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EDICIÓN #06 - ABRIL 2010

ENTREVISTA A

JOSE LUIS TORRES LEIVA EL REALIZADOR NOS HABLÓ SOBRE SUS MOTIVACIONES, SU ÚLTIMO LARGOMETRAJE “TRANCE” (2009) Y SU PRÓXIMO RODAJE “VERANO” ADEMÁS RESEÑAS DE

- MANUEL DE RIBERA - TE CREÍS LA MÁS LINDA (PERO ERÍS LA MÁS PUTA) - TRANCE

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RAPA-NUI FILM FEST La segunda edición de este certamen se realizará entre el 14 y el 18 de abril y contará en su programación con destacadas competencias, entre ellas, “Vananga Koa”, donde se exhibirán un total de 11 largometrajes latinoamericanos de ficción. Además de las muestras, se realizará un taller que tiene como propósito acercar a niños y jóvenes de la isla al lenguaje del cine, a través de la realización de un cortometraje animado en plasticinas con la técnica de Stop Motion. Por otro lado, y tal como el año pasado, un grupo de directores grabará un cortometraje utilizando como locación los parajes de la Isla de Pascua. La asistencia al certamen es totalmente gratuita y para más información visita www.rapanuifilmfest.com

PRESENCIA NACIONAL EN BAFICI Entre el 7 y 18 de abril se desarrollará en la capital argentina la 12° versión del Buenos Aires Festival Internacional de Cine BAFICI, el cual contará en su programación con destacadas películas nacionales. En la sección “Panoramas” se exhibirán las cintas Paseo (2009) de Sergio Castro, Piotr: Una Mala Traducción (2009) de Martín Seeger y el documental Femme Rock (2009) de Denisse Elphick. En tanto en la sección “Competencia Cine del Futuro” participará la cinta Te Creís la más Linda (Pero Erís la más Puta) (2009) de José Che Sandoval.

DOCÚPOLIS Durante este mes se desarrollará en diferentes sedes la muestra de documentales iberoamericanos Docúpolis. El evento organizado por el Centro Cultural de España tendrá exhibiciones en el mismo centro del 21 al 28 de abril (Av. Providencia #927) en tanto que en la Cineteca del Palacio La Moneda (Pza. de la Ciudadanía #26) las funciones se realizarán del 22 al 28 de abril. También participará como sede la Cineteca de la Universidad de Chile (Av. Ignacio Carrera Pinto 1045, Ñuñoa) desde el 22 al 26 de abril. La entrada es liberada y para más informaciones sobre la programación puedes visitar el sitio www.docupolis.org

‘Filmonauta’ es un suplemento que busca posicionarse como una ventana de difusión para el medio audiovisual chileno, generando un espacio de encuentro en donde convergen las distintas visiones de los realizadores nacionales y el público interesado en el cine chileno. 2

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WORK IN PROGRESS

EL SALVAVIDAS

Dirección: Maite Alberdi Por Maite Alberdi Fotos: Fabián Flores, Magdalena Leturia Un salvavidas del litoral central ama el orden y quiere que las cosas funcionen según sus reglas, pero los que llegan a la playa sólo quieren olvidar que durante el año los mandan. Nuevas parejas, medusas que atacan a los niños, cuchuflí barquillo, amigas que se cuentan intimidades mientras sus hijos se pierden, carretes en la playa, huiros que se comen a los bañistas, borrachos porfiados que no quieren salir del agua y familias trasladando sus casas a la arena para ejercer allí sus rituales cotidianos. Todos a puertas abiertas, mirándose sin tapujos, espiando espectáculos y tragedias. Probablemente esta no sea la sinopsis definitiva de El Salvavidas, pero se acerca a lo que rescato del verano que registré. Actualmente estamos revisando el material y en algunos documentales el guión se escribe antes, durante y después. Fue un rodaje de un mes en

Equipo Dirección – Roberto Doveris Editora General – Lisette Sobarzo Diseño Gráfico – Ricardo Metayer

un período acotado, sin posibilidad de volver cuando falten planos porque será invierno, por tanto, trabajé con él la ansiedad de construir día a día el guión en la cabeza, sin olvidar el lugar desde el cual decidí contar la historia. En esos días entendí que cada película hay que aprender a hacerla junto con el equipo, en este caso, un grupo pequeño compuesto por cinco personas. Los estímulos fueron muchos, los personajes varios y tuvimos una playa llena de extras con ansias de aparecer en televisión. El aprendizaje se basó en acostumbrarnos al entorno y buscar técnicas para convertirnos en un elemento más del verano. Comencé a investigar la locación el 2007 y filmé el 2010, llegué con muchas ideas preconcebidas y con la preocupación de que todo lo observado en años anteriores no sucediera. Al investigar sin cámara sentía que me perdía acontecimientos, muchas cosas cambiaron y evolucionaron, pero finalmente corroboré que el funcionamiento de algunos lugares es cíclico y si bien no suceden las mismas cosas extraordinarias, ocurren otras.

Colaboraron: Maite Alberdi Isabel Orellana Felipe Azúa Sebastián Soto-Chacón Tiziana Panizza Guillermo Jarpa

DIPLOMADO EN APRECIACIÓN Y CRÍTICA DE CINE Organizado por la Escuela de Cine de Chile, este programa que se inicia el 6 de abril está orientado al conocimiento y reflexión crítica tanto de la producción fílmica actual, como de los elementos propios de los realizadores y del contexto histórico y cultural en que se desarrolla tal producción. Entre los ejes del plan académico destacan: Estética y lenguaje cinematográfico, Poéticas de autor, Pensamiento contemporáneo y Taller de escritura sobre cine. La metodología del programa de estudios tiene una duración de un semestre académico, tiempo durante el cual se impartirán cuatro módulos de dos horas pedagógicas a la semana los días martes y jueves de 18:30 a 21:30 hrs. Para más información puedes llamar a los fonos 272 63 33 – 272 63 32.

SEMINARIO SOBRE GÉNERO El destacado Robert McKee vuelve a Chile. Del 6 al 9 de mayo realizará su curso Género: Cómo Contar Bien una Historia (Story) desde el interior de los 4 principales géneros: Horror, Suspenso, Comedia y Romance. Como ya sabemos, Robert McKee Chile Story 2009 fue un éxito en asistencia de personas relacionadas con la realización de guiones de cine y TV, periodismo, escritura de ficción, directores y productores de cine y TV, entre otros actores del acontecer audiovisual chileno. Las clases serán dictadas en el Teatro Nescafé de Las Artes, desde las 9 hasta las 21:30 horas. Para más información sobre los cupos puedes visitar: www.mckeestorychile.com/chilegenre

Esta publicación es realizada gracias al Fondo de Fomento Audiovisual por el equipo Tapiz Magazine en co-producción con El Ciudadano.

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Largometraje Ficción

Dirección: Christopher Murray, Pablo Carrera Guión: Christopher Murray, Pablo Carrera Reparto: Eugenio Morales, Samuel González, Eliana del Rosario Almonacid Duración: 96 min.

Se podría decir que ésta es una historia sobre habitantes y sus dueños, sobre gente que no posee nada y un hombre que ambiciona tener algo en su pedazo de tierra. Cansado de la ciudad, Manuel de Ribera quiere ser el patrón e intenta infructuosamente convencer a un grupo de hombres que quieran hacer comunidad con él en una pequeña isla heredada, consiguiendo, con suerte, el poder fáctico sobre los pescadores. Pero el protagonista no logra entender porqué aquellos hombres solitarios y pobres no lo quieren seguir. Y es que no puede vislumbrar la relación de los pescadores con su tierra, algo de lo cual no se pueden apropiar pues la naturaleza se encargaría de recordarles lo frágil del trato. Manuel los mira con desprecio, no sabe ganarse su respeto ni interactuar con ellos, ya que él mismo no sabe cómo estar en un lugar sin intentar poseerlo. En esta línea, cuesta saber si leer la incomodidad de Manuel desde el personaje o desde el actor, enfrentado a hombres de los cuales no sabe nada y que no están actuando las vivencias narradas. Son realmente sus vidas, su soledad y su desapego. De este modo, es difícil mirar la película sin pensar más fuera que dentro de cuadro, elucubrando teorías sobre su realización. Sobre todo considerando las expectativas generadas en torno a un trabajo donde la ficción y el documental se reúnen de forma latente y directa, en un guión escrito durante el rodaje. En este sentido, pareciera haber una red de tensiones no resueltas dentro de la orgánica del film. Diálogos forzados en medio de una lógica que mezcla actores y gente de la zona, pero en donde la renuncia a la narrativa tradicional se toma de forma ligera, pues finalmente se nota la necesidad de que se entienda la trama y al mismo tiempo develar el proceso creativo. Aún así, el film logra establecer una visión sobre el habitar de la zona y la codicia santiaguina, capturando rostros indescifrables en el vacío de las islas a través de un método no convencional. Isabel Orellana

por Martín Castillo quien interpreta al solitario y audaz Javier, un joven estudiante de música que luego de un fracaso sexual decide pasearse por las calles de Santiago mostrándonos su necesidad de ser reconocido como “macho” frente a cualquier mujer que cruce su camino. Sin necesidad de entrar en su sicología y a través de los típicos vicios de su edad y el desencuentro con una prostituta, Javier nos muestra su mayor carencia: el cariño y, de paso, viene a representar la realidad de aquel que “se cree” pero finalmente no lo es. El desarrollo de los diálogos, que incluye los modismos típicos chilenos de nuestra generación, es la fórmula perfecta para que la película funcione a un ritmo constante, sacando más de una carcajada del que quiere ver una historia entretenida. Su realización y postproducción se aleja de todos los efectismos. De montaje lineal, con pequeñas intervenciones autorales, cae en pequeños errores al momento de usar la música, pero no es nada que no se supere con el oficio.

y que, de seguro, le ha acompañado tal como acompaña a los personajes de los trances. La estética del videoclip se funde con la videoinstalación, siguiendo ritmos y generando diálogos entre los sonidos y la materialidad de las imágenes. Sin embargo lo retratado y los métodos de registro recuerdan la precariedad más elemental de los primeros impulsos del cinematógrafo, y se reducen a largos planos de seguimiento en donde los personajes recorren la ciudad, la playa o los parques mientras escuchan música en sus i-pods (como ya ha sido la tónica del cine de Torres Leiva). Los actores interpretan a estos individuos, que ya sea en movimiento o en reposo, tienen un momento de introspección, o hasta iluminación, en medio del track en cuestión, cuya sonoridad lo ocupa todo, incluso anulando la diéresis.

los recorridos de este hijo de la aristocracia chilena, que decidió escapar para estudiar el arte in situ y luego emigró a Estados Unidos cansado de la autocomplacencia europea. La cinta se encarga de reafirmar la figura del artista con testimonios de colegas, así como su editor, constructor de estructuras y mucho más importante, el testimonio de su mujer; lamentablemente la tensión desaparece y no se siente un punto de vista mayor sobre los relatos, es más bien un trabajo de investigación “cojo”, sin hipótesis y donde los personajes que intervienen son un locutor autorizado. No es de esperar ver en este documental una nueva mirada sobre Downey (quizás sólo con ésta basta), no hay una desmitificación del sujeto, por el contrario, aumenta la figura legendaria con un recorrido por la memoria quizás más superficial de quienes lo conocieron. Aún así, no es una mala oportunidad considerando el riesgo que se corre al intentar recrear la memoria de personajes tan complejos y desconocidos. Felipe Azúa

Cortometraje Ficción

Sandoval nos muestra una vez más que su escuela no es sólo academia, es una corriente, ya que todos sus directores tienen esta particular forma de hacer cine sin caer en repeticiones. Historias de realización simple con las que podemos identificarnos y entretenernos. Sebastián Soto-Chacón

El título del film nos indica también las cualidades de suspensión que juega la música cuando interrumpe en el cotidiano, una suerte de transposición de los espacios y el tiempo, o quizás la posibilidad de trasladarnos a otro lugar en donde experimentar un simple gesto adquiere connotaciones que son imposibles de explicar. Quizás basta con haber experimentado esa suerte de elevación que produce la música a través de los audífonos, para comprender cómo una caminata en el puerto, una exploración en el parque o conducir por la ciudad puede ser tan excitante como prepararte un té o fumar junto a la ventana de la cocina. Roberto Doveris

Largometraje Ficción

Largometraje Documental

Dirección: José Luis Torres Leiva Guión: José Luis Torres Leiva Reparto: Mariana Muñoz, Francisco Ossa, Mary Ann Smith, Angélica Riquelme, Gabriela Aguilera, Diego Noguera, Cristina Aburto, Claudia Cabezas y Emilia Noguera. Duración: 84 min.

Año: 2009 Dirección: Juan Ignacio Sabatini Guión: Juan Ignacio Sabatini, Galut Alarcón Duración: 66 min.

Dirección: Edison Cajas Guión: Edison Cajas Duración: 25min.

El cortometraje Miércoles 8 / Martes 7 (2009), ganador del 12˚ Rencontres du Cinèma SudAmèricaines au Marseille el pasado 20 de Marzo, cuenta la historia de la señora Ana (Paulina García), una humilde obrera de imprenta que pierde su trabajo y su hija, una adolescente que sufre bullying en la escuela a la que asiste. Durante los dos días en que transcurre la narración, expuestos de forma inversa, nos adentramos en el cotidiano vivir de estas dos mujeres cuya comunicación es bastante escuálida. Los problemas que cada una debe enfrentar en sus respectivos lugares de trabajo y estudio las distancia y aliena en medio de esta relación silenciosa, y hasta cierto punto, solitaria. El vínculo madre e hija puede esconder un profundo amor, pero sutil y anónimo parece frágil ante las dificultades económicas, la nula seguridad social, las políticas públicas deficientes y, en definitiva, un mundo hostil que amenaza con derrumbar a estas dos mujeres que, en la penumbra de su hogar, pueden recobrar fuerzas para encarar el incierto futuro que les espera en una sociedad que les ha dado la espalda.

Largometraje Ficción

Dirección: José Che Sandoval Guión: José Che Sandoval Reparto: Martín Castillo, Francisco Braithwaite, Camila Le-bert Duración: 81 min. El joven director egresado de la Escuela de Cine, Che Sandoval, debuta en el formato largometraje con Te Creís la más Linda (Pero Erís la más Puta) (2009), una comedia negra protagonizada

Trance (2009) es un film que presenta 10 fragmentos, o trances, agrupados bajo una canción que musicaliza imágenes de distintas texturas, calidades, ritmos y colores. La cinta, ganadora de In-Edit BCN 2008, es un tributo que el director le realiza a sus bandas favoritas, entre las que figuran Animal Collective, Mono, Dirty Three y Low, de modo que realiza un proceso inverso a la musicalización en el cine, pues crea las imágenes para acompañar al sonido que ya existe

Más Allá de Estos Muros (2009) presenta la vida y obra de Juan Downey, uno de los artistas chilenos más reconocidos en el mundo, artesano de múltiples disciplinas e iniciador del video arte. Downey está lejos de ser un autor reconocido por el público en general, pero favorablemente esto no presupone un factor en contra para el documental, que en sí, como material de archivo y para la posteridad, tiene un alto valor como parte de la memoria del arte nacional. El documental no presenta mayor experimentación, tan sólo algunas intervenciones de ficción lírica o diversas imágenes también poéticas de

Resulta interesante como se devela la información en esta estructura invertida del relato, en donde se revelan temores, inseguridades y una vulnerabilidad latente de estos personajes, y no solo respecto a Ana y su hija, sino también a las obreras de la imprenta y la clase social que representan. Por otro lado también emerge como fundamental la coyuntura política que rodea la historia de estas dos mujeres, así como también la sutil esperanza que se deja entrever en el lazo cálido y en el compañerismo como únicas formas de luchar contra la aplastante ferocidad del mundo. Roberto Doveris

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JOSÉ LUIS TORRES LEIVA Con varias películas en el cuerpo realizadas en diferentes formatos y géneros, José Luis Torres Leiva figura como uno de los directores nacionales con mayor proyección. Sus obras han sido premiadas en importantes festivales internacionales como Rotterdam y BAFICI, reconocimientos que, al margen del circuito comercial, han convertido a este joven realizador en un destacado y promisorio exponente de nuestra cinematografía contemporánea. Por Lisette Sobarzo / Fotos: Ricardo Metayer

Cuando recuerda sus inicios como estudiante de Audiovisual, a José Luis Torres Leiva (35) se le vienen a la mente autores como Carl Dreyer o Robert Bresson, influencia que se percibe en esa suerte de “narrativa de la contemplación” con la que aborda cada una de sus creaciones. Su gusto por la vieja escuela le llegó de manos del realizador nacional Cristián Sánchez, quien fue su profesor y al que recuerda con gran admiración. “Cuando recién entré a estudiar no lo conocía más que por sus películas que estaban en biblioteca, él mismo las había dejado ahí. Fue una influencia súper importante porque con él descubrí autores que en ese tiempo eran de difícil acceso y tanto su teoría como su visión de hacer cine fueron un gran impulso.” Algunos hasta le han comparado con John Ford. Al preguntarle si se siente cercano a la visión del director norteamericano, reconoce con bastante pudor que le parece un halago y que es otro de sus grandes mentores. “De Ford me gusta mucho como construye sus personajes, la humanidad que les otorga dentro de un género específico que es el Western, eso me llama mucho la atención y es algo que se ve muy poco actualmente. Toda esa época está olvidada dentro de las escuelas, uno vuelve a ver ese cine y está todo ahí”, remarca. Al momento de iniciarse como director, la apuesta autoral de Torres Leiva, desde un comienzo, destacó por exponer una narrativa audiovisual bastante particular, donde el tiempo es presentado casi como un estado original, prácticamente suspendido en pos de un ejercicio visual que surge a partir de una experiencia íntima y personal de observación y contemplación. En su primer documental Ningún Lugar en Ninguna Parte (2004) realizó un interesante trabajo en el barrio La Matriz en Valparaíso, lugar del que tiene numero-

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sos recuerdos de infancia: “esta idea surgió a partir de imágenes, recuerdos y ganas de conocer mundos muy ajenos a mí, que de cierta manera me tocaban por algún lado y me interesé en explorarlos desde otro punto de vista”. - Me gustaría saber cuál es tu modo de aproximarte a la creación, ¿desarrollas el guión y luego haces una búsqueda de las locaciones más cercanas a lo que tienes en mente o desde tu experiencia en un espacio determinado te surge la idea de realizar una película? Es un poco de los dos. El barrio La Matriz siempre me intrigó. Cuando niño me impresionaba porque era algo que no entendía y no dimensionaba en su totalidad, después fui investigando más sobre las personas que habitaban esos espacios y me di cuenta que convivían de una manera que me llamaba mucho más la atención. En el caso de El Cielo, la Tierra y la Lluvia (2008) fue al revés, siempre quise realizarla en el sur a pesar de que no lo conocía tanto pero mi familia es de allá y mis tíos siempre contaban su vida en el campo y sus juegos cuando niños. Funciona harto para mí lo emotivo y la curiosidad de explorar esos mundos. En el diario vivir me cuesta interactuar con la gente pero cuando hay un proyecto audiovisual detrás, se me hace más fácil porque tengo esa meta de la realización. Al estar detrás de la cámara se me olvida toda la timidez y ha sido una suerte de terapia (risas). Su primer largometraje de ficción El Cielo, la Tierra y la Lluvia (2008) obtuvo importantes reconocimientos internacionales, participando en Rotterdam, Ficco y Corea, entre otros festivales. El jurado de la Asociación Internacional de Críticos en el certamen holandés le otorgó el premio FIPRESCI, indicando que “la película fue escogida por su cinematografía


INSPIRACIONES MUSICALES Durante el 2008, Torres Leiva comenzó a desarrollar un nuevo proyecto en relación a su gusto por la música en el que participaron bandas como Animal Collective, Low y Mono, entre otros. Trance (2009), nombre de este largometraje compuesto por diez cortos (cada uno con un tema de fondo), trata sobre las pequeñas reacciones que se tienen al momento de descubrir una canción, un álbum o una banda, experiencia que el realizador retrata a modo de “anti videoclip”. La idea fue hacer un trabajo con ese momento particular, que era bien irrepetible y difícil de registrar. Les mandé un mail a varios grupos que me gustaban proponiéndoles ocupar un tema de ellos en el proyecto y si me contestaban, les enviaba mis trabajos para ver si se interesaban. Fue bien curioso porque me contestaron varios y fueron súper generosos, incluso un grupo creó un tema para uno de los cortos. (Dirty Three) -¿Qué tal resultó esta experiencia? Fue súper especial. Me ayudo Inti Briones, grabamos con formatos muy caseros, con cámara de fotos. Lo hice de puras ganas, de querer experimentar por ese lado y se ha mostrado en algunas partes, un amigo que tiene una página en Internet subió varios videos. Cada corto es un “anti videoclip”, realizados en un sólo plano y casi siempre es el rostro de la persona en distintas situaciones. La mayoría son actores amigos a quienes les pregunté si tenían interés en colaborar. Se dio en Locarno hace un tiempo y no pensaba mostrarlo mucho.

Ha sido súper importante seguir explorando y trabajando en cualquier formato, para mí no tiene una mayor relevancia si es en video o en cine. De hecho en Trance (2009) hay cosas hechas en Hi8 igual que en Verano, que se realizará en el mismo formato.

Trance (2009)

conmovedora combinada con el diseño de sonido sutil que integra de manera impecable y contrasta a seres humanos y la naturaleza”. Al respecto, Torres Leiva señala que lo que le interesa principalmente, a pesar de la buena crítica, es continuar haciendo cine en diversos formatos y seguir aprendiendo de cada cosa que hace. - En esta película participó un importante equipo de trabajo y también contaste con un mayor financiamiento, ¿cómo te sientes más cómodo? ¿Realizando películas más íntimas y personales o de mayor envergadura? Cuando supe que iba a trabajar con un número tan grande de gente igual me complicó un poco, no sabía cómo afrontarlo, pero fue un rodaje que no tuvo ni una dificultad por ese lado y todos fueron súper generosos al entregarse a la película y lo que ésta necesitaba. Fue una muy bonita experiencia, no hubo necesidad tampoco de imponerse. Tuvimos un arduo trabajo previo que fue muy importante porque cada uno ya sabía lo que tenía que hacer y eso se complementó y fluyó súper bien en el rodaje. Con la fotografía y el arte, por ejemplo, hubo un súper buen diálogo.

Cada proyecto tiene su propia naturaleza y su propia necesidad pero si me preguntas qué me acomoda más, yo preferiría seguir haciendo películas más chicas, más independientes. Crear otro tipo de atmósferas durante el rodaje, justamente algo más íntimo. - En una entrevista mencionaste tu gusto por un documental de Chantal Akerman, “Sur” (1999) y remarcaste que te había llamado mucho la atención esa narrativa desde la omisión, una suerte de “poética de la omisión”, ¿se relaciona esta idea al trabajo que realizas en tus películas? Sí, para mi es bien importante enfocarme en los lugares que tienen mucha historia por detrás pero desde otras perspectivas. Por ejemplo, en el hospital psiquiátrico, locación de El Tiempo que se Queda (2007) era tan fuerte estar en ese espacio, en esos pasillos y en esos pabellones, que todo lo que podría poner en esa imagen sobraba. En ese documental que mencionas, en particular, me llamó mucho la atención que el punto de inicio de la película fuera la muerte de un niño en el sur de EE.UU. La directora filma los lugares donde ocurrió este asesinato y como ya había pasado bastante tiempo, la gente había vuelto a su cotidiano e incluso en el mismo piso donde ese niño había estado muerto, la gente seguía haciendo su vida. Es interesante cómo ese lugar bajo esa historia adquirió otro peso y otra narración, fue algo súper potente.

- Cuéntame sobre eso, tu próximo proyecto “Verano”, ¿en qué etapa está? Es un proyecto de hace harto tiempo que se ha transformado mucho, era una película pensada para realizarse con un equipo pequeño, en video y con un espíritu bien distinto a la anterior. Si en El Cielo, la Tierra y la Lluvia (2008) me interesó explorar el tema de la soledad, la tristeza y la melancolía, Verano explora todo lo opuesto: la felicidad y esos pequeños momentos fugaces que son muy cotidianos, que provocan cierto placer y que son los que quedan finalmente en la memoria. Es muy simple como está planteada, transcurre en un día de verano, en vacaciones, en las termas de Cauquenes, un lugar que para mí es súper especial porque iba con mis abuelos algunos fines de de semana. Tengo recuerdos especiales de algunos lugares, volví a ir cuando ellos habían muerto y fue muy impresionante porque está igual. Fue muy fuerte ese recuerdo, imágenes de momentos infantiles que son como pequeñas lagunas, que están en tu mente y se activan. De ahí nació el proyecto, de querer hacer algo con eso. - Con respecto al cine contemporáneo nacional, ¿te conquistó alguna película estrenada el año pasado? Lo que me parece interesante con el cine chileno es que son propuestas muy personales pero a la vez hay un diálogo entre todas las películas, puede ser que hablen de temas muy distintos pero sí hay algo que las conecta que a lo mejor puede ser generacional, una visión del Chile de hoy, de cómo vivimos ahora. Huacho (2009) me gustó mucho, es súper interesante lo que hace Alejandro Fernández. Conocía sus cortos, los temas que viene trabajando y lo que quiere hacer en el futuro y hay una coherencia ahí que me gusta mucho. Igual yo valoro eso, cuando alguien es consecuente con lo que piensa y lo transmite.-

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DESTACADO DEL MES

Mitómana Año: 2009 Dirección: José Luis Sepúlveda, Carolina Adriazola Reparto: Paola Lattus, Yanny Escobar, Alejandro Gutiérrez, Carmen Orostica, Rocío Hueche Duración: 100 min.

El particular punto de vista de ambos realizadores -Sepúlveda con El Pejesapo (2008) y Adriazola por su cuenta con Vasnia (2007) y Aztlan (2009)- ha establecido un discurso que transita desde una lógica de re-formulación de la clásica forma fílmica. Esta suerte de ruptura de las formas narrativas y estéticas tradicionales encuentra su fundamento y coherencia en una búsqueda por retratar espacios o submundos alegóricamente ajenos a las temáticas recurrentes de nuestro cine contemporáneo. Porque si bien muchas de las producciones nacionales han intentado plasmar o mejor dicho “manosear” el mal entendido concepto de lo marginal, este esfuerzo no ha sido más que una tenue pincelada cuyo efectista producto final, conscientemente estetizado y sobrecargado de recursos clásicos en su forma y fondo, más que acercarnos a esos territorios velados

y mal representados por el cine y la crónica televisiva, ha fortalecido el imaginario común de lo entendido como pobreza, reiterando el absurdo de que ésta “nos queda tan lejos, allá, en los márgenes”. Mitómana (2010) es sin duda, un relato consecuente con los fundamentos que desde un principio se han planteado ambos realizadores. Haciendo uso de las mismas herramientas narrativas y estéticas de El Pejesapo (2008), el filme se reapropia nuevamente de ese discurso que pone en marcha la tensión entre lo meramente ficticio y lo real, tensión que queda representada en la elección de una forma que subraya esa decadencia –y obsolencia- de lo perfecto, haciendo uso reiterado de recursos que vienen a legitimar una cierta noción de verdad; el corte directo, la cámara en mano, planos secuencia interrumpidos, la improvisación actoral y cada locación de la película resultan ser elementos que nos transportan hacia una experiencia basada en la pérdida de la noción del discurso dominante en la narración. Es así como los personajes deambulan constantemente en un delgado límite entre el documental y la ficción. Yanny (Escobar) es

actriz y está preparándose para interpretar un personaje, sin embargo, no accede a los requerimientos del guión y es “desplazada” por Paola Lattus, quien entra a interpretarse “dentro” de la misma película y va probando el personaje en diferentes escenarios, espacios públicos como hospitales, casas y calles. Esa suerte de desdoblamiento con el que ambos realizadores abordan la cuestión de la interpretación es un juego sobre el fracaso mismo de lo verosímil, una puesta en duda sobre la verdad y la mentira, en tanto obra que reflexiona sobre su propio discurso narrativo. El punto álgido no pude ser más certero cuando la actriz conversa con una niña del barrio, quien cuestiona constantemente la verosimilitud de su interpretación debido a lo ajeno que le son las locaciones por el hecho de vivir en Providencia y Lattus le responde “pero si los pobres

también mienten”, en medio de un silencio sepulcral mientras la imagen se extingue hacia una oscuridad absoluta por varios segundos. Todos estos elementos dejan al espectador una sensación de extrañeza, de estar frente a un estado primitivo que se cuestiona a sí mismo el dispositivo del registro y nos plantea un discurso provocador tanto desde las temáticas de la obra como desde su estética a medio pulir, que desde un hiperrealismo estratégicamente manipulado, pone en cuestión todo el aparataje de un sistema fílmico incapaz de develar la ¿verdad? de ciertos rincones sociales que los autores ideológicamente usan, revalidan y a su vez, destruyen, un ejercicio que sin duda ilumina la actual reflexión cinematográfica. Por Lisette Sobarzo

EMERGENTES

FECID CINE IDEAS

CINEMA CHILE

Debido a los problemas causados por el reciente terremoto, el 5to Festival de Cine de las Ideas, FECID 2010 ha pospuesto su fecha de realización hasta el 22 de mayo y en consecuencia, la fecha de recepción de las obras para todas las competencias finalizará este viernes 23 de abril. Para enviar tu material debes hacerlo a la siguiente dirección: Juan Castillo N˚417, Villa María Magdalena, Puente Alto, Santiago, a nombre del 5° Festival de Cine de Las Ideas 2010. Para más información escribe a contacto@fecid.cl

Debido a la gran cantidad de películas que se están realizando en nuestro país, la Asociación de Productores de Cine y TV (APCT) decidió crear la marca Cinema Chile, con la cual se pretende generar vínculos con diversas instituciones que permitan a nuestro país tener mayores y mejores oportunidades de participación en circuitos internacionales. La iniciativa también busca posicionar nuestro cine a través de la promoción de locaciones que puedan utilizarse en producciones extranjeras.

PROGRAMA DE TV SOBRE DIRECCIÓN DE ARTE “El Arte en las Películas” es el nombre de un nuevo programa de televisión que aborda específicamente esta área del audiovisual. El espacio se transmite por Canal 13 Cable, tendrá un total de 8 capítulos y contará con la presencia de destacados profesionales, quienes darán sus impresiones al público sobre el oficio. Todos los lunes a las 23 hrs. por Canal 13 Cable.

PUBLICACIONES SOBRE CINE

La Imagen Quebrada: Las Palabras Cruzadas. Apuntes y Notas sobre el Ensayo Fílmico Autores: Udo Jacobsen y Sebastián Lorenzo Año: 2010 Editorial: Edición Fuera de Campo

El texto de Udo Jacobsen y Sebastián Lorenzo sobre el cine/ensayo o, como ellos prefieren llamarlo, ensayo fílmico, tiene las características del ensayo mismo en tanto presenta un carácter provisorio, el perfil de un esbozo y la estructura de un conjunto de fragmentos. No se trata ya de un ensayo argumental académico clausurado sino de una experiencia que vive el ensayo en su propio acontecer, 6

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que busca nuevos territorios semánticos y que naufraga en el acople de diversas materialidades lingüísticas (palabra escrita, dibujo, fotografía, líneas, colores), buscando los pliegues de un objeto de estudio que se descubre, pero que al mismo tiempo se produce en medio de esta poco tradicional investigación. Por ello es que las líneas y figuras que componen La Imagen Quebrada son una apertura a la reflexión y al diálogo, y en ese sentido es elocuente que se trate de un texto bicéfalo en donde no hay un

orden estricto sino un flujo, más divergencia que convergencia, más exploración que elementos descriptores, más huellas del proceso del mismo diálogo que el delineamiento de un objetivo de éste. En ese sentido se rescata el ímpetu no académico de la investigación, pero debido a su timidez, no llega a hacer colapsar el texto clásico, ya sea porque el modelo de la investigación es ya un formato que exige fijezas (más que borraduras y desvíos), pero también porque la fragmentación misma permitía poder cumplir (fragmentariamente) con las exigencias tradicionales del relato teórico académico. Sin embargo, no debemos ubicar el aporte del texto de Jacobsen y Lorenzo por declarar la preeminencia del recuerdo, de la borradura, y del significante (del cuerpo, de la materia, de la forma, la imagen, la cita, etc.) en la configuración del lenguaje, pues es algo que “ya sabíamos” por W. Benjamin, G. Deleuze, U. Eco e incluso I. Calvino, y en general por aquellas reflexiones respecto a los problemas surgidos en relación a la naturaleza de lo textual y la interpretación de la materialidad de los signos. Lo que concluyo como realmente valioso en este exquisito ejercicio escritural,

es la relación directa que se levanta entre la articulación de las imágenes como lenguaje, ya sea a partir de la voz, del color, de un punto de vista insólito, de un movimiento o una textura (generalmente no conducidos por una narración) y el corpus de continuidades en el que se transforma ese objeto, el ensayo fílmico, que una vez erigido ya no puede reducirse al conjunto de sus partes sino que adquiere relevancia como experiencia (in)mediata, y en ese sentido, la posibilidad de convertirse en agentes subversivos que “transforma, revuelve y destruye aquello que toca.” Es acá cuando La imagen Quebrada adquiere su verdadera fuerza, en la revisión exhaustiva del trabajo de José Luis Torres Leiva, Tiziana Panizza, Ken Jacobs, Martín Arnold, Matthias Müller, Edgar Doll y Raúl Ruiz (y su teoría sobre la cazuela), y en general de la intempestiva de la cita en el texto, de la reapropiación, de un cine paradigmático más que sintagmático como si las imágenes fueran palabras, de un cine reinterpretativo, de corromper la lectura clásica y del montaje como el lugar desde donde puede repensarse el lenguaje cinematográfico. Por Roberto Doveris


Por Tiziana Panizza El 15 de junio del 2000 hacía frío y corríamos tarde al Cine Arte Alameda. La sala estaba llena, no había una sola butaca disponible, así es que nos sentamos en el suelo junto con otra decena de personas llenando el pasillo. Ese año, como en los 90’, el estreno de un documental era un evento aislado y una cita que nadie se perdía. Entre los espectadores, la mitad éramos jóvenes documentalistas o proyectos de, ávidos de ver nuevos trabajos. Para una generación post-dictadura, post-apagón cultural, post-nada; los referentes eran escasos o más bien nos sentíamos huérfanos de una estirpe. La creación audiovisual funciona como jugar a “la pinta”. El que la lleva, persigue y pega “la pinta”, contaminando/convirtiendo a los otros jugadores. Si falta quien “la lleve”, difícilmente el resto podrá construir un camino propio sin un virus que contenga el ADN del origen.

Esa tarde para mí, el documental Señales de Ruta (2000) de Tevo Díaz se transformó en una señal de ruta. El corto sobre el poeta Juan Luis Martínez conquista una cumbre, hasta entonces ausente en la re-fundación abierta del documentalismo chileno en los noventa, la continuación de una incipiente tradición en la experimentación del lenguaje audiovisual, que re sitúa al género en las fronteras de sí mismo. Con la llegada de la democracia y los primeros atisbos de una política cultural, el mundo audiovisual se dedicó principalmente a su más urgente tarea; recoger la memoria fragmentada y dispersa de tantos años de dictadura y su dolorosa historia que había sido barrida debajo de la alfombra. Muchos de los documentalistas que alzaron esta bandera serían una nueva generación de realizadores que en los 90’ comienza a tomarse espacios, a investigar, a financiar sus proyectos gracias a los recién inaugurados fondos concursables. Pero los referentes para esa generación no eran muchos, como en otros ámbitos artísticos, el cine había perdido a sus gestores en el exilio o en los centros de detención. Una vez al año llegaba Patricio Guzmán que se mantenía como un faro importante, pero desde la distancia, a traer algunos filmes en las primeras versiones de FIDOCS, mientras las apreciadas películas de Ignacio Agüero circulaban para pocos en VHS caseros, copia de la copia. Faltaba todavía una década para Youtube, lo mismo para Amazon y a los videoclubs solo llegó algo de cine arte y ni hablar de alguna producción documental reciente que no fuera la BBC y sus series de vida salvaje. En este contexto, muchos de los documentales estrenados después de 1990 tenían mensajes urgentes, decían lo que otros medios aún se callaban. Se hacen cargo de lo que debería haber investigado la televisión en una actitud ciudadana y van más allá, pues recuperaron el tiempo perdido, denunciando, reposicionando memoria, pero generalmente desde narrativas emparentadas con el reportaje o en tratamientos clásicos derivados del cine de observación desarrollado en los años 60’. Sentada en el suelo de la sala de cine, las imágenes en la pantalla del documental Señales de Ruta (2000), fueron una hipnosis categórica; un derrumbe, luz sobre el mar, la bandera chilena en la proa de un barco que deja ver al fondo una isla, como una promesa. Misteriosos travellings de Valparaíso en super 8mm desde una motoneta, una familia en un

living habita el espacio como un pestañeo discontinuo mientras la voz del poeta Martínez insiste en que “…al menor descuido, se borrarán las señales de ruta y de esta vida al final habrás perdido toda esperanza…” Había aquí un autor, que no era sólo el poeta, era el documentalista, intentando construir una forma en su obra que fuera la expresión visual del sujeto de su película. Forma es fondo en este caso, cinematografía en la representación y en la búsqueda de estructuras distintas a la dramática, un gesto determinante, que contribuye a la experimentación en el cine de no ficción en Chile. En el filme Volodia Teitelboim parece estar de acuerdo, cuando dice que “…en la tarea de crear su propia realidad, en su mundo, el hombre creador no puede dejar de inventarlo” y Martínez sentencia “Nada es real, todo es real” como poniendo en jaque los principios mismos de la creación documental.

Tevo Díaz le llamó a su filme, un documental subjetivo (redundante, pero aún necesario de subrayar) y con eso tiende puentes hacia el pasado y al futuro al mismo tiempo; primero hacia atrás, pues tal vez no sea excesivo decir que retoma la exploración del lenguaje que inicia Descomedidos y Chascones (1973) de Carlos Flores, intento que no alcanzó a medir su onda expansiva, pues fue estrenada el mismo año del golpe de estado. Hacia el futuro, se encuentra con otros “compañeros de ruta”; en el 2000 aparece la primera película de la dupla Perut-Osnovikoff, Chi-chi-chi Lelele Martín Vargas de Chile (2000). Luego vendría, Un Hombre Aparte (2002) y paralelamente en la video creación, Guillermo Cifuentes imponía su estética y Claudia Aravena, su discurso. Poco tiempo después, el fondo de fomento audiovisual abre una modalidad, Nuevos Lenguajes, para el financiamiento de aquellos proyectos que se desarrollan en plataformas tecnológicas, pero también a obras que implican nuevas o diversas formas de articular el lenguaje audiovisual en su narración, sintaxis o puesta en escena. A diez años de Señales de Ruta (2000), Tevo Díaz la re-estrena, pero esta vez sobrepasa la frontera de la propia película para crear una obra multimedia que además multiplica las posibilidades de su distribución. La deuda de cada documental terminado, es el proceso de su investigación, es el lado sumergido del iceberg. Ensanchando ese límite, el DVD incluye fotografías, obra visual de Juan Luis Martínez, obra póstuma, artículos de prensa, ensayos, entrevistas sin cortes, entre otros materiales que enriquecen el mundo del poeta y el del documental. La película cumple 10 años, pero no le cae el tiempo encima, envejece con la tranquilidad de las obras que no persiguen modas, sino que arriesgan para abrir caminos. Las nuevas generaciones de documentalistas tienen a mano un referente importante, Señales de Ruta (2000) se convierte en el hermano mayor al que admiramos, al que nos queremos parecer cuando grandes, a la película señal de ruta, que corre a liberar al resto de los jugadores gritando, “1, 2, 3 por mí y por todos mis compañeros!!”. Santiago, marzo de 2010.-

Tiziana Panizza Estudia Cine Documental en Cuba y un Magíster en Arte y Nuevos Medios en la Universidad de Westminster, Inglaterra. Es directora de Cartas Visuales, una trilogía en la que explora la naturaleza de los recuerdos y la inmigración, compuesta por Dear Nonna: A Film Letter (2005) y Remitente: Una Carta Visual (2008). Actualmente trabaja en el tercer y último cortometraje de la serie y en la co-dirección del documental 74 Metros Cuadrados. Además, fue realizadora en series documentales para la televisión chilena y en las señales Discovery Channel, People & Arts y Travel Channel. Es docente de la Universidad de Chile donde coordina el Magíster en Cine Documental. Este año publicará los resultado de la investigación Joris Ivens en Chile: Tres Películas y su Legado apoyada por el Consejo de la Cultura y las Artes, el Instituto de la Comunicación e Imagen y la Vicerrectoría de Investigación y Desarrollo de la Universidad de Chile.

PUBLICACIONES SOBRE CINE El Chacal de Nahueltoro. Emergencia de un Nuevo Cine Chileno Autores: Sergio Navarro (compilador), Rodrigo Cepeda, Edgar Doll, Guillermo González, Udo Jacobsen Año: 2009 Editorial: Uqbar Editores Páginas: 137 Gran parte del poder del cine, se basa en su virtud ontológica de movilizarse conspicuamente en el límite entre el mito y la realidad. La interrogante por el realismo cinematográfico necesariamente nos devuelve al lugar donde la memoria, el documento y la historia se entrecruzan, aconteciendo el mito y la realidad como polos en perpetua

identificación: realidad que se vuelve mito para posibilitar un diálogo con lo real. Aquellas son algunas de las preocupaciones que envuelven el último libro de la Colección de Manuales de Cine de la Editorial Uqbar: El Chacal de Nahueltoro. Emergencia de un Nuevo Cine Chileno. Resultado de una investigación realizada en la Escuela de Cine de la Universidad de Valparaíso, el libro se compone de 5 ensayos –cada uno escrito por un investigador y docente de la misma casa de estudios– que desde aristas comunes, intentan analizar la importancia del film de Miguel Littín, en tanto obra que marca un punto importante en el desarrollo de un cine comprometido socialmente con el contexto en que acontecía. Movimiento que, lamentablemente, se vio cercenado en el momento de su ascenso.

Al respecto, es interesante notar el énfasis que el libro recoge sobre la cuestión de la representación en tanto producto en tensión con la realidad. Y de qué manera en el texto, tal permutación se produce en concordancia con la necesaria revalidación de (nuevas) estrategias narrativas y estilísticas que nos permitan “sobreexponer” esa realidad. En ese sentido, elementos como la actuación, la cámara, la puesta en escena, y la producción –en el sentido ejecutivo de la palabra– son integrados en un análisis que revela la importancia de un texto fílmico que exige una revalidación, especialmente en el contexto de la búsqueda de miradas que nos permitan hablar de un Cine Nacional (con mayúsculas) que no ceda a modas ni presiones económicas o culturales. Por Guillermo Jarpa

Filmonauta

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Jueves 1 al Domingo 4

Jueves 8 al Domingo 11

Jueves 22 y Viernes 23

Sala de Cine, Centro Cultural Palacio La Moneda, 15:30 hrs. Entrada general $ 2.000 Estudiantes, adultos mayores y convenios $ 1.000

Sala de Cine, Centro Cultural Palacio La Moneda, 15:30 hrs. Entrada general $ 2.000 Estudiantes, adultos mayores y convenios $ 1.000

Sala de Cine, Centro Cultural Palacio La Moneda, 15:30 hrs. Entrada general $ 2.000 Estudiantes, adultos mayores y convenios $ 1.000

“Weekend” de Joaquín Mora

“Huacho” de Alejandro Fernández A.

Sala de Cine, Centro Cultural Palacio La Moneda, 18:00 hrs. Entrada general $ 2.000 Estudiantes, adultos mayores y convenios $ 1.000

“Turistas” de Alicia Scherson

Sala de Cine, Centro Cultural Palacio La Moneda, 20:30 hrs. Entrada general $ 2.000 Estudiantes, adultos mayores y convenios $ 1.000

Lunes 5

“Lugar de Encuentro” de Edgar Doll

Sala de Cine, Centro Cultural Palacio La Moneda, 20:30 hrs. Entrada general $ 2.000 Estudiantes, adultos mayores y convenios $ 1.000

Martes 6

Muestra de Estudiantes Escuela de Cine de Chile “Historias de Sexo” Microcine, Centro Cultural Palacio La Moneda, 19:00 hrs. / Entrada Liberada

Martes 6 al Domingo 11

“La Nana” de Sebastián Silva

Sala de Cine, Centro Cultural Palacio La Moneda, 20:30 hrs. Entrada general $ 2.000 Estudiantes, adultos mayores y convenios $ 1.000

Jueves 8

Muestra de Estudiantes Escuela de Cine de Chile “Historias de Sexo” Microcine, Centro Cultural Palacio La Moneda, 16:00 hrs. / Entrada Liberada

“Mitómana” de José Luis Sepúlveda y Carolina Adriazola Centro Arte Alameda, 19:00 hrs. $2500 General $1900 Estudiantes $1500 Miércoles Sala y horario en www.centroartealameda.cl

“Ilusiones Ópticas” de Cristián Jiménez

“Dawson Isla 10” de Miguel Littin

Martes 13

Domingo 25

Microcine, Centro Cultural Palacio La Moneda, 19:00 hrs. / Entrada Liberada

Sala de Cine, Centro Cultural Palacio La Moneda, 15:30 hrs. Entrada general $ 2.000 Estudiantes, adultos mayores y convenios $ 1.000

Miércoles 14

Lunes 26

Sala de Cine, Centro Cultural Palacio La Moneda, 12:00 hrs. Entrada general $ 2.000 Estudiantes, adultos mayores y convenios $ 1.000

Sala de Cine, Centro Cultural Palacio La Moneda, 20:30 hrs. Entrada general $ 2.000 Estudiantes, adultos mayores y convenios $ 1.000

Muestra de Estudiantes Escuela de Cine de Chile,“Documentales, Licenciatura y Escuela de Cine”

Lanzamiento IV Festival de Mitos Chile Ancestral

“Mitómana” de José Luis Sepúlveda y Carolina Adriazola Auditorio Jorge Muller / ICEI U. de Chile Ignacio Carrera Pinto 1045, Ñuñoa 18:00 hrs. / Entrada Liberada

“Dawson Isla 10” de Miguel Littin

“Responso por un Inútil (Óscar Castro) de Álvaro Garrido

Martes 27

“La Nana” de Sebastián Silva

Sala de Cine, Centro Cultural Palacio La Moneda, 20:30 hrs. Entrada general $ 2.000 Estudiantes, adultos mayores y convenios $ 1.000

Jueves 15

Muestra de Estudiantes Escuela de Cine de Chile,“Documentales, Licenciatura y Escuela de Cine” Microcine, Centro Cultural Palacio La Moneda, 16:00 hrs. / Entrada Liberada

Muestra de Estudiantes Escuela de Cine de Chile,“Documentales, Licenciatura y Escuela de Cine” Microcine, Centro Cultural Palacio La Moneda, 19:00 hrs. / Entrada Liberada

Jueves 15 al Domingo 18

Jueves 29

Sala de Cine, Centro Cultural Palacio La Moneda, 15:30 hrs. Entrada general $ 2.000 Estudiantes, adultos mayores y convenios $ 1.000

Microcine, Centro Cultural Palacio La Moneda, 16:00 hrs. / Entrada Liberada

“Huacho” de Alejandro Fernández A.

Muestra de Estudiantes Escuela de Cine de Chile,“Documentales, Licenciatura y Escuela de Cine”

Lunes 19

Jueves 29 y Viernes 30

Sala de Cine, Centro Cultural Palacio La Moneda, 20:30 hrs. Entrada general $ 2.000 Estudiantes, adultos mayores y convenios $ 1.000

Sala de Cine, Centro Cultural Palacio La Moneda, 15:30 hrs. Entrada general $ 2.000 Estudiantes, adultos mayores y convenios $ 1.000

“Cité” de Luis Cifuentes

Martes 20

Muestra de Estudiantes Escuela de Cine de Chile,“Fragmentos Urbanos” Microcine, Centro Cultural Palacio La Moneda, 19:00 hrs. / Entrada Liberada

“Dawson Isla 10” de Miguel Littin

“La Nana” de Sebastián Silva

Sala de Cine, Centro Cultural Palacio La Moneda, 20:30 hrs. Entrada general $ 2.000 Estudiantes, adultos mayores y convenios $ 1.000

Si quieres anunciar algún evento relacionado con el panorama audiovisual nacional, envíanos un e-mail a filmonauta@tapiz.cl La información de la cartelera ha sido programada hasta el día 27 de Marzo y puede sufrir modificaciones ajenas a Filmonauta

Agradecimientos a: Carla Morales Ebner Uqbar Editores

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