2015|MIXTAPE

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2015

MIXTAPE

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Silver Machines 2015. Seguimos huérfanos de algún movimiento aglutinador de la música contemporánea y cada vez estamos más seguros de que no va a llegar. Todo es cada vez más nebuloso e intangible. Indie y mainstream son palabras que se siguen vaciando de contenido, pese al poco que ya tienen. Mientras tanto, intentamos quedarnos con las canciones buenas los discos buenos, que no por formato en desuso dejan de ser el mejor baremo para medir la calidad de un determinado artista. Si no en calidad real, podemos medir el año en lo nacional a través de fenómenos como Pxxr Gvng o Hinds. No sabemos si está bien que la música sea protagonista a costa de todo, pero al menos pasamos el rato mientras lloramos a Lemmy, Daevid Allen, Scott Weiland o BB King. Por si fuera poco, asistimos al comienzo de año con el regreso a su planeta del gran David Bowie. Con la ingenua esperanza de que surja otro talento similar, seguimos en esto y haremos que 2016 valga la pena.

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2015

INDEX

pg

2015 TIMELINE

4

BEST OF

7

DISCOS

14

ENTREVISTAS

31

MELLON COLLIE / WEILAND / LEMMY

MIXTAPE

1995

50

GRACIAS

74

Better reading through listening

3


2015 Swervedriver anuncian “I Wasn’t Born to Lose You”, primer álbum en 17 años. Kim Fowley †, productor y compositor: Kiss, Alice Cooper, The Modern Lovers, The Runaways… The Black Crowes lo dejan L7 confirman reunión y anuncian primera fecha de gira en Azkena 2015 The Sonics anuncian “This Is The Sonics”, primer disco en casi 50 años Edgar Froese (Tangerine Dream) † Tori Amos anuncia primer concierto en España en Primavera Sound 2015

ENERO

FEBRERO Marzo

Faith No More anuncian “Sol Invictus”, primer disco en 18 años, para Mayo Steven Strange (Visage) † “The Magic Whip”, primer disco de Blur en 12 años. Fecha en FIB 2015 Niño y Pistola lo dejan Daevid Allen (Soft Machine, Gong) † QOTSA anuncian descanso

JULIO AGOSTO SEPTIEMBRE Wilco anuncian nuevo disco por sorpresa y lo regalan en su web Dieter Moebius (Cluster, Harmonia) † The Gaslight Anthem lo dejan por un tiempo

Nace Nevermen con Mike Patton, Tunde Adebimpe (TV On the Radio) y Adam “Doseone” Drucker 25 aniversario de BCore con reunión de The Unfinished Sympathy y Standstill tocando sus temas en inglés Javier Fernández (Piratas) †, de un tiro de la Guardia Civil en pleno brote psicótico Nace Soldiers of Fortune, con miembros de Interpol, Oneida y Chavez Vuelven Lush y anuncian conciertos para 2016 Peiremans+ se reúnen para un puñado de conciertos

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T I M E L I N E

2015

MIXTAPE

Abril

Super Furry Animals se reactivan (VIDA Festival) Ethan Khan continúa Crystal Castles con nueva cantante y edita nuevos temas Refused anuncian “Freedom”, primer álbum en 17 años Se estrena “Cobain: Montage of Heck” en España Cierra Grooveshark The Lemon Day anuncia su última edición: Za!, Betunizer, Nueva Vulcano, Pony Bravo… Standstill anuncian parón indefinido y últimos conciertos Vuelven Royal Trux B.B. King † Manuel Molina † Flying Saucer Attack anuncian primer disco en 17 años, “Instrumentals 2015”.

Mayo

JUNIO

Paul Westerberg disuelve de nuevo The Replacements en pleno NOS Primavera Sound New Order anuncian primer álbum en 10 años y sin Peter Hook, “Music Complete” Chris Squire (Yes) †

OCTUBRE NOVIEMBRE DICIEMBRE Carey Lander (Camera Obscura) † Steve McKay (saxofonista de The Stooges) † 091 anuncian su reunión para 2016 y primeras fechas en directo

The Hellacopters se reúnen para tocar su debut Allen Toussaint † Más de un centenar de muertos en atentado yihadista en París durante un concierto de Eagles of Death Metal

John Cummings (guitarrista) abandona Mogwai

Jesús Arias †, periodista musical y miembro de los seminales TNT Scott Weiland (Stone Temple Pilots, Velvet Revolver) † “Christmas Will Break Your Heart”, primer tema de LCD Soundsystem tras su separación en 2011 Lemmy †

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TOPS 2015 RESEÑAS Sospechosos habituales. Sleater-Kinney, Titus Andronicus, Nueva Vulcano, Failure, Ulises Lima... las guitarras vuelven a copar nuestros primeros puestos. Ok, no es franela todo lo que da calorcito. También tenemos la desnudez de Sufjan Stevens o la revelación de Jamie xx copando primeros puestos. Pero sin duda podemos decir que nuestros tops de 2015 son exponentes de lo que en la redacción ya conocemos como #sonidofeiticeirA. Todavía no lo tenemos muy definido pero a buen seguro que en él caben también Betunizer, Royal Headache o Health. El #sonidofeiticeirA va a llegar y va a arrasar con vuestros festivales de Izales y Supersubmarinas. Expect us.

Si crees que estos discos te pueden interesar, cómpralos, descárgalos, escribe un post sobre ellos, regálaselos a alguien, dedícales un tweet, pinta sus nombres en la fachada de una sucursal bancaria... contribuye a su difusión.

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TOP 2015

INTERNACIONAL

8

1 SLEATER-KINNEY - No Cities to Love 2 JAMIE XX - In Colour 3 SUFJAN STEVENS - Carrie & Lowell 4 FAILURE - The Heart Is a Monster 5 ROYAL HEADACHE - High 6 HEALTH - Death Magic 7 TITUS ANDRONICUS - The ost Lamentable Tragedy 8 THE SOFT MOON - Deeper 9 LOW - Ones and Sixes 10 MODEST MOUSE - Strangers to Ourselves


TOP 2015

NACIONAL

1 NUEVA VULCANO - Novelerテュa 2 ULISES LIMA - For All That Matters 3 CUELLO - Trae tu cara 4 BETUNIZER - Enciende tu lomo 5 ROLLERCOASTER KILLS Life Sweet Gross 6 MCENROE - Rugen las Flores 7 PERRO - Estudias, Navajas 8 NIテ前 DE ELCHE - Voces del Extremo 9 BULLITT - Sparks 10 WILD ANIMALS - First Songs EP

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Raúl 1

OHNEOTRIX POINT NEVER Garden of Delete

NUEVA VULCANO Novelería

pg. 19

20

2

NIÑO DE ELCHE Voces del Extremo

TITUS ANDRONICUS The Most Lamentable Tragedy

21

pg. 29

3

BETUNIZER Enciende tu Lomo

FAILURE The Heart is a Monster

22

pg. 15

pg. HEALTH - Death Magic 29 METZ - II 15 JAMIE XX - In Colour 16 SLEATER-KINNEY - No Cities to Love 14 ROYAL HEADACHE - High 29

pg. ULISES LIMA - For All That Matters EL PARDO - 2015 ROLLERCOASTER KILLS - Life Sweet Gross 21 PERRO - Estudias, Navajas 21 (LO:MUÊSO) - Hoidên Limother Petity Vefuckêr

MUTOID MAN - Bleeder 25

21 WILD ANIMALS - First Songs EP

THE SOFT MOON - Deeper 19

17 DISCO LAS PALMERAS! - Asfixia

COURTNEY BARNETT - Sometimes I Sit and Think... OUGHT - Sun Coming Down 19

21 MCENROE - Rugen las Flores WIND ATLAS - Lingua Ignota Click en el nº de pag. para moverse a la reseña

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RICARDO 1

SLEATER-KINNEY No Cities to Love

BULLITT Sparks

pg. 14

2

ULISES LIMA All That Matters

KENDRICK LAMAR To Pimp a Butterfly

3

FAITH NO MORE Sol Invictus

ROLLERCOASTER KILLS Life Sweet Gross

pg.

pg.

SUFJAN STEVENS - Carrie & Lowell 26

21 WILD ANIMALS - First Songs EP

DENGUE FEVER - The Deepest Lake

20 NUEVA VULCANO - Novelería

GHOSTFACE KILLAH - Twelve Reasons to Die II

CUELLO - Trae Tu Cara

MBONGWANA STAR - From Kinshasa

ZA! - Loloismo

FFS - FFS

AFILADOR - LP

MODEST MOUSE - Strangers to Ourselves 19 TAME IMPALA - Currents 17 THE SOFT MOON - Deeper 19 GHOSTFACE KILLAH WITH BADBADNOTGOOD - Sour

21 PERRO - Estudias Navajas TOUNDRA - IV 22 BETUNIZER - Enciende tu Lomo 21 (LO:MUÊSO) - Hoidên Limother Petity Vefuckêr

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YURI 1

SLEATER-KINNEY No Cities to Love

NIÑO DE ELCHE Voces del Extremo

2

NEW ORDER Music Complete

NUEVA VULCANO Novelería

3

GRIMES Art Angels

21

pg. 14

pg. 17

20

MCENROE Rugen las Flores

pg. 29

21 pg. ALGIERS - Algiers

FAILURE - The Heart Is a Monster 15 CHVRCHES - Every Open Eye 23 JAMIE XX - In Colour 16

pg. 17 BLACANOVA - Regiones devastadas WIND ATLAS - Lingua Ignota 17 DISCO LAS PALMERAS! - Asfixia LE PARODY - Hondo

HEALTH - Death Magic 29

PABLO UND DESTRUKTION - Vigorexia emocional

LOW - Ones and Sixes

CUELLO - Trae tu cara

BEACH HOUSE - Thank Your Lucky Stars 29 TAME IMPALA - Currents 17 KURT VILE - b’lieve i’m comin’ down

TOUNDRA - IV 22 BETUNIZER - Enciende tu lomo NUDOZURDO - Rojo es peligro

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AMALIO 1

WANN We Knew it Was You

SUFJAN STEVENS Carrie & Lowell pg. 26

2

BUILT TO SPILL Untethered Moon

3

ROYAL HEADACHE High

ULISES LIMA For All That Matters

MORENAS Tres

pg. 29

pg. LOW - Ones and Sixes MODEST MOUSE - Strangers to Ourselves 19 JAMIE XX - In Colour 16 ULTIMATE PAINTING - Green Lanes 23 WAVVES X CLOUD NOTHINGS - No Life For Me 17 SOCCER TEAM - Real Lessons in Cynicism RIVAL CONSOLES - Howl 29 TITUS ANDRONICUS - The Most Lamentable Tragedy 15 METZ - II 15

pg. 20 NUEVA VULCANO - Novelería AIRBAG - Gotham te Necesita CUELLO - Trae tu cara TOUNDRA - IV 21 MCENROE - Rugen las Flores BULLITT - Sparks ROLLERCOASTER KILLS - Life Sweet Gross 21 WILD ANIMALS - First Songs Ep AFILADOR - Lp

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SLEATER-KINNEY NO CITIES TO LOVE

Hay que tener bastante integridad para dejarlo en lo más alto como hicieron Sleater-Kinney. Tras más de una década de sólida carrera en una segunda línea del indie en la que parecían sentirse cómodas, acabaron recibiendo su máximo reconocimiento popular con su álbum final, “The Woods”, visto a día de hoy como uno de sus mayores logros discográficos. Ahora, tras lo que ha parecido ser un necesario tiempo que han invertido en maternidades, proyectos paralelos e incluso saltar al estrellato hipster con Portlandia en el caso de Carrie Brownstein, Sleater-Kinney han regresado sin que parezca que las ganas y la inspiración las hayan abandonado en absoluto. Poco más de media hora necesita el trío para componer un álbum sin fisuras, que va como un tiro de principio a fin. Hablamos de uno de sus álbumes más directos, en el que estribillo y ritmo lo son todo, en el que las guitarras suenan nítidas y los bajos atronadores. En el que no hay ni un cabo suelto y sí mucha sabiduría adquirida en cuanto a cómo hacerlo aparentemente sencillo, que no simple, y bien. Ya los singles de presentación prometían: las bases rotundas y ningún miedo a la distorsión de “Bury Our Friends” y la perfección pop de “No Cities to Love”. ¿Y qué amante de las guitarras noventeras puede resistirse al riff y la melodía imbatible de “A New Wave”? ¿O al contagioso groove de “Fangless”? ¿Y qué decir del monolitismo cuasi metal de “Fade”? En cada canción encontramos detalles, un ritmo, una inflexión, que rehuyen lo evidente sin abandonar la senda de la accesibilidad. Y ése es el mayor triunfo de “No Cities to Love”, algo sólo a la altura de los grandes. Sleater-Kinney regresan con un discazo, apostando por la estructura clara y el clásico formato de power-trío, poniendo en evidencia el modelo actual de temas a medio hacer en pro de una experimentalidad forzada.

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Re señas

MIXTAPE

ENABLERS The Rightful Pivot

Un álbum minoritario pero con capacidad suficiente para atraer. Lo que queda claro es que son maestros de la sugestión y de jugar con ambientes y las atmósferas en una era en el que la mayoría de ellas vienen prefabricadas.

STEARICA Fertile

Disco grave, de impacto que trata de conjugar la libertad expresiva con la rabia de las calles. Pese a sonar familiar a veces, el concepto puede con todo y el trío se adapta bien a la convulsión de nuestros tiempos.

METZ II

Tímida normalización hacia la melodía manteniendo unas estructuras muy propias.. Ahora son incluso más, esa banda fascinada por el “Bleach” y las influencias de aquel. Podrían ser más “Nevermind”, pero no les da la gana.

MIKAL CRONIN MCIII

Al californiano le ha llegado la hora de distanciarse de otros proyectos y dar rienda suelta a sonidos más asentados en el clasicismo y la pulcritud. Power-pop muy ornamentado que a veces le lleva a perder la energía que le caracteriza.

FAILURE The Heart is a Monster

El mensaje que Andrews y Edward enviaron en una cápsula al futuro para que posteriores generaciones descubrieran cómo sonaba la música entonces, cómo se regodeaba en los ambientes y cómo pasaba a formar parte de nosotros.

JIM O’ROURKE Simple Songs

No es renovador, pero sí emocionante. Y, sobre todo, tan inteligente como para que el oyente, superado el primer esfuerzo de recorrer un sendero impredecible, pueda disfrutar de un viaje siempre sorprendente y casi inagotable.

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JAMIE XX IN COLOUR

Recuerdo mi incredulidad por el fenómeno The xx, primero por el hype que me parecía inconcebible. Después, al ver en directo que ese prodigio rítmico que aporreaba con los dedos pads digitales era el cerebro de la banda. Poco tardó en destapar su carrera como remezclador, pero no es hasta este debut cuando Jamie xx nos revela su propia, y aún en construcción, personalidad compositiva, a la vez que demuestra que el corsé de The xx le viene justo. Es fácil alabar este “In Colour” sin ambages, pero es digno de mencionar que no se trata de un disco del todo hilado ni la personalidad del músico sale a relucir igual en todos los cortes, pero sí que hay un nexo en esa sucesión de cortes ambientales (“Sleep Sound”, “Just Saying”) e incluso la muy británica invocación a la rave de “Hold Tight”, con otros temas de querencia más pop. La cosa incluso va más allá del pop, en realidad. La inclusión de un número con tintes de rnb y dancehall es un detalle netamente generacional, de lo natural que a un joven productor le resulta mezclar elementos. Aún con todo, el extremo protagonismo vocal de un tema así, rompe el disco. Y es que las colaboraciones vocales no son todo lo esenciales que podría parecer en este debut. El detalle de incluir a sus compañeros de banda es casi anécdota, aunque con Romy consigue “Loud Places”, un espléndido tema pop que escapa al fantasma de su banda en común gracias a un tono mucho más optimista y humano. Lo que nos lleva a esa “Gosh”, contagioso single que evidencia la maestría de Jamie creando ambientes de psicodelia electrónica, una de las piezas claves para que este mágico viaje ambiental funcione, sacando temas de lo que podrían ser intros. Si algo hace Jamie Smith con este notabilísimo debut es ponerse alto el listón para el tercer disco de The xx que está ya en ciernes.

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Re señas

MIXTAPE

TAME IMPALA Currents

Tras alcanzar éxito popular y crítico con “Lonerism”, se arrojan sin complejos a los brazos del pop. Sin abandonar la psicodelia, Kevin Parker deja un poco de lado las guitarras y los Beatles para centrarse en el r&b, la electrónica y Michael Jackson.

DISCO LAS PALMERAS! Asfixia

Con “Asfixia”, los gallegos recuperan e incluso llevan su furia a nuevas cotas de ruidismo psicodelico. Es como un filo tan reverberado que no sabes exactamente por dónde te corta o si resulta que todo es un sueño brumoso y muy jodido.

NEW ORDER Music Complete

¿Alguien daba algo por New Order en pleno 2015?. La adversidad ha jugado a su favor, ya que “Music Complete” es su mejor álbum desde el lejano “Technique” de 1989. Un triunfo desde lo conocido y sin salirse demasiado de su zona de confort.

REFUSED Freedom

Un ambicioso pastiche que carece de fluidez, seguramente fruto de un trabajo acelerado para no dejar la reunión degradarse. Muestra a una banda tratando de afrontar su presente, pero haciendo gala de una complejidad estructural de atrezzo.

BLACANOVA Regiones Devastadas

Siguen mirando hacia adentro, encontrando un campo tan rico que poco necesitan de afuera. Cierto es que sus referencias son evidentes y sus parámetros pueden llegar a cansar, pero les sigue valiendo para componer otro trabajo notable.

WAVVES x CLOUD NOTHINGS No Life for me

Un disco o EP que suena a esbozo, incluso más imperfecto y natural que las obras de sus creadores. La urgencia recorre estos cortes de punk-pop abrasivo con himnos simples y volátiles, que para cuando vienen, ya se han ido.

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PERO BUENO, TAMPOCO TE FLIPES 18


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Re señas

MIXTAPE

OUGHT Sun Coming Down

Tras un gran debut y EP orientados al punk y a la new wave de Television, Talking Heads o Wire, le dan continuidad con las mismas coordenadas. Y es que cuando algo funciona para qué tocarlo.

VIET CONG Viet Cong

Se aprecia un atrevimiento que podría ser la antesala de la genialidad, pero observamos una banda que necesita apretar mucho más antes de abarcar tanto. Les toca elegir entre abrazar la música experimental o los hits en Youtube.

THE SOFT MOON Deeper

Luis Vasquez ha decidido aflojar el pedal para darle más espacio a la composición. El resultado, muy en la onda de los primeros Nine Inch Nails y sus influencias, es material para una banda sonora a medio camino entre Lost Highway y The Crow.

FLIPPING COLORS Selfish Shellfish Selfie

Con sonido añejo, pero un rabioso y juguetón deje actual, nos llega este debut en largo. Conocidos de la escena valenciana, en este luminoso proyecto dejan ver sus influencias más pop en sus diversas vertientes.

ONEOHTRIX POINT NEVER Garden of Delete

Un disco agotador, mucho más directo y pop en el que caben glitches de hip-hop y vetas metálicas. Por lo que abarca, por el trabajo que se intuye detrás, por los prejuicios que obliga a derribar, el disco de IDM más disfrutable de la temporada.

MODEST MOUSE Strangers to Ourselves

Un disco donde la variedad y la libertad creativa siguen siendo la línea. No es su mejor trabajo, ni uno de los más arriesgados, pero siguen coronando los primeros puestos del indie rock, como unos de los grandes supervivientes de todo aquello.

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NUEVA VULCANO NOVELERÍA

Está ocurriendo otra vez. El trío de Barcelona Nueva Vulcano partía para este “Novelería”, cuarto álbum de una próspera andanza con importantes precuelas, desde una posición comprometida. Formación querida por definición, su parón por temas de salud no hizo sino aumentar las ganas de nuevo material y los adelantos del disco, diseminados por diferentes medios, bosquejaban un puzzle difícil de ensamblar. Pues no ha sido el problema de la diversidad el que finalmente le hemos visto a “Novelería” sino una cierta descompensación de sus momentos más memorables hacia el final. Estas son: “Rabindranath”, épico medio tiempo al que no falta nervio ni letras graciosas entre aires de shoegaze; “Hemos Hecho Cosas”, crudo elixir poppunk que mezcla lo agreste y lo pegadizo con brillante resultado; “Reversible”, un tema explosivo que se lo baila el más parado; y “La Jota”, esplendoroso cierre en clave power-pop y con más coros que nunca. Y aunque algunos cojeamos de glorificar lo que suena a 90’s, con Nueva Vulcano tengo la conciencia tranquila porque lo que transmiten va mucho más allá de una nostalgia, es un espíritu de buen rollo superior en forma de canciones que no pasan de moda. Ya da todo igual, si esta parte suena a Dinosaur Jr., la de allá a Seam o ésta más rarita a Lungfish. Nueva Vulcano tienen un sonido tan característico, tan feliz, tan mundano, que se pueden permitir hacer un disco en forma del citado puzzle en el que Artur canta más melódico que nunca y al rato casi recita, en el que los ritmos tropicalistas de “Pop y Espiritualidad” no chocan con el aire cafre de “Hasta la Boya y Volver” o el clima más sostenido de “El Mirlo” y en los que los cada vez más presentes teclado y metalófono respetan la disonancia posthardcore. Y poco importa no pillar la mayoría de referencias en las letras, aunque son por otro lado más directas que nunca. Nueva Vulcano han hecho cosas y las siguen haciendo.

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NIÑO DE ELCHE Voces del Extremo

Una irreverente obra en lo estilístico y lo político. Un disco lleno de contrastes entre la voz del cantaor, desde la profunda honestidad que se le presupone al flamenco, con multitud de barnices sintéticos, repleto de hipnosis desafiante.

(lo;muêso) Hoidên Limother Petity Vefuckêr

Demuestran crecimiento en la que pueden decir con orgullo que es su obra definitiva hasta el momento. La incorporación de nuevas texturas es notable, la confección conceptual, impecable y ellos cada vez más, inclasificables.

MCENROE Rugen las Flores

Llegan a su quinto disco con las ideas muy claras, en un álbum de pocas novedades que refleja todas sus virtudes. Aunque buscan más motivos para la esperanza, al final nos vuelven a dejar con una sonrisa y alguna lagrimilla en los ojos.

WILD ANIMALS First Songs EP

Una especie de super-trio underground que encuentra su corazón común en el punk y el rock alternativo. Superchunk, Sugar, Archers of Loaf, Jawbreaker, Wipers, Dinosaur Jr. o Samiam son nombres que nos iluminarán el rostro durante la escucha.

PERRO Estudias, Navajas

Un disco de perfil más discreto en el que los sintetizadores pierden peso en favor de las guitarras de corte noventero. Disco de contrastes, con mejores canciones en conjunto y un aumento de la tensión y la velocidad.

BEACH HOUSE Depression Cherry

Podemos disfrutar con el shoegaze de “Sparks”, el aire pastoral de “Beyond Love” o la crepuscular “Wildflower”, pero conforme pasan las semanas de lo que nos acordamos es de “Myth” o “Norway”. Su propio listón juega en su contra.

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BETUNIZER

ENCIENDE TU LOMO Parece que Betunizer lleven toda la vida con nosotros. Cuatro discos e incontables directos los asocian a nuestra memoria, pero son sólo cinco años muy bien aprovechados los que llevan poniendo banda sonora a nuestros momentos más surrealistas. Su evolución parecía más o menos marcada desde el hardcore más cafre hacia los ritmos juguetones, pero quizá sólo era cosa de fases. Y los que nos quedamos prendados de los cortes más chirriantes de su debut estamos ahora de doble enhorabuena, porque el trío ha vuelto bien ruidoso. Pero todo sigue en su sitio, si ya estás acostumbrado a ellos, los cortes de “Enciende tu Lomo” te van a entrar como un tiro. Porque los valencianos simplemente le ponen un poco más de mala leche a lo de siempre. Y también humor, porque aunque parezca bobada, con títulos de canciones como “Camilo José Shellac” o “Nicho Vegas” se ganan ya tu atención. Si luego la primera es una escalada de ritmo obsesivo y riffs adictivos y la segunda uno de esos clásicos rebosantes de oscuridad y ritmos de latón, pues lo ratificamos: Betunizer 100%. “Enciende tu Lomo” lo que tiene es el gancho de los mejores momentos del trío. Se podría decir que manejan mejor sus parametros para ser accesibles dentro de lo inaccesible. Así se entienden temas tan divertidos como esa “La Mili del Placer” que nos dan ganas de bailar con una mano arriba o el psychobilly-hardcore de “Con la Pájara en los Talones”. Quizá hacia el ecuador el disco se haga algo más áspero y desquiciado, aspecto por otro lado inevitable. En todo caso, les notamos sutilmente experimentando con los ambientes, las progresiones o incluso la voz. Hay veces que lo bueno es que sólo cambie lo justo. Y que Betunizer lleguen a un cuarto disco volviendo a hacer que nos tiemble todo por dentro y fuera, es la mejor noticia que podíamos esperar.

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YAWNERS Dizzy

Punk pop con dejes grungeros que no olvida la rabia del punk es lo que encontramos en un Ep que nos deja con ganas de más, pero que sirve para ir abriendo boca mientras esperamos a que estos salmantinos regresen de su periplo alemán.

CHVRCHES Every Open Eye

Lauren Mayberry sigue mostrándose como una gran cantante, capaz de mostrar decisión y fragilidad a la vez, mientras que las bases electrónicas fluyen sin estridencias; creándose en conjunto un sonido cada vez más propio.

ULTIMATE PAINTING Green Lanes

El dúo ilustra las dos vertientes del disco, luminosa y taciturna, en un trabajo que limitándose a llevar a cabo algo mil veces hecho (Beatles, Velvet, The Clean, Yo La Tengo…), ha logrado dar a luz doce canciones de las más encantadoras de 2015.

DESAPARECIDOS Payola

Pop-punk con aires de new-wave y metal, un simple e ingenuo llamamiento a la acción, a la rebeldía más básica e inmediata. Pero eso es lo que cuenta y no hacer un disco que sólo vayan a escuchar individuos previamente politizados.

EXXASENS Back to Earth

La concreción gana terreno, humaniza su propuesta y consigue un disco más equilibrado. Aún en los temas más basados en la cautivadora base instrumental, suenan rockeros, épicos y se podría decir que hay más melena que gafas de pasta.

SIESTA! Fuerza de Gravedad Absoluta

No podemos decir que el dúo invente la rueda, pero sí la echa a rodar por lugares interesantes. Los aficionados a los sonidos próximos al kraut quedarán más que complacidos y para los no familizarizados, puede ser una puerta de entrada.

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2015

Re señas

MIXTAPE

PALEHOUND Dry Food

Con un discurso propio y personal, Ellen Kempner deja entrever en sus letras unas dosis de aparente ingenuidad salpicadas de mala baba, que les pone en disposición de convertirse en uno de los principales referentes del nuevo indie-rock femenino.

JEFF THE BROTHERHOOD Wasted on the Dream

Tan entrañables como imperfectos. Aquí sobran muchos temas, pero la pareja no ceja en su empeño de seguir haciendo buenas canciones de rock que encadenan la herencia del género en todas sus épocas.

MUTOID MAN Bleeder

Una joya envuelta en ladrillo para los fans del rock psicodélico más alocado y contundente, un disco que debería hacer las delicias de fieles de The Mars Volta y High on Fire por igual. Uno de los mejores discos de tralla de la temporada.

CUZIN Problemas Épicos

Gran debut de post hardcore de sonidos washingtonianos con dosis de post punk y ajustada épica que los emparenta con muchas referencias habituales, pero que deja puertas abiertas para la expansión.

TORCHE Restarter

Parece que el retorno de Floor ha traido mayor peso del sludge, los ritmos monolíticos, y una producción más árida. Con esa dificultad añadida, “Restarter” se va cociendo a fuego lento hasta que terminas no quedando tan a disgusto con su crudeza.

SONIC TRASH Látigo

Se encuentran en el punto en que se funden post-punk y rockabilly. Pero sobre todo, en el rock n roll militante en el que caben la Velvet, Fugazi, Gallon Drunk, los Cramps y toda influencia digerida en el local de ensayo.

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SUFJAN STEVENS CARRIE & LOWELL

Casi sin quererlo, con la obra más pequeña de su carrera, se ha superado. Susurrándole a su madre estas once preciosidades, con este disco tan desnudo (apenas voz, guitarra, cuidados arreglos ambientales, y algún que otro piano), el polifacético cantautor ha logrado poner a casi todos de acuerdo. Stevens se ha enfrentado a este “Carrie & Lowell” de una forma tan desnuda como solo un hijo que se enfrenta a su madre puede hacerlo. Dedicado ya desde el título y la foto de portada a su progenitora y su padrastro, es necesario enfrentarse a los detalles temáticos que envuelven este Lp para acercarse a entender la catarsis del disco. Abandonado por su madre en repetidas ocasiones desde su más temprana infancia, ésta sufrió a lo largo de toda su vida de esquizofrenia y adicciones varias a las drogas, llegando finalmente su muerte el pasado 2012. Estas canciones son un bello canto a la comprensión, a la superación, y en definitiva, a la vida y al perdón. Y hay dosis de pesimismo, pero sobrevuela por encima de la Muerte de un modo que no impide ver la luz. Hablar de referentes con alguien de la trayectoria de Stevens puede parecer innecesario, pero no sobra la cita al primer Elliott Smith. Igual que aquel, Sufjan te acaricia desde el mismo instante en que sus labios pronuncian la estremecedora frase inicial “Spirit of my silence I can hear you, but I’m afraid to be near you. And I don’t know where to begin” en “Death with Dignity”. No es la primera vez, que alguien dedica un disco a la muerte de alguien, si bien, a buen seguro que pocas ha habido con el poso, la belleza, y la sinceridad absoluta que desprende este sobresaliente “Carrie & Lowell”. Sin duda, uno de los discos de folk y pop intimista del año, y de la década.

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THE DECEMBERISTS What a Terrible World, What a Beautiful World

Puede que The Decemberists sean hoy esa banda gafapasta venida a más y que toca escuchar. Pero en el carácter agradable, atemporal y ageneracional de su música es donde reside su secreto.

CALIFORNIA X Nights in the Dark

Un disco con puntos álgidos pero que se duerme en los laureles de una lentitud aún no dominada. El resultado es un puñado de buenas canciones aisladas entre interludios y medios tiempos que tampoco aportan el aire conceptual buscado.

PARACAÍDAS Pensamiento de Paz Durante un Ataque Aéreo

Un pequeño trayecto emocional y muy onírico, que apuesta todo por el “menos es más”. Es uno de esos conjuntos de canciones que no hacen mucho ruido, pero de los que nos pueden regalar muy gratas sensaciones.

TWO GALLANTS We Are Undone

Se echa de menos algo de su divertido costumbrismo western, y pese a que el oscuro misticismo lírico siempre fue propio del dúo, ahora sus canciones se inclinan demasiado a ese terreno. En definitiva, algo más de luz no le hubiera venido mal.

ALDRIN Y COLLINS Volador Trueno

Sonido con más músculo y letras incisivas para un segundo disco de pop y rock indie más compacto, con unas canciones mejor estructuradas, y sobre todo con un discurso y un sonido que ya son seña de identidad.

TITLE FIGHT Hyperview

Un ligero resbalón para una banda en la que había depositadas quizá demasiadas expectativas. El talento sigue, pero han tomado la desafortunada decisión de ocultarlo en un manto de perezoso shoegaze. El resultado es más agradable que impactante.

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feiticeira.org/agenda

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2015

Re señas

MIXTAPE

THE PRODIGY The Day is my Enemy

Músculo sónico y acercamientos a la EDM para una banda que se debate entre la relevancia de antaño o perpetuarse como fenómeno en la era de Skrillex y Steve Aoki. Para lo primero, hace falta una rectificación rápida.

TITUS ANDRONICUS The Most Lamentable Tragedy

Podemos verlo como un disco conceptual o como un conjunto excesivo de grandes canciones envueltas en interludios. Incluso de esta segunda forma, no podemos sino reconocer que se han afianzado y de qué forma, como una gran banda de rock.

GRIMES Art Angels

Claire Bucher se aproxima todo lo que puede a la música mainstream que tanto le fascina, aunque no puede evitar que su personalidad de freak lo inunde todo. Probablemente por ello “Art Angels” siga destilando tanta originalidad.

HEALTH Death Magic

De alguna forma genial, convence al fan del ruido y a la vez esa parte que esperábamos con ganas (la saturación, los estallidos industriales, la locura) queda eclipsada por el colorido toque 80s que el cuarteto ha sabido añadir a una propuesta amenazadora.

BEACH HOUSE Thank Your Lucky Stars

Si bien no es capaz de escapar del pasado, sí que lo presenta con cuidado, inteligencia y personalidad, manteniendo así el nivel de preeminencia de Beach House en el panorama pop actual.

ROYAL HEADACHE High

Su deje soulero derrocha poderío en los medios tiempos y las baladas, pero no cede ni un centímetro de clase y elegancia cuando el cuarteto se acelera y encrespa en momentos de punk-rock melódico e instantáneo.

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2015 MIXTAPE La mejor selección de canciones de 2015 que verás en 2016. Tranquilo, a Pablo Motos no le gusta.

A

DATE/TIME NOISE REDUCTION ON OFF

B

DATE/TIME NOISE REDUCTION ON OFF

1. BULLITT - Turn Your Engine Down

12. TWERPS - Back To You

2. KURT VILE - Pretty Pimpin’

13. BUILT TO SPILL – Living Zoo

3. FAITH NO MORE - Sunny Side Up

14. SLEATER-KINNEY - A New Wave

4. FAILURE - The Focus

15. ROYAL HEADACHE - Wouldn’t You

5. ALGIERS - Irony.Utility.Pretext

Know

6. NEW ORDER - Plastic

16. MODEST MOUSE - Lampshades on Fire

7. CHVRCHES - Empty Threat

17. NUEVA VULCANO - Hemos Hecho Cosas

8. KENDRICK LAMAR - King Kunta

18. EL PARDO - Vergüenza

9. C. TANGANA - Bolsas

19. HEALTH - Stonefist

10. SOCCER TEAM - Too Many Lens

20. GRIMES - Kill V. Maim

Flares

21. WAVVES x CLOUD NOTHINGS - How

11. SUFJAN STEVENS - Should Have

It’s Gonna Go

Known Better

22. WANN - Soulmate

Playmoss

Youtube (19/22)

(22/22)

Spotify (19/22)

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ENTREVISTAS Lo fundamental para nosotros es lo que nos transmiten los artistas con su música. Pero más enriquecedor resulta aún toparnos con músicos que además tienen cosas interesantes que contarnos. Seleccionamos extractos de algunas charlas que hemos compartido durante 2015.

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NUEVA VULCANO «Al principio era todo más a despecho. Hoy en día relativizamos las cosas pasando todo por el filtro del humor y la ironía» “Novelería” ya lleva un mes en la calle y Nueva Vulcano andan presentándolo por todo el país. Aprovechamos para hablar con Wences y Albert sobre los objetivos de esta nueva aventura, así como de la grabación, de las letras de Artur y de todo lo que rodea a la banda después de más de una década sobre los escenarios. Hace algo más de un año nos encontrábamos en Madrid a vuestro paso por aquí con motivo de la gira de presentación del single “Todo por el Bien Común”. ¿Cómo definiríais ahora aquella gira? Aparte de para calibrar vuestro directo una vez os habíais puesto de nuevo manos a la obra, ¿os sirvió como empujón para ver las ganas que había de Nueva Vulcano ahí fuera? Albert: Gran comida aquella (risas). Dale tu Wences. Wences: ¿Sí? Bueno. Pues aquella gira fue sobre todo para reconocernos a nosotros mismos. Demostrar que queríamos seguir subiéndonos a un escenario juntos, y con ello empezar a ensayar, a vernos más a menudo, y poco a poco ir creando canciones. En definitiva, volver a sentir todas esas experiencias bonitas que te da el girar por ahí. Ya decíais entonces que todo iba encaminado a sacar un largo, y aquí está este “Noveleria”. En lo que a sonido se refiere creo que entronca en muchos momentos con la evolución mostrada en “Los Peces de Colores”, con temas más orientados al hit directo, pero a su vez veo una vuelta a los primeros años de la banda en algunas canciones, y también os veo probando nuevos sonidos no explorados antes por Nueva Vulcano (el punk pop evidente de “Reversible”, esa especie de recitados de “Hasta la Boya y Volver” o “Hemos

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Hecho Cosas”, el mayor número de coros de herencia power pop...). ¿Os sentís tan cómodos que cada vez os da menos miedo mezclar todo aquello que pasa por vuestros reproductores de música? Albert: En lo que dices tú de las nuevas referencias, creo que los tres tenemos unas influencias muy marcadas de siempre de tres o cuatro bandas, pero luego cuando nos ponemos a componer nos dejamos llevar mucho por lo que estamos escuchando en ese preciso momento, al igual que por las cosas que no están pasando en nuestras vidas fuera del grupo. Un ejemplo claro sería The Van Pelt, los cuales al visitarnos el año pasado pues nos despertaron esa influencia por algo que nos gustaba de siempre, pero que igual no habíamos mostrado de forma tan evidente. Recuerdo que un día en el local Artur dijo “vamos a intentar hacer un tema con un estilo vocal del rollo de Chris Leo”, y muchas veces pues las canciones salen así por cosas de un momento concreto. En cuanto a lo de recoger el estilo más directo del Peces, pero con la esencia del pasado, Artur lo definía en una entrevista como “hacer un greatest hits, pero con canciones nuevas”. Con temas más rebuscados en algunos momentos, como podía pasar en los dos primeros, pero alternados con canciones donde hay coros, más arreglos, y un trabajo de producción que las termina haciendo más pop. ¿Cómo ha ido la grabación con Santi? ¿Sigue empeñado en haceros

Lee la entrevista completa

«Las letras de Artur son relatos con un toque de ironía y de humor, que sin embargo hablan de cosas transcendentes» triunfar, y grabar hits a toda costa? ¿O esta vez habéis podido ganarle el pulso en algún momento? A tenor del sonido de algunos temas, creo que la lucha ha quedado en una especie de empate técnico. Wences: (Risas) Le hemos tenido que frenar. Después del single, que fue bastante limpio y sobreproducido, ahora queríamos un sonido más crudo, más real, con menos plugins. Y bueno, Santi ha tenido la maestría de adaptarse a lo que queríamos. La batería, por ejemplo, la grabó en una especie de masía, con una disposición de los micros determinada


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de forma que recogía el sonido del espacio para conseguir el sonido directo que buscábamos, y esto ha sido diferente a como habíamos grabado otras veces. Albert: En este disco ha habido mucha más pre-producción que otras veces. Estaba todo más hablado con él, en plan: queremos que sea en directo, que sea sencillo, que el teclado de Marc Clos sea un farfisa y tenga solo un sonido, no queremos empezar a doblar guitarras… Y una vez estaba todo esto claro, él que ya había intentado hacer la canción de los 40 Principales con el single, y con “Te Debo un Baile” (risas), pues ahora ya no tenía nada que perder, y aceptó cambiar el rollo hacia algo con menos post-producción. Relacionado con esto, a “Novelería” se le podrá objetar cualquier cosa, pero sin duda no es un disco acomodado. ¿Qué le diríais a los más

puretas que han torcido un poco el gesto ante estas nuevas influencias mostradas? Wences: En el tema de las letras, que es algo de lo que se está hablando mucho, creo que Artur se sigue sabiendo reinventar, y con sus temas habituales de amor o de cosas cotidianas, le ha sabido dar una vuelta más a su estilo. Son relatos con un toque de ironía y de humor, que sin embargo hablan de cosas muy transcendentes. Parece como si cada vez se alejase más de lo poético, para acercarse al relato y a lo narrativo. Como si cada letra fuese una anécdota que le ocurrió. Wences: Sí, su evolución ha ido encaminada hacía poder comunicar mejor la historia que quería contar. Y siguiendo con las letras, parece que el proceso de desdramatización

Re señas

MIXTAPE

en las letras iniciado con “Los Peces” , y que siguió en “Todo por el Bien Común”, ha continuado su camino en este “Novelería”. ¿Definitivamente os sentís más cómodos en este tono más optimista que redundando en vuestros posibles defectos y problemas? Albert: Está todo más relativizado. Igual esto tendría que decirlo Artur, pero bueno, igual al principio sí que era todo como más a despecho, y al final llega un punto en el que lo pasas por el filtro de la ironía, y tratas de tomártelo de otro modo. Desde la canción sobre el puto edificio que te están construyendo y que te jode por lo que sea, hasta conceptos como el “amor moderno”, que son de algún modo divertidos si te lo tomas de este modo. Ya no estamos en la oscuridad del “Principal Primera”, y aunque sean temas serios los tratados, pues él les da esta vuelta que creo que es bastante curiosa.

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Hay referencias buenísimas en la letras como la de las “frases de mierda” del poeta filósofo Rabindranath, o en esa misma canción la referencia a otro barbudo como Daniel Higgs de Lungfish. O también citas a bares, paradas de metro, lugares de la geografía catalana… que creo que de algún modo alargan la vida de las canciones y las letras porque hace que te intereses sobre qué estará saliendo por la boca de Artur en esta canción, o en esta otra. Albert: Artur hablaba en otra entrevista de Jawbreaker, que es un grupo que nos ha influenciado en todo, supongo que letras incluidas, y tanto en ellas, como luego en Jets To Brazil, Blake Schwarzenbach siempre cita sitios concretos, barrios de Los Ángeles… llamando a las cosas por su nombre, y dándole a las cosas la importancia que tienen, o no tienen. En este sentido, creo que Artur ha dado un paso adelante hacia esto, que era lo que quería lograr, y si tiene que citar a Uri Amat, pues por qué no decirlo. O si hablas de Fontana pues igual. Y eso hace que la gente se identifique, incluso no siendo de Barcelona. En este sentido hay un significado

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que se me escapa: ¿A qué se refiere con “la jota va a volver”? Wences: “La Jota” habla de las segundas oportunidades. De cómo una persona puede llegar a superar un problema y sobreponerse. La canción explica la felicidad que le da, en este caso a Artur, el ver que una persona a la que quiere ha superado un problema serio. Igual que en el “Principal Primera” habría explicado el dolor que provoca toda esa situación, ahora se centra en explicar la alegría que supone ver como ese ser querido ha tirado para adelante con su vida. Albert: Y el concepto Jota es algo que usamos entre nosotros para decir que alguien está animado, que está con ganas de fiesta. A esto lo llamamos Jotero, y de ahí que está canción celebre que la “Jota va a volver”, que va a volver la alegría, el buen rollo.

Albert: Sí, sí, está haciendo la gira completa. Solo falla por motivos personales en uno de los diez conciertos que hemos anunciado. Mola mucho como enfoca el grupo, volcándose con ello a tope, y dando prioridad a Nueva Vulcano por encima de prácticamente todo lo que hace. Es un gusto. Y además ahora hemos montado el escenario de forma diferente para poder integrarle mejor en escena. Está al fondo en línea conmigo, con guitarra y bajo a los lados más adelante, de modo que estamos todos más contentos con cómo quedamos dispuestos sobre el escenario. La simplificación de su aportación en el estudio hace que también sea más sencillo en escena. Lleva un teclado, un vibráfono, unas maracas, una pandereta… todo más sencillo, pero aportando mucho color al sonido del grupo.

Volviendo al sonido, Marc Clos vuelve a tener una gran importancia en la mayoría de temas de “Novelería” con sus teclados, sus metales… ¿se le puede considerar nuevamente el cuarto miembro de Nueva Vulcano? ¿Cómo ha sido el proceso de ensamblar sus partes? ¿Está girando con vosotros en estas fechas de presentación del disco?

En cuanto al artwork ¿qué significados esconde todo ese colorido, y esos símbolos estacionales? Albert: (risas) El tema del artwork va a traer cola. Hoy justo éramos protagonistas en Mondo Sonoro de la entrevista del fan, que son preguntas que hace la gente a través de las redes sociales para el grupo, y una de ellas era ¿Cuándo vais a hacer una


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portada que esté bien y no la mierda de portadas que hacéis? (risas). La gente no lo está entendiendo muy bien parece. Wences: ¡Pero a mí la del “Peces de Colores” y la de “Juego Entrópico” me gustan! Y bueno, en esta se ha querido representar a Barcelona. Las hojas que salen son las del Platanero típico de Las Ramblas, por ejemplo, y así con una serie de elementos. Albert: Es como que todos estos elementos que salen en la portada, están

a su vez presentes en el disco. Esto es lo que quiso representar Joan Guàrdia. Están el cielo y las montañas arriba, en medio el espacio blanco que es como el libro en el que estarían todas las historias que se cuentan en el disco, luego la ciudad, y por último el mar. Es como si dijéramos una representación del grupo, que si que se nota que somos de Barcelona, y así queda reflejado en la portada. Con Nueva Vulcano siempre he tenido la sensación de que no os tomabais

«El ruido, las guitarras, los estribillos forman parte de nuestro sonido, pero de vez en cuando tenemos lo que yo denomino “Cel Obert”, que de repente es como que metemos un giro en una parte oscura y se vuelve todo más optimista»

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todo lo en serio que podríais. Como si no quisieseis poneros el listón más alto de lo debido. Y precisamente esa se ha convertido en vuestra mejor arma para poco a ir creciendo y ganando una base de adeptos para los que el grupo es una pequeña parte de su vida. ¿Compartís esta visión de cómo ha sido la evolución del grupo? ¿Estáis dispuestos a tratar de dar un paso más hacia adelante con este disco? Albert: A nivel de grupo hay ganas de hacer cosas que nunca se han hecho. Por ejemplo, intentar hacer Sudamérica es uno de los objetivos principales de este año. No sé si es ambición o no, simplemente lo vemos como una experiencia más. En su momento hace ya mucho sí que salimos por Europa una temporada larga, pero ese circuito fue desapareciendo, y aunque ahora hay otros en donde seguro que también encajaríamos y donde podríamos tocar, pues no es una prioridad. Y no es falta de ambición, sino que más bien las prioridades han ido cambiando. Nos apetece más Sudamérica aunque sea más caro, y más complicado de organizar. Y en cuanto a España, igual no lo transmitimos, pero sí que hay un intento de ir a sitios nuevos. De ir a festivales, que apenas lo hemos hecho hasta ahora quitando el Primavera Sound de 2010 cuando ya llevábamos varios años. Hoy en día sabes que

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«Nunca hemos tenido un manager así como tal, pero como el grupo ha ido creciendo aún estando parado, pues ha sido fácil que ahora nos llamen para tocar» cualquier banda saca un primer disco y a poco que le vaya bien va a un montón de festivales. Nosotros nunca hemos tenido un manager así como tal, pero como el grupo ha ido creciendo aún estando parado, pues ha sido fácil que ahora nos llamen para tocar. Wences: Hemos ido a avanzando día a día, y disco a disco. Nosotros con Bcore firmamos solo por un disco, y lo que queremos es tocar con cada disco y cada paso que vamos dando. Albert: Sí, porque más que ambiciones de números, lo que queremos es que este disco dure. Girar con él dos años tranquilamente. Ahora hacer unas fechas nuestras en sitios más o menos grandes, luego hacer en verano una temporada con algunos festivales, para finales de año nos molaría hacer otra gira de muchas fechas seguidas en sitios pequeños, al estilo de lo que hicimos en Hasta la Boya y Volver… es decir, trabajar todos los campos, porque en Nueva Vulcano no nos queremos cerrar a ciertas cosas por estar haciendo otras. Y así, si dura dos añitos bien guapos, y la gente sigue con ganas de vernos, pues sería la hostia. En la reseña del disco, que hizo nuestro compañero Raúl, éste hablaba de cómo a estas alturas el sonido de Nueva Vulcano está por encima de si una parte suena más a DC, otra más pop, otra más punki. Decía textualmente que vuestro sonido “más allá de una nostalgia, es un espíritu de buen rollo superior”¿Os veis reflejados en esas palabras? ¿Estáis tan en sintonía con ese optimismo que parece que hoy generáis, o creéis que igual es cosa más de la gente que se

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va construyendo sus mitos? Wences: A lo largo de los años Nueva Vulcano ha ido creando una personalidad, y con las canciones nuevas que iba trayendo Artur creo que hemos logrado seguir sonando a nosotros. El ruido, las guitarras, los estribillos forman parte de nuestro sonido, pero de vez en cuando tenemos esos giros que yo denomino “Cel Obert”, que de repente es como que metemos un giro en medio de una parte oscura y se vuelve todo un poco más optimista. Es algo que nos gusta hacer, y sí, es bonito eso que decís. Albert: Una buena frase, sí. En la última entrevista en diciembre de 2013, comentamos el buen momento del underground patrio. Como si todo el trabajo de años atrás estuviese dando sus frutos y de algún modo la escena estuviese madurando. La cosa ha seguido tomando forma, y cada vez hay más sellos independientes funcionando de forma estable y dando muy buenos resultados. Teniendo en cuenta que tú, Albert, andas luchando a diario para mantener a flote La Castanya, nos gustaría que nos dieses tu opinión sobre el momento actual. Albert: Pues creo que sí, que la cosa sigue madurando. Relacionándolo con Nueva Vulcano, toda esta gira nos la estamos montando nosotros, y por ejemplo la fecha de Barcelona lo organizamos todo nosotros, incluidas las barras, el equipo… Y los grupos con los que vamos a tocar son todos grandes bandas que están dando que hablar. Juventud Juché en Madrid, que no los hemos visto aún pero todo el mundo nos habla maravillas, vamos a

tocar también con The Zhepyr Bones que son de Barcelona y también están haciéndolo muy bien. En Valencia tocaremos con Cuello, y hemos tocado ya con Betunizer, que son grupos para los que la gente tiene que estar preparada, ya que, por muy buenos que sean, no dejan de ser propuestas que necesitan de cierto background por parte del público. También nos gustan mucho Biznaga, y en fin, muchos otros grupos. Yo estoy tirando para Madrid ahora que vivo aquí (risas). Pero vamos que sí, que hay mucha gente haciendo cosas interesantes, y lo que hace falta es darles visibilidad y que a partir de ahí cada cual vaya labrando su carrera. Luego ya dentro de diez años será el momento de mirar atrás, y creo que entonces se podrá confirmar todo este buen momento que parece que estamos viviendo. Y ya de paso, ¿nos puedes avanzar, si tenéis alguna sorpresa en forma de gira o lanzamiento de cara a los próximos meses con La Castanya? Albert: (Risas) La sorpresa a voces que tenemos en breve es la reedición en vinilo de los dos discos de A Room With A View, que sale ahora para el Record Store Day, y luego tenemos en mente reeditar también los dos discos de The Van Pelt para después del verano. De momento poco más. Es que no es fácil montar una gira como la del año pasado de The Van Pelt (risas), pero bueno algo intentaremos cocinar. Wences: Eso el Joan, que es el que siempre está investigando y tramando cosas con grupos para estar a la última (risas).


BETUNIZER

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«Es prácticamente imposible subsistir de la música, pero sí que hay una red más o menos amplia y madura de gente que se ayuda» Betunizer son culos inquietos, y por si no lo demostrasen con la multitud de otros proyectos en los que andan metidos, han vuelto a reunirse para crear su cuarto LP juntos. “Enciende Tu Lomo” espera volver a menear los cuerpos de todo aquel que se preste a los ritmos calientes. Hablamos de todo un poco con Marcos Junquera, batería del trío.

Lee la entrevista completa

Lo primero preguntarte cómo fue vuestra presentación del disco en vuestra ciudad, Valencia, el pasado día 31 de octubre. Esta vez no pudimos asistir, pero en la primera edición del Festunizer alucinamos bastante por un lado con la camaradería que se respiraba en el evento, y por otro con el tremendo nivel mostrado allí. ¿Con qué os quedáis de esta edición? Pues muy bien otra vez, cero problemas, bolazos todos, y un megafieston con muchísimos amigos. La verdad es que fue un día muy especial y yo creo que con lo que nos podemos quedar es con la seguridad de que cuando haces cosas con amigos nada puede fallar. Es lo que los Za! dirían que es “el mundo estrella”. Para este “Enciende Tu Lomo” no habéis contado por primera vez con Santi García para la producción, encargándoos de este tema vosotros mismos bajo el mando de Pablo Peiró (bajista del grupo). ¿Cómo llegasteis a tomar esta decisión después de tanto tiempo trabajando con Santi? Y una vez puestos manos a la obra, ¿cómo ha sido el proceso? ¿Habéis notado mucho cambio respecto de anteriores producciones de Betunizer? El cambio fue motivado más por cuestiones organizativas que por otra cosa. Jose ha tenido un año megaocupado entre Jupiter Lion y Cuello, y Peiró con el estudio está a tope también. Yo me tiré mil años de gira, entre Dorian Wood, mi curro de tour manager y tocar con Ora Cogan, etc... No llevábamos los temas tan rodados como en otros discos, así que

decidimos hacerlo con más calma. Por otro lado, al tener el estudio Pei, era como un paso muy natural hacerlo allí. En cuanto a la producción, ha sido muy diferente, hemos grabado por pistas por vez primera, hemos metido y descartado más arreglos. Es un sonido que con sus virtudes y fallos es por primera vez nuestra visión de qué es Betunizer. Parece que con cada disco tendéis a hacer composiciones más largas. Fijándonos un poco se observa que en el debut la media era de dos minutos y pico por tema, en el segundo la cosa subía a tres y algo, y ya en “Gran Veta” ninguna bajaba de tres minutos habiendo bastantes que sobrepasaban los cuatro minutos. En este, pese a que “Con La Pájara en los Talones” sigue una línea más kamikaze y sirve como excepción, encontramos va-

rios temas de cinco y seis minutos. ¿Creéis que esto puede deberse a que cada vez os coméis más el coco cuando componéis? No, la verdad es que no, es simplemente que los temas salen así. “La Pájara” es un buen ejemplo, ese tema salió de golpe en una tarde y ya vimos que debía ser así. Igual el siguiente son temas de un minuto, a saber... Además, desde la mirada digamos de hardcore ruidoso y matemático del debut, la cosa se ha ido sofisticando. Sobre todo los últimos temas de los últimos discos lo ilustran bien. Si “El Ritmo que tú Tienes” fue la que cerraba “Gran Veta” haciendo gala de una mayor complejidad melódica, ahora es en “Disfrutar es Ir con Todo” donde parece que echáis el resto en ese sentido. ¿Es casualidad?

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Si, totalmente, no hablamos de lo que queremos hacer o no hacer, sale solo. Por ejemplo, “El Ritmo que tú Tienes” para nosotros no es ni un tema, es un cierre para el disco y jamás la hemos tocado en directo (una vez solo, creo recordar). Era como una idea que estaba por ahí y la metimos en el disco, pero ya te digo que la ensayamos un par de veces y ciao. Luego resultó que es de lo que más gustó del “Gran Veta” y ni la tocamos (risas). Siempre habéis sido una banda muy dispuesta a girar allá donde os llamasen (más de 350 conciertos desde que comenzasteis, seis giras europeas, habéis participado en el SXSW…),

pero lo de esta vez, con más de un mes fuera por países que van de Alemania a Irlanda, y cerca de 30 fechas ¿es vuestra gira europea más ambiciosa? Es la más larga que hemos hecho, pero bueno para nosotros es una más, está hecha con los mismos medios y de la misma manera, así que no es ni más ni menos ambiciosa. La montamos alrededor de las fechas de Irlanda, que es un país nuevo para nosotros. Pero no es que sea más ambiciosa, es simplemente que una vez que sales a Europa hay que tratar de hacer la máxima faena posible

marzo de este año un compañero de la redacción tuvo la oportunidad de veros en Bilbao y el repertorio ya se basaba mucho en temas que han formado parte del nuevo disco, aún no habiendo pasado demasiado desde el anterior. ¿Sois un poco como Swans en ese sentido, que os gusta tocar temas nuevos en cuanto los tenéis, aunque no sigan los ritmos de edición? Sí, vamos tocando el material nuevo que vamos teniendo, siempre ha sido así, por no aburrirnos de tocar todo el rato lo mismo y rodar al máximo las ideas que vamos sacando.

De hecho Betunizer vivís un poco en gira continua ¿no? Por ejemplo ya en

Vuestros títulos de canciones suelen responder desde siempre a mofas y

«Es un sonido que, con sus virtudes y fallos, es por primera vez nuestra visión de qué es Betunizer»

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bromas internas, o a veces a otras más evidentes, pero ¿nos podríais explicar alguno de este disco? Con el que más os hayáis descojonado al ponérselo, por ejemplo. Los títulos del disco los decidimos un día en el coche a última hora antes de enviar a fábrica el disco. Muchas veces es lo que tú dices, simples bromas internas, pero de este disco me flipa la de “Di No y Todo Será Tuyo” (risas). Es una frase que le leí en Facebook al puto Xose de Cuchillo de Fuego. Decía que era de un escritor ruso o no sé qué, y luego resultó que era una mongolada que se había inventado, el escritor no existía y la frase era suya. Puto Xose, vaya jefe. El disco abre con un tema llamado “Camilo José Shellac”. Siendo Shellac la típica influencia que a menudo os sacan simplemente por ser disonantes, supongo que es una forma de, años después, bromear sobre ese cliché, ¿no? Sí (risas). Es ya psicodélico lo de Shellac... y aquí estamos, hablando de Shellac (risas). Nos ha salido el tiro por la culata. El tema de las letras siempre ha sido un punto destacable de Betunizer. Supongo que para muchos oyentes quedan en anécdotas, pero ¿se tratan temas serios en Betunizer? Jose es muy críptico con sus letras. Para él, evidentemente, tienen un sentido, pero nunca te va a dar una pista clara, siempre son asociaciones de ideas, frases sugerentes. El resto ya se lo tiene que imaginar el que escucha.

Estrategia lo capto!, La Orquesta del Caballo Ganador, Ciudadano, Balano, Mentat, Los Masticantes, Rastrejo, A Veces Ciclón, Zener, Jupiter Lion, Cuello o Alberto Montero… todos ellos son nombres de proyectos que en algún momento han estado ligados a vosotros. ¿De dónde viene esa necesidad de movimiento constante? ¿Tiene que ver con la lucha que supone el vivir de ser músico en este país, o más bien con que sois unos culos inquietos? Un poco de todo, pero más lo segundo. En mi caso me gusta tocar en diferentes contextos y, por ejemplo, disfruto mucho tocando lo más suave y lento que pueda. Con A Veces Ciclón hemos llegado a estar a punto del coma. Luego, pues me flipa tocar con Alberto, que es un escritor de canciones buenísimo. Jose siempre ha flipado con los Ramones o Weezer, imagino que le apetecía tener algo como Cuello. Es inquietud en primer lugar, si. Empezáis a tener ya una base de canciones muy seria y estamos seguros de que hay temas que han calado y que la gente pide como “Teniente Corrupto” o “Cedric Ceballos” que no siempre pueden caber en los setlists. ¿Cómo afrontáis el tema del repertorio en esta gira? Tocaremos todo el disco nuevo y 4-5 temas viejos. Queremos recuperar algunas canciones que hace tiempo no tocamos como “Brascada Boulevard” o “Rave en la Chateau”. Pero tocaremos todo el “Enciende Tu Lomo”. ¿Qué os parece que bandas emergentes como por ejemplo los murcianos

«No notamos que hayamos influido a nadie. Si alguien se queda con algo nuestro pues es el mejor halago que te pueden hacer, la verdad»

Re señas

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Perro, os citen como una de sus influencias principales? ¿Realmente palpáis en el panorama indie rock y post hardcore vuestra influencia en otras bandas? Pues me encanta, pero no notamos que hayamos influido a nadie. Si alguien se queda con algo nuestro pues es el mejor halago que te pueden hacer, la verdad. Recordando una entrevista que hicimos a Nueva Vulcano poco después del Festunizer de 2013, se me viene a la cabeza una cita de Artur Estrada en la que emocionado por lo vivido en Valencia un par de meses antes, y analizando un poco el panorama general del indie nacional, decía textualmente: «Podría decirse que “ESTAMOS ANTE UN MOMENTO DE MADUREZ DEL UNDERGROUND ESTATAL”. Ya tenemos titular.» ¿Estáis de acuerdo con él? ¿Creéis que se ha logrado una base para que los grupos que hacen las cosas de manera diferente puedan tenerlo más fácil para subsistir? No (risas). Es muy, muy, muy difícil subsistir, por no decir prácticamente imposible. Lo que sí que hay es una red más o menos amplia de gente que se ayuda. Y que estamos más maduritos, sí. Y para finalizar, teniendo en cuenta que los tres sois personas muy metidas en el mundillo musical actual con sellos, estudios de grabación o participando en giras de otras bandas. ¿Qué propuestas os han llegado más en los últimos meses? Algo que de verdad os haya volado y os apetezca contar y recomendar. Pues unos chavalines de Santiago que se llaman Vozzyow. La hostia puta, mucho level. Y a mí personalmente el nuevo disco de Jupiter Jon. Pfffff flipas.

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VIVA BELGRADO

«Nos parece deshonesto no poner el disco de forma gratuita después de todo lo que hemos bebido de Internet» Con “Flores, Carne”, la olla en la que los cordobeses Viva Belgrado venían cociendo post-rock y screamo ha dado un salto de popularidad tal, que Cándido (cantante y guitarra) nos pidió por favor que no le preguntáramos lo de siempre. No nos pudo parecer una petición más honesta, ¿cumpliremos? Leímos un track-by-track del disco en el que vosotros mismos desgranabais bastantes influencias. Llama la atención, ya que muchas bandas son reacias a decir esas cosas o incluso se molestan, como si copiar y reciclar no estuviera en la misma historia del rock. ¿Cómo veis este tema del amorodio con las influencias? De la nada, nada se obtiene. Para nosotros hay veces que las canciones salen solo improvisando y otras en las que buscamos una influencia concreta, pero creo que siempre hay una labor de coger de aquí y allí, poner, quitar y experimentar, aunque sea inconscientemente. Escuché en una entrevista a Gorka Urbizu que hacer canciones a veces es como mezclar colores cuando eres niño. Conoces el azul, conoces el amarillo, pero el verde es algo nuevo. Me gustó mucho la comparación porque siempre he pensado que jugar con los arreglos es algo similar. En el mismo sentido, vuestra música digamos que se enmarca en subgéneros muy especializados. Sin embargo está llegando quizá a medios no tan específicos y supongo que habréis tenido reseñas bastante genéricas. ¿Os molesta que por ejemplo cuando sale a relucir la faceta más gritona os hablen siempre de grupos más populares o de moda como Touché Amoré en vez de otros más “trues” como Daïtro o Sed Non Satiata? Para nada, somos fans de ambas corrientes. Quizás a nivel de actitud podemos estar más cerca del screamo underground, pero musicalmente creo que la influencia de la última hornada de screamo americano es evidente. 40

De todas formas, creo que algunas de esas bandas como La Dispute también han bebido del DIY y por lo que veo son coherentes con lo que hacen. Creo que sin embargo el germen de Viva Belgrado está de alguna manera en el indie-folk, ¿no? Antes incluso de formar VB, ¿qué bandas fueron las primeras que os llevaron a coger los instrumentos? Algunos de nosotros tuvimos entre manos un proyecto donde intentábamos hacer algo con raíces tipo Damien Jurado, Elliott Smith, Bon Iver... Pero no duró mucho. Yo personalmente empecé a tocar porque con 15-16 años un par de compañeros de clase nos flipamos viendo un directo de Green Day y nos motivó a formar una banda. Supongo que es algo muy típico en nuestra generación. Muchos han señalado que vuestra parte post-rock se ha acentuado en el disco. ¿Ha sido un paso premeditado? Porque en cierto sentido parece que este tipo de post-rock se ha quemado

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mucho en los últimos años. Nosotros precisamente intentamos alejarnos un poco del post-rock y por eso le dimos más peso a las voces en “Flores, Carne”, pero parece que generalmente se ha interpretado de otra forma, quizás porque las partes instrumentales han quedado más ambientales y luminosas. Pese a haber sido lo que en términos underground se puede definir como un gran éxito, el disco lo pusisteis gratis en digital y así sigue. ¿No habéis tenido la tentación de rentabilizarlo un poco más? Por un lado, nosotros hemos crecido bajándonos discos gratis y nos parece algo muy deshonesto no poner el nuestro de forma gratuita después de todo lo que hemos bebido de Internet. Por otro, nos parece ridículo no dar acceso a tu disco en tu propia página cuando dos blogs más abajo quien quiera lo va a encontrar gratis. De todas formas es curioso lo que comentas de rentabilizarlo porque a día de hoy nos ha llegado más dinero por donaciones vía bandcamp que vendiendo

«Yo personalmente empecé a tocar porque con 15-16 años un par de compañeros de clase nos flipamos viendo un directo de Green Day»


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discos en formato físico. Y eso es algo que nos llama la atención y nos hace ilusión. Creo que cuando haces algo de forma honesta el público responde de la misma forma. Al final no se trata de imponer una norma de consumo, sino de dejar que cada uno consuma responsablemente como crea conveniente. Sé que suena a tópico, pero realmente creemos que artista y músico deben estar al mismo nivel y el uno sin el otro no tienen sentido. Al poner un precio para escuchar nuestras canciones sentimos que creamos un escalón, una barrera que queremos evitar. El disco lo coeditan un montón de sellos en diferentes países y ya de antes editasteis con un sello japonés. Imagino que tiene que ser flipante cada contacto que recibís de estos sitios para editar un disco, por otro lado, con letras en español. Confirma que el idioma no es tan importante a la hora de transmitir emociones. La primera vez que nos pasó fue con Tokyo Jupiter y fue todo un subidón de autoestima. Con los sellos del

vinilo fue más trabajoso porque fuimos nosotros (con la infinita ayuda de Walking Is Still Honest) los que le propusimos a los sellos la edición. Pero fue también impresionante, al final tuvimos que dejar fuera de la edición a varios sellos y algunos se han quedado con menos copias de las que querían. Da la impresión de que estáis en un momento similar al de Toundra hace unos años: grupo joven con una forma de ver la música que viene del underground y que se está viendo muy favorecido por el poder de Internet, etc. Nos lo han dicho varias veces y es un halago muy grande. Pero ten en cuenta que Toundra han grabado 4 discos enormes y nosotros apenas uno y un par de EPs. Ellos meten a 1000 personas en en una sala y están en una posición en la que poco tienen que demostrar, nosotros aún lo tenemos todo por hacer. Un poco dándole vueltas a esta idea, ¿no sentís que va todo muy rápido? Os

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«Estamos experimentando mucho, no solo probando diferentes registros de voz, también intentando desmarcarnos un poco de la metáfora por la metáfora» 41


formasteis en 2012 y ya tenéis mucho andado. ¿Notáis vértigo? ¿Responsabilidad? ¿Hype? Todo ha sido rápido pero a la vez muy escalonado. Ha sido sobre todo con el disco cuando hemos notado un aumento en la atención que se nos presta. Pero no sentimos ningún tipo de presión ni responsabilidad, solo intentamos ser transparentes y coherentes con lo que hacemos. De hecho el disco se colgó sin previo aviso el mismo día que Berri Txarrak publicaban el suyo. Siempre hemos hecho

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y seguiremos haciendo lo que nos gusta. De todas formas, nosotros no somos usuarios de Twitter y como habrás visto somos bastante escuetos con lo que publicamos en FB, así que tampoco le prestamos tanta atención a lo que ocurre con la banda en la red. Iniciais ahora mismo gira europea, aunque ya habíais dado algunos pasos por el extranjero. Hablando del circuito underground, ¿hay tan-

«Solo intentamos ser transparentes y coherentes con lo que hacemos»


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ta diferencia entre tocar en España y Francia o Alemania o hay mucho mito alrededor de eso? Francia es complicado por el tema de los peajes, pero la escena underground es una comunidad en la que la cultura de ayudarse mutuamente suele prevalecer y generalmente siempre hemos cubierto gastos. En Alemania solo hemos estado una vez y fue increíble: agotamos merch y hubo gente que nos pidió a España posteriormente, pero pudo ser un hecho aislado. En las estadísticas de las redes sociales vemos que después de España, Alemania es el país donde más atención se nos presta, así que hemos decidido concentrar esta gira por allí. Imaginamos que no sois de mucha exquisitez en ese sentido, pero ¿qué es lo imprescindible para vosotros cuando salís de gira una temporada larga? Sacos, colchones hinchables y muchas cuerdas y baquetas. En la última gira no sé qué hacíamos que llevábamos una racha de 2-3 cuerdas rotas por concierto. Por otro lado, el tema de la comida. Somos casi todos vegetarianos y en España y Francia sobre todo a veces es complicado improvisar un almuerzo. ¿Cómo planteáis el tema de las letras? Creo que hay algo de lo que poco grupo agresivo se libra y es cierto miedo a decir cosas muy personales sin esconderlas entre ruido o gritos. ¿Os veis en el futuro cantando un poco más propiamente dicho, al estilo de lo que por ejemplo están haciendo La Dispute? Estamos experimentando mucho en ese sentido ahora, no solo probando diferentes registros de voz, también intentando desmarcarnos un poco de la metáfora por la metáfora, que ya intentamos hacerlo en “Flores, Carne” aunque no lo conseguimos del todo. No creo que hagamos ningún cambio brusco, pero tampoco queremos cerrarnos a nada. Mientras nos emocione es bienvenido, es el único requisito.

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«A la hora de expresarse todo vale y no debería haber barreras. De hecho, rock y literatura no tienen por qué ser cosas distintas» Hay un punto en el tipo de textos, y en el artwork, que de algún modo parece relacionarse con el mundo oriental. El sentimentalismo de la cotidianeidad, los elementos de la naturaleza plasmados de forma visual… quizás puede estar relacionado con que hayáis gustado por allí. ¿Os consta que así sea? ¿Están esas influencias de países como Japón y su forma de ver el mundo en este “Flores, Carne”? ¿Os interesan los autores asiáticos? Mi padre es botánico así que el tema de las flores siempre ha sido algo muy presente en casa. Quizás por ahí ha acabado aflorando todo el imaginario de cerezos, madreselva, castaños.. Por otro lado, a Córdoba se le llama frecuentemente la ciudad de las flores. Supongo que era inevitable que acabara influenciándonos. Sobre lo que comentas del mundo oriental, nunca lo habíamos pensado. Sí somos fans de las pelis del estudio Ghibli y de algún que otro anime. También de grupos como Envy o Toe. Por mi parte, he leído a Mishima y también caí en la moda de Murakami. A nivel de cine soy muy fan de Kobayashi, obviando a Kurosawa. También recuerdo que durante el verano que hicimos el disco vi el documental de Wim Wenders Tokyo-ga sobre Yasujiro Ozu que me tuvo obsesionado un tiempo. Siguiendo con las letras, es evidente su componente poético, con pasajes incluso recitados. ¿Qué papel creéis que una banda de rock puede tener en la relación de la gente jóven con la literatura? Imagino que la mayo-

ría de vuestros fans apenas tendrán contacto con la poesía, como la mayor parte de la sociedad. Para nosotros es simplemente otra forma de expresión con la que nos sentimos cómodos. Creo que a la hora de expresarse todo vale y no debería haber barreras. De hecho, rock y literatura no tienen por qué ser cosas distintas. Por poner algún ejemplo, las letras de Lisabö son de Martxell Mariskal, Jim Morrison escribía poesía y Gimferrer tiene muchos referentes musicales en sus poemas. En nuestro caso no creo que lo que hagamos se pueda considerar poesía, el término nos queda grande. Pero de cualquier modo, la literatura es una parte importante de mi vida y supongo que acaba reflejándose. Habéis girado bastante por España y supongo que eso (aparte de Internet) os habrá llevado a descubrir grupos y escenas locales. Si tuvierais que hacer una radiografía de lo que se está moviendo en el país citando 3 o 5 grupos, ¿cuáles elegiríais? Sin duda La Parade y Shonen Bat en Andalucía me parecen dos grupos inmensos que no tienen el reconocimiento que se merecen. Por otro lado, aunque llevan un tiempo sin dar noticias, Yaw de Donosti son otra banda increíble y creo que su disco “Malda” nunca tuvo la repercusión que debería haber tenido.

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TOUNDRA

«A estas alturas no nos podemos acomodar a lo que se supone que va a ser un disco de Toundra» Sólo un par de semanas antes de que se publique su cuarto disco, hablamos con Esteban, guitarrista de Toundra, sobre el reto que supone su debut para Century Media/Superball y repasar los cortes del disco así como todos los procesos de cambio vividos por él mismo, y por la banda. Empezamos con Strelka, una primera canción en la que rápidamente reconocemos el sonido de Toundra, pero dónde ya se notan ciertas influencias progresivas, y un sonido más maduro que mira más si cabe a los 70’, a King Crimson. ¿Es posible que ya desde el minuto uno se note de forma tan clara la mano de Macón, o responde más a una evolución global del grupo? Creo que todo el disco está muy impregnado de Macón y de su importancia a la hora de componer. No ha entrado como un miembro que tuviese que ponerse un corsé y aportar simplemente lo que se le puede suponer a un guitarrista de Toundra. Sin duda, le ha venido bien haber tocado con nosotros anteriormente, y conocerse las canciones de “II” y de “III” de cuando giró con nosotros en el pasado, pero a partir de ahí se ha implicado mucho a nivel personal, y desde el primer día que quedamos los cuatro para confirmar que pasaba a formar parte del grupo, dejó muy claro que lo que más le ilusionaba era componer el nuevo disco con nosotros. Macón ve la guitarra como un juguete, le gusta jugar con ella, y desde ese punto de vista trabajar con él ha sido muy sencillo. En cuanto a la madurez del sonido... no me corresponde a mi evaluarlo. Está claro que llevamos más años juntos e imagino que se notará, pero yo todo lo que puedo decir respecto a trabajos anteriores es que todos nos lo hemos tomado más en serio que nunca, con mayor concentración, y creo que eso hace que haya salido de forma más fluida.

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Vamos con la segunda, “Qarcom”. Se trata de la pieza más larga y tiene tantos cambios que el primer día que iba escuchando “IV” estas navidades camino de Toledo, hubo un momento que miré la pantallita del mp3 pensando que iríamos por la cuarta o así, y seguía por la segunda (risas) ¿Cómo es el proceso de elaboración de estas piezas más complejas? O sea, ¿cómo decidís cuando parar, cómo se llega al punto de decir ya no hace falta añadirle otra parte más? Antes si que nos obligábamos a llegar a ciertos tiempos de duración, pero en “IV” esto no ha sucedido apenas. “Qarcom” salió así, tal cual. La compusimos en gran medida, como muchas otras, en casa de Macón, que vive cerca de mi trabajo, y en los descansos de la hora de la comida quedábamos e íbamos dando forma a las guitarras. Es curioso que en este tema, como bien dices, hay una parte en la que rompemos todos y parece que termina, pero justo me pilló por aquellos días

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escuchando mucho a Fucked Up, y me apetecía añadir una parte que había hecho yo en mi casa con la acústica con esa influencia más punkarra por decirlo de algún modo. El caso es que al final quedó como todo lo contrario. Es lo que tiene ofrecerle algo hardcoreta a Maca, que te lo termina llevando al progresivo. La tercera pieza es “Lluvia”, un interludio ambiental y ruidista que en mi opinión se os ha ido un poco de las manos en duración, pero que entiendo que pueda tener su sentido dentro del disco. ¿Tan importante es la unidad de lo que se trata de transmitir en conjunto, que llegáis a añadir piezas como esta, cuya duración puede ir en perjuicio de las escuchas rápidas y directas tan habituales en estos días? Os digo esto porque quizás algunos de quienes hoy se acerquen a Toundra van a pasar esta canción al minuto.

«Nuestra experiencia nos dice que no somos un grupo convencional. No jugamos con las reglas habituales, y creemos que nuestro público es de los que escucha un disco desde el minuto uno al último»


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Entiendo lo que dices. “Lluvia” se compuso a raíz de que Mario Zamora, de Lüger, se trajese el último día todos sus teclados para grabar una especie de intro ambient noise para “Belenos”. Grabó un montón de cosas, y luego nosotros junto a Carlos Santos empezamos a ordenar todas esas pistas como si se tratase de un puzle. Vimos que se nos iba de tiempo para que luego entrase en la edición en vinilo y pensamos meterla como pista escondida en el Cd, pero al final Century y Superball no pusieron ninguna objeción a que el vinilo fuese doble y pudimos hacer lo que habíamos pretendido en un inicio. A Alberto le encantaba esta pieza, y también creía que en un cuarto disco debíamos arriesgar y hacer lo que nos apeteciese. Y en cierta manera todos hemos llegado a la conclusión de que a estas alturas no nos podemos acomodar a lo que se supone que va a ser un disco de Toundra. Nuestra experiencia nos dice que no somos un grupo convencional. No jugamos las reglas habituales, y creemos que nuestro público mayoritario es de los que escucha un disco desde el minuto uno al último. Así que sí, es muy importante para nosotros que todo tenga una unidad. Nos parece que cualquier tipo de arte es más inte-

resante cuando este es interpretable, y la música no iba a ser menos, por lo que entendemos una obra como un conjunto al que cada cual luego le da el significado que desea. Con “Belenos” llega en mi opinión el primer momento en que reconozco a los Toundra más clásicos en lo que a esqueleto y a evolución del tema se refiere. Sin embargo, sí que noto un intento de sonar algo menos tenebroso y con algo más de optimismo ¿Crees que se puede deber a cierto momento social de aparente luz al final del túnel, o se debe más a un momento vuestro personal? Sería pretencioso por mi parte decir que como las cosas parece que van a mejor, y como parece que pueden llegar cambios, eso nos ha dado una energía diferente. Dentro de la banda todos seguimos igual de bien o de mal que cuando grabamos “III”, por lo que si el disco suena del modo en que lo hace esto se debe al buen momento personal del grupo. Estábamos contentos e ilusionados con poder hacer un nuevo disco y superar este nuevo reto, y eso supongo que ha sido el detonante para que “IV” suene como suena.

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Llegados al ecuador del minutaje estamos ante “Viesca”, el tema diferente de “IV”. Semiacústica, llena de arreglos de cuerda y viento, supone el comienzo del desenlace del Lp y para mí su parte más brillante. Ya te dije, que su sonido me evocaba por alguna razón, a la zona donde creciste, a Asturias. Tiene un punto entre revolucionario, épico y nostálgico que casa muy bien con los que se suele asociar a esa zona de España. (Risas) De hecho tiene un nombre asturiano la canción. La verdad es que cuanto más tiempo paso fuera de mi tierra más noto que me tira el lugar donde crecí. Eso lo he notado ya viviendo en Madrid, y ahora cuando vuelvo a Asturias, no sé si es la humedad, el clima, o qué, pero hay algo que me toca muy adentro. Estando como ha estado España en estos últimos años, y estando como ha estado Asturias en concreto, pues el arraigo crece y quizás por ahí se cuele algo de eso que comentas. Si bien, siendo sincero, desde el punto de visto musical creo que lo que más nos ha influido a la hora de componer los arreglos de este tema han sido el Sgt. Pepper’s de los Beatles, y también Ry Cooder, al que he estado escuchando mucho durante esta última etapa.

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Justo lo he estado escuchando yo antes. ¿Qué es lo que más te interesa de su obra? Pues de él me interesa el componente cinematográfico de su música, y me interesa su revisión constante de la música folclórica bien entendida. Creo que de un modo u otro en el futuro mi evolución musical irá por ahí. Me estas contestando a la siguiente pregunta casi sin querer, porque te iba comentar si en el futuro te ves trabajando en cosas relacionadas con las bandas sonoras y los sonidos folclóricos. Quizás, porque hay unas raíces, que en mi caso seguramente tienen más que ver con un irlandés o un escocés, que con un andaluz (pese a que me flipe el flamenco), que me gusta explotar. Son influencias que seguramente no hablas con nadie, y que si no me estuvieses entrevistando pues a lo mejor nunca te habría comentado, pero para mi proyecto vital sí que siento necesario hacer cosas que plasmen mi pasado y mis raíces. Si “Viesca” es, en mi forma peliculera de ver el disco, la parte romántica y emocional de un levantamiento, “Kitsune” es la otra cara de la moneda. Es la batalla. Ya el turbio final de “Viesca” nos avanza que algo se ha torcido, y en “Kitsune” se

«Para mi proyecto vital, siento necesario hacer cosas que plasmen mi pasado y mis raíces» 46

plasma el tema más oscuro y agresivo del Lp. ¿Me equivoco si pienso que Kitsune va detrás de Viesca como contrapunto y cara bélica de la anterior? Hamas invade Israel, como me dijiste el día que salió el adelanto (risas). Sí, en términos de sonido solemos intentar que nuestros discos sean una lucha de matices y contrastes, y aunque quizás no lo hacemos con un sentido narrativo como el que tú comentas, me gusta que los sientas así porque como grupo pretendemos precisamente que cada oyente haga la interpretación que se le ocurra. De la siguiente, “MRWING”, que es otro interludio, quería que me dijeses de dónde viene el nombre. (Risas) Bueno, como ya sabes, en el tema de los nombres jugamos a poner títulos enigmáticos por un lado, y a reírnos de nosotros mismos por otro. En este caso, Mr.Wing es el chino que en la película de los Gremlins le vende al padre a Mogwai, la criaturita aparentemente buena a partir de la que luego surgirán los Gremlins. Esto sumado a que los Gremlins parecen zorros, y dado que todo el art work gira en torno a dicho animal, pues… Y para concluir con el repaso al disco, éste finaliza con “Oro Rojo”, otro de los temas más innovadores de “IV” teniendo en cuenta su concepción algo más directa, y de algún modo, más pop. ¿A quién se le ocurre esta canción, y por qué crees que Santi García (productor) os la denominó como la “Nueva Vulcano”? (Risas) Pues le decía la “Nueva Vulcano” porque en un parte de la canción parece ser que entran muy bien dos versos de una canción suya, no recuerdo cuales ahora, y también la llamaba la “Coldplay”. Me acuerdo cuando empezamos con las baterías que mientras Alex grababa, yo estaba con la acústica por encima tocando y a Santi no le gustaba nada (risas). Esta canción fue la última en salir completa de todo el disco, pero provenía de un trozo que fue lo primero que compusimos. Lo dejamos

aparcado durante el resto del proceso y lo recuperamos justo al final. La compusimos en dos ensayos a raíz de unos riffs que llevamos en diferentes tonalidades, los igualamos, y quedó en modo mayor, lo cual a la hora de componer trae consigo melodías más alegres y optimistas. Hasta ahora Toundra había compuesto todo en tonos menores, por lo que de ahí, y de unos ritmos de batería más simples y hardcoretas que se le ocurrieron a Alex, pues surgió “Oro Rojo”. Y ya que era la más diferente de todas pues decidimos probar un poco a nuestro público haciendo el videoclip promocional de “IV” con ella. Para alguien que haya visto la evolución del grupo desde el principio, pensar en todo lo logrado con el estilo de música que hacéis y el modus operandi empleado, puede parecer en mi opinión bastante acojonante. Pero para vosotros que sois los que de verdad lo vivís por dentro ¿cómo veis el momento actual? ¿Sentís presión o vértigo de ver que vuestro disco se va a publicar por todo el mundo, o de que girar por Europa ya no es un sueño ligado a dormir de mala forma en un saco o una furgoneta? Como me conoces muy bien sabes que soy una persona muy insegura. Antes era en Víctor en quién me apoyaba cuando me surgían esas dudas, pero con la llegada de Maca, y con Alberto y Alex dando un paso al frente a la hora de tomar decisiones, puedo decir que he sentido presión por mi inseguridad, pero que ellos me lo han simplificado hasta el punto de que, ahora mismo lo pienso y no creo que todo esto pueda ser algo por lo que sentir ninguna presión más allá de lo normal. De que quieras que el disco guste a la gente. Solo somos un grupo de música, es algo muy banal, no estamos salvando vidas. Obviamente no tenéis que dar explicaciones a nadie, pero ¿qué le diríais a ese hater que está detrás de la pantalla de su ordenador pensando: “los Toundra estos al final se han ido a una multi como hacen todos en cuanto


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pueden”? ¿Cómo le explicaríais las razones que os llevaron a tomar la decisión? Sabemos que puede haber quién piense así. Yo no miro demasiado las redes sociales del grupo, y sin que esto suene como menosprecio a este tipo de cosas, no le doy demasiada importancia. Desde que nos descubrió Malaguita con Astoria Records (risas), hasta ahora con Century, las cosas nos han ido saliendo poco a poco y con la flor en el culo de no tener que andar mandándole discos a ningún sello. Yo si les tuviese que explicar esto de algún modo les diría que el mismo día que se marcha Víctor nos llega una oferta de Century Media, cuya oficina en España la lleva una persona amiga mía desde hace muchos años, y en la cual confío ciegamente. Ante esa circunstancia se planteó la pregunta ¿seguimos? Alex dijo, tenemos que seguir, y finalmente nos reunimos con Century por educación para ver que oferta nos hacían. Con la oferta bajo el brazo, ocho días después en un concierto en Euskadi nos reunimos con Sergio de Aloud, y le plantemos tanto esta oferta, como el hecho de que habíamos tenido otras muchas de verdaderas multinacionales, que habíamos rechazado. Él nos dice que debemos seguir y aceptar esa oferta, y eso fue clave para tomar la decisión. Las condiciones de contrato y de día a día de la banda son las mismas que antes. Nosotros hemos puesto el precio del disco, y decidimos todo en torno al grupo como siempre lo hemos hecho. Solo nos pidieron retrasar algo la fecha de salida del disco, así que por lo general este cambio de sello nos ha servido, básicamente, para liberarnos de ciertas funciones que antes llevaba la banda y que muchas veces nos sobrepasaban, como pueden ser temas de management o promoción, que ahora en cada país se encarga alguien específico de dicho lugar. En definitiva, este cambio para lo que nos va a servir va a ser para no relajarnos, y en vez de acomodarnos a girar por España con mejores horarios y mejores cachés, vamos a regresar a cuando todo empezó con “I”, y a tocar, por poner un ejemplo, en Praga por 150 euros.

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«El cambio de sello nos va a servir para, en vez de acomodarnos a girar por España con mejores cachés, regresar a cuando todo empezó y a tocar, por poner un ejemplo, en Praga por 150 euros»

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PERO BUENO, TAMPOCO TE FLIPES 48


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+Entrevistas THE MUFFS

CUELLO

MONTE DEL OSO

STEVE WYNN

PLEASE WAIT

ALDRIN Y COLLINS

DULCE PÁJARA DE JUVENTUD

PERRO

JILGUERO

DENGUE FEVER

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1995 MAINSTREAM DAYS

En 1995 lo alternativo se desmadra en las radios y se disipa entre one hit wonders. Muerto el grunge, todos sus sonidos colindantes se apoderan del pop-rock en un fenómeno que ya estaba claramente en marcha. Quizá lo más reseñable de este proceso es como España se suma (tímidamente y con su retraso habitual) a la tendencia. Lo “alternativo” comienza a vender aquí también y florecen festivales como el Espárrago, el Festimad y el FIB. Esta explosión industrial va de la mano de cierto declive creativo, aunque es más justo decir que simplemente el nivel de los primeros 90 era muy difícil de mantener. La escena creció y se perdió la inocencia. Pero aún podríamos disfrutar de definitorias joyas del brit-pop, el indie-folk, el punk californiano y otros ruidos más o menos experimentales o revientacharts.

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Melancolía y el infinito ego: 20 años de Mellon Collie and the Infinite Sadness

A mediados de los noventa lo ‘alternativo’ era rey de la radio. Añadiendo a las bases musicales y estéticas del grunge una buena mano de pop y detalles electrónicos, un grupo debutante podía llegar a vender como churros si caía en gracia a una de esas multis que por entonces estaban buscaban nuevos éxitos en esos sonidos. Tan en boga estaba el género que incluso grupos ya asentados, como Depeche Mode, U2 o R.E.M. adoptaron algunos de los postulados de lo considerado ‘alternativo’ para poder sobrevivir a la década, en un caso de cruel ironía ya que ellos habían contribuido a poner esas bases. Hacia 1995, The Smashing Pumpkins estaban ya a la cabeza del género; una vez muerto el grunge al que alguna vez pertenecieran a su pesar. Un tipo listo como Billy Corgan decidió apartarse del sonido crudo y enmarañado de su anterior obra, “Siamese Dream”, dando puerta a Butch Vig y abrazando a una de las parejas de productores de moda de esos años: Alan Moulder y Flood. El resultado: un disco doble conceptual, de casi treinta canciones, de sonido más limpio y accesible que sus anteriores obras, y, sobre todo, ambicioso y excesivo (“el The Wall para la generación X”, contaba su creador). Y es que todo cabe en estas más de dos horas de música: punk, grunge, rock de estadio,

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pop, folk, industrial, death metal, baladas, rock progresivo... toda una amalgama de texturas para una generación que quizá no estaba tan acostumbrada a tal eclecticismo en un solo álbum. Desde un principio la opinión estuvo polarizada: unas críticas elevaron al ya de por sí egocéntrico Corgan a la categoría de salvador del rock, mientras que otras quisieron ver que ese mismo ego había hecho naufragar la obra en su auto-regodeo y falta de medida. El tercer álbum de los Pumpkins es una obra especial. Es el álbum DOBLE de nuestra generación, aquel en el que cabía todo y abarcaba todo el (limitado) espectro musical y emocional de un adolescente o veinteañero de por entonces. Cierto es que conforme ha ido pasando el tiempo alguno quizás le ha dado la espalda por su pretenciosidad y exagerada ‘teenage angst’, e incluso concedemos que pueda tener algo de relleno; pero muchos aún le guardamos un lugar en nuestro corazón ya que es el disco que nos enseñó que el rock puede ser más grande que la vida. Señoras y señores: “Mellon Collie and the Infinite Sadness”. Dadle al play y escuchad el pianito...


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Sabiendo que hoy se llevan los discos de media hora, intentamos resumir en diez canciones la esencia de un disco que pertenece a una época dorada del concepto de álbum. Flojos, que sois unos flojos...

“Tonight, Tonight” En los noventa, ver en la tele un videoclip chulo podía ser suficiente aliciente para comprar un disco. Y el de “Tonight, Tonight” molaba, vaya si molaba. Además, la canción acompañaba: muchos nunca habíamos oído antes arreglos orquestales de ese cariz en el rock, para lo que en el fondo era una sencilla canción de amor.

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Dawn to Dusk

“Zero” El punk estaba también presente. Poco más de dos minutos y medio para lo que acabaría siendo uno de los grandes clásicos del disco y, para algunos, la mejor canción que haya compuesto Corgan. Carne de camisetas desde el minuto ‘zero’, jeje...

“Bullet With Butterfly Wings” El single de presentación de agitado vídeo. Corgan se sitúa en un punto equidistante tanto del grunge como del rock de estadios en un himno que desata toda su megalomanía comparándose tanto con una rata atrapada como con Jesucristo. Su estribillo y sus riffs, antológicos.

“Muzzle” La canción más ‘indie’ de todo el disco quizá pasó desapercibida ante el alud de singles, pero para los fans ha acabado siendo una favorita. Ruido de la escuela Sonic Youth y My Bloody Valentine para un grower total. ‘And I knew the silence of the wooorrldd!’ ¿cuántas veces habremos gritado esto?

Punk, grunge, rock de estadio, pop, folk, industrial, death metal, baladas, rock progresivo... todo cabía en el tercero de los Pumpkins

“Porcelina of the Vast Oceans” 9 minutos que representan bien los excesos del autor. Dos minutos y medio de sonido sintético antes de arrancar con capas y capas de guitarras, para luego alargar el tema hasta que se desvanece. Rock progresivo de herencia directa Pink Floyd y King Crimson. “Thru the Eyes of Ruby” podría considerarse su hermana en el segundo cd.

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“Bodies”

Twilight to Starlight

El single que Smashing Pumpkins se olvidaron de lanzar. Una banda de hoy en día se felicitaría por componer un tema así: rock directo sin apenas respiro, con las guitarras en primer plano y estribillo matador. Mira cara a cara a “Bullet With Butterfly Wings” y otras de similar octanaje. Love is Suicide...

“Thirty-Three” La mayor pega que muchos ponen a este disco es la gran cantidad de ‘baladitas insulsas’ que contiene. Cierto es que al final del segundo CD a Billy se le va un poco de las manos colocando cinco seguidas, pero no se puede dudar que compuso auténticas joyas como ésta, preciosa canción romántica y nostálgica donde las haya.

“1979” Corgan se dirige aquí a su público potencial: los jóvenes que por aquel entonces tenían dieciséis años. El grunge había muerto, pero ellos tenían aún toda la vida por delante para triunfar... como su grupo favorito. Un single perfecto, tanto que tendría una semi-continuación en “Perfect”, de su siguiente álbum.

“Mellon Collie & The Infinite Sadness” es el álbum doble de nuestra generación

“X.Y.U.” En “Siamese Dream” estaba “Silverfuck”, y en “Mellon Collie...”, “X.Y.U.”. Si quieres oír a los Pumpkins más salvajes, con Corgan desgañitándose y soltando riffs asesinos esto es lo que hay que oír. Un paso más allá incluso está “Tales of a Scorched Earth”, puro death metal, dos tracks antes.

“Farewell and Goodnight” Si no me fallan las cuentas, Billy Corgan y James Iha sólo cantaron juntos en esta canción de todas las que grabaron para los discos de los Pumpkins. Conocido el tiránico carácter del primero, sólo le dejó incluir al segundo un par de temas propios en este álbum, ésta en coautoría y la algo anodina “Take Me Down”. Al menos, en el recopilatorio de singles “The Aeroplane Flies High” encontramos algunas más del japo-americano bastante apañadas.

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TRIPPIN’ ON A HOLE (IN A PAPER HEART) Scott Richard Kline fue una de las muchas estrellas malditas de los 90. Pese a tener la suerte de verse en una banda que aprovechó comercialmente el tirón del grunge, el baile de adicciones y problemas con la ley pronto le ganó una fama tal, que casi cuando desapareció a finales de 2015, nos parecía un déjà vu.

SEX TYPE THING

Al calor del apogeo del grunge aparecieron Stone Temple Pilots como unos Pearl Jam más rocosos. El riff y rotunda base rítmica de “Sex Type Thing” fue la mejor carta de presentación para la única banda de fuera de Seattle que pudo lucir la etiqueta “grunge”.

PLUSH

Si la personalidad de Weiland inundaba todos los cortes de su debut, fue tal vez en “Plush” donde apuntaba todo su potencial. Su magistral forma de llenar la libre estructura de este medio tiempo sentaba el camino para futuros hits. Las comparaciones con Eddie Vedder seguían estando a la orden del día, pero aquí había chispa y los hermanos DeLeo la iban a aprovechar. 56


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VASOLINE

Un hit volátil de esos que cuando estás atrapado en su machacante base rítmica, te deja huérfano. Oscura, contundente y psicodélica, en ella la voz de Weiland pone el toque de terciopelo necesario para conformar el single.

INTERSTATE LOVE SONG

Indiscutiblemente, el tema más universal de Stone Temple Pilots. Una de esas canciones, como las grandes del grunge, capaces de conjugar lo alternativo con las profundidades del rock americano y su profunda épica. La interpretación por la que seguramente recordaremos todos a Scott Weiland y la plasticidad de su voz.

BIG EMPTY

Stone Temple Pilots también jugaban al misterio, al coqueteo en el depresivo medio tiempo tan de los 90 con otros géneros, como el blues. Este tema, incluido en la siniestra banda sonora de The Crow, fue un gran ejemplo.

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LADY PICTURE SHOW

No se puede dudar que STP sufrieron el clásico síndrome de los primeros discos. Con dos magnas obras, su “Tiny Music” no podía ser sino una leve decepción. De ellos se esperaba mucho y esto, en pleno declive del rock alternativo, se vio acentuado. Pero no hay que desechar la sofisticación melódica de la banda en temas tan deliciosos como éste. En lo personal, el problema de adicción empezó a afectar a la banda, teniendo que cancelar gira.

BARBARELLA

Para atajar esta inhabilitación de su líder, la banda montó el proyecto paralelo Talk Show con otro vocalista. A su vez, Weiland aprovechó para lanzarse en solitario, en pleno enganche a la heroína. Fue un disco seguramente incomprendido y vapuleado por la situación personal del músico, que sin embargo contenía un ansia experimental que parecía fuera del ámbito de lo que se esperaba de su banda.

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SOUR GIRL

Tras un tiempo entre rejas y con un Weiland supuestamente rehabilitado, la banda regresó. Pero lo cierto es que la edición de Nº4 vio a Scott Weiland entre rejas por posesión. Así que la fase de promoción no pudo ser apoyada por presentaciones en vivo al uso. No obstante, “Sour Girl” sí que se convirtió en uno de los éxitos más grandes de la banda en la última época seguramente gracias a sus aires livianos y power-pop, con guitarras optimistas y un Weiland cantando más limpio que nunca. Irónico.

DAYS OF THE WEEK

“Shangri-La Dee Da” quiso ser un doble álbum dedicado a Andrew Wood, pero la discográfica desechó la idea así como otros conceptos que trascendían lo musical que la banda tuvo en mente para aprovechar que Weiland parecía en buena forma y la banda podía seguir adelante. Esta frustración de planes unida al fracaso comercial del album tuvo bastante que ver en su separación inicial. Tan sólo “Days of the Week” supuso un hit en la radio, pese a que otros temas más rockeros como “Hollywood Bitch” fueron mejor acogidos por los fans.

FALL TO PIECES (VELVET REVOLVER)

Velvet Revolver fue un supergrupo en el que Scott Weiland se encontraba con la plana mayor de los Guns N Roses clásicos. Parece que las historias de adicción que compartían no fueron suficientes para mantenerles unidos mucho tiempo, pero dejaron dos dignos discos y esta balada que es claramente Weiland haciendo el papel de Axl. Y es que el vocalista quizá no fuera un compositor de excepción pero sí demostró a lo largo de su carrera un caracter camaleónico que echaremos de menos.

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BORN TO LOSE

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Re vival

MIXTAPE

De la revolucionaria psicodelia de Hawkwind a la cabezonería cultivada con sus propios Motörhead, el rudo personaje que conocimos como Lemmy Kilmister tuvo una dilatada aunque ante todo coherente carrera. Una que le llevó a nacer como Ian Fraser en un pueblecito en las midlands del oeste del Reino Unido en plena nochebuena hasta fallecer como icónica estrella del rock a los 70 años en Los Ángeles un aciago día de los inocentes. Entre medias, una carrera con decenas de discos y centenares de conciertos.

SAM GOPAL - THE DARK LORD (1969)

Tras un tiempo tocando la guitarra imitando a The Kinks y The Who con The Rockin’ Vickers, Lemmy se mudó a Londres y entró en Sam Gopal, una formación underground de rock psicodelico en ascenso donde se encargó de guitarra y voces de su debut “Escalator”. Poco después se separarían.

HAWKWIND - SILVER MACHINE (1972)

En 1972 Lemmy se unió a Hawkwind como bajista. En poco tiempo sorprendió cantando el hit de la banda “Silver Machine”, por casualidades de la vida; aunque fue grabada en directo con la voz de Robert Calvert, dado el fatal resultado de ésta, el productor decidió probar la de Lemmy. Por cierto, este himno del rock espacial no va sobre una nave, sino sobre una bicicleta.

HAWKWIND - MOTORHEAD (1975)

El fin y el principio. La última canción que Lemmy compuso para Hawkwind y trata directamente sobre el speed. Después Lemmy fue arrestado por posesión de dicha sustancia (aunque las autoridades canadienses lo tomaron por cocaína) y fue expulsado de la banda. El bajista se quejó de tal hipocresía, alegando que el resto consumía tanto como él, sólo que de otro tipo de drogas más alucinógenas. Así Lemmy comenzó su propia carrera con las drogas que a él le gustaban más, las estimulantes.

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MOTÖRHEAD - IRON HORSE / BORN TO LOSE (1977)

Los primeros tiempos de Motörhead (primero bautizados Bastard) no fueron buenos. Sus primeras canciones no tenían potencial según United Artists, que secuestró el disco hasta que la banda fue famosa. El trío pensaba separarse y grabar un álbum en vivo como testimonio. La casualidad hizo que el técnico no pudiera grabar dicho directo y a cambio les ofreció un par de días en su estudio. Lo usaron para practicamente registrar los mismos temas desechados por la multinacional en un disco homónimo con el famoso logo de la banda en portada. Aún con parte de la herencia psicodelica de Hawkwind, les salieron clásicos del rock n roll como éste.

MOTÖRHEAD - OVERKILL (1979)

De repente a la banda no le iba tan mal, aunando público del punk y el metal con sus anfetamínicas descargas. “Overkill”, pieza homónima de su segundo disco es quizá el primer ladrillo de una carrera basada en una velocidad monolítica que sentó las bases del thrash metal. El cabezón patrón rítmico hoy tan característico, era toda una revolución en la época y absoluto protagonista de la canción.

MOTÖRHEAD - BOMBER (1979)

La incorporación de un nuevo guitarrista, “Fast” Eddie Clarke con claras raíces en el rock’n’roll. Los riffs de “Bomber” se graban tan a fuego como sus líneas de estribillo: “We shoot to kill, and you know we always will”. Aquí pudo comenzar el particular affair de Lemmy con la imaginería bélica, que por cierto les acompañó de gira por entonces.

MOTÖRHEAD - ACE OF SPADES (1980)

Lo único negativo de “Ace of Spades”, es que muchos la tomen como un one hit wonder que les exime de conocer el resto de la carrera de Motörhead. Composición perfecta, otra letra de las que se graban a fuego en el corazón rockero. Irónicamente, Lemmy era más adicto a las tragaperras que al poker, algo que no suena nada rock n’ roll. Aquí la banda ya disfrutaba las mieles del éxito aunque estaba a punto de sufrir tiempos de alineaciones convulsas y relleno compositivo.

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Re vival

MIXTAPE

MOTÖRHEAD - DANCING ON YOUR GRAVE (1983)

Por personales e influyentes que Motörhead fueran en el terreno del metal y el hard-rock, también se dejaron llevar por las corrientes de su tiempo. El heavy metal ochentero late por las venas de este melódico himno con Brian Robertson aportando una guitarra más limpia de lo que estamos acostumbrados en ellos.

MOTÖRHEAD - KILLED BY DEATH (1984)

A mediados de los 80 la crítica empezó a dejar de tratar tan bien a la banda. Este single no incluido en ningún lanzamiento hasta su inclusión en el recopilatorio “No Remorse” vió la reputación de la banda remontar un poco el vuelo. Cuenta además con un vídeo muy ochentero que reune todos los tópicos rockero-moteros que la banda simbolizó. Podemos escuchar a Lemmy cantarla desde allí arriba.

MOTÖRHEAD - 1916 (1991)

Los 90 marcaron, como para otros tantos clásicos maltratados por la complacencia ochentera, un punto de inflexión para esforzarse más. Lemmy lo hizo pero sorprendentemente no eligió presentarlo como “su mierda más heavy”. Al contrario, lo hizo con esta sentida balada sobre la futilidad de la guerra. Viniendo de un coleccionista de memorabilia nazi, es toda una declaración de intenciones. No es que su carrera no diera para otro puñado de singles memorables en los últimos 20 años, pero nada mejor que quedarse con el punto más emotivo de una banda universalmente conocida por patear culos.

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¿Qué es feiticeirA? Una pregunta que puede sonar profunda o a solemne chorrada. Situándonos en un cómodo punto medio, nuestros visitantes habituales podrían contestar que somos sólo un medio de divulgación y crítica de música popular, más o menos fiable. Pero también es posible que piensen que anteponemos nuestros gustos y preferencias antes que ofrecer una visión más universal diluida de la actualidad musical. Lo cierto es que es gracias a centrarnos en el tipo de música que amamos, que la web sigue adelante. Y esta manera de actuar nos hace preguntarnos: ¿qué música define a feiticeirA? Llevamos en esto casi tres lustros y ha llegado la hora de echar la vista atrás y ‘explicarnos’ a nosotros mismos; componiendo una colección de canciones que hable por la web, que nos ha marcado a fuego desde nuestra tierna pubertad hasta ahora que empezamos a canear y calvear, que nos sirva de baremo para medir a qué altura vuelan los temas nuevos que escuchamos a diario. Lo hemos dividido en tres entregas, y en esta primera rastreamos la prehistoria de nuestra afición. Ponemos el punto de partida en los cincuenta con los inicios del rock & roll y lo llevamos hasta el final de los ochenta década que, por edad, no vivimos musicalmente de primera mano. Ochenta son también los temas seleccionados, a veinte por cabeza pensante de la web, unas cinco horas de música ordenada cronológicamente. La mayor parte es bien conocida, aunque esperamos que encuentres un puñadito de clásicos desconocidos. De los comienzos del pop al garage, de la psicodelia y el kraut rock al glam y el punk, del metal y el noise a los primeros estertores de eso llamado indie. Todos ilustres veteranos que pusieron los cimientos de la música que nos sigue molando hoy en día y que en muchos casos suenan aún extrañamente modernos.

P.D.: Lamentablemente no todos los temas están en Spotify.

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1. Eddie Cochran - Summertime Blues (1958) 2. Freddy Cannon - Palisades Park (1962) 3. Simon & Garfunkel - The Sound of Silence (1964) 4. The Kinks - You Really Got Me (1965) 5. The Sonics - Have Love Will Travel (1965) 6. The Byrds - Feel a Whole Lot Better (1965) 7. The Rolling Stones - Paint it Black (1966) 8. The Beach Boys - God Only Knows (1966) 9. Love - Alone Again Or (1967) 10. The Velvet Underground - All Tomorrow’s Parties (1967) 11. The Beatles - Helter Skelter (1968)

60’s

12. Silver Apples - Seagreen Serenades (1968) 13. Os Mutantes - Panis et Circenses (1968) 14. The Jackson 5 - I Want You Back (1969) 15. Creedence Clearwater Revival - Fortunate Son (1969) 16. MC5 - Kick Out the Jams (1969) 17. Led Zeppelin - Whole Lotta Love (1969) 18. Nick Drake - Northern Sky (1970) 19. The Doors - L. A. Woman (1970) 20. Black Sabbath - Black Sabbath (1970) 21. David Bowie - Suffragette City (1972) 22. Roxy Music - Virginia Plain (1972) 23. Lou Reed - Satellite of Love (1972) 24. Can - Vitamin C (1972) 25. Neu! - Hallogallo (1972) 26. Iggy & The Stooges - Search and Destroy (1973) 27. Lynyrd Skynyrd - Simple Man (1973) 28. Big Star - September Gurls (1974) 29. Sparks - Amateur Hour (1974)

70’s

30. Bruce Springsteen - Born To Run (1975) 31. Blue Oyster Cult - (Don’t Fear) The Reaper (1976) 32. Bob Dylan - Hurricane (1976) 33. Neil Young - Like a Hurricane (1977) 34. Sex Pistols - Pretty Vacant (1977) 35. Dead Boys - Not Anymore (1977) 36. Television - Elevation (1977) 37. Suicide - Ghost Rider (1977) 38. Kraftwerk - Europe Endless (1977) 39. Wire - Outdoor Miner (1978) 40. Ramones - I Wanna Be Sedated (1978)

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41. Cheap Trick - Surrender (1978) 42. The Clash - Lost in the Supermarket (1979) 43. Joy Division - Disorder (1979) 44. Wipers - Mystery (1980) 45. Devo - Whip It (1980) 46. Bob Marley & The Wailers - Could You Be Loved (1980) 47. The Feelies - Loveless Love (1980) 48. Dead Kennedys - Holiday in Cambodia (1980) 49. Minor Threat - Seeing Red (1981) 50. Descendents - I’m Not a Loser (1982) 51. Misfits - Astro Zombies (1982) 52. Grandmaster Flash & The Furious Five - The Message (1982) 53. Michael Jackson - Beat it (1982) 54. Social Distortion - Mommy’s Little Monster (1983) 55. Bauhaus - She’s in Parties (1983) 56. Talking Heads - This Must Be the Place (1983) 57. Hüsker Dü - Something I Learned Today (1984) 58. Minutemen - This Ain’t No Picnic (1984) 59. Echo & The Bunnymen - Seven Seas (1984) 60. Cocteau Twins - Lorelei (1984) 61. The Cure - A Night Like This (1985) 62. Sonic Youth - Death Valley 69 (1985) 63. The Jesus and Mary Chain - My Little Underground (1985) 64. The Replacements - Left of the Dial (1985) 65. Green River - Come On Down (1985) 66. Rites Of Spring - Spring (1985) 67. Slayer - Angel of Death (1986) 68. Metallica - Master of Puppets (1986) 69. Depeche Mode - Black Celebration (1986) 70. The Smiths - Panic (1986) 71. New Order - True Faith (1987) 72. REM - The One I Love (1987) 73. The Cult - Wild Flower (1987) 74. The Red Hot Chili Peppers - Me & My Friends (1987) 75. N.W.A. - Fuck tha police (1988) 76. Fugazi - Bad Mouth (1988) 77. Pixies - River Euphrates (1988) 78. Dead Can Dance - The Host of Seraphim (1988) 79. The Stone Roses - She Bangs the Drums (1989) 80. Galaxie 500 - Decomposing Trees (1989)

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80’s


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MIXTAPE

Llegamos a la parte de la historia del rock y el pop que sí hemos vivido. Escuchar esta lista es hacer un repaso a nuestro timeline musical desde nuestra primera adolescencia hasta hoy; de esas bandas que descubríamos semana a semana conforme iban surgiendo. Escuchándola se nota de qué pie cojeamos. Y es que si hay un núcleo común entre los redactores de la web ese orbitaría en torno al indie-rock, el primer rock alternativo y grunge. Aquí están varias de las grandes bandas de esos movimientos, además de representantes del punk, brit-pop, trip-hop, rock nórdico, nu metal, post-rock, post-hardcore... estilos y modas que llegaron y desaparecieron del foco mediático, y que han sido parte importante en nuestra formación musical. También es esta lista una revisión emocional de la evolución del formato. Conforme avanzan las canciones es inevitable acordarse de las cintas de Green Day o Nirvana que te pasaban en clase y rayabas en tu walkman; de la implantación del CD y el deceso del vinilo; de los contados programas de radio y de videoclips en la tele; de la efímera vida del discman; de la aparición y desuso de Napster, Kazaa, Soulseek, eMule...; del reproductor de mp3 y la decadencia del CD; de Rapidshare y los Torrents, de MySpace, Bandcamp, Soundcloud...; de Spotify; del retorno del vinilo y el casete... Esto es feiticeirA y esto es lo que somos. Si eres nacido entre principios y mediados de los 80, y seguidor de la web, es probable que estos ochenta temas sean también banda sonora de tu vida.

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1. Pantera - Cowboys From Hell (1990) 2. Nick Cave & The Bad Seeds - The Weeping Song (1990) 3. Temple of The Dog - Hunger Strike (1991) 4. Mudhoney - Let It Slide (1991) 5. My Bloody Valentine - What You Want (1991) 6. U2 - Until the End of the World (1991) 7. Massive Attack - Unfinished Sympathy (1991) 8. Aphex Twin - Heliosphan (1992) 9. Ministry - NWO (1992) 10. Kyuss - Green Machine (1992) 11. Alice In Chains - Down In A Hole (1992) 12. Sugar - If I Can’t Change Your Mind (1992) 13. Pavement - Here (1992) 14. Faith No More - Midlife Crisis (1992) 15. Nirvana - Scentless Apprentice (1993) 16. The Smashing Pumpkins - Today (1993) 17. Dinosaur Jr. - Start Choppin’ (1993) 18. Bad Religion - American Jesus (1993)

90’s

19. NOFX - Don’t Call Me White (1994) 20. Sunny Day Real Estate - In Circles (1994) 21. Korn - Ball Tongue (1994) 22. Nine Inch Nails - Hurt (1994) 23. Pearl Jam - Better Man (1994) 24. Rancid - Roots Radical (1995) 25. Superchunk - Hyper Enough (1995) 26. Teenage Fanclub - Neil Jung (1995) 27. Oasis - Don’t Look Back in Anger (1995) 28. Pulp - Disco 2000 (1995) 29. Björk - Hyper Ballad (1995) 30. Sparklehorse - Cow (1995) 31. Weezer - The Good Life (1996) 32. Soundgarden - Pretty Noose (1996) 33. Rage Against the Machine - Bulls on Parade (1996) 34. Beck - The New Pollution (1996) 35. Belle & Sebastian - If You’re Feeling Sinister (1996) 36. Blur - Beetlebum (1997) 37. Radiohead - Paranoid Android (1997) 38. Sleater-Kinney - One More Hour (1997) 39. Mogwai - Mogwai Fear Satan (1997) 40. Spiritualized - I Think I’m in Love (1997)

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Re vival

MIXTAPE

41. The Van Pelt - The Good, The Bad & The Blind (1997) 42. Mineral - Unfinished (1998) 43. Elliott Smith - Waltz #2 (1998) 44. Refused - Summerholidays vs. Punkroutine (1998) 45. Turbonegro - Get It On (1998) 46. Neutral Milk Hotel - The King of Carrot Flowers Parts 2 & 3 (1998) 47. Boards of Canada - Telephasic Workshop (1998) 48. Mr. Bungle - Sweet Charity (1999) 49. Primal Scream - Swastika Eyes (Jagz Kooner Mix) (2000) 50. PJ Harvey - This Is Love (2000) 51. Queens of the Stone Age - In the Fade (2000) 52. Deftones - feiticeirA (2000) 53. A Perfect Circle - 3 Libras (2000) 54. At the Drive-In - Invalid Letter Dept. (2000) 55. System of a Down - Science (2001) 56. ISIS - The Beginning and the End (2002) 57. Dredg - Same Ol’ Road (2002) 58. Sigur Rós - Sigur 4 (2002)

00’s

59. Wilco - Jesus, Etc. (2002) 60. The Mars Volta - Inertiatic ESP (2003) 61. Outkast - Hey Ya! (2003) 62. The Postal Service - Such Great Heights (2003) 63. Arcade Fire - Rebellion (Lies) (2004) 64. Hot Snakes - Audit in Progress (2004) 65. Mastodon - Blood & Thunder (2004) 66. The National - Friend of Mine (2005) 67. Built to Spill - Goin’ Against Your Mind (2006) 68. Band of Horses - The Funeral (2006) 69. Woven Hand - Winter Shaker (2006) 70. Cult of Luna - Dim (2006) 71. The Knife - We Share Our Mother’s Health (2006) 72. LCD Soundsystem - Someone Great (2007) 73. Portishead - We Carry On (2008) 74. Fleet Foxes - White Winter Hymnal (2008) 75. The xx - Heart Skipped a Beat (2009) 76. Fuck Buttons - Surf Solar (2009) 77. Burial - Loner (2012) 78. Cloud Nothings - No Future/No Past (2012) 79. Beach House - Other People (2012) 80. Woods - With Light and With Love (2014)

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“Pues sí que son buenos, no parecen de aquí”. Coletilla que oíamos hasta no hace mucho en conciertos o hablando de discos con los colegas. En España siempre ha habido talento, el problema ha venido a la hora de reconocerlo. La envidia es el deporte nacional. Ya fuera porque un artista o grupo no fuera ‘purista’, porque cantara en inglés, porque se pasara a una multi… la realidad es que siempre nos ha costado reconocer lo realmente bueno proveniente de nuestro propio barrio. Por suerte, esta lacra se ha venido difuminando en los últimos 20 años, junto con el sentimiento de inferioridad (la mayoría de nuestros mejores grupos ya cantan en su lengua materna), y el comentario que encabeza este texto se ha convertido en algo digno de desconocedores o resentidos. A la vez, la calidad de los estudios ha aumentado y las buenas canciones españolas suenan igual de bien que las de fuera. Para culminar esta serie de especiales que definen el ‘sonido feiticeirA’, no podíamos menos que seleccionar las 100 canciones y grupos que más nos han influido a nivel patrio. Comenzando desde el flamenco y el rock andaluz, para pasar al punk, la nueva ola, el rock urbano y el indie. Toda una declaración de intenciones en una playlist, cuya segunda mitad es un recorrido vital por la web a lo largo de su existencia. A los grupos, si no estáis en la lista, os queremos igual. O no...

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MIXTAPE

1. Smash & Manuel Molina - El Garrotín (1971) 2. Vainica Doble - Caramelo de Limón (1972) 3. Paco de Lucía - Entre dos Aguas (1973) 4. Triana - Abre la Puerta (1975) 5. Veneno - La Muchachita/Canción Antinacionalista Zamorana (1977) 6. Camarón - La Leyenda del Tiempo (1979) 7. La Banda Trapera del Río - Ciutat Podrida (1979) 8. Derribos Arias - Branquias Bajo el Agua (1982) 9. Golpes Bajos - Cena Recalentada (1984) 10. Radio Futura - La Secta del Mar (1984) 11. Rosendo - Agradecido (1985) 12. Kortatu - Mierda de Ciudad (1985) 13. Eskorbuto - Anti Todo (1986) 14. El Último de la Fila - Insurrección (1986) 15. Gabinete Caligari - Camino Soria (1987) 16. La Dama se Esconde - La Tierra de los Sueños (1987) 17. Os Resentidos - Galicia Sitio Distinto (1988) 18. Silvio y Sacramento - Sureños (1988) 19. 091 - El Deseo y el Fuego (1989) 20. Surfin’ Bichos - Un Perro Feliz (1989) 21. Los Flechazos - La Chica de Mel (1989) 22. Extremoduro - Decidí (1989) 23. La Polla Records - Ellos Dicen Mierda (1990) 24. Los Enemigos - Desde El Jergón (1990) 25. Patrullero Mancuso - Lola Tomillo (1991) 26. Lagartija Nick - Universal (1992) 27. Australian Blonde - Chup Chup (1993) 28. El Inquilino Comunista - Charlotte Says (1993) 29. Parabellum - La Locura (1993) 30. Family - El Bello Verano (1993) 31. Carlos Berlanga - Si No Es por Ti (1994) 32. Sexy Sadie - In The Water (1994) 33. Penelope Trip - Galaxina (1994) 34. Def Con Dos - Pánico a una Muerte Ridícula (1995) 35. Soziedad Alkoholika - La Aventura del Saber (1995) 36. Kiko Veneno - Veneno (1995) 37. El Niño Gusano - Pon tu Mente al Sol (1996) 38. Aina - Did You Need (1996) 39. Automatics - Watch Over You (1997) 40. 7 Notas 7 Colores - Buah! (1997) 41. Los Fresones Rebeldes - Al Amanecer (1997) 42. Morente & Lagartija Nick - Omega (Poema para los Muertos) (1997) 43. Sr. Chinarro - Chaufferette (1997) 44. Los Planetas - La Copa de Europa (1998) 45. Parkinson D.C - Blue Star (1998) 46. Los Hermanos Dalton - Séptima Invasión (1998) 47. Hamlet - Antes y Después (1998) 48. Violadores del Verso - Máximo Exponente (1999) 49. Andrés Calamaro - Paloma (1999) 50. Chucho - Revolución (1999)

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51. Atom Rhumba - Funky Town (1999) 52. Airbag - La Chica No (2000) 53. Dut - Petrolioa Ere (2000) 54. Kuraia - Egunsentian (2001) 55. Dover - My Secret People (2001) 56. Nuevenoventaicinco - SFmente Gris (2001) 57. A Room With A View - Aislado (2002) 58. Hora Zulú - Golpes de Pecho (2002) 59. Antònia Font - Alegria (2002) 60. Manta Ray - Qué Niño soy (2003) 61. La Buena Vida - Segundas Partes (2003) 62. Free Serena - Disaster (2003) 63. Madee - Orion’s Belt (2004) 64. The Unfinished Sympathy - You’ve Got a Long Run (2004) 65. Berri Txarrak - Bueltatzen (2005) 66. Lisabö - Hemen Naiz ez Gelditzeko Baina (2005) 67. Sólo Los Solo - Todo el Mundo lo Sabe (2005) 68. No More Lies - Bad Catholic Education (2005) 69. Nueva Vulcano - Sagrada Familia (2005) 70. Standstill - La Mirada de los Mil Metros (2006) 71. Ghouls N Ghosts - Back to 96 (2006) 72. El Columpio Asesino - Floto (2006) 73. Adrift - Ramses (2006) 74. Viaje a 800 - Los Angeles que Hay en mi Piel (2007) 75. Nothink - Crows of Tragedy St. (2007) 76. Half Foot Outside - Driveways (2008) 77. Nudozurdo - Mil Espejos (2008) 78. The New Raemon - El Saben Aquel Que Diu (2008) 79. La Bien Querida - De Momento Abril (2009) 80. Los Punsetes - Pinta de Tarao (2009) 81. Delorean - Seasun (2009) 82. TheMistake - Extrarradio (2009) 83. Toundra - Bizancio (2010) 84. Betunizer - Teniente Corrupto (2010) 85. Pony Bravo - La Rave de Dios (2010) 86. Triángulo de Amor Bizarro - Amigos del Género Humano (2010) 87. Disco Las Palmeras! - La Casa Cuartel (2011) 88. Nacho Vegas - La Gran Broma Final (2011) 89. Emerge - Te Dije (2011) 90. Za! - Nanavividedeñaña (2011) 91. Elphomega - Stardust (2011) 92. Agorazein - I’ll Be Moving Music (2012) 93. Ulises Lima - The River (2012) 94. McEnroe - Mundaka (2012) 95. SVPER - Atlántico (2012) 96. Pional - A New Dawn (2014) 97. Antiguo Régimen - Piezas Sobrantes (2014) 98. Morenas - Pisos Hundidos (2015) 99. C. Tangana - Bolsas (2015) 100. Niño de Elche - Canción de Corro de Niño Palestino (2015)

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2015

Re vival

MIXTAPE

¿TE HAS QUEDADO CON GANAS DE PLAYLISTS? BUENO...

SPOTIFY PERFIL

Lanzamientos 2016 90’s Love

PLAYMOSS PERFIL

L7 en 10 temas The Gaslight Anthem en 10 temas

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Gracias Principalmente a todas las bandas. Unas nos gustarán más y otras menos, pero sin ellas nada de esto tendría sentido. A los sellos, promotores y gente de prensa que nos facilitan la labor, cuentan con nosotros, cumplen bien como intermediarios con las bandas, etc. A los programadores, salas, bares, centros culturales, que mantienen la escena viva en cada una de nuestras ciudades. A los compañeros de webzines y blogs musicales que no se pasan con el sensacionalismo y dedican tiempo, esfuerzo y ganas a difundir la música, sobre todo a los que no se conforman con los grupos de siempre y prestan atención a los de su entorno. A la gente que asiste a conciertos, a los que difunden música en bares, foros, blogs, redes sociales... en definitiva, a los que ayudan a propagar este virus melómano que llevamos dentro. A todo el que ha colaborado directa o indirectamente en que exista la web y este anuario. A los que nos ayudéis a difundirlo y a los que contribuís todo el año a que lo que hacemos llegue a más gente.

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2015

MIXTAPE

somos Yuri Morillo Raúl Rey Ricardo Sánchez Amalio Varela

y nuestros muy apreciados colaboradores Jesús Boyero Douglas Axel Samaniego Jon Urzelai Tú

Maquetación: Raúl Rey 75


Excepto fotografĂ­as promocionales

#sonidofeiticeirA


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