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Ahora tambiĂŠn en espaĂąol!

21st century art for 21st century artists... Siglo 21 arte para siglo 21 artistas...

Editorial Hello and welcome to issue 4 of Kikked! As usual, this issue come even bigger than before and with a few surprises.

Hola y bienvenidos a la quatro edición de Kikked! Como es habitual, este edición viene aún más grande que antes y con algunas sorpresas.

Inside this issue you will find articles with The Signtologist, Martin Müller, Robert Dowling, Unicode and Client Fashion. We also have articles on the recent Tattoo Sleeves exhibition, FMX 2010, Who Shot Rock'n'Roll?, a rock photography exhibition from the 1950's to the present day, Chile Estyle, The Art of Being A Man, 1920's fashion photography from Edward Steichen (the Conde Naste years), and Through The Lens from Russia.

En esta edición encontrará artículos con The Signtologist, Martin Müller, Robert Dowling, Unicode y Client Fashion. También tenemos artículos sobre la exposición reciente Tattoo Sleeves, FMX 2010, «Who Shot Rock‘n‘Roll»?, una exposición fotográfica de rock de la década de 1950 hasta la actualidad, Chile Estyle, 1920‘s fotografía de moda de Edward Steichen (los años Conde Naste), «The Art of Being A Man»,ya «Through The Lens»de Rusia.

We would like to thank Laurier Tiernan for his report from the Japan Music Week Punk Festival, where he performed, along with MyProof, Papersky, SkunkWorks and ALF. We have a live performance from Laurier (―Killing Hope‖) on this issue's digital download, as well as live interviews with SkunkWorks, MyProof and Papersky, and a live video from Papersky (―Dance To The Music‖). More music this issue comes from ITP, an Israeli trance band, whose track "Adon Olam" is included in this issue's digital download, the Ultra music festival, and John Cage.

Nos gustaría dar las gracias a Laurier Tiernan por su informe desde el Japón Music Week Punk Festival, donde realizó, junto con MyProof, Papersky, Skunkworks y ALF. Tenemos una presentación en vivo de Laurier ( "Killing Hope") en descarga digital de este edición, así como entrevistas en directo con Skunkworks, MyProof y Papersky, y un video en vivo desde Papersky ( "Dance To The Music"). Más música de este edición viene de ITP, una banda de trance israelí, cuyo tema "Adon Olam" está incluido en descarga digital de este edición, el festival de música Ultra, y John Cage.

This issue is also the first to be completely in English and Spanish. Many thanks go to Izy for helping make that possible. We hope you like the improvements...

Esta edición es también el primero en ser completamente en Inglés y Español. Muchas gracias a Izy para ayudar a hacer esto posible. Esperamos que como las mejoras ...

We have included a section in this issue dedicated to submissions from the Kikked! Facegroup group. We also have a sneak preview from the forthcoming FilterKik collection "Urban Visions―.

Hemos incluido una sección en este edición dedicado a las comunicaciones de la Kikked! Grupo en Facegroup. También tenemos un pequeño anticipo de la colección FilterKik próxima "Visiones Urbanas".

If you are interested in being featured in Kikked!, or in advertising possibilities, contact us directly at : If you would like to support us, please consider buying the digital download version of the magazine, or join our Facebook group, at : Joining the group is the best way of keeping up-to-date with changes and developments at Kikked!

Si usted está interesado en ser presentado en Kikked!, o de las posibilidades de la publicidad, póngase en contacto con nosotros directamente en: Si desea apoyarnos, por favor, considere comprar la versión digital descarga de la revista, o unirse a nuestro grupo de Facebook, en: Unirse al grupo es la mejor manera de mantenerse al día con los cambios y la evolución a Kikked!

We hope you enjoy the magazine. Seamus Kik Editor

Esperamos que disfrute de la revista. Seamus Kik Editor

Contents The Signtologist Parvati Records Unicode Robert Dowling FMX 2010 Mauro d'Agati: Palermo Unsung Who Shot Rock & Roll: A Photographic History, 1955 to the Present Client Fashion Tattoo Sleeves : Original Tattoo Art by the world’s top Tattoo artists Japan Music Week - Punk Festival MyProof Papersky World Graffiti Martin Müller ITP Edward Steichen: In High Fashion, the Condé Nast Years 1923–1937 Chile Estyle Ultra Music Festival FilterKik : Urban Visions SIFF London : Best of the Fest ROA Creates A Giant Lanticular in London Supermarket 2010 Kikked! Magazine Facebook Group Submissions Public Enemy The Anarchy of Silence. John Cage and Experimental Arts New York City Black Book WebTek The Full Frame Doc-u-men-tary Film Festival Toronto Arts and Fashion Week 2010 Likeness Fantasporto 2010 The European Independent Film Festival Nick Cave : The Death of Bunny Munro Four Perspectives Through the Lens: Soviet Art Photography in the 1970s-80s The Art of Being a Man

The Signtologist

DUNN – THE SIGNTOLOGIST In 2005 when legendary Roots MC, Black Thought dubbed him the Signtologist, nobody knew exactly how far Denver-based Dan Ericson, best known as Dunn The Street Sign Artist, would take the new name. Since beginning this seemingly fateful journey, Dunn has become the creator of a soulfully crafted cycle the likes of which the art, hip hop or urban street scenes have never seen. This entirely green artist has turned his art form into a science, recycling hundreds of street signs into unique homages to the musicians, actors, public figures and athletes that inspire him. An unconventional art form to say the least, Dunn fell upon using street signs as canvas by chance. Fate, a love of urban culture, and an extensive animation and graphic design background led him to the pieces you see today. Dunn‘s work is owned by a number of artists such as Rakim, De La Soul, Spike Lee, Digable Planets, Pharrell and Wyclef Jean. This outreach on his part has allowed his artwork to gain national attention as well as helping to complete the cycle of inspiration. Further, XXL realized Dunn‘s talent before many others and brought his work to a whole new level when he was featured in Dec 2008 issue. Dunn recognizes and appreciates the liberal investment the Denver art and hip hop communities have given him and aims to repay that in full by donating pieces whenever asked to charity. Using his position to pay tribute to fellow artists and consistently drawing attention to the great city of Denver and all it has to offer fellow artists and members of the hip hop community. Dunn has found a unique way to turn ordinary to extraordinary while staying within the intent and the criterion of the sign itself. Rare is it that we stumble upon an artist so telling of the time. His eco-friendly work has been seen worldwide in art shows, on television and in the homes of those he paints. His portraits speak to a generation advocating change-not only for our environment, but for the media that molds us. Thank you to Brandee Castle, Shanyn Doan and Brandon Daviet for contributing to this Bio.

The Signtologist DUNN – EL SIGNOLOGISTA En 2005, cuando el legendario vocalista de Roots, Black Thought, lo llamó el Signtologist (signologista), nadie sabía exactamente en qué medida el artista radicado en Denver, Dan Ericson, más conocido como Dunn, el Artista de las Señales de Tráfico, tomaría su nuevo nombre. Desde el comienzo de este aparentemente fatídico viaje, Dunn se ha convertido en el creador de un fervorosamente elaborado ciclo nunca antes visto en el arte, el hip hop o en las escenas urbanas. Este artista enteramente verde ha transformado su forma de arte en una ciencia, reciclando cientos de señales de tráfico en homenajes únicos para los músicos, actores, personajes públicos y deportistas que lo inspiran. Una no convencional forma de arte para decir lo menos, Dunn empezó a utilizar las señales de tráfico como lienzo por casualidad. El destino, el amor a la cultura urbana, y una formación extensiva en animación y diseño gráfico le llevó a las piezas que vemos hoy. El trabajo de Dunn es propiedad de un número de artistas como Rakim, De La Soul, Spike Lee, Digable Planets, Pharrell y Wyclef Jean. Este programa de difusión de su parte ha permitido que su obra de arte para llamar la atención nacional, así como ayudar a completar el ciclo de la inspiración. Además, XXL se dio cuenta del talento de Dunn, antes de muchos otros, y llevó a su trabajo a un nivel totalmente nuevo cuando fue presentado en la edición de diciembre de 2008. Dunn reconoce y aprecia la inversión liberal que las comunidades de Arte y Hip Hop de Denver le han dado y tiene el propósito de pagar esa ayuda en su totalidad a través de la donación de piezas siempre que se las requieren para obras de caridad. Utilizando su posición para rendir homenaje a otros artistas y siempre llamando la atención sobre la gran ciudad de Denver y todo lo que tiene que ofrecer a sus compañeros artistas y miembros de la comunidad hip hop. Dunn ha encontrado una manera de transformar lo ordinario en extraordinario al integrarse en la intención y el criterio de las propias señales con que trabaja. Raro es que tropezarmos con un artista tan elocuente de la época. Su eco-amigable trabajo se ha visto en todo el mundo en exposiciones de arte, en la televisión y en los hogares de quienes pinta. Sus retratos hablan a una generación promoviendo el cambio, no sólo de nuestro medio ambiente, sino también de los medios de comunicación que nos moldean. ¡Gracias a Brandee Castillo, Shanyn Doan y Brandon Daviet por contribuir a esta Bio!

The Signtologist

You originally got your name from a Roots MC. Has roots & reggae music always been around you? Black Thought and yes hip hop and reggae music is something i usually listen to when i paint You describe yourself as a green artist. Are green issues something that you feel strongly about ? I am recycling old signs and breathing new life into them and turning them into art. Green issues do matter to me and I am humbled to be doing my part thru my artwork. Your work is owned by respected hip-hop artists such as De La Soul, Spike Lee and Digable Planets. Does that give you a feeling of success as an artist ? It gives me the feeling of success in that someone who once inspired me i have now been able to give back a little of that inspiration to them.

Originalmente obtuvo su nombre de un MC Roots. Tiene raíces y la música reggae siempre ha estado a tu alrededor? Black Thought y sí el hip hop y el reggae es algo que suele escuchar cuando pinto Usted describe a sí mismo como un artista de color verde. Cuestiones son de color verde algo que se siente fuertemente sobre? Me limito a reciclar los signos de edad y dar nueva vida a ellos y convertirlos en arte. Verde cuestiones son importantes para mí y me siento honrado de estar haciendo mi parte a través de mi obra de arte. Su trabajo es propiedad de respetados artistas de hip hop como De La Soul, Spike Lee y Digable Planets. ¿Eso le da una sensación de éxito como artista? Me da la sensación de éxito en que alguien que me inspiró una vez que he sido capaz de devolver un poco de esa fuente de inspiración para ellos.

The Signtologist What other artists inspire you ? There are too many people to name that inspire me.

¿Qué otros artistas te inspiran? Hay mucha gente para nombrar, que me inspira.

You regularly donate pieces to charity. Do you feel that it's important for an artist to give something back to the community ? Yes i am active with a few charities out here in denver and try to donate pieces to their causes as often as possible. I think it's very important to give back to these causes by lending my talent to the movement.

Donas regularmente piezas a la caridad. ¿Crees que es importante para un artista devolver algo a la comunidad? Sí, estoy activo en algunas organizaciones de caridad aquí en Denver y tratar de donar las piezas a sus causas tan a menudo como sea posible. Creo que es muy importante devolver a estas causas, prestando mi talento para el movimiento.

How has your Obama portrait been recieved ? It was received very well during the elections and still is a valid painting for his current presidency.

¿Cuál ha sido recibido tu retrato de Obama? Fue muy bien recibido en las elecciones y sigue siendo un cuadro válido por su presidencia actual.

Have you ever been fined for using a plate as a canvas? No never and I don't plan to

¿Alguna vez te han multado por utilizar una placa como un lienzo? No, nunca y no planeo que suceda.

The Signtologist What are your plans for the future ? To keep exploring this medium i have created

¿Cuáles son tus planes para el futuro? Seguir explorando este medio que he creado.

How can your fans can your fans get in touch with you ? my email address is there under contact.

¿Cómo pueden tus seguidores ponerse en contacto contigo? Mi dirección de correo electrónico está allí en la sección de Contacto.

You have a new online store. Can you talk a little about that? The store was opened a few months ago I offer stickers and shirts with my various designs. We ship anywhere that US Postal service ships to. Since opening we have had domestic and international orders so stop thru and place your order today Any parting messages ? Thank you all for your support I can't do any of this without your help

¿Tienes una nueva tienda online? ¿Puedes hablar un poco sobre eso? La tienda se abrió hace unos meses, ofrezco pegatinas y camisetas con varios de mis diseños. Enviamos a cualquier lugar de los EE.UU. donde tenga acceso el servicio postal. Desde la apertura hemos tenido pedidos nacionales e internacionales, así que échele un vistazo y haga su pedido hoy ¿Algún mensaje de despedida? Gracias a todos por su apoyo. No podría hacer nada de esto sin su ayuda.

The Signtologist

The Signtologist

The Signtologist

Tracklist 01. Derango - Parvatrip - 145 bpm 02. Abrahadabra - Kundalini Magik - 144 bpm 03. Drone Bixie - Bee's Nest - 147 bpm 04. Derango - Irrbloss prt.2 (Gidra rmx) - 150 bpm 05. Digitalian - Sonic Marsh - 148 bpm 06. SpeakerHuggers - Huggernaut - 148 bpm 07. Baba Yaga - Transformer - 148 bpm 08. Nomad Soul - Non Guilty - 150 bpm 09. ComaDust - MetallOrganicO - 150 bpm 10. Gappeq - El Chupacabra - 151 bpm

Parvati_Records is an independent record label founded in Denmark during the summer of 2000. Their aim is to support artists and producers of electronic-Psychedelic Music and their goal is to discover and present quality music to party people all around the world.

Parvati Records es un sello discográfico independiente fundado en Dinamarca durante el verano de 2000. Su objetivo es apoyar a los artistas y productores de música electrónica-psicodélica y su objetivo es descubrir y presentar la música de calidad a la gente fiestera de todo el mundo.

Parvati_Records focuses always in the deeper Psychedelic realms of the worldwide underground and frequently discovers new talents of the twisted Genre in Psychedelic Music. Labelhead Guiseppe, also touring as DJ around the world, and the main acts of the Parvati artists-pool have a recurrent appearance on main events in the Trance world, so having appropriate resources to the world wide scene. The labels philosophy, always keeping an artistic line through the years, made Parvati_Records to a world known trademark for powerful twisted dancefloor music.

Parvati Records se centra siempre en lo más profundo de los reinos psicodélicos underground en todo el mundo, y con frecuencia descubre nuevos talentos del Género Twisted de la música Psicodélica. Labelhead Giuseppe, de gira como DJ por todo el mundo, y los principales artistas de Parvati, tienen presencia recurrente en los principales acontecimientos dentro del mundo del trance, teniendo los recursos apropiados para la escena mundial. La filosofía del sello diquero, siempre manteniendo una línea artística a través de los años, hizo de Parvati_Records una de las marcas de música twisted más reconocidas a nivel mundial.

Since the beginning of 2009 Parvati_Records is not working with any official distributor anymore. So all future releases are only available directly from the Music Shop on the labels webside. As from the start, the aim and main focus is to build up a more direct contact with the people who likes Parvati sound and so they invite partypeople to subscribe to the frequent updated newsletters.

Desde el comienzo de 2009 Parvati Records no trabaja con ningún distribuidor oficial. Así que todos sus futuros lanzamientos sólo estarán disponibles directamente desde la tienda de música en el sitio oficial de la disquera. Desde sus inicios, su finalidad y objetivo principal es crear un contacto más directo con la gente que le gusta el sonido Parvati y por lo que invitan a la gente fiestera a suscribirse sus los boletines frecuentemente actualizados.

Unicode Unicode is the visual project of Joris Ferrand, a French photographer based in Melbourne, Australia. Before being actively involved in photography and visual arts, Joris played in a band called Deitylike along with Nico and Marc (lNico and Marc later went on to become 3701 and Nico became Noisy Pipes) and later started a solo Glitch IDM project under the name of Funnyfacemaker. In 2006, while still involved in his IDM project, Joris traveled to Australia for the first time and took shots which received amazing feedback and he began focusing his projects in a visual direction. Let‘s be clear, Unicode is not classical photography based on sunsets and portraits but stands for something way more personal and experimental. Unicode is mainly based in photography with sidelines in graphic design and abstract collage artwork. Unicode‘s musical obsession is obvious in his visual work, as if he was visually interpreting all of the weird and avant-garde music which constantly runs though his ears, giving his photographic work a strong cinematic feel. Unicode's photographic projects include many shots taken during his travels around the world, however these shots are far from the traditional holiday makers interpretations, but rather an extension of the unique experimental and personal style that is Unicode... an eye for the unusual, a fresh perspective. Outside of his personal visual work, Unicode is also very active in commission work frequently getting involved with musicians and labels working on CD covers (Previous projects include covers for Noisy Pipes/Sonic motion Records, Human Soul Rhythms/Fat Drum released, 3701/Bone Collection, etc…) and logos (Bone Collection, D-Haze Studios, Infrabuse, etc..).

Unicode Unicode es el proyecto visual de Joris Ferrand, un fotógrafo francés con sede en Melbourne, Australia. Antes de participar activamente en la fotografía y artes visuales, Joris tocaba en una banda llamada Deitylike junto con Nico y Marc (Marc lNico y más tarde se convirtió en 3701, y Nico se convirtió en Noisy Pipes) y más tarde comenzó un proyecto Glitch IDM en solitario con el nombre de Funnyfacemaker. En 2006, mientras participaba en su proyecto de IDM, Joris viajó a Australia por primera vez e hizo algunas tomas que tuvieron una respuesta increíble, comenzando a centrar sus proyectos en una dirección visual. Seamos claros, Unicode no es fotografía clásica, basada en puestas de sol y retratos, sino que destaca por ser algo más personal y experimental. Unicode se basa principalmente en la fotografía, con toques de diseño gráfico y de arte collage abstracto. La obsesión musical de Unicode es evidente en su obra visual, tal como si él interpretara visualmente toda la música rara y vanguardista que corre constantemente través de sus oídos, dando a su obra fotográfica una sensación cinematográfica fuerte. Los proyectos fotográficos de Unicode son fotos tomadas durante sus muchos viajes alrededor del mundo, sin embargo, estas están lejos de las interpretaciones de vacacionistas tradicionales, sino más bien son una extensión del estilo personal, único y experimental de Unicode... un ojo para lo inusual, una perspectiva fresca. Aparte de su trabajo personal visual, Unicode también está muy activo en trabajos por encargo, frecuentemente involucrándose con músicos y sellos disqueros, trabajando en portadas de CD (algunos de sus proyectos anteriores incluyen cubiertas para Noisy Pipes/ Sonic Motion Records, Human Soul Rhythms / Fat Drum released, 3701/Bone Collection, etc….) y logos (Bone Collection, D-Haze Studios, Infrabuse, etc.).

Unicode In 2009, Unicode is teaming up again with his old mates in taking charge of the visual identity of the Bone Collection collective and its members/artists, along with Nico and Marc from 3701, Akira Club (electronic music producer) and D-Haze studios (recording and production studios). On 01Nov09, Unicode officially launched his online portfolio displaying his visual work (link below). Since then, he has received an influx of projects and commission works. Forthcoming works include some furniture artwork design, a CD cover for the remix album of Undesired by 3701 and for Matt Pleztrom‘s album, both to be released shortly, some fashion photographs for the prêt a porter Australian designer Nicole Gilkeson and… many other things in the pipeline.

En 2009, Unicode se reunió nuevamente con sus antiguos compañeros para hacerse cargo de la identidad visual del colectivo de Bone Collection y sus miembros/artistas, junto con Nico y Marc de 3701, Akira Club (productor de música electrónica) y D-Haze Studios (estudios de grabación producción). El 01 Nov 09, Unicode lanzó oficialmente su portafolio en línea, mostrando su trabajo visual (ver enlace más abajo). Desde entonces, ha recibido una afluencia de proyectos y trabajos por encargo. Sus próximas obras incluyen algunas piezas de diseño de muebles, la portada del CD para el álbum remix de ―Undesired‖ de 3701 y para el álbum de Matt Pleztrom, los cuales serán lanzados en breve, algunas fotografías de moda para la diseñadora pret a porter australiana Nicole Gilkeson y... muchas otras cosas.

Unicode How do you Frenchman?





¿Qué te parece Melbourne, siendo tú un francés?

Living abroad is as stimulating as it is challenging. The Australian culture is a good mix between the British and the American one, which makes it quite easy to fit in. Having said that, It is all very different from France and its' mindset and I frequently feel like I don't belong here. But Australia is a very visually stimulating environment. Huge horizons and unbelievable skies.

Vivir en el extranjero es tan estimulante como desafiante. La cultura australiana es una buena mezcla entre la británica y la estadounidense, lo que la hace más fácil para encajar en ella. Dicho esto, todo es muy diferente de Francia y su forma de pensar y con frecuencia me siento como si no pertenezco aquí. Pero Australia es un ambiente visualmente muy estimulante. Grandes horizontes y cielos increíble.

Do you have plans for more travel ?

¿Tienes más planes de viaje?

Yep, end of March(2010), I will be traveling for about 9 weeks, going to Japan, the US driving from LA to Seattle, New Orleans, New York and Montreal, Canada. These are all dream destinations for any photographer, so I am really looking forward to it and should hopefully come back me new series. Once back from this trip, I will relocate from Melbourne to Sydney.

Sí, a finales de marzo (2010), voy a viajar cerca de 9 semanas, iré a Japón, a los EE.UU. conduciendo desde Los Ángeles a Seattle, Nueva Orleans, Nueva York y Montreal, Canadá. Estos son todos destinos de ensueño para cualquier fotógrafo, así que tengo muchas ganas de hacerlo y espero que se conviertan en una nueva serie. Al regreso de este viaje, me trasladaré de Melbourne a Sydney.


You've been involved in music, both in a group (Deitylike) and as a solo project (Funnyfacemaker). Are you planning any more musical projects?

Has estado involucrado en la música, tanto en un grupo (Deitylike) y como un proyecto en solitario (Funnyfacemaker). ¿Tienes planeado algún otro proyecto musical?

Music has been such a vital part of my life for many years, but to be honest, even if I appreciate what I have achieved here, I have never been very productive musically speaking. It is also one of the reason why I like photography so much, you can just achieve something and finish things, in my case, about 100 times faster than I am with producing music.

La música ha sido una parte vital de mi vida durante muchos años, pero para ser honesto, aunque valoro lo que he conseguido aquí, nunca he sido muy productivo musicalmente hablando. También es una de las razones por las cuales la fotografía me gusta tanto, puedes lograr y terminar cosas, en mi caso, unas 100 veces más rápido de que me tardo en la producción de música.

But ... I am still working on music, even if it is less of a priority now. My next release will be a remix for 3701 to be released on their forthcoming remix ep. in January 2010. I will also release an ep. on Bone collection sometime this year, very IDM orientated.

Pero... Todavía estoy trabajando en la música, incluso si es menos una prioridad ahora. Mi próximo trabajo será un remix de 3701 a ser lanzado en su próximo disco Remix. en enero del 2010. También lanzaré un disco de Bone Collection en algún momento de este año, muy orientado al IDM.

Unicode You mention sidelines in graphic design and abstract collage. Can you expand a little on that?

Mencionas algo sobre el diseño gráfico y el collage abstracto. ¿Puedes ampliar un poco al respecto?

Outside of classic photography, I also work on collage things using bits and pieces of things from my pictures, making it fit into another, just like if you would cut pictures from a magazine and all gather them in a kind of composition. Mmm, not easy to explain, check the artwork session on my website, you will see what I mean.

Fuera de la fotografía clásica, también trabajo en collages usando pedazos de cosas de mis fotos, haciéndolas encajar unas en otras, tal como si recortaras imágenes de una revista y las reunieras en una especie de composición. Mmm, no es fácil de explicar, dale un vistazo a la sesión de artwork en mi sitio web, y podrás ver a qué me refiero.

How do you see your photographic work developing in the future? I never ever want to lose my personal approach where visual feeling prevails on technic. I am a firm believer that if you become too technically driven you will end up spending your time checking parameters rather than carrying out feeling and visual emotions. But ... I definitely need to get better with pure photographic technic, just enough to efficiently support my personal approach.

¿Cómo ves el desarrollo fotográfico en el futuro?




Jamás quiero perder mi enfoque personal, donde la sensación visual prevalece sobre la técnica. Soy un firme creyente de que te sientes demasiado impulsado técnicamente terminarás revisando parámetros en lugar de llevar a cabo los sentimientos y emociones visuales. Pero... definitivamente necesito mejorar en la técnica fotográfica pura, sólo lo suficiente como para mantener eficientemente mi enfoque personal.

Unicode Your work has included creating CD covers and logos. Is that something you intend to develop?

Tu trabajo incluye la creación de cubiertas de CD y logotipos. ¿Es algo que tienes intención de desarrollar?

Sure, I really enjoy this part of my work, CD covers especially. Visually interpreting music is just fantastic. I either use existing pictures or I just shoot new ones to fit the atmosphere I have in mind. Logo work is very different but interesting as well. You need to be visually concise and efficient with reduced means which is always a challenge,

Claro, me encanta esta parte de mi trabajo, en especial las carátulas de CD. Hacer interpretación Visual de la música es fantástico. Uso tanto imágenes existentes o tomas nuevas nuevos para adaptarme a la atmósfera que tengo en mente. El trabajo de logotipo es muy diferente, pero interesante. Necesitas ser visual, conciso y eficiente con medios reducidos, lo cual es siempre un reto.

For both, logos and CD covers, it always involves working hand in hand with other artists.

En ambos casos, logotipos y carátulas de CD, siempre implica trabajar de la mano con otros artistas.

How can your fans can your fans get in touch with you ?

¿Cómo pueden tus fans ponerse en contacto contigo?

e-mail seems the easiest solution! People can also contact me on deviantArt, Myspace and flick'r. My website of course is also a very convenient way to check out new things I release.

¡Me parece que el correo electrónico es la solución más fácil! Las personas también pueden ponerse en contacto conmigo en deviantART, Myspace y flick'r. Mi sitio web, por supuesto, también es una forma muy conveniente para revisar las cosas nuevas que hago.

Any parting messages ?

¿Algún mensaje de despedida?

not a parting message guy ... :O)

No soy un tipo de mensajes de despedida ... : O)



Some food for your (hungry) eyes? Then, find Unicode on: His portfolio: Flick‘r: Myspace: Deviant:

Robert Dowling Robert Dowling is a self taught, self promoting artist who has always been regarded as an art prodigy; even in the first grade it was apparent that Robert had artistic and imaginative skills unlike other children in his age group - a skill he has developed into a contemporary and original voice, fine art that stands alone in it's uniqueness, power and emotional transformation. Robert started using acrylics late. At age 32 is when he decided to make a go at the art world and test his own abilities as an artist. within one year Robert went from unknown to internationally known. His paintings are now some of the most sought after works of art on the Internet and beyond. Dowling has accrued a list of collectors and supporters reaching across the globe. His paintings reside all across America as well as Japan, Austria, the United Kingdom, Spain, Madrid, Canada, Italy, Mexico, Germany, Paris, and other international locations. Robert Dowling resides in Maine, living in a small dilapidated cabin on the shores of Hermon Pond. Robert Dowling owns and operates Dowling Studios & Gallery in Bangor, Maine where he dedicates his life to the arts. Dowling dedication and drive to create his art says it all: "I would rather fail as an artist, than succeed as anything else.―

Robert Dowling es un artista autodidacta y auto promovido que siempre ha sido considerado como un prodigio del arte, incluso desde que estaba en primer grado era evidente que Robert tenía habilidades artísticas e imaginativas a diferencia de otros niños en su grupo de edad- una habilidad que él ha desarrollado en una voz contemporánea y original, de bellas artes que sobresale en su singularidad, poder y transformación emocional. Robert comenzó tardíamente a usar pintura acrílica. A los 32 años se decidió hacer un viaje al mundo del arte y poner a prueba sus propias habilidades como artista. En un año, Robert pasó de ser un desconocido a ser internacionalmente reconocido. Sus pinturas son ahora algunas de los más buscados después de las obras de arte en Internet y más allá. Dowling ha acumulado una lista de coleccionistas y seguidores a lo largo del mundo. Sus obras residen en toda América, así como en Japón, Austria, Reino Unido, España, Madrid, Canadá, Italia, México, Alemania, París y otros lugares internacionales. Robert Dowling reside en Maine, en una pequeña y ruinosa cabaña a las orillas del Lago Hermón. Robert Dowling es gerente propietario de Dowling Studios & Gallery en Bangor, Maine, donde dedica su vida a las artes. La dedicación y motivación de Dowling para crear su arte lo dice todo: "Prefiero fallar como artista, que tener éxito siendo cualquier otra cosa."

"419AM", by Robert Dowling

Robert Dowling Describe yourself as a self-taught artist.

Describirse a sí mismo como un artista autodidacta.

I am Dark.

Soy morena. I make art because I have to. I‘m an obsessive person, and art is my compulsion. My paintings are very much how I express myself, I am not a very social person but I have a very strange and odd inner world, and I share that part of me by painting my ideas and showing them to the rest of the planet. I could never have gone to school for art. It's not me. I was never a good student. Although being a self-taught artist has its challenges, I feel I made the right decision. I enjoy the journey of learning new things every time I sit down to create. It may take longer to master anything, but in the end I feel it will all come together.

Hago arte porque tengo que hacerlo. Soy una persona obsesiva, y el arte es mi obligación. Mis pinturas son mucho cómo me expreso, yo no soy una persona muy social, pero tengo un mundo interior muy extraño y raro, y yo comparto esa parte de mí pintando mis ideas y mostrar al resto del planeta. Yo nunca podría haber ido a la escuela para el arte. No soy yo. Nunca fui un buen estudiante. A pesar de ser un artista autodidacta que tiene sus retos, creo que tomé la decisión correcta. Me gusta el camino de aprender cosas nuevas cada vez que me pongo a crear. Se puede tomar más tiempo para nada maestro, pero al final creo que todos se reunirán.

―In finding my secret, they sealed my own demise‖, by Robert Dowling

Robert Dowling How did you begin ?

¿Cómo empezar?

I have been creative from a very early age and always loved to draw and create. After graduating from high school I lost that which was within me and took on any type of work I could do. Unfortunately after 20+ jobs I realized that nothing could keep me satisfied and ultimately make me happy.

He sido creativo desde muy temprana edad y siempre le encantaba dibujar y crear. Después de graduarse de la escuela secundaria he perdido lo que estaba dentro de mí y tomó en cualquier tipo de trabajo que podía hacer. Lamentablemente, después de 20 + puestos de trabajo me di cuenta de que nada podría hacerme satisfecho y, finalmente, me hacen feliz.

In 2004 due to some issues that arose in my life, I decided to try and make a living as a artist. I had zero training and experience with painting. For the most part I have always used graphite and ink. But in October, 2004 I bought my first set of acrylics and a couple canvases and messed around with some abstract ideas. It was like a revelation. Once completed I listed the abstracts to an online auction site and on October 20th I made my first sale. The painting went to the UK and from then on I was hooked.

En 2004, debido a algunos problemas que surgieron en mi vida, he decidido tratar de ganarse la vida como artista. Tuve cero formación y la experiencia con la pintura. En su mayor parte siempre he utilizado de grafito y tinta. Pero en octubre de 2004 compré mi primer juego de acrílicos y lienzos de pareja y ensuciado alrededor con algunas ideas abstractas. Fue como una revelación. Una vez completado hice una lista de los resúmenes a un sitio de subastas en línea y el 20 de octubre hice mi primera venta. La obra fue para el Reino Unido y desde entonces quedé enganchado.

I found that through Art I could relay some of the inner demons and emotions better than I could do with words. Painting became my therapy and my only voice.

He descubierto que a través del arte que podría transmitir algunos de los demonios internos y las emociones mejor que yo podía hacer con palabras. La pintura se convirtió en mi terapia y mi voz.

―Novus Orsa‖, by Robert Dowling

Robert Dowling You went from being an unknown artist to being internationally known within one year. How did that happen ?

Usted pasó de ser un artista desconocido a ser conocido internacionalmente dentro de un año. ¿Cómo sucedió eso?

To be honest I am not completely sure. Once I started selling online things just took off. If I knew the true formula I would write a book and sell it.

Para ser honesto no estoy completamente seguro. Una vez que empecé a vender cosas en línea un segundo. Si supiera la verdadera fórmula iba a escribir un libro y venderlo.

What methods do you use for promotion?

¿Qué métodos se utilizan para la promoción?

For the most part I did little promotion. Some of my dealers and collectors actually did a lot of promotion for me. Which I am still very grateful. I do have a facebook account, website and have been in various media publications multiple times.

Para la mayor parte lo hice poco de promoción. Algunos de mis marchantes y coleccionistas en realidad hizo un montón de promoción para mí. Que todavía estoy muy agradecido. Tengo una cuenta de Facebook, página web y han estado en varias publicaciones de los medios de comunicación varias veces.

―Be Careful, It‘s Fragile‖, by Robert Dowling

Robert Dowling Has the internet & social media proved useful in promoting yourself and your artwork ?

Tiene el Internet y medios de comunicación social demostrado su utilidad en la promoción de sí mismo y su obra de arte?

Without the internet I would not be a working artist today. The internet is a great way for an artist to show their work to the world. It is a great marketing tool for all who are looking to get noticed. A brick and mortar gallery is great, but the internet can reach millions of people at any given time.

Sin Internet no sería un artista que trabaja en la actualidad. El Internet es una gran manera para que un artista para mostrar su trabajo al mundo. Es una gran herramienta de marketing para todos los que están buscando llamar la atención. Un ladrillo y mortero de galería es grande, pero la Internet puede llegar a millones de personas en un momento dado.

What inspires your art ?

¿Qué inspira tu arte?

That's a very complicated question. I have a very long list. Actually, I‘m still adding things to it all the time. But for the most part I think life and life's lessons create inspiration within me. Each of life's challenges create an emotion. Each moment can create love, pain, fear, hate... regret...etc. These things are all powerful and commanding.

Esa es una pregunta muy complicada. Tengo una lista muy larga. En realidad, todavía estoy agregando cosas para que todo el tiempo. Pero la mayor parte creo que la vida y las enseñanzas de la vida inspiración de crear dentro de mí. Cada uno de los desafíos de la vida de crear una emoción. Cada momento puede crear el amor, el dolor, el miedo, el odio ... lamento ... etc Estas cosas son todas de gran alcance y de mando.

Watching children create. I love watching my niece and nephew draw or paint. Their imagination is astounding and untainted. This also gives me inspiration.

Niños que miraban crear. Me encanta ver a mi sobrina y el sobrino de dibujar o pintar. Su imaginación es asombrosa y sin olores. Esto también me da inspiración.

―Even Bad Days Have Odd Results", by Robert Dowling

Robert Dowling Could you describe "Lullaby 6" ?

¿Podría describir la «Lullaby 6"?

My images tell stories which are meant to touch and speak the viewer emotionally. Lullaby was created at a time of loss in my life.

Mis imágenes cuentan historias que están destinadas a tocar y hablar al espectador emocionalmente. Canción de cuna fue creado en un momento de pérdida en mi vida.

You also run Dowling Studios & Gallery in Bangor, Maine. Is it difficult to combine the business side with the artistic side of your work ?

También corre Dowling Studios & Gallery en Bangor, Maine. ¿Es difícil combinar la parte comercial con la parte artística de su trabajo?

Sometimes yes. When I first opened the gallery I showcased other artists. This created some issues. It became more of a "job" than anything else. I lost interest in my own work and had zero time to focus on my own career. Unfortunately I had to close down the gallery. I recently decided to reopen the gallery in Bangor, Maine this coming year. But this time it will be more of a open studio with a show room. Less formal than a gallery and will only host my work.

A veces sí. La primera vez que abrió la galería me mostró otros artistas. Esto creó algunos problemas. Se convirtió más en un "trabajo" que otra cosa. Perdí el interés en mi propio trabajo y había cero tiempo para concentrarme en mi propia carrera. Lamentablemente tuve que cerrar la galería. Hace poco decidió volver a la galería en Bangor, Maine, este próximo año. Pero esta vez será más de un estudio abierto con un show room. Menos formal que una galería y sólo serán anfitriones de mi trabajo.

If you were not an artist, what do you think you'd be doing instead? I probably would be a serial killer.

Si no fuera artista, ¿qué crees que estaría haciendo en su lugar? Probablemente yo sería un asesino en serie.

―Lullaby 6‖, by Robert Dowling

Robert Dowling Where do you see your work developing in the future?

¿Dónde ve su trabajo en desarrollo en el futuro?

I am working towards reinventing myself at the moment. The works I have been working on have been going towards a more spiritual place. A diary of questions about god, life after death and the human existence. Although I have not finished the story of the girl and the puzzle pieces I feel it's time to move on and listen to this voice that's been nagging me to paint these images I have plagued my mind.

Estoy trabajando para reinventarme a mí mismo en el momento. Los trabajos que he estado trabajando han ido hacia un lugar más espiritual. Un diario de preguntas acerca de Dios, la vida después de la muerte y la existencia humana. Aunque no he terminado la historia de la niña y las piezas del rompecabezas que siento que es hora de avanzar y escuchar esa voz que ha sido persistente a pintar estas imágenes que han afectado a mi mente.

I also have been working on a graphic novel. I hope to have it finished by summer 2010.

También he estado trabajando en una novela gráfica. Espero tenerlo terminado para el verano de 2010.

How can people get in contact with you? People can contact me at my website or by email.

―Escape Me‖, by Robert Dowling

¿Cómo pueden ponerse en contacto con usted? La gente puede contactarme en mi sitio web o por correo electrónico.

Robert Dowling

"when I tell others about my dreams they look at me as if I am crazy...but when I paint my dreams I am a genius"...

"Cuando le digo a los demás acerca de mis sueños me miran como si yo estuviera loco ... pero cuando pinto mis sueños soy un genio" ...

―Chapter two the quest‖, by Robert Dowling

FMX 2010 15th Conference on Animation, Effects, Games and Interactive Media May 04-07, 2010, Stuttgart, Germany Stuttgart/Ludwigsburg, December 2009. Multidisciplined thinking draws cinema, television, computer, console and mobile screens even closer, reinventing them to remain competitive. FMX has been part of this process for more than 15 years now, introducing the world‘s leading experts in the creation, production and distribution of digital entertainment and interactive visualization.

Stuttgart / Ludwigsburg, diciembre de 2009. El pensamiento multi-disciplinado une al cine, televisión, ordenador, consolas y pantallas móviles aún más, reinventándolos para seguir siendo competitivos. FMX ha sido parte de este proceso por más de 15 años, introduciendo a los principales expertos mundiales en la creación, producción y distribución de entretenimiento digital y de visualización interactiva.

Grown with the industry

Creciendo con la industria

Since its founding in 1994, FMX has reflected upon all forms of animation, effects, games, interactive visualization, mobile entertainment and their multiple effects in research and economy. Creative content transcends formats, spreading across the realms of games, animated TV series and mobile applications. FMX embraces this convergence of digital genres and contents, making it the binding theme of the event. More than 350 top notch speakers and partner organizations join FMX every year to better understand the razor edges of our industry.

Photograph: Reiner Pfisterer

Desde su fundación en 1994, FMX ha repercutido en todas las formas de animación, efectos, juegos, visualización interactiva, entretenimiento móvil y sus múltiples efectos en la investigación y la economía. El contenido creativo trasciende los formatos, difundiéndose a través del reino de los juegos, series de animación y aplicaciones móviles. FMX abarca esta convergencia de géneros y contenidos digitales, por lo que es el tema de unión para el evento. Más de 350 oradores de primer nivel y organizaciones asociadas se unen a FMX todos los años para comprender mejor los ribetes de nuestra industria.

FMX 2010 Hot topics for 2010

Temas de actualidad para el año 2010

FMX unites visitors and speakers on many levels: in expert discussions, as networking and recruiting platform and by supporting and promoting young talents. For the upcoming edition hot topics focus on collaborative multi-disciplined production and creation in 360° Media, Hybrid Imagery, most recently seen in James Cameron‘s ―Avatar‖, Robert Zemeckis‘s ―A Christmas Carol‖ and Roland Emmerich‘s ―2012‖, and innovations in 3D Stereo which are conquering not only movie theatres, but even television and other aspects of our lives.

FMX une a los visitantes y conferencistas en varios niveles: en debates de expertos, como plataforma para la creación de redes de contacto y contratación, así como apoyando y promoviendo a jóvenes talentos. Para la próxima edición los tópicos candentes se centran en la producción colaborativa multi-disciplinaria y la creación de medios de comunicación de 360°, imaginería híbrida, visto recientemente en ―Avatar‖ de James Cameron, o ―Un Cuento de Navidad‖ de Robert Zemeckis, al igual que en innovaciones en 3D Stereo, que han conquistado no sólo a las salas de cine, sino que incluso a la televisión y otros aspectos de nuestras vidas.

FMX is an event held in cooperation with VES Visual Effects Society, AIAS Academy of Interactive Arts and Sciences, ACM Siggraph and 5D Conference. It is hosting the Animation Production Day 2010 (APD), a joint venture with the Festival of Animated Film Stuttgart (ITFS). FMX is funded by the Ministry of State and the Ministry of Economics Baden-Wuerttemberg, MFG Baden-Wuerttemberg Public Film Fund & Public Innovation Agency for Information Technology and Media, and the FFA German Federal Film Board. It is an event by Filmakademie Baden-Wuerttemberg, organized by the Institute of Animation, Visual Effects and Digital Postproduction.

FMX es un evento celebrado en colaboración con VES (Visual Effects Society), AIAS (Academia de Artes y Ciencias Interactivas), ACM Siggraph y 5D Conference. Será anfitrión del Día de la Producción de animación 2010 (APD), una empresa en conjunto con el Festival de Cine de Animación de Stuttgart (ITFS). FMX es un proyecto financiado por el Ministerio de Estado y el Ministerio de Economía de Baden-Wuerttemberg, MFG Baden-Wuerttemberg Public Film Fund & Public Innovation Agency for Information Technology and Media, y el FFA German Federal Film Board. Es un evento de la Filmakademie Baden-Wuerttemberg, organizado por el Instituto de Animación, Efectos Visuales y Postproducción Digital.

Photography: Reiner Pfisterer

Mauro d'Agati: Palermo Unsung PUBLISHER: Steidl Photography International FORMAT: Clth, 9 x 12.5 in. / 104 pgs / 55 tritone / DVD (NTSC). ISBN: 9783865219183 / ISBN10: 3865219187 PUBLICATION DATE: 08/31/2009 DISTRIBUTION: D.A.P / CODE:TRADE

In the piazzas of Palermo in southern Italy, between July and October, the local populace gathers to hear and participate in an ongoing music festival. People bring chairs from their houses, or sit on scooters facing the stage, to listen to the latest hit songs. Mauro d'Agati's loving photo-portrait of this wonderful social phenomenon celebrates music, community and pure joy. Palermo Unsung tells the story of singers, cantanti neomelodici, performing at the music festivals in the south of Italy and their frenzied public. It is a story of the common man, ragamuffin, culturally corrupt but human and paradoxically authentic. A 20 minute DVD, assembling pictures by Mauro D窶連gati and soundtrack by Domenico Sciajno, gives a sense of the vibrant acoustics and emotions of these popular festivals.

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Mauro d'Agati: Palermo Unsung

Mauro d'Agati: Palermo Unsung Steidl International Photography Texto de Ferdinando Scianna, Domenico Sciajno. En las plazas de Palermo, en el sur de Italia, entre julio y octubre, la población local se reúne para escuchar y participar en un festival de música en curso. La gente trae sillas de sus casas, o se sienta en los scooters de cara al escenario, para escuchar los últimos hits musicales. El foto-retrato de Mauro Agati de este fenómeno social maravilloso celebra la música, la comunidad y la alegría pura. Palermo Unsung cuenta la historia de cantantes, cantantes neomelodici, actuando en los festivales de música en el sur de Italia y su frenético público. Es una historia sobre el hombre común, raggamuffin, culturalmente corrupto, pero humano, y, paradójicamente, auténtico. Un DVD de 20 minutos, con montaje de imágenes de Mauro D‘Agati y banda sonora de Domenico Sciajno, da una sensación de la acústica vibrante y las emociones de estas fiestas populares.

Who Shot Rock & Roll: A Photographic History, 1955 to the Present Who Shot Rock & Roll is the first major museum exhibition on rock and roll to put photographers in the foreground, acknowledging their creative and collaborative role in the history of rock music. From its earliest days, rock and roll was captured in photographs that personalized, and frequently eroticized, the musicians, creating a visual identity for the genre. The photographers were handmaidens to the rock-and-roll revolution, and their images communicate the social and cultural transformations that rock has fostered since the1950s. Henry Diltz (American, b. 1938). Tina Turner, Universal Amphitheater, Los Angeles (detail), October 1985. Chromogenic print. © Henry Diltz

Who Shot Rock & Roll es la primera exposición importante de museo, acerca del rock and roll, que ubica en primer plano a los fotógrafos, reconociendo su papel creativo y de colaboración en la historia de la música rock. Desde sus primeros días, el rock and roll fue capturado en fotografías que personalizaron, y con frecuencia erotizaron, a los músicos, creando una identidad visual para el género. Los fotógrafos fueron servidores de la revolución del rock and roll, y sus imágenes comunican las transformaciones sociales y culturales que el rock ha fomentado desde los años 50. Baron Wolman (American, born 1937). Little Richard, Fillmore West, San Francisco, October 19, 1969 (printed circa 1985). Gelatin silver print. Courtesy of Baron Wolman

Who Shot Rock & Roll: A Photographic History, 1955 to the Present The exhibition is in six sections: rare and revealing images taken behind the scenes; tender snapshots of young musicians at the beginnings of their careers; exhilarating photographs of live performances that display the energy, passion, style, and sex appeal of the band on stage; powerful images of the crowds and fans that are often evocative of historic paintings; portraits revealing the soul and creativity, rather than the surface and celebrity, of the musicians; and conceptual images and album covers highlighting the collaborative efforts between the image makers and the musicians.

Albert Watson (British, born 1942). LLCool J, 1992 (printed 2009). Inkjet print. Private collection La exposición está dividida en seis secciones: Imágenes raras y reveladoras tomadas detrás de las escenas, tiernas fotos de jóvenes músicos en los inicios de su carrera; estimulantes fotografías de espectáculos en vivo que muestra la energía, pasión, estilo y sex appeal de las bandas en el escenario; poderosas imágenes de las multitudes y los fanáticos que son a menudo evocadoras de cuadros históricos, retratos reveladores del alma y la creatividad, en lugar de la superficie y la celebridad, de los músicos, e imágenes conceptuales y portadas de álbumes que ponen de relieve los esfuerzos colaborativos entre los creadores de imágenes y los músicos.

Who Shot Rock & Roll: A Photographic History, 1955 to the Present Michael Putland was the official photographer on some of the Rolling Stones‘ U.S. and European tours. He had access granted no other photographer and was able to stay in the ―pit‖ for entire concerts while the other photographers were asked to leave after the first three songs. Putland laments the lack of discrimination in the press today when it comes to celebrity portraiture. ―There is no premium for quality,‖ he says. ―I love photography, not the nonsense.‖

Michael Putland fue el fotógrafo oficial de algunos de los tours por Estados Unidos y Europa de los Rolling Stones. Tuvo acceso a lugares que otros fotógrafos no tuvieron y fue capaz de permanecer en el punto en numerosos conciertos, mientras a otros fotógrafos se les pedía abandonar después de las primeras tres canciones. Putland se lamenta de la falta de discriminación en la prensa de hoy, cuando se trata de retratos de celebridades. "No hay Premium por la calidad", dice. "Me encanta la fotografía, no la tontería".

Michael Putland (British, born 1947). Mick Jagger, Philadelphia, 1982 (printed 1990s). Gelatin silver print. Collection of Michael Putland

Who Shot Rock & Roll: A Photographic History, 1955 to the Present

Barry Feinstein (American, born 1931). Bob Dylan with Kids, Liverpool, England, 1966 (printed 2009). Gelatin silver print. Courtesy Barry Feinstein In 1979, the artist Andy Earl, then twenty-four years old, represented Britain at the Venice Biennale (an international contemporary art exhibition).The year before, the impresario Malcolm McLaren, manager of the Sex Pistols, had seen Earl‘s blurred and haunting color photographs at the Photographers‘ Gallery in London. When McLaren wanted something striking and shocking for the cover of a new album by Bow Wow Wow, a group he represented, he remembered Earl‘s photography. Together they settled on a re-envisioning of the nineteenth-century French artist Edouard Manet‘s famous painting Le déjeuner sur l’herbe (The Luncheon on the Grass) of 1863. The male musicians, beautifully costumed by fashion designer Vivienne Westwood, were delicately arranged, and the naked teenaged lead singer, Annabella Lwin, carefully positioned. To McLaren‘s delight, the picture immediately became controversial: the underage rock star did not have her mother‘s permission to pose naked. En 1979, el artista Andy Earl, después veinticuatro años, representó a Gran Bretaña en la Bienal de Venecia (una exposición internacional de arte contemporáneo). El año anterior, el empresario Malcolm McLaren, manager de los Sex Pistols, había visto borrosas e inquietantes fotografías a color de Earl en The Photographers‗ Gallery de Londres. Cuando McLaren quiso algo sorprendente y chocante para la portada de un nuevo álbum de Bow Wow Wow, un grupo que él representaba, se acordó de la fotografía de Earl. Juntos establecieron una nueva visión del cuadro del famoso artista decimonónico francés Edouard Manet Le déjeuner sur l'herbe (El almuerzo sobre la hierba), de 1863. Los músicos masculinos, bellamente vestidos por la diseñadora de moda Vivienne Westwood, fueron delicadamente dispuestos, y la desnudez de la cantante adolescente, Annabella Lwin, cuidadosamente posicionada. Para deleite de McLaren, la imagen de inmediato se convirtió en polémica: la estrella de rock menor de edad no tenía permiso de su madre para posar desnuda.

Who Shot Rock & Roll: A Photographic History, 1955 to the Present

Andy Earl (British, born circa 1955). Bow Wow Wow, 1981 (printed 2009). Inkjet print. Courtesy of Andy Earl

Max Vadukul (British, born Kenya 1961. Amy Winehouse Miami, May 18 2007 (printed 2009). Gelatin silver print. Courtesy of Max Vadukul.

Who Shot Rock & Roll: A Photographic History, 1955 to the Present Cecil Beaton, celebrated portrait and fashion photographer from the 1920s through the 1970s, remembered the revolutionary feeling in photography when female models were allowed to spread their feet apart—even a little. Prior etiquette demanded that the two feet touch. Times change. Here, Max Vadukul takes the viewer right into bed with Amy Winehouse on her wedding day. That she is clothed takes nothing away from the seduction. Rolling Stone ran the picture across two pages in its June 14, 2007, issue under the heading ―The Diva and Her Demons.‖ The photograph dramatizes the challenge of all stars of the twenty-first century: what do you reveal and what do you protect as you approach stardom? Cecil Beaton, celebrado retratista y fotógrafo de moda desde los años 20 hasta la década de 1970, recordó el sentimiento revolucionario en la fotografía cuando a las modelos femeninas se les permitió ubicar sus pies aparte, incluso un poco. Antes la etiqueta exigía el contacto de ambos pies. Los tiempos cambian. Aquí, Max Vadukul lleva al espectador justo a la cama de Amy Winehouse el día de su boda. El hecho de que esté vestida no quita nada de la seducción. La revista Rolling Stone desplegó la fotografía en dos páginas de su edición del 14 de junio 2007, bajo el título "La Diva y sus demonios." La fotografía dramatiza el reto de todas las estrellas del siglo XXI: ¿Qué revelar y qué proteger a medida que consigues el estrellato?

Who Shot Rock & Roll: A Photographic History, 1955 to the Present is organized by the Brooklyn Museum with guest curator Gail Buckland.

Client Fashion

As well as releasing music, running parties, planning guerilla shops and touring the world, Client A from the band Client has developed the new Client fashion brand, which she describes as ―utilitarian, anti bling, vaguely anti fashion and really quite timely‖, and appears as a capsule collection to purchase on the CLIENT website . The collection was recently featured on fashion bible and has also been taken by the fabulous East End boutique START London. CLIENT consist of enigmatic members Client A (Kate) and Client B (Sarah), complemented by Client E (Emma). Influenced in equal parts by Kraftwerk and Koolhaas, and following the credo that less very often equals more, the trio has conjour up focused, lean and nimble music destined for the dancefloors of New York, London, Paris, Munich and beyond.Their recent album ―Command‖ has won them ever more fans and they have toured through Italy, Austria, Finland and Germany.

Tanto en la creación de música, organización de fiestas, planificación de tiendas de guerrilla y giras por el mundo, el ―cliente A‖, de la banda Client (El Cliente), ha desarrollado la nueva marca de moda Client, que ella describe como "utilitaria, anti bling, vagamente anti moda y realmente muy oportuna", que aparece como una cápsula de colección de compra en el sitio web de CLIENT La colección fue recientemente presentada en la biblia de la moda, y también ha sido adoptada por la fabulosa boutique East End START de Londres. CLIENT está compuesta por sus enigmáticas miembros: Cliente A (Kate) y Cliente B (Sarah), complementada por la Cliente E (Emma). Su música está influenciada en partes iguales por Kraftwerk y Koolhaas, y siguiendo el credo de que menos a menudo es igual a más, el trío se ha centrado en música ligera y ágil, destinada a las pistas de baile de Nueva York, Londres, París, Munich y más allá. Su reciente álbum "Command" les ha ganado cada vez más fans, y han estado de gira por Italia, Austria, Finlandia y Alemania.

Client Fashion What is Client ? Client is a new fashion label from Kate Holmes, founder of the electroclash band of the same name. Equal parts austere and sneakily sexy, the line is as influenced by the cold war as it is by Kraftwerk, Koolhaas, and the coolest clubs in the world. The Client line--a capsule collection including a clothing, accessories, and makeup--is all about utilitarian ease…with a hint of edgy sensuality bubbling underneath. What is a client? A secretary, a call girl, a lawyer‘s customer and accountant‘s patron—they‘re all clients. The Client collection nods to uniforms and office wear but interprets that feel with a knowing, modern twist. The pieces are updated, uniquely tweaked takes on the sensibility of what you might expect an old-school shop assistant to wear--and the fantasies they might inspire some customers to have after they leave. Who is Client? The band Client has built a loyal international following, touring the world over the last five years. The group has played tastemaker clubs literally across the globe--in countries like China,Finland , Germany, America, and Mexico--and have sold a vast amount of merchandise like fitted, logo-ed tshirts along the way. The clothing line is distinct from the band, but echoes the imagery and aesthetic of that salient, visual live show. What makes up Client? Upon launch, the Client line will consist of 9 pieces. Everything is easy-to-wear and versatile, but still makes a statement…all for not too much money. The pieces are designed for each wearer to customize with their own accessories and existing wardrobe, whether with designer pieces, high street purchases, or vintage finds. Client…Satisfaction Guaranteed - shop at

Client Fashion ¿Qué es Client (el cliente)? El cliente es una etiqueta de moda de Kate Holmes, fundador de la banda de electroclash del mismo nombre. A partes iguales austera y escondidas sexy, la línea está influenciada por la guerra fría, ya que es de Kraftwerk, Koolhaas, y los mejores clubes del mundo. El cliente de línea - una colección de la cápsula incluida una ropa, accesorios y maquillaje - es todo facilidad sobre utilitario ... con un toque de sensualidad nervioso burbujeo debajo. ¿Qué es un cliente? Una secretaria, una chica llamada, el cliente de un abogado y patrono contable-son todos los clientes. La colección de cliente asiente con la cabeza a los uniformes y ropa de oficina, pero interpreta que se sienten con un toque conocer, moderno. Las piezas se actualizan, de manera única ajustado toma la sensibilidad de lo que cabría esperar un antiguo ayudante de taller de la escuela para usar - y las fantasías que podría inspirar a algunos clientes a tener después de que se vayan. ¿Quién es cliente? El cliente de banda ha creado un siguiente internacional leal, recorriendo el mundo en los últimos cinco años. El grupo ha desempeñado los clubes Tastemaker literalmente en todo el mundo - en países como China, Finlandia, Alemania, Estados Unidos y México - y se han vendido una gran cantidad de mercancía como instalado, el logotipo t-shirts ed en el camino. La línea de ropa es distinta de la banda, pero se hace eco de la imagen y estética de la que muestran más destacados, viven visual. ¿En qué consiste cliente? Durante el lanzamiento, el cliente de línea constará de 9 piezas. Todo es fácil-a-porter y versátil, pero todavía hace una declaración ... y todo por no demasiado dinero. Las piezas están diseñadas para cada usuario a personalizar con sus propios accesorios y vestuario existente, ya sea con piezas de diseño, las compras de la calle principal, o encuentra la vendimia. Cliente ... Satisfacción garantizada - compras en

Tattoo Sleeves : Original Tattoo Art by the world‘s top Tattoo artists

Beginning in the early 90‘s, New York City designer and entrepreneur Peter Mui embarked on an ambitious quest to build a library of original artwork by the world‘s most esteemed tattoo artists, for the purpose of creating a distinctive line of fine art tattoo clothing. TATTOO SLEEVES represents a microcosm of Mui‘s impressive tattoo art collection, which now includes hundreds of works by over 70 artists worldwide. As an iconic representation of the traditional ―tattoo sleeve‖ this exhibition features sleeve art created by over 25 artists, spanning Japanese Irezumi, Maori Tribal, American Traditional, New Skool, Biomechanical, Traditional Thai Monk tattoo, Henna tattoo, and other major tattoo styles. When commissioning an artist, Mui provided a sleeve template (along with front and back shirt templates) and encouraged free creative reign to produce work that would best exemplify the artist‘s signature style. As a result, this exhibition offers a rare window into the diversity of artistic approach within the confines of an iconic sleeve template, as produced by the world‘s most respected tattoo masters. The TATTOO SLEEVES exhibition has been made possible in part, through the generous support of real estate mogul, Tony Goldman. In an ambitious effort to energize the Wynwood Arts District in Miami, Goldman is actively transforming the exteriors of vacant, one-level warehouse buildings into raw canvases for internationally renowned muralists and graffiti artists. If all goes according to plan, the interiors of the warehouse buildings will be soon occupied by galleries, restaurants, and arts related venues.

Tattoo Sleeves : Original Tattoo Art by the world‘s top Tattoo artists

Todd Noble Holloway – Delaware, USA (left) and Horitoyo – Japan (right)

A partir de principios de los 90, New York City del diseñador y empresario Peter Mui se embarcó en una búsqueda ambiciosa de crear una biblioteca de obras de arte originales de artistas del tatuaje más apreciados del mundo, con el fin de crear una línea distintiva de la multa de ropa arte del tatuaje. TATTOO SLEEVES representa un microcosmos de Mui impresionante colección de arte del tatuaje, que ahora incluye a cientos de obras de más de 70 artistas de todo el mundo. Como una representación icónica de la manga tradicional "tatuaje" Esta exposición presenta el arte manga creado por más de 25 artistas, que abarcan Irezumi japoneses, tribales maoríes, American tradicionales, nuevos Skool, biomecánicos, tailandés tradicional tatuaje Monk, tatuaje de henna, tatuajes y otros estilos principales . Cuando la puesta en marcha de un artista, Mui proporcionan una manga de plantilla (junto con la parte delantera y trasera camisa de plantillas) y alentó reinado libre y creativo de producir un trabajo que mejor sería un ejemplo de estilo de la firma del artista. Como resultado de ello, esta exposición ofrece una ventana poco común sobre la diversidad de planteamientos artísticos dentro de los límites de un icono manga plantilla, como producidos por los maestros del tatuaje más respetados del mundo. La exposición TATTOO SLEEVES ha sido posible en parte, gracias al generoso apoyo del magnate de bienes raíces, Tony Goldman. En un ambicioso esfuerzo para revitalizar el Wynwood Arts District en Miami, Goldman activamente la transformación de los exteriores de las vacantes, edificios de una sola bodega nivel en lienzos primas para muralistas de renombre internacional y artistas de graffiti. Si todo va según el plan, los interiores de los edificios de almacén será pronto ocupados por galerías, restaurantes, y lugares relacionados con las artes.

Tattoo Sleeves : Original Tattoo Art by the world‘s top Tattoo artists

When Goldman discovered the history and art concept behind YellowMan, he encouraged YellowMan to participate in his Wynwood Rennaisance. The collaboration of street art and tattoo art, in the context of masterfully executed fine art, offered the prospect of a progressive, urban art movement. For now, YellowMan‘s presence in Wynwood is temporary. But YellowMan is exploring the possibility of a longer term commitment to the community. After all, the TATTOO SLEEVES exhibit reveals only the tip of the iceberg of Peter Mui‘s impressive original tattoo art collection. WHO IS YELLOWMAN? One in four Americans has a tattoo somewhere on his or her body. They come from every segment of American culture, crossing all racial, gender, and economic boundaries, exhibiting a growing confidence in self-expression. Peter Mui started the concept of YellowMan tattoo clothing under the premise that skin color should never be a barrier against social status and acceptance. Chinese blood and Oklahoma native, Mui‘s identity broke all cultural stereotypes, and thus was branded with racial epithets, ―Yellow‖ the most prevalent. In defiance to the name-calling, Mui turned the derogatory label, ―Yellow‖, on its head and branded it as a badge of integrity and pride for those who dare to be different.

This individual, daring to be different, Is YellowMan.

Tattoo Sleeves : Original Tattoo Art by the world‘s top Tattoo artists

Cuando Goldman descubrió la historia y el concepto de arte detrás de Yellowman, Yellowman animó a participar en su Wynwood renacentista. La colaboración de arte de la calle y el arte del tatuaje, en el contexto de obras de arte magistralmente ejecutada, que ofrece la perspectiva de un movimiento progresista, el arte urbano. Por ahora, la presencia de Yellowman en Wynwood es temporal. Pero Yellowman está estudiando la posibilidad de un compromiso a largo plazo a la comunidad. Después de todo, la exposición TATTOO SLEEVES revela sólo la punta del iceberg de la impresionante original de Peter Mui colección de arte del tatuaje. ¿QUIÉN ES YELLOWMAN ? Uno de cada cuatro estadounidenses tiene un tatuaje en alguna parte de su cuerpo. Vienen de todos los segmentos de la cultura americana, cruzando todos los grupos raciales, de género, y las fronteras económicas, que muestran una creciente confianza en la auto-expresión. Peter Mui comenzó el concepto de prendas de vestir tatuaje Yellowman bajo la premisa de que el color de la piel nunca debe ser una barrera contra la condición social y la aceptación. Sangre china y nativo de Oklahoma, la identidad Mui rompió todos los estereotipos culturales, y así fue calificado con epítetos racistas, "Yellow", el más prevalente. En desafío a los insultos, Mui se volvió la etiqueta peyorativa, "Yellow", en la cabeza y con la marca como un símbolo de integridad y el orgullo de aquellos que se atreven a ser diferentes. Este individuo, atreverse a ser diferente, es Yellowman.

Tattoo Sleeves : Original Tattoo Art by the world‘s top Tattoo artists

Tony Paukku – Malmo, Sweden

Filip Leu - Lausanne, Switzerland

Roger Ingerton – Wellington, NZ

Bob Roberts - California, USA

Tattoo Sleeves : Original Tattoo Art by the world‘s top Tattoo artists

Fati Motuehitu – Bora Bora

Chia - Taiwan

Henri Riton – Nantes, France

Buddhist Monk - Thailand

Tattoo Sleeves : Original Tattoo Art by the world‘s top Tattoo artists



Tattoo Sleeves : Original Tattoo Art by the world‘s top Tattoo artists

Aaron Cain - California, USA

Tattoo Sleeves : Original Tattoo Art by the world‘s top Tattoo artists

Ching - Taiwan

Tattoo Sleeves : Original Tattoo Art by the world‘s top Tattoo artists

Horiyoshi III, Japan

Japan Music Week - Punk Festival

As many people know, every year in Austin, Texas, there is a festival called South by South-West (SXSW) that highlights the up and coming talent of the music industry, and where the media and label people congregate to network and sign fresh acts. This year, the owner of the Japanese music magazine "Juice", Jon Lynch, decided to launch the first festival of it's kind in Japan, "Japan Music Week". It spanned over 100 events from November 9th to 15th, 2009, and was all located in the trendy Shibuya area of Tokyo. The Punk Festival for said Music Week, took place at La Mama, a medium-sized "Live House" (music venue) a 5 minute walk from Shibuya station. The line up included : ALF :, Skunk Works :, Laurier Tiernan : MYPROOF : and Papersky : When ALF hit the stage running, I expected them to be little less than a bunch of teenage garage-punks with a fresh sound (judging from what I had heard on their myspace), but they totally blew me away. With the recent addition of a new member or two (?) they totally sounded like old school Bay Area punk, without sounding tired or clichĂŠ. I immediately thought of Jawbreaker and my heart breathed a sigh of relief that I had chosen them to play at this event.

Japan Music Week - Punk Festival

Como muchos saben, cada año en Austin, Texas, hay un festival llamado Sur Sur-Oeste (SXSW) que destaca el nuevo talento de la industria de la música, y donde los medios de comunicación y la gente se congrega para la etiqueta de la red y la nueva señal actos. Este año, el dueño de la revista de música japonesa "Juice", Jon Lynch, decidió poner en marcha el primer festival de este tipo en Japón, "Japón Semana de la Música". Que abarcó más de 100 eventos de 9 a 15 noviembre, 2009, y estaba situado en la zona de moda de Shibuya de Tokio. El Festival de Punk para dicha Semana de la Música, tuvo lugar en La Mama, de tamaño mediano "Live House" (lugar de música) a 5 minutos andando de la estación de Shibuya.

El line up incluyó: ALF:, Skunk Works:, Laurier Tiernan:, MYPROOF: y Papersky: Cuando ALF éxito la fase de ejecución, yo esperaba que fueran poco menos que un grupo de garaje-punk adolescente con un sonido fresco (a juzgar por lo que había escuchado en su MySpace), pero totalmente me dejaron alucinado. Con la reciente adición de un nuevo miembro o de dos (?) Que parecía totalmente la vieja escuela punk Área de la Bahía, sin sonar cansado o cliché. Inmediatamente pensé en Jawbreaker y mi corazón un suspiro de alivio que había escogido para tocar en este evento.

Japan Music Week - Punk Festival Skunk Works are not Ska, but they would be right at home with horns on stage. Borrowing a little from Less Than Jake and a little from No Doubt, they rock straight ahead with head-nodding fist in the air anthems that are at home with the skate rock crowd and their girlfriends as well, but would also fit in perfectly on any radio station's playlist.


Skunk Works no son Ska, pero sería como en casa con los cuernos en el escenario. Tomando un poco de Less Than Jake y un poco de No Doubt, they rock al frente con la cabeza asintiendo con la cabeza en el puño de los himnos de aire que están en casa con la multitud skate rock y sus amigas también, pero también encajan perfectamente en cualquier lista de reproducción estación de radio.

What can I say about myself (Laurier Tiernan)? I was originally asked to organize the punk stage because of how much airplay and exposure I had gotten in the past year as an independent artist, and then I passed the ball to someone more experienced (a venue owner) once the roster was in place. We play pop-punk that I write, which often features intensely personal or political lyrics, but which I try to pepper with a bit of universal appeal. If you feel like it, give my myspace page a listen. We rocked the stage like the older brothers on a mission that we are, flying sweat, colliding guitar necks, dueling vocals and the rock g-d Kopi Kopenhagen on the drums behind us.

¿Qué puedo decir acerca de mí mismo (Laurier Tiernan)? Yo estaba originalmente el encargo de organizar el punk etapa debido a la cantidad de Airplay y la exposición que había conseguido el año pasado como artista independiente, y luego me pasó el balón a alguien con más experiencia (el propietario del local) una vez que la lista estaba en su lugar. Tocamos pop-punk que yo escribo, que a menudo contiene letras intensamente personal o política, sino que trato de pimienta con un poco de atractivo universal. Si ganas, darle a mi página de myspace a listen. Nos sacudió el escenario como los hermanos mayores en una misión que estamos, el sudor de vuelo, chocando cuellos guitarra, voces de duelo y la roca gd Kopi Kopenhagen en la batería detrás de nosotros.

Exclusive live video “Killing Hope” from Laurier Tiernan is available on this issue’s digital download!

Exclusiva live video “Killing Hope” from Laurier Tiernan está disponible en de descarga digital de este edición!

Japan Music Week - Punk Festival MYPROOF brought the screamo and metalcore element to the evening and at first it made me nervous to watch them because I thought that maybe they'd ALMOST be more comfortable at the Metal Festival, but that's what punk is supposed to be about, right; stretching boundaries or smashing them? They had two dropped-tuned guitarists on stage and their lead singer prancing in circles, screming at the end of his lungs like a man gone mad looking for something. Intense like few acts I've seen before, but also possessors of a fabulous friendliness and a great sense of humor, as I discovered later.


MYPROOF interpuso el screamo y elementos de metalcore a la tarde y al principio me ponía nervioso al verlas porque pensé que casi sería más cómodo en el festival de metal, pero eso es lo punk se supone que sobre, a la derecha, se extiende límites o destruirlas? Tuvieron dos cayeron sintonizado guitarristas en el escenario y su cantante haciendo cabriolas en círculos, screming al final de sus pulmones como un hombre se ha vuelto loco buscando algo. Intensos como los actos que he visto antes, pero también los poseedores de una amistad fabulosa y un gran sentido del humor, como descubrí más tarde.

The darlings of the evening were Papersky, who had won a contest this summer to play Summer Sonic (one of the country's most prestigious festivals). Some may call them MOR but I think they are fabulously fun. Mixing Linkin Park-style dynamics with old-school "can't-put-my-finger-on-it" old school emo/hardcore, they are pleasure in a box. They also possess the self-effacing quality of the Bare Naked Ladies, which bodes well for their potential for mass-appeal. Instead of being in your face and arrogant, the keyboardist actually let the audience know, "this is the song on which I scream" before he assumed vocal duties for one particularly intense number; eliciting appreciative laughter from their fans.

Exclusive video interview with Papersky + “Dance To The Music” (live video) available on this issue’s digital download!

Exclusiva video entrevista con Papersky + ―Dance To The Music‖ (live video) está disponible en de descarga digital de este edición!

Japan Music Week - Punk Festival Los consentidos de la noche fueron Papersky, que había ganado un concurso de este verano para jugar el Summer Sonic (uno de los festivales más prestigiosos del país). Algunos pueden llamar MOR, pero creo que son increíblemente divertidos. Mezcla de Linkin Park-la dinámica con el viejo estilo-no puede la escuela "-poner-mi-dedo-en-hardcore que" emo de la vieja escuela /, que son el placer en una caja. También poseen la modesta calidad de damas Bare Naked Ladies, que es un buen augurio para su potencial de atracción masiva. En lugar de ser en la cara y arrogante, el tecladista de dejar realmente que el público sabe ", esta es la canción en la que yo grito" antes de que él asumió las funciones de voz para un número particularmente intenso, provocando risas agradecida de sus fans.

Papersky Overall it was a very special night, and like all legendary special nights, there were not enough people in attendance but as I predicted, I'm sure this is a show that people will be talking about for years. Article by Laurier Tiernan En general fue una noche muy especial, y como todas las noches legendarias de personas especiales, no había suficiente asistencia, pero como yo predije, estoy seguro de que esto es un show que la gente va a estar hablando durante años. Artículo de Laurier Tiernan

Exclusive video interview with SkunkWorks is available on this issue’s digital download!

Exclusiva video entrevista con SkunkWorks está disponible en de descarga digital de este edición!

Skunk Works are Japanese punk band group, form in Tokyo Japan.

Skunk Works son el grupo japonés banda de punk, la forma en Tokio, Japón.

2005 (SEP) ■ Consisting at that time of Yonkiti(Vo/Gt) and kawahara(Ba/Vo)

2005 (SEP) ■ que entonces constaba de Yonkiti (Vo / GT) y Kawahara (Ba / Vo)

2007 (FEB) ■ Yonkiti change formed to (LeVo). And they founded YamaChang(LeGt) , Aratan(Gt)

2007 (FEB) ■ cambio Yonkiti formado para (levo). Y fundaron YamaChang (legt), Aratan (Gt)

(JUL) ■ Released first single LIZARD in sales only live house. (DEC) ■ Started voluntary plan called ―Speed Freaks‖

(Julio) ■ Lanzamiento LIZARD primer single en las ventas sólo se vive una casa. (DEC) ■ Introducción plan voluntario llamado "Speed Freaks―

2008 (JUN) ■ Founded Mitsumune (Dr) ■ Re-released LIZARD from Zenext Record. ■ Joined to the compilation album The ROCK SOUNDTRACKS vol.6 from Kick Rock MUSIC in named Secret Base.

2008 (JUN) ■ Fundada Mitsumune (Dr) ■ Re-lanzado lagarto de Zenext Registro. ■ Antigüedad el álbum recopilatorio The ROCK SOUNDTRACKS vol.6 de Kick MUSICA ROCK en nombre Secret Base.

2009 (JUL) ■ Released first album OFF THE WALL.

2009 (Julio) ■ El primer álbum OFF THE WALL.


Exclusive video interview with MyProof is available on this issue’s digital download! Japan‘s MYPROOF is a prime example of a band that push itself to the limits to every release to fully utilize their technical abilities. Their metalcore sound from their beginning in 1999 up to their full length album ―Reason for my justice‖ released in 2006 by Gods Child Music, has long been gone as they totally embraced the realm of melodic death metal starting with their ―Sky of Destiny‖ ep released in 2007 through their own label, Akashi Inc., up to their newest ep ―Pupil of Astraea‖. Their change in musical direction seems like a natural progress for the band since they are too good to be contained in the saturated metalcore genre. Despite the change in musical direction, their love for Japanese ballads and anime sounds is fortunately still intact thus we can rest assure that their music is still a refreshing listen, unique and most importantly still a representation of them being Japanese. Their past releases have been praised by both hardcore and metal critics worldwide and received rave reviews from metal and hardcore related webzines/magazines from around the globe.

Exclusiva video entrevista con MyProof está disponible en de descarga digital de este edición! MYPROOF de Japón es un excelente ejemplo de una banda que empujar a sí mismo en los límites de cada lanzamiento a utilizar plenamente sus capacidades técnicas. Su sonido metalcore desde su inicio en 1999 hasta su álbum completo "Razón de mi justicia", lanzado en 2006 por los dioses Child Music, ha sido durante mucho tiempo desaparecido totalmente, ya que pertenecer al mundo de death metal melódico empezando por su "Sky of Destiny" EP lanzado en 2007 a través de su propio sello, Akashi, Inc., hasta su más reciente EP "Alumno de Astrea". Su cambio en la dirección musical parece un progreso natural para la banda, ya que son demasiado buenas para ser figura en el género metalcore saturado. A pesar del cambio en la dirección musical, su amor por las baladas y los sonidos de anime japonés es, afortunadamente, sigue intacta así podemos estar seguro de que su música sigue siendo un refrescante escuchar, único y más importante aún una representación de ellos es japonés. Sus versiones anteriores han sido elogiados por los críticos de hardcore y metal de todo el mundo y recibió excelentes críticas de metal y el hardcore webzines relacionados y revistas de todo el mundo.

MyProof Their phenomenal ability to make mind lingering melodies, great song writing, unique anime sounding guitar solos, perfect blending of death metal growls and Japanese style ballad singing, and over all great musicianship will make you think why are they still relatively unknown in the metal world outside of Asia. The metal community is committing a crime by ignoring talented non-American/European.

Su capacidad fenomenal para hacer la mente melodías persistentes, escribiendo gran canción, anime únicos solos de guitarra de sonido, mezcla perfecta de metal gutural y cantando la balada de estilo japonés, y sobre todo una gran musicalidad le harán pensar por qué son todavía relativamente desconocido en el mundo del metal fuera de Asia. La comunidad de metal está cometiendo un delito al hacer caso omiso nonAmerican/European talento.

MYPROOF, will be reissuing their critically acclaimed ―Pupil of Astraea‖ cd this coming October thru TRINITY RECORDS HONG KONG to celebrate their decade long existence. The said reissue will be dubbed as ―Decade Edition‖ and it will include 4 bonus tracks exclusively recorded for this version and a totally new artwork. It has a total playing time of 40 minutes of the band‘s signature blending of melodic deathmetal, hardcore, and Japanese culture.

MYPROOF, será reeditar su aclamado "Alumno de Astrea" cd octubre próximo a través de expedientes TRINIDAD Hong Kong para celebrar su década larga existencia. Dicho reedición será doblada como "Decenio Edition" y se incluyen 4 bonus tracks grabados exclusivamente para esta versión, y una obra de arte totalmente nuevo. Tiene un tiempo de reproducción total de 40 minutos de mezclar la firma de la banda de deathmetal melódico, hardcore, y la cultura japonesa.

The album will be available worldwide. If you already have the ep version, we suggest that you also grab the ―Decade Edition‖ as the 4 bonus tracks are guaranteed to be worth every penny. To those already familiar with the band, we all know that MyProof always push themselves in creating technical proficient riffs, mind lingering melodies, and harmonious dual guitar dueling so we can be sure that every songs that they made will always satiate our thirst for infectious and innovative melodic deathmetal/metalcore cravings.

El álbum estará disponible en todo el mundo. Si usted ya tiene la versión del Parlamento Europeo, le sugerimos que también coger el "Decenio de edición", como se les garantiza el 4 bonus tracks que se vale cada centavo. Para los que ya están familiarizados con la banda, todos sabemos que siempre MyProof esforzarse en la creación de riffs de habilidad técnica, la mente melodías persistentes, y armoniosa duelo guitarra dual para que podamos estar seguros de que todas las canciones que hicieron siempre saciar nuestra sed de infecciosas y deathmetal melódico innovadores / antojos de metalcore.

Papersky Papersky is a four piece band with backgrounds from both the US and Japan. Brian, Kenta, Hiroshi, and Nathan all attended the same international high school in Tokyo, Japan. They all attended University in the Boston area and formed Papersky in summer of 2006.

Papersky es una banda de cuatro miembros con antecedentes de los EE.UU. y Japón. Brian, Kenta, Hiroshi, y Nathan todos asistieron a la misma escuela secundaria internacional en Tokio, Japón. Todos ellos asistieron a la Universidad en el área de Boston y formó Papersky en el verano de 2006.

September 2009 - Gino(Vo/Gt) officially joins the band.

Septiembre 2009 - Gino (Vo / Gt) oficialmente se une a la banda.

Papersky does not like to categorize, and pushes themselves to continue to evolve. Although they are comfortable in their heavy/punk rock backgrounds, they are continuing to expand their music in every direction from, pop, trance, metal, and more there seems to be no boundaries. With a wide range of musical tastes between all of the members and the versatility of having keyboards and a DJ, Papersky continues to sample new types of music while making it their own. Their energy on stage is undeniable as the whole band truly shows that they love music.

Papersky no le gusta clasificar, y empuja a continuar evolucionando. A pesar de que se sientan cómodos en sus pesados y fondos de punk rock, están continuando con su música en toda la dirección de, pop, trance, metal, y más no parece que no hay límites. Con una amplia gama de gustos musicales entre todos los miembros y la versatilidad de los teclados y con un DJ, Papersky sigue muestra los nuevos tipos de música al mismo tiempo por lo que es suyo. Su energía sobre el escenario es innegable, como toda la banda demuestra que verdaderamente aman la música.

Music has helped each band member personally in the past, and they believe that is continues to be a necessity in their lives. Thus, they want to contribute positive music to the populace just the same. They aim to write music that will empower people on a personal level as well music that will have an impact on larger scale. Larger change reform can be achieved by showing people that they should think critically of their surroundings, and that they should strive to understand new perspectives about the world that surrounds them. If people can learn to do this, we can hope to make a concrete positive change in our world.

La música ha ayudado personalmente a cada miembro de la banda en el pasado, y creen que es sigue siendo una necesidad en sus vidas. Así, quieren contribuir positivamente a la música de la población por igual. Su objetivo es escribir música que ayudará a las personas a un nivel personal y musical que tendrá un impacto en gran escala. La reforma más grande cambio se puede lograr al mostrar a la gente que debe pensar en forma crítica de su entorno, y que deben tratar de comprender las nuevas perspectivas sobre el mundo que los rodea. Si la gente puede aprender a hacer esto, podemos esperar hacer un cambio positivo concreto en nuestro mundo.

World Graffiti

Dekalb Ave, Atlanta, Georgia, USA.

SUSO33 ―Voices‖ in Madrid, Spain

World Graffiti

Artist: Dimitris Taxis (Athens, Greece)

World Graffiti

Dec. 01, 2009 - MADRID, Spain

01 de diciembre 2009 - MADRID, España

A graffiti artist gives the final touches to his artwork to commemorate the 20th annual World AIDS Day at Complutense University in Madrid, Spain, 01 December 2009. About 300 graffiti artists gathered in the University's campus to paint a 1,500 meter large mural with the theme 'Preventing HIVAIDS', as part of a Spain's Youth Board's initiative to commemorate World AIDS Day and aimed to accomplish the 'World's longest graffiti.

Un artista de graffiti da los toques finales a su obra de arte para conmemorar el 20o Día Mundial del SIDA anual de la Universidad Complutense de Madrid, España, 01 de diciembre de 2009. Alrededor de 300 artistas de graffiti se reunieron en el campus de la Universidad de pintar un gran mural con la prevención de 1.500 metros el tema "VIH-SIDA, como parte de una iniciativa para la juventud Junta de España para conmemorar el Día Mundial del SIDA y dirigidas a lograr el 'graffiti más largo del mundo.

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Martin Müller ―The attitude of Martin Müller seems to be equivalent to the structural analyses of the anthropologist claude lévi-strauss. he described ―the raw and the cooked‖ as binary pairs of an opposite where the ―raw‖ is associated with ―nature‖ and the ―cooked‖ is associated with culture. in guyana e.g. the rule demands the destruction of the smoke hut after the meat has been smoked in there: if the product (smoked meat) is stable, the means of production (hut) has to be instable. the balance between nature (the sphere of the dead animal) and culture (smoked meat) always has to be assured. For a long time now martin müller is engaged with putting different levels of expression and different levels of reality together so that they come to coexistence. the diptych (―sum up‖ 1988) e.g. combines a very expressive way of painting with a very precise and accurate style. After working with quotations of art history over a period of time he started to use digital airbrush techniques in the year 2000. of all the paintings created from that time on ―heyoka‖ (2000) is of special importance: here, as before, two heterogeneous layers of images lie upon each other. in a significant way the subject has been painted over with a dynamic red color. the viewer is tempted to associated interpretations as used in gestalt psychology. while his works on paper come across as collages the works on canvas create a spatiality caused by the different layers of reality put together. at the same time the artist does consequently without any foreshortening or any other techniques that follow the rules of perspective.

sum up 200x140cm dispersion 1988

Martin Müller "La actitud de Martin Müller parece ser equivalente a los análisis estructurales del antropólogo Claude Lévi-Strauss, que describió "lo crudo y lo cocido", como pares binarios de un contrario donde lo "crudo‖ está asociado con la "naturaleza" y lo "cocido" se asocia con la cultura. Por ejemplo, en Guyana la norma exige la destrucción de la cabaña de humo después de que la carne se ha ahumado ahí: si el producto (carne ahumada) es estable, los medios de producción (Cabaña) tienen que ser inestables. El equilibrio entre la naturaleza (la esfera del animal muerto) y la cultura (carne ahumada) siempre tiene que estar garantizada. Desde hace mucho tiempo, Martin Müller está dedicado a poner diferentes niveles de expresión y diferentes niveles de la realidad juntos para que puedan coexistir. El díptico ( "resumen", 1988) por ejemplo, combina de una manera muy expresiva la pintura con un estilo muy preciso y exacto. Después de trabajar con Citas sobre la Historia del Arte por un tiempo, empezó a utilizar técnicas de aerógrafo digital en el año 2000. De todos los cuadros creados a partir de ese momento "Heyoka" (2000) es de especial importancia: aquí, como antes, dos capas heterogéneas de imágenes se encuentran una sobre otra. De manera significativa, el tema ha sido pintado con un color rojo dinámico. El espectador se siente tentado a hacer interpretaciones asociativas como se utiliza en la Psicología de la Gestalt. Mientras que sus obras sobre papel dan la impresión de ser collages, sus obras sobre lienzo crean una espacialidad causada por las diferentes capas de la realidad en su conjunto. Al mismo tiempo, el artista hace Consecuentemente, sin ningún escorzo u otra técnica, más que seguir las reglas de la perspectiva.

Grünknochen 300x200cm acrylic 1991

Martin Müller Paintings like ―kachina sunday 2‖add the written word as an additional layer. the dolls of the hopi indians are called ―kachinas‖. here they are only part of the title but not actually depicted in the picture itself. instead in the left part of the diptych we see a portrait of the poet gottfried keller and an elephant image created by otto pankok. The right part of the picture insinuates a period of time in france when the romanesque changed to gothic architecture. in the works of martin müller the image of an elephant occurs frequently. if one uses iconographical-semantical analysis, his painting could be characterized as being structural in the sense outlined before. his painting is concerned with what is meant (the object pictured) and at the same time with what is meant by the poetic and metaphorical content of the sign.― jürgen raap (in: „heyoka – energie, materie, transformation―, pan kunstforum, emmerich / e.on mitte, kassel 2006, catalogue, p.8)

Pinturas como "Domingo kachina 2" agregan la palabra escrita como una capa adicional. Las muñecas de los Indios Hopi se llama "kachinas". Aquí sólo forman parte del título, pero en realidad no están retratadas en la pintura. En cambio, en la parte izquierda del díptico vemos un retrato del poeta Gottfried Keller y la imagen de un elefante creado por Pankok Otto. La parte derecha de la imagen insinúa un período de tiempo en Francia cuando el románico cambió a la arquitectura gótica. En las obras de Martin Müller, aparece con frecuencia la imagen de un elefante. Si se realiza un análisis iconográfico-semántico, su pintura podría ser caracterizada como estructural en el sentido señalado anteriormente. Su obra tiene que ver con lo que se entiende (el objeto retratado) y al mismo tiempo, con lo que se entiende por el contenido poético y metafórico del signo. RAAP Jürgen (en: "Heyoka - Energie, materie, la transformación", pan Kunstforum, Emmerich / Mitte E.ON, Kassel 2006, Catálogo, p. 8)

kachina sunday 200x150cm acrylic, collage 1995

Martin Müller You have worked as a painter and drawer since the early 1980's. What changes have you noticed in the art world since you began?

Usted ha trabajado como pintor y dibujante desde principios de 1980. ¿Qué cambios has notado en el mundo del arte desde que empezó?

The influence of the art market has increased immensively. Although we had a big crash during die 1980´s which defined the irreversible end of avantgarde the market tried again and again to proclaim a new ―ism‖ or international style or media that is hyped periodically. Painting is in, painting is out for some years, photography is in, photography is out and so on. These are boring market and fashion mechanisms and is no real artistic and cultural discourse. On the other hand there has been a real burst of new art spaces, festivals and other opportunities during the last 20 years to show and discuss art and society besides the commercial patterns what is a very positive effect and development.

La influencia del mercado del arte ha aumentado immensively. Aunque hemos tenido un grave accidente, mueren durante el 1980, que define el final irreversible de la vanguardia del mercado intentó una y otra vez para proclamar un nuevo "ismo" o estilo internacional o de los medios de comunicación que es promocionado de forma periódica. La pintura es, en, la pintura está fuera durante algunos años, la fotografía es, en, la fotografía es hacia fuera y así sucesivamente. Estos son aburridos y los mecanismos de mercado de la moda y no es el discurso real artísticas y culturales. Por otro lado ha habido una explosión real de nuevos espacios de arte, festivales y otras oportunidades durante los últimos 20 años para mostrar y discutir el arte y la sociedad, además de los patrones comerciales lo que es un efecto muy positivo y el desarrollo.

heyoka 160x120cm digital print, acrylic 2000

Martin Müller What techniques do you use to create your art? This depends on the media. In my paintings I am using acrylic for both the (hyper-) realistic and the gestural or figurative elements. During the last years I added digital airbrush in a very low resolution to create the realistic quotations on canvas. The works on paper are always mixed media. It is the relation between the physical and the mental, between the objectivity and the meaning which defines the particular choice of technique.

¿Qué técnicas utilizan para crear su arte? Esto depende de los medios de comunicación. En mis pinturas yo estoy usando acrílico, tanto para la (hiper-) realista y los elementos gestuales o figurativa. Durante los últimos años he añadido aerógrafo digital en una resolución muy baja para crear las cotizaciones realistas sobre lienzo. Las obras en papel son siempre los medios de comunicación mixtos. Es la relación entre lo físico y lo mental, entre la objetividad y el sentido que define la particular elección de la técnica.

¿Cómo definirías tu estilo? How would you define your style ? Although I am also an art historian I don´t want to define it. However there are no borders within my work even within the specific fields. In my paintings, the mixed media pieces or the digital prints you can always find several layers of visualization, technique and meaning. Within one piece there are realistically painted, drawn or printed images as well abstract and gestural elements and written quotations or notes whereas the written language represents both language and drawing. All these elements and layers are not merged with each other but stay autonomous. So the eyes, the mind and soul of the viewer are permanently oscillating between the different layers of visualization, gesture and meaning. The whole is more than the sum of its parts.

Aunque yo también soy un historiador del arte no quiero definirlo. Sin embargo no hay fronteras en mi trabajo, incluso dentro de los campos específicos. En mis pinturas, las piezas de medios mixtos o de las huellas digitales, siempre se puede encontrar varias capas de visualización, la técnica y significado. Dentro de una sola pieza hay realista pintado, dibujado o las imágenes impresas, así como elementos abstractos y gestuales, y otros escritos o notas mientras que la lengua escrita representa tanto el lenguaje y el dibujo. Todos estos elementos y las capas no se mezclan entre sí, pero la estancia autónoma. Así que a los ojos, la mente y el alma del espectador de forma permanente que oscila entre las diferentes capas de la visualización, el gesto y el significado. El todo es más que la suma de sus partes.

kachina sunday 2 240x160cm photograph, acrylic 1995

Martin Müller Elephants occur frequently in your work. Is there any special significance to this? A lot of animals occur in my work. The elephant represents knowledge and power in different cultures as well in an intercultural perception. But this is only the one side of the story. If one uses iconographical-semantical analysis my work could be characterized as being structural in the sense of the structural analyses of the anthropologist Claude LéviStrauss. He described ―the raw and the cooked‖ as binary pairs of an opposite where the ―raw‖ is associated with ―nature‖ and the ―cooked‖ is associated with culture. In Guyana e.g. the rule demands the destruction of the smoke hut after the meat has been smoked in there: If the product (smoked meat) is stable, the means of production (hut) has to be instable. The balance between nature (the sphere of the dead animal) and culture (smoked meat) always has to be assured. Accordingly my painting is concerned with what is meant (the object pictured) and at the same time with what is meant by the poetic and metaphorical content of the sign. Who (or what) inspires you?

kachina sunday 2 200x290cm acrylic ,1993

My life. My Love. People and friends. Culture and socializations. The Unknown. And hopefully my lasting curiosity and learning.

Los elefantes se producen con frecuencia en su trabajo. ¿Hay algún significado especial para esto? Una gran cantidad de animales se producen en mi trabajo. El elefante representa el conocimiento y el poder en las diferentes culturas, así como en una percepción intercultural. Pero esto es sólo un lado de la historia. Si se utiliza el análisis iconográfico-semánticas mi trabajo puede ser caracterizada como estructural en el sentido de los análisis estructurales del antropólogo Claude Lévi-Strauss. Él describió "lo crudo y lo cocido", como pares binarios de un contrario en el "crudo está asociado" con la "naturaleza" y el "cocido" se asocia con la cultura. En Guyana, por ejemplo, la norma exige la destrucción de la cabaña de humo después de que la carne se ha fumado en que: Si el producto (carne ahumada) es estable, los medios de producción (HUT) tiene que ser inestable. El equilibrio entre la naturaleza (la esfera de los animales muertos) y cultura (carne ahumada) siempre tiene que estar garantizada. Por lo tanto mi pintura tiene que ver con lo que se entiende (el objeto en la foto) y al mismo tiempo, con lo que se entiende por el contenido poético y metafórico de la señal. ¿Quién (o qué) te inspira? Mi vida. Mi amor. La gente y los amigos. Cultura y socializaciones. El desconocido. Y espero que mi curiosidad permanente y el aprendizaje.

Martin Müller Your past research has included works such as Joseph Beuys' "Theory of Science and Shamanism". Is Shamanism something you are interested in & do you feel it is linked to your art?

Su investigación en el pasado incluyen obras tales como Joseph Beuys "teoría de la ciencia y el chamanismo". El chamanismo es algo que le interesa y se siente usted que está vinculada a su arte?

This was subject of my doctoral dissertation 25 years ago. In a scientistic and anthropological view shamanism only exists as a cultural and social phenomenon in shamanistic societies. On the other hand it represents an approach to life and nature which is not ―outdated‖ by modern societies and their ―superior‖ expansive claims of development and evolution. Shamanism is an ―incommensurable‖ paradigmatic approach within defined rules. And cannot be measured with the excluding methods and technical devices of a rationalistic western science. The first artists have been the shamans and painters of the prehistoric caves in Altamira, Lascaux or Vallon-Pont-d‘Arc. In this sense it is linked to art in general. So it is an outstanding achievement of Joseph Beyus to have widened the concept and theory of cognition and science with his understanding and realization of art.

Esto fue tema de mi tesis doctoral hace 25 años. En un chamanismo vista cientificista y antropológica sólo existe como un fenómeno cultural y social en las sociedades chamánicas. Por otra parte, representa un enfoque a la vida y la naturaleza que no es "obsoleta" por las sociedades modernas y sus "superiores", afirma expansiva del desarrollo y evolución. El chamanismo es un "inconmensurable" enfoque paradigmático dentro de las reglas definidas. Y no puede ser medido con la exclusión de métodos y dispositivos técnicos de una ciencia occidental racionalista. Los primeros artistas han sido los chamanes y los pintores de las cuevas prehistóricas de Altamira, Lascaux o Vallon-Pont-d'Arc. En este sentido, está vinculada al arte en general. Así que es un logro excepcional de José Beyus que han ampliado el concepto y la teoría de la cognición y la ciencia con su comprensión y realización del arte.

Der Tod wird erschossen 250x150cm acrylic 1989

Martin Müller You've been involved with the foundation of the web site since it began. Can you tell us a little about what the site is and what it aims to do ? is a network of artists, designers, authors, filmmakers and (social) cultural managers. It is no company. All partners are autonomous and have their own additional networks by themselves. If one of us is asked or commissioned to realize a project, an exhibition or make a film the particular partner organizes ―his/her‖ team of partners to take part in it with his/her particular competency The binding claim between us is the reliability of a high quality, an inspiring atmosphere of production and a social responsibility as basis of our shared philosophy. How can people become more involved with ? People can visit our website http:// and will find all needed information over our projects and recent work as well the needed contact informations/websites of each partner. If there is a cultural project which needs a support we can give with our competencies people can contact us easily by email.

Usted ha estado involucrado con la fundación de la página web de desde que comenzó. ¿Puedes contarnos un poco sobre lo que el sitio es y lo que pretende hacer? es una red de artistas, diseñadores, escritores, cineastas y (sociales) los gestores culturales. No es de la empresa. Todos los socios son autónomos y tienen sus propias redes adicionales por sí mismos. Si uno de nosotros se le pide o encargado de realizar un proyecto, una exposición o hacer una película de la pareja en particular organiza "su" equipo de socios a participar en ella con su / reclamar su competencia en particular, la unión entre nosotros es la fiabilidad de una alta calidad, un ambiente estimulante de la producción y la responsabilidad social como base de nuestra filosofía compartida. ¿Cómo puede la gente involucrarse más con La gente puede visitar nuestra página web y encontrará toda la información necesaria sobre nuestros proyectos y trabajos recientes así como la información de contacto necesaria o sitios web de cada socio. Si hay un proyecto cultural que necesita un apoyo que podemos dar con nuestras competencias la gente puede fácilmente en contacto con nosotros por correo electrónico.

Martin Müller Could you explain your piece "Not From Here 7" ?

―Not from here‖ is a work in progress and deals with the different aspects of intercultural perception and understanding. As a German artist, who lives in Berlin and has never been in New Zealand, I systematically try to express as a painter and drawer my personal view on New Zealand, its cultural heritage and contemporary practice, ―from outside‖. A view, that is defined by my personal development, visual language and professional background, my European cultural identity and character. Informations and imagery, stereotypes and impressions of New Zealand transported by media and internet mix up with my personal and cultural imagery as well philosophical and historical reflections and notations. Worldwide Mickey Mouse – such as in ―No 7‖ - meets mana. Quotations of contemporary Poetry of New Zealand cluster with linguistic reflections and theory of cognition and science of Quine, Popper, Dürr or Feyerabend. As well my artistic approach reflects the ideas of the American artist Robert Smithson and his referential conception of ―sight / nonsight‖ and ―site / non-site‖. Phase 1 of ―Not from here‖ consists of 60 digital prints realized in Berlin. Phase 2 consists of 30 mixed media pictures on paper as well realized in Berlin. Phase 3 finally consists of 15 paintings, each 200 x 300 cm, realized during a 5 months artist in residency in NZ. In conclusion the project will be shown as a whole afterwards in the Centre of Contemporary Art (COCA) in Christchurch for the first time next year. You've lived in Berlin since last year. How is the art scene in Berlin at the moment ? Amazing. There are hundreds of first class museums and private galleries in Berlin where the whole international art scene is represented. It is really huge and similar to places like New York in the meantime. If you are an artist or art fan a visit to Berlin – with plenty of time - is an absolute must.

¿Podría explicar su pieza «Not From Here 7"? "No es de aquí" es un trabajo en progreso y se ocupa de los diferentes aspectos de la percepción y la comprensión intercultural. Como un artista alemán, que vive en Berlín y nunca ha estado en Nueva Zelandia, que sistemáticamente tratan de expresar como pintor y dibujante, mi opinión personal sobre Nueva Zelanda, su patrimonio cultural y la práctica contemporánea, "desde fuera". Un punto de vista, que se define por mi desarrollo personal, el lenguaje visual y la experiencia profesional, mi identidad cultural europea y su carácter. Información e imágenes, los estereotipos y las impresiones de Nueva Zelanda transportados por los medios de comunicación y la combinación de Internet con mi imagen personal y cultural, así como reflexiones filosóficas e históricas y anotaciones. En todo el mundo Mickey Mouse - como en "n º 7" cumple maná. Las citas de la poesía contemporánea de Nueva Zelanda, con las reflexiones de racimo lingüística y la teoría de la cognición y la ciencia de Quine, Popper, Dürr o Feyerabend. Además de mi planteamiento artístico refleja las ideas del artista estadounidense Robert Smithson y su concepción referencial de la "vista / nonsight" y el "lugar / nolugar". Fase 1 de "No es de aquí" consta de 60 impresiones digitales realizadas en Berlín. Fase 2 consta de 30 imágenes mixta sobre papel, así se dio cuenta en Berlín. Fase 3, finalmente se compone de 15 cuadros, cada uno de 200 x 300 cm, realizado durante un artista de 5 meses de residencia en Nueva Zelandia. En conclusión, el proyecto se muestra como un todo después en el Centro de Arte Contemporáneo (COCA) en Christchurch, por primera vez el próximo año. Usted ha vivido en Berlín desde el año pasado. ¿Cómo es la escena artística de Berlín en este momento? Increíble. Hay cientos de museos de primera clase y galerías privadas en Berlín, donde está representado el conjunto de la escena internacional del arte. Es realmente enorme y similar a lugares como Nueva York, en el ínterin. Si usted es artista o aficionado de arte de una visita a Berlín - con un montón de tiempo - es una necesidad absoluta.

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Martin M端ller

not from here 7 59x84cm mixed media

Martin Müller You were visiting curator of the International Art Festival “OSTRALE´09” in Dresden last year. How was that experience?

Estuvo visitando la curadora de la "International Art Festival OSTRALE'09 año" en Dresden pasado. ¿Cómo fue esa experiencia?

Splendid ! In the meantime I am member of board of the festival´s series. The OSTRALE took place for the third time last year and is an emerging huge art festival which is on its way during the next years to become No 3 in Germany besides the two big ones documenta and Berlin Biennale. 160 international artists were chosen from the submissions by a jury or invited by the curators to show painting, sculpture, installation, video, performance a.s.o. on 15000m² exhibition space and 50000m² outdoor space last year. During the three festival weeks we had 11000 visitors. A very good impression of the festival can be found on the website Until March 31 artists still can submit their applications for the next OSTRALE´010 which will take place August 27 to September 19.

¡Espléndido! Mientras tanto, yo soy miembro de la junta de la serie del festival. El OSTRALE tuvo lugar por tercera vez el año pasado y es un gran festival de arte emergente que está en camino en los próximos años para convertirse en n º 3 en Alemania, además de los dos documenta las grandes y Berlín, la Bienal. 160 artistas internacionales fueron seleccionados de las propuestas por un jurado o invitados por los comisarios a mostrar la pintura, escultura, instalación, video, Aso rendimiento de 15000m ² de espacio de exposición y 50000m ² de espacio al aire libre el año pasado. Durante las tres semanas del festival tuvimos 11.000 visitantes. Una muy buena impresión del festival se puede encontrar en el sitio web de Hasta marzo de 31 artistas todavía pueden presentar sus solicitudes para la OSTRALE'010 siguiente, que tendrá lugar agosto 27-septiembre 19.

What qualities need to be present for you to consider something 'good art' ?

¿Qué cualidades deben estar presentes para que usted pueda considerar el arte algo bueno "?

Based on a naturally mastered technique: authenticity, individuality, depth, sensuality and consequence.

Basándose en una técnica natural dominado: autenticidad, la individualidad, la profundidad, la sensualidad y la consecuencia.

Martin Müller You have also worked as a visiting Professor of Contemporary European Art for the University of Derby in the UK. Is that something you enjoyed or would consider doing at other universities ?

Ha trabajado también como profesor visitante Europeo Contemporáneo de Arte de la Universidad de Derby en el Reino Unido. ¿Es algo que haya disfrutado o preveía hacer en otras universidades?

Of course I enjoyed it very much. It was not the first time that I worked for an University / Art Academy. I like it very much to support and motivate young talents. That is why I am right now concerned with another International project to become part of the future development of the OSTRALE. It will be a network of European and International Artschools / Academies which will get a kind of display window at the OSTRALE of their actual ―production‖ which usually only can be seen in occasion of open days. Implemented in an International art festival the students will become ambassadors of their Academy and at the same time part of an international competition on highest level. As well it is planned to integrate it as practical curatorial studies and research into the particular studies of each participating Artschool.

Por supuesto que me gustó mucho. No era la primera vez que trabajé para una Universidad de Arte de la Academia. Me gusta mucho para apoyar y motivar a los jóvenes talentos. Por eso estoy ahora en cuestión con otro proyecto internacional para formar parte del futuro desarrollo de la OSTRALE. Será una red de organismos europeos e internacionales ESCUELASDEARTE / Academias que tendrás una especie de escaparate en el OSTRALE de su producción "real, que normalmente sólo puede verse en ocasión de los días abiertos. Implementado en un festival internacional de arte de los estudiantes se convertirán en embajadores de su Academia y al mismo tiempo parte de un concurso internacional al más alto nivel. Además está previsto integrarlo como práctica Curatorial Studies y la investigación en los estudios particulares de cada Artschool participantes.

koppapp 240x160cm acrylic 1995

Martin Müller Following your solo exhibition "Plakate" in Hamburg last year, are there plans for future exhibitions ?

Tras su exposición individual "Plakate" en Hamburgo el año pasado, ¿hay planes para futuras exposiciones?

This year I will concentrate on the ―Not from here‖ project and its final exhibition next year in New Zealand. Although I am curator I will participate again as artist in the OSTRALE 010 with a cooperation project of huge paintings together with m.giltjes/bobok who is partner as well.

Este año me centraré en el "No de aquí" del proyecto y su exposición final el próximo año en Nueva Zelanda. Aunque soy conservador que volverá a participar como artista en el 010 OSTRALE con un proyecto de cooperación de cuadros enormes, junto con m.giltjes / socio bobok que es así.

What directions can you see your work developing in the future?

¿Qué indicaciones se puede ver su trabajo en desarrollo en el futuro?

I don´t know it. It is part of my personal development strategy not to plan and fix my future but to let it develop and flow the direction it will take out of the constantly growing energy it has.

Yo no lo sé. Es parte de mi estrategia de desarrollo personal y no para planificar y arreglar mi futuro, sino para dejar que el desarrollo y el flujo de la dirección en que se llevará a cabo de la energía en constante crecimiento que tiene.

How can people get in touch with you?

¿Cómo pueden ponerse en contacto con usted?

They can visit my website and find all contact informations there.

Pueden visitar mi sitio web y encontrar toda la información de contacto allí. Cualquier mensaje de despedida?

Any parting messages ? ―I think with my knee anyhow‖ (Joseph Beuys)

"Creo que con mi rodilla, de todos modos" (Joseph Beuys)

Martin M端ller

not from here 5 59x84cm mixed media


Individual Thought Patterns, more commonly known as ITP, are back with a unique and mesmerizing master piece - ―The People Are …‖ Following their debut album ―Lose Your Illusion‖, which stroke a chord in the hearts and minds of trance listeners around the world and served as a prelude to the things to come from this amazing duo, we are now ready to receive their new vision, which takes form in their new album. ―The People Are …‖ "This is a Disclaimer denouncing any damage caused by enthusiastic listeners of the new ITP album which has been known to induce uncontrollable dance‖ ITP is Erez Yaffe and Sami Sabin from the city of Holon located in the centre of Israel. They have been working together for the past 5 years producing a wide range of musical styles. Erez being a virtuosic SPANISH GUITAR player and Sami a master of the ancient Arabic instrument OUD and both having extensive background in electronic music production, they set aside to create something that is yet to be heard in the trance scene. "The People Are..." will be spiced up with ancient prayers, futuristic synth-lines, live Arabic instruments, Spanish & metal guitars, crazy multi-rhythmic, mystical vocals & more, all wrapped into a melodic high-speed bomb that shatters every dance floor it comes in contact with.

Individual Thought Patterns, más comúnmente conocido como ITP, están de vuelta con una única y fascinante obra maestra - "The People Are ..." Después de su álbum debut "Lose Your Illusion", que acariciar a una cuerda en los corazones y las mentes de los oyentes de todo el trance mundo y sirve como preludio a las cosas por venir de este dúo increíble, ahora estamos listos para recibir su nueva visión, que toma forma en su nuevo álbum. "El pueblo son ..." "Esta es una Responsabilidad denunciando los daños causados por los oyentes entusiastas del nuevo álbum de ITP que se ha conocido para inducir a la danza incontrolables" ITP es Erez Yaffe y Sami Sabin de la ciudad de Holon situado en el centro de Israel . Ellos han estado trabajando juntos durante los últimos 5 años produciendo una amplia gama de estilos musicales. Erez ser un virtuoso jugador GUITARRA ESPAÑOLA y Sami un maestro de la antigua árabe instrumento OUD y ambos con amplia experiencia en la producción de música electrónica, se pusieron a un lado para crear algo que todavía no se ha escuchado en la escena de trance. "The People Are ..." será aderezado con oraciones antiguas, sintetizador futurista de líneas, instrumentos en vivo, árabe, español y varios locos guitarras metálicas,-rítmica, voz mística y más, todo envuelto en una melodía bomba de alta velocidad que rompe todas las pista de baile se pone en contacto con.

ITP Erez Yaffe & Sami Sabin, the ITP duo, have been producing electronic music & trance together over then 5 years. The two have already released music in various compilations around the world & their debut album "Lose Your Illusion" (SunDance Records, 2007) was highly rated by the reviews. In mid 2007 ITP were spotted by the Israeli mega-label Phonokol records as a huge potential in a world saturated with trance artists - The uniqueness, the freshness & the special timbre of ITP's music make them one of the most intriguing acts in the trance scene! Recently Erez & Sami have released their second album "The People Are..."! ITP (standing for 'Individual Thought Patterns') is all about being good music: Combining accustic sources such as oriental instruments, vocals & guitars with electronic manipulation & high quality production, their unique & highly musical style is particularly noticeable over todays psytrance scene background & could be compared with acts like Hallucinogen, Infected Mushroom, Juno Reactor & Shpongle. Yaffe Erez & Sami Sabin, el dúo de ITP, se han estado produciendo música electrónica y trance, a continuación, a más de 5 años. Los dos ya han lanzado varias compilaciones de música en todo el mundo y su álbum de debut - "Lose Your Illusion" (Sundance Records, 2007) fue altamente evaluado por los exámenes. A mediados de 2007 ITP fueron vistos por los israelíes registros Phonokol mega-etiqueta como un enorme potencial en un mundo saturado de artistas trance - La originalidad, la frescura y el timbre especial de música de ITP convierten en uno de los actos más intrigantes de la escena de trance ! Recientemente Erez & Sami han publicado su segundo álbum "The People Are ..."! ITP (de pie con 'Patrones de pensamiento individual ») es todo acerca de la buena música son: la combinación de fuentes acústicas como instrumentos orientales, voces y guitarras con la manipulación electrónica y producción de alta calidad, su estilo único y muy musical es particularmente evidente hoy más de fondo escena psytrance y se podría comparar con actos como alucinógenos, Infected Mushroom, Juno Reactor & Shpongle.

ITP “Adon Olam” by ITP, is available as MP3 on this issue’s digital download!

"Adon Olam" de ITP, está disponible como MP3 en de descarga digital de esta edición!

ITPs influences range from Classical music to Freestyle Electronica, Progressive Metal to Oriental Music, Hip Hop, Trip Hop, Jazz & eventually almost anything... Bands like: Death, Shpongle, Squarepusher, Infected Mushroom, Spiral Architect, Juno Reactor, Bach, Iron Maiden, Hallucinogen, Shakti, Lamb, John Mc'laughlin, Avi Elbaz, Sub 6, Farid El Atrash, Raja Ram, Sean Malone, Cynic, Frank Zappa, Led Zeppelin, Pink Floyd, Ravi Shankar, Gentle Giant, Jethro Tull, Orphaned Land, Goa Gil, Mozart, Salim Hilali, The Guitar Trio, Ozric tentecles, Manir Bushir, Spastic Ink, Ron Jarzomback, Paco De Lucia, Gordian Knot and many more

Pueblos indígenas y tribales influencias van desde la música clásica a electrónica Freestyle, Progressive Metal de la música oriental, Hip Hop, Trip Hop, Jazz y al final casi todo ... Bandas como: muerte, Shpongle, Squarepusher, Infected Mushroom, Spiral Architect, Juno Reactor, Bach, Iron Maiden, alucinógenos, Shakti, Cordero, Juan Mc'laughlin, Avi Elbaz, Sub 6, Farid El Atrash, Raja Ram, Sean Malone, cínico, Frank Zappa, Led Zeppelin, Pink Floyd, Ravi Shankar, Gentle Giant, Jethro Tull, Orphaned Land, Goa Gil, Mozart, Salim Hilali, el trío de guitarra, tentecles Ozric, manir Bushir, Spastic Ink, Ron Jarzomback, Paco De Lucia , Gordian Knot y muchos más

The beginning of their musical way was around the ages of 10 & 12 where they started playing the guitar & played in different rock & metal groups. As the two contiued evolving, they got to composition & synthesis studies and in 2003 they formed ITP & started producing psytrance together.

El comienzo de su camino musical fue en torno a las edades de 10 y 12, donde comenzó a tocar la guitarra y jugó en el rock y diferentes grupos de metal. Como los dos contiued evolución, llegaron a la composición y los estudios de síntesis y en 2003 se formaron ITP y comenzó a producir psytrance juntos.

Edward Steichen: In High Fashion, the Condé Nast Years 1923–1937 As chief photographer for Vogue and Vanity Fair, Edward Steichen profoundly shaped the look of celebrity and fashion photography in the 1920s and ‘30s. He immortalized leading writers, artists, actors,dancers and politicians in striking portraits. Fashion photography was revolutionized when he began depicting the creations of all the great designers of the age, including Poiret, Chanel, Lelong, Lanvin, Patou and Schiaparelli. This exhibition showcases more than 200 photographs by one of the most influential photographers of the twentieth century. Edward Steichen: In High Fashion, the Condé Nast Years, 1923 –1937 is curated by William A. Ewing, director, Musée de l´Elysée; Todd Brandow, executive director, Foundation for the Exhibition of Photography; and Nathalie Herschdorfer, curator, Musée de l‘Elysée. The exhibition has been organized by the Foundation for the Exhibition of Photography, Minneapolis, and the Musée de l‘Elysée, Lausanne, in collaboration with the Art Gallery of Ontario, Toronto. Modern fashion photography began with Edward Steichen. During the 1920s and ‘30s, he produced thousands of photographs for Vogue, highlighting the creations of the era‘s major couturiers including Paul Poiret, Jeanne Lanvin, Coco Chanel and Elsa Schiaparelli. Steichen‘s early photographs of women in the soft Pictorialist style prepared him for this work, but his experience as a painter also helped. He was an expert at rendering the texture of cloth as well as the cut, style, fall and fold of a fabric in paint. Steichen had also learned to translate subtle gestures and fleeting expressions onto the canvas. The sum of these experiences proved invaluable to Steichen‘s theatrical set-ups. Whenever he felt constrained by the studio, the photographer took his models outside, to the racetrack, on board a yacht, to a chic hotel or to the Fifth Avenue apartment of Vogue publisher Condé Nast. Models, socialites and actors alike posed for him in images that successfully married art and commerce.

Actress Joan Bennett, 1928. Gelatin silver print. Courtesy Condé Nast Archive, New York. © 1928 Condé Nast Publications.

Edward Steichen: In High Fashion, the Condé Nast Years 1923–1937 ―I realized that electric light would be my greatest ally in getting variety into fashion pictures. In the later years of my work for Vogue and Vanity Fair, there were lights going all over the place.‖ – Edward Steichen Me di cuenta de que la luz eléctrica iba a ser mi mejor aliado para conseguir variedad en fotos de moda. En los últimos años de mi trabajo para Vogue y Vanity Fair, había luces que todo el lugar. Edward Steichen

Actress Ilka Chase in a long moiré housecoat, jewelry from Black Starr and Frost-Gorham, 1933. Gelatin silver print. Courtesy Condé Nast Archive, New York. © 1933 Condé Nast Publications

September 26, 2009 to January 3, 2010 Art Gallery of Ontario

Como fotógrafo jefe de Vogue y Vanity Fair, Edward Steichen modelado profundamente el aspecto de la celebridad y la fotografía de moda en la década de 1920 y 30. Inmortalizó principales escritores, artistas, actores, bailarines y los políticos en los retratos de huelga. La fotografía de moda se revolucionó cuando comenzó a representar las creaciones de todos los grandes diseñadores de la época, incluyendo Poiret, Chanel, Lelong, Lanvin, Patou y Schiaparelli. Esta exposición presenta más de 200 fotografías de uno de los fotógrafos más influyentes del siglo XX. Edward Steichen: In High Fashion, los años de Condé Nast, 1923 -1937 está comisariada por William A. Ewing, director del Musée de l'Elysée, Todd Brandow, director ejecutivo de la Fundación para la Exposición de Fotografía y Nathalie Herschdorfer, curador, Musée de l'Elysée. La exposición ha sido organizada por la Fundación para la Exposición de Fotografía, Minneapolis, y el de l'Elysée de Lausana, Museo, en colaboración con la Galería de Arte de Ontario, Toronto.

Actress Joan Clement, 1924. Gelatin silver print. Courtesy Condé Nast Archive, New York. © 1924 Condé Nast Publications

Edward Steichen: In High Fashion, the Condé Nast Years 1923–1937 La fotografía de moda moderna comenzó con Edward Steichen. Durante la década de 1920 y '30, que produjo miles de fotos para la revista Vogue, destacando las creaciones de los modistos más importantes de la época como Paul Poiret, Jeanne Lanvin, Coco Chanel y Elsa Schiaparelli.

Las primeras fotografías de Steichen de la mujer en el estilo pictorialista suave preparado para este trabajo, pero su experiencia como pintor, también ayudó. Era un experto en hacer que la textura de la tela, así como el corte, el estilo, el otoño y el pliegue de una tela en la pintura. Steichen también habían aprendido a traducir los gestos sutiles y las expresiones fugaces sobre el lienzo. La suma de estas experiencias resultó muy valioso para establecer teatral Steichen-ups. Cada vez que se sintió obligado por el estudio, el fotógrafo tomó sus modelos fuera, a la pista, a bordo de un yate, a un elegante hotel o el apartamento de la Quinta Avenida de la revista Vogue editorial Condé Nast. Modelos, de la alta sociedad y los actores por igual posó para él en las imágenes que se casó con éxito el arte y el comercio.

Vogue (cover), July 1, 1932. Courtesy Condé Nast Archive, New York. © 1932 Condé Nast Publications

On George Baher‘s yacht: June Cox wearing unidentified fashion; E. Vogt wearing fashion by Chanel and a hat by Reboux; Lee Miller wearing a dress by Mae and Hattie Green and a scarf by Chanel; Hanna-Lee Sherman wearing unidentified fashion, 1928. Gelatin silver print. Courtesy Condé Nast Archive, New York. © 1928 Condé Nast Publications

Actress Joan Crawford in a dress by Schiaparelli, 1932. Gelatin silver print. Courtesy Condé Nast Archive, New York. © 1932 Condé Nast Publications

Edward Steichen: In High Fashion, the Condé Nast Years 1923–1937

Lee Miller wearing a dress by Jay-Thorpe and a necklace by Marcus, in Condé Nast's apartment, 1928. Gelatin silver print. Courtesy Condé Nast Archive, New York. © 1928 Condé Nast Publications

Marion Morehouse wearing a dress by Chéruit and jewelry by Black, Starr and Frost, next to a piano designed by Steichen, 1928. Gelatin silver print. Courtesy Condé Nast Archive, New York. © 1928 Condé Nast Publications

Actress Jetta Goudal wearing a satin gown by Lanvin, 1923. Gelatin silver print. Courtesy Condé Nast Archive, New York. © 1923 Condé Nast Publications

Evening shoes by Vida Moore, 1927. Gelatin silver print. Courtesy Condé Nast Archive, New York. © 1927 Condé Nast Publications

Edward Steichen: In High Fashion, the Condé Nast Years 1923–1937

Actress Joan Crawford in a dress by Schiaparelli, 1932. Gelatin silver print. Courtesy Condé Nast Archive, New York. © 1932 Condé Nast Publications Exhibition Book on Amazon

Chile Estyle

Contemporary Chilean muralists starred in Chile Estyle at the Carmichael Gallery of Contemporary Art, California from December 10 through December 23, 2009.

Muralistas Chileno Contemporáneo favoritos en Chile Estyle en la Galería de Arte Contemporáneo de Carmichael, California, del 10 de diciembre a diciembre 23, 2009.

Highlighted is the work of Cekis, Inti, La Robot de Madera, and the duo Aislap and Agotok. These artists are representative of the Chilean style of urban art that has exploded since the fall of Pinochet in the early 1990s. Influenced by Mexican muralists, wildstyle, and Brazilian graffiti, Chilean artists have incorporated a variety techniques and visual languages to give rise to a distinct style.

Se destaca el trabajo de Cekis, Inti, La Robot de Madera, y el dúo Aislap y Agotok. Estos artistas son representativos del estilo chileno de arte urbano que se ha disparado desde la caída de Pinochet en la década de 1990. Bajo la influencia de los muralistas mexicanos, wildstyle y graffiti brasileño, artistas chilenos han incorporado una variedad de técnicas y lenguajes visuales para dar lugar a un estilo distinto.

The exhibition marks the first time Chilean artists practicing contemporary urban styles will be shown in the United States.

La exposición marca la primera vez que artistas chilenos practican estilos urbanos contemporáneos se mostrará en los Estados Unidos.

Chile Estyle

Chile Estyle

From the end of the Pinochet dictatorship in the early 90‘s until now, Chilean street art has literally exploded into a highly developed style, bearing strong influences from Mexican muralism, 60s – 70s political mural brigades, wildstyle graffiti and Brazilian graffiti and pixação (a unique stylistic cross-pollination with street art from Sao Paulo in the mid-90s). These influences, paired with Chile‘s distinct history of propaganda art and muralism dating from the 40s, give rise to the myriad of strongly developed personal visual languages and artistic self-expression seen on the streets of Santiago, Valparaiso and other cities in Chile.

Desde el final de la dictadura de Pinochet en los primeros años 90 hasta ahora, el arte de la calle de Chile ha literalmente explotó en un estilo altamente desarrollado, teniendo una fuerte influencia del muralismo mexicano, 60 - 70 brigadas mural político, graffiti y pintadas wildstyle brasileño y pixação (un único estilística polinización cruzada con el arte de la calle de Sao Paulo a mediados de los años 90). Estas influencias, unido a la historia de Chile distinta del arte de propaganda y muralismo que datan de la década del 40, dan lugar a la miríada de un fuerte desarrollo personal de los idiomas visuales y la expresión artística visto en las calles de Santiago, Valparaíso y otras ciudades en Chile.

The Chile Estyle featured artists, Cekis, Inti, Horate, La Robot de Madera and the duo Agotok, are representative of the first and second generation of artists that started working on the streets in the Post-Pinochet era. The exhibition consisted of new works on canvas as well as site-specific individual and group mural installations in the gallery.

Los artistas Estyle Chile del momento, Cekis, Inti, Horate, La Robot de Madera y el dúo Agotok, son representativos de la primera y segunda generación de artistas que comenzaron a trabajar en las calles de la era post Pinochet. La exposición consistía en nuevas obras sobre lienzo, así como el sitio individuales e instalaciones específicas mural de grupo en la galería.

Chile Estyle

Chile Estyle

Artist; CEKIS

Ultra Music Festival

ULTRA MUSIC FESTIVAL (UMF)--the world‘s leading two-day electronic and alternative music experience--returns for its 12th year Friday, March 26 and Saturday, March 27, 2010. ULTRA is easily one of music‘s most anticipated annual events and will take place as the official closing event of the Winter Music Conference at the beautiful waterfront location of Bicentennial Park in downtown Miami.

Tapped ―Best Overall Event‖ by URB.COM and heralded by the Los Angeles Times as bringing ―out raucous revelers as well as electronica‘s elite,‖ UMF had its biggest year yet in 2009. With a line-up that included exclusive performances by a wide range of DJs and electronic-influenced artists, last year‘s UMF saw 85,000 attendees coming from 56 countries & territories, 50 U.S. states and Puerto Rico. As the world‘s most famous outdoor electronic music event, UMF has won ―Best Music Event‖ by the International Dance Music Awards (IDMA) in 2009, 2008, 2007 & 2005, ―Best International Dance Music Festival‖ by the Ibiza DJ Awards in 2008 and ―Best Festival‖ by the Village Voice Media New Times in 2009 and 2005. Originally created as a pure EDM (electronic dance music) festival in 1999, Ultra has grown through the years to present not only the genre‘s hottest, biggest and best headline artists (The Prodigy, The Chemical Brothers, Tiesto, Underworld, MOBY, Fatboy Slim, Carl Cox, Paul van Dyk, David Guetta, Armin Van Buuren, Erick Morillo, Deadmau5 and Paul Oakenfold, to name a few), but also crossover headline bands that incorporate EDM elements in their music and have a history, or new beginning in the EDM community and culture (The Cure, The Killers, The Black Eyed Peas, Santigold, The Ting Tings, The Bravery). Introducing cutting-edge indie-electronic artists has become a major staple of UMF (LCD Soundsystem, Justice, Cut Copy, Crystal Castles, Pendulum, Booka Shade, Digitalism, Simian Mobile Disco, Late of the Pier, The Presets, Shiny Toy Guns, Brazilian Girls). In addition to the annual Miami festival, UMF has expanded internationally to include events in Sao Paulo, Belo Horizonte, Balneario Camboriu, San Juan, Madrid and Ibiza. New cities are in the works with exciting announcements soon to come...

Ultra Music Festival

Ultra Music Festival (UMF) - líder de dos días en el mundo electrónico y experiencia de la música alternativa - regresa en su 12 º año Viernes, 26 de marzo y el Sábado, 27 de marzo 2010. ? ULTRA es fácilmente uno de los eventos anuales más esperados de la música y tendrá lugar en el acto de clausura oficial de la Winter Music Conference en la ubicación al paseo marítimo y del Parque Bicentenario en el downtown de Miami. Tapping "Evento mejor en general" por URB.COM y anunciado por el diario Los Angeles Times como "llevar a cabo juerguistas estridente como de la elite electrónica, el" UMF tuvo su mejor año todavía en 2009. Con una alineación que incluyó presentaciones exclusivas de una amplia gama de DJs y artistas electrónicos de influencia, UMF del año pasado vio a 85.000 asistentes procedentes de 56 países y territorios, 50 estados de EE.UU. y Puerto Rico. ? Como el evento más famoso del mundo al aire libre de música electrónica, UMF ha ganado "Evento Mejor Música" por la Internacional Dance Music Awards (IDMA) en 2009, 2008, 2007 y 2005, "Best International Dance Music Festival" de los DJ Awards de Ibiza, en de 2008, y "mejor festival" de la Villa Media Voz New Times en 2009 y 2005. ? Originalmente creado como un EDM puro (música electrónica), festival en 1999, Ultra ha crecido a través de los años para presentar no sólo el género más caliente, los artistas título más grande y mejor (The Prodigy, The Chemical Brothers, Tiesto, Underworld, Moby, Fatboy Slim, Carl Cox, Paul van Dyk, David Guetta, Armin Van Buuren, Erick Morillo, Deadmau5 y Paul Oakenfold, por nombrar algunos), sino también las bandas de cabecera de cruce, que incorporan elementos de EDM en su música y tienen una historia, o nuevo comienzo en la comunidad de EDM y la cultura (The Cure, The Killers, The Eyed Peas Negro, Santigold, The Ting Tings, The Bravery). Presentación de corte-borde de indie-artistas electrónicos se ha convertido en un alimento básico de la UMF (LCD Soundsystem, Justice, Cut Copy, Crystal Castles, Pendulum, Booka Shade, Digitalism, Simian Mobile Disco, Late of the Pier, The Presets, Shiny Toy Guns, Brazilian Girls). ? Además de la fiesta anual de Miami, UMF se ha expandido a nivel internacional para incluir eventos en Sao Paulo, Belo Horizonte, Balneario Camboriu, San Juan, Madrid e Ibiza. Nuevas ciudades se encuentran en las obras con anuncios sorprendentes, pronto a venir ...

Ultra Music Festival UMF expanded to a 2-day festival in 2007 and now boasts 16 stages set over both days featuring more than 250 bands, DJs, artists, and producers. Every EDM genre and sub genre is represented at Ultra (house, trance, electro, indie-rock, dance rock, techno, drum & bass, breakbeat, alternative, minimal, big beat, jamtronica and more…). Ultra Music Festival features the most cutting edge production in the industry and festival circuit, thanks in large part to an all star production team that includes Ray Steinman, Steve Leiberman, Jim Baggott, Terry Mcneill and Vello Virkhaus. Some of the production jewels of the festival include the Ultra Main Stage, Carl Cox & Friends Arena, Bayfront Stage and Mid Park Tent. In addition to the big stages, UMF has always put an emphasis on creating an outlet for up and coming talent to emerge. Since 1999 there have been ―locals‖ stages at the festival. Initially this included local, undiscovered Florida talent trying to make a name for themselves. Today this concept has evolved and grown into four different Breakthrough Stages at Ultra with more than 75 up and coming artists from all over the US, Europe, South America, Australia and Asia who participate. A very special element of UMF is known as the Eco Village. Established in 2004, the Eco Village is presented by Ultra for Life, an influential Non-Profit organization dedicated to uniting people in actions to protect our planet via the outlet of Music and Gathering. More than 20 charity groups and non-profit organizations set up at the Eco Village, promoting and creating awareness for their cause. Green Peace, Dance 4 Life, Life Beat, Red Cross, Animal Rights Foundation of Florida, Rescue Earth and Environment Florida are just a few who have participated and become a vital part of the Eco Village over the years. More than 45 artists play the Eco Village Sound Stage throughout the Ultra Weekend. For the fourth consecutive year, Ultra continues taking significant steps in Greening efforts throughout the festival. Ultra Music Festival presents UMF RADIO. A weekly two-hour show, nationally broadcast to hundreds of thousands of listeners in the United States on XM Sirius Satellite Radio (Fridays 4-6pm EST | Area – Ch. 38 + 80). UMF Radio is also broadcast throughout Brasil.

Ultra Music Festival UMF se expandió a un 2 días del festival en 2007 y ahora cuenta con 16 etapas que se distribuyen en dos días con más de 250 bandas, DJs, artistas y productores. Todos los géneros EDM y sub género está representado en Ultra (house, trance, electro, indie-rock, dance, techno, drum & bass, breakbeat, alternativa, minimal, big beat, jamtronica y más ...). Ultra Music Festival cuenta con la producción de vanguardia en la industria y el circuito de festivales, en gran parte gracias a un equipo de All Star, que incluye la producción de Ray Steinman, Steve Leiberman, Jim Baggott, Terry McNeill y Virkhaus Vello. Algunas de las joyas de la producción del festival incluyen el escenario principal del Ultra, Carl Cox & Friends Arena, estadio Bayfront Park y el centro Carpa. Además de los grandes escenarios, UMF siempre ha puesto énfasis en la creación de un mercado para el talento y próximos a aparecer. Desde 1999 ha habido "locales" etapas en el festival. Inicialmente, esto incluía locales, el talento sin descubrir de la Florida tratando de hacer un nombre para sí mismos. Hoy en día este concepto ha evolucionado y crecido en cuatro diferentes etapas a Breakthrough Ultra con más de 75 y artistas provenientes de todos los EE.UU., Europa, América del Sur, Australia y Asia que participan. ? Un elemento muy especial de la UMF es conocida como la aldea ecológica. Establecido en 2004, la aldea ecológica se presenta por Ultra para la Vida, una influyente organización no lucrativa dedicada a unir a la gente en las acciones para proteger nuestro planeta a través de la salida de la Música y la recolección. Más de 20 grupos de caridad y sin fines de lucro creada en la Aldea Eco, promover y crear conciencia de su causa. Green Peace, Dance 4 Life, Beat Life, Cruz Roja, Fundación de Derechos de los Animales de la Florida, Rescate de la Tierra y Medio Ambiente de la Florida son sólo algunos que han participado y se convierten en una parte vital de la Aldea Eco largo de los años. Más de 45 artistas juegan el Eco Village Stage de sonido durante todo el fin de semana Ultra.? Para el cuarto año consecutivo, Ultra continúa dando pasos importantes en Greening esfuerzos durante todo el festival. ? Ultra Music Festival presenta UMF RADIO. Una semanal de dos horas de espectáculo, transmitido en cadena nacional a cientos de miles de oyentes en los Estados Unidos por XM Sirius Satellite Radio (viernes 4-6pm EST | Area - Cap. 38 + 80). UMF Radio se transmite también en todo Brasil.

FilterKik : Urban Visions

"Urban Visions" is the title of the new forthcoming collection by FilterKik.

"Urban Visions" es el título del nuevo próxima colección por FilterKik.

The collection is made up of graffiti and other street art photos taken in the UK, Netherlands, Ireland, France and Spain over the last three years.

El colección se compone de fotos de graffitis y otras obras de arte de la calle tomada en el Reino Unido, Países Bajos, Irlanda, Francia y España en los últimos tres años.

Selected prints from the collection will be available for sale after the collection is officially launched later this year. For more information, FilterKik Facebook (,


the page or

Selección de impresiones en el colección estará disponible para la venta después de que el colección se lanzó oficialmente a finales de este año. Para obtener más información, visite la página FilterKik de Facebook (, o

FilterKik : Urban Visions

FilterKik : Urban Visions

FilterKik : Urban Visions

FilterKik : Urban Visions

SIFF London : Best of the Fest

CineSalento invites you to the "SIFF: BEST OF THE FEST", a collection of awarded films from the Festival which is going to take place on Friday April 2nd and Saturday April 3rd in London at The Prince Charles Cinema located at 7 Leicester Place in the heart of Soho. The Salento International Film Festival (SIFF) is a celebration of films and filmmakers. It promotes international independent films, in recognition of the fact that movies are the most powerful form of cultural communication and link between cultures' and peoples'. This two-day event will contain feature films and short-films, Q&A with directors and cast, a welcome cocktail and a chance to win a total of 4 trips to the Salento Film Festival3-12 September 2010 in Tricase in the heart of Salento (Southern Italy) the land of the sun. Each prize includes half board accommodation for one person for one week during the festival.

CineSalento le invita a que el SIFF ": Mejor del Festival", una colección de películas premiadas en el Festival que se va a llevar a cabo el viernes 2 de abril y el sábado 3 de abril en Londres, en el Cine Charles Prince, ubicado a 7 en Leicester Square en la corazón del Soho. El Salento International Film Festival (SIFF) es una celebración de las películas y cineastas. Promueve internacionales películas independientes, en reconocimiento del hecho de que las películas son la forma más poderosa de comunicación cultural y el vínculo entre las culturas y los pueblos. Este evento de dos días incluirá largometrajes y cortometrajes, Q & A con los directores y reparto, un cóctel de bienvenida y una oportunidad de ganar un total de 4 viajes al Festival de Cine de Salento, 3-12 septiembre de 2010 en Tricase en el corazón de Salento (sur de Italia) la tierra del sol. Cada premio incluye media pensión para una persona durante una semana, durante el festival.

ROA Creates A Giant Lanticular in London

ROA crea un Lanticular gigante en Londres

ROA Creates A Giant Lanticular in London

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Promover su propia obra de arte y recibir actualizada informaci贸n sobre Kikked! al unirse a la Kikked! Revista de grupo en Facebook:

SUPERMARKET 2010 The goal of SUPERMARKET, the artist-run international exposition of new art, is to provide a showcase for artist initiatives from all over the world and to create opportunities for new networks in the Swedish as well as the international art scene.

El objetivo de los supermercados, el artista de gestión exposición internacional de arte nuevo, es proporcionar un escaparate de iniciativas de artistas de todo el mundo y para crear oportunidades para nuevas redes en el sueco, así como la escena del arte internacional.

SUPERMARKET is concurrent with Market, a commercial art fair in Stockholm. Every year SUPERMARKET has relocated; starting in 2006 in small scale in an art nouveau palace, the following year with international presence in the same site, 2008 moving to an industrial space, then to a newly built designer luxury hotel (Clarion Hotel Stockholm) and now to the very heart of Stockholm - Kulturhuset (the Centre Pompidou of Stockholm).

SUPERMERCADO es concurrente con el mercado, una feria comercial de arte en Estocolmo. Todos los supermercados años se ha trasladado, a partir de 2006 en pequeña escala en un palacio de estilo Art Nouveau, al año siguiente con presencia internacional en el mismo sitio de 2008 de trasladarse a un espacio industrial, luego a un hotel de nueva construcción de diseño de lujo (Hotel Clarion de Estocolmo) y ahora el corazón de Estocolmo - Kulturhuset (el Centro Pompidou de Estocolmo).

Initiated and organised by artists, this project has rapidly evolved from a modest group of local initiatives to a full-fledged international art exposition that has made its mark and helped firmly establish Stockholm on the art world map.

Iniciada y organizada por los artistas, este proyecto ha evolucionado rápidamente de un grupo modesto de las iniciativas locales a un total de exposición de arte internacional hecho y derecho que ha dejado su marca y ayudó a establecer firmemente de Estocolmo sobre el mapa del mundo del arte.

SUPERMARKET 2010 builds on the tremendous success of SUPERMARKET 2008 and 2009, which featured exhibitors from Canada, Germany, Israel, Netherlands, Poland, Rumania, Russia, USA, the UK, and, of course, Sweden and the neighbouring Nordic countries, all part of a growing international trend of artistrun galleries, project spaces, artist collectives, independent curators and publications.

SUPERMERCADO 2010 se basa en el tremendo éxito de SUPERMERCADO 2008 y 2009, que incluyó expositores de Alemania, Canadá, Israel, Países Bajos, Polonia, Rumania, Rusia, EE.UU., el Reino Unido, y, por supuesto, Suecia y los países nórdicos vecinos, toda la parte de una tendencia cada vez más internacional de artistas plazo galerías, espacios de proyectos, colectivos de artistas, comisarios independientes y las publicaciones.

SUPERMARKET 2010 SUPERMARKET 2010 will take place at Kulturhuset on the 19th—21st of February 2010. ―The new location in the very centre of Stockholm will allow us to welcome an even larger audience‖, says Emma Egnér, one of the organisers. ―SUPERMARKET has since its inception moved through contrasting venues and contexts. In 2009 SUPERMARKET was held at the Clarion Hotel Stockholm, with participating galleries from Israel, the Netherlands, Poland, Romania, Russia, the United Kingdom, Germany and the Nordic countries, all part of the international trend of artist- run galleries and initiatives.‖ ―To work with Kulturhuset will be both a challenge and an amazing opportunity‖, says SUPERMARKET‘s initator, Pontus Raud. ―Kulturhuset is a multicultural meeting point in the centre of Stockholm, and is ideal for an international exhibition.‖ ―I am very pleased that Supermarket will move into Kulturhuset next year‖, says Eric Sjöström, Head of Kulturhuset. ―It is Sweden‘s largest arena for the alternative art scene. I feel that it is important for Kulturhuset to make room for a variety of forms of culture. It brings an increasing degree of urgency to the broad audience that we have.‖ The goal of SUPERMARKET is to provide a showcase for artists‘ initiatives from all over the world and to create opportunities for new networks in the Swedish and international art scenes. It is also an art fair that strives to offer the visitor an experience, rather than focusing on sales. SUPERMARKET is since 2007 organised by a small group, the majority of which are themselves artists. Emma Egnér, Pontus Raud, Andreas Ribbung, Meggi Sandell and Tobias Sjödin make up the core, but the group increases in size as February approaches. SUPERMERCADO 2010 tendrá lugar en Kulturhuset el 19 al 21 de febrero de 2010. "La nueva ubicación en el centro de Estocolmo, nos permitirá dar la bienvenida a una audiencia aún mayor", dice Emma Egner, uno de los organizadores. "Supermercado desde su creación ha pasado por contraste lugares y contextos. SUPERMERCADO En 2009 se celebró en el Clarion Hotel Stockholm, con galerías participantes, de Israel, los Países Bajos, Polonia, Rumania, Rusia, el Reino Unido, Alemania y los países nórdicos, todos parte de la tendencia internacional de galerías dirigidas por artistas e iniciativas. "Para trabajar con Kulturhuset será a la vez un desafío y una oportunidad increíble", dice initator supermercado, el Ponto Raud. "Kulturhuset es un punto de encuentro multicultural en el centro de Estocolmo, y es ideal para una exposición internacional ". "Estoy muy contento de que se moverá en Supermercado Kulturhuset el próximo año", dice Eric Sjöström, Jefe de Kulturhuset. "Es el estadio más grande de Suecia para la escena artística alternativa. Creo que es importante que Kulturhuset para dar cabida a una variedad de formas de cultura. Aporta un mayor grado de urgencia de la amplia audiencia que tenemos ". El objetivo de los supermercados es ofrecer un escaparate de iniciativas de artistas de todo el mundo y para crear oportunidades para nuevas redes en las escenas de arte sueco e internacional. También es una feria de arte que se esfuerza por ofrecer al visitante una experiencia, en lugar de centrarse en las ventas. Supermercado es organizado desde 2007 por un pequeño grupo, la mayoría de los cuales son artistas. Emma Egner, el Ponto Raud, Andreas Ribbung, Meggi Sandell y Tobias Sjödin constituyen el núcleo, pero el grupo aumenta en tamaño como los enfoques de febrero.

Kikked! Magazine Facebook Group Submissions last few months, the Kikked! Facebook group has grown in Thank you to everybody who has hope you're enjoying it, and also to everybody who has submitted

Durante los últimos meses, la Kikked! revista grupo en Facebook ha crecido en popularidad. ¡Gracias a todos los que se ha unido, esperamos que estamos disfrutando, y también doy las gracias a todos los que se ha presentado el trabajo.

I would like to say a few things about submitting work. Submission of work to the group page does not guarantee inclusion in the magazine itself. Submission to the magazine can only be done via : However, it is still a valid way of publicising your work, and of bringing it to our attention, and we welcome all submissions to the group.

Me gustaría decir algunas cosas acerca de la presentación de trabajos. Presentación de los trabajos a la página del grupo no garantiza su inclusión en la revista en sí. Presentación de la revista sólo se puede hacer a través de: Sin embargo, todavía es una forma válida de dar a conocer su trabajo, y de traer a nuestra atención, y damos la bienvenida a todas las presentaciones del grupo.

When submitting work, please submit no more than three pictures at once. Facebook does not allow creation of photo albums for groups. Because of this, all photos are in one large pool, which becomes messy very quickly once it becomes large. Three pictures will be seen at once on the main page, so this makes our life easier.

Cuando el trabajo de presentación, favor de enviar no más de tres imágenes a la vez. Facebook no permite la creación de álbumes de fotos para grupos. Debido a esto, todas las fotos se encuentran en una gran pool, que se convierte en sucio muy rápidamente una vez que se hace grande. Tres imágenes se ve a la vez en la página principal, así que esto hace que nuestra vida más fácil.

When submitting a picture, please include your name, the name of the work, the type of art, and your web site/contact details in the description. This will allow us to easily identify you later on should you be selected for inclusion.

Al presentar una foto, por favor incluya su nombre, el nombre de la obra, el tipo de arte, y su sitio Web / detalles de contacto en la descripción. Esto nos permitirá identificar con facilidad que más tarde debe ser seleccionada para su inclusión.

Lastly, in response to the volume of submissions, we are devoting a section of this issue to the work submitted by Kikked!'s group members. We hope to make this a regular feature.

Por último, en respuesta al volumen de las presentaciones, estamos dedicando una sección de esta edicion para el trabajo presentado por Kikked! 'S miembros del grupo. Esperamos hacer de esto una característica regular.

If you would like to submit material to the Facebook Group, search for 'Kikked Magazine' on Facebook, or go directly to :

Si desea enviar material para el Grupo de Facebook, la búsqueda de 'Kikked Magazine' en Facebook, o ir directamente a:

Over the magazine popularity. joined, we thank you work.

Kikked! Magazine Facebook Group Submissions

Banana Beast, 2010, by Kye Digby Note: art photography with digital editing

Kikked! Magazine Facebook Group Submissions


Digital media printed over photo paper. 75cmx100cm/ 2006, by Daniel Castanheira

Kikked! Magazine Facebook Group Submissions

Added by Nandanggawe Artualizr

Kikked! Magazine Facebook Group Submissions

Bodypainting brush on skin, Tattooconvetion Weimar 2007, Added by Norbert Gladis

SPRINGBOK SUNSET 1, acrylic on 300 gram fabriano paper 1050X750 (41.3"X29.5") $450.00(USD), Added by Dawie Mocke

Kikked! Magazine Facebook Group Submissions

Nude Colony, added by Ivanda Ramadhani

Kikked! Magazine Facebook Group Submissions

carboncino e foglia oro, by Jennifer Lorigliola

Kikked! Magazine Facebook Group Submissions

Man talking collarge, by Amanda Rae

Public Enemy # Hardcover: 320 pages # Publisher: Canongate Books Ltd (October 2, 2008) # Language: English # ISBN-10: 1847670563 # ISBN-13: 9781847670564 # Product Dimensions: 9.2 x 6.1 x 1.1 inches # Shipping Weight: 1.1 pounds

Public Enemy are one of the greatest hip-hop acts of all time. Exploding out of Long Island, New York in the early 1980s, their firebrand lyrical assault, the Bomb Squad's innovative production techniques, and their unmistakeable live performances gave them a formidable reputation. They terrified the establishment, and have continued to blaze a trail over a twenty year period up until the present day. Today, they are more autonomous and as determined as ever, still touring and finding more ingenious ways of distributing their music. Russell Myrie has had unprecedented access to the group, conducting extensive interviews with Chuck D, Flavor Flav, Terminator X, Professor Griff, the Shocklee brothers, and many others who form part of their legacy.He tells the stories behind the making of seminal albums such as their debut "Yo! Bum Rush the Show", the breakthrough, "It Takes a Nation of Millions to Hold us Back", and multi-million selling, "Fear of a Black Planet". He tackles Professor Griff's alleged anti-semitic remarks which caused massive controversy in the late eighties, the complexities of the group's relationship with the Nation of Islam, their huge crossover appeal with the alternative audience in the early nineties, and the strange circumstances of Flavor Flav's re-emergence as a Reality TV Star since the turn of the millennium.Urgent, incisive and definitive, "Don't Rhyme for the Sake of Riddlin" is the ultimate guide to the group that tells it like it is, and insists that hip-hop is a lethal weapon for the social and politically conscious. Russell Myrie shows how, in a time of rampant profligacy and meaningless posturing in hip-hop, their diatribes still cut to the heart of the American dream, and they are as important and necessary as ever.

Public Enemy

Public Enemy es uno de los más grandes actos de hip-hop de todos los tiempos. Explotando de Long Island, Nueva York, en la década de 1980, su asalto lírico tea, técnicas innovadoras de producción Bomb Squad, y sus actuaciones en vivo inconfundible les dio una formidable reputación. Que aterrorizó a la creación, y han continuado a abrir camino en un período de veinte años hasta la actualidad. Hoy en día, son más autónomos y tan decidido como siempre, sigue de gira y en encontrar maneras más ingeniosas de la distribución de su música. Russell Myrie ha tenido acceso sin precedentes para el grupo, llevando a cabo extensas entrevistas con Chuck D, Flavor Flav, Terminator X, Professor Griff, los hermanos Shocklee, y muchos otros que forman parte de su legacy.He cuenta las historias detrás de la realización de álbumes seminales tales como su debut "Yo! Bum Rush the Show", el avance, "It Takes a Nation of Millions to Hold Us Back", y varios millones de venta, "El temor de un Negro Planet".

Él aborda supuestas Professor Griff de comentarios antisemitas-que causó gran controversia en los últimos años ochenta, las complejidades de la relación del grupo con la Nación del Islam, su atractivo crossover enorme con el público alternativo en los años noventa, y las extrañas circunstancias de Flavor Flav's resurgimiento como un Reality TV Star desde el cambio de la millennium.Urgent, incisivo y definitiva, "no riman por la causa de Riddlin" es la guía definitiva para el grupo que dice las cosas como son, e insiste en que la cadera -hop es un arma letal para el desarrollo social y políticamente consciente. Russell Myrie muestra cómo, en una época de libertinaje desenfrenado y la postura de sentido en el hip-hop, sus diatribas aún cortados en el corazón del sueño americano, y son tan importantes y necesarias que nunca.

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The Anarchy of Silence. John Cage and Experimental Arts Major exhibition about the works and career of the American composer, philosopher and artist John Cage (1912-92) who defined such a radical practice of musical composition that he changed the course of modern music in the last century and shaped a new conceptual horizon for postwar art. On show are sound recordings, films, scores, and documentary materials providing an insight into the extraordinary scope of Cage's conceptual and theoretical innovations. The exhibition reveals the radical strategies employed by Cage to refine the score and extend its parameters, forging a newly relevant path for the post-Pollock generation of artists.

To illustrate this some of the work he carried out in collaboration with other artists, are presented from the music he made to amplify the visual experience of Marcel Duchamp‘s ‗rotoreliefs‘ (1947) to the musico-poetic collaboration with fellow anarchist Jackson Mac Low, through to works with random light, shadow, and ambient sounds of New York City made as part of Rauschenberg‘s Experiments in Art and Technology project. His name is highly familiar, but his work not widely or well known. John Cage (1912-92) defined such a radical practice of musical composition that he changed the course of modern music in the last century and shaped a new conceptual horizon for post-war art. With the aim of capturing the relevance of Cage's contribution to contemporary art, the MACBA presents the most extensive exhibition to be devoted to the artist on the international stage since his death. The display will trace a path through the artist's career, from his initial works in the 1930s, pieces that broadened the parameters of percussion music by incorporating the most unconventional of instruments, leading to his ―prepared piano,‖ moving to his famous theory on 'silence' (and the score 4'33"), his pathbreaking deployment of chance and then indeterminacy, and culminating his innovative multimedia work, which began in the 1960s and continued through the 1980s. One of the main sections of the exhibition will chart the network of repercussions as Cage‘s radical conceptual transformation of ―composition‖ entered the strategies of advanced art. A trajectory framed by dialogues with artists --Marcel Duchamp, Robert Rauschenberg among many others --and reacting to the same emergent media as Andy Warhol.

The Anarchy of Silence. John Cage and Experimental Arts Gran exposición sobre las obras y la carrera del compositor, filósofo y artista John Cage (1912-92) que se define como una práctica radical de la composición musical que cambió el curso de música moderna en el siglo pasado y la forma de un nuevo horizonte conceptual para arte de la posguerra. En el programa son las grabaciones sonoras, películas, partituras, y los materiales documentales proporcionando una visión en el ámbito de aplicación extraordinaria de las innovaciones conceptuales y teóricos de Cage. La muestra revela las estrategias radicales de las jaulas para perfeccionar y ampliar la puntuación de sus parámetros, forjando una nueva vía pertinente para la generación postPollock de los artistas. Para ilustrar esta parte de la labor que llevó a cabo en colaboración con otros artistas, se presentan de la música que hizo para ampliar la experiencia visual de "Marcel Duchamp Rotoreliefs '(1947) a la colaboración músico-poético con compañeros anarquistas Jackson Mac Low, a través de las obras de luz al azar, la sombra, y sonidos ambientales de la ciudad de Nueva York hizo como parte de los experimentos de Rauschenberg en el proyecto Arte y Tecnología. Su nombre es muy familiar, pero su trabajo no es muy o bien conocido. John Cage (1912-92) se define como una práctica radical de la composición musical que cambió el curso de música moderna en el siglo pasado y la forma de un nuevo horizonte conceptual para el arte de la guerra. Con el objetivo de captar la importancia de la contribución de Cage al arte contemporáneo, el MACBA presenta la mayor exposición que se dedicará a la artista en el escenario internacional desde su muerte. ? La pantalla se traza un camino a través de la carrera del artista, desde sus trabajos iniciales en la década de 1930, de los que amplió los parámetros de la música de percusión que incorporan los instrumentos poco convencionales, dando lugar a su piano "preparado", de trasladarse a su famosa teoría sobre la "silencio" (y la puntuación de 4'33 "), su implementación pionera de azar y la indeterminación, y culminó su innovadora obra multimedia, que comenzó en la década de 1960 y continuó durante la década de 1980. Una de las principales secciones de la exposición gráfica la red de consecuencias como la transformación conceptual de Cage radical de la "composición" entró en las estrategias del arte avanzado. Una trayectoria enmarcada por el diálogo con los artistas - Marcel Duchamp, Robert Rauschenberg, entre muchos otros - y reaccionar a los mismos medios emergentes como Andy Warhol.

The Anarchy of Silence. John Cage and Experimental Arts The exhibition reveals the radical strategies employed by Cage to refine the score and extend its parameters, forging a newly relevant path for the post-Pollock generation of artists. At a time when modern painting and subjectivity were ceasing to be viable formulas of artistic practice, Cage was giving classes of Experimental Composition to a new generation of artists at the New School for Social Research in New York (1956-60). Many of Cage‘s students and their peers would soon find their place at the center of the rising avant-gardes, from Fluxus to Conceptual Art. Thus Cage became one of the driving forces behind the complete turnabout of post-war art in the early sixties, positioned on the cusp of modernity and post-modernity. Sound recordings, films, scores, and documentary materials provide an insight into the extraordinary scope of Cage's conceptual and theoretical innovations. To illustrate this, the exhibition will present some of the work he carried out in collaboration with other artists, from the music he made to amplify the visual experience of Marcel Duchamp‘s rotoreliefs early in his career (1947) to the musico-poetic collaboration with fellow anarchist Jackson Mac Low, through to works with random light, shadow, and ambient sounds of New York City made as part of Rauschenberg‘s Experiments in Art and Technology project. If Duchamp has emerged as the pivotal figure of the early-mid 20th century, Cage‘s project now appears as an indispensible paradigm for the late 20th century and into the 21st. Revealing a ―Conceptual Cage,‖ the landmarks of his oeuvre will be exhibited in direct relation to key works by contemporaries who shared his commitments to the new, the non-subjective, the changing, and to an embrace of the technology that would redefine all perceptual experience: from Rauschenberg‘s White Paintings (1951) and Robert Morris‘s Box with the Sound of its Own Making, (1961), to the new mediascape of Warhol‘s Exploding Plastic Inevitable, and beyond.

Curator: Julia Robinson Production: Exhibition organized by Museu d‘Art Contemporani de Barcelona and coproduced with Henie Onstad Kunstsenter, Høvikodden

The Anarchy of Silence. John Cage and Experimental Arts L‘exposició revela les estratègies radicals emprades per Cage per perfeccionar la composició i ampliar-ne els paràmetres, forjant un nou camí rellevant per a la generació d‘artistes post-Pollock. En un moment en què la pintura moderna i la subjectivitat deixaven de ser fórmules viables de la pràctica artística, Cage impartia classes de composició experimental a una nova generació d‘artistes a la New School for Social Research de Nova York (1956-1960). Molts dels alumnes de Cage i els seus coetanis trobarien aviat el seu lloc al centre de les noves avantguardes, des de Fluxus fins a l‘art conceptual. Així, doncs, Cage va esdevenir una de les forces vives rere el gir copernicà de l‘art de la postguerra a principi de la dècada de 1960, situat al cim de la modernitat i la postmodernitat. Els enregistraments de sons, els films, les músiques i els materials documentals donen una idea de l‘abast extraordinari de les innovacions conceptuals i teòriques de Cage. Per il·lustrar-ho, l‘exposició presentarà una part de l‘obra que va dur a terme en col·laboració amb altres artistes, des de la música que va compondre per amplificar l‘experiència visual dels rotorelleus de Marcel Duchamp al principi de la seva trajectòria (1947) fins a la col·laboració musicopoètica amb el seu company anarquista Jackson Mac Low, passant per les obres amb llum aleatòria, ombres i sons ambientals de la ciutat de Nova York fetes com a part del projecte «Experiments en art i tecnologia» de Rauschenberg. Si Duchamp s‘ha revelat com la figura fonamental de principi-mitjan segle XX, el treball de Cage apareix actualment com un paradigma indispensable de final del segle XX i principi del XXI. Les fites de la seva obra revelen un «Cage conceptual» i s‘exposaran en relació directa amb obres clau de contemporanis seus que van compartir els seus compromisos amb el que era nou, no subjectiu i canviant, i van abraçar la tecnologia que redefiniria tota l‘experiència perceptiva: des de White Paintings de Rauschenberg (1951) i Box with the Sound of its Own Making de Robert Morris (1961) fins al nou mediascape d‘«Exploding Plastic Inevitable» de Warhol, i més enllà. Comissària: Julia Robinson Producció: Exposició organitzada pel Museu d‘Art Contemporani de Barcelona i coproduïda amb el Henie Onstad Kunstsenter, Hovikodden

New York City Black Book format: 23,5 x 16cm (9.25 x 6.3inch) 128 full color pages, photographs: 170 photos, drawings & llustrations / paperback / limited collector’s edition English edition : ISBN Paperback: 978-3-937946-60-3 Price Paperback: 9.95 € Limited collector’s edition : ISBN Hardcover: 978-3-937946-61-0 Price Hardcover: 14.95 €

New York City Black Book Masters presents a visual feast of ca. 170 drawings, outlines and burners from the personal collections and black book archives of New York‘s finest old school and new school graffiti writers, collected and complied by Alain ―KET‖ Maridueña and From Here To Fame Publishing.

Ciudad de Nueva York Masters Libro Negro presenta una fiesta visual de ca. 170 dibujos, esquemas y los quemadores de las colecciones y archivos personales libro negro de la mejor escuela de Nueva York de edad y la nueva escuela de escritores de graffiti, recogido y respetado por Alain "KET" Maridueña y de aquí a la Fama Publishing.

We are allowed a privileged glimpse into a usually closed off and private world—the world of a writer‘s personal black book—with this wonderful collection of candid and playful pieces that date from 1976 through to 2009.

Se nos permite una visión privilegiada en una normalmente cerrada y el mundo privado, el mundo del libro negro de un escritor personal con esta maravillosa colección de piezas sincera y alegre que datan de 1976 hasta 2009.

Through the working ideas and drawings that are represented we can see not only the generational differences in styles and execution but also another side to our graffiti heroes, a more intimate and personal one.

A través de las ideas de trabajo y los dibujos que están representados, podemos ver no sólo las diferencias generacionales en estilos y ejecución, sino también la otra cara de nuestros héroes de la pintada, un ambiente más íntimo y personal.

"The black book has been around since the beginning of my career and still exists as a staple for any real writer. It‘s a tool of the trade. It just started out as a tool to get your peers‘ autographs but then as time progressed, it became a staple for preparation; somewhere you could document work, draw in at any time and get really, really explicit in." PART ONE "Aside from the practice—which surely shows on the wall—owning a full black book packed with fresh graffiti drawings is like having a museumquality art collection in a handy carrying case." YES 2

"El libro negro ha estado presente desde el comienzo de mi carrera y aún existe como un elemento básico para cualquier escritor de verdad. Es una herramienta del comercio. Sólo que comenzó como una herramienta para obtener autógrafos de sus compañeros", pero luego como paso del tiempo, se convirtió en un elemento básico para la preparación, en algún lugar que podría documento de trabajo, establecer en cualquier momento y recibe muy, muy explícito in " PART ONE "Aparte de la práctica-que sin duda se muestra en la pared, propietaria de un libro negro lleno con nuevos dibujos de graffiti es como tener un museocolección de arte de calidad en un caso que lleva a la mano." YES2

WebTek, what is it?

Webtek, ¿qué es?

-=WebTek=- is a kind of streaming teknival with participation from all over the world. In reality it is not assured that there is a precise physical place where this event will happen or management core of the event, rather it is certain that so many people, solo artists and groups will try to play and sent over the Internet their in streaming theirs artistics performances. The webtek is so enjoyable in the first instance on the internet (like at home or office) only after in real physical places, such as certain that we are contacting for a collaboration.

Webtek es una especie de streaming Teknival con la participación de todo el mundo. En realidad, no es seguro que hay un lugar físico preciso donde ocurrirá el evento o la gestión de núcleo del evento, y no es cierto que para muchas personas, solistas y grupos que tratan de jugar y se envía por Internet su en streaming de ellos actuaciones artísticas. El Webtek es tan agradable en la primera instancia en el Internet (como en el hogar o la oficina) sólo después de en tiempo real los lugares físicos, como la certeza de que estamos en contacto para una colaboración.

Obviously the event is completely free, there is no money or business in webtek, there are hopes of businesses for any weasels of the Internet, the whole event is produced free of charge where possible and with the effort of some online radios that give the event the bandwidth at their disposal to ensure at least 24 hours of streaming event. Hopefully there will be some real T.A.Z. or social areas which can host some artists and provide them a connection to stream audio and video.. it is recommended to handle all of them completely free. WebTek is free for anyone and can be everywhere! There is no exact lineup but we're contacting some people to do a bit of tomtoms that always works .. The idea is that the webtek beginning February 28 at midnight and lasts at least 24 hours continuously, there are at least 10 streaming audio and 10 video streaming, there are special guests, promptly reported by us on the mini-site we created for the event and that these streams are embedded everywhere in order to attract the attention of the mass who sleeps..

Obviamente, el evento es totalmente libre, no hay dinero o de negocios en Webtek, hay esperanzas de las empresas para cualquier comadrejas de la Internet, todo el evento se produce de forma gratuita siempre que sea posible y con el esfuerzo de algunos radios en línea que dan el caso de que el ancho de banda a su disposición para garantizar al menos 24 horas de transmisión de eventos. Esperemos que habrá algunos T.A.Z. real o áreas sociales que pueden acoger a algunos artistas y conexión provide'em para streaming de audio y video .. se recomienda para manejar todos ellos completamente gratis. Webtek es libre para cualquier persona y puede estar en todas partes! No hay alineación exacta, pero estamos en contacto con algunas personas para hacer un poco de tom-toms que siempre funciona .. La idea es que el comienzo Webtek 28 de febrero a medianoche y dura por lo menos 24 horas continuamente, hay al menos 10 secuencias de audio y 10 secuencias de vídeo, hay invitados especiales, con prontitud por nosotros en el minisitio que hemos creado para el evento y que estas corrientes están incrustados en todas partes con el fin de atraer la atención de la masa que se duerme ..

The Full Frame Doc-u-men-tary Film Festival The Full Frame Doc-u-men-tary Film Fes-ti-val is an annual inter-na-tional event ded-i-cated to the the-atri-cal exhi-bi-tion of non-fiction cin-ema. Each spring Full Frame hosts a four-day, morn-ing to mid-night array of films, dis-cus-sions, pan-els, and south-ern hos-pi-tal-ity. In show-cas-ing the con-tem-po-rary work of estab-lished and emerg-ing film-mak-ers along-side clas-sic doc-u-men-taries, the fes-ti-val is com-mit-ted to build-ing wider national and inter-na-tional audi-ences for doc-u-men-tary film and enhanc-ing pub-lic under-stand-ing and appre-ci-a-tion of the art form. Now in its 13th year, the 2010 fes-ti-val will take place Thurs-day, April 8 through Sun-day, April 11. Full Frame takes place in down-town Durham, North Car-olina in the-atres and venues inside and sur-round-ing the his-toric Car-olina The-atre. The City of Durham is one of the festival‘s strongest sup-port-ers and Durham is home to a grow-ing arts com-mu-nity. The fes-ti-val has a long-standing rela-tion-ship with its pre-sent-ing spon-sor Duke Uni-ver-sity, along with the Cen-ter for Doc-u-men-tary Stud-ies and other area uni-ver-si-ties and orga-ni-za-tions. The largest sec-tion of films at the fes-ti-val is NEW DOCS, which includes short and fea-ture films com-pleted within the past two years. Each year, the fes-ti-val invites a guest cura-tor to pro-gram a series of films around a par-tic-u-lar theme. In 2009, film-maker Steve James of Hoop Dreams curated a series about sports. The fes-ti-val also presents a Career Award, screen-ing films from the honoree‘s body of work. The 2009 Career Award was given posthu-mously to St. Clair Bourne, direc-tor of Paul Robe-son: Here I Stand and Mak-ing Do the Right Thing. Each year, Full Frame receives roughly 1200 sub-mis-sions. A 20-person, vol-un-teer selec-tion com-mit-tee works with the Pro-gram-ming Depart-ment to watch and dis-cuss each film. The com-mit-tee nar-rows the field down to about 100 films, of which sixty are even-tu-ally pro-grammed as part of NEW DOCS. Last year, Full Frame was able to offer a very inti-mate fes-ti-val land-scape – all venues were within a sin-gle city block in the heart of down-town Durham and film-mak-ers stayed at hotels within walk-ing dis-tance.

The Full Frame Doc-u-men-tary Film Festival El Full Frame Documentary Film Festival es un evento internacional anual dedicado a la exhibición en salas de cine de no ficción. Cada primavera, Full Frame anfitriones de cuatro días, por la mañana a la medianoche serie de películas, debates, paneles, y la hospitalidad sureña. En la exhibición de la obra contemporánea de cineastas establecidos y emergentes junto a documentales clásicos, el festival se ha comprometido a construir más amplia audiencia nacional e internacional de películas documentales y de mejorar la comprensión y apreciación del público de la forma de arte. Ahora, en su 13 º año, el festival de 2010 tendrá lugar Jueves, 8 de abril hasta el domingo, 11 de abril. Full Frame tiene lugar en el centro de Durham, Carolina del Norte en los teatros y lugares dentro y alrededor del histórico Teatro Carolina. La Ciudad de Durham es uno de los partidarios más fuertes del festival y Durham es el hogar de una creciente comunidad de artes. El festival cuenta con una larga relación con su patrocinador de presentación de la Universidad de Duke, junto con el Center for Documentary Studies y universidades de la zona y otras organizaciones. La sección más grande de películas en el festival de nuevos documentos es, que incluye cortos y largometrajes a cabo en los últimos dos años. Cada año, el festival invita a un curador invitado al programa de una serie de películas en torno a un tema en particular. En 2009, el cineasta Steve James, de Hoop Dreams comisariado una serie de deportes. El festival también presenta un premio de la carrera, la exhibición de películas del cuerpo de la homenajeada de trabajo. El Premio 2009 de carrera se dio a título póstumo a St. Clair Bourne, director de Paul Robeson: Here I Stand and Making Do the Right Thing. Cada año, Full Frame recibe aproximadamente 1200 presentaciones. A 20-persona, el comité de selección de los voluntarios trabaja con la Secretaría de Programación para ver y discutir cada película. El comité se estrecha el campo de abajo a cerca de 100 películas, de los cuales sesenta años son el tiempo programado, como parte de nuevos documentos. El año pasado, Full Frame fue capaz de ofrecer un paisaje de fiesta muy íntima - todos los lugares estaban dentro de una cuadra de la ciudad en el corazón del centro de la ciudad de Durham y cineastas han estado en hoteles a poca distancia.

Toronto Arts and Fashion Week 2010

Celebrating its 5th anniversary from April 21-24 2010, Toronto Arts and Fashion Week aka |FAT| will bring together trend-blazing talent across all genres of music to its stage. The annual 4-day event draws 5,000 people including fans, curators, industry professionals and members of the media. Toronto Arts and Fashion Week is a platform for inventive, pioneering and contemporary expression, dedicated to showcasing and promoting emerging creators in music, arts and design. This annual multi-arts event features 200 emerging musicians, designers, visual artists and performers each year. The festival delivers a packed schedule of live performances, runway shows, photography exhibits, video screenings and installations, to celebrate future leaders in a wide range of art forms.

Apr 21, 2009 - Apr 24, 2009 - Toronto, ON Canada

Toronto Arts and Fashion Week 2010

Toronto Arts and Fashion Week 2010

Likeness PITTSBURGH, PA.Portraits are everywhere. They are in our wallets; on our computers, cell phones and desktops; on the walls of corporate offices, banks and schools. But what precisely is a portrait or image of likeness? How do artists‘ methods and materials evolve as technology progresses with break-neck speed? And in this age of user-generated content, who exactly is the artist? LIKENESS is a group exhibition that aims to examine human depiction during a postWarholian era in which new technology has played an influential role. It includes the work of artists Jim Campbell, Paul DeMartinis, John Herschend, Nikki Lee, Joseph Manino, Greta Pratt and Tony Oursler. Elaine A. King, who is a freelance critic and curator as well as a professor at Carnegie Mellon University teaching Art History/Theory/Museum Studies, will curate the exhibition.

PITTSBURGH, PA .- Retratos están en todas partes. Ellos están en nuestros bolsillos, en nuestras computadoras, teléfonos celulares y computadoras de escritorio, en las paredes de las oficinas de las empresas, bancos y escuelas. Pero lo que es, precisamente, un retrato o la imagen de la semejanza? ¿Qué métodos de los artistas y los materiales evolucionan a medida que la tecnología avanza con velocidad vertiginosa? Y en esta era de contenido generado por usuarios, que es exactamente el artista? La semejanza es una exposición colectiva que tiene por objeto analizar la representación humana en una era post-Warhol en la que la nueva tecnología ha desempeñado un papel influyente. Incluye el trabajo de los artistas Jim Campbell, Paul DeMartinis, John Herschend, Nikki Lee, Joseph Manino, Greta Pratt y Tony Oursler. Elaine A. King, quien es un crítico y curador independiente, así como un profesor en la Universidad Carnegie Mellon, la enseñanza de Historia del Arte de la Universidad / Teoría / Museo de Estudios, se cura de la exposición.

JOSEPH MANNINO The Space Between, 2009 (4th Floor) ink jet prints on Epson Luster Premium Paper and Scrim Vinyl Banner

Likeness According to King, ―All of these artists have worked with different materials in crossdisciplinary ways and each have made works that focus on shifts in the manifestation of human beings during this time of social and technological transformation. The change in focus of the human figure in contemporary art from other eras, which primarily relied upon the sensory and physical properties of form as subject matter has shifted in portrayal because of alterations of lifestyle, identity and technology. The human figure now functions as a narrative and physiological vehicle reflecting the human condition within a social and political context. Each artist in this exhibition uses the figure as a common vehicle through which they express personal and aesthetic issues alluding to the human condition of our time. The portrayal of human likeness continues to be an important vehicle for artistic self-discovery and self-definition against the velocity of change in our world.‖ LIKENESS is a multi-part exhibition that uses virtually all areas in the Mattress Factory‘s main gallery facility. Portions of the exhibition involve new media and emerging technologies to introduce participatory elements based on visitor-generated content. TONY OURSLER Vampiric Battle, 2009 (Lower Level) video, steel, digital prints, foam board

Según King, "Todos estos artistas han trabajado con diferentes materiales en encrucijadas disciplinarias y cada uno han hecho obras que se centran en cambios en la manifestación de los seres humanos durante este tiempo de transformación social y tecnológica. El cambio en el enfoque de la figura humana en el arte contemporáneo de otras épocas, que se basó principalmente en las propiedades sensoriales y físicas de la forma como la materia ha cambiado en la imagen debido a las alteraciones del estilo de vida, la identidad y la tecnología. La figura humana funciona ahora como una narración y un vehículo fisiológicos que reflejan la condición humana en un contexto social y político. Cada artista en esta exposición utiliza la figura como un vehículo común a través de la cual se expresan los problemas personales y estéticas en alusión a la condición humana de nuestro tiempo. La representación de la figura humana sigue siendo un importante vehículo para la autodescubrimiento artístico y la auto-definición en contra de la velocidad de cambio en nuestro mundo ". La semejanza es un multi-parte de exposición que utiliza prácticamente todas las áreas en las instalaciones de la galería principal de la fábrica de colchones. Algunas partes de la exposición de la participación de nuevos medios y tecnologías emergentes para introducir elementos de participación basada en el contenido generado por los visitantes.


JIM CAMPBELL Liz Walking: A Distillation Portrait (2009) Fathers of the Elevator (2009), custom electronics, LED lights Jim Campbell‘s artwork has undergone a succession of manifestations from film to video, to installation and electronic sculpture. At the nucleus of his work are a focus on human memory and its relationship to time and movement from both psychological and scientific perspectives. For over twenty years, Campbell has been creating some of the most inventive technology-based artwork. In his original and subtle constructions Campbell pairs ―custom electronics‖ with the use of LED (Light Emitting Diodes) and other materials and its architectural surrounding. He has shaped exceptional designs for custom hardware and software using his background in engineering and mathematics. His utilization of art, design, and science has led him to produce customized electronic sculptures and groundbreaking interactive installations.

Obras de arte de Jim Campbell ha sido objeto de una sucesión de manifestaciones de la película a vídeo, la instalación y la escultura electrónica. En el núcleo de su obra son un foco en la memoria humana y su relación con el tiempo y el movimiento desde una perspectiva psicológica y científica. Durante más de veinte años, Campbell ha sido la creación de algunas de las tecnologías más inventiva basada obra de arte. En su construcción original y sutil pares Campbell "electrónicos a medida" con el uso de LED (Light Emitting Diodes) y otros materiales de arquitectura y sus alrededores. Ha dado forma a los diseños excepcionales para el hardware y software personalizado utilizando su experiencia en ingeniería y matemáticas. Su utilización de arte, diseño, y la ciencia le ha llevado a producir esculturas personalizadas electrónicas e innovador de instalaciones interactivas.

Likeness Paul DeMarinis has been working in the arts for several decades and subsequently has produced numerous performance works, sound and computer installations, as well as interactive electronic inventions. DeMarinis‘s subtle and magical works display an intersection of tradition and progress, often motivated to cover an expanse of subjects and themes. Today we hear the term multidisciplinary! It is indeed an accurate one to describe Paul DeMarinis. Although the majority of his productions fall within the realm of art, he is also a historian, an experimenter, a chemist, a physicist, an engineer, a programmer, an inventor, a computer scientist and an archaeologist. His cross-disciplinary approach affords him an aptitude to condense the many facets of technology into his art constructions that aspire to be concurrently comprehensible and philosophical.

Paul DeMarinis ha estado trabajando en el arte durante varias décadas y, posteriormente, ha producido numerosas obras de rendimiento, sonido e instalaciones informáticas, así como interactivos invenciones electrónicas. Obras sutil y mágico varias versiones de pantalla de una intersección de tradición y progreso, a menudo motivados para cubrir una extensión de los temas y temas. Hoy escuchamos el término multidisciplinario! Efectivamente, es una acertada para describir a Paul varias versiones. Aunque la mayoría de sus producciones entran en el ámbito del arte, también es un historiador, un experimentador, un químico, un físico, un ingeniero, un programador, un inventor, un científico de la computación y un arqueólogo. La cruz-le ofrece el enfoque disciplinario de capacidad para condensar las múltiples facetas de la tecnología en sus construcciones de arte que aspiran a ser a la vez comprensible y filosófica.

PAUL DEMARINIS Dust (2009) computer, video projector, photoluminescent powder, bass speaker


For years Nikki S. Lee has explored the notions of identity through the medium of photography and film. Nikki S. Lee‘s career as an artist has centered on her development of an ever-changing array of personas. Over the past decade, Lee has created a well-known body of work that plays upon her chameleon abilities. In the ―Projects‖ series, produced from 1997 through 2001, the artist posed in snapshot pictures with various ethnic and social groups adapting her own identity to the group she was with. At times these photographs take on a comical twist on photography and performance art. Lee immersed herself in various communities, taking on the style and mannerisms of groups as varied as urban-dwelling Hispanics, hiphop performers, strippers, young Korean school girls and trailer park residents in Ohio. Parts (2002 – 2005) is a series in which she posed with different male partners in various planned scenarios. After the photograph is produced Lee cuts away the portion showing her male companion, adding to the openended narrative suggested in each work.

Durante años, Nikki S. Lee ha explorado los conceptos de identidad por medio de la fotografía y el cine. Nikki S. Lee 's carrera como artista se ha centrado en su desarrollo de un conjunto siempre cambiante de las personas. Durante la última década, Lee ha creado un cuerpo bien conocido de la labor que desempeña en sus habilidades camaleón. En la serie de "Proyectos", producido a partir de 1997 a 2001, el artista plantea en imágenes instantáneas con los diversos grupos étnicos y sociales de la adaptación de su propia identidad al grupo que la acompañaban. A veces estas fotografías adquieren un toque cómico a la fotografía y el performance. Lee se sumergió en las diferentes comunidades, teniendo en el estilo y modales de grupos tan variados como los hispanos de vivienda urbana, hip-hop, strippers, las jóvenes de la escuela de Corea y los residentes parque de remolques en Ohio. Piezas (2002 - 2005) es una serie en la que posó con diferentes parejas en diferentes escenarios previstos. Después de la fotografía se produce Lee corta distancia de la parte que muestra su compañero masculino, agregando a la narración de composición abierta se sugiere en cada obra.


Joseph Mannino has worked throughout his career in varied medium—ranging from large ceramic sculpture to photography.

José Mannino ha trabajado durante toda su carrera en el medio de variadas que van desde la escultura de cerámica grande para la fotografía.

For many years his often-sizeable sculptures depict fragmented parts of the anatomy, heroic images that appear playful, yet isolated and mysterious, complex and contradictory.

Durante muchos años, su frecuencia esculturas representan importantes partes fragmentadas de la anatomía, las imágenes que aparecen heroica lúdico, pero aislado y misterioso, complejo y contradictorio.

Many in Pittsburgh are familiar with his monumental head titled Gasp (1990), a sixteen-foot head based on a Stone Age Celtic head that appears to be emerging from the earth on the front lawn of the Pittsburgh Center for the Arts.

Muchos de Pittsburgh están familiarizados con la cabeza monumental titulada Gasp (1990), un chico de dieciséis cabeza de pie sobre la base de una cabeza de Edad de Piedra Celta que parece estar emergiendo de la tierra en el césped frente al Centro de Pittsburgh de las Artes.

Other pieces depict sculptures of colossal heads, large lips or ears, or the occasional group of large eyes. In whatever medium Mannino works, the language of figuration remains an innate part of his oeuvre.

Otras piezas muestran esculturas de cabezas colosales, los labios o las orejas grandes, o el grupo ocasional de grandes ojos. Mannino por cualquier medio de obras, el lenguaje de la figuración sigue siendo una parte innata de su obra.

Fantasporto 2010

The 30th edition of FANTASPORTO- the Oporto International Film Festival will take be held 22nd February- 7th March 2010 at the Rivoli-Teatro Municipal and Espaço Cidade do Cinema. FANTASPORTO is considered without any doubts, the biggest film festival in Portugal and one of the 25 leading festivals of the world, being as well the world leader in fantasy films. Considered by the Ministry of Culture as an event of ― High Cultural Interest‖, ir received the Medal of Cultural Merit awarded by the Portuguese Government and the Silver Medal of the Parliament. It holds, as well, the Gold Medals of Honour of the cities of Porto and Gaia.

Considerado por el Ministerio de Cultura como un evento de "Alto Interés Cultural", ir recibió la Medalla al Mérito Cultural concedida por el Gobierno portugués y la medalla de plata del Parlamento. Sostiene, además, las Medallas de Oro de Honor de las ciudades de Oporto y Gaia.

The Ministry of Tourism has also considered Fantasporto as one of the 10 most prestigious and ―investment worthy‖ brands in Portugal, being the only one referred in a study about Cultural events. It also received the award of the Best Cultural Event for Tourism in Portugal, in 2008

El Ministerio de Turismo también ha considerado Fantasporto como uno de los 10 más prestigiosos y "buena inversión" las marcas en Portugal, siendo la única referencia en un estudio sobre los eventos culturales. También recibió el premio de el mejor evento cultural para el turismo en Portugal, en 2008 Fantasporto, sigue siendo un líder

Together with events such as the Cannes film festival or the Berlin Film Festival, Fantasporto is over the years referred by VARIETY, the biggest industry entertainment publication, as one of The Most Important Film Festivals in the World. Also the most important Film Festival Site in the world has placed FANTASPORTO in the leading group. Shows the link to the festival in its homepage along with the ones of Cannes and Berlin. The Image of Porto and Portugal are evidently with a high profile due to the effort, professionalism, proficiency and quality of programming.

Junto con eventos como el Festival de Cine de Cannes o el Festival de Cine de Berlín, Fantasporto es largo de los años mencionados por la revista Variety, la mayor publicación de la industria del entretenimiento, como uno de los más importantes festivales de cine del mundo. También el más importante Festival de Cine de la web en el mundo ha puesto FANTASPORTO en el grupo de cabeza. Muestra el enlace al festival en su página web junto con los de Cannes y Berlín. La imagen de Oporto y Portugal son, evidentemente, con un perfil de alto debido al esfuerzo, la profesionalidad, competencia y la calidad de la programación.

Fantasporto 2010 For 2010, apart from the competitive sections, a vast program is being prepared, namely the Retrospective of French Cinema, the Retrospective of Portuguese Director and Producer Luís Galvão Teles, ―Salve-se Quem Puder‖ for cult films, and he Special program ―Robotics and Cinema‖ with the participation of scientists and the Oporto University, Having as main official sponsors the Ministry of Culture (ICA) and the Oporto Town Hall, the festival also will present in Nacional, European and / or International previews the latest features in the sector ― Première & Panorama‖. GUESTS, PARTICIPANTS, THE MEDIA AND THE AUDIENCE As in previous years, the Organizing Committee, will invite a group of national and international film personalities in order to elicit a a discussion about the mains problems and tendencies of the world film industry. International juries and the directors and producers of films in competition are invited, as well as representatives of other film festivals and honour guests. Other events include lectures, debates, press conferences, books and dvd‘s presentations are a fundamental part of the program. To be prepared are an Art Exhibition, a n award for Portuguese short films, a Film Book Fair and an Art Auction, among other events. DATES The 30th Fantasporto will be held between the 22nd February and the 7th March, with the competitions beginning on the 26th February and ending on the 6th March. Para 2010, además de las secciones competitivas, un vasto programa se está preparando, a saber, la retrospectiva de cine francés, la retrospectiva del director y productor portugués Luís Galvão Teles, "Salve-se Quem Puder" para películas de culto, y el programa especial " Robótica y Cine "con la participación de científicos y la Universidad de Oporto, Teniendo como principales patrocinadores oficiales del Ministerio de Cultura (ICA) y el Ayuntamiento de Oporto, el festival presentará también en el Nacional, Europeo y / o previstas Internacional de las últimas novedades en el sector "Première y Panorama. CLIENTELA, PARTICIPANTES, LOS COMUNICACIÓN Y DE LA AUDIENCIA



Como en años anteriores, el Comité Organizador invitará a un grupo de personalidades nacionales e internacionales de cine a fin de provocar el debate acerca de los problemas aa la red y las tendencias de la industria cinematográfica mundial. Jurados internacionales y de los directores y productores de las películas en competencia están invitados , así como representantes de otros festivales de cine y los invitados de honor. Otros eventos incluyen conferencias, debates, conferencias de prensa, libros y presentaciones en DVD son una parte fundamental del programa. Para estar preparado es una exposición de arte, un premio para el portugués cortometrajes, una Feria del Libro de películas y una subasta de arte, entre otros eventos. FECHAS El Fantasporto 30a se celebrará entre el 22 de febrero y el 7 de marzo, con los concursos que comenzaría el 26 de febrero y termina el 6 de marzo.

The European Independent Film Festival The European Independent Film Festival (ÉCU) continues its commitment of being at the centre of discovery, promotion and projection of the very best independent filmmaking talent from around the world. ÉCU will showcase filmmakers whose films demonstrate quality, innovation and independence in both form and content. There are eleven categories of films in this highly esteemed competitive festival. While ÉCU‘s goal is to bring worldwide attention to European independent filmmakers, there are also four foreign categories open to independent filmmakers from the Americas, Africa and Asia. The festival will take place in Paris in March 12-14 2010. The European Independent Film Festival (ÉCU) has established itself as a fantastic arena for independent filmmakers from around the world to screen their films to large audiences made up of a cinema-loving public who are seeking alternatives to the offerings of major studios, as well as to agents, talent scouts, production company representatives, distributors and established producers looking for new projects and raw talent. Of course several hundred independent filmmakers from around the world will be in Paris to participate in the ÉCU. To make the ÉCU Film Festival a rewarding film festival experience, festival attendees will be able to attend editing workshops run by AVID and screenwriting labs hosted by Scriptshark, join in on discussion panels and get hands-on experience with the latest filmmaking technology. With interest from large sections of European and international press, this is a great opportunity for independent filmmakers to get recognition for their films. Attending directors will also have the opportunity to speak about their films at our ―Speak to the Directors‖ panel sessions which take place throughout the festival. ―The European Independent festival has proved to be a true breakthrough for Indie Filmmakers in Europe. ÉCU 2009 offers European independent filmmakers the chance to screen their films to an audience hungry for high-quality independent films, exposes them to other independent filmmaker‘s work and gives them a forum to exchange ideas with other filmmakers. I believe that all of this will help them a great deal in their future filmmaking ventures.‖ -Scott Hillier, President of The European Independent Film Festival.

The European Independent Film Festival

El Festival de Cine Europeo Independiente (ECU) continúa con su compromiso de estar en el centro de descubrimiento, promoción y proyección de los mejores talentos muy cine independiente de todo el mundo. Ecus se escaparate cineastas cuyas películas demuestran la calidad, la innovación y la independencia tanto en la forma y contenido. Hay once categorías de películas en alta estima este festival competitivo. Si bien el objetivo de ecus es para llamar la atención de todo el mundo a los cineastas independientes europeas, también hay cuatro categorías de extranjeros abierto a los cineastas independientes de América, África y Asia. El festival tendrá lugar en París en marzo 12-14 de 2010. El Festival de Cine Europeo Independiente (ECU) se ha establecido como un escenario fantástico para los cineastas independientes de todo el mundo a la pantalla de sus películas con una gran audiencia compuesta por un público amante del cine que están buscando alternativas a las ofertas de los grandes estudios, así como a los agentes, cazatalentos, representantes de la empresa de producción, distribuidores y productores establecidos en busca de nuevos proyectos y el talento en bruto. Por supuesto, varios cientos de cineastas independientes de todo el mundo estará en París para participar en el ECU. Para que el Festival de Cine de ECU gratificante experiencia del festival, los asistentes al festival podrán asistir a talleres de edición a cargo de AVID y laboratorios de escritura de guiones organizado por Scriptshark, unirse a grupos de debate y obtener experiencia práctica con la última tecnología cinematográfica. Con el interés de amplios sectores de la prensa europea e internacional, esta es una gran oportunidad para los cineastas independientes para obtener el reconocimiento de sus películas. Asistirán directores también tendrán la oportunidad de hablar sobre sus películas en nuestro "Habla a los Directores de" mesas redondas que se celebran durante todo el festival. "El festival independiente Europea ha demostrado ser un verdadero avance para cineastas independiente en Europa. ECU 2009 ofrece Europea cineastas independientes la oportunidad de pantalla de sus películas a un público ávido de películas de alta calidad de independientes, los expone a trabajar cineasta independiente de otros y les proporciona un foro para intercambiar ideas con otros cineastas. Creo que todo esto les ayudará mucho en sus negocios en el cine futuro. "?-Scott Hillier, Presidente de la European Independent Film Festival

Nick Cave : The Death of Bunny Munro

"Music is storming, driving, relentless, devotional, slinky, subtle, heartbreakinglybeautiful sounds that, lyrically, switch from the cynical to the sanguine, the defeated to the defiant, dealing in love, war, beauty, children, romance, rejection, Pethedine, poetry, panties, God, Auden, Johnny Cash, cold potatoes, too-much-money, not enough money, writer’s block, flowers, animals and more flowers. But maybe I’m projecting here.― "La música es asalto, conducir, implacable, de devoción, Slinky, sutil, desgarradora, hermosa sonidos que, líricamente, pasar de la cínica de la sanguina, el derrotado al desafiante, que trata en el amor, la guerra, la belleza, los niños, el romance, el rechazo , el dinero Pethedine, la poesía, bragas, Dios, Auden, Johnny Cash, las patatas de frío, demasiado-mucho-dinero, no lo suficiente, el bloqueo del escritor, flores, animales y más flores. Pero tal vez estoy proyectando aquí ". — Nick Cave

Nick Cave : The Death of Bunny Munro

Twenty years after the publication of his first novel, And the Ass Saw the Angel, Nick Cave brings us the final days of Bunny Munro, a salesman in search of a soul. Set adrift by his wife‘s suicide and struggling to keep some sort of grasp on reality, Bunny Munro drives off in his yellow Fiat Punto, Bunny Jr. in tow. To his son, waiting patiently in the car while he peddles beauty wares and quickies to lonely housewives in the south of England, Bunny is a hero, larger than life. But Bunny himself seems only to have a dim awareness of his son‘s existence, viewing his needs as a distraction from his own relentless pursuit of sex, alcohol and drugs. When his bizarre road trip shades into a final reckoning, and when England‘s small towns seem to become stopping points in a strange, mythical landscape, Bunny realizes that the revenants of his world—decrepit fathers, vengeful ghosts, jealous husbands and horned psycho-killers—lurk in the shadows, waiting to exact their toll. At turns dark and humane—and with all the mystery and enigma fans will recognize as Cave‘s singular vision—The Death of Bunny Munro questions the nature of sin and redemption, and lays bare the imprints that fathers leave on their sons.

Veinte años después de la publicación de su primera novela, y la sierra el culo del Angel, Nick Cave nos lleva los últimos días de Bunny Munro, un vendedor en busca de un alma. A la deriva por el suicidio de su mujer y lucha por mantener algún tipo de comprensión de la realidad, Bunny Munro, fuera de las unidades en su amarillo Fiat Punto, Bunny Jr. en el remolque. A su hijo, esperando pacientemente en el coche mientras se comercia con mercancía de belleza y rápidos para las amas de casa solitaria en el sur de Inglaterra, Bunny es un héroe, más grande que la vida. Pero Bunny mismo sólo parece haber una conciencia débil de la existencia de su hijo, viendo sus necesidades como una distracción de su implacable lucha de sexo, alcohol y drogas. Cuando su viaje de matices extraños carretera en un ajuste de cuentas final, y cuando las pequeñas ciudades de Inglaterra parecen ser los puntos de parada en un paisaje extraño, mítico, Bunny se da cuenta de que los aparecidos de su mundo-padre decrépito, fantasmas vengativos, maridos celosos y cornudos psico-killers -acechan en las sombras, esperando a su precio exacto. En pone oscura y humana-y con todo el misterio y el enigma de los fans reconocerán como visión singular de Cave-La muerte de preguntas Bunny Munro, la naturaleza del pecado y la redención, y pone al descubierto las huellas que los padres dejan a sus hijos.

Four Perspectives Through the Lens: Soviet Art Photography in the 1970s-80s

This exhibition presents a selection of more than sixty photographs from the Norton and Nancy Dodge Collection of Soviet Nonconformist Art by Francisco Infante, Vladimir Kupriyanov, Boris Mikhailov, and Aleksandr Slyusarev, four major Soviet artists working with photography in 1970 –1980s. Photography was not officially considered an art in the Soviet Union at that time, and it was not taught in art schools. On the other hand, the amateur status of artistic photography, unrestricted by professional conventions or censorship, allowed great creative freedom and presented wide opportunities for experimentation. Soviet photographers made exceedingly canny, inventive, and highly individual use of the medium, expressing ideas that were both specific and universal in character. These four artists demonstrate four different approaches to the photograph, and testify to the range and variety of fine art photography‘s development in Soviet unofficial art. Two – Slyusarev and Mikhailov – are straightforward art photographers. Two others – Infante and Kupriyanov – are visual artists, who use photography as a medium to transcribe their creative ideas. Two of the four – Kupriyanov and Mikhailov – are concerned with social issues; the other two – Infante and Slyusarev – explore abstract categories, such as the geometry of light and reflections, often with reference to Russian avant-garde and/or western modernist practice. The exhibition presents an opportunity for multiple comparisons and cross-references in areas such as the approaches to social themes, cultural and art historical associations, and various photographic techniques and artistic effects.

Esta exposición presenta una selección de más de sesenta fotografías de la Norton and Nancy Dodge Colección de Arte inconformista soviético de Francisco Infante, Vladimir Kupriyanov, Boris Mikhailov, y Aleksandr Slyusarev, cuatro grandes artistas soviéticos que trabajan con la fotografía en 1970-de 1980. La fotografía no fue oficialmente considerada un arte en la Unión Soviética en ese momento, y no se enseñaba en las escuelas de arte. Por otra parte, la condición de aficionados de la fotografía artística, sin restricciones por las convenciones profesionales o de censura, ha permitido una gran libertad creativa y presenta amplias oportunidades para la experimentación. Fotógrafos Soviética hizo muy astuto, inventiva, y el uso muy personal de este medio, expresar ideas que eran específicos y de carácter universal. Estos cuatro artistas demuestran cuatro enfoques diferentes de la fotografía, y dar testimonio de la amplitud y variedad del desarrollo de la fotografía artística en el arte oficial soviético. Dos - Slyusarev y Mikhailov - son fotógrafos de arte sencillo. Los otros dos - Infante y Kupriyanov - son artistas visuales, que utilizan la fotografía como un medio para transcribir sus ideas creativas. Dos de los cuatro - Kupriyanov y Mikhailov se refiere a las cuestiones sociales y los otros dos - Infante y Slyusarev - Explorar categorías abstractas, como la geometría de la luz y reflexiones, a menudo con referencia a la vanguardia rusa y / o la práctica modernista occidental. La exposición presenta una oportunidad para comparaciones múltiples y referencias cruzadas en áreas tales como los enfoques de temas sociales, las asociaciones histórico-culturales y el arte, y las diversas técnicas de fotografía y efectos artísticos.

The Lower Dodge Gallery, New Brunswick, NJ, USA - Oct 03, 2009 - Mar 28, 2010

The Art of Being a Man Bodies beautiful The men of Africa and Oceania seldom appear in public unadorned. The jewellery and symbols they wear in everyday life or on the occasion of cult ceremonies constitute a rich palimpsest of layered experiences, not least of the initiation rites that mark the different phases of men‘s lives. This transformation of their elemental nakedness reflects their status within the community. Every single sign, artefact and body marking provides a further clue to their identity and to the rank they hold within the group on the basis of age, gender and, of course, office, with chiefs, hunters, officiants and diviners enjoying the greatest prestige. Men‘s bodily adornments place them at the centre of an infinite and infinitely complex web of social and religious connections with other members of their society, as well as with their ancestors and beings in the supernatural world. Designs on nature Male jewellery designed for men, but sometimes shared with women is extremely diverse. The inhabitants of Subsaharan Africa and the Pacific Islands have traditionally derived much of their inspiration from their surroundings, drawing on a huge range of raw materials to fashion artefacts of genuine formal richness, ranging from the strictly minimalist to the overwhelmingly profuse. In Africa, the skin, teeth and claws of leopards, lions and elephants, and in Oceania those of pigs, dogs and sperm whales, together with bird plumage, are greatly sought after for making jewellery that connotes prestige, as they symbolize power and vitality, and offer protection to their wearers. When not providing an additional source of materials, such as teeth and hair, for particularly exceptional ornaments, the human body serves as a medium of art, which may take the form of hairstyles, tattoos, scarifications or deep piercings of the nose, ears and lips with objects of varying sizes, made from stone, fibre, wood, bone, shell or metal. Tell me what you wear and I will tell you what you are Pendants, necklaces, bracelets and armbands, penis sheaths, ornaments inserted into facial orifices, headdresses, combs and headbands, not to mention amulets and ceremonial dress, warrior and hunting costumes, never fail to surprise with their sheer originality. Their purely functional role is overlaid by a strong aesthetic dimension, manifested through the interplay between forms, colours or materials, used either singly or in skilful combinations. Pieces of jewellery, ornaments and clothes question the body. They serve to attract people‘s attention to it, not least for the purposes of seduction. And all of them, without exception, are intended to conceal part of the wearer‘s anatomy, while at the same time enhancing his presence, virility and beauty. Jewellery and symbols reflect behaviours and social practices. As such, they can underscore the meanings conveyed by sculptures of dignitaries. The decoration of each artefact, be it a full-size statue, a cult figure, a mask with highly expressive or, on the contrary, highly schematic features, or even an anthropomorphic pillar, can thus be traced back to the symbolic system governing the codes of masculine appearance.

The Art of Being a Man

Journeys into manhood This exhibition sets out first and foremost to explore several key aspects of masculine identities in Africa and Oceania. Significant examples have been taken from the culture areas of West Africa, Equatorial Africa and Central Africa, as well as from the thousands of islands in the Pacific that are grouped into the three different-sized entities of Polynesia, Melanesia and Micronesia. The objects on display, some of them truly exceptional items, are ones that have accompanied men during their journey into manhood. They constitute a record of the experiences that allowed those who wore them, used them or simply came into their presence, to acquire the qualities that every man needs to become rooted in his society and recognized as a fully-fledged member.

Cuerpos hermosos Los hombres de África y Oceanía, rara vez aparecen en público sin adornos. La joyería y los símbolos que usan en la vida cotidiana o en ocasión de las ceremonias de culto constituyen un palimpsesto rica de experiencias de varias capas, no menos importante de los ritos de iniciación que marcan las etapas diferentes de la vida de los hombres. Esta transformación de su desnudez elemental refleja su situación dentro de la comunidad. Cada signo, objeto y el cuerpo marcado proporciona una pista más a su identidad y el rango que tienen dentro del grupo sobre la base de edad, el sexo y, por supuesto, la oficina, con los jefes, los cazadores, los oficiantes y adivinos que goza del mayor prestigio . Adornos corporales hombres ponen en el centro de una red infinita e infinitamente complejo de relaciones sociales y religiosas con otros miembros de su sociedad, así como con sus antepasados y los seres en el mundo sobrenatural. Diseños en la naturaleza Hombre diseñado joyas para hombres, pero a veces compartida con las mujeres es muy diversa. Los habitantes del África Subsahariana y las islas del Pacífico tradicionalmente han derivado gran parte de su inspiración de su entorno, basándose en una amplia gama de materias primas a los objetos de manera auténtica riqueza formal, que van desde lo estrictamente minimalista de la abrumadora mayoría profusa. En África, la piel, los dientes y las garras de los leopardos, leones y elefantes, y en Oceanía los de los cerdos, los perros y los cachalotes, junto con plumaje de las aves, son muy buscados para hacer joyería que connota prestigio, ya que simbolizan la fuerza y la vitalidad , y ofrecer protección a sus usuarios. Al no ser una fuente adicional de materiales, tales como dientes y pelo, especialmente para los adornos excepcionales, el cuerpo humano sirve como medio de arte, que puede adoptar la forma de peinados, tatuajes, perforaciones o escarificaciones profundas de la nariz, las orejas y los labios con objetos de diferentes tamaños, hechas de piedra, fibra, madera, hueso, concha o de metal.

The Art of Being a Man Dime lo que te pones y te diré quién eres Colgantes, collares, pulseras, brazaletes, fundas pene, adornos insertados en orificios faciales, tocados, peines, cintas, por no hablar de los amuletos y trajes ceremoniales, guerrero y trajes de caza, nunca dejan de sorprender con su originalidad pura. Su papel puramente funcional queda anulada por una fuerte dimensión estética, que se manifiesta a través de la interacción entre las formas, colores o materiales, utilizados ya sea por separado o en combinaciones hábiles. Piezas de joyería, ornamentos y ropas cuestión del cuerpo. Sirven para atraer peopleâ € ™ s la atención a ella, no menos a los efectos de la seducción. Y todos ellos, sin excepción, están destinados a ocultar parte de la wearerâ ™ € s Anatomy, mientras que al mismo tiempo, mejorar su presencia, la virilidad y la belleza. Joyas y símbolos reflejan los comportamientos y prácticas sociales. Como tales, se puede subrayar el significado transmitido por las esculturas de los dignatarios. La decoración de cada artefacto, ya sea una estatua de tamaño, una figura de culto, una máscara con muy expresiva o, por el contrario, características muy esquemática, o incluso un pilar antropomorfas, con lo que se remonta al sistema simbólico que rigen la los códigos de apariencia masculina. Viajes a la edad adulta Esta exposición presenta en primer lugar para explorar varios aspectos clave de la identidad masculina en África y Oceanía. Ejemplos importantes han sido tomadas de las áreas de cultura de África Occidental, África Ecuatorial y África central, así como de las miles de islas en el Pacífico, que se agrupan en tres tamaños diferentes entidades de la Polinesia, Melanesia y Micronesia. Los objetos en exhibición, algunos de ellos elementos verdaderamente excepcionales, son los que han acompañado a los hombres durante su viaje a la edad adulta. Constituyen un registro de las experiencias que permitieron que las que llevaban ellos, utilizados o simplemente entró en su presencia, para adquirir las cualidades que cada hombre debe llegar a ser arraigados en su sociedad y reconocido como miembro de pleno derecho.

l’ART d’être un homme (Afrique, Océanie) MUSÉE DAPPER, Paris 15 octobre 2009 – 11 juillet 2010

Sven Väth in the Mix: The Sound Of The 10th Season 2xCD + DVD (CORMIX027) Tracklisting CD 1 – Noche 1. Somebody - Alejandro Mosso / 2. Ceadmon Loop - Anthea & Celler / 3. The Beginning (Michel Cleis Rmx) - Spencer Parker / 4. I'm telling you (Nico Purman Remix) - Sebastian Lutz / 5. Call Of Banganzwe (Matt John Discopub Remix) - Dreher & Smart / 6. The Darkest Star - Electric Rescue / 7. In Mexico With You (Ahmet Sisman Remix) - Franco Cazzola / 8. Magie (Techno Version) – Egbert / 9. Pravim Haos – Umek / 10. Not Assigned - Marc Marzenit / 11. Living in Africa - Ilario Alicante Tracklisting CD 2 – Dia 1. Money Nugget – Prostitune / 2. I Love You - Basti Pieper feat. Eddy Pirax / 3. Aria (Lawrence Remix) - Lee Jones / 4. Mean Land - Cesare vs Disorder / 5. The Voice Of Planet Love - Precious System / 6. Come Home – Yousef / 7. La Mezcla - Michel Cleis feat. Totó La / 8. Art Of Sorrow Stefan Goldmann / 9. Mrs Bojangels - DJ Koze / 10. Behind the Stars – Pantha du Prince DVD Content 1. Sven Väth - Live Mix / 2. Underworld Live - Rez / Cowgirl / 3. Interviews with: Sven Väth, Richie Hawtin, Ricardo Villalobos, Loco Dice, Johannes Goller / 4. Best Of 10 Years - Slideshow & Movie Subtitles in German, English, Spanish, Italian

Issue 5 of Kikked! will be available on May 1, 2010 Only via Deadline for content submission or advertising requests : April 1, 2010 For more information, contact Kikked! at : or join our Facebook group at :

Kikked! 4 : Feb 2010  

Kikked! is an online magazine catering for all forms of contemporary art, including music, photography, film, animation, graffiti, tattooing...

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