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MÚSICA CONTEMPORÁNEA

MÚSICA CONTEMPORÁNEA EDICIÓN 1/2014


ÍNDICE IMPRESIONISMO

8

EXPRESIONISMO

DODECAFONISMO

MINIMALISMO

SERIALISMO

BIOGRAFÍAS POP

14

20

ESTILOS LATINOS

18

PROGRAMÁTICA

CONTEMPORÁNEA LATINOAMERICANA

28 32

39

JAZZ

12

¿SABÍAS QUE?

30

CONCRETA Y ELECTRÓNICA

50

ARTISTAS CHAPINES

36 42

ÓPERA CONTEMPORÁNEA

46

24

52


QUERIDOS LECTORES: Con mucha emoción les presentamos nuestro último proyecto de la clase de Música Contemporánea, una revista en la cual tratamos de incluir y resumir lo que vimos a lo largo de 5 meses en el aula. Los guiaremos gradualmente por un pequeño viaje en la música y sus diferentes corrientes que podemos decir que empezaron a florecer de una manera más fuerte poco a poco en el Post Nacionalismo con el cual empezamos a observar una mayor exigencia y educación en los músicos, tanto en lo teórico como en la ejecución de instrumentos. La variante se abre cada vez más a la disonancia y cromatismo, la música empieza a tener muchas más funciones que las que solía tener. Dentro de la revista encontraran datos históricos, biografías y características de cada corriente o movimiento.

EDITORIAL

Con mucho agrado y confianza esperamos puedan aprender y disfrutar de esta primera edición de MÚSICA CONTEMPORÁNEA. Atentamente,

Andrea Esperanza Rodríguez-Portilla


IMPRESIONISMO


¿Qué es el impresionismo? Entonces, ¿es posible hablar de un impresionismo musical? Solamente si, analógicamente, se hace referencia al movimiento pictórico que se llevó a cabo en Francia a finales del siglo XIX. En este movimiento florecieron las técnicas del puntillismo y del divisionismo que pronto fueron acuñadas a las obras de Debussy y Ravel quienes utilizaban “puntos” sonoros de gran impresión para describir la realidad sonora de un espacio determinado. Para describir esta relación, Helguera (1999) cita a Bolero quien alega: La paleta orquestal de Ravel es tan rica que, como sugiere Adolfo Salazar, lo mismo le permite plasmar delicadas acuarelas en Mamá la oca (1908) que pintura al pastel en Papsodia española (1907), óleos asombrosos como el ballet Daphnis y Chloe (1912) o brillantes ejercicios casi didácticos de gama colorística como el exitoso Bolero (1928). En consecuencia, el impresionismo musical, más que un periodo o un movimiento musical dentro de un determinado momento histórico, es una concepción estética que se mueve paralelamente al movimiento pictórico francés del mismo nombre antes ya mencionado. En este se destaca el “puntillismo sonoro, la riqueza de color tímbrico y la prioridad de la impresión artística y la atmósfera poética.” (Helguera, 1999)

Características Puntos sonoros o puntillismo musical Divisionismo musical Riqueza tímbrica Prioridad de la impresión artística Atmosfera poética Base en literatura y pintura 


Curiosidades En nombre de esta corriente artística surge a partir de un cuadro de Monet titulado Impresión. Sol naciente. El impresionismo no es una corriente propiamente musical, surgió como una corriente en artes visuales, especialmente en la pintura.

Preludio a la siesta de un Fauno, obra orquestal escrita por Debussy, fue la primer obra considerada moderna de principio a fin y que se muestra como ejemplo claro del impresionismo de la época. Debussy, lejos de aceptarse programático, aseguraba que los títulos de sus obras eran solo un toque poético al arte de sus melodías.

Por Luis Escobar


¡Una Nueva Corriente Musical! El impresionismo y el realismo han llegado a su fin, los nuevos artistas jóvenes han decidido romper con esa tradición. Cansados de lo mismo y de ver como es la realidad, han decidido expresar sus ideas, sentimientos y pensamientos de otra manera. No como han venido haciendo, siendo el arte muy objetivo, no por lo que perciben desde afuera, sino por lo que sienten por dentro. Cada quien a su manera. El expresionismo no se trata solamente de expresar los sentimientos, pues de eso se trata toda rama artística de la expresión, sino que se trata de una exageración de los sentimientos La primera expresión artística en rendirse fue la pintura,

“Paseaba por un sendero con dos amigos - el sol se puso - de repente el cielo se tiñó de rojo sangre, me detuve y me apoyé en una valla muerto de cansancio - sangre y lenguas de fuego acechaban sobre el azul oscuro del fiordo y de la ciudad - mis amigos continuaron y yo me quedé quieto, temblando de ansiedad, sentí un grito infinito que atravesaba la naturaleza.” Edvard Munch Le siguió la literatura y luego las demás artes, entre ellas la música. Que pretendía, al igual que las otras artes, desligarse de lo convencional, de lo que ya se había oído. Buscaban novedad y experimentación de nuevos sonidos para poder expresar sus sentimientos. Buscan lo dramático mediante el uso constante de disonancias que producen una tensión continua, sin momentos de reposo. O silencios en largos tiempos para crear más tensión. La melodía pierde importancia y surge el canto recitativo. Se Rompe con las normas tradicionales de instrumentación, utilizando los instrumentos en registros poco habituales y con efectos tímbricos novedosos.

Por Ana Cecilia Villegas


EXPRESIONISMO


DODECAFONISMO


Una ideología del método de composición con doce notas que enunció Arnold Schönberg durante una conferencia dictada el Los Ángeles en 1923, tras seis años durante los cuales no publica nada de música. Las raíces del dodecafonismo se encuentran en el estudio exhaustivo de las obras musicales de finales del siglo XIX, especialmente en la expansión del lenguaje armónico tonal, especialmente el uso extendido de la enarmonía y de la emancipación de los acordes de séptima, novena, oncena y trecena.

EXPRESIONISMO

Según Schönberg, una perspectiva histórica de la armonía permite descubrir que el enriquecimiento del lenguaje tonal se debe al uso cada vez más amplio de la serie de armónicos.

(Serie de armónicos)

Ideas básicas sobre el dodecafonismo • El concepto es en principio muy sencillo: ninguna nota posee superioridad tonal o armónica (dentro de un acorde) sobre otra. • El dodecafonismo o “música de doce tonos” es un sistema de composición atonal. • En la técnica de composición, las doce notas de la escala cromática tienen la misma importancia. Es decir, ninguna domina sobre las demás. • Es lo contrario de lo que ocurre en el sistema tonal de música (siglos XVII al XIX), basado en tonalidades mayores o menores con un orden jerárquico, en la que una nota actúa como centro tonal.

Bases para la construcción de una serie dodecafónica: La serie consta de las doce notas de la escala semitonal, dispuesta en un orden específico. •Ninguna nota de la escala semitonal aparece más de una vez dentro de la serie. La serie puede ser expuesta en cualquiera de sus aspectos lineales: aspecto básico, retrógrado, inverso o retrógrado-inverso. La serie y sus aspectos lineales pueden ser expuestos sobre cualquier nota de la escala semitonal. Se evita el uso de intervalos consonantes entre un término y otro, salvo el intervalo de sexta mayor. No se utilizan más de tres semitonos por grado conjunto de forma ascendente o descendente. Se evita la creación de arpegios tonales en cualquier inversión, incluso por enarmonía. El orden de los términos de la serie son fijos, pero los registros son libres. 


Bases para la construcción de una serie libre: • La serie puede utilizar una cantidad libre de notas. • Las notas pueden repetirse o no dentro de la serie. • No es necesario utilizar todas las notas de la escala semitonal. • Las series deben responder a un principio básico de organización. Inversiones de las series dodecafónicas: Para trabajar una serie dodecafónica en sus elementos lineales podemos utilizar dos métodos, el primero es elaborar una matriz dodecafónica que es una cuadrícula de doce filas y doce columnas, en las cuales se escriben las transposiciones de la serie a partir de la serie original. Por Juan Manuel González D

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(Matriz dodecafónica)

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MÚSICA PROGRAMÁTICA


¿Qué es? Es un estilo de composición académica contemporánea que musicaliza temas de un contexto extra-musical narrativo, es decir, crea música donde no la hay para aumentar el impacto del contenido. ¿Cómo funciona? Desde muy pequeños, a los seres humanos se nos enseña a cómo deben ser las cosas, así como a cómo reaccionar ante un determinado sentir. Así mismo en la música, por ejemplo: “Si está en tonalidad menor, se debe sentir tristeza.” A este fenómeno se le llama programación, y es de donde se deriva la música programática. ¿Para qué se usa? Ésta música se emplea en televisión, películas, videojuegos, narrativas, libros, teatro, básicamente en cualquier forma de presentación audible a un público. Datos de interés Existe una gran discusión sobre el objeto de la música para el hombre, la música absoluta, en contraste a la programática, está destinada a ser apreciada sin ninguna referencia en particular al mundo exterior. “La música es incapaz de expresar nada por sí misma” – Igor Stravinsky. El público es influido a sentir por la cultura o las enseñanzas que ha recibido. Éstas inducen a discernir qué suena bien o mal, qué es agradable o desagradable, por lo que la música, sin contexto cultural, no expresa nada más que lo que la cultura conduce a recibir de esa expresión. “Symphonie Fantastique” de Berlioz, narra una serie de eventos inducidos por fármacos de las fantasías mórbidas relativas al amor no correspondido de un poeta sensible que implica el asesinato, la ejecución y los tormentos del infierno.

Por Abdul Medina


MINIMALISMO

Cuando menos es MÁS.


¿En qué consiste? El minimalismo es una corriente que surge durante la época de los 60’s, en medio de una ola de eventos a nivel mundial. Entra específicamente del lado de la expresión arquitectónica como una forma de demostrar que la simpleza puede vencer estética y expresivamente a la ostentosidad de lo adornado. ¿Y en la música? La música minimalista se catalogó en un principio como música experimental o música downtown, la cual se basa aun en la armonía consonante, en pulsos constantes, en lo estático o en las lentas transformaciones, a menudo en la reiteración de las frases musicales en pequeñas unidades como figuras, motivos y células. Pero… ¿qué expresa en sí la música minimalista? La música minimalista tiene una función muy similar a la expresión arquitectónica de la misma: transmitir a partir de las pulsaciones constantes, con motivos repetitivos pero cambiantes, alternados pero simples, los sentimientos, ideas o capacidades compositivas de un autor específico.

¿Efecto Psicológico? Muchos abogan por el hecho de que la música minimalista, al tratarse de una serie de frases en constante repetición y alternancia unas con otras, llaman más la atención de la audiencia, haciendo más atractiva la obra al oído público. ¿Por qué? Esto se debe al hecho que al estar escuchando una y otra vez una sola cosa, prestamos más atención a los cambios que dentro de la obra se dan, pudiendo incluso, tener noción de cuantos cambios o variaciones se han dado en la obra sin mucha dificultad. En conclusión, la música minimalista nos mantiene siempre atentos a lo que pueda pasar. Autores La primera obra del minimalismo se dio a conocer en 1964. “In C”, de Terry Riley, es una obra de carácter minimalista, cuya sonoridad es extraída de un aparataje sonoro muy característico. En esta obra encontramos una serie de sonidos ambiente, los cuales reproducen células rítmicas constantes y con algunas variaciones dentro de la obra. Aunque Riley fue el primero en abordar este tipo de música, el exponente más importante de este género es realmente el compositor Estadounidense Philip Glass, cuya obra, desde sus inicios, estuvo muy influenciada por la música hindú y la música de autores como John Cage. Aunque melódicamente limitada, la música de Philip Glass es mundialmente famosa por su expresividad, siendo incluso utilizada para adaptaciones cinematográficas en películas como “The Hours”, “Notes on Scandal” y “Kundun”.

Por José Andrés Gutiérrez


Al hablar de música contemporánea pueden surgir diferentes pensamientos y criterios. Por ejemplo: la música comercial contemporánea, a la música religiosa, secular, e incluso podría salir tantas ideas y ramas musicales como fueran posibles. Sin embargo en este artículo nos vamos a referir a música contemporánea Latinoamericana académica, incluyendo obras importantes, fundamentos, compositores, entre otros.

Datos interesantes… Aunque existen obras de compositores latinoamericanos, algunas influencias son tomadas de autores occidentales e incluso de estados unidos. Dentro de los países que promueven la creación de obras y de ejecución como tal son: Argentina, Brasil, Venezuela, México y Guatemala. Sabias que Guatemala ha tenido grandes compositores, intérpretes y distinciones internacionales en cuanto a creación de música contemporánea. Algo curioso que el objeto de este tipo de música no trata de ser comercial ni espontanea, sino de permanecer a través de su propia gente. Dentro de algunas raíces logra relucir música folclórica de cada compositor, pudiendo tomarse como música nacionalista. Entre los maestros Guatemaltecos tenemos a:+ Jorje Sarmientos, Joaquin Orellana, Enrique anleu, +Jesús Castillo, +Ricardo Castillo, Igor de Gandarias, Paulo Alvarado.

COMITES, ASOCIACIONES E INSTITUCIONES Y PAISES QUE RESPALDAN O ESTAN EN BUSCA DE LA MUSICA CONTEMMPORANEA LATINOAMERICANA:

Sociedad Venezolana de Música Contemporánea. Sociedad internacional de música contemporánea. Universidad Bolivariana. (Venezuela) Fundación Latinoamericana para la Música Contemporánea.


MÚSICA CONTEMPORÁNEA LATINOAMERICANA


TABLA DE ALGUNOS COMPOSITORES CONTEMPORANEOS LATINOAMERICANOS.

COMPOSITOR

PAIS

OTROS.

FECHA

Raul Minsburg.

ARGENTINA

Compositor, investigador, docente,

*****

Silvestre Revueltas

MEXICO

Obra importante SENSEMAYA

1899-1940

Pablo Moncayo

MEXICO

HUAPANGO obra importante

1912-1958

Manuel Ponce

MEXICO

Estrellita obra importante

1882-1948

Blas Galindo

MEXICO

Sones de mariachi

1910-1993

Jorge Sarmientos

GUATEMALA

Músico, compositor, director.

1931-2012

Joaquin Orellana

GUATEMALA

Concierto marimba y orquesta Compositor y músico.

1937-

Enrrique Anleu

GUATEMALA

Emulo lipolidon, ante par III Direc. Orques, violinist, maestro de armonía. Pintor.

1940-

Alberto Ginastera

ARGENTINA

Compositor, obra importante, op. 8

1916-1983

Ricardo Castillo

GUATEMALA

Compositor y violinista,

1891-1966

La procesión, Guatemala movimientos sinfónicos. Compositor e investigador. Fiesta de pájaros.

Jesus castillo

GUATEMALA

1877-1946

Astor Piazolla

ARGENTINA

Bandoneonista y compositor

Paulo Alvarado

GUATEMALA

MILONGA TRISTE Chelista

Alfredo del Mónaco

VENEZUELA

Danzas contemporáneas Compositor y pianista

1938-

Alfredo Rugeles.

VENEZUELA

Direc de orques, compositor

1949-

Igor de Gandarias

GUATEMALA

Sal-cita Músico electroacústica

1953-

Adina Izarra

VENEZUELA

Suite Asturias. Compositora, obra importante querrequeres

1959

German Alcantara

GUATEMALA

Compositor , director. Flor del café

1863-1910

1921-1992

Por Orlando Sicajol


SERIALISMO


¿SABÍAS QUE? 

La música serial pretende que desaparezca la jerarquía de los sonidos entre sí.

El serialismo es un método de composición que utiliza series, esto se refiere a conjunto de notas que no se repiten, sino más bien siguen un orden o serie definido por elementos.

Ocasionalmente, se confunde la música serial con otras corrientes como la música aleatoria y el dodecafonismo pero se refieren a diferentes conceptos.

El serialismo tuvo dos formas: Serialismo dodecafónico y serialismo integral.

CURIOSIDADES “Triple A” era el nombre que les daban a Arnold Schonberg y sus discípulos Alan Berg y Anton Webern, quienes fueron compositores importantes del serialismo. La cuna del serialismo musical, tal y como lo concibió Schoenberg, fue la misma Viena de Adolf Loos, Karl Kraus y del primer Wittgenstein, todos ellos obsesionados por la depuración del lenguaje. El serialismo reemplaza la “medida” y “el compás” por un sentido de valor corto y la libre multiplicación de este. Dentro del serialismo nace la idea “valores añadidos” en donde los modelos regulares adquieren flexibilidad rítmica, añadiendo o quitando valores. El serialismo además de tener diferencia en sus notas también tiene combinación y variación en sus elementos es decir: timbre, duración e intensidad. El serialismo es un estilo de composición objetiva que muestra tendencia a crear características individuales del sonido musical (elementos).

PREGÚNTALE A EXPERTOS ¿Cuál es la diferencia entre música serial y aleatoria? La diferencia entre la música aleatoria y el serialismo radica en que la música serial es organizable, mientras que la aleatoria no lo es del todo, además de tener un carácter anti-racionalista porque depende más del azar, caso contrario al serialismo.

¿Cuál es la diferencia entre música dodecafónica y serial? El dodecafonismo, podemos decir es una corriente paralela al serialismo, con la diferencia que en la música serial no necesariamente tienen que aparecer los doce tonos como en el dodecafonismo.

¿Cuál es la diferencia entre serialismo dodecafónico y serialismo integral? La propuesta del serialismo dodecafónico es establecer un principio serial a las doce notas de la escala cromática, mientras que el serialismo integral representa un paso más adelante del dodecafonismo, se establece un orden no sólo para la sucesión de las diferentes alturas, sino para la sucesión de las diferentes y la sucesión de las dinámicas.

Por Pamela Castañeda


Sabías que


…… Los 27 años de vida son conocidos como “La edad maldita del Rock N Roll”. Esto debido a que muchas estrellas del género han muerto de forma trágica a esa edad. Entre ellos podemos encontrar a Jimi Hendrix, Janis Joplin, Amy Winehouse (sobredosis), Kurt Cobain (Suicidio) y Jim Morrison (Causa desconocida) …… Tony Iommi, guitarrista de Black Sabbath, es considerado por muchos como “El Padre Del Heavy Metal”, gracias a los sonidos lúgubre y extremadamente pesados de los que fue pionero en 1970. Sin embargo, estos sonidos lo obtuvo Iommi gracias a una tragedia que casi le cuesta su carrera: Trabajando en una fábrica una máquina le arranco partes de sus dedos, por lo que para poder tocar tuvo que usar prótesis de goma y bajar la tensión de las cuerdas en su guitarra. Así nace el sonido del Heavy Metal. …… Durante los años 80s, hubo una cruzada por parte de organizaciones conservadoras y religiosas para censurar a ciertos artistas de Rock y Heavy Metal. Esto, debido al contenido lírico de muchas de las canciones del género, las cuales estaban fuertemente cargadas de sexualidad, violencia, rebeldía e incluso hasta satanismo. Al final, las medidas que se tomaron resultaron contraproducentes: La censura solo incrementó las ventas y la popularidad de la mayoría de artistas rockeros y metaleros. …… Existe un mito muy popular el cual afirma que Paul McCartney murió en un accidente de carro en 1967 y desde entonces es un doble el que, secretamente, apareció en las portadas de Los Beatles y lleva una exitosa y longeva carrera como solista.

Por Diego Contreras


BIOGRAFÍAS


The Beatles, grupo británico activo durante la década de 1960, ampliamente considerado como uno de los más influyentes e importantes en la historia de la música popular. Los orígenes del grupo se remontan a los años 50s cuando John Lennon y Paul McCartney se conocen en la escuela secundaria, descubren su gusto en común por el Rock N´ Roll y empiezan a escribir canciones en la casa de Paul. Tras años de formación callejera, grupos esporádicos, fracasos comerciales y cambios de integrantes, el grupo termina de definir su alineación definitiva con el ingreso de George Harrison en la guitarra y mucho tiempo después, del baterista Ringo Starr. Los años 1961 y 1962 marcarían la carrera de The Beatles gracias a la intervención de dos personajes claves en su historia: Brian Epstein, el manager en gran parte responsable de su salto a la fama y George Martin, productor musical responsable de la mayor parte de su trabajo en estudio. Apoyados por Epstein y Martin, graban su primer EP “Please, Please Me”, el cual es un rotundo éxito en el Reino Unido y en el que ya destaca la sensibilidad musical y de composición que caracterizaría al grupo. En 1964, a partir de su llegada a Estados Unidaos gracias a ágiles movidas de Epstein se desata uno de los fenómenos musicales y culturales más destacados del Siglo XX: La Beatlemania. A partir de aquí, The Beatles se convierten en estrellas mundiales y logran trascender más allá de lo puramente musical, se convierten en un símbolo icónico de la cultura popular. Acompañado del estrellato sin precedentes, el trabajo musical y conceptual de la banda muestra grandes avances e interesantes caminos. Help! (1965) sería su último disco considerado “pop”. A partir de ahí, cada disco de los Fab Four muestra un trabajo serio, experimental y con grandes méritos artísticos, los cuales abarcarían el Folk (Rubber Soul-1965), el Rock Psicodélico (Revolver- 1966), el primer albúm conceptual y de Art Rock de la historia (Sgt.Pepper Lonely Heart Club Band-1967). También destacan discos que son difíciles de catalogar en un solo género, pero no así dignos de considerarse como obras maestras (White Album-1968, Abbey Road-1969, Let It Be 1970). Los méritos y reconocimientos de la banda, aparte de su indiscutible éxito comercial y crítico, abarcan formas de composición musical inusuales y revolucionarias para su época, técnicas pioneras en el uso de los estudios de grabación y una influencia incalculable en la cultura popular del Siglo XX..

Por Diego Contreras


SCHOENBERG

UN COMPOSITOR INMORTAL Considerado como un icono inamovible de la música del siglo XX, pues más allá de la revolución que causó con su música, rompiendo toda tradición romántica y académica, más allá de lo causado sin ninguna intención, existe lo intencional, su inclinación por la música romántica-germánica. Conocido como el padre del expresionismo, el habla en sus escritos de una misión profética musical, Paso del postromántico a imponer un atonalismo que adquirió forma definitiva en el método de composición dodecafónica en 1923, considerado uno de los principales elementos del expresionismo. Luego, en su exilio americano, se vió enfrentado a los conceptos neoclásicos del Stravinski tardío, influenciando notablemente en las posteriores generaciones de compositores norteamericanos y de posguerra. Maestro de otros grandes compositores exponentes de esta misma corriente: Albán Berg y Anton von Webern. Que continuaron y modificaron cada quien a su manera la música expresionista. De las obras más famosas de Shoenberg están: Pierrot Lunaire: que se trata de 21 Poemas de Albert Giraud, divididos en 3 grupos, 1) amor, sexo y religión, 2)Violencia, crimen y blasfemia y 3) Pasado acechándolo Instrumentación: Voz, flauta (piccolo), clarinete (Bass clarinete), violín (viola), cello, piano. Noche Transfigurada: Instrumentos: 2 violines, 2 violas, 2 cellos. Pasado en un poema de Richard Dehmel y se divide en 5 secciones comenzando por la tristeza de la confesión de la mujer; un interludio de carácter neutral donde se perciben las sensaciones del hombre al recibir la noticia; y un finale, cuando el hombre le brinda aceptación y perdón a la mujer.

Por Ana Cecilia Villegas


Se hizo una entrevista a Jean-Henri-Alphonse Barraqué quien fue un compositor francés de música clásica contemporánea, representante y difusor de la música serial. A continuación las preguntas que nos respondió:

¿Dónde y cuándo nació? En Puteaux el 17 de enero de 1928

¿Qué instrumentos interpreta? En la década de 1940 fui cantor en Notre Dame y además aprendí piano.

¿Cómo descubrió su vocación por la música? Escuchando de la ‘’Sinfonía inconclusa’’ de Schubert ¿Quiénes fueron sus maestros? Fui alumno de Jean Langlais (armonía y contrapunto), y sobre todo, entre 1948 y 1951, de Olivier Messiaen, del cual seguí el célebre curso de análisis musical.

¿Cuál considera fue su mayor aporte a la música serial Definitivamente fue el desarrollo de la técnica de las “series proliferantes” que son un “mecanismo onírico” en el cual los intervalos se imbrican y se desagregan, engendrando una música que se inventa sobre ella misma y se destruye en su curso.

¿Puede mencionarnos algunas de sus obras famosas? Séquence, Sonata para piano, Étude de musique concrète, Le Temps restitué, au-delà du hasard, Concerto, Chant après chant, Portiques de feu, Hymnes à Plotia I et II, La Muerte de Virgilio, fragmentos.

Por Pamela Castañeda

JEAN BARRAQUÉ


CONCRETA Y ELECTRÓNICA


CONCRETA

Se le llama música concreta ya que utiliza sonidos que ya existen, como sonidos de maquinas, la naturaleza etc. Los cuales se perfeccionaban con instrumentos electroacústicos. Pierre Shaeffer un compositor francés es conocido como el fundador de la música concreta. Debido a que el compuso Cinco trabajos para fonógrafo. Conocidos como Cinco estudios sobre ruidos incluyendo; Estudio en Morado y Estudio sobre Raíles. Estos se presentaron en un concierto ofrecido en 1948 en París.

Se desarrolló una práctica estética que estaba centrada en torno al uso del sonido como recurso primario para la composición y enfatizaba la importancia del juego en la creación de música. La creación de la música concreta fue gracias al perfeccionamiento a que habían llegado los aparatos grabadores y reproductores de sonido, como la cinta magnetofónica, además de incorporar la electro acústica. ¿Sabías qué?

En 1948 un estudio de radio estaba formado por una serie de reproductores de discos de goma laca, un grabador también de goma laca, una mesa de mezclas, con potenciómetros rotatorios, reverberación mecánica, filtros de audio y micrófonos.


Se conoce como música electrónica a aquella que se crea a través de aparatos electrónicos como el sintetizador o el sampler. En la actualidad con el avance acelerado de la tecnología la música electrónica se ha vuelto una corriente con bastante audicioncita. Primeros instrumentos Electrónicos: El Theremin monofónico, primer instrumento considerado electrónico, se tocaba sin que el intérprete tuviera que poner las manos encima. Estaba compuesto por dos antenas metálicas salían de una caja de madera; la vertical controlaba el tono y la horizontal el volumen. Al mover las manos cerca de las antenas, la capacidad natural del cuerpo del intérprete provocaba fluctuaciones en los osciladores correspondientes, lo que causaba una subida del tono y un aumento del volumen. El Ondes-Martenot Parecido al Theremin ya que utilizaba los mismos circuitos básicos para generar el sonido y podía producir ruidos parecidos. Era una especie de clavicordio acoplado a tres armarios, contradecía el hecho de que tocarlo resultase muy fácil. Además del teclado "estilo piano", el Ondes-Martenot contaba igualmente con un controlador de cinta que servía para imitar la forma de tocar el Theremin. Esto último permitía obtener a la vez melodías precisas y barridos de cambios de tono. ¿Sabías qué? En 1963 se crea una de las primeras melodías electrónicas del tema musical de la serie Doctor Who La compositora Wendy Carlos Popularizo el uso del sintetizador, tomaba piezas barrocas y las reproducía con el sintetizador, algunas de esas piezas se pueden escuchar e la Película La naranja Mecánica Personaje Destacado Robert Moog Fue un inventor estadounidense. ingeniero electrónico con formación musical, A mediados de los años sesenta, construyó el primer sintetizador controlado por tensión. Lo revolucionario del diseño de Moog fue su empleo del control de la tensión para variar el tono del oscilador o el volumen del amplificador. Los instrumentos anteriores, como el Theremin, se basaban en condensadores que modificaban el tono de un oscilador, mientras que los teclados previos sólo recurrían a un conjunto de osciladores, uno por cada tecla,

Por Zaira Pacajoj


El termino música pop proviene del término en ingles “pop music” sin embargo a sus inicios la música pop no era un genero establecido de música como lo es ahora, a sus inicios se le llama música pop a todo aquello que no fuera música de culto o música clásica. Algunos de los géneros que entraron al principio en la familia de la música pop fueron el jazz, funk, soul, rythm & blues, rock, etc. Hasta que algunos años más tarde la música pop fue entendida como una derivación del rock n roll el cual tuvo sus inicios allá por los años 50´s. la llegada de los Beatles en el año 1962 marco el regreso de la música luego de un distanciamiento de los artistas de la época y el nacimiento de la música pop. Los Beatles fueron la inspiración para un sinfín de bandas que surgieron a partir de su llegada, los que creó un gran movimiento pop tanto en Gran Bretaña como en los Estados Unidos de América. La música pop se ha caracterizado por absorber influencias de todos los demás géneros musicales, al principio la música pop se basaba en las baladas sentimentales las cuales mantenían influencias fuertes del góspel, soul, además tomaban partes de las armonías de jazz y la instrumentación del rock y el country. Esto hizo de este nuevo género algo muy llamativo y que sin duda atraía cada vez más a nuevos oyentes.

La música pop al igual que el rock se favoreció de las innovaciones tecnológicas, que iban desde los nuevos avances en microfónica personal hasta la transmisión satelital y el uso masivo de los radiotransmisores. la televisión (1950) tuvo un gran impacto en la industria musical ya que las presentaciones televisadas en vivo exigían una presencia visual fuerte para los artistas, Michael Jackson y Madonna fueron artistas muy beneficiados por los programas de música en televisión tales como MTV.

La industria musical Sin lugar a dudas la industria musical ha estado dominada por los Estados Unidos y por Gran Bretaña creando una monocultura por todo el mundo, sin embargo con el pasar del tiempo cada país y región a creado su propia música pop con características regionales, culturales y sociales diferentes como es el caso del K-pop, música pop originaria de corea, la cual ha tenido un crecimiento rápido y se ha expandido por todo el mundo. Una de las muchas apariciones en el siglo XX con respecto a la industria musical fueron los teatros de Broadway los cuales se basaban en hacer musicales, esto creo un gran efecto en la música y en la composición de las piezas ya que se adaptaban para ser piezas pegadizas y que tuvieran mucho significado y así convertirla en pasos de baile y de teatro. Las composiciones de estas fechas era sin duda alguna música popular que tenía que llamar la atención de las masas en general.


¿Sabías que…?

Para realizar la coreografía de 'Smooth Criminal' que desafía a la gravedad, en los conciertos se utilizaban unos ganchos que salían del suelo. Allí, con unos zapatos especiales, Michael Jackson y los bailarines que lo acompañaban se 'enganchaban', mientras que en otra parte del escenario aparece un hombre simulando que tira una bomba para atraer la atención del público.

John Lennon escribió Lucy in “The Sky with Diamonds”, en honor a su hijo Julian, ya que él un día llego de su preescolar mostrándole un dibujo de una chica que volaba por el cielo lleno de diamantes, y le dijo a su papá que era Lucy en el cielo, la chica que le gustaba.

Por Manolo Castillo


ÓPERA CONTEMPORÁNEA


C(h)oeurs es una ópera que está conformada por piezas importantes de los compositores Giuseppe Verdi y R. Wagner. Es controversial escuchar el Requiém de G. Verdi, y ser interpretado por personas que bailan y expresan el pesar de los sentimientos y emociones. El director escénico fue Alain Platel. Según Platel (2013) «C(h)œurs constituye una reflexión sobre las emociones que genera el encuentro del individuo con el grupo, la dinámica de los movimientos colectivos y la dimensión de lo público y lo privado, temas de gran actualidad por las transformaciones que experimenta la sociedad de hoy.

1911-2007) Compositor estadounidense, destacado por sus aportes en la ópera contemporánea. Obtuvo los premios: Kennedy, Pulitzer de la Música, Beca Guggenheim en artes creativas, etc. Inició sus composiciones a los 7 años con pequeñas canciones. Destacó por sus composiciones operísticas como: The Medium, Goya (1986), La Loca (1979), the Singing Child (1993)

Por Nina Perez


ÓPERA CONTEMPORÁNEA


JAZZ


LINEA CRONOL[OGICA Surge por el encuentro de la tradición musical africana y la europea, en un escenario preciso, Estados Unidos, a raíz de la llegada de los esclavos negros desde principios del siglo XVII. 1885 - Inicia con el blues, las canciones de trabajo en las plantaciones de algodón o “worksong”. 1923 - Se inauguro la época del swing con la “Creole Jazz Band” siendo este el punto de inflexión entre la música callejera y el jazz, esta etapa es considerada la corriente principal intermedia entre el jazz tradicional y el moderno. 1940 - Bebop trato de representar los orígenes del jazz de reinterpretar, reescribir mediante la exploración de nuevas melodías y la ampliación de registros sonoros. El rhythm and blues fue la forma más popular de la música afroamericana, alcanzo un desarrollo imparable gracias a figuras como Ray Charles, Louis Jorda o Chuck Berry 1951 - Cool y el hardbop en la costa oeste de los Estados Unidos, Lennie Tristano, Lee Konitz, Dave Brubeck y otros músicos blancos, le daban al jazz una impronta estilísticamente más culta. En la Costa Este, surgió con enorme fuerza un estilo que los negros neoyorquinos no duraron en considerarlo no solo como una respuesta al presunto amaneramiento del jazz, sino como legítimo heredero del bebop. Llego al jazz aires renovados que inauguraron toda una época: Llego el jazz libre o “freejazz”. 1970 – hasta hoy el jazz sobrevivió a crisis existenciales importantes, supero la década de los ochenta y regresó a los noventa con fuerza inusitada. Hoy en el siglo XXI, no se puede predecir a alguien capaz de igualar el genio creativo de los músicos que formaron y cimentaron estas épocas, pero hay algunos que apunta fuerte y que dar de sí, para demostrar lo que llevan dentro… Compositor destacado Uno de los mejores y más influyentes del mundo…. John Coltrane: Nació en Carolina del Norte el día 23 de septiembre de 1926 y falleció a los 40 años en Nueva York el día 17de julio de 1967. Coltrane fue saxofonista (tenor y soprano) y ocasionalmente flautista. Coltrane fue famoso debido a su gran extensión en los solos de jazz, rompiendo cualquier límite, el saxofonista creaba temas de hasta media hora de duración. El saxofonista se unió al grupo de Dizzy Gillespie en 1949, la participación de Coltrane en esta banda sólo duró un año, pero no dejo de colaborar con Gillespie. En 1955 Miles Davis lo invitó a participar en su conjunto y estuvo con él hasta el año 1957, y fue ahí en donde dio a conocer su gran calidad musical. Un año después se unió a la agrupación de Thelonious Sphere Monk y fue hasta 1960 cuando Coltrane creó su primer grupo. Coltrane murió de cáncer de hígado en el Huntington Hospital en Long Island.


¿Sabías qué? Sabias que el famoso trompetista Dizzy Gillespie una de las figuras más relevantes en el desarrollo de bebop fue el invitado especial en “The Muppet Show” en 1.979.

El 5 de Febrero de 1.969, en el escenario del Club Paradiso de la ciudad de Amsterdam, Dexter Gordon registra una de sus mejores grabaciones en directo. La atmósfera es mágica y densa. ¿Quién podría imaginar que el pianista Cees Slinger, luchaba contra un viejo piano al que le faltaban varias teclas?

En la noche del 15 de Mayo de 1.953, los asistentes al concierto organizado por la New Jazz Society en el Massey Hall de Toronto, en Canada, se preparan para escuchar a los grandes "gurus" del Be-bop Dizzy Gillespie y Charlie Parker. Parker llega a Canada sin su instrumento y los organizadores consiguen en una tienda de instrumentos musicales, un saxo de plástico blanco.


ESTILOS LATINOS ¿Cuánto sabes de estilos latinos?

Une con una linea cada estilo con su descripción

Estilo que se desarrolló en Chile durante los años 50. Se considera música de protesta, porque sus textos manifiestan un rechazo a la intervención política, militar, económica de los países americanos. Durante los años 50, aparece la forma musical que surgió de la fusión de la samba y el jazz. Ritmos de origen cubano, destacan las percusiones caribeñas y su música enérgica melódica. Los instrumentos de viento metal aportan un sabor melódico.

Tango Guaguanvó Rumba Nueva Canción Bossa Nova

Forma musical que dio lugar en Argentina y Uruguay. Uno de los instrumentos más importantes es el acordeón.

Por Nina Perez


Género musical que deriva del reggae jamaiquino y está influenciado por el hip hop. Se desarrolló en Panamá en los años 70 y a principios de los 90 en Puerto Rico.

Género musical tradicional de Colombia y Panamá en 1940. Tiene elementos musicales de melodías precolombinas y ritmos africanos.

Cumbia Merengue Vallenato

Género musical que surge en la costa caribe colombiana. Se caracteriza por los sonidos del acordeón, caja vallenato y guacharaca.

Reguetón

Baile característico de Brasil. Tiene una gran importancia en el Carnaval de Río.

Chachachá Bolero Mambo Salsa

Género musical y baile de origen cubano. Fue desarrollado durante los años 30 por los hermanos Cachao. Género musical que surgió de la fusión de diferentes características del son cubano, son montuno y jazz. Ritmo originario de Cuba, que surgió a partir del danzón, por el compositor Enrique Jorrín en 1953. Género musical originario de Cuba y desarrollado en países hispanoamericanos. Sus bases musicales están en la contradanza del siglo XVII.


ARTISTAS CHAPINES

Fahrenheit es una banda de Latin Pop formada a finales del 2011 en la ciudad de Guatemala. Iniciada como un proyecto de covers, poco a poco la banda evoluciona hacia una propuesta original y de música propia. En 2013 lanzan el primer sencillo y videoclip de la banda “Si Estuvieras Aquí”, producido por Juanfer Herrera y filmado en distintas locaciones de la ciudad capital y de Antigua Guatemala. En este mismo año la banda empieza a darse a conocer en el medio nacional, gracias a “Si Estuvieras Aquí” y también a diversas presentaciones en vivo dentro y fuera de la capital. Este trabajo les vale el reconocimiento de “Artista Revelación del Año” de W radio 107.3FM En Abril de 2014 se lanza su segundo sencillo “Que Suba”, una canción de verano con ritmo bailable y animado, también producida y trabajada por el músico y productor Juanfer Herrera. El lanzamiento de esta canción viene acompañado de nuevas presentaciones nacionales y una internacional, además de distintas intervenciones en medios de comunicación. Integrantes de Fahrenheit

Redes Sociales

Diego Oliva- Voz

Facebook /Fahrenheitgt

Diego Contreras- Guitarra

Twitter @Fahrenheitgt

Andrés Castillo- Bajo y Trompeta

Soundcloud Fahrenheitgt-1

Eddy Mazariegos-Batería Shaq Mairen- Percusión

Raul Aguirre, cantautor guatemalteco con tres discos y un EP, la mayoría de su último disco ABROAD fue grabado mientras viajaba por Nueva Zelanda y tiene un toque un poco mas Folk que los anteriores. Sus discos tienen colaboraciones de otros artistas guatemaltecos como Paulo Alvarado de la banda Alux Nahual, Eddie Mendez de NASH, Ricardo Palma (Palmita) entre otros. Redes Sociales Facebook /RaulAguirre Página Oficial www.raulaguirre.com Deezer www.deezer.com/artist/1103291


Cafella, comparten el gusto por la música. Desde el inicio

Gabriela Micheo - Contralto

tuvieron como objetivo crear y compartir música coral en un ambiente de disciplina y trabajo, proponiendo un repertorio variado bajo una propuesta atractiva e innovadora.

Daniel Gil - Tenor

Farina Galán - Contralto Jose Andres Barrios - Tenor Héctor Hurtarte - Barítono/ Director Juan Manuel Ramos - Bajo

Dentro de la experiencia individual de los integrantes se incluyen preEstuardo Lorente - Bajo sentaciones con agrupaciones como el Coro Nacional de Niños y Jóvenes, Coro Municipal Metropolitano de Guatemala, el Coro Mundial de Jóvenes y ensambles corales creados para el montaje de obras mayores, como la Novena Sinfonía de Beethoven, Carmina Burana de Carl Orff, el Gloria de Vivaldi y el Requiem de Mozart. También, han tenido la oportunidad de representar a Guatemala en eventos musicales internacionales celebrados en Estados Unidos, Centro América, España y Portugal. Como agrupación se han presentado en distintos escenarios del plano internacional, fueron elegidos en el 2012 para el Festival Internacional de Coros de Cámara del Estado de México y recientemente viajaron a Costa Rica para participar en el Primer Encuentro vocal internacional: Telar de Voces. Redes Sociales Facebook /Cafella Twitter @Cafella_GT Integramtes: Esperanza Rodríguez Portilla – Soprano Andrea Lopez –Soprano

Pocket Monkey, banda guatemalteca de música latina, perfecta para fiestas. Cumbia - LatinPop – ElectroPop Integrantes: El Raspu - Teclados y voz Andres Gutiérrez - Guitarra Chaaz - Guitarra Alvaro Sosa - Voz y güiro Wallas - Bajo Marco Monterroso -Batería y percusión Redes Sociales Facebook / pocketmonkeygt


Esta revista fue creada como proyecto final de la clase de Música Contemporánea 2014 de la Universidad del Valle de Guatemala, curso impartido por MA Elvira Castillo de Sazo. Contenido escrito por alumnos: Esperanza Rodríguez– Portilla Edgar de León Luis Escobar Ana Cecilia Villegas Juan Manuel González Pamela Castañeda Zaira Pacajoj Diego Contreras Abdul Medina José Andrés Gutiérrez Manolo Castillo Nina Pérez Orlando Sicajol Diseño y Edición por: Esperanza Rodríguez– Portilla Educational Use Only. We don’t own any of the figures displayed in this magazine.


Música Contemporánea 2014  

Esta revista fue creada como proyecto final de la clase de Música Contemporánea 2014 de la Universidad del Valle de Guatemala, curso imparti...

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