubanos, y de otro lado las cumbias y vallenatos colombianos) cómo se convirtió en la habitante de muchos lugares.

En un escenario de altas cortinas que caen como velos de novia, los objetos atraen recuerdos y se convierten en los compañeros nostálgicos de una anciana que le entrega las maletas a su hija, quien 20 años A través de la actriz después se las entrega también a su nieta. Las maletas música, la de Celia representan el teatro que se hereda de una a otra, pero Cruz, el bolero, el también el viaje, la condición de extranjera que ha marvarias generaciones de emigrantes cubanas: son y el guaguancó cado a“Extranjera en todas partes, habitante del lugar cubanos, y del no lugar, del lugar de estar sin estar, Emilia hace

las cumbias y vallenatos colombianos, la cubana Mérida Urquía lleva a todas partes su condición de extranjera en esta ficción teatral autobiográfica.

provenientes de las nuevas tecnologías, logrando con ello una confluencia entre el universo físico y el universo digital . La creación hace referencia a la tensión que

generan los sistemas de poder, control, disciplina y vigilancia que han creado los seres humanos y la manera

como estos han llevado a la configuración de dispositivos que buscan el encierro y el aislamiento, entre ellos, en la prisión” [Andrómeda 3.0].

“¿Quién está prisionero? ¿Quién está libre? ¿Qué es la seguridad?” Son las preguntas que se plan-

tea esta obra que invita a los jóvenes reclusos que participan de la pieza a explorar su interior como una manera de proyectarse hacia el exterior de ellos mismos.

[El Nuevo Siglo]

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del teatro su casa y su llave para abrir y cerrar las puertas que la llevan de la realidad a lo imaginado y de lo imaginado a lo real. El texto poético y la plástica

del espacio escénico hacen de La Extranjera un teatro de sueños […]. La obra da cuenta de cómo la condición de extranjero se lleva a todas partes, dando luz a una especie de tercer espacio, que no es físico, sino donde se reúnen las historias pasadas, presentes y futuras que se llevan por dentro” [Presentación de la Compañía]. “La extranjera es el acto más desolado, lacerante, visceral, festivo, catártico y cercano que he recibido en mis interacciones con mi propia realidad trasmutada, extranjera también, en la desarraigada herencia teatral que padezco” [Leonardo Leyva, crítico cubano].


Como un homenaje a Beatriz Camargo el FITB presenta su obra de teatro ancestral Orígenes. Rumbo al sur, una

HOMENAJE A BEATRIZ CAMARGO:

ORÍGENES. RUMBO AL SUR

Teatro Itinerante del Sol

puesta sobre el origen de la civilización occidental en la tragedia Orígenes. Rumbo de Edipo y el al sur es la obra con nacimiento de la que el FITB le rinde un ser y una era homenaje a la reconocida maestra del teatro colom- nuevos y libres biano, Beatriz Camargo. de culpa.

LA CASA GRANDE: AQUELLAS AGUAS TRAJERON ESTOS LODOS Teatro Matacandelas

Colombia

Es ese el motivo por el que la producción de esta obra, ganadora de la beca de coproducción de Iberescena 2015, reunió, para su creación, a un grupo de 22 artistas, entre actores,

bailarines, músicos, escritores, realizadores audiovisuales y productores de diferentes colectivos artísticos interB e a t r i z C a m a r g o [Directora] nacionales. Desde diferentes disciplinas se construyó una puesta espectacular, acompañada de música en vivo creada para la obra y en la que se recupera el coro clásico, constituido por mujeres que con el canto y la danza plantean una reflexión

Colombia

sobre el origen de la civilización y su base en la tragedia griega y la culpa. El público se internará en un bosque en donde Edipo y una Anciana (la Guar-

dasecretos) recorren diferentes episodios trágicos introducidos por el sueño de Edipo que la anciana custodia : “A medida que sueña, el personaje rejuvenece, hasta

convertirse en un niño recién nacido: El nuevo Sol, que alumbrará la humanidad en esta Nueva Era, libre de la culpa y el castigo. El quinto sueño, nos muestra el ánima, el lado femenino del personaje, soñando situaciones ya vividas por el anciano. Este aprendizaje conduce al rejuvenecimiento de Anciana, que bien puede ser la Malinche que busca a sus hijos, y en ese camino transmuta a Mujer del Cántaro, la madre del tiempo nuevo” [Teatro Itinerante del Sol]. El Teatro Itinerante del Sol es el grupo que Beatriz Camargo dirige, para el cual escribe desde hace 34 años, y en el que ha puesto en práctica su concepción de teatro ancestral, ritual, ambiental, que le ha dado reconocimiento internacional. Su escenario original es una maloka situada en Villa de Leyva.

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C r i s t ó b a l P e l á e z [Director]

Matacandelas cumple 37 años de ofrecerle a su audiencia montajes memorables. En esta ocasión, con el apoyo de una Beca de Creación Teatral del Ministerio de Cultura de 2015, se inspiró en un clásico de la narrativa colombiana: La casa grande de Álvaro Cepeda Samu-

dio, que relata de forma poco convencional el lamentable episodio mítico e histórico de la masacre de las bananeras ocurrida en Urabá en 1929. Matacandelas parte de la novela de Cepeda para proponer una puesta en escena que tiene mucho de ópera brechtiana y líneas de lectura que resaltan sus múltiples significados. El coro que conforman los actores integrales de la compañía se encarga de cantar la parte épica de la historia . Pero para Cristóbal Peláez, director de Matancandelas, “lo que hace Cepeda Samudio es unir la lírica con la narración […] la casa

no es el espacio, la mansión; es Colombia y todo lo que pasa en ella”. Por eso decide no ceder a la tentación del naturalismo y no ambientar la puesta en escena dentro del folclor de la Costa, con el fin de subrayar que su obra habla del país y no solo de una de sus regiones. Por otro lado, el subtítulo de la pieza, Aquellas aguas trajeron estos lodos, indica que buscaron la conexión existente entre los acontecimientos

que narra la novela del barranquillero y la actualidad. El resultado es una cierta atemporalidad , que logra expresar el lenguaje poético del duelo convertido en un

estado persistente de nuestro país. En palabras de Cepeda: “Todavía no eran la muerte: pero llevaban ya la muerte en las yemas de los dedos: marchaban con la muerte pegada a las piernas: la muerte les golpeaba una nalga a cada trance: les pesaba la muerte sobre la clavícula izquierda; una muerte de metal y madera que habían limpiado con dedicación” [La casa grande].

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La célebre compañía de Medellín, Matacandelas, presenta, en el formato de una ópera brechtiana, este montaje inspirado en el clásico de Álvaro Cepeda Samudio: La casa grande.


LA SOLEDAD DEL SUPREMO

TEST A TURING

Inspirada en El otoño del Patriarca de

García Márquez, bailarines, actores Colombia y músicos en Una troupe de 12 actores M i s a e l To r r e s [Director] y bailarines y 5 músicos en escena, que vivo ejecutan suenan como una banda de porros o este “testimonio como una descarga de tambores, presenta La soledad del Supremo : “un mítico e histórico poema escénico inspirado en El otoño sobre uno de del Patriarca , de Gabriel García Már- los animales quez. Es un espectáculo teatral en el que mitológicos se destaca la expresión coreográfica, la ejecución en vivo de música compuesta exclusivamente para esta pieza creados por y una escenografía que evoca el universo Caribe. Una el imaginario expresión plástica que va de lo minimalista a la exage- suramericano”. Ensamblaje Teatro

Changua Teatro

Colombia

Marcela Mora Lemus [Directora]

Test a Turing es una obra de teatro de ciencia

ficción: “La pieza se soporta en los postulados de David Levy, uno de los principales expertos en inteligencia artificial , que en su libro, Amor y sexo con robots , argumenta que existe un nuevo nivel de intimidad en las relaciones de los seres humanos y las máquinas”

[Ensamblaje Teatro]

[Changua Teatro]. “Desde Pigmalión, pasando por Frankenstein y, más recientemente, Philip K. Dick y Michael Crichton,

mitológicos creados por el imaginario suramericano: el dictador latinoamericano” [Ensamblaje teatro].

los seres humanos han sido cautivados por la posibilidad de mantener relaciones emocionales con sus creaciones tecnológicas. Amor y sexo con robots explora

ración total hace de esta puesta en escena un testimonio histórico, mítico, acerca de uno de los animales

Con estos elementos, el grupo dirigido por Misael Torres buscó crear una pieza cuya figura del dictador está armada con retazos de distintas obras del nobel, y cuya investigación se detuvo en otros autores como Roa Bastos (Yo, el supremo), Ramón del Valle-Inclán (Tirano Banderas) o Jairo Aníbal Niño (La madriguera). Uno de los elementos escénicos que sobresale en la obra es la caracterización de algunos personajes como esperpentos valle-inclanescos, por medio del vestuario o las máscaras que cubren el rostro del tirano más viejo del mundo. La escena está dividida

en dos grandes espacios: Atrás, una construcción de dos pisos, en guadua, sirve como balcón desde donde manda el dictador y como socavón en donde se amontona el pueblo. Al frente, el espacio iluminado en donde suceden las acciones, es una tarima circular, que bien podría ser la pista de un circo pobre o la arena de una gallera.

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esta fascinación en la historia cultural y la psicología de la inteligencia artificial” [reseña del libro].

“Test a Turing nos sitúa en un futuro no muy lejano, en el que, cercanos a un punto de singularidad

en el cual la fusión máquina-hombre es el mayor anhelo, se realiza un experimento donde el objeto de estudio A (Abelardo) supone ser parte de un análisis de integración de software, y una robot (Eloiza), objeto de estudio B , supone ser parte de un análisis de integración endógena. Sin embargo, los fines reales de tan extraña experiencia están por descubrirse” [Changua teatro]. La Corporación Changua Teatro, fundada por Marcela Mora Lemus hace 14 años, cuenta con un equipo de artistas de diferentes disciplinas. Sus puestas en escena giran en torno a temas relacionados con la ciencia y la tecnología.

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Una obra de teatro de ciencia ficción, inspirada en el libro de David Levy: Amor y sexo con robots. Un

hombre y una robot son los objetos de estudio de un experimento sobre la fusión del hombre y la máquina.


HOMENAJE A CRÍSPULO TORRES:

La creación colectiva, el labo- Canción ratorio de investigación y los montajes breve para de dramaturgias originales definen los 34 una ciudad años de trayectoria del Teatro Tecal , frágil, la obra fundado y dirigido por Críspulo Torres; pero quizá lo define todavía mejor el con la cual el hecho de haber sido el de la calle su FITB le rinde primer público y el aire libre su primer homenaje a escenario; de esa libertad parecen brotar Críspulo Torres, todavía las ideas, los personajes y las metáforas de las creaciones de Críspulo Torres, es un viaje por aunque ahora la compañía monte también la historia de obras para la sala que lleva su nombre. Colombia en Críspulo Torres Bombiela es autor de más clave amorosa de 30 piezas teatrales. Muchas de ellas son breves divertimentos, llenos de ironía y en un Teatro Tecal y humor negro, en donde la ciudad es tono burlón.

CANCIÓN BREVE PARA UNA CIUDAD FRÁGIL

Colombia

una metonimia del país; los argumentos

C r í s p u l o To r r e s [Director]

la historia se repite, de manera terca, como si el tiempo fuera circular. Son

de sus obras crean “la sensación de que

piezas que apuntan a conductas nacionales arraigadas, a conductas salidas de lo más profundo de la sociedad, que favorecen a algunos y han hecho inviable el país en muchos aspectos” [Marina Lamus]. Canción breve para una ciudad frágil , la obra con la cual el FITB le rinde homenaje a Críspulo Torres, es un viaje por la historia de Colombia en clave amorosa y en un tono burlón: “mitos urbanos, como el de La sombrerona, una mujer enloquecida que colecciona sombreros; o la caída del dictador Pinilla contada desde la perspectiva de una ama de casa entregada al amor imaginario de las radionovelas; o la historia de Custodio Rovira en el periodo de La Patria Boba, fusilado cuando en su huida se detuvo para desposarse” [Kioskoteatral.com]. “El cariño en la calle, el amor en la casa, el amor en las oficinas y el amor en la guerra son algunos de los temas que aborda el grupo en un intento por introducirse en los juegos y laberintos del corazón, a través de un lenguaje moderno, ágil y cargado de humor negro” [Tecal].

HOMENAJE A TCHYMINIGAGUA

LUCHO EN LA GLORIA: ESCENAS MUSICALES A LUCHO BERMÚDEZ Fundación TChyminigagua

Colombia

C é s a r G r a n d e y Ve n u s A l b e i r o S i l v a

“La vida y obra del maestro más importante de la música colombiana

sirve como inspiración para la realización de un espectáculo que condensa, no solo la música, que en gran medida fundamenta nuestra identidad nacional, sino algunos de los momentos más

representativos de la vida del maestro Lucho Bermúdez; aspectos que tuvieron relación con muchas de sus canciones más famosas como Salsipuedes, Arroz con coco, Tolú, Marbella, Tambores de Chambacú, Colombia Tierra Querida, Prende la vela, entre otras. ”Lucho en la gloria. Escenas musicales a Lucho Bermúdez es una puesta en escena que cuenta hechos relevantes de la realidad nacional: la masacre de las bananeras, el bogotazo, la Constitución Política de 1991, vistos a través de las vivencias del músico, compositor, director y maestro colombiano. Es un espectáculo vivo, lleno de color, alegría, fuerza, ritmo y energía, que invita a revivir los grandes

momentos de la historia de nuestro país, de la mano de boleros, porros, cumbias, patazones y danzones ” [Fundación TChyminigagua].

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Esta obra se inspira en la vida de Lucho Bermúdez, y la asocia a episodios fundamentales de la historia nacional, tanto como a canciones como Salsipuedes, Arroz con coco, Tolú, Tambores de Chambacú, Colombia Tierra Querida y Prende la vela.


Un Festival creador Las cinco entierros de Pessoa

La historia del se帽or M.

Diez mil cosas

Los cinco entierros de pessoa. Coproducci贸n FITB, Teatro Tierra y Teatro Mayor Julio Mario Santo Domingo

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LOS CINCO ENTIERROS DE PESSOA

Coproducción Festival Iberoamericano de Teatro de Bogotá, Teatro Tierra y Teatro Mayor Julio Mario Santo Domingo J u a n C a r l o s M o y a n o [Director]

LA HISTORIA DEL SEÑOR M.

“Durante varios meses nos sumergimos en el

mundo delirante y esencial de Fernando Pessoa y ahora vamos a mostrar el resultado de la incursión teatral por la diversidad interior de uno de los más grandes poetas universales de todos los tiempos. […] esta experiencia nos ha llevado a la médula de un drama que se involucra directamente con las agitaciones de la existencia de uno y de todos los que nos habitan piel adentro” [Teatro Tierra]. Pessoa es en sí mismo un personaje teatral. Como un actor que encar-

nara durante su vida a un elenco de personajes, el poeta lusitano se tomaba muy en serio sus múltiples personalidades, sus heterónimos: por lo menos cinco poetas lo habitaron, y para cada uno

de ellos Pessoa creó una biografía y una obra que lo caracterizó: Alberto Caeiro era un campesino que odiaba la metafísica pero escribía en verso una filosofía de la experiencia; Álvaro de Campos era un ingeniero homosexual, un extranjero en cualquier lugar, que exploró las estéticas decadentes y de vanguardia; Ricardo Reis era un conservador, latinista y romántico; Bernardo Soares escribió la obra en prosa más importante de Pessoa: el Libro del desasosiego. Los cinco entierros de Pessoa, título que retoma un poema de Juan Manuel Roca dedicado al poeta portugués [“Pocas veces ocurre / que al morir un poeta / sean necesarios cinco ataúdes”], es además una hermosa puesta en escena del Teatro Tierra que, como es habitual en el lenguaje artístico de la compañía, transforma las imágenes poéticas en acciones dramáticas. La obra se concentra en la última

visita que el poeta le hizo a su hermana, en la que sufre un delirio que reúne a sus personalidades para morir junto con su creador y celebrar un entierro que, como su vida, tiene que ser múltiple.

“Pocas veces ocurre / que al morir un poeta / sean necesarios cinco ataúdes” [Juan Manuel Roca]. Los heterónimos de Fernando Pessoa se reúnen en esta bella puesta en escena que transforma las imágenes poéticas del lusitano en acciones dramáticas.

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Coproducción Festival Iberoamericano de Teatro de

"Este montaje Bogotá-Fundación Teatro Nacional y Manolo Orjuela escénico Colombia reflexiona M a n o l o O r j u e l a acerca de la familia como la historia del señor M. es raíz de nuestra “La la historia de una familia narrada desde sociedad y, el punto de vista del hijo menor, a la vez quizás, como actor y director de esta propuesta . La una de las historia se centra en los distintos tipos de que han marcado a cada miembro de la familia y en cómo principales recuerdos estos los han acompañado de manera dulce pero también, para otros, de semillas manera amarga. Esta es la radiografía de un a familia bogotana de los de nuestra años 70 que intenta recordar para volver a limpiar su casa. Este monviolencia" taje escénico reflexiona acerca de la familia como la raíz de nuestra

[Manolo Orjuela] sociedad y, quizás, como una de las principales semillas de nuestra violencia” [Manolo Orjuela].

“Fuimos una familia numerosa que vivía en el sur de Bogotá. Mi padre trabajaba en una fábrica de productos de caucho. Con ese posible salario mínimo sacó adelante a sus siete hijos. Su objetivo principal siempre fue la educación; sin embargo, la violencia que ejerció sobre nosotros fue una condición que nos marcó para siempre a mí y a mis hermanos. Lo particular de esta violencia es que cada uno de nosotros la vivió y la entendió de distintas formas, que van desde el dolor, el resentimiento y también el amor” [Manolo Orjuela].

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“La obra de Kalawski, diri-

gida por Fabio Rubiano, tiene la virtud de ser una obra de teatro que habla de la realidad… con el lenguaje de la invención dramática y escénica . Formalmente

es un teatro realista que, sin embargo, deja ver lo que la realidad esconde, precisamente por no ser un teatro descriptivo sino sugerente, en el que el espectador

DIEZ MIL COSAS

Coproducción Festival Iberoamericano de Teatro de Bogotá, Cervantino y Santiago a Mil Fa b i o R u b i a n o [Director]

debe completar los paisajes interior y exterior que dibujan el diálogo y la puesta en escena” [Fernando de Ita]. El escenario es un restaurante chino, recreado dentro de un asfixiante cubo cerrado por tres de sus lados con bloques de color rojo y negro, como fichas de un lego gigante, modulares, que transforman continuamente el escenario, lleno de huecos a través de los cuales se filtra la luz, otra protagonista de esta pieza . La escenografía mexicana fue creada como un teatro móvil, una especie de contenedor que pudiera montarse de igual manera

en un patio o en un auditorio. A ese lugar escondido, con cierto aire de sótano clandestino, que delimita radicalmente el interior y el exterior, arriba Salvador buscando refugio en medio del fragor de una revuelta de estudiantes que tiene lugar en Chile en 2011 (como efec-

tivamente lo escribió el autor de la pieza), o en cualquier otro país latinoamericano, como lo interpreta su director. En el restaurante, Salvador encuentra a Miriam, una mesera que no entiende por qué ese niño rico pretende defender derechos que ya tiene garantizados y llega a importunarla a ella, que ha tenido que luchar a diario contra la pobreza. El enfrentamiento que existe en el

F O T O G R A F Í A S : SERGIO CARREÓN IRETA

Con un derroche de juego escenográfico e invención dramática se estrena en Colombia esta coproducción de festivales de teatro latinoamericanos: el Cervantino de México, el Santiago a Mil de Chile y el FITB de Colombia.

exterior es una referencia para otro antagonismo, el interior, que tendrá lugar entre ellos y consigo mismos.

Hasta cierto punto, el problema social arrincona a los personajes, generando una reflexión intimista que se ve enriquecida por la combinación armónica de distintos lenguajes teatrales.

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Cuerpos vulnerados y resiliencia

FOTOGRAFÍA:

J U A N A N T O N I O M O N SA LV E

Labio de liebre Pequeños territorios en reconstrucción Donde se descomponen las colas de los burros Antígona, genealogía de un sacrificio Homenaje a Farley Velázquez: El país de las mujeres hermosas Ex-posición Negro La Rosa y el León En el escenario Amnesia Iiwo’Uyaa: Sin el río la memoria se va En la mitad del océano Omaira 11/85 Los incontados: un tríptico Homenaje al Teatro La Candelaria: Camilo Canto para no olvidar

Labio de liebre, Coproducción Teatro Petra y Teatro Colón

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El protagonista de esta pieza tea-

tral pura no es el personaje que responde al apodo despectivo de “labio de liebre”, sino uno de esos señores de la guerra , malo como el lobo feroz, duro como una piedra, con el alma podrida como el agua del florero, beneficiario de uno de esos procesos de justicia transicional que han recorrido a América de norte a sur, recluido a regañadientes en un país predominantemente invernal en donde

LABIO DE LIEBRE Coproducción Teatro Petra y Teatro Colón

Colombia

paga casa por cárcel. Uno de sus fantasmas, demasiado Fa b i o R u b i a n o [Director] vivos y expresivos, es un muchacho con labio leporino, “labio de liebre”, “media jeta”, le dicen. Nadie se salva de Valerosa y la ironía de esta obra, escrita, dirigida y protagonizada por el versádirector del Teatro Petra: Fabio Rubiano. El autor considera que espantosamente til su obra trata del perdón tanto como de la venganza . Al menos de esa divertida, por el forma peculiar de la venganza, propia de las tragedias: la que se espera humor negro que que actúe a través de la conciencia del victimario; la misma que acosa corroe como el al tío de Hamlet o al rey Macbeth con la presencia fantasmal de sus víctimas. En este caso se trata de una familia de campesinos a la que óxido las ganas el protagonista ordenó masacrar. Una familia que Rubiano se abstiene inevitables de de idealizar, pues su intención no es invitar al público a reírse, Labio compadecerse de alguien. Al final esta apuesta teatral, magnífica en su escede liebre es

considerada con razón como el mayor acontecimiento de la reciente escena teatral colombiana.

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nografía, su iluminación y en sus metáforas visuales

(como la de los fantasmas que vomitan virutas de papel atragantados de injusticia) descubre cómo representar el dolor de Hécuba de una madre que sabe que van a matar a sus hijos, a la injusticia de saber que los hayan asesinado como a los animales, junto con sus animales. Y a aquello que no los deja descansar en paz: que el asesino los reconozca, los llame por sus nombres y recuerde la sevicia con la que terminó con sus vidas.


En palabras de la compañía mexicana Teatro Línea de sombra :

“Esta pieza es provisional hasta que no se diga lo contrario”. Pequeños territorios en reconstrucción es una pieza de antropología teatral, un anti-espectáculo teatral (como Baños Roma ,

PEQUEÑOS TERRITORIOS EN RECONSTRUCCIÓN

Teatro Línea de Sombra

México

J o r g e A . Va r g a s [Director]

otra de las obras que traen al FITB) que parte de una estadía de la compañía en Turbaco (cerca de Cartagena de Indias), en donde un grupo de mujeres desplazadas por causa del conflicto armado logró levantar una pequeña ciudadela de 98 casas: la Ciudad de las Mujeres , en donde ahora viven con sus hijos y familias. Las mujeres se han enfrentado a un sinnúmero de problemas que han resuelto de forma legal, y ahora vuelven a poseer algo, algo que va

más allá de las casas que construyeron. La obra reconstruye poéticamente ese algo, llámese memoria o esperanza . Cada día cambia de nombre porque no solo el territorio está en reconstrucción sino también su sentido vital. La obra recurre al video, a la música en vivo, a la actuación, al formato del documental y a la presencia en escena de los niños de la comunidad , pues busca Este es un integrar diversos lenguajes en el mismo espacio. Cada antiespectáculo lenguaje podría ser una herramienta para contar esta histeatral centrado toria que “podría ser una ficción”. La puesta en escena se divide en tres partes: Blo- en las preguntas ques de concreto, El hipopótamo y Las cartas sin remitente. La compañía parece hacerse preguntas como

“¿qué hacer con lo real? ¿Cómo no caer en lo previsible, o cómo redondear los símbolos? […] las metáforas planteadas escénicamente son formidables, mejor dicho son totales. Y lo total […] no es lo acumulativo, lo integral, sino lo sintético, lo complejo. Las metáforas generan una totalidad de sentido en la cual todas las partes están perfectamente interconectadas: desde la investigación, la ruta, el registro sistémico, político y local, el gesto espectacular acaecido en la hacienda, las galletitas, los niños. Todo perfectamente colocado para proponer una estética del vestigio que es también una estética del reciclaje” [Alejandro Flores, Telecápita.org].

que le suscitó a la compañía mexicana Línea de Sombra su encuentro con La Ciudad de las Mujeres, construida en Turbaco, Bolívar, por mujeres desplazadas en Colombia.

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DONDE SE DESCOMPONEN LAS COLAS DE LOS BURROS

Esta obra es un bello sueño Umbral Teatro escénico Colombia que habla de I g n a c i o R o d r í g u e z [Director] una horrible pesadilla, “Donde se descomponen las colas de los donde uno de burros es una propuesta multidisciplinar de carácsus personajes ter teatral, musical, plástico y dancístico, que usa cinematográficos, intervenciones audio-vise rebela recursos suales e instalaciones sonoras, que develan el sentido contra la profundo del texto teatral. El grupo trabajó durante siete crueldad de meses hasta encontrar el lenguaje pertinente al universo la dramaturga de la obra, que hace énfasis en el uso de un cuerpo no un montaje de vocación fragmentaria que que le dio el cotidiano; guarda directa relación con las necesidades del mundo destino de un eclosionado de los personajes, propuesto por la autora” desaparecido. [Umbral Teatro].

Esta obra es un bello sueño escénico que habla de una terrible pesadilla . La autora parte de imaginar

las miles de historias que yacen bajo tierra o en el fondo de los ríos-tumba de nuestro país. En ese escenario se encuentra Salvador, uno de los 25.000 desaparecidos de nuestra violencia, con algunos personajes insólitos: la víctima de un sacrificio indígena, la víctima de un conquistador, las colas de los burros… Desde allí Salvador se rebela contra el destino que le ha sido dado por la dramaturga. La propuesta estética de Donde se descomponen las colas de los burros rehúye tratar la violencia sin traducirla a un lenguaje artístico. El espectador se va a encontrar con un espacio que se transforma en varias dimensiones y tiempos en donde conviven vivos y muertos en el pueblo de El Olvido. Como otras obras de Umbral Teatro,

parte de una meticulosa investigación sobre el tema que aborda y sobre la creación teatral en general. El resultado es una pieza de conmovedora belleza.

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HOMENAJE A FARLEY VELÁSQUEZ:

ANTÍGONA GENEALOGÍA DE UN SACRIFICIO

EL PAÍS DE LAS MUJERES HERMOSAS Teatro Hora 25

Colombia

Fa r l e y Ve l á s q u e z (Director 1966-2015) C a r o l a M a r t í n e z [Directora]

En esta obra el público, ubicado

en una planta más alta que el escenario, observa una tumba-útero desde arriba , “un pequeño espacio que se dilata

para representar el mundo y la condición humana” [Teatro Cenit]. Allí tendrá lugar el renacimiento de Antígona , que “vive para hacer oír su voz, para encontrarse B e r n a r d o R e y [Director] consigo misma, con el tejido de su sangre y con su destino” [Teatro Cenit]. La puesta en escena está acompañada de proyecciones de videoarte reflejadas sobre el suelo y las paredes del escenario-sepulcro, es un teatro de máscaras y es atravesado por la poderosa presencia de un grupo de cantaoras de alabaos que la compañía integra a este proyecto durante su presentación en el FITB El Teatro Cenit se nutre de un trabajo de investigación, de los talleres y el laboratorio de creación, que han Con la poderosa bautizado como “Teatro Puente”, y que los ha llevado a presencia de encontrarse desde hace una década con refugiados de las un grupo de guerras en el mundo árabe en Roma y más recientemente con desplazados del Pacífico colombiano [Teatro Cenit]. cantaoras de Antígona, genealogía de un sacrificio está basada alabaos que en La tumba de Antígona , de la filósofa española María el Teatro Cenit Zambrano. Se trata de un epílogo a la tragedia de Sófocles integra a este en el que la tumba en la que es enterrada viva la heroína trágica de Sófocles se transforma en el espacio metafó- proyecto durante

Farley Velázquez,

Teatro Cenit

Colombia

rico del exilio: un lugar de permanencia entre la vida y la muerte, que representa la dura experiencia de verse

arrojado fuera del lugar propio, desde donde se puede dialogar con los vivos y con los muertos. En ese espacio de permanencia, Nube

Sandoval (dramaturga) y Bernardo Rey (director) exhuman poéticamente el dolor de las dos Antígonas, la de Zambrano y la de Sófocles: es decir, la experiencia del

exilio y la dificultad de enterrar a los seres queridos en medio de la violencia.

su presentación en el FITB, desciende esta Antígona basada en María Zambrano, en un escenario de inmersión que es a la vez tumba y útero.

Como un homenaje a Farley Velásquez se presenta El país de las mujeres hermosas:

cuatro monólogos que encarnan a tres mujeres y una niña marcadas por la guerra: un asunto de hombres del que invariablemente resultan ser víctimas las mujeres.

dramaturgo y director antioqueño homenajeado en esta edición del FITB, fue discípulo de Freidel, uno de los pioneros de la dramaturgia en Medellín, después de haber sido seminarista y haber decidido que se puede “gastar la vida en el teatro” y vivir en un mundo en donde el sol es un reflector y el escenario bien puede ser una tumba. Contemporaneizar el teatro clásico manteniendo sus simbolos atávicos o intemporales, fue su propósito desde cuando en 1989 fundó la compañía Teatro Hora 25 junto con sus colegas de Medellín. El país de las mujeres hermosas es el montaje con el cual la compañía decidió homenajearlo póstumamente. El título de la obra, de completa ironía en un país que lleva con orgullo el atributo de sus mujeres hermosas, señala más bien que la adoración de la belleza es de difícil celebración en un país en donde las mujeres suelen ser tomadas como botín de guerra . Son cuatro monólogos de mujeres muertas, que hablan en un escenario intemporal, una especie de jardín

japonés, sobre una amplia superficie de arena blanca y un túmulo de rocas, que bien podría ser la tumba en la que todas yacen, bajo cuencos de piedra rebosantes de agua. Cada monólogo lleva el nombre de un mes del año, el de su desgracia, y cada mujer representa un motivo del pathos del conflicto colombiano: la desaparición, el reclutamiento forzado, el desplazamiento, y en todos, como un leit motiv del horror, la violación y la muerte. Tres mujeres y una niña parecerían encarnar una variación de las suplicantes : si Septiembre es una especie de Penélope que espera por su marido desaparecido, Abril es Ifigenia inmolada por su padre narcotraficante; Octubre es la guerrera a la fuerza, que buscó como Electra apaciguar su dolor en la venganza, y Junio, la niña, es Casandra , asesinada junto con sus hermanos y profanada por los armados. Todas ellas encarnan el drama universal de todas las mujeres y niñas marcadas por un asunto de hombres del que invariablemente resultan ser víctimas.

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NEGRO Teatro del Presagio

Colombia

D i e g o F e r n a n d o M o n t o y a S e r n a [Director]

En Negro se conjuga el lenguaje de la

danza contemporánea con el del teatro experimental en un formato fragmentario y heterogéneo que considera que el arte es una acción que rememora y recupera la voz y el cuerpo. Esta pieza es la segunda de la trilogía ¿Dónde?, conformada además por Azul y Blanco. “Azul se desarrolla en un ambiente de mar

de la costa Pacífica; Negro hace alusión al momento de oscuridad sin salida que vive el país; y Blanco es una alusión a la pulcritud de los ladrones de cuello blanco” [Diego Fernando Montoya]. “Negro habla de nuestra cotidianidad amordazada , de lo irreparable del conflicto, del alma humana que intenta entender el porqué de su desazón. El

EX-POSICIÓN

nuestro es un país enfermo. Sufre de una casi incorregible amnesia . Hoy, las

Diokajú Generación Arte Afro

alarmantes cifras de muertos; mañana, el olvido. El país ha llorado la sangre de los suyos durante años pero la memoria se ha limpiado fácil.” [Teatro del Presagio]. Negro es un monumento a la memoria. Hace parte del teatro nacional que

Colombia

S a n d r a C a t a l i n a M o s q u e r a y J u l i á n D í a z [Directores]

Ex-posición es una obra de antropología

se pregunta acerca del conflicto, de las víctimas y de la forma como el arte puede acercarse a un mundo enra-

teatral que conjuga video, música, danza y actuación:

el quehacer escénico” [Diokaju]. El espectador se va a encontrar con un escenario minimalista en el que la actriz y el objeto que la acompaña en la escena : un biombo al que rodea con su danza, un clóset pequeño en donde se encorva y se cuelga a sí misma de una percha, un espejo de pie y ovalado, que la oculta o revela, que la esconde detrás o dentro del espejo, se integran de modo eficaz y expresivo a la coreografía de esta obra.

[Diokaju]

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ADRIANA MINOTTA R.

fusión de la danza afro contemporánea con técnicas específicas de actuación, con el propósito de articular una nueva manera de abordar

Una obra de antropología teatral que conjuga video, música, danza y actuación. Es una pieza “que funde la danza afro contemporánea y el teatro de manera poética para rememorar momentos de la vida que producen aislamientos”.

recido por un duelo que no cesa, a través de la actuación y la danza y en un escenario que se trasmuta. El Teatro del Presagio es una de las agrupaciones vitales e importantes en el actual panorama teatral de la ciudad de Cali, que desde 2005 viene desarrollando una actividad constante de investigación, creación, producción y circulación escénicas.

FOTOGRAFÍA:

es una pieza “que funde la danza afro contemporánea y el teatro de manera poética para rememorar momentos de la vida que producen aislamientos. La cotidianidad de cada persona es el reflejo de su vida interior, nuestro presente es el resultado de múltiples pasados. Ex-posición es una puesta en escena que se crea como resultado de la búsqueda de una nueva técnica, una nueva interpretación, de un nuevo estado escénico; para ello tomamos como pretexto, como excusa creativa el día de emancipación de una mujer, que tras un largo periodo de auto encierro, encierro que va más allá de lo físico, y trasciende a lo emocional, mental y espiritual; ella sin ser consciente queda embotellada en la cárcel de su pasado, de sus recuerdos que se convierten en profundas anclas, taras emocionales que construyen un caparazón físico, dolores que se traducen en miedos, transformándola en una especie de ermitaña de su propia existencia” [Diokaju]. “Escenafro es una técnica escénica que se sustenta en la

Con el lenguaje de la danza contemporánea y el teatro experimental Negro alude a los tiempos oscuros que vivimos y considera que el arte es una “acción” que rememora y recupera la voz y el cuerpo.

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EN EL ESCENARIO

Teatro Azul

La rosa y el león

Colombia La obra conjuga el

es una obra que busca recordar un hecho atroz de violencia ocurrida contra una mujer indefensa y sencilla . Toda rosa debe

LA ROSA Y EL LEÓN

L i l i a n a H u r t a d o S á e n z [Directora]

En el escenario conjuga el teatro, la música y el video para proponer una reflexión a partir del tema y la significación cultural de una tragedia griega como Antígona . “Teatro Azul hace una comparación entre el

marchitar, pero a esta la segaron antes de tiempo. Liliana Hurtado, directora de Teatro Inverso, propone una mirada íntima que narra la vida de una mujer a quien se le atribuyen los recuerdos de Rosa Elvira Cely, un nombre que se grabó en

la memoria de los colombianos cuando se

Teatro Inverso conoció su tragedia, hace tres años.

Colombia

L e o n a r d o E c h e v e r r i [Director]

Teatro Inverso hace parte del Grupo de Investigación “Teatro Cultura y Sociedad”, del Departamento de Artes

Escénicas de la Universidad de Caldas. La rosa y el león (su pieza más reciente) parte de un

proceso de indagación acerca de la creación-investigación desde los mecanismos y métodos contemporáneos. La pieza se constituye, según la compañía, como un “monólogo a tres voces, que a manera de

líneas narrativas paralelas acompañan y complementan el texto dando una amplitud en la lectura sensorial de la obra, aumentando las posibilidades interpretativas para encontrar la unidad y el engranaje donde la estructura escénica cobra autonomía. Dentro de la pieza se puede apreciar la utilización de elementos expresivos, como la interpretación musical en vivo, la danza, y recursos técnicos como la proyección de fotografía animada y video” [Teatro Inverso].

La rosa y el león es una

obra que busca recordar un hecho atroz de violencia dirigida contra una mujer indefensa y sencilla. Toda rosa debe marchitar, pero a esta la segaron antes de tiempo.

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fratricidio y los conflictos armados, y encuentra entre ellos una increíble similitud” [Teatro Azul]. Tres mujeres vestidas de rojo se mueven en el escenario y hablan al unísono, como un coro trágico; su presencia en escena contrasta o se sobrepone a las imágenes de video o a las fotografías icónicas de la violencia de los años recientes en nuestro país, que se

teatro, la música y el video para proponer una reflexión a partir de la significación cultural de una tragedia griega como Antígona y el enfrentamiento entre hermanos en los conflictos armados.

proyectan al fondo de la escena. El coro de mujeres anuncia: Estamos acomodados en el escenario, inconscientes, indolentes, espectadores de nuestra tragedia. Los pasos que demos fuera de este escenario de ficción serán pasos cotidianos en el escenario de nuestra triste realidad. El grupo de Armenia desarrolla la dramaturgia de sus obras siguiendo diversas líneas de investigación. Una de ellas, en la que se inscribe En el escenario, la denominan “Teatro necesario”. Necesario porque hay asuntos de urgencia, que ocupan a toda la humanidad. Teatro Azul toma el tema de la violencia y lo somete a una transformación por medio del lenguaje artístico. A partir de la tragedia griega se acerca al sufrimiento que acarrea sobre las mujeres el enfrentamiento entre los hermanos que se dan muerte, ubicados en uno y otro extremo del conflicto.

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AMNESIA

Coproducción FITB, FETB y Colegio Leonardo Posada Pedraza

Colombia

A n t o n i o G i r a l d o [Director]

iiwo´Uyaa

El colegio Distrital Leonardo Posada Pedraza

Munakuy, que en quechua significa “ven, amor”. Esta pieza “es la historia de un

Los premios de mejor director y mejor actor fueron entregados al estudiante Antonio Giraldo, quien también es el dramaturgo de la obra: “Mi personaje se llama Paz y nunca se planteó como un protagónico, sino más bien como un hilo conductor. Es un personaje altamente simbólico y rompe el esquema de modelo de paz como algo solo femenino”, le explicó Antonio a el periódico El Tiempo.

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[Eltiempo.com]

CARLOS LEMA

empiezan a cobrar vida, a adoptar forma y a hablar por sí solas” [Amnesia].

Esta obra del Colegio Distrital Leonardo Posada fue la ganadora de tres categorías durante el Tercer Festival Estudiantil de Teatro de Bogotá: música, danza y teatro se conjugan en esta pieza sobre la paz y el conflicto.

“La sabiduría wayúu sube al escenario”.

FOTOGRAFÍA:

venció en noviembre de 2015 a más de 100 instituciones del país con el montaje de Amnesia, una pieza teatral que se ocupa del conflicto armado en Colombia y de la necesidad de la memoria en la construcción de la paz. Como ganadores del Tercer Festival Estudiantil de Teatro de Bogotá, FETB, en las categorías de Mejor Obra, Mejor Director y Mejor Actor Principal, esta compañía estudiantil de Bosa obtuvo la oportunidad de recibir talleres de formación actoral para profesionalizarse y presentarse durante el XV Festival Iberoamericano de Teatro de Bogotá. Los galardones obtenidos premian la labor de un colegio con énfasis en artes cuyo proyecto de grado es un montaje escénico. Amnesia es un espectáculo de gran formato, en el que se mezclan la música (un coro a la manera trágica acompaña la obra), la danza y la actuación. La obra gira en torno de Lucía , “una joven fría, lúgubre y curiosa, que muestra ante el público viejas fotografías, marcadas por un carácter peculiar, la mancha de la muerte sobre quienes habitaron en su pueblo y ahora duermen bajo la tierra árida del Cementerio Central. Las imágenes

(Sin el río la memoria se va) es la segunda obra del grupo Hamuy

Esta es la segunda obra del grupo Hamuy Munakuy, que en quechua significa ‘ven, amor’. El suyo es un teatro ritual sobre el sentido del territorio, el ser, la memoria y el río.

pueblo indígena a punto de extinguirse […]. Tres mujeres wayúu, Apüüyaa, de 150 años, Mapüsa, su hija, y Asipala, la más joven de las tres, buscan sobrevivir

a la destrucción de su río y por lo tanto de sus tradiciones. Traicionadas por uno de los suyos, no solo deben luchar contra

IIWO’UYAA SIN EL RÍO LA MEMORIA SE VA Hamuy Munakuy

Colombia

Carolina Ribón [Directora]

los nuevos colonizadores, sino contra Mojuu , quien,

desarraigado de su cultura, contribuye al exterminio de la tierra. La obra es el resultado de dos años de investigación en territorio Wayúu , y aunque está basada en el contexto real de este pueblo ancestral, todo ocurre en un escenario ficticio y onírico” [Hamuy Munakuy]. En el escenario las acciones de las mujeres rememoran rituales del agua y el pagamento. La obra, además, integra a un sabedor wayuú que interpreta un jayechi , poema oral tradicional que habla sobre la relación que tiene su pueblo con el río. Porque el río no solo es fuente de alimentos; el río es una fuerza que limpia y que cura . La compañía busca poner en contacto la cultura urbana con la sabiduría de los pueblos indígenas que habitan el país. Preservar los territorios es la única manera de preservar las tradiciones, por eso el grupo habla de su trabajo como un género de “teatro ancestral” y “teatro indigenista”: “Queremos crear conciencia en las nuevas generaciones de los pueblos indígenas para evitar la pérdida sustancial de sus tradiciones e identidad. Al tiempo, crear un diálogo tolerante y respetuoso entre los pueblos originarios y la sociedad occidental, en donde se respete la diversidad y se reivindique nuestra herencia cultural indígena” [Hamuy Munakuy].

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EN LA MITAD DEL OCÉANO X i m e n a V i l l a m i z a r R o l d á n [Directora]

En la mitad del océano es una pieza de teatro conmove-

dora, que se acerca a la experiencia traumática de aquellos que han emigrado y cuya existencia se encuentra dividida . En un lugar está su presencia física y su lucha por sobrevivir, en otro sus pensamientos, sus afectos y sus sueños. La obra integra la experiencia de siete persona-

jes: la de quienes partieron y la de quienes se quedaron, añorándose entre sí. Tal vez una de las escenas que mejor dibuja el dolor de la separa-

ción es el monólogo de una mujer que ve a su familia por última vez tras el vidrio del aeropuerto; ellos le hacen señas que ella no logra entender, como no logrará entender lo que le espera: “estar en la mitad del océano

es como estar en una melancolía en pausa que es como una lágrima que no termina de caer ” [Héctor Ramírez, actor de la obra].

Este montaje surge de un contexto específico, pero que en su profundidad tiene un alcance mucho mayor: habla de los hogares que se desintegraron después del terremoto que afectó la zona cafetera en 1999. El desastre no solo transformó el

territorio, sino que tuvo efectos posteriores, uno de los cuales fue la pérdida de los terrenos en donde las familias cultivaban café. Por tal razón, miles de personas tuvieron que salir a buscar su destino en otros países, en un intento por ayudar a quienes dejaban atrás. La Matria ganó tres becas por esta producción: la Beca de dramaturgia 2014, la Beca de creación teatral de 2015 del Programa de Estímulos del Ministerio de Cultura y la Beca de creación y producción de montaje de arte dramático en La Cuarta Convocatoria de Estímulos del Instituto de Cultura y Fomento al Turismo de Pereira. La música de la pieza fue compuesta especialmente para la obra por Carlos Dudley Sandoval.

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OMAIRA 11/85

memoria de Omaira.

La puesta en escena de Omaira 11/85 recuerda Los días felices, de Samuel Beckett , una de las obras emble-

máticas del teatro occidental de principios del siglo XX, pues Omaira, como Winnie, LAURA SOFÍA MEJÍA

Colombia

El símbolo más 31 años después de la tragedia impactante de ocurrida en Armero, tras la explosión del volcán Nevado del Ruiz, todavía siguen la tragedia de vivas las preguntas acerca de lo que allí Armero es Omaira pasó y acerca de la forma como el país Sánchez, esa niña reaccionó ante una manifestación sorprevaliente de 13 El Anhelo del Salmón siva de la naturaleza y nuestra capaci- años que no pudo o incapacidad para responder ante Colombia dad aquella avalancha de acontecimientos ser rescatada del M a r i o J u r a d o [Director] terribles. barro. Su rostro y El símbolo más impactante de la su voz desde hace tragedia es Omaira Sánchez , la niña valiente de 13 años que hablaba a las 31 años viven en cámaras de televisión y que no pudo ser el imaginario de rescatada del barro por los socorristas. los colombianos. Un rostro y una voz que desde hace 31 años vive en el imaginario de Esta obra es los colombianos que siguieron hora tras hora su destino final. El Anhelo del Salmón recupera esta historia y crea una puesta en escena que, más un homenaje a que reconstruir el evento histórico, pretende rendirle homenaje a la su memoria.

Una obra conmovedora centrada en la experiencia traumática de familias desintegradas cuya existencia se encuentra dividida: en un lugar está su presencia física y su lucha por sobrevivir, en otro sus pensamientos, sus afectos y sus sueños.

FOTOGRAFÍA:

Coproducción Teatro La Matria y Fundación Cultural Crearte

permanece enterrada en un montículo de tierra que no le permite moverse. Pero el absurdo en la obra de Beckett pertenece entre nosotros a la realidad más literal . En la obra, dos socorristas

acompañan a Omaira y claman por una solución que nunca se encontró. A su lado, una periodista no sabe cómo reaccionar ante una situación que desborda todas sus capacidades y que cuestiona su propia labor.

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“Una rigurosa

reflexión sobre la inacabada Anatomía de la violencia en Colombia. Por fuera de los lugares

comunes que arrastran consigo las políticas de la reconciliación en el campo del arte […] el montaje dibuja, en tres

LOS INCONTADOS: UN TRÍPTICO

Coproducción de Iberescena, Festival Iberoamericano de Teatro de Bogotá, Prod.Art.Br. y Mapa Teatro

espacios consecutivos que se articulan a la manera de un tríptico, una estremecedora alegoría de los dispositivos

utilizados por los actores de la violencia, desde la segunda mitad del siglo XX. Cada uno de los espacios que construye su deslumbrante escenografía sirve para la puesta en escena de una singular fiesta que devela el

HOMENAJE AL TEATRO LA CANDELARIA:

fundado en 1966 y cumple 50 años de producción con casi un centenar de obras. “El grupo La Candelaria decidió emprender la creación de una obra sobre Camilo Torres, un hombre representativo de la Teatro La Candelaria intelectualidad colombiana, cofundador, con el maestro Fals Borda, de la SocioloPa t r i c i a A r i z a , [Directora] gía en Colombia, profesor universitario, sacerdote, político, rebelde y, por último, insurgente. Hacemos esta obra como un acto de recuperación de la memoria al pie de la conmemoración de los 50 años de su muerte y de la celebración de los 50 de vida de nuestro grupo. El cuerpo de Camilo está oculto, para sus seguidores “desaparecido”. Y, nosotros y nosotras, en un acto de fe en la memoria, prestamos, como dice uno de los actores, nuestro cuerpo para su búsqueda y su presencia” [Teatro La Candelaria].

CAMILO

frágil umbral entre celebración y violencia que ha atravesado la historia de nuestro país.

”La dramaturgia de Los incontados: un tríptico es un verdadero monH e i d i A b d e r h a l d e n y R o l f A b d e r h a l d e n taje, en el sentido cinematográfico, que [Directores] superpone relatos de poderosa fuerza dramática a archivos y narrativas audiovisuales de inmensa potencia poética. Actores, sonidos procesados y músicos en vivo completan esta experiencia teatral: «Sin duda, la obra “Una rigurosa más impactante de la Bienal de Sao Paulo», afirmó el reflexión sobre curador portugués Joao Fernandes. la inacabada ”Tres fiestas: la primera, Los santos inocentes (2010), se celebra en la calle de un pueblo del Pací- Anatomía de fico caucano, donde hombres enmascarados, vesti- la violencia dos de mujer, salen a las calles a dar látigo a quie- en Colombia. nes no lo están: una celebración que transforma un El montaje se ritual afrodescendiente en un baile delirante. La segunda, Discurso de presenta en un hombre decente (2012), se lleva tres espacios a cabo en el jardín de una casa del consecutivos trópico colombiano, donde el espec- que se tro del más célebre de los narcotraficantes delira con su diva mientras articulan a la escuchan la música interpretada por manera de un quien en la vida real fuera uno de tríptico" sus músicos de cabecera. La tercera, [Mapa Teatro] Los incontados (2014), en la intimidad del salón de una casa de familia pone en escena a un grupo de niños músicos y a un mago, que esperan, reunidos alrededor de una radio, la promesa de una fiesta que nunca tendrá lugar” [Mapa Teatro].

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El Teatro La Candelaria fue

“13 actores y actrices de distintas genera-

ciones serán Camilo Torres en Camilo, el nuevo montaje del Teatro La Candelaria, una obra que combina elementos de performance, danza, video y música en vivo. La historia narra las vivencias, pasiones, conflictos y convicciones que rodearon la vida del sacerdote, guerrillero y sociólogo Camilo Torres, quien al encontrar la estigmatización de sus ideas se sintió solo y abatido y casi sin avisarle a nadie se enganchó en la lucha armada y enfiló en el ELN” Teatro La Candelaria].

“Con diversas coreografías, tangos, música experimental, folclórica e intensos momentos dramáticos, la obra es una puesta en escena impactante que pretende revelarle al público quién fue este hombre, que hoy, casi 40 años después de su muerte, aún ronda en la memoria de millones de colombianos con diversas facetas”. [Teatro La Candelaria].

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CANTO PARA NO OLVIDAR ALABAOS CANTOS

SAGRADOS

Teatro Cenit y Oro y Platino B e r n a r d o R e y [Director]

“Dentro de un clima de reparación de memo-

rias negadas, la relectura de la música y del canto de una comunidad de cantadoras del Pacífico colombiano nos devela nuevos caminos, que se hacen en la trocha, en la cotidianidad y en la resistencia y lucha que habita en los cantos de mujeres negras que retumban sus voces en el silencio del olvido, en los vacíos de la Memoria”. “Los alabaos son cantos sagrados para acompañar el viaje de los muertos, para dar consuelo al dolor de los vivos, para llenar de música y vida. Canto para no olvidar es un homenaje cantado a todos los muertos, que en los territorios del Atrato, ha dejado la guerra”. Al golpe de mi tierra nadie canta Al golpe de tierra ajena canto yo “Desde el 2013 Teatro Cenit ha desarrollado experiencias creativas y pedagógicas en torno a la práctica del Teatro como puente (metodología sobre el uso del teatro como instrumento reparador en contextos sociales de alta vulnerabilidad creada por Nube Sandoval y Bernardo Rey) en Condoto, Chocó. En dichas experiencias los alabaos han tenido un papel relevante en el empoderamiento de las tradiciones vivas de la comunidad. Desde entonces ha sido crucial la colaboración artística entre el grupo de alabaos Oro y Platino, de Condoto, y el Cenit. Fruto de este encuentro es la obra Antígona, genealogía de un sacrificio y la puesta en escena de este concierto de alabaos”. [Teatro Cenit]

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Escenarios experimentales y teatro sensorial La bailarina y la escopeta

Asylum Voces deMentes Corruptour The Gessell – Niklauss Project Camargo

La bailarina y la escopeta, La Maldita Vanidad

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LA BAILARINA Y LA ESCOPETA

La interesante puesta en escena de esta obra inspirada La Maldita Vanidad formalmente en los Colombia cuentos de Chéjov E l l a B e c e r r a [Directora] evita la solución dramática ante la mirada global La directora de esta obra se en los cuentos de Antón Chéjov, del espectador, inspira en su biografía y en la correspondenfragmentando cia que intercambió con su esposa, Olga al público en Kneeper, primera actriz del Teatro de Arte tres grupos que de Moscú. De esa búsqueda extrajo los eleen común que conforman el tema y dispone en tres mentos la puesta en escena formal de La bailarina compartimentos y la escopeta. La Maldita Vanidad presenta separados. esta obra dentro del ciclo Mirada Paralela

ASYLUM VOCES DeMENTES

Sensósfera: Laboratorio de Dramaturgia Sensorial

Colombia

El teatro de los sentidos sigue expre- A oscuras, cada sando su rebeldía al proponer un juego que amplía la percepción del teatro cinco minutos, como una experiencia destinada a solo un espectador dos de nuestros sentidos; que anula la distancia entre el escenario y solitario se el espectador; que renuncia al aplauso del público, a cambio de que arriesgará a uno a uno refleje en su rostro, al terminar su recorrido solitario, que acaba de vivir una experiencia catártica ; que lo obliga a entregarse a perderse en un laberinto ella, algo que no es fácil para ninguno. El juego que propone Fabián Acosta (dramaturgo y director de la fantástico obra) se sitúa en un laberinto, y su dimensión imaginaria es el mundo en donde gótico de los villanos de Batman. A oscuras, entra un solo espectador cada 5 minutos, y se adentra en un universo fantástico en donde experi- experimentará mentará con todos los sentidos el lóbrego asilo mental en el que están con todos los recluidos Dos Caras, Gatúbela, Hiedra y el Joker. sentidos el Asylum: voces deMentes es un recorrido por un complejo nido lóbrego asilo de trampas; lo que se transita no es solo el laberinto, sino también una estética del juego que conmociona la memoria de los sentidos del mental en el visitante-protagonista, obligándolo a atravesar cámaras que están sensoriales de reclusión, que representan los escenarios recluidos Dos oníricos en donde habitan los villanos de la noche. Caras, Gatúbela, Fabián Acosta, escritor y director de esta pieza, fue parte del proyecto de creación de El Hilo de Ariadna y Hiedra y Oráculos, obras que en los años 90, bajo la dirección de el Joker.

IRYNA NAHOMI DOMINIQUE ALAYON MUNOZ

Fa b i á n A c o s t a [Director]

que dedicó a Antón Chéjov.

La historia es la de dos hermanas. Una es Nina Bonnet, una gran bailarina que no obtuvo tanto éxito como su hermana , y en

lugar de seguir su carrera en el exterior se encarga, junto con su esposo, de dirigir el teatro que heredó de su padre y que están a punto de perder. Su hermana Almúdena, también bailarina , por el contrario, ha estado de gira por Europa durante cinco años. Pero está de vuelta y pretende recuperar el control sobre el teatro que les pertenece a ambas. Como era de esperarse, su regreso desencadena una serie de conflictos que, como sucede en las obras de Chéjov, en lugar de perseguir una solución se exponen sutilmente incompletos. La interesante puesta en escena de esta obra evita la solución

FOTOGRAFÍA:

dramática en la mirada global del espectador, fragmentando al público en tres grupos que dispone en tres cuartos de una misma casa. Esto hace que haya tres obras simultáneas en escena , que unidas conformarían un solo drama, pero que el espectador solo puede conocer desde uno de sus tres puntos de vista.

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Enrique Vargas, despertaron los sentidos e invitaron al público a jugar con su destino, a perderse y encontrarse en la oscuridad de sus laberintos.

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CORRUPTOUR La Barracuda Carmela

Colombia

F e l i p e Ve r g a r a y Ve r ó n i c a O c h o a [Directores]

Ganadora de dos becas del Ministerio de Cul-

THE GESSELL– NIKLAUSS PROJECT

“Corruptour es una atracción turística emparentada con la feria de fenómenos, un recorrido por Bogotá en una chiva kamikaze, un paseo no tan pastoril por las campiñas de la corrupción implicada en el asesinato de Jaime Garzón”.

Una coproduccción de Bizarro Teatro y Materile Teatro de Formas Animadas

Una caja de vidrio

Mauricio Galeano y Mateo Rueda [Directores]

común ver en las películas policíacas, en donde un acusado es interrogado mien-

Colombia

tura en 2014 y en 2015 arranca Corruptour siguiendo la ruta de una nueva propuesta teatral, inspirada en el concepto de “teatro en movimiento” desarrollado por una compañía checa. La obra literalmente sube a 40 espectadores en cada función a un medio de transporte considerado en sí mismo como un rico escenario teatral: la chiva . Se trata de un recorrido de humor negro por [Corruptour] varias estaciones de la corrupción en Bogotá , relacionadas con la vida y la muerte del gran humorista colombiano, y uno de los críticos más agudos que ha tenido el país, Jaime Garzón, cuyos personajes siguen intensamente vivos, deambulan por la ciudad y usan este medio de transporte: Dioselina Tibaná, Inti de la Hoz, John Lenin, Godofredo Cínico Caspa y Heriberto de la Calle. “Corruptour es una atracción turística emparentada con la feria de fenómenos, un recorrido por Bogotá en una chiva kamikaze, un paseo no tan pastoril por las campiñas de la corrupción implicada en

tras es visto a través de un espejo por otros investigadores. En este caso, el espectador será el testigo del interrogatorio en un manicomio, porque la obra lo invita a hacer parte de un experimento piloto, al parecer infalible, que desarrolla un método de tortura psicológica para que los criminales confiesen sus crímenes. De vez en cuando, no obstante, la cómoda posición del observador que se le otorga al publico será trastornada cuando el vidrio, gracias

al prodigio de la iluminación, se convierta en un espejo y pase a ser el observado desde adentro de la cámara. “La función empieza con un hombre en una silla de ruedas. Se llama Tomás. Inmóvil, y un tanto abstraído, escucha la versión de Nat King Cole de la canción Quizás, quizás, quizás. Una y otra vez. Sus manos y sus pies están atados a la silla. Cuando la canción concluye por tercera vez, entran dos doctores y empiezan a hacerle una serie

de preguntas absurdas y cómicas. “¿Si hay un más allá, también hay un menos aquí?” Pero la hilaridad,

el asesinato de Jaime Garzón, una experiencia para todos los que hemos observado este país y su historia como turistas sin ser conscientes de ello. El Corruptour nunca podrá negar el carácter cínico de su génesis «Queremos vivir honestamente de la deshonestidad estatal»… sabemos que el fenómeno de la corrupción es la piedra angular del conflicto y que este está tan encriptado en nuestro ADN que determinará nuestra realidad social, política y económica por los siglos de los siglos. Ante esta fatal evidencia nuestra única alternativa, antes de caer en las fauces de la desesperanza absoluta, es hacer de este cáncer un freak show, visitar a los corruptos en sus bunkers y edificios patrimoniales y darles a los responsables el verdadero protagonismo de la lamentable historia de impunidad, podredumbre institucional y moral de este país” [Corruptour].

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en la mitad del escenario le recordará qué es una cámara Gessell, el dispositivo que es

El espectador observa un experimento de tortura psicológica a un prisionero encerrado con sus doctores en una cámara Gessell, en donde los objetos convertidos en sueños y pesadillas cobran vida gracias a la manipulación de los actores.

que dura apenas un par de minutos, pronto da paso a un tono más macabro y rápidamente se agotan las risas en el auditorio” [Christopher Tibble, revista Arcadia]. Durante el interrogatorio los actores interpretan

a once personajes por medio de la animación de los objetos con los cuales pretenden despertar los recuerdos

guardados en el inconsciente de Tomás (un perchero, un abrigo, un muñeco de peluche…). La obra de Teatro Bizarro se presenta como un thriller sicológico y como una farsa densa , adaptada libremente de la obra Cámara Gessell del dramaturgo, director y titiritero argentino Daniel Veronese.

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CAMARGO

Cuarto Vagón Camargo es una obra

Colombia

que mueve al espanto y a la risa , que des-

pierta emociones opuestas y conclusiones adversas que van desde la condena inmediata hasta el cuestionamiento. La puesta se propone como una cena íntima en la que un pequeño grupo de espectadores son los invitados que comparten mesa y comida con los personajes siniestros que se presentan ante ellos. Johan Velandia escribe, dirige y protagoniza esta obra en la que reconstruye la historia de “el mons-

J o h a n Ve l a n d i a [Director]

La puesta se propone como una cena íntima en la que un grupo pequeño de espectadores son los invitados que comparten mesa y comida con un asesino en serie y otros personajes siniestros tomados de la vida real.

truo de los manglares”, Daniel Camargo, el asesino en serie que cobró más de 150 víctimas, entre mujeres y

niñas vírgenes a quienes estranguló en diferentes ciudades de Colombia y Ecuador. Velandia investigó la vida de este asesino y le sorprendió descubrir que ambos estudiaron en el mismo colegio. Ese hallazgo en su investigación lo llevó a querer explorar en los motivos que pueden

determinar que un ser humano se convierta en un asesino serial. Para lograrlo, él mismo se convierte en

“el monstruo de los manglares” en cada función. Un niño maltratado por su madrastra, quien lo vestía como una niña para llevarlo al colegio y otros episodios atormentados de la vida de Camargo se conjugan en la obra para retratar a un sujeto que no es un ser irreal e infernal, sino un ser cuya humanidad ha sido sofocada por su pasado.

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Dramaturgia infantil, títeres y marionetas Memorias de dos hijos caracol Pacamambo Gabito, el niño que vivió en Macondo Macondo, el cuento que se llevó el viento El gallo de oro La peor señora del mundo Los Espíritus Lúdicos El dulce encanto de la Isla Acracia El circo del aguante La catrina descolorida Monerías 1, 2, 3, ¡Afuera! Caperucita Roja Patatín Patatán La abuela chifloreta y los tres cerditos Cuentos de conjuros en rimas y apuros Pacamambo, Colectivo Mukashi Mukashi

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Carretera 45 Teatro

México

Conchi León y A n t o n i o Z ú ñ i g a [Directores]

Memorias de dos hijos Caracol es una

obra sobre la amistad entre Coco, una niña de Yucatán, y Toto, un niño de Chihuahua, que se conocen en Ciudad Juárez. Los giros de lenguaje, las diferencias

regionales entre ellos, los cambios de rol y la interpretación de los dos grandes actores mexicanos que los representan lo harán reír francamente. Coco y Toto “juegan a ser lo que no son. Juegan a volar lejos con

sus madres y también lejos de las, a veces, duras palabras de las madres. Ambos niños, al igual que la mayoría de los niños de México, ignoran todavía qué pueden esperar de la vida; aunque tampoco saben qué es lo que la vida espera de ellos. Lo que sí saben Coco y Toto es lo que no están dispuestos a ser. Mientras tanto, como niños se conforman, por ahora, con jugar a ser diversos probando distintos personajes: hijos, niños, amigos, mariposas, madres. Juegan también a tenerse el uno al otro y a compartir la lonchera. Juntos van madurando en este proceso de crecer, de conocer y conocerse jugando a los personajes, de volar para finalmente comprender que por muy lejos que se alejen de sus madres y lugares de origen, nunca dejarán de estar en casa. Ellos lo manifiestan así durante la obra: porque donde está tu corazón, está tu casa”. En escena, los dos actores les dan vida a los niños y a las madres de cada uno, usando solo un rebozo para transformarse. Antonio Zúñiga

PACAMAMBO

Coco y Toto son dos niños interpretados por grandes actores mexicanos que juegan, como estos, a los personajes.

(dramaturgo de Mendoza) interpreta a Toto y a la madre de Coco, y Coco es Conchi León y la madre de Toto. Ambos escribieron y dirigen esta obra, en la que la fantasía

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su abuela María-María, Julie es una niña

Colombia

del dolor por la pérdida de su abuela a la esperanza de volver a encontrarla en un Fa b i a n a M e d i n a [Directora] lugar maravilloso que ambas invocan: el país de Pacamambo. Mientras esa misteriosa transformación tiene lugar, se esconde en el sótano de la casa de María-María, junto con el cuerpo ya abandonado por la abuela, pero al que la niña protege amorosamente mientras espera a la Muerte y enfrenta a la Luna, que fue la culpable de todo. Pacamambo es una obra del célebre dramaturgo libanés, Wajdi Mouawad , que suele enfrentar a los personajes de sus obras para adultos a convivir varios días con un ser amado que ya está muerto (en Litoral, por ejemplo, el protagonista carga a cuestas el cadáver de un padre al que no conoció, buscando un lugar en donde poder enterrarlo, perdido en un país que tampoco conoce). Pacamambo resuelve el duelo de

los niños con un derroche de poética fantasía y aguda penetración psicológica . Por la manera de abordar su tema, por la importancia que le da a la fantasía tanto como a los rituales particulares del dolor, y por el modo como el colectivo Mukashi Mukashi resuelve en una delicada y a la vez brillante escenografía esta aventura cercana a la Muerte, Pacamambo es mucho más que una obra para niños. Es también una obra que secretamente habla de la guerra y de la intolerancia : por oposición al mundo de los vivos

Pacamambo es “el país donde todos los unos son los otros”, “el país que reconoce a la gente como gente”, “el

lugar en donde un hombre delante de otro hombre no se pregunta si se trata de un hombre”, “Pacamambo

FOTOGRAFÍA:

transforma un escenario minimalista, dedicada a dos “amigos temporales”, porque Coco es hija de una familia que se desplaza constantemente. En la escuela se conocen y empiezan a compartir la soledad de los niños que no logran comunicarse con los adultos a pesar de que hablen con ellos sin parar.

Indignada por la muerte de

Colectivo Mukashi Mukashi que pasa de la rebeldía a la aceptación,

HÉCTOR ORTEGA

MEMORIASDE DOS HIJOS CARACOL

es una palabra que se debe decir cuando sabemos que la vida es la muerte, y la muerte es la vida”, es “el país en el que uno se convierte en el cuerpo de las personas que amamos” [Pacamambo].

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“Yo intenté escribir una tragedia para los niños. Es decir una celebración en donde los asuntos dolorosos se aborden con la mayor alegría posible, confiando en la inteligencia y en la imaginación”. [Wajdi Mouawad]


GABITO EL NIÑO QUE

VIVIÓ EN MACONDO

“A Gabito le gustan los gallos,

ir de la mano con su abuelo, leer cuentos fantásticos y asistir a cada función del circo. Gabito con su imaginación camMuro de espuma bió la realidad y la convirtió en más que maravillosa . Una obra Inspirada en la infancia de Gabriel García Márquez. Dirigida a niños de 6 a 100 años. Gabito es Felipe García Silva [Director] un niño de Aracataca que espera la llegada de su madre Narda Rosas [Directora invitada] mientras disfruta de la compañía de su abuelo y hermanos. Vigotsky afirmaba que las experiencias imaginarias de un niño son tan veraces como las de su vida real, en tanto el niño vive las situaciones y emociones con la misma intensidad. Si esta teoría es aplicada a la infancia Gabito es del nobel, entonces este niño no solo soñó Macondo: vivió una obra de Macondo” [Muro de espuma]. títeres de mesa “La obra reúne un conjunto de técnicas de la interpretación escénica, siendo los títeres de mesa la predo- y teatro negro, minante. Esta técnica de manipulación está inspirada en inspirada en la técnica japonesa del Bunraku . El titiritero se ubica la infancia de detrás del muñeco, y a través de mecanismos de dife- Gabriel García rente complejidad se animan los personajes a partir de la interpretación de precisos y detallados movimientos Márquez y ejecutados por uno o hasta tres titiriteros. Algunas de dirigida a niños las escenas suceden en Teatro Negro, un tipo de repre- de 6 a 100 años. sentación escénica que se caracteriza por llevarse a cabo [Muro de espuma] en un escenario oscuro, con una iluminación especial

Colombia

MACONDO, EL CUENTO QUE SE LLEVÓ EL VIENTO Teatro Comunidad

Colombia

Creación colectiva [Dirección]

pirado en el mundo mágico creado por Gabriel García Márquez: “Se trata de narrar la historia de un hermoso pueblo, que cantaba con voz de pajarito, blanco y florido, que terminó convertido en un peladero polvoriento y solitario. Está escrita con detalles en los pergaminos del sabio Melquiades que llega incluso hasta la predicción de su final inexorable, arrastrado por el ventarrón del tiempo con su hojarasca de ambiciones, de amarguras y soledades” [Teatro Comunidad]. “Con música y títeres los comediantes cuentan, cantan, narran, actúan, ilustran y maromean la historia de Macondo y de la familia Buendía. Por arte del

realismo mágico se creará ante los ojos del público un pueblo a orilla de un río de aguas diáfanas que se precipita por un lecho de piedras pulidas, blancas y redondas como huevos prehistóricos… Allí, en un ambiente caribeño de cuento recién contado, en aquel pueblo macondiano, transcurre la existencia de la Familia que lo fundó y que lo vio crecer hasta volverse polvo: Los Buendía” [Teatro Comunidad].

que da lugar a un fantástico juego de colores neones y de sombras. En toda la obra los personajes títeres inte-

ractúan con personajes actores, que además de interpretar su rol escénico, manipulan a los personajes a la vista del público” [Muro de espuma].

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Macondo, el cuento que se llevó el viento es una obra con títeres y comediantes , del Teatro Comunidad , ins-

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“Con música y títeres los comediantes cuentan, cantan, narran, actúan, ilustran y maromean la historia de Macondo y de la familia Buendía, por arte del realismo mágico”. [Teatro Comunidad]


EL GALLO DE ORO Los Animistas

El clásico de Colombia Juan Rulfo reinterpretado en J a v i e r G á m e z [Director] clave vallenata y teatro de Con una mezcla de títeres, títeres. Una actores y música en vivo, Los Animistas la historia de “Dionisio Pinpuesta escénica cuentan zón, un humilde pregonero, que encuendinámica, colorida tra en un gallo al que salva de la muerte la y sugerente, en la forma de salir de la miseria, a la par que que sobresalen la conoce el amor y se hunde lentamente en juegos de azar y en la ambición. Su animación de la los encuentro con Bernarda Cutiño, canmúsica en vivo y el tante popular vallenata de espíritu libre, ambiente festivo. marcará el despertar del amor y también de su locura” [La Libélula Dorada]. Los animistas sorprenden con esta puesta en escena de El gallo de oro, famoso cuento del mexicano Juan Rulfo, que convoca a artistas de diversas

LA PEOR SEÑORA DEL MUNDO

Esta obra de títeres de La Libélula Dorada, basada La Libélula Dorada en un cuento Colombia de Francisco Hinojosa, trata C é s a r S a n t i a g o Á l v a r e z e I v á n D a r í o Á l v a r e z [Directores] de una señora malvada y La peor señora del mundo grotesca que es el título de la última puesta en escena les hacía cosas de la Libélula Dorada. Su título no es exageración pues la obra trata de malas a los una las maneras ingeniosas en las que las hombres, los pobres gentes de un pueblo imaginario niños, las flores sortean el maltrato al que los ha sometido una sola y los animales persona "que ejerce su brutal poder de forma grotesca y desfachatada". Hasta que un día la peor señora del de un pueblo mundo terminó haciendo cosas muy buenas. imaginario pero La obra está basada en un cuento de uno de los imaginativo. autores más prestigiosos de la literatura infantil latinoa-

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FOTOGRAFÍA:

La Fundación de Títeres y Teatro “La Libélula Dorada” nace en 1976 y cumple 40 años con un sólido repertorio que se distingue por su particular ética de la imaginación y su celebración de la libertad creadora. Capitaneada por César Santiago Álvarez e Iván Darío Álvarez, es un icono cultural de la ciudad.

PICASA

mericana, el escritor mexicano Francisco Hinojosa .

áreas para darle vida a un universo configurado con la magia de los títeres, las marionetas y la actuación.


LOS ESPÍRITUS LÚDICOS

La Libélula Dorada

Colombia

César Santiago Álvarez e I v á n D a r í o Á l v a r e z [Directores]

30 años cumple esta obra emble-

mática de La Libélula Dorada , creciendo y riendo dentro de su repertorio, sin perder nada de su vigor o alegría . En ella siguen viviendo Tito y Tato, esos endiablados niños eternos, que han sumergido durante tres décadas al público de la obra en el mundo fantástico que conduce al país en donde habitan Los Espíritus Lúdicos : ese “universo donde

la sorpresa y la aventura transgreden las punzantes fronteras de la fría realidad […]. Los Espíritus Lúdicos son seres clandestinos y traviesos que se ocultan tras los biombos con la fina intención de hipnotizar y perfumar con el aroma del juego dramático el corazón blindado de los adultos prejuiciados, que contemplan como una ridícula pérdida de tiempo el ocioso aleteo de los niños” [La Libélula Dorada]. La obra es, según las palabras de la compañía, “un homenaje al niño, al juego y al titiritero: al juego, por ser el sagrado territorio del gozo y el libre fluir de los sentidos. Al niño, por ser el habitante privilegiado de tan singular mundo, en una tierra cada vez más ago-

biada por los delirios de la producción en masa. Por su contenido y por su forma, la obra es al mismo tiempo una trampa y una ilusión óptica , a la manera de una telaraña concéntrica en la que se ve envuelto el espectador” [La Libélula Dorada]. La Fundación de Títeres y Teatro “La Libélula Dorada” nace en 1976 y cumple 40 años con un sólido repertorio que se distingue por su particular ética de la imaginación y su celebración de la libertad creadora. Capitaneada por César Santiago Álvarez e Iván Darío Álvarez, es un icono cultural de la ciudad.

30 años cumple esta obra emblemática de La Libélula Dorada, riendo dentro de su repertorio sin perder nada de su vigor o alegría. En ella viven Tito y Tato, esos endiablados niños eternos que conducen al país en donde viven los Espíritus Lúdicos.

EL DULCE ENCANTO DE LA ISLA ACRACIA La Libélula Dorada

Colombia

C é s a r Á l v a r e z e I v á n D a r í o Á l v a r e z [Directores]

El dulce encanto

de la Isla Acracia se asoma sutilmente al mundo de la utopía . “Con ella [la utopía] pre-

tendemos viajar en compañía de los niños y los adultos al maravilloso universo de los piratas, donde la aventura y la ilusión nos arrastran a la búsqueda de un tesoro milenario que guarda como secreto una patria imaginaria, situada más allá de las fronteras y los mapas. La Isla

Acracia es la nostalgia de un paraíso que aún está por inventar, y los filibusteros la encarnación rebelde de quienes aman la libertad ” [Teatro Libélula Dorada]. Tres alegres piratas, El Capitán Dreyfus, Shaflan y Malastesta , nos contarán una encantadora

La fundación de títeres y teatro La Libélula Dorada celebra "40 años de vuelo por la imaginación": “La Isla Acracia es la nostalgia de un paraíso que aún está por inventar, y los filibusteros la encarnación rebelde de quienes aman la libertad”. [Teatro Libélula Dorada]

historia; y el teatrino, con solo girar a estribor, se convertirá en un barco pirata, a bordo del cual vivirán asombrosas historias en medio del mar. Sirenas, monstruos marinos y otros maravillosos personajes que habitan la Isla Acracia deleitarán a los niños, y el alma de niño que habita en los grandes, con esta obra de teatro y títeres.

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“Mínimo,

un payaso de circo recuerda con nostálgica alegría los mejores momentos vividos en el circo. Con la ayuda de su

EL CIRKO DEL AGUANTE A-Garrapatta Títeres

Colombia

nieto, anima con títeres sus números favoritos E d g a r C á r d e n a s [Director] para el público, los cuales saca de la valija de sus recuerdos. Será un viaje por

las diferentes emociones y sentimientos que produce el circo y un payaso que quiere encontrarse nuevamente con su público, así sea a través de los recuerdos. Al final su nieto recibirá felizmente el legado de su abuelo” [A-Garrapata Títeres]. Otros personajes (títeres) de este circo fantástico, en el que nada es lo que parece y los seres tienen proporciones extrañas (cabezas de hombre y cuerpos de títeres), o brazos muy largos, son los

hermanos Volantín, una pareja de gemelos que desafían las leyes de la gravedad; el hombre bala, que sale disparado por un cañón arriesgando su vida por el espectáculo; y Leopoldo y su domador con botas.

Los títeres de este cirko fantástico tienen proporciones extrañas (cabezas muy grandes y cuerpos pequeños), o brazos muy largos, pero todos salen de la valija nostálgica de Mínimo, el payaso.

LA CATRINA DESCOLORIDA Un ojo al Gato y otro al Garabato

Colombia

M i l e n a F o r e r o [Directora]

La catrina descolorida,

La catrina descolorida

una obra para marionetas y actores, cuenta cómo el niño José Guadalupe Posada enfrenta a la Huesuda, que pretende llevarse a su mamá a su reino sombrío para que le confeccione coloridos vestidos.

es una obra de marionetas y actores sobre José Guadalupe Posada ,

“un valiente niño que se enfrenta en tres terribles juegos con la Huesuda, mejor conocida como la Muerte. Todo sucede porque la traviesa Huesuda no tiene colores y ha decidido llevarse a Josefa, la mamá de José, a su sombrío reino, para que ella le confeccione coloridos vestidos. Lo que no saben ni José ni la muerte es que

en estos juegos de trampas y astucia encontrarán un nuevo nombre, muchos colores y una profunda amistad” [Presentación de la compañía]

A propósito del aniversario de los 100 años de fallecido del grabador mexicano José Guadalupe Posada , la compañía Un ojo al

Gato y otro al Garabato “comenzó una serie de investigaciones sobre este ilustrador, caricaturista y grabador, creador de la Catrina; José Guadalupe ilustró la cotidianidad desde su propia percepción, a través de sus calaveras vestidas de gala o de campesinos, y representó a una sociedad en la que no existían divisiones de clases, así como él mismo lo expresaba: “La muerte es democrática, ya que a fin de cuentas, güera, morena, rica o pobre, toda la gente acaba siendo calavera”. La Catrina es una figura que representa a la muerte no como un fin, sino como el paso a un mundo onírico, donde todos iremos a parar. Diversas culturas han generado creencias en torno a la muerte y México es un país que tiene a la muerte como un allegado más; han desarrollado una serie de ritos y tradiciones para honrarla, espantarla o venerarla; Para el grupo es interesante poder indagar sobre esta festividad mexicana que la Unesco ha declarado como Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad. El propósito de la creación del espectáculo La catrina descolorida es pincelar para los niños a la muerte desde una perspectiva colorida y juguetona” [Presentación de la compañía].

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[Un ojo al Gato y otro al Garabato]


MONERÍAS

Una obra en la “Atrás de las montañas, el Proyecto Primate que los títeres, sol anuncia un nuevo día invitando a Colombia los animales de la selva a desel clown y el todos Así se da inicio a esta histo- C a r l o s Ve l á s q u e z [Director] lenguaje no pertarse. ria sin palabras, en las que la música y verbal se unen el sonido de los propios títeres son las para contar voces de los personajes, y en el que a de sus acciones, de sus encuentros una historia través y desencuentros, el espectador es invitado a terminar de construir el de la selva hilo narrativo. Cuadros recreados en un ambiente de naturaleza: dos protagonizada monitos subidos en sus palmas, el cerdito y la niña, el sol y la nube, por dos entre otros, son los personajes encargados de mostrarnos un día de sus y de cómo sus acciones, por mínimas que sean, afectan a los que monitos, un vidas nos rodean” [Proyecto Primate]. cerdito, una Monerías es un espectáculo construido con distintas técnicas niña, el sol y de manejo de títeres, “en el que la textura de los objetos, los cambios una nube. de imagen y la animación son los reales protagonistas de la obra”. El [Proyecto Primate]

público infantil será sorprendido por esta divertida propuesta en la que los distintos personajes desarrollan sus acciones como parte de un rompecabezas que los niños deben completar.

1,2,3, ¡AFUERA!

Proyecto Primate es “un colectivo no-formal conformado por titiriteros, actores, cantantes y payasos procedentes de diferentes grupos, con una gran trayectoria personal, unidos para crear

Hilos Mágicos

Colombia

historias en la que las animación y el lenguaje no verbal son lo importante. La experimentación con la animación de títeres construidos con técnicas sencillas, sobre una dramaturgia propia del lenguaje audiovisual, y el diálogo entre el títere y el clown, son los elementos que

C i r o G ó m e z [Director]

“El parloteo de los habitantes del

identifican a este grupo” [Proyecto Primate].

teatrino, no deja dormir tranquilo al títere Diablo, que se despierta y empieza

a hacer “diabluras”. Los demás personajes reaccionan de maneras diferentes: con temores o con burlas hacia este pobre diablo, que finalmente acepta terminar con esta incómoda situación, enfrentándose en un “match” de boxeo con Lorenzo “el hombre más fuerte y valiente después del almuerzo”. Como culminación de la pelea, el Diablo queda aparentemente derrotado; pero no hay que creer que se le puede echar tan fácilmente. Él se acomoda a vivir en muchos lugares, o si no miren a aquellos que se la pasan por ahí, haciendo una que otra “diablura” a nuestro lado” [Hilos Mágicos].

"El parloteo de los habitantes del teatrino no deja dormir tranquilo al títere Diablo, que se despierta y empieza a hacer diabluras”. [Hilos Mágicos]

"En 1974, una marioneta llamada Alegría empujó a un grupo de jóvenes de colegio a experimentar en el universo del teatro de muñecos y objetos. Ese amor a primera vista fue el punto de partida de Hilos Mágicos, la agrupación liderada por el maestro Ciro Gómez, en la cual se ha forjado como constructor de muñecos, titiritero, actor, director, gestor cultural, dramaturgo e investigador. Dueño de una curiosidad desbordada y de un rigor exhaustivo, Ciro Gómez ha dado vida a la mayoría de las obras para títeres y marionetas que conforman el repertorio de Hilos Mágicos, acudiendo a diversas fuentes de inspiración, desde los clásicos de la literatura infantil, hasta los relatos de la tradición oral de los pueblos precolombinos" [Sandra Ruiz, Hilos Mágicos, 40 años].

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CAPERUCITA ROJA

"Lorencita Muchalengua,

la lora periodista de Telefantasía (el canal Hilos Mágicos de noticias de los cuentos infantiles), nos presenta esta conocida fábula como C i r o G ó m e z [Director] si fuera un informe televisivo, transmitiendo en directo los hechos desde El Bosque Encantado, La Casa de la Abuelita y otros escenarios, donde el Lobo se ingenia un ardid para quitarle a Caperucita los deliciosos pasteles que ella le lleva a su abuelita. Pero serán los "tele-espectadores" quienes decidan cómo debe terminar esta truculenta historia , en la que las marionetas nos tienen reservadas situaciones graciosas y sorprendentes" [Teatro Hilos Mágicos].

Colombia

"Lorencita Muchalengua, la lora periodista de Telefantasía, presenta esta conocida fábula como si fuera un informe televisivo, en directo desde El Bosque Encantado". [Hilos Mágicos]

PATATÍN PATATÁN Hilos Mágicos

Colombia

obra de títeres de barra cuenta la historia de Carlucho, Carlangas y Carlitos, quienes viven muchas aventuras por culpa de los embustes de una cabra.

"...Hilos Mágicos es un hermoso nombre para un teatro de marionetas, donde las figuras atadas a los hilos terminan enredando a sus creadores en sus propias hechuras y al final no se sabe si la atada a los hilos es la marioneta o el titiritero que, más que prestarle vida le entrega su vida con gusto, en un acto de amor puro e inefable" [Ciro Gómez].

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Hilos Mágicos estrena su última producción en

C i r o G ó m e z [Director] el XV FITB. Se trata de Patatín Patatán : “el sastre del pueblo pide ayuda a sus tres hijos, Carlucho, Carlangas y Carlitos, para llevar a pastar a su única cabra; por Patatín culpa de ella deben abandonar su casa e ir a buscar sus Patatán, destinos en otros lugares. Al pasar el tiempo, cada uno aprende un oficio diferente y obtiene de sus maestros última producción de regalos sorprendentes que les son arrebatados por el pícaro posadero del pero todos logran retornar a casa de su padre, quien finalmente Hilos Mágicos, camino; echa a la embustera cabra, cuyo inesperado destino todos en el teatro se estrena en podrán develar” [Hilos Mágicos]. “En 1974, una marioneta llamada Alegría empujó a un grupo el XV FITB. Esta

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de jóvenes de colegio a experimentar en el universo del teatro de muñecos y objetos. Ese amor a primera vista fue el punto de partida de Hilos Mágicos, la agrupación liderada por el maestro Ciro Gómez,

en la cual se ha forjado como constructor de muñecos, titiritero, actor, director, gestor cultural, dramaturgo e investigador. Dueño de una curiosidad desbordada y de un rigor exhaustivo, Ciro Gómez ha dado vida a la mayoría de las obras para títeres y marionetas que conforman el repertorio de Hilos Mágicos, acudiendo a diversas fuentes de inspiración, desde los clásicos de la literatura infantil, hasta los relatos de la tradición oral de los pueblos precolombinos” [Sandra Ruiz, Hilos Mágicos, 40 años]. "...Hilos Mágicos es un hermoso nombre para un teatro de marionetas, donde las figuras atadas a los hilos terminan enredando a sus creadores en sus propias hechuras y al final no se sabe si la atada a los hilos es la marioneta o el titiritero que, más que prestarle vida le entrega su vida con gusto, en un acto de amor puro e inefable" [Ciro Gómez].


Este es el comienzo

de La abuelita Chifloreta y los tres cerditos:

“Había una vez tres caperucitas rojas, a quienes su mamita les dijo que tenían que ir a visitar a su abuelito el Lobo Feroz”. La abuelita debe empezar varias

Dos actores y cinco títeres divierten a todos con un collage de aventuras en el que se entremezclan los personajes y anécdotas de muchas historias, inspirado en la ensalada de cuentos de

Gianni Rodari.

veces a relatar la historia y poco a poco va armando una emocionante trama que divierte a los niños que intentan corregirla y ayudar a los personajes que están en problemas. Dos actores y cinco títeres divierten a toda la familia con un collage de aventuras en el que se entremezclan los

LA ABUELA CHIFLORETA Y LOS TRES CERDITOS

CUENTOS DE CONJUROS EN RIMAS Y APUROS

El Baúl de la Fantasía

Colombia

Colectivo Errantes Teatro

Magdalena Rodríguez y S e r g i o M u r i l l o [Directores]

Colombia

J a v i e r P i r a c ú n B e n a v i d e s [Director]

personajes y las anécdotas de muchas historias para crear una divertida obra, inspirada en la ensalada de cuentos, un ejercicio propuesto por Gianni Rodari, quien invita a mezclar personajes de distintos cuentos con el fin de expandir el horizonte de la fantasía. Un cuento no termina de ser contado al decir: “y vivieron felices para siempre”. El juego impulsa la imaginación y “una abuela olvidadiza comienza a mezclar distintos cuentos clásicos, convirtiendo la historia en una cadena de errores […] Tres cerditos, una abuela chiflada, un feo patito,

“Errantes Teatro

vuelve a la escena bogotana, esta vez con una puesta en escena dinámica y lúdica alrededor de los cuentos en verso que todos sabemos de memoria” [Errantes Teatro]. Dirigida por Javier Piracún, el colectivo invita a toda la familia a disfrutar de este divertido y entretenido montaje protagonizado por Laura Rodríguez, Óscar Suárez, Javier Benavides y Liliana Barreto. La obra es una adaptación del cuento de Roald Dahl, Revolthing Rhymes, en la que “Duende, uno de sus personajes, quiere crear nuevas versiones de los cuentos que todos conocemos. Para lograrlo, la magia y los conjuros serán sus mejores aliados: de la versión rosada dulce y azucarada, prefiere hacer una que otra extraña jugada” [Errantes Teatro].

un despistado leñador y un hambriento lobo nos harán pasar un momento fuera de lo cotidiano” [Baúl de la fantasía]. Magdalena Rodríguez y Sergio Murillo conforman El Baúl de la Fantasía: “compañía itinerante de teatro de títeres, creada en el 2005, dedicada a la creación, investigación, promoción y circulación de este arte. Se distingue por su excelente producción de obras, conjugando la estética, la dramaturgia, la música y los valores, con el objetivo de cambiar la percepción de mundo y aportar al desarrollo cultural del público. Ha participado en los Festivales de Teatro más importantes de Colombia y ha representado al país en Argentina, México, Perú, Brasil, República Dominicana y Turquía” [El Baúl de la Fantasía].

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"Para disfrutar en familia llega esta puesta en escena dinámica y lúdica alrededor de los cuentos en verso que todos sabemos de memoria". [Errantes Teatro]


Open, PICNIC IMPRO

Improvisaci贸n Open

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Solo Beto Solo


“Imagínese que su historia de amor, el día pesado que tuvo en la oficina, la última tragedia sufrida en el transporte público, y cientos de aventu-

ras y proezas que ha oído, soñado, vivido o escuchado tomaran vida en un escenario de teatro con un actor de verdad , acompañado de un par de músicos, y a su pedido. Beto, solo Beto estará ahí para

OPEN

"Esta obra es un espectáculo PICNIC IMPRO teatral creado Colombia por la Compañía C r e a c i ó n c o l e c t i v a [Dirección] Picnic, un grupo interdisciplinario de actores que “Picnic es un grupo creado le apuestan para investigar y crear en torno a la teatral desde un enfoque al lenguaje improvisación transdisciplinar. Un proyecto de un par escénico de la de antiguos integrantes y un miembro funimprovisación con dador de La Gata Impro y La Gata Cirko, aportes del circo, compañías hermanas de circo contempoe improvisación teatral que desde el el cine, el clown ráneo año 1996 transforman las artes escénicas en Colombia. y la resolución En el 2011 organizaron el Primer Encuentro Interde conflictos". nacional de Impro en Colombia, que se repite cada año

Beto Urrea

Colombia B e t o U r r e a [Director]

interpretarlas en clave de terror, comedia, tragedia o drama ; para representarlas en cámara lenta o en formato

Este show de improvisación de Beto Urrea es teatro a la carta que ofrece la ocasión de hacerle catarsis al drama de la vida cotidiana y la magia de convertir en comedia esa palabra ridícula que usted dijo un día y que todavía lo atormenta.

[Picnic Impro] gracias a su capacidad organizativa y poder de convocatoria. Picnic se nutre con los aportes de sus integrantes provenientes de diferentes áreas como: circo, cine, clown y resolución de conflictos”. [Picnic Impro]

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SOLO BETO SOLO

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de cine; para protagonizarlas por un zombie o en forma de musical. Todo esto puede ocurrir en Solo Beto solo,

un espectáculo de improvisación donde usted tendrá la última palabra” [Presentación Teatronacional.co]. En otras palabras, en este show efímero de improvisación, clown y teatro físico, que siempre será diferente, único e irrepetible, el público se convertirá en dramaturgo y director de la obra que va a ver, y lo hará dándole pistas en forma de palabras o efectos especiales a uno de los mejo-

res improvisadores del país, Beto Urrea, quien, acompañado por una banda de músicos de rock, interpretará en el escenario las historias que por asociación libre los espectadores le ofrezcan. Solo Beto solo es teatro a la carta , que ofrece la ocasión de hacerle catarsis al drama de la vida cotidiana y la magia de convertir en comedia esa palabra ridícula que usted dijo un día y que todavía lo atormenta.


Narración oral Cuentos eróticos del Pacífico colombiano Cuentos Australianos Pecaditos de antaño El perro y la laguna Collage-Trágica comedia de amor La mujer hermosa y los tres enamorados Cuentos parabólicos cítricos El apóstol # 13 A la altura del corazón El cambalachero y su amante El vestido rojo

El perro y la laguna Fredy Ayala

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CUENTOS ERÓTICOS DEL PACÍFICO COLOMBIANO

“La voz de AmaliaLú, del Chocó, junto al océano Pacífico, nos dice que en Amalia Lú Posso Figueroa este lugar las Colombia mujeres no solo “La nana AmaliaLú tiene un tienen el ritmo vestido color rojo que se pone solo para en el ‘susuné’, contar sus Cuentos eróticos del Pací- en el clítoris, en fico colombiano publicados en su libro el ‘condé’... Las Vean vé, mis nanas negras [...] Y todo mujeres tienen aquél que se para a escucharla queda prendado de su voz, de la armonía en sus movimientos en el contar [...]. Se el ritmo en todo fue corriendo la voz, y todos hablaban de que allá, en el su cuerpo” Chocó, en Quibdó, había una mujer, una nana, vean vé, que si la escuchas te da un pellizco en el corazón y el alma se te encabrita . Y la boca comienza a dibujar una sonrisa, y es entonces cuando uno comienza a moverse al son de sus palabras y de pronto, ya sin saber, te inunda

CUENTOS AUSTRALIANOS Alejandro Campos

Cuentos australianos,

de Alejandro Campos, es una selección de historias tomadas de la rica tradición oral de Australia , con mitos que hablan del origen de la Luna, de los ríos, de las abejas y la miel, que enseñan a no darles crédito a las supersticiones, a no menospreciar a quienes tienes defectos físicos y a reconocer el mérito en las acciones propias y ajenas [Alejandro Campos].

[Clara Alonso]

DIEGO AMARAL

el color, el calor, olor a palo de limón y a pan recién horneado. AmaliaLú, la nana AmaliaLú, que tiene el ritmo en la luz que desprende, se deja llevar por las aguas del río Atrato, y de allí, de lo pro-

Alejandro Campos tiene veintitrés años de trayectoria como narrador oral. Autor de la novela Aquí a veces llueve todo el tiempo. Ha participado en múltiples festivales de narración oral dentro y fuera del país. Ganador de la beca Bogotá de Cuento 2009 con su trabajo Crónicas de los héroes olvidados. Docente de teatro en la Universidad Santo Tomás de Aquino.

FOTOGRAFÍA:

fundo, rescata palabras, suyas de ella, que te mecen y te abren los poros, te cobijan, te sorprenden... De la estrepidacia del aguacero provoca la explosión del lenguaje, de la palabra negra, de la voz. La literatura y la voz de AmaliaLú, en la selva del Chocó, junto al océano Pacífico, en el Caribe, nos dice que en este lugar del mundo las mujeres no solo tienen el ritmo en el susuné, en el clítoris, en el condé... Las mujeres tienen el ritmo en todo su cuerpo, en el pensar, en el mirar, en el sentir” [Clara Alonso, revistapueblos.org].

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Colombia

Una selección de historias tomadas de la rica tradición oral de Australia.


PECADITOS DE ANTAÑO

EL PERRO Y LA LAGUNA

Nelly Pardo

Colombia

Fredy Ayala

Colombia

Pecaditos de antaño, de Nelly Pardo, es una

La Bogotá de los años 30 revive en esta propuesta de naración oral picaresca.

propuesta narrativa que busca presentar en el escenario aspectos de la Bogotá de los años 30; época caracterizada por la llegada de la modernidad. Los cuentos se suceden alrededor del Burdel de la Baronesa, personaje que cohesiona el relato. La propuesta oral se construye teniendo como estructura narrativa la picaresca , género caracterizado por el humor y la sátira en el que el protagonista es un antihéroe, que peca y sufre desengaños y está determinado por su condición inmoral [Teatro Hilos Mágicos].

es un cuento sobre la memoria desde la experiencia personal del narrador, cuya imaginería se desborda en el análisis del reconocimiento del otro. Desde una perspectiva escénica, el autor registra algunos hechos vivenciales de la historia de un barrio, su formación y degradación. Propuesta escénica cuyo eje principal es la palabra como motor de sentido y comunicación [Fredy Ayala].

Nelly Pardo Sabogal se inicia como narradora oral en 1988. Desde entonces ha recreado la historia de Bogotá en sus relatos, y la mujer ha sido la protagonista de muchos de sus cuentos. Recibió una Beca de Creación por su proyecto De rolos, Ala, fantasías y realidades bogotanas, donde hace referencia a la cosmogonía de los Muiscas y al proceso de Conquista y Colonización por parte de los españoles en la sabana.

Fredy Alexander Ayala es narrador oral, escritor y docente. Autor del libro Lo sentimos, los lunes no hay función. Ganador de una Beca de circulación nacional e internacional de la Secretaría de Cultura de Bogotá en 2015 y de un Premio de Crítica en Narración Oral en 2014. Ha participado en varios festivales, como el Festival Iberoamericano de Teatro 2014, el Festival Internacional de la Cultura en Boyacá 2015 y el Festival Llanero en Villavicencio 2015.

El perro y la laguna

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Un cuento sobre la memoria de un barrio, desde su creación hasta su decadencia.


COLLAGE – TRÁGICA COMEDIA DE AMOR

Oswaldo Cárdenas Gómez Un espectáculo Colombia de narración Ganadora del Premio de oral que al Narración Oral del Ministerio de Culritmo de la tura 2015, Collage-Trágica comeclave cuenta la dia de amor “cuenta la historia de un historia de un hombre que se volvió adicto al amor. una apuesta por resignificar la manera como se hombre que se Es cuentan historias, en la que el narrador oral Oswaldo volvió adicto Cárdenas transporta al público hacia una experienal amor. cia sensitiva en donde su voz se mezcla con videos,

LA MUJER HERMOSA Y LOS TRES ENAMORADOS Jonathan Gato

Colombia

La mujer hermosa

y los tres enamorados es un espectáculo de narración oral en el que se hablará mucho de amor: “sobre todos los amores

y el más importante: el verdadero amor. Una mujer debe escoger entre tres hombres que ofrecen amores diferentes: uno es sabio, el otro adinerado y el otro es un hombre que promete dar lo único que tiene, refiriéndose a su cuerpo desnudo. La mujer muere y los tres hombres realizan cosas diferentes, lo cual soluciona el enigma de cuál de ellos la amaba con verdadero amor de amante” [Jonathan Gato].

sonidos, música y una colcha de retazos hecha a partir de frases de la historia que, en conjunto, evocan pla-

nos cinematográficos” [Oswaldo Cárdenas].

Oswaldo Cárdenas Gómez “es un cuentero con diez años de experiencia, cuya fuente se encuentra en la oralidad propia de una ciudad pequeña y una familia reunida frente a un único televisor. Sus historias provienen de lo cotidiano y hablan de camioneros y habitantes de esquina que se convierten en superhéroes y siempre se cuentan al ritmo de la clave. Inició su formación artística en el Colectivo de Narración Oral “El Taller”, bajo la dirección de Cristian Rueda, e hizo parte del Taller de Investigación Narrativa que dirige Henry Morales” [O.C.].

Un espectáculo de narración oral de Jonathan Gato en el que se hablará mucho de amor: una mujer hermosa deberá escoger entre tres clases de amor.

Jonathan Gato es narrador oral experimental desde 2004, con reconocimiento a nivel internacional. Presenta una propuesta única en el país, que mezcla narración oral y malabares, con la cual se ha presentado en gran parte del territorio nacional y en cualquier escenario (desde teatros, plazas y calles, hasta salas de hospital).

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Colombia

“Cuentos urbanos, demasiado urbanos, para seres ídem. No tienen nin-

guna pretensión estética ni terminan en moraleja; pero, eso sí, te dejan marcado de por vida. Cuentos del ciudadano común y corriente, de su almuerzo ejecutivo y su bus ejecutivo, de su secretaria platónica, de sus pesadillas y sus pequeños triunfos, de sus delirios y mis puntos de vista de qué hay que hacer para no morir de tedio en la ciudad del cielo más gris del planeta. Cuentos que van directo a la víscera y que no tienen la menor intención de agradar; pero, ya que cada espectador necesita que le estimulen su lado mórbido, son tolerables y, hasta ahora, no han sido demandados. Son cuentos que retan el intelecto y la susceptibilidad del espectador ” [Gonzalo Valderrama]. ¡Buenas! Yo me llamo Gonzalo Valderrama Múnera. Mis amigos me llaman Gonzo® Mis enemigos no me llaman. Nací el 25 de agosto de 1969 en Bogotá. Vivo actualmente en la ciudad de Bogotá. Mi cédula de ciudadanía se numera 79485329 de Bogotá. Mi libreta militar es la número 79485329 Dist. Militar 51. Si me quieren llamar, háganlo. Si quiere saber la hora, marque al 117.

EL APÓSTOL NÚMERO 13 Mauricio Grande

Colombia El Apóstol Número 13:

“Se suponía que eran 12, pero como se trata aquí de seducir la máscara del misterio que nos seduce, presiente el juglar este universo bautizándolo El Apóstol Número 13, y lo trae a la existencia después de su riguroso diálogo creativo con El Misterio Bufo del maestro Darío Fo. Esta es pues, queridos amigos, la agridulce palabra contada y cantada por un juglar amoroso que camina

"Esta es la agridulce palabra contada y cantada por un juglar amoroso". [Mauricio Grande]

hacia nosotros sacando la larga lengua rosada repleta de sal y espinas para recordarnos que la poesía está tirada entre la vida y la muerte, que se odian y se aman al mismo tiempo”. [Mauricio Grande]

PICASA

[Gonzalo Valderrama]

Gonzalo Valderrama

FOTOGRAFÍA:

Espectáculo de narración oral que reúne “Cuentos del ciudadano común y corriente, de su almuerzo ejecutivo y su bus ejecutivo, de su secretaria platónica, de sus pesadillas y sus pequeños triunfos, de sus delirios y mis puntos de vista”

CUENTOS PARABÓLICOS CÍTRICOS

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Mauricio Grande “es actor, inquieto, saludador, desordenado, viajero, enamorado, mandadero, sinvergüenza, docente, conversador, pariente de la risa y del divertimento, pícaro, juglar, ladino, anecdotario ambulante, íntimo soñador del teatro, amigo del golpe sensible de un buen final, y sobre todo: un contador de historias” [M.G.].

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A LA ALTURA DEL CORAZÓN

Hanna Cuenca

Colombia

“Los Tubú ‘marimasá

del Vaupés dicen que la mujer debe estar a la altura del corazón del hombre y el hombre a la altura de los sueños de la mujer... En este espectáculo indagamos por los corazones y sueños de mujeres y hombres que aparecen en las historias del Nobel Gabriel García Márquez. Haremos un viaje por cuentos, tona-

das y lugares que se inmortalizaron con las historias del Nobel Gabriel García Márquez. La Narradora Hanna Cuenca acompañada de los músicos y cantaoras del grupo La Rueda , recupera la atmósfera caribe de las historias transitando por el corazón de Remedios la bella, el sueño de Totó y Joel, las añoranzas del pueblo de Esteban, y el ahogado más hermoso del mundo; y terminan en el Río Magdalena a la altura del corazón y los sueños de Fermina Daza y Florentino Ariza de El amor en los tiempos del cólera” [Hanna Cuenca].

En este espectáculo de narración oral y música en vivo indagamos por los corazones y sueños de las mujeres y hombres que aparecen en las historias del Nobel Gabriel García Márquez.

Con juegos de palabras y trabajo coreográfico, los actores proponen una narrativa distinta, que integra varios “El cambalachero lenguajes y su amante tiene lugar en 1952, cuando Bogotá ini- escénicos: ciaba su expansión hacia la gran urbe que narración oral, hoy es. Su tema es el cortejo y la absurda actuación, situación de los amantes en una sociedad danza, clown, prejuiciosa. Con juegos de palabras y trabajo coreográfico, los actores proponen música una narrativa distinta, que integra varios y fotografía.

EL CAMBALACHERO Y SU AMANTE Grupo Luna Nueva

Colombia

[Hanna Cuenca]

lenguajes escénicos, como la narración oral, la actuación, la danza, el clown, la música y la fotografía” [Luna Nueva].

La narradora oral, Hanna Cuenca, con veinte años de experiencia, ha representado a Colombia en España, Costa Rica, Chile, Perú, Venezuela, Argentina, Uruguay y Cuba. Storyteller Coach empresarial y gestora cultural de la Corporación Gaia Lúdica y Cultura, fue Gerente de Arte Dramático de Bogotá y Coordinadora del área de Teatro y Circo del Ministerio de Cultura.

Lina Orozco y Juan Carlos Grisales conforman el Grupo Luna Nueva: una iniciativa de investigación escénica basada en la narración oral como base de sus procesos creativos, pero vinculando otros lenguajes y formas expresivas. En 2014 ganaron un Estímulo a Grupos de Trayectoria Teatral y en 2015 obtuvo la Beca de Creación, ambos del Ministerio de Cultura, por El cambalachero y su amante.

La Rueda es un colectivo de investigación e interpretación de las músicas tradicionales que crea un recorrido por paisajes sonoros entre ritmos y melodías de gaitas, voces, tambores, marimbas y bailes cantados. Con 10 años de experiencia han participado en los festivales más relevantes de este género.

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El vestido rojo. Cuentos mala-

EL VESTIDO ROJO Jonathan Gato

Colombia

bareados “es una serie de cuentos basados en la Narración Oral Experimental propuesta por George Perla ,

quien la define como aquella modalidad de la narración donde se investiga sobre la vinculación de otras manifestaciones artísticas (escénicas) para el enriquecimiento y fortalecimiento de la comunicación con el público. La propuesta escénica se fundamenta en la fusión de la narra-

Pantomimas, clown, malabarismos y manipulación de objetos se fusionan en este espectáculo de narración oral.

ción oral con las técnicas circenses: pantomima, clown, malabarismo y manipulación de objetos”

[Jonathan Gato].

Jonathan Gato es narrador oral experimental desde 2004, con reconocimiento a nivel internacional. Presenta una propuesta única en el país, que mezcla narración oral y malabares, con la cual se ha presentado en gran parte del territorio nacional y en cualquier escenario (desde teatros, plazas y calles, hasta salas de hospital).

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Teatro de calle [Entrada libre a todos los espectáculos]

Burbujas Dramafest:

Las 20 localidades

de Bogotá son los escenarios donde se presentan 5 grupos internacionales y 23 grupos nacionales de calle. La fiesta del teatro callejero empieza el 6 de marzo, en el evento de inauguración del Festival, con Afrodita y el juicio de Paris, la obra de uno de los grupos más importantes de teatro al aire libre del mundo: La Fura dels Baus, en el Parque Simón Bolívar.

Localidades: Antonio

Nariño, Usme, Tunjuelito, Los Mártires, Suba, La Candelaria, Puente Aranda, Santa Fe, Fontibón, Bosa, Chapinero, Teusaquillo, Barrios Unidos, Kennedy, Sumapaz, San Cristóbal, Engativá, Usaquén, Rafael Uribe Uribe, Ciudad Bolívar.

Muestrario callejero de dramas contemporáneos Teatro de Babel

México David Gaitán, Ana Francis Mor, José Luis Aguilera y José Luis Saldaña [Directores] La idea innovadora de este formato es sacar el teatro de sala a la calle y llevarlo hasta el público en el pequeño escenario que generan dentro de sus esferas transparentes. El resultado es una efímera burbuja teatral que parece flotar en el espacio público y que hace explotar las posibilidades del teatro callejero y del teatro de sala a la vez.

Las linternas de los Guerreros Terracota

Zaikocirco

China Arts and Entertainment Group República Popular de China Quin Wenhuan [Director]

Originalmente diseñada para los juegos Olímpicos de Beijing 2008, la exposición se inspira en el Ejército Terracota, descubierto en la tumba del emperador chino Qin Shi Huang, en 1974. Xia Nan, el artista detrás de esta exposición, optó por humanizar el ejército chino, transformándolos en las linternas tradicionales chinas. [En el marco de la programación Hola Asia y la celebración del Año del Intercambio Cultural China–América Latina y el Caribe 2016 convocada por el presidente chino Xi Jinpin].

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Lost in Complete Complete Dance Crew Suecia Complete Dance Crew [Directores]

“Lost in Complete es un espectáculo de danza en el que […] en lugar de sujetos, hay un programa de música que controla a los bailarines y les asigna tareas para completar” [locoworld. com]. Es un espectáculo poético, enérgico y humorístico, que ha alcanzado los elogios de la crítica por su nivel de innovación. Lo conforman siete jóvenes con diferentes conocimientos en danza contemporánea y urbanas como el breakdance y el hip– hop.

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Sobre el lomo de la tortuga Teatro Tascabile di Bergamo Italia Miguel Daza [Director]

“Tiene su origen en el deseo de investigar acerca de la forma y el cambio constante en el mito [...]. Se trata de un diario de viaje escrito por apariciones, sonidos, dramas y maravillas. Es la crónica de un recorrido que inicia en lo maravilloso (del Oriente exótico al Occidente y del Occidente al Oriente) y termina con el reconocimiento de una hermandad profesional descubierta por el respeto de la diferencia del otro” [Teatro Tascabile di Bergamo].

Luna Morena

México Miguel Ángel Gutiérrez [Director artístico]

Ernesto Cano Martínez [Director musical]

Es un circo musical y contemporáneo o una especie de cabaret callejero, de alto nivel, lleno de la energía de la música balcánica, el jazz y la polka. Clowns, zanqueros, títeres humanos, titiriteros y una gran banda de músicos se unen en este circo demencial. "El Zaikocirco, cuyo nombre es una deformación de la palabra psycho, representa imágenes de un circo fantástico, callejero; una especie de fenómenos visuales que bailan al son de sonidos ancestrales en busca del infinito perdido" [Zaikocirco].


Aainjaa dice hola Aainjaa

Homero Cortés [Director] Un gran número de artistas hacen parte de esta comparsa de percusión y danza, en la que la cumbia colombiana y la samba–reggae afrobrasileña arman una fiesta de fuerza y vitalidad, dando como resultado un espectáculo innovador, atrevido, lleno de carácter, espontaneidad y magia.

Andamio con vista adentro

Angelus Nemcatacoa Teatro Nicolás Cifuentes

Con su lado colombiano

Miguel Daza [Director] "Esta comedia busca hacer caer en cuenta que el día a día de todos es una acrobática lucha por sobrevivir, en un espacio en medio de la nada y el todo, en donde no se está ni adentro ni afuera" [Con su lado

Obra de teatro físico en formato de calle inspirada en Angelitos empantanados, de Andrés Caicedo. Nemcatacoa ha creado 16 montajes teatrales, entre ellos, comparsas, obras de calle, intervenciones y apariciones escénicas.

colombiano].

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Batucada Teatral Asociación Cultural Tropa Teatro José Alonso Mejía Román

Fusiona de manera armónica y colorida imagen teatral, música, actuación, objetos móviles y marionetas, para intervenir el espacio público con cuadros músico–teatrales narrados con un tinte de clown, fantasía y humor negro.

Bogotá Payasa: una ciudad de niñas y niños La Pepa del Mamoncillo Teatro y Títeres

Héctor Loboguerrero Góngora [Director] Una comparsa de 40 payasos convierte las calles de la ciudad en una fiesta interactiva en la que el público participa dándoles vida a los títeres, móviles y juegos que desfilan durante su recorrido.


Canovaccio Teatro Experimental Fontibón

Edipo Rey en la calle Ensamblaje–Teatro

Alex Ticona [Director]

Misael Torres [Director]

Los Zannies, quienes deciden ubicar el próximo lugar de representación para ejecutar sus canovaccios o cuadros, al mejor estilo de la Comedia del Arte italiana, con sus enredos y desenredos y entremeses.

Ensamblaje–Teatro toma la tragedia de Sófocles y la devuelve al ámbito de la leyenda popular que se narra al aire libre, inspirados en la versión para cine de Pier Paolo Passolini y en la ópera que dirigió Julie Taimor en Tokio en 1992

En el corazón del área

El bicho de la luz Corporación Cultural Tercer Acto

Teatro R101

Luis Daniel Castro

Hernando Parra [Director] “Nadie podrá negar que el corazón del área es la zona del campo de juego más inquietante, erógena y peligrosa de todas las zonas de la cancha de fútbol, un deporte de engaño. ¿Dónde queda? Es el lugar donde los pecadores se arrepienten y los valientes se engrandecen. El corazón del área le toma el pulso a lo que eres” [Teatro

[Director]

Floro el cocuyo está muy triste pues ha perdido su empleo de alumbrar los campos en las noches, situación aprovechada por la Reina Hormiga y sus secuaces Hormigón, para arrebatarle, tras una serie de promesas insulsas, su tesoro más valioso: la luz.

R–101].

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La mesa Hombre Arte Teatro Juan Alberto Galvis [Director]

Pieza cíclica de danza teatro, con 6 actores en escena. Gran mesa surrealista llena de sonidos y movimientos inquietantes rigurosamente dispuesta para degustar el agridulce sabor que solo la sátira es capaz de provocar.

La vida privada de las muñecas de trapo Teatro Tierra

Juan Carlos Moyano Basada en textos de Aquiles Nazoa, hombre y escritor con gran sentido del humor, dotado de una enorme capacidad para expresar la calidez humana. En escena, 14 muñecos hechos a escala humana y más de una veintena de tamaño normal.


Los Nacimientos

Sueños encantados: acrobacia teatral y circense

Grupo DC Arte

Enrique Espitia [Director] Basado en Memorias del fuego de Eduardo Galeano. Un cuervo, un papagayo, un colibrí, una cigüeña, un murciélago y un cóndor esperan por el amanecer del día más frío y largo del año, y se cuestionan sobre el poder, la soberbia, la mentira y la vanidad.

Tchyminigagua

César Grande y Venus Albeiro Silva [Directores]

Tchyminigagua

Solietad Teatro El Paso

César Castaño Giraldo [Director]

Una obra de teatro, máscaras y marionetas, en la que una niña y su abuelo inventan una metáfora para resistir la distancia, decidiendo andar juntos por el camino de la imaginación.

Trilogía Muisca

César Grande y Venus Albeiro Silva [Directores]

Espectáculo emblemático del teatro colombiano con su técnica acrobática y circense, con 3.450 funciones y 25 años de presentaciones. Dramaturgia e imágenes de fiesta y carnaval, y una niña que nos hace soñar con encantamientos fantásticos.

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En esta tragedia de calle en lengua chibcha, con música y danza en zancos convencionales y en zancos en patines, se recrea el ritual ancestral del matrimonio de la princesa de Guatavita y el surgimiento de la leyenda de El Dorado.

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Yonna: ritual Wayúu Corporación Cultural Jayeechi Cristina Pimienta y Enrique Berbeo [Directores]

Yonna se traduce del wayuunaiky como danza. Esta ceremonia se realiza en un espacio circular en donde, acompañados del sonido de la kasha o tambor, los danzantes realizan coreografías basadas en los movimientos de las aves y los insectos.


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Este año Ciudad Teatro ha sido acogida por Mundo Aventura. Shock Producciones

Bienvenidos a esta ciudad

— Mundo Aventura — 18 al 27 de marzo 12:00 m a 6:00 p.m.

mágica en donde las calles, los habitantes y todos sus eventos hablan de teatro. Bienvenidos a la ciudad en donde los frutos de los árboles son vestuarios que cuentan una historia; en la avenida principal ha encallado el barco con el que soñó Tom Sawyer; los payasos son alcaldes; están de moda los zapatos gigantes y los productos más vendidos en el mercado son las narices postizas. El circo más bizarro hace fiesta todos los días en esta ciudad y en la escuela solo te enseñan a ser un artista. Bienvenidos a Ciudad Teatro

Juliana Pastrana, la verdadera historia de la Mujer Barbuda

Escenarium, Gestión y Difusión Artística Mario Benavides y Wendy Rojas

[Directores]

Imaginen un circo freak que viaja por el mundo con

Daniel Diaza

[Director]

En Un cuento soñado se puede llegar hasta el sol

sin salir de casa…y la luna sabe a melón. Abril, una particular niña, nos muestra la maravillosa relación que tiene con su cariñoso padre, su disparatada madre y su irreverente abuela, quienes con la representación de sus sueños le cuentan cómo se imaginaban el mundo cuando ella naciera, rescatando la importancia de compartir y construir sueños en familia. ¿Te atreves a que soñemos juntos?

Momo, La Casa de ninguna parte

La lavandera y el purgatorio

Johan Velandia

Juan Carlos Mazo

L a C o n g r e g a c i ó n Te a t r o [Director]

Un espectáculo musical

payaso, bufo y teatral, inspirado en una de las novelas fantásticas más importantes de la literatura universal: Momo, de Michael Ende. “Momo es la música que aparece cuando disfrutas el tiempo con tus hijos, con tus amigos o con la nueva flor que nació en el jardín”. Ven a vivir esta maravillosa y divertida historia acompañado de tu familia.

Producción XV FITB [Director]

Una mujer que aún no

sabe que murió se encuentra en una extraña cocina repleta de platos y ollas que debe lavar. El tiempo se le pasa lavando mientras canta para evitar su malestar. Pronto se da cuenta que por más que lave y lave platos la pila sigue intacta… está a punto de descubrir que está pasando por una prueba que tiene que superar para poder regresar a la vida. 246

MANUELA PIZARRO

L a M a l d i t a Va n i d a d

DIBUJOS:

Un cuento soñado

una mujer barbuda en una jaula; se estremecerán al verla pero no podrán parar de escucharla. Una voz prodigiosa en el cuerpo equivocado. Una mujer que físicamente parece un mono, pero que tiene el coeficiente intelectual de Mozart o Darwin, y una voz que parece de otro mundo. Julia la artista, la cantante, la bailarina, la mujer más fea del mundo. ¿Te la puedes imaginar?


Teatro de calle Directamente desde Suecia , la compañía Complete Dance Crew,

ILUSTRACIÓN:

JULIANA TORO

siete jóvenes con diferentes conocimientos en danza contemporánea y urbanas como el breakdance y el hip-hop, presentan su enérgica y original puesta de danza contemporánea llamada Lost in Complete. De Colombia, 5 hermosos espectáculos se presentan en las calles de Ciudad Teatro: los tambores llenos de la vitalidad de los ritmos afrocolombianos y brasileños de Ainjala; la extraña historia de amor de Margarita y Floro y su lucha por recuperar la luz en El bicho de la luz; una fiesta en la que la muerte entra sin permiso y hace de las suyas en La pelona se coló en la fiesta; títeres y móviles interactivos serán la sensación en La comparsa payasa ; y la Comparsa Muskurii , ganadores del Festival Estudiantil de Teatro de Bogotá 2015, con una maravillosa puesta en escena compuesta por 40 niños.

Personajes 15 añeros XV FITB 2016

DIBUJOS:

NICOLÁS ESCALANTE

Los Personajes 15 añeros son la imagen del

XV Festival Iberoamericano de Teatro de Bogotá y estarán itinerando por toda la ciudad, invitando a la gente a hacer parte de la fiesta teatral más grande del mundo. 16 personajes con vestidos coloridos, música, canto y baile, inspirados en las fiestas típicas y protocolarias de 15 años, serán los encargados de envolver al público de la ciudad en esta maravillosa fiesta teatral. El teatro está de fiesta, ¡celebremos!

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Talleres Salón Eugenio Barba ¿Quieres saber cómo se forman los verdaderos actores? Toma talleres cortos y totalmente gratuitos con maestros de gran trayectoria en diferentes técnicas artísticas. Todos los días durante todas las tardes de Ciudad Teatro podrás asistir a una clase especial con: Beto Urrea

Improvisación Miguel Ortega

B e a t Vo i c e Jenny Lara

Clown René Arriaga

Danza Afro Contemporánea


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Elkin Robinson Marzo 17

— Programación —

Franja neotrópocio – utópico

Maite Hontelé

El Festival Iberoamericano de Teatro es la gran

fiesta cultural de Bogotá y Carpa Cabaret es la fiesta dentro de la fiesta. El corazón del Festival, el lugar de encuentro de artistas y audiencias para disfrutar de las mejores propuestas venidas de la efervescente escena musical independiente de nuestro país.

Marzo 11

Este año Carpa Cabaret ha sido acogida por Armando Records y Armando All-Stars

Holandesa de nacimiento, colombiana de corazón, mezcla inédita de sensualidad y sabor. Nominada al Grammy Latino 2014 en la categoría mejor álbum salsa, ha colaborado con grandes como Rubén Blades y Buena Vista Social Club. (1)

(1)

La Mambanegra Marzo 12 (4)

Liderada por el mítico Callegüeso, La Mambanegra es una poderosa orquesta de música latina. Su veneno tiene como sustancia la salsa dura y callejera, integrada a elementos del funk y el hip-hop. (2) (2)

El Mulato y su Swing Latino

(5)

Marzo 16 Campeones mundiales en las categorías de Grupo Cabaret y Parejas en diferentes certámenes internacionales, el suyo es un show explosivo que proyecta la salsa caleña al mundo, al tiempo que realiza una gran labor social con jóvenes de las comunas. (3)

(3)

(7)

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Desde la paradisíaca isla de Providencia, Elkin Robinson nos lleva a un viaje por aires afrocaribeños como el calipso, el zouk, el reaggae y el mentó. Cadencia y buena vibra cantada en creole. (4)

Tribu Baharú Marzo 18

Agrupación afro-champetúa inspirada en la música “picotera” (grandes sound systems caribeños), Tribu Baharú ha logrado proyectar su sonido, que bebe de la herencia africana y las calles de Cartagena, a nivel internacional. (5)

Martina La Peligrosa Marzo 19 Nacida en El Carito, Córdoba, por su sangre corre la música de la sabana y el caribe, unida a altas dosis de innovación. Su presencia arrolladora en tarima, han convertido a Martina La Peligrosa en la mayor revelación musical de los últimos años. (6)

Rancho Aparte Marzo 20

Desde las calles de Quibdó, estos jóvenes músicos nos traen la versión más audaz de la chirimía chocoana. Música de alegría y fuerza inusitadas, que los proyecta internacionalmente. Entre sus ritmos: el porro, el aguabajo, y ojo con el “levantapolvos”. (7)


(8)

(10)

— Programación —

La experiencia sónica

(11)

FatsO

(1)

Marzo 17

Una propuesta auténtica y una conformación poco común: contrabajo, vientos, batería y voz. Un sonido crudo y al mismo tiempo sofisticado, que mezcla rock, soul, jazz y blues. (1)

(9)

Superlitio Marzo 23

MNKY BSNSS

Salsa-nGroove

Marzo 18

Propuesta musical nacida en Barranquilla, que nos trae un mezcla explosiva de funk, rock y dance, dentro de un lenguaje electrónico contemporáneo. (2)

Marzo 25

Nacido en Cali en 1996, Superlitio es uno de los grandes nombres en la escena del rock colombiano. La renovación de su música a lo largo de los años los mantiene vigentes. El poder de su sonido es la base de un show contundente. (8)

Salsa-n-Groove demuestra que entre la salsa y lo electrónico puede existir un rumbero y sofisticado equilibrio. Esta banda reúne talento y trayectoria de músicos y productores que han trabajado en proyectos como La 33, Bomba Estereo o Choc Quib Town. (10)

Bazurto All Stars

Herencia de Timbiquí

Marzo 24

Marzo 26

Bazurto All Stars es una máquina de sabrosura que nos lleva al corazón de Cartagena: el mercado de Bazurto, epicentro de sabores y sonidos venidos del África, transformados en champeta recargada y renovada con dancehall, reggae y música del caribe. (9)

Ganadores del “Viña del Mar” y del “Petronio Álvarez”, Herencia de Timbiquí trae una música nacida a la orilla del río, en medio de la espesa selva del Pacífico, que dialoga con el sabor de la calle para lograr un sonido innovador y contagioso. (11)

(2)

(3)

Revólver Plateado Marzo 24 Un sonido actual lleno de texturas y contrastes, de fuerza y sinceridad. Revólver Plateado es la banda revelación del rock colombiano. (3)

Mercury Marzo 25

Sintetizadores análogos y sonidos vintage se mezclan de manera inédita con beats electrónicos y estéticas de vanguardia, dando como resultado un sonido fresco y diverso. (4)

(4)

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Evento por la paz Marzo 23, Plaza de Bolívar. — Bogotá, Colombia — La comunidad teatral internacional,

en el marco del XV Festival Iberoamericano de Teatro de Bogotá, convoca a la sociedad colombiana a participar activamente en la construcción de la paz, la convivencia y la reconciliación, a través de un gesto simbólico que tendrá lugar en la Plaza de Bolívar.  Más de mil artistas, actores, músicos, directores y dramaturgos, venidos de diferentes lugares del mundo, firmarán un Manifiesto Artístico por la Paz.  Grandes personalidades invitadas al Festival harán público este manifiesto a través de un video. El video y el manifiesto aparecerán en medios de comunicación y redes sociales. El evento simbólico de la Plaza de Bolívar será corto, emocional y contundente. Más de 400 actores salen de sus funciones y se dirigen a la Plaza de Bolívar. 400 personajes salidos de la imaginación de dramaturgos y directores, con sus vestuarios y maquillaje, realizarán una procesión y portarán una luz. Cientos de luces blancas que simbolizan al mismo tiempo la memoria por las víctimas y la esperanza por un futuro mejor. A esos cuatrocientos personajes los preceden marionetas blancas de palomas gigantes articuladas. Los 400 actores se dirigirán hacia el Capitolio Nacional, escenario principal del evento. Las columnas del Capitolio se convierten en un escenario vertical para Los Tambores de Cabildo, 32 músicos venidos de Cartagena, que traen una sonoridad majestuosa basada en los aires afro. Para cerrar se proyectará la canción Un paso hacia La Paz, tema colaborativo en el que participaron más de 60 artistas colombianos, de todas las regiones, géneros musicales y generaciones; entre ellos Carlos Vives, Juanes, Fonseca, Choc Quib Town, Cepeda, Jorge Celedón y nuestras magníficas cantaoras tradicionales.

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Herencia de Timbiquí

Concierto

Ganadores del “Viña del Mar” y del “Petronio Álvarez”, Herencia de Timbiquí trae una música nacida a la orilla del río, en medio de la espesa selva del Pacífico, que dialoga con el sabor de la calle para lograr un sonido innovador y contagioso.

Marzo 27, Plaza de Bolívar.

Monsieur Periné

de Clausura del xv FITB — Bogotá, Colombia —

Monsieur Periné rompe las barreras entre géneros al mezclar orgánicamente el swing con el bolero o el jazz con el pop, en un estilo original que se ha popularizado como "Suin a la colombiana". La banda ganó el Latin Grammy 2015 en la categoría "Mejor artista nuevo".

Después de dos intensas semanas con lo mejor del teatro mun-

dial y nacional, el Festival Iberoamericano de Teatro de Bogotá cierra su programación con un concierto gratuito que celebra la diversidad y el diálogo. Herencia de Timbiquí, con su sonido afro pacífico moderno, y Monsieir Periné con su "Suin a la colombiana". Dos jóvenes bandas innovadoras y con gran proyección en la escena musical colombiana.

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Junta Directiva Corporación FITB

Iván Benavides

Presidente honorario

Curador Carpa Cabaret y proyectos musicales

William Cruz Suárez

Mónica Muñoz

Presidente

Asistente Comunicaciones internacionales

Luis Guillermo Soto

Maira Salamanca

Ernesto Samper Pizano

Vicepresidente

Jean Claude Bessudo Luis Guillermo Ángel Correa Jean Guy Moggio M Fernando Gaitán Salom Daniel Álvarez Mikey

Asistente teatro colombiano

Laura Rodríguez

Asistente teatro de calle

Departamento de contenidos Olga Naranjo Directora

Dirección Anamarta de Pizarro Directora Ejecutiva

Guillermo Hernández Patiño Gerente General

Juanfelipe Sanmiguel Diseño y diagramación

Natalia Pérez Penagos Diagramación

Santiago Sanmiguel

Mario Henao León María Alexandra Aguirre

Asesor de gerencia Gestión jurídica y contratos

Asistentes de contenidos

Olga Naranjo

Departamento IT

Proyectos especiales

Amanda Neme

Asistente de gerencia

Yudy Enciso

Asistente de relaciones públicas y patrocinios

Luis Ortiz

Asistente de gestión jurídica y contratos

Francisco Osuna

Director proyecto población afro

Juan Guillermo Rubio

Asistente proyecto población afro

Departamento artístico

John Valencia Director IT

Juan Martínez Diseñador

Carlos Ángel

Diseñador web

Paula Farfán

Contenidos sala web

Alejandro Rincón

Contenidos calle web y Ciudad Teatro

Carlos Ancona

Contenidos aplicación

María Camila Salamanca Fotógrafa

Anamarta de Pizarro

César Solano

Fabio Rubiano

William Hernández

Nicolás Montero

Luz Hincapié

Carolina Santos V

Comunicaciones internacionales

Publicidad y página web

Hernando Parra

Anthropologic

Teatro colombiano

Diseño web

Ana María Ospina

AxiaCore

Coordinadora teatro de calle

Desarrollo web

Malco Oliveros

Kubo

Curadora Curador

Curador / Proyectos especiales

Coordinador Escenario nórdico

265

Escritura y/o edición de contenidos y coordinación editorial

Pamela Hernández

Relaciones públicas y Patrocinios

264

Jineth Ardila Ariza

Ingeniero de soporte Asistente de sistemas Traducción sitio web

Desarrollo móvil


La Escuela del Festival Natalia Helo

Ciudad Teatro

Javier Méndez

Director artístico

Lina Ruiz

Director artístico

Camila Acosta

Producción artística

Carlos Sepúlveda

Dirección de arte

Juan Manuel Cristancho

Asistente de dirección

Edwin Maya Andres Caballero

Coordinador de arte

Directora general Director general Coordinadora de comunicaciones Coordinadora de comunicaciones Coordinador eventos de entrada libre Coordinador de difusión y ventas

Coordinadores logísticos y de producción

Epifanio Arévalo Yuly Valero Felipe Cely

Coordinadores lecturas dramáticas mexicanas

Cristian Camilo Méndez Asistente logístico

Ventana Internacional de las Artes VIA Octavio Arbeláez Director general

Beatriz Elena Quintero Coordinadora

Julián Arbeláez Productor

Angélica Castillo Andrés González

Coordinación de programadores rueda de negocios

Milena García Camila Zuluaga

Coordinación artistas en rueda de negocios

Raúl Meneses

Logística muestra artística

Luis Fernando Zuluaga

Coordinador rueda de negocios

Carolina Rojas

Logística programadores e invitados

César Valencia Juan Ramos

Desarrollo y soporte técnico plataforma web

Maria del Rosario Vallejo Humberto Jurado

Diseño visual plataforma web

Departamento de subtitulación Marta Kovacsics

Coordinadora de subtítulos

Producción logística Paula Londoño Daza

Productora logística - Hospitalidad

Jimmy Rangel

Alexander Cruz Hidalgo

Productor logístico convenio USAID

Paula Posada Martín

Productora logística - Campo

Juan Carlos Mazo

Laura Cardona Henao

Coordinación de recursos logísticos

Wendy Rojas Cárdenas

Catalina García Posada

Administradora de información logística

Manuela Pizarro – El Otro Trapo

María Mercedes Santos Katherine Morales Acosta

Paola Díaz

Nicolás Escalante Marcela Jaimes

Productora de arte

Juliana Toro

Diseñadora gráfica

Productor técnico

Nelson Fabián Hernández Aguillón Coordinador de escenografía, montajes y estructura

Andrés Felipe Peláez Bermúdez

Federico Rey

Diana Rocío Chaparro Ávila

Coordinador de circuito de salas nacionales

Supervisor enlace personal técnico

Alix Escobar Darinel Pineda Carmen Velázquez

Lorena Álvarez Aguirre

Luis Alberto Muñoz

Coordinador logístico de permisos

Jhonny Zamora Moreno Asistente de coordinación logística de permisos

Coordinador de audio y backline

Coordinadora de ambientación y utilería

Mónica Camacho Zapata

Asistente de ambientación y utilería

Alvin Ayure

Jefe de personal técnico

Luis David Cáceres

Coordinador de video y subtítulos

Astrid Bustos Ortiz

Wilson Ricardo Mora Ibáñez

Juana Jiménez Ramírez

Fredy Demetrio Ardila

María Teresa Osorio S.

Rafael Vega Mera

Coordinadora de carga internacional

Confección de vestuario y Producción de utilería

José Humberto Hernández Aguillón

Coordinación general de recursos logísticos de campo

Asistentes de circuito de salas nacionales

Servando Díaz William del Jesús Mejía Alfonso Castaño Jineth Moreno Carolina Torres Erika Narváez Matt Mcallister Juliana Ramírez por Metamorfosis

Producción técnica

Coordinador de teatro de calle 1 Coordinador de teatro de calle 2

Huayra Moreno

Coordinadora de recursos de hospitalidad

Alejandra Bolívar Diana González Harold Montes Joanna Barrera

Coordinadora de visas, acreditaciones y comunicaciones

Jefe técnico de espacios no convencionales

Heidi Briceño

Jefe de Bodega

Nuo Nuo Sung

Jefe de circuito norte norte

David Barreto

Jefe de circuito centro

Juan Camilo Ríos

Jefe de circuito norte

Gabriel Zapata Zapata

Jefe de circuito centro norte

Asistente de arte

Coordinadora de transporte

Pasantes / Apoyo a producción de arte

Coordinadora de intérpretes

Departamento de prensa Lorena Suárez Muñoz

Asistente de coordinación de intérpretes

Directora de comunicaciones y prensa

Clara Bernal Gómez

Productor logístico de salas

Coordinadora digital

Sergio Ramírez Mora

Juan David Vergara John León

Giovanny López

Hernando Chacho Jaramillo Adelio Leiva

Coordinador de prensa escrita

Productor logístico de VIA , Escuela del Festival y Carpa Cabaret

Luisa Fernanda Cano Roa

Ana María Ospina

Andrea Quintero Diego Tiriat Orlando Valero

Alexander Cubillos

Juanita Santos

Camilo González Omar Rocha

Productora logística de Teatro de calle

Coordinadora prensa internacional

Productora logística espacios no convencionales

Coordinador televisión

Catalina Oquendo

Carolina García Posada

Coordinadora prensa web

Coordinadora de aeropuerto y alimentación

Diego Jurado

Diego González

Coordinador radio

Dibujante departamento logístico

Catalina García Calle

Coordinadora prensa regional y sociales

Mariana Medina Laura Mejía

Marcela Durán Mendigaña Santiago Durán Millán

Productores logísticos hotel

Jefe de Sala

Sonido

Elizabeth Montilla Marta Niampira Vestuario

Antonio García Alberto Madero Tramoya

John Jairo Rangel Maquillador

Asistentes generales

Natalia Cuéllar

Cristian Franco Harold David Solano

Productora logística de Ciudad Teatro

Área financiera

María Alexandra Cervantes

Andrés Cuenca

Asistente de programación musical

Asistentes redes sociales

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Director financiero


Claudia Quintero

Coordinadora administrativa

Diana Quintero

Asistente administrativa

Flor Guzmán Rodríguez Asistente financiera

Maira Matiz

Asistente financiera

María Inés Siabato Contadora

Ángela Flores

Auxiliar financiera

Natalia Ricardo Lissy Garay Segundo Celis

Auxiliares contables

Yineth Henao Secretaria

Francy Marín

Apoyo contable

Rafael Camacho

Asesor contable y tributario

Comité de mercadeo Juan Antonio Pizarro Jorge Molina Alberto Quiroga Andrés Morán

Departamento de mercadeo, publicidad y medios Juan Antonio Pizarro Director

Nury Martínez

Asesora de mercadeo y publicidad

María Fernanda Franco Luna

Coordinadora de impresos y publicidad

Juan Carlos Silva

Logístico de impresos

Fernando Enciso

Logístico de branding y marcas

Narda Rosas

Coordinadora de relaciones institucionales

Andrea Ballesteros

Apoyo de relaciones institucionales

Departamento de Ventas Diana Carrillo

Coordinadora de ventas

Diana Ramírez Diana Gutiérrez Clara Lucía Sánchez Raquel Mantilla Janeth Gatas Elsy Gutiérrez Alfredo Hernández Luisa Zamora Luz Miriam Palacios

Diana Mendoza

Eliana María Salazar Zapata Esperanza Torres Flechas Felipe Hernández Rico Héctor Fabio Parra López Helia Mercedes Escobar Zuluaga Ricardo José Torres Reyes Ingrid Carolina Silva Lurduy Jairo David Contento Lozano Jairo Eduardo Marín Atehortúa Johanna Reina Picalúa José Alejandro Córdoba Ortíz José Guillermo Sarmiento Blanco Jovana De La Hoz Markovi Juan Camilo Suarez Linares Juan Carlos Quintero Vega Judith Erill Guixé Juliana Consuelo Amado Sánchez Katarina Markovi Laura Camila Forero Vega Laura Ubaté González Leopolda Rojas Mena Lidiya Kravchenko Lore Soriano Jordán Magdalena Sánchez-Steffens María Camila Arriaga Torres María Claudia Gómez Barón María Isabel Ramírez Cifuentes María Jimena Guzmán Montañez María Johanna Hernández Gómez Micaela Willamina Morello Miguel Ángel Castro Rubio Mónica Valeria Santana Páez Natalia Carrasco Salcedo Natalia Martínez Calderón Natalia Puerta Sanabria Nathalie Rangel Correa Pablo Rodolfo Barros Santoro Paola Esperanza Álvarez Morales Paula Carrasco Salcedo Raúl Aléxis Moreno Weirzbickaya Rowena Neme Páez Ulpiano Fernández Mendoza Valentina Arciniégas Mendoza Valerie France Bertagnini Vanessa Londoño Salcedo Karen Vanessa Restrepo Ávila Yoonhee Kim

Asesores comerciales

Departamentos taquillas y atención al cliente Sonia Botero

Coordinadora de taquillas y Servicio al cliente

Luz Marina Daza Ángela Rojas Jeimmy Vela Alejandra Duquino Luis Fernando Molina Harold Solano Taquilleros

Norma Garzón

Asesora de servicio al cliente

Lina Castro

Asesora de servicio al cliente

Mónica Africano

Asesora de servicio al cliente

María Chitiva Recepcionista

Juan Ibagón

Administrador de sala La Casa del Teatro Nacional

Andrea Camelo

Administradora Teatro Nacional Fanny Mikey

Cecilia Tejada

Administradora Teatro Nacional Castellana

Intérpretes Adriana Carolina Ramírez Pardo Álvaro Lorza Pitt Andrea Marcela Díaz Benítez Andrés Felipe Álvarez Bernal Andrés Felipe Fajardo Guerrero Ángela Bravo Angélica Gutiérrez Negret Angélica María Sarmiento Mora Arnulfo Leonardo Gómez Correa Camila Echeverría Martínez Camilla Serafini Camilo Amador Bonilla Stucka Carlos Alberto Torres Reyes Carlos Alfonso Londoño Pardo Carlos Arturo Varón Castro Carlos Eduardo Mantilla Durán Carlos Fernando López García Catalina Vallejo Chávez Claudia Alejandra Vargas Rojas Claudia Rocío Vargas Rojas Constanza Ramírez García David Fernando Celemín Arenas Denis Dayan Ayala Espinoza Diana Marcela Rodríguez Triana Eduardo Barrera Gualdrón

Apoyo Luis Miguel Bohórquez Milena Murillo Karen Montalvo Diego Castañeda Felipe Sierra José Antonio Dimas

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Agradecimientos Telésforo Pedraza Munir Falah Simón Gaviria Paula Gaviria María Claudia López María Consuelo Araújo Jenny Suárez Daniel Álvarez María Belén Sáez de Ibarra Juan Meliá Alberto Ligaluppi Lucia Beviá Mario Morgan Antonio Sanín Diego Trujillo Mauricio Castañeda Eduardo Osorio Alexander Pinilla Embajada de España Embajada de Suiza Fondo Cultural Suizo Embajada de Corea Fundación Asia Iberoamérica Chaoyang Center CAEG Hola Asia Embajada de Francia Alianza Francesa Instituto Italiano de Cultura Goethe Institut Kolumbien Fonds Podium Kunsten Performing Arts Fund NL Danish Arts Foundation Norwegian Ministry of Foreign Affairs Performing Arts Hub Norway Kulturradet Arts Council Norway Swedish Arts Council Uppsala Kommun Aviatur Hotel Tequendama Hotel Cosmos 100 Pontificia Universidad Javeriana Universidad Jorge Tadeo Lozano Cine Colombia/Primera Fila Fiduciaria Alianza Mundo Aventura Asobares Armando Iluminación Jaime Dussan & CIA Shock Producciones El Locutorio Cabify Árbol Naranja Revista VEA Emi Cívico ADN Publímetro Centro Comercial Bima Centro Comercial Calima Centro Comercial Fontanar Centro Comercial Plaza Imperial Centro Comercial Ciudad Tunal Centro Comercial Unicentro Centro Comercial Hayuelos


XV Festival Iberoamericano de Teatro de Bogotá  

El teatro está de fiesta ¡CELEBREMOS!

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