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Martín Sastre “Tremendo. Las aventuras de Martín Sastre”. EAC, 2012 Fotografía: Brad Swonetz, Hollywood with Martín Sastre, 2011


Lucía Picerno. Niña chango, 2012 “Hypersexy”. EAC, 2012 Acrílico sobre tela


Severine Hubard. Un jour, 2006 EAC, 2012 Fotogramas de video


Ana Gallardo. A boca de jarro, 2008 “Atando Cabos”. EAC, 2013. Fotograma de video Cantante: Silvia Mónica


Gabriela Larrañaga, Teresa Puppo, Graciela Taquini, Anabel Vanoni. Vaivén, 2011 “Grata con otros en Montevideo”. EAC, 2013 Fotograma de video


Álvaro Zunini. Toña anunciando agua, 2011 "Entretejido". EAC, 2012 Óleo sobre tela


Martín Tisnés. Juego de rol, 2011 “Chic@s contemporáne@s”. EAC, 2012 Óleo sobre tela


Jessie Yung. Sin título, 2012 “Hypersexy”. EAC, 2012 Fotogramas de video


Fernando Foglino. El verdadero significado del amor (o emociones vectoriales en la oficina), 2013 EAC, 2013 Instalaci贸n, detalle


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Colecci贸n Espacio de Arte Contempor谩neo


Colectivo Interrupciones. Montevideo, 驴Instalaci贸n Total?, 2011-2012 EAC, 2012 Acci贸n y registro. Fotograma de video


Contenidos de este libro

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El devenir y la biblioteca

PROYECTOS COLECTIVOS

Fernando Sicco 48 Vivian Castro y Manuel Gianoni Continuum: el cuerpo como territorio de prácticas mediales

DEPARTAMENTO 20

52 Colectivo Towemalmi Primer informe [construcción #02]

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Anclajes y territorios, expresiones visuales del Departamento 20

54 Valeria Píriz y Soledad Castro La habitación que no sirve para nada, U$D 1.000.000 TM

Hugo Achugar 56 Srta. Zue + Bruster Special 25

La suma de esfuerzos por la vinculación

Mercedes Rodríguez Di Leoni Fernando Sicco 27

Un poco locatarios, otro poco visitantes Testimonios de los artistas participantes en la primera edición de Departamento 20 Proyectos

32 Karol Bergeret García Superwomanshiva viajera + La Mami

34 Cecilia de Souza

Wow! Imagen real

58 Catalina Bunge Hypersexy

62 Ruben Lartigue, Matías Nin, Martín Tisnés Chic@s contemporáne@s Curaduría: Fernando Sicco

66 Luis Bellagamba y Sofía Rodríguez Principiantes

68 Colectivo Interrupciones Montevideo, ¿Instalación total? Curaduría: Diego Focaccio

Ida solo

36 Adriana Katz Pavlotzky

72 Colectivo Corto PB

Conectores

38 Mariana Carranza Constelaciones

40 Victor Lema Riqué La dirección del viento predominante I

74 Colectivo Manimal 3 Círculos

76 Federico Arnaud y Lucia Landinelli Oroño La piel de los sueños

80 Alicia Ubilla y Alejandra del Castillo La invisible ironía de un objeto

84 Graciela Taquini e invitados Grata con otros en Montevideo Curaduría: Rodrigo Alonso


PROYECTOS INDIVIDUALES

96 Margaret Whyte Lo que queda Curaduría: Fernando López Lage

128 Gustavo Jauge Cuatricromía del delito

130 Irina Raffo Facewall

132 Cecilia Bonilla Se alquila

98 Martín Sastre Tremendo. Las aventuras de Martín Sastre

100 Hugo Aveta Agonía Curaduría: Andrea Ruiz

104 Séverine Hubard La vuelta del domingo, Un jour

134 Sebastián Alonso Noticias sobre ángeles. Construcción de un guión técnico-literario por Sebastián Alonso y Mario d’Angelo 2007-2011

138 Juan Burgos Las zarzas

106 Leandro Bejar El deseo del viaje. Work in progress

142 Agustín Ginesta Imaginarium

108 Paula Rial Jardín encantado

144 Diego Cirulli Porosidad

110 Yvonne D’Acosta Metro ochenta

146 François Cambe Manufactura existencial

112 Ana Gallardo Atando cabos

114 Luciana Damiani Falla

116 Amadeo Velázquez Sueños arrebatados

118 Gustavo Genta Convergencias

120 Muriel Cardoso Hablan las aplysias

122 Gustavo Real Geografía humana en los tiempos del orden natural

124 Marcos Cabrera El incendio de la torre

126 Claudia Olaso Helada lúpulo

148 Fernando Foglino El verdadero significado del amor

150 Mara Riviello López Secuencia de una desviación anunciada

152 Fabián Montenegro Empresa MontenegroArte

154 Alvaro Zunini Entretejido

156 Mariana De Matteis Colección de Matteis Den Dauw

160 Juan Perazzo Origen: fósil

162 Daniel Canogar Quadratura

169 English version


Srta. Zue + Bruster Special. WOW! Imagen Real, 2012 EAC, 2012 Impresi贸n lenticular


EL DEVENIR Y LA BIBLIOTECA La Colección EAC tiene entre sus objetivos el de servir como soporte de documentación y como construcción de una memoria activa. Esta bitácora de lo que va ocurriendo en el EAC, sin embargo, no es lineal. Vamos construyendo, dentro de unos criterios generales claros, una política editorial dinámica. Hemos venido reseñando exposiciones y artistas ordenándolos con diferentes criterios, al igual que la eventual producción discursiva en torno a sus obras. Este cuarto volumen no es una excepción, y tiene una historia particular. Comenzó como un proyecto que reuniría junto a las habituales reseñas varios escritos reflexivos de invitados, producidos en torno a una serie de preguntas centrales que nos hacemos sobre la relación entre la producción y la circulación de obras y la delimitación de lo que entendemos como campo del arte contemporáneo. La publicación, prevista para el segundo semestre del año 2013, debió posponerse por razones administrativas. Mientras, el acopio de material siguió creciendo y diferenciándose, y, en una especie de meiosis editorial, justificó separar en dos tomos lo que inicialmente era uno. Decisión que, de paso, nos permitió acentuar las diferencias para hacerlas más fecundas y concretar la idea que manejábamos en el equipo de lanzar una nueva serie —Espacio de pensamiento— dedicada más específicamente al análisis e intercambio de ideas sobre las prácticas que nos ocupan. El primer libro de dicha serie —Locatarios y visitantes— es editado al mismo tiempo que el presente volumen 4, que no por casualidad reúne materiales de exposiciones y artistas de las más diversas procedencias, con el común denominador de haber tenido al EAC como escenario. La elección de título para esta introducción —“El devenir y la biblioteca”, en ese orden— pone el acento en la dimensión temporal y sus disrupciones. La documentación sigue siendo el objetivo central, pero la manera de indexarla obedece tanto criterios racionales como al flujo del trabajo y a las condiciones contextuales del desarrollo institucional. El resultado es positivo: sigue sorprendiéndonos la cantidad de artistas que han pasado por nuestro Espacio en menos de cuatro años, y las respuestas a nuestra invitación a pensar las prácticas redundan en un aporte constructivo a ese flujo de experiencias. Si dejamos paso al devenir, la biblioteca, a posteriori, seguirá sorprendiéndonos. Fernando Sicco

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PROYECTOS COLECTIVOS


Diego Masi. herméticos *, 2012 “Continuum, el cuerpo como territorio de prácticas mediales”. EAC, 2013 Instalación *Minúscula del artista

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CONTINUUM: EL CUERPO COMO TERRITORIO DE PRÁCTICAS MEDIALES Curadores

Vivian Castro y Manuel Gianoni Artistas

Daniel Argente, Mónica Bate, Vivian Castro, Daniel Cruz, Lucía Ferreira Fernanda Gassen, Manuel Gianoni, Rainer Krause, Diego Masi, Fabiana Monteblanco Carla Motto, Ignacio Rodríguez, Diego Zamudio Febrero - mayo 2013

“¿Qué es tener un cuerpo? Tener un cuerpo es tener una espalda, una zona siempre descubierta por la que podrían las cosas echársenos encima sin que las hayamos visto venir. Tener un cuerpo es la permanente posibilidad de perder el equilibrio”.1

Hace tres años comenzamos este proyecto con un interés por pensar el cuerpo y su relación tecnológica con el entorno. El cuerpo no era el tema de nuestro proyecto, sino el denominador común problemático que permitió articular diversas lecturas a partir del cuerpo: como interfase con el entorno (y también con la obra) y como escala de percepción. Este interés trajo implícita la exigencia de pensar la tecnología. Por un lado, considerando el contexto actual en el cual la vida está condicionada por la inmersión en las redes sociales en internet y las realidades virtuales, donde el acceso a la tecnología y las nuevas formas de trabajo, están generando un cambio radical en la forma de habitar y relacionarse con el mundo. Y, por otro, considerando también la implicancia que esto ha tenido en el mundo del arte. Podemos decir que los procesos creativos y la producción artística contemporánea pueden desarrollar e introducir nuevas herramientas. Cabe señalar que la

1. Rojas, Sergio, Las obras y sus relatos II. Santiago: Departamento de Artes Visuales, Universidad de Chile, 2009, p. 127.

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Vivian Castro Santiago de Chile, Chile, 1982 vivian.javiera@gmail.com Manuel Gianoni Montevideo, Uruguay, 1971 manuelgianoni@gmail.com www.proyectocontinuum.com

relación entre el arte y la tecnología ha existido desde siempre. El artista puede tomar elementos de la tecnología (como siempre lo ha hecho cuando lo ha requerido: tecnología también es un lápiz) en forma directa o indirecta, en favor de su producción, de su gesto. El arte, a diferencia de los sistemas políticos o los marcos jurídicos, no caduca. Puede haber un devenir en la mirada pero lo esencial permanece latente: el potencial irónico, lúdico, reflexivo, cuestionador, sanador.


Rainer Krause. 1 TB1 [Kleiner Lauschangriff], 2012

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Enrique Zamudio. Paisajes Transicionales, 2012 Impresión digital, paisaje 3D

Esta relación de sentido es la que hemos trabajado entre arte, técnica y tecnología, proponiendo un cruce entre los diversos lenguajes artísticos que incorporan y resignifican continuamente las posibilidades técnicas. Así, Continuum recorre la transversalidad por trabajos de artistas que utilizan dispositivos tecnológicos en la totalidad o en parte de su proceso, proponiendo al cuerpo como hilo conductor de tales experiencias. Los diversos enfoques de los trabajos proponen una lectura y/o un recorrido corporal de la obra y una sutil interacción con esta, que son variados: pueden apelar a la memoria, acercarse desde el campo de la biología y los fenómenos de la percepción, y jugar con prácticas de otras disciplinas como la antropología, physical computing y el cine. Si hay algo que caracteriza a estas obras es, sin duda, su rol dinamizador, que se produce en el momento del vínculo obra-espacio-espectador, generando movimientos. Son obras con un fuerte acento en lo visual y perceptivo, ya que hay instancias de tocar, oír, estar y recorrer.

Continuum promueve una dinámica de tránsito en la que se suman artistas y colaboradores para cada instancia, donde se generan exposiciones, ponencias y mesas redondas. En esta oportunidad participan artistas chilenos, uruguayos y brasileños, que investigan en diversos campos como la fotografía, el video, el sonido, la instalación y tecnologías interactivas. Aquí coexisten obras y procesos en tránsito por diversas instancias. También la reflexión sobre los lenguajes y la actitud del artista hoy ante la concepción, transformación, exhibición y la posible desmaterialización de su proceso y su obra: desde lo denso y tangible a la información pura, así como la reflexión desde otros ámbitos, como la filosofía y la semiótica entre otros, dando lugar a cruces epistemológicos. Continuum atraviesa procesos creativos e investigativos, buscando generar lecturas y aperturas. Un juego de reflexión y práctica, así como también el tejido de redes de trabajo entre artistas, pensadores e investigadores latinoamericanos. Vivian Castro y Manuel Gianoni

Apoya: Imprimex

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Daniel Cruz. DeskPortrait, Voight-Kampff Machine Version, 2013 Instalaci贸n, programaci贸n

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WOW! IMAGEN REAL Srta. Zue + Bruster Special Agosto - noviembre 2011

Martin Albornoz Florida, Uruguay, 1975 martin@brusterspecial.com www.brusterspecial.com Susana Rueda Las Palmas de Gran Canaria, España, 1977 susana@srtazue.com www.srtazue.com

Viñetas ficticias plasmadas mediante lo asombroso de las nuevas tecnologías y que se presentan al público confinadas dentro de pequeñas piezas del pasado que algún día contuvieron imágenes de un mundo cierto y verdadero, y que ahora encierran pequeños universos digitales tan poco reales como engañosos. Srta. Zue

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3 CÍRCULOS Colectivo Manimal Noviembre 2013 - marzo 2014

Para la presente convocatoria presentamos tres piezas: dos en pared exterior y una en interior. Las tres piezas forman un recorrido. Nos convoca hablar y pensar sobre lo reductivo en el arte. Lo reductivo entendido como el uso de materiales sencillos, monocromo o de color limitado, de patrones y geometría, de serialidad y repetición, de escala y espacio. En esta lógica reductiva utilizaremos la pintura como material principal. Entendemos por pintura el acto de colocar pigmento en un soporte. La pintura no existe independientemente como una cosa, sino en relación y dependencia no solamente con quien la mira, sino también con el espacio, los que le dan significado. Esta interacción es la que inicia la experiencia. Trabajaremos con la anamorfosis. La anamorfosis es “una deformación reversible de una imagen producida mediante un procedimiento óptico (como por ejemplo utilizando un espejo curvo), o a través de un procedimiento matemático. Es un efecto perspectivo utilizado para forzar al observador a un determinado punto de vista preestablecido o privilegiado, desde el que el elemento cobra una forma proporcionada y clara”.1 Pensamos que estas piezas permiten plantear la experiencia de forma no intencional y de modo doble: perceptiva y perspectivamente. Perceptiva al ver primero fragmentos de pintura y perspectiva, luego, al ver la forma pura desde el punto de vista privilegiado. La pieza funciona tanto en su forma como en sus fragmentos y no hay una sin la otra. La experiencia doble generada por el movimiento de quien mira, libera a la imagen de su subordinación estática. Colectivo Manimal

1. Tomado de http://es.wikipedia.org/wiki/Anamorfosis.

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Anna Borba, Nicolás Pequera, Martín Pelenur Montevideo, Uruguay, 2012 pelenurborbapequera@gmail.com http://minimalanimal.weebly.com


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LA PIEL DE LOS SUEÑOS Curadores

Federico Arnaud y Lucia Landinelli Oroño Realizadores

Martín Fernández, Gabriel Figares, Carlos Ottarola, Felipe Viarengo, Leonardo Villalpando, Guillermo Walker Noviembre 2013 - marzo 2014

El proyecto emprendido en la Unidad de Rehabilitación Punta de Rieles fue diseñado por el artista visual Federico Arnaud, y por la psicóloga y tallerista Lucia Landinelli Oroño. Se trata de un taller de dibujo en el cual los participantes culminan el proceso trasladando su obra a un soporte que es su propio colchón, por medio de pirograbado. Escogimos ese soporte por el alto valor simbólico que adquiere en el medio carcelario. En el contexto del taller, el acting de quemar los colchones se sustituye simbólicamente por el gestus de grabar en el colchón lo subjetivo, lo oculto, en un acto deliberado de libertad. En un espacio de privación de libertad es necesario, para generar cualquier proceso creativo, establecer primero un encuadre que genere un espacio de libertad. Literalmente, hay que crearlo para poder operar. Lo que para nosotros, en el afuera, nos es dado, allí, sencillamente, nos es privado. Las normas, las autorizaciones institucionales y los permisos regulan todo el espacio (el real y el simbólico), por lo que debimos realizar una adaptación mental y física a esta realidad para lograr “movernos” en ese ámbito. A la hora de pasar del dibujo al Polyfon a través de la imagen proyectada, nos encontramos con un material difícil de grabar y altamente tóxico. Aun así, con gran familiaridad —y pensamos también que con un gestus afectivo—, ellos se lanzaron a la tarea, logrando los efectos propios del dibujo sobre ese soporte. En el contexto de la celda, el colchón —o la cama—, cuando lo hay, es uno de los pocos lugares propios en los que existe un mínimo de intimidad, un mínimo de “subjetividad”. Es también el lugar del cuerpo, del sueño y del llanto, pero al ser uno de los pocos objetos con los 76

Lucia Landinelli, Leonardo Villalpando, Federico Arnaud y Felipe Viarengo

Federico Arnaud Salto, Uruguay, 1970 artefarnaud@gmail.com www.federicoarnaud.com.uy Lucia Landinelli Montevideo, Uruguay, 1972 lulandoro@gmail.com

que cuenta, se constituye igualmente como la materia de protesta, cuando los colchones son quemados en los motines carcelarios. Por sus características como material, el Polyfon resulta una materia blanda como la piel humana. La misma piel, el mismo cuerpo que se apoya sobre él, lo deforma y, en su contacto, se adaptan, se complementan, se habitan. En la cárcel los colchones no son solo soporte de descansos y paciencias, sino también escondites de múltiples enseres privados, prohibidos o no. Los colchones son revisados reiteradas veces, y hasta requisados. Así, llenos de historia y de vida, decidimos intervenirlos. Después de seis meses de búsquedas a través del dibujo, los participantes del taller se enfrentan con ese


Guillermo Walker. Pirograbado FotografĂ­a: Alejandro Persichetti

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Fotografía: Alejandro Persichetti

soporte sobre el cual deberán pasar el dibujo que escogieron como testimonio. Los pirograbadores contienen una punta que, luego de quedar al rojo vivo, permite ir haciendo surcos sobre el Polyfon grabando la superficie sobre las líneas del dibujo. Este proceso dificulta la tarea por lo blando del material, al igual que al tatuador se le hace difícil la piel. El pirograbador quema el colchón hiriendo su materia como las escoriaciones a la carne. En el aspecto simbólico nos sorprendió ya que, salvo una excepción, todos los trabajos plantean una escena de encierro a pesar de que eso nunca estuvo pautado. Todos los grabados son memorias, recuerdos de lugares. De los ejercicios planteados casi todos eligieron utilizar su autorretrato para integrarlo a la composición. De esa forma ellos, aun sin hacerlo en forma consciente, se presentan, se exponen desde otro lugar. Cada uno eligió un lugar, una imagen afectiva para hacerla presente. Es así que Carlos se muestra delante de su escuela primaria homenajeando a sus maestras y directoras. Felipe y Gabriel colocan sus instrumentos en la escena: para cada uno de ellos el instrumento que tocan y la música forman parte fundamental de su vida y los ayudan a sobrellevar el encierro. Felipe es el único que incluye un 78

ser querido —su hijo— en su obra. Ellos se ven y son vistos través de su trabajo y de esa manera se sueñan. Martín se proyecta tranquilo en su cama con su laptop, ajeno a lo que pase. Leonardo nos mira profundamente en el hoy: la ventana y el frondoso árbol que están afuera representan su ansiado futuro. Los textos (elegidos por ellos) fueron parte del dibujo y complementan su legado. Grabadas a fuego, estas imágenes seguirán para siempre en la memoria de quienes fuimos atravesados por esta experiencia, por este intercambio humano incomparable. Convencidos que mucho de esto se impregna en la obra exhibida, solo nos resta agradecer y compartir.

Agradecemos especialmente a Gustavo Bardier y a todos aquellos que colaboraron: Patricia Peralta, Rolando Arbesun, Luis Parodi, Daniel Charlo, Leandro Behar, Javier Rodríguez, Washington Silva, Gustavo de los Santos y Susana Goldstein. Apoya: Patronato Nacional de Encarcelados y Liberados, Centro de Rehabilitación n.° 6 Punta de Rieles


FotografĂ­a: Alejandro Persichetti

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GRATA CON OTROS EN MONTEVIDEO Graciela Taquini e invitados Curaduría

Rodrigo Alonso Noviembre 2012 - febrero 2013

CRÓNICA DE LA CURADORA CURADA Grata con otros en Montevideo no quiso ser una mera réplica de la muestra antológica realizada en el 2011 en la Sala Cronopios del Centro Cultural Recoleta de Buenos Aires, curada por Rodrigo Alonso y diseñada por Daniel Fischer. Ambas fueron ocasiones para exhibir por primera vez mi corpus de obra en su totalidad. Si bien mi trabajo ha sido más reconocido en el campo de la curaduría y la gestión, hay una gran unidad entre el ejercicio del arte y el de la curaduría. En sus dos versiones, Grata con otros fue una oportunidad de hacer un recorrido por una trayectoria cumplida en plena madurez, a través de mis trabajos personales, así como también otros producidos en colaboración. La selección incluye retratos que me tuvieron como fuente de inspiración y protagonista; obras de diversos artistas que responden a variadas prácticas artísticas —de la cita culta a la pintura del Barroco, a expresiones de la cultura pop, como juguetes, comics o el arte en la red. Muy pocos retratos fueron hechos especialmente para la antología: los dibujos de Máximo Balestrini, el políptico Testigos ocasionales (2011) de Sara Fried, y la fotografía de Gustavo Maggi, tapa de catálogo de Recoleta. Los nuevos incluyen el momento risueño captado por Pedro Roth, también los retratos tecno de Sergio Lamanna o Javier Bilatz, así como el trabajo gráfico de Eugenio Palma Genovés. Muchos retratos surgieron a lo largo del tiempo de manera espontánea, como el de Dolores May o el de Roberto Rey o Augusto Zanela. En el 2012 se mostró en estreno mi último video Por qué, realizado para el colectivo artístico Femelink. La exposición en Uruguay presentó también un videorretrato de Mariano Sardón de la serie Morfologías de la mirada.1 La obra de Sardón fue donada al patrimonio del EAC con la autorización de su autor.

1. Disponible en www.marianosardon.com.ar

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Imagen: Dolores Esteve. Graciela, 2010. Detalle de fotografía

Buenos Aires, Argentina, 1941 gracielataquini@gmail.com www.gracielataquini.info

En Montevideo se planificó una versión revisitada, apropiada y aumentada con criterios de expansión/compresión propios del desafío que significa el site specific del subsuelo del EAC: un corredor donde se abrían doce espacios, exceldas de la institución —la antigua cárcel de Miguelete— completamente reciclados. Jamás se dudó de que ese era el locus ideal para la versión uruguaya, ya que posee un especial grado de intimidad y podía muy bien albergar la inmaterialidad del video, propiciando un encuentro cercano con esa producción intangible. En la calle, la fachada del EAC anunciaba la exposición con una gran imagen del retrato que me hiciera Dolores Esteve en el museo James Turell de Salta en 2010. Quién supondría que ese instante eternizado por esa fotografía había sido una de las experiencias estéticas más intensas, en cuanto contemplación se refiere, que yo haya vivido en los últimos años. Ese cartel es un retrato elusivo que, con el cambio de escala, adquiría una dimensión monumental, en un ejercicio de atracción y juego misterioso hacia el visitante.


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A diferencia de Buenos Aires, el carácter compartimentado de los doce cubículos se contrapuso al sentido envolvente de la exhibición argentina. En Montevideo, el espectador pasaba de lo humorístico y burlón a lo dramático, del puro juego contemplativo a la cita o la ironía, atravesando cada uno de las entradas a cada excelda, algunas veces abiertas y otras no. La muestra uruguaya fue el producto de una intensa labor museográfica en la que trabajé codo a codo junto con el equipo del EAC. La institución proveyó todo el apoyo técnico, tecnológico y de diseño de montaje, y hubo un constante intercambio de opiniones sobre la distribución de las obras en el espacio para que estas generaran un discurso nuevo y original.

PONER EL CUERPO Una de las apelaciones de la muestra la formulaba explícitamente el cartel, “Qué hay entre los unos y los ceros” (2009). La pregunta había sido pintada en una exposición del grupo La Mudadora, que reflexionaba sobre espacios de transición realizando intervenciones en una fábrica abandonada. Como curador, Rodrigo Alonso dispuso el lema ploteado en el fondo de la sala Cronopios como una culminación, en espejo y oposición con la obra de Mariela Yeregui Rizomática (2011), que intentaba graficar complejas relaciones y encuentros entre esos otros. Según Alonso, esa frase sería “un llamado a evitar las oposiciones binarias”.2 La zona intersticial —un tropo del arte contemporáneo— acentúa el tema del recorrido, del tránsito o el proceso. Representa un espacio para la ambigüedad, un refugio para advertir acerca de las certezas. Y es especialmente significativa para alguien como yo, que se ha ocupado del arte digital desde su estudio y difusión. Del mismo modo, la muestra está atravesada por preguntas no dichas: ¿quién es Grata?, ¿quiénes son esos otros? Los otros aparecen constantemente como colaboradores directos, como Diego Lascano, Ricardo Pons, Gastón Duprat, Mariano Cohn y Daniela Muttis, en la obra videográfica, enriqueciendo y aportando en diversos aspectos de la realización audiovisual. O Natalia Rizzo, coautora de la instalación sonora Rota (2010). La estética relacional alcanza su estado más intenso con Lugar común (2010-2011),

2. Alonso, Rodrigo, «Grata con otros», Revista Transvisual, Buenos Aires, Cedip (Centro de Documentación Investigación y Publicaciones del Centro Cultural Recoleta), año 5, n.° 5, p. 24.

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correalizada con Ricardo Pons, donde recojo más de cincuenta refranes videados sobre el dinero, para hacer una intervención en un cajero automático del Banco Mundial de Washington que se mostró de manera interactiva. El cuestionamiento sobre la identidad es una constante desde mi obra inaugural, Roles, primer autorretrato performático en video en la historia del arte argentino o La claustrofobia del año 1988, donde trabajé la necesidad de salir (o entrar). El fuera de campo, las voces en off, el cuerpo, son marcas de estilo que se revelarán en muchos trabajos, ya sea que me tengan de protagonista o que cuenten con la presencia de algún alter ego. Asimismo, el motivo de la memoria es otro leit motive que aparece en Roles en forma de imágenes de archivo personal. Roles fue resultado final del taller de John Sturgeon, un artista norteamericano becario de Fulbright que también estuvo en Montevideo dando otro taller donde participaron Enrique Aguerre y Fernando Álvarez Cozzi. La amistad con Enrique es de esa época, en la que compartimos una experiencia similar. Santiago Tavella es autor de uno de los clásicos retratos Grata, también traspuesto a gran tamaño, donde las gráficas construyen el rostro. Tavella también es el autor de Nikita Taquini (2006), basado en un relato familiar relativo a mi abuela Nicanora Urrutia, cuyo apodo presagiaba el apellido de su futuro marido. Santiago cita con humor el constructivismo ruso. Otra historia familiar permitió la colaboración con Eugenia Calvo, quien hizo dos fotografías: El método tradicional y La fuente de San Martín (2010), que remiten a la fuente de loza que usaba mi madre para servir ravioles caseros, y a la que llamábamos “la fuente de San Martín” porque tenía una escena con soldados con tricornios. Eugenia rechaza todo sentimentalismo y, con la escena de batalla que decora el recipiente, propone un paisaje sangriento y perturbador. Ambos artistas se autorizaron a transpolar historias de mi memoria personal para concretar libremente sus obras. Otro tanto sucede con la fotografía Vanitas (2007) de Arturo Aguiar, cuya puesta en escena me convierte en una Magdalena penitente que abandona las cosas de este mundo. En una sesión inolvidable, el artista dibuja con láser el espacio para crear los contrastes de luces y sobras, haciéndome permanecer en silencio y en la oscuridad un largo tiempo impregnado de gran comunión espiritual. Con mi entrañable amiga uruguaya Teresa Puppo realizamos dos obras en conjunto. Una fue Secretos (2007) —también junto con Gabriela Larrañaga—, sobre secretos de familia de tres mujeres convertidos en uno solo, fantasmeados por la culpa, la represión y la omisión. La otra, que nació de otro encuentro de mujeres, es


Eugenia Calvo. El método tradicional (La fuente de San Martín), 2011 Fotografía color, díptico. Detalle

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Vaivén (2011), un espejo de agua que evoca el yin-yang del zambullirse y resurgir, correalizado con Anabel Vanoni y Gabriela Larrañaga. Según Valeria González “Rosalind Krauss propuso […] la naturaleza narcisista del video de los sesenta. Porque la autocrítica del video se hacía en lo que se refiere a la puesta en juego del cuerpo. La primera generación propiamente dicha de mujeres artistas se dio en ese contexto […] Sin embargo, el dramatismo de Roles o la ficción de Sísifa se dan en otro contexto, pertenecen a otro momento histórico. La provocación en el video conceptual era de orden intelectual. Nada que ver con los recursos barrocos de la apelación emocional. En nuestra era llamada posmoderna se recuperan las narrativas, se habla de un ‘neobarroco’, se deja atrás el ascetismo estético de los setenta. Tu obra pertenece a ese contexto general”.3 La división entre una línea más política y otra más poética, insinuada en la muestra de Buenos Aires, no estaba explicitada en Montevideo. Borges, Hitchcock, Cortázar, Montgomery Clift o Juan Doffo, El mundo de Cristina de Andrew Wyeth o Sophie Calle, son algunos intertextos que se develan en mi obra. Granada, Cadáveres, Border line, El cuerpo, apuntan más a lo ideológico y a la memoria de la historia reciente: Eva Perón, los desaparecidos, la tortura, la sociedad de la vigilancia. Ambas tendencias buscan atrapar a un espectador cómplice para lograr un hecho estético inolvidable. Si la muestra de Buenos Aires tuvo un carácter polifónico, especialmente por los distintos textos producidos ad hoc para el catálogo, la de Montevideo tuvo más un espíritu de monólogo. Como testimonio de mi actividad intelectual se disponía en una computadora un conjunto de textos críticos de mi autoría, sobre artistas uruguayos como Teresa Puppo, Patricia Bentancur, Juliana Rosales, Santiago Tavella, Pablo Uribe, Martín Sastre; textos críticos para la revista del FAC, para la Bienal de Salto, entre otros. Como contrapartida, cabe señalar que en Uruguay no se produjo ningún pensamiento teórico o crítico sobre mi muestra hasta este momento, salvo el excelente texto crítico de Riccado Biglione. Rodrigo Alonso subraya: “No es casual que los videos de Graciela Taquini giren en torno a diálogos, confesiones, momentos compartidos, confidencias autobiográficas, espacios domésticos. Si se mira con atención, todos ellos son ámbitos intermedios que promueven los intercambios

y los vínculos”.4 Ese espacio, según Alonso, “es un in between donde Grata sigue interpelando, provocando, impulsando a no caer en ningún reduccionismo que diluya el espesor de lo real”.5 “A Graciela Taquini le gusta realizar videos breves. Nunca fuerza visualmente las ideas, prefiere que estas se desenvuelvan en la cabeza y el corazón del espectador. Sus trabajos son puntos de partida, no de llegada, proponen algo, lo desarrollan hasta que adquiere fuerza y luego lo ofrecen como un regalo al observador. No importa cuán íntimo y personal sea ese elemento que pone en funcionamiento la maquinaria. La necesidad de compartir siempre está en la base de su aparición, es prácticamente su única condición de posibilidad”.6 Graciela Taquini

Grata y otros Eugenia Alonso, Eugenia Calvo, Gastón Duprat y Mariano Cohn, Andrea Fasani, Gabriela Larrañaga, Diego Lescano, Daniela Muttis, Ricardo Pons, Teresa Puppo, Natalia Rizzo, Juan Sorrentino, Santiago Tavella, Carlos Trilnick, Anabel Vanoni, Mariela Yaregui Grata por otros Arturo Aguiar, María Antolini, Máximo Balestrini, Javier Bilatz, Axel Chaulet, Lia Dansker, Dolores Esteve, Sara Fried, Mónica Jacobo, Sergio Lamanna, Elena Laplana, Gustavo Maggi, Dolores May, Gaby Messina, Eugenio Palma Genovés, Roberto Rey, Pedro Roth, Mariano Sardon, Luis Teran, Augusto Zanela

Agradecimientos especiales: A Marcela Andino, productora general de la muestra. A la firma Knauf por el auspicio. A Santiago Tavella por su desinteresada colaboración. A Fernando Sicco y todo el equipo de EAC. A Cesar López.

4. Alonso, Rodrigo, “Qué hay entre los unos y los ceros”, Catálogo Grata con otros, Buenos Aires, Centro Cultural Recoleta, 2011, p. 9. 3. González, Valeria, “Diálogo con Graciela Taquini”, Catálogo Grata con otros, Buenos Aires, Centro Cultural Recoleta, 2011, p. 19.

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5. Alonso, R., o. cit., p. 14. 6. Ibídem, p. 13.


Graciela Taquini. Roles, 1988 Fotogramas de video

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Graciela Taquini, Natalia Rizzo. Rota, 2010 “Grata con otros en Montevideo”. EAC, 2012-2013 Instalación sonora

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PROYECTOS INDIVIDUALES


Margaret Whyte. Lo que queda, 2012 EAC, 2012 Instalaci贸n

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LO QUE QUEDA Margaret Whyte Curaduría

Fernando López Lage Mayo - agosto 2012

El artista provoca partiendo de técnicas diferentes, reflexionando sobre diversos aspectos de nuestra realidad. Procesamos y metaforizamos los temas a través de nuestros propios valores. La diversidad y acumulación de ideas, imágenes y agresiones de esta época actual me impactan. Así es que trato de trabajar sin preconceptos y con un discurso propio, desarrollando la idea, compleja al principio; siendo un balance entre la imaginación y el conocimiento. A medida que avanza la obra, transformo los objetos más banales en material estético, reconstruyendo, descontextualizando o interviniendo los elementos e incorporándolos. En este caso en particular, metaforizo múltiples cosas que pasan simultáneamente, una de ellas, la depredación no solamente física de los objetos y el ambiente, sino también en el sentido del deterioro espiritual y la

Montevideo, 1936 marga.whyte@gmail.com margaretwhyte.com

agresividad en todos sus aspectos, además de la soledad y del aislamiento (por supuesto, lo digo en forma genérica). Estos cuestionamientos me crean una incertidumbre difícil de descifrar. La trama de los tiempos que se aproximan nos muestra pantallazos fugaces del devenir del futuro. Nos queda esa sensación de que “no pasa nada” y de que “todo sigue igual”. De todas maneras, lo valioso, a mi entender, es crear como propuesta una hipótesis cuya resolución dependa de cada espectador, de su propia lectura, individualidad y experiencia de vida, teniendo así infinitas posibilidades de resolución. Margaret Whyte

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TREMENDO LAS AVENTURAS DE MARTÍN SASTRE Martín Sastre Mayo - agosto 2012

MARTÍN SASTRE SOS VOS Un artista se crea, se inventa, nunca se investiga. Un artista es sueño, porque el mundo de las ideas es su realidad. Somos fruto de la imaginación colectiva, servimos a los demás. Pueden chiflarnos o aplaudirnos, criticarnos o entronizar, pero desde Leonardo a Madonna siempre fuimos una proyección, un ícono para adorar o tirar. Martín Sastre, ese supuestamente soy yo, pero también es otro, alguien que muchas veces ha hecho que me cansara de mi propio nombre, alguien que me sigue a todos lados, que a veces me precede, que a veces me puede dominar y me impide hacer cosas “Martín Sastre no haría eso”. O a veces me da aliento diciendo “Martín Sastre lo haría”, pero con él compartimos nombres y es por eso que me cuesta definirlo. Hace poco un amigo me contó que hablando de mí en Argentina le dijeron: “Martín Sastre: el artista Latino por excelencia”. Y hace algunos meses en una confitería del centro de Montevideo me dijeron: “Martín Sastre: Una gloria nacional”. Varias veces usando una frase de Dani Umpi en Miss Tacuarembó escribieron en mi Facebook: “Martin Sastre son los padres”. Y me encanta cuando meten todo en una licuadora y salen definiciones tan geniales como: “El Borges del trash pop”, “El Almodóvar uruguayo” o “El Matthew Barney latinoamericano”. ¿Quién es Martín Sastre? ¿Y a vos qué te importa? ¿Vos sabés quién sos? Hay gente que tiene problemas de verdad. La identidad individual no es un problema, es superficial. Como una especie de Harry Potter del arte contemporáneo, Martín Sastre salió

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Montevideo, Uruguay, 1976 martin@martinsastre.com www.martinsastre.com

de su Montevideo natal a vivir aventuras por el mundo y la verdad que solo por eso ya me parece un tipo genial. Esta muestra cuenta esas aventuras a través de sus obras, narrando con luz y sonido un universo que entra en un DVD, una leyenda donde verdad y ficción se mezclan validando una a la otra. ¿Érase una vez Martín Sastre? Puede ser, érase una vez vos, yo, el universo entero. Lo que sí me queda muy claro es que Martín Sastre hay uno solo, porque si estás leyendo esto: Martín Sastre sos vos. Martín Sastre Apoyó esta muestra: Embajada de España y AECID


Masturbated Virgen, 2001 Fotogramas de video

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JARDÍN ENCANTADO Paula Rial Mayo - agosto 2012

Montevideo, Uruguay, 1977 archrial@gmail.com www.paularial.blogspot.com

La celda es un espacio interior, austero, monástico, de arquitectura mínima donde el blanco, la homogeneidad y austeridad prevalecen. La relación con el exterior se da a través de una ventana por donde ingresa la luz natural; con el interior, una reja que oficia como mecanismo de control y priva de libertad. La transformación de la celda intenta revertir este espacio interior en un falso espacio exterior, un jardín venenoso. Por un lado, el césped natural oficia de alfombra, lo que nos conecta con el suelo, con la añoranza de la libertad en la imagen de la pradera. Por otro, el empapelado se usa como método de ocultamiento, de tapar lo que hay detrás, en una capa del palimpsesto de la historia de la pared. El diseño del empapelado transmite lo que podría crecer en este espacio: especies vegetales especialmente atractivas que son dañinas para las personas, venenosas, tóxicas, alucinógenas. El dibujo de cada una de las especies es de autoría de diversos botanistas anónimos, sobre la base de un diseño vegetal de empapelado de William Morris. Paula Rial 108


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FALLA Luciana Damiani Agosto - noviembre 2013

Montevideo, Uruguay, 1982 damiani.luciana@gmail.com www.lucianadamiani.com

Desde sus comienzos, este trabajo se sitúa en la problemática de la memoria y en sus engañosos mecanismos, en el camino de la construcción y de la reconstrucción, pisando el límite entre la realidad y la fantasía. En esta oportunidad, partiendo del concepto de identidad fractal y retomando la carga que implica la celda, se metaforizan la impotencia y el encierro a través de un vínculo imposible, siempre a destiempo y descolocado. El díptico enfrentado plantea un doble juego de encierro y de reflejo: por un lado, el encierro espacial de una falsa simetría enfrentada, que auspicia la confusión y a la vez obstaculiza la verificación; por el otro, el reflejo, que construye la falsa ilusión de un posible infinito, generando un espacio temporal. De esta forma se conceptualizan la promesa latente y espacial del encuentro y su imposibilidad temporal. La tensión generada por esa simetría (asimétrica) de la mirada dislocada se instala en la sala/celda en la cual la única salida está trancada por la reja que se nos enfrenta. De nuevo nos encontramos en el lugar donde todo siempre es posible pero también inaccesible. Luciana Damiani 114


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NOTICIAS SOBRE ÁNGELES. CONSTRUCCIÓN DE UN GUIÓN TÉCNICO-LITERARIO POR SEBASTIÁN ALONSO Y MARIO D’ANGELO 2007-20111 Sebastián Alonso Agosto - noviembre 2011

“El amor a las excreciones físicas y morales de ciertos santos significa desdén tanto de los peligros cuanto de los bienes de este mundo. Muy otra es la actitud del hombre común, que codicia riquezas mundanas y aspira a seguridad, respetabilidad y limpieza (aunque sea por medio de su apariencia).”2

Junto con Mario D’Angelo trabajamos en un proyecto artístico desde 2004 hasta su muerte en marzo de 2007. Desde un principio nos reunimos en mi estudio de la calle Martínez Trueba, donde conversábamos sobre el arte del momento y las exposiciones, las instituciones artísticas, etc. Asimismo, las primeras excusas para reunirnos y comenzar un trabajo conjunto fueron tomar como objeto nuestras propias obras artísticas. En muchas oportunidades discutíamos sobre ideas, conceptos a desarrollar, proyectos posibles. Durante gran parte de esos tres años fuimos desarrollando experiencias estéticas, diseñando proyectos que nunca realizamos, tomando registro de conversaciones propias, videos o dibujos. Nuestros encuentros devinieron en una obra en continua evolución donde la incertidumbre convivió con ciertas certezas de nuestra propia subjetividad.

1. Esta presentación de una serie de piezas no es más que una muy breve síntesis de un vasto material que actualmente es ordenado y comenzado a editarse. La presentación pretende, a modo de anuncio, poner en juego por vez primera esta obra. El material está conformado por videos, entrevistas, dibujos, fotografías, objetos, proyectos y parte de la obra de Mario D’Angelo. 2. Moreira, Hilia, Antes del asco. Excremento, entre naturaleza y cultura, Montevideo, Ediciones Trilce, 1998, p. 28.

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Montevideo, Uruguay, 1972 sebastian@sebastianalonso.com www.sebastianalonso.com

Así comenzó una relación profesional que lentamente viró hacia una relación afectiva, una amistad. Las reuniones se volvieron semanales y aunque la experimentación sobre la creación de cosas (producción) se tornó algo aleatoria, siempre fue notoria la puesta en juego de códigos personales y sobre todo de dos voluntades e intereses definidos. Nos importó servirnos de la capacidad narrativa del otro, de lo que llamábamos nuestras “historias reales”, desde aspectos generales hasta sus anecdotarios más conmovedores, dramáticos y hasta humorísticos. Lo obsceno y lo prohibido, lo fatal como opuesto al perfeccionamiento del mundo, la angustia, el humor y lo afectivo, fueron y son parte del proceso de trabajo, medio de construcción narrativa y proyectual. Si bien todo esto se podría enmarcar en un proyecto de corte relacional, donde el objeto último se presume subvalorado en relación con la construcción de cosas y encuentros, siempre estuvo presente en ambos una voluntad de realización artística hacia públicos posibles.


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La muerte de Mario D’Angelo sorprendió a este proyecto casi tanto como a quien escribe. Es a partir de su muerte que comencé a ordenar el material y a proponerme un nuevo modo de producción. Hoy, Noticias sobre ángeles… presenta un índice como un conjunto de cosas que anuncian la realización de una película sobre nuestra relación. A través de las obras instaladas se propone indexar al guión que dará sentido y estructura a la futura película. El índice funciona como un conjunto de indicadores asociados que permiten proyectar a los públicos al interior de un libro o guión cinematográfico en construcción. Quiero agradecer a todos los amigos, compañeros y familia de Mario D’Angelo, que desde su disposición han colaborado a continuar con este trabajo. A todos quienes muy amablemente concedieron entrevistas. Lo mismo al Taller Cerámica del Carrito donde pudimos producir parte de lo presentado. Y, especialmente, quiero agradecer a Florencia Ferrari, Eloisa Ibarzabal y Víctor Curbelo por sus maravillosos aportes. Sebastián Alonso

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LAS ZARZAS Juan Burgos Agosto - noviembre 2011

Fotografía: Maciej Korbas

Burgos titula este tríptico con el nombre de Las Zarzas. La zarza es un tipo de rosal espinoso y silvestre que da frutos comestibles y que puede ser visto como una conjunción de la femineidad y el poder, o como el poder de la femineidad. El poder está a su vez personificado por tres mujeres centradas en el plano. Como en la pintura clásica, las imágenes de este aparente fondo son tratadas como secundarias, como un respaldo necesario a la pretendida figura principal. Pero en esta obra constituyen algo más que un anecdotario adjetivo. Ninguno de los elementos podría considerarse secundario, porque es en la sumatoria y en la combinación de cada uno de ellos que se complejizan y resignifican las imágenes ‘protagónicas’. Estas tres mujeres adquieren la actitud ‘virtuosa’ de las imágenes religiosas del siglo XIX, pero transmiten, al mismo tiempo, la privacidad vulnerable y temporal narrada en las novelas realistas. Pertenecen a la historia real y a la historia inevitablemente ficcionada. Si existe la realidad, no es menos cierto que existe también su construcción. Mientras Eva Perón es la más ‘real’ de las mujeres que escenifica Burgos, también es una de las figuras contemporáneas más mistificadas, y fue considerada una santa: “Santa Evita”.

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Sarandí del Yí, Uruguay, 1963 juan@juanburgos.com.uy www.juanburgos.com.uy

Así la llamaron y aún hoy la llaman los sectores más pobres de la sociedad argentina, los ‘descamisados’, como le gustaba llamarlos a ella. Esta figura presente y latina se conjuga, a su vez, con una imagen mítica del cristianismo: “Santa Rosa de Lima”. Santa Rosa también es una mujer ‘real’ (Isabel Flores de Oliva) pero que fue literalmente convertida en santa, la primera del ‘nuevo mundo’, y así es como nos llega a nosotros. La “Pachamama”, en cambio, es la representación de la ‘madre tierra’ para los pueblos andinos de América Latina, es el más ‘divino’ de los personajes y transita el proceso inverso: es una deidad que se personifica, adquiriendo distintos nombres según las diversas culturas, en cuerpos de mujer(es). El tríptico se construye, entonces, a partir de estos tres personajes que conjugan, de diversos modos, lo humano y lo divino, lo real y lo mítico. Tres ‘deidades’ que contemplan, en el imaginario que connotan,


La sangrienta Trinidad, 2010 Intervenci贸n con collage Fotograf铆a: Luis Alonso

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The beautiful ones, 2010 Intervención con collages Fotografía: Luis Alonso

las construcciones inherentes a lo social, lo pagano y lo religioso, representando, cada una de ellas, el poder político, el poder de la naturaleza y el poder de la fe. Ataviadas con vestimentas que se asocian a indumentarias religiosas, estas mujeres con rostros impávidos, apacibles, ajenos completamente no solo al entorno sino también a sí mismas, levantan sus ropajes para dejar al descubierto sus cuerpos desnudos. Pero en esta exhibición voluntaria de la intimidad no hay humillación. Aunque pueda considerarse un acto de ofrecimiento o un sacrificio de autoinmolación, hay, por el contrario, afirmación, confirmación y gloria. Constituye un acto de poder. Un poder primigenio, primitivo, incuestionable, que se despliega, sin requerir exigencia ni esfuerzo. Un poder que nos

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remite, de algún modo, a la fuerza de la ‘revelación’ en la historia bíblica, según la cual es desde la zarza ardiente que se consume sin quemarse, que Dios revela su nombre a Moisés. Estas mujeres se ‘revelan’ ante nosotros como la zarza a la que refiere Burgos en el título de este trabajo. El eje central de estas imágenes es, entonces, la furia con la que cada una de estas figuras arroja el poder que se desata a partir del mostrar su sexo, que parece imprimirse más en ese fondo estruendoso que en sus propios rostros. Patrica Bentancur


Evita, 2010 Collage FotografĂ­a: Luis Alonso

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QUADRATURA Daniel Canogar Noviembre 2013 - marzo 2014

En las obras que componen Quadratura, y en muchas otras de Daniel Canogar, se pone de manifiesto la atención prestada por el artista a los desperdicios, a todo ese mundo excremental propio de la sociedad de consumo, como si su obra fuese una respuesta casi piadosa ante los objetos que son víctimas del “use y tire”. Él ha comentado en charlas informales que ante un monitor obsoleto de computadora abandonado en la vereda siente ganas de consolarlo, como a un viejo amigo. Sobre ese sentimiento se construye el llamado de atención que subyace en sus obras acerca de la falta de conciencia que demostramos, fundamentalmente en los entornos urbanos, en el manejo de lo que ya no nos es útil en su formato original y lo desechamos. En realidad, además de los objetos, lamentablemente también ocurre algo similar con las personas, porque los mismos entornos consumistas suelen sobrevalorar la juventud frente a la experiencia de vida. El otro componente esencial en la obra de Canogar es la luz. En todas las instalaciones montadas en el EAC ésta proviene de proyectores, pero más allá de ese dato técnico, la luz es en este caso una verdadera herramienta de escritura. Es la que da vida a las viejas cintas de VHS, o hace latir cables inertes. Reescribe, traza, mueve: la luz es materia prima. En el texto que sigue —proporcionado por el estudio del artista— se desarrollan otros aspectos de su trabajo, pero quisimos destacar los que a nuestro juicio son esenciales para valorar sus obras. Para el EAC ha sido un enorme gusto exhibir esta exposición y hacer posible la presencia del artista por primera vez en nuestro país. Fernando Sicco

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Fotografía: David Matellanes

Madrid, España, 1964 daniel@danielcanogar.com www.danielcanogar.com

Quadratura es un ‘’homenaje al cine’’. Es una exposición formada por cinco instalaciones —Sikka Magnum, Frequency, Flicker, Scanner y Tracks— que intentan dar una dimensión tridimensional a la imagen tecnológica. Se utilizan celuloide de 35 mm, banda magnética de VHS y pantallas de televisiones analógicas o DVD, como medios asociados a la historia cinematográfica, para que el artista reinvente el cine como escultura. El título de la exposición alude al recurso pictórico renacentista de crear efectos tridimensionales sobre superficies planas pintadas. Al proyectar video sobre diversos medios tecnológicos —muchos de ellos obsoletos o en vías de extinción— estos parecen mágicamente moverse y cobrar vida. Se exploran de esta forma las


Flicker, 2012 Video proyecci贸n e instalaci贸n

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Scanner, 2009 Instalación y video proyecciones, detalle Fotografía: gentileza del artista

propiedades fantasmagóricas del cine y de la imagen, cuyos destellos y parpadeos imitan el pulso de la vida a pesar de ser inertes. Como arqueólogo de las nuevas tecnologías, Canogar revive los medios obsoletos revelando sus contenidos secretos, e invita al espectador a procesar de forma personal el vértigo inherente que conllevan los veloces cambios tecnológicos que testimonia en su vida. La exposición también relaciona la caducidad de las tecnologías con nuestra propia mortalidad como seres humanos.

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A través de esta exposición, el artista pretende liberar las memorias personales y colectivas que hay encerradas en estas tecnologías que nos han acompañado en un pasado no tan remoto. La acelerada obsolescencia tecnológica condena estas memorias al olvido, a pesar de que sin ellas dejamos de ser quienes somos. De la fotografía al video, del VHS al DVD, del cine a las películas de alquiler o al streaming de video en línea, el rápido desarrollo tecnológico del medio cinematográfico es la inspiración fundamental para el artista español Daniel Canogar.


Sikka Magnum, 2013 Instalaci贸n y video proyecci贸n, detalle

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Daniel Canogar. Frequency, 2012 “Quadratura”. EAC, 2013-2014 Instalación y video proyección, detalle Fotografía: gentileza del artista

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EAC Series. English version

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Srta. Zue + Bruster Special. WOW! Imagen Real, 2011 EAC, 2011 Impresi贸n lenticular

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THE BECOMING AND THE LIBRARY One of the objectives of the EAC series is to serve as a source for documents; for the construction of active memory. In this logbook, the entries of what happens at the EAC are, however, not linear. We construct a dynamic editorial policy according to clear general criteria. The reviews of exhibitions and artists have been arranged, like the possible discursive production surrounding their works, according to different criteria. This fourth volume is no exception and has a particular history. It started as a project which would gather together, in addition to the usual reviews, several reflections by guest writers, produced in relation to a series of central questions on the relationship between the production and circulation of works and the delimitation of what we understand to be the field of contemporary art. The publication, planned for the second semester of 2013, had to be postponed for administrative reasons. Meanwhile, the volume of material continued to grow and differences became notable; this justified the separation, through a kind of editorial meiosis, of what was originally one volume into two. A decision which, moreover, allowed us to highlight their differences in order to made them more productive and to materialise the idea, which had already been discussed within our team, of launching a new series, Space for Reflection, dedicated, more specifically, to the analysis and exchange of ideas regarding our practices. The first book of the series, Locals and Visitors, is being edited at the same time as this fourth volume, which, not by chance, gathers materials from exhibitions and artists of the most diverse of origins, who share having staged their work at the EAC. The choice of title for this introduction, The Becoming and The Library – in that order – emphasises the temporal dimension and its disruptions. The central objective continues to be the generation of documents. The best way of organising them depends on rational criteria, as well as on the flow of work and the contextual conditions of institutional development. There is a positive result: we are still surprised about the number of artists who have been through our Space in less than four years. Moreover, the responses to our call to reflect upon practices constitute a constructive contribution to that flow of experiences. If we give way to the becoming, the library will, in hindsight, continue to surprise us. Fernando Sicco


The 20th Province

Anchorages and Territories: Visual Expressions of the 20th Province ‘The 20th Province’ is an expression or name which refers to the ‘territorial anchorage’ of what is also known as the ‘Uruguayan diaspora’. At a time when an uncertain number – some say more than 12% – of people born in Uruguay or descendants of Uruguayans live, work and create art outside their territory – or that of their parents – it seemed appropriate to offer Uruguayan artists in this condition a space in which to show their visual production. This was the original idea, which was enthusiastically accepted by the Ministry of Foreign Affairs and which the National Office of Culture implemented in one of its newest and most successful institutions: the Contemporary Art Space (EAC). The ‘anchoring’ of the 20th Province at an experimentation and exhibition centre for national and international contemporary art, which used to be a prison, constitutes a symbolic fact which is not innocent at all. Here, these Uruguayan artists spread around the world are hosted in a space which erases imprisonment and proposes freedom; a space which promotes the search for identities beyond the constraints of labels or geographic location. Art, or better said, these artists express themselves from their personal experiences and ‘return’ to a ‘place’ in which their family identities redefine them or allow them to represent themselves as part of this other ‘province’ which is added to the 19 others which compose the historical, political and administrative organisation of Uruguay. In this place of freedom and representation, the artists who exhibit their work today show that creation has a peculiar relationship with this historical moment of the country. Location and territoriality coexist with dislocation and deterritorialisation. This is why this first exhibition of artists from the 20th Province of Uruguay opens up a path for dialogue between ‘local’ and ‘differently local’ Uruguayan artists. This dialogue supports the knowledge, the inventory, the reunion and the incorporation into the history of visual arts that which the ‘differently local’ Uruguayan artists have to offer here and now in the original, or, at least, ‘ancestral’ land.

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In 2012, the Ministries of Education and Culture (MEC) and Foreign Affairs began a series of conversations in order to call upon Uruguayan artists residing abroad. The agreement signed by these ministries allowed the Contemporary Art Space (EAC) to call upon national artists residing abroad to present their work in the exhibition entitled ‘The 20th Province’. This exhibition gave visibility to the work of these artists, making it possible for this artistic production to become known in Uruguay. The signing of this agreement represents the joint efforts made by both ministries to strengthen links with Uruguayans residing abroad. Fundamentally, it fulfils the aim established by the Department of Relations within the Ministry of Foreign Affairs, which involves the strengthening, through art, of relations with Uruguayans who live in ‘The 20th Province’. Mercedes Rodríguez Di Leoni Department of Relations, Ministry of Foreign Affairs

This exhibition bridges the gap between the diaspora and the sense of belonging, aiming to connect, artistically, the twentieth – and virtual – Uruguayan province with the country’s cultural map. In all of the artists selected for this first experience, there is a clear desire to exhibit in Uruguay, to re-establish contact. Beyond the evident differences between the five participants of the exhibition — whose works range from digital interactivity to textile, with drawing, painting, objects and performance in between — there is a common thread which, rather than being thematic, is emotional. For almost all of them, this is the first opportunity to exhibit here; their (other) country, their place of origin. This initiative, which originated at the National Office of Culture of the MEC and reinforced a line of work already present at the EAC since its opening, converged with the interest of the Ministry of Foreign Affairs to strengthen the links with ‘The 20th Province’ through culture. Therefore, both ministries reached an agreement which allowed the coproduction of this event and made the presence of the artists in our country possible, something which we hope to be able to repeat in the future.

Hugo Achugar

Fernando Sicco

National Director of Culture

Director of the EAC


Connectors Adriana Katz Pavlotzky In the project Connectors, the idea is that each piece works alone, as an individual unit, but that, at the same time, each of them communicates with the rest, generating continuity beyond the piece in itself. The starting point of this concept is that all our experiences are related to one another and that each of them affects the other. They have no beginning or end; rather, they are part of one – or several – chains, routes, paths and passages which form our main experience called life. The threads which form the canvas represent these chains that come and go, that move up and down, that live. The thread’s path starts before the frame and continues after it; and, at the same time, the thread connects with the other pieces, creating continuity and union. The geometric images represent significant experiences in our lives and the threads are the arms which link them all. In conclusion, this project represents the different experiences which we accumulate and the ways in which they relate to one another creating the profile of the individual. ___ Lately, I have been wondering, as an artist residing abroad, what my works would have been like if I had not changed my place of residence. The obvious answer is that the material would have been different, lived from another perspective, from another country, from other experiences. But even if the path were different, I believe that the ‘end’ or the destination would have been practically the same. Each of us is an artist – with more or less inspiration, more or less time to devote or more or less of a need to create – no matter where we live. To this, we should add the feelings of being uprooted, which are generated abroad, and the need for belonging and identity. This would be reflected (or not) in the piece, together with the emotional baggage of each particular artist. In each artist, there is a style which appears, little by little, through the knowledge gained and the experiences lived over time. Inspiration might appear in a more external (environment) or internal (emotions) way, or a blend of both. Nowadays, we have access to works of art by artists from all around the world, thanks to the internet. This is why I do not believe that the concept of what an artist is is related to the place where s/he resides. Nowadays, one can live abroad but continue to be from the place where one was born and become inspired by those roots.

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And vice versa; the artist who remains in the place of origin can choose to be inspired by works and artists from abroad. Borders have weakened. They are no more than a mere geographical concept. One is from where one wants to be, no matter where one lives. This is why I believe that an artist can contribute internationality, with an expansion of knowledge, when coming into contact with different ways of life. S/he can contribute the ability to adapt, which involves accepting another lifestyle and another pace without rejecting the development or continuity of his/her origins. Katz Pavlotzky. Montevideo, 1977. Place of Residence: Spain cucakatz@gmail.com, www.adrianakatz.net

One-Way Cecilia de Souza I was born with an inherited nostalgia. I grew up knowing that I was not entirely at home… ‘You cried all the way here’, I was told, and I felt the pride of resistance. I grew up with that, holding on to that, and wondering: why is it that, if we already had a sea, I was brought to this stone desert? Along with words, as is always the case, certainties began to take shape: it is better there, it is, indeed, mine there, there is a father somewhere there, I wouldn’t be so odd there, they wouldn’t always be a bit sad there, we wouldn’t be unnecessary there; here, it’s a mistake, they cannot fix it and I must be able to, one day… I spent my childhood drawing, between Alice and The Wizard of Oz and waiting for a signal, a door, a rescue… The family is the narration, the memoir; it is what gives names, what provides the ink for continuing to write a story. I was a foreigner because my family was. Our narration did not contribute to the collective narration. The outside confirmed these certainties in an oblique way; I realised that, in the other adults, there was a kind of need to pretend: ‘You are almost Argentinean’, I was told with a prompt smile. I tried to sound as Uruguayan as possible; I avoided calling trainers zapatillas but, rather, championes, like Uruguayans do, and I called sweet potatoes boniatos and left the greengrocer trying to figure it out... However, when we would go to Uruguay on holidays, I could not avoid feeling – no matter how much I tried – a bit too porteña; almost tempted to apologise. I was afraid that my foreignness were more present in me than in my mother or my grandparents; a kind of


Gabriela Messina. De la serie Maestros “Grata con otros en Montevideo”. EAC, 2012-2013 Fotografía

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MINISTERIO DE EDUCACIÓN Y CULTURA

ESPACIO DE ARTE CONTEMPORÁNEO

COLECCIÓN EAC, VOLUMEN IV

Ministro de Educación y Cultura Ricardo Ehrlich

Director Fernando Sicco

Compilación Fernando sicco

Subsecretario de Educación y Cultura Oscar Gómez

Coordinación general Ma. Eugenia Vidal

Gestión de contenidos Guillermo Sierra Elena Téliz

Director General de Secretaría Pablo Álvarez

Asistencia de dirección Mayra Jaimes Claudia Müller

Director Nacional de Cultura Hugo Achugar Director de Proyectos Culturales Alejandro Gortázar

Comunicación audiovisual y gestión de contenidos Elena Téliz Diseño gráfico y web Federico Calzada

© 2014 Espacio de Arte Contemporáneo Arenal Grande 1930 CP 11800 Montevideo, Uruguay +598 2929 2066 info@eac.gub.uy www.eac.gub.uy

Multimedia, registro y archivo Guillermo Sierra Gestión de públicos Valeria Cabrera Gestión de sala Clara Raimondi

ISBN: 978-9974-36-248-2 Equipo de sala Juan Pablo Campistrous Bruno Grisi Vera Navrátil Asesor en conservación Vladimir Muhvich

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Corrección Nairí Aharonián Traducción Beatriz Tadeo con la colaboración de Erin Carrie Diseño editorial Federico Calzada Fotografías y postproducción Guillermo Sierra Impresión Imprimex Imagen de portada

Juan Burgos. Gaia, 2010 "Las Zarzas". EAC, 2011 Collage Fotografía: Luis Alonso Cortesía del Artista


Juan Burgos. Santa Rosa de Lima, 2010 “Las Zarzas”. EAC, 2011 Collage Fotografía: Luis Alonso

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Alvaro Zunini. Flotando en las termas, 2012 “Entretejido”. EAC 2012 Óleo sobre tela. Detalle

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Martín Sastre. Fiebre Forever, 2007 “Tremendo. Las aventuras de Martín Sastre”. EAC, 2012 Fotograma de video

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Paula Rial. Jard铆n encantado, 2012 EAC, 2012 Instalaci贸n

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Hugo Aveta. Ante el tiempo, 2012 “Agonía”. EAC, 2013 Fotogramas de video

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Marcos Cabrera. El incendio de la torre, 2012 EAC, 2012 Intervenci贸n

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Margaret Whyte. Lo que queda, 2012 EAC, 2012 Instalaci贸n

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Espacio de Arte Contemporáneo - Publicación 04  

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