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Metodo Práctico de Armonía composición musical

y

Capítulo 1: Método práctico composición musical 1. 2. 3. 4. 5. 6. 7. 8. 9. 10. 11. 12.

1.

de

armonía

y

Las Notas Musicales Los tonos y semitonos La interválica La Armonía (1° parte) La Armonía - Relaciones armónicas ( 2° parte) La melodía La Melodía (2° parte) Fraseos Melódicos y transporte Figuras musicales Nociones rítmicas básicas Modos de Acompañamiento Estructura final de tu canción

Las Notas Musicales

Se llaman notas a los sonidos que tienen una altura (frecuencia) determinada y establecida en Hz (Herz) y en base a ellas se crean instrumentos musicales que se afinan de acuerdo a la frecuencia de 440 hz, en la nota "la" 4. La orquesta actual utiliza a la nota "La" como referente para lograr el unísono y la afinación correcta de todos los instrumentos. El nombre de las notas actuales se originó con las iniciales de un himno muy antiguo y hoy su nombre ha evolucionado y se denominan entre otras: re, si, sol, mi , fa, do, etc Cuando estas notas son alteradas o modificadas en su altura llevan delante una simbología propia, llamada alteración. En el caso de un sonido un poco más grave (o más bajo) se coloca una b de bemol, que indica un descenso de esta nota (un semitono más grave) y si la nota aumenta su altura, se coloca el símbolo de sostenido (cuyo grafismo es parecido a la grilla del ta-te-tí, con dos líneas paralelas verticales y dos líneas paralelas y horizontales, cruzadas, e indica que la nota natural ha sido ascendida un semitono en su altura


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2. Los tonos y semitonos En occidente las notas se hallan en relación de tonos y semitonos. En Oriente existen espacios sonoros más pequeños que los semitonos, llamados microtonos y que a nuestros oídos, es muy difícil de detectar Semitono: distancia mínima en altura entre dos sonidos (en oriente, existen alturas menores, llamadas microtonos). Ejemplo: do-do sostenido ; do-do bemol) Tono: distancia formada por dos semitonos contiguos. Ejemplo: do-re (formado entre do-do sostenido y do sostenido-re) Las melodías se crean en base a esta alternancia de alturas . Algunos instrumentos como el piano, permiten ejecutarlos de manera indistinta, ya que existe una tecla para cada semitono. La relación entre tonos y semitonos se llama grado (primer grado, por ejemplo, es do.re; segundo grado; do-mi).

3. La interválica Se llama intervalo al espacio existente entre tonos y semitonos. Es así como entonces se forman intervalos de mayor distancia (mayores) o de menor distancia (menores). Se toma como referencia una nota determinada (cualquiera quieras) y se cuenta su distancia desde esa nota con otra ascendente o descendente. Ejemplo: tocamos la nota FA y luego LA (más agudo que ese FA. Aquí se forma un INTERVALO ASCENDENTE de TERCERA MAYOR. Este intervalo, se forma con dos tonos (fa-sol; sol-la = fa-la). Existen infinidad de intervalos (de segunda, cuarta, sexta, etc) y ellos establecen resultados sonoros interesantes para componer canciones. El intervalo de 2° menor, se forma por un semitono de distancia entre la primer nota y la segunda ( do-do sostenido); el de 2° mayor, por .dos semitonos (do-re). El de 3° menor, por un tono y medio (un tono, mas un semitono asc. o desc., ej: do-mi b o mi b-do ), 3° mayor, por dos tonos (ej: do-mi), cuarta justa, por dos tonos y un semitono (ej: do-fa), 5° justa por tres tonos y medio y un semitono (do-sol), 6° menor por 3 tonos y 2 semit. Ej: do-la b), 6° mayor por 4 tonos y medio (do-la),7° menor por 4 tonos y 2 semit; 7° mayor, por 5 tonos y 1 semit. Explico que la interválica consiste en ejecutar primero una nota y luego la otra, de manera ascendente o descendente en forma indistinta, o ambas a la vez, pero NO MAS DE DOS NOTAS, ya que ejecutar tres, no es interválica... 4. La Armonía (1° parte) Se llama acorde a le ejecución de dos o más notas simultáneas (ejecutar solo dos, te recuerdo, es realizar un intervalo). La armonía es la parte de la música que estudia la relación entre los acordes (3 o más notas que se tocan al mismo tiempo). Las notas tienen una relación interválica determinada que da como resultado la formación de acordes mayores o menores, entre otros. Si Tomamos la nota DO, luego el MI como 3° mayor respecto al DO, y SOL como 5° justa respecto al DO , estamos creando un acorde mayor, que, para llamarse de tal modo, depende de la relación de la tónica (o nota DO) con su intervalo de tercera (MI). En este caso, tenemos una tercera mayor, por lo que el acorde, es DO-MI-SOL y su relación con la


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quinta nota (quinta justa, en este caso), es igual para la formación del acorde menor (DO- MIb - SOL). Por lo tanto, el acorde menor, se forma con la tónica o fundamental (así se la suele llamar): (DO), tercera menor (MIb) y 5° justa (SOL). A través del tiempo y de la historia, la armonía ha tenido su evolución. En la época de Bach, había cosas que no podían hacerse. Por ejemplo, tocar "octavas paralelas", al mismo tiempo entre una melodía y el acompañamiento ( te acuerdas de lo que era una octava....?), o 5° justas "paralelas". Pero hacia finales del siglo XX, por suerte, se permitió "yuxtaponer" (o enlazar) acordes que no tengan que ver unos con otros, lo que se llama en armonía , acordes lejanos. Charlie García, Spinneta, usan muchísimo éstos tipos de enlaces armónicos, que sorprenden al oyente, ya que éste no sabe lo que va a pasar auditivamente en el próximo instante y se sorprende permanentemente! 5. La Armonía - Relaciones armónicas ( 2° parte) Todo acorde se relaciona de manera atractiva, con otros acordes llamados "cercanos", ya que, poseen en su estructura o conformación, notas COMUNES con éstos primeros. Volvamos al ejemplo del acorde de DO MAYOR (notas do-mi-sol): Se llama SUBDOMINANTE al acorde de 4°| JUSTA ASCENDENTE respecto al de DO, (acorde de FA MAYOR, notas fa-la-do), en el que la nota DO es común a ambos acordes. En este caso, podemos inventar una canción usando la nota DO como nota "larga" y que nuestros acompañantes cambien el acorde Y NOSOTROS MANTENER LA NOTA DO CANTADA O EJECUTADA, ya que quedará bien, pues ambos llevan esta nota en su estructura. El acorde DOMINANTE es aquél que lleva una distancia de 5° justa ascendente respecto al de tónica (ej: acorde de Do es tónica, por lo que, acorde de SOL, es dominante). Este acorde dominante, en este caso, se forma con sol-si-re como notas estructurales y funcionan auditivamente muy bien con la tónica del acorde DO. En el caso de canciones pop o rock, es muy frecuente encontrar estos enlaces armónicos, ya que quedan muy bien desde el oído del que escucha. La canción "La Bamba", por ejemplo, lleva en sus enlaces armónicos, I (tónica), IV (subdominante) y V (dominante), IV, permanentemente en toda la extensión de la canción. Los enlaces armónicos más difundidos en lo popular, son I-V-IV-VI-II, pero actualmente cualquier enlace es bien visto y aceptado por el público, que ha ampliado su oreja para escuchar cosas nuevas y un tanto más exóticas.

6. La melodía Es aquella formada por ordenamientos de notas, de acuerdo al criterio del compositor y obedecen generalmente a patrones que se vinculan con la armonía o acompañamiento de la misma. Dijimos otras veces que podemos componer melodías en base a acordes pre establecidos. Aquí, haremos ese intento, qué te parece?


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Te doy como pauta el enlace armónico de I grado, o tónica, IV grado o subdominante y V grado, o dominante, como estructura a seguir para componer tu melodía. Esta podría ser entonces: Do Mayor como tónica (do-mi- sol), FA MAYOR como subdominante (fa-la-do) y SOL MAYOR como dominante (sol-si-re). Supongamos que tus armonías comiencen utilizando notas del acorde de DO MAYOR. Tu melodía debiera tener en alguna de sus partes las notas do-mi-sol, para que "armonicen" con la estructura del acompañamiento, en alguno de sus momentos. Luego, cuando pasa el acorde de la base armónica a la subdominante (Fa-la-do, en este caso), la canción debe "pasearse" por alguna de estas notas. Así, tus armonías tendrán un sentido melódico y armónico al mismo tiempo, quedando auditivamente agradables a tus oídos y a los del oyente. Cuando tu melodía es sencilla de cantar, es más fácil de recordar y si tienes suerte de conseguir un buen arreglador o armonizador, podrás darle un entorno sonoro muy interesante a tus canciones. Mi consejo siempre, es que estudies música, ya que este curso puede resultarte escaso en cuanto a ejemplos auditivos. Ojalá te incentive para animarte a entrar en este mundo mágico del arte mismo... En cuanto a la interválica, de la que hemos hablado en otros capítulos, conviene que sea "cercana", es decir, que no tenga "saltos" en grandes distancias de otras notas. Es preferible que estén cerca las notas a cantar o a ejecutar para que la memoria del oyente se sensibilice y recuerde tu canción, sobre todo, en los estribillos y pueda entonarla, aún cuando no la escuche. 7. La Melodía (2° parte) En la melodía podemos distinguir dos grandes partes, que son la estrofa y el estribillo (siempre y cuando, hablemos de música popular). Estas tienen diferenciaciones importantes, ya que, generalmente el estribillo es más "pegadizo" que la estrofa y es lo que nos hace recordar la canción en su totalidad. Si vas a componer una canción para ser cantada, es importante que conozcas que hay voces femeninas agudas (sopranos), semi agudas (mezzo sopranos) y graves (contraltos). En cuanto a las masculinas, las voces agudas son tenores, las semigraves, barítonos y las más graves, bajos. Cuando una melodía no puede ser cantada por el cantante estamos en problemas, pero son solucionables. Utilizamos lo que se llama transporte. Llevamos la misma melodía hacia tonalidades más graves o más agudas, de acuerdo a la necesidad del cantante. Hoy en día, lo teclados, tienen ésta función dentro de sus posibilidades y es cuestión de ir a "transpose" e ir al signo para "subir" la melodía, o al - para "bajarla" de registro, tocando incluso la melodía en la misma tonalidad en que la compusiste , aunque debes saber que si "subes", estás tocando en un tono, pero en la realidad física, estás más agudo de lo que tocas. Ej: si subes al número 2 en transpose, significa que de la nota do, estás subiendo dos semitonos, por lo tanto, estás en la tonalidad de re mayor, en vez de la de do. Tocás en DO, pero estás en re, se comprende. 8. Fraseos Melódicos y transporte Son una parte del lenguaje musical que da sentido a una parte del fragmento que escuchas o tocas. En la música clásica, si miras una partitura, verás unos signos o líneas largas o cortas que son curvos por encima de las notas. Estos indican el fraseo melódico. Así como en el lenguaje hablado tenemos "formas" o maneras de expresarnos, la música también tiene lo suyo al respecto. Estos fraseos indican al oyente que algo melódico comienza y que tiene una resolución también melódica. Cualquier fraseo puede llamarse "pregunta", por lo que tiene entonces una "respuesta" melódica o rítmica solamente. Si palmeas un ritmo tuyo, inventado, y


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algún amigo te "responde" de manera coherente pero distinta a ese ritmo que vos expresaste, estamos hablando de "pregunta y respuesta rítmica o melódica". Usted pregunta y él, responde. En tus canciones es importante que tengas esto en cuenta ya que a más fraseos, más difícil de aprender es la canción aunque, paradójicamente, es más rica en su composición y en su valor estético. Las frases pueden mantenerse en su ritmo, aunque tu melodía cambie. Es el caso de Bach, cuando realiza "progresiones", es decir, cuando modifica las notas, pero mantiene su ritmo. Esto es muy interesante al oído del que te escucha. Tus frases pueden estar a distancia de 4° o 5° justa respecto a la tónica, ascendente o descendente, te lo digo como propuesta didáctica para que empieces a hacer algo ya. Suponerte que tu melodía es do-mi-do-sol. Puedes "transportarla" luego, a sol-sisol-do. Porqué? Porque mantienes los mismos intervalos en el acorde de Do como en el de sol (que en este caso, es el quinto grado del acorde de do. Te acuerdas de eso?) No te saltees ni un solo paso de todo lo que te informo pues, puedes quedar en el camino y la idea es que en pocas clases, aprendas a componer melodías sencillas. Solo puedes determinar cuál elemento vas a destacar: o muchos fraseos distintos o fraseos similares repetidos, incluso, en otras notas de la escala que estés utilizando. Últimamente en la radio, se escuchan cosas melódicas aburridas y por citarte compositores creativos en el rock, no dudo en mencionarte a Charly García , León Gieco, Spinetta en nuestro rock nacional , pero en lo internacional , creo que debes escuchar Styx, U2, Inxs, Lionel Richie, James Taylor, Deep Purple (Mujer de Tokio y Murciélago Triste son exponentes claros de gran creatividad musical de este grupo), también date el gusto de oir a Alan Parsons (Mi Dios! Un grande de la electrónica y de la ingeniería de sonido!). Y por último, respecto a este tema, no olvides que los fraseos pueden hacerse tanto en la melodía como en el acompañamiento. Típico caso es "Humo sobre el agua" de Deep Purple, donde el bajo repite permanentemente notas iguales y en base a ellas, realiza su melodía. En música clásica, puedo mencionarte el Bolero de Ravel, donde también el bajo de la orquesta de cámara, hace el "lieve motive", o melodía repetitiva (hablo aquí de los sonidos graves de la obra). 9. Figuras musicales Son aquellas que determinan ritmos determinados y conforman la duración de los mismos. Es típico escuchar en al ambiente musical el tema del "PULSO". Este, está determinado por la figura de la negra, que dura un tiempo musical (que no tiene que ver con los minutos ni segundos físicos), sino que lo pre - determina la VELOCIDAD de la canción (canción más rápida, pulso más rápido). Si haces una canción lenta, tu pulso será lento y desde él, armaras la composición rítmica de tu tema. Se llama pulso alritmo que representa una determinada velocidad en una canción. Se representa con la figura de la negra casi siempre, y desde ella, determinamos las duraciones y otros valores rítmicos de nuestra composición. Esta negra puede ser más rápida o más lenta, depende del estilo de tu melodía. En el caso del bolero, la negra es lenta; si hablamos de rock o disco, la negra, SERÁ MÁS RÁPIDA. QUIERE DECIR, QUE ESTO ES RELATIVO al estilo de música que hagas. Otra figura más pequeña que la negra, matemáticamente hablando, es la corchea. Cada una de ellas vale medio tiempo (la mitad de la negra), generalmente se escriben de a dos y podemos recordar su ritmo, con la palabra "CO-RRO" acentuando la primera


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de esas corcheas "có-rro" . Se unen con una línea en la parte superior o inferior en pentagrama, depende el caso. La Semicorchea, en cambio, vale 1/4 tiempo. Quiere decir que en un tiempo, entran 4 de estas figuras. Recordar su ritmo con la palabra "RÁ-PI-DI-TO" será suficiente para que inventes algo con ésta figura tan interesante, acentuando también la primera semicorchea. La propaganda de "la gotita", recordas?????????????????: "Ló que la gotíta pega, náda , nada ló despega" está conformada por semicorcheas. Creo que aquí tenes un ejemplo práctico de la semicorchea y de su uso práctico. La blanca, dura dos tiempos y a diferencia de la negra, no se pinta por dentro. En su grafismo. Equivale a dos negras en cuanto a su duración. Es una figura doblemente más larga que la del pulso, entonces y se utiliza en partes más lentas de una melodía. Cualquier silencio que aparezca en tus canciones, implica una pausa sonora de la melodía. Las figuras musicales tienen todos unos silencios respectivos, que dura lo mismo que la figura que representa. En el caso de la negra, esa pausa, será de un tiempo; en la blanca, de dos, en la redonda, de cuatro, etc. Durante un silencio de cualquier figura, debe respetarse sin melodía la cantidad de pulsos respectivos a esa figura. (En silencio de redonda, debemos contar "para adentro" 4 pulsos sin ejecutar sonidos) 10. Nociones rítmicas básicas Antes que nada quiero advertirte que el ritmo es la base o esqueleto de cualquier canción, por lo cual, puedes crear muchos de ellos, distintos, sin necesidad de melodías (es lo que hace una batería, por ejemplo). Sobre estos ritmos puedes "construir" tu canción (o crear simplemente una base rítmica como acompañamiento). El ritmo en sí, tiene vida propia. En historia de la música se dice que el hombre comenzó a comunicarse a través de ritmos. Había uno para cada situación y era comprendido como un código auditivo: invitación a ritos tribales, disgusto, pena, alegría, fiesta, guerra, etc, y se ejecutaban sobre troncos de árboles huecos, tambores primitivos, y demás objetos. La melodía aparece después, a través del soplido de cañas huecas, cuernos de animales, soplido en plantas envainadas, etc. Existen infinitos ritmos, pero aquí quiero dejarte la estructura básica de ellos. El pulso es un tipo de ritmo, que tiene frecuencia de velocidad idéntica entre un primer golpe y el que le sigue (se dice que es el "corazón " de la canción, nunca se detiene en las pausas de las mismas). Lo marco con un objeto, instrumento, o alguna parte del cuerpo, (por ejemplo). En la orquesta, algunos músicos, suelen mover un pié mientras tocan, para no "apurar" la velocidad. El verdadero músico, el de años de carrera, debe tener internalizada esta noción, por lo que no marca con nada mientras toca. Lo siente por dentro y jamás se acelera, ni siquiera, en lo silencios. El Eco: Tipo de ritmo que se ejecuta o canta en forma idéntica a otro, hecho antes. Puede ser rítmico o melódico, ejecutarse en uno o varios instrumentos (uno primero y el otro, después). Es lo que ocurre cuando vas a la montaña. Dices una palabra y segundos después, escuchas tu propia voz con el eco y tu palabra completa. Pero ojo Si en la montaña aún estás hablando y ya escuchas tu voz, no es eco, es reverberación. Se diferencian en la distancia entre el que emite el sonido y la pared que lo hace rebotar. El Ostinato: Tipo de ECO que se ejecuta generalmente en partes de una canción, sobre todo, en aquellas en las que aparecen pausas melódicas o rítmicas.


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Es lo típico que ocurre en las canchas de fútbol. El hincha, sin saberlo, siempre hace ostinatos con bombos, tambores, palmas, etc. A veces usa fragmentos melódicos de mucha rítmica hablada y entre estos fragmentos, "coloca" el ostinato.

Un ejemplo, es la canción "Manuelita" de M. E. Walsh: en la parte que canta "Manuelita.... Manuelita.... Manuelita a dónde vas", en los puntos suspensivos, suele hacerse un ostinato, que siempre es el mismo ritmo. Este se pauta entre las partes intervinientes (músicos, hinchas de fútbol, etc) sin dialogar, solo se escuchan, se agregan y repiten lo mismo todos juntos. Te darás cuenta que lo rítmico es parte de tu vida, ya desde el vientre de tu madre, donde el pulso del corazón latía mientras eras un ser diminuto. En cuanto a la composición, puedes tener tu "esqueleto rítmico" y sobre él, hacer tu canción. Si no sabes música, puedes grabar lo que compones y llevárselo a un músico para que te lo "traduzca" en figuras musicales, como también para que lo "traspase" a pentagrama si es que ya tienes tu melodía compuesta. 11. Modos de Acompañamiento El acompañar una melodía, significa que cada parte posee un rol específico en la obra. La melodía, ejerce un papel primordial, y el acompañamiento, es la famosa "base" de la que muchos músicos hablan por ahí. A mi entender, el acompañamiento, es más que una base, es toda la estructura armónica que conlleva la obra y que "sigue" a la melodía en distintas estructuras sonoras. A veces, el mismo se da en la mano izquierda (casi siempre) y en otras, en la derecha (si hablamos del piano, claro) (en música clásica, es típico escuchar obras de Bach, con estas características donde el acompañamiento es llevado por la parte aguda y en los bajos, se destaca la melodía con el acompañamiento en la parte superior. Esto ocurre generalmente en obras barrocas hechas para clavicordio, clavecin o clavicémbalo, cuando aún el piano forte no existía) Cuando una melodía no tiene acompañamiento, se dice que ésta, es "a capella", cosa que ocurría con el canto gregoriano de la música religiosa de los primeros siglos del cristianismo: solo la voz ejecutaba una línea melódica, lisa y llana. Más adelante, cuando aparece la polifonía (o varias voces), se agrega a esta canción, una estructura armónica de instrumentos precarios, que siguen la línea de la canción desde un segundo plano. En la orquesta de cámara (aquella formada por pocos instrumentos), la melodía la conlleva el agudo como también el bajo de manera indistinta, y es muy interesante escucharlo, porque se aprende mucho solo con la audición de las obras.

12. Estructura final de tu canción Entonces, en este punto, creo que tenemos elementos suficientes como para "armar" algo con tus ideas melódicas o armónicas. A lo mejor eres un músico que "zapa" con acordes. A lo mejor, eres de aquellos que hacen melodías en forma constante, sin


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armonías que te "sigan" (¿blusero, tal vez?). Cualquiera de las dos maneras, pueden llevarte a una composición completa, si tienes en cuenta todo lo hablado. Si abordamos lo tuyo desde la melodía, te recuerdo que ella será la "patrona" para que " tus canciones armonicen", no olvidar lo hablado de las notas y la relación de éstas con los acordes (I-V-IV u otra relación que vos establezcas desde la tónica o nota fundamental), diferenciar "nota"( un solo sonido) de "acorde" (tres o más notas simultáneas, para mano derecha en piano, por ejemplo ), recuerda que acorde generalmente lo hace un instrumento melódico como el piano o la guitarra, que puede acompañarte, ya que pueden ejecutar varias notas juntas y que "melodía" es aquello que podemos cantar, a una sola voz, con o sin acompañamiento (también una trompeta, flauta traversa, saxo, clarinete, trombón, pueden hacer melodía, como la voz humana) La melodía tiene vida propia ya que la conforma, en primer lugar, un ritmo determinado y una entidad propia. El acorde acompaña siempre, esa es su función. El ritmo da diferenciación y estilo a lo compuesto, una claridad estructural al "todo" de lo que hiciste. De las notas depende mucho la facilidad de recordar tu canción (a intervalos más sencillos, más rápido se recuerda la melodía). Las notas deben tener una distancia equilibrada (ni mucha ni poca en cuanto a tonos, semitonos y a interválica), para ser "recordada" por el oído del oyente, que siempre va a preferir algo "fácil", ya que pronto podrá cantarlo y transmitirlo a otros, quizá esto te haría famoso!. De la armonía depende la "originalidad" creativa de tu obra, y a través de ella saltan tus conocimientos musicales, tu profesionalidad como músico. A veces hay melodías sencillas pero bien armonizadas, que pegan en los oídos, y suelen ser recordadas por décadas mira Los Beatles. Los fraseos van a darle al que escucha una idea de lo que quieres transmitir. De fraseos pegadizos, resultan melodías gloriosas. El transporte es fundamental para que tu cantante entone correctamente. Usa la compu de tu sintetizador en ese caso o de tu órgano, usa "transpose" para arriba, 1,2,3, para ir hacia los agudos y si tu cantante es femenina, agradecida estará!. En el caso de hombres cantantes, bajá los tonos -1,-2,-3 para lograr el mismo resultado tímbrico y puedan cantar cómodos.

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