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EL EDITORIAL Este décimo número incluye artículos sobre la actualidad de Virginia Maestro, crónicas de sus últimos conciertos y una nueva sección sobre música electrónica,además de las secciones habituales. A partir de este número la revista pasará a ser una publicación bimensual.

EL EQUIPO Carolpsyco El Rincón de Psyco Eslabuat El rincón de VM Fedenieko 3,2,1 Acción, En Primera Fila, TV On, La Web del mes. Gizmoblue Agenda de Conciertos Interesantes,Recomendamos a …, Recordando a... Julien La Tira de Cómics y Dentro Video Foster Muy Personal Ruby Woo Historias de la chica Plexiglás

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SUMARIO CINE Pág 06: 3,2,1 acción Pág 10: En Primera Fila TELEVISIÓN Pág 18: TV On MÚSICA Pág 24: Recordando a... Pág 34: Te Recomendamos a.. Pág 40: Historias de la chica Plexiglás Pág 45: El Rincón de Psyco Pág 48: La Web del Mes Pág 51: El Rincón de VM Pág 79: Agenda de Conciertos Interesantes EL CAJÓN DEL SASTRE Pág 90: Muy personal

PUEDES ENCONTRARNOS EN El Foro: Puedes seguirnos, hacernos recomendaciones, comentar nuestros artículos, participar activamente en el seguimiento de la carrera de Virginia Maestro y compartir música en nuestro foro JazzMaestro La web: jazzmaestro.es Canal de myspace: revista JazzMaestro Canal de Vimeo : RevistaJazzMaestro Facebook de la revista: RevistaJazzMaestro

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Sinopsis Durante las vacaciones en el pueblo de sus abuelos, Juan conoce a María, una niña

misteriosa que le narra la terrorífica leyenda que rodea a la vieja casa del

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campesino. Juan, a diferencia del personaje del cuento, tiene miedo. María no. El

cortometraje

se

puede

ver

en

el

canal

http://www.youtube.com/watch?v=5wVKTbFF3ns

de

YouTube

del

director:

o en su canal de Vimeo:

http://vimeo.com/17024497

El director Daniel Romero (Madrid, 23/12/1983) Licenciado en Comunicación Audiovisual por la Universidad Carlos III de Madrid, Diplomado en Biblioteconomía y

Documentación. Se ha formado en diferentes cursos y talleres por directores de la talla de Enrique Urbizu o Pablo Berger. Ha dirigido numerosos cortometrajes, entre los que destacan La habitación contigua, Una puerta cerrada y El

Embaucador, con los que suma más de setenta selecciones en festivales nacionales e internacionales. Ha trabajado como productor asociado del debut en la dirección de Daniel Lavin, Acrobats, película independiente filmada en Tokio y seleccionada para el Festival Internacional de cine de Gijón. En la actualidad trabaja en el equipo de dirección de la serie de televisión emitida por TVE1, Amar en tiempos revueltos. Sus últimos cortometrajes son El Descenso y Juan con miedo.

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Después de 11 premios, 100 festivales, 1 preselección para los Goya, ventas internacionales y alguna que otra sorpresa más… El pasado jueves 30 de junio, en el cine Capitol de la Gran Vía de Madrid, tuvo lugar el reestreno de Juan con

miedo. La gran novedad es que el corto pudo verse… ¡en 3D! Se proyectó junto a otros cinco cortometrajes de terror en una noche en la que las gafas tridimensionales y los sustos fueron los protagonistas. En palabras del director: "Jamás pensamos que nuestro corto fuese a someterse a un proceso similar por el que han sido transformadas de 2D a 3D películas como Alicia en el país de las maravillas o Furia de titanes. ¿Suena a ciencia ficción, verdad?"

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La producción de Juan con miedo corrió a cargo de Yacaré Films. El cortometraje

se grabó en Alta Definición, mediante el uso de la cámara HDCAM Sony F900, en

dos jornadas y media de rodaje, siendo kinescopado posteriormente a formato 35 mm. El municipio de Pedrezuela fue el lugar elegido para el rodaje, por reunir

todas las condiciones idóneas, desde el punto de vista visual como de producción, ubicado a escasos cuarenta kilómetros del centro de Madrid.

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Clarence Clemons

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New York, New York: es un film muy estimable, brillante en muchos momentos, y Liza Minnelli pone en su rabajo el talento y el énfasis precisos para que la

composición del personaje y, muy especialmente, las canciones puestas en su boca tengan la pasión, el sentimiento, la fuerza y el arrebato necesarios para que

su impacto en el espectador resulte tan notorio como plausible, como en el número que da título a la cinta.

A veces no parece un musical, pero la música -explícita o implícitamente- está siempre presente a lo largo de las dos horas y media de proyección. Incluso cuando no se oye es el motor que impulsa el desarrollo de la acción, y el filtro a

través del cual se manifiestan los sentimientos, alegrías e inquietudes de los

personajes. Es un relato agridulce, con final amargo -o realista-, que Martin Scorsese arropa con el tejido musical de una magnífica serie de títulos y autores

inolvidables: "You are my lucky star" (Arthur Freed-Nacio Herb Brown), "The man I love" (George e Ira Gershwin), "Blue moon" (Richard Rodgers-Lorenz Hart), "Don't be that way" (Benny Goodman)...

Aparte de los actores, especialmente Liza Minnelli y Robert de Niro (con la participación de Clarence Clemons), llama la atención el look de la película, una estética que, por su concepción y colorido, hace pensar en el mundo mágico de

Edward Hooper, el pintor que elevó la vulgaridad de lo cotidiano a la categoría de obra de arte. En este sentido, la labor del diseñador de producción -Boris Leven-, del director artístico -Harry R. Kemm- y del responsable de la fotografía -Laszlo Kovacs- fue tan determinante como magnífica. Extraído de una entrevista a Clarence Clemons Narra tu encuentro con Robert DeNiro, durante el rodaje de “New York, New York”. De Niro te pidió que le guardases un secreto muy especial

“Esa es totalmente real. No nos conocimos en el rodaje, si no en un concierto, poco tiempo antes. Scorsese ya me había pedido salir en la película, y conocí a

Robert en el backstage en uno de nuestros shows. Y me confesó que el “Are you talking to me?” de “Taxi driver” lo había tomado de Bruce. Porque en nuestras giras de los 70, cuando el público no paraba de vitorear a Bruce, a veces parábamos de tocar, y Bruce se quedaba mirando a la audiencia, muy serio, y les

decía “Are you talking to me?”. Cuando vi “Taxi driver”, me di cuenta, pero tenía la duda de si se habría inspirado en eso, y me confesó que así era. Y me dijo que,

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por favor, le guardara el secreto durante 25 años. En mi libro lo conté por primera vez, y le envié una copia. Espero que no le haya parecido mal”. ¿Cómo fue trabajar con él? “Muy bien. Es un gran tipo, y durante el rodaje salimos juntos por ahí algunas noches”.

Además, él interpretaba a un saxofonista en el film. ¿Te pidió algún consejo? “No, porque no tocaba realmente sus partes en “New York, New York”, pero sí que hablamos bastante sobre como tocar bien el saxo, para que pareciera un músico

de verdad. Cómo moverte en el escenario, o como sostener el instrumento en los momentos en que no estás tocando. Tomó buena nota, y lo puedes ver en su

interpretación. Y yo le pedí consejo a él sobre cómo resultar creíble en pantalla, porque era mi primera intervención en el cine. Incluso llegamos a intentar hacer una jam una vez. Bueno, el único que tocaba era yo, porque él se mataba, y lo único que conseguía era hacer un ruido terrible (Risas)”.

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Las Alucinantes Aventuras de Bill & Ted: tienen su origen en una idea creada por Chris Matheson y Ed Solomon, en donde dos adolescentes tontos discutían de historia con el hermano mayor de uno de ellos. Esto daba pie a una serie de

disparatados razonamientos sobre sucesos y personajes históricos, y la idea sería comprada por Dino de Laurentiis, quien terminaría financiando un filme. En 1989 saltó a la pantalla grande y terminaría generando una secuela y dos series

televisivas (una con actores y otra animada). Un resultado inesperado para lo que es una modesta comedia. Hay algo contagioso en el filme que termina por ganar al espectador, posiblemente sea la interpretación de Alex Winter y Keanu Reeves y la sucesión de crecientes apuestas delirantes que hace la película. Algunos guiños que nos roban las palabras en una favorecida alabanza se concentran en presentar a músicos conocidos como secundarios del reparto. Una

de las imparables poperas militante en The Go Go's, Jane Wiedlin, tomaría la

imagen de Juana de Arco, mientras el E-Street Band Clarence Clemons se

encargaría de cierto personaje futurista de curiosa indumentaria. Ese capitán del

mañana haría comandita con otros dos de cuidado, Martha Davis y Fee Waybill, para conformar el trío casi galáctico The Three Most Important People.

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Distracción fatal: Aunque no sea una pelicula que sea muy recordada por los cinéfilos, la realidad es que tiene motivos suficientes para que esto no sea asi. Un

Armand Assante realmente divertido que hace suyo un papel a priori mas ajustado para un ya consagrado en estas lides Leslie Nielsen. Las mujeres que le seducen, entre las que destaca una explosiva Sean Young y una maquiavélica

esposa con el semblante de Kate Nelligan ("Frankie & Johnny"), y por último (pero no por eso peor) una secretaria más centrada en sus propios temores con el bello rostro de Sherilyn Fenn ("Twin Peaks"). Y un cameo de Clarence Clemons. Disparatada parodia del cine negro, ambientada en el género de los clásicos de los años 50. Varias tramas entrelazadas, las mismas historias que se adulteran

tanto en su planteamiento como en su desarrollo para asimilarlas en un concepto ya sobradamente reconocible y establecido años antes por los realizadores y

guionistas Zucker-Abrahams-Zucker. Una más de las muchas peliculas que se reían de los grandes éxitos de Hollywood, pero que se sitúa sobre la mayoría

de

esas

imitaciones,

composición de la parodia.

consiguiendo

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una

muy

acertada


Swing: comedia británica que sigue la senda de Granujas a todo ritmo por cuanto Martin, un ex recluso recién salido de una prisión de Liverpool, decide montar una banda de swing como forma de ganarse la vida y así librarse de tener que aceptar el empleo propuesto por su agente de la "condicional". El swing tiene la capacidad

de insuflar cierto optimismo y asignar a la música aquello que a veces perdemos de vista: un vehículo para mover el esqueleto, para reducir tensiones y para

enriquecer nuestros oídos con armonías y ritmos que nos permiten seguir adelante. Así lo entenderá Martin.

Jack (interpretado por el saxofonista Clarence Clemons) ejercerá de guía espiritual y mentor musical para que el ex convicto dé sentido a su vida, legándole un saxo

que encierra una sabia filosofía de vida. En rápidos barridos que nos introducen de nuevo en la celda que los dos compañeros compartieron, en la voz de Jack

escucharemos algunos consejos de cómo enfrentarse a las actuaciones, a los fracasos, a los demás músicos y al público.

Swing se mueve por caminos muy trillados, pero posee cierto encanto al retratar un mundo de pequeños éxitos cotidianos. Lisa Stansfield resulta convincente en su papel y los tres o cuatro temas que interpreta la avalan como una cantante todo terreno con una voz de tesitura labrada en el rythm and blues e incluso en el soul. Swing alude a una música casi intemporal, pero rezuma una sensibilidad pop por los cuatro costados, en todo caso, entronca con una tradición del cine que venera la pureza de la música que emana del jazz. Se trata aquí de tocar en diálogo permanente con la banda y sirviendo al público sin una decidida voluntad de llevarle a un territorio de admiración y espectáculo.

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Blues Brothers 2000 (el ritmo continúa): Dieciocho años después de Granujas a

todo ritmo, llega la secuela. Mismo director, mismos planteamientos. El sencillo argumento sirve para presentar los esperados números musicales y un puñado de situaciones cuyo humor se basa en el absurdo. John Landis y Dan Aykroyd se muestran menos inspirados que en el film original. No se evita una sensación de déjà vu, y puede decepcionar a los incondicionales de la primera entrega su ritmo irregular. Pese a todo, la música es genial: el duelo final entre bandas (The Louisiana Gator Boys con Clarence Clemons entre otros), el número de la iglesia evangelista, la coreografía en la empresa de amor telefónico, merecen la pena. Y no faltan las locas persecuciones por la carretera, con filas interminables de vehículos policiales.

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El manga El personaje central no es el titular, sino Arale, una revoltosa y gafuda niña androide creada por el extravagante inventor Sembee Norimaki, alias Dr. Slump.

Situadas en el escenario de Villa Pingüino, las andanzas de ambos personajes se ven complementadas por uno de los más variopintos repartos jamás vistos en la

historia del manga: la dulce y atractiva maestra local Midori Yamabuki, con quien el Dr. Slump se casará finalmente, naciendo un hijo, Turbo, de su matrimonio;

Gatchan, el bebé alado de cabellos verdes procedente de la prehistoria; el

desenfadado Taro, su hermano menor Pisuke y la revoltosa Akane, compañeros de juegos y estudios de Arale; el niño-robot Obochaman, novio de Arale; los alocados patrulleros Gara y Pasagu; y un largo etcétera que incluye robots, boñigas parlantes, alienígenas, animales humanizados y caricaturas de mitos de la cultura popular como Superman o Mr. Spock.

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En japonés se lee de derecha a izquierda

La traducción del texto de Dr. Slump resultó realmente complicada, dada la gran

cantidad de guiños y alusiones a la cultura japonesa, comentarios del autor y notas a pie de página que pueblan todo el manga. Además, Toriyama hace todo lo que esté en su mano para impedir que a sus obras se les invierta el sentido de la paginación para occidentalizar los volúmenes y que se mutilen las referencias culturales japonesas con el mismo fin.

El anime

Tan solo por la realización de Dr. Slump, Akira Toriyama, su creador, merece un hueco en el olimpo de los genios animadores, junto a Chuck Jones, Matt Groenig, Osamu Tezuka o Walt Disney.

Producido por Toei Animation posee 243 episodios televisivos, para los cuales hubo que crear muchas más tramas que las desarrolladas en el manga. Se

emitieron en Japón entre agosto de 1981 y febrero de 1986, y 7 films la mayoría

de ellos de corta duración y poca repercusión.

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Arale y Sembee Norimaki representan el cúlmen de la experimentación llevada

para crear la quintaesencia de la parodia. En esta serie están presentes lo cómico,

lo grotesco, la comedia clásica y una pizca de sátira a la sociedad japonesa; y es

increíble cómo puede funcionar a través del tiempo sin una progresión dramática fuerte. El único motivo parece ser que está tan llena de figuras, provenientes de

diversos contextos, que parece inútil añadirle drama, ya que no queda más espacio. O, para ser más claro, el drama está implícito en lo cómico, si no hubiera

un equívoco, un error o una simple caída, es decir, algo fuera del orden y absolutamente fuera de lugar, no habría nada de lo que reírse. Este principio, que se remonta hasta Aristóteles, prevé que no exista el peligro real, es decir, que seamos conscientes de que el espectáculo que estamos viendo es cómico y nadie se hará daño de verdad o se morirá.

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Villa Pingüino es un sistema social completo, habitan todo tipo de personas y están presentes todos los servicios; pero evidentemente los sujetos en los que se

inspira son máscaras modernas del mundo del espectáculo y las instituciones, personajes públicos en Japón y en el mundo. Así pues, es como si esta historia estuviera narrada a través de los ojos de un niño, porque se retrata a los adultos

con un aspecto grotesco y desgraciados, proclives a situaciones embarazosas y

sustancialmente débiles; mientras que las mujeres tienen un aspecto muy agraciado y un cuerpo perfecto, el ideal de "madre". Sin embargo, los niños son

niños; es decir, aunque las proporciones del cuerpo se alteran, son más parecidas a la anatomía infantil, al igual que Akane y Taro son más esbeltos y arrogantes porque encarnan a "hermanos mayores", aquellos que son vistos como ídolos por

sus hermanos menores y por eso son estéticamente guapos y emotivamente desinhibidos. Toriyama quiere atacar a los adultos, a su presunto poder, y le da la capacidad de hacerlo a una eterna niña.

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NINA SIMONE

Eunice Kathleen Waymon nació en Estados Unidos el 21 de febrero de 1933 y murió en Francia el 21 de abril de 2003. Conocida como Nina Simone, fue una cantante, compositora y pianista estadounidense de jazz, blues, rhythm and blues y soul. Es una figura esencial en la historia del jazz y, más concretamente, una de esas vocalistas inolvidables cuya voz se asocia a clásicos inmortales, a versiones definitivas. Ella fue una de las artistas más extraordinarias del siglo XX, un icono de la música americana.

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Nina era la sexta de una familia de ocho hermanos, descendiente principalmente de esclavos africanos, aunque entre sus ancestros también hubo sangre irlandesa e india. Su padre, John Divine Waymon, se dedicó durante un tiempo al mundo del espectáculo: cantaba, bailaba y tocaba la armónica, aunque cuando su familia empezó a ser numerosa, trabajó en una tintorería y como barbero para salir adelante. La madre, Mary Kate, tocó el piano para él en alguna ocasión, aunque luego se hizo ministra de la Iglesia metodista y rechazó todo lo que no fueran espirituales religiosos. Simone creció, pues, rodeada de música. En su hogar, todos los hermanos cantaban y tocaban algún instrumento, sin tomar clases ni tener siquiera conciencia de haber aprendido. Cuenta en su autobiografía que su primer recuerdo de la infancia es su madre cantando gospel, y que empezó a tocar el órgano que había en la casa tan pronto como creció lo suficiente como para sentarse en el banco y llegar al teclado. Nadie se dio cuenta hasta que un día su madre la vio tocando una de sus canciones favoritas: aún no había cumplido tres años. En 1939 tomó sus primeras clases formales de piano, y a los diez años dio su primer recital, en la librería local. Fue también su primera toma de contacto con el racismo: durante el mismo, sus padres fueron desalojados de la primera fila para acomodar a blancos. Esa experiencia del Sur segregado fue traumática para la pequeña Eunice. Más tarde declaró que fue el punto de partida de su compromiso en la lucha por los derechos civiles. A los diecisiete años, Simone se mudó a Filadelfia, en el estado de Pensilvania, donde dio clases de piano y acompañó a varios cantantes. Gracias al apoyo de varios patrocinadores, entre ellos su antiguo profesor de música, pudo estudiar piano en la prestigiosa Escuela de Música Juilliard en la ciudad de Nueva York, pero la falta de recursos le impidió alcanzar su sueño de convertirse en el primer pianista negro de concierto de los Estados Unidos. Más tarde se presentó a una prueba para estudiar piano en el Instituto Curtis, pero fue rechazada. Simone estaba convencida de que se la rechazó por ser negra. De Nueva York su familia

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se trasladó a Filadelfia, donde intentó conseguir una beca, pero fue rechazada también por el color de su piel. En 1954 apareció una oportunidad de trabajo en un bar de Atlantic City (localidad de Nueva Jersey que es algo así como el Las Vegas de la costa Este). El problema era que el dueño quería que cantara, mientras que Eunice tan sólo se presentaba como pianista. Ella improvisó una versión de “I loves you, Porgy”, de George Gershwin, con su característico timbre grave, y obtuvo el puesto. Fue en Atlantic City donde adoptó el nombre artístico que la daría a conocer mundialmente, Nina Simone: Nina (procedente en español de la palabra niña) por el alias que le había dado un novio, y Simone por la actriz francesa Simone Signoret a la que había visto en la película Casque d’or. Empezó a darse a conocer y, tras actuar en varios clubes de Filadelfia, logró un contrato discográfico con Bethlehem Records, en 1957.

Al año siguiente publicó su primer disco, “Jazz as played in an exclusive side street club” (también conocido como “Little girl blue”). Fue un éxito inmediato, y el sencillo escogido,”I loves you, Porgy”, vendió un millón de ejemplares en Estados Unidos en el verano de 1959. Curiosamente, jamás volvería a colocar otra canción en el Top-40 de Estados Unidos, lo cual no le impidió forjarse una audiencia fiel. Desde estos primeros registros, su repertorio se llenó de jazz, gospel, blues, soul, música clásica y canciones populares de origen diverso, recorriendo una gama muy amplia en su repertorio en una amalgama totalmente personal, cálida y de enorme expresividad.

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A continuación, Simone firmó un contrato con la poderosa Colpix (Columbia Pictures Records), con la que publicó diez discos en cinco años (seis en estudio y cuatro en directo), y varias canciones para bandas sonoras de películas de Columbia; entre ellas: “Wild is the wind”, “Sayonara” y “Samson and Delilah”. En 1961 contrajo matrimonio con Andy Stroud, detective de Nueva York que se convertiría en su mánager, y que aparecería como compositor en los créditos de varias canciones. Ambos tuvieron una hija, Lisa Celeste, en 1962 . Gracias a la notoriedad alcanzada con sus primeros trabajos, actúa en festivales y salas de importancia, como el Town Hall, el Carnegie Hall o el Newport Jazz Festival. En 1964 firmó otro contrato, esta vez con Philips, discográfica con la que publicó siete discos en tres años. De ese período destaca su clásico “Don’t let be me Misunderstood”, su versión de “I put a spell on you”, de Screaming Jay Hawkins, y su primera canción de protesta: “Mississippi goddam!” (‘¡Mississippi, maldita sea!’), furioso alegato contra varios estados del sur de Estados Unidos, inscrito en la lucha por los derechos civiles de los negros, que compuso en respuesta al asesinato de Medgar Evers y al ataque terrorista a la iglesia de Birmingham, Alabama, en 1963, por parte de supremacistas blancos y que se saldó con la muerte de cuatro niñas negras. Por entonces se la empezó a conocer como la Suma Sacerdotisa del Soul.

Posteriormente, en 1966, escribió una

canción sobre cuatro mujeres negras, “Four Women” cuya difusión fue prohibida por las radios. Finalizada su época en Philips, con la edición del álbum “High Priestess Of Soul” (uno de sus apodos) , firma por RCA Records, iniciando esta nueva época con “Nina Simone Sings The Blues” (1967), su mayor obra maestra. Entre 1966 y 1974 produjo, para la compañía RCA, algunos de sus mayores éxitos, como las versiones de “To love somebody” (Bee Gees), “Here Comes The Sun” (The Beatles/ George Harrison) y “Ain’t got no/I got life”, del musical Hair. Otro de sus clásicos, “To be young, gifted and black”, estaba inspirado por una pieza de teatro de su amiga Lorraine Hansberry, y fue grabado por Aretha Franklin en 1972.

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Estilísticamente, la palabra que mejor caracteriza a Nina Simone es eclecticismo. Su voz, con rango propio de una alto, se caracterizaba por su pasión, su breathiness (voz jadeante, sofocada, sin aliento) y su trémolo. La influencia de Duke Ellington es patente en toda su obra, pero muy especialmente en cierto tipo de composiciones rebosantes de improvisación y de cercanía espiritual. Nina logra la complicidad del oyente con un empleo intencional de los silencios y minimizando el acompañamiento. Cuando cantaba, efectuaba en ocasiones llamativas transiciones entre el susurro, el grito y el lamento, para intentar subrayar los estados de ánimo enunciados en las canciones.

En 1969 , tras el asesinato de Martin Luther King, decidió dejar de vivir en Estados Unidos, asqueada por el racismo de dicha sociedad . Por esa época se separó de su marido Stroud y Nina pasó a convertirse en su propia mánager, y a trabajar con su hermano Sam Waymon. Residió en Liberia cuatro años, y también en Barbados, Suiza, los Países Bajos, Trinidad y Gran Bretaña. Declaró en alguna ocasión que le gustaría morir en África, aunque finalmente eligió establecerse en Francia, con cuya cultura siempre se sintió ligada sentimentalmente: entre sus clásicos se encuentra una versión de “Ne me quitte pas”, de Jacques Brel.

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En 1978 fue brevemente arrestada por no declarar impuestos entre 1971 y 1973, en protesta por la guerra de Vietnam. Ese año publicó “Baltimore” y en 1982 “Fodder on my wings”, disco basado en su autoimpuesto «exilio», para un sello discográfico suizo, que se grabó en París con temas escritos y arreglados por ella, con su interpretación del piano y cantando en inglés y francés. Dos años después, su concierto en Ronnie Scott (Londres), es grabado, de modo que se conserva un emotivo documento visual que incluye al batería Paul Robinson. Cuando parecía destinada a convertirse en una vieja gloria sólo recordada por nostálgicos, un espectacular rebrote de fama le llegó de forma inesperada en 1987. “My baby just cares for me”, una vieja canción que aparecía en su primer disco, publicado hacía ya treinta años, se convirtió en el tema escogido para una campaña de publicidad del perfume Chanel Nº 5 para la televisión británica. Alcanzó el quinto puesto en las listas de ventas de Gran Bretaña.

El éxito en toda Europa la devolvió a la luz pública, y se prodigó en colaboraciones con artistas como Pete Townsend, Maria Bethânia o Miriam Makeba. En 1992 apareció su música en la película Point of no return, inspirada en su propia vida. Ese año publicó su autobiografía, titulada I put a spell on you, que fue inmediatamente traducida al francés, el alemán y el holandés. En 1993, año en que se instaló definitivamente en el sur de Francia, publicó su último álbum en estudio, “A single woman”, que contenía otro clásico de la canción francesa, “Il N’y A Pas D’amour Heureux”.

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Su actitud rebelde la acompañó siempre: incluso durante sus últimos años, su nombre apareció en varias ocasiones mezclado en reyertas de vecindario. Nunca se retiró del todo: en 1998 fue una de las invitadas de honor en la fiesta del 80° aniversario de Nelson Mandela. En 1999, tras recibir un premio por toda su carrera, cantó unos duetos con su hija Lisa Celeste en el Guinness Blues Festival de Dublín. Su última gira internacional data del 2000, año en que recibió numerosos reconocimientos en Estados Unidos a su carrera, entre ellos el Diamond Award for Excellence in Music, y la ciudadanía honorífica de Atlanta . Nina Simone falleció el 21 de abril del 2003 en su casa de Carry-le-Rouet, en el sur de Francia y siguiendo su deseo sus cenizas, fueron distribuidas por varios países africanos. Se anunció que su muerte fue por causas naturales y que llevaba tiempo sufriendo achaques, aunque no trascendieron más detalles. Más allá de sus virtudes artísticas, hay que destacar que Nina Simone fue una mujer con un compromiso social muy importante. Luchó incansablemente en contra del racismo y militó en el Movimiento por los Derechos Civiles. Este activismo lo puso de manifiesto en el escenario y en sus actividades públicas, pero también en su vida privada. Sobre su hondura emocional poco es lo que queda por agregar: su voz la manifiesta en cada canción.

Recopilado de la web

Enlaces de interés http://ninasimone.com/

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Discografía recomendada 1. 2. 3. 4. 5. 6. 7. 8. 9. 10. 11. 12. 13. 14.

Mood Indigo Don't Smoke in Bed He Needs Me Little Girl Blue Love Me or Leave Me My Baby Just Cares for Me Good Bait Plain Gold Ring You'll Never Walk Alone I Loves You, Porgy Central Park Blues He's Got The Whole World in His Hands For All Me Know African Mailman

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Black Swan Theme from “Samson and Delilah” If You Knew Theme from “Sayonara” (Instrumental) The Twelfth of Never Will I Find My Love Today The Other Woman/Cotton Eyed Joe

Little Girl Blue (1957)

Nina Simone at Carnegie Hall ( 1963) 1. 2. 3. 4. 5. 6. 7. 8. 9. 10. 11. 12.

I Put A Spell On You Tomorrow Is My Turn Ne Me Quitte Pass Marriage Is for Old Folks July Tree Gimme Some Feeling Good One September Day Blues on Purpose Beautiful Land You've Got To Learn Take Care of Business

I Put A Spell On You (1965)

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1. 2. 3. 4. 5. 6. 7. 8. 9. 10. 11. 12.

Don't You Pay Them No Mind I'm Gonna Leave You Brown Eyed Handsome Man Keeper of The Flame The Gal from Joe's Take Me to The Water I'm Going Back Home I Hold No Grudge Come Ye He Ain't Comin' Home No More Work Song I Love My Baby

High Priestess Of Soul (1966) 1. 2. 3. 4. 5. 6. 7. 8. 9. 10. 11. 12. 13.

Do I Move You? Day and Night In The Dark Real Real My Man's Gone Now Blacklash Blues I Want a Little Sugar in My Bowl Buck Since I Fell For You The House of The Rising Sun Blues For Mama Do I Move You? (Second Version) Whatever I Am (You Made Me)

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Suzanne Turn! Turn! Turn! (to everything there is a season) Revolution, pts 1& 2 To Love Somebody I Shall Be Released I Can't See Nobody Just Like Torn Thumb's Blues The Times They Are A-Changin'

Nina Simone Sings The Blues (1967)

To Love Somebody (1969)

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Seems I'm Never Tired Lovin' You Nobody's Fault But Mine I Think It's Going to Rain Today Everyone's Gone to The Moon Compensation Who Am I? Another Spring Human Touch I Get Along Without You Very Well (except sometimes) The Desperate Ones

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Here Comes The Sun Just Like a Woman O-o-h Child Mr. Bojangles New World Coming Angel of The Morning How Long Must I Wander? My Way

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A Single Woman Lonesome Cities If I Should Lose You The Folks Who Live On The Hill Love's Been Good To Me Papa, Can You Hear Me Il N'y A Pas D'amour Heureux Just Say I Love Him The More I See You Marry Me

Nina Simone and Piano! (1970)

Here Comes The Sun (1971)

A Single Woman (1993)

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J.D. McPherson

Con tan sólo un disco editado en solitario en el mercado, “Signs & Signifiers”, J.D. McPherson ha dado con la formula mágica del Rock'N'Roll, consiguiendo aquello a lo que aspiran revivalistas como Nick Curran, James Hunter o Darrel Higham. Su viaje en el tiempo no es ciencia- ficción, es real. El secreto está en Chicago, en el estudio de Hy- Stile Records. Allí, entre joyas perfectamente conservadas de la era analógica, hay una grabadora Reblant que ha hecho posible el prodigio. Y quien la maneja con manos expertas no es otro que Jimmy Sutton, oficiando como productor y contrabajista, junto al batería Alex Hall, que se ha encargado además de las mezclas. El auténtico sonido de los años 50 que ha obtenido no se parece a lo que estos dos músicos han hecho anteriormente en sus respectivos grupos Four Charms y The Modern Sounds, por lo que nadie puede dudar de que J.D. McPherson es quien dota de personalidad propia a esta atemporal obra maestra, confirmando así las mejores expectativas apuntadas en su etapa al frente de los Starkweather Boys.

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Corría el 2007 cuando el nombre de una banda de Tulsa, Oklahoma, empezaba a circular de boca en boca entre los amantes de los sonidos más seminales del rock and roll. Se hacían llamar The Starkweather Boys y su primer disco, “St. Archer Blues” era una auténtica muestra de cómo un estilo que tuvo su máximo esplendor entre los 40 y los 60 podía sonar tremendamente actual. Aunque, precisamente, lo que hacía diferente a la banda era la dificultad de los críticos para definir ese estilo. Y quizá el motivo no fuera más que la variedad de sonidos que hasta entonces habían practicado sus componentes. Jump Blues, Rockabilly, R&B primigenio, Western Swing, Smokehouse Blues, Hillbilly o Honky Tonk eran solo algunas de las etiquetas que les habían colocado en sus proyectos anteriores. Y en The Starkweather Boys esos cuatro chavales ataviados con tupés y patillas eran capaces de mezclarlo todo para conseguir una marca de la casa propia y totalmente innovadora que respetaba, eso sí, las señas de identidad de cualquiera de sus géneros favoritos.

Las críticas fueron excelentes. Parecía que se iban a comer el mundo. Pero, como tantas otras veces, no pasó nada. Las ventas no acompañaron y “St. Archer Blues” pasó a engrosar las estanterías de saldos de las tiendas de discos. Probablemente en una de esas pilas se encontró el disco Jimmy Sutton. O quizá no, porque el integrante de los reconocidos The Four Charms era un especialista de cualquier cosa que sonara cercano a los 50. De hecho sabemos que no fue así aunque no negaremos que hubiera sido bonito. Sutton conoció a la banda, curiosamente, gracias a las nuevas tecnologías. Un paseo por su Myspace acabó con

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Jimmy invitando a los chicos a tocar en unos cuantos garitos de los alrededores de su hogar, en Chicago. Cuando los vio en directo supo que allí había algo. Algo grande. Y por eso no dudó en invitar a su cantante J.D. McPherson a grabar unas cuantas maquetas en el estudio que había acabado de construir en su propia casa. Así es como los dos elementos claves de “Signs & Signifiers” se encuentran en un estudio. Por un lado un productor y contrabajista experimentado y de prestigio. Por otro, un cantante que no duda en afirmar que uno de sus discos favoritos es Raisin Hell de Run D.M.C, “los Bill Haley del hip hop”, en sus propias palabras, que combinaba en sus primeras bandas versiones de Buddy Holly con The Stooges, Ramones y Nirvana y que en una entrevista para Reviewsic cita entre sus influencias principales a Little Richard, Joe Strummer (The Clash) y Morrisey/Marr. El resultado, una bomba de relojería. McPherson enseña a Sutton el material en el que lleva trabajando desde hace tiempo en su Oklahoma natal y juntos, en Chicago, acaban de dar forma a “Signs & Signifiers”. Por eso, cuando se meten en el estudio están dispuestos a grabar un disco a dúo, con Alex Hall a los controles, pero rápidamente se dan cuenta de que el sonido de un trío clásico de rock and roll sería más adecuado. La búsqueda de un batería es innecesaria. Hall puede hacerlo y el disco empieza a coger forma. J.D. le pide a Jimmy sonar como los padres del invento y éste le promete intentarlo aunque persiguiendo unas gotas de originalidad. Y lo consigue. Porque “Signs & Signifiers” suena clásico y actual a la vez. McPherson está espléndido y cómodo. Comodísimo. “Signs & Signifiers” viene a ser la reivindicación de un sonido que aunque ya pase de la media década sigue resultando tan fresco y divertido como el primer día. Poco más de media hora les sirve a McPherson y sus socios para demostrar que el rock and roll si se hace con buen gusto no tiene fecha de caducidad.

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Su primer single “North Side Gal” es un pelotazo. Un tema atemporal. Fantástico. Lleno de energía. Como si una máquina del tiempo nos hubiera permitido llevarnos 60 años atrás los métodos de grabación actuales para combinarlos con los aparatos de aquella época. Contemporáneo y retro. Lleno de colaboraciones puntuales y escogidas con mimo. Scott Ligon (NRBQ) bordando los pianos. Jonathan Doyle (Nick Curran & The Lowlifes) y Josh Bell (The Del Moroccos) aportando los vientos necesarios. Y Susan Voelz (Alejandro Escovedo) y Allison Chesley (Helen Money) haciendo imprescindibles las cuerdas. y la Conceptualmente, el título del disco se refiere al verdadero significado del Rock'N'Roll, porque medio siglo después de su nacimiento ya va siendo hora de estudiar el fenómeno como se merece. El chico de Oklahoma no es ningún paleto, y se ve que ha estudiado semiología y a Roland Barthes. Musicalmente, el tema “Signs & Signifiers”, que da título al CD, es puro Bo Diddley. La influencia negrísima del Blues de Chicago flota en el ambiente, sobre todo en el homenaje a Howlin'Wolf “Wolf Teeth”, tema con el que cierra sus conciertos en directo, o también en “I Can't Complain”, que nos devuelve a Elmore James. Y de ahí a Little Richard, en quien se transforma JD

cuando

canta

“Fire

Bug”

o

“Scandalous”, de la misma manera que Jackie Wilson se apodera de su alma en el tremendo corte inicial “North Side Gal”. En “Scratching Circles” es el mismísimo Bunker Hill quien le posee, y en “A Gentle Awakening”, una balada para quitarse el sombrero con esos arreglos de piano y vientos, nada menos que Screamin'Jay Hawkins y los fantasmas de la inundada Nueva Orleans. El decálogo de composiciones de JD McPherson se completa con sendos pildorazos a lo Chuck Berry: “Dimes for Nickels” y “B.G.M.O.S.R.N.R.” A la pletórica docena se llega con dos únicas versiones, que son el

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“Country Boy” de Tini Kennedy y el “Your Love (All That I'm Missing)” de los Bellfuries de Joey Simeone, el único blanco entre tanta influencia negra. Está claro que la voz de JD McPherson tiene el color y la riqueza del petróleo. Vayas a la canción que vayas, te posee un efecto Martin McFly y los pantalones vaqueros vueltos, la gomina y el tupé, los Cadillac y ese otro mundo alejado y tan a la vuelta de la esquina que eran los barrios negros de casas de madera y chapa, de caminos sin asfaltar, de miseria, rabia y futuros quemados o encerrados en prisión que derivaban toda esa frustración social y vital en canciones crudas, de sangre caliente y sonidos a cuchillo. “Firebug” o “I Can't Complain” dejan claro su posición respecto de su mirada hacia ese horizonte eterno que es la música. Además de un gran disco de debut, J.D. Mpherson tiene un potente directo lo que le hace estar solicitado en la mayoría de festivales. En España estamos de suerte y a partir de Noviembre podremos disfrutar de sus conciertos en directo dentro de su tour : Jueves 10 de Noviembre – Madrid. Sala El Sol. Viernes 11 de Noviembre- Tomelloso. Sala Beat. Sábado 12 de Noviembre – Benidorm. Ubangi Stomp Festival. Domingo 13 de Noviembre- Hondarribia. Sala Psilocybenea. Lunes 14 de Noviembre – Liérganes. Sala Los Picos. Martes 15 de Noviembre – Santiago. Sala Capitol. Miércoles 16 de Noviembre – Gijón. The Monkey Club. Jueves 17 de Noviembre – Bilbao. Kafe Antzoki. Viernes 18 de Noviembre – Barcelona. Sala 2 de Apolo.

Recopilado de la web

Enlaces de interés http://www.jdmcpherson.com/ http://www.myspace.com/jdmcphersonhistyle

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Discografía con The Starkweather Boys

1.

Abigail Blue

2.

Slow Movin' Girl

3.

Little Mae

4.

Off His Leash

5.

Hard Time Gettin' Started

6.

Man Without Shame

7.

Bare Bones

8.

The Best Of You

9.

Straight Razor Baby

10. Archer St. Blues 11.

Rather Do It Alone

12.

True Fine Mama

Archer St. Blues (2.007)

Discografía en solitario

1.

North Side Gal

2.

Country Boy

3.

Fire Bug

4.

Signs & Signifiers

5.

Wolf Teeth

6.

Scratching Circles

7.

A Gentle Awakening

8.

Dimes For Nickels

9.

B.G.M.O.S.R.N.R.

10. I Can't Complain 11.

Your Love ( All That I'm Missing)

12. Scandalous

Signs & Signifiers (2.010)

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Cada vez que anuncio que la electrónica es mi estilo musical predilecto he de enfrentarme a miradas que combinan la incredulidad con el desprecio moderado. Una gran parte de la gente aún piensa que este sonido no es más que ruido de latas, lo asocian con un estilo de vida -el clubbing- y afirman que ni siquiera puede considerarse música. La pregunta, pues, es evidente: ¿Por qué tantos prejuicios hacia este género? Y aún más importante ¿Qué es la electrónica? La respuesta a la primera pregunta es simple: el desconocimiento del género provoca confusiones y equívocos. Responder a "Qué és la electrónica", sin embargo, es más complejo. En principio, el término "electrónica" debería aplicarse a cualquier tipo de música en la que se utilicen instrumentos electrónicos pero esta es una definición bajo la cual el abanico de géneros electrónicos sería demasiado amplio. Si quisieramos acotar más, tendríamos que fijarnos en aquellos estílos musicales que, por su sonido, forman parte de cualquiera de las múltiples subdivisiones de la música electrónica: synthpop, trip hop, techno, industrial... La lista de subgéneros parece no tener fin y, sin embargo, la opinión popular tiende a relacionar la música electrónica con un exclusivo sonido más cercano al techno -lo que muchos llaman despectivamente chumba chumba-. Así, opinan que la electrónica carece de originalidad y que no hace falta tener talento alguno para dedicarse a ella. Para combatir este tipo de opiniones tan negativas nada es más efectivo que dar un repaso a la historia del género. Más allá de los múltiples experimentos -cuya finalidad era más científica que artística- realizados desde principios de siglo XX, podríamos situar el nacimiento de la electrónica en un país concreto: Alemania. Podríamos hablar también de un nombre "Krautrock". Bajo esta etiqueta han pasado a la historia algunos de los grupos germanos que hacían rock progresivo y que empezaron a moverse hacía un sonido más electrónico, psicodélico y experimental. Todo esto a finales de los 60. Dentro de este grupo encontraríamos nombres como Can, Tangerine Dream, Neu! y los mal considerados pioneros de todo esto: Kraftwerk.

Los alemanes Kraftwerk

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Este giro de sonido se iría desarrollando también en bandas de otros países como Francia, Bélgica y especialmente en Japón durante toda la década de los 70 bajo el nombre de synth-rock. De este estilo, precedente directísimo y origen del synthpop, surgirían bandas importantes como los americanos Devo o los británicos The Human League y Ultravox. Con el desarrollo de la tecnología y una evolución natural del sonido, entramos de lleno en los ochenta, la década dorada de la música electrónica y personalmente, mi etapa preferida en cuanto a música se refiere. El género estrella de la época es el synthpop, un estilo músical que se caracteriza, como su nombre indica, por el uso de sintetizadores que en algunos casos llegaban a substituir a buena parte de los instrumentos tradicionales en un grupo. La hegemonía de la música electrónica en Europa en esta década es total: en el Reino Unido surge el New Romanticism que engloba a bandas tales como Visage, Duran Duran, Spandau Ballet, Culture Club...sin movernos de las islas británicas y con un sonido similar pero mucho más oscuro encontramos el post punk, herederos directos del movimiento punk y del krautrock a partes iguales. A esta corriente pertenecerían grupos como Joy Division, Bauhaus, The Teardrop Explodes, The Cure... muchos grupos de esa escena tendrían un contacto meramente anecdótico con la música electrónica, otros la incorporarían a su música como un elemento esencial, lo que está claro es que por entonces la influencia de este sonido era inevitable. Mientras esto sucedía en las Islas, otros países europeos bailaban al ritmo del Italo Dance, un ritmo que nacería en Italia y pronto se extendería a otros países como Alemanía, Holanda o Francia. Su característica principal, más allá del uso de sintetizadores, son los estribillos pegadizos -por influencia directa del pop-, un ritmo bailable y el uso del inglés como lengua predominante en todas las canciones. En España, a pesar de las dificultades impuestas por el régimen franquista, muchas de estas influencias extranjeras fueron calando y dejando su huella en algunos grupos musicales de la llamada Movida Madrileña. Entre todos, los que recogieron de manera más evidente el sonido electrónico que se movía por Europa fueron, por un lado, los madrileños Aviador Dro -creadores del sello DRO- y Metal y Ca. Ambas bandas cultivaban un sonido más oscuro y cercano a la escena alemana mientras que otros grupos bebieron de una influencia más británica. Con un sonido menos oscuro y más cercano al electropop, Alaska y Dinarama firmaron algunos de los mejores temas de electropop hechos en España. Volviendo de nuevo la vista a Europa, vemos como ya a finales de la década de los ochenta un nuevo sonido empieza a surgir. Tomando como base el italodisco pero derivando en algo definitivamente menos lírico y mucho más rápido, surgió el Eurodance. Bajo este nombre se agrupan diferentes estilos musicales como el House, Dance o el Drum and Bass. Si bien cada estilo tiene sus particuliaridades, algunas características de esta música serían los ritmos repetitivos y rápidos, las pocas variaciones rítmicas -exceptuando los momentos de clímax-, y las estructuras sencillas. Algunos estílos suelen ser prominentemente instrumentales mientras otros como el dance suelen tener melodía vocal. A diferencia de las décadas anteriores, la cara visible de esta escena no son tanto las bandas musicales sino los DJs -en solitario o en pareja-. De entre todos los nombres importantes del Eurodance merecen una especial mención los pertenecientes al llamado French Dance, país que desde entonces ha sido uno de los mayores exportadores de música electrónica: Daft Punk, Modjo, Stardust, Yelle, Bob Sinclar, M83...

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El dúo francés Daft Punk en concierto Otro foco importante dentro de la música electrónica bailable lo encontrariamos en Ibiza donde aún hoy se dan cita cada verano los mejores DJs del mundo -Carl Cox, DJ Tiesto, Paul Oakenfold, David Guetta- para pinchar dance con un toque diferente al que se escucha en el resto del mundo: hablamos del Balearic Sound. Con independencia al sonido ibicenco, en la década de los 90 otras dos corrientes electrónicas destacan en España: se trata por una parte del Techno Pop de grupos como OBK y del Bakalao que se escuchaba en discotecas valencianas como Barraca o Chocolate. En realidad éste último estilo -asociado a lo que se llamó la ruta del bakalao y a la cultura bakala- surgió a finales de los 80 y llegó hasta la mitad de la década de los 90. Si bien es cierto que ambas corrientes fueron bastante populares en su día, no han resistido bien al paso del tiempo y en opinión de quién escribe, son en buena parte responsables de la mala fama de que goza la música electrónica . Por fortuna, más allá de la música bailable y más industrial, la década de los 90 se guardaba aún un as bajo la manga. Si el Eurodance estaba asociado a los after-hours y las drogas de diseño , otro estilo más pausado y relajante triunfó en esta década. Para encontrar su origen tenemos que trasladarnos a una ciudad del sur de Inglaterra: Bristol. De su escena surgirían grupos como Portishead o Massive Attack, los cabecillas de un estilo, el Trip Hop, que combinaría la música electrónica con elementos de otros géneros -jazz, hip hop...dando lugar a un estilo pausado y melancólico totalmente opuesto a lo que entonces sonaba en las discotecas. Y entramos en el siglo XXI en el que, a día de hoy, la música electrónica goza de una salud envidiable en cuanto a calidad y productividad se refiere. El acceso masivo a las nuevas tecnologías y a internet y el cambio en la industria discográfica ha facilitado la proliferación de nuevas bandas y solistas que, con la simple ayuda de un ordenador, han podido lanzar al mundo sus proyectos musicales.

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En la actualidad algunos géneros electrónicos siguen vigentes con una recepción desigual por parte de críticos y público. El dance o nuevo eurodance, sigue estando en manos de las discográficas majors y sigue siendo el estílo más comercial dentro de la música electrónica. Un caso opuesto sería el del electropop que si bien durante muchos años se vió relegado al papel de subgénero underground poco a poco vuelve a ocupar un lugar importante dentro del panorama musical. Hace unos meses, sin ir más lejos, varios medios españoles alababan la explosión de creatividad musical que ha habido en los últimos años en la -autogestionada- escena musical chilena. La que parece erigirse como cabecilla de la escena de ese lejano país andino, Javiera Mena, ha conquistado a público y crítica con dos álbums de Electropop puro. Otros estilos también están en pleno revival, como sería el caso del Synthpop, en parte gracias a sellos como los norteamericános Italians do it better, responsales de algunos de los mejores temas de italodisco que han visto la luz en los últimos años. En estos años han aparecido otros géneros más o menos fugaces como el Chillwave o el Dub Step pero lo más importante sin duda es que la música electrónica ha sabido fusionarse con otros estílos (incluso con algunos aparentemente tan lejanos como el folk, véase el caso Idiot Glee) y lo que es más importante, aportar calidad a la escena musical. ¿Qué le queda por conseguir a la música electrònica? Pues, en mi humilde opinión, poco más que combatir esos prejuicios de los que hablaba al principio del artículo. Ni toda la música electrónica es repetitiva y machacona, ni carece de la emotividad y la profundidad de otros estílos. De hecho, si algo ha caracterizado este tipo de música desde sus inicios ha sido el afán de experimentación y la negativa -salvo algunas excepciones- a amoldarse a los gustos del público y las radiofórmulas masivas. La electrónica siempre ha buscado seguir su propio camino. Para acabar este artículo me gustaría recomendar algunos temas que ayudarán a entender la evolución de la música electrónica.

El dúo americano de italodisco Candy Glass

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1. Enola Gay de OMD 1980 2. Computer liebe, de Kraftwerk 1981 3. The voice de Ultravox 1981 4. Programa en espiral de Aviador Dro 1982 5. Sour times de Portishead 1994 6. Nadadora de Family 1994 7. Born Slippy de Underworld de 1995 8. Hey boy hey girl Chemical Brothers 1999 9. Such great heights de Postal Service 2003 10. Familiar Feeling de Moloko 2003 11. Cuando hablamos de Javiera Mena 2006 12. Rolling down the hills de Glass Candy 2007 13. Kim and Jesse de M83 2008 14. Deli de Delorean 2009 15. Beat and the pulse de Austra 2011

El sonido electr贸nico de los guipuzcoanos Delorean es, en la actualidad, imprescindible en cualquier festival internacional Ruby Woo

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¿Alta/baja autoestima? La moto que nos vendieron y  no podemos llevar  La  autoestima  es  un  concepto  que  tiene  mucha  importancia  en  nuestra  sociedad  (y  en  muchas  otras  sociedades occidentales). Está considerada para muchas  personas  como  algo  imprescindible,  un  objetivo  para  una  vida  sana  y  saludable…  y  se  vuelve  más  relevante  cuando se trata de obtener éxito.  Seguramente todo esto tiene que ver con ciertas “reglas  verbales”  que  se  transmiten  de  unos  a  otros,  por  ejemplo, cuando se dice:  “para tener éxito, tienes que tener confianza”   “sin no confías en ti mismo, ¿qué esperas conseguir?”  "La autoestima es un sentimiento basado en sentirse capaz y amado". ‐ Jack Canfield  "Existe una evidencia muy grande de que cuanto mayor sea nuestra autoestima vamos a poder  tratar mejor a los demás". Nathaniel Branden  Con  estas  frases  que  muchos  de  nosotros  habremos  escuchado  alguna  vez  se  transmite  una  idea:  confianza  =  éxito.  Y  no  sólo  eso;  nuestra  mente,  muy  inteligente,  llega  sola  a  la  conclusión de que: desconfianza = fracaso. ¡Así funciona nuestra mente! Y esto es en éste caso  porque  de  pequeños,  con  el  lenguaje,  aprendemos  palabras  y  con  ello  antónimos,  polos  (frío/calor,  bueno/malo,  amor/odio,  éxito/fracaso,  salud/enfermedad,  felicidad/infelicidad…)  Así, nuestra mente, nuestro cerebro,  puede catalogar más eficazmente todo lo que procesa y  ahorrarnos  energía  innecesaria.  Sí,  no hay  más  misterio,  nuestra  mente  funciona  bajo  la  ley  del mínimo esfuerzo.  Sin embargo, todas estas frases sólo son una regla verbal, es decir, no son una ley natural.  Una ley natural es una explicación causal que se cumple sí o sí. Por ejemplo, si dejo en el aire  una  manzana,  ¿qué  ocurrirá?  Efectivamente,  se  caerá  la  manzana  en  el  100%  de  los  casos.  Porque las leyes naturales funcionan siempre, sí o sí.  Si  realmente  fuera  verdad  lo  que  transmiten  esas  frases,  sería  imposible  tener  éxito  sin  confianza, y ¿quién no ha logrado resultados sin toda la seguridad y confianza de su lado?  Lo que quiero decir es que no tenemos que fiarnos siempre de los pensamientos y creencias  de las cuales se compone nuestra mente, o bien la mente social (sociedad). La relación entre el  éxito  o  el  fracaso  no  es  una  ley  natural  porque  hay  excepciones.  ¿Qué  es?  Una  regla  verbal  (cuando hablo de regla verbal me refiero a una cualidad humana, pues sólo nosotros tenemos  lenguaje y capacidad de razonamiento), una relación que para la mayoría de las personas tiene  sentido y lógica, y por ello lo aceptamos como cierto, sin embargo, aunque muchas veces se  cumpla… ¡no es una ley! 

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Ahora que sabemos que la confianza, aunque lo hace más cómodo, no es imprescindible para  el  camino  al  éxito  y  a  lograr  resultados…  vamos  a  empezar  a  cuestionar  ciertas  ideas  y  a  adentrarnos  en  lo  que  realmente  puede  ser  la  autoestima  y  qué  papel  juega  en  nuestras  vidas.  Para empezar, definamos qué es la autoestima. La gran mayoría diría: lo mucho que se quiere  una persona, la alta estima que se tiene.  Así,  asumimos  que  estimar  =  querer.  Pero  resulta  que  estimar  también  puede  significar  “medir”.  Entonces quedaría: la autoestima es la medida que hacemos de uno mismo. El juicio sobre la  información que tenemos de nosotros mismos.  ¿Qué información medimos, qué juzgamos? Aquí debo introducir otra palabra: autoconcepto.  Es  la  información  que  tenemos  sobre  nosotros  mismos.  Proviene  de  dos  fuentes:  lo  que  nos  digan los demás y cómo hayamos vivido hasta ese momento.  “Para  poder  tener  una  imagen  más  amplia  de  nosotros,  es  importante  tener  información  de  nuestras  capacidades en diferentes aspectos. Por eso, es necesario que nos pongamos a prueba. De ahí se puede  entender que la época del ciclo vital más relacionado con la autoestima sea la adolescencia, que es la  edad en la que la persona se pone a prueba descubriendo su capacidad de ejecución.  Para  conocernos,  es  necesario  que  nos  pongamos  a  prueba,  intentar  afrontar  situaciones  nuevas.  Cuando  lo  hagamos,  nuestro  autoconcepto  actual  influirá  en  la  manera  de  vivir  esa  situación/experiencia. ” (Miguel Ángel Manzano, 2010) 

Imaginemos  una  persona  que  tiene  que  afrontar  una  situación  nueva  que  nunca  ha  vivido,  ¿qué pensará?... ¿qué sentirá? … Lo más probable es que piense: “¿podré?”, y por tanto, sienta  incertidumbre.  Parece  bastante  lógico  entonces  tener  dudas,  ¿dónde  queda  la  necesidad  de  confianza  y  seguridad?  En  nuestra  sociedad  se  nos  enseña  a  evitar  las  emociones  y/o  pensamientos  desagradables y nos decimos cosas como “no te preocupes”, “todo irá bien”, “pero, ¿por qué  dudas  tanto?”.  Si  a  estos  mensajes  sumamos  los  de  filósofos,  pensadores  y  psicólogos  que  lanzan el mensaje de “la confianza es la clave del éxito”, no dejamos a la persona espacio para  sentir  emociones  tan  naturales  como  la  incertidumbre  o  la  duda.  Si  además  ha  recibido  a  lo  largo  de  su  vida  mensajes  que  le  lleven  a  pensar  que  no  es  capaz  y  que  el  fracaso  es  algo  terrible… ¿Qué hará esta persona cuando le proponga hacer algo nuevo? Al vivir la situación de  forma  tan  desagradable  y  temer  tanto  el  fracaso  y  verlo  como  probable  para  él/ella,  seguramente  evitará  la  situación  para  sentirse  más  aliviado.  Pero…  ¿Qué  probabilidad  tiene  una  persona  de  afrontar  con éxito una situación que evita? 0%.  “El  problema  es  que  cuando  no  hacemos  nada,  también  aprendemos.  Es  decir,  si  a  la  persona  que  ha  dejado  de  hacer  algo  porque  se  sentía  mal,  le  preguntamos  “¿por  qué  no  lo 

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hiciste?”;  probablemente  responderá:”porque  no  sé,  no  puedo”.  Y  estas  frases  (reglas  verbales)  irán  directas a nuestro autoconcepto condicionando la siguiente vez que tengamos que afrontar algo, y como  consecuencia en el futuro ya no sentiremos incertidumbre o duda, sino más bien, miedo y fracaso. Y así  sucesivamente, si se sigue evitando.” (Miguel Ángel Manzano, 2010) 

Si la persona decide afrontar la situación, existen dos caminos: con trampas o sin trampas.  Con trampas (amuletos, ir acompañado a un sitio, mirar cómo lo hace alguien primero, pedir  segunda opinión, etc) corremos el riesgo de atribuir a las “trampas” los resultados (“soy capaz  pero gracias a las trampas que he utilizado”). Esto puede hacer que un futuro no nos veamos  capaces de hacerlo sin estas trampas. Perdemos libertad.  Sin trampas, afrontando situaciones con  nuestros propios medios, podemos crear una idea de  nosotros  mismos  más  amplia  y  constructiva  y  de  esta  forma  también,  atribuirnos  los  resultados.  Ahora aparece un pensamiento: “¿Y si fracaso?”  Como diría un buen amigo y compañero de profesión: “Felicidades por fracasar y felicidades  por triunfar”. Después de haberlo probado te conoces mejor, sabrás qué puedes hacer y qué  no.  Podrás  descubrir  qué  capacidades  es  necesario  que  entrenen,  si  es  que  son  importantes  para ti. Si no afrontamos estas situaciones la probabilidad de éxito es del 0%, si lo intentamos,  como mínimo será mayor a 0.  No solemos hacernos cargo fácilmente de nuestros fracasos (aunque a corto plazo puede ser  desagradable,  a  largo  plazo  es  lo  contrario),  pero  estoy  convencida  de  que  llevamos  peor  (sobre  todo  a  largo  plazo,  aquí  se  invierten  los  papeles)  el  no  haber  intentado  vivir  o  experimentar aspectos esenciales de nuestra vida.  ¿Alta y/o baja autoestima? Prefiero hablar de autoestima ajustada/desajustada.  Analizando  lo  que  habitualmente  se  entiende  como “baja autoestima”, descubrimos que son  ideas/creencias/pensamientos  que  la  persona  tiene,  pero  más  fundamentadas  en  lo  que  intentó  que  en  fracasos  que  haya  experimentado realmente.  El conocimiento que tienes de ti debe nacer de  tu  propia  experiencia,  no  de  lo  que  digan  los  demás  ni  de  lo  que  nunca  intentaste,  en  ese  caso la autoestima sería desajustada.      Carolpsyco, sept 2011   

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Radio 3 es una emisora de radio española de ámbito nacional perteneciente a la

cadena pública Radio Nacional de España. Los contenidos de la cadena se centran fundamentalmente en la actualidad de los géneros musicales alejados del

mainstream y de las listas de éxitos, tales como el indie, el rock alternativo, la música electrónica o el hip hop. También cuenta con programas temáticos de

otras músicas que no tienen cabida en las radios comerciales, como la música folk

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española, el flamenco, las músicas del mundo, el jazz, el country, el blues, la música brasileña, el heavy metal, el punk o la new age. Además de la música, Radio 3 también cuenta con seriales de radioteatro y recoge las novedades de diferentes expresiones culturales: literatura, cine, teatro y artes plásticas, siempre destacando y apoyando las propuestas más innovadoras e inquietas de cada disciplina.

Radio 3 nació el 1 de julio de 1979 como una sección nocturna de El Tercer Programa. Tenía una duración de cinco horas semanales, a partir de las 22.00. En esta primera etapa, dirigida por Alfonso Gallego, ya estaban presentes muchas de

las señas de identidad que se mantendrían vigentes durante la historia de la emisora. En 1981 se creó una emisora propia de ámbito nacional ampliando los contenidos del período anterior.

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A principios de 1999 se crea la página web de Radio 3. La página, aparte de la parrilla y algunas direcciones de correo electrónico, contenía un foro y un chat. El

foro estaba alojado en Melodysoft y el chat estaba en Alemania, concretamente en el lander de spinchat a donde llegaron huyendo también de la publicidad que los servicios gratuitos se empeñan en introducir.

En otoño del 2000 se registra el canal #rne en la red de irc-hispano aunque se

mantuvo el enlace al "chat alemán" en la web de R3, además algunos locutores como Carlos Pina se animan a entrar de cuando en cuando en el canal mientras hacen su programa o retransmiten un concierto.

Hoy en día tienen una web de lo más completa, puedes oír la radio en directo o en

podcast, los programas tienen su blog y se encuentra presente en redes sociales como Twitter, Facebook o Foursquare.

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“Circus” Segundo single de “Dulce Hogar” :

El pasado 23 de Agosto en la web oficial nos anunciaban que la decisión estaba tomada y el nuevo single sería Circus:

“Tras algunos días de merecido y necesario descanso Virginia Labuat ha vuelto a la actividad. Esta semana se encuentra inmersa en el rodaje del videoclip del que será su segundo single extraído de "Dulce Hogar".Como ya sabréis "Circus" ha sido el tema escogido como 2do single y será presentado en las emisoras de toda España a partir del lunes 29 de agosto. Además se pondrá a la venta a mediados de septiembre (os indicaremos la fecha exacta en breve) un formato especial para iTunes que contendrá este single y una sorpresa que desvelaremos en unas semanas. Gracias por estar ahí, pronto más novedades!”

Y en una reciente entrevista para el programa Por Madrid con... de TQ Madrid , Virginia confirmó que estaban realizando en estos días el montaje del videoclip y que lo tendrían todo listo a finales de Septiembre.

AGENDA DE CONCIERTOS DE SEPTIEMBRE

Después de su minigira de conciertos por Londres, Virginia tendrá un mes de Septiembre muy ocupado en el que continuará ofreciendo conciertos por 51


el Norte después de haber actuado en la Sala Contrabajo de Vigo y en la Sala Be Bop Bar de San Sebastián.

Domingo 4 ----- StrongRoom Bar – Old Street (Londres) Lunes 5 ------ Lockside Lounge (Londres) Jueves 8 ----- Sala Rockstar (Bilbao) apertura de puertas a las 20:30 h Viernes 9 ------ Sala Nunca Jamás (Oviedo) a las 20:00 h Sábado 10 ---- Monkey Club (Gijón) a las 20:00 h Lunes 12 ------- Actuación en Murcia 40 POP Miércoles 14 ---- Sesiones acústicas en Cat and Mutton para la BBC 6 Music Radio Sábado 17 ----- La Casa del Loco (Zaragoza) a las 20:00 h Jueves 22 ---- Sala Cibeles (Almería) a las 20:00 h Sábado 24 ---- Sala Kharma (Jaén) a las 20:00 h Viernes 30 ----- Sol Café de San Fernando (Cádiz) a las 22:00 h

Fotografía de su minitour por Londres

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CIRCUS

Hace bastantes semanas que se instaló el debate entre los seguidores de Virginia Labuat acerca de cuál sería la mejor elección como segundo single de Dulce Hogar. Obviamente surgieron diversas opiniones (todas respetables, por supuesto), aunque, casi desde el primer momento parece que las preferencias del público quedaban divididas entre dos opciones sustancialmente distintas: “107 veces” y “Circus”. También la extraordinaria “Under my skin” era una de las favoritas de la gente, al igual que “I call your name” (otro prodigio de canción). Pero, como decía antes, enseguida la cuestión se polarizó en las dos opciones que mencionaba unas líneas más arriba.

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Respetando todas las posturas, yo me quedo sin ninguna duda con “Circus”. Creo que sería la elección perfecta por varios motivos. En primer lugar, me gustaría decir que “107 veces” me parece un tema muy bueno. Me gusta el ritmo de la canción, su estilo desenfadado y me encanta el estribillo. Por cierto, me parece que es una canción similar en el tono a otra que me gustaría reivindicar y que está incluida en el Rarezas y en la BSO del corto Muñecas (a ver cuándo podemos verlo): “Vuelve sin mí”. Me parecen canciones muy frescas que me recuerdan al estilo de los primeros discos de Joaquín Sabina (a los arreglos de Hilario Camacho para el Malas compañías o a la etapa de Viceversa). Algunas composiciones de Virginia tienen ese aire orquestal y festivo que recuerdan a la música de cabaret y que, a mi modo de ver, resulta de lo más original en un panorama musical tan rígido como el actual en España. Un toque clásico que, sin duda, le viene a Virginia de sus gustos musicales tan arraigados en décadas pasadas, pero también de su amplio rodaje en diversas bandas de Blues, Rockabilly, Folk, Jazz, etc. Y es que Virginia tiene una capacidad camaleónica de adaptar multitud de géneros y estilos al suyo propio (que lo tiene y que cada vez es más evidente). Dicho esto, “Circus” son palabras mayores… Para este temazo vale también todo lo apuntado en el párrafo anterior: es la canción más fresca, más descarada y con más aroma cabaretero de las que ha compuesto Virginia. También, en mi opinión, es la mejor letra que ha escrito hasta el momento. Es una mezcla de sensaciones que incita al que la escucha a participar inmediatamente del show. Eso es algo que sólo tienen las grandes canciones: te atrapa inmediatamente. Es divertida, musicalmente muy viva, con ritmo y se ajusta perfectamente a la capacidad de improvisación e interpretación de Virginia en el directo, porque produce esa conexión inmediata con el público (no en vano es, casi siempre, el tema más aplaudido por el respetable). Creo, además, que sería un tema muy sugestivo para las radiofórmulas (lo hemos dicho muchas veces: la calidad no tiene por qué estar reñida con la comercialidad, y “The time is now” es un ejemplo perfecto). Aunque, como cualquier otra canción que interpreta Virginia, sobresale de manera especial en el directo, escaparate perfecto y casi obligado para una artista de sus características. Con todo, lo que más me gusta de “Circus” es su originalidad. No se descubren habitualmente temas así, ni mucho menos. Y ese aura de distinción es la misma que envuelve a la fantástica “The time is now”. Creo que sería continuar por el mismo camino y apostar de forma coherente por la impronta musical que Virginia Labuat está tratando de

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fijar y que, para más inri, no deja de recibir halagos por parte de la propia industria y del público. Virginia está creando poco a poco una identidad, un sello, que merece la pena ser potenciado por la sencilla razón de que gusta. Gusta mucho. Julien

Fotograma extraído del video del nuevo single de Virginia Labuat: Circus

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CRÓNICA DE UNA NOCHE MÁGICA

Llevaba tiempo queriendo escuchar a Virginia en directo; es de esas cantantes que si les prestas atención son capaces de sacar tus sentimientos con una melodía y hacerlos como propios. Así lo hizo conmigo cuando tocó su última canción aquella noche improvisada de Julio, “I want to hold your hand” de The Beatles. Me enteré por casualidad y vía Twitter que tocaba aquella noche en las fiestas del “Orgullo” en Madrid en plena plaza de Callao, por lo que cogí mi cámara y me fui corriendo a fotografiar aquel momento. Durante el trayecto leí que algo no fue bien y se anulaba la actuación, pero la propia Virginia nos informaba que la trasladaba al mismísimo monumento de El Oso y el Madroño, en plena Puerta del Sol. Se trataba de algo intimo, un acústico solo apto para gente que sabe respetar y entender la música, sin grandes lujos ni exigencias, tan solo con su guitarra, medio descalza y su dulce hilo de voz interpretó un amplio repertorio, desde canciones de su ultimo álbum como “The time is now” pasando por el éxito “LaFlaca” de Pau Donés. Lo demás fue producto de la Magia, como se representa en las fotografías. Oscar Lafox

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Más fotos en: © Facebook Oscar Lafox

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SIEMPRE UTOPÍA 1. De turisteo Llegamos el viernes tarde-noche al

pueblo

de

Vejer

de

la

Frontera. Las cosas que tiene trabajar por la mañana y luego encontrarte

un

atasco

impresionante (atasco que no tiene razón de ser, pero de política hablaremos otro día). Encuadrado dentro de la Costa de la Luz, aunque hay que coger transporte para ir a la playa más cercana (Barbate, Zahara de los atunes o Los Caños de Meca), un sitio

muy

bonito

donde

ya

habíamos estado alguna vez. Cuando dejamos el coche y subíamos hacia el hotel nos encontramos con un cartel del concierto de Virginia, y el sábado nos encontramos con más carteles (el pueblo se halla a media hora de camino de Benalup). Supongo que estamos acostumbrados a la promoción de la anterior etapa, y estas cosas me sorprenden. El sábado tocaba playa. Y al tercer intento encontramos una fantástica. En el primer intento nulo un riachuelo (con pinta de agua estancada) cortaba la carretera, aunque como en las pelis de terror, había coches que llegaban hasta allí y no volvían... en el segundo intento nos encontramos con una playa de rocas y nada de arena.

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2. De reencuentros Si hay algo más hermoso que los viajes que realizas con esto de los conciertos, son las personas que vas conociendo y las amistades que se van creando. Tanto que se me haría muy extraño ir a un concierto y no coincidir con muchas de ellas. Otros son amigos de la infancia, que nos enteramos que a los dos nos gustaba la música de Virginia después de un concierto de Tito y Tarántula, y con el que me embarqué en esta historia hace algo de tiempo ya. Con otras coincidí en el último Costello (el de verdad, no el que se grabó para la tv) y creo que nos vimos por última vez en Clamores. Con otras (y otros) coincidimos en casi todos los conciertos y son ya como de la familia. Y no sólo seguidores. Miguel, el dueño de Utopía, reconoció a Casaca y estuvieron charlando un rato después del concierto. De hecho, una de las fotos que utiliza para la promo está sacada de sus videos. 3. De conciertos

Para los amantes de las cifras diré que el cupo de clientes habituales/ocasionales de hotel estuvo lleno. Sí se notó que el cupo de seguidores era menor que otras veces. Así que el número de espectadores fue bueno para la economía del hotel, y la calidad de los mismos

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fue buena para Virginia. Del concierto en sí me gustó mucho que la parte de Chano Robles fuera improvisada. Le preguntamos después del concierto y nos dijo que había visto algún video que otro en YouTube, pero que no conocía el disco. A mí me encanta que exista la posibilidad de que surja algo, y que se arriesgue. También tenía mucha curiosidad por saber cómo encajaría Virginia con un pianista tan distinto de Iñaki García. La impresión que me causaron fue buena, pero mucho mejor con el trombón. Está muy claro que los instrumentos de viento le van mucho a sus temas. Si esto queda como anécdota

o

fructifica

en

más

colaboraciones se verá con el tiempo. Para intentar ser lo más objetivo posible (ejem) tomo las palabras de mi amigo, que no la había visto desde la gira anterior, y muy poco los videos porque apenas tiene tiempo libre. Le gustó mucho y se sorprendió gratamente de la diferencia entre la Virginia de hoy, y el recuerdo que tenía de ella. Pensaba que con el peso del acústico sobre Virginia y su guitarra no iba a disfrutar como cuando está acompañada de piano o banda, pero se equivocó. Fede Todos los videos del concierto están disponibles en los canales de youtube de : fedenieko sedecrem555 Fotografías del concierto de Vikimaníaca.

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BLUES CAZORLA Otra vez en ruta a Cazorla... y van diecisiete.

Las seis de la mañana es una hora que sólo suena bluesera cuando aún no te has acostado, no cuando te acabas de levantar. Pero esa es la hora a la que acordamos, mi colega Jesús y yo, salir hacia Cazorla. Jesús lleva cuatro años queriendo saber lo que es el festival, pero, cuando no es por una cosa es por otra... Marcamos la ruta, tomamos un café -que aún no estaban los estómagos para recibir nada sólido y nos pusimos en marcha. Hasta Bailén todo fue autopista y música en el CD. Yo había preparado una lista del mejor blues de carretera, pero no me quedó tan bien como a Jack Nicholson en 'Mejor imposible'. No obstante, acompañó bastante bien el camino hasta aquel bar de carretera que también parecía salido de una película: uno de esos dramas sobre el declive de un garito desde que construyeron la autopista. Pero cuando nos cobraron doce euros por un desayuno que en Sevilla habría costado la mitad, llegué a pensar que tal vez por eso tuvieron que deshabilitar el enorme salón que antaño fue comedor y donde ahora solo comían las arañas.

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El desayuno mediomañanero empezó a hacer estragos en nuestro precario presupuesto, que, de hecho, nos obligó a conformarnos con dos de los tres días que dura el mejor festival de blues del reino. ¿El mejor del reino? Muchos de los aficionados entre los que suelo moverme, han decidido que esta edición del BluesCazorla no cumplía dicha premisa. En el cartel no había seis o siete primeros nombres, y casi todo el elenco estaba conformado por músicos poco conocidos, de esos que te lo tienes que currar un poco y buscar en Internet para saber cómo suenan. De golpe y porrazo, la sencillez y humildad propias del blues, desaparecieron para estos buenos aficionados, que prefirieron asistir a otros eventos donde actuaban artistas que, ironías de la vida, ya habían visto en anteriores ediciones de BluesCazorla. Vaya para ellos, devotos al blues de estrellas rutilantes, mi crónica de lo acontecido. CRÓNICA DE UN ÉXITO SIN ANUNCIAR Tras tomar posesión de nuestro piso y refrescarnos un poco, como dicen en las pelis finas, nos dispusimos estratégicamente en la Plaza de Santa María, entre el escenario y los bocatas del bar Picasso. A eso de las 13:00 horas, con inusual puntualidad, empezó el primer show. Cinco minutos más tarde, casi le doy la razón a los ausentes. Y es que, por BluesCazorla han pasado rock, rockabilly, soul, jazz, gospel, bluegrass y todo tipo de familiares del blues, más o menos legítimos. Pero la tal Cathy Claret es una francesa afincada en Barcelona que dice fusionar el flamenco con eso que ahora llaman indie. Aunque eso fuera verdad, que no lo es, ni el mayor de los esfuerzos sería suficiente para saber qué demonios tiene que ver eso con el blues. -Qué buen momento -masculló sabiamente Jesús- para comer algo antes de que empiece el blues. El programa anunciaba, para las 14:30, la actuación de Charlie Musselwhite en formato solista, pero, llegando la hora, en el escenario Gambrinus comenzó a sonar la prueba de sonido de una voz que me resultaba de lo más familiar. Me asomé al tablado y... "¡Coño, si es la Vicky!".

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Virginia Labuat, a quien todos esperábamos para el último día del escenario grande, se presentaba por sorpresa, acompañada por Iñaki, su fiel teclista y productor. Vicky era, a priori, una de las dudas que hicieron retroceder a los ausentes: que si no hace blues, que si es una triunfita... Nadie parecía querer recordar todas las veladas de blues que nos regaló en la extinta Casagrande. Pero la niña sorprendió con su repertorio, corto presagio de lo que tenía que venir, a base de blues, dixieland y algún que otro estándar del jazz, que hicieron que propios y extraños abandonaran la sombra de los árboles para pegarse al escenario. Gran éxito y merecidos aplausos.

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Y llegó Charlie. El viejo 'mejillón blanco' se presentó solo con una guitarra y su voz. La voz siempre fue lo único de Musselwhite que nunca me convenció, pero se ve que el tiempo ha teñido las cuerdas vocales de un tipo que hizo que termináramos con las nuestras rotas de tanto gritar: "¡qué grande el Musselwhite! ¡Y eso con la guitarra, ya verás con la armónica!"

Disfrutamos con Greg Izor & Box Kikers y su blues correcto, no como para descorchar champán, pero correcto. Greg Izor, recientemente admitido en las filas de la banda de Anson Funderburgh, es muy buen armonicista, capaz de brillar por sí mismo, pero más capaz aún con una banda apropiada a su alrededor. No es que los españoles King Bee sean mala banda, pero no creo que sea la apropiada. Como he dicho, correctos. Una buena ducha, un corto descanso y a seguir, que nos espera el escenario Paraíso Interior. Sigo diciendo que este escenario sería más paraíso si vendieran el innecesario equipo de luces y compraran un buen toldo, aún cuando este año no se han portado mal las temperaturas.

Abriendo el auditorio, los Chiken Congress. Parece que fue ayer cuando alucinábamos viendo a un chaval de nombre Tony Mill, en la inolvidable Terrera, compartiendo tablas con Otis Grand y Kirk Fletcher entre otros. Ya entonces, un jovencísimo Tony dejaba muestras de un feeling impropio de alguien de su edad. Ahora está embarcado en un proyecto repleto de sonidos británicos setenteros que cuando llegan al directo alcanzan niveles de macarreo decibélico. No obstante, muy buenos estos chicos del Congreso de Pollos. Era el turno de la única representación sevillana en BluesCazorla. ¡Pero qué representación! Paco Martínez al bajo, Manolo Vergne en la batería y, comandando el trío de lujo, el gran Lolo Ortega. Virtuosismo y sentimiento a partes iguales, Lolo demostró que se mueve igual de bien a ochocientas notas por minuto que con larguísimos y apasionados vendings. Su guitarra pudo haber provocado más de un incendio y su voz... Bueno, cantar nunca fue su fuerte, pero tiene un estilo, tanto cantando como escribiendo, que dice a gritos de donde viene. Magistral como siempre, pero como nunca porque, quienes dijeron aquello de que a Lolo podemos verlo en cualquier momento en Sevilla, no se imaginan cómo se creció en

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Cazorla.

Me habría quedado a ver a David Gwynn Band, pero no se puede abarcar todo. Además, con Lolo Ortega y Tony Mill, mis receptores sensoriales quedaron repletos y sin espacio. Mi piel pedía una segunda ducha, mis pies un rato de relax y la agenda apretaba como si le debiera dinero. En el Teatro de la Merced, Charlie Musselwhite contaba, entre otras cosas, los problemas que tuvo con los negros por querer hacer su música, y con los blancos por juntarse con los negros; hasta que un tal Muddy Waters le invitó a tocar con él. Siempre vino bien un buen padrino. La primera noche se presentaba imprevisible. Yo había escuchado cosas de Candie Kane en Internet. Cosas muy buenas, pero en directo siempre es diferente. En directo fue mucho mejor. A priori, la avalaban tres premios de la Fundación Nacional de Blues, pero no me fío de los premios. Nada más salir, sus credenciales fueron más que confirmadas con un show digno de las mejores. Honestidad, pasión, feeling a raudales por cada poro de su piel, y una voz... ¡Qué voz! Y una banda... ¡Qué banda! Sobre todo destacó esa mujer que escondía, tras su aspecto de vecina del barrio, a una de las mejores guitarristas que he visto en directo. No hay muchas buenas guitarristas, y las que hay, por lo general, no terminan de romper... ya sabéis... de arañar la patata, pero esta mujer hizo que mi vello pareciera querer escapar de mi cuerpo. Esto me ha quedado de lo más cursi. Bobby Rush no se ditinguió, precisamente, por su blues, que fue lo que menos hizo, pero este tipo no engaña a nadie. Todos sabíamos que de él podíamos esperar un show lleno de exhibicionismo, insinuaciones sexuales con sus bailarinas, brincos sobre las tablas y evoluciones acrobático-danzantes. Todo ello acompañado por una banda que no pasa de lo correcto, a excepción del guitarrista, que ni siquiera pasaba del número circense. A pesar de ello, fue un momento divertido. Lo pasamos bien. Unos gustan por lo que hacen y otros por cómo lo hacen. Sabiendo lo que esperar de cada cual, nadie tiene por qué defraudar. Después de Li' Ed llegó el turno de Nalle & His Crazy Ivans. Una banda con buena inspiración y ejecución correcta, pero con un repertorio casi de karaoke. La cama tiraba de mi cuerpo con mucha más insistencia que el rock'n'roll súper ensayado de estos señores

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que

llevan

desde

finales

de

los

cincuenta

haciendo

clásicos

de

otros.

Nota social: Entre la plaza de toros y el piso, qué bien sienta un buen kebab trasnochado en Santa María, para rebajar la ingesta de tinto de verano de ese que viene ya preparado en botellas de litro y medio, y que en el escenario Cruzcampo te cobran a casi tres euros. Ya se ha dicho en años anteriores: alguien debería controlar cómo se vende/tima en las barras de esos tendidos. Una cosa es que los precios sean altos, y otra muy distinta es que te cobren una chancla vieja a precio de mocasín. El último día de festival se presentaba prometedor. En el escenario Gambrinus, Plaza de Santa María, que para mí siempre será escenario Caledonia, tal como fue bautizado; un dúo del que tenía muy pocas referencias. Casi mejor así, sin saber muy bien lo que nos espera. Las sorpresas -buenas o malas- y la curiosidad que nos conduce a ellas, son lo que nos sacó de las cavernas. Smilling Jack & David Gwynn resultaron ser un magnífico dúo acústico del que nunca habría disfrutado si solo me hubiera guiado por el hecho de no ser súper conocidos. Dos guitarras acústicas y la voz de Smilling, nos invitaron a un agradable y evocador viaje por el blues del Delta del Mississippi, Memphis, el primer Chicago y hasta parte de Textas. Temas propios y un par de clásicos, como tiene que ser, ejecutados con un estilo genuino y sin concesiones. Sólo blues. De Edu Big Hands hay poco que decir que ya no se sepa. De Antonio Serrano, tres cuartos de lo mismo. La duda estaba en cómo sonarían juntos, una guitarra pantanosa y algodonera y un armonicista más conocido por el jazz de su cromática. No son pocos quienes dicen -él mismo lo dice- que Antonio Serrano no es un músico de blues. ¿No lo es? Pues no veas. Si lo llega a ser... La conjunción fue perfecta. Serrano agarró la diatónica y lió la de Dios es Cristo, con una mesura no falta de virtuosismo, dignas los mejores maestros del blues soplado. La guitarra de Edo chillaba blues, como sus cuerdas vocales, con la maestría a la que nos tiene acostumbrados, pero transmitiendo además la alegría de quien se siente tan genialmente acompañado.

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Y llegó el turno del inefable Predicador Ramírez. Blues en castellano bien escrito, bien interpretado, con fundamento y conocimiento de causa. Blues en castellano para reivindicar el hecho indiscutible de que, si el blues es sentimiento, nada como el idioma propio para expresar según qué sensaciones. Blues en castellano para que tanto integrista se entere de que es tan deseable como lícito hacer blues en el idioma más rico de Occidente. Blues en castellano acompañado por las teclas de un david Giorcelli en auténtico estado de gracia. Blues grande... y en castellano. Predicador repartió sus bendiciones, predicó con el ejemplo e hizo un apostolado que tuvo continuación y cumbre en el Teatro de la Merced, donde encabezó una conferencia que se convirtió en charla-coloquio. El tema, como no, el blues en castellano, adelantando los acontecimientos que llegarán en 2012, su año internacional. Así es y así será, amigos, para males de quienes se mal denominan puristas porque no saben ver más allá de convencionalismos lingüistas: 2012 será, con permiso del calendario Maya, Año Internacional del Blues en Castellano. Predicador Ramírez, presentado por Paco Sanjuán, leyó unas líneas a este respecto, tituladas, con su habitual dominio del lenguaje, "El blues en castellano como forma de entender el purismo". Argumentos inapelables, formas inmejorables y contenido esperanzador para quienes creíamos estar gritando en el desierto... ¡pero en castellano! Tanto Jesús como yo sentíamos la acuciante necesidad de descansar de tanta caminata. Necesidad

que

nos

llevó

de

nuevo

al

piso

por

la

ruta

habitual:

"Mira, una tienda abierta donde comprar pilas para la cámara. Mira, un puesto de helados. Mira, un cartel informativo del festival. ¿Qué pone?” Resulta que, como supimos después, la buena de Sharrie Williams, que tenía que actuar la última, no había tenido en cuenta que su avión salía de Madrid a las siete de la mañana. Se tuvo que cambiar el orden. La Williams actuaría abriendo el escenario, y lo cerraría Virginia Labuat. Sharrie posee una de esas voces que te cala hasta la médula, y un estilo digno de la mejor tradición soul y gospel, pero cuando se marcó algún blues nos dejó a todos boquiabiertos de admiración. La Willims, sabiéndose cantante de media fila, llegó a emocionarse, y hasta soltó unas lágrimas, con el primer aplauso recibido. “Disculpadme”, dijo, “pero es que nunca me habían aplaudido tanto”

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O era sincera o Hollywood se está perdiendo una gran actriz. The Holmes Brothers tiraron de galones. Se notan los años de dedicación, los miles de kilómetros de carretera y la dilatada experiencia de este trío familiar. Batería, guitarra y bajo, y el teclado que el guitarrista toca en un par de temas. Los tres cantan, unas veces como vocalistas y otras haciendo gala de un gran dominio de la armonía a tres voces. Una actuación emotiva, cargada de calidez y momentos bocílicos, y con indudable calidad vocal e instrumental. Y volvió a llegar Charlie. Musselwhite no ha perdido ni un ápice de fuerza, frescura y calidad, a pesar de los años. Hemos visto a otras leyendas vivas que, merced a un instrumento tan sacrificado físicamente como la armónica, están ya bastante cascados. Solemos ir a sus conciertos por aquello de ver a una leyenda viva antes de que deje de estarlo. No es el caso de Musselwhite. Nos ofreció uno de los mejores espectáculos de blues -y digo de blues- que he visto en mucho tiempo. Lleno de una vitalidad que para sí quisieran muchos jóvenes bluesmen. Charlie estuvo magistral, generoso, caballero de las tablas, sabio, conmovedor... Grande. Magistral porque no hay armonicista en el mundo al que no le gustaría recibir un par de sus lecciones. Generoso porque no escatimó ni un solo soplido, ni una nota, ni una frase, en pos del disfrute generalizado. Sin tacañerías. Sin usuras ni rebajas. Sin trampa ni cartón. Caballero de las tablas porque sabe cuando dejar paso a su guitarrista, retrocediendo incluso unos pasos para dejarle protagonismo, y sabiendo muy bien cuando tiene que dejar de soplar. Eso sí que deberían aprenderlo muchos de los armonicistas que conozco. Sabio porque Musselwhite no es sólo un bluesman. Es un estudioso de la armónica de blues. Escudriña y estudia cada rincón del abanico de posibilidades que ofrece su instrumento y lleva sus conclusiones al escenario -una vez más, Charlie generoso- para compartirlo con su público. Conmovedor porque es capaz de unir todo lo anteriormente referido, mezclarlo y elevarlo a un nivel en el que sólo se puede sentir. Con los ojos cerrados, abrí el resto de mis sentidos para escuchar el 'Cristo Redentor' con el que firmó el colofón perfecto para su show/clase magistral.

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En definitiva, grande Musselwhite. Solo él ya era motivo suficiente para ir a Cazorla. Aunque el resto hubiera sido reggaeton, habría valido la pena. Cuando Virginia Maestro -mi amiga Vicky- apareció en el escenario, algo en ella me parecía diferente. Ya no era la chiquilla que se dejaba caer por el tablaíllo de Casagrande, ni la que se jugó el tipo de OT (Operación Tufo). Vicky había crecido. Se hizo grande en las tablas y así se mostró, incluso en el enorme escenario Cruzcampo, en la plaza de toros de Cazorla. Supo elegir las canciones de su nuevo disco que más se acercan a la temática del festival. Swing, soul, dixieland... se apoderaron de un público que, en muchos casos, creían que tendrían que soportar un aburrido repertorio popero. Pero además, Vicky se atrevió con clásicos muy clásicos del blues, elevó a ritmo de boogie un medio tiempo de siempre como 'From four until late'; le echó lo que hay que echarle a 'Love me like a man', le puso encanto 'Mr. Sandman'... Y por si todo eso era poco, convirtió 'Girl' de los Beatles en todo un auténtico jazz-estándar.

La arropaban cuatro buenos músicos entre los que descato a Iñaki, capaz de que unas sevillanas suenen a blues si es él quien toca el piano.

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Virginia Labuat, nuestra Vicky, derrochó buen hacer, tablas y mucho blues... incluso cuando no era blues lo que cantaba. Lástima que no pudieron verla, porque no fueron, los dueños de las bocas que habría cerrado. Y esto fue todo en lo que al cartel se refiere. BluesCazorla 2011, decimoséptima edición del mejor festival del reino, ha terminado con un balance más que positivo en todos los aspecto excepto en los que no tienen importancia. Calidad por encima de la media, el ambiente de siempre, tonterías las necesarias y un pueblo, Cazorla, que sigue ofreciendo el mejor entorno. Cierto es que no todos los artistas ofrecieron lo que algunos llaman auténtico blues, pero, seamos sinceros y dejémonos de subterfugios: ¿Es blues lo que algunos hacen cuando se pierden en complicadas escalas de jazz? ¿Es blues cuando entre nota y nota de un solo no cabe ni el bigote de una gamba? ¿Hay más blues en 'Foxy Lady' que en 'Oh, happy day'? Lo malo de hablar es que nos obliga a ser coherentes con lo que decimos, y a mantener cierto nexo de unión entre nuestras palabras y nuestras acciones. En el fondo, no sé de qué me quejo. Debería esforzarme en recordar que, incluso moviéndome en círculos blueseros, sigo estando en la muy leal, invicta, mariana e inmovilista ciudad de Sevilla. Por favor, tengamos siempre en cuenta que se puede ser selecto en cuanto a gustos, sin caer en el elitismo de los esnobs que puede hacer que nuestra tierra deje de albergar el mejor festival de blues del reino.

Mención especial para la organización, cada vez más docta, y para nuestra veladora especial, la encargada de prensa, Lola, con sus habituales encanto y prestancia. El camino de vuelta lo pasé mitad dormido, mitad cavilando. No merece la pena escribir sobre ello.

Más fotos en www.facebook.com/terminal.blues

Lucky Tovar

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La noche del pasado viernes 12 de Agosto, Virginia Labuat ofreció uno de sus conciertos acústicos más especiales, tanto por el lugar dónde tuvo lugar, una azotea en el Hostal Oasis de Sevilla, como por el repertorio elegido para la ocasión: lo mejor de la edición especial de su disco Dulce Hogar y versiones de clásicos muy conocidos, entre ellos “The House of The Rising Sun” tema con el que abrió el concierto, esta vez sin la compañía de Iñaki García a los teclados. Se podría escribir una crónica sobre el concierto pero ya que tenemos la oportunidad, lo mejor es verlo en los canales de Youtube de: fedenieko sedecrem555

Fotografías de Vikimaníaca

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DE SEPTIEMBRE Y OCTUBRE Aaron Thomas Septiembre Viernes 09 – Sala Imagina Jardín Bar. Cádiz a las 22.00 h Jueves 15 – Sala El Búho Real. Madrid a las 21:30 h Sábado 17 – Concierto con banda en Festival POP. Lucena (Córdoba) a las 22:00 h Sábado 24 – La Lata de Bombillas. Zaragoza a las 21:30 h

Arizona Baby Septiembre Sábado 10 – Dos Bandas y un Destino- Festival Jóvenes Promesas Reinosa 2011 (Cantabria) a las 22:30 h Viernes 30 – Dos Bandas y un Destino – Sala Gazteszena. San Sebastián a las 22:00 h

Brand New Sinclairs Septiembre Sábado 24 – Ibu Hots. Álava a las 20:00 h

Cat People Septiembre Viernes 09 – South Pop Festival. Isla Cristina (Huelva) a las 22:00 h Octubre Sábado 15 – Sala Heineken. Madrid a las 21:00 h

Javier Ruibal Septiembre Miércoles 21 - Sala Galileo Galilei. Madrid a las 22:00 h Jueves 22 – Tetería Pachamama. Ciudad Real a las 19:00 h Viernes 23 – Fiestas de la Merced – Plaza de la Catedral. Barcelona a las 22:00 h Miércoles 28 – Live The Roof. Concierto acústico. Sevilla a las 22:00 h

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Jueves 29 – Live The Roof. Concierto acústico. Sevilla a las 22:00 h Octubre Sábado 01 – Sant Boi. Barcelona a las 19:00 h Martes 04 – Reales Alcázares. Sevilla a las 22:00 h Viernes 14 – Sala Kilómetro Cero. Las Palmas de Gran Canaria a las 21:00 h Sábado 15 - Sala Kilómetro Cero. Las Palmas de Gran Canaria a las 21:00 h

Javiera Mena Septiembre Viernes 16 – Sala Obbio. Sevilla a las 22:00 h Sábado 17 – Festival Ebrovisión. Burgos Viernes 30 – Le Club. A Coruña a las 22:00 h Octubre Sábado 01 – Café & Pop Torgal. Orense a las 22:30 h Miércoles 05 – Teatro Lara.Madrid a las 22:30 h

JC Brooks and the uptown sound Septiembre Miércoles 21 – Sala El Sol. Madrid a las 22:00 h Jueves 22 – La Casa del Loco. Zaragoza a las 22:00h Sábado 24 – El Loco. Valencia a las 22:00 h Miércoles 28 – Sala Capitol. Santiago de Compostela a las 22:00 h Viernes 30 – Sala Hell Dorado. Vitoria a las 22:00 h

Kitty, Daisy & Lewis Septiembre Viernes 30 – Sala Apolo. Barcelona a las 19:00 h Octubre Sábado 01 – Loco Club. Valencia a las 00:30 h Domingo 02 – Antzokia (Bilbao) a las 19:00 h Jueves 06 – Sala Joy Eslava. Madrid a las 19:00 h Viernes 07 - Industrial Copera. Granada a las 19:00 h Sábado 08 – Teatro Central. Sevilla a las 19:00 h

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Lori Meyers Septiembre Sábado 10 – B- Side Festival. Molina de Segura (Murcia) a las 19:00 h Viernes 16 – Festival Utopía. Córdoba a las 19:00 h Jueves 22 – Plaza de la Catedral. Oviedo a las 19:00 h Los Secretos Septiembre Miércoles 14 – Plaza de toros de San Agustín de Guadalix a las 22:00 h Jueves 15 – Pistas de atletismo “Fuente de la niña”. Guadalajara a las 23:00 h

Mäbu Septiembre Viernes 23 – Sala Karma. Pontevedra a las 22:00 h Sábado 24 – Sala Contrabajo. Vigo a las 23:00 h

Marwan Septiembre Viernes 16 – Atrium Viladecans. Barcelona a las 21:30 h Jueves 22 – Café Platino. Pontevedra a las 22:30 h Viernes 23 - Café Lanzos. Betanzos ( A Coruña) a las 22:00 h Octubre Sábado 22 – Presentación del nuevo disco en Joy Eslava.Madrid a las 20:30 h

Niños Mutantes Octubre Jueves 13 – Sala Rock Kitchen. Madrid a las 22:00 h. Concierto especial fin de gira 2010- 2011

Quique González Septiembre Sábado 24 – Teatro Liceo. Salamanca a las 21:00 h Octubre Viernes 07 – Teatre Joventut. L'Hospitalet de Llobregat a las 21:00 h

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Supersubmarina Septiembre Viernes 09 – Espacio Tyce. Guadalajara a las 22:00 h Viernes 17 – Festival Ebrovisión. Pabellón Municipal Miranda de Ebro (Burgos) a las 23:00 h

Susan Santos & The Papa's Red Band Septiembre Miércoles 21 – Torrelodones a las 22:00 h Martes 27 – Honky Tonk. Madrid a las 23:30 h Octubre Viernes 28 – Tempo Club. Madrid a las 22:00 h

The Bright Octubre Sábado 08 – Sala El Sol. Madrid a las 22:00 h Viernes 21 – Sala Matisse. Valencia a las 19:00 h

The Kooks Octubre Sábado 22 – Sala La Riviera. Madrid a las 21:00 h Domingo 23 – Sala Razzmatazz. Barcelona a las 19:00 h (apertura de puertas)

The Pepper Pots Septiembre Viernes 09 – Festes del Tura. Olot a las 22:00 h Sábado 10 – Festa Major de Sant Celoni (Barcelona) a las 23:00 h. Gratuito.

The Sweet Vandals Septiembre Sábado 10 – Slap Festival. Aragón a las 22:30 h Jueves 22 – Yecla. Murcia a las 22:00 h Octubre Sábado 01 – El Corral de las Cigüeñas. Cáceres a las 22:30 h Viernes 07 – Garcilaso Café. Toledo a las 22:30 h Sábado 08 – Sala Malandar. Sevilla a las 22:30 h

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Viernes 14 – Sala Babylon. Cuenca a las 22:00 h Sábado 15 – Sala Wah Wah. Valencia a las 19:00 h Jueves 20 – Sala Caracol. Madrid a las 21:30 h Sábado 22 – Boogaclub. Granada a las 23:00 h

Noviembre Viernes 04 – Le Club. A Coruña a las 19:00 h Sábado 05 – Sala Karma. Pontevedra a las 23:00 h

Tulsa Septiembre Martes 13 – Sala El Sol. Madrid a las 22:00 h

Wilco Noviembre Martes 01 – Teatro Circo Price. Madrid a las 21:00 h Miércoles 02 - Palau de la Música. Barcelona a las 20:00 h

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Muy personal

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LOS JARDINES JAPONESES

Tengo un especial cariño a Japón; cuando lo visité en el verano de 2006 quedé fascinada por su cultura, su filosofía de vida y su historia. Descubrí un país que se mueve desde la modernidad más absoluta a las tradiciones más ancestrales. Mi corazón está con ellos en estos momentos tan difíciles, y por eso les quiero rendir un recuerdo emocionado hablando sobre una de sus tradiciones más queridas, sus maravillosos jardines.

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El desarrollo de la jardinería siempre ha indicado el nivel cultural de una sociedad; cuanto más avanzada esté, más tiempo puede dedicar al fomento de las artes, incluyendo el cultivo de plantas y la creación de jardines. De todo esto sabe mucho la cultura japonesa. El pueblo japonés desarrolló tardíamente la horticultura y la jardinería si lo comparamos con otras civilizaciones como la china o la india. Aunque la religión autóctona, el sintoísmo, influyó en los conceptos primitivos de la jardinería japonesa, sus bases y diseños los han importado en gran parte de la cultura y tradición china.

La civilización china tuvo una fuerte influencia en el pueblo japonés durante más de un milenio, ya que en aquella época China estaba mucho más avanzada culturalmente. Durante el periodo Muromachi que abarca desde 1336 hasta 1573, Japón inicia un intercambio cultural con la China de la dinastía Ming. Importan de este país un rico legado que repercute en todos los ámbitos de la sociedad japonesa, incluidos sus jardines. Esta influencia también tuvo su repercusión en la mayoría de las artes, como la arquitectura japonesa, la pintura sumí, la literatura, la poesía, la caligrafía, la cerámica, el arte del bonsái y hasta en la ceremonia del té, cuya planta introdujeron en Japón los monjes budistas de China. Históricamente se sabe que el pueblo japonés jamás ha dudado en introducir en su forma de vida cualquier influencia cultural de otros países que haya encontrado atractiva y que la considere enriquecedora para su propia ilustración.

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La religión budista, concretamente el budismo zen importado también de China, tuvo una gran influencia en el diseño de los jardines en Japón. Los japoneses quedaron fascinados por la corriente zen del budismo chino, que les supuso un vuelco cultural y la adaptaron a su forma de vida dotándola de su propio estilo personal. La estética de los jardines zen es singular, tanto en su concepto como en su diseño. Los jardines japoneses tratan de conseguir la armonía con el universo y por tanto reproducen la hermosura de la naturaleza de una manera que es única en el mundo. En el diseño de sus jardines zen tratan de reflejar cualquier paisaje de la naturaleza para después plasmarlo normalmente en un espacio acotado, de manera exquisita, elegante y sutil, gracias a la combinación de estos básicos elementos: rocas, grava, plantas y agua.

En el diseño de los jardines japoneses, además del budismo zen, también influyó mucho su religión autóctona. El sintoísmo infundió a la población japonesa la noción de que todo en la naturaleza es sagrado, desde los árboles y las plantas hasta los objetos inanimados como las rocas. Les enseña que el hombre no estaría completo si no se sintiera hermano del agua, las plantas o las rocas. Por eso el pueblo japonés muestra su veneración y respeto hacia árboles muy ancianos, así como hacia cualquier cosa en la naturaleza que esté fuera de lo común y que inspire su admiración.

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Esa veneración que demuestran por sus árboles queda de manifiesto en el festival Hamani que se celebra todos años en primavera. Este festival se remonta al periodo Nara entre los años 710-794 d.C., y consiste en celebrar la floración de los sakura o cerezos. Es una tradición muy querida y que aún perdura en nuestros días. La floración de los cerezos anuncia el comienzo de la primavera. En esta época era el momento de plantar el arroz y se organizaban fiestas en todos los pueblos. La gente se reunía alrededor de los cerezos y hacía ofrendas a sus dioses pues consideraban que dentro de este árbol mágico para ellos, habitan los espíritus. La costumbre se extendió rápidamente y caló dentro de la cultura Samurai, que adoptó la flor del cerezo como emblema, ya que su vida llena de luchas era tan efímera como la de las propias flores. En la actualidad se sigue celebrando la fiesta y es normal ver a familias enteras haciendo fotos a los sakura o meditando el significado de la naturaleza a la sombra de los cerezos en flor.

Cuando viajas por Japón es normal encontrar árboles y rocas adornados con guirnaldas o cintas de colores en un acto de culto y veneración. A los profanos en la religión sintoísta, nos puede resultar extraño, pero en realidad el sintoísmo lo que quiere demostrar con estos adornos u ofrendas es el agradecimiento y veneración de los humanos hacia el ser supremo o espíritu superior por haber sido capaz de crear estos objetos tan bellos. El sintoísmo considera que todo en la naturaleza está en consonancia con sus espíritus. Por ejemplo, el uso de la grava blanca en los jardines zen de los templos tiene su origen en las

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antiguas creencias religiosas de reservar estas zonas como áreas sagradas en los bosques o praderas para que las pudieran visitar los dioses y descansar en ellas. Estos trozos de tierra se mantenían limpios de cualquier planta y se blanqueaban con el fin de atraer la atención de los espíritus. Todas estas creencias han desempeñado un papel fundamental en el diseño de la jardinería japonesa a lo largo de la historia. Cualquier jardín japonés es mucho más que un conjunto de rocas y plantas. Aunque esos elementos físicos que componen el jardín son importantes, lo que realmente hace que estos jardines sean únicos y los distingue de cualquier otro, es la creencia de ese espíritu incorpóreo que vive en ellos.

Si los jardines japoneses en general son una gran incógnita a la hora de comprenderlos, los jardines secos zen son una auténtica y bella adivinanza. Se les conoce también como los “jardines del vacío”. No son jardines en el sentido estricto de la palabra, sino más bien sublimes obras de arte. Se tardaría una eternidad en descifrar por qué un jardín que no tiene más que unas cuantas rocas desnudas colocadas en medio de una parcela de grava rastrillada hechiza tanto al observador, dejándole embelesado y transmitiéndole una tranquilidad y una serenidad absoluta.

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Para poder comprender el significado más profundo de los jardines zen es necesario remontarnos a su origen y analizar el contexto histórico donde nacen.

La religión y cultura budista desempeñaron un papel fundamental en su evolución. El estilo de los jardines zen se desarrolló durante un periodo de la historia de Japón, en la que las prácticas culturales asociadas al budismo tenían una influencia notable sobre el arte japonés en su conjunto. Aunque existen muchas corrientes del budismo, tendríamos que adentrarnos un poco en sus creencias básicas para que nos ayudara a entender el desarrollo del jardín zen. El budismo llegó a Japón casi un milenio después de que Siddhartha Gautama Buda fundara esta religión en India sobre el año 500 a.C. Desde India se extendió a China y desde allí a Corea y Japón. Los principios fundamentales del budismo están basados en que el sufrimiento en el mundo está causado por el deseo y el apego a las cosas materiales. Solo a través de vivir sencillamente y dejando atrás nuestro ego se puede llegar a la iluminación y al nirvana, es decir un estado de conciencia superior. El nirvana puede lograrse a través de la meditación y deshaciéndonos por ejemplo de los vicios capitales como la avaricia, la envidia, las pasiones y demás faltas humanas. Cuando se alcanza este estado de iluminación, se pueden dejar a un lado todas las frivolidades de la vida para centrarte en las cosas que realmente importan.

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El budismo es un camino de crecimiento interior, una filosofía integral de vida que nos ayuda a descubrir nuestro potencial para experimentar la armonía y plenitud que nos corresponde por naturaleza. El budismo zen, o más concretamente, el “zazen” que es el budismo meditativo, es una derivación de la palabra china “chunn o chaan” que significa meditar. A pesar que esta corriente de budismo llegó a Japón sobre el año 700, no empezó a influir en la forma de vida japonesa hasta el siglo XII. Fue una combinación fortuita de circunstancias sociopolíticas y religiosas las que impulsaron el budismo zen al estatuto privilegiado de religión de la clase gobernante, que era la clase guerrera en aquella época, es decir los Samurais. La idea común que comparten todas las ramas dentro del budismo zen es que la autoiluminación se consigue a través de una vida disciplinada, la autoenseñanza y la meditación. No es de extrañar que estos nobles ideales influyeran en la clase guerrera gobernante, dentro de la cual estaban los Samurais. Esta manera de concebir la vida basándose en la sencillez y la frugalidad, la valentía y la integridad, encajaba a la perfección con los ideales de estos guerreros de élite.

Los Shogun que en aquella época era la clase dirigente en Japón no eran unos luchadores analfabetos, sino más bien todo lo contrario. Sus guerreros, los Samurais eran gente de un nivel cultural alto y grandes admiradores de las bellas artes de China. Durante varios siglos se establece un intercambio cultural muy importante con China y los Shogun aprenden de

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primera mano de los monjes chinos la doctrina del budismo zen y las artes de esta antigua civilización. El budismo zen arraigó fuertemente en el Japón feudal de esa época, y ofreció a sus guerreros un refugio para evadirse de la violencia de la guerra a través de la meditación, así mismo educó a artistas, poetas y escritores que crearon modelos de vida inspirados en los principios del budismo zen. Dentro de esta clase social se desarrolló una sensibilidad artística muy refinada y sofisticada que combinada con su forma de vida sobria, evolucionó para convertirse en el característico estilo zen japonés.

Se empezaron a construir jardines minimalistas, sencillos, ordenados y reducidos a lo imprescindible. En su diseño se desechaban todos los adornos innecesarios, dejando solo al descubierto lo importante. Todos estos jardines están en línea con la filosofía y la fuerza interior que desarrollan todos los practicantes de la religión zen y reflejaban sus creencias religiosas y su manera de concebir la vida. El jardín zen está pensado para favorecer la meditación, por eso precisamente todos los jardines de rocas y grava creados por los monjes zen desbordan calma y serenidad, y a pesar de transmitir una sensación de elaborada informalidad, su aspecto es siempre inmaculado. Realmente el diseño de un jardín zen se basa en estas siete características: Asimetría, Simplicidad, Austeridad, Naturalidad, Refinada Profundidad, Serenidad y Paz. En los jardines zen el simbolismo es muy importante. Las rocas de un jardín seco evocan a las montañas de la pintura de tinta china y su composición recuerda a la pintura Sung. En esta

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clase de jardín el agua, las rocas y las plantas están representadas de manera simbólica. El agua está representada por la grava rastrillada y las plantas por el musgo que rodea a las rocas. En un sentido más amplio, las rocas representan montañas o islas y la grava, el mar. Para apreciar un jardín japonés en su totalidad es necesario comprender el arte de la filosofía de la que nace, ya que detrás hay mucho más de lo que a simple vista se percibe. Como en cualquier expresión artística, la jardinería está influenciada por el contexto en el que ha evolucionado. La historia del país, su cultura, la estructura social y la religión son los factores clave que han dado forma al desarrollo de los jardines japoneses tal y como los conocemos hoy en día.

Bajo mi punto de vista los jardines zen más bonitos que visité en Japón se encuentran en Kioto. No todos los jardines zen de esta ciudad son jardines secos, de hecho la mayoría cuentan con preciosas plantas, árboles, estanques, rocas, musgo y delicados edificios para visitar. Todos los jardines zen que pude admirar estaban dentro de complejos religiosos o de monasterios y cada complejo puede abarcar varios jardines individuales.

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Los más conocidos son el jardín Daisen-in creado en el año 1509 y ubicado dentro del complejo religioso Daitoku-ji. El Tofoku-in en el sudoeste de la ciudad con su famoso tablero de ajedrez de musgo y granito. El Ryoan-ji conocido por el jardín de las quince piedras. Y el Kinkaku-ji construido en el año 1397 también conocido como el Pabellón Dorado. Este pabellón fue destruido totalmente en un incendio provocado por un monje con sus facultades mentales mermadas en el año 1950 y vuelto a construir en el año 1955. Todos estos monasterios y sus jardines están considerados Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO.

Sería imposible describir en detalle todos estos maravillosos templos y jardines. Contemplar y admirar un jardín japonés es una de las cosas más placenteras que puede hacer un ser humano y verlos en persona es a lo que todo entusiasta del jardín zen japonés debería aspirar. La pureza del ambiente que les rodea, el sosiego que transmiten, la tranquilidad y la energía que emanan los jardines zen de Japón no se puede comparar con nada.

By Foster

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Taki no oto wa

Ces贸 hace mucho

Taete hisashiku

el son de la cascada

Narinuredo

resuelto en nada

Na koso nagarete

pero su nombre fluye

Nao kikoe kere

y no deja de o铆rse

Nota: Las fotos son propiedad del autor.

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JAZZMAESTRO #10