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EL EQUIPO

Carolpsyco El Rincón de Psyco, Entrevista a Estado Cítrico Ervirginista Concierto en Be Bop Bar ( con Guillermo Regorigo) Fedenieko 3,2,1 Acción, En Primera Fila, TV On, La Web del mes, Entrevista a Javiera Mena (con Casaca y Ruby Woo) Gizmoblue Agenda de Conciertos Interesantes,Recomendamos a …, Recordando a... El rincón de VM (con Vikimaníaca) Foster Muy Personal Ruby Woo Historias de la chica Plexiglás Yai Crónica en Gran Canaria. Sala Duke's Vikimaníaca Concierto en Sol Café

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SUMARIO CINE Pág 06: 3,2,1 acción. Zombies and cigarettes Pág 11: En Primera Fila. Ivana TELEVISIÓN Pág 17: TV On.Los 7 de Blake MÚSICA Pág 23: Recordando a...Stevie Wonder Pág 33: Te Recomendamos a..Adele Pág 40: Historias de la chica Plexiglás Pág 47: La Web del Mes. La fonoteca Pág 51: El Rincón de VM Pág 58: Concierto en Be Bop Bar Pág 62: Concierto en Gran Canaria Sala Duke´s Pág 67: Concierto en Sol Café Pág 72: Agenda de Conciertos Interesantes Pág 76: Entrevista a Javiera Mena Pág 83: Entrevista a Estado Cítrico EL CAJÓN DEL SASTRE Pág 93: Muy personal. Desayuno con diamantes

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Sinopsis Xavi s贸lo quer铆a invitar a un helado a su amada Carol, pero se vio involucrado en

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una invasión zombi, un plan de fuga y una sangrienta batalla campal. Acabar con una horda de Muertos Vivientes puede ser complicado, pero que una chica como Carol te mire a los ojos, quizá mucho más.

El cortometraje se puede ver en el canal de Vimeo de uno de los directores: http://vimeo.com/6481068

Iñaki San Román

Guionista y director del cortometraje, empezó como guionista en la serie de TV 7

vidas y posteriormente trabajó en los guiones de las series Aida y Gominolas, además de realizar los sketches "Marcatoons" de Marca.

Extractos de una entrevista para el Diario de Navarra: ¿El corto es un género en sí mismo o un paso para el largo? El corto debería ser tratado como los cuentos en literatura. Es un género en sí y se puede hacer una recopilación de cuentos. De hecho ahora estoy con varias ideas y estoy decidiendo si son para largo o para corto. Lo que pasa es que es difícil vivir

de que te seleccionen en los festivales, que es la vía más clara para el corto. Nadie

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se plantea dentro de veinte años seguir haciendo cortos, intenta dar el salto a hacer una película.

Zombies and Cigarettes , por resumir, es una invasión de zombies en un centro comercial. Es una historia de zombies al uso, pero luego se mezcla con una historia de amor.

Queríamos contar qué le pasa a un tipo normal que tiene su preocupación rutinaria, a ver si conquista a su compañera o a ver qué turno le toca, cuando se

ve metido en una historia de zombies. Es una de zombies pero con un antihéroe de protagonista.

¿Molan más los antihéroes? Sí, sí. Siempre es más gracioso. Cuando estás viendo 300, dices: "Yo igual no saltaría como los espartanos y me caería".

¿Usted es también es antihéroe? Sí. No me he hecho un psicoanálisis pero sí que suelo tender a reírme de mis defectos. Yo no tendría esa capacidad para resolver las cosas tipo McGiver, yo estaría encerrado, intentaría llamar y, si no me abren, me quedaría ahí.

¿Lo del centro comercial es un escenario terrorífico en sí? Es un escenario para cualquier peli. Ahora mismo cualquiera va a un centro

comercial una vez a la semana, se junta ahí todo: los restaurantes, los cines... es un centro de ocio donde puedes pasar el día entero. Yo también he trabajado en

centros comerciales. Es un sitio donde tienes de todo: armas para zombies, un lugar donde encaja una escena romántica... y luego es un microcosmos donde hay gente por todos lados.

¿Le ha inspirado su experiencia?

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Sí. Tampoco voy a decir que me imaginaba invasiones zombies, porque yo trabajaba allí, pero algo queda. A mí me llamaba la atención eso, podía estar allí horas al salir de currar.

Parecía que desde el videoclip de Michael Jackson los zombies estaban de capa caída, ¿tienen vida para rato? Sí, yo creo que tienen un encanto especial. Tiene un punto atractivo, porque en realidad son sucios, no son glamourosos como los vampiros, y atacan en hordas, desordenados.

Ficha técnica y artística Directores: Iñaki San Román y Rafa Martínez. Productora: Carpediem Pro. Año: 2009. País: España. Duración: 17 minutos. Formato: 2:35:1 anamórfico. Formato de rodaje: HD

Actores: Aroa Gimeno (Carol), Samuel Viyuela (Xavi), Paco Hidalgo (Anselmo), Javier Ríos (Kendo)

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Consideraciones Fue rodado en el centro comercial Factor X de Alcorcón, Madrid, apostando por un equipo que no supera los 25 años de media y unos efectos especiales que no se

suelen ver en el cine español. Está muy bien hecho, muy bien rodado y sin complejo alguno. El corto es, formalmente, una parodia del cine americano de zombis, con sus tópicos y sus estereotipos, pero eso no quita para que,

visualmente y en su diseño de producción esté tomado muy en serio, con un

resultado dignísimo e hiperprofesional. Tanto los efectos especiales como la escenografía y el trabajo de los especialistas están visualmente a la altura de cualquier superproducción estadounidense. Además de en el apartado visual destaca en otros apartados dignos de mención, que llegan a eclipsar a los efectos

especiales y no al revés, como suele suceder. En primer lugar, el corto cuenta con un trabajado guión donde sus autores, aparte de conseguir dar más de un susto al espectador con un eficiente relato de zombies, cuidan ante todo el tratamiento

de los personajes. Este guión está refrendado por una buena dirección que

consigue que un grupo de actores, principalmente jóvenes, den lo mejor de sí mismos. Están secundados en el corto por un buen número de secundarios y, destaca especialmente quien interpreta al cocinero que acompañará en sus aventuras por el centro comercial a la pareja protagonista.

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Ivana

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En diciembre del año 68, el director, productor y guionista Pedro Masó empezó a escribir el argumento de una película que quería describir el largo y tortuoso

camino al éxito y la fama de los conjuntos y cantantes pop que combatían por hacerse un hueco: Juan Pardo es un cantautor en busca de una oportunidad, lo

mismo que Los Ángeles e Ivana. Malviven tocando en boîtes y clubes y aguardan en las salas de espera de agentes, productores y casas de discos. Quieren

parecerse a Formula V, que ya son un grupo famoso. Mientras, son felices. Cuando el éxito llega, descubren que siempre es a costa de otras cosas. Según la

revista Ondas, Masó terminó el guión en los primeros meses del 69, pero desechó la posibilidad de dirigir el filme, tarea que encargó a Pedro Lazaga, quien ya había

trabajado para él en Los chicos del Preu. La música original de la película la firma Waldo de los Rios.

El nuevo proyecto, que se llamó A 45 revoluciones por minuto , se filmó a mediados del 69 y se estrenó en Madrid a finales de ese mismo año. Hoy, décadas

después, la película pasa más desapercibida que otras de su genero, como

Megatón Ye-Ye (1965), Un, dos, tres, al escondite inglés (1969), Los chicos con las chicas (1967) o incluso Codo con codo(1967), pese a que iguala los méritos de

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alguna de las citadas y es superior a la típica película española de la época por varios motivos.

Masó buscaba no alejarse demasiado de lo que pasaba en los clubes, las compañías de discos, los programas de radio y los platós de televisión. Por eso,

muchos de los personajes del largometraje son reales: Los Ángeles, Formula V,

Juan Pardo e Ivana se interpretan a sí mismos, al igual que José María Iñigo, José Luis Uribarri, Mariano Méndez Vigo, Mariano de la Banda, Miguel de los Santos, Juan Manuel Mantilla, una joven Encarna Sánchez y otros locutores y periodistas que se habían hecho muy populares en las sintonías de la Cadena Ser, Radio España, Radio Peninsular, Radio Nacional y también RTVE.

Es una película que ya había tenido oportunidad de beneficiarse del cine pop de

Los Beatles y otros grupos británicos, y eso se deja ver desde los primeros minutos. Puede que no sea tan experimental o innovadora como otras, pero sí es interesante y tiene momentos excelentes, como el 'clip' de la magnífica 'No sé qué

hacer', con Los Ángeles y Jesús Puente, o la actuación en directo del cuarteto granadino, con Juan Pardo, Telecaster en mano, como sustituto de uno de sus componentes. En general, tanto por la moda como por la imagen de los músicos, la ropa y la estética, el filme parece rodado entre 1966 y 1967, por mucho que sepamos que no fue así. Pardo mantiene su imagen de Brinco y tanto Los Ángeles como Formula V hacen guiños a la moda pop del Carnaby Street de mediados de los sesenta, lo que no deja de ser curioso.

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Reseña biográfica: Ivana representa como ninguna otra chica yeyé el ideal de mujer independiente, capaz de tomar sus propias decisiones y contraria a toda

manipulación machista o religiosa. Su melena rubia, su cuerpo estilizado y sus piernas interminables le conferían un atractivo agresivo que casaba mal con el ideal de dócil chica casadera que imperaba en aquellos años 60. Eso supuso un

cierto freno a una carrera que pasó por diversas fases y abandonaría justo en el momento de mayor éxito mediático. Tras su peregrinaje por diversas emisoras y

salas de su ciudad natal en 1964 firma por Columbia, que la presentó a la preselección para el festival de Eurovisión de 1965 con "¡Qué bueno, qué bueno!", aunque TVE prefirió que lo defendiera Conchita Bautista.

Con veinte años recién cumplidos va a marchar a Madrid. Allí grabará canciones melódicas con ropajes orquestales y explotará su fotogenia y palmito en

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reportajes fotográficos y portadas de discos. Precisamente en su segundo disco "Perdónale / Corazón Loco" (Columbia, 1966): la cantante va a aparecer en la portada en bikini sobre la nieve, cual walkiria hispánica. Ninguna cantante española se había atrevido a aparecer tan corta de ropa en una carátula. Por otra

parte, el bikini era todavía un símbolo de desinhibición y de protesta contra el recato y la hipocresía impuestos a la mujer española por treinta años de nacionalcatolicismo.

En 1968 y tras un parón provocado por un accidente de automóvil, participó en la

película que nos ocupa donde va a cantar dos canciones: "No me lo Puedo Creer / Pasa sin Llamar" (Columbia, 1969), que darán forma a su single más vendido. Tras

terminar sus estudios y vivir durante varios años en el extranjero, se dedicó al periodismo, ocupando corresponsalías en América y viviendo la mayor parte del tiempo fuera de España.

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Los 7 de Blake

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Sinopsis La acción transcurre en el siglo 30. Tras un holocausto nuclear la Tierra y otras

colonias humanas de la galaxia viven bajo el yugo de la corrupta Federación Galáctica, que mantiene plácidamente sometidos con drogas a billones de

ciudadanos. Un rebelde llamado Roj Blake, que intentaba organizar un grupo de resistencia contra el régimen, es capturado y sus recuerdos son borrados. A pesar

del lavado de cerebro al que le someten, Blake recobra su personalidad rebelde cuando presencia la esclavitud masiva que practica la policía de la Federación. Blake es enviado al exilio a bordo de una nave prisión-estelar, junto a una

heterodoxa banda de forajidos. En su viaje, logran tomar un crucero espacial

alienígena de capacidades asombrosas al que bautizarán El Liberador. Blake y su grupo viajarán por la Vía Láctea buscando oportunidades que les permitan socavar el poder de la Federación.

Consideraciones Obra del más prolífico guionista del género en Gran Bretaña, Terry Nation, se cuenta que el origen de la serie estuvo en un mometo de desesperación: Nation

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estaba en plena entrevista con los jefes de la BBC y éstos habían rechazado todas sus ideas. Cuando le preguntaron si tenía algo más, se inventó la premisa en el momento y, para su sorpresa, fue aceptada.

Terry Nation es un prolífico colaborador de Doctor Who, El Santo y otras series, además de creador de Supervivientes (1975-77, 38 episodios de 50 minutos), acerca de los que sobreviven a una terrible enfermedad que acaba con el 95% de

la Humanidad. Escribiría toda la primera temporada de "Los 7 de Blake" y un buen número de los episodios posteriores.

La serie rodada entre 1978 y 1981, está organizada en 4 temporadas de 13

capítulos cada una. Se concibió como una alternativa más adulta a Doctor Who y se centró esencialmente en los personajes (ya que no había excesivo dinero para los efectos especiales), lo que redundó en último término en su calidad. Inspirada

en un principio en la leyenda de Robin Hood, el elemento heroico fue

desapareciendo con el transcurso de los episodios, a medida que los personajes se hacían más profundos.

Blake, por ejemplo, deriva cada vez más hacia el fanatismo. Su lugarteniente, el genio de los ordenadores Kerr Avon, sufre de una preocupante paranoia. Cuando Blake desaparece al final de la 2ª temporada (debido al abandono del actor que le daba vida en la serie: Gareth Thomas), esta tendencia se multiplica cuando debe

asumir el mando. Mantiene una relación sentimental con Vila Restal, una ladrona con tendencia a la cobardía.

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Al contrario que en otras series, no todo les va bien a los Siete. El amable gigante

Gan moriría intentando un asalto al centro de control terrestre. La nave Liberador fue destruida y con ella su ordenador, Zen, que era uno de la banda. La telépata

Cally también cayó. Se incorporaron el mercenario (en el peor sentido del término) Del Tarrant; Dayna Mellanby, de gatillo fácil; la vengativa Soolin. Y la nueva nave,

la Scorpio con su ordenador Orac.

Tampoco el bien y el mal estaban en blanco y negro. En una ocasión, los rebeles se unen a su archienemiga Servalan para combatir un mal mayor y los miembros del grupo se pelean tanto entre sí como contra la Federación. El final es bastante desolador y enigmático, pero no queremos reventarlo aquí.

La serie pronto alcanzó el nivel de culto. Televisión Española emitió la primera

temporada en horario infantil, muy poco adecuado para la violencia de algunas

escenas y la ambigüedad de los planteamientos, pero, ya se sabe, era cienciaficción.

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STEVIE WONDER

Si existe algún artista que haya conseguido aunar calidad, popularidad e innovación ese es, sin duda, Stevie Wonder. Todos hemos oído alguna vez algún tema de este singular artista y muchos de los más interesantes grupos desde principios de los años 70 han bebido de sus inagotables fuentes, desde George Benson hasta Jamiroquai, quienes comenzaron

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haciendo covers de temas clásicos de Wonder. Y no nos resulta extraño ya que el músico tiene la singular habilidad de crear preciosas melodías y acompañarlas con un envoltorio a veces sencillo, otras complejísimo, pero siempre efectivo, obteniendo resultados tan espectaculares como los conseguidos en sus trabajos grabados durante su década prodigiosa, los años 70's. Steveland Hardaway Judkins, más conocido por todos con el nombre de Stevie Wonder nació el 13 de mayo de 1950 en Saginaw, población del estado de Minessota en EEUU. Fue un niño prematuro y eso le marcó de por vida, ya que en su necesario paso por la incubadora recibió un exceso de oxígeno que le arrebató la visión para el resto de sus días. Pero Stevie estaba predestinado a ser uno de los grandes músicos del siglo XX. A los cuatro años, su madre dejó a su padre y se trasladó a

Detroit

con

sus

adoptando

de

nuevo

su

soltera

y

apellido

de

hijos,

cambiando a Morris el de sus hijos,

siendo

Stevland

Hardaway Morris su nombre a

efectos

legales

desde

entonces. Su voz, fuera de lo normal, hizo que su madre lo ingresara en el coro de la iglesia;

fue

su

primer

contacto con la música. Pero su alma llena de ritmo y swing hizo que no tardara en reunirse con otros chicos de la parroquia, siguiendo los pasos de “The Miracles” y otros grupos de Rythm & Blues o Jazz , dedicándose a hacer numeritos en las calles del barrio. La suerte sonrió al pequeño Steve y una organización benéfica le regaló una batería, que aunque no era el piano soñado, le sirvió para empezar a crear ritmos. Comenzó a tocar con más frecuencia y participó en un

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grupo con un primo suyo, quien le proporcionó una audición para la casa discográfica Tamla-Motown, donde fue inmediatamente contratado al quedar encandilados con este personajillo de tan sólo 11 años. La incipiente casa de discos Motown, le rebautizó como Little Stevie Wonder y no tardó en alcanzar su primer éxito “Fingertips”, una canción bailable grabada en directo que le hizo conseguir su primer disco de oro y le convirtió en una pequeña estrella. Decidió suprimir el “little” de su nombre artístico y empezó a grabar una serie de discos producidos por Clarence Paul. Con tan sólo 13 años, Stevie ya era un músico y compositor consumado y comenzó a codearse con los grandes como Marvin Gaye. Aprovechando el parón en su carrera que supuso su cambio de voz, Stevie estudió piano clásico en la Escuela para Ciegos de Michigan. Los éxitos en esta época no le dieron la espalda y, a pesar del trabajo que le costó eliminar la coletilla de “little Stevie” , surgieron grandes temas como “Uptight(everything's alright)”, una típica canción bailable Motown escrita por él que le sirvió para reinventarse como un cantante más maduro frente a una audiencia que aún lo recordaba como un niño, o “ I Was Made to Love Her”.

Sus primeras canciones marcadas por el conflicto de los derechos civiles de las personas negras aparecieron en 1966 a través de su versión de “Blowin' in the Wind” original de Bob Dylan y el tema “A Place in the Sun”. Sin embargo, dado que Motown tenía la última

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palabra sobre la dirección de la carrera de Stevie Wonder no permitieron que pudiera desarrollarse en esa dirección. En 1968 grabó, con tan sólo 18 años de edad, “For Once In My Life”, donde ya ejercía como coproductor. Le siguió “Signed, Sealed and Delivered” (1970). Su contrato, firmado 10 años atrás con Gordy, presidente de Motown estaba a punto de expirar. Y Wonder no estaba dispuesto a seguir en Motown si no disponía de todo el control creativo de su obra. A pesar de la oposición de Gordy, Stevie se salió con la suya, gracias a la ayuda del abogado Johanan Vigoda, y en 1971, justo el 13 de mayo, día de su 21 aniversario firmó un nuevo contrato con Motown pero en unas condiciones francamente diferentes. Comenzaba aquí la década prodigiosa de este genio indiscutible de la música popular.

En 1971 grabó “Where I’m coming From”. Este fue el primer disco íntegramente Wonder ya que escribió todos los temas, incluído el exitoso “If You Really Love Me” y tocó prácticamente todos los instrumentos. Al año siguiente apareció el precioso “Music Of My Mind” y unos meses después, a finales de 1972, le tocó el turno al extraordinario “Talking Book” que con temas como “You Are the Sunshine of my Life” convirtió a Wonder en un fenómeno social. En 1973 se presentó “Innervisions”. Ese mismo año sufrió un grave

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accidente automovilístico cuando se dirigía a un concierto en North Carolina, cayó en coma y, aunque se recuperó rápida y totalmente, le quedó como secuela la pérdida del olfato, contando así con tan sólo tres de los cinco sentidos para el resto de su vida, lo que le dejó profunda huella y cambió la forma de percibir la realidad que le rodeaba y por supuesto su música.

En 1975 presentó el brillante “Fulfillingness First Finale” que incluía, entre otros temas, una tremenda crítica al entonces presidente americano Richard Nixon, titulada descriptivamente “You Haven’t Made Nothing”. Pero lo mejor estaba por llegar y en 1976 presentó un disco doble titulado “Songs in the Key of Life”, probablemente el mejor de su carrera. Sólo comentar que en el año 2009 Wonder recibió el certificado conforme el disco había alcanzado los 10.000.000 de copias vendidas en todo el mundo pasando a formar parte de la librería del congreso de los EEUU. El disco contenía clásicos indiscutibles como “Sir Duke” en homenaje al gran Duke Ellington o el incontestable “Isn’t She Lovely” por

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sólo citar un par y fue, sin duda, uno de los discos que sirvieron como caldo de cultivo para el futuro nacimiento de etiquetas musicales tan importantes actualmente como por ejemplo, el acid jazz.

De 1974 a 1977 Wonder ganó 14 Grammys incluyendo tres “Álbumes del año” seguidos por “Innervisions”, “Fullfillingness first Finale” y “Songs in The Key of Life”, para muchos uno de los mejores discos de la música. En 1979 llegaría el irregular “The Secret Life of Plants” su primer acercamiento a una Banda Sonora, en este caso de la mano de un documental que nunca llegó a realizarse. A pesar de ello, el doble disco fue platino y Wonder acumuló un nuevo éxito. Al año siguiente sería el turno de

”Hotter

Than July” , disco con el cual cerraba su gran década. Stevie Wonder dejaba de ser un músico innovador para convertirse en una gran estrella. A partir de aquí y hasta hoy tan sólo 6 trabajos completamente nuevos. En 1982 publicaría una de sus mejores obras recopilatorias. Su título era “Original Musiquarium” y además de una buena selección de temas totalmente remasterizados, incluiría 4 composiciones nuevas entre las cuales se encontraban el bailable “Do I Do” o el interesante y melódico “Ribbon in the Sky”. Le seguiría en 1984 la BSO del divertido largometraje protagonizado por Gene Wilder y Kelly LeBrock, “Woman in Red” que contenía uno de los temas más famosos de Wonder, “I Just Called to Say I Love You” . En 1985 aparecería “In The Square Circle”, sin duda el mejor disco del artista desde la anterior década. Posteriormente, en 1987 sería el turno de “Characters”, álbum bastante

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desapercibido pero que seguía teniendo, sino la genialidad de Stevie Wonder, esa esencia y toque “Wonder” de buen gusto. Le seguiría en 1991 “Jungle Fever”, BSO de la película dirigida por Spike Lee, amigo personal de Wonder. En 1995 llegaría “Conversation Peace”, con el que conseguiría dos Grammys, aunque no tendría un gran éxito comercial. Su último disco salió al mercado en el 2005, “A Time to Love” , volviendo a estar en las listas de éxitos y teniendo una buena aceptación por parte de la crítica. Al igual que Ray Charles, quien fue su modelo e inspirador, Stevie Wonder desarrolló un apetito voraz por los diferentes estilos musicales y se negó a auto confinarse en un solo género o estética musical. Quizás por eso sus mejores grabaciones mezclan soul, funk, rock and roll, pop,

jazz,

reggae

y

elementos

mismos de la tradición musical negra norteamericana. Más que experimentar con estilos, lo que hizo Stevie Wonder fue desarrollar su propia manera de expresión musical. Al mismo tiempo la

elasticidad

de

su

voz,

su

capacidad melódica, la creatividad en la producción de arreglos y su gusto por las baladas; lo pusieron aparte del resto de los artistas. Otro factor que ayudó a destacar a Wonder fue el uso pionero del sintetizador durante los años setenta que le permitió crear un arco iris de texturas y voces que lo llevó a convertirse en una banda de un solo hombre. Los amantes de la música sabemos que Stevie Wonder siempre será un referente tanto mirando al pasado, viviendo en el presente, como soñando con el futuro. Recopilado de la web

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Enlaces de interés http://www.steviewonder.net/ Discografía recomendada

1. 2. 3. 4. 5. 6. 7. 8. 9.

Fingertips The Square Soul Bong Manhattan at Six Paulsby Some Other Time I'm Wondering Session Number 112 Bam

The Jazz Soul of Little Stevie (1962) 1. 2. 3. 4. 5. 6. 7. 8. 9. 10. 11. 12.

A Place in the Sun Bang Bang Down to Earth Thank You Love Be Cool, Be Calm ( And Keep Yourself Together) Sylvia My World is Empty Without You The Lonesome Road Angel Baby (Don't You Ever Leave Me) Mr. Tambourine Man Sixteen Tons Hey Love

1. 2. 3. 4. 5. 6. 7. 8. 9. 10. 11. 12.

I Was Made to Love Her Send Me Some Lovin' I'd Cry Everybody Needs Somebody( I need you) Respect My Girl Baby Don't You Do It A Fool For You Can I Get a Witness I Pity Fool Please, Please, Please Everytime I See You, I Go Wild!

Down To Earth (1966)

I Was Made to Love Her (1967)

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1. 2. 3. 4. 5. 6. 7. 8. 9. 10. 11. 12.

For Once in My Life Shoo-Be-Doo-Be-Doo-Da-Day You Met Your Match I Wanna Make Her Love Me I'm More Than Happy( I'm Satisfied) I Don't Know Why Sunny I'd Be a Fool Right Now Ain't No Lovin' God Bless the Child Do I Love Her The House on the Hill

For Once in My Life (1968) 1. 2. 3. 4. 5. 6. 7. 8. 9.

Look Around Do Yourself a Favor Think of Me as Your Soldier Something Out of the Blue If You Really Love Me I Wanna Talk to You Take up a Course in Happiness Never Dreamed You'd Leave in Summer Sunshine in Their Eyes

Where I'm Coming From (1971) 1. 2. 3. 4. 5. 6. 7. 8. 9.

Love Having You Around Superwoman (Where were you when i needed you) I Love Every Little Thing About You Sweet Little Girl Happier Than The Morning Sun Girl Blue Seems So Long Keep on Running Evil

1. 2. 3. 4. 5. 6. 7. 8. 9. 10.

You Are the Sunshine of My Life Maybe Your Baby You and I (We can conquer the world) Tuesday Heartbreak You've Got It Bad Girl Superstition Big Brother Blame it on The Sun Lookin' for Another Pure Love I Believe (When i fall in love it will be forever)

Music of My Mind (1972)

Talking Book (1972)

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Innervisions

Fulfillingness' First Finale

(1973)

(1974) 1. 2. 3. 4. 5. 6. 7. 8. 9. 10.

Did I Hear You Say You Love Me All I Do Rocket Love I Ain't Gonna Stand for It As if You Read My Mind Master Blaster Do Like You Cash in Your Face Lately Happy Birthday

1.

Part-Time Lover I Love You Too Much Stranger on The Shore of Love Whereabouts Never in Your Sun Spiritual Walkers Land of la La Go Home Overjoyed It's Wrong (apartheid)

Hotter Than July (1980)

2. 3. 4. 5. 6. 7. 8. 9. 10.

In Square Circle (1985)

A Time to Love (2005)

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Songs in the Key of Life (1976)


ADELE

Adele Laurie Blue Adkins (nacida el 5 de mayo de 1988 en Londres, Inglaterra) conocida simplemente como Adele, es una de las jóvenes compositoras británicas de más talento que hay a día de hoy en activo.

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Demostró su talento con creces en “19”, su debut, que en 2008 cosechó críticas más que favorables y vendió más de un millón de copias, detalle nada desdeñable para una cantante que no busca copar las listas de éxitos a través de melodías facilonas o de una suscripción vacía e interesada a la tendencia del momento. En este sentido, Adele no es que vaya contracorriente, es que ha creado su propio hilo conductor en el que prima la sensatez, la narratividad y la sencillez a la hora de contar sus historias, alejada del panorama más comercial actual pero no por ello desapercibida o imperceptible. La discreción con la que esta cantante lleva a cabo su carrera no es más que otro voto a su favor y un estímulo más para sumergirse en “21”, su nuevo disco, y toda una pequeña joya a descubrir. Adele comenzó a interesarse por el mundo de la canción cuando actuó en una presentación de su colegio donde cantaba el tema “Rise” de Gabrielle, y poco a poco adquirió influencias de otras artistas como Ella Fitzgerald. En mayo de 2006 Adele se graduó en la escuela de artes BRIT School donde estudiaron, entre otros, Amy Winehouse, Katie Melua, Leona Lewis y Kate Nash. Un mes más tarde publicó 2 canciones en la revista online de artes escénicas PlatformsMagazine.com, y comenzó a actuar en gira por Reino Unido con otros músicos como Jack Peñate (su mejor amigo), Jamie T, Devendra Banhart o Keren Ann entre otros.

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Su primer sencillo “Hometown Glory”, donde cantaba las alabanzas del barrio de Tottenham, fue lanzado el 22 de octubre de 2007 en un vinilo de edición limitada, bajo el sello Peacemaker Recordings al cual entró gracias a uno de sus compañeros de gira, Jamie T. Su éxito posterior en MySpace la llevó a adquirir popularidad y atención mediática, por lo que pudo firmar con el sello independiente XL Recordings. Con dicha compañía lanzaría su segundo single, “Chasing Pavements”, que recibió una buena crítica y cobertura. Además, los medios de la BBC difundieron sus singles por sus diferentes radios e invitaron a Adele a interpretar sus canciones en varios programas a finales de 2007.

En enero de 2008, salió al mercado “19” , el primer LP de Adele. El disco estaba formado por un puñado de canciones de corte autobiográfico- que tenían como musa inspiradora al desamor. La propia cantante definió su estilo como “heartbroken soul”, y razón no le faltaba. Este corazón hecho añicos se apreciaba, por ejemplo, en el tema “Chasing Pavements”. Este era un relato de una chica que se encontraba en la encrucijada: perder a su novio o reflotar una relación muerta. Otro de los temas del disco, “Daydreamer”, era una

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balada que dedicaba a un amigo bisexual del que se sentía enamorada. Su objeto de deseo la traicionó precisamente el día en que Adele cumplía 18 años. Por último, “Cold Shoulder” hablaba sobre la infidelidad. Este track tenía la inconfundible producción de Mark Ronson. El toque mágico de Ronson se apreciaba en exitosos temas como “Rehab”, de la desaparecida Amy Winehouse y “Littlest Things” de Lilly Allen. En Marzo del 2008, firmó un contrato con Columbia Records para realizar una gira por los Estados Unidos; el tour “An Evening With Adele”, que también abarcó ciudades de Europa y Asia, se prolongó desde Mayo de 2008 hasta Junio de 2009 con más de 50 presentaciones. En el 2008 Adele ganó el premio de la crítica especializada en los Brit Awards y posteriormente, en la 51 edición de los premios Grammy en 2009, logró dos premios en la categoría de Mejor Artista Nuevo y Mejor Interpretación Vocal Pop Femenina. El 21 de Enero de 2011, Adele saca su segundo álbum de estudio “21”, que sigue la estela de “19”, usando como título la edad con la que contaba al inicio del álbum. Y el mérito, por lo visto, se lo debemos a su ex, el que la dejó poco antes de empezar creación

del

disco.

la

Según

palabras de la misma Adele, si su

chico

no

abandonado,

la

hubiera

ahora

nos

encontraríamos ante un disco lleno

de

letras

sobre

habitaciones de hotel, la fama y la superficialidad. Así que gracias a él tenemos un disco hecho desde el dolor más profundo,

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sincero,

honesto,


sencillo y a la vez faraónico, variado pero con un sonido muy marcada y sobre todo muy, muy emocionante. Su sonido está descrito como raíces clásicas y contemporáneas con una mezcla de música country. El primer single “Rolling In The Deep” fue descrito por la cantante como «una oscura melodía de blues». Las percusiones mandan en un tema que empieza lento, elegante y mantiene ese sonido sofisticado guiado por la perfecta y cálida voz de la artista, que nos desgarra cantándonos que podríamos haberlo tenido todo. Una colaboración imposible con Ryan Tedder se lleva a cabo en “Rumour Has It”, con un sonido diferente a ambos, mucho más duro y crudo, alejándose de las baladas del OneRepublic. Temas como “Turning Tables” o “Don't You Remember” nos muestran una Adele muy clásica, muy 19, triste, reconociendo que hay que dejar atrás las discusiones y que cuando se ha acabado, se ha acabado.

Se quedó a las puertas de ser segundo single, pero finalmente será el tercero. “Set Fire To The Rain”, es en opinión de algunos uno de los mejores temas el álbum, por su sonido rico, su orquesta, sus guitarras y la forma en que la voz de Adele se desvive, mucho más que para el resto de sus temas. Un sonido muy cercano al de Alicia Keys aparece en “He Won't Go”, mientras que en “Take It All” el sonido es muy clásico de balada británica, mientras le canta a su ex que se lo lleve todo, incluído su amor.

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El único tema positivo del álbum es “I'll Be Waiting”, impregnado de una extraña felicidad del tipo “yo te espero, sé que volverás”, nada sano pero la producción le da un empuje de optimismo que se agradece. Pero esa felicidad termina pronto con “One & Only”, una canción negra al 200%, que podría haber sido de las Supremes, tanto por el sonido atemporal como por la letra dramática y una voz desesperada que llama al amor que nunca volverá. Y en “Lovesong”, una versión de The Cure, todo se calma para mostrarnos unos sonidos muy mediterráneos, con guitarra acústica y algún que otro chelo. Su voz cae dulce con unas pocas frases, tópicas todas ellas, sobre el amor que siente por él. Pero Adele se reserva lo mejor para el final. “Someone Like You” es quizá una de las canciones más tristes y perfectas escritas en los últimos tiempos. Tener el valor de reconocer que no has superado la ruptura y cantar engañándote a ti mismo que encontrarás a alguien como él y plasmarlo en este precioso tema tiene mucho mérito. ¿Lo mejor? Su voz y el piano, y que no hace falta nada más, ningún arreglo más y como muestra la actuación de los BRIT del pasado mes de febrero, tras la cual el tema entró directamente al Nº 1 en Gran Bretaña. Actualmente, la cantante ha tenido que suspender su gira por problemas en sus cuerdas vocales por lo que ha sido intervenida y todo el mundo espera su pronta recuperación para poder seguir disfrutando y emocionándose con su voz.

Recopilado de la web

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Enlaces de interés http://www.adele.tv/ http://www.myspace.com/adelelondon

Discografía

1. 2. 3. 4. 5. 6. 7. 8. 9. 10. 11. 12.

Daydreamer Best For Last Chasing Pavements Cold Shoulder Crazy For You Melt My Heart To Stone First Love Right As Rain Make You Feel My Love My Same Tired Hometown Glory

1. 2. 3. 4. 5. 6. 7. 8. 9. 10. 11. 12. 13.

Rolling In The Deep Rumour Has It Turning Tables Don't You Remember Set Fire To The Rain He Won't Go Take It All I'll Be Waiting One And Only Lovesong Someone Like You If It Hadn't Been For Love Hiding My Heart

19 (2008)

21 (2011)

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Al releer el artículo sobre los orígenes de la música electrónica en el anterior número de Jazzmaestro reparo en un dato: la poca presencia femenina en el texto. ¿A qué se debe tal ausencia? ¿Es posible que el de la electrónica sea un mundo tan masculino? La respuesta es un rotundo no, aunque como siempre habría que matizar. Se podría decir que durante mucho tiempo la electrónica fue una escena prominentemente masculina pero los tiempos, como dice la canción, están cambiando e Internet es en gran parte el responsable de estos cambios. Gracias a esta gran herramienta, el papel de los intermediarios de la música -cuyo universo sí era muy masculino- está en declive. Esto ha permitido a los artistas comunicarse con su público con una mayor libertad sin que el mensaje de su música y su idiosincrasia sea alterada o amoldada a intereses de terceros. Y ese cambio ha beneficiado y mucho a los artistas actuales, y entre ellos a muchas mujeres abanderadas de la filosofía Do It Yourself. Al hablar de artistas femeninas que han triunfado en la electrónica hay que destacar que el suyo ha sido un logro por fuerza muy individualista. La falta de precedentes, por un lado, y la ausencia de un movimiento como el riot grrrl que en los 90 supo darle una vuelta de tuerca al grunge ha dificultado las cosas a muchas mujeres. Testimonios de esta lucha hay muchos, y no solo musicales: A mediados de este año, Jenny Lafemme ha presentado Girls gone Vinyl un documental que aborda la historia de muchas Djs y las dificultades sufridas para obtener las mismas oportunidades y el mismo reconocimiento que sus compañeros. La compositora y profesora universitaria Tara Rodgers creó en 2000 la web PinkNoises dedicada a mujeres que componían música electrónica y en 2010 escribió un libro con más de una veintena de entrevistas a artistas de este género. La situación parece haber avanzado mucho en los últimos años y sin embargo hay que reconocer que en algunos subgéneros de la electrónica cuesta mucho librarse de las viejas estructuras del pasado. Al igual que sucede en otros géneros como el pop más mainstream, en muchos casos la presencia femenina se ve aún reducida a un irrelevante papel en el que las mujeres ejercen de atractivas frontwoman cantando letras y entonando melodías que otros componen para ellas, sin que su verdadera personalidad artística tenga incidencia alguna en su música. Un ejemplo ilustrativo es el sucedido con el disco Welcome to Joyland una de esas rarezas psychoelectro de las que poca

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gente ha oido hablar. Este disco, grabado en 1978, fue el resultado de un experimento entre dos músicos: por una parte el famoso productor de Tangerine Dream, Peter Baumann, responsable de la instrumentación de todos los temas y por otro lado una voz femenina que en su día no fue ni siquiera nombrada en los créditos del álbum y que a día de hoy, en muchas reseñas del disco, permanece como anónima.

Roisín Murphy, autora de hits como "You know me better" o "Let me know"

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El universo deejay es otro campo en el que las mujeres no lo han tenido fácil y aún a día de hoy están en minoría. Al volver la vista atrás y recordar mis años de juventud en los que pisé practicamente todas las grandes discotecas ibicencas, me llama la atención un detalle que por entonces pasé por alto: todos los grandes pinchadiscos que se anunciaban eran hombres. Por aquel entonces -a finales de los 90- solo una mujer, la uruguaya Tania Vulcano, conseguía por entonces hacerse un hueco entre sus compañeros de trabajo. Hoy, dos décadas después, la situación ha mejorado notablemente y no hace falta más que echar un vistazo a los flyers de las más prestigiosas discotecas europeas para ver que las djs femeninas van conquistando poco a poco más espacios: Sarah Main, Smokin Jo, Lisa Lashes, Miss Kittin... son asiduas en los templos de la música house.

La última sensación del synthpop: Katie Stelmanis Pero empecemos por el principio. Si nos remontamos a la década de explosión de la música electrónica encontramos que el número de artistas que se dedicaban en solitario al synthpop -género en boga por entonces- era minoritario, especialmente en cuanto a artistas femeninas se refiere. En cambio eran muchos los conjuntos que tenían a una mujer como imagen y voz principal. En esta categoría, una de las primeras personalidades europeas que encontramos es Claudia Brücken. Esta

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bávara, que desde el principio tuvo muy claro que lo suyo era el synthpop, compuso y escribió canciones para todos los discos en los que participó, primero en la genial banda Propaganda y más tarde en el dúo Act. Con el tiempo y tras editar un álbum en solitario, Brücken decidiría tomarse un respiro aunque nunca ha dejado del todo la música. Durante muchos años ha girado acompañando a los pocos grupos synthpop ochenteros que seguían en activo y ha creado su propio sello musical -There (there) Music- junto a Paul Humprey de OMD. A finales de este año volverá a tomar un papel más activo como artista y editará un álbum con su nueva banda Onetwo. El formato dúo que Brücken intentó en Act ha sido una de las fórmulas de más éxito dentro de la electrónica. Este fue el formato usado por uno de los grupos con más éxito de la segunda década de los 90: Moloko. Mark Brydon y Roisín Murphy, integrantes del grupo, firmaron cuatro discos que se mueven entre el trip-hop, el dance o el house y que son de consulta casi obligada para cualquier melómano que no quiera perderse lo que se cocía en la música electrónica de esos años. En 2006 la pareja se tomó un respiro que aún sigue vigente y desde entonces Murphy se ha dedicado a su carrera en solitario. Coproduciendo y componiendo sus propios temas la irlandesa ha cosechado un gran éxito internacional tanto a nivel de ventas como de crítica a base de potenciar sus puntos fuertes: una estética siempre provocadora -de la que se ha nutrido con dudoso gusto la archifamosa Lady Gaga-, un timbre de voz muy particular y una gran presencia escénica. Atravesando el océano atlántico encontramos otras mujeres a las que resulta imposible no citar. Para empezar tenemos a la canadiense de origen letón Katie Stelmanis. Con una formación clásica -estudió canto en la Canadian Children's Opera Chorus y piano en el conservatorio- , Stelmanis decidió ya en su adolescencia que el de la ópera era un mundo demasiado encorsetado y heterosexual y empezó a sentirse incómoda cantando canciones de otros autores bajo la supervisión de terceras personas ajenas a su propia visión de la música. Fue la escena electrónica de Toronto la que acabó proporcionándole la libertad e independencia creativa que buscaba. A pesar de ese rechazo hacia el mundo de la ópera, la formación clásica de Stelmanis aflora aún hoy en todos sus trabajos convirtiéndose, de hecho, en la principal seña de identidad de su estilo. Tras publicar en 2008 un disco compuesto, grabado y producido en solitario la cantante y compositora se halla actualmente de gira con el nuevo proyecto que lidera: Austra, una banda de synthpop-gótico con presencia prominentemente femenina que este mismo año ha publicado su excelente primer disco: Feel it break.

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Sin movernos del continente americano encontramos dos autoras a destacar. Ambas residen en Los Angeles y cultivan un sonido poco bailable y un tanto oscuro. Geneva Jacuzzi, cuyo estílo se mueve entre lo oscuro y lo gótico, posee un sonido lo-fi que casi podría definirse como vanguardista y una estética cuanto menos curiosa. Sin gozar del éxito mediático de artistas como Roisín Murphy me parece importante mencionarla debido a su original aportación en el mundo de la escena estadounidense underground. La californiana Nite Jewel es otro de los nombres que vienen pegando fuerte en los últimos años. Con un solo álbum a sus espaldas y unos cuantos EPs, esta joven compositora aficionada a los sintetizadores y estudiante de piano -otra disidente de la formación musical clásica- , comparte con Jacuzzi la admiración por los sonidos ochenteros aunque en este caso teñidos de un sentimiento mucho más nostálgico y menos experimental. Está previsto que a finales de año edite su segundo álbum y actualmente se halla girando por Europa.

La californiana Nite Jewel abandonó sus estudios de filosofía para dedicarse a la música. Y de costa a costa, y sin envidiarle nada a California, Nueva York ejerce de anfitriona a dos propuestas interesantísimas. Por un lado el dúo femenino Telepathe, que con un sólo disco a sus espaldas (el interesante Dance Mother), ha teloneado a grupos tan importantes como Ladytron o The Faint y por otro lado la jovencísima Danielle Johnston que bajo el nombre de Computer Magic y con tan solo diecinueve años empecó a colgar sus canciones autoproducidas en la red, obteniendo casi de inmediato un éxito importante en blogs y revistas musicales digitales. Computer

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Magic, además, es una de esas jóvenes artistas que se apuntan a la libre circulación de la música y hasta el día de hoy ha facilitado la descarga grauita de todos sus EPs. Y seguimos hacia el sur. En Chile, ese remoto país atrapado entre la cordillera y el océano, han surgido algunas pequeñas joyas. La más actual, sin duda, la arquitecta Pamela Sepúlveda. Esta joven arquitecta decidió un buen día que su verdadera vocación es la música y se puso manos a la obra. Bajo el nombre artístico de Fakuta ha editado este año el delicioso álbum Al vuelo un trabajo que combina pop y sonidos electrónicos que van desde los ritmos más bailables a las melodías más lentas y sutiles. Pero Chile cuenta con otra joya escondida en su historia musical más reciente. En 2003 se formó el dúo Prissa compuesto por Francisca Villela y Javiera Mena. Las dos jóvenes no pasaron de realizar conciertos en Santiago y el duó apenas duró tres años. Antes de separarse por motivos profesionales editaron un EP -Ni tú ni yo- que fue compuesto y autoproducido sin más intención que el de "ser bailable y pegadizo" y que no pasó de tener cierta repercusión local. A pesar de la poca trascendencia del trabajo algunas de las joyas que lo componen nos dejan vislumbrar el ya sobresaliente talento compositor de Javiera Mena que apenas unos años más tarde ha acabado liderando la nueva escena pop chilena que tanto está dando que hablar en la prensa musical española y latinoamericana. A sus veintiocho años, esta chilena comparte muchas cosas con otras de las artistas citadas en este artículo: formación clásica, preferencia por el piano como instrumento principal, una gran maestría a la hora de usar las nuevas tecnologías y un fuerte deseo de independencia artística. En 2006, Mena publicó su primer álbum en solitario, Esquemas Juveniles, con diez canciones que iban desde el romanticismo nostálgico a sonidos ochenteros clásicos, algunos de los cuales han acabado convirtiéndose en un himno para la juventud. Tras este primer trabajo Mena empezó a colaborar con el productor Cristian Heyne con quién acabó formando su propio sello discográfico: Unión del Sur. Fue en este sello donde, en 2010, la chilena publicó su segundo y aclamado trabajo. El salto cualitativo en el sonido y unas canciones más bailables y radiables han llevado a Javiera a dar en poco tiempo dos giras por España y expander su sonido por otros países latinoamericanos. Sin duda si hablaramos de un revival del electropop en castellano tendríamos que señalarla a ella como la auténtica lider.

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Y me gustaría hacer hincapié en este concepto, porque, sin duda, si algo caracteriza a muchas de las artistas citadas en este artículo es la capacidad de liderazgo unida al talento y a otro factor muy importante en el mundo de la música: una mente visionaria. Ellas la tienen.

Javiera Mena y Francisca Villela, conocidas como Prissa, nunca han descartado volver a trabajar juntas.

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La fonoteca es una base de datos con las biografías y discografias de cientos de grupos españoles. Contene fichas completísimas, con sus correspondientes

discografías, comentando los discos uno a uno. También incluye un reproductor con algunas canciones de cada artista. Todo esto ya lo tienen en más webs, sí, pero el secreto de esta web es que además de los administradores y los

redactores habituales, puedes colaborar aportando tu granito de arena. Es algo así como la wikipedia de la música española.

Raúl Alonso entra un día en allmusic dispuesto a buscar información sobre Fernando Márquez y no encuentra nada. Entonces decide crear una base de datos de música española, rigurosa y bien detallada, en la que se trate sin ningún tipo

de prejuicios nuestra historia musical. Comenta la idea en su círculo de amistades de Madrid, y en febrero del 2008 lafonoteca comienza a ser una realidad. A ella se

van sumando poco a poco melómanos repartidos por distintos puntos de la geografía española, dispuestos, con su entusiasmo, a aportar su granito de arena a esta labor de dimensiones titánicas.

Lo que comenzó como una página web colaborativa a modo de archivo histórico on-line compuesto por biografías y discografías de elaboración propia, fue

diversificando sus actividades y ampliando sus fronteras con la organización de conciertos en Madrid, Londres, Oporto y Barcelona, así como mediante la edición de discos.

Residiendo en Londres, Raúl Alonso conoce a Pedro Román, apasionado de la música española. Viendo la imágen cultural que aún se vende y se tiene de nosotros en la capital del Reino Unido, y, sobre todo, el nada envidiable nivel de

nuestros grupos respecto a la siempre efervescente escena inglesa, comienzan a

rumiar la aventura de exportar las bandas que más les gustan y hacerlas tocar en eventos gratuitos junto a bandas locales, creando un proyecto de intercambio cultural a través de la música. El pistoletazo de salida lo daban Triángulo de Amor

Bizarro en mayo de 2009, quienes con su enorme disposición permitían el sacar adelante una idea que ha sido acogida con entusiasmo tanto por la propias bandas, como por el público y los diferentes medios.

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Elena Branco y Jorge Patiño se van a vivir a Oporto. Aunque en el circuito independiente ya comienza a existir un intercambio de bandas entre España y

Portugal, la oportunidad de aportar su granito de arena a la efervescente escena de Oporto, era algo demasiado sugerente para ellos. Dicho y hecho: el 1 de junio

de 2010 nacía lafonoteca porto, con su primer concierto: Why Go. Un proyecto

ilusionante que ahonda en la idea de intercambio cultural entre ambos países vecinos, tan cercanos y tan desconocidos entre sí.

Discografía lafonoteca

Ecos radiofónicos

Distintas apariciones y ecos de Lafonoteca en medios radiofónicos 29 Junio 2010

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Raúl Querido & Ok La Ho Ma

Tirada limitada a 80 copias con motivo del concierto organizado el 18 de Febrero de 2011 en la sala Costello de Madrid.

No te apures mamá, es solo música pop

Era la etapa del Foropop, y no parábamos de hacer listas y recopilaciones de todo tipo. Mucho tiempo después, lo que antes eran CD-R, ahora da paso a este vinilo, con el que de una manera humilde pretendo recoger un puñado de buenas canciones pop procedentes de bandas maqueteras de la efervescente escena madrileña, reflejando un momento que considero que vale la pena señalar. No están todos los que son (ahí me dejo fuera a mis amigos de Tigres Leones o a los Ingenieros Alemanes), pero si son todos los que están. Canciones bonitas en un envoltorio bonito. Solo eso. Espero que lo disfrutéis tanto o más que yo elaborándolo. 14 Mayo 2011

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La Fonoteca London

50 copias promocionales regaladas en el concierto de LaFonotecaLDN el 7 de agosto de 2011 en The Finsbury (Londres).

La Fonoteca Barcelona

Canciones representativas de los grupos que han participado en los conciertos organizados por La Fonoteca BCN 21 October 2011

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CIRCUS (Edición Especial) El pasado 27 de Septiembre se publicó en iTunes la edición especial de Circus, el segundo sencillo del disco de Virginia Labuat, Dulce Hogar. Esta edición contaba con el videoclip de “Circus”, la versión en estudio del tema “The Biggest Love” que se encontraba en el disco Rarezas de la edición especial de “Dulce Hogar”, y el video de la misma grabado en el estudio con la banda “The Maybe Sundays”. El videoclip de “Circus”, es un video colorista y vital autoproducido por la propia Virginia Maestro, al igual que ocurrió con su primer single “The Time is Now”. Esta vez el escenario elegido fue un campo de trigo a las afueras de Madrid con un piano y una estética muy adecuada al single. Todo un acierto.

El video se puede ver en el canal oficial LabuatVEVO

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VIRGINIA LABUAT EN “+ÍNTIMO” DE 13 TV Desde el pasado 28 de Octubre podemos disfrutar todas las noches de los viernes de la actuación en directo de Virginia Labuat en formato acústico en el programa “+ Íntimo” del canal 13 tv. En su primera actuación pudimos escuchar su versión del tema de los Beatles “From me to You”, acompañada de Iñaki García.

Esta primera actuación se puede ver en el canal de Youtube de Vmaestro.org

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VIRGINIA LABUAT NOMINADA A LOS PREMIOS 40 PRINCIPALES El pasado 13 de Octubre, en el recién inaugurado 40 Café de Madrid, se presentaron los nominados en las 19 categorías que optan a los Premios 40 Principales 2011. En esta ocasión Virginia Labuat opta a dos premios: Mejor artista revelación Mejor videoclip : por el video de su primer single “The Time is Now” El período de votaciones se inició a las cero horas (00:00) del día 15 de octubre de 2011 y finalizará a las veintitrés cincuenta y nueve horas (23:59) del 2 de diciembre de 2011 en www.los40.com. Los Premios 40 Principales 2011 se otorgarán en la gala que se celebrará el próximo 9 de diciembre

en

el

Palacio

de

Deportes

de

la

Comunidad

de

Madrid.

Los beneficios netos derivados de la venta de entradas para la gala serán destinados al proyecto Emergencia en el Cuerno de África, gestionado por la ONG Acción Contra el Hambre. Los responsables de 40 Principales han señalado que los nominados han sido seleccionados entre los artistas y obras discográficas emitidas en la cadena, al menos una vez, entre el 15 de octubre de 2010 y el 30 de septiembre de 2011. La lista de nominados se ha elaborado teniendo en cuenta tres criterios: la rotación de los temas en 40 Principales, los resultados de los estudios de mercado realizados por la cadena y las ventas de los trabajos de cada artista.

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CONCIERTO EN BE BOP BAR Eran aproximadamente las 11:40 horas cuando nos dispusimos a entrar en la sala “Be Bop Bar” en San Sebastían en la que se encontraba, para mi asombro, una gran cantidad de gente. Empezó sobre las 00:10 horas rompiendo el hielo con “Run to you”. Personalmente, y tal y como apostilla algún que otro fan, Virginia mejora con el paso del concierto ya que noté que fue “in crescendo”

durante

todo

el

concierto. Causa de ello fue que el final me pareciera sensacional, con la improvisación de un tema en memoria de Amy Winehouse, “You Know I'm No Good” a capella, “Love Me Like a Man”, el “Happy Birthday”, “Circus” y “Mr Sandman”, así mismo la versión de “What a Wonderful World” me pareció fantástica. No hay mucho que decir vocalmente estuvo correcta aunque se le fue alguna notilla (cosas del directo) pero vamos nada preocupante. Estuvo especialmente cercana con el público, ya que nos hizo participar activamente en varios temas, y con esa gracia innata andaluza que sin duda amenizaba un ambiente un tanto cargado, debido a que el punto flaco de esa noche fue el público. Aunque comenzó un

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concierto con una sala bastante llena (60-70 personas calculé ya que la sala era bastante pequeña), había un sector que distaba de querer disfrutar de lo que Virginia ofrecía y se dedicó a molestar, lo que indudablemente resultaba incómodo a la hora de escucharla. Poco a poco se fueron marchando y entraban nuevos acabando con una sala bastante llena. En lo que se refiere al repertorio, alguna de “Dulce Hogar” y las versiones habituales de sus conciertos, no hubo ninguna novedad significativa.

Realmente salí encantado del concierto, y con muchas ganas de verla en Bilbao, si hay suerte. Es una inyección de buena música, de optimismo, de pasar un rato muy agradable disfrutando de una gran voz y de un excelente pianista como Iñaki Garcia. Ervirginista

Todos los videos del concierto se pueden ver en los canales de youtube de: fedenieko sedecrem555t

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Concierto en Gran Canaria Sala Duke’s Comenzar una crónica está siendo más complicado de lo que pensé, sobre todo cuando tienes mezcla de sentimientos y resaca emocional. No sé si redactaré como se merece, pero como me dijeron una vez, nada hace el que nada intenta. Mi primera toma de contacto con “Duke’s” es a las 8 de la tarde, ya que había ganado un pase para poder asistir a la prueba de sonido (¡qué privilegio!) A los pocos minutos, después de haber conocido al chico de la radio gracias a la cual gané las entradas llegó Virginia. Como siempre, con esa naturalidad y ese amor por la música que la caracteriza y que va irradiando por donde pasa. Cuando entramos al local, hubo una buena primera impresión general, aparentemente reunía las condiciones para que pudiera hacer llegar su música de la manera más clara posible, sin artificios, y lo mejor de todo, sentirse a gusto para ello. Había un pequeño escenario y alrededor varias mesas de madera dispuestas de una manera que invitaba a quedarse, al fondo una barra y una salita con un billar y un piano de cola, en un ambiente sumamente acogedor.

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Guitarra en mano Virginia subió al escenario y empezó a tocar los primeros acordes, de repente hubo un silencio, la acústica era increíble y ella se sentía genial, así que después de hacer unas cuantas comprobaciones con la luz y el sonido se dio por concluida la prueba con un buen sabor de boca, o de oídos. Todos nos despedimos hasta unas horas después, con muchas ganas de poder disfrutar de todo lo que la música nos podía ofrecer.

El concierto empezaba a las 00.30, yo llegué una hora antes y en el local había algunas mesas ocupadas, poco a poco se fue llenando, cuando llegaba la hora prevista del comienzo del concierto la gente se empezaba a impacientar, se notaba que había muchas ganas de verla y mucho tiempo esperando a que al fin fuera a la isla.

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Poco después salió ella muy discretamente y no pudimos reprimir la alegría. Durante el concierto en acústico pudimos disfrutar de las canciones de “Dulce Hogar”, versiones de los Beatles, Ray Charles, e incluso se atrevió a cantar una de Nelly Furtado de manera improvisada “I’m like a bird”. Si hay algo que me parece genial y que siempre destaco es que nunca hace ninguna versión igual que la anterior, eso da una riqueza tremenda a cada canción. “The time is now” no fue una excepción y volvimos a escuchar una nueva versión que según ella misma se le había ocurrido esa tarde. Todos disfrutamos como niños, aunque al principio como es lógico hubo una cierta timidez, la música y el “buen rollo” de Virginia nos hizo entrar rápido en calor, disfrutando y sintiendo cada vez más. Cabe destacar que no soy una gran entendida en música y no puedo decir si la voz estuvo en todo momento correcta o si tocó una nota que no correspondía, a mí lo que me llena es esa sensación de estar genial, de disfrutar y transmitir, y eso Virginia Maestro lo hace como nadie. El concierto duró como unas 2 horas, que a mí personalmente se me hicieron demasiado cortas, es lo que pasa cuando estás disfrutando tantísimo.

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Cuando pensábamos que iba a acabar, subió Manolo, el dueño del local (creo que era Manolo, ¡perdona si no! Jeje), que también tiene un grupo e invitó a Virginia a improvisar algo con ellos. “Ain’t no sunshine” fue una de ellas, y el resultado fue estupendo, una buena combinación. Lo estábamos pasando muy bien y queríamos que no acabara, pero por desgracia todo lo bueno tiene que terminar en algún momento y la noche en Duke’s dejó sabor a Virginia Maestro, que prometió volver ¡y esperamos que lo haga!. Gran Canaria siempre estará dispuesta a tener el privilegio de escuchar esa preciosa voz, esa gran artista y sobre todo esa gran persona. Espero que ésta crónica sea un continuará y que vuelva a deleitarnos y emocionarnos muy pronto. Yai

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DE

NOVIEMBRE Y DICIEMBRE

Andrés Suárez

Noviembre Viernes 25 – La Nueva Estación. Sevilla a las 21:30 h Sábado 26 – La Botica. Málaga a las 21:30 h Diciembre Jueves 1 – El Savor. Salamanca a las 22:30 h. Viernes 2 – Café Teatro. Valladolid a las 21:30 h Sábado 3 – Sala Matisse. Valencia a las 21:30 h Viernes 23 – Sala Nunca Jamás. Oviedo a las 21:30 h

Arizona Baby Diciembre Sábado 3 – Corizonas. Sevilla a las 22:00 h

Brand New Sinclairs Diciembre Sábado 3 – The Monkey Club. Gijón a las 20:00 h

Cat People Noviembre Viernes 25 – Sala Hangar. Burgos a las 22:30 h Sábado 26 – Sala Capitol. Santiago a las 22:00h

Idealipsticks Noviembre Viernes 25 – Sala Pícaro. Toledo a las 22:00 h

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Diciembre Domingo 4 – Festival Purple Weekend. León

Javier Ruibal Diciembre Viernes 9 – Teatro Municipal. Puerto Real (Cádiz) a las 21:00 h Domingo 18 – Sala La Botica. Málaga a las 21:00 h Jorge Drexler Diciembre Sábado 17 – Gran Teatro. Elche a las 22:00 h

Josh Rouse & The Long Vacations Noviembre Sábado 26 – Sala El Loco. Valencia

Lori Meyers Diciembre Viernes 16 – Sala Habana. Huelva a las 22:00 h Sábado 17 – Imagina Club. Cádiz a las 22:00 h

Los Secretos Diciembre Jueves 1 – Palau de la Música. Barcelona a las 21:00 h Sábado 3 – Nuevo Teatro Trui. Palma de Mallorca a las 21:00 h Sábado 10 – Teatro Real. Madrid a las 21:00 h

Marwan Noviembre Viernes 25 – Sala Subway The Pop. Elche a las 23:30 h Miércoles 30 – Sala Galileo Galilei. Madrid a las 21:30 h Diciembre Jueves 1 – Tetería Pachamama. Ciudad Real a las 21:30 h Sábado 3 – Cotton Club. Bilbao a las 20:00 h Viernes 9 – La Botica. Málaga a las 21:30 h Lunes 12 – Sala Libertad 8. Madrid a las 21:30 h

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Viernes 16 – Fun Club. Sevilla a las 21:30 h Sábado 17 – Sala Sunset. Villanueva del Pardillo (Madrid) a las 22:00 h Jueves 29 – Sala Galileo Galilei. Madrid a las 21:30 h

Quique González Noviembre Viernes 25 – Teatro Municipal Concha Espina. Sábado 26 – Auditorio Palacio Pedro I Domingo 27 – Sala Costello. Madrid a las 21:00 h Diciembre Sábado 3- Sala Ramón Romagossa

Supersubmarina Noviembre Viernes 25 – Sala Karma. Pontevedra a las 22:00 h Sábado 26 – Sala Baranda. Barco de Valdeorras (Orense) a las 23:30 h Diciembre Viernes 2 – Sala My Way! Valladolid a las 22.00 h Sábado 3 – Sala La Casa del Loco. Zaragoza a las 21:30 h Viernes 9 – La Caja Blanca. La Roda (Albacete) a las 21:30 h Jueves 15 – Sala La Riviera. Madrid a las 22:00 h Sábado 17 – Círculo del Arte. Toledo a las 22:00 h

Susan Santos & The Papa's Red Band Noviembre Viernes 25 – Irish Rover. Madrid a las 23:00 h Sábado 26 – Reciclaje. Guadarrama (Madrid) a las 23:00 h Diciembre Sábado 3 – Alfoli de La Sal. Torrelaguna (Madrid) a las 22.00 h Sábado 10 – Pirata's. Alcorcón (Madrid) a las 22:30 h Miércoles 14 – Clamores. Madrid a las 21:00 h. Presentación nuevo disco “Shuffle Woman” Viernes 23 – El Junco. Madrid a las 23:00 h

The Bright Noviembre

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Viernes 25 – Sala Sidecar. Barcelona a las 22:30 h Diciembre Viernes 30 – Sala La Vaca. Ponferrada a las 23:00h

The Pepper Pots Noviembre Sábado 26 – Forum Fnac Diagonal. Barcelona a las 19:00 h

Zahara Noviembre Viernes 25 – Sala Wah Wah. Valencia a las 22:30 h Sábado 26 – City Hall. Barcelona

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a JAVIERA MENA Queremos dar las gracias a Natalia y Martín por hacer posible esta entrevista, y por supuesto a Javiera, a quién vimos actuar y pudimos percibir que posee ese “algo” que la hace especial.

Tus canciones son bastante ricas armónicamente. ¿Te encuentras cómoda haciendo canciones con bases menos movidas, de 2 o 4 acordes como máximo? Sí, me encanta como... bueno, cuando empecé a hacer música y no sabía lo que estaba haciendo mucho, no tenía mucha noción ni de armonía ni nada, hacía mucho esto de dos acordes, algo tranquilo, fueron ... y sí, sí, me salió como algo más bien simple. En canciones como “Sol de invierno” la estructura de la canción es poco mainstream, y los acentos de batería parecen colocados a propósito para despistar. Aún así toda la canción es bastante fácil de escuchar, lo cual me

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lleva a preguntarme si esta forma de salirse de lo convencional surge de manera intencionada o es absolutamente natural y espontánea. Bueno, “Sol de invierno” es una canción que yo compuse hace mucho tiempo y era muy distinto. Yo no me fijé que la acentuación estaba en el tiempo dos ni nada, al poco me estudié música, me di cuenta que la acentuación era rarísima, y de hecho cuando la toco con músicos les cuesta entrar, pero eso era algo que yo hice de instinto y no lo sabía, entonces, claro, no es algo que yo lo haya hecho premeditadamente. Ahora me cuesta más componer así porque yo ahora tengo mucho más conocimiento y, no sé cómo viene, pero eso lo hice así, de instinto. A la hora de crear melodías, ¿has decidido adjudicar una voz a una frase que en principio iba a ser un solo instrumental y viceversa? Sí, sí, sí he hecho eso, como una vez un amigo me dijo '¿podrías poner lo mismo que hace la voz en solo?' y lo empecé a probar y me gustó, y es algo que mucha gente hace y quedó bonito, sí.

Hoy en día autoproducirse es muy normal, pero he oído a muchos músicos quejarse de no llevarse bien con los aparatos. Te sientes cómoda con la tecnología o te pone nerviosa? Necesitas mucha ayuda en ese aspecto? No, me siento muy cómoda. Desde que salió internet estuve allí y, o sea, internet no sé

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cuándo se inventó, pero cuando hubo internet en mi casa yo era adicta desde allí y todavía lo soy y me encanta, soy muy... me fascina andar con el teléfono en el internet y es parte de mí, o sea no lo veo como algo anexo sino que ya es parte de mi cerebro. Al empezar una canción ¿tienes alguna rutina? Por ejemplo: primero batería, luego bajo, luego melodía... No, no, en general pienso mucho en la calle, en diferentes lados, pero, claro, de momento puede ser que empiece con el bajo y la batería electrónica cuando compongo programando, puede ser eso primero y de ahí empiezo a meter los acordes, pero varía, a veces empiezo con la guitarra, es todo muy variable.

Ahora que ya estás conquistando el panorama musical de habla hispana, ¿te planteas cambiar de idioma para conquistar Europa y EEUU o crees que no hace falta servirse del inglés para ello? Hasta el momento no me ha llamado la atención a pesar de que he cantado versiones en inglés, pero para gente que las compuso y que habla inglés, pero me costaría escribir porque yo escribo canciones, y las canciones son como poesía, poemas, y todavía no siento en inglés, entonces no he podido componer en inglés, pero si alguien me propone hacer algo no me cerraría la posibilidad, así como en inglés o en cualquier idioma, portugués...

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Sé que estás preparando las canciones del tercer disco... ¿Sientes algún tipo de presión para hacer un trabajo continuista debido a las increíbles críticas que ha recibido "Mena"? Bueno, es que con "Esquema Juvenil" me pasó que tuvo buenas críticas que fue mi primer disco y también sentía presión. Obviamente uno igual mira para fuera y dice ¿qué irá a pasar?, y la presión existe porque así como para cualquier persona presiona a su medio, pero es algo normal y lo tomo con calma y ya sé como fue la experiencia del primero al segundo, así que para el tercero yo creo que va a ser mucho menos inseguro que como fue sacar el segundo. La diferencia entre "Esquemas Juveniles" y "Mena", aparte de la labor de producción, radica en que el primer disco es muy melancólico y el segundo mucho más maduro y también más bailable... ¿qué cambios tienes intención de plasmar en el tercer disco? Bueno, justamente hoy día venía en el AVE pensando en eso, con que nos vinimos de Madrid a Sevilla, y yo creo que no sé, puede ser algo más como... no tan personal sino que como algo más una visión de una unión de todas las personas, no sé pues venía escuchando “Express Yourself” de Madonna, claro una canción que habla como de un sentimiento de mucha gente, y creo que eso nunca lo he abarcado y me gustaría tocar ese tipo de tema y también seguir con lo personal, pero algo nuevo sí podría ser eso.

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¿Notas un cambio personal importante desde la salida del segundo disco? Bueno, obviamente ha pasado tiempo y el tiempo hace que todos tengamos más experiencia, y eso me pasa a mí, como que se me permiten cosas, sé cómo actuar en ... diferentes, bueno también me pasa en los conciertos, lo mismo, sé cómo cantar mejor, bueno, he madurado un poco y eso sería el cambio: el tiempo. Muchas de las letras de "Mena" hacen referencia a 'la verdad' ¿porqué esta fijación? Bueno es como un concepto así como de algo que uno anda buscando, de un centro que todos buscamos, como algo genuino, eso venía a ser la verdad, como llámese... no sé, como algo que no sabe bien qué es pero lo andas buscando, algo un poco místico, así puede ser el misticismo que también tiene el ser humano, eso vendría a ser 'la verdad' para mi.

¿Qué papel ha jugado el cambio en la industria discográfica en la aparición de tantas y tan buenas bandas musicales en Chile? Bueno en Chile es que en realidad la industria discográfica no llega mucho. Hay cosas pero poquitas, es un país muy chiquitito, muy aislado, entonces por eso hay tanta banda independiente, porque la industria realmente no apoya tanto a Chile por ser como el último rincón del mundo como dicen algunas personas, entonces eso hace que surja mucha música independiente, entonces eso es lo que pasa en Chile yo creo, como que la industria

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no llega tanto. ¿Qué pueden ofrecer estos grupos chilenos (Dënver, Fakuta, Gepe...) que no ofrecen otras bandas en, por ejemplo, Mexico y España? Bueno yo creo que la experiencia que tiene alguien que vive en Chile, es como más, gente más retraída, más tranquila, que no es como el mejicano que es superextrovertido, superpafuera, o el latino en general. El chileno es más para dentro, bueno hace más frío, entonces se queda más en la casa, entonces por eso yo creo que la música también es un poco más introspectiva. Sé que es una gran fan de la cantante Jeanette. ¿qué encuentra en su música que le gusta tanto? Bueno, es la combinación de su voz suave y doblada con la composición de Manuel Alejandro, yo creo que esa mezcla para mí es perfecta y es lo que más he escuchado. También me gusta mucho su trabajo con el grupo Picnic, que es cuando empezó, y yo creo que es como transmite ella la letra que se ve poco, porque en general todo el mundo tiende a cantar muy fuerte y abarcarlo, y al contrario es como para dentro y suavecito. ¿Cómo recuerdas tu primera actuación? Bueno, en una Universidad, mucha gente borracha, mucho universitario muy joven. Toqué con un computador pero no con un laptop, sino con un computador. Llevé el computador. Era eso, con música electrónica, y tres: un primo y dos amigas tocando la flauta dulce, esa flauta que te dan en el colegio. Esa era mi primera formación y así la recuerdo. ¿Qué haces con los temas que descartas para un disco? Es que en general no tengo, porque compongo muy poco y lo que compongo es lo que uso. La otra vez pensaba eso, como que no sé, cosas que hacen como veinte y después eligen nueve, sino que yo las nueve que compongo son las nueve que pongo. Dices que te desconcentras fácilmente a la hora de leer, ¿te sucede igualmente actuando?¿qué haces en esos casos? No, yo creo que al jugar con el tiempo he empezado a concentrarme más, he aprendido a concentrarme un poco más, pero claro, sí, soy muy... tengo déficit atencional yo creo, y

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igual me desconcentro eso, o sea, como estoy cantando y empiezo ¡hey, ese chico que conozco! y cosas así, pero lo que haría sería como antes respirar, estar tranquila y no salir así como después de haber hablado con mucha gente, sino tener un momento como tranquilo antes de salir y eso me ayuda mucho a estar concentrada cuando canto, sí.

JAVIERA MENA EN EL TEST

DE

Un libro Ay, cómo era este... Las venas abiertas de América Latina. Un disco El Like a Prayer de Madonna, que venía escuchando. Una película Criaturas celestiales. Una serie de televisión Fringe. Una canción Una canción, El siete de septiembre, de Mecano. Una comida Peruana, la comida peruana. Una bebida Vino, vino tinto. Una prenda de vestir Jeans, vaqueros. Un lugar para vivir Para vivir, Santiago de Chile. Un lugar para perderse D.F. Un medio de transporte Correr

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En 2009 una llamada inocente y sin ninguna pretensión entre un grupo de amigos hace que se reúnan para tocar y compartir una pasión: la música. Así, con el tiempo, nace el grupo que hoy entrevistamos para la revista Jazz Maestro: “Estado Cítrico”.

Estos chicos de Hospitalet de Llobregat (Barcelona) definen su música como “cítrica”, son los responsables de la composición, grabación y producción de su propio disco y muestran su trabajo de forma libre y con opción de descarga gratuita tanto en su web, como en su blog y facebook. Lo que empezó como un juego empieza a tener forma pero sin abandonar el carácter voluntario y de ocio que conlleva el proyecto, a pesar de tener ya disco, videoclip y fecha de primera presentación oficial en concierto. No acaban de definir las influencias del disco aunque tiene claros tintes de rock, rock-heavy… que se ven plasmados por las influencias personales de cada miembro del grupo. En su blog, tienen una reseña sobre cada canción del disco así como otros momentos “cítricos” que se han dado durante todo el proyecto, que lejos de terminarse no ha hecho más que comenzar. Para abrir boca, el videoclip, AUTOCARICATURA: http://www.youtube.com/watch?v=pP4y8NhAy_M Para más info: http://www.estadocitrico.com http://www.youtube.com/user/estadocitricotv http://www.facebook.com/estadocitrico Contacto: info@estadocitrico.com

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Y ahora, pasemos a la entrevista para conocer un poquito más sobre ellos: ¿Qué papel juegas dentro del grupo? CARLOS: Soy el bajista del grupo, el que tiene conocimientos musicales y a la par hace de manager. SERGIO: A nivel musical la batería, además toda la parte técnica del grupo que conlleva la autoproducción. RAFA: guitarrista. IVÁN: Por el momento canto y colaboro un poco en las letras. Últimamente también me dedico a provocar disturbios.

¿Cómo llegaste a la música? CARLOS: De casualidad a los 14 años, cuando el que a la postre fue mi profesor de guitarra durante muchos años empezó una clases extraescolares en el colegio donde estudiaba. SERGIO: Desde que yo recuerde, de muy pequeño, ya quería tocar la batería, en casa siempre sonaba música a todas horas y supongo que era algo que tenía que pasar IVÁN: Creo que aun no he llegado a la música, sigo corriendo detrás de ella. Eso sí, me acuerdo de las dos primeras canciones que aprendí: Marco y la Abeja Maya

¿Con qué géneros musicales te sientes más identificado? CARLOS: Rock, Heavy metal, rock simfónico, rock progresivo. SERGIO: Pop, rock, hard-rock... RAFA: Hard rock IVÁN: Me gusta la buena música de cualquier genero... y eso de “ buena” es totalmente subjetivo, claro… me identifico con la música que me transmite una emoción.

¿Cómo surgió “Estado Cítrico”?

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SERGIO: A mí me llamó Rafa, que lo había llamado Carlos (el anterior cantante) para ver si montábamos algo, yo en esa época andaba buscando volver a alguna banda después de bastante tiempo sin tocar y surgió de la mejor manera. ¿Cuáles son las influencias del disco? CARLOS: Muy variopintas ya que nos gustan estilos muy diferentes a cada uno de los miembros del grupo. La palabra sería ·ecléticos”. SERGIO: Llega una idea al local de ensayo y cada cual le pone su estilo, o lo que para él pide la canción, hay un poco de todo no hay ideas preconcebidas a la hora de hacer los temas RAFA: No lo sé.

¿Qué les dirías a los que no conocen nada sobre “Estado Crítico” para que escucharan el disco? CARLOS: Que no pierden nada por escuchar un disco gratis -ya que se lo pueden descargar desde nuestra página. SERGIO: Que es gratis, que lo descarguen y lo escuchen, que está hecho con mucho trabajo y que el resultado ha sido muy satisfactorio. RAFA: Que lo escuchen más de una vez. IVÁN: Escuchadlo, joder...

Cuéntanos un poco sobre las canciones del disco. SERGIO: Hay ideas que estaban guardadas en un cajón durante mucho tiempo, hay canciones que se han recuperado por completo de tiempo atrás, hay composiciones nuevas... ha quedado un repertorio muy variado. RAFA: Diversidad de estilos bajo un nexo de unión.

¿Tenéis favorita? CARLOS: Yo no, sí que hay algunas que me gustan más que otras, pero no tengo una top.

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SERGIO: No tengo favoritas, el proceso de composición, grabación y mezcla es muy largo y hay que escucharlas infinidad de veces, se les acaba por coger cariño a todas y otros momentos se las odia por completo. RAFA: no. IVÁN: Mi favorita es una que no existe todavía. ¿Algún descarte? CARLOS: Ha habido descartes, de tanto material algo se tenía que quedar fuera, por ejemplo “El diseño de la vida”. SERGIO: ha habido algunos... RAFA: sí, muchísimas… IVÁN: Hubo unos cuantos temas que se llegaron a recopilar bajo el titulo de Descartes, aunque después algunos de ellos están en el repertorio de directo. Además algunos temas que serían descartes para algunos, a mi son de los que más me gustan o viceversa...

¿Cómo fue el proceso de producción del disco? ¿Y del videoclip? CARLOS: Gracias a los conocimientos de Sergio, el batería, con su Mac y un equipo decente hicimos el disco durante varios meses en diferentes sesiones entre semana y fin de semana. El videoclip fue igual de artesanal y lo rodamos en una aldea de Lleida, a la par pueblo de residencia del guitarrista muchos fines de semana. SERGIO: Siempre he trabajado para que otros suenen y con este proyecto me planteé que el trabajo que hiciera seria para mí, creía que podía hacerlo y que el resultado sería satisfactorio. Siempre te asalta la duda de si lo podrás hacer pero al final ha salido bien. Todo se ha grabado y mezclado entre el local de ensayo y en casa, realmente se puede hacer.

¿Resulta muy difícil autoproducirse un disco y un videoclip? CARLOS: Si no se tienen los conocimientos sí, si los tienes no tanto pero la paciencia es un bien fundamental para que todo suene coherente y para contentar a todos los miembros del grupo.

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SERGIO: Con la experiencia y los conocimientos necesarios no es demasiado difícil, la inversión no es exagerada. En parte eso es lo bueno y lo malo de la época digital, está en la mano de todo el mundo, pero hay que tener los conocimientos y la experiencia para que el resultado sea satisfactorio. RAFA: no. ¿Qué has aprendido de todo el proceso de grabación? CARLOS: El cómo ha avanzado la tecnología para que de forma doméstica puedas hacer un producto muy bien acabado. Se acabaron los nervios de antaño y se graba de una forma tranquila y agradable. SERGIO: Que puedo hacerlo para nosotros como lo he hecho en muchas ocasiones para los demás. RAFA: que nunca acaba… IVÁN: Yo a la hora de grabar las voces me di cuenta de que a veces grabando ensayos, salían cosas que después a la hora de grabar el disco me resultaba difícil repetir. Esto es porque a la hora de grabar tienes como cierta conciencia de que eso va quedar ahí definitivo y eres demasiado auto-consciente, por querer hacerlo demasiado bien, acabas por hacerlo peor. Como en todo la experiencia es fundamental para ir mejorando.

¿Qué partes positivas y negativas ves en internet con respecto a la música? SERGIO: Entrando en el tópico se puede decir que la parte negativa es el pirateo del material, aunque creo que solo es eso un tópico, puesto en una balanza ofrece muchas más ventajas que inconvenientes, llegar a cualquiera en cualquier parte del mundo sólo cuesta un click, eso era impensable cuando empezamos en eso a finales de los 90. IVÁN: en la parte positiva, la posibilidad de tener acceso a toda la música, descubrir y explorar y en lo negativo, pues que toda la música puede llegar a ser demasiado y saturar. Eso como consumidor y como creador creo que hay que salir del mundo virtual a la realidad o te puedes quedar ahí pajareando para siempre.

¿Con qué artistas o grupos del panorama nacional te gustaría compartir cartel? CARLOS: los Fitipaldis, Marlango, Amaral… hay muchos, otra cosa es si pegamos o no con la música que practican. SERGIO: Con cualquiera que quiera compartir con nosotros RAFA: los caños.

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IVÁN: Yo descartaría a unos cuantos infames que no voy a nombrar y tocaría con todos los demás.

¿Tenéis nuevos proyectos en mente? CARLOS: Seguir componiendo canciones, tocar en directo, seguir autoproduciéndonos los vídeos...en definitiva, pasarlo bien y desconectar de la rutina habitual. SERGIO: Siempre hay proyectos en mente, a veces demasiados y hay que ponerlos en orden. RAFA: segundo disco. IVÁN: Más canciones, otro disco, algún otro video...en realidad el proyecto está en pañales y lo suyo sería continuar y seguir evolucionando. En lo personal quizá colgarme la guitarra y tratar de aportar un poco más en lo musical.

¿Habrá más conciertos? CARLOS: Sí, de eso se encarga el bajista aka manager. SERGIO: Habrá todos los conciertos que nos dejen hacer, es un poco difícil para las bandas noveles moverse por conciertos y salas, ya no solo es muy difícil que remuneren de alguna manera tu trabajo sino que a veces incluso hay que pagar...

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RAFA: si. IVÁN: Es de esperar que sí.

¿Qué pregunta te gustaría que te hiciesen? CARLOS: ¿Cómo un guitarrista se pasa al bajo después de tantos años? Pues porque es lo que necesitaba el grupo y la verdad es que he aprendido mucho porque ahora escucho más el bajo de otros grupos que me gustan y he sacado muchas ideas nuevas.

ESTADO CÍTRICO EN EL TEST DE

CARLOS Un libro de cabecera: I am Ozzy

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Un disco: Scenes from a memory de Dream Theater Una película: Saw I Una serie: Lost Una comida: Pulpo a feira Una bebida: Coca-cola Zero ¿Un lugar para tocar? Palau Sant Jordi Primer disco o cassette que te compraste: Synthesizer Greatest ¿Improvisación o tenerlo todo ensayado? Tenerlo todo ensayado. Un sueño realizable: Que me entreviste Buenafuente por haber tenido éxito nuestro disco

SERGIO Un libro de cabecera: la saga del capitan Alatriste Un disco: A night at the opera Una película: Los inmortales I Una serie: Lost o 24 Una comida: Cualquier tipo de arroz Una bebida: Un vino rosado bien frio ¿Un lugar para tocar? En el local de ensayo se está muy cómodo Primer disco o cassette que te compraste: A kind of magic ¿Improvisación o tenerlo todo ensayado? Vamos a ensayar Un sueño realizable Tocar

RAFA Un libro de cabecera: el nombre de la rosa Un disco: Ready to strike - King Kobra

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Una película: El exorcista Una serie: Breaking Bad Una comida: Nocilla Una bebida: Licor de Pera ¿Un lugar para tocar? Mi casa Primer disco o cassette que te compraste: The Last in line - Dio ¿Improvisación o tenerlo todo ensayado? Todo ensayado, la improvisación por si no te acuerdas de algo Un sueño realizable: ¿Cómo?

IVÁN Un libro de cabecera: Residencia en la tierra Un disco: Appetite for destruction Una película: Blade Runner Una serie: Family Guy Una comida: Soy omnívoro. Una bebida: cerveza ¿Un lugar para tocar? El retrete Primer disco o cassette que te compraste: Probablemente el cassette “La abuela y otros tantos raps latinos” de Wilfred y la ganga. ¿Improvisación o tenerlo todo ensayado? Me gustaría tender hacia la improvisación, aunque esta requiere de mayor talento. Un sueño realizable: Durmiendo, todos.

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MUY PERSONAL _________________________________________________________________________________ by Foster

DESAYUNO CON DIAMANTES

La película Desayuno con diamantes está basada en el libro de Truman Capote Breakfast at Tiffany´s. Cuando se publicó el libro Truman Capote tenía treinta y dos años y una dilatada experiencia como escritor, su verdadero nombre era Truman Steekfus Persons pero adoptó el apellido Capote de su padrastro. Estaba considerado como un escritor de talento y era el “enfant terrible” de las letras americanas. A los 23 años publica su primera novela “Otras voces otros ámbitos” donde habla de forma manifiesta sobre la homosexualidad. En su libro “Música para camaleones” decía de sí mismo “Soy alcohólico, soy drogadicto, soy homosexual y soy un genio”. Se movía en los ambientes más sofisticados y se codeaba con la alta burguesía americana, su figura diminuta y llamativa era imprescindible en cualquiera de las fiestas que se celebraban en New York y mujeres famosas de la época como, Marlene Dietrich, Marilyn Monroe o Elizabeth Taylor alardeaban de ser sus amigas íntimas. Cuando se publica Breakfast at Tiffany´s, la novela tiene un éxito arrollador, enseguida llama la atención en el mundo del espectáculo por la posibilidad que había de llevarla a la gran pantalla, y todo el mundo quería optar a los derechos para poderla adaptar al cine. El coproductor Martin Jurow saltándose todos los procedimientos se va a ver directamente a Capote para proponérselo y se cita con él en el Colony Club, lugar de encuentro habitual de Truman. Enseguida se da cuenta que tanto él como su representante Richard Shepherd están dispuestos a dialogar y a llegar a un acuerdo, solo tenía que solventar un problema, Truman Capote quiere ser el protagonista masculino en la película. Al final y tras una larga conversación y alimentando el “ego” del escritor, Jurow consigue convencerle de que ese papel no es el más adecuado para él y Truman acepta.

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Al día siguiente y en el despacho del agente de Capote se cierra el acuerdo. Truman recibe sesenta y cinco mil dólares por vender los derechos de su novela, una cantidad considerable para aquella época. Enseguida los productores se ponen en marcha para poder adaptar el libro y encargan el guión al dramaturgo Sumner Locker Elliott. El intento fracasa, Sumner era famoso por sus series en televisión y por sus novelas, pero le faltaba esa intuición para adaptar el guión a la gran pantalla. Después de hablar con varios guionistas, deciden que el elegido sea George Axelrod, un dramaturgo, productor y guionista neoyorquino con una dilatada experiencia en el mundo cinematográfico, y una carrera avalada por grandes éxitos. Para dirigir la película se piensa en Blake Edwards. Blake era el hijastro del director y productor escénico Jack Mc Edwards y estaba destinado a llegar lejos en el negocio del espectáculo. Debutó como actor en Diez héroes de West Point en el año 1942, pero cuando seis años más tarde fue coguionista y coproductor del western El imperio del Crimen enseguida quedó claro que su auténtico talento estaba detrás de la cámara. A principio de los años 50 empezó una exitosa carrera con el director Richard Quine, escribiendo para él ocho películas, al mismo tiempo que colaboraba en guiones radiofónicos y televisivos. En televisión triunfó con series como Peter Gunn (1958-60) Mr. Luchy (1959-60) y en el cine empezaba a hacerse un nombre con comedias como El Temible Mister Cory y Operación Pacífico ambas interpretadas por Tony Curtis. No es de extrañar pues que se pensara en él para dirigir Desayuno con diamantes, era un director cuyas comedias podrían bordear una sátira social más seria y un hombre que sabía tomarle el pulso a los tiempos cambiantes. Teniendo ya contratados al guionista y al director el mecanismo se pone en marcha para poder empezar el rodaje de la película. Ahora solo queda un reto, encontrar a la actriz adecuada para interpretar a la protagonista de la historia. Para el papel de Holly había varias candidatas. Se pensó en Jane Fonda, Shirley MacLaine o Rosemary Clooney. Truman propone para el papel a su gran amiga Marilyn Monroe. En aquella época Marilyn estaba casada con Arthur Miller y se había distanciado un poco del mundo de Hollywood, también fue en aquellos meses cuando salieron a la luz sus problemas con el alcohol y las drogas. Aunque era la favorita de Capote, se decidió que no era la actriz más adecuada en ese momento para el papel. Entonces se pensó en Audrey Hepburn, era una actriz muy querida y tenía una trayectoria llena de éxitos. Solo había un problema Holly la protagonista de la novela de Capote era una chica de vida alegre, una prostituta, una chica de compañía y nadie en la Paramount pensó que Audrey pudiera hacer ese papel. En el libro de Capote el argumento gira en torno a las memorias de un joven escritor que busca el reconocimiento como novelista y mientras le llega es mantenido por su amante, una mujer acaudalada, casada y mayor que él. Por casualidad entabla amistad con una excéntrica joven que vive en su mismo edificio, es una joven algo neurótica que vive de los hombres, pertenece a la nueva burguesía y se pasa la vida asistiendo a fiestas en busca de un hombre rico que la mantenga. También se deja entrever que Holly es una prostituta de lujo y además coquetea con su bisexualidad. Cuando Martín Jurow viaja a Europa para hablar personalmente con Audrey y proponerla el papel de Holly esta le comenta “Martín tienes un guión maravilloso, pero no puedo interpretar a una prostituta” En toda su carrera Audrey jamás había interpretado un papel de

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esas características, incluso nunca había rodado escenas de sexo. Ante esta negativa Blake Edwards, director de la película decide viajar a Suiza para hablar con Audrey y su marido Mel Ferrer, para ver si convence a la actriz para que interprete el papel. En una reunión con el matrimonio les propone dulcificar un poco el guión y adaptar el personaje de Holly para que Audrey lo pueda interpretar. Edwards les argumenta que el estilo de Audrey en la pantalla purificaría y dulcificaría el papel. En aquella época Audrey acababa de ser madre y no le apetecía nada en absoluto el tenerse que desplazar desde Suiza donde vivía, a Estados Unidos para rodar una película, quería disfrutar de su maternidad en todo momento, pero al final su marido Mel Ferrer consigue convencerla y acepta el papel. Años más tarde confesaría “Me daba miedo no ser adecuada para el papel. Pensaba que carecía del estilo adecuado para interpretar a Holly. Aquel papel requería un personaje extrovertido y yo soy todo lo contrario, pero todo el mundo me presionó para que lo hiciera. Acepté el reto y lo sufrí de principio a fin. Durante el rodaje perdí mucho peso. Muy a menudo interpretando el papel, me daba la impresión de que no estaba haciendo el mejor trabajo. Hacer esa interpretación ha sido una auténtica revolución en mi carrera. Sabía que aquel papel sería un gran desafío y quise afrontarlo. Ha sido uno de los papeles más difíciles que he interpretado” Modificaron el guión para dulcificarlo y adaptarlo más a la personalidad de Audrey. En una nota de prensa de la Paramount se publica “Nuestra Holly Golightly, es una síntesis excéntrica de todas esas encantadoras chicas alegres que uno espera encontrar en las grandes ciudades. El personaje representa un reto y una reinvención para la señorita Hepburn, cuyos papeles hasta ahora no han abordado ese tipo de excentricidades”. Ahora tocaba elegir al actor adecuado para interpretar el personaje masculino. Para interpretar el papel de Paul, el joven escritor que busca la fama y que finalmente se enamora de Holly, Blake Edwards piensa como primera opción en Steve Mc.Quenn, pero en ese momento Steve esta rondando otra película y eso complica mucho las cosas. Se piensa entonces en George Peppard, un actor prácticamente nuevo en la industria cinematográfica. El director de casting alaba la fuerte presencia física de George y la propia Paramount saca una nota de prensa diciendo que Peppard era en esos momentos el actor más nuevo y más atractivo de Hollywood. Era prácticamente un actor desconocido, había intervenido en algunos papeles sin mayor importancia y su trabajo en Desayuno con diamantes fue realmente su primer gran éxito. En muchos aspectos fue el papel protagonista más importante de toda su carrera cinematográfica. Los papeles secundarios fueron más fáciles de elegir. Para el papel de E.E., la mujer madura amante de Paul, eligieron a Patricia Neal “queríamos a una actriz con experiencia, que se dejara de tonterías y pudiera interpretar a la perfección ese papel sexual tan intenso y subterráneo. Alguien con mucha personalidad que pudiera ser elegante y dominante a la vez ” comentan los productores.

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Para el papel de Doc, el marido de Holly eligieron a Buddy Ebsen un bailarín de vaudeville, que ya había intervenido en películas como Captain Jannuary junto a Shirley Temple y en La Melodía de Broadway junto a Judy Garland. Para los otros papeles secundarios contrataron a Martín Balsan que interpretó al agente de Hollywood O.J. Bernan. Al español José Luis de Villalonga, para el papel del admirador brasileño de Holly, y a Mickey Rooney para el papel cómico del señor Yunioshi, el vecino japonés de Holly. Aún quedaba por elegir a un elemento destacable en el reparto, y ese era el gato de Holly. Para interpretar a la mascota eligieron a Putney y Orangey, dos gatos adiestrados de color anaranjado y atigrado. Como los gatos son difíciles de adiestrar y hacen difícilmente más de un truco a la vez, se emplearon para el rodaje más de doce gatos, todos ellos de idéntico pelaje. Pero las escenas más importantes las rodaron Putney y Orangey.

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Todavía quedaba un obstáculo muy importante que vencer antes de empezar con el rodaje. El guión tenía que pasar el visto bueno de la Asociación de Cinematografía, que era en esos momentos el vigilante moral de la industria cinematográfica, es decir la censura. A la Asociación el guión les pareció correcto, pero tenían que cambiar algunas frases mal sonantes y alguna que otra escena principalmente en las que Holly se desvestía, para que dieran el visto bueno. Después de un intercambio de ideas y de hacer más sutiles algunas escenas, el guión pasa el trámite y dan el permiso para poder empezar el rodaje de la película. Por fin Desayuno con diamantes tiene el camino libre para que se pueda empezar a rodar. Empiezan los trámites para elegir el vestuario de la película. Para vestir a Audrey se elije a Hubert de Givenchy “Con su ropa me siento yo misma. Para mi es más que un modisto, es un amigo que entiende perfectamente mi personalidad” decía la propia Audrey del modisto. Givenchy viaja varias veces a Paris y Suiza para intercambiar opiniones con Audrey sobre el vestuario. Hace una selección de prendas y se las lleva personalmente para su aprobación, la actriz queda fascinada con el vestuario y lo manda directamente a New York para poder empezar el rodaje. En aquella época Audrey ya tenía treinta y un años y era un icono de la moda, a partir de esta película su estilo marca tendencia y todo el mundo la quiere imitar. Se ponen de moda las gafas de sol exageradas, el pañuelo al cuello colgando, y por supuesto los collares de perlas. Al terminar la película en todas las tiendas se ven imitaciones del abrigo naranja que ella luce cuando va a Tiffany´s con Paul y todas las señoras querían tener el sombrero de armiño que luce en la película. Pero lo que realmente pasó a la historia de todo su vestuario fue ese traje negro largo que luce en la primera escena de la película cuando se baja del taxi y se para delante del escaparate de Tiffany´s tomándose un café.

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Capote en su libro narra esa escena de esta manera “Era un cálido día, casi de verano, y ella llevaba un fino y fresco vestido negro, sandalias negras y un collar de perlas. Pese a la elegancia de su delgadez, casi tenía un aire de salud propio de los que desayunan cereales, una limpieza de jabón y limón, y una pincelada rosa subido en las mejillas. Tenía la boca grande y la nariz respingona. Unas gafas de sol le ocultaban los ojos. Era un rostro más allá de la infancia, y sin embargo pertenecía a una mujer. Pensé que podía tener cualquier edad entre los dieciséis y los treinta años y resultó que le faltaban dos meses para cumplir diecinueve”.

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La peluquería corrió a cargo de Nellie Manley, que ya había trabajado con la actriz en “Una cara con ángel” y el maquillaje fue obra de Wally Westmore, que también fue su maquillador en “Sabrina” y “Vacaciones en Roma”. Capote desarrolla su historia en la ciudad de New York, era su ciudad preferida y él siempre la definía de esta manera “New York es como una ciudad de arcilla, puedes moldearla como te apetezca”. Para ser una película tan relacionada con New York, solo se rodaron ocho días en la ciudad. Se rodaron exteriores en Central Park, en el exterior del depósito de detención de mujeres de la calle Décima, en una casa de ladrillo rojizo en la calle Sesenta, en la escalera de la Biblioteca Pública y por supuesto en la joyería Tiffany´s. Blake Edwards quería exponer a los personajes al jaleo, al ruido y al olor de New York, quería que se impregnaran de esa atmósfera y por eso decidió rodar esos ocho días en exteriores y no en los estudios de Los Angeles, aunque esto incrementara el presupuesto. El resto de la película se rodó en los estudios de la Paramount. Los estudios eran impresionantes y llamaban la atención por sus dimensiones. El decorado contaba con más de 150 edificios, tenía cuarenta y siete fachadas perfectamente rematadas y recreaba el ambiente inigualable de siete manzanas neoyorquinas distintas.

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El rodaje de la película no estuvo exento de algún que otro problema. Entre Audrey y George no había mucha sintonía, mientras que George era un actor del método que miraba en su interior a fin de encontrar un mayor realismo a su personaje, Audrey se dejaba llevar por su intuición. El llegó a decir de Hepburn “Audrey posiblemente sería la chica más bella y excitante del mundo a la que cualquier hombre le gustaría besar, si realmente besara. Pero ella no besaba solo actuaba” Cuando George aceptó el papel pensó que su personaje iba a ser el protagonista de la película y que incluso tendría más importancia que el de Audrey. A George le encantaba imponer su estilo en cada escena y debatía con el director como tenía que interpretarla, le costaba aceptar las órdenes de Edwards y en más de una ocasión casi llegaron a las manos por no seguir el actor las instrucciones que le daba Blake.

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También hubo problemas al principio del rodaje entre Blake Edwards y Audrey. Edwards recuerda como en los primeros días la interpretación de Audrey estaba influenciada por su marido Mell Ferrer, éste le daba constantemente instrucciones de cómo tenía que interpretar las escenas y dominaba por completo su actuación. Sus continuas interferencias en el rodaje amenazaron con llevar a la cancelación de la producción. Blake y Audrey congeniaron al instante, pero Ferrer parecía más malhumorado que nunca y a veces hacía comentarios críticos sobre su esposa que influían negativamente en el rodaje. Finalmente Blake decide hablar a solas con Audrey para indicarle que ella solo tenía un director y que ese director era él, le advirtió que interpretaba el papel tal y como habían decido juntos que lo haría, o que él renunciaría a dirigir la película. Audrey lo entendió perfectamente y el asunto quedó zanjado al instante. A partir de ese momento confió plenamente en él y se pudo continuar el rodaje sin ningún problema. Para la música de la película contrataron a Enrico Nicola Mancini, más conocido por Henry Mancini. Cuando Blake se reúne con él para explicarle el guión de la película le comenta que tiene que componer una canción para una escena en concreto. En el guión esa escena figuraba de la siguiente manera “Los días de mucho sol, Holly se lavaba el pelo y en compañía del gato, se sentaba en la escalera de incendios de su apartamento y rasgaba la guitarra mientras se secaba el pelo. Cantaba una canción con la voz ronca y quebradiza de una adolescente" Mancini no sabía que enfoque podía dar a la canción, entonces pidió a los productores conocer en persona a Audrey para que le sirviera de inspiración. Le concretan una cita con ella y resultó ser todo un éxito, el propio Mancini comenta “Supe lo que tenía que componer cuando la vi. En ese momento me di cuenta de la naturaleza que adquiriría la canción cuando Audrey la cantara con esa voz ligeramente ronca que tiene. Sus grandes ojos y su sonrisa me dieron un empujón para que fuera una canción sentimental. Compuse Moon River para Audrey. Nadie más ha comprendido completamente la canción como ella” La letra de la canción corrió a cargo del compositor Johnny Mercer que ya tenía muchos premios por clásicos como “Jeepers Creepers” y “That Old Black Magic”. La escena de la película en que Holly canta la canción de Moon River sentada en la ventana de su apartamento, se ha convertido en una iconografía del cine.

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Cuando se estrenó la película la canción se convirtió en un autentico éxito. El cantante Jerry Butler fue el primero que grabó una versión, mas tarde lo hizo Andy Williams que vendió 400.000 copias el mismo día que salió el disco al mercado y en pocas semanas se convirtió en número uno. Realmente la canción Moon River se hace tan famosa como la propia película. El 14 de octubre de 1961 se estrena la película en Hollywood (California) en el Teatro Chino Grauman´s en Hollywood Boulevard. A su estreno acuden las estrellas más famosas del momento. Entre la lista de famosos estaban Nat King Cole, Henry Fonda, Glenn Ford, Dennis Hopper, David Janssen, Buster Keaton, Alan Ladd, Lee Marvin y Groucho Marx entre otros. La película estuvo representada por los actores George Peppard, Buddy Ebsen y Mickey Rooney. A todos los invitados que acudieron al estreno se les obsequió con un perfume de Givenchy envuelto en bolsitas de Tiffany.

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La Paramount se reservó a Audrey Hepburn para el estreno de la película en Europa. El 19 de octubre se estrena el film en Londres, asistiendo a dicho acto la actriz. La película tiene una acogida muy buena y en poco tiempo la recaudación en Estados Unidos es de cuatro millones de dólares y en Europa de seis millones. La película recibe cinco nominaciones a los Oscar:

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Mejor Actriz (Audrey Herburn) Mejor guión adaptado (George Axelrod) Mejor dirección artística (Hal Pereira y Ronald Anderson) Mejor banda sonora (Henry Mancini) Mejor canción (Moon River)

Al final solo recibe dos Oscar, uno a la mejor canción y otro a la mejor banda sonora. Además del Oscar a la mejor canción, Moon River obtuvo el Golden Laurel y la banda sonora de la película el Grammy. Cuando Capote vio por primera vez la película su impresión fue buena y le gustó. Pero después de unos años y con la perspectiva que da el tiempo llego a declarar de la misma “En el libro había amargura y la película la han convertido en una empalagosa tarjeta del día de los enamorados en la ciudad de New York”. La década de los sesenta que es cuando está rodada la película supuso un cambio generacional y trascendental tanto en la sociedad americana como en el estilo que Hollywood daba a sus películas. Los espectadores querían películas más realistas. Desayuno con Diamantes había sido un cambio hacia esa dirección, aunque la censura la había limitado. Hacia la segunda mitad de la década esa censura había desaparecido y se pudieron rodar películas como El Graduado (1967) Love Story (1970) Easy Rider (1969) y Cowboy de medianoche (1969) donde se reflejaba ese cambio que se había producido en la sociedad americana. Como anécdota relacionada con la película y más concretamente con su vestuario se puede contar que el 6 de diciembre de 2006, trece años después del fallecimiento de Audrey Herpburn, se subastó en la prestigiosa casa Christie´s de Londres el traje de fiesta largo de color negro que Audrey luce mirando el escaparate de Tiffany en la primera escena de la película. Una persona anónima pago por él la cantidad de 467.000 libras esterlinas (más de 600.000 Euros al cambio). Ese dinero lo donó el propietario del vestido Hubert de Givenchy a la fundación “Ciudad de la Alegría” dirigida por el novelista francés Dominique Lapierre. El dinero se empleó para la construcción de escuelas en áreas rurales de la India, y así poder seguir con la labor que Audrey había comenzado muchos años antes. Cuando visitas una de esas escuelas en la ciudad de Laxmikantapur en India, a la entrada de la misma y a la vista de todo el mundo hay una foto a tamaño real de Audrey Herpburn con el famoso vestido y al pie de la misma figura “THANK YOU AUDREY HEPBURN WE LOVE YOU”

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“THANK YOU AUDREY HEPBURN WE LOVE YOU“

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JAZZMAESTRO #11  

Este undécimo número incluye artículos sobre el cortometraje 'Zombies and cigarettes'. Ivana. Los 7 de Blake. Stevie Wonder. Adele. La mujer...

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