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Colaboradores Internacionales

Colaboradores Nacionales

International partners

Local partners

·Valerie Mouroux, Ministerio de Relaciones Exteriores de Francia ·Anne Catherine Louvet, Ministerio de Asuntos Exteriores de Francia ·Pierre Richard, ARTE France, Société et Culture ·Noëlle Bosse, ARTE France, Découverte et Connaissances ·David Lawson, Smoking Dog Films, Londres ·Iris Gehlert, Berit Harksen, sounding images, Berlín ·Agathe Mauruc, Celluloid Dreams, París ·Pascale Ramonda, París ·Paolo Benzi, Faberfilm, Roma ·Hwa-Seon Choi, Doc&Film, París ·Paco de Onis, Skylight Pictures, New York ·Pico Films, Penelope Bortoluzzi, París ·Gérald Collas, INA, París ·John Akomfrah, realizador ·Christine Le Goff, realizadora ·Sally Aitken, realizadora ·Claus Wischmann, realizador ·Martin Bear, realizador ·Marilu Mallet, realizadora ·Stefano Savona, realizador ·David Bradbury, realizador ·Mercedes Álvarez, realizadora ·Alessandro Comodin, realizador ·Pamela Yates, realizador ·Ginette Lavigne, realizadora ·Frederick Wiseman, realizador ·Davy Zilberfaijn, realizador ·Zipporah Films, Boston ·Frontline Films, Wilson Creek, Australia ·Andrea Guzmán, DOCMA, Asociación de Documentalistas de Madrid ·Michael Deumlich, Berlín ·Livia Bloom, Icarus Films ·Intermezzo Films, Suiza ·Jan Rofekamp, Film Transit ·Nicolas Philibert, París ·Chris Marker, realizador

·Consejo Nacional de la Cultura y las Artes, Gobierno de Chile (CNCA): ·Roberto Ampuero, Ministro de Cultura ·Carlos Lobos, Sud Director Nacional ·Macarena Matte ·Juan Ignacio Carmona ·Catalina Jaime ·Tatiana Emden · Claudia Gutierrez ·CULDOC ·Carlos Flores del Pino ·Ignacio Agüero ·Cristián Leighton ·Pedro Chaskel ·Francisco Gedda ·Embajada de Francia en Chile: ·Sr.Marc GIACOMINI, Embajador de Francia ·Sr.Eric Lavertu, Primer Consejero ·Sr. Frederick Schmutz, Cónsul ·Sra. Maria Elena Castro, Encargada de Prensa · Sr. Pascal Delisle, Consejero Regional de Cooperación · Sra. Verónica Miranda, Asistente Consejero Regional ·Sra. Annie Pauget, Protocolo ·Sr. Patrick Bosdure, Consejero Cultural ·Sr. Sylvain Roback, Agregado Cultural ·Sra. Maria Cecilia Gonzalez, Encargada de la Cooperación Audiovisual ·Sr. Pierre Pellat-Finet, Agregado de Cooperación Universitaria ·Sr. François-Olivier Giroud, Secretario General ·Sra. Martine Sellos-Ramière, Agregada de Cooperación Linguística y Educativa ·Sra. Safia Tahri, Encargada de Comunicación ·Sra. Francisca Maturana, Asistente Cultural ·Sr. Yves Cadilhon, Consejero Económico y Comercial ·Sr. Xavier Fraval de Coatparquet, Director Ubifrance ·Centro Cultural Gabriela Mistral (GAM) ·Alejandra Wood ·Javier Ibacache ·Angélica Zuñiga ·Sergio Santos ·Francisca Peró ·Carolina Courbis ·Galide Moreno ·Equipo Técnico ·Otros colaboradores nacionales ·Eduardo Machuca, Jefe de Depto. Cine y Audiovisual, DIRAC

Embajada de Francia en Argentina: ·Sr. Christian TISON, Agregado Audiovisual Cono SurSr ·Alain Maudet, Asistente Agregado Audiovisual Cono Sur

·Volker Redder, Director Goethe Institut ·Isabel Mardones, Cinemateca Goethe Institut ·Judith Goebbels, Cinemateca Goethe Institut ·Florencia Larrea, Kiné-Imágenes ·Daniel Dávila, Kiné-Imágenes ·Enrique Stindt, Kiné-Imágenes ·Constanza Arena, Cinemachile ·Tehani Staiger, Cinemachile ·Carla Wong, Cinemachile ·Franscisco Mena , Libélula ·Tanya Leiva, Libélula ·Bernardo Menz, DINT Doblajes Internacionales ·Iván Pinto, Revista La Fuga ·Luis Horta, Cineteca Universidad de Chile ·Dirección de Área Programas Artísticos UC ·Susana Foxley, Dirección Audiovisual UC ·Milena Skoknic, Sala Cine UC ·Soledad Rodriguez, Sala Cine UC ·Bayron Cabezas, Sala Cine UC ·Patricio Mora, Bar The Clinic - Sala Radicales ·Rodrigo Rojas, Sala Radicales ·Ignacio Aliaga, Director Cineteca Nacional ·Paola Castillo, Chiledoc ·Flor Rubina, Chiledoc ·Antonia Isaacson, Embajada de México ·Cultura, Embajada de Brasil ·Pablo Aljaro, Gerente Marketing TVN ·José Tomás Jaramillo, Brand Manager TVN ·Eric Brügmann, Gerencia Comercial Radio Bío Bío ·Benjamín Ahumada, Gerencia Comercial Radio Bio Bio ·Macarena Chandía, Revista Qué Pasa ·Pablo Dittborn, Director The Clinic ·Patricio Fernández, Director The Clinic ·Carmen Burgos, Gerente Comercial The Clinic ·Rosario Troncoso, Brand Manager UFO ·Felipe Guaita, Marketing UFO ·Armin Weissen, Director Académico Instituto Chileno Suizo ·www.felicidadparatodos.cl ·Horacio Valdivia, Noise-Cinépata ·Constanza Miranda, Noise-Cinépata ·Camila Jouannet, Noise-Cinépata ·Nuncio Belardi, Noise-Cinépata ·Roberto Espinoza, Sonamos ·Luis Dagnino, Transporte ·Bruno Bettati, FICValdivia ·Fernando Lataste, FICValdivia ·Jose Luis Rivas, FICValdivia

·Marcelo Cicali, Liguria ·Andrea Fresard, Liguria ·Jose Manuel Jaramillo, Viña La Rosa- Sofruco ·Jose Francisco Rencoret, Viña La Rosa - Sofruco ·Morgana Rodríguez, Municipalidad de Santiago ·Miguel Saavedra, Director de Obras Municipales, Municipalidad de Santiago ·Marius Giraudo, Unidad Publicidad DOM, Municipalidad de Santiago ·María Machado, Gerente Comercial Texdigital ·Carolina Salomón, Gestión y Diseño Portal Barrio Lastarria ·Instituto Comunicación e Imagen Universidad de Chile ·Maria Olivia Monckeberg, Directora ICEI ·Macarena López, Jefa de Carrera, Carrera Cine y Tv , ICEI ·Lily Gálvez, Directora de la Escuela de Cine Universidad Arcis ·Constanza Brieba, Universidad Diego Portales ·Javiera Undurraga, Directora Festival In-Edit Nescafé ·Karin Beovic, Coordinadora General de RRII y de Extensión ·Gonzalo Carracedo, Atómica ·Patricio Muñoz, DeReojo Comunicaciones ·Paulina Ferretti, DeReojo Comunicaciones ·Mafi.tv ·Cristóbal Gumucio, Director Matucana 100 ·Cristián Rodríguez, Programador Cine Matucana 100 ·Roberto Ovalle, Productor free-lance ·Patricia Navarrete, productora ·Alejandro Wilson, DuocUC ·Alejandra Bobadilla, DuocUC


El Barrio The Neighborhood

Índice Contents

Editoriales Editorials

09

Invitados Especiales Special Guests

21

Película Inaugural Opening Film

23

Competencia Chilena Chilean Competition

27

Competencia Latinoamericana Latin American Competition

37

Competencia de Cortos “Monsieur Guillaume” “Monsieur Guillaume” International Short Film Competition

49

Biblioteca Nicanor Parra/ UDP Vergara 324 (Metro Toesca)

Premio Composición Musical Music Composition Award

69

Panorama Internacional International Panorama

73

*Meeting Point en Hall de Centro Cultural Gabriela Mistral (GAM)

Desde otra (p)arte From another (p)art

95

Horizontes Horizons

109

Función Especial Special Screening

119

Foco Juan Carlos Rulfo Focus Juan Carlos Rulfo

121

Foco Cao Guimarães Focus Cao Guimarães

129

Foco Chris Marker Focus Chris Marker

135

Cuarenta años a la distancia Forty years away

143

Actividades de Formación Educational Activities

149

Ediciones FIDOCS FIDOCS Books

153

Industria FIDOCS FIDOCS Industry

163

FIDOCS Online FIDOCS Online

168

Contactos Contacts

169

Obras Exhibidas Past Festival Films

177

Equipo del Festival Festival Team

199

Centro Cultural Gabriela Mistral (GAM) Av. Libertador Bernardo O`Higgins 227 (Metro Universidad Católica) Sala Cine UC Av. Libertador Bernardo O`Higgins 340 (Metro Universidad Católica) Centro Arte Alameda Av. Libertador Bernardo O`Higgins 139 (Metro Baquedano)

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Sala Radicales Monjitas 578, esquina Miraflores (Metro Bellas Artes)

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Universidad M Católica Lira

Biblioteca Nicanor Parra/ UDP (Metro Toesca)

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Leyenda: P.G.: Patricio Guzmán / R.G.: Ricardo Greene / J.M.: Jorge Morales / C.V: Cristóbal Vicente / R.C.: Raúl Camargo / R: Recopilación


Editoriales Editorials


Patricio Guzmán

Patricio Guzmán

Fundador y Presidente de FIDOCS

Es extraordinario lo que está pasando con el documental chileno. Desde hace diez años las obras aumentan. Cada año ganan más premios y obtienen mejores críticas. Ya no es raro que un documental nuestro quede en la “selección oficial” de cualquier certamen en cualquier parte. Sin embargo, a pesar de esta cadena de éxitos, la distribución sigue siendo mala. Los canales no compran. Los cines no compran. Las bibliotecas no compran. Los ministerios no compran. Las universidades no compran. El Museo de la Memoria no compra. La única puerta de escape son los festivales. Pero los festivales tampoco compran. Por eso es notable que dos jóvenes productoras –Flor Rubina y Paola Castillo– hayan puesto en marcha una agencia documental para mejorar la situación. CHILEDOC exhibirá entre abril y noviembre ocho películas documentales en diez salas de ocho ciudades del país con la ayuda del Fondo Audiovisual del CNCA. Ya tienen salas asociadas en Iquique, La Serena, Valparaíso, Chillán, Concepción, Valdivia y Punta Arenas. En la capital tienen tres pantallas: el cine Pavilion, el Museo de la Memoria y la Cineteca Nacional. El proyecto contempla un productor local en cada ciudad, subvención de entradas y la asistencia del director a una función especial. Otro proyecto es poner en marcha antes del fin del año un canal instalado en la web de CHILEDOC. Será un espacio para mostrar el trabajo que hace la organización y los autores chilenos. Entrevistas, actividades y notas que muestren el paso de los creadores nacionales por los festivales, mercados y encuentros. Producirán seis cápsulas mensuales en varios idiomas. Asimismo, CHILEDOC quiere diagnosticar a fondo la realidad en Argentina, Brasil, Uruguay, Colombia y México con el objetivo de comercializar las películas documentales chilenas y latinoamericanas. Es la primera vez que alguien hace este trabajo. Por su parte, ya tiene corresponsables en las regiones del mundo donde hay un mayor interés hacia nuestros temas, que son los Países Nórdicos de Europa, Estados Unidos y Canadá, más algunos países de Asia.

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FIDOCS Founder and President

Celebramos y apoyamos esta espléndida iniciativa de distribución y difusión. Flor Rubina y Paola Castillo tienden generosamente la mano a sus colegas. Nos indican claramente que somos nosotros mismos quienes tenemos la responsabilidad de inventar nuevas formas de distribución en lugar de esperar un milagro.

What is happening to Chilean documentaries is extraordinary. For the last ten years works have increased. Every year, these obtain more awards and better reviews. It’s no longer a rarity when one of our documentaries reaches the “official selection” of any competition at any place. However, despite this wave of success, bad distribution continues to be the norm. Channels do not purchase. Film venues don’t buy. Libraries don’t buy. Ministries don’t buy. Universities don’t buy. The Museum of Memory doesn’t buy. The only escape route are festivals, but festival also don’t purchase, that’s why is so noteworthy that two young producers –Flor Rubina and Paola Castillo– put in motion an agency to better the situation. CHILEDOC will screen between April and November, eight documentary films in 8 venues along the country with the support of the Council for the Arts’ Audiovisual Fund. They have already associated with 10 theaters in Iquique, La Serena, Valparaiso, Chillan, Concepcion, Valdivia and Punta Arenas. In Santiago they have three screens: Cine Pavilion, The Museum of Memory and the National Film Library (Cineteca Nacional). The project contemplates a local producer in each city, ticket subsidies and the director’s presence in one special screening. Another project is to set forth a channel on the CHILEDOC web, before the end of the year. It will serve as a space to showcase the organization’s work and Chilean directors. Interviews, activities and notes that follow Chilean director’s presence at festivals, markets and gatherings. Six monthly capsules will be produced in several languages. In the same manner, CHILEDOC wants to diagnose in depth the reality of Argentina, Brazil, Uruguay, Colombia and Mexico in order to market Chilean and Latin American documentaries. It’s the first time that someone takes on this task, having already established links with those regions in the world where there’s interest in our subject matters, such as Nordic countries, United States and Canada, plus some countries in Asia.

We celebrate and support this splendid distribution and promotion initiative. Flor Rubina and Paola Castillo have generously given their colleagues a hand. They clearly convey that we have the ultimate responsibility of inventing new ways for distribution, instead of waiting for a miracle.

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Patrick Bosdure

Patrick Bosdure

Consejero de Cooperación y Acción Cultural Embajada de Francia, Director del Instituto Francés de Chile

Hace ya diecisiete años, acogíamos con expectación y entusiasmo la idea de Patricio Guzmán de traer de vuelta a Chile un festival de cine documental. Este género cinematográfico había perdido su esencia para transformarse en una especie de bitácora de viajes que únicamente permitía descubrir lugares lejanos, realidades ajenas y exóticas. El regreso de FIDOCS permitió restablecer la creación documental entre los jóvenes cineastas chilenos, que empezaron a descubrir lo que pasaba a su alrededor, en su barrio, en su pueblo, entre las personas que los rodeaban. FIDOCS los invitó también a mostrar esas historias pero con un lente propio, desde un punto de vista personal y no como una simple sucesión de imágenes. A partir de esto, empezamos a conocer historias reales, contadas con mayor o menor fuerza, pero que tenían una intriga, una acción y un clímax. Desde ese momento, el Festival Internacional de Cine Documental de Santiago ha sabido ofrecer, año tras año, una programación de cine documental nacional, pero también internacional de muy alta calidad. FIDOCS es y seguirá siendo la referencia en lo que a cine documental concierne. Un festival que ha sido capaz de traer a Chile a realizadores de la talla de Claude Lanzmann, quien vino a presentar personalmente su película Shoah, Nicolás Philibert, quien hizo lo mismo con Ser y tener, y otros connotados directores como Richard Copans, Alain Jobert, Hubert Sauper, François Caillat y tantos más, sin dejar de lado al propio fundador, Patricio Guzmán, quien inauguró con mucho éxito dos de las versiones de FIDOCS con sus respectivas películas Salvador Allende y Nostalgia de la luz. La instalación definitiva del galardón “Embajada de Francia-Instituto Francés”, primer premio de la competencia FIDOCS, ha permitido a numerosos realizadores chilenos ir a presentar sus obras en reconocidos festivales franceses, activando lazos y relaciones muy útiles para sus futuras producciones cinematográficas.

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Councilor for Cultural Cooperation and Action French Embassy, DirectorFrench Institute of Chile

Este año, nuevamente contaremos con la presencia de dos importantes realizadores franceses: Mariana Otero, reconocida directora de cine documental, que viene a presentarnos una retrospectiva de su obra, y a Laurent Hasse, director que con su película Le bonheur…Terre promise ha logrado impactar al mundo del cine documental francés. Con motivo de esta decimoséptima versión, una vez más podremos acceder a bellas producciones que no llegarían a Chile si no fuera por FIDOCS. Aprovechamos esta oportunidad para saludar sinceramente a todo el equipo de FIDOCS y agradecerles por ofrecernos este espacio cinematográfico de excelencia y de alta calidad.

Seventeen years ago, we had already welcomed Patricio Guzmán’s idea of bringing a documentary festival back to Chile, with expectation and enthusiasm. This cinematographic genre had lost its essence, becoming a kind of travel log, whose only use was to discover faraway places, foreign and exotic realities. The return of FIDOCS allowed reestablishing documentary creation among young Chilean filmmakers, who started to discover what was going on around them, in their neighborhood, their town, around the people that surrounded them. FIDOCS also invited them to show these stories, but with a lens all their own, from a personal standpoint, and not as a simple succession of images. Out of this, we became acquainted with real stories, told with much –or little– strength, but with an intrigue, an action and a climax. From that moment on, the Santiago International Documentary Film Festival has known how to offer, year after year, a quality program of both national and international documentaries. FIDOCS is, and will continue to be, the reference point for matters concerning documentary cinema. After all, it has been able to bring to Chile filmmakers of the stature of Claude Lanzmann, who personally came to present his film Shoah, Nicolás Philibert, who did the same with Être et avoir, along with other renowned directors, such as Richard Copans, Alain Jobert, Hubert Sauper, François Caillat and so many more, including its founder, Patricio Guzmán, who opened –with much success– two versions of FIDOCS with his films, Salvador Allende and Nostalgia de la luz. The definitive installation of the French EmbassyFrench Institute Award, the grand prize at the FIDOCS competition, has allowed numerous Chilean directors to go show their films at prominent French festivals, activating beneficial ties and relationships for their future film productions. Once more this year, we will have the presence of two important French filmmakers: distinguished director Mariana

Otero, who comes to screen a retrospective of her work, and Laurent Hasse, a director that, with his film Le bonheur… Terre promise, has impacted the world of French documentary cinema. Thanks to this seventeenth version, once more, we will have access to fine productions that would not come to Chile, if not for FIDOCS. Thus, we take this opportunity to sincerely salute the entire FIDOCS team, and thank them for offering this space for excellence and high quality in cinema.

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Cristián Leighton

Cristián Leighton

Corporación Cultural Documental CULDOC

FIDOCS tiene sus años. Evidentemente, se acerca a la adultez con estos diecisiete años de vida. Como estamos más maduros, pensamos que la larga historia construida en torno a este festival de documentales no le pertenece a nadie en particular. Más bien, es fruto de una perseverante labor que desde la curatoría, la organización y el hacer películas trae bocanadas de aire provenientes de la realidad y que ve su resultado más querido en pequeñas historias del cine vinculadas al mundo en que vivimos. Finalmente, es la persistencia la que ha permitido armar esta ventana desde donde poner la mirada sobre las cosas que tocamos y sentimos. Una convicción que ha puenteado dos siglos desde sus cimientos construidos en la calle Esmeralda, donde estaba el Instituto Goethe en la década de los noventa. En el andar, son muchos los que no solo han hecho un trabajo y han colaborado con un proyecto específico, sino que además han tenido la valentía de llevar adelante su deseo, su deseo de cine atado a la realidad, parafraseando a Miguel Gomes. Este deseo, insatisfecho y maduro, paradójicamente, tiene un correlato poderoso en el entorno que nos toca vivir. Un país que manifiesta fisuras y necesidades de ser escuchado, o más bien, narrado de otra manera. Y para esta instancia, debiéramos coincidir muchos, debe estar el documental: plantado y atento a las emociones y eclosiones del país inquieto. No bastaba con la llegada de la democracia, con el anestesiante sistema binominal o con todas las ilusiones puestas en el crecimiento económico. Han pasado veintitantos años y la petrificación no aguanta mucho más. Estamos viviendo en otro país que requiere tener más sociedad que mercado, más voces que gritos, más pensamientos que panfletos, más cabezas pensantes que combos en la mesa, más miradas a cámara que encapuchados de lado y lado, más subjetividades acogidas que objetividades cerradas. Por eso necesitamos más que nunca la mirada de los cineastas de la realidad, en la televisión pública, en el cine y en las nuevas redes. No son espacios fáciles. Más bien continúa

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Documentary Cultural Corporation CULDOC

el cerrojo consecuente del sistema aludido. Es por ello que FIDOCS debe seguir trabajando para articular un sentido mayor, el de dar un espacio vital a un país que hace rato no resiste una nueva represión de sus deseos.

FIDOCS has many years. Evidently it’s close to reaching adulthood with its seventeen years of life. Since we are more mature, we think that the long history built around this documentary film festival belongs to no one in particular. Instead, it’s the result of persistent work, from the programming to the organization, and making films based on reality brings forth breaths of fresh air that find their most treasured results in small film stories, linked to the world we live in. Finally, it’s this persistence that has allowed putting together this showcase where the point of view is aimed to that which we touch and feel, a certainty that has bridged two centuries together, from its foundations on Esmeralda Street; where the Goethe Institut once was in the 90s. Along the way, there are many who have worked and collaborated on specific projects, but they also had the courage to foster their wish, a wish for films linked to reality, rephrasing Miguel Gomes. This mature and unsatisfied hunger paradoxically, has a powerful common narrative in the context in which we live: a country that reveals rifts and a need to be heard, or better said, to be told in a different way. We should all agree, the documentary must be applied to this instance and be well rooted and attentive to the emotions and issues emerging in this restless country. The arrival of democracy wasn’t enough, nor the asphyxiating binomial system nor all bets on economical growth. Twenty-something years have passed and stagnation can’t withstand much more. We are living in a different country, one that requires more society that market, more voices than wails, more thoughts than propaganda, more thinking heads than bangs on the table, more direct looks on camera than sideways hooded characters, preference for the welcomed subjectivity over the narrow objectivity. That’s why we need more than ever the filmmaker’s viewpoint of reality on public TV, in film theaters and new networks. They are not spaces with easy access. It’s more

likely they face barriers consistent with the aforementioned system. That’s why FIDOCS must continue working to activate a higher level, to provide a vital space to a country that will no longer stand new repressive ways to deny them their wishes.

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Javier Chamas

Javier Chamas

Jefe del Departamento de Fomento de las Artes e Industrias Creativas.

Durante sus diecisiete años de trayectoria, el Festival Internacional de Documentales de Santiago, FIDOCS, no sólo ha conseguido la madurez y un prestigioso estatus único en Latinoamérica, sino que además ha logrado la sincronía con los vientos de cambio que vive el cine documental a nivel nacional e internacional. Las nuevas tecnologías han transformado el paisaje creativo, alterando tanto las formas de producir cine documental, como las innovaciones en los formatos narrativos y las distintas modalidades con que el público accede a los contenidos de las obras documentales. Consciente de la importante misión de FIDOCS, el Consejo Nacional de la Cultura y las Artes ha brindado apoyo al certamen desde el año 2005, a través del Programa de Apoyo a Festivales Nacionales y por medio del Concurso de Proyectos línea de Difusión Audiovisual, Modalidad Festivales con Trayectoria. La evolución y consolidación de FIDOCS ha tenido correlación directa con el desarrollo vivido por el documental en nuestro país, lo que se ha traducido tanto en un gradual reencuentro de nuestra audiencia con cintas de gran acogida de público como Ojos rojos, Nostalgia de la luz y Locas mujeres, como en los reconocimientos internacionales logrados recientemente por obras como El salvavidas, Sibila y El otro día en importantes certámenes (Cinema Tropical de Nueva York, el Festival de Cine Latinoamericano de Bruselas y el Festival Internacional de Cine de la Habana). Sin embargo, la reconquista del público chileno es un gran desafío para el cine de ficción y especialmente para el cine documental. Por este motivo, y con el objeto de incrementar y promover la asistencia de público a ver producciones nacionales en salas, contamos con una línea de Apoyo a la Exhibición de Cine Nacional, la cual recientemente benefició a Errante Producciones para desarrollar un proyecto de programación de cine documental en siete regiones del país. La presente edición de FIDOCS incorpora una importante innovación: la “Competencia Internacional de Cortometrajes ‘Monsieur Guillaume’”, en honor el recien-

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Arts and Creative Industries Promotion Department Chief

temente desaparecido ícono francés del cine documental y experimental, Chris Marker. Esta nueva sección da cabida a películas documentales de corta duración y también a nuevos formatos narrativos, además de obras experimentales de cada temática imaginable. ‘Monsieur Guillaume’ es una iniciativa que el mismo Marker apoyara personalmente, fiel a su naturaleza inquieta e innovadora, elocuentemente descrita por Alain Resnais al referirse a él como “el prototipo del hombre del siglo XXI”. Esto, junto a la participación este año de 35 obras provenientes de más de treinta países en las distintas categorías de la competencia del festival, da cuenta de que FIDOCS es uno de los certámenes más importantes en su género en Latinoamérica.

The Santiago International Documentary Film Festival, FIDOCS, during its seventeen year trajectory, has not only matured and attained a prestigious and unique status in Latin America, but has also achieved synchronicity with the winds of change that documentary filmmaking is undergoing, nationally and internationally. The new technologies have transformed the creative landscape, altering the ways of making documentaries, as well as innovating on the narrative formats and the different methods of public access to documentary films contents. Aware of FIDOCS important mission, the national Council for Culture and the Arts has supported the event since 2005, through the National Film Festival Fund via the grant for Audiovisual Promotion, for festivals with a trajectory. FIDOCS’ evolution and grounding has had a direct link to the documentary development within our country, which turned into a gradual reunion with the audience, via films that had a great welcome such as: Ojos Rojos, Nostalgia de la luz and Locas mujeres, and the international recognition recently awarded to El Salvavidas, Sibila and El Otro Día, in noted film festivals (Nueva York Tropical Cinema, Brussels Latin-American Film Festival and La Habana International Film Festival). However, to conquer the Chilean audience is a great challenge for fiction films and even more so for documentary films. It’s for this reason and to improve and stimulate the public’s attendance, that we have a National Film Screening support grant. It recently benefited Errante Productions who developed programming for a seven-region screening project. FIDOCS’ present edition includes an important innovation: the Short Film International Competition, ‘Monsieur Guillaume’, in honor of the recently disappeared French icon of experimental and documentary filmmaking, Chris Marker. This new section welcomes documentary short films, new narrative formats and experimental films on every imaginable subject. ‘Monsieur Guillaume’ was personally supported by Marker, loyal to his innovative and inquisitive nature,

and eloquently described by Alain Resnais when referring to him as “the XXI century man prototype”. Along with thirtyfive films coming from over thirty countries in the different categories in competition, FIDOCS maintains its status as one of the most relevant festivals in its category in Latin America.

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Ricardo Greene

Ricardo Greene

Director FIDOCS

Diecisiete años de trabajo han convertido a FIDOCS en el mayor referente de cine documental a nivel nacional y en un evento de gran prestigio a nivel latinoamericano e internacional. Desde sus inicios comprometido con el “cine de autor”, este año hemos trabajado en abrir nuevas secciones, focos y debates que, con energía y curiosidad, buscan cuestionar las convenciones narrativas, temáticas y estéticas que rigen la industria audiovisual en general y el documental en particular. FIDOCS, creemos, debe ser un espacio desde el cual pensar un cine que se presume y presenta como noficción; así, más que buscar respuestas definitivas a la vieja pregunta de qué es cine documental, lo que intentaremos hacer será dibujar un campo dinámico de trabajo, escogiendo interrogantes, materiales, problemáticas y desafíos que nos lleven al borde, donde el documental colinda con el cine experimental, la ficción, el cine etnográfico y el video arte. Esta nueva línea editorial será como una trama que recorre, subterránea, cada nivel del festival. Su punto más visible es la nueva Competencia Internacional de Cortometrajes ‘Monsieur Guillaume’, llamada así en tributo –y con su autorización– a la vida y obra de Chris Marker. La sección tuvo una explosiva y generosa respuesta de cineastas de más de cuarenta países, y aunque no todos los trabajos siguen la línea planteada, los resultados superan con creces nuestras expectativas y confirman la decisión de caminar hacia ese horizonte. Además, volveremos a tener las competencias de cine latinoamericano y chileno, todas con gran convocatoria. Cierra el cuadro “Primer Corte: 3”, sección que busca apoyar a producciones nacionales que no han podido asegurar recursos para su finalización, sean de documentalistas profesionales o de pequeños autores artesanales. “Desde otra (p)arte” es otra nueva sección que presentamos con gusto y en la que programaremos películas que tratan sobre artistas y sus procesos creativos. Música, fotografía, pintura, cómics, danza, cine y otras expresiones serán exploradas, este año, en diez películas de primer nivel. En la misma línea, este año contaremos con la presencia, desde

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FIDOCS Director

Brasil, de Cao Guimarães, artista plástico y documentalista que sin duda contribuirá a profundizar el debate sobre los límites difusos entre los distintos géneros audiovisuales. Como queremos que el festival no sea un lugar donde solo ver sino también pensar cine, hemos organizado una serie de actividades de debate y reflexión: primero, continuaremos con Escuela FIDOCS, una serie de conversaciones entre documentalistas y estudiantes de cine. Segundo, la producción y lanzamiento de dos libros FIDOCS: Filmar lo que no se ve, de Patricio Guzmán, y La Zona Marker, un conjunto de ensayos inéditos sobre Chris Marker. Organizaremos, también, la mesa redonda “Debate sobre la ficción en el documental (y viceversa)”, en la que usaremos la película No, de Pablo Larraín, como punta de lanza para hablar sobre estrategias como guionización, ficcionalización y uso de archivos en el cine documental. Por último, Juan Carlos Rulfo, Mariana Otero y Laurent Hasse completan la lista de documentalistas invitados al festival y cuyas películas podremos ver durante la semana. Ellos impartirán, además, charlas magistrales gratuitas para el público. Esperamos que asistan llevando sus preguntas e inquietudes. Otra línea que queremos profundizar en FIDOCS es la de la gratuidad y formación de audiencias. Queremos un festival abierto a la comunidad, que colabore activamente en el acceso a la cultura. Es por eso que desde este año abriremos una nueva sección, “Santiago, ciudad abierta”, que consistirá en seis funciones gratuitas para estudiantes secundarios y tercera edad. En ellas proyectaremos películas chilenas y luego sus directores y directoras conversarán con el público. Por último, a cuarenta años del Golpe, estrenaremos una nueva versión de La batalla de Chile. Los tres episodios han sido programados en días consecutivos, y luego de cada proyección, Patricio Guzmán conversará con un destacado pensador nacional para finalmente recibir preguntas del público. Esperamos verlos esta semana. Se viene un gran festival.

Seventeen years of hard work have positioned FIDOCS as the most important event for documentary film in Chile and a well-respected festival in the Latin American and International spheres. Committed to cinema d’auteur since its beginnings, this year we have worked towards questioning the narrative, thematic and aesthetic conventions that rule over the audiovisual industry in general, and over documentary production in particular. FIDOCS should be a place where to rethink a cinema we presume and present as ‘non-fiction’; thus, instead of looking for definitive answers to the age-old question of what constitutes documentary films, we will try to draw out a dynamic field of work, choosing questions, materials, issues and challenges that drive us to the edge, where documentaries collides with experimental films, fiction, ethnographic cinema and video art. This new editorial line will be like an underground grid spanning every level of the festival. Its most visible point will be the brand new ‘Monsieur Guillaume’ International Short Film Competition, named in tribute to the life and work – and with the authorization of – Chris Marker. The section had a generous and explosive response from filmmakers all over the world, and although not all the works adjust to the new proposed line, the results far exceeded our expectations, and confirmed our decision to walk towards that horizon. Additionally, we will once again host competitions for Latin American and Chilean films. At last, we are organizing the third edition of “First Cut”, a section whose aim is to support national productions that have yet to secure means for conclusion, whether by professional documentary filmmakers or small artisan-authors. Another new section we present with great pleasure is “From a different (p)art.” In it, we will program films about artists and their creative process. This year, 10 top-level films will explore music, photography, painting, comics, dance, cinema and other disciplines. In the same line, visiting from Brazil will be Cao Guimarães, a visual artist and documentary filmmaker that no doubt will contribute to deepen the debate about the dif-

fused boundaries between the different audiovisual genres. We want the festival to be a place where people not only watch films, but also think about them. We have organized a series of debates and activities with that purpose, being: first, to continue with ‘FIDOCS School’, a series of conversations between documentary artists and cinema students. Second, we have produced and will launch two FIDOCS books: Filmar lo que no se ve (Filming what cannot be seen), by Patricio Guzmán, and La Zona Marker (The Marker Zone), a collection of unpublished essays about Chris Marker. Moreover, we will host the round table “Fiction in documentary films (and vice versa)”, where we will screen the film No by Pablo Larraín, as the spearhead to talk about strategies like scripting, fictionalizing and using archive material in documentary cinema. Finally, Juan Carlos Rulfo, Mariana Otero and Laurent Hasse complete the list of international directors invited to the festival, and whose films we will be able to see over the week. They will offer free master classes for our audience. We hope you will attend, bringing your questions and comments. Other lines of work we want to deepen at FIDOCS are free access and audience development. We want a festival that is open to the community and collaborates actively in the access to culture. For this reason, this year we opened a new section: “Santiago, open city,” which will consist in six functions, free of charge for high school students and senior citizens. The program will screen Chilean films, and their directors will be present to discuss with the audience after the show. Finally, forty years since the Coup d’état, we première a new version of The Battle of Chile. The three episodes have been programmed in consecutive days, and after each projection, Patricio Guzmán will speak with a distinguished national thinker and later welcome questions from the audience.

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Invitados especiales Special guests


Laurent Hasse

Mariana Otero

Laurent Hasse (Francia, 1980) estudió cine documental en la Universidad de Futuroscope de Poitiers. Trabajó como operador de cámara para la TV y como asistente de dirección para documentales de Jean Schmidt, antes de proyectar su ópera prima en varios festivales. Actualmente, escribe y realiza películas documentales y se dedica a la retransmisión de espectáculos en vivo de danza, música o teatro. Colabora, además, como camarógrafo para diferentes directores y supervisando prácticas académicas audiovisuales.

Mariana Otero (Rennes, 1963) estudió cine en el IDHEC. Comenzó haciendo documentales de TV, como la serie La loi du collège. Posteriormente, se centró en la producción cinematográfica con Histoire d’un secret, premiada en múltiples festivales internacionales, y Entre nos mains, nominada a los premios César. Paralelamente, se dedica a la docencia en algunas universidades francesas y prestigiosos centros como Ateliers Varan y La Fémis, en París.

Laurent Hasse (Francia, 1980) studied documentary filmmaking at Futuroscope University, in Poitiers. He has worked as a camera operator for TV, and as assistant director in documentaries by Jean Schmidt, before screening his opera prima at several festivals. He currently writes and shoots documentary films while working in the rebroadcasting of live music, theater and dance performances. Additionally, he collaborates as cameraman for different directors, and supervises audiovisual internships.

22 *OWJUBEPT&TQFDJBMFTtSpecial Guests

Mariana Otero (Rennes, 1963) studied film at IDHEC. She began making documentaries for TV, such as the series La loi du collège. Later, she focused on film production, with Histoire d’un secret, awarded at multiple international festivals, and Entre nos mains, nominated to the Caesar Awards. At the same time, she has taught at several French universities and prestigious centers, such as Ateliers Varan and La Fémis, in Paris.

Película inaugural Opening film


La maison de la radio La casa de la radio / Francia, 2013

Dirección: Nicolas Philibert Producción: Les Films d’Ici, Serge Lalou Dirección de fotografía: Katell Djian Montaje: Nicolas Philibert Sonido: Julien Cloquet Duración: 100 minutos Formato de exhibición: Blu-ray

La llamada “Casa de la Radio” que existe en París es completamente redonda. De lejos y de cerca es una enorme torta de hormigón con una torre en un costado, una estructura uniforme y monótona. Aquí están reunidas todas las radios en los distintos niveles. Cuando uno busca un locutorio de tal o cual emisora, tiene que caminar cientos de metros en redondo con la sensación de no llegar a ninguna parte. Es una arquitectura difícil de iluminar y de filmar. Consciente de este gran desafío, Nicolás Philibert se pasó meses aquí para inspeccionar estos anillos de corredores y descubrir dónde está la vida, el movimiento, el humor, la rutina y la sensualidad. Es decir, el universo de la gente que habla, grita o canta con un micrófono en la mano delante de una audiencia que nunca ve, que nunca puede sentir, delante de un público invisible. Según el autor (la traducción es libre): “Por definición, hacer una película sobre la radio es algo contra natura porque el poder evocador de la radio está unido a la ausencia de imágenes. Este desafío es precisamente lo que me motivó. Entonces la cuestión de ‘mostrar y a la vez no mostrar’ pasó a ser una cuestión principal. ¿Cómo crear lo que no se ve? ¿Cómo respetar esa parte invisible, esa parte en sombras que tiene la radio... ? Sin duda, filmar aquí fue un hermoso desafío cinematográfico. Todo lo contrario que esos documentales explicativos que ponen en imágenes una institución. Yo me sentí libre y me mantuve libre hasta el final. Nunca me sentí obligado de preocuparme de meter todo lo que hay en la ‘Casa de la Radio’ para obtener un equilibrio entre los distintos departamentos. Fue un gran placer vivir esta aventura”. Esta es una película luminosa, entretenida y cómica. Del mismo modo como los héroes de la radio nunca nos pueden ver, ahora nosotros los

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podemos ver a ellos. Son increíbles. Parecen una banda de locos. Estrenada en la Berlinale y actualmente un éxito de público y crítica en las salas de Francia. FIDOCS ha mostrado casi toda la obra anterior del autor. P.G. Nicolas Philibert (Francia, 1951) es director de cine. Fue escenógrafo e incluso actuó en la película Les camisards (1972). Junto a Gérard Mordilla dirigió La voix de son maître (1978). Otros de sus filmes son La ville Louvre (1990), Le pays des sourds (1992), Un animal, des animaux (1994), La moindre des choses (1996) y Être et avoir (2002).

The so-called “House of Radio” exists in Paris and is completely round. From afar and up close, it is an enormous concrete cake with a tower on one side, a uniform and monotonous structure. Gathered here, on the different levels, are all the radio stations. When looking for the studios of such-and-such broadcaster, one has to walk hundreds of meters in a circular fashion, with the impression of going nowhere. Its architecture is hard to illuminate and film. Conscious of this challenge, Nicolás Philibert spent months here, inspecting these rings of corridors to discover where life is, its movements, humor, routine and sensuality – that is, the universe of these people that speak, scream or sing with a microphone in hand, to an invisible audience they can never see, they can never feel. In a free translation, according to the author: “By definition, making a film about radio is unnatural, because radio’s evocative power is tied to the absence of images. This challenge is precisely what motivated me. Then, the matter of ‘showing and not showing at the same time’ became a main issue. How to create what is not seen? How to respect that invisible aspect, that part of the radio that is in the shadows? (…) Undoubtedly, shooting here was a beautiful cinematographic challenge. It was the opposite of those explanatory documentaries that render an institution in images. I felt free, and remained free until the

ics in France. Fidocs has screened the author’s previous work almost in its entirety. P.G. Nicolas Philibert (France, 1951) is a film director. He worked as set designer and actor on the film Les camisards (1972). Together with Gérard Mordilla, he directed La voix de son maître (1978). Other titles by Philibert include La ville Louvre (1990), Le pays des sourds, (1992), Un animal, des animaux (1994), La moindre des choses (1996) and Être et avoir (2002).

end. I never felt obligated to cram everything in the ‘House of Radio,’ to obtain a balance among the different departments. Living this adventure was a pleasure.” This is a luminous film, entertaining and comical. Just like the heroes of the radio can never see us, we can now see them. They are amazing. They seem like a band of madmen. Premièred at Berlinale, it is currently a success with audiences and crit-

1FMÓDVMBJOBVHVSBMtOpening film

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Competencia Chilena Chilean Competition


Jurado Competencia Chilena

A primera hora

Chilean Competition Jury

A primera hora / Chile, 2013

Daniel Villalobos

Marcelo Panozzo

Teresa Arredondo

Daniel Villalobos (Temuco, 1974) es periodista de la Universidad de La Frontera. Ha publicado regularmente en sitios como civilcinema.cl y somosblogs.cl. Durante cuatro años comentó estrenos y cartelera en el podcast Analízame, junto al crítico y guionista Gonzalo Maza. Actualmente, es editor de contenidos en bazuca.com y escribe sobre películas en el diario La Tercera. El año 2012 publicó el libro de crónicas El sur en Libros Qué Leo.

Marcelo Panozzo (Quilmes, 1967) es periodista, crítico y editor. Se especializó en música y cine en los suplementos de los diarios Sur y Página 12; fue editor del suplemento Sí! y jefe de espectáculos del diario Clarín, además de participar en otros medios como La Nación, Crítica de la Argentina, Rolling Stone y TXT. Ha escrito guiones para cine y ha colaborado como editor de publicaciones y programador de los festivales BAFICI (del que actualmente es director) y Gijón. Actualmente es editor en Random House Mondadori en Argentina.

Teresa Arredondo (Lima, 1978) es licenciada en psicología y magíster documental en la UAB (España). Su cortometraje Días con Matilde fue premiado y seleccionado en varios festivales como el Festival Internacional de La Habana, el Festival de Huesca o el DIVA, donde obtuvo el premio al Mejor Documental y al Mejor Guión. Sibila, su primer largo, ha sido galardonado en prestigiosos festivales como el BAFICI, el Festival de Málaga o el de La Habana de Nueva York, ganando el premio a Mejor Película en FIDOCS 2012.

Daniel Villalobos (Temuco, 1974) is a journalist graduate from Universidad de La Frontera. He has published regularly in sites like civilcinema.cl and somosblogs.cl. For four years, he commented on premières and box office programs for the podcast Analízame, along with critic and scriptwriter Gonzalo Maza. Currently, he is content editor at bazuca.com and writes about film for the newspaper La Tercera. In 2012, he published a book of chronicles called El Sur, on Libros Qué Leo.

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Marcelo Panozzo (Quilmes, 1967) is a journalist, critic and editor. He specialized in music and cinema, writing on inserts for newspapers Sur and Página 12; he was also editor for the supplement Sí! and was head of entertainment at newspaper Clarín, in addition to participating in other media, such as La Nación, Crítica de la Argentina, Rolling Stone and TXT. He has written scripts for film, and has collaborated as editor for publications and programmer for festivals Bafici and Gijón. Currently, he is editor at Random House Mondadori, in Argentina.

Teresa Arredondo (Lima, 1978) has a bachelor’s degree in Psychology and a Master’s degree in Documentary filmmaking from UAB (Spain). Her short film Días con Matilde, was selected by various festivals such as La Habana International Film Festival, Huesca Festival and DIVA, where she received Best Documentary and Best Script awards. Sibila, her first feature film, has been awarded by many important festivals such as BAFICI, Festival de Málaga and Habana Film Festival New York, and chosen for the Best Film award in FIDOCS 2013.

Dirección: Javier Correa Producción: José Miguel Matamala Guión: Javier Correa, Alex Parra y Patricio Poblete Fotografía: Pierre-Alain Giraud Montaje: Javier Correa Música: Sebastián De Larraechea Sonido: Paula Leonvendagar Postproducción de sonido: Alejandro Contreras Intérpretes: Alex Parra y Patricio Poblete Duración: 85 minutos Formato de exhibición: Blu-ray

Siguiendo a dos trabajadores rurales que buscan sobrevivir en un ambiente precario, A primera hora logra producir un retrato brutal sobre el estado actual del mundo del agro nacional, donde los campesinos y los pequeños y medianos productores agonizan ante la mega escala del sistema productivo agrícola, interpuesta por el mercado, los gobiernos y sus tratados. Evitando la fácil y común opción de realizar una cinta de denuncia, el director ha optado por comprender la situación desde la perspectiva de los afectados, siguiendo los rastros del desempleo, la tecnificación, la insustentabilidad de los cultivos, la variación climática, la desolación de los campos, la migración juvenil a la ciudad o a la minería y la pérdida de prácticas centenarias. Haciendo gran uso de la fotografía y del montaje, con una historia que se sugiere auto-biográfica y que utiliza, a modo de interrogante, algunos recursos de la ficción, Javier Correa nos presenta un documental urgente, agonizante e inestable, tal como el escenario en que se levanta. R.G. y C.V.

By following two rural workers trying to survive in a precarious environment, A primera hora is able to produce a brutal portrait of the current state of the national countryside, where peasants and small and medium-sized producers agonize before the enormous scale of agricultural production imposed by the market, the governments and their treaties. Avoiding the easy and common alternative of making a denouncement film, the director has opted to understand the situation from the perspective of those affected, following the traces of unemployment, of technification, the unsustainable quality of crops, of climate change, countryside desolation, of youth migration to the cities or to mining, and of the loss of age-old practices.

Javier Correa (Santiago, 1977) es historiador y cineasta. Dirigió los cortometrajes documentales Sopraelevata y Frammenti dal mondo intero (FIPA Biarritz 2005), In between (London East End Festival 2009) y Malihue (FICV 2011). A primera hora es su primer largometraje.

Javier Correa (Santiago, 1977) is a historian and filmmaker. He has directed the documentary shorts Sopraelevata and Frammenti dal mondo intero (FIPA Biarritz 2005), In between (London East End Festival 2009) and Malihue (FICV 2011). A primera hora is his first fulllength.

Making great use of photography and editing, using resources from fiction and with a story that feels at times autobiographical, Javier Correa manages to present us with an urgent documentary, agonizing and unstable, just like the scenario it is built on. R.G. and C.V.

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El otro día

La última estación

El otro día / Chile, 2012

La última estación / Chile - Alemania, 2012

Dirección, guión, imagen, sonido: Ignacio Agüero Fotografía adicional: Arnaldo Rodríguez, Gabriel Díaz y Claudia Serrano Montaje: Sophie França Música: Ludwig van Beethoven y Johann Sebastian Bach Postproducción de sonido: Mario Díaz Producción: Ignacio Agüero, Ignacio Agüero y Asociado, Cristián Aspée y Suricato Productor asociado: Amalric de Pontcharra Duración: 120 minutos Formato: DCP

La premisa inicial de este documental es sencilla: Agüero quiere explorar su historia personal y familiar a través de los objetos que pueblan su espacio doméstico. Cada vez que empieza, sin embargo es interrumpido por una variada fauna de mendicantes, amigos, asistentes sociales, vendedores ambulantes y familiares que tocan a su puerta pidiéndole algo. Lo interesante es que en vez de apagar la cámara como hubiera hecho la mayoría, el autor decide incorporar a estos personajes pidiéndoles que lo lleven a sus casas y le abran, de vuelta, sus vidas. Con ello, el relato deja de ser individual y deviene en colectivo y el escenario deja de ser doméstico para volverse público. De las muchas virtudes que derrocha El otro día, quizás la más interesante es que se desplaza del terreno de lo estático y predecible al de lo incierto, hábitat natural y a veces olvidado del documental. Agüero abandona la pretensión del guión y se dedica a explorar el azar, asumiendo el riesgo de la vida social y dejándose llevar por las tramas invisibles de la ciudad. Una obra delicada y sorprendente sobre lo material, lo incierto y lo temporal, que viene a refrescar las preguntas del género y a enriquecer, sin duda, la filmografía nacional. R.G.

The initial premise of this documentary is simple. Agüero wants to explore his personal and familiar story through the objects that reside in his domestic space. However, every time he begins he’s interrupted by a varied array of beggars, friends, social workers, and door-to door salesmen, and family members that knock on his door requesting something. The interesting thing, is that instead of turning the camera off, as many would have, the author decides to incorporate these characters by asking to be taken to their homes, and opening up about their lives in return. In this manner the narrative ceases to be individual and it evolves from the collective, the stage ceases to be domestic and turns public. From the many virtues wasted by El otro día, perhaps the most interesting is that the static and predictable is displaced to the uncertain plane, the sometimes forgotten natural habitat of the film. Agüero abandons the script pretense and explores chance instead, assuming the risk of social life and letting himself go by the city’s invisible plots. A delicate and surprising piece about the material, the uncertain and the temporal, that refreshes the genre questions and without a doubt, enhances our national filmography.R.G.

Ignacio Agüero (Santiago, 1952) es arquitecto y cineasta. Ha sido director de

Ignacio Agüero (Santiago, 1952) is an architect and filmmaker. He has conducted political programs on TV, has shot

franjas políticas de TV, de cortos publicitarios y profesor de cine documental. Director y productor de No olvidar (1982), Como me da la Gana (1985), Cien niños esperando un tren (1988), Sueños de hielo (1993), Aquí se construye (2000), La mamá de mi abuela le contó a mi abuela (2004) y El diario de Agustín (2008).

advertising short films, and has been a fiction film and documentary professor. He directed and produced No olvidar (1982), Como me da la Gana (1985), Cien niños esperando un tren (1988), Sueños de hielo (1993), Aquí se construye (2000), La mamá de mi abuela le contó a mi abuela (2004) and El diario de Agustín (2008).

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Dirección: Cristián Soto y Catalina Vergara Producción: Paz Urrutia, Osvaldo Araya y Philip Gröning Investigación: Rodrigo Mejías, Daniela Orellana, Javiera Ramírez y Rodrigo Silva Asistencia de dirección: Rodrigo Silva Director de fotografía: Cristián Soto Montaje: Cristián Soto y Catalina Vergara Duración: 90 minutos Formato de exhibición: DCP

Hay películas que logran encontrar su orgánica y forma en el propio mundo al cual retratan y se relacionan. Es el caso de La última estación, obra que expone el tema de la vejez en el interior de un asilo de ancianos. Una película con una muy cuidada fotografía, que construye una mirada contemplativa que se introduce profundamente en el tempo de los ancianos, retratando la cotidianeidad que enfrentan en la última etapa de sus vidas. Un ambiente somnoliento y quieto, una especie de tranquilidad triste asumida, donde esperan abiertamente en el andén para emprender el último viaje hacia la muerte. En esta espera son acompañados por un vivo personaje que maneja una radio interna, que combate la soledad y el abandono entregándoles a los habitantes música y palabras de aliento, homenajeando a la dimensión sensorial auditiva con la emisión de paisajes sonoros, que a modo de gran regalo transporta a los abuelos a otros mundos y recuerdos. Película consecuente y aunada, de gran imagen, que logra transmitir el “gran silencio” de la meditación de la vejez, que a pesar de su etapa terminal, se presenta como un interesante remanso dentro de la aceleración que vivimos hoy. C.V.

There are films that find their organic flow and form in the very world they are portraying and relating to. That is the case with La última estación, a piece that delves into the topic of growing old inside a home for the elderly. A film with an accomplished cinematography, it constructs a contemplative vision that ventures deep into the tempo of the elderly, capturing the daily existence they face during the last stage in their lives. A sleepy and quiet atmosphere, a kind of sad, assumed tranquility is from where they wait on the platform to begin their last voyage into death. In this waiting, they are accompanied by a lively character that runs an internal radio, combating solitude and neglect by giving the inhabitants music and words of encouragement, paying tribute to the auditory sensory dimension, through the broadcast of sound landscapes, a kind of gift that transports the elders onto other worlds and memories. A coherent, consequent film, with great images, it manages to transmit the “great silence” of elderly meditation, which, in spite of being the final stage, is presented as an interesting haven from the rapid pace we exist in today. C.V.

Cristián Soto (Talcahuano, 1980) estudio cine en la escuela Duoc UC. Su proyecto de título Pasajero de niebla ganó varios premios nacionales. La última estación es su primer documental. Catalina Vergara (Concepción, 1981) estudió comunicación audiovisual en Duoc UC. Dirigió y produjo La última estación y es productora del documental Ver y escuchar, de José Luís Torres Leiva.

Cristián Soto (Talcahuano, 1980) studied film at the Duoc UC school. His degree project Pasajero de niebla received several national distinctions. La última estación is his first documentary. Catalina Vergara (Concepción, 1981) studied audiovisual communication at Duoc UC. She directed and produced La última estación, and is also producer for the documentary Ver y escuchar, by José Luís Torres Leiva.

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Las cruces de Quillagua

Los Rockers, Rebelde Rock & Roll

Las cruces de Quillagua / Chile, 2012

Los Rockers, Rebelde Rock & Roll / Chile, 2013

Dirección: Matías Pinochet Producción: Hugo Espinoza y Marlene Vargas Guión: Germán Ovando y Matías Pinochet Investigación: Matías Pinochet Director de fotografía: Diego Pequeño y Mauricio García Montaje: Germán Ovando Música: Los Rockers Sonido directo: Erick Del Valle Postproducción de sonido: Public! Duración: 89 minutos Formato de exhibición: Blu-ray

Dirección: Jorge Marzuca Venegas Producción: Jorge Marzuca Venegas Investigación y guión: Jorge Marzuca Venegas Director de fotografía: Jorge Marzuca Venegas Montaje: Jorge Marzuca Venegas Sonido directo: Jorge Marzuca Venegas Postproducción de sonido: Jorge Marzuca Venegas Duración: 60 minutos Formato de exhibición: Blu-ray

Quillagua era el asentamiento humano y agrícola más importante en la ribera del Loa, ubicado justo en la mitad de sus 440 km, considerado como el punto más seco del desierto más árido del mundo. Gracias a las aguas del río, los agricultores criaban animales, cosechaban alfalfa y maíz, y eran el mayor polo agropecuario de la zona. Desde los años ochenta hasta fines de los noventa, filtraciones de relaves de Chuquicamata contaminaron el río Loa con componentes químicos y metales pesados que provocaron la total muerte biótica del río; el posterior uso de sus aguas terminó por quemar totalmente los campos de cultivos. Luego, otra empresa minera compró los alicaídos derechos de agua de los agricultores, rematando en un despoblamiento rápido y cruel de los pueblos oasis. Desde entonces, Quillagua vive en una continua decadencia y cuenta con una población mayoritariamente de tercera edad, sin actividad productiva ni servicios básicos. Esta película presenta la agonía actual del pueblo, a través de un interesante retrato de desolación y sobrevivencia. A la vez, nos plantea los desbocados alcances del voraz desarrollo económico e industrial que está exterminando la escasa vida que va quedando en el norte de nuestro país. C.V.

Quillagua was a human and agrarian settlement on the banks of the Loa River, located at the exact mid-point of its 440 kilometers, considered the driest place in the most arid desert in the world. Thanks to the river waters, its farmers raised animals, harvested alfalfa and corn, and constituted the most important agricultural hub in the area. Since the 80s and up to the end of the 90s, leaks from the tailings of the Chuquicamata mine contaminated the Loa River with chemical compounds and heavy metals, which resulted in the complete biotic death of the river; subsequent use of its waters completely burned the crop fields. Later, another mining company bought the farmers’ depressed water rights, concluding in a quick and cruel depopulation of the oasis townships. Since then, Quillagua exists in continuous decadence, with a mostly elderly population that does not undertake productive activity or receive basic services. The film presents the town’s current agony, through an interesting portrait of desolation and survival. At the same time, it poses the out-of-control reaches of a voracious economic and industrial development that is exterminating the scarce life still left in our country’s north. C.V.

Jorge Marzuca (Chile, 1985) es licenciado en cine documental de la Escuela

Jorge Marzuca (Chile, 1985) holds a degree in documentary filmmaking from Escuela de Cine de Chile, and studied

de Cine de Chile y estudió fotografía profesional en el Instituto Arcos. En 2010 realiza el documental Cuatro esquinas, premiado en el Festival Internacional de Cine de Valdivia del mismo año. Las cruces de Quillagua es su primer trabajo completamente independiente.

photography at Arcos Institute. In 2010, he made the documentary Cuatro Esquinas, awarded the same year at the Valdivia International Film Festival. Las Cruces de Quillagua is his first completely independent work.

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México se ha convertido en la idealizada madre patria de los músicos chilenos. Como en una peregrinación religiosa, cantantes y grupos de las más diversas corrientes marchan a esas tierras norteamericanas para saciar sus ilusiones de fama y fortuna. Después de una larga vida artística sin grandes logros, Los Rockers –una agrupación de rockabilly con casi veinte años de trayectoria– quieren reunir dinero para emprender ese mítico viaje y afianzar una carrera que, pese a rozar en varias oportunidades el éxito y la consagración, no ha logrado realmente despegar. Con cariñosa y cruel honestidad, el director Matías Pinochet, baterista del grupo, va mostrando cómo la banda trata de sobrevivir a pesar de sí misma, “animando” pequeños y mediocres eventos políticos donde nadie los conoce, lidiando entre el profesionalismo y la pereza de sus integrantes, y con una mánager tan histérica como sus sueños de grandeza. Estupendo montaje –con especial sutileza para saber qué dejar dentro y qué desechar– para un graciosísimo y ácido documental sobre las pellejerías y pesadillas del rock sudamericano, en la línea de cintas imprescindibles como This is Spinal Tap y Anvil. J.M.

Mexico has become the idealized musical motherland for Chileans, as if part of a religious procession. Singers and groups from the most diverse tendencies march towards the North American continent to fulfill illusions of fame and fortune. After a long artistic life without much success, The Rockers –a Rockabilly band with almost 20 years trajectory– want to save money to take that mythical journey, and solidify a career that even though has come close on several occasions, to success and recognition, never actually took off. With endearing and cruel honesty, the director Matías Pinochet, the band’s drum player, shows how the band survives despite itself, “entertaining” small and mediocre political events where nobody knows them. Struggling between professionalism and the members’ laziness, and a neurotic manager with grandiose delusions. Excellent editing, with particular subtleness on what to leave in and what to cut out, for a very funny and acidic documentary about the scrapes and nightmares of Latin Rock, in a long line of essential must-have films such as: This is Spinal Tap and Anvil. J.M.

Matías Pinochet (Chile, 1980) dirigió el largometraje Irrespirable, financiado por él mismo, con excelentes resultados

Matías Pinochet (Chile, 1980) directed the self-financed feature film Irrespirable, reaching much national and international success, selected to the Toulouse Film Festival,

nacionales e internacionales, siendo seleccionado en el Festival de Cine de Toulouse, entre otros. Los Rockers, Rebelde Rock & Roll es su primer documental. Su segundo largometraje, Puerto Viejo, está en etapa de postproducción.

among others. Los Rockers, Rebelde Rock & Roll, is his first documentary. His second feature, Puerto Viejo is in post-production stage.

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Pena de muerte

¿Qué historia es esta y cuál es su final?

Pena de muerte / Chile, 2012

¿Qué historia es esta y cuál es su final? / Chile, 2013

Dirección: Tevo Díaz Producción: Tevo Díaz y María Paz Eberhard Guión: Tevo Díaz Investigación: Cristian Vega y Rodrigo Fredes Director de fotografía: Mirko Zlatar y Tevo Díaz Montaje: Alex Moya y Sebastián Silva Garriga Música: Micky Landau Sonido directo: Jorge Zepeda Postproducción de sonido: Gabriel Cordero Duración: 99 minutos Formato de exhibición: Blu-ray

En plena dictadura militar, una seguidilla de crímenes y violaciones asolaron la Quinta Región. Conocido como el caso de “los psicópatas de Viña del Mar”, hasta hoy forma parte de la más intrigante serie de homicidios de nuestra historia forense. Aunque en principio se inculpó con total convicción a Luis Eugenio Gubler, un importante empresario de la zona, finalmente, en flagrante irregularidad, los tribunales de justicia lo dejaron en libertad, para responsabilizar a dos anónimos policías quienes a la postre fueron condenados a muerte por los delitos. Sin embargo, para todos los involucrados en el caso, aún persisten dudas sobre la inocencia de Gubler y asoma como un hecho determinante la influencia de su familia en su rápida excarcelación. Tevo Díaz no sólo reconstruye este escabroso puzle policial valiéndose lúcidamente de todo tipo de recursos, ocupando material de archivo, entrevistando a sus protagonistas (una abogada, un periodista, un policía y un psiquiatra –incluso haciéndolos debatir entre ellos–), recreando algunos de los episodios más sangrientos, etc., sino que aporta indicios claros que acreditan que hubo una conspiración que propició la impunidad. J.M. Tevo Díaz es comunicador audiovisual. Es realizador del galardonado documental de culto Señales de ruta (2000). Creador de la productora Trébol 3 Producciones, fotografió los largometrajes Baby shower y La pasión de Miguelangelo. Pena de muerte recibió el Premio Mejor Largometraje Internacional FICVIÑA 2012 y el Premio Feisal FICVIÑA 2012.

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A series of crimes and rapes whipped through the Fifth Region, in the midst if the military dictatorship. The case was known as the Viña del Mar’s psychos, and until today is considered one of the most intriguing homicides of our forensic history. At first Luis Gubler, a local prominent businessman was accused with total certainty, but finally, under very irregular terms the court let him go and accused two anonymous policemen, who were later condemned to death for the crimes. There are still many doubts for everyone involved in the case regarding Gubler’s innocence, and it’s a noted fact how determining was his family’s influence on his quick release from jail. Tevo Diaz does more than just reconstruct this gory police puzzle, taking advantage of all available resources, archive files, interviews with the main characters (a lawyer, a journalist, a police agent and a psychiatrist, even making them argue among themselves), recreating some of the bloodiest episodes etc. He also adds clear indicators that support a conspiracy theory behind what propelled this impunity.J.M. Tevo Díaz is an audiovisual communication graduate. He directed the awarded cult documentary Señales de Ruta (2000). Founder of Trebol 3 Productions, cinematographer for Baby Shower and La Pasión de Miguelangelo. Pena de muerte received the Best Feature film and the Feisal award at the Viña International Film Festival (FICVIÑA 2012).

Dirección: José Luis Torres Leiva Producción Ejecutiva: Patricio Muñoz G. Producción: Paulina Ferretti Guión: José Luis Torres Leiva Investigación: José Luis Torres Leiva Director de fotografía: Guillermo González Montaje: José Luis Torres Leiva Sonido directo: Eduardo Tumayán Postproducción de sonido: Eduardo Tumayán Duración: 52 minutos Formato de exhibición: Blu-ray

Una espontánea y distendida película de Torres Leiva nos invita a compartir la mesa con Ignacio Agüero y la montajista Sophie França. Una invitación a su intimidad en una abierta y fluida conversación. A partir de la revisión de una caja con fotografías, Agüero hace un recorrido por su historia a través de las diferentes casas que habitó junto a su familia, las películas que filmó y sus procesos de rodaje, que en su conjunto conforman un mapa histórico del país desde el punto de vista de un hacedor de películas y de un eterno andante por distintas vidas, casas y lugares de Santiago. Una película aparentemente simple pero muy compleja a la vez, que con sólo unos leves marcos o bordes, busca contener en su interior algo que es muy difícil capturar o aprehender, un tiempo vivo, el fluir de un continium. Un ejercicio esencial más allá de las temáticas, de las formas y métodos, sino del espíritu primario profundo de que “el tiempo viva dentro de las imágenes”. No se sabe cuándo y cómo comenzó, para dónde va y cómo va a terminar. Que historia es esta y cuál es su final es un viaje por la espontaneidad, por el azar, por la desaceleración, por lo fortuito que es hacer una película del andar andando. C.V.

A spontaneous and relaxed film by Torres Leiva, it invites us to share at the table with director Ignacio Agüero and editor Sophie França. It is an invitation into their intimacy, in an open and fluid conversation. Starting from reviewing of a box of photos, Agüero covers his history through the different houses he inhabited along with his family, the movies he made and his filming processes, which together make up a historic map of the country, from the point of view of a filmmaker and eternal traveler of different lives, houses and places in Santiago. This is an apparently simple film that is quite complex at the same time, and that, with nothing but a few frames and edges, tries to hold within it something that is very difficult to capture: living time, the flow of a continuum. It is an essential exercise, beyond the topics, the forms and methods, into the primary profound soul of “the time that lives within the images.” When and how it started is unknown; so is where it is going and how it will end. ¿Qué historia es esta y cuál es su final? is a journey through spontaneity, through chance, through the deceleration and the fortuitous in making a film about moving along. C.V.

José Luis Torres Leiva (Chile, 1975) es realizador de los filmes Ningún lugar en ninguna parte, Obreras saliendo de la fábrica, El tiempo que se queda y Tres semanas después. El cielo, la tierra y la lluvia, su primer largo de ficción, recibió el premio FIPRESCI en Rotterdam. Su segunda obra, Verano, se presentó en el Festival de Cine de Venecia.

José Luis Torres Leiva (Chile, 1975) has made the films Ningún lugar en ninguna parte, Obreras saliendo de la fábrica, El tiempo que se queda and Tres semanas después. El cielo, la tierra y la lluvia, his first fiction feature, received the FIPRESCI award at Rotterdam. His second work, Verano, screened at the Venice Film Festival.

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Quiero morirme dentro de un tiburón Quiero morirme dentro de un tiburón / Chile, 2012

Dirección: Sofía Paloma Gómez Producción: Camilo Becerra y Valentina Munizaga Guión: Sofía Paloma Gómez Investigación: Fernanda Ciaffaroni, Camila Pérez y Sofía Gómez Director de fotografía: Sofía Paloma Gómez Montaje: Sofía Paloma Gómez Asistencia de dirección: Valentina Munizaga Sonido directo: Valentina Munizaga Postproducción de sonido: Mario Díaz Duración: 59 minutos Formato de exhibición: DVCAM NTSC

Tan intrigante como su título son las imágenes de este hogar-hospital-cárcel de chicos “conflictivos” (adolescentes con trastornos psicológicos y conductuales), un sitio del que apenas logramos entender su verdadera naturaleza y dinámica de rehabilitación. Sostenido por un notable fuera de campo, escuchamos la violencia que hay detrás de cada puerta, donde los menores son tan incontrolables como víctimas de un sistema que sólo es capaz de contenerlos y reprimirlos. La primera escena es elocuente: la instalación de una puerta de metal como símbolo del encierro. Este centro, donde pareciera jamás entra el sol, desprovisto de vida, es una enredada majamama de puertas y pasillos, donde la sensación de claustrofobia y dolor está tan presente que incluso los momentos felices se ven teñidos por la angustia. Una pesadumbre que se ve retratada también en una feroz obra de títeres en la que los niños cuentan su infierno dentro y fuera de su cabeza. Los magníficos encuadres, algunos ubicados como en un cruce de caminos donde se respira la tensión ambiente en cada ángulo, dan cuenta de un documental que a través de pequeños detalles y sin morbo, retrata la pérdida de la inocencia. J.M. Sofía Paloma Gómez (Santiago, 1985) es actriz. En 2009 fue co-montajista del documental Chao Pescao. Salvemos Punta de Choros, dirigido por Raimundo Gómez. Fue actriz, co-guionista y comontajista del largometraje Perro Muerto, dirigido por Camilo Becerra. Quiero morirme dentro de un tiburón es su primera película como directora.

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The images of this home-hospital-jail for “conflicted” kids (adolescents with psychological and behavioral disorders) are as intriguing as its title. It’s a place that we barely understand, its true nature or rehabilitation dynamics. Supported by someone noted off camera, we hear about the violence behind each door, where the kids are as uncontrollable as they are the victims of a system that only knows how to contain and repress them. The first scene is quite eloquent: a metal door installation as symbol of confinement. This lifeless center, where seemingly the sun never shines, it’s a maze of doors and hallways, where claustrophobic feelings and pain are so present, that even the happy moments are stained with angst. A heaviness is portrayed in this wild puppet show, in which the kids tell about the hell in and out of their heads. The splendid frames, some located at crossroads, where tension can be smelled in the air with each angle. These aspects present a documentary that through the small details and no morbidity, portrays the loss of innocence. J.M. Sofía Paloma Gómez (Santiago, 1985) is an actress; in 2009 was co-editor for the documentary Chao Pescao. Salvemos Punta de Choros, directed by Raimundo Gómez. She was actress, co-scriptwriter and co-editor of the feature film Perro Muerto, by Camilo Becerra. Quiero morirme dentro de un tiburón, is her first film as director.

Competencia Latinoamericana Latin American Competition


Jurado Competencia Latinoamericana

Doméstica

Latin American Competition Jury

Doméstica / Brasil, 2012

Cecilia Barrionuevo

Juan Carlos Rulfo

Pablo Larraín

Cecilia Barrionuevo (Córdoba, 1975) es programadora del Festival Internacional de Cine de Mar del Plata, donde está a cargo de la sección Estados Alterados. Es máster en documental de creación por la Universidad Autónoma de Barcelona y becaria del Flaherty Film Seminar NY. Ha programado Refractarios, muestra de cine documental y experimental español (Museo MALBA); Found Footage, una venganza contra la historia del cine (Festival Cortópolis) y El otro cine argentino (La Casa Encendida de Madrid). Ha sido jurado de festivales de cine y ha dictado clases en Argentina y España.

Juan Carlos Rulfo (Ciudad de México, 1964) es director y productor titulado en ciencias de la comunicación. Sus filmes han sido premiados con varios Ariel a Mejor Ópera Prima, Documental, Edición y Fotografía, Mejor Película en el BAFICI y World Documentary Jury Award en Sundance, entre otros. Es miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte en México.

Pablo Larraín (Santiago, 1976) es productor y director de cine y televisión. Es socio fundador de la productora Fábula. Ha dirigido Fuga (Montreal 2006), Tony Manero (Cannes 2008), Post Mortem (Venecia 2010) y No (Cannes 2012 y nominada al Oscar en 2013). En televisión ha realizado dos temporadas de la serie Prófugos (HBO). Además, ha sido productor de Cristal Fairy de Sebastián Silva (Sundance 2013), Joven y alocada de Marialy Rivas (Sundance 2012), Ulises, de Óscar Godoy (San Sebastián 2011), Gloria de Sebastián Lelio (Berlín 2013) y 4:44 de Abel Ferrara (Venecia 2012), entre otras.

Cecilia Barrionuevo (Córdoba, 1975) Is the mar del Plata International Film Festival Programmer in charge of the “Altered States” section. She holds a Master’s degree in documentary creation from the Universidad Autónoma de Barcelona, and is a Flaherty Film Seminar NY scholar. She has programmed Refractarios, documentary and experimental films showcase (MALBA Museum); Found Footage, a revenge against film history (Festival Cortópolis) and The other Argentinean cinema (La Casa Encendida de Madrid). She has been a juror at film festivals and has taught classes in Argentina and Spain.

Juan Carlos Rulfo (Mexico City, 1964) is a director and producer with a degree in Communication Science. His films have been awarded several Ariel for best opera prima, documentary, editing and photography, best Film at BAFICI and World Documentary Jury Award at Sundance, among others.. He’s a member of the Sistema Nacional de Creadores de Arte (SNCA) in Mexico.

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Pablo Larraín (Santiago, 1976). He is a film and TV producer and director. He’s founding partner of the production house, Fabula. He has directed Fuga (Montreal 2006), Tony Manero (Cannes 2008), Post Mortem (Venice 2010) and No (Cannes 2012 and nominated to the Oscars in 2013). He has directed two seasons of Prófugos (HBO) for TV. He also produced Cristal Fairy by Sebastian Silva (Sundance 2013), Joven y Alocada by Marialy Rivas (Sundance 2012), Ulises, by Oscar Godoy (San Sebastian 2011) Gloria by Sebastian Lelio (Berlin 2013) and 4:44 by Abel Ferrara (Venice 2012), among others.

Dirección: Gabriel Mascaro Producción: Rachel Elis Guión: Gabriel Mascaro Director de fotografía: Alana Santos Fahel, Ana Beatriz de Oliveira, Jenifer Rodrigues Régis, Juana Souza de Castro, Luiz Felipe Godinho, Perla Sachs Kindi y Claudomiro Carvalho Neto Montaje: Eduardo Serrano Sonido: Eduardo Serrano Postproducción de sonido: Pablo Lopes Duración: 75 minutos Formato de exhibición: Blu-ray

El trabajo doméstico en América Latina es uno de los oficios más ambiguos en cuanto a los vínculos entre empleador-empleado. Pese a que el rol de una “nana” en el núcleo familiar puede ser muy cercano, la relación nunca será completamente horizontal. Es un lazo tan confuso que pese al apego, los sentimientos espontáneos mutuos y la natural pertenencia, rara vez se rompen las barreras de clase. Gabriel Mascaro entrega cámaras a siete adolescentes de distintos estratos sociales para que graben, durante una semana, el trabajo e intimidad de sus empleadas domésticas. Con la mirada más desprejuiciada e inocente, los jóvenes preguntan libremente y sin muchos pudores, logrando que ese grupo de mujeres (y un hombre), den la visión que tienen de su trabajo, al tiempo que hacen sus labores y viven sus pequeños momentos íntimos en habitaciones tan reducidas como esos cortos instantes para sí mismos. Revelador y a veces sorprendente –como el caso de la empleada doméstica que se queda dormida limpiando–, esta cinta brasileña desentraña esta verdadera “institución” latinoamericana que ilustra cómo nuestras enormes desigualdades económicas derivan en casi involuntarias e inadvertidas discriminaciones clasistas. J.M. Gabriel Mascaro (Brasil, 1983) vive y trabaja en Recife, Brasil. Ha dirigido cuatro largometrajes documentales que han circulado en los principales festivales de todo el mundo, incluyendo: IDFA, Festival Internacional de Cine de Rotterdam, BAFICI, Miami, Cartagena, Visions du Réel, Munich Film Fest, entre otros.

Domestic work in Latin America is one of the oldest trades, in terms of the employer-employee relationship. Although the role of the “nanny” within the family unit can be quite close, these ties will never be completely horizontal. It is a highly confusing relationship that, despite the attachment, the spontaneous mutual feelings and a natural sense of belonging, hardly ever transcends the class barrier. Gabriel Mascaro gives cameras to seven teens of different social extractions, to record for a week the work and private life of the maids in their house. With a more unprejudiced and innocent outlook, these youths ask freely and without much embarrassment, and they succeed in getting this group of women (and one man) to give their opinion on their work, as they perform these tasks or live their small private moments in rooms that are as tiny as the minutes they have for themselves. Revealing and often surprising –as is the case of a maid that falls asleep while cleaning– this Brazilian film unearths a true Latin American “institution” that illustrates how our enormous economic inequalities derive in almost involuntary and unnoticed class discriminations. J.M. Gabriel Mascaro (Brazil, 1983) lives and works in Recife, Brazil. He has directed four full-length documentaries, which have circulated around the main festivals in the world, including: IDFA, Rotterdam, BAFICI, Miami, Cartagena, Visions du Réel, Munich Film Fest, among others.

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Don Ca

El charco azul

Don Ca / Colombia, 2012

El charco azul / Colombia, 2012

Dirección: Patricia Ayala Producción: Patricia Ayala Investigación: Patricia Ayala Director de fotografía: Ricardo Restrepo Montaje: Gabriel Baudet Sonido directo: José Jairo Flórez Postproducción de sonido: Lena Esquenazi Duración: 90 minutos Formato de exhibición: DCP

Camilo Arroyo (Don Ca) está sacado de otro siglo. Como un explorador blanco que parte a conquistar el continente negro, deja una acomodada situación económica para vivir con lo mínimo en la costa selvática del Pacífico colombiano con una canoa, una cabaña a medio construir y un mono en el hombro. En una zona exclusiva y mayoritariamente de población negra, Don Ca es el único residente de piel pálida. Un sujeto tan extravagante como misterioso, rodeado de niños a los que tiene bajo su tutela tras haber ejercido de dentista amateur, entrenador de gallos de pelea, médico brujo y "cuco oficial" para disciplinar a mocosos que se mean en la cama. Lo cierto es que a Arroyo no le preocupa el qué dirán y ejerce su liderazgo de padre putativo sin pedirle permiso a nadie desde hace cuarenta años. Pero a este paraíso perdido, tarde o temprano, tendría que llegar la realidad de la violencia en Colombia. Y ya sea el ejército, la guerrilla o los narcos, Don Ca no está dispuesto a cederles ni un milímetro de sus tierras y a hacerles la guerra para conservar su paz. Aunque la cinta siempre está de su parte, no oculta sus lados oscuros y deja latiendo la ambigua y compleja personalidad de un tipo fascinante. J.M. Patricia Ayala es periodista y documentalista, fundadora de Pathos Audiovisual, productora especializada en los proyectos de autor. Don Ca, su ópera prima, recibió el apoyo del Fondo de Desarrollo Cinematográfico de Colombia. Su segundo largometraje documental, Un asunto de tierras, tiene previsto terminarse en 2014.

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Camilo Arroyo (Don Ca) comes from a different century. A white explorer who goes to conquer the black continent, he arranges an economic situation to live with the essentials in the Colombian Pacific jungle; with a canoe, a half-built cabin and a monkey on his shoulder. It’s in an exclusive area, and mostly black. Don Ca is the only pale skin around. An extravagant and mysterious fellow, surrounded by children under his guardianship as an amateur dentist, cock fight trainer, witch doctor, and official “bogeyman” to discipline those kids that pee the bed. Arroyo doesn’t care what people think of him, and he has been a true leader and a self-assumed father for the last 40 years, without expecting anybody’s approval. Sooner or later, the reality of Colombian violence would come even to this lost paradise. Whether the military, the guerrilla or the narcs, Don Ca is not willing to yield them an inch of land, nor fight their war to keep his peace. Although the film is always on his side, it doesn’t hide his dark sides and leaves you wondering about the ambiguously complex personality of a fascinating man.J.M. Patricia Ayala is a journalist, documentary filmmaker, and founder of Pathos Audiovisual, with specialty in films d’autor. Don Ca, is her opera prima, it received the support of the Colombian Cinematographic Development fund. Her

Dirección: Irene Lema Producción: Tatiana Villacob Casa productora: Ojo de pez, en co–producción con Señal Colombia Guión: Irene Lema Investigación: Irene Lema Director de fotografía: Irene Lema Montaje: Irene Lema y Hernán Arango Música: Grupo Buscaja y Alba Elena Arambure Sonido directo: Rafael Ospino Postproducción de sonido: Rafael Ospino Duración: 52 minutos Formato de exhibición: HDCAM

El tren, la vía férrea, es una de las figuras cinematográficas por excelencia. Símbolo del progreso, presente desde los inicios de la historia del cine y que en nuestras tierras encontrará un significado mayor: ser el vehículo que instala aquellas dicotomías propias de la condición latinoamericana, la tradición versus la modernidad, la unión del campo con la ciudad, trayendo como resultado el paulatino pero sostenido abandono de la comarca en busca de la urbe. Pero, ¿qué sucede con aquellos que se quedaron? ¿Quiénes son los que hacen el camino inverso y llegan a un pueblo escondido? ¿Y qué ocurre cuando dicho tren ya no pasa? La directora Irene Lema construye una ópera prima basada en la vida de una comunidad que vive en torno a los abandonados rieles, y serán sus testimonios los que nos revelarán un mundo en donde otra característica propia latinoamericana alcanzará su síntesis: la conjunción entre lo popular y lo sagrado. R.C.

The train, the railway, is by excellence one of the cinematographic icons. Symbol of progress present since the beginnings of film history and that in our land will find a greater significance: to be the link that instills those dichotomies unique to the Latin American condition, tradition vs. modernity, linking the country to the city, bringing as result the gradual abandonment of the provincial in search of the urban. But what happens with those that stay behind? Who are those that take the journey backwards and arrive to a hidden town? And what happens when the train no longer passes by? Director Irene Lema built an opera prima based on the life of a community that exists amidst abandoned railways; these will be their testimonials revealing a world where another typical feature of Latin America becomes unified, the popular and the sacred. R.C.

Irene Lema es realizadora de cine y TV. Se ha centrado en la realización documental y el diseño de animación. Su cortometraje Colombia, de las manchas al dibujo fue selección oficial del Festival Surrealidades 2010. Su documental El charco azul recibió el apoyo a la realización de documentales en el FDC en 2010.

Irene Lema is a TV director and filmmaker. She has focused on documentary realization and animation design. Her short film Colombia, de las manchas al dibujo was in the official selection at Surrealidades Film Festival 2010. Her documentary El charco azul obtained support for documentary production at FDC in 2010.

second feature documentary, Un asunto de tierras, is set to be completed in 2014.

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La gente del río

Huellas

La gente del río / Argentina, 2012

Huellas / Argentina - España, 2012

Dirección: Martín Benchimol y Pablo Aparo Producción: Martín Benchimol y Pablo Aparo Guión: Martín Benchimol y Pablo Aparo Investigación: Martín Benchimol y Pablo Aparo Director de fotografía: Martín Benchimol Montaje: Pablo Aparo Sonido directo: Pablo Aparo Postproducción de sonido: Leandro de Loredo Duración: 62 minutos Formato de exhibición: DCP

Dirección: Miguel Colombo Producción: Miguel Colombo y Marcos Pastor Guión: Miguel Colombo Investigación: Miguel Colombo Director de fotografía: Miguel Rivarola Montaje: María Leguizamón, César Custodio y Miguel Colombo Música: Miguel Magud Sonido directo: Marilina Giménez Postproducción de sonido: Diego Setton y Jorge Gutiérrez Jiménez Duración: 84 minutos Formato de exhibición: HDCAM

En Ernestina, a unos 200 kilómetros de Buenos Aires, se vive en otro mundo. El puñado de ciudadanos que habita en ese poblado (no más de 150) parecen únicamente reunidos por su excentricidad: cuál más raro que el otro. La mayoría jubilados, adultos mayores, cesantes profesionales, inadaptados y locos de atar que esperan que pase el día. Pero la aburrida tranquilidad del lugar se ve interrumpida por forasteros que, según sus habitantes, son los responsables de los pocos delitos que se cometen en la villa. Gente que viene a bañarse en un riachuelo y aprovecha la vulnerabilidad del pueblo para cometer sus fechorías; la temida y misteriosa “gente del río”. Por eso, y porque la policía pasa tarde, mal y nunca, tienen un particular guardia privado: uno de los vecinos que desde una garita, escuchando a Sandro y escopeta en mano, controla la circulación de visitantes. Los directores Martín Benchimol y Pablo Aparo descubren (o inventan) la singularidad de este lugar “único” en el mundo, creando una divertida comedia documental –sacada de la cabeza de Wes Anderson– que muestra que hasta el más minúsculo villorrio es capaz de inventarse sus propias leyendas urbanas, sus propios demonios. Ya lo dice el dicho: pueblo chico, infierno grande. J.M.

Ernestina, some 200 kilometers from Buenos Aires, is like a completely different world. The handful of citizens inhabiting this township (no more than 150) seems only united by their eccentricity: who is stranger than the next. Most of them are retired, elderly unemployed professionals, misfits and stark-raving crazies that wait for the days to pass by. But, the boring tranquility of the place is interrupted by outsiders who, locals say, are responsible for the few crimes committed in the village. These people come to bathe in a stream and take advantage of the town’s vulnerability to commit their misdeeds; the feared and mysterious “people of the river.” For that reason, and because the police hardly ever pass by there, they hire a peculiar private security guard: one of the neighbors that from a booth, shotgun in hand and listening to Sandro, controls visitor traffic. Directors Martín Benchimol and Pablo Aparo discover –or invent– the singular character of this “unique” place in the world, creating a fun documentary comedy –taken out of Wes Anderson’s mind– that shows that even the most minuscule village is capable of inventing its own urban legends, its own demons. The saying goes: small town, large hell. J.M.

El documental en primera persona ha proliferado en América Latina, un territorio que por las heridas de su pasado requiere aquel ejercicio de recordar y/o rescatar a hombres y mujeres vistos desde la óptica demasiado cercana de un narrador/cineasta/familiar que, en general, busca reivindicar el lugar histórico de su ser querido, cuya ejemplar y épica vida le es sabida y por lo mismo tiene la necesidad vital de comunicarla al resto. Por ello, son pocas las obras que se alejan del afán (auto) celebratorio y prefieren indagar obras en que director y personaje quedan expuestos en sus contradicciones y fragilidades. Huellas, de Miguel Colombo, pertenece a dicha excepción, rastreando los pasos de su abuelo Ludovico, quien llegó a Argentina junto a su esposa luego de la Segunda Guerra Mundial. Colombo decide enfrentarse a la historia oficial del padre de su madre antes de la guerra, en un viaje cinematográfico que develará tanto la verdadera historia de Ludovico y su familia, como el qué hacer con aquellos secretos que comienzan a develarse. Ese doble carácter de primer espectador y narrador de Colombo, hace de Huellas una reflexión cinematográfica imprescindible en el panorama documental latinoamericano. R.C.

First-person documentaries have proliferated in Latin America, a territory that, due to the wounds of its past, requires that exercise of remembering and/or rescuing men and women, as seen through the very close optic of a narrator/filmmaker/relative; this narrator generally attempts to vindicate the historic place of a loved-one, whose exemplary and epic life is known to them, and for the same reason, they have the vital need to communicate it to others. Thus, few of these pieces stray from a (self)celebratory objective, and prefer to delve into works where director and characters are exposed in their contradictions and frailties. Huellas, by Miguel Colombo, is one of those exceptions, tracking the steps of Ludovico, his granfather, who arrived in Argentina together with his wife, after World War II. Colombo decides to face the official accounts of his mother’s father before the war, in a cinematographic voyage that will reveal the true story of Ludovico and his family, along with what to do with those secrets that start to become apparent. Colombo’s dual character as first-hand spectator and narrator makes Huellas an indispensable cinematographic reflection in the Latin American panorama. R.C.

Martín Benchimol y Pablo Aparo son egresados de la carrera diseño de imagen y

Martín Benchimol and Pablo Aparo are graduates of image and sound design at U.B.A. La gente del río is their first full-length, and has screened at several international festivals. At present, they are developing the documentary El mito de Ausili, selected to participate at CinergiaLab 2013.

Miguel Colombo (Argentina, 1978) es director, montajista y productor de la

Miguel Colombo (Argentina, 1978) is a director, editor and producer, a graduate from the Escuela Nacional de Experi-

Escuela Nacional de Experimentación y Realización Cinematográfica. Su ópera prima,  Rastrojero, utopías de la Argentina potencia (2006), estrenado en el 8º BAFICI, fue premiado en diversos festivales. Huellas es su segundo largometraje.

mentación y Realización Cinematográfica. His opera prima, Rastrojero, utopías de la Argentina potencia (2006), premièred at 8th BAFICI, and was awarded at several festivals. Huellas is his second full-length.

sonido en la U.B.A. La gente del río es su primer largometraje y fue presentado en diversos festivales internacionales. Actualmente, están desarrollando el documental El mito de Ausili, seleccionado para participar de CinergiaLab 2013.

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La cigüeña metálica

La multitud

La cigüeña metálica / España, 2012

La multitud/ Argentina, 2012

Dirección: Martin M.Oesterheld Producción: Laura Bruno, Los Andes Cine Guión: Martin M.Oesterheld Investigación: Damián Medici Director de fotografía: Guillermo Saposnik Montaje: Emiliano Serra y Alejandro Brodersohn Sonido Directo: Mariano Palmadessa Postproducción de Sonido: Sebastián González Duración: 60 minutos Formato de exhibición: Blu-ray

Dirección: Joan López Lloret Producción: Cristina Girones y Marta Ruiz Guión: Joan López Lloret y Ana Paola Van Dalen Investigación: Ana Paola Van Dalen Director de fotografía: Joan López Lloret Montaje: Meritxell Collazos Música: Trébol Rojo Sonido directo: Véronica Font Duración: 82 minutos Formato de exhibición: Blu-ray

Las peores violaciones a los derechos humanos en nuestro continente han sido hacia los niños, ya sea como víctimas directas de la violencia, de botín de guerra o abandonados a su suerte. Mutilando su destino, los chicos han tenido que armar su propia historia a partir de recuerdos imprecisos, fantasías y mentiras descaradas. En El Salvador, la cruenta guerra civil dejó a centenares de infantes crecer sin sus familias originarias y sin conciencia clara de quiénes son y de dónde vienen. El Estado salvadoreño ha intentado reparar el daño reconstruyendo sus vidas en el momento del quiebre, y luego reuniendo a estos otrora niños desaparecidos con sus parientes sanguíneos. Esta película cuenta la experiencia de Ana Lilian, Blanca y Ricardo, quienes fueron criados en un entorno rural hasta el asesinato de sus familias. Escudriñando en la verdad sobre su pasado, en el dolor de haber vivido una existencia dictada por otros y el impacto que esa fractura ha tenido en todos los planos de su vida, La cigüeña metálica es un documental sobrio y emotivo que no necesita ningún golpe bajo para conmover: la violencia militar se encargó de eso poniendo toda la desmesura posible para truncar el futuro de estos inocentes. J.M.

The worst human rights violations in our continent have been perpetrated towards children, whether as direct victims of violence, as war trophies, or abandoned to their own devises. Their destinies mutilated, these kids have had to put together their own history out of imprecise memories, fantasies and bold-faced lies. In El Salvador, a brutal civil war left hundreds of children without their original families, without a clear conscience of who they are and where they come from. The Salvadorian State has tried to repair the damage, reconstructing their lives from their breaking point, and then, reuniting these formerly missing kids with their blood relatives. This film recounts the experiences of Ana Lilian, Blanca and Ricardo, who were raised in a rural environment, until the murder of their families. Scrutinizing the truth about their past, the pain of having lived an existence dictated by others and the impact this fracture has had in all aspects of their lives, La cigüeña metálica is a sober and emotional documentary that does not need to hit below the belt to provoke a reaction: military violence already managed that, putting in place all possible excesses to truncate the future of these innocent ones.J.M.

Joan López Lloret (Barcelona, 1969) ha realizado varios documentales presen-

Joan López Lloret (Barcelona, 1969) has made several documentaries that have screened at various international

tados en diferentes festivales internacionales y estrenados en salas de cines. Algunos de sus últimos filmes son 138 segundos (2013), La cigüeña metálica (2012), Más allá del océano (2011), Domingo a las cinco (2007), Utopía 79 (2006) y Hermanos Oligor (2004).

festivals and have premièred at movie-houses. Some of his latest films include 138 segundos (2013), La cigüeña metálica (2012), Más allá del océano (2011), Domingo a las cinco (2007), Utopía 79 (2006), and Hermanos Oligor (2004).

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“Bienvenidos”. Así reza el cartel de entrada de la construcción de lo que fue un colorido proyecto arquitectónico devenido hoy en el vestigio de ese sueño. La ausencia de vida se suple por la presencia de lo orgánico, tal como si estuviésemos ante el reino de La Bella Durmiente: el musgo, la humedad y la vegetación invaden la abandonada zona. Pero aquí no hay durmientes, sino ciudadanos que han sido invisibilizados y cuyas vidas transcurren en estos espacios inoculados por un humo gris que los envuelve a ellos y a una ciudad que permanece ignorante ante el riesgo de no volver a despertar del falso ideal de un progreso en constante construcción. Una multitud que jamás vemos pero que se intuye en cada obra, en cada edificación que Martín Oesterheld nos revela y que dota de sentido al relacionarla con una serie de personajes que hicieron de las ruinas su hogar y del despertar de dicho sueño su propia condición. R.C.

“Welcome:” so reads the sign on the entrance to the construction site of what once was a colorful architectural project, and which has now progressed into the vestige of a dream. The absence of life is substituted by the presence of the organic, as if we were before the realm of Sleeping Beauty: the moss, the humidity and vegetation have invaded the abandoned area. But there are no sleepers here, only citizens that have become invisible, and whose lives carry on in these spaces, inoculated with a gray smoke that surrounds them and the city, a city that seems to remain ignorant of the risk of never waking up from the false ideal of a progress in constant construction. We never see this multitude, but intuit it at every site, in each edifice Martín Oesterheld shows us and gives meaning to, by relating them to a series of characters that built their condition out of the ruins of their homes and the awakening from this dream. R.C.

Martin M. Oesterheld, es artista visual, becario del Laboratorio de Investigación en Prácticas Artísticas Contemporáneas (LIPAC) UBA/CCROJAS. Entre sus trabajos recientes se encuentran Tránsito,  video expuesto en el Centro de Cultura Contemporánea de Barcelona y    Para la defensa, realizado  junto a Julián D’Angiolillo.

Martín M. Oesterheld is a visual artist, a fellow at the Research Lab in Contemporary Artistic Practices (LIPAC) UBA/CCROJAS. Among his recent works are: Tránsito,  a video art piece shown at the Centro de Cultura Contemporánea, in Barcelona, and Para la defensa, made with Julián D’Angiolillo.

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Mejunje

Mitote

Mejunje / Cuba - Chile - España, 2012

Mitote / México, 2012

Dirección: Eugenio Polgovsky Producción: Eugenio Polgovsky y Tecolote Films Director de fotografía: Eugenio Polgovsky Montaje: Eugenio Polgovsky Música: No Problem Studio Sonido directo: Eugenio Polgovsky y No Problem Studio Duración: 54 minutos Formato de exhibición: DCP

Director: Juan Manuel Gamazo Producción: Victoria Paz Álvarez y Camelia Farfán (Maskin Producciones) Edición: María Alejandra Briganti Guión: Abel Arcos y Juan Manuel Gamazo Dirección de fotografía: Luis Joan Mirabal Asistente de fotografía: Ricardo Zambrana Sonido directo: Heidy Carrazana Posproducción de sonido y música: Raphaël Barani Duración: 71 minutos Formatos de exhibición: Blu-ray

“Mejunje: mezcla de varios ingredientes para formar una sustancia”. Con este texto, el cineasta español formado en Cuba, Juan Manuel Gamazo, da inicio a su película, rodada íntegramente en el pueblo cubano de Santa Clara, utilizando un centro cultural cuyo nombre da título al filme y que nos presenta a seis isleños relacionados con dicho local. A través de pequeños momentos de un día cualquiera, asistimos a las entrecruzadas historias de estas personas, con las que Gamazo establece una mirada lejos del idealismo o la condena en que habitualmente caen las obras que intentan retratar Cuba. Este mejunje de vidas en un tiempo detenido y que comparten la necesidad de comunicarse principalmente a través de la música, son reflejadas con precisión y respeto por parte del director, en un trabajo de observación que le permite sortear la lógica del sobrevuelo para así adentrarse vívidamente en las experiencias de sus retratados, los cuales, gracias a la película, lograrán encontrar una nueva vía de expresión. R.C. Juan Manuel Gamazo es comunicador audiovisual, máster en guión y editor de la EICTV, Cuba. Fue editor documental en Maya y Estonia (premio Público Río de Janeiro, entre otros) y director de Antihéroe y de su ópera prima Mejunje, Premio Nuevas Miradas 2009, Documentamadrid 12 y Mejor Documental en el Festival Cine Español de Tolouse 2012.

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“Mejunje: a mix of various ingredients to form a substance.” With this text, Spanish filmmaker –educated in Cuba– Juan Manuel Gamazo starts his movie, filmed entirely in the Cuban town of Santa Clara, using as a centerpiece a cultural center, whose name is the title of the picture, and that presents us with three islanders with ties to the place. Through the small moments of any given day, we witness the intertwined lives of these people, and Gamazo establishes a vision that is far from the idealism or condemnation into which films that try to portray Cuba habitually fall. This concoction of lives in an arrested time, who share the need to communicate mainly through music, is reflected with precision and respect by the director, in a style of observation that allows him to avoid the logic of an overflight, and instead to delve vividly into the experiences of those portrayed, whom, thanks to the film, will find a new way of expression. R.C.

Centro cívico de la nación, erigido en un lugar sagrado azteca. Eso es el Zócalo, la plaza central de Ciudad de México, locación elegida por Eugenio Polgovsky para tomar el pulso de un país que celebra el bicentenario de su independencia y que coincide con los festejos por el centenario de la revolución. Esta doble condición de independencias revela las contradicciones de un país cuyos ciudadanos no saben cómo se escribe en lengua nativa, mientras siguen las alternativas del equipo nacional en las pantallas gigantes instaladas para trasmitir los partidos del mundial de fútbol, invisibilizando a un grupo de manifestantes que en plena plaza sostiene una huelga de hambre que lleva más de un mes. La euforia, el fanatismo, la violencia, el misticismo, así como rasgos identitarios de un país múltiple por su valiosísima multiculturalidad, son reunidos aquí como el cardiograma de una nación fragmentada. R.C.

Juan Manuel Gamazo is an audiovisual communicator and editor, with a Master’s degree in script, from EICTV, Cuba. He was editor of the documentaries Maya and Estonia (Audience award in Río de Janeiro, among others) and director of Antihéroe. Mejunje, his opera prima, received the Nuevas Miradas Award 2009, at Documentamadrid 12, and Best Documentary in the Toulouse Spanish Film Festi-

Eugenio Polgovsky Ezcurra (México, 1977) es director, editor y cinefotógrafo. Se inicia como fotógrafo autodidacta en diversos viajes y a los 17 años gana el premio de fotografía ACCU/Unesco en Japón. En 2004 realiza Trópico de Cáncer y en 2007 funda Tecolote Films. Ese mismo año, con el Fondo Hubert Bals y

val 2012.

Visions Sud Est, produce Los Herederos.

Erected at a sacred Aztec site, the Zócalo is the Civic Center of the nation and the location Eugenio Polgovsky chose to take the pulse of a country celebrating the bicentennial anniversary of its independence, which coincided with the festivities commemorating 100 years since the revolution. These dual independence reference points reveal the contradictions in a country whose citizens cannot write in native language, but they follow the national squad, play-by-play, on the giant screens set up to broadcast the World Cup games, while, apparently invisible to everyone, a group of demonstrators on the very square maintain a hunger strike that has been going for over a month. The euphoria, fanaticism, violence, mysticism and identity traits of a multi-faceted country, with its valuable multiculturalism, are all gathered here as the cardiogram of a fragmented nation. R.C. Eugenio Polgovsky Ezcurra (Mexico, 1977) is a director, editor and cinematographer. He became a self-taught photographer over several trips, and at 17, he received the ACCU/Unesco Photography Award, in Japan. In 2004, he made Trópico de Cáncer, and in 2007, he founded Tecolote Films. That same year, he produced Los Herederos, thanks to the support of the Hubert Bals Fund and Visions Sud Est.

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No habrá revolución sin canción No habrá revolución sin canción / Francia, 2013

Dirección: Mélanie Brun Ayudante de dirección: Constanza Fernández Curotto Producción: Mélanie Brun Guión: Constanza Fernandez Curotto y Mélanie Brun Investigación: Mélanie Brun Director de fotografía: Kellam Clark Montaje: Enrique Ramírez y Mélanie Brun Regidor: Greg Canicio Sonido directo: Ramsey Dávila y Sebastián Navarro  Postproducción de sonido: Carlos Arias Duración: 89 minutos Formato de exhibición: DVCAM NTSC

No habrá revolución sin canción es un documental musical que propone un viaje por Chile, una reflexión acerca del poder de la música y de las diferentes formas que toma en los momentos históricos que han marcado este país desde los años setenta hasta hoy. Así, vemos la historia del pueblo chileno a través de una de las artes más populares de América Latina: la música. Las canciones se transforman, entonces, en las narradoras de la historia. R.

No Revolution Without Song is a musical documentary, that proposes a journey through Chile, a reflection on the power of music and the different form it takes throughout significant historical moments of this country, from the 1970’s until today. This is how we see the Chilean people’s history, through one of the most popular arts in Latin America: music. The songs become themselves, the narrators of history. R.

Mélanie Brun (París, 1981) estudió cine documental en Francia en la Universidad de Aix en Provence. Vive y trabaja en París, donde realiza montaje de documentales de variados estilos. Otra parte importante de su trabajo es filmar giras y videoclips de grupos de música chilenos o franceses.

Mélanie Brun (Paris, 1981) studied Documentary Filmmaking in France, at the Aix en Provence University. She lives and works in Paris editing several documentaries of different styles. An important part of her work is to shoot French and Chilean musical band ‘s tours and videos.

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Competencia Internacional de Cortometrajes “Monsieur Guillaume” “Monsieur Guillaume” International Short Film Competition


Jurado Competencia Internacional de Cortometrajes “Monsieur Guillaume”

A propósito del Dr. Alfonso Sandoval A propósito del Dr. Alfonso Sandoval / México, 2011

Dirección: Martha Naranjo Sandoval Producción: Martha Naranjo Sandoval Guión: Martha Naranjo Sandoval Investigación: Martha Naranjo Sandoval Director de fotografía: Martha Naranjo Sandoval Montaje: Martha Naranjo Sandoval Sonido directo: Martha Naranjo Sandoval Postproducción de sonido: Martha Naranjo Sandoval Duración: 12 minutos Formato de exhibición: Blu-ray

“Monsieur Guillaume” International Short Film Competition Jury

Cao Guimarães

Isabel García Pérez de Arce Christopher Murray

Cao Guimarães (Belo Horizonte, 1965) trabaja combinando el cine y las artes visuales. Con una prolífica producción desde finales de los 80, sus obras se han expuesto en prestigiosas instituciones como la Tate Modern, MoMA o el Museo Guggenheim. Ha participado de importantes exposiciones y ha proyectado filmes como Otto, Ex-isto y Andarilho en festivales de renombre como la Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica di Venezia, Cannes y el International Film Festival Rotterdam.

Isabel García Pérez de Arce (Chile, 1972) es licenciada en artes visuales (PUC) y doctorada en arquitectura y estudios urbanos (U. de Chile). Fue directora del Centro de Documentación de las Artes del Centro Cultural Palacio La Moneda y actualmente es docente de teoría del video y de historia de arte latinoamericano en la UDP.

Cao Guimarães (Belo Horizonte, 1965) works by combining film and the visual arts. With vast productions since the late 80s, his works have been showcased in renowned institutions such as Tate Modern, MoMA and the Guggenheim Museum. He has participated in important exhibitions and has screened his films, Otto, Ex-It and Drifter at noted international film festivals such as Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica di Venezia, Cannes and International Film Festival Rotterdam.

Isabel García Pérez de Arce (Chile, 1972) holds a degree in visual arts from Universidad Católica de Chile and a doctorate in architecture and urban studies from Universidad de Chile. She has been director of the Center for Arts Documentation at Centro Cultural Palacio La Moneda, and currently teaches video theory and Latin American art history at UDP.

Christopher Murray (Santiago, 1985) es director audiovisual de la UC. Fue co-director del largometraje Manuel de Ribera, estrenado en el Festival de Rotterdam 2010 y premiado como Mejor Película Nacional en el festival SANFIC 2010. Es director del proyecto documental Mapa Fílmico de un País (www.mafi.tv), estrenado en IDFA 2012. Christopher Murray (Santiago, 1985) is the audiovisual director at UC. He co-directed the feature film Manuel de Ribera, which premiered in 2010 at the Rotterdam International Film Festival and was awarded the title for Best National Film in SANFIC 2010. He’s the director of Mapa Fílmico de un País (www.mafi.tv) a documentary project premiered at IDFA 2012.

50 $PNQFUFODJB*OUFSOBDJPOBMEF$PSUPNFUSBKFTi.POTJFVS(VJMMBVNFwt“Monsieur Guillaume” International Short Film Competition

Obra que de una manera muy simple, creativa y llena de humor, cuenta la historia del abuelo materno de la realizadora, el Dr. Sandoval, a través del juego e interacción de finas hierbas y aliños de cocina, con una narración improvisada y espontánea de sus cuatro hijas. Un divertimento, como buen ejercicio de creatividad, que nos demuestra lo simple y los pocos elementos que se necesitan para hacer una película. C.V.

This work relates in a simple, creative and humorous way, the story of the director’s maternal grandfather, Dr. Sandoval, through playful fine herbs interaction and cooking spices, with an improvised and spontaneous narrative by his four daughters. Amusement as a good exercise on simplicity and creativity, that shows us the few and simple elements needed to make a movie. C.V.

Martha Naranjo Sandoval (México, 1989) es cineasta, graduada con honores en el Centro de Diseño, Cine y Televisión en México. Su tesis, el cortometraje Vacío para compartir, no sólo obtuvo mención honorífica al graduarse, sino que también se ha proyectado en varios festivales y ha ganado premios internacionales.

Martha Naranjo Sandoval (México, 1989) is a filmmaker and graduated with honors at the Centro de Diseño, Cine y Television (TV and Film design center) in Mexico. Her thesis, the short film Vacío para compartir, received an honorable mention upon graduation; it has been screened in several festivals and has been awarded internationally.

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A Story for the Modlins

Bela Vista

Una historia para los Modlins / España, 2012

Bella Vista /Portugal, 2012.

Dirección: Sergio Oksman  Producción: Sergio Oksman Guión: Carlos Muguiro, Emilio Tomé y Sergio Oksman Director de fotografía: Miguel Amoedo Montaje: Fernando Franco y Sergio Oksman Sonido directo: Carlos Bonmatí Postproducción de sonido: Carlos Bonmatí Duración: 26 minutos Formato de exhibición: DCP

Dirección: Filipa Reis y João Miller Guerra Producción: Daniela Soares Director de fotografía: Vasco Viana Montaje: Filipe Jorge Sonido Directo: João Gazua Duración: 30 minutos Formato de exhibición: Blu-ray

Luego de un breve papel en El bebé de Rosemary, el frustrado actor Edgar Modlin viaja a España y se encierra junto a su familia en un pequeño cuarto. Décadas después, Sergio Oksman encuentra, en la basura, cajas llenas del legado de esta familia, el que incluye cintas de audio, cuadros del apocalipsis y fotografías de desnudos. Juntando los objetos como piezas de un rompecabezas y con una puesta en escena impecable, el director logra armar un filme deslumbrante que habla sobre fama, familia, archivos y memoria. R.G.

After a brief role in Rosemary’s baby, the frustrated actor Edgar Modlin travels to Spain and shuts himself along with his family in a small room. Decades later, Sergio Oksman finds in the trash boxes full of this family’s legacy, which includes audiotapes, apocalyptic paintings and nude photographs. Gathering the objects as pieces of a puzzle and with brilliant staging, the director is able to put together a dazzling film that talks about fame, family, files and memories. R.G.

Película sobre la vida del conjunto habitacional “Bela Vista”, de la ciudad de Setúbal, al sur de Lisboa en Portugal. Mapa de vistas, ruidos, hábitos y relaciones; logran reconstruir sutilmente esta vida compartida del conjunto. Se contrapone a esto la capacidad humana de crear diferentes universos bajo los mismos modelos habitacionales. Una especie de barco a la deriva que navega por diferentes lugares del planeta y que representa la vida de una buena parte de la población actual. C.V.

Sergio Oksman (Brasil, 1970) estudió periodismo en São Paulo y cine en Nueva York. Vive en Madrid, donde dirige

Sergio Oksman (Brazil, 1970) studied journalism in São Paulo and New York. He lives in Madrid and is director of Dok Films production house. Among the films he has directed are Notes on the Other (2009),  Goodbye,  America  (2006),  La Esteticién (2004) and  Gaudí en la Favela (2002).

Filipa Reis (1977) y João Miller Guerra (1974). En 2010, co-dirigen el documental Li Ké Terra junto a Nuno Baptista. La película fue reconocida con el Premio a la Mejor Película portuguesa y el Premio de Escuelas en DocLisboa 2010, habiendo también recibido una mención honorífica en MiradasDoc, en España. En 2011, dirigieron el documental Generation Orchestra y el cortometraje Nada Fazi, que ganó el Premio del Cine Portugués en Fantasporto 2012, y el Premio del Público en el Festival de la corteza 2012. En 2012, Filipa y João dirigen Cat’s Cradle (Premio al Mejor Cortometraje Portugués en IndieLisboa Film Festival 2012, y el Premio Promesa en el Festival Luso-Brasileiro de Santa Maria da Feira de 2012) y Bela Vista.

la productora Dok Films. Entre los títulos que ha dirigido están Notes on the Other  (2009),  Goodbye,  America  (2006),  La Esteticién (2004) y Gaudí en la Favela (2002).

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A film about the residential community “Bela Vista”, in the city of Setubal, on the south of Lisbon, Portugal. This map of the sights, habits and relationships; is able to subtly reconstruct this shared lifestyle of the community. This contrasts with the human capacity to create different universes under the same residential models. A type of ship adrift, that sails through different places of the planet and represents the life of a good portion of today’s population. C.V. Filipa Reis (1977) and  João Miller Guerra  (1974).  In 2010, they co-directed the documentary  Li Ké Terra  alongside Nuno Baptista. The film was recognized with the Award for Best Portuguese Film and the Schools Award at DocLisboa 2010, having also received an honorable mention at MiradasDoc, in Spain. In 2011, they directed the documentary Generation Orchestra and the short film Nada Fazi, which won the Portuguese Film Award at Fantasporto 2012, and the People’s Choice Award at Festival Córtex 2012. In 2012, Filipa and João directed Cat’s Cradle (Award for Best Portuguese Short Film at IndieLisboa Film Festival 2012, and the Promising Award in Festival  Luso-Brasileiro at Santa Maria da Feira 2012) and Bela Vista. 

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Candelaria

Cherry Blossoms

Candelaria/Chile, 2012

Flores de cerezo/ Bélgica, 2012

Dirección: An Van Dienderen Producción: Elektrischer Schnellseher Director de fotografía: Sebastien Koeppel Montaje: Dieter Diependaele Voz japonesa: Emi Kodamae Sonido Directo: Laszlo Umbreit Traducción: Itsushi Kawase & Emi Kodamae Duración: 11 minutos Formato de exhibición: HDCAM

Dirección: Alejandra Moffat Producción: Antonia Lobos y Alejandra Moffat Guión: Alejandra Moffat Investigación: Antonia Lobos y Alejandra Moffat Director de fotografía: Niles Atallah y José Luis Torres Leiva Montaje: Alejandra Moffat Sonido directo: Alejandra Moffat Postproducción de sonido: Claudio Vargas Duración: 13 minutos Formato de exhibición: Blu-ray

Antiguas películas caseras nos presentan el esplendor de un fundo tradicional, su casa señorial y la intensa vida familiar que la generó y sostuvo, sobrepuestas o contrastadas con desoladas imágenes que nos muestran el devastado escenario de abandono de hoy, más una integrante familiar que en el silencio de los recuerdos, relaciona y trae a presencia toda esa historia y evolución contenida entre ambos materiales. C.V.

Old home movies present to us the splendor of a traditional estate farm, the manor house and intense family life that generated and supported it, superimposed or contrasted to desolate images showing us the present ravaged scenery of abandonment, plus a family member that in the silence of her memories, relates and makes presents all the history and evolution contained in the materials. C.V.

Alejandra Moffat (Chile, 1982) estudió teatro en Concepción, dramaturgia en la UC y cine documental en la Universidad Academia de Humanismo Cristiano. Ha actuado en los largometrajes De espaldas al mar (2006), Pasaporte amarillo, de Raúl Ruiz (2008) y Verano, de José Luis Torres Leiva (2011). Candelaria es su primer cortometraje documental.

Alejandra Moffat (Chile, 1982) studied theater in Concepción, drama at the UC and Documentary Filmmaking at Universidad Academia de Humanismo Cristiano. She has acted in the feature films: De espaldas al mar (2006), Pasaporte amarillo, by Raúl Ruiz (2008) and Verano, by José Luis Torres Leiva (2011). Candelaria is her first documentary short.

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An van Dienderen filma en Japón un documental sobre sub-culturas urbanas. Poco después, a miles de kilómetros a la distancia, Claire debe traducirlo en la sede central de la Unión Europea. El tema le apasiona poco, hasta que algo en la traducción comienza a fascinarle. Cherry Blossoms es un documental que, en los bordes de la ficción y con una fotografía deslumbrante, reflexiona sobre el multiculturalismo de la nueva Babel europea y el exotismo de las “culturas lejanas”. R.G.

An van Dienderen shoots a documentary about sub-urban cultures in Japan. Shortly thereafter, thousand of miles away, Claire must translate it at the European Union Headquarters. The subject matter is not attractive, until something in the translation begins to fascinate her. Cherry Blossoms is a documentary on the fringes of fiction and amazing photography, it reflects on the multiculturalism of the new European Babel and those exotic “distant cultures”.R.G.

An van Dienderen estudió historia del arte y artes audiovisuales, recibió también clases de Trinh Minh-Ha en Berkeley, EE.UU. En el año 2004 recibe un post doctorado en Estudios Culturales Comparativos de la Universidad de Gante. Realiza los documentales: Nachtelijke Bezoekers (1998), una pieza poética sobre la comunidad matriarcal de las mujeres Mosuo de la provincia de Yunnan en China; y Site, un retrato topográfico de José Besprosvany. Hace charlas y talleres de antropología visual en numerosas instituciones y dirige el SIC (Sound Image Culture).

An van Dienderen studied art history and audiovisual art and took classes with Trinh Minh-Ha in Berkeley (US). In 2004 she obtained a PhD in Comparative Cultural Studies at the university in Ghent. As filmmakers, she has made documentaries such as Nachtelijke Bezoekers (1998), a poetic piece about the matriarch community of the Mosuo-women in the province of Yunnan in China, and Site, a topographical portrait of Jose Besprosvany. She regularly gives lectures and workshops on visual anthropology, and it’s the Artistic Director of SIC (Sound Image Culture).

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Confete

Esperanza

Confeti/ Brasil, 2012

Esperanza / Bolivia - España, 2012

Dirección: Jo Serfaty y Mariana Kaufman Producción: Jo Serfaty y Mariana Kaufman Guión: Jo Serfaty y Mariana Kufman Director de fotografía: Paulo Camacho Montaje: Tatiana Gouveia y Thais Blank Música: Augusto Malbouisson Sonido: Bruno Fernandes, Ives Rosenfeld y Frederico Masine Postproducción de sonido: Augusto Malbouisson Duración: 15 minutos Formato de exhibición: Blu-ray

Dirección: Maider Oleaga Producción: Mario Madueño Guión e Investigación: Maider Oleaga Director de fotografía: Maider Oleaga Montaje: Maider Oleaga Sonido Directo: Mario Madueño Postproducción de Sonido: Nacho R.Arenas Duración: 7 minutos Formato de exhibición: Blu-ray

Confete sigue el camino de estas festivas, coloridas y diminutas partículas de papel, a través del carnaval de calle de Río de Janeiro. Desde su fabricación, su suspensión en medio de las celebraciones hasta la recolección y depósito en la basura. Un trayecto que nos suspende en el tiempo festivo sin caída, en la química esencial de la celebración; expresada en estimulantes imágenes de cuerpos danzantes, vivos colores, sonidos y diálogos festivos. C.V.

Confete follows the path of these festive, colorful and minute paper particles, through the streets of Rio de Janeiro during the carnival. From their manufacture and suspension during celebrations, until recollection and dumping on the trash. A journey that suspends us in joyous times without falling, in the essential chemistry of celebrations; expressed through stimulating images of dancing bodies, vivid colors, sounds and jovial dialogs. C.V.

Esperanza es una pequeña niña quechua que vive en Surumi, una aislada localidad del sur de Bolivia. Su vida es sencilla y se compone de actividades como moler granos, acompañar a su madre mientras teje, aprender el oficio, arriar animales e ir a la escuela. En poco más de siete minutos, con una gran sensibilidad cinematográfica y un extraordinario trabajo de audio, Maider Oleaga logra construir un retrato vivo de esa particular vida cotidana. R.G.

Esperanza is a Young child living in Surumi, and isolated location on the south of Bolivia. Her life is simple and consists of such activities as, grinding corn, keeping her mother company while she knits and learn the trade, herding animals and going to school. In just over seven minutes, with great cinematographic sensibility and spectacular audio work, Maider Oleaga is able to build a live portrait of this peculiar daily routine. R.G.

Jo Serfaty y Mariana Kaufman son cineastas y guionistas de Río de Janeiro. Socios de la productora Fagulha Filmes, han dirigidos juntos varios cortometrajes, entre ellos, Confete. Hace poco finalizaron sus nuevos filmes Sobre a mesa y Mariposa.

Jo Serfaty and Mariana Kaufman are filmmakers and scriptwriters. Partners in the production house Fagulha Filmes, they have directed several short films, among these, Confete. They recently completed their new films Sobre a mesa and Mariposa.

Maider Oleaga (Bilbao, 1976) es licenciada en comunicación audiovisual y diplomada en dirección cinematográfica por la ECAM, Madrid. Ha escrito y dirigido los cortometrajes de ficción Sarah (MIRÁNDOTE) (2001), En coincidencia (2003) y Sitios prestados al aire (2011). En 2010 presenta su primer largometraje documental Amaren Ideia (La idea de mi madre).

Maider Oleaga (Bilbao, 1976) holds a degree in audiovisual communication and a diploma in film directing from ECAM, Madrid. She has written and directed the fiction shorts: Sarah (MIRÁNDOTE) (2001), En coincidencia (2003) and Sitios prestados al aire (2011). In 2010 she presented her first feature length documentary, Amaren Ideia (My mother’s idea).

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Estábamos muertos y podíamos respirar

It’s in your Eyes

Estábamos muertos y podíamos respirar. Chile – España – Polonia, 2013

En tus ojos / España - Perú, 2011

Dirección: Enrique Stindt Producción: Mediations Biennale, Fernando Prats y Kiné-Imágenes Guión: Enrique Stindt y Fernando Prats Investigación: Fernando Prats Director de fotografía: Enrique Stindt Montaje: Michelle Bossy y Enrique Stindt Sonido Directo: Enrique Stindt Postproducción de sonido: Roberto Espinoza Duración: 22 minutos Formato de exhibición: DCP

Registro de un cineasta sobre la obra del artista Fernando Prats en la acción Auschwitz-Birkenau. Obra dentro de una obra, que completa y contextualiza el proceso de sumergirse en las aguas de los ríos Sola y Vístula, que recibieron gran parte de las cenizas de los crematorios de Auschwitz 1 y Birkenau Auschwitz 2. A través de los papeles ahumados de Prats, se indaga en la memoria del agua que absorbió las cenizas y cómo esta se imprime sobre el papel, inmersos en el desbordante paisaje natural de hoy. C.V. Enrique Stindt (Viña del Mar, 1975) es cineasta de la Escuela de Cine de Chile. Ha sido director de fotografía en documentales, cortos, largometrajes y publicidad. Ha dirigido documentales y piezas experimentales. También se dedica a la fotografía de autor. Actualmente, es co-fundador y director de Kiné-Imágenes, plataforma creativa y de servicios de cine digital.

This is a filmmaker’s documentation of the work of artist Fernando Prats in the Auschwitz-Birkenau Action. A piece within a piece, it completes and contextualizes the process of immersing in the waters of the Sola and Vistula Rivers, which received a large portion of the ashes of the crematoriums at Auschwitz 1 and Birkenau Auschwitz 2. Through Prats’s smoked papers, we delve into the memory of the water that absorbed these ashes, and how it becomes imprinted on paper, immersed in today’s overwhelming natural landscape. C.V. Enrique Stindt (Viña del Mar, 1975) is a filmmaker from Escuela de Cine de Chile. He has been DoP in documentaries, shorts, full-length films and advertising. He also works in photography d’auteur. At present, he is cofounder and director of Kiné-Imágenes, a creative and services platform for digital cinema.

58 $PNQFUFODJB*OUFSOBDJPOBMEF$PSUPNFUSBKFTi.POTJFVS(VJMMBVNFwt“Monsieur Guillaume” International Short Film Competition

Dirección: Sergio García Locatelli y Sean Schoenecker Producción: Sergio García Locatelli Guión: Sean Schoenecker Director de fotografía: Familia Severson Montaje: Sergio García Locatelli Música: Ross Severson Duración: 6 minutos Formato de exhibición: Blu-ray

El narrador del filme está pronto a casarse y, atisbando los cambios de su vida próxima, busca consejo en los recuerdos parciales y fragmentados de su padre difunto. Pasado, presente y futuro en una película construida con retazos de otras películas –antiguas, familiares, artesanales–, que es enviada como carta visual a la “ausencia presente” de un padre a quien se le hacen preguntas que ya él ni nadie puede responder. R.G. Sergio García Locatelli es guionista, licenciado en ciencias de la comunicación de la Universidad de Lima (2001) y diplomado en dirección y guión de cine documental en el Instituto del Cine de Madrid (2006). Director de los documentales Periferias interiores, It’s in your Eyes y 9.546 km.

The film narrator is soon to be married, and glimpsing at the changes of his new life, he seeks advice from his dead father’s partial and fragmented memories. Past, present and future in a film built with old, family and home made film’s remnants, sent as a visual letter to the “present absence” of a father who’s asked questions that neither him nor anyone else can answer. R.G. Sergio García Locatelli is a scriptwriter with a degree in communication science from the Universidad de Lima (2001), also a graduate of the Instituto del Cine de Madrid (Madrid Film Institute) (2006) in documentary directing and scriptwriting. He directed the documentaries: Periferias interiores, It’s in your Eyes and 9.546 km.

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Maya

Montaña en sombra

Maya/ Cuba, 2010

Montaña en sombra/ España, 2012

Dirección: Pedro Pío Producción: Victoria Paz Álvarez Guión: Pedro Pío y Juan Manuel Gamazo Investigación: Pedro Pío Director de fotografía: Isabel Arís Montaje: Juan Manuel Gamazo Sonido directo: Glaydson Mendes Postproducción de sonido: Glaydson Mendes Duración: 13 minutos Formato de exhibición: Blu-ray

Dirección: Lois Patiño Producción: Lois Patiño Director de fotografía: Lois Patiño Montaje: Lois Patiño Música: Ann Deveria Postproducción de sonido: Miguel Calvo “Maiki” y Erik T. Jensen Duración: 14 minutos Formato de exhibición: DCP

Esta película cubana nos presenta los tres días previos a un combate de la perra de pelea Maya; su relación con su dueño y como este la prepara y entrena para el encuentro con alimentación especial, la práctica de diferentes ejercicios y principalmente, con la instrucción creciente de un estado de agresión y violencia. Así, se aprecia la transformación de un animal en un arma de guerra, el cuestionamiento de su naturaleza y los alcances del sometimiento humano. C.V.

This Cuban film shows us the three days prior to a fight by the fight dog Maya, the relationship with her owner and how he prepares and trains her for the fights. Specialty food, different exercises and especially the increasing commands to maintain an aggressive and violent state. We can appreciate the transformation of the animal into a weapon of war, the questioning of her nature and the range of human subjugation. C.V.

¿Cómo filmar la inmensidad del paisaje? Un bello trabajo que nos plantea frente a frente, una experiencia de distancia, tamaño y escala, al contemplar la grandiosidad de la montaña a través del hipnótico movimiento de descenso de mallas de esquiadores que bajan por sus laderas nevadas. Una evolución luminosa sumada a la seductora orgánica del descenso, logra transformar los límites del espacio en una nueva concepción y experiencia plástica y cinematográfica. C.V.

How to film the vastness of the landscape? A beautiful piece of work that poses up front the experience of distance, size and scale while contemplating the boundlessness of the mountain through the hypnotic descending movement of skiers coming down the slopes. A luminous evolution added to the organic seduction of descent, it manages to transform the limits of space into a new film and plastic conception and experience. C.V.

Pedro Pío (Granada, 1984) estudió dirección cinematográfica en la Escuela Internacional de Cine de San Antonio de los Baños en La Habana y comunicación audiovisual en la Escuela de Comunicación de Granada. Ha escrito y dirigido diez cortometrajes. Maya, el más conocido, obtuvo una nominación a la Palma de Oro en Cannes.

Pedro Pío (Granada, 1984) studied film direction at the International School of San Antonio de los Baños in La Habana, and audiovisual communication at the School of Communication of Granada. He has written and directed ten short films. Maya, el más conocido, obtuvo una nominación a la Palma de Oro en Cannes.

Lois Patiño (Vigo, 1983) compaginó sus estudios de psicología con los de cine en Madrid. Continuó su formación en Nueva York, Berlín y Barcelona. Ha realizado talleres con artistas y cineastas como Joan Jonas, Pedro Costa o Víctor Erice y sus videos han participado en festivales como BAFICI, Oberhausen, Roma y Media City Film Festival.

Lois Patiño (Vigo, 1983) complemented his Psychology studies with film studies in Madrid. His formation continued in New York, Berlin and Barcelona. He has taught workshops for artists and filmmakers such as: Joan Jonas, Pedro Costa and Victor Erice, and his videos have participated in festivals like BAFICI, Oberhausen, Rome and Media City Film Festival.

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Nuestro pan de cada día

¿Olvida usted algo?

Nuestro pan de cada día/ Cuba, 2012

¿Olvida usted algo? / México, 2012

Dirección: Dalia Huerta Cano Producción: Dalia Huerta Cano  Guión: Dalia Huerta Cano, en colaboración con José Villalobos Investigación: Dalia Huerta Cano Director de fotografía: Dalia Huerta Cano Montaje: Esteban De la Monja Música: Homero González y Esteban De la Monja Sonido directo: Homero González, Dalia Huerta, Esteban De la Monja y Nicolás Spencer Postproducción de sonido: Homero González Duración: 27 minutos Formato de exhibición: Blu-ray

Dirección: Juliette Touin Producción: Esme Jofre Guión: Lony Welter y JulietteTouin Investigación: Juliette Touin Director de fotografía: Marcos Attila Bohorquez Montaje: Alonso Renato Velázquez Sonido directo: Stefan Voglsinger Postproducción de sonido: Stefan Voglsinger Duración: 9 minutos Formato de exhibición: Blu-ray

A través del cine a disposición como medio y comunicador, se plantea un preciso, claro y ágil análisis de la situación social, económica, familiar y alimenticia de la familia Castellano de San Antonio de los Baños de Cuba. Un claro ejercicio de forma y montaje, que en pocos minutos logra armar y presentar el amplio mapa de una problemática y sus múltiples y complejas dimensiones. C.V.

Through Film as a means and broadcaster, hereby presents a clear, supple and precise analysis of the social, economic, family and alimentary situation of the Castellano family from San Antonio de los Baños, Cuba. A clean exercise on form and editing, which in a few minutes, is able to put together and portray an ample map of a problem and its multiple and complex dimensions. C.V.

Juliette Touin (Toulouse, 1986) es máster en ciencias políticas del Instituto Sciences Po y actualmente realiza la especialidad de dirección documental en la Escuela Internacional de Cine y TV de San Antonio de los Baños en Cuba, donde ha realizado cuatro cortometrajes: Mientras dormimos, Campesina, Nuestro pan de cada día y Cheli.

Juliette Touin (Toulouse, 1986) has a Master’s degree in political sciences from the Instituto Sciences Po and at present she’s specializing in documentary directing at the (international Film and TV school) Escuela Internacional de Cine y TV de San Antonio de los Baños, Cuba; where she has completed four short films: Mientras dormimos, Campesina, Nuestro pan de cada día and Cheli.

62 $PNQFUFODJB*OUFSOBDJPOBMEF$PSUPNFUSBKFTi.POTJFVS(VJMMBVNFwt“Monsieur Guillaume” International Short Film Competition

Un interesante ensayo o trabajo de cine de relaciones, que nos lleva a una intensa experiencia cinematográfica, construida dinámicamente por la conjunción paralela de imágenes, sonidos, ideas y personajes. Un vertiginoso viaje sobre la fluctuación y evolución del valor relativo de las cosas, a través de ciertos lapsos, espacios, ideas, condiciones, seres y objetos; nuestro apego a ellos, a la vida, su camino hacia el fin, a su renacimiento, a su transformación. C.V.

An interesting essay or a film work on relationships, that takes us to an intense cinematographic experience, dynamically built by the parallel conjunction of images, sounds, ideas and characters. A giddy journey about the flow and evolution of the relative value of things, through some lapses, spaces, ideas, conditions, beings and objects; our attachment to these, to life, their road to the end, their rebirth and transformation. C.V.

Dalia Huerta (Guadalajara, 1978) es licenciada en ciencias de la comunicación en el ITESO. Ha tomado cursos de cine y video en Oaxaca, Utrecht y San Antonio de los Baños en Cuba (EICTV), entre otros. Ha sido becaria del Consejo Estatal para la Cultura y las Artes (CECA) en 2007 y 2010. Su actividad destacada es la fotografía de documentales. 

Dalia Huerta (Guadalajara, 1978) holds a bachelor’s degree in communication science from ITESO. She has film and video studies from Oaxaca, Utrecht and San Antonio de los Baños en Cuba (EICTV), among others. She was State Council for Culture and the Arts (CECA) scholar in 2007 and 2010. Her most noted activity is documentary photography.

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24 preludios/diari mallorquí

Reality 2.0

24 preludios/diari mallorquí / Chile - España, 2012

Reality 2.0 /México - Alemania, 2012

Dirección: Carlos Vásquez  Producción: La Faz Guión: Carlos Vásquez Investigación: Carlos Vásquez Director de fotografía: Carlos Vásquez Montaje: Carlos Vásquez  Música: Preludio nº 24 Op. 28 de Frédéric Chopin interpretado por Paula Ríos Vázquez Sonido directo: Juana Castell Palou Postproducción de Sonido: La Faz Duración: 29 minutos Formato de exhibición: Blu-ray

Dirección: Víctor Orozco Producción: Víctor Orozco Guión: Víctor Orozco Investigación: Víctor Orozco Director de fotografía: Montaje: Víctor Orozco Duración: 11 minutos Formato de exhibición: DCP

George Sand y Frédéric Chopin decidieron pasar el invierno de 1838 en la isla de Mallorca, quedando como testimonio los 24 Preludios Op. 28 compuestos por Chopin. El filme sale al encuentro de los lugares y paisajes que inspiraron la composición musical y plantea cómo hoy acogen una nueva experiencia creativa. Un temerario del silencio, la duración y la contemplación, como puerta de entrada a la dimensión creativa y su relación con su entorno. C.V.

George Sand and Frédéric Chopin decided to spend the Winter of 1838 in the Island of Majorca, evidenced by the 24 Preludes Op. 28 composed by Chopin. The film encounters the places and landscapes that inspired this musical composition and suggests how a new creative experience is in place today. A rash approach to silence, duration and contemplation as a doorway to the creative dimension, and the relationship with its surroundings. C.V.

Documental de animación que nos presenta la visión del autor sobre su propio país, con el fin de distanciarse de la violencia relacionada con la realidad mexicana y los carteles de drogas. Una interesante mezcla de técnica y temática, dibujos y rotoscopía, de visiones del autor, de videos caseros, de redes sociales, etc., nos presentan y envuelven dinámicamente en la compleja problemática y los alcances políticos y sociales que azotan al gigante mexicano. C.V.

Animation Documentary that presents the author’s vision about his own country, in order to distance himself from the violence linked to the Mexican reality and drug cartels. An interesting mix of technique and theme, drawings and thaumatrope of the author’s vision, home videos, social networks, etc. These present and involve us dynamically in the complex troubles and the political and social reaches that flog the Mexican giant. C.V.

Carlos Vásquez estudió en la Escuela de Cine de Chile y en el máster de documental de creación de la UPF/IDEC en España, país donde ha desarrollado su obra, próxima al ensayo y cine experimental. Paralelamente, colabora en proyectos de otros realizadores, ejerce la docencia y escribe sobre cine documental.

Carlos Vásquez, is a graduate of the Escuela de Cine de Chile (Chile Film School) and holds a Master’s degree in creative documentary from UPF/IDEC in Spain, where he’s developed his film work part essay and experimental. At the same time, he collaborates with other filmmakers, teaches and writes on the subject of documentary films.

Víctor Orozco es máster en cine de la Escuela Superior de Bellas Artes de Hamburgo. De 2004 a 2012, organizó la muestra de arte audiovisual “Ambulart” en México y Alemania. Reality 2.0 formó parte de la selección oficial en la categoría Laboratorio del 35º Festival Internacional de Cortometrajes de Clermont Ferrand.

Víctor Orozco has a Master’s degree from the Escuela Superior de Bellas Artes de Hamburgo (Hamburg Fine Arts School). From 2004 to 2012, he organized “Ambulart” an audiovisual arts showcase in Mexico and Germany. Reality 2.0 was part of the 35 Clermont Ferrand International Short Film Festival’s official selection in the Lab competition section.

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The Third Person

Waterscope Transitions

La tercera persona / Bélgica, 2013

Waterscope Transitions/ Alemania, 2012

Dirección: Francisco Javier Rodríguez Producción: Clio Sigonis Guión: Francisco Javier Rodríguez Director de fotografía: Francisco Javier Rodríguez Montaje: Francisco Javier Rodríguez Postproducción de sonido: Héléna Reveillere Duración: 15 minutos Formato de exhibición: DVCAM PAL

Asentado hace quince años en Bélgica, Rodríguez aprovechó un viaje a la zona central de Chile para realizar una película hipnótica, que se tiende como puente colgante entre el documental y el video arte. Decir de qué se trata no es fácil y tiene respuestas múltiples: de la precariedad, lo transitorio, la muerte o la imagen. Quizás de la muerte de la imagen. Un filme reflexivo e innovador que nos complace exhibir y discutir en el país. R.G.

Having settled in Belgium fifteen years ago, Rodríguez took advantage of a trip to central Chile, to make a hypnotic film that extends as a hanging bridge between documentary and video art. To say what it is about is no easy task, as it has multiple answers: about precariousness, the transitory, death, the image, maybe those two, death and the image. Here is an innovative and reflexive film we are proud to show and discuss in Chile. R.G.

Francisco Javier Rodríguez es un cineasta y director de fotografía chileno radicado en Bélgica. Ha sido director de fotografía de Un Colonial chez les Celtes,

Francisco Javier Rodríguez is a Chilean filmmaker and cinematographer residing in Belgium. He has been director of photography for Un Colonial chez les Celtes, by J.J.Rousseau; Les Rois, by Joaquin Bretony; and The Red

de J.J.Rousseau; Les Rois, de Joaquin Bretony y The Red House, de Alyx Duncan, entre otros. The Third Person es su segundo cortometraje como director.

House, by Alyx Duncan, among others. The Third Person is his second short film as director.

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Director: Carsten Aschmann Producción: Carsten Aschmann Guión: Carsten Aschmann Dirección de Fotografía: Carsten Aschmann Montaje: Carsten Aschmann Música: Dieter Moebius Sonido: Carsten Aschmann Duración: 22 minutos Formato de exhibición: Blu-ray

En 1990, Pat O’Neill ganó Sundance con “Water and Power”, un sorprendente videoensayo experimental sobre el agua. Con una visualidad desafiante y apropiándose del audio de viejas películas de Hollywood, Carsten Aschmann sigue hoy su senda con este filme fascinante, mezcla poética de experimental, ensayo y cine documental. Una película única sobre la relación entre la humanidad y su recurso más preciado. R.G.

In 1990, Pat O’Neill won at Sundance with Water and Power, a surprising experimental video-essay about water. With defiant visuals and taking ownership of the audio of old Hollywood movies, Carsten Aschmann follows his path with this fascinating film, a mix of poetry and experimental, essay and documentary film. A unique movie about the relationship between humanity and its most precious resource. R.G.

Carsten Aschmann vive y trabaja en Hanover. Estudió la carrera de cine dirigida por Gerhard Büttenbender y Birgit Hein en Hbk en Braunschweig. En los últimos años ha trabajado como editor y productor para proyectos documentales de Hula-Offline.

Carsten Aschmann lives and works in Hanover. He studied at the Hbk in Braunschweig in the film program held by Gerhard Büttenbender and Birgit Hein. In recent years he has worked as an editor and producer for documentary projects by Hula-Offline.

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Premio Composici贸n Musical Music Composition Award


Jurado de Composición Musical Musical Composition Jury

Mejor Composición Musical de la Competencia Chilena Best Chilean Competition Musical Composition

Los premios al cine de ficción suelen reconocer su condición de industria colectiva, mientras que en  documental sólo los  directores son galardonados, pese al incansable apoyo que reciben  en cámara, sonido y montaje. En FIDOCS hemos querido cambiar esta situación ofreciendo, por primera vez, un premio a la Mejor Composición Musical de la Competencia Chilena. Con el apoyo de Libélula, el premio consistirá en 10 mil dólares en post-producción y será entregado por un connotado jurado.

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The fiction film awards usually recognize the collective industry condition, while only directors are awarded in documentaries, despite the constant support they receive from camera, sound and editors. At FIDOCS we decided to change this situation by offering, for the first time, an award to Best Musical Composition in the Chilean competition. With the support of Libelula, the award consists of 10 thousand dollars in post-production and a noted juror will bestow this prize.

Matías Valdés Lawrence

Miguel Miranda

Miguel Tapia

Matías Valdés (Santiago, 1970) es diseñador de sonido de extensa trayectoria, con más de veinte años de experiencia en distintas áreas en los más importantes estudios de grabación del país. Experto en edición, producción musical, grabación y montaje de sonido para cine, televisión y publicidad.

Miguel Miranda (Viña del Mar, 1961) es compositor. Ha trabajado en Hay algo allá afuera (1989), de José Maldonado, y en coautoría con José Miguel  Tobar, en Amnesia  (1994), de Gonzalo Justiniano, Historias de Fútbol (1997), Machuca (2004) y La buena vida  (2008), de Andrés Wood y Nostalgia de la luz (2010), de Patricio Guzmán.

Miguel Tapia (Santiago, 1964) es músico, compositor y productor musical. Perteneció al grupo Los Prisioneros entre 1979 y 2006. También ha sido parte de formaciones como  Jardín secreto,  Los dioses  o  Razones humanitarias. En 2009 conformó, junto al ex guitarrista de Los Prisioneros, Claudio Narea, el proyecto musical Narea y Tapia.

Miguel Miranda (Viña del Mar, 1961) is a composer. He has worked in Hay algo allá afuera (1989), by José Maldonado, and, in co-authorship with José Miguel  Tobar, in Amnesia  (1994), by Gonzalo Justiniano, Historias de Fútbol (1997), Machuca (2004) and La buena vida (2008), by Andrés Wood, and Nostalgia de la luz (2010), by Patricio Guzmán.

Miguel Tapia (Santiago, 1964) is musician, composer and music producer. He was a member of the Chilean band Los Prisioneros between 1979 and 2006. He has also been a member of Jardín secreto, Los dioses and Razones humanitarias. In 2009 he teamed up with Los Prisioneros ex-guitar player Claudio Narea to create the musical project, Narea and Tapia.

Matías Valdés (Santiago, 1970) is a sound designer with an extensive trajectory, with over 20 years experience in diverse areas in the most important sound studios in the country. He’s an expert in musical production, recording and sound editing for films, TV and advertising.

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Panorama Internacional International Panorama


Five Broken Cameras Cinco cámaras rotas / Palestina, 2011

Dirección: Emad Burnat y Guy Davidi Producción: Guy Davidi, Emad Burnat, Serge Gordey y Christine Camdessus Dirección de fotografía: Emad Burnat Montaje: Véronique Lagoarde-Ségot y Guy Davidi Música: Le Trio Joubran Postproducción de sonido: Amélie Canini Duración: 90 minutos Formato de exhibición: DVCAM

En su pequeño pueblo de Cisjordania (llamado Bil’in, cerca de Nil’in, dos aldeas palestinas) Emad Burnat filma todo el tiempo después del nacimiento de su primer hijo, desde sus primeros días hasta que empieza a caminar. Sin embargo, lo que se inicia como una película de recuerdos familiares se convierte en una película épica sobre la guerra con Israel, sin dejar de ser nunca un filme profundamente humano ligado al realizador, sus amigos, sus vecinos y su familia. Poco a poco, estas dos aldeas palestinas se organizan para enfrentarse con el éjército isreaelita con canciones, desfiles, marchas y piedras. Emad Burnat empieza filmando con una cámara hasta que los soldados la destrozan. Luego, sigue con una segunda cámara hasta que se cae al suelo. Prosigue con una tercera, cuarta y quinta cámara. Todas ellas se destruyen durante el combate y la estructura de la película está marcada por los capítulos que cada una de las cámaras logra grabar. La combinación de estos tres temas (el cine, la familia, la guerra) filmados por un hombre sensible que adora tanto a sus hijos como a su patria, teje un discurso que nunca antes se había hecho para contar este conflicto tantas veces filmado. La organización de los materiales está marcada por la muerte de cada una de las cámaras y alcanza un grado de emoción que conmueve de manera inconcebible. El filme nos revela una tragedia interminable que se detiene brevemente cuando los dos niños (los hijos de Emad) pueden llegar hasta una playa para ver por primera vez el océano. Herido, fatigado, con las ilusiones casi rotas, Emad seguirá filmando, incansable, con otras cámaras. Una obra de cine que golpea directamente el corazón. Premio Louis Marcorelles en el Festival du Cinéma du Réel en París; Premio del Público

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y Premio del Jurado en el Festival de Amsterdam. Mejor realización en el Festival de Sundance. Todos en 2011. P.G. Emad Burnat es un granjero y camarógrafo palestino. Ha trabajado en los documentales  Bil’in My Love,  Palestine Kids,  Open Close e Interrupted Streams. Guy Davidi  (Jaffa, 1978) es profesor y director de cine documental. Entre sus cortos se encuentran  In Working Progress,  Keywords  y  Women Defying Barriers. Su primer largometraje,  Interrupted Streams, fue premiado en el Jerusalem Film Festival 2010.

In his small town on the West Bank (called Bil’in, close to Nil’in, two Palestine villages), Emad Burnat films constantly, after the birth of his first son, from his first days until his first steps. However, what begins as a movie about family memories, turns into an epic film about the war with Israel, without ever ceasing to be a deeply human picture, linked to the filmmaker, his friends, neighbors and family. Little by little, these two Palestine villages organize to fight off the Israeli army with songs, marches, parades and stones. Emad Burnat starts filming with a camera, until the soldiers destroy it. Then, he takes on a second one, until this one falls to the ground. He continues with a third, a fourth, a fifth camera. All of them are destroyed during the combat, and the structure of the film is marked by the chapters that each of the cameras is able to capture. The combination of this three themes (cinema, family and war) filmed by a sensitive man that loves not only his children, but also his country, weaves a discourse that never before had been made to tell about this conflict so often documented. The organization of the material is marked by the death of each of the cameras, and it reaches an inconceivable peak of emotion. The film reveals an unending tragedy that briefly stops when the two children (Emad’s children) get to a beach and finally see the ocean for the first time. Wounded, fatigued, with his illusions almost

Emad Burnat is a Palestine farmer and cameraman. He has worked on the documentaries Bil’in My Love, Palestine Kids, Open Close and Interrupted Streams. Guy Davidi (Jaffa, 1978) is a professor and director of documentary cinema. Among his shorts are In Working Progress,Keywords and Women Defying Barriers. His first feature, Interrupted Streams, was awarded at the Jerusalem Film Festival 2010.

broken, Emad continues to film with other cameras, relentlessly. A direct work of cinema that hits the heart directly, it received the Louis Marcorelles Award at Cinéma du Réel Festival in Paris, Audience and Jury Awards at Amsterdam, Best Picture at Sundance, all during 2011. P.G.

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Forget Me Not

La rencontre

No me olvides / Alemania, 2012

El encuentro / Francia, 2012

Dirección: Alain Cavalier Guión: Alain Cavalier Imagen: Alain Cavalier Montaje: Alain Cavalier Producción : Les Films d l’Astrophore Duración: 75 minutos Formato de exhibición: DVCAM

Dirección: David Sieveking Producción: Martin Heisler, Carl-Ludwing Rettinger y David Sieveking Guión: David Sieveking Director de fotografía: Adrián Stähli Montaje: Catrin Vogt Música: Jessica de Rooij Sonido directo: Juri Krause y Johannes Schmelzer-Ziringer Duración: 88 minutos Formato de exhibición: Blu-ray

David Sieveking estuvo en la última edición de FIDOCS con David Wants to Fly, un filme sobre la fascinación de David Lynch con la meditación, y nos complace recibirlo tan pronto de vuelta con este nuevo trabajo más íntimo. Sieveking nos entrega un retrato afectuoso sobre su madre Gretel, quien sufre de alzheimer, y sobre los cuidados que la familia debe darle a diario. Reconstruyendo la historia que ella ya no puede invocar, la película funciona como un mecanismo que corre a la inversa de su memoria, rescatando eventos del olvido y utilizándolos colectivamente para resolver la historia familiar. Se enfatiza en la década de los sesenta, cuando Gretel y su esposo participaban de los movimientos estudiantiles y llevaban una relación abierta, asunto que hoy levanta preguntas sobre los límites del amor y la responsabilidad. Documentales sobre el alzheimer se producen por decenas cada año y No me olvides logra sorprender con un retrato cotidiano, honesto y con sentido del humor sobre una enfermedad trágica y despiadada. Un filme lleno de cariño, pero también de gran valor artístico y humano que ha recolectado numerosos premios en el mundo, como el de Mejor Documental en Sundance y el Gran Premio de la Crítica en el Festival de Locarno. R.G. David Sieveking (Alemania, 1977) estudió dirección en The German Film and Television Academy de Berlín, tiempo durante el cual trabajó como editor, primer asistente de dirección y actor de cine y televisión. Algunas de sus películas son A propos Dennis (2011), Ganga guest house (2002), Wild man (2006), Senegallemand (2007) y David Wants to Fly (2010).

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David Sieveking was present at FIDOCS’ last version with David Wants to Fly, a documentary film about David Lynch’s fascination with meditation, and we are delighted to have him back so soon with this more intimate and personal work. Sieveking shares a warm portrait about his mother Gretel, who suffers from Alzheimer and the care she receives from her family on a daily basis; rebuilding history that she can no longer retrieve. The film works as a mechanism that runs opposite to her memory, rescuing forgotten events and using them collectively to solve the family history. Special emphasis is on the decade of the 60s, when Gretel and her husband, would participate on student riots and had an open relationship; subject that today raises questions about love and responsibility. There are dozens of documentaries about Alzheimer each year, and Forget me not surprises us with an everyday honest and humorous tale, regarding a tragic and ruthless disease. A film filled with love, but also with great artistic and human value that collected several awards around the world. Best documentary in Sundance and the Critics’ week top award at the Locarno Film Festival 2012. R.G. David Sieveking (Germany, 1977) studied directing at the German Film and Television Academy Berlin from 20002007, during which time he worked as an editor, 1st AD and actor for film and television. A selection of his films includes A propos Dennis (2011), Ganga guest house (2002), Wild man (2006), Senegallemand (2007), and David wants to fly (2010).

La rencontre es una preciosa reflexión íntima de un cineasta, Alain Cavalier, quien se pregunta: “¿Se puede filmar el amor en toda su intensidad?”. En realidad, el filme es una gran declaración de amor tanto a una mujer como a la vida en general. El director inventa un cine de casas, paredes, manteles, cielos y jardines. Todo lo que tropieza con su mirada puede convertirse en un elemento de su narración. Una narración muy personal, subjetiva, humorística y siempre humana, que avanza sin cesar y nos hechiza. Muestra la vida y la muerte. Contempla la vida que pasa, los objetos que se rompen, los relojes que algún día se detienen, los pájaros que desaparecen. Todo está destinado a esfumarse algún día. Pero todo esto no es más que un renacer para él. Pues el milagro del cine consiste precisamente en captar para siempre los momentos que nunca volverán. Su cámara los capta para la eternidad. El autor es un gran comentarista de los hechos de su vida y probablemente de la vida de todos. Cavalier nos entrega una obra única y singular; una obra de resistencia frente a la uniformidad de las imágenes, una obra que rechaza los lugares comunes y la vulgaridad. Un gran poema. P.G. Alain Cavalier (Vendôme, 1931) es un reconocido director y actor de cine, autor de filmes como Libera me o Thérèse, Premio del Jurado en Cannes 1986 y ganador de seis Premios César. Estudió historia y posteriormente ingresó al Instituto de Altos Estudios Cinematográficos de París (IDHEC). Aunque principalmente ha dirigido películas de ficción, también ha filmado obras de cine experimental, a medio camino entre la ficción y el documental, como Le filmeur, Irène o La recontre.

La rencontre is the precious intimate reflections of a filmmaker –Alain Cavalier– who asks himself: can love be filmed in all its intensity? In reality, the film is a grand declaration of love, as much to a woman, as to life in general. The director invents a cinema of houses, walls, tablecloths, skies and gardens. Everything his gaze stumbles on can become an element in his narrative; a very personal one, subjective, humorous and always human, it endlessly moves forward, a narrative that enthralls us. It shows life and death. It contemplates a life that unfolds, objects that break, clocks that some day stop, birds that disappear. Everything is destined to fade away some time. But for him, all this is nothing but rebirth. Because, the miracle of cinema is precisely to capture forever those moments that will never come back. His camera captures for eternity. The author is a great commentator of the events in his life, and probably, in everyone’s life. Cavalier delivers a unique and singular piece: a work of resistance against the uniformity of images, a piece that rejects the vulgar and commonplace: A great poem. P.G. Alain Cavalier (Vendôme, 1931) is a renowned film director and actor, the author of such films like Libera me and Thérèse, Jury award at Cannes 1986 and recipient of six Caesar awards. He studied History, and later attended the Institut des hautes études cinématographiques (IDHEC), in Paris. Although he has mostly directed fiction films, he has also shot experimental cinema, halfway between fiction and documentary, such as Le filmeur, Irène and La recontre.

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Le bonheur, terre promise La felicidad, tierra prometida / Francia, 2012

Dirección: Laurent Hasse Producción: Stéphane Bubel Guión: Laurent Hasse Dirección de fotografía: Laurent Hasse Montaje: Matthieu Augustin Música: Nicolas Repac Sonido: Xavier Thibault y Jean-Marc Schick Postproducción de sonido: Jean-Marc Schik Duración: 94 minutos Formato de exhibición: DVCAM

El director de esta película seductora resuelve atravesar todo su país –Francia– caminando. Lleva su cámara y filma todo lo que ve, lo que piensa y lo que va ocurriendo a su alrededor. La primera persona que aparece en su película es una señora muy simpática que le abre su ventana para ofrecerle una taza de café. Ella le dice que ha vivido en esa casa durante toda su vida. Nunca se ha movido de allí desde que nació. Para un chileno exiliado como yo, que ha vivido más o menos en 150 casas, esta señora representa la felicidad completa. Sin embargo, para el director, esta estabilidad no aumenta su felicidad. Por el contrario, aumenta su ansiedad y el deseo de moverse. Es un aventurero que encuentra la “felicidad” viajando como un nómade. El filme se parece a El caminante (Le marcheur, de Jean-Noël Christiani), un excelente corto de 30 minutos que ya mostramos en este mismo festival. Laurent Hasse, en cambio, realiza un viaje más extenso (82 días para recorrer 1.500 kilómetros), cuyo resultado es un repaso al mundo rural donde descubre una nueva forma de reflexión. El origen de esta obra cautivadora se produjo a causa de una tragedia. Resolvió hacer esta película después de haber sido atropellado por un coche, un grave accidente que alteró su vida para siempre. Su viaje es también una suerte de revancha contra el automóvil y caminar con sus propias piernas, descubrir la lentitud y volver a percibir el gusto de la vida. Elige viajar con tiempo inestable, es decir, en pleno invierno, para evitar a los turistas. Encuentra toda clase de personas y paisajes. Detrás de cada imagen está la incertidumbre. Nunca sabemos lo que va a pasar. La intriga es permanente y la excelente música va creando una atmósfera de misterio y poesía. Premiada por el Festival de Filmes para la Educación, Lussas, Résonances, Ecrans du 78 1BOPSBNB*OUFSOBDJPOBMt International Panorama

Réel, EcoFilm, Itinérances y seleccionada por numerosos certámenes. P.G. Laurent Hasse (Francia, 1980) estudió cine documental en la Universidad de Futuroscope de Poitiers. Trabajó como operador de cámara para la TV y como asistente de dirección para documentales de Jean Schmidt, antes de proyectar su ópera prima en varios festivales. Actualmente escribe, realiza filmes documentales y se dedica a la retransmisión de espectáculos en vivo de danza, música o teatro. Además, colabora como camarógrafo para diferentes directores y supervisando prácticas académicas audiovisuales.

The director of this seductive movie resolves to travel through his entire country – France – on foot. He carries his camera with him and shoots everything he sees, what he thinks and what happens around him. The first person to show up on the film is a very nice lady that opens her window to offer him a cup of coffee. She tells him she has lived there, in that house, all her life. In other words, she has never moved from that house since she was born. For a Chilean exile like myself, who has lived in 150 houses, give or take, this lady represents complete happiness. However, for the director, this stability does not enhance happiness. On the contrary, it augments anxiety and he wishes to move along. He is an adventurer who finds “happiness” traveling as a nomad. The film resembles The walker (Le marcheur, by Jean-Noël Christiani), an excellent short of 30 minutes, which has screened at our festival. Laurent Hasse, however, takes on a longer journey (82 days to cover 1,500 kilometers), whose result is a review of the rural world where he discovers a new form of reflection. The origin of this captivating piece came about from a tragedy. Hasse resolved to make this film after being hit by a car, a serious accident that altered his life forever. His journey is a kind of revenge against that automobile: walking on his own legs, discovering slowness and perceiving once again a lust for life. He chooses to travel during unstable times, that is, in the middle of winter,

Laurent Hasse (Francia, 1980) studied documentary filmmaking at Futuroscope University, in Poitiers. He has worked as a camera operator for TV, and as assistant director in documentaries by Jean Schmidt, before screening his opera prima at several festivals. He currently writes and shoots documentary films and works in the rebroadcasting of live music, theater and dance performances. Additionally, he collaborates as cameraman for different directors, and supervises audiovisual internships.

to avoid tourists. He finds all sorts of people and landscapes. Behind each image lies uncertainty. We never know what will happen next. The intrigue is permanent, and the excellent music creates an atmosphere of mystery and poetry. It was awarded by the Festival of Educational Films, Lussas, Résonances, Ecrans du Réel, EcoFilm, Itinérances and has been selected at numerous other festivals. P.G.

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Le génie helvétique El genio suizo / Suiza, 2003

Dirección: Jean-Stéphane Bron Producción: Ciné manufacture, Robert Boner Dirección de fotografía: Jean-Stéphane Bron Montaje: Karine Sudan Música: Christian García Duración: 90 minutos Formato de exhibición: 35 mm.

¿Alguien ha entrado al Congreso Nacional chileno y ha escuchado la discusiones en los baños, en los pasillos, en los ascensores, en el hemiciclo? Esto es lo que hace el experimentado realizador suizo Jean-Stéphan Bron en el hermoso Palacio Federal de Berna en el año 2001. Consigue, por fin, revelarnos qué es la política, cuáles son sus métodos, trucos, maniobras, mentiras y también sus verdades. Una obra que desde su estreno fue un enorme éxito de público en Suiza y objeto de polémica en todas partes donde se exhibió con éxito internacional y obtuvo muchos galardones. Una radiografía apasionante, un thriller legislativo que atrapa al espectador desde el inicio. El director se gana la confianza de una comisión parlamentaria que debe redactar una ley sobre la ingeniería genética aplicada a las plantas y animales. Los cinco héroes son diputados de distintas tendencias. Uno pertenece a la derecha conservadora y es un agricultor de gran reputación; un segundo parlamentario pertenece a un grupo muy ligado a la economía y antiguo cuadro de una transnacional de semillas transgénicas; una tercera diputada es del partido socialista y, además, alcaldesa de un pequeño pueblo. Un cuarto personaje es demócrata cristiano, católico practicante, profesor universitario y autor del texto Todo sobre la ingeniería genética. Finalmente, la persona más humana de esta apasionante historia, Maya Graf, es una ecologista del partido de los verdes que posee una granja ecológica, quien es quizás la con más sentido común y a la vez la más distante de los poderes políticos. La cámara se vuelve invisible y el director casi no interviene. P.G.

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Jean Stéphane Bron (Lausanne, 1969) es un realizador suizo diplomado en la École cantonale d’art de Lausanne. Ha dirigido documentales y filmes premiados en Europa y en Estados Unidos. La génie helvétique supuso uno de los mayores éxitos del cine suizo. Su última película, Cleveland contre Wall Street, fue seleccionada en Cannes 2010.

Has anyone gone into the National Chilean Congress and listened to the discussions in bathrooms, hallways, elevators, and inside the chambers? This is precisely what experienced Swiss director Jean-Stéphan Bron did inside the beautiful Federal Palace in Bern, in 2001. He manages, at last, to show us what politics truly is, what are its methods, tricks, maneuvers, lies and also, its truths. A piece that since its première has had enormous ticket-sale success in Switzerland, it has also been the object of controversy everywhere it has screened, while also collecting numerous distinctions. It is a gripping in-depth analysis, a legislative thriller that captivates the spectator from beginning to end. The director has gained the trust of the parliamentary commission that must draft a law about genetic engineering, as it applies to plants and animals. The five main characters are representatives from different tendencies: One belongs to the conservative right and is a highly reputed farmer; the second parliament member is part of a group that is closely tied to the economy and top management of a transnational company dealing in transgenic seeds; a third representative is a member of the Socialist Party and also, the mayor of a small town. The fourth character is a Christian Democrat, a practicing Catholic, university professor and the author of the text Everything about genetic engineering. Finally, the

Jean Stéphane Bron (Lausanne, 1969) is a Swiss director, graduate of la École cantonale d’art de Lausanne. He has directed documentaries and awarded films in Europe and the United States.  La génie helvetique  was considered one of the biggest successes of Swiss film production. His last movie, Cleveland contre Wall Street, was selected at Cannes 2010.

most humane person of this stirring story, ecologist Maya Graf, belongs to the Green Party and possesses an ecologic farm; she is arguably the one with the most common sense, and at the same time, the one farthest from political powers. The camera becomes invisible, and the director almost does not intervene. P.G.

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Metranmen hada al-turab

Une jeunesse amoureuse

Dos metros de esta tierra / Palestina, 2012

Una juventud amorosa / Francia, 2011

Dirección: Ahmad Natche Producción: Turab Films Guión: Ahmad Natche Director de fotografía: Rosibel Rojas Montaje: Ahmad Natche Sonido directo: Waleed Agel, Nadeem El Husary y Nicolás Tsabertidis Duración: 80 minutos Formato de exhibición: HDCAM

En su poema “Mural”, el poeta palestino Mahmud Darwich escribió que una vez muerto sólo necesitaría “dos metros de esta tierra” para descansar. En 2008 fallece en el exilio y sus restos son trasladados a una colina de Ramallah; metros más allá, en un teatro al aire libre, se prepara un festival veraniego de música. Registrando con detalle la preparación del evento y siguiendo de cerca la interacción entre productores, técnicos, artistas y periodistas, la gran frescura de esta cinta radica en que logra evitar el gran discurso político para enfocarse en cómo la identidad palestina y su vínculo histórico con la tierra se produce y regenera a partir de cientos de pequeños gestos de la vida cotidiana. A medio camino entre la ficción y el documental, Dos metros de esta tierra toma como título el poema de Darwich para recalcar que su cine se erige sobre un territorio ocupado y que la figura del poeta vigila atenta desde las alturas. Filmado cámara en mano en sólo un par de horas, con actores aficionados y financiado parcialmente a través de crowdfunding, Ahmad Nachte nos ofrece un luminoso vistazo a los sueños y esperanzas de la Palestina actual. R.G.

The Palestinian poet Mahmud Darwich wrote in his poem “Mural” , that once dead, he would need only “two meters of this land” to rest. He died in 2008 in exile, and his remains were moved to a hill in Ramallah; meters away, in an outdoor theater, a summer musical festival is under preparation. Carefully recording the event preparations and closely following the interaction among producers, technicians, performers and journalists, this film manages to avoids a static political discourse to focus instead on, to focus instead, on how Palestinian identity and its historical link with the land becomes and regenerates from the hundred small gestures of daily life. Somewhere between fiction and documentary, Dos metros de esta tierra gets its name from Darwich’s poem to highlight that his films are assembled over occupied territory and the figure of the poet watches from above. Filmed with a hand-held camera, in just a couple of hours with amateur actors, and financed in part through crowdfunding, Ahmad Nachte offers us a bright glance into dreams and hopes of modern day Palestine. R.G.

Ahmad Natche (Sevilla, 1974) Estudió Comunicación Audiovisual en la Universidad de Sevilla y la edición de Cine en la

Ahmad Natche (Sevilla, 1974) He studied Audiovisual Communication at the University of Sevilla and Film Editing at the International Film and TV School of San Antonio

Escuela Internacional de Cine y TV de San Antonio de los Baños (EICTV), Cuba. En Cuba dirigió El Extranjero (2000), mejor cortometraje de ficción en los Premios FAD, Barcelona. Como editor, recibió un premio de Icaro Dear Camilo (2007). En 2008 empezó a preparar, en la ciudad de Ramallah, su primer largometraje Dos metros de esta tierra.

de los Baños (EICTV), Cuba. In Cuba he directed El extranjero (2000), best fiction short film at the FAD Awards, Barcelona. As an editor he received an Icaro prize for Dear Camilo (2007). In 2008 he began to prepare, in the city of Ramallah, his first feature film, Two meters of this land.

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Dirección: François Caillat Producción: Christophe Cougeon Investigación y guión: François Caillat Director de fotografía: François Caillat Montaje: François Caillat Duración: 115 minutos Formato de exhibición: DVCAM

El narrador cuenta su juventud amorosa en el París de los años 1970. Es un verdadero relato de educación sentimental realizado con todo el cuerpo y el corazón. Una historia íntima y al mismo tiempo, la aventura de una generación. En resumen, una película sobre la dificultad de amar. Mezclando fragmentos de la ciudad con fragmentos de cartas, fotos de mujeres jóvenes y música de la época, la película construye una geografía amorosa de París, ciudad donde el autor ha vivido durante muchos años. Aquí aparecen sus aventuras, encuentros, descubrimientos y excesos de su juventud. Todo esto nos recuerda lo que fue aquella década prodigiosa. Como contrapunto, incluye algunas imágenes en súper 8 para mostrar la contra cultura en Estados Unidos y más tarde la dictadura militar en Chile. Entre los numerosos amores del autor, hay también una hermosa muchacha chilena, tal vez la más inquietante de todas. La crítica de Le Monde asegura que la película “tocará a todos los espectadores” ya que trata una época que en el fondo representa todas las épocas. FIDOCS ha mostrado una parte importante de la obra de François Caillat, entre ellas El caso Valerie y Tres soldados alemanes, pues en la edición pasada fue uno de nuestros invitados especiales. P.G. François Caillat (Lorraine, 1951) estudió filosofía, música y etnología. Empezó su carrera con cortometrajes de ficción, musicales o series de documentales cortos y a partir de los años 90, se centró en el largometraje documental, mezclando su formación filosófica con un enfoque intimista. Entre sus obras destacan La quatrième génération, L’affaire Valérie o Une jeunesse amoureuse.

The narrator tells about his romantic youth in Paris in the 1970s. It’s a true tale of sentimental education made with the whole body and heart. An intimate story, and at the same time the adventures of a generation. In summary, a film about the difficulty to love. Mixing city fragments with letter fragments, pictures of young women and music of the times, the film builds a romantic geography in Paris, where the author has lived for many years. Here we see his adventures, encounters, discoveries and the excesses of his youth. All of this reminds us of what that monumental decade was. As counterpart, it incudes some images in super 8 to show the United States culture and later the military dictatorship in Chile. Among the author’s many lovers, there is also a beautiful Chilean lady, perhaps the most disconcerting of all. The critics of Le Monde assure us that the film “will touch all viewers” since it deals with an era that represents all eras. FIDOCS has shown an important part of the Works of François Caillat, among them El caso Valerie and Tres soldados alemanes, he was one of our special guests on the last version. P.G. François Caillat (Lorraine, 1951) studied philosophy, music and ethnology. He began his career in fiction shorts, musicals and short documentary series. Beginning in the 90s, he concentrated in full-length documentaries, mixing his education in philosophy with an intimate focus. His works include the remarkable La quatrième génération, L’affaire Valérie and Une jeunesse amoureuse.

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Els monstres de ca meva Los monstruos de mi casa / España, 2010

Dirección: Marta Hierro y Alberto Jarabo Producción: Magdalena López-Baisson y Pablo Azorín Guión: Marta Hierro, basado en textos de Carmen Artero Dirección de fotografía: Alberto Jarabo y Javier G. Bordas Montaje: Alberto Jarabo e Isabel Ortega Música: Francisco Albéniz Sonido: Oscar Eguia Animación: Fran Bravo Duración: 60 minutos Formato de exhibición: DVCAM

Una película de apariencia modesta, narrada por un comentario explicativo y pedagógico que nos ofrece un espectáculo de humanidad enfocado hacia la población infantil. Gracias a la sensibilidad del personaje central (Carmen Artero), la película es un dossier paciente y enormemente tierno y sincero sobre la parte más aterradora del destino de algunos niños. Un grupo de hombres y mujeres atiende y acoge a pequeños que han sufrido abusos sexuales, palizas, golpes, abandono y desprecio. En medio de una sociedad que se cree “desarrollada”, ellos atienden la parte más castigada del país que prefiere taparse los ojos o mirar para el lado. Con entrevistas sencillas, dibujos animados y cuentos infantiles, el grupo pone en práctica un profundo plan de rehabilitación. No hay asomo de hospital, asilo o cárcel en la película, muy por el contrario, se trata de una obra llena de vitalidad y belleza. No es un estudio sicológico con médicos o siquiatras con batas blancas, sino más bien un grupo de mujeres que proyecta esperanza y jovialidad. El final nos sorprende por su carga emocional inesperada y sincera. “Entre los niños traumatizados hay un gran número de escritores, cineastas, pintores, porque en el refugio de lo imaginario es donde ellos pueden soportar el horror de lo real”, dice el neurólogo Boris Cyrulnik. Mejor documental de derechos humanos en el New York International Independent Film Festival, en 2010. P.G. Alberto Jarabo (Madrid, 1975) es licenciado en imagen por la Universidad Complutense de Madrid. Combina la docencia como profesor de montaje con la realización y producción de documentales; algunos de ellos se emitieron en los prestigiosos canales de

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televisión TVE, ARTE o TV3. Además es cofundador de la productora Quindrop Producciones. Marta Hierro (Cáceres, 1975) es licenciada en periodismo por la Universidad Complutense de Madrid. Desde 1996 trabaja como periodista en televisión y ha colaborado con importantes cadenas como Televisión Española, ARTE o Antena 3. Ha sido guionista de los documentales Estat d’Exili y Bajo en carbono, entre otros. Los monstruos de mi casa es su primer largometraje.

A film with a modest appearance, narrated in an explanatory and pedagogic commentary, offers us a humanitarian spectacle focused on the underage population. Thanks to the sensitivity of the main character –Carmen Artero– the film is a patient, sincere and enormously tender dossier about the most terrifying aspects in the fate of several children. A group of men and women welcome and tend to little ones who have suffered sexual abuse, beatings, neglect, abandonment and scorn. In the middle of a society that sees itself as “developed,” they look after the most damaged portion of a country that would rather cover its eyes or look the other way. With simple interviews, cartoons, children stories, the group sets a profound rehabilitation plan in motion. There is no sight of a hospital, institution or jail on the film; quite the contrary, it is a piece full vitality and beauty. It is not a psychology study, with doctors and psychiatrists in white coats, but rather, a group of women that project hope and cheerfulness. The ending is surprising, with an unexpected and sincere emotional charge. “Among the traumatized children, there is a large number of writers, filmmakers, painters, because in the shelter of imagination is where they can withstand the horrors of the real,” says neurologist Boris Cyrulnik. It received Best Human Rights Documentary at New York Independent Film Festival 2010. P.G.

Marta Hierro (Cáceres, 1975) holds a degree in journalism from Universidad Complutense de Madrid. Since 1996, she has worked as a journalist in television and has collaborated with important networks like Televisión Española, ARTE and Antena 3. She is scriptwriter of the documentaries Estat d’Exili and Bajo en carbono, among others. Los monstruos de mi casa is her first full-length.

Alberto Jarabo (Madrid, 1975) has a degree in image from Universidad Complutense de Madrid. He combines teaching editing with making and producing documentaries, some of which have shown in prestigious TV channels like TVE, ARTE and TV3. Additionally, he is cofounder of the production house Quindrop Producciones. 1BOPSBNB*OUFSOBDJPOBMt International Panorama

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Nicaragua, une révolution confisquée

Nosotros

Nicaragua, una revolución confiscada / Francia, 2013

Nosotros / España, 2012

Dirección: Gilles Bataillon y Clara Ott Producción: Calisto Productions SARL Investigación y guión: Gilles Bataillon y Clara Ott Director de fotografía: Jèrome Colin Montaje: Virginie Vericourt Duración: 96 minutos Formato de exhibición: Blu-ray

En 1979, en Nicaragua, la revolución sandinista sacó del poder a la familia Somoza y levantó grandes expectativas entre la población nicaragüense, oprimida tras cincuenta años de dictadura. ¿Qué pasó con la revolución original que emocionó al mundo? ¿ Dónde está la revolución pluralista que encarnaba la posibilidad de una tercera forma de romper con el antagonismo Este-Oeste de la Guerra Fría? Treinta años después, ocho de sus principales actores, participan en un análisis retrospectivo de sus excesos, mientras se oponen a su antiguo líder revolucionario Daniel Ortega, quién volvió al poder en 2006 y parece –a juicio de ellos– querer instalar una nueva dictadura. R.

In 1979, the Sandinista revolution throw out from power the Somoza family and raised great expectations among the Nicaraguan population, who had been oppressed by a 50- year dictatorship. Whatever happened with the original revolution that touched the world? Where is the pluralist revolution that embodied the possibility of a third way of breaking down the East-West cold war antagonism? Thirty years later, eight of its main actors participate in a retrospective analysis of its excesses, while they oppose their previous revolutionary leader, Daniel Ortega, who came back to power in 2006 and seems–under their judgement– to want to install a new dictatorship. R.

Clara Ott (París, 1965) es graduada en cine en la IDHEC-FEMIS. Ha dirigido múltiples filmes documentales, como Le cri des pasteurspeuls o Enfance à vendre, seleccionados y premiados en festivales internacionales. También ha realizado labores de producción, edición y montaje y trabajado en la Académie de France à Rome Villa Médicis.

Clara Ott (Paris, 1965) is a graduate in cinema from IDHEC-FEMIS. She has directed numerous documentary films, such as Le cri des pasteurs peuls and Enfance à vendre, selected and awarded at international festivals. Additionally, she has worked in production, editing, and at the Académie de France à Rome Villa Médicis.

Gilles Bataillon (1956) es sociólogo, especialista en los temas de América Latina contemporánea. Es catedrático de la École des Hautes Études en Sciences Sociales (EHESS), así como profesor invitado de historia en el Centro de Investigación y Docencia Económicas (CIDE). Ha publicado numerosos libros y artículos en revistas especializadas en Francia y en el extranjero.

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Gilles Bataillon (1956) is a sociologist, specializing in contemporary Latin American issues. He is faculty at École des Hautes Études en Sciences Sociales (EHESS), and guest history teacher at the Centro de Investigación y Docencia Económicas (CIDE). He has published diverse books and articles in trade magazines in France and abroad.

Dirección: Adolfo Dufour Andía Producción: New Atlantis, Maite Ibáñez Dirección de fotografía: Mariano Izquierdo y Pablo Mínguez Montaje: Berta Frías Música: Pablo Miyar Sonido: Enrique González y Nerio Gutiérrez Colaboración: José Luis Sampedro Duración: 95 minutos Formato de exhibición: Blu-ray

Cuando la empresa española Sintel se desplomó y se declaró en quiebra total, se produjo una verdarera conmoción entre sus empleados. Siete de ellos se quitaron la vida. Muchos otros fallecieron prematuramente. Poco a poco, los sobrevivientes se organizaron para crear un movimiento solidario que conmovió a toda España. De la nada, sin experiencia sindical, sin conocer de verdad una movilización obrera, el puñado de heroicos resistentes caminaron kilómetros hasta Madrid e instalaron un enorme campamento en la principal avendida de la capital, el elegante Paseo de la Castellana, donde acamparon en casas de cartón y durmieron durante meses a la intemperie hasta arrancar, lentamente, promesas muy vagas del gobierno y luego respuestas un poco mejores. La lucha siguió durante once años y aún sigue adelante. Nada ha conseguido paralizarlos y se convirtieron en un ejemplo de lucha contra la irresponsabilidad de los empresarios, la indolencia de los políticos y el despertar de la consciencia dormida de una España herida por la crisis. Una película ejemplar, sin pretensiones, bien contada, de un batallón de familias ordinarias, llenas de moral y de indignación. Una obra modesta repleta de buena fe que nos emociona y nos devuelve la confianza de que las cosas pueden cambiar cuando hay unidad entre todos y obstinación. Gran premio en Valladolid en 2009. P.G.

When the Spanish company Sintel crashed and declared complete bankruptcy, there was true commotion among its employees. Seven of them took their own lives. Many others passed prematurely. Little by little, the survivors organized to create a solidarity movement that shook all of Spain. Out of nowhere, without syndicate experience, without truly knowing the workings of a labor movement, the handful of heroic demonstrators walked over kilometers to Madrid and set up an enormous camp on the capital’s main avenue, the elegant Paseo de la Castellana, where they camped in cardboard houses and slept for months outdoors, until they slowly wrested very vague promises from the government at first, and better answers later. The struggle continued for eleven years, and still carries on. Nothing has been able to paralyze them, and they have become an example in the struggle against corporate irresponsibility, the apathy of politicians and the awakening of consciousness in a Spain aggrieved by the crisis. This is an exemplary film, without pretensions, well-narrated, about a battalion of ordinary families full of morals and indignation; a modest work full of good faith, that touches us and returns us the confidence that things can change when there is unity and obstinacy. Grand Prix in Valladolid 2009. P.G.

Adolfo Dufour Andía (Madrid, 1955) es guionista y director de los reconocidos documentales Septiembre del 75 y Viva la escuela moderna. Ha trabajado en las series de TV Esta es mi tierra y Paraísos cercanos, entre otras. Ha realizado labores académicas en la Escuela Internacional de Cine de San Antonio de Los Baños de Cuba y en la ECAM.

Adolfo Dufour Andía (Madrid, 1955) is a scriptwriter and director of the renowned documentaries,  Septiembre del 75 and Viva la escuela moderna. He has worked on the TV series  Esta es mi tierra  and  Paraísos cercanos, among others. He has taught at the International Film School at San Antonio de Los Baños de Cuba and at ECAM.

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Tous au Larzac Todos en Larzac / Francia, 2010

Dirección: Christian Rouaud Producción: Elzévir Films Dirección de fotografía: Alexis Kavyrchine Montaje: Fabrice Rouaud Sonido: Martin Sadoux Montaje de sonido: Jean Mallet Postproducción de sonido: Jean-Pierre Laforce Duración: 118 minutos Formato de exhibición: DVCAM

Esta película extraordinaria realizada entre los años 1970 y 1981 y filmada en el inmenso paisaje de las mesetas de Larzac (centro de Francia) y también en París, muestra los once años de combates no violentos organizados por los campesinos de la zona contra la expulsión de sus tierras para agrandar un campo de entrenamiento militar. El mismo realizador, Christian Rouaud, ya había echo otra gran obra sobre las luchas sociales: Los LIP, la imaginación al poder, en 2007, el primer ejemplo de autogestión de una industria en Francia que movilizó más de cien mil personas. Ahora, en Todos a Larzac, este director muestra de qué forma un grupo de campesinos y campesinas conservadores y católicos se dan vuelta con sorpresa y a veces con miedo. Se rebelan contra la expulsión y son apoyados por docenas de miles de personas que desde entonces les ayudarán a evolucionar para formar una clase distinta de agricultores. Organizan desfiles de tractores, ocupan granjas delante de los soldados, abandonan rebaños de ovejas debajo de la Torre Eiffel, mientras las autoridades no saben qué hacer y van con retraso. Apenas Mitterand es elegido, el proyecto se entierra. Pero el movimiento continúa: se crea una confederación nacional campesina, empieza el combate contra los productos OGM, el líder José Bové inicia el movimiento “altermundialista”. Los corderos ya nunca más volverán al rebaño. Un documental que propone una reflexión sobre las acciones de los campesinos que chocan con el Estado. Pone en evidencia dos sistemas de valores: la legalidad encabezada por los poderes y la legitimidad del combate ciudadano. En resumen: una película instructiva, movilizadora, que demuestra a los indiferentes que las cosas siempre se pueden cambiar. Recomendada para todos los públicos y muy especialmente

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para Michelle Bachelet. Estrenada en la selección oficial de Cannes 2011; Gran Premio en Pessac; César al mejor documental en 2012; Estrella de la prensa francesa ese mismo año y Premio del Público en Los Ángeles. P.G. Christian Rouaud (París, 1948) es escritor y director de cine documental. Entre sus obras destacan, principalmente, el premiado documental  Les Lip, l’imagination au pouvoir o las producciones televisivas Paysan & Rebelle, Un portrait de Bernard Lambert y Dans la maison radieuse.

This extraordinary film, made between 1970 and 1981, and shot in the immense landscape of the Larzac plateau (central France) and in Paris, shows eleven years of nonviolent combat organized by the area’s peasants against attempts to expel them from their lands in order to expand a military training camp. Filmmaker Christian Rouaud had already shot a great piece about social struggle: Les Lip – L’imagination au pouvoir, in 2007, a first example of self-management in French industry, which mobilized over one hundred people. Now, in Tous au Larzac, the director shows how the conservative, Catholic peasant group turns, sometimes in surprise, sometimes in fear. They rebel against expulsion and are backed by tens of thousands of people, whom from then on will assist them to evolve into a different kind of farmers. They organize tractor parades, occupy farms in front of the soldiers, abandon herds of sheep under the Eiffel Tower, while the authorities do not know what to do. As soon as Miterrand is elected, the project is buried. But, the movement continues: a national peasant confederation is created, the struggle against GMO products begins, and leader José Bové starts the “Alter-Globalization” movement. These sheep will never again return to the herd. This documentary proposes a reflection regarding the actions of peasants that clash with the State, and high-

Pessac, the Caesar to the Best documentary, the Star of the French press, and the Audience Award at Los Angeles. P.G. Christian Rouaud (Paris, 1948) is a writer and documentary filmmaker. Among his noted Works are the awarded documentary  Les Lip, l’imagination au pouvoir  and the TV productions,  Paysan & Rebelle, Un portrait de Bernard Lambert and Dans la maison radieuse.

lights two value systems: legality, as headed by the powersthat-be, and the legitimacy of the citizen struggle. In short: it is an instructive, mobilizing film that shows those that are indifferent that things can always change. It is recommended for all audiences, and especially for former Chilean president Michelle Bachelet. Premiered at the Official selection in Cannes 2011, in 2012, it received the Grand Prize at

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Il nous faut du bonheur

L’Oumigmag ou l’objectif documentaire

Necesitamos felicidad/ Francia, 2011

Oumigmag, o el objetivo de documentar / Canadá, 1993

Dirección: Alexander Sokourov y Alexei Jankowski Producción: Alexei Jankowski Director de fotografía: Sara Cornu Montaje: Alexei Jankowski Música: Mehdi Hosseini Sonido: Makar Akhpachev y Dominique Vieillard, Vladimir Ozemkov Duración: 52 minutos Formato de exhibición: DVCAM

Destruidos por su propia historia, la comunidad Kurda se une nuevamente durante su festival de la primavera, un ritual preislámico que marca el camino a la adultez. El relato se centra en Senia, la vieja matriarca de una familia extendida, en la villa de Gawilan Botan, región de Bardarash, a una hora en vehículo desde Erbil, la capital de Kurdistán Iraquí. El reto de este filme, además de contradicciones aparentes, fue describir una comunidad musulmana del medio oriente vía el retrato de una mujer, una que dirige a su familia con mano de hierro. R.

Torn apart by history, the Kurdish community becomes one again during its spring festival, an ancient, pre-Islam ritual that marks the passage to adulthood. The story centres around Senia, the elderly matriarch of an extended family in the village Gawilan Botan in the Bardarash region, about an hour’s drive from Erbil, the capital of Iraqi Kurdistan. The challenge the film faced, aside from its apparent contradictions, was to describe a Middle-East Muslim community through the portrait of a woman, one who runs her family with an iron fist. R.

Alexander Sokurov, titulado en historia y filosofía en la Lobachevsky State University de Gorky. Después de trabajar como documentalista para TV, se gradúa del prestigioso Instituto de Cinematografía All-Union State en 1979. Sus filmes han sido galardonados en varios festivales, incluyendo Berlín, Cannes, Moscú, Toronto, y Locarno (Leopard of Honour 2006).

Alexander Sokurov graduated in History and Philosophy from the N. I. Lobachevsky State University of Gorky in 1974. After working as a television-documentary maker, he graduated from the prestigious All-Union State Institute of Cinematography in 1979. Sokurov’s films have been awarded prizes at a host of festivals, including Berlin, Cannes, Moscow, Toronto, and Locarno (Leopard of Honour 2006).

Alexei Jankowski se tituló en historia antigua y prosiguió con estudios de dirección de cine en La Femis Film School, Paris, graduándose en 1995. Más tarde trabajó con Alexander Sukorov como actor y asistente en varios filmes, incluyendo The Days of Eclipse, The Evening Sacrifice, Moloch, y Dolce. Fue coproductor y asistente de dirección en Elegy of a Voyage. También ha escrito y dirigido varios documentales y cortometrajes.

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Dirección: Pierre Perrault Producción: Eric Michel, ONF Investigación y guión: Pierre Perrault Director de fotografía: Martin Leclerc Montaje: Camille Laperrière y Claire Boyer Música: Ginette Bellavance y Daniel Toussaint Sonido directo: Esther Auger Duración: 28 minutos Formato de exhibición: DVCAM NTSC

En lo profundo de Ungava Bay, en el extremo norte de Quebec, un cineasta vigila atento a los Oumigmag, manada de bueyes almizcleros que habitan la zona. Pierre Perrault recorre la tundra mientras medita sobre su concepción del documental. Una película que muestra el pensamiento de un humanista insaciablemente curioso. R.

In the depths of Ungava Bay, at Quebec’s northernmost point, a filmmaker carefully watches the Oumigmag; a herd of muskoxen that inhabit the area. Pierre Perrault traverses the tundra while meditating about his conception of a documentary. A film that portrays the thought of an insatiably curious humanist. R.

Pierre Perrault (Montreal, 1927-L’Isleaux-Coudres, 1999), director y poeta, fue uno de los cineastas más importantes de Canadá, codirector de la película Pour la suite du monde y autor de series como Un royaume vous attend o Le Goût de la farine. Publicó, también, trabajos de poesía y teatro y diversos libros sobre análisis cinematográfico. A lo largo de su trayectoria, recibió notables reconocimientos, como el Premio Albert-Tessier o el National Order de Québec.

Pierre Perrault (Montreal, 1927-L’Isle-aux-Coudres, 1999), a director and poet, is one of the most important Canadian filmmakers, co-director of Pour la suite du monde, and author of series, such as Un royaume vous attend and Le Goût de la farine. He published works on poetry and theater, along with several books about cinematographic analysis. Throughout his career, he received prominent accolades, like the Albert-Tessier Award and the National Order of Québec.

Alexei Jankowski graduated in Ancient History and went on to study Directing at La Femis Film School, Paris, graduating in 1995. He later worked with Alexander Sukorov as an actor and an assistant in a number of films, including The Days of Eclipse, The Evening Sacrifice, Moloch, and Dolce. He was Co-Producer and Assistant Director on “Elegy of a Voyage”. He has also written and directed a number of documentaries and short films.

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La mosquée royale d’Ispahan La mezquita real de Ispahan / Francia, 2011

Dirección y guión: Richard Copans Producción: Les Films d’Ici Dirección de fotografía: Richard Copans Montaje: Catherine Mabilat Música: Yann Pittard Postproducción de sonido: Stephane Larrat Maquinistas: Rouzbeh Raygah y Alvin Andon Duración: 26 minutos Formato de exhibición: DVCAM

La imagen impresionante con que empieza este documental no se olvida nunca. Una masa de veinte mil peregrinos inclinados en el patio de la gran Mezquita Real de Ispahan, construida en 1598 por el arquitecto Ali Akbar Esfahani. Se trata de una exquisita combinación de patios, espejos de agua, cuatro minaretes y una gran cúpula. Es una película concebiba para la serie Arquitecturas que encabeza Richard Copans y Stan Neuman (ambos invitados por FIDOCS en años anteriores y ambos grandes documentalistas). La película es una simple descripción, exacta, limpia y sin adornos, que penetra en la forma y alma musulmanas. Una voz muy sobria explica paso a paso los espacios, muros, techos y abismos de este enorme planeta concebido para la comunicación con Alá y con uno mismo. Ispahan es la tercera ciudad de Irán, a 340 kilómetros de Teherán. En sus tiempos de esplendor vivía entre dos grandes peligros: el gran imperio Mogol de la India y el imperio turco otomano. Era una ciudad atravesada por las caravanas de la antigua Persia. Su monarca Shah Abbas I la transformó en su capital. En su centro construyó una plaza de 600 por 160 metros, cuatro veces más grande que la plaza de Voges, hecha en la misma época en París. Ayudado por maquetas muy exactas, el filme narra la reconstrucción de la ciudad, pero sobre todo del templo. La colección Arquitecturas alcanza un estilo sublime cuando explica los espacios. Es la mejor serie del mundo en esto. Una música “geométrica” y los ruidos ayudan a entrar en los espacios para la meditación, así como las sombras del sol, que se mueven entre los muros vegetales y minerales. La cámara, montada en un brazo mecánico, parece volar muy lentamente. P.G.

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Richard Copans (París, 1947) es director de fotografía, productor y realizador de cine. Durante los años setenta fue asistente de cámara para Andréas Winding, Philippe Rousselot y Pierre Lhomme. Participó, además, del colectivo cinematográfico Cinélutte como camarógrafo y realizador, y fundó las productoras Les Films du passage y Les Films d’ici.

The impressive image at the beginning of this documentary is unforgettable: a mass of twenty thousand pilgrims bowed in the yard of the Royal Ispahan Mosque, built in 1598 by architect Ali Akbar Esfahani. The site is an exquisite combination of courtyards, water mirrors, four minarets and a great dome. This film was conceived for the Architectures series, headed by Richard Copans and Stan Neuman (both great documentary artists and both guests at FIDOCS in previous years). The film is a simple description, exact, clean, without ornaments, that penetrates into the Muslim form and soul. A very sober voice explains, step by step, the spaces, walls, roofs and abysses in this enormous planet conceived for communication with Allah and with oneself. Ispahan is the third city in Iran, 340 kilometers from Tehran. During its splendor, it existed between two dangers: the great Mongol Empire in India and the Ottoman Empire. It was a city visited by caravans from ancient Persia. Its monarch, Shah Abbas I, transformed it into his capital. In its center, he built a square of 600 by 160 meters, four times larger than Voges Square, built at the same time in Paris. With the aid of very exact models, the film narrates the reconstruction of the city, and especially of the temple. The Architectures collection reaches sublime style in describing spaces. It is the best series in the world, in this regard. A “geometric” music and the

Richard Copans (Paris, 1947) is a director of photography, producer and filmmaker. During the 70s, he worked as assistant camera for Andréas Winding, Philippe Rousselot and Pierre Lhomme. Additionally, he was a member of the cinematographic collective Cinélutte, as camera operator and director, and founder of production houses Les Films du passage and Les Films d’ici.

noises help us go into spaces for meditation, as do the shadows of the sun, that move between the mineral and vegetable walls. The camera, mounted in a mechanical arm, seems to fly slowly. P.G.

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Desde otra (p)arte From another (p)art


Bertsolari

Bloody Daughter

Bertsolari / España, 2011

Bloody Daughter / Suiza - Francia, 2012

Dirección: Asier Altuna Producción: Txintsua Films Guión: Asier Altuna Fotografía: Galzka Bourgeaud Música: Herrikojak Duración: 75 minutos Formato de exhibición: DVCAM

El nombre de esta película designa a los cantores vascos que interpretan un tema completamente improvisado a partir de cuatro o cinco ideas que el jurado les transmite. Es una especie de competición vocal de gran belleza. Se trata de un canto libre, sin instrumentos, que exige a cada intérprete una enorme concentración e inventiva. Es una competencia dura y a la vez poética. El filme refleja una extraña emoción y transmite una parte de la cultura vasca que muy pocos conocen en el mundo. Es una dimensión entrañable de un país que tiene manifestaciones culturales marcadas por el misterio. Esta práctica artística se inició hace siglos y se ha hecho cada vez más compleja: inventar y cantar versos de acuerdo a unas reglas de rima y métrica específicas. La película es un espejo de la soledad de los intérpretes y a la vez nos entrega una atmósfera épica en su culminación, cuando nos muestra un concurso gigantesco que reunió a más de catorce mil personas en un estadio techado en el año 2009. P.G. Asier Altuna (Bergara, 1969) realizó estudios audiovisuales en la escuela de Cine de Andoain y en Caracas (Venezuela) y talleres de guión en la Escuela de San Antonio de los Baños (Cuba). Se inició en el mundo del audiovisual como técnico de iluminación, pero tras el éxito de su primer cortometraje Txotx, codirigido por Telmo Esnal, dio el salto a la dirección y escritura de guiones. Ha realizado numerosos cortometrajes, series de televisión, publicidad y en 2005, dirigió junto a Esnal su primer largometraje, Aupa Etxebeste! con el que ganaron el Premio de la Juventud en el Festival de San Sebastián y fueron nominados al Goya a la mejor dirección novel. 

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The name of this film is the designation for Basque singers who perform completely improvised songs out of four or five ideas a jury provides. It is a kind of vocal competition of great beauty. It is free singing, without instruments, demanding enormous concentration and creativity from each participant – a competition that is both hard and poetic at the same time. The film reflects a strange emotion, and transmits part of the Basque culture that few in the world are familiar with. It shows an endearing facet of a country whose cultural manifestations are steeped in mystery. This artistic practice began centuries ago, and has grown progressively more complex – to invent and sing verses according to specific rules of rhyme and meter. The film is a mirror for the singers’ solitude, but it delivers an epic atmosphere in the end, when it shows a gigantic contest that brought together over fourteen thousand people to a stadium, in 2009. P.G. Asier Altuna (Bergara, 1969) studied audiovisual arts at the Andoain Film School, and in Caracas, Venezuela, also took script workshops at the San Antonio de los Baños film school (Cuba). He began working in the audiovisual field as a light technician, but following the success of Txotx, his first short film co-directed by Telmo Esnal, he shifted to script writing and directing. He has directed several short films, TV series and publicity spots and in 2005, he directed along with Esnal his first feature film, Aupa Etxebeste! Which won the Youth award at San Sebastian Film Festival, and were also nominated to the Goya for best new directors.

Dirección: Stéphanie Argerich Producción: Luc Peter y Pierro-Olivier Bardet Guión: Stéphanie Argerich Director de fotografía: Luc Peter y Stéphanie Argerich Montaje: Vincent Pluss Sonido: Marc von Stürler Edición de sonido: Nicolas Lefebvre Postproducción de sonido: Didier Rey Duración: 95 minutos Formato de exhibición: HDCAM

Martha Argerich es una de las pianistas más importantes de todos los tiempos. Con tres hijas de diferentes maridos –todos grandes personajes de la música–, su biografía es como un campo minado: lleno de baches, humos y silencios. De uno de sus viajes, Martha trae una cámara de video a su hija Stephanie, de once años, que ella usa para filmar la vida doméstica. Recopilando y ordenando dicho material pero produciendo también situaciones nuevas, Bloody Daughter logra rodear la fama, los conciertos, los premios y las giras para ofrecer un retrato vivo sobre el mundo íntimo y familiar de esta destacada pianista. En una década en que priman los documentales autobiográficos, Bloody Daughter logra evitar las tentaciones del género y evade cualquier toque de narcisismo. En las entrevistas y en el uso de la cámara no hay explotación, sino curiosidad y respeto, y Stephanie maneja con delicadeza la vida de una diosa que se levanta con pelo enmarañado y responde preguntas en pijama a una hija curiosa por completar el rompecabezas familiar. Un filme profundo de sinceridad abrumadora. R.G. Stéphanie Argerich (Berna, 1975) es hija de los célebres músicos Martha Argerich y Stephen Kovacevich. Estudió ruso en Moscú y fotografía en la Escuela de Diseño Parsons de Nueva York. Realizó numerosos cursos de realización de cine en París, para posteriormente dirigir el que es su primer largometraje, Bloody Daughter.

Martha Argerich is one of the most relevant pianists of all times. She has three daughters from different fathers -all great characters of the music world-, her biography is like a minefield: full of holes, smoke and silence. Martha brings her 11 year-old daughter Stephanie a video camera from one of her trips, which she uses to record domestic life. she collects and categorizes the material, but also creates new situations, Bloody Daughter courts fame, concerts, awards and tours, to offer a live portrait about the intimate and familiar world of this noted pianist. In this decade, in which auto-biographical documentaries rule, Bloody Daughter manages to avoid genre temptations and rejects any hints of narcissism. In interviews and use of camera there is no exploitation, but curiosity and respect, and Stephanie delicately maneuvers the life of a goddess that wakes up with messy hair and answers questions in pajamas, to a curious daughter who wants to complete the family puzzle. A deep film about overwhelming sincerity. R.G. Stéphanie Argerich (Bern, 1975) is the daughter of celebrated musicians Martha Argerich and Stephen Kovacevich. She studied Russian in Moscow, and photography at the Parsons Design School, in New York. After attending several filmmaking courses in Paris, she directed Bloody Daughter, her first feature.

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Corman’s World

Entre les Bras

El mundo de Corman / Estados Unidos, 2011

Entre los Bras / Francia, 2012

Dirección: Alex Stapleton Producción: Stone Douglass, Mickey Barold, Alex Stapleton, Jeffrey Frey e Izabela Frank Guión: Alex Stapleton y Gregory Locklear Director de fotografía: Patrick Simpson Montaje: Victor Livingston y Philip Owens Música: Air Duración: 89 minutos Formato de exhibición: Blu-ray

Rey indiscutido del cine-B, Roger Corman es sin duda una pieza clave de la historia de Hollywood. Dirigió más de cincuenta largometrajes, produjo más de cuatrocientos, desafió al macarthismo, fundó estudios de cine, ganó un Oscar honorífico en 2009 y fue quien le dio su primera oportunidad a figuras como Francis Ford Coppola, Jack Nicholson, Joe Dante, Paul W.S. Anderson, Nicolas Roeg, David Carradine, Dennis Hopper, Peter Bogdanovich, Robert De Niro, Peter Fonda, Pam Grier, Ron Howard, Martin Scorsese, William Shatner y James Cameron, por nombrar algunas. Testimonios de dichos personajes son recolectados en este fascinante biopic, en el cual el propio Corman, ya de 87 años, devela secretos de Hollywood, la industria y el cine. Corman’s World logra adentrarse en la complejidad de un hombre que reformuló un género barato, de efectos visuales artesanales, barriles de sangre artificial y rodajes express, introduciendo en él la sátira y la crítica social. Un documental entretenido y preciso que, con justicia, remarca la importancia del “legado Corman” en el cine norteamericano actual. R.G.

The undisputed king of B Movies, Roger Corman is no doubt a key piece in Hollywood history. He directed over fifty features, produced over four-hundred of them; he challenged McCarthyism, founded film studios, won an honorary Oscar in 2009, and gave their first chance to figures like Francis Ford Coppola, Jack Nicholson, Joe Dante, Paul W.S. Anderson, Nicolas Roeg, David Carradine, Dennis Hopper, Peter Bogdanovich, Robert De Niro, Peter Fonda, Pam Grier, Ron Howard, Martin Scorsese, William Shatner and James Cameron, just to name a few. Testimonies by these personalities are collected in this fascinating biopic, in which Corman himself, now 87 years old, reveals secrets from Hollywood, the industry and cinema. Corman’s World delves into the complexities of a man that reformulated this low-budget genre with homemade visual effects, barrels of artificial blood and express productions, by infusing it with satire and social criticism. This entertaining and precise documentary justly highlights the importance of Corman’s legacy to current American cinema. R.G.

Alex Stapleton es directora y productora de cine. Además de sus trabajos cinematográficos, ha realizado otras labores relacionadas con el audiovisual; fue la encargada de registrar para Levi’s la exposición de arte urbano Outside In: The Story of Art in the Streets, con la participación de Banksy o Shepard Fairey, y grabó para Nike las olimpíadas de 2008. Como productora, debutó con Just For Kicks y su ópera prima como directora, Corman’s World: Exploits of a Hollywood Rebel, ha obtenido excelentes críticas.

Alex Stapleton is a film director and producer. She documented for Levi’s the urban art exhibition Outside In: The Story of Art in the Streets, and recorded the 2008 Olympic Games for Nike. She debuted as producer with Just for Kicks, and Corman’s World: Exploits of a Hollywood Rebel, her opera prima as director, received excellent reviews.

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Dirección: Paul Lacoste Producción: Everybody On Deck Dirección de fotografía: Yvan Quéhec Montaje: Anthony Brinig Música: Florian Delafourniere Sonido: François Labaye Postproducción de sonido: Jean-Marc Billand Duración: 90 minutos Formato de exhibición: DVCAM

Una película llena de poesía, condimentada por ligeros acordes de piano que entran en la vida de una familia de la provincia francesa. Una obra llena de ligeras observaciones, hermosos paisajes y las manos delicadas de varios hombres que construyen los platos más deliciososo de la región. Una película bien narrada, bien articulada, amena, liviana, que está enriquecida por hermosas reflexiones sobre la vida de un equipo de cocineros. Es también la historia de uno de los mejores restaurantes de Europa, en el sur de Francia, donde Michel Bras (el gran fundador del establecimiento) cede poco a poco su lugar a su hijo Sebastián, otro gran cocinero inventivo. He aquí una película sobre la cocina, la transmisión del padre al hijo, sobre cómo los conocimientos del más viejo tienen que pasar al más jóven, sin perder su sabor y dejándole plena libertad al heredero para que invente nuevos platos y otro estilo para cocinar. Una pareja que se inspira, a su vez, en los ancianos abuelos, buenos cocineros también, modestos, que empujaron a sus hijos y nietos hasta el mundo de la cocina. Al principio, el restaurante familiar era normal, como tantos otros, pero gracias al vigor de Michel Bras, se convierte en un sitio de “alta cocina” famoso en toda Europa y después incluso en Japón. Es la historia de la cocina, pero también la historia de dos buenos empresarios. Una pequeña joya que se contempla con placer y ojalá con una copa de buen vino en la mano. Celebrada y seleccionada por la Berlinale, San Francisco, Seattle, Sao Paulo y San Sebastián. P.G. Paul Lacoste (Francia, 1966) es profesor de dirección cinematográfica en la ESAV de Toulouse. Escribió la obra teatral Les Eaux fortes (2010), que dirigió y adaptó al cine. Entre les Bras es su primer documental.

Here is a film full of poetry, seasoned with light piano chords, that enters into the life of a family in the French countryside. It is a piece full of light observations, beautiful landscapes and the delicate hands of several men that concoct the most delicious dishes in the region. It is a finely narrated film, well-articulated, entertaining, light, enriched by the beautiful reflections about life of a teach of cooks. It is also the story of one of the best restaurants in Europe, in southern France, where Michel Bras (the renowned founder of the establishment) is slowly giving up his spot to Sebastian, his son, another outstandingly inventive cook. This is a film about the kitchen, about the transmission from father to son, about how the knowledge from the elder must pass on to the young, without losing its flavor, while giving the young heir complete freedom to invent new dishes and another cooking style. This couple is inspired in turn by their elderly grandparents, modest yet great cooks in their own right, who drove their sons and grandchildren into the world of the kitchen. In the beginning, it was a normal family restaurant, as so many others, but thanks to Michel Bras’s vigor, it became a place of haute cuisine, famous throughout Europe, and later, even in Japan, where they opened a similar establishment. It is a story about cuisine, but also about two fine entrepreneurs. This little jewel is to be contemplated with pleasure and hopefully with a glass of fine wine on hand. It has been celebrated and selected at Berlinale, San Francisco, Seattle, Sao Paulo and San Sebastián. P.G. Paul Lacoste (France, 1966) is a professor of film direction at ESAV, in Toulouse. He has directed fiction short- and medium-length films. He wrote the play Les Eaux fortes (2010), which he directed and adapted for the screen. Entre les Bras is his first full-length documentary.

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Eames: The Architect & The Painter Eames: The Architect & The Painter / Estados Unidos, 2011

Dirección: Jason Cohn y Bill Jersey Producción: Jason Cohn y Bill Jersey Guión: Jason Cohn Director de fotografía: Ulli Bonnekamp, Edgar Boyles, Brian Dowley, Andrew Dryer, Vicente Franco, Tom Hurwitz, Edward Marritz, Jon Shenk, Peter Stepanek, Thaddeus Wadleigh, BrettWiley y Brian Wingert. Montaje: Don Bernier Música: Michael Bacon Mezcla de sonido: James Lebrecht y Dan Olmsted Diseño de sonido: Berkeley Sound Artists Duración: 85 minutos Formato de exhibición: Blu-ray

El matrimonio Eames emergió en el período de post-guerra y rápidamente se instaló como uno de los puntales creativos de Estados Unidos. Su trabajo tuvo una influencia enorme en campos como la arquitectura, el cine, la fotografía y el diseño, y este documental explora su historia con ritmo vertiginoso y sin dejar detalle fuera de cuadro: sus obras para firmas como IBM y Polaroid, las dinámicas de trabajo, los egos, las amantes y las tensiones circundantes son algunos de los muchos temas en los que se profundiza con cuidadas entrevistas y buen material de archivo. Especialmente interesante es la apuesta que se hace por la figura de Ray Eames. Absolutamente desplazada a un segundo lugar, en un tiempo y lugar dominado por hombres, su trabajo y mirada fue, sin embargo, esencial para el éxito e innovación del estudio. De modo justo, los directores han querido reivindicar su legado, otorgándole de paso una agenda política y un nivel de profundidad inesperado al documental. Narrado por James Franco, Eames: The Architect & The Painter será sin duda un placer para los fans de Mad Men y todos quienes trabajan en esa industria hoy llamada “creativa”. Porque sépanlo: he aquí quienes les abrieron camino. R.G. Jason Cohn es periodista, productor y editor en jefe de Pacific Time Ha escrito documentales para National Geographic y PBS, y sus artículos han aparecido en la sección National Affairs de la revista Rolling Stone, Los Angeles Times, LA Weekly, San Francisco Chronicle y otros periódicos importantes.

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Bill Jersey ha producido documentales para programas de TV por cuarenta años. En los principios de los años sesenta estableció su reputación como uno de los pioneros del movimiento cinema-verité. Desde entonces ha producido documentales para las más grandes cadenas y en asociación con PBS, WNET New York, KCET Los Angeles, WGBH Boston, entre otras.

The Eames partnership arose in the post-war period and quickly established itself as one of the creative powerhouses in the United States. Their work had an enormous influence in fields such as: Architecture, film, photography and design, and this documentary explores their history with a giddy rhythm and without leaving any details out of frame. Works for companies like IBM and Polaroid, work dynamics; egos, the lovers and surrounding tensions are some of the many subjects they ponder with careful interviews and good quality file footage. It’s especially interesting the place given to the figure of Ray Eames, absolutely displaced to a secondary position, in a place and time dominated by men. However, her work and points of views were essential for the success and innovation of the study. To be fair, the directors wanted to vindicate her legacy, bestowing a political agenda and unexpected depth to the documentary. Narrated by James Franco, Eames: The Architect & The Painter will be without a doubt a pleasure for all fans of Mad Men and all those that work in this “creative” Industry. People must know: here are those who paved the way. R.G.

Bill Jersey has been producing documentaries for broadcast television for over forty years. In the early 60’s he established his reputation as one of the pioneers of the cinema-verité movement. Since then he has produced documentaries for all of the major networks and in association with PBS, WNET New York, KCET Los Angeles, WGBH Boston, and others.

Jason Cohn, as a public radio reporter, producer and managing editor, Jason covered the culture of technology for Beyond Computers and issues of Asian art, culture and politics for the nationally syndicated program Pacific Time. As a writer, he has written documentaries for National Geographic and PBS, and his articles have appeared in the National Affairs section of Rolling Stone, the Los Angeles Times, LA Weekly, the San Francisco Chronicle and other major periodicals.

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Free Radicals Radicals libres / Francia, 2011

Dirección: Pip Chodorov Producción: Ron Dyens Guión: Pip Chodorov Dirección de fotografía: Pip Chodorov y Nicolas Rideau Montaje: Nicolas Sarkissian y Jackie Raynal Sonido: Xavier Thibault y Jean-Marc Schick Duración: 78 minutos Formato de exhibición: DVCAM

El cineasta y compositor de música Pip Chodorov (Nueva York, 1965), creador también de una casa de distribución de cine experimental llamada “Re:voir”, nos entrega ahora un filme sobre sus amigos de todas las épocas. Se trata de un grupo de cineastas que a partir de los años veinte hasta ahora, han hecho un cine de sensaciones, ideas, impactos, impresiones, conceptos, con procedimientos únicos y adelantados a su tiempo, a menudo incomprendidos y etiquetados con la palabra “experimental”. Mediante esta notable antología, Pip Chodorov nos pone al día acerca de este cine casi inédito. Echemos una ojeada a algunos de sus héroes: Hans Richter (1888-1976) fue un pintor alemán influenciado por el cubismo y el expresionismo. Defendió y practicó un arte vinculado al movimiento dadá formado por películas de figuras geométricas en movimiento. Sus cortometrajes muestran abstracciones a través de formas simples siguiendo un compás. Por ejemplo, en Rhythm.2, un fondo negro es cruzado por líneas blancas seguidas por rombos, rectángulos que se agrandan y crecen, a veces salen de cuadro y más tarde son reemplazados por líneas paralelas o por rayas en forma de cuña. Sobre este autor y su obra se ha escrito una verdadera montaña de teorías. Otro autor experimental, Len Lye (1901-1980), de origen neozelandés, comenzó con filmes pintados en la superficie del celuloide (como después continuaría Norman McLaren). Pero en su Kaleidoscope practica también la animación y traduce en figuras la música cubana con diseños, leyendas, texturas y conjuntos de colores; es un cine de efectos interminables. Stan Brakhage (1933-2003), autor estadounidense, también hizo filmes pintados a mano. Jonas Mekas (nacido en 1922), de origen lituano, es la gran figura del

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cine experimental basado en Nueva York, amigo de Warhol, Ginsberg, Lennon y Dalí, autor de más de cincuenta obras en todos los soportes y formatos. Hizo un documental extraordinario sobre su vida, Recuerdos de un viaje a Lituania, donde regresa a la tierra de sus orígenes acompañado de su hermano. Sin ninguna duda, Radicales libres es la antología necesaria que todos esperábamos. P.G. Pip Chodorov (Nueva York, 1965) es compositor musical y director de cine. Trabajó en distribución de filmes en Orion Classics, UGC o Light Cone, y actualmente desempeña su labor en Re:Voir Video, empresa que fundó en 1994, y en la galería de cine experimental The Film Gallery.

Filmmaker and music composer Pip Chodorov (Nueva York, 1965), also the creator of a film distribution company called Re:voir, presents us with a film about his all-time friends; that is, about a group of filmmakers that beginning in the 1920s, up to our days, have made a cinema of sensations, ideas, impacts, impressions, concepts, with unique, pioneering procedures, often misunderstood and labeled “experimental.” Through this amazing anthology, Pip Chodorov gives us an update regarding this almost unprecedented kind of cinema. Let’s look at some of his heroes: Hans Richter (1888-1976) was a German painter influenced by cubism and expressionism. He defended and practiced an art linked to the Dadaist movement, making films about geometric shapes in motion. His shorts show abstractions through simple shapes that move to a beat. For example, Rhythm.2: a black background is crossed by white lines, followed by diamonds and rectangles that grow, sometimes out of the frame, and that are later replaced by parallel lines or scribbles like wedges. This author and his work have been the object of a veritable mountain of theories. Another experimental author, New Zealander Len Lye (1901-1980), began with movies painted on the surface of film (as Norman McLaren would later do). But in his Kaleidoscope, he also delves into animation, translating Cuban music into

dinary documentary about his life, Reminiscences of a Journey to Lithuania, where he returned to his homeland, with his brother. Undoubtedly, Free Radicals is the necessary anthology we have all been waiting for. P.G. Pip Chodorov (New York, 1965) is a musical composer and film director. He worked in film distribution at Orion Classics, UGC and Light Cone. At present, he carries out his work at Re:Voir Video, a company he founded in 1994, and also at The Film Gallery, an experimental cinema gallery.

shapes, with designs, texts, textures and color collections – a cinema of interminable effects. American author Stan Brakhage (1933-2003) also made films painted by hand. Lithuanian Jonas Mekas (born in 1922) is the great figure of experimental cinema; based in New York, he was a friend of Warhol, Ginsberg, Lennon and Dalí. The author of over 50 works, in every medium and format, he made an extraor-

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Emak Bakia baita

Museum Hours

La casa Emak Bakia / España, 2012

Horas de Museo / Austria, 2012

Dirección: Oskar Alegría Guión: Oskar Alegría Imagen: Oskar Alegría Montaje: Oskar Alegría Producción : Oskar Alegría Duración: 83 minutos Formato de exhibición: DVCAM

En 1926, el famoso artista estadounidense Man Ray hizo un hermoso filme experimental en las costas del País Vasco. Ochenta y siete años más tarde, el cineasta Oskar Alegría intenta buscar la casa donde Man Ray filmó aquella película de leyenda. Para tener una idea de qué camino tomar, el joven director nos muestra numerosos fragmentos de aquella película fascinante, abstracta y misteriosa, que describe algunas playas de la costa de Biarritz. Por supuesto, nadie sabe nada de esa película. Ningún archivo, ninguna institución le puede ayudar. Solamente tiene a su favor la intuición, el viento y el azar. Es el arranque de una búsqueda llena de fantasía, música, imágenes fugitivas, que provocan hechizo en el público. Cada imagen estimula la imaginación del espectador. Nunca sabemos adónde vamos; la película es un viaje imaginario que nos mantiene en vilo todo el tiempo. Oskar Alegría realiza unas excelentes “Variaciones Man Ray” tal como Bach hizo las legendarias “Variaciones Goldbeg” con un “final extraordinario”, según palabras de Víctor Erice. Seleccionada en Edimburgh, Telluride, Bafici, Docslisboa, Valdivia, San Sebastián y Morelia. Premiada en Montréal. P.G. Oskar Alegria (Pamplona, 1973) es periodista de formación, comenzó trabajando de reportero en Madrid en los informativos de Canal Plus y CNN+. En el terreno del documental gastronómico, ha escrito y co-dirigido la serie de Maestros de la cocina vasca para ETB-televisión. Desde el 2009, es profesor de guión de documentales en el máster de guión audiovisual de la Universidad de Navarra y ha dirigido un Taller de Fotografía Abstracta para niños en el Museo Chillida-Leku.

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In 1936, the famous American artist Man Ray made a beautiful experimental film on the coasts of the Basque Country. Eighty-seven years later, filmmaker Oskar Alergría tries to find the house where Man Ray shot the legendary movie. To get an idea of where to begin, the young director shows us numerous fragments of that fascinating film, abstract and mysterious, which describes some of the beaches along the Biarritz coast. Of course no one knows anything about the movie. No archive, no institution can help him. Only intuition, luck and the wind are on his side. Here is the beginning of a search full of fantasy, music and fleeting images that mesmerize the audience. Each image stimulates the viewer’s imagination. We never know where we are headed; the film is an imaginary voyage that keeps us in suspense throughout. Oskar Alegría makes excellent “Man Ray Variations” –much like Bach composed the legendary “Goldberg Variations”– with an “extraordinary ending,” according to Victor Erice. Selected at Edinburgh, Telluride, Bafici, Docslisboa, Valdivia, San Sebastián and Morelia. Awarded in Montreal. P.G. Oskar Alegria (Pamplona, 1973) Journalist, he began working as a reporter for news programs of Canal Plus and CNN+, in Madrid. In the field of gastronomy documentaries, he has written and co-directed the series Maestros de la cocina vasca (Masters of Basque Cuisine) for ETBTelevision. Since 2009 he teaches scriptwriting for documentaries at the Audiovisual Script Master of the Navarra University, and he has directed the Abstract Photography Workshop for children at the Chillida-Leku museum.

Dirección: Jem Cohen Producción: Paolo Calamita, Jem Cohen, Gabriele Kranzelbinder, Guy Piccioto y Patti Smith Guión: Jem Cohen Director de fotografía: Jem Cohen y Peter Röhsler Montaje: Jem Cohen y Marc Vives Sonido directo: Bruno Pisek Duración: 106 minutos Formato de exhibición: DCP

En un primer nivel, esta película trata sobre la genuina amistad que se tiende entre Johann (Bobby Sommer), guardia del Museo de Historia del Arte de Viena, y Anne (Mary Margaret O’Hara), una canadiense de paso por la ciudad. Ambos caminan por los pasillos, admirando y comentando los cuadros del museo –particularmente a Bruegel–, para salir luego a la ciudad y deambular sin rumbo fijo, buscando en las calles ecos lejanos de dichas obras. De algún modo, con ello señalan que lo que hay dentro de esos muros no es inerte, sino que se conecta con la humanidad que transcurre allá afuera.  Alrededor de esa trama, Jem Cohen construye un filme que no es ficción, documental ni cine ensayo, sino todas a la vez. En casi dos horas, y con un montaje preciso, la trama se va complementando con reflexiones sobre el rol y consumo del arte y también con un buen número de inesperadas tomas callejeras. Una película graciosa y analítica que formalmente se aleja del cine al que Cohen nos tenía acostumbrados, pero que se mantiene fiel a sus temas fundamentales: desvaríos urbanos, crítica a la vida contemporánea, la escena punk, el acceso a lo público y el extravío. Probablemente su mejor trabajo a la fecha. R.G. Jem Cohen (Kabul, 1962) es un director norteamericano conocido, sobretodo, por sus personales retratos de paisajes urbanos. Sus obras se han expuesto en prestigiosas instituciones como el MoMA o The Whitney, y grandes festivales como el BAFICI o el Festival de Gijon le han dedicado retrospectivas. En sus obras ha contado con colaboraciones de artistas musicales de la talla de Fugazi, Patti Smith o R.E.M.

On a first level this movie deals with the genuine friendship between Johann (Bobby Sommer), Vienna Art History Museum’s guard, and Anne (Mary Margaret O’Hara), a Canadian passing through the city. They walk the corridors admiring and commenting on the museum pictures- particularly Brueghel-, and later go out in the city and ramble the streets with no destination, searching for the distant echoes of those pieces. In some way, with this action they point to the fact that what is on those walls is not inert, it happens on the outside. Jem Cohen builds a film around the subject and is not fiction, nor documentary, or film essay, but all three. In almost two hours and with precise editing, the plot gets complemented with thoughts on the art’s role and art consumption, and also several street shots. A funny and analytical film that formally moves away from the films Cohen had us used to, but stays loyal to fundamental themes: urban variance, criticism to contemporary life, the punk scene, public access and mislaying. Probably his best work to date. R.G. Jem Cohen (Kabul, 1962) is an American director, well known for his personal portraits of urban landscapes. His works have shown at MoMA and The Whitney, and festivals like Bafici and Gijón have hosted retrospectives of his films. Important music artists, of the stature of Fugazi, Patti Smith and R.E.M., have collaborated in his productions.

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Regilaul - Lieder aus der luft Regilaul, canciones del aire / Suiza, 2010

Dirección y guión: Ulrike Koch Producción: SRF Schweizer Radio und Fernsehen, Doc Productions GmbH, Zurich, Rühm Null OÜ y Tallinn Dirección de fotografía: Pio Corradi Montaje: Magdolna Rokob Música: Märt-Matis Lill Sonido: Mart Kessel-Otsa Duración: 104 minutos Formato de exhibición: DVCAM

Ulrike Koch vive en Suiza. Ha estudiado sinología, estudios japoneses y etnología en la Universidad de Zurich. También chino moderno, literatura y filosofía en la Universidad de Pekín. Ha sido asistente de dirección de Nikita Mikhalkov para Urga y asistente de dirección de Bernardo Bertolucci en El último emperador y Pequeño Budha. Ha realizado dos documentales excepcionales exhibidos anteriormente en FIDOCS: Los hombres de la sal del Tibet y Ässhäk, historias del Sahara (esta última ganadora del gran premio en Filadelfia y Rotterdam). Ahora nos entrega Regilaul, otra obra enigmática y única, tal vez la más compleja de todas. Es una película de canciones (“canciones del aire”) que se basan en ocho sílabas llamadas “regi”. Su origen está en la antigua imagen del mundo fino-ugrio. Son la base para la famosa cultura del canto estonio. Su sonoridad monótona contiene una fuerza misteriosa y anima la confrontacion de cada persona con sus propias raíces y la búsqueda de nuevas formas de transformacion de esa misma cultura. Esto ocurre especialmente en los tiempos de cambios elementales de la vida, que para muchos significan la pérdida de la identidad, y responde a la pregunta ¿cómo uno puede integrarse a este mundo?, que nos concierne a todos. Estonia ofrece campos de energías fílmicas para presentar este tejido único entre naturaleza, hombre y canciones. La imagen que se repite una y otra vez a lo largo de la película posee una rara seducción: es un águila que vuela hasta su nido. La fotografía y encuadre de este filme pertenece a uno de los grandes fotógrafos documentales del mundo, Pio Corradi, que también trabaja –entre otros– con Richard Dindo. P.G.

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Ulrike Koch (Birkenfeld/Nahe, 1948) es periodista y realizadora de cine. Estudió Sinología, Japanología, y Etnología en la Universidad de Zurich, así como Literatura China y Filosofía en la Universidad de Beijing. Empezó publicando artículos y reseñas cinematográficas en medios como Weltwoche o Positif. Posteriormente realizó labores como directora de casting y asistente de dirección para obras como El último emperador de Bernardo Bertolucci o Urga de Nikita Mikhalkov. Entre sus films destacan The Saltmen of Tibet o Regilaul.

Ulrike Koch lives in Switzerland. She has studied Sinology, Japanese studies and ethnology at Zurich University, and also modern Chinese language, literature and philosophy at Beijing University. She has been assistant director for Nikita Mikhalkov in Urga, and for Bernardo Bertolucci in The Last Emperor and Little Buddha. She has made two exceptional documentaries previously screened at FIDOCS: The Saltmen of Tibet and Ässhäk, Tales from the Sahara (the latter, winner of the Grand Prize at Philadelphia and Rotterdam). Now, she gives us Regilaul, another enigmatic and unique picture, probably the most complex of them all. It is a film about songs (“songs of the air”) based on eight syllables called “regi.” Their origin is in the ancient

Ulrike Koch (Birkenfeld/Nahe, 1948) is a journalist and film director. She has published articles and film reviews in Weltwoche and Positif, and was casting director and assistant director in movies like The last emperor, by Bernardo Bertolucci, and Urga, by Nikita Mikhalkov. Some of her important films include The Saltmen of Tibet and Regilaul.

image of the Finno-Ugric world. They are the basis for the famous Estonian singing culture. Its monotonous sonority contains a mysterious strength, and it fuels the confrontation of each person with its own roots and the search for new forms of transformation in this culture. This especially occurs at times of elemental changes in life, which for many mean a loss of identity, and answers the question “how can one become part of this world?” which touches us all. Estonia offers fields of film energy to present this unique intertwining between nature, man and song. The image that repeats over and over throughout the film possesses a strange seduction: an eagle flying to its nest. The cinematography and framing on this movie belong to one of the great documentary DoPs in the world, Pio Corradi, who also works with Richard Dindo, among others. P.G.

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Horizontes Horizons


Horizontes Horizons

Mariana Otero

Mariana Otero es una destacada cineasta francesa de origen español que pertenece a una familia de artistas. Su hermana es la actriz Isabel Otero y ambas son hijas de la notable pintora Clotilde Vautier y del artista gráfico Antonio Otero. Su abuelo paterno, antiguo periodista republicano en Madrid, se refugió en Francia en los años cincuenta. Mariana estudió literatura y más tarde se diplomó como realizadora en el IDHEC de París (Instituto de Altos Estudios Cinematográficos). Ha hecho una relevante colección de documentales, entre los que sobresale La Ley del colegio, Historia de un secreto y Entre sus manos, que se caracterizan por un lenguaje sensible, claro y poético. Mariana Otero ha tratado con éxito diversos temas de gran complejidad, muy difíciles de desarrollar, gracias a su personalidad atrevida, fuerte y rebelde. Ella no sólo posee una mirada elegante, sino que su obra es también una forma de lucha, indignación, denuncia, hacia una sociedad inhumana, cruel y llena de prejuicios. Es un verdadero honor tener entre nosotros a una cineasta sobria, convincente, que conoce el verdadero arte de la transmisión. P.G.

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Bruno Monsaingeon

Mariana Otero is a renowned French filmmaker of Spanish origins that belongs to a family of artists. Actress Isabel Otero is her sister, and both are daughters of noted painter Clotilde Vautier and graphic artist Antonio Otero. Her paternal grandfather, an old republican journalist in Madrid, sought refuge in France during the 50s. Mariana studied literature, and later received her degree as filmmaker from IDHEC (Institut des hautes études cinématographiques), in Paris. She has a distinguished collection of documentaries, including the remarkable La loi du collège, Histoire d’un secret and Entre nos mains, characterized by a clear and sensitive poetic language. Thanks to a strong and daring rebel personality, Mariana Otero has successfully broached diverse, greatly complex, hard-to-take-on topics. Not only does she possess an elegant gaze; her work is also a form of struggle, indignation and denouncement, towards an inhuman and cruel society, full of prejudices. It is a real honor to have with us this sober, convincing director, who knows the true art of transmission. P.G.

Bruno Monsaingeon, con toda seguridad, es el más grande autor de documentales de música clásica de hoy. Además de ser un destacado musicólogo, es también un gran intérprete de violín, investigador, escritor, ensayista, profesor y maestro del documental. No hace “amables” programas de televisión sobre música clásica, sino que construye grandes murales de los más destacados genios musicales de la modernidad, como Glen Gould, Sviatoslav Richter, David Oistrakh y Yehudi Menuhin, obras que sin duda perdurarán en el tiempo como los mejores retratos cinematográficos realizados sobre la materia, poniendo en práctica una manera distinta de tratar la música en el cine, donde el rigor y la imaginación se conjugan. A sus 68 años este documentalista ha realizado 84 obras (que él clasifica con la palabra “Opus”, igual como lo hacen los compositores). Algunos de sus “Opus” continenen hasta tres obras cada uno. Es autor de diecisiete textos sobre sus héroes. En su página figuran veinticuatro álbumes DVD en plena distribución. Sin duda alguna, Bruno Monsaingeon es el gran “compositor del cine documental” de nuestro tiempo. P.G.

Raoul Peck

In all certainty, Bruno Monsaingeon is the greatest author of classical music documentaries today. In addition to being a renowned musicologist, he is also a magnificent violin player, researcher, writer, essayist, professor and documentary master. He doesn’t make “lovable” programs for TV about classical music, but rather, he constructs great murals about the most remarkable musical geniuses of modernity, such as Glen Gould, Sviatoslav Richter, David Oistrakh and Yehudi Menuhin. These pieces will undoubtedly live on

Es imposible resumir la trayectoria de Raoul Peck en cuarenta líneas de texto. Ha pasado por el Congo, Estados Unidos, Francia y Haití (su patria), entre otros países, donde siempre se ha destacado en actividades relacionadas con el cine, la pedagogía, el trabajo sindical, la política y los derechos humanos. Fue diplomado por la Academia del Cine de Berlín, profesor en la Universidd de Nueva York, Ministro de Cultura en Haití, miembro del jurado de la Berlinale. Raoul Peck es una personalidad multifacética. Es ingeniero, econo-

as the best cinematographic portraits on the subject, where he put in practice a different way of approaching music in cinema, one where rigor and imagination combine. At 68, this documentary artist has made 84 movies (which he classifies as “Opus,” like composers do). Some of his opuses group three pieces together. He is also the author of seventeen texts about his heroes. No doubt, Bruno Monsaingeon is the great “composer of documentary cinema” of our time. P.G.

mista, periodista, fotógrafo y en 1994 obtuvo el premio Néstor Almendros en Nueva York por su trabajo en favor de los derechos humanos. Actualmente es director de la escuela de cine de París, La Fémis. Posee una sala de cine en Puerto Príncipe que logró sobrevivir al terremoto. En su sexta edición, este festival ya mostró una película extraordinaria de este autor, La ganancia y nada más. En la actualidad, prepara una ficción sobre la juventud de Carlos Marx, razón que le impidió venir personalmente a Santiago. P.G.

It is impossible to summarize the career of Raoul Peck in forty lines of text. He has lived in Congo, the US, France and Haiti –his homeland–, among other countries, where he has always stood out in activities that relate to cinema, teaching, union work, politics and human rights. He received a degree from the Berlin Film Academy, has taught at New York University, was Culture minister in Haiti, and jury member at Berlinale. Raoul Peck is a multi-faceted personality: an engineer, economist, journalist, photographer, and, in 1994, he received the Nestor Almendros Award in New York for his human rights work. Currently, he is director of the famed La Fémis film school, in Paris. He also owns a movie house in Portau-Prince, which survived the earthquake. In its sixth edition, our festival screened his extraordinary film Profit and nothing but! At present, Peck is preparing a fiction about Karl Marx’s youth, reason why he could not come to Santiago personally. P.G.

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Assistance mortelle

Entre nos mains

Asistencia fatal / Haití-Francia-Estados Unidos, 2012

Entre nuestras manos / Francia, 2010

Dirección: Raoul Peck Producción: Velvet film y Figuier Guión: Raoul Peck Dirección de fotografía: Rachèle Magloire, Kirsten Johnson y Antoine Struyf Montaje: Alexandra Strauss Sonido: Judith Karp y Jaime Reyes Postproducción de sonido: Jean-Pierre Laforce Duración: 100 minutos Formato de exhibición: Blu-ray

Tres años después del terremoto de Haití, que causó 230.000 muertos, 300.000 heridos y un millón y medio de personas sin casa, es un aniversario trágico porque deja al desnudo una hecatombe de tipo moral, económico y político. Primero, porque pocos han cumplido con el deseo de ayudar. Y segundo, los gobiernos e instituciones del mundo que han actuado, no han preguntado nunca a los hatianos qué es lo que necesitaban. En su mayoría, los países extranjeros creyeron que los haitianos se robarían el dinero y nunca trabajaron con los habitantes de la isla. En resumen: una reconstrución atrasada, un gran marasmo económico, numerosos campamentos provisionales transformados en nuevas poblaciones callampas. Este es un fracaso monumental filmado por Raoul Peck durante dos años dirigiendo su mirada hacia la llamada “ayuda internacional” que, a su juicio, es la principal responsable. El director entra con su cámara a las reuniones de los ministros con las empresas capitalistas, al terreno donde trabajan los jóvenes voluntarios de las ONG, a las negociaciones de las Naciones Unidas, etc. Muestra el conjunto del disfuncionamiento de la asistencia, un mundo que gira sobre sí mismo, donde más de la mitad del dinero se convierte en salarios, vehículos lujosos 4x4, seminarios de evaluación con aire acondicionado, inauguración de proyectos y cócteles con “estrellas” como Bill Clinton, Sean Penn, Angelina Jolie y su inalterable buena conciencia. P.G.

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Three years after the earthquake in Haiti resulted in 230,000 dead, 300,000 wounded and a million-and-a-half people loosing their homes, a tragic anniversary bares a moral, economic and political catastrophe. First of all, few have come through with their desire to help. Secondly, the governments and institutions around the world that have acted, have never asked the Haitians what they need. The majority of foreign countries thought Haitians would steal the money, and they never worked with the island inhabitants. The summary amounts to delayed reconstruction, great economic stagnation and numerous provisional camps that have turned into new shantytowns. This is a monumental failure that has been captured by Raoul Peck during two years, directing his gaze toward the so-called “international aid” that, in his opinion, is the main culprit. The filmmaker and his camera go into meetings of ministers with capitalist companies, into the field, where young NGO volunteers work, into the UN negotiations, etc. There, he shows the collective “dys-functioning” of the aid, a world that turns on itself, where more than half the money becomes salaries, luxury 4x4 vehicles, air-conditioned assessment seminars, project inaugurations and cocktails with “stars” like Bill Clinton, Sean Penn, Angelina Jolie and their unaltered good conscience. P.G.

Dirección y cámara: Mariana Otero Montaje: Anny Danche Montaje de sonido: Benjamin Bober Mezcla: Yann Legay Música: Fred Fresson Producción: Thomas Alfandari Productor: Denis Freyd y Archipel 33 Duración: 88 minutos Formato de exhibición: DVCAM

El gran mérito de esta película es haberse anticipado casi cinco años a la hecatombe de la industria francesa de hoy, igual como hace muchos años se anticipó Coute que coute, de Claire Simon, a otra crisis del capitalismo y que FIDOCS exhibió en 1997. Ahora la situación es mucho peor. La catástrofe tiene dimensiones nacionales. Pero la forma de expresarla es también con la máxima intimidad. Gracias a Mariana Otero podemos convivir noventa minutos con un grupo de obreras francesas como si se tratara de nuestra propia familia. Consigue entregarnos una convivencia tan íntima, una cercanía tan entrañable, donde cada personaje parece ser un pariente próximo del espectador. Las mujeres atraviesan por muchos estados de ánimo, pero sobre todo nos proyectan una sensación de optimismo, honradez, ganas de vivir y ganas de trabajar bien. Es una película recomendable para todos los empresarios del mundo que nunca entran a los talleres para conocer la materia prima humana. Una fábrica de ropa interior femenina –Staríssima– se encuentra al borde de la quiebra. Para superar la situación, los trabajadores, en su gran mayoría mujeres maduras, tratan de formar una cooperativa y sacar adelante la empresa. Casi lo consiguen. No obstante, la compañía pierde a sus principales clientes cuando el proyecto está a punto de cuajar. La película no aclara si han sido maniobras del viejo patrón o azares del mercado. En todo caso, ahora

The great merit of this movie is having anticipated the current catastrophe in French industry by almost five years, just like many years ago, Coute que coute by Claire Simon anticipated another capitalism crisis, a film we screened at FIDOCS in 1997. Now, the situation is much worse. The catastrophe has national dimensions, but the way in which it is expressed is with the utmost intimacy. Thanks to Mariana Otero, we can coexist for 90 minutes with a group of French laborers as if they were our own family. She manages to deliver such an intimate coexistence, a closeness so endearing, that each character seems like a close relative of the spectator. The women go through many moods, but above all, they project a sense of optimism, honesty, joie de vivre and a wish to do their job well. The film is recommended for all the entrepreneurs of the world that never go into the workshops to learn about their human raw material. It is about a factory of female undergarments –Staríssima– which is on the verge of bankruptcy. To overcome the situation, the laborers, most of them mature women, try to put together a cooperative to help the company pull through. They almost accomplish it. However, the company loses their main clients when the project is about to coalesce. The film does not clarify if this is the result of the old owner’s maneuvering or the ups-anddowns of the market. At any rate, now comes the big surprise.

viene la gran sorpresa. En la última secuencia, las obreras se ponen a cantar igual como en las comedias musicales. Esta idea genial y osada de Mariana Otero da vuelta la película. Todo acaba mal. Pero todo acaba bien, pues difícilmente este grupo de seres humanos se dejará derrotar por la vida. En noviembre de 2009 la empresa cerró y despidió a sus cincuenta trabajadores. Una obra sobresaliente de la Francia actual. P.G.

In the last sequence, the laborers start singing just like in a musical. This brilliant and daring idea by Mariana Otero turns the film around. Everything ends badly. But, everything ends well, because this group of human beings will hardly let themselves be beaten by life. In November 2009, the company went bankrupt and fired all its fifty workers. This is an outstanding piece about present-day France. P.G. )PSJ[POUFTtHorizons

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Glenn Gould, au delá du temps Glenn Gould, más allá del tiempo / Francia - Canadá, 2006

Dirección y guión: Bruno Monsaingeon Producción: Idéale Audience y Rombus Media Dirección de fotografía: John Minh Tran Cámara: Mikael Lubtchansky Montaje: Bruno Reiland Sonido: Timothé Alazraki, Nicolás Guérin, Furuya Masashi y Sanyay Mehta Postproducción de sonido: Jean-Pierre Laforc Postproducción de imagen: Eric Salleron Duración: 106 minutos Formato de exhibición: DVCAM

Después de haber hecho siete películas sobre el pianista Glen Gould, Bruno Monsaingeon realiza ahora una obra maestra sobre su héroe musical. ¡Después de haber recorrido siete veces su vida, vuelve a la carga con un octavo filme! Luego de volver a ver cientos de horas de otros filmes consagrados a este pianista canadiense hasta su muerte en 1982, decenas de biografías y de tesis universitarias que le dedicaron muchas personas. ¿De qué manera renovar el tema? Monsaingeon, que tal vez es la persona que conoce mejor en el mundo a Gould, volvió a investigar otros posibles detalles inéditos, a revisar los copiones de sus propias películas. Y encontró tesoros, igual como un arqueólogo que busca treinta años en la misma pirámide y continúa hallando nuevos objetos en el mismo lugar. Pero en realidad, ¿qué cosa nueva decir? Algo que nunca antes se había dicho: analizar la genialidad de Gould en toda su integridad. ¿Y de qué manera? Primero, revivir a Gould con su propia voz, pero también con otra voz (la voz de Mathieu Amalric) para leer muchos textos de Gould que nunca se grabaron. Entonces Gould recobra vida. Es como una máquina del tiempo que lo atrapa completamente vivo (sin actores disfrazados de Gould, como hacen ahora las docuficciones). La película le hace revivir de nuevo con la integridad de sus textos originales y con las fotos en blanco y negro, las partituras llenas de correcciones, el viejo piano solitario, los archivos tirados en su estudio, lápices, objetos, bocetos pegados en los muros y los maravillosos planos de archivo de Glenn Gould dirigiendo, hablando o tocando a Bach, Beethoven o Prokofiev. Y también cuando canta mientras toca, a veces de manera inaudible, o bien a gritos, imitando la voz de un tenor italiano. Gould no podía dejar de mover

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los labios mientras tocaba, inventando una letra inexistente, como después lo hizo Keith Jarret y que se puede oír de forma imperceptible en algunas grabaciones. Todo eso, más el arte de la narración, la unidad, el desarrollo, la variedad que el maestro Bruno Monsaingeon domina tan bien en el campo del cine como Gould lo domina en el piano. ¡Que nadie se pierda esta joya! Premiada con un FIPA de Oro y celebrada mundialmente, así como bien distribuida. P.G.

After having made seven films about pianist Glenn Gould, Bruno Monsaingeon made a masterpiece about his musical hero. After having delved in his life seven times, he charges once more to make a eighth film! After watching again hundreds of hours in other films devoted to this Canadian pianist until the moment of his death in 1982, tens of biographies and university theses that many dedicated to him, how to renew the subject matter? Monsaingeon, who is probably the person that best knows Gould in the world, started investigating other possible unpublished details, reviewing again the rushes of his own films. And, he found treasure, just like an archeologist that seeks for thirty years in the same pyramid, and continues to find new objects in same place. But, in reality, what new things to say? Something that had never been said before: analyzing Gould’s genius in all its integrity. And, how? First, reliving Gould with his own voice, but also through the voice of another –Mathieu Amalric– reading many of Gould’s texts that were never recorded. Then, Gould comes back to life for us. It is like a time machine that captures Gould completely alive (without actors dressed as Gould, as is done now in docufictions). The film brings him back to life with the integrity of his original texts, and also, through the black and white pictures, the sheet music full of corrections, the lonely old piano, the folders strewn

heard almost imperceptibly in some recordings. All of this is added to the art of narration, the unity, the development, the variety that master Bruno Monsaingeon dominates as well in the field of cinema, as Gould did on the piano. Let no one miss out on this jewel! Celebrated and distributed the world over, it received the Golden FIPA award. P.G.

on his studio, pencils, objects, sketches pasted on walls, and marvelous archive footage of Glenn Gould directing, talking or playing Bach, Beethoven or Prokofiev; and also, when he sings while playing, sometimes barely audible, and others, screaming, imitating the voice of an Italian tenor. Gould could not stop moving his lips while he played, inventing nonexistent lyrics, as Keith Jarret did later, and that can be

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Histoire d’un secret

La loi du collège

Historia de un secreto / Francia, 2003

La ley del colegio / Francia, 1994

Dirección : Mariana Otero Guión : Mariana Otero Imagen : Helene Louvart Montaje : Nelly Quettier Música : Michael Galasso Productor : Denis Freyd, Archipel 35 Duración: 91 minutos Formato de exhibición: DVCAM

“Cuando yo tenía cuatro años y medio mi madre desapareció. Nuestra familia nos dijo a mi hermana y a mí que ella había salido a trabajar en dirección a París y que luego había muerto de una operación de apendicitis. En nuestra infancia y juventud nuestro padre nunca habló de nuestra madre, salvo para repetir que ella había sido una pintora y una mujer extraordinaria. Más tarde nos reveló las circunstancias reales de su fallecimiento. Este secreto que mi padre sobrellevó durante 25 años le impidió contarnos su vida y de mostrarnos su obra. Yo sentí la necesidad de reconstruir esta historia, de volver a encontrar a la madre que me había sido doblemente arrancada por la muerte y el secreto”. Con estas palabras la directora francesa de origen español Mariana Otero define su obra, a mi juicio, la mejor película documental europea que yo he visto en 2003, que también consiguió la adhesión del público con 120.000 entradas solamente en Francia. Una obra filmada con pasión, ternura y rigor, llena de fuerza y sensibilidad, con una estructura impecable. P.G.

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“When I was four-and-a-half years old, my mother disappeared. Our family told my sister and I that she had gone to work in Paris, and that later she had died during an appendectomy. During our childhood, our father never talked about our mother, except to repeat that she had been a painter, an extraordinary woman. Later, he revealed the real circumstances behind her passing. This secret my father carried for 25 years prevented him from telling us about her life and showing us her work. I felt the need to reconstruct this story, to find my mother who had been doubly taken from us, by death and secret.” With these words, Mariana Otero, a French director of Spanish origin, defines her work, in my opinion, the best European documentary I saw in 2003, and which also garnered the appreciation of the audience, with 120,000 tickets sold in France alone. Here is a film made with passion, tenderness and accuracy, full of strength and sensibility, and with an impeccable structure. P.G.

Dirección: Mariana Otero Producción: Denis Freyd, Archipel 33 Guión: Mariana Otero Dirección de fotografía: Mariana Otero Montaje: Anne Weill Música: Hugues Lebars Sonido: Manuel Naudin Postproducción de sonido: Nicolas Joly Narrador: Anne Weill Comentario: Jérôme Prieur Duración: 156 minutos Formato de exhibición: DVCAM

Con una pequeña cámara de video y sentada al fondo de una sala de clases, la directora Mariana Otero filmó un año escolar completo en la vida de un liceo en un barrio difícil de París (Saint-Denis), captando los momentos más duros de la vida del establecimiento. Realizada hace quince años, esta serie documental se revela hoy con una cruel actualidad. Sus personajes son los alumnos, profesores, padres, inspectores y la vida entera que entra por su cámara gracias a su sensibilidad y obstinación. La obra obtuvo una gran resonancia. La serie involucró a casi toda la sociedad francesa. Por vez primera, todo el mundo vio realmente lo que ocurría detrás de los muros de un liceo. A partir de La ley del colegio se hicieron otras muchas obras sobre el mismo tema, sin superarla nunca. Otero filmó muchos meses en el liceo García Lorca y cuenta de qué manera su encuentro con el director fue determinante (en 1994) cuando la mayoría de los otros establecimientos rechazaron abrir sus puertas para su cámara. Este valeroso director, el señor Duattis, es el héroe de una serie que es pionera en mostrar la cotidianidad y la “normalidad” de todos los días de un liceo con una autenticidad inédita. La obra separa el indivuo del grupo para acercarse mejor a las causas de cada problema, ya sea un muchacho que miente sobre la muerte de su abuela para escaparse del liceo, ya sea frente a los profesores estresados, agotados, que se atreven hacer una huelga para enfrentar a la administración. De gran parte de la obra emana una sensación de caos incontrolable que tiene una enorme proximidad con el presente. Ofrecemos ahora la integralidad de La ley del colegio: dos sesiones de 80 minutos aprox. cada una. P.G.

With a small video camera, sitting at the end of a classroom, director Mariana Otero filmed an entire school year at a public school in a rough Parisian neighborhood (SaintDenis), capturing the harshest moments in the life of the institution. Made fifteen years ago, this documentary series is revealed today with current cruelty. Its characters are the students, the teachers, parents, councilors and the entire life that goes into Otero’s camera, thanks to her sensibility and obstinacy. The series received great resonance: it involved almost the entire French society. For the first time, everyone saw what really happened behind the walls of a public school. Beginning with La loi du collège, many other pieces on the subject were made, but none surpassed it. Otero filmed many months at the García Lorca School, and she tells how her meeting with the headmaster (in 1994) was decisive, when the majority of the other establishments had rejected opening their doors to her camera. This courageous headmaster, Mr. Duattis, is the hero of the series: for the first time, he shows the daily “normality” of every-day at the school, with unprecedented authenticity. The series separates the individual from the group, in order to get close to the roots of each problem, whether it is a kid that lies about the death of his grandmother to get out of school, or stressed, exhausted teachers that dare to demonstrate to face the administration. From a large portion of the work a sensation of incontrollable chaos emanates, which has an enormous proximity to the present. We offer La loi du collège in its entirety: two 78-minute sessions. P.G.

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Piotr Anderszewski: Unquiet Traveller Piotr… viajero intranquilo / Suiza, 2009

Dirección: Bruno Monsaingeon Producción: Hélène Le Coeur, Idéale Audience Dirección de fotografía: Adam Rozanski Montaje: Jean-Pierre Bloc Sonido: Henri Maïkoff Duración: 83 minutos Formato de exhibición: DVCAM

Este joven pianista de nombre difícil (Piotr Anderszewski) viaja por toda Europa a bordo de un tren con su propio piano. La compañía ferroviaria de Polonia accedió a instalar su enorme piano de cola en un vagón de un tren. Es un vagón especial, completamente vacío, donde está el piano, la cama, el baño, el salón y la cocina de Piotr. Con eso le basta para ir ensayando mientras viaja en compañía del gran cineasta Monsaingeon, que le pide explicar cada pieza que toca mientras toca, es decir, la película nos transmite cada idea de Bach, Mozart o Chopin mientras escuchamos algunos pedazos de estos autores; es un “road movie” musical. A veces, Piotr se traslada a la locomotora para acompañar al maquinista y observar el paisaje. En los pueblos que visita se pasea por los mercados, a veces acompañado por su abuela de noventa años. Es un intérprete que funciona lejos de las normas; su talento, su repertorio, todo representa en él una manera de investigar, cuestionar y buscar una interpretación distinta. Piotr, mitad polonés y mitad húngaro, con poco más de 40 años, está considerado como una figura mundial. Por su parte, Bruno Monsaingeon, piensa que los artistas-intérpretes con los cuales él siente “una verdadera afinidad, los únicos verdaderamente importantes, son los que superan el instrumento que practican; los que, viajando al interior de ellos mismos, no se contentan con utilizar los parámetros del instrumento para ofrecer la música”. P.G.

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This young pianist with a difficult name –Piotr Aderszewski– travels throughout Europe onboard a train with his own piano. The railway company of Poland agreed to set up his large grand piano in one of the train cars; a special car – completely empty, but for Piotr’s piano, bed, bathroom, living room and kitchen. That is enough for him to rehearse while he travels along, accompanied by great filmmaker Bruno Monsaingeon, who requests that he explain each piece while he plays; in other words, the film transmits each idea by Bach, Mozart or Chopin, while we listen to extracts by each author, in a kind of “road musical.” Sometimes, Piotr goes into the locomotive, to keep the machinist company and observe the landscape. On the towns he visits, he goes to the markets, sometimes with his ninety-year-old grandmother. He is a player that functions far from the norms: his talent, his repertoire, everything in him represents a way of researching, questioning and searching for different interpretations. Piotr, half Polish, half Hungarian, slightly over 40, is a world-renowned figure. On his part, Bruno Monsaingeon thinks that the artist-players to whom he feels “a real affinity –the only truly important ones– are those that transcend the instrument they practice; the ones that, traveling inside themselves, are not content to merely use the parameters of their instrument to offer music”. P.G.

Función Especial Special Screening


Fuck for Forest Fuck for Forest / Polonia, 2012

Dirección: Michał Marczak Producción: Mikołaj Pokromski Guión: Michał Marczak y Lukasz Grudzinski Director de fotografía: Michał Marczak Montaje: Dorota Wardeszkiewicz Música: Marcin Masecki Sonido: Jan Pasemann Duración: 85 minutos Formato de exhibición: Blu-ray

Danny, un joven noruego adinerado y de familia conservadora, deja todo de lado para comenzar una nueva vida en Berlín. Ahí se une a Fuck for Forest, una ONG dedicada a luchar por causas medioambientales y anti-capitalistas, para lo cual produce y vende porno amateur por internet. Con más de mil trescientos activistas y millares de socios alrededor del mundo, FFF pone videos caseros a disposición de sus socios por sólo quince dólares mensuales. Danny se integra al equipo y pronto se entusiasma con el proyecto: salvar al mundo y librarse de los valores burgueses a través del sexo comunitario. El documental lo sigue a él y al resto de los personajes hasta que juntan suficiente dinero para comprar un pedazo de bosque amazónico y devolvérselo, gratis, a la comunidad indígena. Sin idealizar su trabajo pero tampoco ridiculizándolo, Fuck for Forest muestra la gesta de esta ONG, su muy particular sentido de la realidad y el choque cultural que ocurre cuando comienza a relativizarse la vieja distinción entre lo salvaje y lo civilizado. R.G. Michał Marczak (Varsovia, 1982) estudió filosofía en la Universidad de Varsovia, dirección en el Instituto de Artes de California en Los Ángeles y fotografía y multimedia en la Academia de Bellas Artes de Poznan, Polonia. Su documental At the Edge of Russia (2010) ganó premios en varios festivales internacionales de cine.

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Danny, a young, wealthy Norwegian, from a conservative family, leaves everything behind to start a new life in Berlin. There, he joins Fuck for Forest, an NGO dedicated to the struggle for environmental and anti-capitalist causes by producing and selling amateur porn over the Internet. With over 1,300 activists and millions of affiliates around the world, FFF makes homemade videos available to their members for just fifteen dollars a month. Danny joins the team and soon becomes enthusiastic about the project: to save the world and become free from bourgeois values through communal sex. The documentary follows him and the rest of the characters as they gather the sufficient funds to buy a portion of the Amazon rainforest, and return it to the indigenous community for free. Without idealizing their work, but without ridiculing it either, Fuck for Forest shows this NGO’s quest, its very peculiar sense of reality, and the cultural clash that happens when the old distinction between what is wild and what is civilized is seen in rather relative terms. R.G. Michał Marczak (Warsaw, 1982) studied philosophy at Warsaw University, film direction at CalArts, in Los Angeles, and multimedia at the Poznan Fine Arts Academy, in Poland. His documentary At the Edge of Russia (2010) received awards at several international film festivals.

Foco Juan Carlos Rulfo Focus Juan Carlos Rulfo


Juan Carlos Rulfo (México, 1969)

De Panzazo De Panzazo / México, 2012

En Del olvido al no me acuerdo (1999), un amigo de Juan Rulfo (papá de Juan Carlos), dice que el célebre escritor era un gran mentiroso, un fantasista que jamás contó nada sobre sus orígenes. El do-

In Del olvido al no me acuerdo (1999), a friend of Juan Rulfo’s (Juan Carlos’s father), says the famous writer was a great liar, a fabricator that never said anything about his origins. The documentary, a kind of continuation to El abuelo Cheno y otras historias (1995) –where Juan Carlos Rulfo began delving in his family’s secrets– does not obsess with finding out who his father really was, but with rescuing loose

cumental, que es una suerte de continuación de El abuelo Cheno y otras historias (1995) –donde Juan Carlos Rulfo empezó a sondear los secretos de su familia–, no se obsesiona con descubrir realmente quién era su padre, sino con rescatar frases sueltas, hechos borrosos y fantasías varias. En su conjunto, todas estas digresiones, más que ofrecer una respuesta, dan cuenta de qué recordamos y cómo olvidamos. Para Rulfo no importa que la memoria sea incapaz de vivificar el pasado de manera fidedigna, lo que importa es que el relato fragmentario e incompleto de esa experiencia haga sentir el pulso y corazón de un momento, de una época y de quienes la habitan. En Carrière, 250 metros (2011), el guionista y escritor Jean-Claude Carrière recorre un hotel abandonado y se sienta en el aire rememorando la silla y la mesa de un restaurant ahora inexistente donde pasó cientos de veladas junto a Luis Buñuel. ¿Importa acaso si ese hotel existe o existió como la evocación de ese recuerdo? A Rulfo le interesa menos conocer a los inmigrantes que partieron a EE.UU que explorar el vacío que dejaron tras su partida en Los que se quedan (2008); ni quiere saber tanto de la monumental faena laboral de los obreros que construyen una autopista como de sus creencias y deseos como En el hoyo (2006). En el cine de Rulfo importan menos los hechos (el qué y el cómo pasó) que los sedimentos que flotan dispersos entre la conciencia y los sueños. Parafraseando a su padre, el cineasta mexicano quiere escuchar ese ruido que es el silencio; quiere ver lo que queda. J.M.

phrases, blurry events and various fantasies. As a group, all these digressions, more than offering an answer, give an account of what we remember and how we forget. For Rulfo, it does not matter that memories are incapable of enlivening the past in any reliable way; what does matter is that those incomplete, fragmented narratives of an experience express the pulse of a moment, the heart of an era, and of those who inhabit it. In Carrière, 250 metros (2011), scriptwriter and author Jean-Claude Carrière walks through an abandoned hotel, sitting on air while remembering the chair and table of a bygone restaurant, where he spent countless nights with Luis Buñel. Does it matter whether that hotel exists or existed as the evocation of that memory? Rulfo cares less about knowing the immigrants that left for the US, than about exploring the emptiness they left behind in Los que se quedan (2008); he doesn’t want to learn much about the monumental work of laborers building a highway, but is truly interested in their beliefs and hopes in En el hoyo (2006). In Rulfo’s cinema, facts –what happened and how– matter less than the sediments floating about, dispersing between consciousness and dreams. Paraphrasing his father, the Mexican filmmaker wants to hear that noise that is silence; he wants to see what is left. J.M.

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Dirección: Juan Carlos Rulfo y Carlos Loret de Mola Producción: Daniela Alatorre Guión: Carlos Loret de Mola y Mario Gutiérrez Vega, con el apoyo de Mexicanos Primero Investigación: Mexicanos Primero y Mario Gutiérrez Vega Fotografía: Juan Carlos Rulfo Montaje: Felipe Gómez, Juan Carlos Rulfo y Martha Uc Sonido directo: Mauricio Santos Postproducción de sonido: Valeria Mancheva y Nerio Barberis Supervisión musical: Lynn Fainchtein Música original: Leonardo Heiblum y Jacobo Lieberman Diseño gráfico y animaciones: Butic Duración: 80 minutos Formato de exhibición: Blu-ray De 2011 en adelante, Latinoamérica se ha ido prendiendo de marchas populares y demandas colectivas por una educación gratuita, pública y de calidad. Brasil, Guatemala, Chile y México son algunos de los países donde la inequidad en el acceso a la educación repercute en estructuras desiguales que es preciso cambiar. De Panzazo aborda este fenómeno para el caso mexicano, ofreciendo una radiografía profunda sobre cómo funciona su sistema educacional, con sindicatos, profesores, alumnos y políticos negociando por espacios y poderes. Producido para TV, es una obra que destaca por su urgencia y que sin duda aportará a la discusión en Chile y en el resto del continente. R.G.

Since 2011, Latin America has been stormed by popular movements and collective demands for free, quality public education. Brazil, Guatemala, Chile and Mexico are some of the countries where inequality in the access to education resounds on unequal structures that must be changed. De Panzazo takes on the Mexican case in this phenomenon, offering a deep analysis about how their educational system works, with unions, professors, students and politicians vying for space and power. Produced for TV, this piece stands out with its urgency, and no doubt will contribute to the discussion in Chile and the rest of the continent. R.G.

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Carrière, 250 metros

Del olvido al no me acuerdo

Carrière, 250 metros / México, 2011

Del olvido al no me acuerdo / México, 1999

Dirección: Juan Carlos Rulfo Producción: Marco Polo Constandse, Simón Bross y Alex García Guión: Juan Carlos Rulfo Argumento: Jean-Claude Carrière Idea original: Natalia Gil Torné Director de fotografía: Juan Carlos Rulfo Montaje: Valentina Leduc Navarro Música: Jacobo Lieberman y Leo Heiblum Sonido Directo: Jaime Baksht Postproducción de sonido: Matías Barberis, Michell Couttolenc y Valeria López Mancheva Duración: 90 minutos Formato de exhibición: Blu-ray

La trayectoria de Jean-Claude Carrière como escritor, dramaturgo y guionista es impresionante. Ha participado en más de 130 películas con directores tan legendarios y variopintos como Volker Schlöndorff, Andrzej Wajda, Pierre Étaix, Louis Malle, Nagisa Oshima, Milos Forman y Jesús Franco. Pero por lejos la relación más fructífera la tuvo con Luis Buñuel, con quien filmaron seis películas y dejaron tres guiones inéditos. Una amistad tan estrecha que cuando Carrière camina en Toledo por los lugares que Buñuel habría recorrido en compañía de Federico García Lorca y Salvador Dalí, es capaz de reproducir las travesuras heréticas del trío que él nunca presenció. Esa es quizás la búsqueda que Rulfo intenta filmar; no las claves del cine de las que Carrière podría dictar cátedra, sino la pasión con que las aprendió. Viajando por siete países donde el guionista vivió, este documental es menos un recuento de su vida cinematográfica que de una vida cruzada por el cine. Un viaje por el exterior para llegar al interior de sus principios y emociones. La sencillez y humanidad de Carrière queda reflejada en una cifra simbólica: los 250 metros que separan su casa natal en Colombières-sur-Orb del pequeño cementerio del pueblo donde una tumba lo espera. J.M.

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Jean-Claude Carrière’s career as an author, playwright and screenwriter is impressive. He has participated in over 130 movies with directors as varied as they are legendary, including Volker Schlöndorff, Andrzej Wajda, Pierre Étaix, Louis Malle, Nagisa Oshima, Milos Forman and Jesús Franco. But the most fruitful relationship he had, by far, was with Luis Buñuel, with whom he filmed six pictures, and left three unpublished scripts. This was such a close friendship that, when Carrière walks around the places in Toledo that Buñuel would have visited with Federico García Lorca and Salvador Dalí, he is able to reproduce the trio’s heretic mischief, which he never witnessed. That is the search Rulfo attempts to shoot – not the keys to cinema that Carrière could teach lessons on, but the passion with which he learned them. Traveling through seven countries where the scriptwriter has lived, this documentary is less a retelling of his cinematographic life, than that of a life that has been deeply touched by cinema. It is a journey through the exterior, to reach his innermost principles and emotions. Carrière’s humility and humanity are reflected in a symbolic figure: the 250 meters that separate his birthplace, a home in Colombières-surOrb, from the small cemetery where a tomb awaits him. J.M.

Dirección: Juan Carlos Rulfo Producción: Alejandro González Padilla, María Fernanda Suarez y Juan Carlos Rulfo. Guión: Juan Carlos Rulfo Director de fotografía: Federico Barbabosa Montaje: Ramón Cervantes y Juan Carlos Rulfo Música: Gerardo Tamez Sonido: Evelia Cruz, Antonio Diego, Lena Esquenazi, Toño Diego Hernández y Daniel Hidalgo Duración: 75 minutos Formato de exhibición: DVCAM

Qué duda cabe que ser hijo de un escritor tan connotado como Juan Rulfo y llevar su nombre no es tarea sencilla. Pero Juan Carlos Rulfo no sólo carga orgullosamente esa herencia, sino que además parte de su trabajo ha estado enfocado en indagar sus raíces. En esta película, el cineasta mexicano trata directamente de entender quién era su padre en la reminiscencia de sus amigos más cercanos, de ancianos que lo conocieron de chico, e incluso de su suegra y su esposa (la abuela y mamá de Juan Carlos). Los recuerdos que evocan quizás no sean suficientes, pero justamente transparentan algo de su esencia y al mismo tiempo dan cuenta de lo perdurable, incierta, caprichosa e imprecisa que puede ser la memoria. “Resulta fácil ver las cosas desde aquí meramente traídas del recuerdo donde no tienen parecido ninguno”, como dice el mismo Juan Rulfo. Entre anécdotas algo vagas, hechos importantes y muchos “no me acuerdo”, y con la voz profunda y poderosa del escritor leyendo su prosa a lo largo del documental, el realizador descubre lo más importante: su padre era un completo misterio. J.M.

Is there any doubt that being the son of such a renowned writer like Juan Rulfo, and carrying his last name are no easy tasks? But, Juan Carlos Rulfo not only carries that legacy with pride; he has devoted part of his work to delve into his roots. In this movie, the Mexican filmmaker directly tries to understand who his father was, in the memories of his closest friends –old-timers that met him when he was a child– and even in those of his wife and mother-in-law (Juan Carlos’s mother and grandmother). The memories they conjure might not be sufficient, but they do make clear some of his essence, and at the same time, they give an account of how long-lasting, uncertain, willful and imprecise memory can be. “It is easy to see things from here, merely brought up by memory, where nothing resembles them,” as Juan Rulfo himself puts it. Among somewhat vague anecdotes, important events and many instances of “I don’t remember,” and with the deep and powerful voice of the writer reading his prose throughout the documentary, the filmmaker discovers what is most important: that his father was a complete mystery. J.M.

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En el hoyo

Los que se quedan

En el hoyo / México, 2006

Los que se quedan / México, 2008

Dirección: Juan Carlos Rulfo Producción: Juan Carlos Rulfo y Eugenia Montiel Productora: La Media Luna Producciones Guión: Juan Carlos Rulfo Director de fotografía: Juan Carlos Rulfo Montaje: Valentina Leduc Música: Leonardo Heiblum Duración: 80 minutos Formato de exhibición: HDCAM

Siguiendo de cerca la construcción de una colosal autopista elevada de larga longitud en Ciudad de México, conocida como El segundo piso, Rulfo busca compenetrarse más que en el aspecto material de la obra arquitectónica –que sin embargo aparece expuesta en toda su complejidad y monumentalidad–, en las vidas de los obreros que la construyen. Un grupo de trabajadores que parecen indiferentes a la gigantesca construcción que están edificando, más preocupados de satisfacer sus sueños, en su gran mayoría alejados de la urbe. No se trata de hombres necesariamente virtuosos ni particularmente sensibles, simplemente es gente común y corriente intentando vivir a su modo con sus virtudes y defectos, con distintas creencias religiosas y místicas superficiales o profundas. Un grupo humano que con gran dosis de humor trata de pasar el día de un empleo agotador y demandante. En el hoyo quiere dar voz y cuerpo a esa humanidad inadvertida del México metropolitano que vive y muere en una ciudad en eterno crecimiento y caos sin remedio. Premiado en un sinfín de festivales como Sundance, Bafici, Biarritz, La Habana, entre otros. J.M.

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In closely following the construction of a colossal –and quite long– elevated highway in Mexico City, known as The second floor, Rulfo tries to delve more into the lives of those working at the building site, rather than in the material aspect of the architectural work, which nevertheless is shown in all its complexity and monumental dimension. This group of workers seems indifferent towards the gigantic construction they are undertaking, focusing instead on satisfying their individual dreams, which for the most part are far from the big city. These are not necessarily virtuous or particularly sensitive men; they are simply regular folk trying to live their own way, with their virtues and defects, and with their different, superficial or profound, religious or mystical beliefs. They make up a human group that, with a large dose of humor, tries to get through the days in an intense and demanding job. Awarded at countless festivals including Sundance, Bafici, Biarritz, Havana, and others, En el hoyo wants to give voice and body to that unnoticed humanity in metropolitan Mexico that lives and dies within a city in continual growth and incurable chaos. J.M.

Dirección: Juan Carlos Rulfo y Carlos Hagerman Producción: Nicolás Vale, Carlos Hagerman y Juan Carlos Rulfo Guión: Juan Carlos Rulfo y Carlos Hagerman Director de fotografía: Juan Carlos Rulfo Montaje: Valentina Leduc Música: Santiago Ojeda y Café Tacuba Sonido: Ruy García, Valentina Leduc y Mauricio Santos Duración: 96 minutos Formato de exhibición: Blu-ray

Aunque la tasa de inmigrantes mexicanos ilegales a Estados Unidos ha bajado sustantivamente, no se detiene. Miles de personas cruzan la frontera buscando un trabajo que les permita vivir con dignidad y enviar dinero a sus seres queridos. Y es precisamente la ruptura de las familias una de las situaciones más apremiantes en términos emocionales que conlleva el destierro. Los que se quedan trata de quienes permanecen en México soportando el dolor de la separación de sus familiares que partieron. Pero el título también alude a los que regresaron y a aquellos que nunca han querido irse. Lo paradójico es que parece imposible librarse de ese paradigma, como si el exilio fuese una alternativa que nunca se puede descartar. Rulfo sólo busca el testimonio de los que se quedaron, que hablan de esos familiares expatriados como si estuvieran muertos o desaparecidos, acrecentando la sensación de vacío e incertidumbre que los perturba. “¡Alejarse! ¡Quedarse! ¡Volver! ¡Partir! Toda la mecánica social cabe en estas palabras”, escribía el poeta César Vallejo. Este documental habla de la ausencia, pero también del desarraigo, de ver en el viaje, más que una aventura, la única oportunidad de sobrevivir, un sacrificio que no paga tanta desolación. J.M.

Even though the rate of illegal Mexican immigrants in the United States has decreased substantially, it does not cease. Thousands of people cross the border, looking for a job that allows them to live with dignity and send money to their loved-ones. And in emotional terms, the separation from their families is precisely one of the most pressing situations that stems from uprooting. Los que se quedan is about those that stay in behind Mexico, enduring the pain of separation from relatives that left. But, the title also alludes to those that returned, and to those that never have wanted to leave. The paradox is it seems impossible to be free from the paradigm, as if exile was an alternative one can never rule out. Rulfo only seeks the testimony of those that stayed, those who speak about those expatriate relatives as if they were dead or disappeared, heightening the feeling of emptiness and uncertainty that disturbs them. “Move away! Stay! Return! Leave! All the social mechanics seem to fit in those words,” wrote poet Cesar Vallejo. This documentary speaks of absence, but also of uprooting, of seeing in the journey, more than and adventure, the only chance for survival, a sacrifice that doesn’t seem to compensate for such desolation. J.M.

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El abuelo Cheno y otras historias El abuelo Cheno / México - Cuba, 1995

Dirección: Juan Carlos Rulfo Producción: Gustavo Montiel Pagés y “Mafer” Suárez Productora: Centro de Capacitación Cinematográfica (CCC), Instituto Mexicano de Cinematografía (IMCINE), Universidad de Guadalajara, Secretaría de Cultura del Estado de Jalisco y Escuela Internacional de Cine y TV (EICTV) Guión: Juan Carlos Rulfo Director de fotografía: Federico Barbabosa Música: Gerardo Tamez Sonido directo: Jaime Baksht Duración: 30 minutos Formato de exhibición: DVCAM

“No hay más que recordar si acaso su muerte”, decía Juan Rulfo sobre el homicidio de su padre. A inicios de la década del veinte, Nepomuceno Pérez Rulfo fue asesinado en extrañas circunstancias por un tal Guadalupe Nava, razones que el afamado escritor desconocía o nunca quiso explicar a sus hijos. En este cortometraje, el cineasta mexicano intenta desentrañar el crimen de su abuelo, y casi contradiciendo a su papá, encuentra muchísimas vivencias para recordar. Aunque no hay una única versión sobre su deceso, los relatos de los nonagenarios de su pueblo, al sur de Jalisco, permiten conocer un mundo ya desaparecido, pero que a través de sus remembranzas revive instantáneamente. Como dice uno de los viejos, “todos vivimos de recuerdos; el recordar es vivir”. Y así, un pacífico anciano que no parece romper un huevo, vuelve a ser un desalmado matón rememorando, sin ningún remordimiento y hasta con algo de picardía, cómo mató a balazos a una de sus víctimas. Rulfo descubre que poco importa la verdad de los hechos como las interpretaciones que cada uno integra sobre esos episodios, y que el relato coral de una leyenda es tan fuerte y duradero como esa cruz que medio siglo después todavía resiste a la vereda del camino como muda evocación del crimen de su abuelo Cheno. J.M.

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“You have but to remember his death,” Juan Rulfo used to say about his father’s homicide. At the beginning of the 20s, Nepomuceno Pérez Rulfo was murdered under strange circumstances by this man, Guadalupe Nava, for reasons unknown to the famous writer, or which he never explained to his children. In this short, the Mexican filmmaker tries to unravel his grandfather’s crime, and almost contradicting his father, finds many experiences to remember. Although there is more than one version of his death, the tales of the ninety-year-olds in his town, south of Jalisco, portray a bygone world that has since disappeared, but that, through their ruminations, comes back to life instantaneously. As one of the elderly says, “We all live from memories; remembering is living.” And thus, a peaceful old man that wouldn’t seem able to hurt a fly is once again the heartless thug, remembering without remorse, but with a kind of mischievousness, how he shot and killed one of his victims. Rulfo discovers that the truth about the events and the interpretation one integrates from these episodes matter little, and that a choral narrative of a legend is as strong and lasting as the cross that, half a century later, still stands on the side of the road, the mute evocation of the crime of Cheno, his grandfather. J.M.

Foco Cao Guimarães Focus Cao Guimarães


Cao Guimarães (Brasil, 1965)

Acidente Accidente / Brasil, 2006

Hay una cierta idea instalada que entiende el cine documental como un agregado de hechos objetivos, recolectados para defender un argumento y valorado en tanto es capaz de descubrir datos y cuantifi-

There is a certain established idea that conceives a documentary film as an aggregate of objective events, collected to defend an argument, and valued if it can uncover data and quantify reality. Cao Guimarães cinema points precisely in the opposite direction: trying not to explain but to understand. Raising issues about inhabiting, about precariousness, solitude and time, his work questions the false

car la realidad. El cine de Cao Guimarães apunta justamente en la dirección contraria, intentando no explicar sino comprender. Levantando interrogantes sobre el habitar, lo precario, la soledad y el tiempo, su obra cuestiona la falsa dicotomía entre comprender y sentir, reconociendo que la mente no puede construir sentido sin la experiencia sensorial del cuerpo. Las obras de Cao han estado presente en los mejores festivales y galerías del mundo, entre ellos el Guggenheim de Nueva York, la Bienal de Sao Paulo, el museo Thyssen-Bornemisza, Sundance, Locarno, Cannes y el MOMA. Su visita a FIDOCS viene a marcar el punto de inflexión en el cual el festival comienza a poner en cuestión sus límites y acoge deseoso las preguntas y herramientas de otros géneros. La selección de trabajos busca darlo a conocer al público chileno y reivindicar un tipo de cine subjetivo y plástico que imagina, desea, siente y finalmente nombra lo invisible, y con ello –tal como al Gólem de Praga– logra insuflarle vida. R.G.

dichotomy between understanding and feeling, recognizing that the mind cannot derive meaning without the sensorial experience of the body. Cao’s work has been present at the most relevant festivals and galleries in the world, including the Guggenheim, in New York, the Sao Paulo Biennale, the Thyssen-Bornemisza Museum, Sundance, Locarno, Cannes, and MoMA. His visit to FIDOCS marks an inflection point where the festival is starting to question its boundaries, and welcomes the questions and tools of other genres. The selection of his works seeks to familiarize Chilean audiences with Guimarães, and to vindicate a style of cinema that is subjective and artistic, one that imagines, desires, feels and finally, names that which is invisible, and through this –just like with Prague’s Golem– it becomes infused with life. R.G.

130 'PDP$BP(VJNBSÍFTtFocus Cao Guimarães

Dirección: Cao Guimarães y Pablo Lobato Producción: Beto Magalhães y Pablo Lobato Director de fotografía: Cao Guimarães y Pablo Lobato Montaje: Cao Guimarães y Pablo Lobato Música: O Grivo Sonido directo: O Grivo Postproducción de sonido: O Grivo Duración: 72 minutos Formato de exhibición: Blu-ray

Heliodora / Virgem da Lapa / Espera feliz / Jacinto olhos d’ água. Entre folhas / Ferros, Palma, Caldas / Vazante. Passos / Pai Pedro abre campo / Fervedouro Descoberto / Tiros, Tombos, Planura / Águas vermelhas / Dores de campos. Sólo por el sonido y el sentido de sus nombres, los cineastas Cao Guimarães y Pablo Lobato escogen veinte pueblos de Minas Gerais y con ellos componen un poema. Luego, sin saber nada de esas localidades y abandonándose por completo al territorio, toman la cámara y se embarcan en un viaje poético y accidental, contemplando la vida que se extiende frente al lente. Usualmente, nada particular ocurre: movimientos del sol y las nubes, hojas al viento, cruces de ciudadanos, perros y niños, la superficie del agua y caminatas a la luz de la vela son algunos de los episodios de esta micro-épica sobre el paso del tiempo y los tiempos de paso. Un ensayo poético sobre el azar y la vida cotidiana que establece una relación misteriosa con el mundo, hecha de silencios y saltos al vacío. R.G.

Filmmakers Cao Guimarães and Pablo Lobato picked up the names of twenty towns in Minas Gerais –because of their meanings and the way they sound– and made a poem. Afterwards, without knowing anything else about them, and completely surrendering to the territory, they took the camera and embarked on a poetic and accidental journey, contemplating the life that extends in front of the lens. Usually, nothing peculiar happens: the movement of the sun and clouds, leaves in the wind, the meanderings of citizens, children and dogs, the surface of the water, and walks by candlelight are some of the episodes in this micro-epic about the passage of time, and about the times of passage. It is a poetic essay about randomness and about daily life that establishes a mysterious relationship with the world, made up of silences and jumps into the abyss. R.G.

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Andarilho

Nueve cortos de Cao Guimarães

Caminante / Brasil, 2006

Dirección: Cao Guimarães Producción: Beto Magalhães Director de fotografía: Cao Guimarães Arte: Hardy Design Montaje: Cao Guimarães Sonido directo: O Grivo Postproducción de sonido: O Grivo Duración: 80 minutos Formato de exhibición: Blu-ray

Aparentemente expulsados del mundo social, tres vagabundos recorren, a pie y cada uno por separado, las autopistas rurales del noreste de Minas Gerais, Brasil. Durante más de una hora los seguimos mientras dibujan sus trayectorias sin rumbo fijo, deambulando como si estuvieran suspendidos en el tiempo mientras hablan con dioses y espíritus, apenas recortando el paisaje. Con una fotografía lúcida y una aproximación novedosa, Cao Guimarães nos  presenta una película sobre lo permanente y lo transitorio, sobre la fragilidad humana y la vastedad de la naturaleza, sobre el perderse y el no volverse a encontrar porque ya no hay búsqueda, sino sólo andar. Filme de apertura de la XXVII Bienal de San Pablo, selección oficial de la Mostra de Venecia y galardonada en numerosos festivales, nos honra programar Andarilho en FIDOCS 2013. R.G.

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Apparently expelled from the social world, three vagabonds travel, separately and on foot, through the rural highways of northeast Minas Gerais, Brazil. We follow them for over an hour, as they establish their path without fixed heading, roaming around as if suspended in time, while they converse with gods and spirits, barely cutting through the landscape. With an amazing cinematography and a novel approach, Cao Guimarães presents us with a film about things permanent and transitory, about human frailty and the vastness of nature, about losing oneself, and about never finding oneself again because there is no search anymore, only walking. Opening film at the 27th Sao Paulo Biennale, official selection in Venice, and awarded at numerous festivals, we are proud to program Andarilho at FIDOCS 2013. R.G.

Drawing, 1 minuto (2011) Sin peso, 7 minutos (2007) O inquilino, 10 minutos (2010) Peiote, 4 minutos (2007) From the Window of my Room, 5 minutos (2004) Quarta, Feira de Cinzas, 6 minutos (2006) Coletivo, 3 minutos (2002) Inventario de raivinhas, 11 minutos (2002) Brasilia, 13 minutos (2011)

Trabajando distintos personajes, materiales y localidades, los cortometrajes que conforman esta muestra comparten un tratamiento lírico de las imágenes, un perfecto trabajo sonoro y un conjunto de interrogantes sobre lo visual, el espacio y el territorio. Presentando nueve cortos que han sido exhibidos en algunos de los grandes museos y festivales del mundo, esta pequeña pero inquisitiva selección abre un espacio para discutir las inquietudes y respuestas que han marcado la obra de Cao durante las últimas décadas. R.G.

Working with different characters, materials and places, these nine short fims share a lyrical treatment of images, perfect sound work and a collection of questions regarding the visual aspect, space and territory. Presenting nine shorts that have screened at some of the most important museums and festivals in the world, this small yet inquisitive selection opens the space to discuss the issues and responses that have marked Cao’s work over recent decades. R.G.

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Otto Otto / Brasil, 2012

Director: Cao Guimarães Producción: Cao Guimarães, Marimbondo Produções Artísticas Literárias e Audiovisuais Ltda. Fotografía: Cao Guimarães y Florencia Martínez Montaje: Cao Guimarães y Florencia Martinez Sonido: O Grivo Música: O Grivo Duración: 70 minutos Formato de exhibición: Blu-ray

Cao Guimarães conoce a su actual mujer, Florencia, en el Cine Casablanca de Montevideo, cuando ella era la única espectadora de su filme Andarilho. En Otto, su más reciente película, Cao acompaña a Florencia en el embarazo de su primer hijo utilizando una aproximación sensual y subjetiva que evita toda gran hipótesis sobre la maternidad o la familia. Guimarães se concentra, más bien, en transmitir una cierta experiencia del embarazo y la vida en pareja, confiando y haciendo uso de los múltiples recursos que el lenguaje audiovisual pone a su disposición.  Las bellas y decididas imágenes son acompañadas de un texto rico en significado, que renuncia a lo narrativo para apostar por lo estético. Con ello, Cao se inscribe en la tradición instalada por Brakhage con Window Water Moving Baby y Thigh Line Lyre Triangular y en la tradición ensayística y formal de Terrence Malick. Otto es una carta íntima y biográfica escrita por Cao para su familia, pero lanzada al mundo como testimonio de la vida, la memoria y las imágenes. R.G.

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Cao Guimarães met Florencia, his present wife, at the Casablanca Cinema in Montevideo, when she was the only spectator of his film Andarilho. In Otto, his most recent movie, Cao accompanies Florencia throughout her pregnancy with their first son, utilizing a subjective, sensory approximation that avoids any grand hypothesis about maternity and family. Guimarães focuses, rather, in transmitting a certain experience of pregnancy and life as a couple, trusting and making use of the many resources the audiovisual language puts at his disposal. The beautiful and decisive images are accompanied by a text rich in meaning, which renounces the narrative and turns instead to the aesthetic. Thus, Cao aligns himself in the tradition Brakhage developed, with Window Water Moving Baby and Thigh Line Lyre Triangular, and in Terrence Malick’s essayist legacy. Otto is an intimate biographical letter that Cao wrote to his family, but then thrust out into the world as a kind of testimony of life, memory and images. R.G.

Foco Chris Marker Focus Chris Marker


Chris Marker (Francia, 1921 - 2012)

A Valparaíso A Valparaíso / Chile - Francia, 1962

Nacido como Christian François Bouche-Villeneuve, Chris Marker era conocido en Youtube como Kosinski, su login  en Flickr era Sandor Krasna y en sus películas firmó como Jacopo Berenzi, Michel

Born Christian François Bouche-Villeneuve, Chris Marker was known in Youtube as Kosinski, his login on Flickr was Sandor Krasna and on his films, he signed as Jacopo Berenzi, Michel Krasna, Fritz Markassin and Hayao Yamaneko, among many incarnations. His works also rejected taxonomies and are impossible to situate in stagnated categories like “documentary cinema,” “fiction,” “ex-

Krasna, Fritz Markassin y Hayao Yamaneko, entre otras encarnaciones. Su obra también rehuía las taxonomías y es imposible situarla en categorías estancas como “cine documental”, “ficción”, “experimental” o “video arte”. Incluso sus formatos y plataformas fueron múltiples: video, cine, fotografía, instalaciones, caricaturas, ensayos, CD-ROM, animaciones flash y realidad virtual. De todas ellos hizo combinaciones inesperadas y sorprendentes, moviendo los elementos de un territorio a otro, camuflándolos y transmutándolos hasta que sólo quedaran rastros y ruinas. Una obra inasible, como las sombras del siglo que con tanto ahínco exploró.  A menos de un año de su muerte, la presente edición de FIDOCS está dedicada a su vida y obra. La publicación del libro La Zona Marker, el lanzamiento de la nueva Competencia Internacional de Cortometrajes “Monsieur Guillaume” y un foco de seis documentales buscan revisitar las distintas maneras en que trabajó lo audiovisual y enfrentó las grandes preguntas políticas y estéticas del siglo que nos dejó. A través de películas y textos hemos querido rememorar el legado de alguien para quien las imágenes, las palabras y los recuerdos fueron, precisamente, su gran preocupación. R.G.

perimental,” and “video art.” Even his formats and platforms were myriad: video, cinema, photography, installations, comics, essays, CD-ROM, flash animations and virtual reality. He made unexpected and surprising combinations out of all of them, moving elements from one territory to another, camouflaging and transmuting them, until there are only traces and ruins. His work is ungraspable, like the shadows of the century he so eagerly explored. Less than a year after his death, the present FIDOCS edition is dedicated to his life and work. The publication of the book La Zona Marker (The Marker Zone), the launch of the new Monsieur Guillaume International Short Film Competition, and a focus on three of his documentaries seek to revisit the different ways he worked with the audiovisual language, and how he faced the great political and aesthetic quandaries the last century left us. Through the films and texts, we have wanted to remember the legacy of someone for whom images, words and memories were precisely his greatest concern. R.G.

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Dirección: Joris Ivens Producción: Luis Cornejo, Argos Film y Cine Experimental Universidad de Chile Guión: Chris Marker Director de fotografía: Georges Strouve Montaje: Jean Ravel Música: Gustavo Becerra Duración: 27 minutos Formato de exhibición: DVCAM

Dirigido por el documentalista holandés Joris Ivens y con guión de Chris Marker, este documental ofrece una sinfonía urbana hermosa y políticamente comprometida con el puerto de Valparaíso. Ivens se introduce en el singular paisaje de una ciudad que habita con un pie en el cerro y otro en el mar, entre un pasado de glorias y un presente de deterioro y carencias. Con perfecto ritmo visual, el director evita la postal turística y recalca sus contradicciones y singularidades, indagando en la vida cotidiana de sus habitantes y ofreciendo, finalmente, un panorama complejo y diverso sobre la vida en el puerto. R.G.

Directed by the documentary filmmaker Joris Ivens and scripted by Chris Marker, this documentary offers a beautiful urban symphony politically committed to Valparaiso harbor. Ivens dives into the singular landscape of a city that lives with one foot on the hills and another in the ocean, between a glorious past and a deteriorated present that lacks plenty. With perfect visual rhythm, the director avoids the tourist postcard and highlights its contradictions and singularities, exploring its resident’s daily life and offering finally, a complex and diverse panorama about life on the port. R.G.

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Le tombeau d’ Alexandre

Chats perchés

El último Bolchevique / Francia, 1992

Gatos encaramados / Francia, 2004

Dirección: Chris Marker Producción: Michael Kustow, Les Films de l’Astrophore Guión: Chris Marker Director de fotografía: Chris Marker Montaje: Chris Marker Música: Alfred Shnitke Duración: 120 minutos Formato de exhibición: DVCAM

Aleksandr Ivanovich Medvedkin fue un cineasta ruso nacido en 1900. A los 17 años, fue testigo de la Revolución bolchevique; a los 20 participó en la Guerra Civil, dentro del Ejército Rojo; a los 38 vivió las purgas estalinistas, y vio cómo su mejor película, La felicidad, era condenada; con 41 años luchó en primera línea en la II Guerra Mundial, cámara en mano; y murió, en 1989, en plena “perestroika”, convencido de que el comunismo, al que él había consagrado su vida, alcanzaba, por fin, su culminación. R.

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Aleksandr Ivanovich Medvedkin was a Russian filmmaker born in 1900. At 17 he witnessed the Bolshevik revolution: at 20 he participated in the civil war in the red army along with Isaac Babel; at 38 he survived the Stalin’s purges and saw how his best film Happiness was condemned for conveying Bujarin influences; when he was 41, he fought on the front lines in the Second World War, camera on hand; and died in 1989 in the middle of “perestroika”, convinced that the communism he devoted his life to, finally reached its pinnacle. R.

Dirección: Chris Marker Producción: Laurence Braunberger Guión: Chris Marker Director de fotografía: Chris Marker Montaje: Chris Marker Música: Michel Krasna Duración: 58 minutos Formato de exhibición: DVCAM

Un cineasta sale a la calle con su cámara a tratar de descubrir el misterio de unos gatos sonrientes que comienzan a aparecer dibujados en las paredes de París. Pero el misterio no es quién los hace, sino qué es lo que quiere decir ese gato. Y qué es lo que sucede en esas calles, esa ciudad y ese mundo en los que el gato se manifiesta. R.

A filmmaker goes out in the Street with his camera to try to discover the mystery of smiling cats that are drawn on Paris’ walls. The mystery is not who draws the cats, but what the cat wants to say, what happens on the streets, the city and the world of the cat expressions. R.

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Level Five

Le souvenir d’un avenir

Level 5 / Francia, 1997

Recuerdos del porvenir / Francia, 2001

Dirección: Chris Marker Producción: Michel Krasna Guión: Chris Marker Director de fotografía: Yves Angelo, Gérard de Battista y Chris Marker Música: Michel Krasna Sonido Directo: Florent Lavalle Postproducción de Sonido: Florent Lavalle Duración: 104 minutos Formato de exhibición: DVCAM

Laura recibe el encargo de terminar el guión de un videojuego dedicado a la batalla de Okinawa (tragedia casi desconocida en Occidente, pero determinante en el fin de la Segunda Guerra Mundial). El objetivo del juego no consiste en modificar el curso de la Historia, sino reproducirla tal y como fue. Pero, al trabajar sobre Okinawa, Laura se topará en Internet con una misteriosa red paralela de informadores y testigos de la batalla. Así, conocerá aspectos de la tragedia que empezarán a interferir en su propia vida. Como todos los videojuegos, Level Five avanza por niveles. Laura y su interlocutor, intoxicados por su misión, acabarán por componer una metáfora de la vida, distribuyendo los “niveles” a todo lo que les rodea. ¿Alcanzará Laura el Nivel Cinco? R.

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Laura receives the mission of finishing the script for a video game dedicated to the battle of Okinawa (a tragedy barely known in the west, but a determining one at the end of the Second World War). The game objective is not to modify the course of history, but to reproduce it as it was. While working on Okinawa, Laura will come across on Internet with a mysterious parallel network of informers and witnesses of the battle. That’s how she becomes aware of some tragedy aspects that will begin to interfere with her own life. As in all videogames, people advance levels to reach level 5. Laura and her spokesman, intoxicated by their mission, will end up composing a metaphor for life, distributing those levels to all that’s around them. Will Laura reach level 5? R.

Dirección: Chris Marker y Yannick Bellon Producción: Les Films de l’Equinoxe Guión: Chris Marker y Yannick Bellon Director de fotografía: Denise Bellon (B&N) Montaje: Chris Marker Música: Michel Krasna Sonido: Florent Lavallée Duración: 42 minutos Formato de exhibición: DVCAM

A partir de los archivos de la fotógrafa Denise Bellon (19021999), Chris Marker y Yannick Bellon, hija de la fotógrafa, reviven la Francia de la preguerra, del África colonial, y recuerdan a los protagonistas de guerras y revoluciones, tanto a los célebres como a los anónimos. Un lúcido repaso a la historia a partir de los excepcionales retratos de una mujer que supo captar un presente convulso que contenía ya las huellas del porvenir. R.

From the archives of photographer Denise Bellon (19021999), Chris Marker and Yannick Bellon, the photographer’s daughter, revive pre-war France and colonial Africa, and remember the characters of wars and revolutions, the famous and the unknown. A lucid review of history, based on the exceptional pictures of a woman that knew how to catch a tumultuous present that already contained the tracks of the future. R.

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Sans soleil Sin sol / Francia, 1983

Dirección: Chris Marker Producción: Argos Films Guión: Chris Marker Director de fotografía: Chris Marker Montaje: Chris Marker Música: Michel Krasna Sonido directo: Paul Bertault y Antoine Bonfanti Duración: 100 minutos Formato de exhibición: DVCAM

Tres niños en una carretera en Islandia, una tripulación somnolienta a bordo de un ferry, un emú en Île de France, un bello rostro de las islas Bijagos, un cementerio de gatos a las afuera de Tokio, vagabundos en Namidabashi, los habitantes de la Isla de Fogo, Cabo Verde, un carnaval en Bissau... Así inicia el relato una mujer desconocida que lee las cartas remitidas por un operador de cámara, Sandor Krasna, que a través del registro de las imágenes de sus viajes se interroga sobre la memoria y la función del recuerdo, “que no es lo contrario del olvido, sino su opuesto”, para conformar su particular lista de “cosas que hacen latir el corazón”. R.

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Three children on a highway in Iceland, a sleepy crew aboard a ferry, un emú en Île de France, a pretty face of the Bijagos islands. A cat cemetery on the outskirts of Tokyo, bums in Namidabashi, the Fogo Island residents, Cabo Verde, a carnival in Bissau... That’s how the tale begins by an unknown woman reading letters sent by a camera operator, Sandor Krasna, whom through a registry of images from his trips, asks himself about memory and the role of remembrance, “which is not the contrary of forgetting, but the opposite”, to compose as Sei Shônagon, his particular list of “things that make the heart beat”. R.

Cuarenta años a la distancia Forty years away


La batalla de Chile I-II-III La batalla de Chile I-II-III / Chile, 1972-1979

Producción, guión y dirección: Patricio Guzmán Director de fotografía y cámara: Jorge Müller Silva Montaje: Pedro Chaskel Sonido directo: Bernardo Menz Ayudante de dirección: José Bartolomé Jefe de producción: Federico Elton Casa de producción: Equipo Tercer Año (Patricio Guzmán) Duración: 272 minutos Formato de exhibición: DVCAM

En el transcurso de un año, filmé los acontecimientos durante el gobierno de Allende en Santiago y otras ciudades. Comencé a filmar el 15 de octubre de 1972 y terminé el 11 de septiembre de 1973. El rodaje concluyó con el golpe de Estado y la muerte de Allende. Utilicé una cámara Eclair de 16 milímetros, dos chassis, un trípode, un grabador  Nagra-4 y un micrófono Sennheiser. Es una película documental filmada en el momento mismo de producirse los hechos. No es una película de archivo. Por primera vez, un proceso revolucionario latinoamericano fue filmado paso a paso por un equipo homogéneo. El material virgen fue proporcionado por el cineasta francés Chris Marker (44.000 pies de material, equivalentes a 18 horas de película) y 134 cintas de sonido. El proceso duró siete años en total: uno de rodaje y seis de montaje. Este último se hizo en el Instituto del Arte y la Industria Cinematográficos de Cuba. Jorge Müller Silva, el director de fotografía y cámara, fue secuestrado por la policía militar de Pinochet en noviembre de 1974. Hasta hoy se desconoce su paradero. Es uno de los 3.200 desaparecidos y ejecutados de la dictadura. Federico Elton, el jefe de producción del filme, estuvo detenido 24 horas en la Escuela Militar en los días posteriores al golpe. Yo estuve detenido dos semanas en el Estadio Nacional de Santiago, incomunicado y amenazado de fusilamiento. Esta trilogía ha sido objeto de la censura en Chile, pues nunca ha sido emitida por la televisión pública ni estrenada cinematográficamente en las salas chilenas. El filme dio la vuelta al mundo en los años setenta y ochenta, y fue exhibido en salas de cine de 35 países. La revista de Nueva York Cinéaste la nominó entre los “mejores 10 filmes políticos del mundo”. P.G.

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For a year, I filmed the events during Allende’s government in Santiago and other cities. I began filming on October 15, 1972 and concluded on September 11, 1973. The film ends with the coup and Allende’s death. I used an Eclair 16mm camera, two rack-mounts, one tripod, a Nagra-4 recorder and a Sennheiser microphone. It’s a documentary film done at the precise moment of the events. It’s not a movie made from archives. For the first time, a revolutionary process in Latin America was shot step by step by a stable crew. The virgin tapes were given to us by the French filmmaker Chris Marker, (44,000 feet of material, equivalent to 18 hours of film) and 134 sound ribbons. The process lasted seven years total: one for shooting and six for editing. The latter was done at Cuba’s Art and Film Industry Institute (Instituto del Arte y la Industria Cinematográficos de Cuba). Jorge Müller Silva, the cinematographer, was kidnapped by Pinochet’s military police in November 1974. His whereabouts are still unknown. He’s one of the dictatorship’s 3,200 missing or executed. Federico Elton, the film’s production manager, was detained for 24 hours inside the Military School in the days after the coup. I was detained for two weeks at the National Stadium in Santiago, incommunicado and under threat to be executed. This trilogy has been an object of censorship in Chile; it has never been aired on public TV or screened in any Chilean film theaters. The film went around the world in the 70s and 80s, and was screened in 35 countries. The New York Magazine Cinéaste nominated it among the “10 best political films in the world”. P.G.

PREMIOS Y ALGUNOS FESTIVALES: Estreno: Quincena de los realizadores, 1975 y 1976 Segunda exhibición: Forum de la Berlinale, 1975, 1976 y 1979 Grand Prix, Festival de Grenoble, Francia 1975 Premio del Jurado, Festival de Leipzig, Alemania 1976 Grand Prix, Festival de Grenoble, Francia 1976 Grand Prix, Festival de Bruselas, Bélgica 1977 Grand Prix, Festival de Benalmádena, España 1977 Grand Prix, Festival de La Habana, Cuba 1979

AWARDS and some FILM FESTIVALS: Premiere: The Director’s Fortnight, 1975 and 1976 Second screening: Berlinale Forum, 1975, 1976 and 1979 Grand Prix, Grenoble film Festival, France, 1975 Jury Award, Leipzig Film Festival, Germany, 1976 Grand Prix, Grenoble Film Festival, France, 1976 Grand Prix, Brussels Film Festival, Belgium, 1977 Grand Prix, Benalmadena Film Festival, Spain, 1977 Grand Prix, La Habana Film Festival, Cuba 1979

SELECCIÓN DE CRÍTICAS: “Grandes filmes raras veces llegan sin anunciarse, como La Batalla de Chile. Un documental de tres partes y con una duración de muchas horas, sobre los hechos que precedieron a la caída de Allende. ¿Cómo un equipo de cinco personas, algunos de ellos sin experiencia previa (...) pudo producir un trabajo de esta magnitud? Patricio Guzmán ha dicho en una entrevista (...) que durante las luchas callejeras, él podía anticipar lo que iba a ocurrir y que, situado detrás del operador, le decía cuándo adelantarse, mostrar un sector, bajar la cámara y subirla. Esto es, él estaba tan impregnado con las posibilidades de la situación que era como si estuviera dirigiendo la acción. Podía usar los métodos del cine de ficción que había estudiado en la escuela de Madrid a fines de los años sesenta ...”. Pauline Kael, The New Yorker, EE.UU., 1978.

REVIEW SELECTION: “Great films rarely arrive without warning, such as La Batalla de Chile. A three-part documentary of long duration, it’s about the events that proceeded the fall of Allende. How could a 5 person crew, some without any prior experience (…) be able to produce work of this magnitude? Patricio Guzmán stated in an interview (…) that during street confrontations, he could anticipate the events, and staying behind the camera operator, he would tell him when to move forward, focus on a sector, lower the camera and move it upward. He was so taken by the situation possibilities, that it felt like he was directing the action. He could use the methods of fiction filmmaking that he studied in Madrid at the end of the 60s…” Pauline Kael, The New Yorker, EE.UU., 1978.

“Este filme es la primera obra de arte de una nueva forma de analizar la política. Nos ofrece una lección de historia como nunca nos la ha ofrecido el cine. Aunque diversos cineastas muy conocidos están inscritos en la rúbrica del guión, como Pedro Chaskel, otro director chileno, Julio García Espinosa, director cubano, y Chris Marker, la obra, muy evidentemente, se debe a un solo hombre. No por motivos de procedencia, sino, tal vez, porque el trabajo de creación, de realización, de montaje, valen bien el de un Bresson o un Fellini”. Louis Marcorelles. Le Monde, París, 1975.

“This film is the first piece of art work of a new way to analyze politics. It offers a history lesson, as filmmaking has never done. Although different well known filmmakers adhere to scriptwriting, such as, Pedro Chaskel, another Chilean director, Julio García Espinosa, Cuban director, and Chris Marker, the work is clearly credited to one man. Not because of its origin, but maybe, because the work of creation, production and edition are well worth that of Bresson or Fellini”. Louis Marcorelles. Le Monde, París, 1975.

“Dos momentos extraordinarios de la segunda parte: fragmentos de antología, se podría decir (...). Bajo los sones de marcha fúnebre, el funeral del edecán asesinado de Allende. La cámara escudriña los rostros. Un comentario incisivo nos invita a leer bajo esos rostros herméticos: el golpe final se prepara. Segundo momento histórico: la gigantesca manifestación del 4 de septiembre de 1973, una semana antes del golpe...”. Louis Marcorelles, Le Monde, París, 1976. “Sea cual sea la reacción que uno tenga frente a La Batalla de Chile III, es indiscutiblemente un filme épico”. Vincent Camby, The New York Times, EE.UU., 1978.

“Two extraordinary moments in the second part: anthology fragments, one could say (…). At the sound of Allende’s murdered personal guard’s funerary procession. The camera scrutinizes the faces. A sharp commentary invites us to read those tight faces: the final coup is coming. Second historical moment: the giant demonstration on September 4, 1973, a week before the coup…” Louis Marcorelles, Le Monde, París, 1976. “Whatever your reaction to La Batalla de Chile III, it’s without discussion an epic film” Vincent Camby, The New York Times, EE.UU., 1978.

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Sinopsis de la primera parte (La insurrección de la burguesía, 100’)

Sinopsis de la segunda parte (El golpe de Estado, 90’)

SYNOPSIS, FIRST PART (La insurrección de la burguesía, 100’) (The bourgeoisies’ insurrection)

SYNOPSIS, SECOND PART (El golpe de Estado, 90’) (The coup)

Salvador Allende pone en marcha un programa de transformaciones sociales y políticas para modernizar el Estado y frenar la pobreza. Desde el primer día, los sectores más conservadores organizan contra él una serie de huelgas salvajes mientras la Casa Blanca le asfixia económicamente. A pesar del boicot económico  y el bloqueo parlamentario  (la oposición rechaza casi todos los proyectos de ley), los partidos que apoyan a Allende obtienen un resultado sorprendente: el 43,4 por ciento de los votos en marzo de 1973. La derecha, en su conjunto, comprende que los mecanismos legales ya no les sirven. De ahora en adelante, su estrategia será la del golpe de Estado. La batalla de Chile es un fresco que muestra paso a paso estos hechos que conmovieron al mundo. 

Entre marzo y septiembre de 1973 la izquierda y la derecha se enfrentan en todas partes: en la calle, las fábricas, los tribunales, las universidades, el parlamento y los medios de comunicación. El gobierno de Nixon, secundado por Kissinger, continúa financiando las huelgas principales (huelga del cobre, huelga del transporte) a la vez que fomenta el caos social. Allende trata de llegar a un acuerdo con las fuerzas del centro político –la  Democracia Cristiana–,  sin conseguirlo. Las contradicciones de la izquierda aumentan la parálisis. Los militares empiezan a conspirar en Valparaíso. Un amplio sector de la clase media alienta la “desobediencia” y apoya la guerra civil. Los militares inician el allanamiento sistemático de fábricas en busca de armas (que no encuentran). Casi un millón de personas desfila ante Allende el día 4 de septiembre. Siete días más tarde, Pinochet bombardea el palacio de gobierno con el presidente adentro.   

 

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Salvador Allende set in motion a social and political transformation program to update the State and control poverty. From the first day, the more conservative sectors organized against him with a series of hunger strikes, while the white house choked the economy. Despite the economical boycott and parliament’s blockage (the opposition rejected all law bills), the parties that supported Allende obtained a surprising result: 43,4% of the votes in March 1973. The right wing and its circles realized that legal mechanisms no longer served them. From now on their strategy would be a coup d’état. La batalla de Chile is a portrait that shows step by step the events that shook the world.

Between March and September 1973, the left and the right were confronted everywhere: in the streets, industries, courthouses, universities, the parliament, and the media. Nixon’s government supported by Kissinger, continued financing the most relevant strikes (copper worker’s strike, transportation worker’s strike) and at the same time promoting social chaos. Allende tried unsuccessfully to reach an agreement with the central party forces, the Christian Democrats. The left wing contradictions increased the shock. The military began plotting in Valparaiso. A wide middle class sector encourages “public disobedience” and supports a civil war. The military initiate a systematic invasion of industries searching for armament (which they didn’t find). Almost a million people march before Allende on September 4. Seven days later, Pinochet bombards the presidential palace with the president inside.

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Sinopsis de la tercera parte (El poder popular, 82’) SYNOPSIS, THIRD PART (El poder popular, 82’) (Power to the people)

Al margen de los grandes acontecimientos que narran los filmes precedentes, ocurren también otros fenómenos originales, a veces efímeros, incompletos, que recoge la tercera parte. Numerosos sectores de la población, y en particular las capas populares, organizan y ponen en marcha una serie de acciones colectivas: almacenes comunitarios, cordones industriales, comités campesinos, etc., con la intención de neutralizar el caos y apoyar a Allende. Estas instituciones, en su mayoría espontáneas, representan un “estado” dentro del Estado.

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Aside from the big events that the films narrate, there are other sometimes brief and incomplete original phenomena collected in the third part. Vast sectors of the population and especially the popular segments, organize and set in motion a series of collective actions: community stores, industrial networks, farmer committees, etc., with the intention of neutralizing chaos and support Allende. These mostly spontaneous institutions represent a “state” within the state.

Actividades de Formación Educational Activities


Debate sobre la ficción en el documental (y viceversa)

Escuela FIDOCS FIDOCS School

Debate: Fiction in documentary (and vice versa)

Durante los últimos años, FIDOCS ha recibido y programado varias películas, como La rencontre, El Salvavidas o A primera hora, que utilizan dispositivos originales del cine de ficción para producir y narrar historias en documental. Utilizando como punta de lanza el filme No, de Pablo Larraín, discutiremos en una mesa redonda recursos como la guionización, el uso de archivo y de actores, las recreaciones y otras estrategias narrativas y estéticas que circulan de género en género. Invitados Pablo Larraín (cineasta), Wolfgang Bongers (profesor asociado, Universidad Católica de Chile), Iván Pinto (editor revista La Fuga) y Cecilia Barrionuevo (programadora Festival Mar del Plata).

During the last few years, FIDOCS has received and programmed several movies, like La rencontre, El salvavidas and A primera hora, which utilize devises that originally belong to fiction cinema, in order to produce and narrate stories in documentaries. Using No, by Pablo Larraín, as spearhead film, we will discuss at a round table resources like scripting, the use of archive footage and of actors, recreations and other narrative and aesthetic strategies that circulate from genre to genre.

Modera: Ricardo Greene (director FIDOCS)

Moderator: Ricardo Greene (FIDOCS director)

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Guests Pablo Larraín (filmmaker), Wolfgang Bongers (associate professor, Universidad Católica de Chile), Iván Pinto (editor La Fuga magazine) and Cecilia Barrionuevo (programmer, Mar del Plata Festival).

En esta 6º versión de Escuela FIDOCS, el objetivo continúa siendo el mismo: incentivar la formación y el conocimiento del lenguaje documental entre los futuros realizadores mediante exclusivas clases expositivas con los principales realizadores invitados del FIDOCS. Es una actividad creada y producida por el Festival, donde se convocan a las distintas escuelas de cine y comunicaciones de Santiago para que sus alumnos más destacados sean becados en las actividades a realizar. Existe un compromiso con FIDOCS para que en esta semana los estudiantes puedan tener la disponibilidad de participar en el Festival sin tope de horarios con sus carreras y actividades académicas; por ello, las actividades de Escuela FIDOCS son de asistencia obligatoria y controlada, incluyendo charlas y visionados de películas.

In this 6th edition of FIDOCS School, the objective is still the same: To incentivize training and knowledge of documentary language in future directors, through classes imparted by the main guest directors at FIDOCS. It’s an activity created and produced by the festival, with an open call to the different film and communications schools in Santiago, so that their best students can earn scholarships to FIDOCS activities. There is an arrangement in place with FIDOCS during the festival week. The students have the availability to participate in the Festival, without limitations from other school commitments. For this reason these activities at FIDOCS School, including lectures and film screenings, are mandatory and attendance is kept.

Invitados Escuela FIDOCS 2013

2013 FIDOCS School Guest

·Juan Carlos Rulfo, director de El abuelo Cheno y otras historias ·Laurent Hasse, director de Le bonheur… terrepromise ·José Luis Torres Leiva, director de ¿Qué historia es esta y cuál es su final? ·Alejandra Moffat, directora de Candelaria ·Francisco Javier Rodríguez, director de The third person

·Juan Carlos Rulfo, director of El abuelo Cheno y otras historias ·Laurent Hasse, director of Le bonheur… terre promise ·José Luis Torres Leiva, director of ¿Qué historia es ésta y cuál es su final? ·Alejandra Moffat, director of Candelaria ·Francisco Javier Rodríguez, director of The third person

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Master Class Master Class

Este año ofrecemos al público del festival tres charlas magistrales gratuitas de directores internacionales: abre Juan Carlos Rulfo, que hablará sobre memoria, lenguaje y cine; le sigue Mariana Otero sobre las posibilidades del cine documental y por último Cao Guimarães , quien hará un paralelo entre la experimentación audiovisual y la práctica de cocinar.

This year we offer 3 free Master Classes from international directors to our festival audience: the opening is by Juan Carlos Rulfo, who will talk about memory, language and film; followed by Mariana Otero on documentary film possibilities and last, Cao Guimarães, who will draw a parallel between audiovisual experimentation and the practice of cooking.

“Los usos de la memoria” (The uses of memory) Expositor: Juan Carlos Rulfo Presenta: Jorge Morales Lugar: Biblioteca Nicanor Parra, Vergara 324, UDP Horario: Martes 25, 11:30 hrs. “El cine de las imágenes verdaderas” (Cinema of True images) Expositor: Mariana Otero Presenta: Patricio Guzmán Lugar: GAM, Sala Conferencia 1 Horario: Martes 25, 15:00 hrs.   “Cine de Cocina” (Cooking Cinema) Expositor: Cao Guimarães Presenta: Andrea Pacheco Lugar: GAM, Sala Conferencia 1 Hora: Viernes 28, 15:00 hrs.  

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Santiago, Ciudad Abierta Santiago, Open City

Desde sus comienzos, FIDOCS ha sido un festival comprometido políticamente y que intenta marcar, en todas sus decisiones, una línea editorial responsable. En miras de colaborar con el acceso equitativo a la cultura, este año hemos abierto una nueva sección llamada “Santiago, ciudad abierta”: seis funciones gratuitas en las que cineastas chilenos y chilenas presentarán sus obras a estudiantes y personas de la tercera edad, respondiendo sus preguntas e inquietudes. Con esta actividad buscamos seguir colaborando en la formación de nuevas audiencias y revitalizar nuestro compromiso activo con la comunidad.

Since its beginnings, FIDOCS has been a politically committed festival that inscribes each decision with a responsible editorial line. Aiming to collaborate with a fair access to culture, we have created a new section called “Santiago, Ciudad abierta” (Santiago, open city): six free of charge screenings, where Chilean filmmakers will present their films to students and senior citizens and will answer their questions. With this activity, we hope to continue adding to the new audience formation efforts, and to refresh our active commitment to the community.


Arcana

El edificio de los chilenos

Arcana / Chile, 2006

El edificio de los chilenos / Chile, 2010

Dirección: Cristóbal Vicente Producción: Cristóbal Vicente Fotografía: Cristóbal Vicente Sonido: Mario Díaz Montaje: Cristóbal Vicente y Carlos Klein Música: Carlos Canales y Luis Toto Alvarez Duración: 83 minutos Formato de exhibición: DVCAM

Arcana es una película que recoge el último año de funcionamiento de la antigua cárcel de Valparaíso (Chile), cerrada en abril de 1999. Es un homenaje al lugar y a los valores y costumbres de los hombres que por ciento cincuenta años lo habitaron ocultamente, fuera de todo conocimiento exterior de la ciudad.

Arcana is a film that records the last year in use of the old Valparaíso jailhouse (Chile), closed on April 1999. It is a tribute to the place, values and habits of the men hidden there for the last hundred and fifty years, lacking any knowledge of the city’s exterior.

Cristóbal Vicente (Viña del Mar, 1975) es arquitecto de la Universidad Católica de Valparaíso. También estudió dirección de fotografía cinematográfica con el destacado director de fotografía Héctor Ríos. En 1998 comienza el proyecto Arcana, que finaliza y se estrena el 2006, con importante participación en festivales nacionales e internacionales.

Cristóbal Vicente (Viña del Mar, 1975) is an Architect, graduate of the Universidad Católica de Valparaíso. He studied cinematography with the noted Director of Photography Hector Rios. In 1998 begins the project Arcana, which is completed and premiered in 2006, later participating in relevant national and international film festivals.

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Dirección: Macarena Aguiló y Susana Foxley Producción: Juan Manuel Egaña y Macarena Aguiló Producción ejecutiva: Juan Manuel Egaña Guión: Macarena Aguiló y Susana Foxley Fotografía: Arnaldo Rodríguez Sonido: Mauricio Molina Música: Elizabeth Morris Montaje: Catherine Mabilat, Macarena Aguiló, Ilán Stehberg, Ismael Miranda y Galut Alarcón Duración: 95 minutos Formato de exhibición: HDCAM

A fines de los años setenta, los militantes del Movimiento de Izquierda Revolucionaria (MIR) exiliados en Europa regresaron a Chile a luchar clandestinamente contra la dictadura. Muchos tenían hijos que no podían llevar con ellos. Para esos hijos nació el Proyecto Hogares, un espacio de vida comunitaria que reunió cerca de sesenta niños que fueron cuidados por veinte adultos llamados Padres Sociales.

The militants of the MIR (Revolutionary Leftist Movement) who were exiled in Europe returned to Chile at the end of the 70s to fight covertly against the dictatorship. Many had children they couldn’t take with. The “Proyecto Hogares” (Homes Project), was created for those children. A community that gathered over sixty children who were cared for by twenty adults called “Social parents”.

Macarena Aguiló (Santiago, 1971) estudió comunicación audiovisual en el Instituto Profesional ARCOS. En 2004 comienza a desarrollar su ópera prima documental El edificio de los chilenos, que obtiene Mención Honrosa en su estreno en DOK Leipzig 2010. Ha ganado más de quince premios, entre ellos el Gran Premio FIDOCS 2010.

Macarena Aguiló (Santiago, 1971) is a graduate of ARCOS Professional Institute in Audiovisual Communication. In 2004 she started developing her opera prima, the documentary, El edificio de los chilenos, which received an honorable mention when it premiered in DOK Leipzig 2010. It has obtained more than fifteen awards, among them, the great FIDOCS Great Award, 2010.

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MAFI. tv - Mapa fílmico de un país

Profes

MAFI. tv - Mapa fílmico de un país / Chile, 2012

Profes / Chile, 2012

Dirección: Sebastián Moreno Producción: Gonzalo Rodríguez Producción ejecutiva: Ricardo Larraín Guión: Sebastián Moreno y María Paz González Investigación: María Paz González Música original: Andreas Bodenhöfer Fotografía: Sebastián Moreno Montaje: Valentín Atías Duración: 58 minutos Formato de exhibición: DCP

Director general: Christopher Murray Director de contenidos: Antonio Luco Creadores: Christopher Murray, Antonio Luco, Pablo Carrera e Ignacio Rojas Director web: Tamara Uribe Producción general: Francisca Barraza Dirección de fotografía: Diego Lazo y Matías Illanes Sonido: Carlos Collio y Carlos Pérez Montaje: Tania Ramírez, Josefina Buschmann y Macarena Yurjevic Investigación: Constanza Miranda Formato de exhibición: Presentación Web

MAFI.tv es una plataforma web compuesta por piezas documentales acerca del Chile actual. El formato de las obras es simple: encuadre fijo, duración breve y el sonido limpio del registro.  Sus realizadores, tanto consagrados como emergentes, provienen de todo el país. El objetivo es capturar fragmentos de la realidad nacional para ir creando un mapa fílmico de nuestra contingencia través de una mirada autoral, reflexiva y de alta calidad visual.

MAFI.tv is a web platform composed by documentary pieces about present day Chile. The work format is simple: still frame, brief duration and a clean sound registry. The directors, whether renowned or emerging, come from all over the country. The objective is to catch fragments of our national reality, to create a film map of our contingency through an authorship’s viewpoint, sensible and high visual quality.

Directores Ignacio Rojas, Maite Alberdi, Pablo Carrera, Iván Osnovikoff, Bettina Perut, José Luis Torres Leiva, Antonio Luco, Cristián Jiménez, Fernando Lavanderos, Christopher Murray, Camilo Corbeaux, Israel Pimentel, Juan Jullian, Valeria Hofmann, Colectivo Miope, Daniela Camino, Felipe de Ferrari, Gustavo Castro, Orlando Torres, Andrés Montenegro, Simón Vargas, Ignacio Agüero, Carlos Araya, Jeremy Hatcher, Juan Francisco González y Tomás Quintana.

Directors Ignacio Rojas, Maite Alberdi, Pablo Carrera, Iván Osnovikoff, Bettina Perut, José Luis Torres Leiva, Antonio Luco, Cristián Jiménez, Fernando Lavanderos, Christopher Murray, Camilo Corbeaux, Israel Pimentel, Juan Jullian, Valeria Hofmann, Colectivo Miope, Daniela Camino, Felipe de Ferrari, Gustavo Castro, Orlando Torres, Andrés Montenegro, Simón Vargas, Ignacio Agüero, Carlos Araya, Jeremy Hatcher, Juan Francisco González and Tomás Quintana.

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Mientras la educación se discute en las calles, Evelyn, Esteban, Andrea, Ema, Oscar y Eli nos abren las puertas de sus salas de clases para ver de qué se trata enseñar. Profes es una invitación a volver al aula para observarla, esta vez, desde los ojos de los profesores. Junto a estos maestros regresaremos por un año a ese lugar en el que una persona puede marcar, para siempre, nuestro futuro y el de Chile.

While education is discussed in the streets Evelyn, Esteban, Andrea, Ema, Oscar and Eli open their classroom doors to us to see what is teaching all about. Profes is an invitation to return to the classroom and observe it this time, from the teacher’s point of view. We will return for one year, along with these masters, to that place where someone’s life, our future and Chile’s future can be touched forever.

Sebastián Moreno (Santiago, 1972) es comunicador audiovisual del Instituto Profesional ARCOS y director de fotografía en cine de la Escuela de Cine y TV de San Antonio de los Baños, Cuba. Su primer largometraje documental, La ciudad de los fotógrafos (2006), elogiado por la crítica y premiado en festivales, trata sobre la fotografía en tiempos de Pinochet.

Sebastián Moreno (Santiago, 1972) is a graduate of ARCOS Professional Institute in Audiovisual Communication and Cinematographer from the Film and TV School of San Antonio de los Baños, Cuba. His first feature documentary, La ciudad de los fotógrafos (2006), praised by the critics and awarded at many festivals, is about photography during the Pinochet era.

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Sibila

Un hombre aparte

Sibila / Chile - España, 2012

Un hombre aparte / Chile, 2002

Dirección: Bettina Perut e Iván Osnovikoff Producción ejecutiva: Bettina Perut Fotografía y cámara: Sebastián Moreno Sonido: Iván Osnovikoff Postproducción de sonido: Antonio Gildemeister Montaje: Bettina Perut e Iván Osnovikoff Duración: 60 minutos Formato de exhibición: Blu-ray

Dirección: Teresa Arredondo Montaje: Martín Sappia Producción general: Viviana Erpel Producción ejecutiva: Casimúsicos Cine Guión: Teresa Arredondo y Martín Sappia Cámara: Teresa Arredondo y César Boretti Música original: Esteban Anavitarte Sonido directo: María Elisa Cánobra Postproducción de sonido: Roberto Espinoza Duración: 94 minutos Formato de exhibición: Blu-ray

Recuerdo la noche en que la historia de mi familia cambió. Llamaron desde Perú para avisar que mi tía, Sibila, estaba presa, acusada de ser miembro de “Sendero Luminoso”. Yo tenía siete años y el silencio protector de mis padres ayudó a que su figura se convirtiera en un gran misterio en mi vida. Su encierro duró quince años. Hoy está libre y quiero acercarme a ella, escucharla, entender. Sibila es un viaje que construye el presente mirando el pasado. Es también el encuentro entre dos generaciones que buscan dialogar. Teresa Arredondo (Lima, 1978) es licenciada en psicología y magíster documental en la UAB (España). Su cortometraje Días con Matilde ganó el premio al Mejor Documental y al Mejor Guión en el DIVA. Sibila, su primer largo, fue galardonado en el BAFICI, el Festival de Málaga y el de La Habana de Nueva York, y obtuvo el premio Mejor Película en FIDOCS 2012.

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I remember the night when my family’s history changed. A call came from Peru, to let us know that my aunt Sibila had been arrested accused of being a member of “Shining path”. I was seven years old, and my parent’s protective silence helped to make her figure become the great mystery of my life. Her confinement lasted fifteen years. Today she’s free and I want to get close to her, hear her, and understand. Sibila is a journey that builds on the present by looking into the past. It’s also the meeting point between two generations that want to dialog. Teresa Arredondo (Lima, 1978) has a title in Psychology and a Master’s degree (documentary) from UAB (Spain). Her short film Días con Matilde won Best Documentary and Best Script at DIVA. Sibila, her first feature film was recognized at BAFICI, Malaga Film Fest, New York’s La Habana Film Fest, and received the Best Film Award at FIDOCS 2012.

Un hombre aparte es Ricardo Liaño, un emigrado español radicado en Chile, quien a lo largo de su vida fue promotor de boxeo, productor de espectáculos, periodista de política internacional e inventor de un sinnúmero de negocios turbios. Antiguo vividor y fabulador, y ahora octogenario y pobre, Liaño circula con la obsesión de seguir siendo un triunfador que por tercera vez en su vida logrará ser millonario en “dólares” mediante el lanzamiento de la Primera Campaña Mundial Infantil Juvenil Antidrogas.

Un hombre aparte is Ricardo Liaño, a Spanish immigrant who settled in Chile, and along his life he has been a boxing promoter, an event producer, international politics’ journalist and inventor of a number of shady business. An old player and storyteller now in his 80’s and poor. Liaño is obsessed with continuing to be a winner that for a third time in his life, can be a millionaire (in dollars), via the launching of the first world wide children and teens anti-drug campaign.

Bettina Perut (Roma, 1970) e Iván Osnovikoff  (Puerto Montt, 1966) han co-dirigido diversos documentales: Chi-chi-chi Le-le-le Martín Vargas de Chile (2000), Un hombre aparte (2002), El astuto mono Pinochet contra los cerdos de la moneda (2004), Welcome to New York (2006), Noticias (2009) y La muerte de Pinochet (2011).

Bettina Perut (Roma, 1970) and Iván Osnovikoff (Puerto Montt, 1966) have co-directed several documentaries: Chi-chi-chi Le-le-le Martín Vargas de Chile (2000), Un hombre aparte (2002), El astuto mono Pinochet contra los cerdos de la moneda (2004), Welcome to New York (2006), Noticias (2009) and La muerte de Pinochet (2011).

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Ediciones FIDOCS FIDOCS Books

Título del libro: La Zona Marker Editado por: Ricardo Greene e Iván Pinto Book Title: La Zona Marker (The Marker Zone). Editors: Ricardo Greene and Iván Pinto

Titulo del libro: Filmar lo que no se ve. Una manera de hacer documentales. Método, artículos, reseñas. Autor: Patricio Guzmán Filmar lo que no se ve (Filming what cannot be seen) A way of making documentaries Method, articles, reviews Author: Patricio Guzmán

Además de lanzar una nueva competencia de cortometrajes en su honor y de presentar una muestra de sus películas, este año hemos decidido honrar a Chris Marker con La Zona Marker. Dividido en tres capítulos, cada uno de ellos está dedicado a las distintas “vanguardias” que pueden encontrarse en su vida y obra: la primera, sobre el militante comprometido, cuenta con artículos de Trevor Stark, Carolina Amaral De Aguiar y del propio Chris Marker; el segundo, sobre el explorador que se adentra en culturas desconocidas, presenta trabajos inéditos de María Paz Peirano, Maria Luisa Ortega y Gonzalo De Lucas; el tercero, por último, es sobre sus innovaciones en el lenguaje audiovisual y edita artículos de Raymond Bellour, Eduardo Russo y Wolfgang Bongers. A ellos se suma un trabajo introductorio de los editores y una carta de Patricio Guzmán, además de ilustraciones y fotogramas. Una obra dedicada no sólo a especialistas sino a cualquiera que quiera adentrarse en los bordes difusos de su enorme legado. R.G.

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Aside from launching a new short film competition in his honor, and screening a retrospective of his work, this year we have decided to play a tribute to Chris Marker with The Marker Zone. It’s divided in three chapters, each one of them dedicated to a different cutting edge point that can be found throughout his life and works: the first about the committed militant, includes articles by Trevor Stark, Carolina Amaral De Aguiar and Chris Marker himself; the second about the explorer that ventures into unknown cultures, with unedited works by María Paz Peirano, Maria Luisa Ortega and Gonzalo De Lucas; the third and last is about his innovation on the audiovisual language and has edited articles by Raymond Bellour, Eduardo Russo and Wolfgang Bongers. Furthermore, an introductory piece by the editors and a letter by Patricio Guzmán, besides illustrations and video frames. A book not just dedicated to the adept, but to anyone who wants to delve into the vague fringes of his huge legacy. R.G.

El presente volumen está dedicado a los amantes del cine documental, tanto profesionales como amateurs. Es un sencillo manual sobre los agentes narrativos. No es un libro teórico. Es un texto basado en la experiencia directa. Tampoco es un libro sobre mis películas. Me intrigan más las obras de mis amigos que las mías. Es un texto sobre el corazón artístico de un filme, pero especialmente sobre los ladrillos, la materia, los átomos, la fabricación, que dan vida a una obra. P.G.

This volume is dedicated to documentary film lovers, both professional and amateur. It is a simple manual about narrative agents. It is not a theoretical book. It is a text based on direct experience. It is not a book about my films either; I am more intrigued about my friends’ work than mine. It is a text about a film’s artistic heart, especially, the building blocks, the matter, the atoms, the crafting that give life to a piece. P.G.

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Industria FIDOCS FIDOCS Industry


Observatorio Documental

Primer Corte: 3

Observatory of Documentary Filmmaking

First Cut: 3

Durante FIDOCS se exhibirán los resultados de dos investigaciones recientes sobre comportamientos y posicionamiento competitivo del documental en la industria audiovisual. Las investigaciones, realizadas por ADOC –“Panorama de la situación competitiva del documental en la industria audiovisual”– y por ChileDoc – “Estado de la distribución y comercialización del documental chileno del año 2000 al 2010”– , tienen como propósito examinar el posicionamiento del documental desde el punto de vista de su competitividad en el ámbito de la industria audiovisual y diagnosticar el estado de la distribución documental en Chile, con el fin de generar iniciativas y propuestas para mejorar la comercialización y la difusión de nuestras obras.

During FIDOCS, the results of two recent research projects will be presented, regarding the performance and competitive positioning of documentaries within the audiovisual industry. The purpose of this research, carried out by ADOC –“Panorama regarding the competitive situation of documentaries in audiovisual industry”– and by ChileDoc –“State of the distribution and commercialization of Chilean documentaries, from 2000 to 2010”– is to examine the positioning of documentary films in terms of their competitiveness in the scope of the audiovisual industry, and to diagnose the state of documentary distribution in Chile, in order to generate initiatives and proposals to improve commercialization and promotion of our works.

Organizan: ADOC + CHILEDOC Exponen: Viviana Erpel, Pachi Bustos, Flor Rubina y Paola Castillo.

Organizing: ADOC + CHILEDOC Presenting: Viviana Erpel, Pachi Bustos, Flor Rubina and Paola Castillo.

Primer Corte FIDOCS es una competencia Work in Progress para películas documentales, de realizadores o corealizadores, chilenos o extranjeros residentes, que hayan terminado su etapa de filmación y que se encuentren en montaje o postproducción, sin terminar. El espíritu de esta competencia es que los realizadores seleccionados reciban retroalimentación por parte del Festival ( jurados y programadores), por lo tanto es exigencia esencial que las obras no hayan sido exhibidas públicamente en ninguna muestra o festival de cine, ni en televisión abierta ni por cualquier otra vía tecnológica (Internet, etc.) anteriormente a las fechas en que se realiza FIDOCS. Sólo se eximen otras instancias de Work in Progress en otros festivales o instancias de pitching documental.

The selected documentaries are: Los cortes seleccionados son: Después del amanecer, Peter McPhee El vals de los inútiles, Edison Cájas Los árboles, Carlos Vásquez Méndez Los castores, Nicolás Molina y Antonio Luco Surire, Bettina Perut e Iván Osnovikoff Venían a buscarme, Álvaro De La Barra

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FIDOCS First Cut (Primer Corte FIDOCS) is a Work in Progress competition for documentary films by Chilean or resident foreign directors or co-directors, which have completed the filming stage, and are currently in editing or postproduction. The spirit of this competition is that the directors of the selected films receive feedback from the Festival (jury and programmers). Therefore, it is essential that these works have not been screened publicly at any other show or film festival, nor in open TV screenings, or any other form of exhibition (internet, video on demand, streaming, etc), prior to FIDOCS. Participation in other work in progress competitions at other Film Festivals, or instances of documentary pitching are excluded from this requirement.

Después del amanecer, Peter McPhee El vals de los inútiles, Edison Cájas Los árboles, Carlos Vásquez Méndez Los castores, Nicolás Molina y Antonio Luco Surire, Bettina Perut and Iván Osnovikoff Venían a buscarme, Álvaro De La Barra

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Jurado Primer Corte First Cut Jury

Cynthia García Calvo

Haruka Hama

Francisco Mena

Patricia Zavala

Theodore Grouya

Cynthia García Calvo es periodista y productora audiovisual. Con más de diez años de experiencia como cronista cinematográfica, trabajó en radio, gráfica y medios electrónicos, realizando coberturas de más de 30 festivales internacionales como Cannes, Bafici, Guadalajara, Mar del Plata, Sanfic, Cartagena y Valdivia. Actualmente es redactora jefe de LatAm cinema, revista digital para profesionales de la industria cinematográfica latinoamericana, y productora ejecutiva en Grita Medios.

Haruka Hama es coordinadora en el Yamagata International Documentary Film Festival y miembro del Comité de Selección. Ha coordinado secciones como la Nexus of Borders: Ryukyu Reflections, la New Asian Currents, y programas especiales como Islands/I Lands-Cinemas in Exile y Vista de Cuba. Ha organizado festivales de cine en Tokio y Okinawa.

Francisco Mena Molina es comunicador audiovisual. Ha realizado labores de producción y postproducción en series como Bim Bam Bum, El ejército de los helechos o Las cosas como son. Es socio productor ejecutivo de Libélula Producciones y ha sido jurado Work in Progress en el Festival Internacional de Cine de Viña, DIVA, CINE//B y FEM Cine.

Theodore “Teddy” Grouya es director del American Documentary Film Festival y presidente de la productora Cinema Arts Magic. Estudió cine y televisión en la Universidad de California y trabajó en numerosos filmes en Hollywood. Posteriormente empezó a dirigir y producir sus propios filmes, entre los que se encuentran Jerks o Icon.

Haruka Hama is the coordinator of the Yamagata International Documentary Film Festival and member of the selection committee. He has overseen the sections: Nexus of Borders: Ryukyu Reflections, New Asian Currents, and special programs such as: Islands/I Lands-Cinemas in Exile and Vista de Cuba. He has organized film festivals in Tokyo and Okinawa.

Francisco Mena Molina is an Audiovisual Communications graduate. He has worked in production and postproduction for series such as: Bim Bam Bum, El ejército de los helechos o Las cosas como son. Partner and executive producer of Libelula Productions, he has been a juror for works in progress at the Viña International Film Festival, DIVA, CINE//B y FEM Cine.

Patricia Zavala es licenciada en comunicación social, especializada en estudios de cine y educación. Realiza proyectos de formación audiovisual para niños y jóvenes desde 2005. Ha programado y gestionado cineclubes y ciclos de cine para Circo 2.12 en Ciudad de México, donde trabajó en el desarrollo del área de vinculación comunitaria de la Cineteca Nacional. Es parte de la distribuidora Latinópolis Filmes y colabora con los festivales Distrital cine y otros mundos y Cinema Planeta.

Cynthia García Calvo is a journalist and audiovisual producer. With over ten years’ experience writing cinema chronicles, she has worked in radio, graphics and electronic media, covering over 30 international festivals, like Cannes, Bafici, Guadalajara, Mar del Plata, Sanfic, Cartagena and Valdivia. At present, she is chief writer at LatAm cinema, a digital magazine for Latin American film industry professionals, and executive producer at Grita Medios.

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Patricia Zavala, has a bachelor’s degree in Audiovisual Communication, specializing in Film Studies and Education. Since 2005, she develops audiovisual training projects for children and teens. She has been a programmer and produced film clubs and film series for Circo 2.12 in Mexico City, where she worked in the development of community outreach

Theodore “Teddy” Grouya is director of the American Documentary Film Festival and president of Cinema Arts Magic, production house. He studied Film and Television at the University of California and worked on several Hollywood’s films. He later began producing and directing his own films, among which are Jerks and Icon.

programs for the National Film Archive. She’s part of Latinópolis Filmes distributors, and collaborates with Distrital cine y otros mundos and Cinema Planeta festivals.

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FIDOCS Online FIDOCS Online www.cinepata.com/fidocsonline

En esta nueva edición de FIDOCS, Cinépata no solo es un partner, también es el anfitrión de esta competencia online, que concederá un premio de 500 dólares a la película ganadora. Estamos orgullosos de ser el primer festival de cine de Chile en tener una sección online, en la que el mismo público otorga vía votación popular un premio a nuestras películas. El premio FIDOCS+CINEPATA es otorgado por el público a la película con mayor votación en sus funciones online. Las película estarán en línea durante un solo día. Además de un día adicional, donde todos los documentales de esta competencia estarán disponibles on demand. Cada función online se realizará vía streaming, sin posibilidad de descarga y en la mejor calidad posible. Esta es una gran oportunidad para que las películas del Festival crucen fronteras, estén disponible en regiones y en todo el mundo.

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In this coming edition of FIDOCS, Cinépata is not only a partner, but also the host of an online competition, which will grant a US$ 500 award to the winning film. We are proud to be the first Film Festival in Chile to have an online section, in which the public itself grants an award to a film via popular vote. The FIDOCS+CINÉPATA Award will be granted by the audience, to the film with the most votes during their online shows. The films will be online for only a day, plus an additional day where all the documentaries in competition will be available on-demand. All online shows will be offered via streaming, without the possibility of downloading, and in the best quality possible. This is a great chance for films at the Festival to cross borders, access the rest of the country, and the entire world.

Contactos Contacts


Película Inaugural Opening Film La Casa de la Radio Marine Goulois (Festivals Manager) m.goulois@filmsdulosange.fr +33 6 84 21 74 53 www.filmsdulosange.fr Competencia Chilena Chilean Competition La última estación The Last Station Catalina Vergara catalina@globorojofilms.com +56 9 9653 0493 www.laultimaestacion.cl Las cruces de Quillagua The Crosses of Quillagua Jorge Marzuca Venegas marzuca_jorge@yahoo.com +56 9 8361 4965

A primera hora Early José Miguel Matamala matamala2010@gmail.com + 56 9 9457 4074

Don Ca Mr. Ca Patricia Ayala Ruiz patittodehule@gmail.com www.doncaeldocumental.com

El otro día

Huellas

The other day Amalric De Pontcharra amaldep@gmail.com

Traces Miguel Colombo miguel@atomomedia.com.ar +54 9 11 55115467 / +54 11 45537341 www.atomomedia.com.ar

Quiero morirme dentro de un tiburón I want to die inside a shark. Sofía Paloma sofiapalomagomez@gmail.com +56 9 9944 8166 Competencia Latinoamericana Latin American Competition Mitote Mitote Eugenio Polgovsky. tecolotefilms@gmail.com www.tecolotefilms.com

Los Rockers, Rebelde Rock & Roll Los Rockers, Rebellious Rock & Roll Matías Pinochet matias@snov.cl +56 9 9573 7802 www.losrockers.cl

Doméstica Housemaids Sandro Fiorin Sandro@figafilms.com www.figafilms.com

¿Qué historia es esta y cuál es su final? What story is this and what is its ending? Patricio Muñoz G. patricio@dereojo.cl 56-32-2735674 www.dereojo.cl

El charco azul The blue pond Tatiana Villacob tatiana@ojodepez.co +57 3135320286 www.elcharcoazul.co - www.ojodepez.co

Pena de muerte Death Penalty Tevo Diaz tevodiaz@gmail.com +56 9 8454 6932 www.trebol3prod.com

No habrá revoluciónsincanción There will be no revolution without songs Mélanie Brun naniebrun@hotmail.com

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La Multitud The Crowd Laura Bruno laurabruno1@yahoo.com.ar 0054 11 9 60031819 https://www.facebook.com/pages/La-Multitud/492642070774847 La gente del río The River People Pablo Aparo y Martin Benchimol contacto:info@caravanacine.com.ar +54 11 4982 5832 www.caravanacine.com.ar Mejunje Concoction Victoria Paz Alvarez maskinproducciones@gmail.com www.maskinproducciones.com La cigüeña metálica The Metal Stork Marta Ruiz marta@framezero.es +34 934815737 www.framezero.es Competencia Internacional Cortometrajes “Monsieur Guillaume” “Monsieur Guillaume” International Short Film Competition

Cherry Blossoms Flores de cerezo An van Dienderen an.van.dienderen1@telenet.be Estábamos muertos y podíamos respirar We were dead, and we could breathe Enrique Stindt estindt@yahoo.com 56 9 90504516 www.k-i.cl Nuestro pan de cada día Our daily bread Esme Jofre esme.jofre @gmail.com 053 5828 9171 A story for the Modlins Una historia para los Modlins Sergio Oksman soksman@gmail.com www.astoryforthemodlins.com Bela Vista Bela Vista Filipa Reis info@vende-sefilmes.com +351 213 913 524  www.vende-sefilmes.com En tus Ojos It’s in your Eyes Sergio García Locatelli sergiogarcia@quechuafilms.com  +34 9 1446 9786 www.quechuafilms.com The third person La tercera persona Francisco Javier Rodríguez +32 484 736 124 cuartosvacios@yahoo.co.uk

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Montaña en sombra Mountain in shadow Lois Patiño loispatinho@gmail.com 0034 652 315 417 www.loispatino.com

A propósito del Dr. Alfonso Sandoval About Dr. Alfonso Sandoval Martha Naranjo Sandoval m.naranjo.sandoval@gmail.com www.mnaranjosandoval.net Candelaria

Todos a Larzac Chloe Souchet (Producción) Chloe.souchet@elzevifilms.fr +33 (0) 155312751

Museum Hours Anne Laurent anne.laurent@afc.at

Dos metros de esta tierra Ahmad Natche

Regilaul, canciones del aire Renate Sachse y Rose-Marie Schneider

anatche@gmail.com

info@docproductions.ch

Five Broken Cameras Rodrigo Brandão rodrigo@kinolorber.com www.kinolorber.com/5brokencameras

Bertsolari Marian Fernández Pascal txintxua@txintxua.com

Esperanza Esperanza Maider Oleaga maideroleaga@yahoo.com

Candelaria Alejandra Moffat alejandramoffat@gmail.com 76485644

Maya Maya Pedro Pío pedropiomartin@gmail.com +57 3214968548 www.vimeo.com/pedropio

Confeti Confetti Mariana Kaufman marikaufman@gmail.com +55 21 21171006 www.fagulhafilmes.com.br

Waterscope Transitions Waterscope Transitions Carsten Aschmann carsten_aschmann@web.de +49-511-7011387 www.hula-offline.de

Panorama Internacional International Panorama

Preludios/DiariMallorquí Preludes/Majorcan Diary Carlos Vásquez Méndez cvasmen@gmail.com www.obradorlafaz.com

Nosotros Pablo Mínguez pablominguez@ono.com

Desde otra parte From a Different Part

El genio suizo Adrien Blaser adrian.blaser@bandeapartfilms.com

Eames: The architect and the painter John Nadai john@filmstransit.com

Nicaragua una revolución confiscada Clara Ott clara.ott@mac.com

Free Radicals Guillaine Bergeret guilaine@sacrebleuprod.com

L’Oumigmag ou l’objectif documentaire Danielle VIAU D.Viau@nfb.ca

Corman’s World Laura Talsma laura@fortissimo.nl

Accidente Andarilho Otto Drawing Sin Peso O inquilino Peiote From the Window of my Room Quarta, Feira de Cinzas Coletivo Inventario de raivinhas Brasilia

Forget me not Isabel Mardones isabel.mardones@santiago.goethe.org

Bloody Daughter Patricia Trinca patricia@intermezzofilms.ch

Cao Guimarães studio@caoguimaraes.com www.caoguimaraes.com

¿Olvida usted algo? Forgot something? Dalia Huerta Cano daliones@gmail.com 04455 49556594 Reality 2.0 Reality 2.0 Victor Orozco Ramirez info@orozcovictor.com www.orozcovictor.com

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Le bonheur… terre promise Laurent Hasse lhasse@club-internet.fr

Los monstruos de mi casa QUINDROP Producciones Audiovisuales info@monstresdecameva.com +34 971 07 09 42 La rencontré Pascale Ramonda pascale@pascaleramonda.com Une jeunesse amoureuse contact@unejeunesseamoureuse.fr www.unejeunesseamoureuse.fr

Entre les bras everybody@ondeck-prod.com La casa Emak Bakia Oskar Alegria info@oskaralegria.com Función Especial Fuck for Forest Shoshana Eilon shoshana@dogwoof.com Foco Cao Guimarães Focus Cao Guimarães

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Foco Juan Carlos Rulfo Focus Juan Carlos Rulfo Carriere, 250 metros El abuelo Cheno Del olvido al no me acuerdo En el hoyo De Panzazo Los que se quedan Juan Carlos Rulfo juancarlos@lamedialuna.com.mx http://lamedialunaproducciones.com/ Cuarenta años a la distancia Forty Years Away La batalla de Chile 1 La batalla de Chile 2 La batalla de Chile 3 info@labatalladechile.cl www.labatalladechile.cl Santiago, Ciudad abierta Santiago, Open City El edificio de los chilenos Macarena Aguiló maguilomar@gmail.com Arcana Cristóbal Vicente infocrono@gmail.com MAFI Christopher Murray ccmurray@gmail.com Un hombre aparte Iván Osnovikoff osnovikoff@gmail.com

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Profes Paola Hernández phernandez@eligeeducar.cl Sibila Teresa Arredondo laviridiana@gmail.com Presentación Industria Industry Presentation Paola Castillo pcastillo@errante.cl Flor Rubina f.rubina@vtr.net Viviana Erpel vivierpel@yahoo.com

FIDOCS Online FIDOCS Online Horacio@cinepata.com Equipo FIDOCS FIDOCS Team Ricardo Greene / Director direccion@fidocs.cl Andrea Pacheco / Producción Ejecutiva pejecutiva@fidocs.cl Astrid Aburto/ Producción General pgeneral@fidocs.cl Andrés Valdés / Producción Técnica ptecnica@fidocs.cl

Pachi Bustos pachibustos@gmail.com

Isidora Cuevas / Producción Gráfica pgrafica@fidocs.cl

Primer Corte First Cut FIDOCS

Claudia Huaiquimilla / Producción Catálogo catalogo@fidocs.cl

Después del amanecer Peter McPhee Peter.mcpheec@gmail.com

Pablo Greene / Producción de Eventos eventos@fidocs.cl

El vals de los inútiles Edison Cájas fitosofia@gmail.com

Sole Morales / Guest Office invitados@fidocs.cl

Los árboles Carlos Vásquez Méndez cvasmen@gmail.com

Felipe Fernández / Tráfico trafico@fidocs.cl

Los castores Antonio Luco y Nicolás Molina antonioluco@gmail.com, nicomolina.a@gmail.com

Camila Manns/ Acreditaciones y Escuela FIDOCS acreditaciones@fidocs.cl

Surire Bettina Perut e Iván Osnovikoff info@perutosnovikoff.com Venían a buscarme Álvaro De La Barra adelabarra1@gmail.com

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Obras exhibidas Past festival films


1° FIDOCS 1997 (6 al 17 de mayo) Sección Internacional Ché, el diario de Bolivia (1994), Richard Dindo (Suiza, Francia) Baka (1995), Thierry Knauff (Bélgica) A veces miro mi vida (1979), Orlando Rojas (Cuba) MoTher Dao (1995), Vincent Monnikendam (Holanda) La batalla de Chile I, II, III (1973 - 79), Patricio Guzmán (Chile) Los fuegos de Satán (1992), Werner Herzog (Alemania) El sonido de Hollywood (1995), Joshua Waletzki (EE.UU.) Alejandro (1994), Guillermo Escalón (El Salvador) Asaltar los cielos (1996), López Linares, Javier Rioyo (España) La vida inmensa llena de peligros (1994), Denis Gheerbrandt (Francia) Un animal, los animales (1995), Nicolás Philibert (Francia) Aquí o acá (1995), Sandra Kogut (Brasil) Aire (1994), Vélu Viswanadhan (India) El convoy (1995), Patrice Chagnard (Francia) Cuesta que cuesta (1995), Claire Simon (Francia) Una jornada donde mi tía (1996), Christophe Otsenberger (Francia) Jaime de Nevares, último viaje (1995), Guarini y Céspedes (Argentina) El país de los sordos (1992), Nicolás Philibert (Francia) La resistencia de la luna (1985), Otávio Bezerra (Brasil) Ciudadano Langlois (1995), Edgardo Cozarinsky (Argentina) La ciudad Louvre (1990), Nicolás Philibert (Francia) Chile, la memoria obstinada (1997), Patricio Guzmán (Chile) Arthur Rimbaud, una biografía (1991), Richard Dindo (Suiza) Ruta número uno (1989), Robert Kramer (EE.UU.) Kieslovski, diálogos (1991), Rubén Korenfeld (Francia) Adiós Babushka (1997), Rebeca Feigg (EE.UU.) La flaca Alejandra (1994), Carmen Castillo (Chile) Primera Retrospectiva Chilena Andacollo (1958), Jorge di Lauro, Nieves Yankovich Láminas de Almahue (1961), Sergio Bravo Herminda de la victoria (1969), Douglas Hübner Venceremos (1970), Pedro Chaskel, Héctor Ríos Compañero Presidente (1970), Miguel Littín El Charles Bronson chileno (1981), Carlos Flores del Pino

178 0CSBTFYIJCJEBTtPast festival films

Una foto recorre el mundo (1981), Pedro Chaskel El Maule (1981 - 1982), Juan Carlos, Patricio Bustamante El Willy y la Mirian (1983), David Benavente Santiago blues (1984), Francisco Vargas Carrete de verano (1984), Patricia Mora, Marcos de Aguirre Dulce patria (1984 - 1985), Juan Andrés Racz Somos + (1985), Pablo Salas, Pedro Chaskel

Romance de valentía (1994), Sonia Herman Dolz (Holanda) El abuelo Cheno y otras historias (1995), J.C. Rulfo (México) La herida de mi ojo (1994), Cecilia Barriga (España) La verídica historia del sub - comandante Marcos (1996), Tessa Brissac, Carmen Castillo (Francia) Dario Fo, El juglar (1997), Chrevallay y Boutang (Italia) La Odisea del corredor de fondo (1997), J.C. Rosé (Francia)

Retrospectiva Chilena

Memorias de una guerra cotidiana (1986), Gastón Ancelovici Eran unos que venían de Chile (1985 - 1987), Claudio Sapiaín Cien niños esperando un tren (1988), Ignacio Agüero Fantasmas del desierto (1997), Leo Kocking Aquí donde yo vivo (1994), Carlos Puccio

Pepe Donoso (1977), Carlos Flores Del Pino Cachureo (1980), Guillermo Cahn No olvidar (1982), Ignacio Agüero Caminito al cielo (1989), Sergio Navarro Pepe Duvauchelle (1986), Héctor Ríos Huellas de sal (1990), Andrés Vargas Los guerreros pacifistas (1984), Gonzalo Justiniano Muerte en Santa María Iquique (1986),Tatiana Gaviola Carbón (1990), Claudio Di Girólamo

2°FIDOCS 1998 (6 al 14 de mayo)

Ámsterdam ciudad global (1996), Johan Van Der Keuken (Holanda) Retratos (1991), Alain Cavalier (Francia) El misterio Picasso (1955), Henri - Georges Clouzot (Francia) Contactos (1989 - 1993), Willian Klein (Francia) El recreo (1993), Claire Simon (Francia) A Valparaíso (1962), Joris Ivens (Holanda) Bernard Lubat Jazzman (1996), Eric Pittard (Francia) Lágrimas negras (1997), Sonia Herman Dolz (Holanda) Pueblo en vilo (1996), Patricio Guzmán (México, Francia) Al pueblo Alemán (1997), Hissen y Hissen (Alemania) El congreso de los pingüinos (1993), Ulrich Schlumpf (Suiza) Yo soy, yo fui, yo seré (1974), Heynowski y Scheumann (Alemania) Miércoles (1997), Víctor Kossakovski (Rusia) Retrato de Gesualdo, tinieblas (1997), W. Herzog (Alemania)

Sección Internacional

Documentales Chilenos Recientes

Los hombres de la sal del Tíbet (1997), Ulrike Koch (Suiza) La ley del colegio (1994), Mariana Otero (Francia) África ¿cómo va ese dolor? (1996), Raymond Depardon (Francia) Evita, la tumba sin paz (1996), Tristán Bauer (Argentina) Fuera del presente (1995), Andrei Ujica (Rusia, Alemania) Nuestras guerras imprudentes (1995), Randa C. Sabbag (Francia) La muerte programada (1995), Friedman y Brunet (Francia) Fotos de una revolución (1991), Susan Meiselas (EE.UU.) El Sena ha encontrado París (1958), Joris Ivens (Holanda) Espejos de Túnez (1994), Raúl Ruiz (Francia) El fado, una nostalgia atlántica (1997), Evelyne Ragot (Portugal) La montaña de la verdad (1996), Henry Colomer (Francia) Tupamaros (1996), Heidi Specogna, Rainer Hoffman (Alemania) La línea paterna (1925 - 1995), José Buil y Marisa Sistach (México)

Fe grande (1997), Claudia Iglesias Louta (1997), Reinaldo Torres Cardenal Raúl Silva Henríquez (1996), Ricardo Larraín Los ojos del carbón (1997), José Miguel Cavalerie El día del roto chileno (1994), Claudio Rojas La parte por el todo (1997), Cristóbal Valderrama El mago (1997), Oscar Fernández Divertimento (1998), Diego Meza Chilenos en tierra Santa (1997),Cristián Leighton Pasos de baile (1985 - 1997), Ricardo Larraín Neruda en el corazón (1997), Pedro Chaskel, Gastón Ancelovici De todo el universo entero (1996), Claudio Mercado Yumbel en San Sebastián (1997), Ernesto P. Cuadra C. Santo carnaval (1997), Esteban Abdala Patio 29: Historias de silencio (1998), Esteban Larraín Los hijos de Nebraska (1997), Sergio Gándara Raíz de Chile (1992), David Benavente Punalka (1995), Jeannette Paillán

Algunos Documentales Chilenos Recientes Los belgas de la Patagonia (1994), Francisco Gedda Ibycus, un poema de John Health - Stubbsy (1997), Carlos Klein Desde siempre (1996), Marialy Rivas Correcto... o el alma en tiempos de guerra (1993), Orlando Lübbert

Reportaje a Lota (1970), José Román Campamento sol naciente (1972), Ignacio Aliaga Las callampas (1957), Rafael Sánchez Días de organillo (1957), Sergio Bravo Casas viejas (1972), David Vera

Documentales Inacabados Los aviones bombardean La Moneda (1973), Pedro Chaskel Casi campeones (1980), Carlos Flores Del Pino Dictadura militar (1980), Pablo Salas

3° FIDOCS 1999 (6 al 16 de mayo) Sección Internacional Metal y melancolía (1995), Heddy Honigmann (Holanda) El ojo del halcón (1998), Mikael Kristersson (Suecia) Eisenstein en México: El círculo eterno (1996), Alejandra Islas (México) La orquesta subterránea (1998), Heddy Honigman (Holanda) Los caminos de Don Juan (1999), Juan Carlos Rulfo (México) Selva adentro (1991), Mireya Terán (Colombia) Ensayos de Anatoli Vassilied (1997), Emilio Alcalde (Colombia) Fernando ha vuelto (1998), Silvio Caiozzi (Chile) Eclipse (1998), Bartabás (Francia) El bolero, una educación amorosa (1999), Carmen Castillo (Francia) Neruda, todo el amor (1998), Ignacio Agüero (Chile) El último combate de Salvador Allende (1998), Patricio Henríquez (Canadá)

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Volantines y volantineros (1998), Pedro Chaskel (Chile) Diario de Medellín (1998), Catalina Villar (Colombia) Memoria de los inmigrantes I – II – III (1997), Yamina Benguigui (Francia) Babilee 91 (1992), Willian Klein (EE.UU.) Nacimiento de un hospital (1991), Jean - Louis Comolli (Francia)

Ahinamchay (1998), Rodrigo Sepúlveda Anita Domeyko, la nieta del polaco (1997), Pamela Acuña Añoranzas salitreras (1998), Grupo Piquichuqui Atacama, los sueños del desierto (1999), Daniel Evans Barrilete a los difuntos (1998), Angelina Nuño El ciudadano del olvido (1998), Ovidio Rodríguez El derecho de vivir en paz (1999), Carmen Luz Parot

Campos de concentración de Franco (1999), Robledo y Tomás (España) Los libros y la noche (1999), Tristán Bauer (Argentina) Memoria de mi padre (1999), Patrick Zachmann (Francia) Mister Karim... (1997), Lauren Chevalier (Francia) Mobutu, Rey del Zaire (1999), Thierry Michel (Bélgica) Royal de Luxe, regreso de África (1998), Dominique Deluze

Yo soy, yo fui, yo seré (1974) La guerra de los momios (1974) El golpe blanco (1975) Un minuto de sombra no nos enceguece (1976), Más fuerte que el fuego (1978) Los muertos no callan (1978) Salmo 127 (1978)

La cruz del sur (1989 - 1992), Patricio Guzmán (España) Árboles envueltos (1997), Hissen y Hissen (Alemania) Alain Cavalier... (1995), Jean - Pierrelimousin (Francia) Contactos (1989 - 1993), Eduard Boubat (Francia) Contactos (1989 - 1993), Robert Doisneau (Francia) Una pasión mexicana (1992), François Reichenbach (Francia) Razón de Estado (1991), Allegret y Benkemoun (Francia) Breton por A. Breton (1994), Pamart y Rabourdin (Francia) Louvre, el tiempo un museo (1993), Stan Neumann (Francia)

El niño Dios de Sotaquí (1999), Sergio Olivares 1879 - 2001: Epitafio de una guerra (1997), Hernán Dinamarca Extraterrestres y árboles sagrados (1996), C. San Martín Humedece tus sentidos (1998), Obra Colectiva Maestro (1998), Mauricio Vega Memoria los de collas (1998), Roberto Concha Nunca digas nunca jamás (1998), Álvaro Díaz, Pedro Peirano Primeros pasos (1998), Claudia Aravena, Paula Rodríguez Ricardo Bezerra, Manual de la resistencia (1999), M. Ojeda Romeo, Julieta y las tinieblas (1998), José Luis Torres Roser Bru (1999), L. Rosenfeld, L. Gálvez Sin ceder (1998), Mauricio Álamo

(Francia) Tiurana (1999), Marta Alborná, Ariadna Pujol (España) Una historia de amor en América (2000), Jennifer Fox (EE.UU.) Vacaciones prolongadas (2000), Johan Van Der Keuken (Holanda)

Ciudadanos de mi patria (1975) Problemas de dinero (1975)

Homenaje a Claude Lanzmann Shoah versión Integral (9 Horas), Claude Lanzmann (Francia)

4° FIDOCS 2000 (2 al 12 de Noviembre)

El día del pan (1998), Sergei Dworzewoi (Rusia) Torneo de maestros (1998), Lutz Danmbeck (Alemania) Para que no duela (1997), Marcel Lozinski (Polonia) La historia de Pedro y Clara... (1997), Sandra Kogut (Brasil) Un romance en Jerusalén (1998), Víctor Kossakovsky (Rusia) Submundo (1997), Matti Kütt (Estonia)

Sección Internacional

El golpe blanco (1974), Problemas de dinero (1975), Yo soy, yo fui, yo seré (1974), Ciudadanos de mi patria (1974), Un minuto de sombra no nos enceguece (1976) Documentales Chilenos Recientes A mi manera (1999), Mario Sánchez

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Bombay (1999), Carole Equier (Francia) Jerusalem (1999), Patrice Chagnard (Francia) Lisboa (1998), Yves de Peretti (Francia) Isla de Robinson Crusoe (1999), Patricio Guzmán (Chile) Vientiane (2000), Didier Nion (Francia) Colección 100 fotos del siglo

Selección Premiada en el Festival Leipzig

Primera Retrospectiva de Heynowski & Scheumann (Alemania)

Colección Voyayes Voyayes

Agujetas, cantaor (1998), Dominique Abel (España) Azúcar Amargo... (2000), Bernard Mangiante (Francia) Bienvenidos a la gran almacén (1999), Julie Bertucelli (Francia) Compay Segundo (1998), Claude Santiago (Francia) Los niños de Hillbrow (1999), Hammon y Görgen (Alemania) Hospital (1970), Frederic Wiseman (EE.UU.) El carrusel de Kurt Gerron (1999), Ilona Ziok (Alemania) El caso Grüninger (1999), Richard Dindo (Suiza) La comisión de la verdad (1999), André Van In (Alemania) En la puerta de la caverna... (2000), Pierre Oscar Lévy (Francia) El renacimiento del circo (1999), Bernard Tournoir (Francia) El mesías (1999), William Klein (EE.UU. - Francia) Los amantes de la aventura (1999), Michel Viotte (Francia) Los ojos en los azules (1998), Stéphane Meunier (Francia)

Las víctimas de Pol Pot (1998 - 1999), Nhem Ein, M. M. Robin (Francia) La caída del muro (1998 - 1999), Raymond Depardon, M. M. Robim (Francia) Daniel Cohn Bendit (1998 - 1999), Giller Caron, M. M. Robin (Francia) Colección del Atelier Varan (Colombia) Voy por voz (2000), Diego Fernández Hernández Discreto encanto (2000), Daniela Luque

Competencia Nacional 18 en el parque (1999), Andrés Waissbluth Aquí se construye (2000), Ignacio Agüero Martín Vargas de Chile (2000), D. Bravo, I. Osnovikoff, B. Peirut Como ángel se asienta hacia el 2000 (2000), Simón Bergman Embrujos del Choapa (1999), Sergio Olivares En el nombre de la madre (2000), Rodrigo Sepúlveda Este año no hay cosecha (2000), G. Vergara, F. Lavanderos Fantasmas de la victoria (1999), Ronnie Ramírez La cueca brava de Nano Núñez (2000), Mario Rojas La minga que movió la vieja... (1998), Carrasco, Chaskel, Gedda La venda (2000), Gloria Camiroaga Los escolares se siguen amando (2000), Paco Toledo Mapuche Kütran (1999), Manuel Gedda, Gilberto Ortiz Matta, un siglo D’ Mente (2000), Pablo Basulto Los niños del paraíso (2000), Paola Castillo ¿Qué es para usted la poesía? (1999), Cecilia Vicuña Ralco (1999), Esteban Larraín Salir adelante (1999), David Benavente Señales de ruta (2000), Tevo Díaz Valparaíso en el corazón (1999), Gastón Ancelovici

Retrospectiva de Nicolas Philibert (Francia) 5° FIDOCS 2001 (7 al 14 de noviembre) La Ville Louvre (1990), El país de los sordos (1992), Un animal, los animales (1994), La más pequeña de las cosas (1997) Segunda Retrospectiva de Heynovski & Scheumann (Alemania)

Sección Internacional Los terrícolas (1999), Ariane Doublet (Francia) El circo Baobab (2000), Laurent Chevalier (Francia, Guinea) Oscar Niemeyer (2001), Marc - Henri Wajnberg (Bélgica, Brasil)

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El caso Pinochet (2001), Patricio Guzmán (Francia, Bélgica, Chile) Noche del golpe de Estado (2001), Ginette Lavigne (Francia, Portugal) El evangelio según los Papúes (2000), Thomas Balmès (Francia, Guinea) Le espalda del mundo (2000), Javier Corcuera (España) Perfiles campesinos (2000), Raymond Depardon (Francia) Un día con Andrei Arsenevitch (2000), Chris Marker (Francia) Saudade do futuro (2000), César Paes (Brasil, Bélgica, Portugal) Septiembre chileno (1973), Bruno Muel (Francia) Una entrada a los baños públicos (2000), Didier Cros (Francia) La Habana mi amor (2000), Uli Gaulke (Alemania) Georges de la Tour, El Tramposo (1999), Alain Jaubert (Francia) Encuentro con América Latina Botín de guerra (1999), David Blaustein (Argentina) Camal (2000), Miguel Alvear (Ecuador) Evita, la tumba sin paz (1997), Tristán Bauer (Argentina) Glauber, La película, el laberinto (2001), Silvio Tendler (Brasil) Inasible María Felix (2000), Carmen Castillo (Francia, México) Los zapatos de Zapata (2000), Luciano Larobina (México) Manuel Alfredo Yasig (1997), Manolo Sarmiento (Ecuador) Marineros (1997), Juan Martín Cueva (Ecuador) P. Guzman, una historia chilena (2000), Catalina Villar (Francia) Toros populares... (2001), Larrea y Anhalzer (Ecuador) Competencia Nacional Chacabuco, memoria del silencio (2001), Gastón Ancelovici Concierto para un hermano... (2001), Pablo Krögh Delia Del Carril... (2001), Lily Gálvez Doble retrato (2000), Marilú Mallet En la cuerda floja (2001), Germán Liñero Estadio Nacional (2001), Carmen Luz Parot Faramak Zahraie (2001), Pablo Leighton La furia de los caballos sin patas (2001), Francisco Schultz La hija de O’Higgins (2001), Pamela Pequeño

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La última huella (2001), Paola Castillo Nema problema (2001), Susana Foxley, Cristián Leighton Subida Carvallo 200 (2001), Ángel Carcavilla, Verónica Neuman Un hombre aparte (2001), Iván Osnovikoff Aportes de la Televisión al Documental Aldo Poy y los canallas (2000), Álvaro Díaz Boxeo (2001), Jaime Sepúlveda El 285, la vida puertas adentro (2001), Alejandra Toro El cuerpo del deseo (2001), Cristián Leighton La minga que movió la vieja Iglesia de Tey (1998), R. Carrasco, P. Chaskel, F. Gedda Posta central (2001), Rodrigo Sepúlveda Documentales de Escuela El ocaso de un gigante... (2001), Paola Villagra Rivas Wanglen (2001), Edgar Endress Propiedad privada (2001), Cristián Calderón, Juan Ignacio Sabatini Omkudche (2001), José Francisco Fonseca La cruz (2001), Sergio Cantillana Newen Domo (2001), Sandra Hoffman El fantasma de Quintay (2001), Rodrigo Escaff Cuando los hombres callamos, Dios habla (2001), M. Rivas El duelo de la memoria (2001), Colectivo Llamadas de espera (2001), Colectivo

6° FIDOCS 2002 (25 noviembre al 2 de diciembre) Sección Internacional Nómades del viento (2002), Jacques Perrin (Francia, Alemania) Ser y tener (2000), Nicolás Philibert (Francia) El peluquero de Picasso (2001), Breisach y Czernin (Alemania) Autopista (1999), Sergueï Dvortsevoy (Rusia) Diario de un fotógrafo (2002), Patrick Zachmann (Francia) Caminantes (2002), Fernando León de Aranoa (España, México) Babussia (2002), Elsa Quinette (Francia) El camino de Tomas (2002), Camila Guzmán (Francia)

Homi D. Sethma, cineasta (2000), Sepideh Farsi (Francia) La ganancia y nada más (2000), Raúl Peck (Francia, Haití) Memoria de tierra del fuego (2000), Emilio Pacull (Francia) Blue Jay, notas del exilio (2001), Leopoldo Gutiérrez (Canadá) Madrid (2002), Patricio Guzmán (Francia, España, Chile) La colonia (2001), Sergueï Loznitsa (Rusia) Miotte visto por Ruiz (2001), Raúl Ruiz (Francia, Rusia) En construcción (2002), José Luis Guerin (España) Les Glaneurs et la Glaneuse (2001), Agnes Vardá (Francia) Mi vida en juego (2001), Brian Tilley (Sudáfrica) Raíces (2001), Richard Copans (Francia) Vinilo azul (2001), Judith Helfand, Daniel B. Gold (EE.UU.) Muestra Latinoamericana Sol de noche (2001), Pablo Milstein, Norberto Ludun (Argentina) Rerum Novarum (2002), Schindel, Batlle Molnar (Argentina) El lugar donde se juntan los polos (2001), J. M. Cueva (Ecuador) Competencia Nacional Andacollo, Chile: El oro y la miseria (2000), J. P. Sánchez Aymara (2002), Sebastián Moreno Gitanos sin carpa (2002), Iván Tziboulka I Love Pinochet (2002), Marcela Said Juchitán de las locas (2002), Patricio Henríquez Mi hermano y yo (2002), Sergio Gándara, Paula Sánchez Pornostars (2002), Rolando Opazo y Carolina Disegni Volver a vernos (2002), Paula Rodríguez Wallmapu ( 2002), Jeannette Paillán Yikwa Ni Selk’nam (2002), Cristián Aylwin Muestra Nacional Antofagasta, el Hollywood de Sudamérica (2002), Adriana Zuanic Dolores, el arte de modelar ( 2002), María Teresa Larraín Patas de kiltro (2002), Guillermo González, Alina Astudillo Transterrados Españoles (2001), David Benavente Video sombra: De la galaxia a la modelo (2000), Patricia Bustos

Villa Grimaldi: Parque por la paz (2002), Juan Pablo Zurita Yague, condición crítica (2002), Pablo Lavín Documentales de Escuela Sudamerican Rockers (2002), Eduardo Bertrán Descubriendo la oscuridad (2001), Ángel Torres Vagos (2002), Patricio Infante Armando Uribe Arce (2001), Alfredo Rojas En la miseria (2002), Vladimir Rivera 1/2 suela y una tapilla (2002), Claudio Sepúlveda El diario de mente (2002), C. Donoso, L. Lorenzo, D. Sclaccaluga Zoolocausto (2002), Agurto, Aguilar, Ríos, Vázquez

7° FIDOCS 2003 (3 al 10 de noviembre) Sección Internacional Golpe de Estado contra Chávez (2003), Bartley y O’brian (Irlanda) Espuma dispersa (2002), Céline Loiseau (Francia) La sociología es un deporte de combate (1999), Pierre Carles (Francia) José Saramago, El tiempo de una memoria (2003), Carmen Castillo (Francia, Portugal) El ruido, el olor y algunas estrellas (2002), Eric Pittard (Francia) Castañuelas de Notre Dame (92 - 01), D. García Moreno (Colombia) Bienvenidos a Colombia (2002), Catalina Villar (Francia, Colombia) Éter (2002), Vélu Viswanadhan (India - Francia) La máquina de muerte khmer roja (2003), Rithy Pan (Francia) La guerrilla de la memoria (2001), Javier Corcuera (España) Chenalho, el corazón de los altos (2002), Isabel Cristina Fregoso (México) Balseros (2002), Carlos Bosch, Josep M. Doménech (España) Muestra Suiza Bien hecho (1994), Thomas Imbach

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El congreso de los pingüinos (1993), Hans - Ulrich Schlumpf Step Across The Border (1990), Nicolás Humbert y Werner Penzel Ernesto «Ché» Guevara: El diario de Bolivia (1994), Richard Dindo

Mano armada (2003), José Luis Sepúlveda Peñalolén, un 18 de septiembre (2003), Felipe Herreros Mitografía (2002), Javier Cuneo, Paula Pedreira, Julián García - Reyes Memoria (2002), Jorge Pablo Díaz Soler Imán ( 2003), Darwin Campos, Juan Ignacio Rubio Ceci n’est pas un critique (2003), Matías Cruzat Villegas

Gigi y Mónica (2003), Benoît Dervaux, Yasmina Abdellaoui (Francia, Rumania) Déjame, tengo 51 hermanos y hermanas (2003), Dumisani Phakhati (Francia Sudáfrica) Palestina, los que guardan la llave (2003), Ronnie Ramírez (Francia, India)

Muestra Nacional

Muestra Latinoamericana

Efecto invernadero (2002 - 2003), Rodrigo Moreno, Jaime Sepúlveda El otro espacio (2002), Paulina Lagos, Elizabeth Ramírez, N. Rojas Ciudad paréntesis (2003), Michelle Carrere Un metro 10 (2003), Josefina Ossa Como viene (2003), María Ignacia Court La reja de Berlín (2003), Constanza Fernández

Muestra Latinoamericana

Viola chilensis (2004), Luis R. Vera

Uno es para lo que nace (2003), Roberto Berliner (Brasil) Grissinopoli (2003), Darío Doria (Argentina) Raymundo (2003), Ernesto Ardito, Virna Molina (Argentina) El prisionero de las barras de acero (2003). Paulo Sacramento (Brasil) Nietos (2003), Benjamín Ávila (Argentina) Sólo un cargador (2003), Alejandro Ramírez (Perú) La isla de los niños perdidos (2001), Florence Jauguey (Nicaragua) La quimera de los héroes (2003), Daniel Rosenfeld (Argentina) Aparte (2002), Mario Handler (Uruguay) Ciudad de María (2000), Enrique Bellande (Argentina)

Documentales de Escuela

Problemas Personales (2002), Manolo Sarmiento Muestra Internacional Choropampa, El precio del oro (2000), Boyd y Cabellos (Perú) El labriego que creyó en Dios (2001), José R. Pedroza (México) Raúl Barboza, El sentimiento de abrazar (2003), Silvia Di Florio (Argentina)

8° FIDOCS 2004 (4 al 13 de noviembre) Competencia Nacional Muestra Internacional Apgar 11 (2003), Cristián Leighton Bajo Tierra (2003), Felipe del Río Cero (2003), Carlos Fuentes, Sebastián Campos El Astrónomo y el Indio (2000), Sylvie Blum, Carmen Castillo Jeanne (2003), Jean - François Gouet Tierra de agua (2003), Carlos Klein Modos de muerte (2003), Patricio Henríquez Locos del alma (2002), Joanna Reposi En algún lugar del cielo (2003), Alejandra Carmona Una señal de victoria (2003), Pedro Órdenes Competencia Escuelas Chuquicamata, El Último Campamento... (2003), M. A. Rebeco Caminos en la arena (2001), Lorena González Restos del naufragio (2002), Silvana Fritz Fray Andrés, historia de un ejemplo (2002), Marcos Yánez La huella del Yagán (2003), Patricio Díaz, Enrique León El pulso de una generación (2002), José Tomás Videla Alpha Omega (2003), Rodrigo Salazar Reacción sísmica (2003), Felipe Velasco Manchas en la muralla (2003), C. Sepúlveda, R. Cárdenas Letras de otro mundo (2002), Sebastián Yánez Teresa en la cruz (2003), Carmen Gloria García Pezo

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Salvador Allende (2003), Patricio Guzmán (Francia, Chile, España, México, Bélgica, Alemania) Historia de un secreto (2003), Mariana Otero (Francia) La lengua no miente (2003), Stan Neuman (Francia) Dile a mis amigos que he muerto (2003), Nino Kirtadze (Francia, Georgia) Massoud, El Afgano (1998), Christophe de Ponfilly (Francia, Afganistán) Mientras pasa la vida (2003), Jean - Henri Meunier (Francia) Los maestros locos (1955), Jean Rouch (Francia) La caza del león al arco (1965), Jean Rouch (Francia) Margarita tal como es (2003), Dominique Auvray (Francia) No somos marcas de bicicletas (2002), Pierre Thorn (Francia, Argelia) La vida sin Brahim (2002), Laurent Chevallier (Francia, Marruecos) Silencio (2001), Victor Kossakovsky (Rusia) Ni olvido ni perdón: Tlatelolco (2002), Richard Dindo (Suiza, México) Los huérfanos del cóndor (2002), Emilio Pacull (Francia, Uruguay) Diecisiete años (2002), Didier Nion (Francia) Comandante (2003), Oliver Stone (España - EE.UU., Cuba) Love y Diane (2003), Jennifer Dworkin (Francia, EE.UU.)

Competencia Nacional Actores secundarios (2004), Pachi Bustos, Jorge Leiva Algún día domingo (2004), Carlos Cabezas Gazaga El astuto mono Pinochet contra La Moneda de los cerdos (2004), Bettina Perut e Iván Osnovikoff El corredor (2004), Cristian Leighton El Chile de mi padre (2004), Carmen Castillo Jorge Peña Hen: su Música y los niños (2004), Guillermo Milla Figueroa La mamá de mi abuela le contó a mi abuela (2004), Ignacio Agüero La península de los volcanes (2004), Francisco Hervé Lo que recordarás de septiembre (2004), Cecilia Cornejo Malditos, La historia de los Fiskales Ad - Hok (2004), Pablo Insunza Nikosia (2004), Cristian Carmona Ningún lugar en ninguna parte (2004), José Luis Torres Leiva Retrato de Kusak (2004), Pablo Leighton, Diego Kusak Trago dulce, trago amargo (2003), Daniel Evans Volver (2003), Cristián Calderón

Don Chosto Ulloa, guitarronero de Pirque (2004), Claudio Mercado La música del cielo (2004), Gerardo Silva Utopía en re menor (2004), Margarita Campos Üxüf Xipay: El despojo (2004), Dauno Tótoro

7 en un rolabola (2004), Isabel Agurto, Nicolás Tapia Cómics!!! (2004), Eduardo Vásquez Ensayo sobre la ceguera (2004), Rodrigo Jiménez Susarte Con el ojo en el visor (2004), Sebastián Larraín, Marcos Quiroz Mujeres del silencio (2004), Catalina Vergara Arthur El sueño del habitante de Valparaíso (2004), Paulina Obando Martínez La soledad oxidada (2004), Sebastían Cofré Fiesta del Nazareno (2004), César Velásquez Los colores que puede ser el mar (2004), Macarena Fernández Curotto Vereda sur (2004), Ximena Poblete, Alejandra Sáenz Viajes especiales (2004), Juan Esteban Soffia, Carolina Vergara Prisión política (2004), Christopher Simpson

9°FIDOCS 2005 (1 al 7 de diciembre) Muestra Internacional La pesadilla de Darwin (2005), Hubert Sauper (Suiza, Francia) Los chicos malos (2004), Carr–Brown, Bourgeois, Bodet (Francia) Mi Julio Verne (2005), Patricio Guzmán (Francia) Compadre (2005), Mikael Wiström (Suecia) Assak, El alma del desierto (2003), Ulrike Koch (Suiza) Muro (2004), Simone Bitton (Francia) Invierno en Bagdad (2005), Javier Corcuera (España) El caso Valérie (2005), François Caillat (Francia) El tren de la memoria (2004), Marta Arribas, Ana Pérez (España) Paraíso (2004), Marie - Hélène Rebois (Francia)

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La piel perforada (2004), Julien Samani (Francia) Sigue el ritmo (2005), Thomas Grube, Enrique Sánchez (Alemania) La vida de Pablo (2005), Rémi Mauger (Francia) Arvo Pärt, 24 Preludios para una fuga (2005), Dorian Supin (Estonia, Alemania, Rusia) La fábrica (2005), Serguei Loznitsa (Rusia) Odessa Odessa (2004), Michale Boganim (Israel, Francia) Estado de miedo (2004), Pamela Yates (EE.UU., Perú) Por amor al pueblo (2004), Slvan y Audrey Maurion (Alemania, Francia) El «Liberace» de Bagdad (2004), Sean Mcallister (Reino Unido) Muestra Latinoamericana Dinero hecho en casa (2004), Alejo Hoijman (Argentina) Vocación de poder (2005), Eduardo Escorel, José Joffily (Brasil) La desazón suprema (2003), Luis Ospina (Colombia) Peones (2004), Eduardo Coutinho (Brasil) Ácratas (2000), Virginia Martínez (Uruguay) El baile rojo (2003), Yezid Campos Zornosa (Colombia) Óscar (2004), Sergio Morkin (Argentina) Trópico de Cáncer ( 2004), Eugenio Polgovsky Muestra Especial Finlandia Navidad a la distancia (1994), Anu Kuivalainen Vida de escolar (2002), Lasse Naukkarinen Dime lo que viste (1993), Kiti Luostarinen La cara de la muerte (2003), Kiti Luostarinen Competencia Nacional Un mundo ausente (2004), Ronnie Ramírez Distantes crónicas documentales: Isla Chaullín (2005), Sebastián Melo, Mauricio García, Felipe Correa Viejo zorro (2005), Rolando Opazo El velo de Berta (2004), Esteban Larraín El Ché de los gays (2004), Arturo Alvarez Roa Antes que todo (2005), María Paz González Guzmán Desobediencia (2005), Patricio Henríquez El cachorro y la mariposa (2005), Daniel Evans Personas y cosas (2005), Martín Seeger Ovas de oro (2005), Anahí Johnsen, Manuel González

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La historia pasó (2005), Jorge Madrid Jofré Perspecplejia (2005), David Albala Muestra Nacional La tumba abierta de Vicente Huidobro (2004), R.Moreno, J.Reposi Nuestro Quijote, Clotario Blest (2004), Gloria Camiruaga Bajo el sur (2005), Guillermo González Miguel: La humanidad de un mito (2004), Víctor Gómez Si quieres hacer reír a Dios (2005), Mauricio Claro Cotidiano (2005), Patricio Muñoz G. Chile traspuesto (2005), Verónica Quense Raíz desterrada (2005), Carlos Vásquez

10° FIDOCS 2006 (23 al 29 de noviembre) Muestra Internacional Las dos vidas de Eva (2005), Esther Offenberg (Francia) Si sos brujo: Una historia de tango (2005), Caroline W. Neal (Argentina) Bloqueada (2005), Sergei Loznitsa (Rusia) El cielo gira (2004), Mercedes Álvarez (España) Vivir en Tazmamart (2005), Davy Zylberfajn (Francia) Nablus, ciudad fantasma (2004), Alberto Arce, María Moreno (España) En el hoyo (2006), Juan Carlos Rulfo (México) Retratos campesinos, la vida cotidiana (2005), Raymond Depardon (Francia) Una fábrica honesta (2004), Thomas Balmés (Finlandia, Francia) La multinacional (2004), Jennifer Abbott, Mark Achbar (Canadá) Meykinof (2005), Carmen Guarini (Argentina) La salvaje y azul lejanía (2005), Werner Herzog (Alemania, Inglaterra, Francia) Los niños de la cámara (2004), Zana Briski, Ross Kauffman (EE.UU.,India) Por uno solo de mis ojos (2004), Avi Mograbi (Israel, Francia) Manu Chau gira Mundo Tour (2001), François Bergeron (Francia)

Los 10 mejores filmes extranjeros en 10 años

Las callampas (1957)

Ernesto «Ché» Guevara, El diario de Bolivia (1997), Richard Dindo (Suiza, Francia), Baka (1997), Thierry Knauff (Bélgica) Mother Dao, La tortuga (1995), Vincent Monnikendam (Holanda)

Homenaje a Gloria Camiruaga

La odisea del corredor de fondo (1997), Jean – Christophe Rosé (Francia) Lágrimas negras (1997), Sonia Herman Dolz (Holanda) Metal y melancolía (1995), Heddy Honigmann (Holanda) El caso Pinochet (2001), Patricio Guzmán (Francia, Chile, Bélgica, España) Nómades del viento (2002), Jacques Perrin (Francia, Italia, España, Alemania), Ser y tener (2000), Nicolas Philibert (Francia) Los recolectores y la recolectora (2001), Agnès Varda (Francia) S - 21, La máquina de muerte Khmer Roja (2003), Rithy Panh (Cambodia, Francia), Muestra Nacional El lado oscuro de la Dama Blanca (2006), Patricio Henríquez (Canadá) 80’s (2006), Eduardo Bertrán (Chile - España) Welcome to New York (2006), Bettina Perut, Iván Osnovikoff (España, Chile, Italia) Competencia Nacional Arcana (2005), Cristóbal Vicente La ciudad de los fotógrafos (2005), Sebastián Moreno La hija del General (2006), María Elena Wood Reinalda del Carmen, mi Mamá y yo (2006), Lorena Giachino Rebote (2006), Estéban Gómez Opus Dei, Una cruzada silenciosa (2006), Marcela Said, Jean De Certeau A La Calle, Los últimos días de Diario 7 (2006), Cristián Labarca Homenaje a Rafael Sánchez Deiktik (1978) Florescencia en el desierto (1979)

Casa particular (1990) Las minas de las minas (1993) La venda (2000)

11° FIDOCS 2007 (20 al 24 noviembre) Muestra Internacional M (2006), Nicolás Prividera (Argentina) Mbya tierra en rojo (2006), Philip Cox, Valeria Mapelman (Argentina) Pulqui, Un instante en la patria de la felicidad (2006), Alejandro Fernández Mouján (Argentina) Cada uno calla algo (2006), Marc Bauder, Dörte Franke (Alemania) Un tigre de papel (2007), Luis Ospina (Colombia) Diez minutos de silencio por Jonh Lennon (1980), Raymond Depardon (Francia) Los años de «Clic» (1985), Raymond Depardon (Francia) Tierra Negra (2005), Ricardo Iscar (España) La escuela del circo (2006), Guo Jing y Ke Dingding (China) Vivir en paz (2004), Antoine Cattin, Pavel Kostomarov (Suiza, Rusia) El papel no puede envolver la brasa (2006), Rithy Panh (Francia, Cambodia) Cuba, una odisea africana (2006), Jihan El – Tahri (Francia, Cuba) Viaje en sol mayor (2006), Georgi Lazarevski (Francia) Competencia Nacional Un salto al vacío (2007), Pablo Lavín Toma de razón (2006), Andrés Aros González Señorita Gladys Peake (2007), Gabriel Gallardo La sombra de Don Roberto (2007), J. D. Spoerer, H. Engström La promesa de mi madre (2007), Marianne Hougen Moraga El tiempo que se queda (2007), José Luis Torres Leiva El juicio de Pascual Pichún (2006), María Teresa Larraín Diario de guerra de un payaso (2007), Mikio Tsunekawa

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Circunstancias especiales (2007), Marianne Teleki Can Tunis (2006), Paco Toledo, José González Morandi Ángeles Negros (2007), Pachi Bustos, Jorge Leiva

Por sospecha de comunista (2007), Cirstóbal Cohen, Marcelo Hermosilla Muestra Latinoamericana

12° FIDOCS 2008 (3 al 9 de noviembre)

Carne sobre carne: Intimidades de Isabel Sarli (2008), Diego Curubeto (Argentina)

Película Inaugural

Embrujada (1969), Armando Bo (Argentina) Intimidades de Shakespeare y Víctor Hugo (2008), Yulene Olaizola (México) Iraqi Short Films (2008), Mauro Andrizzi (Argentina) Nación Mapuche (2007), Fausta Quattrini (Argentina, Suiza, Italia) Tambogrande: mangos, muerte, minería (2004) Ernesto Cabellos, Stephanie Boyd (Perú) Vengo de un avión que cayó en las montañas (2007), Gonzalo Arijón (Francia, Uruguay)

El Diario de Agustín (2008), Ignacio Agüero (Chile) Muestra Internacional De larges details: Sur les traces de Francis Alys (2006), Julien Devaux (Francia) Desde su departamento (2007), Jean–Claude Rousseau (Francia) El puente de las flores (2008), Thomas Ciuleu (Rumania) Flor de lila (2007), Volker Koepp (Alemania) Hecho en Los Ángeles (2007), Almudena Carracedo (EE.UU.) La lengua no miente (2004), Stan Neumann (Francia) Los hijos de Chechenia (2006), Florent Marcie (Francia) Rafah, crónica de una villa en La Franja de Gaza (2006), Stéphane Marchetti, Alexis Monchovet (Francia) Regreso a Normandía (2006), Nicolas Philibert (Francia) Slacker Uprising (2008), Michael Moore (EE.UU.) Standard operating procedure (2008), Errol Morris (EE.UU.) Tweety Lovely Superstar (2005), Emmanuel Gras, Eman Oktai (Francia, Siria) Competencia Nacional Ada y Kabir (2008), Macarena Ovalle Bajo la capucha: Un viaje al extremo de la tortura (2008), Patricio Henríquez Ciudad de papel (2007), Claudia Sepúlveda El arenal (2008), Sebastián Sepúlveda En busca de Aldo (2007), Francisca Silva ¿Habrán esperanzas? (2008), Felipe Monsalve La Fiesta (2007), Verónica Quense La revolución de los pingüinos (2008), Jaime Díaz Lavanchy Lee Kyung Hae (2007), Daniel Tromben Los Blue Splendor (2007), Manuel González Mientras en la oscuridad de la tierra (2008), Juan Vicente Araya

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Muestra Nacional Al fondo de todo esto duerme un caballo (2007), Soledad Cortés El juez y el general (2008), Elizabeth Farnsworth, Patricio Lanfranco Isabel Allende (2007), Paula Rodríguez La mudanza del poeta Adán Méndez (2008), Julio Carrasco Nostalgias del Far West (2007), Colectivo de Cabo Astica Paraíso al camino, una bitácora sobre Claudio Bertoni (2008), Yeniffer Rojas, Evelyn Vera Pedro Lemebel: Corazón en fuga (2008), Verónica Quense Un diplomático francés en Santiago (2008), Patricio Paniagua Homenaje Cien niños esperando un tren (1988), Ignacio Agüero (Chile) Homenaje a Claudio Martínez El telón azúcar (2006), Camila Guzmán (Cuba, Francia, España) Cuba, el año 50 (2007), Pierre Beccu (Francia, Cuba)

Escuela de Espectadores

Competencia Nacional

El corredor: La historia mínima de Erwin Valdebenito (2004), Cristián Leighton I Love Pinochet (2001), Marcela Said Ningún lugar en ninguna parte (2004), José Luis Torres Leiva

El amor y la muerte del tío Lalo Parra (2009) Cristián Calderón, Carlos Fuentes El poder de la palabra (2009), Francisco Hervé El vagido (2008), Juan Luis Tamayo En defensa propia (2009), Claudia Barril

13° FIDOCS 2009 (8 al 14 de junio) Película Inaugural Las playas de Agnes (2008), Agnès Varda (Francia)

En Enero, quizás (2008), José Domingo Rivera, Diogo Costa En un rincón (2008), Peter Mcphee Cruz, Daniela Ibaceta La batalla de Plaza Italia (2008), Renato Villegas La mujer metralleta (2009), Francisco López Ballo Más allá de estos muros (2009), Juan Sabatini Registro de existencia: Un tal Hugo Cortés (2009), Guillermo González Stambuk Remitente: Una carta visual (2008), Tiziana Panizza

Panorama Internacional Foco Luis Ospina (Colombia) Bajo el nivel del mar (2008), Gianfranco Rosi (EE.UU., Italia) Barba Azul (2009), Jeanne Gailhoustet, Anne Paschetta (Francia, Chile) Calatrava, Dios no juega a los dados (1999) Catherine Adda (Francia, España) Difamación (2009), Yoav Shamir (Israel) Caminante (2009), Jean - Noël Cristianu (Francia) El olvido (2008), Heddy Honigmann (Holanda, Perú) El país al revés (2009), Sylvaine Dampierre (Francia, Guadalupe) La vida moderna (2009), Raymond Depardon (Francia) Los nietos (2008), Marie - Pauli Jeunehomme (Bélgica) Noche y niebla (1955), Alain Resnais (Francia) Robinsones de Mantsinsaari (2008), Victo Asliuk (Alemania, Finlandia, Polonia) Material (2009), Thomas Heise (Alemania) Competencia Latinoamericana Bagatela (2008), Jorge Caballero (Colombia) El árbol olvidado (2009), Luis Rincón (México) Imagen final (2009), Andrés Habegger (Argentina, Chile, Dinamarca, Suecia) Los herederos (2008), Eugenio Polgovsky (México) Un lugar bajo el sol (2009), Gabriel Mascaro (Brasil) El país del diablo (2008), Andrés Di Tella (Argentina)

Agarrando pueblo (1978) Ojo y vista: Peligra la vida del artista (1987) Nuestra película (1993) La desazón suprema: Un retrato incesante de Fernando Vallejo (2003) Un tigre de papel (2007) Andrés Caicedo: Unos pocos buenos amigos (1986) Foco Werner Herzog (Alemania) El gran éxtasis del escultor Steiner (1973) Gesualdo – Muerte para cinco voces (1995) El diamante blanco (2004) Gasherbrum: La montaña luminosa (1984) Hércules (1962) Wodaabe – Los pastores del sol (1989) Las alas de la esperanza (2000) Últimas palabras (1967) Medidas contra los fanáticos (1969) Fé y moneda (1980) El sermón de Huie (1980) La balada del pequeño soldado (1984) Las campanas del alma (1993) La soufrière (1977) La salvaje y azul lejanía (2005) Lecciones en la oscuridad (1992) La Fata Morgana (1979) Ecos de un reino (1990)

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La incomparable defensa de la fortaleza Deutschkreutz (1967) Cuánta madera podrá roer una marmota (1976) La rueda del tiempo (2002) El país del silencio y la oscuridad (1971) El pequeño Dieter necesita volar (1997)

Nostalgia de la luz (2006 - 2010), Patricio Guzmán (Chile, Francia, España, Alemania)

Foco Bicentenario

Kommunalka (2009), Françoise Huguier (Rusia, Francia) Ya que hemos nacido (2008) Jean - Pierre Duret, Andrea Santana (Brasil, Bélgica) Accentus: Laurence Equilbey (2008), Andy Sommer (Francia) Nenette (2010), Nicolas Philibert (Francia) Raquel (2009), Simone Bitton (Palestina, Israel, Francia) El conocimiento es el principio: La orquesta este - oeste de Baremboim (2006), Paul Smaczny (Alemania, Palestina, Israel) De un muro al otro: Berlín - Ceuta (2008), Patric Jean (Bélgica, Alemania, España) Barcelona o la muerte (2008), Idrissa Guiro (Senegal) Irene (2009), Alain Cavalier (Francia) La danza, el ballet de la ópera de Paris (2009), Frederick Wiseman (EE.UU.) Nuestros lugares prohibidos (2008), Leïla Kilani (Marruecos, Francia)

Un paseo a Playa Ancha (1903) El corazón de una nación (1928), Edmundo Urrutia Viña del Mar, ciudad jardín (1930), Eric Page Panoramas sureños (1954), Armando Sandoval Colonización en Chile (1957), Fernando Balmaceda Aquí vivieron (1964), Pedro Chaskel, Héctor Ríos Chile paralelo 56 (1964), Rafael Sánchez Funerales de Luis Emilio Recabarren (1924) Funerales de Pedro Aguirre Cerda (1941) Qué es la chilenidad (1939), Emilio Taulis Andacollo (1958), Nieves Yankovic, Jorge Di Lauro La feria volandera (1963), Armando Parot Recuerdos del mineral El Teniente (1919), Salvador Giambastiani Un 18 en Chuquicamata (1947), Pablo Petrowitsch Reportaje a Lota (1970), José Román Crónica del salitre (1971), Angelina Vásquez El sueldo de Chile (1971), Fernando Balmaceda Las callampas (1958), Rafael Sánchez Casa o mierda (1969), Carlos Flores, Guillermo Cahn Hermindia de La Victoria (1969), Douglas Hubner Campamento Sol Naciente (1972), Ignacio Aliaga Escuela de Espectadores Arcana (2005), Cristóbal Vicente La ciudad de los fotógrafos (2005), Sebastián Moreno La revolución de los pingüinos (2008), Jaime Díaz Lavanchy La sombra de Don Roberto (2007), Juan Diego Spoerer, Hakan Engstrom

14° FIDOCS 2010 (1 al 6 de junio) Película Inaugural

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Panorama Internacional Ariane Mnouchkine: La aventura del teatro del sol (2009), Cathrine Vilpoux (Francia)

Competencia Latinoamericana 9 meses 9 días (2009), Ozcar Ramírez (México, Holanda) La tierra se quedó (2010), Juan Sarmiento (Colombia, Alemania) Tres semanas después (2010), José Luis Torres Leiva (Chile) Avenida Brasilia Formosa (2010), Gabriel Mascaro (Brasil) Viajo por que te necesito y vuelvo por que te amo (2009), Marcelo Gomes, Karim Aïnouz (Brasil) Los jóvenes muertos (2010), Leandro Listorti (Argentina) El ambulante (2009), Eduardo De La Serna, Lucas Marcheggiano, Adriana Yurcovich (Argentina) Historia de un día (2009), Rosana Matecki (Venezuela, Colombia) Noticias (2009), Bettina Perut, Iván Osnovikoff (Chile) Mi vida con Carlos (2010), German Berger (Chile, España, Alemania)

Competencia Nacional Aniceto, Razón de Estado (2009), Guido Brevis El edificio de los chilenos (2010), Macarena Aguiló (Chile, Cuba, Francia, Bélgica) El soldado que no fue (2010), Leopoldo Gutiérrez (Canada) Escape al silencio. Notas de vida de Alfredo Espinoza (2009), Diego Pequeño A la sombra del Moai (2009), Lorenzo Moscia Aguas calientes (2010), Cristian Vidal López (Perú, Chile) Lugar de encuentro (2009), Edgar Doll Castillo Nosotros (2009), Cristóbal Cohen, Marcelo Hermosilla Ojos rojos (2010), Juan Sabatini, Juan Pablo Sallato, Ismael Larraín Maclure Santas putas (2010), Verónica Quense Primera retrospectiva de Patricio Guzmán en Chile Serie México Precolombino. 5 capítulo x 30 Min. (1985) Serie El proyecto ilustrado Carlos III. 4 capítulos x 60 min (1987) Serie Nostalgia de la luz 4 cortometrajes (2010) La batalla de Chile I - II y III. 272 Minutos (1972 - 1979) Capítulo I: La insurrección de la burguesía (1975, 100 min) Capítulo II: Golpe de Estado (1976, 90 min) Capítulo III: El poder popular (1978, 82 min) En nombre de Dios. 95 Min. (1985 - 1986) La cruz del sur. 75 Min. (1989 - 1992) Isla de Robinson Crusoe. 42 min (1999) Pueblo en vilo. 52 Min. (1995) Chile, La memoria obstinada. 58 Min. (1996 - 1997) El caso Pinochet. 108 Min. (2000 - 2001) Madrid. 41 min (2002) Salvador Allende. 100 Min. (2003 - 2004) Mi Julio Verne. 58 min. (2005) Chile, Una galaxia de problemas. 32 Min. (2008 – 2010) Foco: Derechos Humanos Éramos invisibles (Venezuela), Ana Laura Pereira (2009) Las piedras no se mueven solas (Chile - Francia), Emanuela Nelli (2009) Ojos bien abiertos: Un viaje por la Sudamérica de hoy (Uruguay, Argentina, Francia), Gonzalo Arrijón (2009) Chao pescao (Chile), Raimundo Gómez Vergara (2008 2009),

Octubre pilaga, Relatos sobre el silencio (Argentina), Valeria Mapelman (2010) Freddy Ilanga: El traductor del Ché (Cuba, Sudáfrica, EE.UU.), Katrin Hansing (2009) Los resistentes (Argentina), Alejandro Fernández Mouján (2009) Función Especial Lucrecia y el león de oro (Chile), Andrés Chapero, Pablo Martínez (1990 – 1991) Escuela de Espectadores Actores secundarios (Pachi Bustos) Remitente, una carta visual (Tiziana Panizza) Noticias (Ivan Osnovikoff, Bettina Perut) Nostalgia de la luz (Patricio Guzmán) Escuela FIDOCS · Patricio Guzmásn sobre Nostalgia de la luz y Retrospectiva documental · Katell Djian y Olivier Schwob sobre el trabajo de cámara y Sonido en el cine documental Alejandro Fernández Moujan sobre Los Resistentes Lorena Muñoz sobre la Producción documental y Los Jóvenes Muertos Master Class Katell Djian y Olivier Schwob Patricio Guzmán Doc Santiago Taller presentación proyectos Sesión pitching

15° FIDOCS 2011 (20 al 26 de junio) Película Inaugural Boxing Gym (2010), Frederick Wiseman (EE.UU)

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Película de Clausura

Competencia Nacional

El Tesoro de América, el oro de Pascua Lama (2010), Carmen Castillo (Francia, Chile) Panorama Internacional

margos (2010), Iñaki Moulian La batalla de Hanga Roa (2011), Rodrigo Pacheco, Michael Jacob Calafate, zoológicos humanos (2010), Hans Mülchi La clausura del desierto (2010), Mixie Araya Soler

Cave of Forgotten Dreams (2010), Werner Herzog (EE. UU., Alemania) Die Frau mit den 5 Elefanten (2009), Vadim Jendreyko (Suiza, Alemania) Traduire(2011), Nurith Aviv (Francia) Tanzträume (2010), Rainer Hoffmann, Anne Linsel (Alemania) Ché, un hombre nuevo (2010), Tristán Bauer(Argentina, Cuba, España) Berlin-Stettin (2009), Volker Koepp (Alemania) Miesten Vuoro (2010), Joonas Berghäll, Mika Hotakainen (Finlandia, Suecia) Qu’ils reposent en revolt (des figures de guerre I) (2010), Sylvain George (Francia) Foreign Parts (2010), Véréna Paravel, J.P. Sniadecki (EE. UU., Francia) Surviving Amina (2010),Bárbara Celis (EE.UU., Francia) Gerpin (2010), Naomi Kawase (Japón)

El eco de las canciones (2010), Antonia Rossi Hija (2011), María Paz González La hormiga roja (2010), Cristián Tàpies Lo que falta (2010), Camilo Matiz Zamorano Mocha (2010), Guillermo Ribbeck Newen Mapuche, la fuerza de la gente de la tierra (2010), Elena Varela

Competencia Latinoamericana

Foco François Caillat

Carne, osso (2011), Caio Cavechini, Carlos Juliano Barros (Brasil) Color perro que huye (2011), Andrés Duque (Venezuela, España) Diário de uma busca (2010), Flavia Castro (Brasil, Francia) El mocito (2011), Marcela Said, Jean de Certeau (Chile) Hacerme feriante (2010), Julián D’Angiolillo (Argentina) Impunidad (2011), Juan José Lozano (Suiza, Francia, Colombia) Noche sin fortuna (2010), Francisco Forbes, Álvaro Cifuentes (Argentina, Colombia) Novena (2010), Enrique Collar (Paraguay, Holanda) Retratos de la ausencia (2011), Camila Rodríguez Triana (Colombia) You Don’t Like The Truth: 4 Days Inside Guantanamo (2010), Luc Côte, Patricio Henríquez (Australia, Canadá, Reino Unido)

J-M.G. Le Clézio, entre les mondes (2008), Francia Julia Kristeva, étrange étrangère (2005), Francia L’Affaire Valérie (2004), Francia Trois Soldats Allemands (2001), Francia, Bélgica

Retrospectiva Richard Dindo Gauguin à Tahiti et aux Marquises (2010), Francia Les rêveurs de Mars (2009), Suiza, Francia Ni olvido ni perdón: Tlatelolco (2002), Suiza, México L’Affaire Grüninger (1999), Suiza Ernesto «Ché» Guevara, le journal de Bolivie (1994), Suiza, Francia Charlotte – «vie ou théâtre?» (1992), Suiza

Inside Job (2010), Charles Ferguson (EE.UU.) Agnus Dei, cordero de Dios (2011), Alejandra Sánchez (México, Francia) 180o South (2010), Chris Malloy Page One: A Year Inside the New York Times (2011), Andrew Rossi (EE.UU.) Finding Fidel: The Journey of Erik Durschmied (2010),

Imágenes de una dictadura(1999), Patricio Henríquez (Canadá) El edificio de los chilenos (2010), Macarena Aguiló, Susana Foxley (Chile, Cuba, Francia, Bélgica) ¿Con qué sueñas? (2010), Paula Gómez Vera (Chile)

Bay Weyman (Canadá, Austria, Finlandia) The Shock Doctrine (2009), Michael Winterbottom, Mat Whitecrosse (Reino Unido) Noticias (2009), Bettina Perut, Iván Osnovikoff (Chile)

16° FIDOCS 2012 (26 de Junio al 2 de Julio)

Foco Talentos Electrodomésticos: el frío misterio (2010), Sergio Castro San Martín (Chile) La tierra señalada (2010), Soledad Cortés (Chile) Redó (2010), Cristián Parker, Gabriela Flores(Chile) Ríos de luz (2010), Maga Meneses (Chile) Las horas del día (2010), Christian Ramírez(Chile) Ofrenda (2010), Oscar Carrillo Ortíz (México) Amateur (2011), Néstor Frenkel (Argentina) Cinematoso (2010), Bruno de Oliveira (Brasil) Foco Derechos Humanos

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Foco Esa cosa llamada educación Waiting For Superman (2010), Davis Guggenheim (EE.UU.) Être et avoir (2002), Nicolas Philibert (Francia) Cien niños esperando un tren (1988), Ignacio Agüero (Chile) Foco Personalidades Deux de la vagne (2010), Emmanuel Laurent (Francia) LENNONYC (2010), Michael Epstein (EE.UU.) Conan O’Brien Can’t Stop (2010), Rodman Flender (EE. UU.) Foco Abre los Ojos

Abuelos (2010), Carla Valencia Dávila (Chile, Ecuador) Nguenén: el engaño (2011), Ítalo Retamal, Dauno Tótoro (Chile, Alemania) Sitio 53 (2010), Rodolfo Gárate (Chile) Inconsulta (2011), Yerko Oblinovic, Felipe Álvarez (Chile) Las manos en la tierra (2010), Virginia Martínez (Chile) Lecciones para Zafirah (2011), Carolina Rivas, Daoud Sarhandi (México) La cicatriz de Paulina (2010), Manuel Legarda, Genciana Cortés (Suiza) Funciones Especiales Chela: sobre sueños, amores y lucha en Chile (1986), Lars Palmgren (Suecia) Arcana (2006), Cristóbal Vicente (Chile) Escuela de Espectadores Somos + (1985), Pablo Salas, Pedro Chaskel (Chile)

Invitados Especiales Ginette Lavigne Davy Zylberfajn Carlos Flores   Jurado de Competencia Latinoamericana Flavia de la Fuente María Paz González Álvaro Bisama   Jurado Competencia Nacional Jean de Certeau Paula Gómez Vera Claudio Cordero   Jurado Primer Corte Eduardo Antin Erick González Javier Packer-Comyn   Película Inaugural Chile: ¿hasta cuándo? (1985) David Bradbury (AustriaChile)   Panorama Internacional Crazy Horse (2011), Fréderick Wiseman (Francia) L’éte de Giacomo (2011), Alessandro Comodin (ItaliaBélgica-Francia) Kinshasa Symphony (2010), Martin Bauer y Claus Wischmann (Alemania) Vivir en Tazmamart (2005), Davy Zilberfajn (FranciaMarruecos)

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Tahrir (2011), Stefano Savona (Italia) Mercado de futuros (2011), Mercedes Álvarez (España) Au bonheur de dames (2011), Christine Le Goff y Sally Aitken (Francia) Sur les traces de Marguerite Yourcenar (2011), María Luisa Mallet (Canadá) The Nine Muses (2010), John Akomfrah (Reino Unido)

Foco Carlos Flores

Duch, Master Of The Forges Of Hell (2011), Rithy Panh (Cambodia) Vikingland (2011), Xurxo Chirro (España) Photographic Memory (2011), Ross McElwee (EEUUFrancia) Sleepless Night Stories (2011), Jonas Mekas (EEUU) Into The Abyss (2011), Werner Herzog (EEUU)   Competencia Latinoamericana

Recado de Chile (1979), Carlos Flroes (Chile) El Estado soy yo (1981), Carlos Flores (Chile) Satelitenis (1984), Carlos Flores (Chile) Macías, ensayo general sobre el poder y la gloria (1985), Carlos Flores (Chile) Donoso por Donoso (1994), Carlos Flores (Chile) Cinco hipótesis acerca de las turbulencias en una pieza de hotel (2012), Carlos Flores (Chile) Teatro callejero, mi capitán (2011), Carlos Flroes (Chile) En torno al video (1985-1990), Carlos Flores (Chile)   Foco Ginette Vavigne

Davy Zylberfajn, director de Vivir en Tazmamart Juan Ignacio Fernández Hoppe y Carolina Campos, director y productora de Las flores de mi familia Wolney Oliveira, director de Os últimos cangaceiros Jorge Gaggero, director de Montenegro

Républica, Journal du peuple (1998), Ginette Lavigne (Francia) La noche del golpe de estado (2001), Ginette Lavigne (Francia) Deux histoires de prison (2004), Ginette Lavigne (Francia)   Foco David Bradbury

Masterclass

Con mi corazón en Yambo (2011), María Fernanda Restrepo (Ecuador) Corta (2012), Felipe Guerrero (Colombia-ArgentinaFrancia) Cuates de Australia (2011), Everardo González (México) Ensayo final para utopía (2012), Andrés Duque (España) Escuela normal (2012), Celina Murga (Argentina) Las flores de mi familia (2012), Juan Ignacio Fernández (Uruguay) El lugar más pequeño (2011), Tatiana Huezo (México) Montenegro (2011), Jorge Gaggero (Argentina) Os últimos cangaceiros (2011), Wolney Oliveira ()Brasil) Donde vuelan los cóndores (2012), Carlos Klein (Suiza)   Competencia Nacional A mano limpia (2011), Rodrigo Contreras (Chile) Curruca y Pitbulls (2012), Sebastián Barahona y Celia Rothmund (Chile-Alemania) Hardcore: la revolución inconclusa (2011), Susana Díaz (Chile) Las mujeres del pasajero (2012), Patricia Correa y Valentina Mac-Pherson (Chile) Palestina al sur (2011), Ana María Hurtado (Chile) Población obrera (2011), Rodrigo Fernández (Chile) El salvavidas (2011), Maite Alberdi (Chile) Sibila (2012), Teresa Arredondo (Chile) El sonido del eco (2012), Manuel González (Chile)

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Nütuayin Mapu (1969), Carlos Flores (Chile) Descomedidos y chascones (1973) Carlos Flores (Chile) Pepe Donoso (1977), Carlo Flores (Chile) El Charles Bronson chileno (O idénticamente igual) (1976-1984), Carlos Flores (Chile)

Nicaragua: no pasarán (1984), David Bradbury (AustriaNicaragua) Fond Memories of Cuba (2001), David Bradbury (AustriaCuba) Raúl el terrible (2005), David Bradbury (AustriaArgentina)   Foco Personajea y Dilemas David Wants to Fly (2010), David Sieveking (Alemania) How to Make a Book with Steidl (2010), Gereon Wetzel y Joerg Adolph (Alemania) Bill Cunningham New York (2010), Richard Press (EEUU) Four Horsemen (2011), Ross Ashcroft (Reino Unido) Gran Sur: Fernando Prats (2011), Enrique Stindt Guión: Enrique Stindt y Fernando Prats (Chile)

Balmes, el doble exilio de la pintura (2012), Pablo Trujillo (Chile)   Actividades de Formación   Escuela FIDOCS

Publicaciones Idénticamente Desigual: El cine imperfecto de Carlos Flores. (Gonzalo Maza y Jorge Morales)

PRINCIPALES PREMIOS OTORGADOS POR LA

Escuela de espectadores Eduardo Cruz-Coke Pablo Valdés Sebastián Moreno David Bravo

Master Class Eduardo Antin (Quintín),crítico de cine argentino. Master Class Ginette Lavigne, realizadora francesa Master Class. Lanzamiento de Libro Carlos Flores, realizador chileno. Presentaciones Industria Ideame Kiné-Imágenes Chinemachile   Primer Corte FIDOCS Quiero morirme dentro de un tiburón, Sofía Gómez Brigada, Alan Ferszt Campamento Esperanza, Miguel Soffia El hombre E, Cristóbal Durán Locaciones: en busca de Rusty James, Alberto Fuguet El ruido de los trenes, Cristián Saldía El otro día, Ignacio Agüero Respirar helado, Carolina García  

COMPETENCIA NACIONAL Major Awards Bestowed In The National Competition 4° FIDOCS 2000 Gran Premio Aquí se construye (2000), Ignacio Agüero Mejor Investigación Martín Vargas de Chile (2000), D. Bravo, I. Osnovikoff, B. Peirut Mejor Sonido Matta, Un siglo d’ mente (2000), Pablo Basulto Mejor Montaje Los niños del paraíso (2000), Paola Castillo Premios jurado alternativo Colegio Francisco Miranda Señales de ruta (2000), Tevo Díaz La cueca brava de Nano Ñuñez (2000), Mario Rojas 5° FIDOCS 2001 Primer lugar Nema problema (2001), Susana Foxley, Cristián Leighton Segundo lugar Estadio Nacional (2001), Carmen Luz Parot Tercer lugar Un hombre aparte (2001), Iván Osnovikoff Premio especial del jurado La furia de los caballos sin patas (2001), Francisco Schultz

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6° FIDOCS 2002 Primer lugar Volver a vernos (2002), Paula Rodríguez Segundo lugar I Love Pinochet (2002), Marcela Said

Gran Premio Competencia de Escuelas Mujeres del silencio (2004), Catalina Vergara Arthur Segundo lugar / Competencia de Escuelas Ensayo sobre la ceguera (2004), Rodrigo Jiménez Susarte

12° FIDOCS 2008 Gran Premio Embajada de Francia La Revolución de los pingüinos (2000), Jaime Díaz Lavanchy Premio Especial del Jurado El Arenal (2008), Sebastián Sepúlveda

9° FIDOCS 2005 Tercer lugar Mi hermano y yo (2002), Sergio Gándara, Paula Sánchez Premio especial del Jurado Pornostars (2002), Rolando Opazo, Carolina Disegni

Gran Premio Embajada de Francia Distantes, crónicas documentales: Isla Chaullín (2005), Sebastián Melo, Mauricio, García, Felipe Correa

7° FIDOCS 2003

Premio Especial del Jurado Antes que todo (2005), María Paz González

Gran Premio En algún lugar del cielo (2003), Alejandra Carmona

Mención Especial Viejo zorro (2005), Rolando Opazo

Premio especial del Jurado Locos del alma (2002), Joanna Reposi

10° FIDOCS 2006

Mejor Realización Tierra de agua (2003), Carlos Klein Gran Premio - Competencia Escuelas Mano armada (2003), José Luis Sepúlveda Segundo lugar / Competencia Escuelas Letras otro mundo (2002), Sebastián Yánez Tercer lugar / Competencia Escuelas La huella del Yagán (2003), Patricio Díaz, Enrique León

Gran Premio Embajada de Francia Arcana (2006), Cristóbal Vicente Premio Especial del Jurado Rebotes (2006), Esteban Gómez Mención Honrosa Opus Dei, una cruzada silenciosa (2006), Marcela Said, Jean De Certeau

8° FIDOCS 2004

Premio Especial del Jurado Malditos, la historia de Fiskales Ad - Hoc (2004), Pablo Insunza Mención Especial Ningún lugar en ninguna parte (2004), José Luis Torres Leiva

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Gran Premio Embajada de Francia La sombra de Don Roberto (2007), J.D. Spoerer, H. Engström Premio Especial del Jurado Circunstancias especiales (2007), Marianne Teleki Primera Mención Especial El tiempo que se queda (2007), José Luis Torres Leiva Segunda Mención Especial Can Tunis (2006), Paco Toledo, José González Morandi

Premio Especial del Jurado - Competencia Latinoamericana Viajo porque te necesito, vuelvo por que te amo (2009), Marcelo Gomes Karim Aïnouz (Brasil) 15° FIDOCS 2011

Segunda Mención Especial Bajo la capucha (2008), Patricio Henríquez 13° FIDOCS 2009 Gran Premio Embajada de Francia – Competencia Nacional Remitente: Una carta visual (2008), Tiziana Panizza Premio Especial del jurado El poder de la palabra (2009), Francisco Hervé Mejor Película - Competencia Latinoamericana Los herederos (2008), Eugenio Polgovsky (México) Premio Especial del jurado - Competencia Latinoamericana Un lugar bajo el sol (2009), Gabriel Mascaro (Brasil)

Gran Premio Embajada de Francia - Competencia Nacional Hija (2010), María Paz González Premio Especial del Jurado - Competencia Nacional Lo que falta (2010), Colectivo Miope Mención Especial - Competencia Nacional Calafate, zoológicos humanos (2010), Hans Mülchi Premio del Público - Competencia Nacional Calafate, zoológicos humanos (2010), Hans Mülchi Mejor Película - Competencia Latinoamericana Noche sin fortuna (2010), Francisco Forbes, Álvaro Cifuentes (Argentina, Colombia)

14° FIDOCS 2010

Premio Especial del Jurado - Competencia Latinoamericana Hacerme feriante (2010), Julián D’Angiolillo (Argentina)

Gran Premio Embajada de Francia - Competencia Nacional El edificio de los Chilenos (2010), Macarena Aguiló (Chile, Cuba, Francia, Bélgica)

Mención Especial - Competencia Latinoamericana El Mocito (2010), Marcela Said, Jean de Certeau (Chile)

La ciudad de los fotógrafos (2006), Sebastián Moreno 11° FIDOCS 2007

Gran Premio Embajada Francia El corredor (2004), Cristian Leighton

Primera Mención Especial Ada y Kabir (2008), Macarena Ovalle

Mejor Película - Competencia Latinoamericana El ambulante (2009), Eduardo De La Serna, Lucas Marcheggiano, Adriana Yurcovich (Argentina)

Premio Especial del Jurado - Competencia Nacional Nosotros (2009), Cristóbal Cohen, Marcelo Hermosilla Mención Especial - Competencia Nacional A la sombra del Moai (2009), Lorenzo Moscia

Premio del Público - Competencia Latinoamericana Impunidad (2010), Hollman Morris, Juan José Lozano (Colmbia, Suiza, Francia) Primer lugar – Primer Corte FIDOCS La última estación (2010), Catalina Vergara y Cristian Soto (Chile)

Premio del Público - Competencia Nacional Escape al silencio. Notas de vida de Alfredo Espinoza (2009), Diego Pequeño

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16º FIDOCS 2012 Mejor Película- Competencia Latinoamericana : “Por habitar los espacios de la intimidad y convertirlos en una historia de la cultura, la familia y el arte”, sentencia el jurado, la película Las flores de mi familia de Juan Ignacio Fernández, de Uruguay. El Premio a la Mejor Película Latinoamericana de FIDOCS consiste en $500.000. Premio Especial del Jurado- Competencia Latinoamericana “Por su capacidad para transitar entre el caos de las instituciones y la arquitectura de la tradición”, a la película Escuela normal de Celina Murga, de Argentina. Premio del Público a la Mejor Película Competencia Latinoamericana Para la película Con mi corazón en Yambo de María Fernanda Restrepo, de Ecuador.    Gran Premio Embajada de Francia - Competencia Nacional De forma unánime el jurado seleccionó a Sibila, de Teresa Arredondo (Chile-España) por “atreverse a remover en forma honesta y valiente la historia de su familia y a través de ello las heridas que siguen abiertas en América Latina”. La ganadora recibe el “GRAN PREMIO EMBAJADA DE FRANCIA” consistente en 1 pasaje y estadía a un Festival de Documentales Francés a elección del ganador; y además recibe la suma de $500.000. Mención Especial del Jurado- Competencia Nacional El jurado la distinguió por “el realismo del registro documental” a la película Curruca y Pitbull de Sebastián Barahona y Celia Rothmund (Alemania-Chile). Premio del Público a la Mejor Película- Competencia Nacional Las mujeres del pasajero de Patricia Correa y Valentina Mac Pherson    Premio Mejor Documental en Desarrollo- Primer Corte FIDOCS Distinguió a la película El otro día de Ignacio Agüero (Chile) por “haber convencido al jurado de que su serenidad no es academisismo”.

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El documental recibe Premio que Otorga Kiné Imágenes y consiste en la Post Producción de imagen por 25.000USD.

Equipo del Festival Festival Team

Mención Especial Primer Corte FIDOCS Para la película Respirar helado de Carolina García (Chile). Premio del Público ONLINE – Mejor documental FIDOCS ONLINE+CINEPATA para la película Hardcore: la revolución inconclusa de Susana Díaz Recibe 500USD entregados por CINEPATA.

Presidente: Patricio Guzmán Presidenta Directorio CULDOC: Verónica Rosselot Director: Ricardo Greene Producción ejecutiva: Verónica Rosselot Producción ejecutiva: Andrea Pacheco Producción general: Astrid Aburto Gestión internacional: Renate Sachse Productor Asociado: Bruno Bettati Administración y finanzas: Gilda Cid Equipo curatoría y programación: Patricio Guzmán Renate Sachse Ricardo Greene Raúl Camargo Jorge Morales Cristóbal Vicente

Equipo de producción técnica Productor técnico: Raimundo Valdés Encargado técnico: Andrés Valdés Asesor de sonido: Roberto Espinoza, Sonamos. Agradecemos a los equipos de producción ejecutiva y técnica de GAM, Sala Cine UC y Centro Arte Alameda. Registros audiovisuales: DUOC UC / Coordinador Jensen Godoy Fotografía fija: Alex Molina Subtitulaje: Francisco Javier Rodríguez Difusión y comunicaciones: Plaza Espectáculos Página web y Difusión de redes sociales: Noise Media – Cinépata

Ediciones FIDOCS Editora de impresos: Gabriela Precht y Bernardita Bravo Producción de catálogo: Claudia Huaiquimilla Traducción de catálogo: Bettina Bettati, Lexinout Equipo de producción general Tráfico de películas: Felipe Fernández Asistente de tráfico de películas: Eduardo Streeter Administrador de salas: Rolando Carrasco Productor de eventos: Pablo Greene Asistente producción de eventos: Pamela Hrepic Productora gráfica: Isidora Cuevas Diseño gráfico: Max Grum y Natalia Geisse Guest office: Soledad Morales Asistente guestt office: Tariq Porter Productora escuela FIDOCS: Camila Manns Animador digital: Sebastián Urcelay

&RVJQPEFM'FTUJWBMtFestival Team

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Centro Gabriela Mistral @CentroGAM Av. Libertador Bernardo O´Higgins 227 (Alameda entre Lastarria y Namur) Acceso por Villavicencio 354 Acceso por plaza oriente Estacionamientos para bicicletas

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