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Super 8

No 8

abril 1


Contenido En portada: Pelé en el cine

Editorial

El cine también se escucha: Carlinhos Brown

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Del papel a la pantalla: Doña Flor y sus dos maridos

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Tesoros fílmicos: Madame Sata

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La mente maestra: Jorge Amado

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Maestros del documental: Santiago

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El extra: Ciudad de Dios

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Había una vez: Historia del cine brasileño

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Top Five: Las cinco películas de Pelé

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En cartelera

El mundo del cine es una industria cerrada, que tal como la cultura o el espectáculo en general, en muchas ocasiones bloquea la entrada para personas que cuentan con un talento excepcional; pero no con suficientes contactos para costear el precio de entrada a los grandes escalafones cinematográficos. El talento queda en segundo plano, justo detrás de las influencias. Hollywood es un monstruo comercial que ha terminado por devorar los esfuerzos de las pequeñas empresas de cine alrededor del mundo. Ni siquiera la industria europea ha podido superar los recursos de sus producciones. Es por ello que el cine sufre una fuga de cerebros que prefieren invertir su talento en Estados Unidos que intentar luchar con los escasos recursos que sus países brindan a la cultura, pero sobre todo a la cinematografía. El cine latinoamericano es una de las industrias que más padece de carencias y que al mismo tiempo cuenta con una cantidad asombrosa de directores, guionistas, fotógrafos, actores, etcétera, que pese a contar con talento suficiente se ven limitados por las circunstancias. Brasil, tierra de futbol; pero también tierra de contrastes, carnavales, cabarets, algarabía y por supuesto de cine, a largo de su historia se ha caracterizado por realizar retratos vívidos de la realidad circundante. Sin embargo, pese a la calidad de la tarea que realizan, el cine brasileño continúa siendo local en gran medida. Pero, siempre existen personajes que dejan de lado los pretextos y las quejas y logran consumar trabajos de asombrosa calidad. Es por eso que este número de Super 8 esta dedicado precisamente a una serie de artistas, que con su talento en distintos campos, han contribuido a engrandecer el nombre del cine y también el de Brasil.

Super 8 Número 8 Editor: Azucena Mecalco Redactores: Evelin Montiel, @amaury1984 Arte y Diseño: Evelin Montiel, Azucena Mecalco Diseño Web: Evelin Montiel México Distrito Federal 1 de abril de 2013


Carlinhos Brown, Por Evelin Montiel

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Carlinhos Brown pronto se convirtió en cantante, compositor e instrumentista de nivel internacional. Su nombre es un ícono de la música brasileña gracias a la mezcla de ritmos afro-brasileños y del género pop, en los que logró innovar la música de Brasil.

Fue a mediados de los años 60 cuando una generación de jóvenes empezó a experimentar con nuevos ritmos tropicales que más tarde dieron lugar al entonces polémico género Tropicalismo.

Su participación en los escenarios brasileños resultó en una numerosa lista de producciones discográficas con las que logró obtener tres premios Grammy Latino. Sin embargo, el verdadero reconocimiento a nivel mundial lo obtuvo gracias a su participación en la cinta documental El milagro de Candeal, para la cual compuso la mayoría de la banda sonora, además de tener una participación especial el filme.

Influenciado por sus padres en el mundo del Tropicalismo y otros ritmos, el joven Antonio Carlos pronto empezó a incursionar el mundo de la música, en donde decidió cambiar su nombre por el de Carlinhos Brown en un homenaje a H. Rap Brown, militante del movimiento Pantera Negra.

El milagro de Candeal, dirigida por Fernando Trueba, es la historia del viaje de Bebo Valdés a Salvador de Bahía (Brasil), para explorar las raíces afro-brasileñas. De esta forma se integra a Carlinhos Brown al viaje de Bebo Valdés, y junto con los músicos de Candeal, terminan siendo los protago-

i por algo se conoce Brasil es sin duda por su música y sus ritmos tropicales, que al sonar contagian de alegría y de ganas de bailar a cualquiera. Así que no es de extrañarse que se precisamente Brasil el país que haya dado al mundo uno de los mejores músicos y compositores que se haya conocido en estos ritmos.

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el sonido de Brasil nistas de este filme en el que se conocen las costumbres y la vida diaria de los habitantes de la localidad, así como los proyectos sociales que realizan a través de la música. El documental fue acreedor a numerosas nominaciones y galardones por parte de la crítica cinematográfica, dentro de ellos se incluye un premio Goya por mejor canción original, el cual recayó en  Zambie mameto, compuesta por Carlinhos y que está incluida en el documental y en el citado disco. Al recibir el Goya, la cinta fue reconocida como mejor “musical social”. Años después, Carlinhos sería invitado a participar en la composición de numerosas piezas para televisión y otras tantas para el cine. Dentro de las bandas sonoras destacan Rápidos y furiosos 5, Speed 2: Cruise control, Porto dos milagres, Río y más recientemente en Capitanes de arena. Esta última corresponde a una producción brasileña de la nieta de Jorge Amado, quien

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llevó una de las obras de su abuelo al cine en el marco del centenario de su nacimiento. Sin embargo, la producción que le acarreó mayor fama y reconocimiento fue su participación en la banda sonora para la película animada Río, con el tema Real in Rio, por la cual obtuvo una nominación en los premios Óscar. En Río logró impregnar la esencia de la fiesta que es Brasil, y sobre todo de su talento musical. Sin duda quien lo ha escuchado no puede resistir las ganas de bailar ante tanta algarabía musical. Carlinhos se ha convertido en sinónimo de la inventiva artística de Brasil, sus composiciones y sus ritmos han recorrido el mundo entero, revelado su talento y su amor por la música y sus orígenes.

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DEL PAPEL a la pantalla

DOÑA FLOR Y SUS DOS MARIDOS ENTRE LA SATISFACCIÓN Y EL CONFORT Por Azucena Mecalco

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n cuanto a directores de cine se ha visto de todo. Algunos que empiezan a rodar por una serie de casualidades que podrían incluso denominarse destino. Otros que van abriéndose camino poco a poco, y otros más que se avocan al ámbito cinematográfico casi desde que empiezan a caminar.

Este último es el caso de Bruno Barreto, director brasileño que comenzó su carrera a los 17 años, y quien se dio a conocer a la corta edad de 21 años con su entretenida comedia Doña Flor y sus dos maridos (Dona Flor e seus dois maridos, 1976). Protagonizada por Sônia Braga, José Wilker y Mauro Mendonça, la película basada en el libro de Jorge Amado es una excelente y divertida adaptación.

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La vida de la hermosa cocinera a lado de su sexy marido había sido una larga tortura debido a que Valdomiro era un vividor, adicto a los juegos y a las mujeres. Lo cual mantenía a Doña Flor sumergida en un mundo de inseguridad y depresión, que sin embargo, compensaba nada menos que con el sexo, pues con todo y sus múltiples defectos, Valdomiro era un excelente amante.

joven y hermosa mujer que pierde a su marido, Valdomiro, durante los días de carnaval.

Así, tras la muerte de su esposo, todos miran a la joven y desconsolada mujer sin saber muy bien qué es lo que extraña de su vida con el difunto, pero en los momentos de soledad, cuando su cuerpo reclama la presencia de Valdomiro, ella sabe muy bien qué es lo que anhela.

Sin embargo, como en muchos matrimonios, detrás de la his-

Con el paso del tiempo, Doña Flor logra reponerse a la pérdida y co

La historia versa alrededor de Floripides Guimaraes, o Doña Flor, (no podría ser de otra forma) una

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toria de amor de Doña Flor y Valdomiro, se esconde una segunda cara.


mienza a salir con el farmacéutico, un hombre serio, formal, con múltiples talentos y una obsesión por el orden; es decir, todo lo contrario a Valdomiro, incluso en cuanto a placeres sexuales se refiere, pues el hombre es un tanto… reprimido y no logra complacer a su esposa. Aunque ella se siente feliz a lado de su nuevo marido, no comprende porqué siente que algo le falta, hasta que un buen día Valdomiro regresa del mundo de los muertos para brindarle lo que tanto desea. Doña Flor y sus dos maridos es una comedia erótica, que plasma a la perfección una serie de clichés y de juegos de doble moral que abundan en la sociedad. Además de contar con excelentes actuaciones, la película es un retrato perfecto del rústico Salvador, capital del estado de Bahía en los años 20. Los colores, la música y el vestuario trasladan de inmediato al espectador a la atmósfera que reinaba en la época, y le dan un esbozo de la vida cotidiana del lugar e incluso de sus tradiciones y perspectivas. Por otra parte, fuera de los recursos técnicos, muy bien empleados por Barreto, la trama es divertida y amena; y aunque por momentos el

toque humorístico se pierde y parece más un drama, la cinta no deja de ser entretenida de principio a fin. Sin necesidad de volver complejo el argumento, Doña Flor y sus dos maridos se encarga también de mostrar la dualidad que experimenta la protagonista, eternamente confundida por lo que realmente desea: por una parte el vividor que la satisface sexualmente y por otra el confort de la vida perfecta y estable, pero ausente de placeres carnales que no la satisface por completo. Aunado a ello, esta es una cinta por demás visual que utiliza la expresión culinaria como vía para crear metáforas, al mismo tiempo que le da la función de recurso para crear el ambiente hogareño que requiere el argumento. Aunque se han hecho otras adaptaciones como la de Carlos Araújo en 1998, lo cierto es que la versión de Barreto es una de las que se apegan más a la novela de Jorge Amado, y también es en la que los protagonistas lograron un nivel actoral acorde con las necesidades de la trama. Para concluir, basta con decir que es una película bien lograda, y una comedia bastante recomendable para personas poco exigentes que sólo buscan un rato de distracción y un poco de cine brasileño.

FICHA TÉCNICA Título: Dona Flor e seus dois maridos Año:1976 Director: Bruno Barreto País: Brasil Guión: Bruno Barreto, Jorge Amado (Basado en el libro homónimo) Reparto: Sonia Braga, José Wilker, Mauro Mendoça, Dinorah Brillanti, Nelson Xavier, Arthur Costa Filho, Rui Resende.

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TESOROS fílmicos

Por Azucena Mecalco Los años treinta, la discriminación racial, la lucha de clases, el abuso del poder, los prejuicios sociales, la pobreza extrema y los infortunios más grandes es lo que nos muestra Karim Aïnouz en su obra maestra Madame Satã. Para Aïnouz, como para muchos otros, Madame Satã sólo figuraba como el nombre de un conocido night club en Sao Paulo. Pero tras una serie de casualidades se daría cuenta de que detrás de él se escondía una historia digna de ser filmada y conocida. La película empieza con un plano cerrado en close up al rostro golpeado de un hombre joven de mirada triste. Mientras lo observamos, la voz en off de un juez recita sus múltiples crímenes, entre los que se encuentran: violencia, resistirse a la autoridad, robo, pederastia pasiva, prostitución, faltas a la moral y otro tanto en la lista. Un momento después la escena cambia, llevándonos de la mano hasta el recital musical de una mujer que narra Las mil y una noches mientras el mismo joven la observa con admiración imitando sus movimientos y siguiendo la letra de la canción; más tarde arrastrándonos a su lado a las entrañas de un tugurio de dudosa reputación en un pequeño barrio de Brasil. Esta serie de contrastantes escenas son sólo el inicio para contextualizarnos en la historia de João Francisco Dos Santos… En medio de la pobreza en el ba-

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“Yo decidí ser una reina, y es


so no me hace menos hombre” rrio de Lapa, lugar conocido por su vida nocturna, en los años 30, es en donde se desarrolla la mórbida historia de João, un joven de compleja personalidad que sueña con convertirse en una estrella, o mejor dicho una diva, y darse a conocer al mundo. La vida del chico no es sencilla, vive en uno de los sitios más pobres, rodeado de criminales, prostitutas, corrupción y mucho, mucho más. Pese a realizar un excelente trabajo en un cabaret, como asistente de la cantante principal, sufre los constantes ataques de racismo por parte de ésta, que debido al color de su piel se ensalza en discriminarlo. Aunado a ello, el dueño del local se niega a pagarle por su trabajo, dándole a entender que el tenerlo allí debería ser paga suficiente para él. Si bien durante su trabajo en el cabaret, el joven, de 1.82 centímetros de altura y 90 kilos de musculo puro, es tranquilo y soporta todas las humillaciones a las que lo someten, afuera su personalidad es completamente distinta, pues al llegar a su territorio se vuelve capaz de todo con tal de defender la integridad de sus amigos, dejando en segundo plano la suya. Pero, detrás de ese joven sobreprotector, romántico y atento, capaz de recitar versos al hombre de sus sueños y de cuidar de los suyos aun a riesgo de su propia vida, hacer de padre adoptivo para la hija de su amiga y que además de-

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como características esenciales de un “hombre verdadero”, se esconde una tercera personalidad, la del ladronzuelo seductor que atrae a los hombres a su cuarto para quitarles el dinero sin siquiera prestar sus servicios sexuales, además de explotar a otros homosexuales para conseguir dinero para sobrevivir.

sión, João decide que es momento de cumplir sus sueños sin importar que el mundo esté a favor o en contra de él…

Un buen día, cansado de las injusticias por parte de sus patrones en el cabaret, decide cobrar su paga por las buenas o por las malas, y como las buenas no funcionan no le queda más que la segunda opción.

que el dueño del cabaret no se quedará tranquilo hasta ver su dinero de regreso y al joven tras las rejas.

Por desgracia João no cuenta con

Luego de una breve estancia en pri-

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Desde luego este es sólo el inicio de la película y claro, también fue el inicio de la vida de Madame Satã, un hombre que pese a las adversidades logró su sueño de convertirse en una de las figuras más importantes del Carnaval de Río en la primera mitad del siglo pasado. Está película de Aïnouz se basa precisamente en ese personaje mítico que es, hoy en día, una referencia dentro del mundo nocturno,


los cabarets y los carnavales.

La preparación del rodaje le llevó a Aïnouz alrededor de un año, en el que se dedicó a conocer a fondo al personaje, los lugares que frecuentaba, las personas a las que conocía y cada una de las facetas de su vida. Y aunque el mismo director declaró que preparó hasta el más mínimo detalle para tener la grabación controlada en un cien por ciento, al final decidió darle una mayor naturalidad a la historia y dejar los apuntes de lado para lograr que la cinta no se viera como una simple actuación, sino como una traslación de la realidad a la pantalla. Para ello pidió a los actores principales que se reunieran, se conocieran e intimaran, para conseguir un ambiente de confiabilidad que es difícil obtener con extraños que se ven sólo para filmar. Finalmente, sus múltiples investigaciones y sus técnicas para enlazar a los personajes dieron como resultado una excelente película que figura dentro de la nueva ola del cine brasileño, y que además da a conocer a un personaje emblemático de su cultura, que como el mismo director ha declarado: muestra “su postura de resistencia en un país donde la exclusión de la sociedad es una regla mas que una excepción”, y eso fue precisamente lo que lo atrajo al personaje y a la creación de la cinta.

ciedad y una denuncia a la intolerancia y el racismo sin caer en clichés. Por otra parte, la decisión de Aïnouz de enfocarse precisamente en esa etapa de la vida de João sirvió para capturar en plenitud la esencia del controvertido personaje interpretado por Lázaro Ramos, excelente actor que además contaba con la particularidad de cumplir de forma perfecta con el perfil físico de Madame Satã, y quien hizo una apuesta arriesgada al aceptar la interpretación. El trabajo en conjunto de actores, director y equipo técnico fue reconocido por la crítica mundial, lo cual se reflejó no sólo en la aceptación de la cinta por parte del público que tuvo la oportunidad de verla; sino también en las nominaciones y galardones que ésta recibió. Por desgracia, pese a ser una excelente película que ha sido llevada a diversos países, no es muy conocida y pasó casi desapercibida para el público en general. Sin embargo, usted no puede perdérsela para crear su propia opinión no sólo sobre la cinta sino también sobre las problemáticas que aborda.

FICHA TÉCNICA

Título: Madame Satã País: Brasil/Francia Dirección: Karim Aïnouz Guión: Karim Aïnouz Música: Marcos Suzano & Sacha Ambak Fotografía: Walter Carvalho Reparto: Lázaro Ramos, Marcelia Cartazo, Flavio Bauragui, Felipe Marques, Emiliano Queiroz, Renata Sorrah Duración: 105 min Año: 2002

La película de Madame Satã, es la mezcla perfecta entre la biografía de un personaje, el retrato de una so-

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Amado Jorge 12

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la inspiraci贸n del cin Por Evelin Montiel


La mente maestra

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n números anteriores hemos presentado en esta sección a grandes directores de cine, cuyas mentes han concebido las mejores producciones cinematográficas de todos los tiempos, y por ello los hemos considerado las mentes maestras. Pero en este especial de cine brasileño optamos por elegir no al cineasta, sino al escritor cuyo trabajo enmarca el boom del cine en Brasil gracias a sus obras literarias.

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u nombre: Jorge Amado; su profesión: literato; su legado: sus historias y personajes llevados al cine y televisión. La obra de Jorge Amado ha sido adaptada al cine, al teatro y a la televisión. De igual manera, ha sido tema de varios trabajos de samba y del carnaval de Brasil. El gran boom de los personajes concebidos por Jorge Amado surge con la presencia de Sonia Braga, uno de los iconos eróticos más perdurables que ha entregado el cine latinoamericano, mediante la trilogía eróticocarnavalesca integrada por  Doña Flor y sus dos maridos  (1976),  Gabriela (1980) y Tietá de Agreste (1996). La descomunal popularidad de Doña Flor y sus dos maridos, apenas contribuyó a la justa entronización de la película entre las mejores producciones latinoamericanas de esa década.  Doña Flor es una película franca y sencilla, contenida y cuidadosa

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en su realización, que a nivel conceptual y narrativo exalta la pasión libre e incontenible, el desafuero erótico, el sexo cimbreante y consuetudinario como parte esencial del amor en la pareja. A pesar de las críticas de muchos empeñados en que el cine latinoamericano debía cumplir otras agendas políticas,  Doña Flor contaba la historia de la bella y conser-

vadora Floripides Guimaraes, más conocida como Doña Flor, quien está casada con el pícaro y mujeriego Valdomiro Santos Guimaraes, alias Vadinho, apostador, parrandero

y mujeriego que compensa a su esposa con una ardiente vida sexual. Sin embargo, su obra más famosa sea quizás  Gabriela, clavo y canela  (1958), protagonizada por una mulata nordestina, quien huye de la miseria para trabajar como cocinera en un restaurante de Ilhéus, propiedad de un inmigrante libanés. Gabriela es la sensualidad y la seducción encarnadas en un cuerpo de mujer; tanto así, que revoluciona la vida de la ciudad en un momento de profundos cambios sociales y políticos. Es larga la lista de trabajos cinematográficos y televisivos que toman como referencia el trabajo de Amado, desde 1943, cuando Eddi Bernoudy y Paulo Machado llevaron al cine Terras do sem-fimal rebautizándola como  Terras violentas. Poco después llega  Vendaval maravilloso  (1949) de José


Leitao de Barros, coproducción brasileño-portuguesa que traslada a la pantalla grande la novela ABC de Castro Alves. Casi 20 años pasaron antes de que aparecieran  Seara Vermelha  (1964) de Alberto D´Aversa, y  The Sandpit Generals  (1971) que dirigió Hall Bartlett en Brasil, y llevaba música de Dorival Caymmi para reforzar el color local. Respecto a otras versiones sobre Jorge Amado, en 1977, el francés Marcel Camus llevó a la pantalla a  Otalia da Bahia,  inspirada en  Os pastores da noite.  Camus venía impulsado por el éxito de su colorista  Orfeo negro, que se inspiraba en el  Orfeu da Conceição, de Vinicius de Moraes. En los siguientes 20 años se sucedieron las versiones emprendidas por uno de los mayores cineastas brasileños de todos los tiempos: Nelson Pereira dos Santos, quien llevó al cine Tenda dos Milagres  (1977), una fiel adaptación del texto que expone el racismo nacional, y diez años después realizó Jubiabá,  que es una de las películas brasileñas interesadas en naturalizar la presencia del hombre de color; junto a  O Amuleto de Ogum  (1975) de Nelson Pereira dos Santos; Xica da Silva (1976) de Carlos Diegues; la mencionada Tenda dos Milagres  y  Pedro Mico  (1985) de Ipojuca Pontes, que contó con Pelé como actor principal. Jubiabá  cuenta la historia de un gran amor entre una joven blanca, Lindinalva, y el negro Antonio Balduíno, aunque el director fije más su atención en la relación amorosa que en

el planteamiento antirracista.  En 1998, era tan universal la fama de Jorge Amado y sus novelas que el cine egipcio realizó A Morte e a Morte de Quincas Berro D’Água, con cierto éxito internacional, bajo el título de  Gannet el Shayateen, dirigida por Osama Fawz. La versión más reciente pertenece a Cecilia Amado, nieta del literato, quien llevó al cine Capitanes de la arena obteniendo gran éxito. Sin duda, las  películas inspiradas en el trabajo de Jorge Amado reinventaron Brasil, en la misma medida que lo recrearon las famosas narraciones del escritor, relatos dominados por la sensualidad, la música, el mestizaje y el sincretismo. Algunos sus títulos más importantes son: TERRA VIOLENTA (1948) de Paulo Machado y Edmond F. Bernoudy VENDAVAL MARAVILLOSO (1949) de José Leitao de Barros CAPITANES DE LA ARENA (1971) de Hall Bartlett. GABRIELA (1975) de Walter Avancini LOS PASTORES DE LA NOCHE (1975) de Marcel Camus. El director francés Marcel Camus DOÑA FLOR Y SUS DOS MARIDOS (1976) de Bruno Barreto TIENDA DE LOS MILAGROS (1977) de Nelson Pereira Dos Santos


MAESTROS

SANTIAGO

del documental

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historias de la realeza, las cuales coleccionaba y sabía de principio a fin. A pesar de los treinta años de servicio que Santiago prestó a su familia, Moreira no se decidió a entrevistarlo si no hasta que éste ya se había jubilado. Fue entonces, en 1992, que con ayuda de Walter Carvalho, reconocido director de fotografía, realizó la filmación de las escenas que años más tarde utilizaría como fuente principal para la creación de su documental. Las grabaciones suman un total de nueve horas de cinta en las que el personaje revela de forma por demás detallada toda una vida plagada de anécdotas, vivencias, referencias a distintos personajes, aficiones, anhelos, etcétera. Si usted es fanático de los documentales no deje pasar este trabajo de João Moreira, y menos aun pierda la oportunidad de conocer la vida de un hombre que se formó a sí mismo en el arte y la cultura. Y aun si no es fanático de los documentales no puede dejar pasar la historia de Santiago, quien a

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través de su narración lo transportará a diferentes etapas de la historia, y lo conducirá también por diversos países, y escenarios del mundo de la música, la literatura y las clases sociales entre las que vivía. FICHA TÉCNICA Título original: Santiago (Uma reflexão sobre o material bruto) País: Brasil Año: 2006 Dirección: João Moreira Salles Productor ejecutivo: Mauricio Andrade Ramos Director de fotografía: Walter Carvalho, A. B. C. Jefe de producción: Beto Bruno


PARA REFLEXIONAR

Por @AMAURY1984

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idade de Deus retrata ese morboso lado de la sociedad brasileña que a los gringos les suele encantar cuando de cine extranjero se trata. Les encantó en Amores Perros de González Iñárritu, en Promesas Peligrosas de Cronenberg y en esta película del brasileño Fernando Meirelles. Cine que intenta retratar una

realidad cruda en la que no existen personajes extrapolados hacia el bien o el mal. Historias que en cierto punto podrían sólo formar parte de una postal un poco incómoda de ver. Permítame detallar para usted un poco del contexto histórico en el que esta situada Cidade de Deus.

Los 1900, casi en su totalidad, fueron para Brasil un ir y venir de soldados con muchas ganas de echarle la mano al poder. Y cuando alguno se aburría de mantenerlo, siempre podía contar con otro valiente miembro de la milicia para sustituirlo. El primero de estos dictadores

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quien tuvo el poder de todas las maneras en que se puede tener. Por elección democrática y por golpe de Estado. Terminó su último periodo como dictador dándose un tiro al no conseguir sacar al Brasil de las crisis en la que se encontraba. Le sucedió Juscelino Kubitschek un personaje elegido “democráticamente” que pasó sin muchos altercados su periodo. Posteriormente Jânio Quadros llegó... y salió del poder en menos de un año. Este leve desliz propició los deseos de los militares de tomar el poder por la fuerza de nueva cuenta, en 1964, y no volverlo a soltar hasta 1985. El inicio de esta serie de gobiernos militares trajo grandes beneficios a la economía brasileña. El pueblo vivía en un entorno económico sólido y controlado, mientras tolerase el control absoluto del régimen militar.

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A una parte de esta historia se le conoce como el milagro brasileño, se caracterizó por la estabilidad y uno de los beneficios de contar con un país estable es que los capitales internacionales ven posibilidades de negocio. La industria turística fue una de las más favorecidas. Lamentablemente este boom económico nunca llega de manera homogénea a toda la población. Fue así como un pobre pueblo costero conocido como Rio de Janeiro, instalado en una hermosa bahía, cambió por la fuerza a joya turística rodeada de la pobreza más cruda del Brasil. Todos hemos oído alguna vez de las famosas favelas, que en aquellos tiempos el régimen militar brasileño mando a pintar de múltiples y radiantes colores para embellecer la vista a los turistas. O de como es que el gobierno decidió encargarse de los serios problemas

de delincuencia que trajo a Rio. La respuesta era simple: elimina a todo delincuente o a quien aparente serlo. Es así como se crearon las famosas guardias blancas. Cidade de Deus nace de la pluma del escritor brasileño Paulo Lins. Éste pinta el entorno en el que se desarrollaban los niños brasileños nacidos en las favelas. Carentes de opciones, de libertades, de oportunidades y de seguridad. La adaptación al cine narra la historia de una pandilla formada por los miembros más jóvenes de Cidade de Deus, una favela que recibe a los más pobres de la sociedad brasileña, reubicados en beneficio del progreso. Buscapé nos narra las acciones de Bené,


Dadinho y Mané robando a cuanto personaje pueda tener dinero, con el pretexto de traer cierto beneficio a la favela. Junto a ellos un niño considerablemente menor muestra cierto deseo de tener mayor participación en la banda. Zé Pequeño elige un camino distinto al de los demás niños, y se da a conocer por su falta de control y su evidente carencia de miedo a la muerte. Un gran asalto a un hotel mete en problemas a la banda que decide separarse y seguir por caminos no muy diferentes. Buscapé siente admiración por el control que un arma le puede dar a su hermano, pero Bené prefiere que su hermano aspire a algo mejor, que no vea en el un ejemplo a seguir, sino del cuál alejarse. Así, regresa al trabajo familiar, pero un tropiezo amoroso lo obliga a alejarse. A partir de la muerte del líder de la banda, Buscapé encuentra en la fotografía una herramienta para crecer. A través de su lente conocemos el desarrollo de dos grupos de jóvenes, que a muy corta edad toman la decisión de entrar a las filas de la banda que en un futuro será controlada por Zé Pequeño, o buscar un futuro en las limitadas opciones educativas que les da su

comunidad. La visión de Meirelles nos lleva a interesarnos más por los pasos de Zé Pequeño en su camino a las grandes ligas del crimen, que por los de Buscapé en alejarse de aquel grupo. El crecimiento del pequeño delincuente de pronto se vuelve el elemento clave para el desarrollo de una historia que vemos desde los ojos de Buscapé, y el reducido grupo de jóvenes que decide alejarse de la delincuencia imperante en las calles de Cidade de Deus. La producción enteramente brasileña, y apoyada por el fomento gubernamental al cine, se hizo de

gran fama por ser la precursora de una serie de filmes que reflejaban el Brasil que tuvo que callar durante la segunda dictadura militar. La cinta llegó a participar en varios festivales a nivel internacional impresionando a los jurados por la frescura con la que la producción liderada por Meirelles fue editada. Fue seleccionada por la Academia de cine de Brasil para participar en los premios Óscar del 2003. Pero realmente no fue una cinta recaudadora de premios. El discurso de la cinta bien podría servir de llamada de atención a las comunidades de todo el mundo, sobre lo destructivo que es permitir que los miembros más jóvenes de un grupo social no vean otro futuro

FICHA TÉCNICA Título: Ciudade de Dios Dirección: Fernando Meirelles
 Guión: Bráulio Mantovani; basado en la novela de Paolo Lins
 Duración: 135 min
 País: Brasil
 Año de producción: 2002
 Reparto: Alexandre Rodriguez, Leandro Firmino da Hora, Phellipe Haasengen, Douglas Silva, Jonathan Haasengen, Matheus Nachtergaele, Seu Jorge.

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Había una vez

HISTORIA DE BRASILENO

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EL CINE L

a historia del cine brasilero tiene sus inicios en 1898, y fue con un documental sobre la familia del presidente Prudente Morais, en el Palacio del Catete. La iniciativa de filmar documentales y noticias surgió de los empresarios italianos Alfonso y Paschoal Segreto. Rápidamente las ventajas del cine serán percibidas y utilizadas como herramienta política y de comunicación de eventos. Fue a partir de 1908, que la producción de filmes dio un gran salto, con 205 películas en 1909 y 209 en 1910, marcadas por la realización de óperas, comedias y policiales. Ya en la década de los cincuenta empezó una nueva evolución del cine brasileño, ésto con la aparición de la corriente de Cine Novo, en 1952, el cual estuvo caracterizado por la renovación de la técnica narrativa y de las temáticas abordadas. El abandono del populismo y de las historias sin grandes pretensiones fue la premisa de esta corriente, en la que se empezaron a abordar temas tan próximos, como la situación de pobreza, subdesarrollo y la falta de un cine con temáticas propias.

Entre los miembros del Cinema Novo se encontraban Glauber Rocha, Nelson Pereira Dos Santos, Carlos Diegues y Joaquin Petro de Andrade. Más tarde se unieron directores como Walter Lima Junior o Ruy Guerra. Ya en la década de los noventa, tras dos décadas de dictadura militar, el cine sufrió un grave golpe y la constante industria se detuvo. En el mandato de Fernando Collor de Mello, se extinguieron numerosos organismos culturales debido al recorte presupuestal, incluida la Empresa Brasileña Filmes que fungía como principal soporte de la producción cinematográfica de Brasil. Ante esta situación surgió una nueva expresión llamada: Retomada del Cine Brasileño, cuyo principio fue la reactivación de la producción cinematográfica. Pronto el cine comenzó a reactivarse gracias a diferentes estímulos culturales con lo cual se logró producir hasta 20 películas anuales a partir de 1993. El nuevo cine empezó una

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Vidas Secas

transformación, que inició con nuevas historias que se volcaron en una crítica ante la política y la crisis social por la que atravesó el país en aquél momento. Así surgieron cintas como Lamarca (1994), de Sergio Rezense; Carlota Joaquina Princesa do Brasil (1994), de Carla Camurat; O que e isso, companheiro

(1997), de Arnaldo Jabor; Central do brasil (1998), de Walter Salles; O Quatrlho (1995), de Fabio Barreto, que captaron la atención del publico e iniciaron un nuevo ciclo. Este último fue nominado al Óscar como Mejor película extranjera. Con la llegada del nuevo siglo, nuevas producciones empezaron a aparecer en las que los grandes presupuestos eran habituales y en las que la literatura jugó un papel importante para las adaptaciones cinematográficas. Empezaron a predominar las producciones cómicas como Bossa Nova de Bruno Barreto y Amores posibles de Sandra Wermeck, así como los thriller, ejemplo de ello es Un cielo sin estrellas de Tata Amaral y Os Matadores de Beto Brant. Estimulados por el reinicio de la producción, veteranos del cine como Paulo César Saraceni, Ruy

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Guerra, Domingos de Oliveira y Xavier Oliveira, regresaron a la actividad lanzando nuevas producciones que revitalizaron una vez más a la industria. Sin embargo las cintas que más éxito tuvieron en taquilla y que más impacto causaron en la crítica y el público fueron aquellas que abordaron los problemas sociales que hacía tiempo no se retomaban como lo son el narcotráfico, la violencia, el fanatismo re-


ligioso entre otras.

velas de Río de Janeiro, y que, más que denunciarla, hace de ella un espectáculo. A la aseveración no le falta razón (para ser justos, es justa). Este embellecimiento de lo atroz se confirma en El jardinero fiel (2005), su segundo largo, en el que la pobreza en África es registrada como un comercial de perfumes. Pero esto no parece molestarle al público.

De esta forma el cine brasileño inició el siglo con títulos como Ciudade de Deus, de Fernando Meirelles y Noticias de Uma Guerra Particular, documental de Joao Moreira Salles.

Figuras sobresalientes del cine brasileño Nelson Pereira dos Santos

José Padilha participaron en la Sección Oficial del Festival de Berlín, y la segunda se embolsó el premio de la crítica. De su cercanía con Gabriel García Márquez surgen Eréndira (1983), Fábula de la bella palomera (1988) y La mala hora (2004). Ésta es su más reciente trabajo, cuya fotografía, de Walter Carvalho, fue premiada en La Habana. Fernando Meirelles

Su primer largometraje como director, Ônibus 174 (2002), reconstruye un violento episodio de Río de Janeiro sobre el secuestro de un autobús que terminó en tragedia. Años más tarde, lanzó Tropa de élite la que fue su primer película de ficción. Esta cinta rompió records en taquilla y en 2008 ganó el Oso de Oro en el festival de cine de Berlín.

Glauber Rocha lo consideró la “conciencia del cinema novo”, pues Pereira dos Santos no sólo filmó la película inaugural del movimiento Río, 40 grados (1955) sino que fue una especie de guía para los cineastas que se sumaron al novo. Ruy Guerra Sus dos primeros largometraje son excelentes ejemplos del cine novo: Os cafajestes (1962) trata de un par de criminales que cometen un secuestro fallido; Los fusiles (1964) retrata la tensión social en un miserable poblado del noreste. Ambas

Ciudad de Dios (2002) fue vista por más de tres millones de personas en Brasil; luego vino el éxito internacional. Sin embargo, algunos analistas locales aseguran que la cinta de Meirelles exhibe de manera contraproducente la miseria de las fa-

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TOP FIVE

LAS CINCO PELÍ Por Azucena Mecalco

A MARCHA (1972) Para que no se diga después sólo hizo películas como futbolista presentamos A marcha, del director Oswaldo Sampaio. Esta película brasileña narra la historia de Chico Bondale, un hombre que se enfrenta a un sin número de adversidades mientras intenta por todos los medios dejar la condición de esclavo a la que estuvo sometido. La historia se ubica en Sao Paulo, en Brasil, durante el año de 1987 y fue, claro, protagonizada por Pelé.

A MINOR MIRACLE (1983) Bajo la dirección de Terrell Tannen presentamos A minor Miracle, conocida también como Once más uno. Esta es una historia clásica. Un orfanato en crisis a punto de ser cerrado, comandado por un sacerdote enfermo, el padre Cadenas (interpretado por nada menos que John Huston), que hará de todo con tal de conservar el lugar que da alojamiento a montones de huérfanos. Y cuando digo “todo” incluye pedirle ayuda al chico brasileño al que cuido años atrás y que no es otro que ¡Pelé!, quien encabezará un partido de futbol para recaudar fondos para ayudar a los chicos y al sacerdote.

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ÍCULAS DE PELÉ

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HOTSHOT (1987) Dirigida por Rick King, Hotshot o El rey del Futbol, es un drama de 1987, que cuenta la historia de Jimmy Kristdis (interpretado por Jimmy Youngs), un chico obsesionado con convertirse en el mejor jugador de futbol de todos los tiempos. Pero no lo logrará solo. Para entrenar, ¡recurrirá a Pelé! Perdón, a Santos (¡interpretado por Pelé!), una leyenda del futbol brasileño (suena un poco trillado pero así es). Esta no es, desde luego, la mejor película hecha por Pelé, pero tiene sus méritos, por lo menos sus entrenamientos se veían bastante reales.

ONCE IN A LIFETIME: THE EXTRAORDINARY STORY OF THE NEW YORK COSMOS (2006) Franz Beckenbauer, Giorgio Chinaglia y Carlos Alberto, ¿le suenan estos nombres? Si usted es fanático del futbol con toda seguridad los reconoce y si no lo es, basta con que sepa que fueron grandes estrellas que se incorporaron al más grande equipo de futbol neoyorkino de todos los tiempos, pues estaba liderado nada menos que por… ¡sí, adivinó, Pelé! Esta cinta de corte documental presenta la historia de Steve Ross, presidente de la Warner Bros., y su empeño por dar a conocer el deporte más popular de Brasil en su país, para lo cual no escatimó en gastos ni entrabajo de promoción. La dirección de la película corrió a cargo de Paul Crowder y John Dower.

VICTORY (1981) ¡Silvester Stallone, Pelé y una lucha campal entre alemanes y prisioneros de guerra aliados! ¿Qué más se le puede pedir a una película? El escenario que utilizan para la masacre es nada menos que un estadio de París, en donde los alemanes intentaran demostrar que son los mejores en todo.

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No hace falta decir quién gana, quién pierde o quién se escapa, para saber que esta es una película por demás entretenida. El partido es una cátedra de habilidades dignas de… ¡claro de Pelé! Además de ser una cinta que hace pasar un buen rato, Victory, de John Huston cuenta con la participación de Bobby Moore, Co Prins, Mike Summerbee y Osvaldo Ardiles.


Las recomendaciones Por Evelin Montiel

O Ritual dos Sadicos/ Despertar de la bestia (1970) La cinta, dirigida por José Mojica Marins, narra cómo un psiquiatra propone el uso del LSD en jóvenes drogadictos, con el fin de observar los efectos de distorsión de la realidad que esta droga puede causar. Definitivamente una joya del cine de terror de los años setenta, en la cual puede verse una especie de viaje psicodélico a través del uso de estupefacientes, por el cual los protagonistas experimentarán sensaciones y situaciones que los llevarán al borde de la locura. José Mojica vierte toda su retorcida imaginación en este filme lleno de perversión y de horror, y con magistral uso de una narrativa no lineal, aborda los retos de un realizador independiente. Como tal, tuvo que enfrentarse a los infortunios de la censura debido a los comentarios y actitudes de la sociedad, y a las políticas del gobierno en cuanto a las drogas y el crimen, que fueron constantes a lo largo del film. De igual manera, el uso de imágenes explícitas de violencia y sexo fue lo que le valió la prohibición del gobierno de Brasil para exhibirse en las salas cinematográficas, reduciéndose a esporádicas reproducciones independientes de una versión bastante editada. Mojica trató de relanzarla años después con algunos cambios, bajo el nombre de Delírios de Um Anormal, sin obtener el éxito esperado. Y así, la película permaneció censurada bajo la dictadura hasta los años 80. Con el fin del régimen, por fin pudo ser exhibida en numerosos festivales de cine, mas no en los cines comerciales.

Tieta do agreste (1996) Ubicada como una de las mejores obras cinematográficas, retomada de las páginas de la obra del mismo nombre, esta historia fue escrita por Jorge Amado, uno de los literatos más importantes de Brasil, cuyas historias han aportado de manera admirable a la historia del cine. Tieta do agreste narra la historia de una joven mujer, quien es expulsada de su casa al momento en que su hermana descubre que se ha convertido en amante de su sobrino. Años después del destierro, regresa a casa llena de riquezas, convertida en la viuda de un gran magnate industrial de la ciudad de Sao Paulo. Los desprecios y humillaciones de la familia quedan atrás luego de saber de la fortuna de la joven. La cinta es una mezcla de comedia y drama que dirige de manera magistral Carlos Diegues, y que protagoniza Sonia Braga a quien se le atribuye gran parte del éxito que obtuvo en taquillas.

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Vidas secas (1963) Vidas secas está basada en la novela homónima de Graciliano Ramos y representa a la ola del cine novo brasileño, el cual se caracterizó por mostrar la realidad social del país así como su pasado histórico y sus carencias. A este movimiento perteneció el director Nelson Pereira dos Santos, quien llevó a la pantalla Vidas secas, donde plasmó su visión sobre la violencia y la injusticia de un modo realista, que posteriormente se bautizaría como “estética de hambre”. La película está ambientada en la década de 1940, y describe la vida de una familia que migra de un pueblo a otro, en medio de terrenos secos y ardientes, en busca de recursos para sobrevivir. Las imágenes son crudas, con cierto alcance documental en las que se muestran escenarios realistas, donde convergen personajes físicamente derrotados por el calor en un ambiente de insolación y desesperación, que contrasta con una fotografía en blanco y negro que recrudecen los escenarios haciendo que las imágenes hablen por sí mismas. Al estrenarse en 1963, Vidas secas obtuvo una excelente acogida entre el público y la crítica. También obtuvo un resonante éxito internacional, representando a Brasil (junto a Dios y el diablo en la tierra del sol, de Glauber Rocha) en el Festival de Cannes de 1964, donde obtuvo numerosos premios no oficiales y en la Rassegna del Cinema Latinoamericano de Génova donde se llevó el premio a la mejor película.

Tropa de élite (2007) Acercándonos un poco más a la época actual, llegamos a una cinta que volvió a colocar a Brasil como un gran exponente en la industria cinematográfica; nos referimos a Tropa de élite. Dirigida por José Padilla, el filme fue acreedor a un Oso de Oro en el Festival de Cine de Berlín, mientras que en su país de origen fue calificada como una de las mejores películas de todos los tiempos. Tropa de élite bien podría competir con la también popular Ciudad de Dios en cuanto a la historia de acción y drama; aquí se cuenta la historia de un policía de élite enfrentado al crimen y a la corrupción cuando le es asignada la misión de enfrentar a las favelas con motivo de la visita del papa Juan Pablo II. Debido a la temática, el filme causó gran controversia y fue una de las más comentadas en el año de su estreno, a eso habrá que atribuirle su gran popularidad. Gracias a este éxito, pronto una segunda parte de la cinta apareció obteniendo, de igual manera, gran acogida por parte de la crítica y del público.

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Ciudad de dios (2002) Nuevamente nos encontramos ante una cinta adaptada de la literatura brasileña, Ciudad de Dios estrenada en el año 2002, está basada en la novela del mismo nombre de Paulo Lins. Ciudad de Dios, uno de los suburbios de Rio de Janeiro se convierte en el escenario principal del crimen organizado en el cual convergen situaciones como la exclusión, las drogas, la violencia y el crimen.

Este contexto sirve como marco para mostrar no la vida de los pobladores de ese suburbio; sino los enfrentamientos entre éstos con la policía por el control de la ciudad. Con una espléndida dirección de arte, el director Fernando Meirelles, logra mezclar lo mejor del cine de acción estadounidense de los años setenta para ofrecer una visión cruda e impactante de lo que se vive en las calles de Río.

Ciudad de Dios se colocó pronto en la lista de las mejores películas de la historia de Brasil, afianzado este título con las cuatro nominaciones que obtuvo en los premios Óscar, entre los que se incluyeron Mejor director y Mejor Guión Adaptado.

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