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“Origem significa aqui aquilo a partir do qual e através do qual uma coisa é o que é, e como é. Ao que uma coisa é como é, chamamos a sua essência. A origem de algo é a proveniência da sua essência. A pergunta pela origem da obra de arte indaga a sua proveniência essencial. Segundo a compreensão normal, a obra surge a partir e através da atividade do artista. Mas por meio e a partir de quê é que o artista é o que é? Através da obra; pois é pela obra que se conhece o artista, ou seja: a obra é que primeiro faz aparecer o artista como um mestre da arte. O artista é a origem da obra. A obra é a origem do artista. Nenhum é sem o outro. E, todavia, nenhum dos dois se sustenta isoladamente. Artista e obra são, em si mesmos, e na sua relação recíproca, graças a um terceiro, que é o primeiro, a saber, graças àquilo a que o artista e obra de arte vão buscar o seu nome, graças à arte. (…)” Martin Heidegger, A Origem da Obra de Arte, 1935

“Origine signifie ici ce à partir de quoi et ce par où la chose est ce qu’elle est, et comment elle l’est. Ce qu’une chose est en son être tel, le «quoi» en son «comment», nous l’appelons son «essence». L’origine d’une chose, c’est la provenance de son essence. La question de l’origine de l’œuvre d’art pose celle de sa provenance essentielle. D’après l’idée commune, l’œuvre surgit de et par l’activité de l’artiste. Par quoi cependant et par où l’artiste à son tour est-il ce qu’il est? Par l’œuvre; car si «à l’œuvre on connaît l’ouvrier», c’est que c’est bien l’œuvre seulement qui fait de l’artiste un maître de l’art. L’origine de l’œuvre d’art, c’est l’artiste. L’origine de l’artiste, c’est l’œuvre d’art. Aucun des deux n’est sans l’autre. Néanmoins, aucun des deux ne porte l’autre séparément. L’artiste et l’œuvre ne sont en eux-mêmes et en leur réciprocité que par un tiers qui pourrait bien être primordial: à savoir ce d’où artiste et œuvre d’art tiennent leur nom, l’art. (...)” Martin Heidegger, L’origine de l’œuvre d’art, 1935

“Origin here means that from and by which something is what it is and as it is. What something is, as it is, we call its essence or nature. The origin of something is the source of its nature. The question concerning the origin of the work of art asks about the source of its nature. On the usual view, the work arises out of and by means of the activity of the artist. But by what and whence is the artist what he is? By the work; for to say that the work does credit to the master means that it is the work that first lets the artist emerge as a master of his art. The artist is the origin of the work. The work is the origin of the artist. Neither is without the other. Nevertheless, neither is the sole support of the other. In themselves and in their interrelations artist and work are each of them by virtue of a third thing which is prior to both, namely that which also gives artist and work of art their names – art. (…)” Martin Heidegger, The Origin of the Work of Art, 1935


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Bem-vindos, Amigos! A este livro, a este momento, à manifestação artística traduzida na Exposição Individual REMIND 25, de Fernando Gaspar. Esta é uma forma simples, mas sincera e genuína, de introduzir um trabalho complexo, reflexivo e fracturante. Como já dizia Kandinsky, em 1910*, “Toda a obra de arte é filha do seu tempo e, muitas vezes, a mãe dos nossos sentimentos.”. Quiçá também Fernando Gaspar, nas múltiplas e cíclicas abordagens, com as quais nos vai revelando o seu ser pensante, se posicione bem acima das preocupações comezinhas de mostrar uma obra consensual. Porque uma obra bonita não é necessariamente uma boa obra, mas uma boa obra torna-se inequivocamente bela quando, mais do que um equilíbrio cromático indutor de um certo êxtase sensorial, é capaz de alavancar a alteração de estados de espírito e interrogações. Mais do que dar respostas, levanta questões. Mais do que transmitir certezas, invoca inquietações. Nessun Dorma – Que ninguém durma! Ao fim de 25 anos, a arte de Fernando Gaspar está mais viva do que nunca e interroga-nos! Em tempos conturbados, marcados pela incerteza e pela mutação, o olhar contemporâneo de Fernando Gaspar, quando perscruta o seu interior na depuração das influências externas, na beleza e no desafio de cada revisitação, transposto em obra, nos mostra que quando regressa, sem deixar de o ser, já não é o mesmo… e nós, com ele, também não. Talvez não seja uma metamorfose, mas revela a inquietude de quem, não se conformando, progride, com o condão de aglutinar, de potenciar-se. A arte não tem de ser fácil, mas não tem de ser elitista. A arte não tem de ser dócil, mas não tem de ser sectária. A arte faz-se para todos, quantos queiram apreciá-la! Seja cada um de nós, à sua medida, como parceiro, admirador, investidor, coleccionador, ou o que seja, um pequeno accionista de uma arriscada empreitada chamada Carreira. E a obra de Fernando Gaspar cumprirá mais um desígnio ao transcender-se e, sem nunca deixar de ser sua, passará também a ser de todos e, simultaneamente, de cada um! Bem-vindos, Amigos! É uma honra a vossa presença, é um privilégio a vossa atenção, é uma responsabilidade o vosso carinho! O percurso cumpre-se integrando valor, bem hajam! Avancem, Amigos! Deslumbrem-se, inquietem-se ou indignem-se! Talvez alguns passem indiferentes e, mesmo assim, a obra é para eles! Fernando Gaspar insiste em levar-nos a todos! Ninguém ficará para trás! A não ser que seja essa a sua, também legítima, vontade! Paulo Moreira outubro 2011 * Wassily Kandinsky, Do Espiritual na Arte, 1910.


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Amis, Bienvenue! À ce livre, à ce moment, à la manifestation artistique qu’est l’Exposition Individuelle REMIND 25, de Fernando Gaspar. Une façon simple, mais sincère et authentique, d’introduire un travail complexe, réflexif et fracturant. Comme le disait déjà Kandinsky en 1910*, «Toute œuvre d’art est l’enfant de son temps et, bien souvent, la mère de nos sentiments.». Peut-être Fernando Gaspar, par ses multiples et cycliques abordages, par le biais desquels il nous dévoile peu à peu son être pensant, se place-t-il bien au-dessus des petitesses du souci de montrer une œuvre consensuelle. Si une œuvre jolie n’est pas nécessairement une bonne œuvre, une bonne œuvre en revanche devient inéquivocablement belle lorsque, plus que de présenter un équilibre chromatique inducteur d’une certain extase sensorielle, elle se révèle capable de déclencher des changements d’état d’esprit et des interrogations. Plus que de donner des réponses, elle pose des questions. Plus que de transmettre des certitudes, elle invoque des inquiétudes. Nessun Dorma – Que nul ne dorme! Vingt-cinq ans passés, l’art de Fernando Gaspar demeure plus vivant que jamais et nous interroge! En des temps troublés, marqués par l’incertitude et la mutation, le regard contemporain de Fernando Gaspar, scrutant son intérieur en tamisant les influences extérieures, dans la beauté et le défi de chaque revisitation, une fois transposé en œuvre, nous montre qu’à son retour, tout en le restant, il n’est plus tout à fait le même.. et nous, avec lui, non plus. Peut-être n’est-ce point une métamorphose, mais la révélation de l’inquiétude ce celui qui, ne se conformant pas, progresse, avec cette capacité à agglutiner, à se potentialiser. L’art n’a pas à être facile, mais il n’a pas à être élitiste. L’art n’a pas à être docile, mais il n’a pas à être sectaire. L’art est fait pour tous, pour tous ceux qui veulent l’apprécier! C’est-à-dire pour nous tous, chacun à sa manière, partenaire, admirateur, chercheur, collectionneur, ou en d’autres termes, petit actionnaire d’une entreprise risquée nommée Carrière. Et l’œuvre de Fernando Gaspar respectera l’une de ses promesses en se transcendant et, sans jamais cesser d’être sienne, deviendra aussi nôtre et, simultanément, de chacun! Amis, Bienvenue! C’est un honneur que votre présence, un privilège que votre attention, une responsabilité que votre gentillesse! Le parcours s’accomplit, votre valeur ajoutée incluse ; soyez-en remerciés! Amis, avancez! Étonnez-vous, inquiétez-vous ou indignez-vous! Quelques-uns peut-être passeront, indifférents et, cependant, l’œuvre est pour eux! Fernando Gaspar veut tous nous emmener! Personne ne restera en arrière! À moins que telle ne soit votre expresse, légitime aussi, volonté! Paulo Moreira octobre 2011 version française: Patrick Bernaudeau * Wassily Kandinsky, Du Spirituel dans l’art, et dans la peinture en particulier, 1910.


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Welcome, Friends! To this book, to this moment, to this artistic expression translated into the Solo Exhibition REMIND 25 by Fernando Gaspar. This is a simple but sincere way of introducing a complex work, which is reflexive and fractured. As Kandinsky said, in 1910*, “Every work of art is the child of its age and, in many cases, the mother of our emotions.�. Perhaps also Fernando Gaspar, whose multiple and cyclical approaches will reveal to us his thinking, stands well above the trivial concerns of displaying consensual art. Because an attractive artwork is not necessarily a good artwork, but a good artwork becomes unequivocally beautiful when, rather than a chromatic balance inducing a certain sensory rapture, it is able to cause a shift in states of mind and questioning. Instead of providing answers, it raises questions. Instead of conveying certainties, it invokes concerns. Nessun Dorma – Let no one sleep! After 25 years, the art of Fernando Gaspar is more alive than ever and questioning us! In troubled times, marked by uncertainty and change, the contemporary gaze of Fernando Gaspar, who looks within filtering all outside influences, in the beauty and challenge of each revisitation, transposed as art, shows us that when he returns, while still himself, he is no longer the same ... and neither, likewise, are we. It may not be a metamorphosis, but it reveals the restlessness of one who by not conforming, progresses, with the power to unite, to empower himself. Art does not have to be easy, but it need not be elitist. Art does not have to be meek, but it need not be bigoted. Art is made for everyone, for all those who want to enjoy it! Let each of us, in our own way, whether as partner, admirer, investor, collector or whatever, be a small shareholder in a risky venture called Career. And the work of Fernando Gaspar shall fulfil another wish to transcend itself, and without ever ceasing to be its own, will also end up belonging to all and, at the same time, to each one! Welcome, Friends! Your presence is an honour, your attention is a privilege and your care is our concern! Come on, friends! Be dazzled, be disquieted or be outraged! Maybe some will be indifferent, but even then, this work is for them! Fernando Gaspar insists on taking us all! No one is staying behind! Unless of their own, equally legitimate, free will! Paulo Moreira October 2011 english version: Jonathan Lewis * Wassily Kandinsky, Concerning the Spiritual In Art, 1910.


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(o corpo na arte ou o corpo como arte) O corpo como território singular da afirmação do indivíduo na sociedade ou objecto colectivo. cifra, letra de um tempo. O corpo humano como sujeito, suporte ou linguagem. O tempo através do mais ancestral território da comunicação. Lugar reflexivo, sílaba de um discurso ou o corpo como reivindicação do eu. Fonte da singularidade consciente, erro natural, subversão ou sobreversão. Coisa nova. Afirmação da posse e domínio pela mutilação com o passado divino. Pela mutilação, tão só! Pela marcação de outros sinais! Tatuagem simultaneamente apartadora e suturante, resgate da coisa única, singularidade do restrito, gravura de nascença, marca de passagem, exercício semiótico. Luta que vem dos fluidos primitivos, força que atravessa o osso e se arremessa contra a pele. Primeiro estágio da inquietação. Depois o exterior, táctil e visível, o cheiro e os líquidos marcadores matriciais, do apelo e repulsa. Gestos, impulsos, gritos telúricos ou o silêncio que sai dos olhos e sobe em arco pela distância ao outro. Contenção ou desarranjo. Afago ou coice tribal. O corpo, altar sagrado e simultaneamente profano. Falível e finito. Contraponto mundano e sincero da abordagem que, pela arte, até agora, o resgatava para o domínio do sagrado, como manifestação do transcendental revelado, representação fantástica, alegórica e ilusória. Fernando Gaspar março 2011


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(le corps dans l’art ou le corps en art) Le corps comme territoire singulier de l’affirmation de l’individu dans la société. Chiffre, lettre d’un temps. le corps humain comme sujet, support ou langage. Le temps à travers le plus ancestral territoire de la communication. Lieu réflexif, syllabe d’un discours ou le corps comme revendication de l’ego. Source de la singularité consciente, erreur naturelle, subversion ou superversion. Chose neuve. Affirmation de possession et de domination par la mutilation d’un passé divin. Par la mutilation, tout simplement! Par le marquage d’autre signes! Tatouage simultanément écartant et suturant, salvateur de la chose unique, singularité du restreint, gravure de naissance, marque de passage, exercice sémiotique. Lutte qui vient des fluides primitifs, force qui traverse l’os et se lance contre la peau. Premier stade de l’inquiétude. Puis l’extérieur, tactile et visible, l’odeur et les liquides marqueurs matriciels, de l’appel et de la répulsion. Gestes, impulsions, cris telluriques ou ce silence qui part des yeux en arc du fait de la distance à l’autre. Contention ou désordre. Caresse ou ruade tribale. Le corps, autel sacré et simultanément profane. Faillible et fini. Contrepoint mondain et sincère de l’abordage qui, grâce à l’art, jusqu’à présent, le préservait dans le domaine du sacré, comme une manifestation du transcendantal révélé, représentation fantastique, allégorique et illusoire. Fernando Gaspar mars 2011 version française: Patrick Bernaudeau


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(the body in art or the body as art) The body as a singular territory affirming the individual in society, or collective aim. Cipher, letter of a time. The human body as subject, medium or language. Time crosses the most ancestral territory of communication. Reflexive place, syllable of a speech or the body as vindication of the ego. Source of conscious singularity, natural error, subversion or supraversion. Something new. Statement of ownership and dominion by mutilation with the divine past. By mutilation, so alone! By the marking of other signs! Tattoo simultaneously separating and suturing, redemption of the unique, the singularity of the restricted, engraving of birth, mark of passage, semiotic exercise. Fight that comes from primitive fluids, force that runs through the bone and hurls itself against the skin. First stage of restlessness. After the outside, tactile and visible, the smell and the matrical marker liquids, from appeal and revulsion. Gestures, impulses, telluric screams or the silence that leaves the eyes and rises in an arch by the distance to the other. Containment or breakdown. Cuddle or tribal recoil. The body, simultaneously sacred and profane altar. Fallible and finite. Mundane and sincere counterpoint of the approach that, by art, until now, ransomed it for the domain of the sacred, as manifestation of the revealed transcendental, fantastic representation, allegorical and illusory. Fernando Gaspar March 2011 english version: Jonathan Lewis


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A pintura serve o desenho, está-lhe subjugada. O traço em grafite ou em carvão é o registo e o gesto firme do pensamento. É a linha que cose a mente ao coração. O que o pintor sente e pensa e, ainda, o que quer afirmar tem um contorno bem definido. O corpo. Território “falível e finito”, imaginado e representado de modo “fantástico, alegórico e ilusório”. ... a visão da produção artística de Fernando Gaspar nesta exposição, que tem lugar no Museu da Cidade de Aveiro é objecto das escolhas e do pensamento do artista. Pressupõe um entendimento e uma filosofia de pensamento pessoal, assumido como Gaspar25, tal qual, nesta exposição, ele assina os seus objectos artísticos. O conjunto das obras expostas tem um fio condutor que as inter-relaciona e que poderíamos interpretar como sendo a constante da gramática estética – a linguagem figurativa da composição. Esta gramática/linguagem formal e estilística é representada em três suportes distintos e em escalas e dimensões desiguais. São representações pictóricas e escultóricas reordenadas em séries de objectos. As sequências são criadas a partir de três tipologias distintas: a do corpo, como síntese; a da cabeça, como parte de um todo; e a da expressão facial, como visão táctil do olhar. Há ainda o especializado trabalhar da matéria. Os objectos são materializados em gesso, em grafite ou carvão sobre tela e em pigmentos aquosos sobre cartão prensado, impregnados de matéria impermeável e fixativa. A matéria sela o gesto impetuoso e impulsivo. Imprime in præsentia o grito telúrico. Estampa “o silêncio que sai dos olhos e sobe em arco pela distância ao outro” (Fernando Gaspar). Este conjunto de obras é também a síntese de uma época com lastro num tempo. Um tempo com 25 anos de termo, que não retrospectiva a obra do pintor mas que a antevê no seu tempo presente-futuro. Gaspar projecta nestes objectos o pleno desenvolvimento de um pensamento prospectivo e orientado pela disciplina do desenho. O branco denuncia este ciclo temporal. As passagens do tempo são marcadas com uma velatura de branco titânio. A aguada cristalina do pigmento de zinco é aplicada sobre os traços espessos que dão forma ao pensamento, aos corpos e aos movimentos. A espessura é a história. O percurso é a linha. São as linhas e os sulcos a negro que o imaginário do artista desenha com a disciplina do seu gesto. A história e o tempo são a matéria que se foi desenvolvendo e impregnando na tela, nos volumes repetidos feitos bustos em gesso esgrafitado e nos registos fugidios deixados pelo pintor nos cartões pintados. O desenho faz os vestígios do tempo que o branco esvazia e silencia... Tudo deixa rasto. O pintor viaja no tempo da sua imaginação e anuncia que vai continuar, a desenhar, a inventar, e a seguir rumos de interior e infinita descoberta. Obrigada Gaspar. Aveiro reconhece a força da tua inspiração. Maria da Luz Nolasco Vereadora do Pelouro da Cultura da Câmara Municipal de Aveiro Aveiro, novembro 2011


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La peinture sert le dessin, elle lui est assujettie. Le trait au graphite ou au fusain est le registre du geste ferme de la pensée. C’est le fil qui joint l’esprit au cœur. Ce que le peintre ressent et pense et, aussi, ce qu’il veut affirmer a ici ses contours parfaitement délimités. Le corps. Territoire «faillible et fini», imaginé et représenté sur le mode du «fantastique, allégorique et illusoire». ... la vision de la production artistique de Fernando Gaspar pour cette exposition qui se tient au Musée de la Ville d’Aveiro est l’objet des choix et de la pensée de l’artiste. Elle présuppose une compréhension et une philosophie de pensée personnelle, assumée comme Gaspar25, au nom de laquelle il signe, dans cette exposition, ses objets artistiques. L’ensemble des œuvres exposées a son fil conducteur qui les met en rapport les unes aux autres et que l’on pourrait interpréter comme étant la constante de la grammaire esthétique - le langage figuratif de la composition. Cette grammaire/langue formelle et stylistique est représentée sur trois supports distincts et à des échelles et des dimensions très différentes. Ce sont des représentations picturales et sculpturales ordonnancées en séries d’objets. Les séquences y sont créées à partir de trois typologies distinctes: celle du corps, comme synthèse; celle de la tête, comme partie d’un tout; et celle de l’expression faciale, comme vision tactile du regard. Il y a aussi le travail spécialisé de la matière. Les objets sont matérialisés à l’aide de plâtre, de graphite ou de fusain sur toile et de pigments aqueux sur carton pressé, imprégnés de substance imperméable et fixatrice. La matière scelle le geste impétueux et impulsif. Elle imprime in præsentia le cri tellurique. Elle estampe «le silence qui part des yeux en arc du fait de la distance à l’autre.» (Fernando Gaspar). Cet ensemble d’œuvres constitue aussi la synthèse d’une époque ancrée dans un temps. Un temps délimité à 25 années, qui n’est pas rétrospectif de l’œuvre du peintre mais qui la prévoit dans son temps présent-avenir. Gaspar projette dans ses objets l’aboutissement d’une pensée prospective et orientée par la discipline du dessin. Le blanc dénonce ce cycle temporel. Les passages du temps sont marqués par une velatura de blanc de titane. Le lavis cristallin au pigment de zinc est appliqué sur les traits épais qui donnent leurs formes à la pensée, aux corps et aux mouvements. Le parcours est ligne. Ce sont les lignes et les sillons au noir que l’imaginaire de l’artiste dessine dans la discipline de son geste. L’histoire et le temps sont la matière qui s’est développée et imprégnée dans la toile, dans les volumes répétés, faits bustes de plâtre «griffé», et dans les inscriptions fugitives laissées par le peintre sur les cartons peints. Le dessin fait les vestiges du temps que le blanc vide et tait. Tout laisse une trace. le peintre voyage dans le temps de son imagination et annonce qu’il va continuer, de travailler, de dessiner, d’inventer, et de suivre les caps de l’intérieure et infinie découverte. Merci Gaspar. Aveiro reconnaît la force de ton inspiration. Maria da Luz Nolasco Conseillère municipale de la Ville d’Aveiro, Déléguée à la Culture Aveiro, novembre 2011 version française: Patrick Bernaudeau


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The painting serves the drawing, subjugated by it. The sketch in graphite or charcoal is the record and strong gesture of thought. It is the line that sews the mind to the heart. What the artist feels and thinks, and, moreover, what he wants to assert has a well-defined boundary. The body. “Fallible and finite” territory, imagined and represented in a “fantastic, allegorical and illusory” way. ... the vision of Fernando Gaspar’s artistic production in this exhibition, held at the Aveiro City Museum is the sujbect of the artist’s choices and thinking. It presupposes an understanding and a personal philosophy of thought, assumed as Gaspar25, which is just how he signs his artistic objects in this exhibition. There is a thread running through all the works on display that inter-relates them and could be interpreted as the constant of aesthetic grammar - the figurative language of composition. This formal and stylistic grammar / language is represented in three distinct media and in unequal scales and dimensions. They are pictorial and sculptural representations reordered in sets of objects. The sequences created stem from three distinct typologies: body, as synthesis; head, as part of a whole; and facial expression, as the tactile vision of the look. There is also the specialized working of the material. The objects are materialized in plaster, in graphite or charcoal on canvas and in aqueous pigments on pressboard, impregnated with impermeable and fixative material. The material seals the impetuous and impulsive gesture. It prints in præsentia the telluric cry. It stamps “the silence that leaves the eyes and rises in an arch by the distance to the other” (Fernando Gaspar). This body of work is also the synthesis of a whole era anchored in one time. A time with a 25-year term, which does not look back retrospectively on the painter’s work but envisions its present-future time. Gaspar projects on these objects the full development of forward thinking and guided by the discipline of drawing. White denounces this cycle of time. The passages of time are marked with a velatura of white titanium. A crystalline wash of zinc pigment is applied to the thick lines that give form to thought, to bodies and movements. The thickness is the story. The route is the line. They are the black lines and grooves to the artist’s imagination draws with the discipline of his gesture. History and time make up the material that has been developing and imbuing the canvas, the repeated volumes made grooved plaster busts and the elusive marks left by the artist on painted paperboards. The drawing makes the traces of time that the white empties and silences... Everything leaves a trace. The painter travels in time in his imagination and announces that he will go on drawing, inventing, and following the tracks from within and infinite discovery. Thank you Gaspar. Aveiro recognizes the strength of your inspiration Councillor for Culture, Maria da Luz Nolasco Aveiro, November 2011 english version: Jonathan Lewis


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Tenho acompanhado, com justificado empenho, a carreira artística de Fernando Gaspar, não me havendo enganado na previsão, cujos primeiros trabalhos com que contatei, em 1988, me deixaram antever um artista de inegável talento e promissor sucesso. Iniciou-se com o desenho, que sempre considerou o princípio estruturante de todos os ramos das Artes Plásticas, tendo como suporte a vulgar folha de papel. Veio depois a aguarela, que numa primeira fase, que se estendeu de 1986 a 1994, teve como temas preferidos os barcos, que via deslizar nos canais da Ria de Aveiro, os estaleiros que os bordejavam e outros temas locais. Afirma que a aguarela foi importante na sua carreira, porque lhe domesticou a mão e lhe deu a disciplina, que é um fator importante, sobretudo, para os artistas que se iniciam. À medida que os anos foram rodando, cresceu em qualidade, graças a muita persistência, trabalho, investigação e experimentação, enveredando pela técnica mista, em trabalhos marcados por algum arrojo, num ciclo de composições, que tiveram como tema preferente as cidades de Lisboa e Porto, com grandes manchas acrílicas na base das telas e o casario, monumentos e catedrais, surgindo ao cimo, em esboços aguarelados. Esta foi uma fase de grande actividade, com algumas exposições realizadas, por essa altura na Galeria de Arte do Casino Estoril, que ao longo de toda a sua carreira muito se empenhou na divulgação da sua obra. É, também nesta época que começa o seu percurso fora de Portugal, apresentando individuais em alguns países da Europa. São desta altura as exposições Lugares de uma viagem, realizada em Maio de 2001 e Crónicas de um encontro, em 2005 e nas quais o neofigurativismo e o expressionismo, podemos dizer que lírico, se entrelaçam em composições que acolheram uma grande adesão por parte dos coleccionadores de Arte, bastantes dos quais o adoptaram como o pintor das suas preferências. Estas exposições inserem-se na sua, mais distendida, explorada e revisitada série: Cidades Imaginárias. Em Maio de 2003, Fernando Gaspar apresentou na Galeria do Casino, uma exposição que cortava com a fase do paisagismo urbano, de sabor algo académico, mas que lhe granjeou vários prémios, quatro dos quais menções honrosas, na Galeria de Arte do Casino Estoril e o Prémio Nacional de Pintura António Joaquim, em Vila Nova de Gaia, um prémio lamentavelmente extinto. Entretanto, Fernando Gaspar surgiu com duas exposições muito interessantes, algo espaçadas, tendo por tema o Bestiário, uma em 1997, sobre Touros, realizada em Aveiro, outra sobre Insectos, em 2001, na mesma cidade. Em 2002, inicia uma nova série a que chama Personagens para uma história, apresentando na Galeria de Arte do Casino Estoril, em 2003, Rebelião no Zoo - Parte I. Nesta mesma Galeria apresenta a Parte II desta exposição em 2010. Estas exposições sobre Personagens obedecem, já, ao seu projecto de apresentação de exposições temáticas, no formato de séries, com um número apreciável de trabalhos sobre cada um dos temas seleccionados, com uma teorização e formatação prévia, após uma pesquisa de um conjunto de questões de natureza artística e até filosófica, anotando sempre por escrito o plano de trabalho a realizar. Aqueles que acompanham o percurso artístico de Fernando Gaspar foram surpreendidos, com uma exposição realizada em Outubro de 2006, na Galeria de Arte do Casino, a que chamou Ibéria, que dedicou “(...) a todos quantos têm entendido o meu esforço na procura, e àqueles que não entendendo, o têm respeitado.”. Com esta exposição celebrou 20 anos de actividade artística, com uma caligrafia plástica, marcadamente expressionista, de grande qualidade e um cromatismo apenas com duas cores – o vermelho e o preto.


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No ano seguinte, outra grande exposição se seguiu; O Afecto, o Tempo e o Rio, com linguagem similar à anterior, mas em cinzentos escuros, tendo iniciado em Cáceres uma itinerância pelas cidades espanholas de Salamanca, Valladolid, Zamora, Saragoça, Sória e Placência. Registe-se uma característica, que julgamos ser-lhe exclusiva, de associação da Pintura à Literatura, o que acontece nesta exposição, em que cada trabalho é ilustrado por curtos, mas excelentes textos*, de certo modo complementares da obra pictórica. Em 2011 apresentou, em Paris, nos Salões Eça de Queirós do Consulado-Geral de Portugal, uma outra mostra, que designou Ad infinitum-Silêncio, uma série de trabalhos, com uma escrita que é de um certo retorno a outras anteriormente usadas, no tempo do paisagismo urbano, composições em que adivinha habitar o silêncio, que como ele próprio escreve em texto no catálogo, é “o princípio, o antes, o caminho inicial para o fim.”. O projecto, igualmente arrojado, em que actualmente se encontra envolvido, é a exposição REMIND 25 alusiva ao Corpo Humano, que ocupa os três pisos do Museu da Cidade de Aveiro e que transitará para Nantes, França, uma das mais, culturalmente, ativas cidades da Europa. Fernando Gaspar sempre considerou o corpo humano um tema fascinante, e que volta a ser actual no contexto da Arte Contemporânea, embora pela complexidade que envolve, esta primeira abordagem tenha que ser parcial, segundo afirma. É uma exposição muito forte, quase agressiva, com uma carga de interrogações, que vêm do fundo dos séculos, sobre a origem e o destino do Homem. Esta exposição é, incontestavelmente, marcante na sua obra, pela originalidade, pelo dificílimo tema escolhido e pela coragem da sua apresentação. Para este artista, que se iniciou na Arte com uma mais que vulgar caixa de aguarelas, o seu caminho é, hoje, um caminho sem fim à vista. Cada nova etapa é uma revelação e algo de inimaginável para quem tem acompanhado a sua obra. A quem lhe pergunta o que lhe falta fazer, responde que quase tudo. Que mais haverá a esperar de Fernando Gaspar? É uma pergunta que muitas vezes formulamos e para a qual não encontramos resposta, porque em cada esquina da sua carreira, sempre algo de novo e surpreendente nos espera. N. Lima de Carvalho Estoril, novembro 2011 ndt * textos da autoria de Domingos Fernandes e João Pereira da Silva


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J’ai suivi avec une assiduité justifiée la carrière artistique de Fernando Gaspar, qui n’a pas failli à ma prévision, dont les travaux, que j’ai connus en 1988, m’avaient laissé deviner un artiste de grand talent et au succès prometteur. Il a commencé par le dessin, qu’il a toujours considéré comme le principe structurant de tous les domaines des Arts Plastiques, avec pour tout support une simple feuille de papier. Ensuite est venue l’aquarelle qui, dans sa première phase, s’est étendue de 1986 à 1994 ; ses thèmes préférés étaient les bateaux, qu’il voyait glisser sur les canaux de la Ria d’Aveiro, les chantiers navals sur leurs rives et d’autres thèmes locaux. Il soutient que l’aquarelle a été importante pour sa carrière, en ce qu’elle lui a domestiqué la main et lui a donné la discipline, facteur important, surtout pour les artistes débutants. Au fil des années, il a grandi en qualité, grâce à son obstination, son travail, ses recherches et expériences, se tournant vers la technique mixte, produisant des travaux ambitieux intégrés dans un cycle de compositions dont le thème principal était les villes de Lisbonne et Porto, aux grands aplats acryliques comme base des ses toiles, et les maisons, les monuments et les cathédrales qui en surgissaient, ébauches en aquarelles. Ce fut une phase d’intense activité, pavée de quelques expositions visibles à l’époque à la Galeria de Arte du Casino de l’Estoril, qui tout au long de sa carrière a assidument divulgué son œuvre. C’est également à cette époque qu’a débuté son itinéraire à l’étranger, par le biais d’expositions individuelles dans quelques pays d’Europe. C’est de là que datent Lugares de uma viagem [Lieux d’un voyage], réalisée en mai 2001 et Crónicas de um encontro [Chroniques d’une rencontre], en 2005, où le néofigurativisme et l’expressionisme, que l’on peut qualifier de lyrique, s’entremêlent dans des compositions qui ont séduit nombre de collectionneurs qui l’élurent rapidement comme leur peintre favori. Ces expositions s’insèrent dans sa série, allongée, explorée et revisitée dans le temps, Cidades imaginarias [Villes imaginaires]. En mai 2003, Fernando Gaspar présenta à la Galeria do Casino de l’Estoril une exposition qui rompait avec sa phase du paysagisme urbain, au goût quelque peu académique, mais qui lui avait valu de nombreux prix, dont quatre mentions honorables, à la galerie d’art du Casino de l’Estoril ainsi que le Prix National de Peinture António Joaquim, à Vila Nova de Gaia, prix qui n’existe malheureusement plus. Entre temps, Fernando Gaspar est réapparu pour deux expositions très intéressantes, à quelques temps près, ayant pour thème le Bestiaire, l’une en 1997, sur les Taureaux, à Aveiro, et l’autre sur les Insectes, en 2001, dans la même ville. En 2002 , il débute une nouvelle série qu’il appelle Personagens para uma história [Personnages pour une histoire], en présentant à la Galerie d’Art du Casino Estoril en 2003, Rebelião no Zoo – Parte I [Rébellion au Zoo]. Il présentera dans cette même galerie la Parte II en 2010. Ces expositions sur des Personnages obéissent, d’ores et déjà, à son projet de présentation d’expositions thématiques, sous forme de séries, présentant un nombre appréciable de travaux sur chacun des thèmes sélectionnés, subordonnés à une théorisation et à un formatage préalables, soumis à un travail de recherche sur un ensemble de questions de nature et même philosophique, le plan du travail étant systématiquement noté á la main. Ceux qui accompagnent le parcours artistique de Fernando Gaspar ont eu la surprise d’une exposition réalisée en octobre 2006, à la Galerie d’Art du Casino [de l’Estoril], qu’il a appelée Ibéria, et qu’il a dédiée «(…) à toutes celles et tous ceux qui ont compris ma quête, à celles et ceux qui ne la comprenant pas, l’ont respectée.». Il a célébré à l’occasion de cette exposition, 20 ans d’activités artistiques, à la calligraphie plastique – résolument expressionniste – de haute qualité et au chromatisme limité à seulement deux couleurs – le rouge et le noir.


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L’année suivante, une autre grande exposition s’est ensuivie: O Afecto, o Tempo e o Rio [L’Affect, le temps et le fleuve] optant pour un langage similaire à la précédente, mais en tons de gris foncés, qui commença à Cáceres, itinérant ensuite vers Salamanque, Valladolid, Zamora, Saragosse, Sória et Plasencia. Remarquable est la caractéristique, exclusive croyons-nous, qui associe dans cette exposition Peinture et Littérature, où chaque travail est illustré par de courts mais excellents textes*, dans une certaine mesure complémentaires de l’œuvre picturale. En 2011, Il a présenté à Paris, dans les Salons Eça de Queirós du Consulat Général du Portugal, une autre exposition, Ad Infinitum-Silêncio, une série de travaux dont l’écriture constitue un certain retour à d’autres précédemment utilisées, au temps du paysagisme urbain, compositions que l’on devine habitées par le silence qui, comme il le dit lui-même, est «le début, l’avant, le chemin initial vers la fin.». Le projet, pareillement ambitieux, dans lequel il s’est maintenant lancé, est l’exposition REMIND 25 allusive au Corps Humain, qui occupe les trois étages du Musée de la Ville d’Aveiro et qui transitera par Nantes, une des villes culturellement les plus actives d’Europe. Fernando Gaspar a toujours considéré le corps humain comme un thème fascinant et qui est de nouveau d’actualité dans le contexte de l’Art Contemporain, même si, de part la complexité qui entoure le projet, ce premier abordage doit être nécessairement partiel, selon lui. Il s’agit d’une exposition très forte, presque agressive, chargée d’interrogations qui viennent du fond des siècles, sur l’origine et le destin de l’homme. Cette exposition est incontestablement une étape marquante de son œuvre, de par son originalité et l’extrême difficulté du thème choisi et par le courage de sa présentation. Pour cet artiste, qui s’est initié à l’Art avec une plus que simple boîte d’aquarelles, le chemin est aujourd’hui un chemin sans fin en vue. Chaque étape est une révélation, purement inimaginable pour qui accompagne son œuvre. À la question de savoir ce qu’il lui reste à faire, il répond presque tout. Que peut-on attende de plus de Fernando Gaspar? C’est une question que nous nous posons souvent et à laquelle nous n’avons pas de réponse, car à chaque coin de sa carrière nous attend toujours quelque chose de nouveau et de surprenant. N. Lima de Carvalho Estoril, novembre 2011 version française: Patrick Bernaudeau ndt * textes de Domingos Fernandes et João Pereira da Silva


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I have been following, with justifiable effort, the artistic career of Fernando Gaspar, and I was not mistaken in my prediction, when, on viewing his first works, in 1988, I could foresee an artist of undoubted talent and promising success. It began with the drawing, always considered the organizing principle of all branches of the Arts, using a common sheet of paper. Then came the watercolour, which in its first phase, lasting from 1986 to 1994, whose chosen topics were the boats that glide along the canals of the Ria de Aveiro (Aveiro Lagoon), the shipyards on its shores and other local themes. Clearly, the watercolour was important in his career, because it tamed his hand and gave him discipline, which is an important factor, especially for artists starting out. As the years went by, he grew in quality, thanks to a great deal of persistent work, research and experimentation. Engaging in mixed media, his artworks were marked by a certain daring, in a cycle of compositions about the cities of Lisbon and Porto, with big splashes of paint at the base of the canvases and watercolour sketches of the houses, cathedrals and monuments emerging at the top. This was a phase of great activity, with some exhibitions held at that time at the Galeria de Arte at Estoril Casino, which throughout his career has been very much involved in publicizing his work. It was also during this period that he began his journey outside of Portugal, presenting some individual works in a number of European countries. It was during this period that the exhibition Lugares de uma viagem (Places on a journey) was held, in May 2001, followed by Crónicas de um encontro (Chronicles of a meeting), in 2005, which featured a, shall we say, lyrical intertwining of neo-figurativism and expressionism. These compositions were very well received by several art collectors, many of whom adopted him as their painter of choice. These exhibitions form part of his more extensive and more fully explored series of paintings: Cidades Imaginárias (Imaginary Cities). In May 2003, Fernando Gaspar presented an exhibition at the Galeria do Casino which was a move away from the phase of urban landscapes, to something of an academic flavour, winning him several awards, including four honourable mentions in the Galeria de Arte at Estoril Casino and the António Joaquim National Prize for Painting in Vila Nova de Gaia, an award which regrettably no longer exists. Meanwhile, Fernando Gaspar produced two very interesting exhibitions with the theme of the Bestiary, one about Bulls, held in Aveiro in 1997, and another about Insects, in 2001, in the same city. In 2002, he began a new series which he called Personagens para uma história (Characters for a story), and presented Rebelião no Zoo - Parte I (Rebellion in the Zoo - Part I) at the Galeria de Arte at Estoril Casino in 2003. He presented Part II of this exhibition at the same gallery in 2010. These exhibitions about Characters are in accordance with his project of presenting themed exhibitions, in serial format, with a considerable number of artworks on each of the themes selected, following a pre-planned theory and format, and after searching for a set of artistic and even philosophical questions, continually noting down in writing the work plan to fulfil. Those who had been following the artistic path of Fernando Gaspar were surprised by an exhibition held in October 2006, at the Casino Art Gallery, which he called Iberia, and “(...) dedicated to all who have understood my effort in the search and those who have not understood, but respected it.”. With this exhibition he celebrated 20 years of artistic activity, with a distinctly expressionist, plastic calligraphy, of great quality and a chromaticism using just two colours - red and black. The following year, there followed another major exhibition; O Afecto, o Tempo e o Rio (Affection, Time and the River), in a similar language to the previous one, but in dark grays. It toured a number of Spanish cities, starting in Cáceres and then taking in Salamanca, Valladolid, Zamora, Zaragoza, Sória and Placência. A feature of this exhibition, which we believe to be unique, involved associating painting to literature, with the artworks each being illustrated by short but excellent texts*, which in some way complemented the pictorial work.


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In 2011 he presented another show, this time in Paris at the Portuguese Consulate in its Salões Eça de Queirós. Called Ad infinitum-Silêncio, it was a series of artworks, which in a way was a return to some of the themes used previously in his urban landscape phase, compositions where one finds silence dwelling, which, as he himself writes in the catalogue, is “the beginning, the before, the initial path to the end.”. The equally bold project in which he is currently involved is the exhibition REMIND 25, alluding to the Human Body, which occupies three floors of the Aveiro City Museum and which will be taken on to Nantes, in France, one of the most culturally active cities in Europe. Fernando Gaspar has always considered the human body a fascinating subject, and one that is again present in the context of contemporary art, although he affirms that due to the complexity involved, this first approach to the theme has to be partial. It is a very strong exhibition, almost aggressive, with a mass of centuries-old questions as to the origin and destiny of Man. This exhibition is undeniably striking in its work, for its originality, for the highly complex theme and the courage of its presentation. For this artist, who began his career in Art with a more than ordinary box of watercolours, his path is, today, one with no end in sight. Each new step is a revelation and something unimaginable to those who have followed his work. When someone asks him what there is left to do, he replies, “almost everything.” What more is there to expect from Fernando Gaspar? It is a question often asked and for which there is no answer, because in every corner of his career, something new and surprising always awaits us. N. Lima de Carvalho Estoril, November 2011 english version: Jonathan Lewis translator’s note*: texts by Domingos Fernandes and João Pereira da Silva


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Desde tempos imemoriais, e não só desde que Leonardo da Vinci se imortalizou nesta área com o seu Homem Vitruviano, que o Corpo Humano, a materialização corpórea da alma de cada ser vivo, exerce um poderoso fascínio sobre o Homem. Ao longo da História, o Corpo Humano é não só objecto de culto como também de estudo científico, e de tributo artístico. Esse fascínio tem-se perpetuado no tempo através de manifestações de variadíssima índole, científicas em muitos casos, artísticas na maioria deles, e até numa estranha combinação de ambas, a chamada “plastinação”, uma técnica moderna de mumificação, embalsamamento ou preservação de matéria biológica, desenvolvida por um senhor chamado Gunther von Hagens, que era precisamente uma combinação de cientista e artista. Como apaixonado das Belas Artes, que coleccionou ao longo da sua vida uma apreciável colecção de pintura nos vários países por onde passou, ainda não conheci um artista que não cedesse à tentação de se expressar e perpetuar através da sua forma particular de ver ou sentir o Corpo Humano. A obra de Fernando Gaspar não escapa a esta minha percepção. De uma intensidade invulgar, marcante, profunda, as telas de Fernando Gaspar “entram” no mais íntimo do ser de quem as contempla, como se a pessoa retratada na obra andasse à procura de escrutinar a nossa alma. Por sua vez, a luz que brilha em cada olho que vemos nas telas permite-nos entrar dentro da “alma artística” do Fernando Gaspar, e partilhar com ele esse momento de grande intimidade ao materializar a sua visão muito particular de Corpo Humano, ou de partes dele. Para mim esta série de obras do Fernando Gaspar constitui um tributo ao mais profundo do Ser Humano. A minha identificação com o que vi foi tão marcante que não podia deixar de associar a Liberty Seguros, cujo lema é “Pela protecção dos valores da Vida”, a esta manifestação do artista, que para mim constitui um hino à Vida. José António de Sousa Presidente & CEO Liberty Seguros (Portugal) outubro 2011


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Depuis les temps immémoriaux, et non pas seulement depuis que Léonard de Vinci s’est illustré dans cet art avec son Homme de Vitruve, le corps humain, matérialisation corporelle de l’âme de tout être vivant, exerce une puissante fascination sur l’Homme. Au cours de l’histoire, le Corps Humain a non seulement été objet de culte, mais aussi d’étude scientifique et de contributions artistiques. Cette fascination s’est perpétuée dans le temps grâce à des manifestations de diverses natures, souvent scientifiques, la plupart du temps artistiques, et parfois même d’une étrange combinaisons des deux, la plastination, technique moderne de momification, d’embaumement ou de préservation de la matière biologique, inventée par Gunter von Hagens, qui était précisément une combinaison d’artiste et d’homme de science. Comme amateur des beaux-Arts, qui ai accumulé tout au long de ma vie une appréciable collection de peintures des différents pays par où je suis passé, je ne connais pas encore d’artiste qui n’ait cédé à la tentation de s’exprimer et de se perpétuer par sa façon particulière de voir ou ressentir le Corps Humain. L’œuvre de Fernando Gaspar n’échappe pas à cette perception. D’une intensité rare, marquante, profonde, les toiles de Fernando Gaspar «pénètrent» au plus profond de l’être de celui qui les contemple, comme si la personne représentée dans l’œuvre se mettait à scruter notre âme. De son côté, la lumière qui brille dans chaque œil que nous voyons dans les toiles nous permet d’entrer dans l’ «âme artistique» de Fernando Gaspar, et de partager avec lui ce moment de grande intimité qu’est la matérialisation de sa vision si particulière du Corps Humain ou de ses parties. Pour moi, cette série d’œuvres de Fernando Gaspar constitue une contribution au plus profond de l’Être Humain. Je m’identifie de façon si marquante avec ce que j’ai vu que je ne puis m’empêcher d’associer la Liberty Seguros, dont la devise est «Pour la protection des valeurs de la Vie», à cette manifestation de l’artiste qui constitue pour moi un hymne à la Vie. José António de Sousa Président & CEO Liberty Seguros (Portugal) octobre 2011 version française: Patrick Bernaudeau


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From time immemorial, and not only since Leonardo da Vinci immortalized it with his Vitruvian Man, the human body, the corporeal embodiment of the soul of every living being, has exerted a strong fascination on man. Throughout history, the human body has not only been an object of worship but also of scientific study, and artistic tribute. This fascination has been perpetuated down the ages through a vast array of expressions, many of them scientific, the majority artistic, and even a strange combination of both, so-called “plastination”, a modern technique of mummification, embalming or preservation of biological matter, developed by Gunther von Hagens, who was himself a precise combination of scientist and artist. As a lover of the Fine Arts, and having amassed during my life a considerable collection of paintings from the various countries that I have passed through, I have not yet met an artist who has not yielded to the temptation of expressing the Human Body and perpetuating it through their particular way of seeing or feeling. The work of Fernando Gaspar likewise does not escape this perception of mine. In an uncommon intensity that is striking and profound, Fernando Gaspar’s canvases “enter” the interior being of whoever contemplates them, as if the person depicted in the work were seeking to scrutinize our soul. In turn, the light that shines in every eye that we see on the canvases allows us to enter inside Fernando Gaspar’s “artistic soul”, and share with him this moment of great intimacy in realizing his very particular vision of the human body, or parts of it. For me this series of works by Fernando Gaspar is a tribute to the profundity of the human being. My identification with what I saw was so marked that I could but not associate Liberty Seguros, whose motto is “For the protection of the values of Life”, with the expression of this artist, who for me is a hymn to Life. José António de Sousa President & CEO Liberty Seguros (Portugal) October 2011 english version: Jonathan Lewis


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Uma pintura sólida, de conceito, de valores... A figura humana, e consequentemente o rosto e o corpo, são os pilares em que assentam esta talentosa série de obras, aqui reunidas com o nome de REMIND 25. Poderemos designá-los (por que não?) por castelos humanos, qual fortaleza possuidora de uma magia que reflecte emoções e os mais plurais sentidos construídos com garra e determinação. Os corpos, essencialmente o feminino, criados por Fernando Gaspar, transmitem acima de tudo grande sensibilidade, originando ao observador, mesmo ao mais resistente, uma grande vontade em tocar ou entrar corpo adentro, qual labirinto do desejo que nos inquieta e agita. De lá – da interioridade da pintura – quase que surgem vozes apelativas e acenos como que a lançar um desafio, o repto do diálogo certeiro entre a obra e quem a vê e sente; os corpos, aqueles corpos, prendem-nos, amarram-nos umbilicalmente. É um trabalho a que não se consegue ser indiferente e que obriga a uma reflexão, retendo na memória as metamorfoses (é assim que entendo parte desta pintura) do rosto. Fernando Gaspar enceta uma curiosa viagem pelo retrato, abordando-o nas mais diversas, mas interessantes perspectivas, que nos proporcionam, como já referi, um questionamento sobre a origem humana. Quem somos? Para onde vamos? E muitas questões que o pintor, voluntária ou involuntariamente, nos coloca através das suas telas de grandes dimensões. A qualidade da pintura, que agora aqui se nos apresenta, é indiscutível, mas, mais que o gesto, a composição é rigorosa e perfeita, capaz de nos mostrar o outro lado do homem, neste caso, o lado de dentro que, a meu ver bem, pinta, pintando-se. No entanto, e como fica provado pelas mais variadas obras que constituem esta exposição, a pintura de Fernando Gaspar não vive apenas de auto-representações, mas também da representação do outro, do corpo do outro, concretamente do corpo feminino. Com grande liberdade de gesto (sente-se essa atitude, significativamente) o pintor faz nascer corpos, de mulheres, de rara beleza, mas transmitindo grande sensibilidade e sensualidade. A pintura, esta pintura é, assumidamente, criada com grande rasgo e cumplicidade de quem não é indiferente à beleza feminina, e muito menos à criação de uma pintura sólida, de conceito, de valores. A obra de Fernando Gaspar resulta numa feliz ligação, cúmplice, entre o rigor da arte e a liberdade no gesto, a beleza do modelo e a concepção da forma e da cor. Agostinho Santos


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Une peinture solide dans ses concepts et ses valeurs... La figure humaine, et, en conséquence le visage et le corps, sont les piliers de cette talentueuse série de travaux, ici réunis sous le nom de REMIND25. Nous pourrions les appeler (pourquoi pas?) châteaux humains, telle forteresse détentrice d’une magie qui reflète les émotions et la pluralité des sens construits avec énergie et détermination. Les corps, essentiellement le corps féminin, créés par Fernando Gaspar, transmettent avant tout une grande sensibilité, provoquant chez l’observateur, le plus résistant qu’il soit, une énorme volonté de toucher ou de pénétrer à l’intérieur des corps, labyrinthes du désir qui nous inquiète et nous agite. On dirait presque qu’en surgissent – de l’intérieur de la peinture – des voix qui nous appellent et nous font signe, nous défient en quelque sorte, à entamer l’exact dialogue entre l’œuvre et celui qui la voit et la ressent; les corps, ces corps, nous happent, nous attachent ombilicalement. C’est un travail auquel on ne peut rester indifférent et qui nous pousse à réfléchir et à garder en mémoire les métamorphoses (c’est ainsi que j’entends une partie de cette peinture) du visage. Fernando Gaspar s´élance dans un curieux voyage au cœur du portrait, l’abordant dans ses plus diverses et intéressantes perspectives qui nous engagent, comme je le disais plus haut, à un questionnement sur l’origine de l’homme. Qui sommes-nous? Où allons-nous? Et bien des questions que le peintre, volontairement ou non, nous pose par le biais de ses toiles de plus grande dimensions. La qualité de la peinture qui nous est présentée ici aujourd’hui est indiscutable, mais, plus que le geste, c’est la composition qui est parfaite et rigoureuse, capable de nous montrer l’autre face de l’homme, dans ce cas son intérieur qu’il peint, bien il me semble, en se peignant. La peinture de Fernando Gaspar, comme le prouve la grande variété d’œuvres exposées, ne vit pas que d’auto-représentations, mais aussi de représentations de l’autre, du corps de l’autre, concrètement du corps féminin. Avec une grande liberté de geste (on sent nettement cette posture), le peintre fait naître des corps, de femme, d’une rare beauté, mais transmettant une grande sensibilité et une grande sensualité. la peinture, cette peinture, est volontairement créée avec noblesse et la complicité de quelqu’un qui n’est pas indifférent à la beauté féminine, et moins encore à la création d’une peinture solide dans ses concepts et ses valeurs. L’œuvre de Fernando Gaspar est le résultat d’une symbiose heureuse, complice, entre la rigueur de l’art et la liberté du geste, la beauté du modèle et la conception de la forme et de la couleur. Agostinho Santos version française: Patrick Bernaudeau


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Solid body of artwork, in concept and in values… The human figure, and consequently the face and body, are the pillars of this remarkable series of works, gathered here under the name of REMIND 25. We might refer to them (and why not?) as human castles, that fortress which possesses a magic that reflects emotions and a multiplicity of meanings, constructed with guts and determination. The bodies, primarily the female, created by Fernando Gaspar convey above all a great sensitivity, giving even the most resistant of observers a great longing to touch or enter inside the body, that maze of desire that disquiets and agitates us. From there – from the core of the painting – voices almost seem to arise, appealing and beckoning as if throwing down a challenge, daring whoever sees and feels the work to converse with it accurately, bodies, those bodies, holding us, binding us umbilically. It is a work of art to which one cannot be indifferent, and that demands reflection, etching onto the memory the metamorphoses (such is my understanding of part of this painting) of the face. Fernando Gaspar sets out on a curious journey through the portrait, approaching it from the most varied but interesting of perspectives, and providing us, as I mentioned, with a question about human origins. Who are we? Where are we going? And many questions that the painter, voluntarily or involuntarily, puts to us through his vast canvases. The quality of the painting, now here before us, is indisputable, but more than the gesture, the composition is perfect and precise, able to show us the other side of man, in this case, the inner side, who paints (well, in my view), painting himself. However, as evidenced by the varied works that comprise this exhibition, the painting of Fernando Gaspar is not only made of self-representations, but also the representation of the other, the other’s body, specifically the female body. With great freedom of gesture (feeling that attitude intensely) the painter gives birth to bodies of women, of rare beauty, yet conveying great sensitivity and sensuality. The painting, this painting is, unapologetically, created with great flare and understanding of those who are not indifferent to feminine beauty, much less to the creation of a solid body of artwork, in concept and in values. The work of Fernando Gaspar results in a positive, reciprocal connection between discipline of art and the freedom of gesture, the beauty of the model and the conception of form and colour. Agostinho Santos english version: Jonathan Lewis


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“Ele não olha: vê; não narra: vive; não reproduz: recria; não encontra: busca...” Mal conheço o Fernando. O pouco que sei, e o muito que adivinho, bole comigo, de forma epidérmica, pouco intelectualizada. A sua reserva romântica, a calma e modesta figura, o tímido sorriso suave, o olhar perfurante, numa permanente atitude de quem quer acalmar o mundo. Sinto na sua pintura a mesma austeridade serena que envolve e sossega. Uma energia tensa e criadora, que interroga e não deixa indiferente. Sua expressão solta e livre cria uma atmosfera única, densa. Força e fragilidade alternam ou coabitam, e conduzem subtilmente à consciência do valor do silêncio. Sugere, sem impor, o seu universo, o seu horizonte, o seu infinito. Não sei, onde, é tantos. Rosa Teixeira Ribeiro Nantes, outubro 2011


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«Pas un regard, plutôt une vision ; pas un récit, juste la vie ; pas de copie mais une création ; pas de recherche, davantage une quête...» Je connais peu Fernando. Mais ce peu que je sais, et le tout que je devine, me bouleversent, d’une manière irrationnelle et irréfléchie. Tout chez lui m’émeut : sa réserve romantique, sa stature à la fois calme et imposante, son doux et timide sourire, son regard pénétrant , l’assurance tranquille de qui désire apaiser le monde. Je sens dans sa peinture la même austérité sereine, qui enveloppe et calme. Une énergie tendue et créatrice qui happe et ne peut laisser indifférent. Son expression libre et vagabonde crée une atmosphère unique, dense. Ainsi, force et fragilité se côtoient, saisissantes et menant imperceptiblement à la conscience du sens du silence. Il suggère, sans les imposer, son univers, son horizon, l’infini. Je ne sais comment, mais il est plusieurs. Rosa Teixeira Ribeiro Nantes, octobre 2011 version française: Rosa Teixeira Ribeiro


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“He does not look: he sees; he does not narrate: he lives; he does not reproduce: he recreates; he does not find: he searches ... “ I barely know Fernando. The little I know, and the great deal I guess, moves me, not so much in a highbrow but an epidermal way. His romantic reserve, the calm and modest figure, the shy soft smile, the piercing gaze, in a permanent attitude of one who wants to calm the world. I feel in his painting the same serene austerity that wraps itself round you and soothes you. A tense and creative energy, which questions and does not leave you indifferent. His loose and free expression creates a unique, dense atmosphere. Strength and weakness alternate or cohabit, and subtly make us aware of the value of silence. Without imposing, he suggests his universe, his horizon, his infinite. I do not know, where, he is so multiple. Rosa Teixeira Ribeiro Nantes, October 2011 english version: Jonathan Lewis


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Dos corpos luminescentes

Pequeno tratado fabuloso de Pintura cíclica Prólogo Há primeiro o texto a escrever. Um Prólogo de que tudo depende. Nenhuma receita a seguir, nem habilidade desafiante. Antes um universo sugerido, o seu Princípio explicitado, a sua hermenêutica autorevelada. A Carta global canaliza a energia do desejo em prol da tarefa: ascese segura para assentar o propósito. Em suma, preconceber a conceção, diria Fernando Gaspar. Neste sentido este pintor é clássico. Uma vez em caminho, só vai para onde quer ir. Por decisão muito pensada. Mas só vai para lá por modernismo assumido, aberto à surpresa da melhor maneira de dizer o inédito. Neste sentido este pintor é contemporâneo. (é assim que o figurativo se impõe, sendo que o abstrato o nutre do substrato à polpa. Tal como a física do visível empurra a invisibilidade vibrátil dos quantas. Vejam o Douro: no sopé das suas monstruosas encostas, o que se vê é antes de mais o jogo de baloiço entre os largos aplats creme, branco, cinzento, triturados pelas linhas quebradas dos negros coloridos. Figurativo à força de ser abstrato. Tudo está no todo. Mas de forma diferente. Questão de prisma, de escala, de enquadramento emocional.) Acabada pois a génese do texto: “O que está escrito escrito está”. Agora fica a ecoar, por dentro, tal música das esferas. Um universo quis forçar o interior do crânio. O carvão e as trinchas ficam à espera de tudo na mesa dos instrumentos. Fernando Gaspar estremece e a sua mão treme até à ponta do lápis parado. Alguns partem da semente E donde veio aquele primeiríssimo traço carvoento? Do pintor e de Fora e do mundo. De tudo o que nele se incarnou. Remind, a aventura em acto já começou. E embora o pintor ignore em que linha do seu prólogo vai, a mão dele sabe. Outros partem da semente para chegarem ao bicho passando pela maçã. Percurso óbvio. Fernando Gaspar procede ao arrepio. O carvão veloz busca o germe de osso, coloca-o na camada branca. Daí jorra a curva, o abaulamento guardado pelo fecho da fontanela. Surge um crânio. As trinchas, uma atrás da outra, acariciam então o crânio, massajam-no, enaltecem-no enfim no palimpsesto dos fundos coloridos parcialmente esbranquiçados. O crânio recém-nascido lateja na tela agora enquanto a mão do pintor regressa à utilitária indolência. Ele senta-se, repentinamente cansado. Fora de tela, as cores voltam às vibrações das suas frequências objetivas. Já nada do acordo com o pulsar vindo do interior do olho e regulando a dança dos dedos a pinçarem o pincel. Parece uma vanitas O crânio reina. Parece uma vanitas colocada num glacis de mármore froissé. Falando com sinais, dizendo ao vivo que já não o é por muito tempo. Na verdade, é um pouco isso, da ordem grave das vanitas. Mas de facto é outra coisa muito diferente. Não é a primeira imagem congelada que diz a verdade da sequência. Pois para Fernando Gaspar, de pé pousado na pulverulência e de pincel embebido de infinito, o Ómega é transcendência do Alpha.


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Os dias de fervor chegam. Umas tantas telas recebem, tais outros quantos berços, mais crânios. Mas, reparem! Evoluem, sempre ao arrepio da ordem da nadificação. Ora ao maxilar superior, cavando o seu alinhamento de alvéolos onde se alojam os dentes, o carvão ágil opõe agora os seus gémeos, embutidos no arco ósseo inferior. Como se, partindo do desconjuntar desastroso das mandíbulas, o pintor voltasse à integridade óssea anterior do crânio ainda inteiro. E os crânios vão-se acumulando. Não só para serem muitos. Antes como seria mostrar em óctuplo a Lua uma. Luminescências Talvez porque uma coisa só é pelo olho no momento em que a olha ser. E, na pintura, pelo olho que em segredo guia a mão que pinta. Talvez também porque esse olho capta, com a luz em volta de e sobre o objeto, aquela que brota do íntimo do objeto. Como se pintar não fosse senão sintetizar magicamente o fluxo das luzes movediças que fazem o objeto para o olho. E, mais ainda, isso tudo, quando o tema surge da memória imaginativa do pintor. Pois qual crânio pintado dará exatamente a ideia do crânio por pintar? Daí que são vários. Cada um respondendo a um desafio; cada um testemunha de uma vitória sempre relativa. A humildade do pintor consiste em satisfazer-se das próprias tentativas. É de pé, contra o cavalete e o seu escudo de tela, que o pintor melhor combate a tentação de já não tender para a impossível Pintura. Fernando Gaspar não multiplica pois, antes adiciona – à falta de melhor, sempre no horizonte da próxima tela aprontada – os diversos estados luminosos de uma mesma realidade ideal. Onírica até, podia dizerse: o verdadeiro pintor só consegue ver bem, com a memória aberta, de olhos fechados. Pontes de pele O atelier é recheado de dias cegos, substrato invisível donde nascem os raros luminosos. Chega esse dia-luz. A trincha pousa então ao de leve um véu ocre-cor-de-carne na voragem entre as mandíbulas ósseas. Uma bochecha faz-se ponte. E a onda carnuda vai cobrindo e vem, vem e vai cobrindo, e enche. O crânio veste-se de um fluxo de pele. Torna-se cabeça. Lisa. Imberbe. Nada menos lívido porém. A tela não é sudário, antes fralda preparada para o que vem à vida pela vista. E da cabeça ainda mal provida da sua carnação translúcida – o carvão do osso ainda se vê –, Fernando Gaspar passa àquela desse vivo ambíguo que é o homem adormecido. Pálpebras seladas, testa para trás, rosto do apaziguado. Como alguém de tal modo trespassado que os seus nervos relaxados lhe confeririam essa pele de recém-nascido a sonhar. Rosto do apaziguado Cabeça de vivo no entanto. À espera de algo só visível de olhos cerrados, virados para o céu fora de campo mas inteiramente cá. E não só a espera de um tal. Mas a do Homem (que também é o pintor porquanto ele é o Homem em geral por ser homem em particular). O Homem apanhado nas cabeças humanas, elas também mesmas e cada uma forçosamente diferente. É por isso que elas também, sobretudo elas, são legião. Todas elas fixadas na mesma atitude que tomaram, sem saber, da cabeça pintada: pálpebras seladas, testa para trás, rosto do apaziguado. Aspirantes à paz outorgada pelo mistério que as ultrapassa. Vejam! A linha de flutuação do real, para além do limite da palavra, quase que atinge o do olhar interior. Uma armada pacífica em busca de indizível. Noutra manhã na vasta extensão aprontada algo surge. Olhos a abrirem-se. O insert duma face invasora escorre na tela. Parece fluir como o deslizar das águas amnióticas ao longo das coxas chamadas para o surgimento central. Passe por eles a olhar! Esses olhos jamais o deixarão. Começa então outra espera.


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Nua como um crânio E num dia glorioso, no alvo atelier, a mulher surge. Nua como um crânio. Mas ao abrir-se à vida é para o contrário da morte. Olhem! Mesmo deitada ela ergue-se. Olhem! Aqui leva consigo o pôr-do-sol que ilumina o seu ventre e flancos. Acolá ganha balanço para um canto do quadro, afastando-o com as suas mãos a dançarem. Um braço levantado já para o éter habitado do sol, ela levanta voo na voragem de luz que a aspira. Translúcida sua pele, curvas suas formas. Entre os dois altinhos dos seus seios e a porta abaulada do seu sexo, fica delineado o grande arco da vida grávida desafiando como que um sol cheio. Assim se fecha o círculo da viagem ao contrário, este Remind desde o osso inaugural até a promessa craniana da cria do Homem eterno. Morte-vida: nada uma sem a outra, tudo estará no hífen? Homem-mulher, nada para a vida viçosa sem o (sexual) hífen? Remind! As pinturas de Fernando Gaspar não são apenas para as vermos, uma afastando a outra, mas antes para as olharmos como insecável sequência. A Pintura cíclica de Fernando Gaspar é para meditarmos de olhos cerrados. Jean-Pierre Hanel Nantes, outubro 2011 versão portuguesa: Patrick Bernaudeau


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Des corps luminescents

Petit traité fabuleux de Peinture cyclique. Prologue Il y a d’abord le texte à écrire. Un Prologue dont tout dépend. Pas une recette à suivre, ni un tour de main à réussir. Plutôt un univers suggéré, son Principe explicité, son herméneutique auto-révélée. La charte globale canalise l’énergie du désir au service de la tâche: ascèse sûre pour asseoir le propos. Somme toute, préconcevoir la conception dirait Fernando Gaspar. En ce sens ce peintre est classique. Une fois en route, il ne va que là où il veut aller. Par décision mûrement réfléchie. Mais il y va par une modernité assumée, ouverte à la surprise du meilleur moyen pour dire l’inédit. En cela ce peintre est contemporain. (Ainsi le figuratif s’impose-t-il en ce que l’abstrait le nourrit du substrat à la pulpe. Comme la physique du visible pousse sur l’invisibilité vibratile des quantas. Voyez le Douro: au creux de ses pentes monstrueuses, ce qu’on en voit c’est surtout ce jeu de bascule des grands aplats crème, blanc, gris, triturés par les lignes brisées des noirs colorés. Figuratif à force d’être abstrait. Tout est dans tout. Mais autrement. Question de vision, d’échelle, de cadrage émotionnel.) Finie donc la genèse du texte : «Ce qui est écrit est écrit». Maintenant ça résonne, dedans, comme une musique des sphères. Un univers s’est mis à vouloir forcer l’intérieur du crâne. Le fusain et les brosses s’attendent à tout sur la table des instruments. Fernando Gaspar en frémit et sa main tremble jusqu’au bout du fusain en arrêt. D’autres partent du pépin C’est venu d’où ce premier trait charbonneux? Du peintre et d’Ailleurs et du monde. De tout ce qui s’est incarné en lui. Remind, l’aventure en acte a commencé. Et si le peintre ignore à quelle ligne de son Prologue il en est, sa main le sait. D’autres partent du pépin pour aboutir au ver via la pomme. Parcours évident. Fernando Gaspar procède à rebours. Son fusain rapide cherche le germe d’os, le pose sur l’enduit blanc. De là jaillit la courbe, le bombement sur quoi veille la serrure de la fontanelle. Un crâne surgit. Les brosses alors, une à une, caressent le crâne, le massent, l’exhaussent enfin sur le palimpseste des fonds colorés partiellement blanchis. Le crâne nouveau-né palpite sur la toile désormais tandis que la main du peintre retourne à l’indolence utilitaire. Lui s’assied, soudain las. Hors toile, les couleurs retombent aux vibrations de leurs fréquences objectives. Plus rien d’un accord avec la pulsation qui vient de l’intérieur de l’œil et règle la danse des doigts pinçant le pinceau. On croirait une vanité Le crâne trône. On croirait une vanité posée sur un marbre froissé. Qui parle en signe et dit au vivant qu’il ne l’est plus pour longtemps. Au vrai, c’est un peu ça, de l’ordre grave des vanités. Mais en fait c’est tout autre chose. Ce n’est pas l’arrêt sur la première image qui dit la vérité de la séquence. Car pour Fernando Gaspar, le pied sur la pulvérulence et le pinceau abreuvé d’infini, l’Omega est de l’Alpha transcendé.


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Les jours fervents viennent. Des toiles accueillent comme autant de berceaux d’autres crânes. Mais voyez! ils évoluent – toujours à rebours de l’ordre de la néantisation. Ainsi, au maxillaire d’en haut creusant sa rangée d’alvéoles où logent les dents, le fusain vif oppose maintenant leurs jumelles enchâssées dans l’arc osseux d’en bas. Comme si partant du désassemblage désastreux des mâchoires le peintre renouait avec l’intégrité osseuse antérieure du crâne encore entier. Et les crânes s’accumulent. Pas simplement pour faire nombre. Plutôt comme on montrerait octuple la seule lune. Luminescences Peut-être parce qu’une chose n’existe que par l’œil au moment où il la regarde être. Et en peinture, par l’œil qui secrètement gouverne la main qui peint. Peut-être aussi parce que cet œil perçoit, avec la lumière autour de et sur l’objet, celle qui sourd de l’intime de l’objet. Comme si peindre n’était que magiquement synthétiser le flux des lumières changeantes qui font l’objet pour l’œil. Et plus encore, tout ça, quand le motif provient de la mémoire imaginative du peintre. Car quel crâne peint donnera exactement l’idée du crâne à peindre? De là qu’ils sont nombreux. Chacun répondant à un défi, chacun preuve d’une victoire toujours relative. L’humilité du peintre consiste à se satisfaire des tentatives. C’est debout, contre le chevalet et son bouclier de toile, que le peintre combat le mieux sa tentation de ne plus tendre vers l’impossible Peinture. Fernando Gaspar ne multiplie donc pas, il additionne – faute d’un mieux, toujours à l’horizon de la dernière toile apprêtée – les divers états lumineux d’une même réalité idéelle. Onirique même, pourraiton dire: le vrai peintre ne voit bien, mémoire ouverte, que les yeux fermés. Ponts de peau L’atelier est plein de jours aveugles, terreau invisible d’où lèvent les très rares lumineux. Arrive ce jour-lumière. La brosse alors dépose un voile d’ocre-chair sur l’abîme entre les mâchoires d’os. Une joue fait pont. Et la vague charnelle recouvre et laisse, laisse et recouvre, et monte. Le crâne se vêt d’un flux de peau. Il devient tête. Lisse. Imberbe. Rien moins que livide cependant. La toile n’est pas linceul, plutôt lange préparé pour ce qui vient à la vie par la vue. Et de la tête à peine pourvue de sa carnation translucide – le charbon de l’os encore se voit – Fernando Gaspar passe à celle de ce vivant ambigu qu’est l’homme endormi. Paupières soudées, front en arrière, faciès de l’apaisé. Comme un qui aurait si bien trépassé que ses nerfs relâchés lui accorderaient cette peau de nouveau-né qui rêve. Faciès de l’apaisé Tête de vivant pourtant. En attente de quelque chose qui ne se voit que les yeux clos, tournés vers le ciel hors champ mais tout à fait là. Et pas seulement l’attente d’un tel. Mais celle de L’Homme (qui est aussi le peintre pour autant qu’il est l’Homme en général pour être un homme particulier). L’Homme saisi dans les têtes humaines, elles aussi mêmes et chacune forcément différentes. C’est pourquoi elles aussi, elles surtout, sont légion. Toutes figées dans la même attitude qu’elles ont prise, sans le savoir, à la tête peinte: les paupières soudées, le front en arrière, le faciès de l’apaisé. Des aspirants à la paix que procure le mystère qui les dépasse. Voyez! la ligne de flottaison du réel atteint, par-delà la limite de la parole presque celle du regard intérieur. Une armée pacifique en quête d’indicible. Un autre matin sur l’immense surface apprêtée quelque chose vient. Des yeux s’ouvrent. L’insert d’une face envahissante ruisselle sur la toile. Ça semble couler comme font les eaux amniotiques le long des cuisses appelées au surgissement central. Passez les regardant! ces yeux ne vous quitteront plus. Commence alors une autre attente.


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Nue comme un crâne Et un jour glorieux, dans l’atelier blanc, la femme paraît. Nue comme un crâne. Mais si elle s’ouvre à la vie c’est pour le contraire de la mort. Regardez! même allongée elle s’élève. Regardez! ici elle entraîne avec elle le couchant qui illumine son ventre et ses flancs. Ailleurs elle s’élance obliquement vers le coin du tableau qu’elle repousse de ses mains dansantes. Elle a déjà un bras levé vers l’éther que le soleil habite et s’envole dans la colonne de lumière qui l’aspire. Translucide sa peau, courbes ses formes. Entre les deux renflements de ses seins et la porte bombée de son sexe est esquissé le grand arc de la vie gravide qui fait pièce à une sorte de soleil plein. Ainsi se boucle le voyage à l’envers, ce Remind depuis l’os inaugural jusqu’à la promesse crânienne du petit de l’Homme éternel. Mort-vie: rien l’une sans l’autre, tout est dans le trait d’union? Homme-femme, rien pour la vie vivace sans le (sexuel) trait d’union? Remind! les peintures de Fernando Gaspar ne sont pas seulement à voir, l’une chassant l’autre, mais à regarder comme insécable séquence. La Peinture cyclique de Fernando Gaspar est à méditer les yeux fermés. Jean-Pierre Hanel Nantes, octobre 2011


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Luminescent bodies

Short fabulous discourse on cyclical Painting Prologue There is first the text to write. A prologue on which everything depends. No guidelines to follow, or challenging skill. Initially a universe is suggested, its Principle made explicit, its hermeneutic revealed. The global map channels the energy of desire for the sake of the task: a safe asceticism on which to set out the purpose. In essence, preconceiving the conception, as Fernando Gaspar would say. In this sense, this is a classical painter. Once on his way, he only goes where he wants. After a carefully thought decision. Yet he only gets there by assuming modernism, ready to be surprised at how best to express the unprecedented. In this sense this is a contemporary painter. (the figurative thus asserts itself, being nourished by the abstract from the subsoil to the pulp. Just as the physics of the visible propels the vibrating invisibility of quanta. Observe the Douro: at the foot of its monstrous slopes, what you see is essentially the see-saw between the wide solid tones of cream, white and gray, crushed by the broken lines of black colors. Figurative by means of being abstract. Everything is in the whole. Yet in a different way. A question of prism, of scale, of emotional framework.) Thus is the genesis of the text completed: “What is written is written.” There remains now, within, the echo of that music of the spheres. A universe wanted to force its way inside the skull. Charcoal and brushes await all on the tool table. Fernando Gaspar shudders and his hand trembles to the tip of the motionless pencil. Some start from seed And from where did that very first dash of charcoal come? From the painter and from the world outside. From all that is incarnate in him. Remind, the adventure in action, has begun. And while the painter is unaware on which line of his prologue he is going, his hand knows. Some start from seed to reach the maggot passing through the apple. An obvious route. Fernando Gaspar proceeds by the reverse route. The swift charcoal seeks the germ of bone, and places it in the white layer. From there gushes a curve, the bowed shape retained by the closure of the fontanelle. A skull emerges. The brushes, one after another, then caress the head, massaging it, and ultimately exalting it in a palimpsest of partially white colored backgrounds. The newborn skull now throbs on the canvas as the painter’s hand returns to utilitarian. He sits down, all of a sudden tired. Away from the canvas, the colors return the vibrations of their objective frequencies. No longer in accordance with the throbbing coming from within the eye and regulating the dance of the fingers gripping the brush. It seems to be a vanitas The skull rules. It seems to be a vanitas placed in a crinkled marble glaze. Speaking in signs, saying that though alive now, it won’t be for much longer. Indeed, it is Yet in reality it is something else entirely. It is not the first freeze frame to tell the truth of the sequence. Since for Fernando Gaspar, standing amid the dust with brush dipped in infinity, Omega transcends Alpha.


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Days of fervor arrive. So many canvases to receive them, and just as many of those other cradles, as well as skulls. But, look! They evolve, ever contrary to the order of nihilation. Now to the upper jaw, digging its alignment of alveoli where they lodge their teeth, the agile charcoal now opposing its twins, embedded in the bony arch below. As if, starting from the disastrous dislocation of the jaws, the painter were returning to the former bone integrity of the skull still whole. And the skulls keep accumulating. Not just for the sake of being many. But to show what the one moon would be like eightfold. Luminescences Perhaps because something only exists through the eye when one sees that it exists. And in painting, through the eye secretly guiding the hand that paints. Perhaps also because, with the light around and on the object, this eye captures that which springs from the object’s core. As if painting were but the magical synthesis of the flow of shifting lights forming the object for the eye. What’s more, all this when the subject emerges from the painter’s imaginative memory. For which of the skulls painted will precisely convey the essential idea of the skull through paint? Hence there are several. Each responding to a challenge; each witness to a victory, forever relative. The humility of the painter involves his satisfaction with his own attempts. It is when he is standing before the easel and his shield of canvas that the painter best fights the temptation to strive no more for the impossible Painting. Fernando Gaspar does not multiply then, since first he adds – for want of something better, with the next prepared canvas constantly on the horizon – the various luminous states of a single ideal reality. Even dreamlike, one could say: the true painter can only see well with the memory open, eyes closed. Skin bridges The studio is filled with blind days, invisible subsoil from which grow the rare bright ones. Then comes that daylight The brush then lands lightly on a skin coloured ocher veil in the vortex between the bony jaws. A cheek makes a bridge. And the fleshy wave comes covering and goes, comes and goes covering, and rises up. The skull wears a flow of skin. It becomes a head. Smooth. Hairless. Yet not even livid. The canvas is not a shroud, but rather a diaper prepared for what comes to life by sight. And from the translucent carnation of her not yet fully-formed head – the charcoal bone still visible – Fernando Gaspar passes to that ambiguous state of life, the sleeping man. Eyelids closed, forehead back, face peaceful. Like someone so deceased, that his relaxed nerves would allow him the skin of a dreaming new born baby Face peaceful The head is alive though. Waiting for something that can only be seen with eyes closed, turned towards the sky, off canvas yet entirely here. And waiting also for something from the man (who is also the painter since by being a Man in particular he is also Man in general). The man caught in human heads; they too being the same and yet each one forcibly different. That’s why they, and above all they, are also legion. All of them set in the same attitude that they have taken, without knowing it, with heads painted: eyelids closed, forehead back, face peaceful. Aspiring for the peace granted them by the mystery that surpasses them. Look! The borderline of the real, beyond the limit of the word, almost reaching that of the inner eye. A peaceful army in pursuit of that which cannot be said. One morning something emerges on the vast expanse prepared. Eyes opening. The insert of an invading face seeps onto the canvas. It seems to flow like amniotic waters running along the thighs, called to the central surge. Pass through these eyes to see! They will never leave you Another wait then begins.


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Naked as a skull And one glorious day, in the white of the studio, the woman appears. Naked as a skull. But if she opens to life, it is to the opposite of death. Look! Even laid down she stands up. Look! Here she takes the sunset with her, which lights up her belly and flanks. She swings over there to a corner of the frame, withdrawing from it with hands dancing. One arm raised up to the ether where dwells the sun, she soars into the vortex of light that sucks her in. Her skin translucent, her shape curved. Between the two heights of her breasts and the arched door of her sex, the great arc of pregnant life is outlined, as if challenging a brimming sun. Thus closes the circle of this contrary journey, this Remind, from the inaugural bone until the cranial promise of the offspring of eternal man. Death-life: one nothing without the other, will all be in the hyphen? Man-woman, nothing for the lush life without the (sexual) hyphen? Remind! Fernando Gaspar’s paintings are not just for us to see, each separate from the other, but rather for us to view as an indivisible sequence. Fernando Gaspar’s cyclical Painting is for us to meditate on with eyes closed. Jean-Pierre Hanel Nantes, October 2011 english version: Jonathan Lewis


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Retrato O traço vertical Desenho gestual A face ali cingida O corpo impessoal Caveira estrutural O torso sem guarida Imaginårio, real Retrato essencial A morte acontecida Figura principal A alma essa imortal O infinito da vida João Pereira da Silva Aveiro, agosto 2011


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Portrait Le trait vertical Dessin gestuel Le visage inscrit Corps impersonnel Crâne structurel Torse sans abri Imaginaire, réel Portrait essentiel La mort qui a surgi Figure principale L’âme cette immortelle L’infini de la vie João Pereira da Silva Aveiro, août 2011 version française: Patrick Bernaudeau


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Portrait The vertical line Gestural design The face there embedded The body, impersonal A skull, structural Torso there unsheltered Imaginary, real Portrait, essential Death there that’s just happened Main figure, essential The soul that immortal Life there unlimited João Pereira da Silva Aveiro, August 2011 english version: Patrick Bernaudeau


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2 olhares sobre o pintor 5 olhares sobre a exposição e o pintor 2 olhares sobre o pintor tinhas uma tela toda por pintar e impelias os pincéis a descrever o que ficara por dizer. olhavas para a luz enevoada dos candeeiros lá de fora. inquietavas-te. era o início da madrugada e tanto ainda para dizer naquele branco. pensavas que insinuar a morte era uma forma de enaltecer a vida. dos montes ecoavam salmos consolando os que se esgueiravam dos medos por entre as sombras dos muros de granito dos quintais. tinhas frio e doíam-te as mãos e as costas. tinhas os olhos já muito raiados de sangue. uma fina e fantasmagórica neblina ia descobrindo a serenidade das águas da ria. povoaras um deserto pela calada da noite. na solidão dos seus segredos e mistérios. suspiravas de alívio. engolias devagar as emoções. saboreavas por fim um caminho que aprenderas a trilhar de muito novo. tinhas um travo na garganta. uma saudade. uma paixão. uma alegria. estavas exausto e feliz. pintar era escrever um poema. era dizê-lo e vivê-lo intensamente. era dançar eternamente com a vida. até à última gota de tinta. até à última gota de sangue. *** o rigor, a perspetiva, o desenho, a geometria. a lógica da ciência. de uma certa ciência. tudo exato, científico, certo, previsível. é assim. mas o homem traz um rosto, um pensamento, práticas e experiências. e o que não é certo. e o que apenas pode ser plausível e útil e credível. e pinta-se a várias vozes. a diferentes racionalidades. e inventa-se e reinventa-se uma nova escrita. e cria-se e recria-se o que se leu, o que se escreveu, o que se pintou, o que se esculpiu. andas há anos nesta espécie de baloiço. cresceste e aprendeste a baloiçar sobre as águas de uma ria recortada de quintais. e foi talvez nesse baloiçar, nesse estonteante vai e vem, que sonhaste e pintaste pessoas, animais e paisagens em todas as suas dimensões. um inebriante rodopio que nunca deixou de te encantar. pintar tem sido, afinal, a permanente reinvenção das coisas. uma sucessão de límpidas madrugadas onde vivem os seres que, no seu terno e doce embalo, nunca foram capazes de te deixar adormecer.

5 olhares sobre a exposição e o pintor há ali uma flor de deserto, um cato, uma andorinha. há ali uma ideia de paz, um campo de trigo, um som de violino. um apito estridente de comboio. uma partida. um abandono. um reencontro. uma alegria, fugidia. um medo, de imediato. há ali o rosto humano despido, com sentido e animal. tal e qual. há um caminho, uma aventura, um girassol. uma desventura, uma inquietação, um tapa sol. há ali o contínuo de uma vida. uma cadência de ondas do mar. um permanente correr de águas. um cantar. bem lá no alto. ao universo que desagua em cada corpo. em cada rosto que ali está. inquietantemente. incessantemente. há ali uma crua e inóspita beleza. um pulsar de contidas e esquecidas vidas que se erguem e se despem para quem passa. um espelho do que somos. assim. sem mais nem menos.


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*** pintas um corpo, uma paisagem, um rosto, um inseto como se os despojasses do que neles encontras de acessório. deixas apenas o que resta. o que vai ficando na exaustão e secura das memórias. a destilação de cada coisa, de cada corpo, de cada rosto. o que cada um é lá mais por dentro, lá mais no fundo. pintas o genuíno, o mais brutal, o que fica depois do amor. as tuas telas refletem os animais instintos daqueles corpos, as cavernas onde sempre se abrigaram em fuga dos tormentos e ameaças criadas por si próprios. fazem-nos sentir as nossas esfarrapadas e arrastadas solidões. ontem como hoje. com ou sem televisões. com mais ou menos inquietações e escravaturas de todas as ordens. os corpos levitam sobre os seus lugares, sobre a terra. mergulham nos seus rios e nos seus mares. correm nos seus vales e nas suas planícies. sobem ao mais alto das suas montanhas. gritam e cantam e choram e riem e dançam olhando os céus. implorando aos deuses. expurgando ameaças. inventando inimigos. urdindo guerras e massacres. por fim, entrelaçam-se uns nos outros. corpos nus que habitamos e que nunca deixaram de estar dentro de nós. corpos nus. corpos ossudos. despojos da aventura de existir. apenas e só corpos. *** estás agora mais atento e sereno do que nunca. queres partilhar a beleza do definitivo acabar das coisas. o final dos rostos. o final dos risos. o final de tudo. fica o branco guardando todas as cores. e fica ainda a imagem emoldurada sobre um dos cantos da cómoda do velho quarto. tapam-lhe o rosto com um pano branco e grosso de linho bordado. chegam flores de todas as cores. de todos os odores. tocam os sinos. inclinam-se as cabeças. há um ruído de corpos que se abrigam em apertados sobretudos de escuras fazendas. há uma humidade no ar e um cheiro a velas de chamas pálidas, cadáveres que ardem devagar. há odores de muita gente num exíguo espaço. um desconforto, uma agonia, de murmúrios e suspiros e tosses e incontidos choros e ais. do outro lado do muro, soltam-se as ovelhas do curral correndo encosta abaixo à frente dos latidos roucos de dois velhos cães pastores. na taberna, homens baixos e secos, bebem em copos de vidro grosso. na praia, lá mais abaixo, as ondas continuam a entornar na areia fina o que sobrou dos corpos há muito tragados pelo mar. *** um rosto, de repente, na paisagem. um rosto que traduz todo o mundo à sua volta. o percurso e os atalhos e os incidentes de uma vida num rosto que nunca alguém verdadeiramente vira e apreciara. um rosto negro. que não vira. um rosto branco. que já vira. rostos que se entregam ao voo dos flamingos. ao trote enlouquecido dos gnus. aos céus e às savanas africanas. um rosto vivo e humano e cheio de poesia. um rosto que sorri e um rosto que chora. um rosto pendurado no universo, no cosmos, no lado mais infinito de tudo. espera o errático esvoaçar das borboletas. a imensidão das cores e os sons e ensurdecedores hinos de azuis e tresloucadas primaveras. um rosto na sua beleza, na sua magia, no seu mistério. um rosto que envelhece e que morre cravado de punhais há muito escondidos na solidão e no deserto de outros rostos.


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*** naqueles corpos há um amor que ainda poucos viram e sentiram e viveram. há incansáveis cascatas de água fresca e límpida que escorre de montanhas povoadas de ninguém. naqueles corpos, tenho a certeza, existe amor da cor da terra com braços e pernas e sexo e dentes e saliva. um amor a sério. um amor mistério. um amor de rosto. um amor de resto. um amor de rastos. naqueles corpos há amor com as cores vibrantes dos jardins, os sons mornos das vindimas e os temores dos caminhantes das arribas alcandoradas sobre o mar. naqueles corpos vivem amores dos que se encontram na longínqua solidão de uma praça à beira mar. dos que nos fazem renascer com incontidos e prolongados beijos. dos que matam as saudades no sentir quente de corpos perdidos nos labirintos das cidades. naqueles corpos estão marcas. as marcas que dão sentido a um amor reinventado no abandono e no silêncio do mais frio e longínquo dos desertos. Domingos Fernandes em São Miguel, Açores, outubro 2011


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2 regards sur le peintre 5 regards sur l’exposition et le peintre 2 regards sur le peintre tu avais toute une toile à peindre et impulsais tes pinceaux à décrire ce qui restait à dire. tu regardais la lumière embrumée des lampadaires au-dehors. tu t’inquiétais. c’était au petit matin et tu avais encore tant à dire sur ce blanc. tu pensais qu’insinuer la mort était une façon d’exalter la vie. des sommets venait l’écho des psaumes consolant ceux qui s’échappaient des peurs en se glissant entre les ombres des murs de granit des jardins. tu avais froid et mal au dos et aux mains. tes yeux étaient déjà striés de sang. un fin brouillard fantasmagorique allait en découvrant la sérénité des eaux de la lagune. tu avais peuplé un désert à la muette. dans la solitude de ses secrets et de ses mystères. tu étais rassuré. tu avalais doucement tes émotions. tu savourais enfin un chemin que tu avais appris tout jeune à parcourir. tu avais la gorge serrée. une saudade. une passion. une joie. tu étais anéanti et heureux. peindre c’était écrire un poème. c’était le dire et le vivre intensément. c’était danser éternellement avec la vie. jusqu’à la dernière goutte de peinture. jusqu’à la dernière goutte de sang. *** la rigueur, la perspective, le dessin, la géométrie, la logique de la science. d’une certaine science. tout exact. scientifique, certain, prévisible. c’est comme ça. mais l’homme a un visage, une pensée, des pratiques et des expériences. et ce qui n’est pas certain. et ce qui ne peut être que plausible et utile et crédible. et l’on peint à plusieurs voix. à plusieurs rationalités. et l’on invente et l’on réinvente une nouvelle écriture. et l’on crée et recrée ce qui a été lu, ce qui a été écrit, ce qui a été peint, ce qui a été sculpté. tu fais depuis des années de cette espèce de balançoire. tu as grandi et appris à te balancer sur les eaux de cette Ria entrecoupée de jardins. et c’est peut-être dans ce balancement, dans cet étourdissant va-et-vient, que tu as rêvé et peint les gens, les animaux et les paysages dans toutes leurs dimensions. un tournoiement grisant qui toujours a su t’enchanter. peindre aura donc été, en fin de compte, la permanente réinvention des choses. une sucession de petits-matins limpides peuplé d’êtres qui, pour t’avoir tendrement et doucement bercé, jamais n’ont réussi à t’endormir.

5 regards sur le peintre et son exposition il y a là une fleur du désert, un cactus, une hirondelle. Il y a là une idée de paix, un champ de blé, un son de violon, un sifflement strident de train. un départ. un abandon. des retrouvailles. une joie, fugitive. une peur, immédiate. Il y a là un visage dénudé, à la fois sensé et animal. c’est ça. il y a un chemin, une aventure, un tournesol, une mésaventure, une inquiétude, un pare-soleil. Il y a là le continuum d’une vie. une cadence de vagues marines. une eau qui coule en permanence. un chant. tout là haut. à l’univers qui ase jette dans chaque corps. dans chaque visage qu’il y a là. inquiétamment. incessamment. il y a là une beauté crue et inhospitalière. la pulsation de vies contenues et oubliées qui se dressent et se dénudent pour le passant. un miroir de ce que nous sommes. comme ça, sans raison.


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*** tu peins un corps, un paysage, un visage, un insecte, comme si tu les débarrassais de ce qu’en eux tu trouves accessoire. tu ne laisses que ce qui reste. ce qui demeure dans l’exhaustion et l’assèchement des mémoires. la distillation de toute chose, de tout corps, de tout visage. ce que chacun est bien au dedans, au plus profond. tu peins l’authentique, le plus brutal, ce qui reste après l’amour. tes toiles reflètent les instincts animaux de ces corps, ces cavernes où ils se sont toujours réfugiés, fuyant les tourments et les menaces qu’eux-mêmes se créent. elles nous font ressentir ces solitudes que nous traînons en haillons. aujourd’hui comme hier. avec ou sans télévisions. avec plus ou moins d’inquiétudes et d’esclavages de tous ordres.les corps lévitent au-dessus de leurs lieux, au-dessus de la terre. plongent dans leurs fleuves et leurs mers. courent par leurs vallées et leurs plaines. gravissent leurs plus hautes montagnes. crient et chantent et pleurent et rient et dansent les yeux aux cieux. implorant les dieux. expurgeant leurs menaces. inventant des ennemis. ourdissant guerres et massacres. s’entrelaçant enfin les uns les autres. corps nus. corps osseux. dépouilles de l’aventure d’exister. rien que des corps. *** tu es désormais plus attentif que jamais. tu veux partager la beauté du final définitif des choses. le final des visages. le final des rires. le final de tout. reste le blanc gardien de toutes les couleurs. et reste aussi l’image encadrée sur l’un des coins de la commode de la vieille chambre. on lui recouvre le visage d’un tissu de lin blanc épais et brodé. viennent des fleurs de toutes les couleurs. de toutes les senteurs. les cloches sonnent. les têtes s’inclinent. il y a un bruit de corps qui se couvrent de pardessus serrés aux tissus foncés. il y a de l’humidité dans l’air et une odeur de bougies aux flammes pâles, cadavres qui se consument lentement. il y a les odeurs de beaucoup de gens massés dans un espace exigu. un inconfort, une agonie, de murmures et de soupirs et de toussements et de pleurs sans retenue et de gémissements. de l’autre côté du mur, on sort les brebis de la bergerie, qui s’élancent dans la pente audevant des aboiements rauques d’une paire de vieux chiens de berger. à la taverne, des hommes, secs et trapus, boivent dans des verres aux parois épaisses. sur la plage, en contrebas, les vagues continuent à déverser sur le sable fin ce qui est resté des corps depuis longtemps engloutis par les flots. *** un visage, soudain, dans le paysage. un visage qui traduit tout du monde alentour. le parcours et les raccourcis et les incidents d’une vie dans un visage que personne auparavant n’avait vraiment fixé ni apprécié. un visage noir. jamais fixé. un visage blanc. auparavant fixé. visages qui se rendent au vol des flamants. au trot affolé des gnous. aux cieux et aux savanes africaines. un visage vivant et humain et plein de poésie. un visage qui sourit et un visage qui pleure. un visage suspendu à l’univers, au cosmos, du côté le plus infini de tout. il guette l’envol erratique des papillons. l’immensité des couleurs et les sons et les hymnes assourdissants d’insensés printemps bleus. un visage dans sa beauté, dans sa magie, dans son mystère. un visage qui vieillit et qui meurt transpercé de poignards longtemps cachés dans la solitude et le désert d’autres visages.


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*** il y a dans ces corps un amour que peu encore ont vu et ressenti et vécu. il y a d’infatigables cascades à l’eau fraîche et limpide qui coule de montagnes peuplées par personne. dans ces corps, j’en suis sûr, existe un amour de la couleur de la terre avec des bras et des jambes et un sexe et des dents et de la salive. un vrai amour. un mystère d’amour. un amour en plein visage. un amour sans ambages un amour ravage. dans ces corps il y a de l’amour aux couleurs vibrantes des jardins, aux sons tièdes des vendanges et aux craintes du promeneur des chemins de corniche des hautes falaises dressées contre la mer. dans ces corps vivent les amours de ceux qui sont dans la lointaine solitude d’une place en front de mer. de ceux qui nous font renaître de leurs longs baisers sans retenue. de ceux qui se consolent enfin dans la chaude sensation de corps perdus dans les labyrinthes des villes. sur ces corps ils y a des marques. les marques qui donne leur sens à un amour réinventé dans l’abandon et le silence du plus froid du plus lointain des déserts. Domingos Fernandes à São Miguel, Açores, octobre 2011 version française: Patrick Bernaudeau


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2 views of the painter 5 views of the exhibition and the painter 2 views of the painter you had a whole canvas to paint and applying the brushes described what had remained unsaid. you

gazed at the misty lamplight outside. you were restless. dawn was breaking and there was still so much to say on that white. you thought that hinting at death was a way of exalting life. psalms echoed from the hills and consoled those slipping away from fear among the shadows of the granite garden walls. you felt cold and your hands and back hurt. your eyes had gone very bloodshot. a fine, ghostly mist was lifting to reveal the calm waters of the lagoon. you inhabited a desert at the dead of night. in the solitude of its secrets and mysteries. you sighed with relief. you slowly swallowed your emotions. at long last you were savouring a path that you had learned to tread anew. you had a lump in your throat. a longing. a passion. a joy. you were exhausted and happy. painting was writing a poem. it was telling and living it intensely. it was dancing with life forever. to the last drop of paint. to the last drop of blood. *** precision, perspective, drawing, geometry. the logic of science. of a certain science. everything exact, scientific, precise, predictable. that is how it is. yet man brings a face, thought, practice and experience. and that which is not sure. and that which can only be plausible and useful and credible. and he paints himself in a variety of voices. to different rationalities. and he invents and reinvents a new writing. and that which he has read, written, painted and sculpted he creates and recreates. for years you have been riding on this kind of swing. you have grown up and learned to swing over the waters of a lagoon lined with gardens. and it was perhaps in this swinging, this spectacular coming and going, that you dreamed and painted people, animals and landscapes in all their dimensions. a heady whirl that never ceased to charm you. painting has always been, after all, the constant reinvention of things. a succession of clear dawns wherein dwell those beings whose sweet and tender lullaby was never able to send you to sleep.

5 views of the exhibition and the painter there is there a desert flower, a cactus, a swallow. there is there a sense of peace, a wheat field, the sound of a violin. the shrill whistle of a train. a departure. an abandonment. a reunion. an elusive joy. an immediate fear. there is there the human face stripped, with sense and animal. just that. there is a path, an adventure, a sunflower. a misfortune, a restlessness, a sunshade. there is there the continuum of a life. waves breaking. constant water running. singing. way up there. in the universe that flows in each body. in every face that is there. disquietingly. incessantly. there is there a raw and inhospitable beauty. a pulsing of contained and forgotten lives that arise and undress for those passing by. a mirror of who we are. thus. no more no less.


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*** you paint a body, a landscape, a face, an insect as if you were stripping them of any use you might find in them. you leave only what remains. what will become of the exhaustion and dryness of memories. the distillation of every thing, every body, every face. the essence of each further inside, deeper down there. you paint the genuine, the most brutal, which remains after love. your paintings reflect the animal instincts of those bodies, the caves where they would always take shelter to escape from the self-inflicted torments and threats they created. they make us feel our tattered and dragging solitude. yesterday like today. with or without television. wavering unease and slavery of every sort. bodies levitate above their places, above the earth. they plunge into their rivers and their seas. they run in their valleys and over their plains. they climb to the top of their mountains. they scream and sing and cry and laugh and dance, watching the skies. begging the gods. purging threats. making enemies. plotting wars and massacres. finally, they intertwine with each other. naked bodies that we inhabit and which we have never left alone within us. naked bodies. bony bodies. leftovers from the adventure of existence. just bodies only. *** you are now more aware and serene than ever. you want to share the beauty in the ultimate fate of things. the end of faces. the end of laughing. the end of everything. white stays on, keeping guard over all colors. and there still remains the framed picture over one of the corners of the chest of drawers in the old bedroom. the face is covered with a thick white cloth of embroidered linen. flowers arrive of every color. of every fragrance. bells ring. heads lean. There is a noise of bodies sheltering in tight overcoats of dark cloth. there is moisture in the air and a scent of pale-flamed candles, corpses burning slowly. there are smells of many people in a cramped space. a discomfort, an agony, of murmurs and sighs and coughs and unrestrained cries and moans. on the other side of the wall, the sheep break free of their pen and run downhill ahead of the gruff barking of two old sheepdogs. in the tavern, low and dry men drink from thick glasses. on the beach, down there further below, the waves continue to pour onto the fine sand what remains of the bodies long ago swallowed by the sea. *** a face, suddenly, in the landscape. a face expressing all the world surrounding it. the route and the shortcuts and incidents of a life in a face that no one had ever truly seen and appreciated. a black face. which had gone unseen. a white face. which had been seen. faces that surrendered to the flight of flamingos. to the frenzied galloping of gnus. to the skies and savannahs of Africa. a living and human face full of poetry. a face that smiles and a face that cries. a face hanging in the universe, in the cosmos, on the most infinite side of everything. awaiting the fitful fluttering of butterflies. the multitude of colors and sounds and deafening songs of mad blue springs. a face in its beauty, in its magic, in its mystery. a face that ages and dies riddled with knives long hidden in the solitude and desert of other faces.


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*** there is in those bodies a love that few have yet seen and felt and lived. there are relentless cascades of clear fresh water running down mountains populated by no one. there is in those bodies, I am sure, a love colored as the earth with arms and legs and genitals and teeth and saliva. a serious love. a love of mystery. a love of faces. a love of what is left. a love down on its knees. there is in those bodies a love with the vibrant colors of gardens, the warm sounds of harvest and the fears of walkers on the cliffs looming over the sea. there dwells in those bodies love for them who are found in the distant solitude of a seaside square. for them whose continuous and unfettered kissing makes us reborn. for them who find solace in the warm feeling of bodies lost in the labyrinths of the city. those bodies bear the marks. the marks that give meaning to a love reinvented in the abandonment and silence of the coldest and most distant of deserts. Domingos Fernandes at S達o Miguel, Azores, October 2011 english version: Jonathan Lewis


REMIND 25 Video | 2011 Duração: 03’ 00’’ Formato: WIDESCREEN 16:9 PAL HD 25fps 1920x1080px Produção e Edição: Ivo Tavares e Luís Melo - ITS

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HEAD’S STUDY | 2011

Técnica mista sobre cartão Technique mixte sur carton Mix media on paperboard 25 x 21,5 cm ref.R25_001 a R25_048

SKULL’S STUDY | 2011

Técnica mista sobre cartão Technique mixte sur carton Mix media on paperboard 25 x 21,5 cm

www.fernandogaspar.com/remind25/video

ref.R25_049 a R25_061


HE Series | 2011 Esculturas pigmentadas em compósito à base de gesso Sculptures pigmentées en plâtre composite Pigmented plaster composite sculptures ref.R25_062 a R25_076


SHE Series | 2011 Esculturas pigmentadas em compósito à base de gesso Sculptures pigmentées en plâtre composite Pigmented plaster composite sculptures ref.R25_077 a R25_091

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HE Series | 2011 Esculturas pigmentadas em compósito à base de gesso Sculptures pigmentées en plâtre composite Pigmented plaster composite sculptures ref.R25_062 a R25_076

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HE Series | 2011 Esculturas pigmentadas em compósito à base de gesso Sculptures pigmentées en plâtre composite Pigmented plaster composite sculptures ref.R25_062 a R25_076

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HEAD #1 | 2011 Carvão e acrílico sobre tela Fusain et acrylique sur toile Charcoal and acrylic on canvas 120 x 100 cm ref.R25_092

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HEAD #2 | 2011 Carvão e acrílico sobre tela Fusain et acrylique sur toile Charcoal and acrylic on canvas 120 x 100 cm ref.R25_093

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HAED #3 | 2011 Carvão e acrílico sobre tela Fusain et acrylique sur toile Charcoal and acrylic on canvas 120 x 100 cm ref.R25_094

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HEAD #4 | 2011 Carvão e acrílico sobre tela Fusain et acrylique sur toile Charcoal and acrylic on canvas 120 x 100 cm ref.R25_095

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HEAD #5 | 2011 Carvão e acrílico sobre tela Fusain et acrylique sur toile Charcoal and acrylic on canvas 120 x 100 cm ref.R25_096

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HEAD #6 | 2011 Carvão e acrílico sobre tela Fusain et acrylique sur toile Charcoal and acrylic on canvas 120 x 100 cm ref.R25_097

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HEAD #7 | 2011 Carvão e acrílico sobre tela Fusain et acrylique sur toile Charcoal and acrylic on canvas 120 x 100 cm ref.R25_098

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REST #1 | 2011 Carvão e acrílico sobre tela Fusain et acrylique sur toile Charcoal and acrylic on canvas 120 x 100 cm ref.R25_099

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REST #2 | 2011 Carvão e acrílico sobre tela Fusain et acrylique sur toile Charcoal and acrylic on canvas 120 x 100 cm ref.R25_100

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STARE #1 | 2011 Carvão e acrílico sobre tela Fusain et acrylique sur toile Charcoal and acrylic on canvas 200 x 160 cm ref.R25_102

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STARE #2 | 2011 Carvão e acrílico sobre tela Fusain et acrylique sur toile Charcoal and acrylic on canvas 200 x 160 cm ref.R25_103

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STARE #3 | 2011 Carvão e acrílico sobre tela Fusain et acrylique sur toile Charcoal and acrylic on canvas 200 x 160 cm ref.R25_104

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REM | 2011 Carvão e acrílico sobre tela Fusain et acrylique sur toile Charcoal and acrylic on canvas 100 x 100 cm ref.R25_105

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RISING BODY #1 | 2011 Carvão, acrílico e colagem sobre tela Fusain, acrylique et collage sur toile Charcoal, acrylic and collage on canvas 162 x 114 cm ref.R25_106

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RISING BODY #2 | 2011 Carvão, acrílico e colagem sobre tela Fusain, acrylique et collage sur toile Charcoal, acrylic and collage on canvas 162 x 114 cm ref.R25_107

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EARTHED BODY #1 | 2011 Carvão e acrílico sobre tela Fusain et acrylique sur toile Charcoal and acrylic on canvas 162 x 114 cm ref.R25_108

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EARTHED BODY #2 | 2011 Carvão e acrílico sobre tela Fusain et acrylique sur toile Charcoal and acrylic on canvas 162 x 114 cm ref.R25_109

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AWAKENING | 2011 Carvão e acrílico sobre tela Fusain et acrylique sur toile Charcoal and acrylic on canvas 100 x 100 cm ref.R25_110

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FERNANDO GASPAR n. 1966, portugal exposições individuais 1986 | 2011 expositions individuelles 1986 | 2011 solo exhibitions 1986 | 2011 galeria de arte a grade | aveiro. galeria municipal de aveiro | aveiro. espaço 2 – casino estoril | estoril. à passagem de um rio – ateneu comercial do porto | porto. museu regional de sintra | sintra. galeria vértice | lisboa. dez aguarelas – galeria forma | braga. galeria inter-atrium | porto. colecções particulares I – maison des artistes – anderlecht | bruxelas. colecções particulares II – staff centre - nato | bruxelas. sud – royal anderlecht golf club | bruxelas. aguarela ainda – museu regional de sintra | sintra. centro unesco | porto. estudos para um improviso – casino estoril | estoril. bestiário / touros – enquadrar | aveiro. sítios da memória – galeria dos coimbras | braga. parcours imaginaire – staff centre – nato | bruxelas. parcours imaginaire – convent des récollets | cognac. lugares de uma viagem – casino estoril | estoril. no limite da água – galeria arte&oficina | setúbal. personagens para uma história – artemporio | lisboa. bestiário / insectos – enquadrar | aveiro. rebelião no zoo – parte I – casino estoril | estoril. crónicas de um encontro – casino estoril | estoril. momentos de luz – micro-arte | lisboa. atlânticas – galeria vera cruz | aveiro. ibéria – casino estoril | estoril. o afecto o tempo e o rio – fundación duero | cáceres, salamanca, valladolid, zamora, saragoça, soria, placencia. invisible shapes – alphart gallery | lisboa. rebelião no zoo – parte II – casino estoril | estoril. in itinere – perlimpimpim | vagos. ad infinitum / silêncio – consulado-geral | paris. três momentos – galeria 57 | leiria.


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exposições colectivas 1986 | 2011 expositions collectives 1986 | 2011 collective exhibitions 1986 | 2011 artistas da beira – museu grão vasco | viseu. 4º salão de primavera – casino estoril | estoril. a vinha e o vinho na pintura – sociedade nacional de belas artes | lisboa. o norte na pintura – exponor | porto. 5º salão de primavera – casino estoril | estoril. a festa da primavera – sociedade de geografia de lisboa / cml | lisboa. 6ºsalão de primavera – casino estoril | estoril. lisboa - séc. xx nas artes plásticas – palácio das galveias | lisboa. 12º salão de outono – casino estoril | estoril. salão de aguarela – casino estoril | estoril. prémio almada negreiros – mapfre vida | porto. muestra de arte portugués contemporáneo | barcelona. modos de ver lisboa – galeria barata | lisboa. dez anos, dois homens e um laço | vagos. printemps culturel | avignon. casa de portugal | paris. salão de aguarela – casino estoril | estoril. paisagem portuguesa – casino estoril | estoril. colectiva d’estiu – galeria marbelló | barcelona. 1º prémio nacional de pintura antónio joaquim / artistas de gaia | gaia. 2º prémio nacional de pintura antónio joaquim / artistas de gaia | gaia. convento do beato | lisboa. fac – parque das nações | lisboa. artesevilla – feria de arte contemporaneo | sevilha. 500 anos da descoberta do brasil | curitiba. arte contemporânea portuguesa – reservatório da patriarcal | lisboa. marcamadeira – feira de arte contemporânea | madeira. cultura aberta – galeria da restauração / porto 2001 | porto. 5º prémio nacional de pintura antónio joaquim / artistas de gaia | gaia. arte estoril, 1ª feira de arte contemporânea do estoril | estoril. galeria artin | lisboa. galeria magna | coimbra. 20º salão de outono – casino estoril | estoril. artein, art madrid – salón de arte moderno y contemporáneo | madrid. os bichos também são gente – casino estoril | estoril. VII exposição colectiva de dezembro – galeria vera cruz | aveiro. fozarte 2011 – ap’arte |porto


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prémios prix prizes 1987 cerâmica artística e decorativa II | aveiro (menção honrosa / mention honorable / honourable mention) 1989 4º salão de primavera - casino estoril | estoril (menção honrosa / mention honorable / honourable mention) 1997 10º salão de primavera – casino estoril | estoril (menção honrosa / mention honorable / honourable mention) paisagem portuguesa – casino estoril | estoril (menção honrosa / mention honorable / honourable mention) 1º prémio nacional de pintura antónio joaquim (menção honrosa / mention honorable / honourable mention) 1998 2º prémio nacional de pintura antónio joaquim (prémio nacional de pintura / prix national de peinture / national painting prize) 2000 4º prémio nacional de pintura antónio joaquim (menção honrosa / mention honorable / honourable mention) 2001 cultura aberta - galeria da restauração / porto 2001 | porto (prémio pintura / prix de peinture / painting prize) 2009 vaga de ouro (prémio cultura / prix culture / culture prize) obras em coleções públicas e privadas œuvres dans collections publiques et privées artworks in public and private collections no estrangeiro | à l’étranger | abroad áustria autriche austria, alemanha allemagne germany, bélgica belgique belgium (commune d’anderlecht e nato otan nato), brasil brésil brazil, canadá canada canada, dinamarca danemark denmark, eslovénia slovénie slovenia, espanha espagne spain, eua usa usa, japão japon japan, frança france france, países baixos pays-bas netherlands e et and reino unido royaume-uni united kingdom. em portugal | au portugal | at portugal banco de portugal, caixa de crédito agrícola mútuo de vagos, câmara municipal de aveiro, câmara municipal de gaia, câmara municipal de lisboa, câmara municipal de santa maria da feira, câmara municipal de vagos, casino lisboa, caves aliança, companhia de seguros açoreana, consulado-geral de portugal em paris, embaixada de portugal em dacar, estoril sol, fundação dionísio pinheiro, giro concept, liberty seguros, link consultadoria, museu regional de sintra, museu joão mário, museu da cidade de lisboa, oni, pt inovação, pricewaterhouse coopers, ramos catarino sa, região de turismo do algarve, real companhia velha, etc.


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REMIND 25 - Fernando Gaspar 26 nov 2011 a 06 jan 2012 Museu da Cidade de Aveiro, Aveiro, Portugal 23 fev 2012 a 08 mar 2012 Cosmopolis - Espace International, Nantes, France


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O dia começa junto à água. Trago o papel a embrulhar o peito, para dar. Passo a passo, mão quente, caminho com frente, ao lado. Doce boca, passo contigo, mão afago. Leva-me onde eu for. Vou Aos amigos o meu abraço mais demorado.

La journée commence à fleur d’eau. Je porte le papier autour de ma poitrine, pour donner. Pas à pas, main réchauffée, marche en avant, à l’amble. Bouche douce, je passe avec toi, main câline. Emmène-moi là où je serai. J’y vais À mes amis ma plus longue étreinte.

The day begins with the water. I bring the paper to wrap the breast, to give. Step by step, warm hand, I walk forwards, alongside. Sweet mouth, I stay with you, hand caressing. Take me wherever I’m going. I go A belated hug to my friends

Fernando Gaspar nov 2011 version française: Patrick Bernaudeau english version: Jonathan Lewis


Textos | Textes | Texts Paulo Moreira Fernando Gaspar Maria da Luz Nolasco N. Lima de Carvalho José António de Sousa Agostinho Santos Rosa Teixeira Ribeiro Jean-Pierre Hanel João Pereira da Silva Domingos Fernandes Tradução | Traduction | Translation Patrick Bernaudeau (fr) Jonathan Lewis (en) Revisão | Révision | Proofreading Patrick Bernaudeau Produção e Curadoria | Production et Curateurs| Production and Curators Banister Consulting Fernando Gaspar - Arte Contemporânea Fotografia e Vídeo | Photographie et Vidéo | Photography and Video ITS - Ivo Tavares e Luís Melo Concepção Gráfica | Conception Graphique | Graphic Design ITS - Luís Melo Impressão | Impression | Printing Procer Tiragem | Tirage | Impression 750 exemplares | exemplaires | copies ISBN: 978-989-97616-0-5 Depósito Legal: 336243/11 Reservados todos os direitos, de acordo com a legislação em vigor. | Tous droits réservés. | All rights reserved.

© BANISTER, novembro 2011



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