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Jueves 21 de noviembre de 2013 Año 1 I Número 6

Canijo y Mendes marcan la cancha del cine portugués

jogo bonito Representantes de dos generaciones que se conjugan en presente –tiempo de crisis diversas para su país y su profesión–, João Canijo y Patrick Mendes no pierden la fe en el cine y se dedican al juego que mejor juegan y más les gusta: hacer películas, contra viento y marea.


Competencia Internacional

The Eternal Return of Antonis Paraskevas

Club sándwich

Grecia, 88’ D: Elina Psykou

México, 82’ D: Fernando Eimbcke Ah, el verano, la adolescencia, la seducción torpe y esas miradas tan táctiles que van de un cuerpo a otro, sin saber bien qué hacer. Eimbcke capta esa mezcla de inocencia y calentura con tal delicadeza que dan ganas de que la película dure todo el verano, de quedarse a vivir en ese hotel semidesierto donde los mexicanos de clase acomodada matan el tiempo. Club sándwich es dulce y risueña cuando quiere, tensa y punzante cuando se lo plantea y húmeda todo el tiempo, tanto de sudor como de agua. El director calcula las distancias de sus personajes, va y viene temporalmente pero sin estridencias, y perfecciona su uso de la pausa, de un suspenso corporal sutilmente erótico. La película configura un mundo enclaustrado, sí, pero ese encierro es la clave para que su protagonista, un gordito con una veta marca-

damente edípica y una pelusa incipiente como bigote, aprenda a encontrar su libertad. Un coming of age entrañable en todos los sentidos, y probablemente una de las grandes joyas que el Festival presente este año.

HOY, 9.00, Auditorium | HOY, 22.00, Auditorium VI 22, 22.00, Ambassador 1

Competencia Latinoamericana

Los elementos están desplegados; la sumatoria de temas y motivos planteados proponen un combo lo suficientemente tentador como para asomarse a él. La novedad es que dicha combinación no sólo funciona, sino que tiene un raro poder inmersivo: estamos ante una versión griegamente extrañada de El resplan-

HOY, 12.00, Auditorium | HOY, 19.00, Auditorium SA 23, 13.00, Cinema 2

Competencia Argentina

Penumbra

Mujer conejo

México, 98’ D: Eduardo Villanueva

Argentina, 85’ D: Verónica Chen

Dejando sin efecto las custodiadas barreras entre documental y ficción, la segunda película del mexicano Eduardo Villanueva derriba todo a su paso para prolongar la ruta cinematográfica que supieron trazar cineastas como Lisandro Alonso y Deborah Stratman, con un retrato sensible y poético –basado en la observación, pero sin descuidar en ningún momento su narración– de Adelelmo Jimenez, un cazador que atraviesa el monte del México profundo situado al pie del Volcán de Fuego en busca de sus presas. Hay algo en el manejo de la cámara de Villanueva que lo vuelve una especie de alquimista que combina religión, paisaje y cultura en una película que, por muchos momentos, parece encarnar y aprovechar al máximo esa intención transfiguradora que persiguió Maya

Ana Yang, empleada estatal a cargo de habilitar locales comerciales en el Barrio Chino porteño, tiene rasgos orientales, pero no sabe hablar ni escribir en la lengua de sus ancestros. Cuando uno de los expedientes a su cargo comience a revelar una oscura trama de corrupción que vincula a la policía con la mafia china, deberá huir de la ciudad para salvar su vida. Lo que encuentra en el campo semiabandonado donde se oculta no es menos peligroso: hordas de conejos genéticamente mutados para comerse a sus congéneres; un alimento que produce su propio alimento. Aventura atrapante y vertiginosa a través de los géneros (incluido el cine de animación, con muchas secuencias cautivadoras que remiten al anime japonés), la nueva película de la directora de la notable

Deren durante toda su vida al hacer sus estudios coreográficos para una cámara de cine. Así, en sus momentos más intensos, el hallazgo de Penumbra es despertar en el espectador una brillante desorientación en la que historia y relato parecen disputarse la película.

HOY, 10.00, Cinema 2 | HOY, 20.30, Cinema 2 VI 22, 15.30, Cinema 2

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dor, aunque con tintes más bien tragicómicos. Al igual que un spaghetti de lata –motivo recurrente en la película–, hay una viscosidad crónica en cada plano; todos ellos dominados por el gran Antonis, una celebrity del pasado, anfitrión eterno de un talk show ya extinto que finge su propio secuestro para juntar el dinero necesario para volver a la fama y al calor de sus fans. El envejecido divo, paseando en solitario por la extensión del hotel fuera de temporada, repitiendo rituales y hundiéndose cada vez más en una ensoñación patética, lo es todo. Su cara pétrea sintetiza a la Grecia en crisis, y eso habilita a una puesta en escena despojada. Entre organitos ochentosos y distantes planos de observación, nos enredamos con Antonis en su delirio, y si alguna risa se escapa es porque, en el fondo, lo hermoso también puede ser triste.

Agua comienza como un drama urbano con apuntes sociales, pasa por el thriller policial, el terror y la ciencia ficción, y termina explotando, cual cóctel molotov, en un tremendo final de western. Una de las películas más gozosamente libertarias de nuestro cine reciente, que encuentra una heroína inolvidable en Haien Qiu; tanto la de verdad como la dibujada.

HOY, 10.00, Colón | HOY, 22.30, Colón SA 23, 15.00, Colón


Disfrutar en serio En palabras de Richard Peña, Director Emérito del Festival de Cine de Nueva York, “Scott Foundas se ha convertido, sin dudas, en una de las voces más importantes entre quienes hoy escriben sobre cine en Estados Unidos; el ejemplar más auténtico de eso que sostenía su amigo y mentor Roger Ebert: que se puede escribir en serio sobre las películas sin dejar de disfrutarlas”. El Festival, que el año pasado lo tuvo a Foundas como Jurado de la Competencia Internacional, compiló y editó El tiempo detenido, el primer libro –en español y en cualquier otro idioma– de textos reunidos del crítico norteamericano. En celebración de semejante acontecimiento, reproducimos su crítica del último film de otro amigo del Festival, Bong Joon-ho.

A dos décadas del comienzo de la segunda Era Glacial, algunos miles de sobrevivientes humanos pasan sus días a bordo de un lujoso tren de última generación en Snowpiercer, la enormemente ambiciosa, visualmente asombrosa y más que satisfactoria epopeya futurista del talentoso director de género coreano Bong Joon-ho (The Host, Memorias de un asesino). Una rara película fantástica/de ciencia ficción de alto perfil hecha completamente por fuera del sistema de estudios, y el caso aún más extraño de un aclamado autor extranjero trabajando en inglés sin pérdidas apreciables en su singular estilo visual y narrativo. Adaptada por Bong y Kelly Masterson (Antes que el diablo sepa que estás muerto) de la novela gráfica escrita en 1982 por Jacques Lob, Benjamin Legrand y Jean-Marc Rochette, Snowpiercer ha sido llevada a la pantalla con la solidez narrativa, los personajes cuidadosamente delineados y –sobre todo– el respeto por la inteligencia del público que tan raramente se encuentran en el cine industrial de género, excepto cuando quienes están a cargo son directores como James Cameron, Christopher Nolan o Guillermo del Toro. De hecho, el film de Bong le debe algo a Titanic en su visión de una nave de pasajeros que funciona como un microcosmos sofisticado de la sociedad misma, con idénticas distinciones entre clases superiores e inferiores, sólo que aquí planteadas entre vagones delanteros y traseros. Oh, y el hielo no representa un obstáculo para el Snowpiercer, que atraviesa los enormes bloques árticos mientras circunnavega nuestro ahora congelado planeta sobre vías elevadas. Tanto el tren como las vías son inventos de Wilford, un industrial billonario desestimado por loco en su momento que ahora disfruta de la última carcajada; su presencia invisible, al estilo de Oz, se cierne sobre los moradores del Snowpiercer, e inspira una devoción fanática en sus esbirros fascistas (liderados por la cómicamente grotesca Mason de Tilda Swinton, que tiene un acento de Yorkshire espeso como budín y unos puentes dentales que hablan especialmente mal de la higiene bucal británica). Comenzamos en el furgón de

cola, donde las grandes masas dickensianas, con caras tiznadas de hollín, se disputan el espacio, y los rumores de una incipiente revuelta de clase agitan el aire. No es la primera vez que los desposeídos tratan de tomar el control del tren, pero los intentos previos fallaron porque nadie logró abrirse camino hasta la sala de máquinas. Esta vez las cosas serán diferentes, promete Curtis (Evans), el semirreluctante instigador de la revolución, aunque se vea claramente que tiene las cualidades de un recio héroe proletario. Desde hace un tiempo, han estado llegando mensajes crípticos escondidos en las gelatinosas barras de proteínas que sirven como nauseabundo alimento central de la dieta del “fondo del tren”, por lo que Curtis y su sabio mentor discapacitado Gilliam (John Hurt) están convencidos de que alguien en el frente del tren los está impulsando a actuar. Uno de esos mensajes los alienta a liberar a un experto coreano en seguridad, Namgoong Minsu (Song), que estaba detenido en el vagón de prisioneros del tren. Pero Minsu, maravillosa e ingeniosamente actuado por Song como un arisco y desaliñado autopreservacionista, resulta un duro negociador. Accede a colaborar sólo si su hija encarcelada (Ko Asung, quien también era la valiente hija de Song en The Host) puede acompañarlos, y si ambos son recompensados con una dosis de la droga alucinógena kronole por cada puerta que logren abrir. (El personaje, que habla sólo en coreano, puede comunicarse con los demás por medio de una máquina traductora bidireccional, activada con la voz). Así, pertrechados con un puñado de armas caseras, Curtis y su variopinta banda de revolucionarios (que incluye a Jamie Bell como la leal ayudante de Curtis y a Octavia Spencer como una madre que busca a su hijo desaparecido) comienza su viaje hacia adelante. En ese momento, la claustrofobia apretada de la primera mitad de Snowpiercer (que remite a viajes ferroviarios tan clásicos del cine como los de El tren de la muerte o Escape en tren) deja paso a una visión más expansiva. Construido sobre cardanes en una serie de platós interconectados de los Estudios Barrandov, en Praga, el tren en sí es un triunfo de la imaginación visual de Bong y el diseñador de producción Ondrej Nekvasil (El ilusionista), en el que cada uno de los vagones revela una nueva, sorprendente faceta de ese misterioso ecosistema autosustentable: uno es un invernadero exuberante, otro un acuario gigante, otro más un salón de clases entre disneyano y lisérgico, presidido por una maestra espeluznantemente alegre (Alison Pill). Poco a poco, el color y la luz entran en los hasta entonces monocromáticos encuadres, junto con nuestras primeras visiones verdaderas del mundo exterior y su permafrost infinito. Cuanto más avanzan los rebeldes, más decadente se vuelve el entorno, hasta que llegamos al mismísimo frente del tren y sus despreocupados unoporcientistas, que parecen haber salido directamente de la fiesta de Año Nuevo en el Hotel Overlook (una conexión explicitada con Al Bowlly cantando “Midnight, the Stars and You” en la banda sonora). En el camino aparecen varios obstáculos, más que nada encarnados en la cuantiosa milicia privada de Wilford, cuyo primer gran enfrentamiento con Curtis y compañía es una pelea brillantemente escenificada que coincide con el paso del tren a través de un largo túnel, envolviendo a los combatientes en una oscuridad casi total. Como casi todas las escenas de

acción centrales, está ejecutada en un estilo más sombrío e impresionista que sus equivalentes induce-latigazos de El hombre de acero o Los vengadores. Especialmente amenazador en su rol de uno de los principales secuaces de Wilford y Mason, y sin pronunciar ni una sola palabra, está el actor rumano Vlad Ivanov (conocido por su papel del abortista Sr. Bebe en 4 meses, 3 semanas, 2 días). De punta a punta, Bong consiguió casi todo lo que seguramente habría perdido de haber trabajado en un estudio americano. Para empezar, el ritmo de la película es mucho más contenido que la mayoría de su tipo pero nunca indolente, con mucho tiempo destinado a la construcción minuciosa de personajes para aumentar nuestro compromiso emocional. El trasfondo de los personajes se revela sólo gradualmente, cambiando todo el tiempo nuestras ideas acerca de quiénes son

y qué los motiva. (Como también pasaba en The Host, se podrían levantar apuestas sobre quiénes mueren y quiénes se salvan). Al final, el film se revela a sí mismo como una mirada sorprendentemente reflexiva a la inhumanidad del hombre hacia su prójimo, e incluso a la pregunta de si la raza humana merece en verdad ser salvada. Asuntos sombríos, no caben dudas, pero en los que hay lugar para destellos de esperanza y una continua infusión del peculiar humor negro de Bong. Presentación del libro El tiempo detenido, de Scott Foundas, editado por el Festival Modera: Pablo Conde.

HOY, 14.00, Gran Hotel Provincial Salón Dauphin

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Cine, compromiso y forma “Un buen automóvil puede componerse de elementos producidos en diversos países, pero no un buen poema. El cine es automóvil y poema. Y no pueden separarse sin peligro esas dos partes de su naturaleza, su cuerpo y su alma”. De esa frase de René Clair, citada a menudo por Lita Stantic, partieron los investigadores Máximo Eseverri y Fernando Martín Peña para ofrecer un estudio que repasa la trayectoria de una de las máximas figuras del cine argentino de los últimos cincuenta años, especialmente como productora pero también como directora de su única e imprescindible película, Un muro de silencio, que se exhibe hoy a la noche. Como anticipo de la presentación de mañana del libro Lita Stantic. El cine es automóvil y poema (publicado por Eudeba), unos fragmentos de la introducción del mismo, a cargo de Eseverri y Peña. En marzo de 2007, Élida María Stantic recibió el premio Ástor de Oro a la trayectoria, otorgado por el Festival Internacional de Cine de Mar del Plata. Tenía 66 años. El breve discurso que pronunció resume de alguna manera todo lo que este libro dice: "Estuve pensando un poco estos días. ¿Por qué un premio a la trayectoria siendo tan joven? Y pensé que, bueno, el año que viene se van a cumplir cuarenta años de mi ingreso a la industria cinematográfica, primero como jefa de producción y luego como productora. Y se van a cumplir treinta años de haber formado mi primera productora con Alejandro Doria para filmar La isla. Y creo que más que un premio a la trayectoria es un premio a haber sobrevivido los últimos cuarenta años de la Argentina. Haber sobrevivido a las ilusiones de los setentas, haber sobrevivido a una dictadura siniestra... y después haber sobrevivido a otros problemas menores, de lo económico, como la hiperinflación, la devaluación, la dolarización, la pesificación, el corralito. Y ahora estamos acá, esperando construir un nuevo cine argentino, esperando un nuevo país, esperando no volver a pasar lo que pasamos en estos años. Quiero compartir este premio con todos los que me acompañaron en mis películas, con los que están y fundamentalmente con los que ya no

están. Con los que no sobrevivieron". (…) Stantic fue una mujer cineasta en un ambiente profesional que era masculino y machista. Fue una militante que defendió su opción por el cine entre realizadores que abrazaron la lucha armada. Durante la dictadura debió encontrar caminos para realizar películas no queridas por el régimen. En los ochentas, junto a María Luisa Bemberg formó una dupla tan exitosa como inédita: nunca dos mujeres argentinas se habían asociado para hacer cine. En los noventas, siendo una productora de renombre, abandonó una fórmula asegurada para arriesgarse como directora de una película difícil, a contrapelo de su época. Su nombre ya estaba entre los más distinguidos del cine argentino cuando decidió apostar por lo nuevo, por los que llegaban. Fue cinéfila, cineclubista, crítica cinematográfica amateur, cortometrajista. Hizo cine publicitario, cine independiente, cine por encargo y cine militante. Viajó a Hollywood por una nominación al Oscar y recorrió todo el circuito de festivales internacionales con películas de directores consagrados y noveles. Antes de todo eso, siendo una joven de clase media-baja, desafió los mandatos familiares y sociales, y fue una de las muchas mujeres argentinas que, cuando despun-

taba la segunda mitad del siglo XX, torcieron el rumbo de su destino ocupando un espacio en el campo académico y el mundo profesional. Formó una familia, su pareja fue detenida-desaparecida y crió a su hija en solitario. Trabajó cerca de militantes feministas, lideró organizaciones gremiales y mantiene una activa participación en organismos de derechos humanos. Durante medio siglo, Lita Stantic fue testigo o protagonista de muchos de los sucesos trascendentes de la historia del cine argentino. Su aporte al campo cultural local permite dimensionar, por contraste, el drama de una generación arrasada y el indudable impacto que tantas ausencias han tenido en la sociedad y la cultura de nuestro país. De la Noche de los Bastones Largos a la larga noche genocida de la última dictadura, decenas de miles de argentinos, como la joven Lita fueron reprimidos, perseguidos, encerrados, torturados, asesinados de manera cruel y sistemática. En medio de esa historia reciente repleta de muertes, fracasos y desilusiones, el trabajo de Stantic constituye uno de los pocos puentes que han permitido mantener la transmisión entre generaciones. Transmisión no sólo de los saberes de un oficio, sino también de valores y miradas que algunos de sus coterráneos buscaron suprimir. Y de pensamientos y experiencias de otros que, como ella, se en-

contraron a lo largo del siglo XX a través del cine. Su biografía representa una pequeña gran victoria sobre el poder desaparecedor, la celebración del cine como arte, el arte como compromiso, el compromiso como política de la forma. Tributo a Un muro de silencio Participan: Lita Stantic, Soledad Villamil y Máximo Eseverri.

HOY, 20.00, Paseo 2

Presentación del libro Lita Stantic El cine es automóvil y poema, de Máximo Eseverri y Fernando Martín Peña Participan: Máximo Eseverri, Fernando Martín Peña y Lita Stantic.

Vi 22, 11.00, Teatro Auditorium Sala Nachman

Ventana Documental

Foco Nativo Nativo reúne un corpus de películas sobre diversas comunidades indígenas latinoamericanas: la visión y la recreación de veintiún directores sobre diferentes aspectos en torno al "indianismo" o "movimientos indianos", denominaciones que los propios dirigentes de los pueblos originarios han elegido para distinguirlas de lo que los historiadores e investigadores en ciencias sociales han llamado "indigenismo", corriente de pensamiento surgida a fines del siglo XIX: a este último se le cuestiona el deseo de asimilar al indígena a una cuestión romántica y estática ajustada a los mitos de origen de los estados-nación latinoamericanos.

El acceso a la información sobre determinadas problemáticas de las sociedades más vulnerables se ve reflejado en estas obras, así como la descripción de ciertas celebraciones en torno a la deidad prehispánica Pachamama, de raigambre andina, la preservación de la cultura o la reivindicación del respeto por el otro. El choque cultural se evidencia en los trabajos, de manera sutil y otras veces de manera más violenta. Invitamos a todos a asistir a la presentaciones de este foco de la sección Ventana Documental, para vivenciar parte importante de nuestra identidad. Francisco Pérez Laguna

Ajawaska, fragmentos de un viaje a las alturas

HOY, 14.30, Paseo 1 Luciérnagas por linternas

HOY, 15.00, Paseo 4 Looking for Adventure

HOY, 16.15, Paseo 4 Corrales de piedra + Spiriti

HOY, 19.30, Paseo 1

¡Mesas! ¡Charlas! ¡Debates! ¡Seminarios! Hoy va a ser una jornada especialmente activa en lo que hace a nuestras imperdibles Actividades Especiales. El ajetreo empieza temprano, con la mesa redonda en que los responsables de la restauración de la obra de Jorge “El Tigre” Cedrón (su hija Lucía, los sonidistas Víctor Tendler y Guido Berenblum, y Lucas Guidalevich y Beto Acevedo en representación de “la barra Cinecolor”) contarán con lujo de detalles la trastienda de ese trabajo monumental. Pero ¡ay! habrá que elegir o correr de un lado a otro, porque a la misma hora pero en la Sala Nachman, nuestra caníbal audiovisual favorita, la andaluza María Cañas dictará un seminario cuyo título (aquí al lado) lo dice todo, o al menos provoca una CURIOSIDAD así de grande.

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Sobre la presentación del segundo libro editado por el Festival (El tiempo detenido, de Scott Foundas), el debate de The Pervert’s Guide to Ideology con Eduardo Grüner, y el tributo a Un muro de silencio se habla largo y tendido en este número de Caro Diario. De modo que resta marcar en la agenda del día otra indispensable Charla con Maestros. Deborah Nadoolman Landis, toda una autoridad en el diseño de vestuario que trabajó con Spielberg, Costa-Gavras y Louis Malle, fue nominada al Oscar por Un príncipe en Nueva York y, sobre todo, le regaló a la iconografía pop símbolos tan poderosos como los trajes de los hermanos Blues, el sombrero fedora de Indiana Jones y la inolvidable chaqueta roja que usaba Michael Jackson en “Thriller”.

Mesa sobre la restauración de la obra de Jorge Cedrón Participan: Lucía Cedrón, Víctor Tendler, Guido Berenblum, Lucas Guidalevich y Beto Acevedo. Modera: David Blaustein.

HOY, 11.00, Ambassador 4 Seminario con María Cañas (aka La Archivadora de Sevilla): “El cine porcino y las videomaquias: cinefagia militante y risastencia”

HOY, 11.00, Teatro Auditorium - Sala Nachman Charlas con Maestros - Deborah Nadoolman Landis Participan: Margarita Jusid y Horace Lannes.

HOY, 17.00, Teatro Auditorium - Sala Nachman


Portugal Alterado

De lusos e ilusiones Reunimos a los dos embajadores de lujo de nuestro Portugal Alterado, João Canijo (quien además de venir con su última película bajo el brazo, integra el Jurado de la Competencia Latinoamericana) y Patrick Mendes, cuyos cuatro alucinantes cortometrajes ya no se proyectan en el Festival pero, si hicieron bien los deberes, seguro que ya pudieron disfrutar. Dos generaciones diferentes de realizadores portugueses con una misma divisa: hacer películas más allá de las crisis, las del cine y las otras.

Canijo y el estado de sus cosas

El joven alquimista

En esta edición del Festival, hay un foco programado alrededor de la situación en Portugal en cuanto al apoyo estatal a la producción cinematográfica. ¿Nos contarías cómo es eso? El sistema de subvención en Portugal es parecido al francés, no tiene nada que ver con el español, lo que quiere decir que los fondos son autónomos. No vienen directamente del gobierno, vienen de la recaudación de la publicidad en televisión. Lo que pasa es que con la crisis esos fondos cayeron un 80%, porque ya no hay publicidad en televisión. Portugal tenía una ley del cine que no era buena, porque no atajaba tampoco las estaciones de televisión privadas ni las plataformas de difusión por cable, lo que sí pasa en la mayoría de los países europeos. Este gobierno aprobó que la ley no era mala, tallando por primera vez las plataformas de difusión por cable. Algo ridículo, para ellos y para nosotros. La ley está aprobada, reglamentada y firmada por la república vigente y las plataformas se rehusan a pagar. Entonces no es una actitud agresiva del estado hacia el cine, más bien es algo torpe. Es una actitud pasiva, es un gobierno que no hace nada para hacer cumplir una ley que ellos mismos han hecho y aprobado. ¿Cómo juega eso con el panorama actual del cine portugués? Me hacen mucho esa pregunta. La efervescencia del cine portugués es aparente, porque son películas que fueron subvencionadas, por citar algunos ejemplos, en los años 2009, 2010, 2011. Son películas que realmente vieron la luz después de dos o tres años de haber sido terminadas. ¿Y qué pensás que va a pasar con el cine de tu país? Que en los próximos dos años no habrá películas portuguesas… ¡Así que aprovechen éstas! (risas). En cuanto a tu propia producción, ¿cómo te definirías como cineasta? ¿De quién aprendiste? Como alguien que todavía está aprendiendo (risas). Soy un “aprendicineasta”. Diría que de quien más aprendí ha sido Manoel de Oliveira, sin dudas, hace muchos años, cuando era jovencito. También he aprendido mucho de mí mismo, pero ese aprendizaje cambió drásticamente cuando redescubrí a John Cassavetes. ¿Qué fue lo que redescubriste puntualmente de él? Cuando en 1996 o 1997 volví a ver The Killing of a Chinese Bookie, descubrí allí una forma de cine extraño: la de esconder lo visible para mostrar lo invisible. Una forma que, a primera vista, puede parecer muy pretensiosa. Mis películas Ganhar a vida y Noite escura están completamente copiadas plano por plano de Cassavetes.

Mis personajes tampoco hablan porque hay veces que se olvidan que son personas, ya no saben interactuar las unas con las otras. Como están aisladas, perdieron la capacidad de hablar. El personaje de Homenagem a quem não tem onde cair morto representa eso, y también a las profesiones que están muriendo, como la de afilador de cuchillo. El hombre muere porque su profesión está muriendo. El cine fantástico en Portugal

¿Qué querías lograr con eso? Como decía Stevenson, para ser un gran escritor hay que ser un gran copiador. Para mí ha sido eso, mucha gente no vio que eran los mismos exactos planos. Noite escura tiene mucha influencia de Cassavetes. Pero eso ya ha cambiado. Ahora me robo a mí mismo (risas). ¿Qué es lo que te gusta o te interesa de estos directores? Que no dirigen la mirada. Matisse tenía una idea de la pintura en la que no hubiera un elemento preponderante, que todos los elementos tuvieran el mismo valor y los espectadores pudieran elegir su posición o su elemento preponderante. ¿Y te parece que el cine actual está compuesto de muchos de esos elementos preponderantes? El cine convencional sí. Pienso que el cine comercial es una ilustración del guion, de la continuidad narrativa. Todos elementos que no me interesan, y precisamente eso que Cassavetes no hace. Comenzaste tu carrera trabajando con Wim Wenders, como asistente de dirección en El estado de las cosas, ¿tenés alguna anécdota del rodaje? Para mí fue una experiencia tan fuerte que aún no logro ser objetivo con respecto a esa película. Desde ese entonces, todo ha cambiado. Pero la gran revelación de trabajar con Wenders ha sido el descubrimiento de la libertad que les daba a sus actores durante el rodaje (que consistía en bocetos escritos de sus escenas que los actores terminaban de dar forma al momento de actuar). Yo nunca trabajé del todo así. Para mi última película, É o amor, escribí un guion durante dos años, pero en colaboración con mis actores. De vuelta, un poco como hacía Cassavetes…

É o amor

VI 22, 17.00, Cinema 1

Filmar en Super 8; el cruce entre cine y videoarte Pienso que mis películas tienen algo de arte plástico además de cine. Cuando empecé a filmar, en 2008, lo hice en video, pero el resultado no fue el que yo quería. Considero que el digital destruye la posibilidad de entrar en universos oníricos, en términos de imagen. Después conocí a Paulo Abreu en un largometraje en el que yo trabajaba de asistente de dirección y él se convirtió en mi director de fotografía. Él es daltónico, no distingue los colores, y me mostró sus proyectos en Super 8. Cuando los vi, quedé enloquecido. Le dije: quiero eso para mí. Entonces trabajamos juntos en Synchrotron. Synchrotron Lo que me llevó a hacerla fue mi interés en los nolugares, como esa casa cortada al medio. Desde niño siempre me llamó la atención, pero no sabía bien qué tipo de historia quería filmar ahí. Luego, en una feria de artículos de segunda mano, descubrí fotos de experimentos nucleares de los años cincuenta y, con las leyendas que aparecían en cada una de las fotos, desarrollé el guión. Es mi película más experimental, no hay una historia tan definida, pero mi obsesión con esa casa era tan grande que debía hacer algo con ella. Referentes y estilo Me interesa lo alquímico del cine. Las reacciones de los haluros de plata en la película están relacionadas con lo que pasa en mis películas, a las máquinas, que también trabajan de forma alquímica. Esto entró en mi mente a partir de las películas de Jan Svankmajer, quien es un gran referente para mí. Su corto The Flat me ayudó a pensar cómo filmar Synchrotron, qué lenguaje usar para filmar en un interior que no fuera un estudio cerrado. Cuando hice Sangue frio, en cambio, eran exteriores y usé planos más abiertos. Cero diálogos, mucho trabajo sonoro Tengo dos motivos para no usar diálogos: primero, porque en mis primeros cortos no había otro personaje con quien dialogar, entonces no necesitaba que hablen. Y después, porque el diálogo es algo característico de un lugar, y yo no quiero que mis películas retraten a un país. Transcurren en un universo alternativo, no queda en el planeta Tierra. Si mis personajes hablaran en portugués, los estaría introduciendo en Portugal. Lo mismo hago con el vestuario: elijo ropa que no marque una época, podría ser de ahora como de hace diez o treinta años.

El Instituto de Cine portugués no tiene interés en financiar proyectos fantásticos, por eso soy yo quien los paga. Yo trabajo como asistente de dirección de Miguel Gomes o Pedro Costa, por ejemplo, y todo el dinero que gano lo invierto en mis películas. El Instituto quiere historias sociales, más "normales", y además uno compite con directores que ya han hecho diez largometrajes. Es imposible para mí competir en esos términos. No hay una ética en ese tipo de concursos. La Cinemateca Portuguesa y el conflicto del cine La ley dice que los canales de televisión públicos deben aportar un cuatro por cierto de las ganancias que obtienen de la publicidad y eso debe ir destinado al cine. El problema es que en los últimos años cayó la cantidad de publicidad en televisión, entonces para resolver esa situación se creó una nueva ley que involucra a los canales privados y al cable, que deben dar el dos por ciento de su lucro. Los canales por cable dijeron que esto es inconstitucional y fueron a tribunales, no quieren pagar. Van a pasar al menos cinco años hasta que haya una solución. Nos están asfixiando, y el gobierno no hace nada; yo creo que es porque le tienen miedo a los medios y a su poder, a lo que los medios saben y pueden denunciar sobre ellos. Ya renunciaron el presidente del Instituto y el de la Cinemateca, o sea que ahora ni siquiera tenemos un representante. A herdade dos defuntos Es una crítica a los problemas económicos, habla de alguien que tiene el poder y lo ejerce sobre los otros. Es lo mismo que pasó en Portugal, que sufre una crisis y además sufre las presiones de la Unión Europea. Alemania y el Banco Central nos presionan, no podemos huir. El personaje central, la gorda, es en mi cabeza Angela Merkel, y los hombres que traspasan su propiedad son Portugal, Grecia, España... es una metáfora. Estética, ideología y futuro próximo Estoy terminando un corto nuevo. Actualmente es imposible financiar un corto en Super 8, así que ni me atrevo a escribirlo. Ahora finalmente logré un financiamiento de tres mil euros y no tuve que poner dinero de mi bolsillo. Es una crítica de la sociedad actual, del patronato, de los dueños de las fábricas. Se va a llamar Los sonámbulos, porque ahora en Portugal los empleados son una especie de zombies: tienen el fútbol y los reality shows. El patronato baja el valor de su trabajo y los obreros bajan la cabeza y siguen con sus vidas, no protestan, no se manifiestan. Estamos todos durmiendo. Pero si esa no es la forma, hay que encontrar otra forma de resolver el tema. Y volver a tener una vida digna. A mí antes me interesaba solamente la estética, pero cuando empezó la crisis empecé a trabajar con un mensaje.

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Sentidos Críticos - Hoy: Florencia Abadi

Zizek, el cine y la ideología Con presentación y debate posterior a cargo de Eduardo Grüner, hoy se proyecta por primera vez The Pervert’s Guide to Ideology, la nueva película del filósofo superstar Slavoj Zizek. Y quién mejor que otra filósofa –además de investigadora, docente y conductora del ciclo Pensadores de Canal Encuentro–, Florencia Abadi, para ponernos en tema y contarnos qué tiene en la cabeza el esloveno. En The Pervert’s Guide to Cinema, estrenada en 2006, la dupla formada por la directora inglesa Sophie Fiennes y el filósofo esloveno Slavoj Zizek se proponía analizar algunas grandes películas de la historia del cine desde el aparato teórico del psicoanálisis lacaniano. Ahora la pareja estrena la segunda parte de ese proyecto, The Pervert’s Guide to Ideology. El foco está puesto, en esta ocasión, en la ideología –como indica el título–, y a las películas se suman otros objetos de análisis: imágenes televisivas de sucesos históricos (el reciente atentado en Noruega, saqueos en Estados Unidos), la novena sinfonía de Beethoven, publicidades, etc. La película se propone como una forma peculiar de crítica de la ideología, en la que las categorías del psicoanálisis se combinan con la teoría social marxista. La indagación del vínculo entre el cine y la construcción de ideología se puede encontrar en las primeras reflexiones teóricas sobre el cinematógrafo, que rápidamente fue caracterizado como “fábrica de sueños”. El propio Zizek, desde su primer libro en inglés –titulado El sublime objeto de la ideología–, comprende la ideología como el modo en que la fantasía construye la realidad, en contraste con la idea del marxismo vulgar que emparienta la ideología con una falsificación y un ocultamiento de la realidad: una mentira que “tapa” las verdaderas relaciones que rigen la sociedad y los comportamientos.

Lejos de esta posición que busca “desenmascarar” la ideología y los falsos placeres que nos ofrece, Zizek reconoce que son precisamente los mecanismos ideológicos aquellos que nos vinculan de manera positiva, espontánea con el placer. Contra una visión celebratoria de cierta espontaneidad que se piensa como ruptura con las formas automáticas, alienadas, Zizek sostiene que precisamente esas formas automáticas, alienadas, preformateadas son nuestro deseo y nuestro disfrute. Disfrutar es disfrutar dentro de las redes de la ideología. En esta dirección, el documental intenta mostrar el significado político de películas como Tiburón, Taxi Driver, Brasil, La naranja mecánica, La novicia rebelde, entre otras. Allí descubre los mitos contemporáneos, con la vigorosa fuerza inconsciente que detenta lo mítico. Titanic, “el caso supremo de ideología en el Hollywood reciente” es leída a la luz de un mito clasista: la clase alta, cuando pierde vitalidad, vampiriza a las clases bajas. Tiburón –interpretado en el film por Fidel Castro como la metáfora del capitalismo que devora al americano común, o por algunos críticos como la lucha contra la inmigración temida– expresa para Zizek la necesidad de conjurar todos los miedos difusos en una figura fácilmente reconocible (el tiburón). Zizek se caracteriza como los personajes de las películas y habla desde los escenarios en que transcurren las historias: desde la cama del

protagonista de Taxi Driver, desde el avión en que llega Hitler a Nüremberg en El triunfo de la voluntad. Esa inmersión de Zizek en el mundo feo de la ideología es completa: toma Coca Cola, come Kinder Sorpresa, toma café de Starbucks. Con un inglés “cortado a motosierra” (como supo definirlo un crítico español), hace lo que mejor sabe hacer: combinar la reflexión teórica con el espectáculo, la crítica con el humor.

The Pervert’s Guide to Ideology

HOY, 19.30, Cinema 1 (con presentación y debate posterior a cargo de Eduardo Grüner) VI 22, 14.30 I Ambassador 1

Juan Antonio Bardem

Mar del Plata mon amour El español Juan Antonio Bardem es un ícono del primer esplendor del Festival, al que visitó en varias oportunidades con sus películas y como jurado. Incluso, gracias a un acuerdo sellado aquí, pudo filmar Los inocentes en Mar del Plata cuando el franquismo le hacía las cosas difíciles en su país. La retrospectiva que le dedicamos en esta edición permite actualizar y devolver ese amor que el cineasta tuvo con nuestra ciudad y nuestro Festival. El vuelo que traía desde España a Juan Antonio Bardem para la tercera edición del Festival Cinematográfico Internacional de Mar del Plata, en 1961, tuvo un problema y necesitó hacer una escala forzada en la ciudad brasileña de Recife. Como eso provocó una demora de un día, y los invitados que venían en ese vuelo –entre quienes también estaba el guionista italiano Cesare Zavattini– llegarían después de la ceremonia de apertura del Festival, se decidió posponer el evento. A Bardem le costó llegar a Mar del Plata, pero lo que cuesta, se sabe, vale. Venía a presentar su película A las 5 de la tarde, y ése fue el comienzo de una larga historia de amor cinéfilo con Mar del Plata; historia que este año se continúa con una retrospectiva merecida para alguien central para el pasado de este Festival. Tal vez, el amor de Bardem por la ciudad haya tenido que ver con que la conoció por primera vez en plena temporada veraniega, porque ese año el Festival se realizó durante la primera quincena de enero, cuando tradicionalmente los turistas encienden todo el brillo y el vértigo de La Perla del Atlántico. Junto a Luis Buñuel, a quien le habían permitido volver a España para filmar Viridiana (que igual terminó en escándalo), y a Luis García Berlanga, su cómplice para iniciarse en el cine, Bardem era uno de los más conspicuos opositores a la dictadura de Franco, especialmente

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por su afiliación pública al Partido Comunista. Sin embargo, todos se las ingeniaron para evadir la censura oficial, más allá de la breve apertura cultural que hubo en el franquismo de los sesenta. El diario marplatense La Capital, en ese 1961, indagó en esa veta del cineasta: “¿Cómo se arreglan los 'rebeldes' como usted y García Berlanga con la censura en España?” Bardem respondió: “Un artista, para poder crear, debe hacer ciertas concesiones, siempre que ellas no comprometan la esencia de la obra. Por ejemplo, no se me permitía ubicar en 1960 el argumento de La venganza. Accedí, luego de prolongada meditación, llevarla a 1931. La concesión salvó la obra y el mensaje”. Cierta admiración de su inteligencia para evadir a los censores y seguir haciendo un cine crítico pese a todo, tal vez hicieron que Mar del Plata le devolviera el amor que Bardem enseguida sintió por la ciudad. Porque luego de esa primera visita, el Festival prolongó la relación con el cineasta español con el ofrecimiento para ser parte del Gran Jurado de la siguiente edición, celebrada en marzo de 1962. No debe ser casual que una de sus decisiones como jurado ese año haya sido premiar el argumento de Los jóvenes viejos, de Rodolfo Kuhn, película que narra una escapada a Mar del Plata: en su segunda visita, es Bardem quien decide devolver el amor a la ciudad balnearia como se lo merece,

haciendo su siguiente película en locaciones marplatenses. Y así volvería un año más tarde con Los inocentes, que tendrá a la ciudad como huella de la relación intensa que el director desarrolló con Mar del Plata, y que resultaría todo un éxito de crítica y público. “La película de Argentina Sono Film Los inocentes prácticamente tiene resuelta su ubicación mundial, según conversaciones que el señor Atilio Mentasti realizó con productores extranjeros. Debe recordarse que Los inocentes fue rodada en un ochenta por ciento en Mar del Plata por el director español Juan Antonio Bardem, conforme un proyecto elaborado en el anterior festival, con motivo de su concurrencia al mismo integrando la delegación española”, consignó en 1963 el diario La Capital. La retrospectiva que el Festival le dedica este año a Bardem incluye, claro, a Los inocentes, que permite ver a Mar del Plata como en una ficción que transcurre en la primera época de gloria del Festival, así como también documentan los cortos de Sucesos Argentinos antes de cada función. La información para elaborar este artículo está sacada del libro Historia del Festival Internacional de Cine de Mar del Plata. Primera época: 19541970, de la epopeya a la resignación, escrito por Julio Neveleff, Miguel Monforte y Alejandra Ponce, editado este año con prólogo de José Martínez Suárez. Allí también recuerdan con una imagen

muy entrañable a Bardem: ensuciándose las manos mientras revisaba viejos volúmenes en una librería de la calle Rivadavia, a una cuadra de la peatonal. Eso pasó hace mucho tiempo porque los años se van volando. Pero, por suerte, Bardem siempre vuelve gracias al cine y al Festival. Siete días de enero

HOY, 14.15, Paseo 2 Los inocentes

HOY, 16.30, Paseo 3 Nunca pasa nada

HOY, 20.30, Paseo 3


¡Liberen a Panahi! En diciembre se cumplirán tres años de la injusta condena contra el iraní Jafar Panahi, director de películas tan memorables como El globo blanco y Offside. Y en estos días se cumplieron dos años desde la multitudinaria fotografía con que el Festival se sumó a la campaña internacional para su liberación. Con cierta tristeza porque poco ha cambiado en todo este tiempo, pero con la misma convicción y energía de entonces, queremos convocar al público, al staff,

a los invitados, a los acreditados, a los marplatenses –a todos y todas, en suma– para una nueva foto grupal, que se tomará este viernes 22, a las 10.30 de la mañana, en la Plazoleta Almirante Brown frente al 28 corpóreo. Será una manera de unir nuestras voces a la defensa del iraní (y de muchos otros cineastas que han sido encarcelados sólo por reflejar su universo y su realidad) en un solo grito de justicia: ¡Liberen a Panahi!

Día de las Películas Familiares ¡ÚLTIMO AVISO! El cine amateur amó desde siempre Mar del Plata, una de las ciudades más registradas en cualquier formato casero. Por eso, si tenés algún rollo de 8mm, Super 8, 9.5 y 16mm, donde filmaste esta ciudad, podés traerlo para que lo proyectemos en el Día de las Películas Familiares, edición balnearia. Un evento organizado por ARCA, asociación civil para preservar y difundir materiales fílmicos familiares, científicos, educacionales y no profesionales. Una experiencia de pantalla abierta

donde lo personal se hace público, que recorre el país y que, por primera vez, se hace en este Festival en una función gratuita, libre y, como siempre, también sorprendente. Más info: www.arcacine.com.ar

Día de las Películas Familiares

VI 22, 16.00, Auditorium

¡(Des) Velada Nocturna con todo el swing!

A esta altura del Festival, casi no hace falta seguir recomendándoles que se acerquen por las noches a nuestro Punto de Encuentro (va de vuelta: Salón Bristol Restó del Teatro Auditorium, acceso recova por foyer del teatro), pero costumbres son costumbres. La velada de hoy estará animada (¡y cómo!) por la Orquesta Inestable, un septeto de swing a la vieja usanza que ejecuta clásicos del género, del jazz, boleros y también temas propios, con una atmósfera teñida de burlesque que trasciende las épocas. Y después, a sacarle brillo a la pista con Carlos Es-

naola, musicalizador –o DJ, si lo prefieren; él no– que promete “perfumar el ambiente con sonidos que inspiren y estén plenos de seducción”. Orquesta Inestable + DJ Carlos Esnaola

HOY, 21.00, Punto de Encuentro El ingreso a los shows es para acreditados. De no serlo, las entradas se retiran en el Stand de Informes del Teatro Auditorium hasta completar la capacidad, entre las 10 y las 18 h.

Tercer Encuentro de Comunicación Audiovisual ¡Luz, cámara, discusión…! Con fuerte presencia de ministros del Poder Ejecutivo Nacional, dará comienzo hoy el tercer ECA (Encuentro Nacional de Comunicación Audiovisual), organizado en el marco del Festival Internacional de Cine de Mar del Plata, que invita desde el 2011 anualmente en esta ciudad a los representantes del sector audiovisual a que sean parte de un ámbito de debate en relación a las principales conquistas y desafíos que atraviesa el país en el mayor proceso de transformación de su historia de la producción y comunicación audiovisual. Esta tarde a las 14 h en el Teatro Provincial, la destacada participación de representantes del Estado Nacional en la apertura del tercer

ECA acompañará el impulso que este espacio de trabajo instaló desde su creación hace tres años, haciendo posibles las discusiones acerca temas de comunicación audiovisual en nuestro país hacia la construcción de un país con mayor democratización en el acceso a la palabra pública en el lenguaje audiovisual. Desde la sanción de la Ley 26.522 de Servicios de Comunicación Audiovisual el Estado Nacional asumió un rol protagónico como promotor y articulador de políticas públicas que fortalecen y acompañan el desarrollo de los sectores que hasta ese momento estaban afuera del mundo audiovisual que se reparte la pauta publicitaria anualmente y que disputa la preferencia de las audiencias.

INSPIRACIONES Saludos, vecinos. Llegó el jueves y con él la posibilidad de ver los estrenos de la cartelera comercial, comer pochoclos y… pero ¿de qué demonios estoy hablando?, si esta ciudad está copada (¡y cómo, y qué copada!) por este plus quam maravilloso encuentro cinéfilo. Sepan disculparme: pasado el meridiano festivalero, mi concentración ya no es la misma. Un segundito, déjenme recuperar fuerzas con mi mascarilla de oxígeno... ¡Ahí vamos! Bueno, a ver, vecinos. O mejor: ¡a ver! Gambeteando como siempre las competencias (¿por qué? Pues porque sí), pueden empezar el día con los 244 minutitos de At Berkeley, la nueva epopeya documental del legendario Frederick Wiseman, que sigue haciéndole honor a su apellido. Pero si no tienen tanto aliento (como me pasa a mí), hay alternativas, claro que sí, vecinos... Imaginemos que arrancan rockeándola con El peor dios, enérgico documental sobre la banda española de rockabilly Desechables. Poco después, se abrirán todos los cielos en pos de un poco de justicia humorística, ya que llega Locura yanqui (cuyo título es un desapego absoluto por el respeto a la traducción, siendo el original Kentucky Fried Movie). Acá Landis tra-

baja con guiones de los ZAZ (Jim Abrahams y los hermanos David y Jerry Zucker, los de La pistola desnuda y Super secreto), logrando una de las comedias más anárquicas, enloquecidas y descontroladas de todos los tiempos, una seguidilla de situaciones ridículas, sátiras de géneros con trailers de películas inexistentes, y una tonelada de personajes que se les grabarán en el hipotálamo, vecinos, de Big Jim Slade a Samuel L. Bronkowitz. Si no van a disfrutar de todo esto, con el plus de Landis preguntando cómo llegó a ser programada esta película en el Festival, en vivo y en directo, no entienden nada. Y si no se ríen en el segmento Por un puñado de yenes, los suyos son casos perdidos, vecinos. Ustedes eligen cuál es vuestra clase de cinefilia particular entre tres opciones de considerable peso: Real, de Kiyoshi Kurosawa, Une historie seule, de Xurxo Chirro, y Aguinaldo Fructuoso (¡qué gran nombre!), y The Ring, un Alfred Hitchcock mudo musicalizado en vivo por los grosos de Kabusacki-Mango, MangoKabusacki. Tres opciones, tres cinefilias, una sola pasión. O cuatro, tres, una, si sumamos a la compañera de sección de Xurxo y Aguinaldo All’ombra de la croce, una experiencia mul-

En este tercer ECA, que ya se ha constituido como el mayor Foro de Debate del sector, es un encuentro masivo en el que habrá representación de diversas áreas del Estado que son parte de las políticas comunicacionales: AFSCA, Secretaría de Comunicación Pública, Ministerio de Planificación Federal, ARSAT y Radio y Televisión Argentina, también los sindicatos del sector, televisoras privadas, públicas, cooperativas y universitarias, organizaciones sociales y políticas, productoras audiovisuales y realizadores de todo el país. Desde su primera edición el ECA ha reunido a los actores sociales comprometidos con este cambio histórico en materia de comunicación, que han tenido el espacio para el intercambio

de experiencias, la sociabilidad de herramientas, la promoción de propuestas y proyectos que confluyeron construyendo una sinergia acorde a las necesidades de la ampliación de derechos y de la inclusión de miles de trabajadores del sector audiovisual. Un momento histórico, un sector en movimiento, un Estado presente y promotor del desarrollo, invitados especiales del país y de Latinoamérica, todos los ingredientes para excelentes jornadas de trabajo. “Conquistas y Desafíos hacia la Construcción de la Soberanía de la Industria Audiovisual” es el lema de este tercer ECA, que a las 14 h tendrá su Apertura Oficial en el Teatro Provincial de la Ciudad de Mar del Plata.

Buscando aventuras Por el licenciado Frank Booth, a veces Alan Smithee

tisensorial en el Valle de los Caídos español firmada por Alessandro Pugno. Y hablando de pasiones, nuestra medianoche de todos los días es el acabóse del terminóse del finiquitóse. Cazador de hombres, de Michael Mann (¡qué bien me cae ese tal Hannibal Lecter, o Lecktor!), Moebius, de Kim Ki-duk

(sólo los fuertes de estómago sobrevivirán, no digan que no les avisé) y Pescado Rabioso, una utopía incurable, de Lidia Milani, empiezan, las tres, a la misma hora. Qué difícil se me hace, vecinos... Y no hablo, claro que no, de mantenerme en este viaje...

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Jueves 21 9.00 I Auditorium

Club sándwich Fernando Eimbcke

82’ / INT

10.00 I Cinema 2

Penumbra

Eduardo Villanueva

98’ / LAT

10.00 I Colón

Mujer conejo Verónica Chen

85’ / ARG

11.00 I Cinema 1

At Berkeley

Frederick Wiseman

244’ / AUT

12.00 I Ambassador 1

Yvy maraey Tierra sin mal

Juan Carlos Valdivia

105’ / INT

12.00 I Ambassador 3

Viaje a Italia

Roberto Rossellini

97’ / ROS

12.00 I Auditorium

The Eternal Return of Antonis Paraskevas Elina Psykou

88’ / INT

12.00 I Paseo 1

El peor dios

Alejandro Montes, Daniel Arasanz, Nicolás Tarela

86’ / BSO

12.15 I Ambassador 2

12.30 I Colón

7 Salamancas Marcos Pastor

66’ / ARG

12.30 I Paseo 3

India

Roberto Rossellini

90’ / ROS

14.30 I Paseo 1

84’ / CAS

Ajawaska, fragmentos de un viaje a las alturas

12.45 I Ambassador 4

80’ / NAT

Eclipse de sol Luis Saslavsky

Cortos - Competencia Argentina 1 Varios directores

89’ / COA 12.45 I Paseo 4

Congreso Luis Fontal

85’ / BMD 13.00 I Cinema 2

Violeta Soto Valdés

14.30 I Paseo 3

La casa de los millones

Luis José Bayón Herrera

93’ / CAS

15.00 I Colón

Liberen a García María Boughen

78’ / ARG

A estas alturas de la vida

15.00 I Paseo 4

82’ / LAT

Stefano Martone, Mario Martone

Álex Cisneros, Manuel Calisto

14.00 I Ambassador 3

Cortos - Competencia Latinoamericana Varios directores

141’ / COL 14.00 I Auditorium

Drinking Buddies Joe Swanberg

90’ / INT 14.15 I Ambassador 2

A la orilla de este mundo Ariel Di Marco

68’ / NAT

O quinto evanxeo de Gaspar Hauser

14.15 I Paseo 2

61’ / ALT

180’ / BAR

Alberto Gracia

14.30 I Ambassador 1

Siete días de enero Juan Antonio Bardem

Luciérnagas por linternas 42’ / NAT

15.30 I Cinema 2

Locura yanqui John Landis

16.30 I Auditorium

E agora? Lembra-me Joaquim Pinto

164’ / POR

16.15 I Paseo 4

19.00 I Auditorium

90’ / HUM

Los inocentes

The Eternal Return of Antonis Paraskevas

Lita Stantic

105’ / BAR

Elina Psykou

16.30 I Paseo 3

Juan Antonio Bardem

17.00 I Ambassador 1

Real

Kiyoshi Kurosawa

127’ / HOR

17.00 I Ambassador 3

Cortos - Competencia Latinoamericana Varios directores

141’ / COL

17.00 I Colón

La utilidad de un revistero Adriano Salgado

115’ / ARG

17.00 I Paseo 1

Une histoire seule Xurxo Chirro, Aguinaldo Fructuoso

Cortos - Super 8 Vallereggio Horacio Vallereggio

66’ / SUP

17.45 I Paseo 4

The Ring

Alfred Hitchcock

108’ / HIT

Miklós Jancsó

88’ / INT 19.30 I Ambassador 1

La Jalousie Philippe Garrel

77’ / AUT 19.30 I Cinema 1

The Pervert’s Guide to Ideology Sophie Fiennes

134’ / MUN 19.30 I Colón

El aire Santiago Guidi

67’ / ARG 19.30 I Paseo 1

Corrales de piedra Alberto Gauna

38’

Spiriti Yukai Ebisuno, Raffaella Mantegazza

24’ / NAT 19.45 I Ambassador 2

Matéria de composição Pedro Aspahan

82’

Looking for Adventure

18.00 I Cinema 2

Chau

Gillespiana

47’ / NAT

76’ / ESP

20’ / BSO

Kimi Takesue

Joe Losurdo

22.15 I Ambassador 2

17.45 I Ambassador 2

16.00 I Cinema 1

Roberto Rossellini

20.00 I Paseo 2

Los desesperados

Mariano Laguyas

Enrique Dawi

Paisà

Un muro de silencio 107’ / TRI 20.00 I Paseo 4

Cortos - Cañas Programa 1 María Cañas

65’ / CAÑ 20.15 I Ambassador 4

Cortos - Competencia Argentina 1 Varios directores

89’ / COA 20.30 I Cinema 2

Penumbra

Eduardo Villanueva

Sacrificial Youth

0.15 I Ambassador 2

77’ / BSO

16.00 I Ambassador 4 150’ / WIP

22.00 I Paseo 1

134’ / ROS

77’ / INT

65’ / ALT

Varios directores

19.45 I Ambassador 3

90’ / JAN

Gastón Bottaro, Luciano Juncos

83’ / LAN

WIP - Programa 1

18.00 I Paseo 2

Mis peores amigos: El regreso de Promedio rojo

La laguna

A memória que me contam

Nicolás López

0.15 I Paseo 1

95’ / PCL

Pescado Rabioso, una utopía incurable

22.15 I Paseo 2

55’ / BSO

Lúcia Murat

Alemania, año cero Roberto Rossellini

78’ / ROS

22.30 I Ambassador 3

Lidia Milani

0.15 I Paseo 2

Cazador de hombres Michael Mann

124’ / VHS

Bloody Beans

0.30 I Ambassador 1

77’ / ALT

Kim Ki-duk

Narimane Mari

22.30 I Cinema 1

Lacrau

Moebius 91’ / AUT

0.30 I Ambassador 3

99’ / POR

Big Star: Nothing Can Hurt Me

22.30 I Colón

113’ / BSO

João Vladimiro

Drew DeNicola, Olivia Mori

98’ / LAT

Mujer conejo

20.30 I Paseo 3

85’ / ARG

Homoide

22.30 I Paseo 3

104’ / FIL

Nunca pasa nada Juan Antonio Bardem

Verónica Chen

95’ / BAR

Ambición

21.30 I Paseo 4

72’ / CAS

Cortos - Cañas Programa 2

Adelqui Millar

22.45 I Ambassador 4

All’ombra della croce

0.30 I Paseo 3 Marek Piestrak

0.45 I Ambassador 4

Rocío Recorder Marcos Migliavacca, Nahuel Lahora

71’ / BSO

Alessandro Pugno

1.00 I Paseo 4

22.00 I Ambassador 1

23.00 I Cinema 2

Daniel Gómez, Fermin Muguruza

Bong Joon-ho

Matías Herrera Córdoba

María Cañas

63’ / CAÑ

Mother

128’ / BON 22.00 I Auditorium

Club sándwich Fernando Eimbcke

82’ / INT

73’ / ALT

El grillo

No More Tour 105’ / BSO

82’ / LAT

Función Agregada

23.00 I Paseo 4

16.00 I Ambassador 2

Margarita no es una flor Cecilia Fiel

100’ / PAN

La cabellera de Berenice

Horacio Vallereggio

75’ / SUP

¡No te lo pierdas! Casi dos años pasaron ya desde que se fue el querido Luis Alberto Spinetta. Y para los que no podemos seguir viviendo sin el amor de uno de los mayores artistas nacionales, hoy hay una cita impostergable (y noctámbula, como no podía ser de otra manera) con la película de Lidia Milani Pescado Rabioso, una utopía incurable. Parte documental de rock y parte homenaje a la memoria del Flaco, registra toda la intimidad de la reunión de Pescado Rabioso en 2009 (y el antes y el después, con entrevis-

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tas a todos sus integrantes originales) que cristalizó en el ya mítico recital “Luis Alberto Spinetta y las bandas eternas”. Y, por si no le hacen caso al título de esta pequeña sección, una buena noticia: mañana viernes agregamos una función más a la grilla de programación. Pescado Rabioso, una utopía incurable

HOY, 0.15, Paseo 1 VI 22, 17.30, Ambassador 2

Montse Callao Escalada Pablo Marín Agustín Masaedo Gustavo Sala Guido Segal Diego Trerotola DISEÑO Cecilia Loidi Gastón Olmos FOTOS Horacio Volpato

COLABORAN HOY Florencia Abadi Pablo Conde Juan Manuel Domínguez Francisco Pérez Laguna COORDINADORA DE FESTIVALES NACIONALES INCAA Paola Pelzmajer IDENTIDAD VISUAL Adrián Goldfrid Agustina Turchetto


CARO DIARIO DIA 6  

Diario del Festival Internacional de Cine de Mar del Plata. Edición Jueves 21 de noviembre.

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